Composition pour les artistes : structure, contraste et profondeur

1. Bande-annonce: Dans cette leçon, je suis la composition de l'école la plus étrange, parle de développer une structure pour notre extérieur. Avant de nous inquiéter de plonger tête la première dans une illustration finie, nous devons nous assurer que nous vivons des fondations qui établissent un point focal, une ambiance et une profondeur. Nous allons donc couvrir un tas d'outils différents que nous pouvons utiliser pour garantir l'intégrité structurelle de nos identifiants, ainsi que la façon dont ces outils peuvent être utilisés pour créer un récit. Une conférence sera suivie une démonstration de la création de nos identifiants. Et nous couronnerons le tout avec une tâche à accomplir. Si vous avez déjà eu des problèmes avec la profondeur et l'histoire de vos compositions , ces outils sont exactement ce dont vous avez besoin. Commençons donc. 2. Mesurer des touches: Structures qui constituent la partie la plus importante de toute composition, même si nous cherchons à faire des travaux moins réalistes et à nous appuyer davantage sur le design abstrait, fait d' avoir des fondations structurelles en place donnera toujours de meilleurs résultats pour nous. Alors, comment abordons-nous exactement cela ? Eh bien, la structure n'est vraiment qu'un autre nom pour nos composants de conception. En d'autres termes, notre outil artistique sake. Et comme tout type d'ensemble d'outils, cela signifie généralement qu'il y a un certain type de mesure avant de les utiliser. Il ne sert à rien de marteler et du Nil dans quelques morceaux de liste en bois. Le bois a d'abord été coupé à la bonne taille. Quels sont donc nos outils de mesure pour la composition ? Eh bien, il y a deux outils différents mais qui se chevauchent, des touches cool. une est la clé proportionnelle et l'autre est un contraste t. Commençons par le Ki proportionnel. Le premier composant de conception H que nous utiliserons sera composé de deux idées opposées posées sur une échelle coulissante comme celle-ci. Une ombre, une couleur chaude contre une couleur froide, frappe contre une courbe, une texture lisse et une texture. Il y a une liste infinie de personnes à notre disposition. Le k proportionnel consiste à déterminer laquelle de ces idées opposées va jouer le rôle dominant. Décomposons davantage cela et prenons notre valeur de composant la plus importante à titre d'exemple. La valeur correspond à l'échelle entre la lumière et l'ombre. Ce sont des idées opposées pour cette composante de conception. Dans ce cas, le k proportionnel représente la quantité de lumière par rapport à la quantité de châteaux. Ces images, il a également établi une dominance différente du regroupement de valeurs. Cette première image présente un pourcentage élevé de valeurs lumineuses. La seconde présente un pourcentage élevé de valeurs sombres. Et le troisième est divisé à peu près uniformément. Si nous devions attribuer un pourcentage à cette première image ici, nous pouvons probablement faire une estimation éclairée et dire qu'il s'agit d'environ 70 % de valeurs lumineuses. Donc, si le K proportionnel consiste à déterminer laquelle de ces deux idées opposées joue un rôle prépondérant. Dans ce cas, il s'agit de la proportion de lumière par rapport à la proportion d'ombre. Alors, comment notre deuxième plan clé fait-il pour cela ? Eh bien, au contraste K ou hors plage de contraste, il est question de la distance entre ces deux idées opposées l'une de l'autre sur leur échelle glissante. Si nous examinons ces exemples, nous avons la même composition qu'auparavant, mais nous avons rapproché les groupes de valeurs les uns des autres ou plus éloignés les uns des autres. Dans ce premier exemple, valeurs d'escargot de contraste ABC sont très extrêmes. Dans ces autres, c'est beaucoup plus étroit. Ce que vous remarquerez assez rapidement ici, c'est que ces changements de contraste le long de l'échelle de valeur ont contribué à donner à l'image un champ complètement différent. Jetez un coup d'œil à ces différentes images et réfléchissez un instant à leur apparence et à leur ressentiment. Eh bien, cette première image est assez extrême avec ses valeurs, ses formes claires et ses formes sombres à des extrémités complètement opposées les unes aux autres. L'image est très nette, très audacieuse, très dynamique. Il envoie une déclaration très forte à l'auditoire. Rien à ce sujet n'est ambigu. Qu'en est-il de cette deuxième image ? Eh bien, nous avons déplacé nos valeurs plus légères de l'autre côté. La plage de contraste entre les groupes de valeurs claires et sombres est donc amusante, plus étroite. Maintenant, quelle déclaration est-ce que ça a l'impression de faire ? Il fait très sombre, c'est très maussade. On pourrait probablement dire que c'est déprimant ou diététique. n'y a rien à ce sujet qui soit vieux, aussi accueillant, et ce n'est pas non plus une déclaration très claire. Jetons un coup d'œil à une troisième image, mais cette fois, nous allons pousser les zones DACA à l'autre extrémité, ce qui nous donne une plage de contraste très étroite. Alors, à quoi cela ressemble-t-il ? C'est en train de faire ? Peut-être une série, rêveuse, brumeuse, atmosphérique, même. Ce n'est pas aussi clair et les images sont les premières, mais c'est un peu plus accueillant, perdu. Examinons un autre endroit où nos groupes de valeurs sont à peu près également espacés. Comment devrions-nous décrire cela au mieux ? Eh bien, celui-ci est assez équilibré. C'est une déclaration PHA la plus forte que les deux derniers, mais elle n'est pas aussi audacieuse et dynamique que la première. Cela se sent probablement en sécurité, peut-être un peu trop sûr. Nous pouvons donc commencer à voir comment nous pouvons commencer à changer le Luc et l'humeur de nos compositions en jouant avec ces boîtiers de mesure, le Kaizala proportionnel sur lequel de nos idées opposées dans notre composante design va être le la plus dominante. Et le contraste K concerne la distance entre ces deux idées opposées l'une de l'autre. Comme nous l'avons mentionné, nous pouvons appliquer ces Skiles marmonnant non seulement à notre composant de valeur, mais à n'importe quel composant de conception auquel nous pouvons penser. Posez-vous les questions, lesquelles de ces Audi opposées dois-je dominer le plus et où, le long de leurs échelles respectives je veux placer les deux Audi nécessaires se situent quelque part entre les deux, le choix est En fin de compte, le Il n'est pas important que nous utilisions ces étuis pour tout ce qui se trouve dans notre composition. Il s'agit de connaître l'existence et de les utiliser en cas de besoin. 3. Fingerprint graphique: Nous avons donc établi L mesurant le chemin de k jusqu'à, Hey, eh bien, maintenant nous devons établir le squelette de notre composition avec ce qu'on appelle une empreinte digitale graphique. Une empreinte digitale graphique est une simple étude en noir et blanc qui aide à établir les bases de la composition. Une autre façon de le voir est que c'est le design graphique de notre composition. Il représente la lumière et l'ombre et la façon dont la forme ou la valeur claire et sombre se forme. Maintenant composition. Avant de commencer à nous soucier de tout type de rendu de texture de style colonial, nous voulons utiliser les simples études de lot et de canard pour faire beaucoup de poids pour nous. Nous voulons utiliser ces études simples pour travailler non seulement dans les zones claires et sombres, mais aussi créer des zones d'intérêt et les utiliser pour guider l'attention du public. Si l'ère, parce que placée à côté d'une série de compositions d'autres personnes objectif est d'attirer l'attention du public et de le tenir le plus longtemps possible. Contrairement au cinéma, aux livres musicaux, nous n'avons que quelques secondes pour attirer l'attention du public. Nous devons donc faire quelque chose pour les engager le plus longtemps possible. Notre empreinte digitale graphique est donc la première étape pour y parvenir. Maintenant, l'idée compositionnelle n'est pas claire au stade. Ensuite, toute tentative de création d'une image entièrement rendue à partir de cela entraînera un rythme très peu clair et non structuré. Jetons un coup d'œil à un exemple. Nous avons deux compositions ici et à côté d'elles, nous avons une empreinte digitale de base. Notez que l'empreinte digitale graphique sur image1 est déjà beaucoup plus structurée que l'empreinte digitale sur l'image. Il est beaucoup plus équilibré et dynamique, tandis que la seconde est beaucoup plus randomisée et chaotique. Nous n'avons même pas besoin de voir les rendus finis pour la composition H pour le savoir, si nous cachons nos pièces finies, HE, nous pouvons le dire assez facilement avec les brevets de conception. L'image 1 a interdit les fondations. Il a un point focal dans sa hiérarchie oculaire. Il conduit l'attention du public dans une direction spécifique en tant que deuxième image dans les champs de comparaison partout. Ce sont donc des premiers plongeons cruciaux car cela va nous faire économiser beaucoup de temps et d'énergie, de lumière ou de mal. Il vaut mieux passer une flèche pour travailler sur ces petites vignettes en noir et blanc, puis passer dix heures un rythme entièrement rendu pour découvrir quelque chose à ce sujet ne fonctionne pas tout à fait. C'est donc l'idée de base que nous devons commencer par la structure, mais développons un peu plus les choses. 4. Formes de lumière et de valeur: Comme nous l'avons mentionné, nous avons dit que l'empreinte graphique représente soit la lumière et ombre de nos formes, soit les valeurs claires et sombres des formes S. Expliquons donc ce que cela signifie exactement parce que c'est quelque chose qui peut devenir un peu déroutant. Dans presque tous les cas de notre composition, tout ce que nous peignons sera une combinaison de deux identifiants, forme et forme. Vous entendrez souvent ces éléments mentionnés dans la composition sous le nom de 0 pour nos formulaires. Mess, oh pas de bronzage pour nos formes. Nous voulons considérer ces deux idées comme étant essentiellement deux mensonges séparés mais allégeants qui se chevauchent. Le laboratoire plat bidimensionnel pour nos formes à valeur claire et sombre et la disposition tridimensionnelle arrondie de notre lumière et de notre ombre, la forme et la forme se situeront sur une échelle coulissante se superposant à des degrés divers. en fonction de nos intentions. Ce que nous essayons essentiellement de faire, c'est de déterminer laquelle d'entre elles opposée à la plus grande zone de contraste pour commencer par l'empreinte digitale graphique. S'il a l'air un peu déroutant Still, décomposons un peu plus. Regardons ces cubes de Rubik. Par exemple, le cube de Rubik alphas possède la plus grande zone de contraste provenant de la lumière et de l'ombre. Celui-ci est formé dominant. Dans un deuxième Rubik's Cube, la plus grande zone de contraste provient des formes plates noires et blanches à la surface du cube, ce qui le rend dominant. Cela signifie que plus la source lumineuse est intense, plus le contraste passera de la forme dominante à la forme dominante. Maintenant, le problème avec ces deux couches, c'est qu'ils sont souvent assez difficiles à séparer car il y a beaucoup de chevauchement. Où se terminent exactement nos formes de valeur 2D et où commencent une lumière et une ombre sur nos formulaires 3D ? Voyons un drapeau à damier comme exemple pour essayer de le résoudre. Prenez un moment pour examiner ces trois exemples et demandez-vous où est le plus grand contraste ? Eh bien, et comment la première image, la plus grande zone de contraste vient de la forme. Et nous pouvons le dire parce que notre brevet en damier se fond dans ce drapeau. Les places des zones ombragées de Lazada et de Dacca sont débordées et se battent à la surface du drapeau. On dirait qu'il y a une lumière plus intense qui frappe la surface. Comme la seconde image en comparaison a très peu de forme développée, la lumière est beaucoup plus subtile. Godets et autres coûts dydt, Nous n'avons pas d'ombres profondes et de reflets lumineux. Donc, ce manque de lot intense en damier breveté et de formes de valeur claire et sombre, je deviendrai la plus grande zone de contraste. Et notre troisième image est à peu près 50, 50 divisées entre les deux mensonges Il n'y a pas de règle qui dit qu'il faut commencer par 10, le jaune. Il s'agit d'un outil purement objectif de glace. Il s'agit simplement de nous donner un point de départ pour notre empreinte graphique. Si la composition doit avoir une source de lumière intense, nous voudrions peut-être l'aborder d'abord avec la forme, si elle est moins intense que les formes claires et sombres sont probablement la voie à suivre. C'est peut-être même un cas où nous choisissons de combiner en pensant que D est peut-être que nous avons décidé de rendre notre composition principalement lourde et de valeur, seulement pour avoir un peu de forme comme point focal. C'est un excellent moyen de diriger l'Iran du public, car tout ce qui a de forme va se démarquer de quelque chose qui s'est aplati en deux dimensions. Donc, au début, vous aurez l'empreinte graphique de ces deux mensonges à l'esprit. 5. Création de la profondeur: Nous avons donc défini notre empreinte digitale maintenant, nous devons commencer à développer des choses. L'un des plus grands problèmes, plus étrange, est le défi de tromper le public en pensant que la surface plate bidimensionnelle qu'il regarde a un sentiment de profondeur spatiale. Voyons donc quelques façons d'arrêter de transformer cette 2D k plate en une fenêtre qui regarde le monde que nous créons. Valeurs. La façon la plus évidente de contribuer à créer cette illusion de profondeur. Lorsque les objets s'éloignent de plus en plus de la visionneuse, ces plages de valeurs et de valeurs commencent à décaler l'ensemble. Ainsi, en affichant différentes zones de notre composition avec différentes plages de valeurs, nous pouvons commencer à créer ce sentiment de profondeur par rapport à la valeur. chose la plus évidente que nous puissions utiliser est la taille. Cela va sans dire, mais si nous avons un objet plus grand que l'autre, il commence automatiquement à créer un album sur un sens de la profondeur spatiale, nos yeux sont habitués à voir les choses diminuer, ils s'éloigner de notre vision. Il s'agit donc d'un autre outil simple mais évident à notre disposition. Ensuite, qui est une extension de taille, se chevauche, soit en se chevauchant sur une ligne droite, soit même dans une ligne courbe. Chaque fois que le chevauchement diminue dans le plan d'image , notre cerveau va commencer à interpréter la profondeur spatiale dans la composition. le prolongement de cela, un autre outil pour nous est la ligne. Par exemple, si nous avons une série de lignes qui remontent à un point de fuite, l'exemple le plus évident est une route qui sort ou quelque chose comme une rivière qui serpente à la distance qui va automatiquement conduire l'œil du spectateur vers l'endroit où les lignes convergent. Donc des points de fuite, des lignes de perspective, un excellent point de repère visuel. Mais le long peut aussi être une série de lignes horizontales, diminuant progressivement dans la distance similaire à celle d'une voie ferrée. Une version la plus sophistiquée de la lumière et liée à la valeur est la mise à niveau. mise à niveau, par sa nature même, déplace l'œil dans une direction particulière car il passe d'une valeur à l'autre ou même d'un appel à l'autre. Si nous avons un champ d'herbe, il est doc et vert au premier plan, et il devient plus fort et plus atmosphérique à mesure qu'il recule vers l'arrière-plan, nos yeux vont naturellement suivre le plan de l'image avec lui. Autorise l'outil est moins un outil de dessin et plutôt un dispositif de narration, ce qui crée un récit. C'est quelque chose qui augmente chez les cinéastes, mais c'est aussi quelque chose que nous devons considérer. Deuxièmement, nous n'avons ni mots ni image animée. Alors, comment faire cela dans une image fixe ? Eh bien, nous voulons séparer la composition en couches d' épice H avec quelque chose qui se rapporte à l'histoire en essayant de raconter. Dans cet exemple, nous avons trois couches, le premier plan et la grosse subvention et un arrière-plan. Nous avons la tasse qui fume encore du café chaud, aidant à encadrer les choses au premier plan. On a un cigare allumé sur la table au milieu du sol et l'homme s'est affalé sur sa chaise en arrière-plan. On peut même dire à l'image sur le mur que c'est différent de cette série de points Laius pour développer le récit. C'est peut-être un homme d'affaires qui s'est endormi au travail. C'est peut-être un patron de la mafia qui vient d'être enlevé par un rival. Toutes ces capsules de ces laboratoires espèrent faire passer le public au fond de l'œuvre d'art, espérant allumer la chapelure pour qu'ils interprètent l'histoire. Nous pouvons choisir le mensonge sur lequel nous voulons qu'ils se concentrent le plus. C'est peut-être un cas où nous voulons mettre davantage l'accent sur la tasse pour quelque raison que ce soit. Si tout le reste reste déconcentré, il va dire au public que la tasse est la partie la plus importante du récit. Nous pouvons donc commencer à voir les possibilités qui s'offrent à nous pour aider à créer de la profondeur, nous pouvons mélanger et faire correspondre ces outils, mettre l'accent sur l'un plus que l'autre. Il y a une infinité de possibilités. Cela dit, si nous apportons des ajustements à l'un de ces outils, cela signifie souvent que nous devons également apporter des ajustements à l'Odyssée. Il y aura donc un petit jeu de jonglerie impliqué avec cela, ce qui remonte au début de la leçon, c'est pourquoi nous commençons par la structure la plus simple pour la première de notre composition, qui va nous permettre de faire beaucoup erreurs et travailler sur la meilleure façon d'aller de l'avant avec leur carte d'identité, avec la conférence hors du chemin, passons à quelques exercices. 6. Démonstration - Conception de l'ambiance: Je vais donc recréer le processus qui s'est déroulé derrière ce petit croquis de paysage fantastique, ce qui a été fait auparavant. La première étape consiste donc à créer notre empreinte graphique en noir et blanc. Maintenant, il faut dire que ces esquisses ne devraient vraiment pas être travaillées trop longtemps. Il va être très facile de commencer à s'enliser avec tous les détails. En fait, on pourrait affirmer que cette composition finie est probablement un peu trop détaillée. Cet exercice doit vraiment porter sur les formes de base, les valeurs de base avec peut-être des éclaboussures de détails ici. Et eux, donc j'ai ma forme de lumière dans la proportion d'ombres claires est probablement un mauvais œil, rapport de 60, 40 ici. Encore une fois, il n'est pas nécessaire d'être nettoyé avec ces fondations. Tout vieux stylo ou crayon que vous avez sur n'importe quel vieux morceau de pipa sera parfait pour cela. Donc, il suffit de bloquer une forme dans le quai maintenant. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais faire en sorte que le costal en arrière-plan fasse partie du quai une forme. Maintenant, vous allez probablement vous demander si vous n'allez pas à l'encontre de ce dont vous avez parlé pendant la conférence ? Le château est nettement plus léger que tout le reste du milieu et des murs de premier plan. C'est vrai. Gardez à l'esprit que pour notre empreinte digitale graphique, nous ne cherchons pas nécessairement à avoir des valeurs L aux bons endroits pour l'instant. Nous recherchons la forme la plus intéressante que nous puissions obtenir sans croquis en noir et blanc. Même si au niveau causal est clairement aligné sur la lumière des valeurs dans le ciel, c'est toujours une valeur plus sombre que le ciel lui-même. Je fais donc le choix ici de rechercher les formes sombres les plus intéressantes où qu'elles se trouvent dans l'environnement. Maintenant, vous pouvez très bien faire des choix complètement différents. Que vous choisissiez ou non de faire les coûts sera pot, le quai est en forme ou la loi à façonner. Cela va simplement se résumer à ce que vous pensez être le mieux. En fait, débarrassons-nous des coûts et de l'autre pour vérifier à quoi cela ressemble avec l'ajout et je pense que nous pouvons probablement être d'accord pour dire que notre empreinte digitale va finir beaucoup plus belle sans que la castille ne soit déplacée vers le plus sombre. formes. Encore une fois, à la recherche du design graphique le plus intéressant à ce stade, pas nécessairement de précision. Donc, une empreinte digitale est en place. Passons maintenant à changer le contraste pour essayer de créer une certaine humeur. Donc, la première direction que je vais commencer à changer les choses est vers l'extrémité sombre de l'échelle de valeur, cherchant à créer un type de Doc et des paysages inquiétants. Quelque chose comme Mount Doom de Lord of the Rings ou n'importe quelle forteresse fantastique à laquelle vous pouvez penser. Je vais faire quelques études de contraste juste pour voir quels sont les résultats. Maintenant, je travaille principalement avec Sharpie ou le numéro 10 comme vous l'entendrez peut-être appelé. Mais vous pouvez aussi facilement créer une empreinte graphique avec la forme. Vous les entendrez souvent appeler votre sclère, qui est un mot italien désignant la lumière et l'ombre. Et non, 10, qui est un mot japonais qui signifie clair et sombre pour notre forme. Donc j'aime bien la façon dont ça se passe, mais je pense que je vais le faire un peu en ordre, hé, nettoyer un peu les choses. Demandez-vous toujours à l'avance lorsque vous peignez de la vie ou de votre imagination, quelle est l'intensité du lot. Cela va donc être le cas, et cela vous donnera généralement un point de départ pour savoir si vous devez aborder les choses d' un point de vue de forme ou d'un point de vue ferme. Donc j'aime bien ce que c'est, mais je vais essayer de remuer les choses dans les quais et de voir à quoi cela ressemble pour rendre les choses un peu plus mystiques et oniriques et les céréales. Encore une fois, en revenant à notre forme et à notre forme, comme nous l'avons dit lors d'une conférence, le plat de la source lumineuse, plus la forme dominante de l'image est susceptible de devenir. S'il s'agit d'une source de lumière vraiment intense , elle va commencer à se pencher vers la domination de la forme. Il est un peu difficile d'essayer de séparer ces deux concepts, car il y a beaucoup de chevauchement entre eux. Une bonne chose à faire est donc de rechercher les résultats de tous les grands artistes et de voir quel colorant de chargement a utilisé. Ce n'est pas toujours très facile à comprendre, surtout avec les peintures colorées, mais avec un peu de pratique observationnelle, nous pouvons commencer à déterminer si l'œuvre est dominante ou forme. Je vais donc nettoyer tout ça un peu plus, mais je peux déjà dire à ce stade celui-ci ne fait pas vraiment grand-chose pour moi. Donc, ce que je fais, c'est essayer de trouver un juste milieu entre ces deux extrêmes. Donc, l'importance de faire ces petites études rapides, bien et véritablement montrées ici parce que nous ne voulons pas gaspiller L a rendu ce rythme. J'aime découvrir que cela ne fonctionne pas vraiment pour nous. Ces petites études rapides sont donc parfaites pour cela. Il s'agit donc d'établir une ambiance pour notre travail. C'est ce qu'est le contraste. Tous ces autres composants de conception peuvent également y contribuer, pas seulement la valeur, mais bien sûr le point de départ. Donc, lorsque nous commençons à développer davantage les choses, nous devons commencer à réfléchir à tous ces autres composants de design et à la façon dont ils peuvent créer un contraste dans un monde fantastique la nuit, alors que la belle et élégante courbe sur le, si le quai charge avec le, avec les pointes et les arêtes vives. Donc frappe contre les courbes, lisses contre texturées, Shani contre poupée. Il existe une liste infinie sur laquelle nous pouvons nous appuyer pour créer un contraste. Le contraste crée une histoire. J'aime donc la façon dont ça se passe en ce moment. Laissons donc ça ici et commençons à établir un peu de profondeur. 7. Démonstration - Plans de profondeur: Commençons donc à ajouter de la clarté l'esquisse et à apporter quelques couches de profondeur. La première chose que je vais faire, c'est d'ajouter cette valeur à la même chose. Cela va automatiquement commencer à créer valeur de profondeur spatiale en raison de ses changements de nature même lorsqu' il y a un changement de plan directionnel qui s'appliquera à la fois aux objets de l'environnement ainsi qu'à l'environnement lui-même, bien qu'il soit légèrement différent pour les deux. Ainsi, sur un objet comme une boîte, si la lumière le frappe, chaque côté de cette boîte recevra une quantité différente de lumière, ce qui entraînera ensuite la formation d'une valeur différente. C'est ainsi que nous commençons à voir le volume. Les mêmes sonneries sont vraies pour des paysages comme celui-ci. La seule différence réside dans les plans directionnels dans ce cas, qui retombent dans le cadre photo. Imaginez donc cela comme une série de pions de fenêtre brillants qui pointent sur des choses généralement plus proches du spectateur, d'un DACA et qui ont plus de contraste. Et à mesure que les choses s'éloignent du spectateur, les choses deviennent plus lumineuses dans l'atmosphère et le contraste devient beaucoup écouté. Il y a des exceptions à cela, bien sûr, mais c'est une bonne règle générale pour commencer. Maintenant, on peut dire que les deux éditions de valeur ont déjà commencé à créer l'illusion de profondeur qui nous donne trois mensonges, un premier plan, un milieu et un arrière-plan. Nous pourrions même considérer le ciel comme deux à part entière. Ce serait donc un bon endroit pour s'arrêter, n'est-ce pas ? Et passez à un autre concept. Mais travaillons simplement à incorporer un peu de profondeur dans cette scène. Et nous commencerons par ajouter un peu de gradation dans le ciel. Le ciel s'éclaircit à mesure qu'il approche de l'horizon. Donc notre œil va naturellement suivre le chemin qu'il a pesé beaucoup de surface, c'est que le ciel a des changements de plan différents. Il va donc suivre la même logique que celle dont nous avons parlé. Un changement de plan directionnel sera égal à un changement de valeur dans ce cas, ce qui contribue également à diriger l'œil vers le château. Cela ne contribue donc pas seulement à créer un sentiment d'atmosphère, mais aussi comme un point de repère visuel. Nous avons parlé de développer un récit, décider quel mensonge est étrange, le point focal. Ces outils permettent de renforcer ces idées et d'amener le public au point exact que nous voulons qu'il examine. Donc, en regardant ce château maintenant, je pense qu'il doit probablement diminuer un peu dans sa valeur. Cela permettra également de se démarquer un peu plus du ciel. Donc, en réalité, nous travaillons avec quatre valeurs ici. Nous avons déjà utilisé la gradation pour aider à établir davantage de dettes. Mais remarquez que nous avons automatiquement établi que nous avons également établi un chevauchement avec seulement nos changements de valeur. Nous avons fait avancer cette formation montagneuse avec son document, une valeur qui chevauche maintenant les montagnes au milieu du sol, qui chevauche ensuite la côte en arrière-plan. Nous avons donc établi une hiérarchie d'objets. Ce que nous voulons éviter de faire c'est d'avoir deux objets à des distances différentes qui semblent se toucher les uns les autres directement sur le bord. Cela va créer une tangente qui va provoquer une tension visuelle. Cela peut être utilisé comme outil, mais nous voulons éviter de le faire accidentellement. Si nous avons des plans différents, nous voulons éviter qu'ils semblent se fondre ensemble, car les tangentes sont souvent aplaties et s' afficheront . Je vais donc tourner mon attention sur l'utilisation de line maintenant pour pousser le public à l'arrière-plan. Nous avons le sentier et le canyon, la petite rivière qui serpente le long. Nous avons même l'ombre projetée lorsque la formation de roches vers les lignes convergeant vers ce qui serait probablement la porte de la console. Mais nous avons également des lignes implicites ici. Prenez note de la façon dont les bords des collines rocheuses au milieu du sol aident dans cette direction. Ils convergent également vers le centre du château. Je fais donc plus que les coups que nous avons posés ou les pelouses littérales que quelque chose comme une route ou une rivière se mélangent. C'est quelque chose qui peut être fortement implicite pour créer une direction, voire une fermeture. La fermeture consiste à créer une forme complète, faire bouger nos yeux autour de l'image d'une certaine manière et à finir là où nous commençons. Vous remarquerez peut-être ici que la rivière, même si elle se trouve au milieu du sol, est plus proche la formation rocheuse complète du sol. Ce que nous devons nous rappeler, c'est que tout ce que nous peignons aura sa propre valeur de départ. Ce n'est donc pas parce que nous avons peut-être un tas d'objets différents au milieu du sol qu'ils vont tous s'arrêter exactement à la même valeur. Dans ce cas, l'eau est Dacca, donc ses niveaux de valeur au milieu du sol seront différents de ceux du canyon et des parois du canyon et de la roche environnante. Donc ça ajoute juste un peu de détail dans le rocher qu'il juste pour aider à transmettre l'histoire. Encore une fois, il s'agit probablement des limites supérieures de la façon dont vous souhaitez prendre vos compositions miniatures. Nous avons l'avantage, bien sûr, si nous travaillons numériquement, nous avons des pinceaux de texture émeute et des paramètres d'éclairage dans notre logiciel que nous pouvons utiliser pour citer beaucoup de temps et vous aider. développez rapidement des miniatures. Donc, si vous travaillez dans Procreate ou Affinity Photo Photoshop, vous pouvez utiliser les outils de courbe ou les outils Niveaux et ces applications pour modifier rapidement la plage de contraste et essayer différentes superpositions et textures. Bien sûr, c'est différent si nous travaillons pratiquement, j'utilise un studio de peinture réaliste, qui est beaucoup plus proche de travailler avec un véritable outil. Donc, si nous travaillons pratiquement, nous n'avons pas le luxe dont disposent nos homologues numériques. Mais quelle que soit la façon dont nous travaillons, nous ne voulons pas consacrer beaucoup plus de cinq minutes à une vignette à l'étudier. Il y a une exigence spécifique pour l'histoire. se peut que vous deviez passer une minute supplémentaire pour faire passer cette idée. Donc, par exemple, si un client devait vous dire : Eh bien, nous avons besoin que ce paysage soit un peu plus effrayant et intimidant et un peu plus difficile d'ajouter un personnage ici , peut-être en avoir un couple de dragons qui volent en arrière-plan. Ensuite, bien sûr, vous arriviez en haut avec quelques détails supplémentaires à la fin. Il suffit donc de mettre quelques arbres tordus ici et peut-être quelques zones de roche supplémentaires à la recherche d'un magasin. Ce petit peu de texture supplémentaire pour essayer de capturer l'audio dans le monde entier, mais ignorer la tendance aux détails est vraiment amusant avec l'illustration, mais nous devons aussi nous retenir un peu ici et économiser un peu de cette énergie lorsque nous commençons à faire la composition finale. Une fois que nous avons trié notre conception de vignettes, nous pourrons commencer à planifier à l'avance la véritable œuvre d'art. Nous allons donc commencer à finir ici. J'espère que ces outils que nous avons passés en revue vous aideront dans vos esquisses compositionnelles. Donc, pour tout réitérer, pensez toujours à votre empreinte graphique, vos formes claires et sombres de base. Pensez à savoir si l'image est dominante de forme formelle. Établissez vos valeurs et votre plage de contraste et mettez suffisamment de détails et profondeur pour faire passer l'ID. Avec cela hors du chemin, passons à la tâche. 8. PROJET: La tâche de cette leçon consiste à créer une composition avec au moins trois retards, un premier plan, un milieu et un arrière-plan. Maintenant, la composition peut littéralement être tout ce que vous voulez, mais essayez de raconter une histoire en elle. Il peut s'agir d'une histoire réelle, d'une histoire fantastique. Quels que soient les éléments que vous placez dans l'environnement, ils sont tous liés les uns aux autres. Essayez de visualiser quelque chose qui agit comme de la chapelure et qui attire vraiment le public vers l'arrière-plan. Parallèlement à cela et montrez que vous concevez l'empreinte digitale graphique de votre composition, ainsi que certaines variations de cette empreinte digitale avec différentes plages de contraste et de valeur, faites au moins trois et voyez ce qui semble un peu. Je vais donc vous laisser avec ça pour terminer la pratique HOD, et je vous verrai dans la prochaine leçon.