Conception de explications et animations dans Adobe After Effects à partir de zéro animé

1. Introduction du cours: Voici comment créer votre premier projet de motion design professionnel dans After Effects sans plusieurs années d'essais et d' erreurs et sans didacticiel Doom Scrolling La plupart des débutants supposent que l'animation au niveau du client sera aussi simple que de suivre un didacticiel. Il ne s'agit pas de didacticiels, d'outils d'apprentissage, ni d'une réflexion professionnelle Je l'ai appris à mes dépens. J'ai décroché le clip. En ligne dix jours. J'avais des compétences en After Effects, mais pas de système, pas de processus, juste des tutoriels. J'ai accouché en 17 jours, retard, épuisée et embarrassée. Je connaissais les bases, mais au moment de créer par moi-même, mon esprit est devenu complètement vide. Je suis donc revenu aux fondamentaux. J'ai étudié comment les vrais motion designers planifient, structurent et exécutent des projets avant même de les animer. C'est ainsi que j'ai créé le plan de production d'animation, un système en 11 étapes qui montre ce qu'il faut faire à chaque étape, pourquoi chaque décision est prise et comment réaliser un projet de motion design complet sans aucune conjecture À la fin de ce cours, vous serez en mesure de développer des concepts solides et une histoire claire. Vous serez en mesure de planifier et d'exécuter des projets complets de motion design. Vous serez capable de penser comme un professionnel, même si vous êtes un débutant complet. Maintenant, ce cours ne vous enseigne pas de didacticiels. Il vous apprend à penser et à prendre des décisions à l'intérieur et à l' extérieur d'After Effects. Ce plan vous permet de créer des vidéos explicatives, du contenu pour les réseaux sociaux, des courts métrages, des films d'animation, animations pédagogiques et des travaux pour les clients Maintenant, ce plan est fait pour vous si vous connaissez les bases d' After Effects, mais que vous avez du mal à terminer le projet didacticiels ne vous ont pas aidé à créer des œuvres d' apparence professionnelle. Vous voulez un système clair, pas un pourboire aléatoire. Vous vous retrouvez face à une chronologie vide et vous ne savez pas quoi faire en premier. Vous souhaitez réaliser un véritable projet de motion design raffiné. Vous voulez avoir la confiance nécessaire pour démarrer et terminer des projets par vous-même. 2. Choisissez votre montagne: Ly, il y avait cette vidéo d'un pingouin, non ? C'est devenu viral et c'est une belle histoire. Donc, un pingouin vit normalement dans une aire où tout est en sécurité, comme s'il recevait suffisamment de nourriture et vivait avec d'autres pingouins Mais ce pingouin se dirige vers cette montagne, située à près de 70 kilomètres de l'endroit où il est abattu Et cette imagerie, je ne sais pas pourquoi, mais elle inspire vraiment Internet, et elle m'inspire aussi. OK ? J'ai donc une suggestion pour toi laquelle tu dois choisir ta montagne, d'accord ? Par exemple, pour moi, la montagne produit actuellement ce parcours le plus rapidement possible. montagne pour vous pourrait être simplement de rester constant ou la montagne , car vous pourriez apprendre les effets secondaires le plus rapidement possible afin pouvoir faire ou gagner de l'argent en faisant ce que vous aimez. La montagne, pour certaines personnes, c'est peut-être rester en bonne santé. Pour certaines personnes, la montagne pourrait être aller à la gym. Pour certaines personnes, la montagne peut être n'importe quoi. Quelle que soit votre montagne. Choisissez-le dès maintenant. Par exemple, il peut s'agir de terminer ce cours, produire votre première vidéo explicative ou votre première vidéo d'animation, ou vous devez trouver un client, ce qui n'est pas facile Et quoi qu'il en soit, tu ne t' arrêtes pas avant d'avoir atteint le sommet de la montagne, d'accord ? C'est ce que ce petit pingouin nous incite à faire, c'est de nous diriger vers la montagne, même si personne n'est avec nous ou même si nous risquons périr en chemin et que nous pouvons penser que c'est tout OK ? Donc, si ce petit pingouin peut partir en montagne, eh bien, je suis sûr que vous pouvez faire une foutue vidéo. OK. Assurez-vous donc de rester fidèle à vos tripes, suivre votre bonheur, poursuivre et de vous diriger vers votre montagne 3. Projet de cours : briefs clients: Projet de classe, je vous ai donné six dossiers de clients fictifs Elles sont conçues pour ressembler au travail d'un client dans le monde réel, et ce ne sont pas des idées de pratique aléatoires. D'accord ? Vous pouvez donc choisir n'importe quel brief et suivre l'ensemble du processus. D'accord ? Je dois donc vous dire quelque chose de vraiment important. Je ne vais donc pas vous montrer l'animation comme nous faisons habituellement dans le cadre d'un tutoriel, accord, et je vous demanderai de suivre. Je ne vais pas faire ça pour ce cours. OK. Au lieu de cela, je vais décomposer le projet étape par étape, exactement de la façon dont le professionnel pense et travaille, afin de pouvoir l'expliquer plus en détail. D'accord ? Je vais donc vous montrer comment les décisions sont prises, pourquoi une certaine approche est choisie et comment les problèmes sont résolus pendant l'animation. D'accord ? Donc, si j'adopte cette ancienne approche qui consistait à enseigner un cours comme un tutoriel, par exemple en vous expliquant ce que je fais à l'écran, je pourrais oublier d'inclure pourrait penser un professionnel, d'accord ? Et c'est pourquoi j'ai pris ceci 4. Plan de production d'animation: Plan de production d'animation. Maintenant, laissez-moi vous expliquer rapidement les dix ou onze étapes de la production. Il y a d'abord la pré-production, puis la production et enfin la post-production. Bien que le montage se fasse parfois en post-production, mais comme nous ne le faisons pas autant que l'éditeur, ce qui concerne l'animation, je m'en tiens à la production au lieu de la post-production, c' est par la post-production que nous commençons. OK ? Donc, tout d'abord, nous comprenons le brief du client. Une fois le brief du client compris, nous passons à la deuxième étape, celle de la conceptualisation Ici, nous créons des concepts à partir de zéro. Nous passons ensuite à la troisième étape, qui est la visualisation. Dans les visualisations, nous essayons donc de visualiser l'apparence du produit final Nous choisissons donc essentiellement les couleurs, nous voyons à quoi ressembleront les choses, ce que vous ressentirez. OK. Nous passons ensuite à la quatrième étape, celle de l'exploration. Ainsi, dans le cadre de l'exploration, nous explorons essentiellement les références et les inspirations dont nous avons besoin pour notre projet, puis nous passons à la cinquième étape La cinquième étape est donc différente. C'est une stratégie, d'accord ? Les stratégies sont donc vraiment cruciales. Ici, nous élaborons essentiellement des stratégies qui nous aideront à terminer le projet à temps. OK ? Cela semble long et effrayant, mais ne vous inquiétez pas, le cours n'est pas si long. OK. Ensuite, une fois cela fait, la pré-production est terminée. Et nous n'avons pas besoin de l'approbation du client, tout ce qui a un AA aura besoin d'une approbation, d'accord ? Donc, une fois cela fait, nous passons à sc story et voiceoff OK ? Dans cette étape, nous écrivons le script ou nous écrivons l'histoire. Nous utilisons la structure en trois X ou les structures qui seront données dans le cours et nous enregistrons la voix off, Donc, si vous réalisez une vidéo explicative, vous aurez besoin d'un script, d'accord ? Ensuite, le script est approuvé, puis vous passez à la voix off Si vous ne créez pas de vidéo explicative, il s'agit simplement d'une vidéo basée sur une histoire Vous n'aurez besoin que d'une histoire, puis vous pourrez obtenir une approbation et passer à l'étape suivante, d'accord ? Donc, chaque A ici signifie que vous avez besoin d'une approbation. OK. Ensuite, nous passons au storyboard et au cadre de style. Dans le storyboard et le cadre de style, nous allons créer le storyboard et le cadre de style. Les storyboards sont des images approximatives de ce qui va se passer. OK. Il s'agit essentiellement d'un dessin de ce qui va se passer. Le cadre de style est essentiellement une capture d'écran de votre vidéo finale, mais nous la créons avant de créer la vidéo elle-même. Ensuite, lors de la création d'actifs, nous créerons des actifs pour notre animation. Cette étape est vraiment cruciale, mais vous n'aurez pas besoin d' approbation ici. Au fait, j'ai oublié de mentionner que dans le storyboard et le cadre de style, vous devez obtenir l'approbation de votre client car si vous n'obtenez pas d'approbation, vous aurez des problèmes ici, d'accord ? Assurez-vous donc d'obtenir l'approbation de votre client, et une fois cela fait, vous pourrez commencer à créer les actifs finaux de l'animation. Édition. OK, donc en animation et en montage, eh bien, c'est évident. OK, ici on anime et on édite. Ensuite, il y a le sound design et la musique. Nous choisissons les effets sonores et quels que soient nos besoins, nous avons besoin de musique, car la musique et le design sonore sont vraiment cruciaux. Dans ce cours, je vais également vous montrer comment choisir de la bonne musique et ce qu'il faut faire pour y remédier. C'est vraiment simple. OK. Ensuite, la dernière étape consiste à livrer, et si nos clients souhaitent une révision, nous fournissons une révision. Il s'agit du plan de base de ce cours. OK ? Donc, si vous voulez créer une animation, d' accord, c'est celle-ci, vous en aurez besoin. La plupart des gens se concentrent tellement là-dessus qu'ils se concentrent tellement là-dessus en oublient les parties, n'est-ce pas ? Je ne sais pas comment procéder à la pré-production. C'est pourquoi ils créent ces mauvais concepts, et ces mauvais concepts finissent par créer non seulement une mauvaise animation, mais ils n' auront aucun impact sur votre public, d'accord ? Mais nous étudions en profondeur notre concept, en visualisant les choses et en les explorant Ce plan peut être utilisé pour le cinéma. Il peut être utilisé pour le montage vidéo. Il peut être utilisé pour presque tout ce qui concerne les vidéos. OK ? Voilà pour le plan de production d'animation Je vous verrai lors de la prochaine conférence. 5. Étape 1 : analyse du dossier du client: Alors voyons comment analyser le brief du client, d'accord ? Donc, la première chose que j'avais habitude de faire était passer en revue l' intégralité du brief client. Il s'agit d'un logo. Voici les références visuelles qu'ils ont envoyées. D'accord ? Donc, une fois que j' aurai lu le dossier dans son intégralité, je soulignerai la partie la plus importante. Par exemple, message clé est que la pollution nuit à la vie marine, mais avec soin et action, l'océan peut guérir, d'accord ? C'est donc le message clé qu'ils veulent partager, d'accord ? Cela va donc être vraiment crucial lorsque nous écrivons des histoires et que nous concevons nos visuels, d'accord Dans ce cas, le public jouera également un rôle vraiment crucial. C'est pour le grand public âgé de 10 à 30 ans , la famille, les étudiants et le public écologique, d'accord ? Des gens qui préfèrent raconter des histoires gentilles et amicales plutôt qu' activisme agressif, Vous devez donc également garder cela à l'esprit. Parce que c'est ce que veulent les clients, d'accord ? Alors ces clients sont vraiment gentils car ils nous ont également donné du ton et du style. D'accord ? Donc, ici, ils veulent des amicaux, accessibles, émouvants, mais pas lourds, visuels doux, amicaux, accessibles, émouvants, mais pas lourds, propres et illustratifs, une fin chaleureuse et pleine d'espoir, un texte minimal, des visuels forts, Donc les points, tous ces points sont vraiment, vraiment cruciaux. Je vais donc les écrire ou les taper dans autre document afin de me souvenir de chaque fois que nous créons des concepts ou quoi que ce soit d'autre, n'est-ce pas ? Alors c'est vraiment crucial aussi, d'accord ? Parce qu'ici, on vous donnera le temps, d'accord ? Le timing dans l'animation est donc vraiment crucial, car lorsque vous apprenez grâce à un didacticiel, ils ne se soucient pas vraiment du timing, n'est-ce pas ? Parce qu'ils se concentrent uniquement sur l'enseignement de la manière d'y parvenir ou d'obtenir le bon effet. Mais s'il y a ce créneau temporel, vous devez tout montrer en 20 à 25 secondes. Comment comptes-tu le montrer ? Alors ceci ou comment allez-vous le montrer en 20 à 25 secondes ? Quand on y pense, c'est vraiment difficile. C'est comme raconter une histoire complète en 25 secondes, et ce n'est pas facile, n'est-ce pas, parce qu'il faut leur montrer les effets de la pollution, faut leur montrer les problèmes liés à l'escalade Vous devez montrer une opération de sauvetage. Vous devez les montrer ou les transférer avant, après l'État, d'accord ? Et la façon dont vous choisissez de le montrer dépend entièrement de vous. Vous pouvez interpréter les étapes de manière créative, symbolique ou littérale, n'est-ce pas ? Et ils nous ont également imposé ces contraintes créatives. Cela doit donc inclure une baleine, montrer des signes de pollution pour nettoyer, et cela doit se terminer par une sensation positive, sans aucun mouvement réaliste ou par des images inquiétantes. D'accord ? Voici donc le nom de la marque, qui est, eh bien, généré par l'IA et faux. Ne t'inquiète pas pour ça. OK, c'est donc un paradis bleu 6. Étape 2 : Conceptualisation: La première étape de tout processus de création est la conceptualisation. Cela se produit juste une fois que vous êtes en panne et que vous avez compris le brief. Une fois que le brief est clair, vous créez le concept à partir de zéro. À ce stade, le concept n'a pas besoin d'être parfait. Il suffit de vous donner une orientation claire, une idée approximative de ce que pourraient être les visuels Une règle essentielle dont vous devez vous souvenir est que les concepts doivent provenir d' histoires, pas seulement de visuels. En tant que motion designers, nous nous concentrons souvent trop sur les visuels et nous oublions notre véritable travail Eh bien, notre vrai travail consiste à faire ressentir quelque chose aux gens si votre animation ne crée pas d'émotion, peu importe sa beauté. Le but n'est pas d' impressionner les autres animateurs. Il s'agit de communiquer avec le grand public et d'inspirer le changement. Un concept faible équivaut à une histoire faible, et aucune amélioration visuelle ne peut y remédier. Pour créer des concepts forts, j'utilise un système en quatre étapes. Vous devez d'abord vous poser les bonnes questions. Ensuite, vous extrayez des mots clés, vous entendez, créez des histoires approximatives, et quatrièmement, vous créez une esquisse à partir de vos idées. OK ? La première étape consiste donc à poser les bonnes questions. La plus grande différence entre les débutants et les professionnels réside dans leur façon de penser. Poser les bonnes questions oriente instantanément votre réflexion vers un état d'esprit professionnel. Voici donc les questions. Tout d'abord, que veut le client et quel est mon rôle ? Maintenant, c'est pour vous, pas pour le client. OK ? Donc, les erreurs sont acceptables. Dans ce cas, le client souhaite une courte animation émotionnelle sur la pollution des océans, une histoire claire avant et après, un ton familial plein d'espoir, des visuels clairs et doux, et une vidéo utilisable sur toutes les plateformes Maintenant, votre rôle est d'en faire une histoire claire, design clair et une animation idéalement sans dialogues ni voix off. Deuxièmement, quel est le concept inspiré par les idées déjà existantes ? Maintenant, certaines idées immédiates mettent en scène un personnage central, comme une baleine montre les effets de la pollution et qui sauvent un fort sentiment de transformation chez le personnage. L'une des idées est qu'une baleine souffre de la pollution et qu'elle est ensuite secourue, une autre est que la mère et le bébé sont séparés et réunis à la fin, mais cela peut être trop complexe pour un débutant et le délai de sept jours est donc simple La troisième question est la suivante : quel est le message et l'émotion essentiels ? Le message serait défini sur une ligne claire. Ainsi, par exemple, la pollution nuit à la vie marine, mais avec soin et action, l'océan peut se guérir de lui-même. Et émotionnellement, le public doit ressentir de l'inquiétude, l'empathie, de la tristesse, du soulagement, de l'espoir. Maintenant, ces émotions sont écrites grossièrement, d'accord ? Maintenant, j'ai écrit ces émotions en gardant l'esprit le concept que nous avons défini dans la dernière question, d'accord ? Donc, si vous ne pouvez pas ressentir les émotions, c'est très bien. Mais vous devez vous rappeler que ces émotions guident la couleur, le rythme et la composition Donc, si vous ne pouvez pas définir ces émotions pour chaque scène, parce que nous n'avons pas encore défini les scènes, mais je le peux depuis que je suis debout, je travaille dans ce domaine depuis sept ans. Et donc, si vous ne pouvez pas tout à fait bien. Vous pouvez commencer par deux ou trois émotions que vous jugez justes. OK ? Quatrièmement, quelle est la métaphore visuelle la plus simple pour ce projet ? Maintenant, la solution la plus claire est avant et après. Ainsi, par exemple, avant la pollution, l'obscurité, bourdonnement, après le sauvetage, la clarté et la guérison C'est vraiment simple, c'est lisible et c'est efficace. Une fois que vous avez défini tout cela, nous passons à la deuxième étape, qui consiste à extraire les mots clés. mots clés vous aident donc à visualiser design et l'animation finale. Ces mots clés sont donc extraits des brèves questions auxquelles on a déjà répondu, d'accord ? Par exemple, les baleines avant et après, la pollution, la guérison, le plastique propre des océans, l'obscurité, le sauvetage, etc. OK ? Ils seront donc notre guide pour dessiner et raconter des histoires La troisième étape consiste à élaborer une histoire approximative. OK, c'est très simple. Première histoire une baleine piégée dans la pollution souffre. Et en gros, dans les versions ultérieures, le client sauve et nettoie l'océan et la baleine Ensuite, j'ai créé une autre histoire. C'est donc émouvant mais complexe. OK ? Une mère et un bébé baleine sont donc séparés à cause de la pollution et ils s'unissent finalement grâce à l'équipe de secours. Et pour les débutants et les délais serrés, Story One fonctionne le mieux, d'accord ? Ensuite, nous passons à la dernière partie, qui est la quatrième étape, et c'est l'esquisse, d'accord ? Donc, utilisez des mots clés pour esquisser des idées, d'accord ? Ils n'ont pas besoin d'être beaux. C'est juste clair. Cette étape vise à la clarté et non au perfectionnisme. OK ? Et si le dessin n'est pas votre point fort, vous pouvez utiliser des références. Nous allons aborder les références dans les chapitres suivants, ou vous pouvez utiliser l'IA pour cela, en particulier pour les courts titres Je pense que vous devriez vous fier à l'IA L'IA est vraiment utile, non ? Mais ici, le but n'est pas le perfectionnisme. C'est grâce à la clarté et à cette dynamique que nous pourrons exécuter notre projet d'une manière utile et dans les délais impartis. 7. Étape 3 : visualisation: Visualisation, nous imaginons l'apparence de l'animation finale. C'est ici que nous explorons des idées approximatives qui guideront ultérieurement la rédaction et l'exécution des scripts Bien que les gens parlent souvent d'apparence et de sensation, nous les définirons dans l'ordre inverse. D'abord, le ressenti, puis le look. La première partie, c'est le ressenti. C'est l'émotion que vous voulez faire ressentir au public. La question clé à se poser est quelle émotion je veux que le public ressente à la fin. Une fois que vous avez répondu à cette question, votre orientation émotionnelle devient claire. Pour ce projet, je veux que le public se sente plein d'espoir, doux, amical, doux et chaleureux. Maintenant, une fois que le sentiment est clair, nous le traduisons en look. OK ? Demandez-vous donc quelles couleurs , formes, éléments et textures transmettent ces émotions. Parce que nos émotions sont chaleureuses et pleines d'espoir, définir le look devient beaucoup plus facile. Vous pouvez même coller votre liste d'émotions dans ChagPd ou Gemini et demander quelle couleur, quelles formes, quels éléments texture représentent ces émotions et ces sentiments En ce qui concerne la couleur, vous obtiendrez généralement couleurs chaudes comme le jaune ou l'orange, qui deviennent notre couleur principale pour le projet. Désormais, une fois la couleur choisie, elle reste cohérente tout au long du projet. Par exemple, si le e est orange, il reste orange tout au long du projet. Seule la luminosité ou l'obscurité peuvent changer en fonction de l'humeur. Je n'entrerai pas dans les détails de la théorie des couleurs ici. Parce que nous avons déjà un cours complet qui y est consacré. Le fait est tout simplement que vous avez besoin d'une palette de couleurs. Pour créer une palette de couleurs, vous devez d'abord choisir le sentiment plein d'espoir, doux, amical, doux et chaleureux. Ensuite, vous pouvez demander à Gemini ou à Cha GPT quelles couleurs correspondent Et prenez la couleur primaire suggérée et rendez-vous n'importe quel site d'harmonie des couleurs, comme adoptez Cooler et utilisez la roue chromatique et les différentes harmonies autour de la couleur primaire pour créer votre palette Encore une fois, la couleur est un sujet profond, nous allons donc rester simples ici. Les formes sont alors également porteuses d'émotions. Comme l'émotion principale ici est l'espoir, nous utilisons des formes arrondies. Cela était déjà établi dans le croquis, n'est donc pas nécessaire d'y réfléchir trop Une autre chose que vous devez ajouter ici concerne vos préférences personnelles. Il s'agit de votre projet. Vos préférences sont donc importantes. Pour moi, cela inclut des couleurs comme le jaune et le bleu. Ce sont ma texture de bruit de couleur préférée , les ombres colorées, un demi-ton, qui est mon préféré, et je l'inclus dans chaque projet possible, d'accord ? Même si ces choix ne sont pas parfaitement logiques, ils reflètent qui je suis. Et c'est important pour moi. Et je veux que tu te souviennes de la même chose. Votre style compte, vous comptez, d'accord ? Maintenant, nous avons conservé intensément les références pour la dernière fois. Les références viennent plus tard. Ce n'est pas forcé. La plupart des gens commencent par des références, et c'est là qu'ils se trompent. Si vous vous fiez aux références trop tôt, vous finirez par copier au lieu de créer. Lorsque vous connaîtrez clairement les émotions, les couleurs, les formes, les textures, vous saurez exactement quelles références accepter et lesquelles rejeter. Restez fidèle à vous-même, même si cela signifie rejeter les styles qui ont l'air cool mais qui ne correspondent pas à qui vous êtes Enfin, nous définissons les éléments. Dans ce projet, nous avons déjà la baleine, bouteille et la vague. Nous pouvons également ajouter le soleil, planches, les déchets ou les bateaux. Les éléments proviennent d' une simple question : quels objets se rapportent au projet et au sujet ? OK ? Listez-les, et c'est tout. La visualisation consiste donc à définir clairement les émotions, les couleurs, les formes, les textures et les éléments. En gros, nous visualisons à quoi pourrait ressembler notre projet final ou notre vidéo finale Une fois que tout est clair, tout le reste devient plus facile. 8. Étape 4 : exploration: L'étape est l'exploration. Lors de l'exploration, nous chercherons l'inspiration en fonction de nos besoins. Une fois que nous l'avons trouvé, nous l'utilisons pour créer une stratégie qui nous aide à terminer le projet à temps. Voici les références que j'ai recueillies. Maintenant, les références sont importantes, mais il faut faire attention à ne pas s'y perdre car c'est vraiment intéressant de regarder les références et faire défiler au lieu de travailler sur votre projet. OK ? La plupart des gens passent trop de temps à recueillir des références et, en fin de compte, leur travail commence à ressembler exactement à ce qu'ils collectent. Nous n'utilisons pas de références pour copier, nous les utilisons pour nous inspirer. Si vous vous contentez de recréer des références, vous induisez les clients en erreur, mais vous vous trompez également vous-même, et c'est quelque chose que vous devriez éviter recherche de références n'a pas besoin d'être approfondie ou compliquée. C'est pourquoi cette partie est extrêmement courte. La seule règle à retenir est qu' une référence utile doit étayer votre concept. Une approche simple consiste à prendre tout ce que nous avons fait jusqu'à présent, à savoir la conceptualisation et la visualisation du brief client , puis à le coller dans le chat GPT ou Gemini et à lui demander extraire des mots clés utiles pour vos références pour vos références pour Une fois que vous avez des mots clés clairs, il devient facile de trouver les bonnes références. La plus grande erreur que commettent les gens est passer trop de temps sur les références. Ils se perdent puis se débattent lors de l'exécution. Cela se produit parce qu'ils s'appuient trop sur des références et non sur leurs propres capacités ou sur leur propre pensée. Fiez-vous toujours d'abord à votre réflexion et à vos capacités. Les références ne sont que des références. De plus, ne vous attendez pas à trouver des références qui correspondent parfaitement à votre animation finale. Si votre projet comporte plusieurs scènes, cela n'est pas réaliste. Et si vous trouvez les matchs parfaits, eh bien, vous vous en sortirez, et ce n'est pas ce que nous voulons. L'objectif est de créer quelque chose honnête et de vrai pour vous-même. Il n'est pas nécessaire que ce soit complètement original, mais il doit être authentique. Les débutants copient souvent les références, ce qui est compréhensible. Ils n'ont pas les conseils nécessaires. Ils imitent les professionnels pour apprendre, mais maintenant vous avez un moyen Vous n'avez donc pas besoin de le faire. Vous avez un processus de réflexion clair. Vous savez comment penser, comment planifier et comment prendre des décisions. Donc, naturellement, le temps que vous consacrez aux références diminuera, et c'est exactement comme ça 9. Étape 5 : stratégie: L'étape suivante est celle de la stratégie. La plupart des animateurs et de la plupart des cours ne parlent pas de stratégie, mais c'est essentiel La stratégie est donc un plan clair pour terminer le projet à temps sans épuisement professionnel. Sans stratégie, l'une de ces trois choses se produira. Tout d'abord, vous risquez d'être épuisé ou, deuxièmement, le client vous demande des révisions pour lesquelles vous n'étiez pas prêt, et troisièmement, vous n'avez pas respecté la date limite. Eh bien, tous les trois nuisent à votre santé, à votre confiance et à vos revenus. Sans stratégies, le projet semble insurmontable. Vous ne savez pas par où commencer, alors vous vous figez. Avec la stratégie, tout devient clair et gérable. stratégie fait la différence entre terminer un projet et l'abandonner professionnel qui donne des résultats et un débutant qui ne commence jamais. D'accord ? La stratégie est donc cruciale. Définissez d'abord la portée, durée de l'animation, nombre de scènes, ce qui est essentiel et ce qui peut être simplifié. Ici, vous pouvez vous demander quelle sera la durée de l'animation. Combien de scènes y aura-t-il ? Quels moments sont cruciaux et quels sont ceux qui peuvent être simplifiés en mode simplifié. Maintenant, n'oubliez pas que si vous êtes débutant, vous n'avez pas besoin de répondre à chacune d'elles. Maintenant, si vous vous sentez coincé quelque part, vous pouvez simplement passer à autre chose et ignorer cette question. D'accord ? Vous n'avez pas encore besoin de toutes les réponses. Donc, pour ce projet, la vidéo durera de 20 à 25 secondes. Il comportera quatre à cinq scènes, ce qui empêchera le projet de devenir incontrôlable. Numéro deux, décidez de l'approche. Choisissez le style qui correspond à la date limite, d'accord ? Demandez-vous quel style est réellement réalisable dans les délais impartis D'accord ? Ici, l' approche sera donc plate, simple, arrondie, minimale. C'est réaliste et réalisable. Numéro trois, choisissez les outils. Demandez-vous quels outils m'aideront à avancer rapidement et quels outils j'aurai besoin pour ce projet. Ici, je vais avoir besoin d'After Effects, Illustrator, d'AI, pour que l'IA réduise les frictions et accélère les choses. Si vous ne voulez pas entrer dans Illustrator et séparer les choses, vous pouvez utiliser l'IA, d'accord ? Cela facilite vraiment les choses. Numéro quatre, décidez des détails de la scène, d'accord ? Maintenant, c'est une reproduction. Nous sommes en phase de pré-production, pas de perfectionnisme, d'accord ? Alors, souvenez-vous de cela. Les scènes seront donc simples et propres. Suffisamment de détails pour montrer les émotions et le changement. Numéro cinq, choisissez la technique. Demandez-moi quelles techniques d'animation sont réalistes pour mon niveau de compétence. Si vous êtes un débutant complet, cela vous semblera difficile et c'est normal. Une fois que vous aurez regardé votre storyboard, vous comprendrez ce qui doit être animé À partir de là, vous pouvez identifier les compétences et les tutoriels dont vous aurez besoin pour mener à bien le projet. Tu pourras répondre à cette question plus tard. Pour ce projet, j'aurai besoin d'une animation plus nette, d'une animation de position et d' échelle de base et de simples boucles d'ondes , je ne veux pas de vagues normales, je veux des vagues riches, presque comme de l'aquarelle L'animation en elle-même est facile pour moi, mais le plus difficile est de lui donner une belle apparence. Je note donc clairement que je dois apprendre ou faire des recherches sur les looks ondulés à l'aquarelle Numéro six, divisez-le en étapes. Maintenant, on décompose tout. Alors, demandez-vous quelles mesures dois-je prendre pour terminer ce projet dans les délais impartis. D'accord ? Je vais donc d'abord créer des ressources, puis je préparerai des scènes dans After Effects ou Illustrator. Ensuite, je vais d'abord animer les éléments de base. Par exemple, les vagues, le soleil, le mouvement de l'eau. Ces éléments restent cohérents tout au long de l'animation. Donc, si je les anime une fois, je peux les utiliser partout. Seules les couleurs ou les expressions changeront. Je me concentre ensuite sur l'animation de l'histoire principale de la baleine. La bouteille O est particulièrement importante ici. Il sert de contenant à l'ensemble de l'histoire. Ensuite, nous avons des transitions qui peaufinent, qui donnent une belle apparence aux choses, et oui, il est très important de leur donner une belle apparence. D'accord ? Si l'animation est bonne mais ne semble pas bonne, les clients ont l'impression qu'il manque quelque chose. Si l'animation est moyenne, mais qu'elle a l'air incroyable, les clients ne le remarquent souvent pas. Je ne vous demande pas de tromper vos clients. Je vous assure que le vernis visuel est puissant. D'accord ? Et la dernière étape consiste à effectuer le rendu et à le réviser. Maintenant, à partir de cette étape, nous allons créer une chronologie pour notre projet, d'accord ? Une chronologie simple. premier jour sera donc consacré à la pré-production et à la création du décor. Les jours deux à quatre seront consacrés à l'animation. Le cinquième jour sera consacré au peaufinage ou à l'animation finale, sixième jour au rendu et à la révision, et le septième jour à la livraison finale. Aujourd'hui, la préproduction est la base. Si vous l'ignorez, tout s'effondrera. C'est comme les fondations de la maison. Si vous sautez les fondations de la maison tôt ou tard, des briques vous tomberont sur la tête. Ensuite, nous avons le numéro huit, qui consiste à clarifier vos priorités. Posez-vous la question suivante : quelles sont les priorités que je dois prioriser pour terminer à temps ? OK, donc pour terminer à temps, gardez l'histoire simple. Concentrez-vous sur les scènes clés, réutilisez les éléments et les animations autant que possible, terminez d' abord les animations approximatives, évitez le perfectionnisme Les émotions comptent plus que les détails. Donc, si vous vous trompez, assurez-vous que l'émotion et le cœur de la scène sont au bon endroit. Enfin, les animations dont les gens se souviennent ne sont pas les plus complexes, d'accord ? Ce sont eux qui leur ont fait ressentir quelque chose. Si votre public ressent quelque chose, il s'en souviendra même si ce n'est pas parfait. Mais pour y parvenir, vous avez besoin d'une stratégie. D'accord ? 10. Étape 6 : histoire, scénario et VO: Ainsi, le script ou l'histoire, peu importe ce que vous créez, il s'agisse d'une vidéo animée, d'une vidéo explicative ou même d'un cadeau, Jiff, quelle que soit la façon dont vous le dites, le script et l'histoire sont au cœur de votre Si vous voulez que quelque chose soit mémorable, vous devez vous en souvenir. Les humains sont et seront toujours guidés par les histoires, quelles que soient les avancées technologiques, d'accord ? Même s'il viendra un temps où l'humain et l'IA seront synchronisés dans un même corps, nous serons toujours inspirés par les histoires Si vous ne pouvez pas raconter des histoires qui touchent les gens, vos vidéos animées n'auront aucun impact. Vous pouvez créer quelque chose de visuellement époustouflant, mais les gens oublient tout le temps des vidéos visuellement époustouflantes. Ce qu'ils n' oublient pas, ce sont des histoires, des histoires qui touchent leur cœur. C'est quelque chose que vous devez toujours garder à l'esprit lorsque vous êtes dans After Effects en train d'animer. Maintenant, il existe deux types de scripts, et ce sont les deux composants ici. D'accord ? La première est donc lorsque vous créez une explication, la deuxième est lorsque vous créez une vidéo basée sur une histoire comme celle sur laquelle nous travaillons ici. D'accord ? Expliquons donc d'abord les scripts vidéo explicatifs Un script vidéo explicatif est donc un élément essentiel qui détermine le résultat final de la vidéo C'est le modèle que les concepteurs utilisent pour créer et animer des personnages et des environnements. Et les scripts explicatifs sont principalement écrits pour la voix off D'accord ? Vous enregistrez donc d'abord la voix off , puis vous animez en fonction du script, et à partir du script, vous créez le storyboard Désormais, les vidéos axées sur des histoires proposent également une narration, mais il y a une différence essentielle Dans les vidéos explicatives, vous avez une voix off, ce qui vous permet de mieux contrôler le rythme, la clarté et les émotions les vidéos narratives comme celle-ci, il n'y a pas de voix off. Cela représente un double défi. Cela signifie que l'histoire elle-même doit être suffisamment forte pour tout communiquer avec certitude. Vous devez être beaucoup plus intentionnel quant au déroulement de l'histoire, aux visuels, à ce que font les personnages, n'est-ce pas Maintenant, voyons comment écrire l'histoire, d'accord ? Donc, pour raconter une histoire, il faut une structure très populaire utilisée dans la plupart des films à succès. C'est ce qu'on appelle la structure à trois X. Le premier acte montre donc le problème. deuxième acte montre comment le problème est traité ou contesté. Le troisième acte montre la résolution. D'accord, par exemple, dans les vidéos explicatives, premier acte présente le conflit, le personnage et la situation dans laquelle se trouve le personnage. deuxième acte montre les obstacles, les complications et montre également aux clients les produits en tant que solution. Et le troisième acte apporte une solution la manière dont les produits du client résolvent son problème. Nous allons passer en revue cela dans une seconde. D'accord ? Maintenant, cette structure est extrêmement utile lors de l'écriture d' explantc Okay Voici comment l'utiliser réellement. Vous commencez littéralement par écrire le premier acte, le deuxième, le troisième acte. D'accord ? Dans le premier acte, quel est le problème ? Deuxième étape : comment le produit ou le service du client résout-il le problème ? Troisième acte : pourquoi le spectateur devrait-il choisir le client plutôt que quelqu'un d'autre ? C'est ça. D'accord ? Maintenant, appliquons cette structure à notre projet, d'accord ? Nous commençons donc par l'avant avant d' introduire le conflit. Nous augmentons lentement l' ampleur du conflit d'une manière qui est émotionnellement douloureuse pour le public. Tout d'abord, nous montrons la baleine entourée de plastique. Ensuite, nous montrons la baleine morte avec encore plus de plastique, et le soleil est triste. Maintenant, c'est le point le plus bas sur le plan émotionnel. C'est ici que nous présentons la solution. La solution est le service du client qui nettoie l'océan. Nous montrons que l'océan est en train d'être nettoyé. Et au final, la baleine est heureuse, le soleil est content, l' oiseau s' envole et l'océan est beau, propre D'accord ? Enfin, nous terminons avec le logo du client. C'est donc l'histoire, non ? Maintenant, voici quelque chose d'important. La structure est importante, surtout si vous êtes débutant. Suivez-le. C'est tout à fait normal. Des structures comme la structure à trois X. Et il existe de nombreuses structures de narration, pas seulement une structure en trois X, d'accord ? Mais l'intuition est plus importante que la structure. Tous les grands films ne suivent pas une structure de diffusion. Il n'est pas nécessaire de copier une formule. Qu'est-ce qui compte ? Vos personnages doivent passer par quelque chose de significatif. Il doit y avoir une transformation claire ce soit dans le personnage ou dans le monde. Et l'histoire doit faire ressentir quelque chose au public. Cela ne doit pas toujours laisser une impression profonde et durable, mais cela doit créer ce lien émotionnel, n'est-ce pas ? Si le public ressent quelque chose, vous avez déjà gagné, que vous suiviez parfaitement la structure TX ou non. C'est la chose la plus importante à retenir. Hein ? Donc, si vous travaillez sur une vidéo explicative, c'est à cette étape que vous écrivez le script complet Une fois qu'il est écrit, vous l'envoyez à votre client pour obtenir des commentaires après l'approbation, vous enregistrez la voix off, puis vous passez à la production. C'est pourquoi cette phase est si importante. C'est pourquoi le script et le storytelling sont au cœur du processus de production Et c'est tout pour la narration script et 11. L'importance du carnet de croquis: Nous sommes dans After Effects, et la première chose que je veux expliquer est l' importance des croquis. Permettez-moi de vous présenter rapidement mes croquis, qui ne sont pas les meilleurs de tous, et c'est très bien. OK ? Si nous dessinons, ce n'est pas pour montrer aux autres à quel point nous sommes bons parce que, eh bien, vous pouvez voir à quel point je suis génial, mais pour surmonter cette peur de créer de mauvaises choses, des choses laides. Lorsque vous commencez à dessiner et que vous n'êtes pas un expert, vous vous sentirez probablement mal à l'aise. Pourquoi ? Parce que le monde veut que nous soyons parfaits. Et bien, nous ne sommes pas du tout parfaits. Et donc, vous finirez par créer des choses qui ne seront pas parfaites. Et cela va vous déclencher. Donc, lorsque cela vous déclenche , vous devez vous asseoir avec, d' accord, et vous devez dessiner même si cela vous met mal à l'aise. Par exemple, celui-ci est tiré de mon journal personnel. Donc, en gros, je voulais prendre l'habitude de dormir à l'heure et de me réveiller à l'heure. Je dessine donc ceci à cette occasion, d'accord. Vous pouvez donc faire tant de choses. Mais ce que vous devez retenir, c'est que dessiner vous mettra mal à l'aise Les habitudes qui vous mettent mal à l'aise en ce moment, mais vous savez qu'elles vous seront utiles un jour, sont celles que vous devez développer le plus rapidement possible OK ? C'est pourquoi j'ai habitude de dormir à l' heure et de me réveiller à l'heure. C'est la première chose, et une autre habitude que j'ai prise était de dessiner, d'accord ? Et laissez-moi vous montrer autre chose. OK ? C'est bon, j'essayais de créer l'un de mes personnages préférés, d'accord. Mais malheureusement, je suis sûr que vous pouvez dire de qui il s'agit, mais si ce n'est pas le cas, eh bien, j'ai suivi un cours sur le dessin D'accord, vous voyez cela s'appelle une ligne d'action. Je ne vais pas m' attarder davantage là-dessus. Ceci est un autre article de mon journal personnel. J'aime esquisser mes idées sur moi-même plutôt que cela ne provient d'un ancien journal. OK, donc c'est essentiellement une couverture, et comme vous pouvez le constater, elle est rouillée ici, vous voyez Il est rouillé et très vieux, mais je l'ai aimé. Alors c'est un nuage. Je ne sais pas pourquoi c'est petit ici, mais bon c'est un nuage et il y a cette balançoire et elle est mignonne. Alors nous avons ce cactus, d'accord ? Celui-ci est mon préféré. Je n'ai pas trouvé de moyen de l'animer. Eh bien, mais si tu peux, vas-y. OK ? Et enfin celui-ci. Cela a donc inspiré cela. OK ? Et ce sketch n'est qu'une idée fortuite que j'ai eue. Et avant de dessiner, j'ai trouvé des inspirations sur Pinterest, puis je me suis dit : pourquoi pas ? l'ai donc dessiné il y a probablement des années, puis il s'est avéré utile pour ce projet. OK ? Donc, ce carnet de croquis, vous sera utile à des moments où vous ne le ferez même pas 12. Étape 7 : storyboard, cadres de style et animatiques: Storyboard, cadres de style et animations. Un storyboard est une représentation de ce qui va se passer, mais c'est approximatif Le storyboard, c'est planifier le mouvement. Ce n'est pas de l'art du dessin. Alors, comment dessiner un storyboard ? Nous commençons donc par diviser le script en rythmes, d'accord ? Ainsi, un rythme correspond à une idée ou à une action claire dans l'histoire, et c'est vous qui dessinez les rythmes les plus importants, pas tous. OK ? Cadres de style. Les cadres de style sont une représentation visuelle simple de l'apparence de l'animation finale. OK ? Pensez-y comme à une capture d'écran de la vidéo finale, mais nous faisons cette capture d'écran avant de l'animer. Donc aussi un avertissement ici. N'utilisez pas l'IA pour générer des cadres de style, car si clients l'approuvent et que vous ne pouvez pas créer la même apparence dans After Effects, votre client se sentira trompé et vous laissera une mauvaise réputation OK, c'est tout pour les cadres de style. Ensuite, nous avons Animatic. OK ? Donc, une animatique, c'est votre storyboard et votre voix off transformés en une vidéo approximative, Il indique donc le timing, le rythme et le flux avant l'animation finale animation est donc cruciale pour les vidéos explicatives, d'accord, car elle vous permet de fixer le timing, le rythme et la clarté avant le début d'une animation coûteuse, et la clarté avant le début d'une animation coûteuse Animatic est le lieu ou moment où vous vous rendrez compte quel storyboard ou quels rythmes nécessitent plus de temps et quelles perles peuvent en avoir moins OK ? Les animations sont donc principalement utilisées pour les films, mais elles peuvent également être utilisées pour les vidéos d'explantation La clarté des vidéos explicatives est vraiment, vraiment cruciale, d'accord ? Alors, voici ce que montre Animatic, d'accord ? Animatic vous indiquera donc si votre message fonctionne ou non Cela vous indiquera si certaines scènes sont trop rapides ou trop lentes, d'accord ? Et cela vous indiquera également si vos visuels soutiennent réellement la voix off ou non Le but de l'animatic est donc de tester avant d'essayer, d'accord ? Donc, si l'animation semble ennuyeuse ou confuse, l'animation finale ne la résoudra pas Ce sera juste un problème réglé, d'accord ? Alors laissez-moi vous donner des outils pour cela. D'accord, vous pouvez donc dessiner des storyboards sur votre papier. OK ? Pour les cadres de style, nous utilisons habituellement adobillustrator OK ? Mais si vous n'aimez pas adobillustrator, vous pouvez utiliser After Effects Mais je répète qu'il ne faut pas utiliser l'IA pour les cadres de style car cela vous poserait des problèmes car vous pourriez ne pas être capable de créer des choses, d'accord. Donc, si vous êtes sûr de pouvoir créer tous ces effets, allez-y. OK ? Mais si vous ne pouvez pas et si vous êtes débutant, ne vous inscrivez pas à l'AIA. OK ? vous suffit d'avoir un éditeur vidéo. Il vous suffit d'importer votre voix off, puis d'importer vos storyboards aligner le storyboard sur votre voix off rendre et de le regarder en plein écran pour voir si cela fonctionne ou non Et pour Animatic, il vous suffit d'avoir un éditeur vidéo. Il vous suffit d'importer votre voix off, puis d'importer vos storyboards, d' aligner le storyboard sur votre voix off, de le rendre et de le regarder en plein écran pour voir si cela fonctionne ou non. OK ? Ces trois étapes sont vraiment cruciales. D'accord, vous n'êtes pas obligé de suivre les étapes de l'animation tout le temps. Mais si vous faites payer cher, et si vous avez du personnel embauché, eh bien, je pense que vous devriez faire de l'animation parce que la plupart des films d'animation l'utilisent OK ? De nombreux grands studios l'utilisent, et ils ne font même pas un seul pas avant d'avoir obtenu l'animation 13. Étape 8 : création de biens: Nous passons à l'animation, la dernière partie de la production dont nous avons besoin est d'avoir besoin de quelques actifs. OK ? La création d'actifs est donc la phase au cours laquelle nous créons tout ce qui sera nécessaire à l'animation. Je ne sais pas pourquoi je continue de pointer du doigt l'écran. Je sais que je n' utilise pas de caméra ici, mais j'ai développé cette étrange habitude. Quoi qu'il en soit. D'accord, passons donc à la création d'actifs. Laisse-moi juste passer en plein écran, d'accord ? Tout d'abord, cette baleine est vraiment mignonne. J'aime bien ça. OK ? Cette baleine est donc générée par l'IA. Ceci est également généré par l'IA. OK ? Nous allons donc utiliser les deux, alors j'ai utilisé ce bateau, mais ce bateau n'est pas généré par l'IA. C'est un vecteur. J'ai obtenu ce vecteur sur Internet et je vais également l'utiliser parce que j'ai essayé d'utiliser un bateau généré par l'IA. Mais ce que je voulais, c'est que ça bouge aussi. Vous devez également demander à vos clients s' ils sont d'accord avec le contenu généré par l'IA dans leurs vidéos ou non. Comme de nombreux clients ne le sont pas parce que c'est nouveau, les gens sont déjà mal à l'aise avec l'IA, d'accord. Nous demandons donc à l'avance aux clients que nous n'allons pas utiliser de vidéo générée par l'IA, nous allons créer la vidéo, mais que nous pouvons utiliser du contenu généré dans la vidéo. Par exemple, il est généré par l'IA, mais il sera animé dans After Effects. C'est vraiment facile. Imaginez que vous créez ceci dans Illustrator. Cela prendra du temps, non ? Vous devez donc leur demander, vous devez être clair à ce sujet. OK ? Et c'est tout pour la création d'actifs. L'étape suivante est votre partie préférée , l'animation. 14. Étape 9 : animation B: Leçon, je veux vous montrer comment décomposer une histoire en rythmes clairs avant de commencer l'animation. OK ? Et donc ce projet, même si je l'ai volontairement gardé très simple afin de pouvoir l'expliquer plus en détail aux débutants. Il n'y a donc que quatre temps ici. Un, deux, trois et quatre. D'accord, voici les quatre parties de ce storyboard. OK ? Maintenant, simple ne veut pas toujours dire facile. L'exécution ne devient facile que lorsque vous avez les idées claires. Si vous ne pensez pas clairement, si votre façon de penser est confuse, votre projet reflétera ce désordre, Assurez-vous donc que vous pensez correctement. Tu es calme avec toi-même. Cela ne vous inquiète pas. OK, c'est juste une vidéo stupide. Tu peux le faire. OK. Comprenons donc très rapidement les rythmes dans le motion design, d'accord ? Donc, comme je l'ai déjà mentionné dans les conférences précédentes, une scène équivaut à une idée, et cela équivaut à un battement. OK ? Un beat in motion design est donc un moment important de l'histoire, d'accord ? C'est donc un moment où quelque chose de significatif se produit. Si quelque chose n'est pas important, on ne le fait pas, d'accord ? C'est pourquoi, une fois que j'ai dessiné le storyboard, je ne l'ai pas inclus, laissez-moi revenir en arrière OK ? Je n'ai donc pas inclus ce texte avant et après, car ils ne sont pas importants, n'est-ce pas ? C'est pourquoi ils ne sont pas inclus. C'est pourquoi, lorsque vous créez un storyboard, vous ne devez dessiner que les éléments les plus importants, pas tout Maintenant, pourquoi ne pas tout afficher dans le storyboard ? Par exemple, si j'y vais, je suis déjà dans le Rando Comp, non ? Et vous remarquerez que certains éléments apparaissent plus tard. Par exemple, nous n' avons pas ceci, le stand. OK, le stand est là, non, alors il y a la couleur ou le bruit en bas, non ? Il y a donc beaucoup de choses qui apparaissent plus tard. Ils ne sont pas dessinés dans le storyboard, mais ils apparaissent une fois que nous avons pris les décisions, n'est-ce pas ? Et c'est très bien. Vous devez rester flexible pour cela, mais vous devez vous rappeler que lors du storyboard, ils ne sont pas essentiels à l'histoire pour le moment Vous faites du storyboard pour montrer une histoire, le script et le message Donc, si vous sautez la préproduction, vous n'aurez jamais la clarté dont je parle en ce moment La préproduction est donc vraiment cruciale. La reproduction est essentiellement au cœur de votre motion design et de votre animation. OK ? Si vous ne faites pas de pré-production, vous n'aurez pas ou n' aurez pas d'histoire claire, vous n'aurez pas de storyboard solide, et vous n'aurez pas de bonne animation en retour, car même si votre histoire est nulle, votre concept est nul, votre vidéo sera nulle OK ? Et sans préproduction, animation deviendra une conjecture Assurez-vous donc de bien comprendre les chapitres de pré-production si ce n'est pas , car ils sont vraiment très importants. OK ? Maintenant, beaucoup de gens pensent que c'est parce que vous connaissez After Effects que vous deviendrez un bon motion designer. Eh bien, laissez-moi vous dire une dure vérité. Si vous n'arrivez pas à trouver des concepts forts, des histoires géniales, vos compétences en animation n' auront pas d'importance, d'accord ? Parce qu'il n'y a aucune histoire pour les étayer. OK ? Comment allez-vous faire en sorte que votre public apprécie le personnage si vous n'avez pas un grand personnage, n'est-ce pas ? Revenons donc aux rythmes et à nos storyboards. Chaque battement répond donc à une question. Par exemple, passons à la scène 1. La question est donc quel est l' état émotionnel actuel de ce monde, d'accord ? Et chaque rythme ou chaque scène ici répond à cette question. Par exemple, voyez à quel point tout est si clair. Par exemple, le soleil a l'air triste, l'oiseau vole, la baleine est entourée de plastique, elle n'est pas très contente. OK ? Il ne vous reste plus qu'à vous poser une question. C'est vrai, par exemple, la baleine souffre, son corps s'en nourrit. Le plastique a considérablement augmenté le point de douleur émotionnelle est passé à un niveau différent, si vous y réfléchissez Le soleil est plus triste qu' il ne l'était, tu vois ? Ici, c'est comme : « Eh bien, c'est bon, non ? Mais ici, le soleil comprend les conséquences de l'augmentation du plastique, et le soleil a pratiquement perdu son ami ici, n'est-ce pas ? Et c'est ce qui se passe ici, d'accord ? Vous devez donc comprendre que vous devez traduire vos émotions, votre histoire en rythmes puis les traduire dans l'animation. Passons maintenant à la scène 1. Où est la scène 1 ? Je vais donc revenir à la scène 1. Je vais le cacher pour le moment. Je vais le cacher pour le moment. Nous n'en avons plus besoin. Je ne vais pas expliquer quoi que ce soit qui soit lié à l'animation. ce moment, je vous apprends juste à penser en tant que professionnel, non ? Donc, ici, on répondra à la question de savoir quel est l'état émotionnel actuel de ce monde à travers les couleurs. À travers les expressions, à travers la composition, à travers les éléments, les différents éléments. Par exemple, l'un des éléments que vous voyez ici est la couleur des vagues. Il a cette même texture ici, non ? Tu vois, d'accord ? Et cela reflète essentiellement l'humeur de ce que nous essayons de dire au public, n'est-ce pas ? Maintenant comparons la scène 1 à la scène 2, d'accord ? Eh bien, la scène deux est extrêmement sombre et donc la couleur devient également plus foncée, d'accord, vous voyez, celle-ci est douce. Mais celui-ci est extrême, d'accord ? Et cela se reflète sur l'humeur. Cela crée une ambiance. Maintenant, les deux scènes, si vous regardez attentivement, scène 1 et la scène 2, sont des doublons, Mais l'ambiance, les émotions et les messages sont complètement différents. OK. Et c'est le pouvoir des rythmes, le pouvoir du storyboard, pouvoir de la couleur et de la composition Désormais, vous n'avez pas besoin de nouveaux actifs à chaque fois. Vous avez juste besoin d'une intention claire et d'une pensée claire. Si vous ne pouvez pas penser clairement, votre produit reflétera votre façon de penser. Tout reflète notre façon de penser, malheureusement. Vous devez donc être clair ce que vous pensez. Si vous n'êtes pas clair, eh bien, vos clients le découvriront. OK ? Maintenant, l'une des choses que la plupart des débutants vont souffrir, ou je ne sais pas, souffrir, mais qui auront des problèmes c'est le problème de la suranimation. Vous n'avez pas besoin de trop d'animation pour raconter de belles histoires. Vous n'avez tout simplement pas besoin d'une animation délirante, d'accord ? Par exemple, dans ces scènes, dans cette scène, l'animation ou l'émotion sont minimes. L'animation est contrôlée, rien n'est exagéré, sauf ces sacs en plastique, mais ils sont exagérés juste pour montrer l'importance et les conséquences des actions humaines, Comme le rythme est clair, animation devient encourageante et non distrayante Maintenant, il ne me reste plus qu'à regarder ça et à trouver comment je vais l'animer Et cela vient d'une belle histoire, un excellent concept, bref d' une excellente reproduction. OK ? Maintenant, le principal point à retenir de ce chapitre est que vous devez d'abord décider des battements, vous assurant que chaque battement communique une idée De toute évidence, vous n'êtes pas obligé de faire deux pas à la fois, mais un seul pas à la fois. OK, alors lancez l'animation. OK ? De plus, votre réflexion se reflétera dans votre composition. Si votre façon de penser est confuse, cela se reflétera dans votre animation Je vais le refléter dans ta composition, d'accord. Assurez-vous donc que votre façon de penser est bonne. Tu es sympa. OK ? Tu mérites de belles choses dans ta vie. OK ? Vous méritez donc également de faire de bonnes animations. OK ? Voilà pour ce chapitre. Et d'ailleurs, une animation forte. Je dois le dire. OK ? Une animation puissante démarre donc avant même que vous n' ouvriez After Effects. Tout commence par la clarté. OK ? Assurez-vous donc que vous vous souvenez de cette citation, et je vous verrai lors de la prochaine conférence. 15. Étape 9 : animation C: Dans cette leçon, je veux vous montrer comment décider ce qui doit bouger et ce qui doit rester immobile à l'intérieur ou visible, car quand vous y pensez, vous pourriez vous dire : OK, alors je vais faire bouger ces sacs en plastique. Je vais aussi faire flotter la baleine. Je vais obliger cet oiseau à faire quelque chose. Je vais animer le soleil. Je pourrais même animer la bouteille comme si elle se retournait avec les vagues, et ça pourrait tout gâcher Et c'est là que les débutants se trompent. Ils animent ou veulent tout animer depuis qu'ils apprennent ce logiciel incroyable, et maintenant ils veulent utiliser leurs compétences pour montrer aux gens à quel point ils sont géniaux Hein ? Et quand tout bouge, rien ne semble important. OK, donc tu dois aussi être intentionnel avec ça. OK ? Donc, avant de commencer à travailler sur After Effects, posez-vous une question ou, pendant que vous êtes en train de parcourir votre storyboard, posez-vous une question OK ? Alors, qu'est-ce que cette scène essaie de dire ? La réponse détermine ce qui bouge, ce qui reste immobile et la quantité de mouvement nécessaire. Et je dois aussi vous dire que le mouvement n'est pas une décoration. Motion doit soutenir votre histoire. Il doit soutenir le rythme que vous essayez de dicter. Une fois la scène terminée, ne vous reste plus qu'à choisir un point focal, d'accord ? Chaque scène doit donc avoir un objectif principal. Par exemple, dans ce deuxième temps, je vais passer à la scène deux. Ici, le point central de cette scène est un personnage qui souffre et l'oiseau qui mange essentiellement la baleine, même si ce n'est pas si sanglant, mais bon, c'est sous-entendu, non ? Une fois que le point focal est clair, tout le reste devient secondaire. Si plusieurs choses se disputent l'attention, la scène est bruyante. C'est pourquoi l'animation excessive est une mauvaise chose pour votre carrière. Mouvement principal contre mouvement secondaire. OK ? Alors c'est quoi ça ? Donc, le mouvement principal est le mouvement qui soutient directement votre rythme, d'accord ? Et le mouvement secondaire renforce l'ambiance de la scène. Par exemple, la baleine est ici le mouvement principal. Maintenant, les vagues ici et les expressions tristes de ce soleil sont le mouvement secondaire. Le mouvement secondaire doit soutenir l'émotion principale. Par exemple, si la baleine est là comme si elle souffrait le soleil souriait et que l'océan était clair, eh bien, le message aurait quelque chose de très différent, et il aurait été plus dérangeant que le sang, non, d'accord ? Et ça aurait été un mauvais choix. Le mouvement secondaire doit donc être subtil. travail consiste à ajouter de la vie, et son travail n'est pas de voler l'attention, n'est-ce pas ? Par exemple, si l' oiseau n'était pas là, vous voyez ? OK ? Si l'oiseau n'avait pas été là, soleil aurait été le point central, mais ce n'est pas ce que nous voulons. Et pour faire de la baleine notre personnage principal, nous avons dû ajouter Segel o ou cet oiseau, et nous avons dû l'ajouter pour que notre public puisse se concentrer là-dessus, car dans la majeure partie de la scène, vous ne voyez qu'un oiseau voler dans la même position, d'accord ? Donc, quand le public voit ça, il pense que, d'accord, c'est une partie normale de ce monde, d'accord ? Mais lorsque vous voyez le même oiseau qui volait autrefois, détester le flash de la baleine, cela vous choque Ils veilleront ainsi ce que la baleine soit le principal point focal. Désormais, vous n'avez plus besoin d'animations complexes. Les bonnes scènes n'ont pas besoin d'animations complexes. La plupart du temps, de petits changements de position, légers changements d'échelle, des décalages temporels sont largement suffisants L'animation la plus compliquée, si vous me demandez, est celle des vagues. OK. À part ça, tout est vraiment simple. Je n'ai utilisé aucun plug-in pour cela car ce projet est vraiment très simple. Ainsi, lorsque vous suranimez et que tout bouge, l'histoire devient floue OK ? Le spectateur ne sait pas où regarder, l'animation ressemble à un débutant, n'est-ce pas ? Voici donc les principaux points à retenir. Décidez donc d'abord du rythme, choisissez un point focal, animez avec intention OK ? Un bon motion design ne consiste pas à augmenter le mouvement, mais à trouver le bon mouvement. 16. Étape 9 : animation D: Leçon, je voudrais parler timing, du rythme et de la transition C'est là que l'animation commence à devenir professionnelle, même si le mouvement lui-même est extrêmement simple. Comprenons donc la différence entre le timing et le rythme. Donc, le timing, c'est le temps qu'il faut pour que quelque chose se produise, et le rythme, c'est la façon dont les moments sont organisés au fil du temps, d'accord ? Vous pouvez donc avoir une bonne animation avec un mauvais rythme. Et c'est pourquoi vous avez peut-être vu ces animations qui semblent ennuyeuses, même si vous pouvez voir qu'elles sont vraiment très bien animées, d'accord ? rythme est donc vraiment crucial si vous voulez maintenir l'engagement de votre public au fil du temps. OK ? Alors, comment décidez-vous du moment ? Le timing n'est donc pas décidé au hasard. C'est à ce moment que l' animatique entre en jeu, d'accord ? L'animatic est donc principalement utilisé pour le chronométrage. Par exemple, si vous avez créé et expliqué des vidéos animées à partir du storyboard et de la voix off, l'animatique vous indiquera quand vous devez ralentir, quand vous devez accélérer, quelle partie de l'animation doit être supprimée et quelle partie de l' animation nécessite le plus de temps, d'accord Si le moment est important, donnez-lui du temps. S'il s'agit simplement de relier des idées, soyez bref. C'est tout le principe qui sous-tend tout cela, n'est-ce pas ? Parlons des transitions, d'accord ? Les transitions sont donc vraiment cruciales. OK. Les transitions ne sont pas non plus des décorations. Par exemple, dans certaines de mes autres vidéos, j'ai créé des transitions avancées, par exemple, elles sont ajustées ou elles peuvent être différentes. Mais ici, elles sont très, très simples. Et si elles sont simples, c'est parce que la transition ne dépend pas de mes compétences. La transition dépend de l'histoire, d'accord ? Donc, si l'histoire a besoin d'une transition, est complexe, vous créez une transition complexe. Si une histoire exige une transition simple, vous conservez une transition simple. Ce que font la plupart des débutants, c'est qu' ils voient leurs compétences et qu'ils créent ensuite les animations. Ce n'est pas quelque chose que tu devrais faire. Ce que tu devrais faire, c'est voir l'histoire et te demander ce que cette histoire exige, d'accord ? Donc, s'il nécessite des transitions avancées, et si vous ne connaissez pas les transitions avancées, vous devez l'apprendre, puis vous devez l'exécuter. Mais si cela exige des transitions simples parce que l'histoire est simple, les clients veulent qu'elle soit simple, alors il faut que ce soit simple, d'accord ? Ne vous concentrez donc pas sur vos compétences car les compétences peuvent être développées au fil du temps. Concentrez-vous sur ce que l'histoire exige. OK ? Une bonne transition possède donc trois qualités majeures. La première est qu'il guidera les yeux des spectateurs. Cela préparera la prochaine idée, d'accord ? Et il maintiendra le rythme sans frapper le public. En donnant un coup de poing au public, je veux dire certaines transitions sont parfois tellement inattendues qu'elles le font perdre à l'audience toute entière. Et ils leur font comprendre que, d'accord, je ne regarde pas une histoire, je regarde juste une vidéo. Et c'est le coup de poing dont je parle, d'accord ? Tu ne devrais pas faire ça. Vous ne devriez pas avoir de transitions qui ne soient pas synchronisées avec l'histoire. Si vous regardez ces couches, le travail principal cette vidéo a porté sur les transitions, d'accord ? Alors laisse-moi te montrer, d'accord ? Ici, la transition se produit 30 secondes ou quelques images avant que les transitions réelles ne se produisent. OK ? C'est donc ici que commence la transition, et c'est là qu'elle commence. OK. Permettez-moi de passer à la troisième place. OK. Puis la scène suivante apparaît. Les deux ont donc la même composition, d'ailleurs. Et la raison pour laquelle cela est fait, c'est parce que cela prépare le public à la transition, accord, et cela n'a pas besoin d'être un coup de poing. Il faut que ça paraisse naturel, d'accord ? Alors voici à quoi ça ressemble quand on y va image par image, d'accord ? C'est peut-être un petit problème. Ce n'est pas un problème, je pense. C'est ce qu'on appelle une erreur de continuité. OK ? Chaque film a donc cette erreur de continuité. Donc, ce qui est censé se produire, c'est que chaque fois que plusieurs scènes sont mises en scène, disons par exemple que l'acteur est debout sur la droite, mais que d'une manière ou d'une autre, l'acteur fait quelque chose d'autre dans la scène différente. Et c'est ce qu'on appelle une erreur de continuité. En gros, il n'y a aucune continuité dans deux scènes. OK ? Cela pourrait donc être appelé une petite erreur de continuité. Mais comme c'est très rapide, public ne le remarquera peut-être pas lors de la première visionnage. OK ? Donc, la seule chose qui change ici, c'est l' emplacement des sourires, non ? OK. C'est pourquoi les transitions sont vraiment très importantes. Ils devraient sembler naturels dans votre monde. OK, c'est mon monde en ce moment, et cette transition me semble naturelle parce que, A, la couleur correspond à ce que j'essaie de dire. Par exemple, ici, la couleur de la transition était le rouge. Et c'est parce que, eh bien, vous pouvez voir ce qui se passe, n'est-ce pas ? Mais ici, la transition va être verte, et elle est verte parce que, eh bien, c'est ce que je dis au public, n'est-ce pas ? Et donc ces petites choses font une énorme différence, non ? Maintenant, l'une des choses que j'ai déjà dites, c'est qu'il n'est pas nécessaire d' exagérer les transitions Les transitions sont vraiment très intéressantes du point de vue du motion design car elles sont parfois très difficiles. Mais si la transition est plus forte que la scène, si elle n'ajoute rien à une histoire, et qu'elle est toujours plus forte que la scène, alors vous vous trompez, d'accord  ? Donc, la plupart du temps, cela peut être une simple révélation. Il peut s'agir d'une simple découpe. Cela peut être un simple nettoyage ou quelque chose comme ça. D'accord, cela suffit également. N'oubliez pas que la transition est là pour soutenir votre histoire. Il n'est pas là pour montrer votre talent. Celui-ci est vraiment, vraiment crucial. Bon, maintenant, le moment des transitions peut être compliqué pour certaines personnes, car si vous êtes nouveau, vous allez avoir du mal Et nous avons abordé la transition dans différents domaines fondamentaux, je ne vais donc pas entrer dans les détails, mais pour que la transition soit réussie, il y a quelque chose que vous devez comprendre et qui s' appelle la continuité. Voici donc le cœur ou les principaux points à retenir de cette étude. OK ? Animez donc avec intention Deuxièmement, vous devez contrôler le rythme et le timing de la composition principale Maintenant, une autre chose est que vos transitions doivent soutenir l'histoire, d'accord ? Non, tes compétences. Si vous n'avez pas de compétence, développez-en une, mais elle doit soutenir votre histoire, d'accord ? L'animation professionnelle est donc une question de rythme. Il ne s'agit pas de montrer 17. Étape 10 : conception du son: Le design est très important car il engage le public. Cela permet de diffuser des informations, d' augmenter la valeur de production Même si votre vidéo est bon marché, conception sonore peut vous aider à la rendre haut de gamme et chère. Elle suscite des réactions émotionnelles. Il met l'accent sur ce qui est affiché à l'écran et sert à indiquer l'ambiance. OK. Il y a donc cinq aspects différents de la conception sonore dont vous devez vous souvenir. OK ? Le premier est donc l'ambiance. ambiance est donc le son qui donne le ton et l'environnement de l'animation Par exemple, le bruit du vent ou des oiseaux et nous avons la folie. OK ? Le foli est donc utilisé pour représenter ce qui est vu Par exemple, les pas sur le sol, le bruit des feuilles des buissons qui bougent, n'est-ce pas ? Ensuite, il y a les effets sonores. L'effet sonore fait partie du design sonore, n'est-ce pas ? Les effets sonores sont les effets qui améliorent d'autres sons, actions ou éléments. Par exemple, le son du grognement sourd derrière les buissons, le son subtil du personnage tremblant peur alors qu'il s' approche du Hein ? Ensuite, il y a la voix off Eh bien, la voix off est une voix off, mais par exemple, le mystérieux narrateur qui vous raconte l'histoire, le mystérieux narrateur qui vous raconte l' Ensuite, il y a la musique. La musique E en arrière-plan fonctionne avec l'ambiance et tous les autres aspects pour donner le ton à l'histoire OK ? Maintenant, le design sonore ne se contente pas de nous raconter l'histoire, il nous téléporte à l'intérieur de l'histoire C'est ce facteur d'immersion qui permet à une animation d'être réellement vécue et à ce que le message soit diffusé avec détermination, d'accord ? Maintenant, vous n'avez pas besoin d'avoir tous les aspects de la conception sonore avec vous, n'est-ce pas ? Par exemple, tu n'as pas besoin de folie. Si vous réalisez une vidéo explicative, vous aurez parfois besoin d' ambiance, mais vous aurez besoin d'effets sonores, voix off et de musique OK ? Permettez-moi donc de vous expliquer rapidement comment choisir les effets sonores. Comment choisir la musique, non ? Je vais donc vous expliquer rapidement comment procéder. OK ? Les effets sonores sont donc assez simples. vous suffit de regarder l'écran de voir ce qui se passe et de vous demander quoi cela ressemble. À quoi ressemble ce son visuel ? Et vous aurez une idée ou vous aurez une idée et allez simplement sur Google ou Chat GBD et demandez-leur. Hein ? C'est le premier moyen. Et le deuxième moyen est de trouver la musique. Par exemple, dans toutes nos vidéos explicatives, nous décomposons le script entier en trois parties le début, le milieu et la fin. Il s'agit essentiellement d'une structure en trois actes, non ? Donc, acte un, acte deux et acte trois. Chaque acte a donc une sensation différente. Et en fonction de ce sentiment, utilisez la musique. Par exemple, le premier acte est triste, d' accord, alors nous allons jouer de la musique triste. Le deuxième acte n'est pas vraiment heureux. Le personnage n'est pas vraiment content, mais il va quelque part, non ? Nous pourrions donc ajouter de la motivation, de la musique motivante Au fait, je ne donne qu'un exemple. OK, ça peut être musique motivante ou quelque chose d'un peu édifiant Ensuite, dans le troisième acte, nous voyons le personnage faire une percée, d'accord ? Nous aurons donc ici une musique complètement différente, non ? Divisez donc votre histoire en trois parties ou selon ce que vous pensez être la bonne chose. Ensuite, en vous basant sur ces parties, demandez-vous quel sentiment cela signifie ou quel sentiment je veux susciter chez le public pendant cet acte OK ? Par exemple, le premier acte est triste, d'accord ? Alors vous allez sur Chat GPT et vous demandez, bonjour, ha GPT, quelle est la meilleure musique pour la Et n'y allez pas existe de nombreuses lois sur le droit d'auteur pour la musique, alors assurez-vous d'en être également conscient. Alors ne vous lancez pas à l'aveuglette et choisissez ce que cela vous dit de faire, d'accord ? Et la meilleure plateforme pour le faire est YouTube. OK. YouTube a déjà créé studio qui propose de nombreux effets sonores gratuitement. Ils sont libres de droits d'auteur. Et si vous le pouvez, vous pouvez également acheter de la musique. Mais la plupart du temps, vous pouvez faire avancer les choses avec YouTube et vous pouvez désormais également générer de la musique basée sur l'IA. Donc, si vous ne trouvez pas de chanson qui correspond à l'ambiance, accord, vous pouvez la créer, n'est-ce pas ? Et voilà pour le design sonore, le design sonore est mon activité préférée, d'accord ? Parce que je passe beaucoup de temps dans le sound design. Je ne sais pas pourquoi, mais j' adore m' occuper personnellement de la conception sonore, d'accord ? Et c'est vraiment amusant, d'accord ? Assurez-vous donc que vous appréciez également le processus, o 18. Étape 11 : livraison: Enfin, nous diffusons la vidéo pour les commentaires. Maintenant, si les clients l'aiment, nous le leur envoyons en différentes qualités et parfois nous les envoyons avec facture. Par exemple, supposons que certains clients paient 50 % avant le début de la production et 50 % après. Nous exigeons donc les 50 % restants une fois l'accord conclu, n'est-ce pas ? Ou s'il y a quelques changements mineurs, nous les changeons et nous en finissons avec cela, n'est-ce pas ? Et la chose la plus importante à retenir est que vous devez demander des références à vos clients, car vous obtiendrez la plupart des clients par le bouche-à-oreille et non par le simple marketing. Et pour vous dire la vérité, nous n'avons jamais eu de site Web ou de compte de réseau social, quoi que ce soit. OK ? Nous n'en avons jamais eu, comme c'est le cas aujourd'hui, mais à l'époque, nous n'avions rien parce que nous n'en avions pas les moyens, pour être honnêtes. Et donc c'est très bien. Ce que nous avons fait, c'est juste que nous sommes sortis, nous avons rencontré des clients, nous avons été rejetés. Nous avons rencontré un autre client, nous avons été rejetés jusqu'à ce que nous obtenions ce que nous voulions. OK ? Il se peut donc que vous deviez faire face à de nombreux rejets avant d'obtenir une acceptation, et cela fait partie de la vie, et c'est tout à fait normal.