Comment créer des progression d'accords incroyables

1. Votre aventure avec les progrès progressistes d'accords: Bonjour créateurs de musique, aimeriez-vous devenir un maître d'un accord progressions et façonner l'histoire, bien sûr, et les harmonies dans votre musique. Voulez-vous écrire, façonner et exprimer vos progressions d'accords afin qu'ils se sentent inspirants pour vos auditeurs. Êtes-vous fatigué des accords simples et ennuyeux d'un bloc de bar et d'utiliser le même tous les trois ou quatre accords et variations sur toute votre piste. Puis je vous invite à partir sur un voyage et l'aventure pour maîtriser la vraie puissance d'un accord progressions et l'harmonie dans la musique, vous apprendrez les fondements des progressions d'accords et l'harmonie, directives professionnelles et des techniques, des idées et des secrets tirés d'exemples en direct. Et à la fin, vous serez en mesure de faire de la musique dans tous les types de sons, de couleurs et d'émulsions en utilisant la puissance des courts et harmonie de manière illimitée pour exprimer cette histoire de votre musique. Alors agissez maintenant et devenez un maître des progressions d'accords. C' est de la musique. 2. Qu': Qu' est-ce qu'une progression d'accords ? Réfléchissons à ça un instant. Parce que même s'il y a une réponse simple à cette question, la vérité est un peu plus complexe. Donc, la réponse courte est une progression de base est une chaîne d'accords qui créent un modèle de changements de code. Par exemple, supposons que vous utilisiez les accords suivants dans une piste, majeur, en fa majeur, en sol majeur et en mineur. Ensuite, votre progression d'accords est simplement le modèle de ces accords que vous utilisez dans votre piste. Et souvent cette séquence d'accords sera différente pour les différentes sections de votre chanson. Permettez-moi de vous donner un exemple pratique de progression d'accords pour un verset d'intro et un chœur, mais uniquement en utilisant ces quatre accords que je viens de mentionner. Donc, comme une ligne directrice générale, vous voulez garder vos intros doux et simple parce que vous voulez sauver cette excitation et cette variation pour les parties ultérieures de votre composition. Et c'est aussi la raison pour laquelle vous voulez les garder courts parce que sinon ils ont tendance à être ennuyeux pour la plupart des auditeurs. Donc, nous allons juste utiliser un modèle simple de F à C, puis de F à C, encore une fois, quelque chose comme ça. Donc c'est l'intro. Continuons avec le verset maintenant. Et maintenant, présentons les deux autres accords, un mineur et g. Mais gardons l'énergie encore assez ou moyenne. Niveau d'énergie. Pas trop excitant des motifs de composition et des modèles rythmiques, mais a encore plus d'énergie. Alors partons de C Now. Un mineur, deux fois F, C, une manière. Donc, c'est le dernier accord, dit à l'auditeur qu'il y a un changement à venir parce que c'était la première fois que l'appel a été utilisé. Et maintenant, allons au chœur. Nous avons déjà tous ces quatre accords. Allons le rendre un peu plus long, plus rapide changements de base dans certains cas, donc tous les coûts ne sont pas de la même longueur avant le changement. Faisons quelque chose avec le MIT, un peu plus d'excitation. Donc quelque chose comme ça. Ce sont les bases absolues des progressions d'accords, ce qui signifie que votre progression d'accords ne décrit que la séquence d'accords. Chaque changement d'accord qui définit le modèle des codes. Il ne décrit pas pendant combien de temps chaque accord est joué avant qu'il ne passe à l'accord suivant. Il ne décrit pas le style de jeu de chaque accord, l'instrumentation et l'arrangement vocal, les inversions d'accords, les voix et ainsi de suite. Il y a tellement plus à faire des progressions d'accords que les accords que vous utilisez. En tant que créateur de musique, vous avez un pouvoir créatif illimité pour façonner les harmoniques Tory dans votre production musicale en choisissant des choses comme des inversions d'accords, voix, des styles de jeu, des articulations expressives, l'instrumentation, l'arrangement, la superposition, et bien plus encore. En fait, même si vous choisissez d'utiliser seulement trois accords sur l'ensemble de votre piste, vous aurez toujours une liberté de création infinie et des choix pour rendre vos progressions d'accords uniques. Bon, donc je vais maintenant vous montrer ces deux exemples rapides que j'ai créés pour démontrer votre pouvoir créatif illimité en tant que compositeur de musique dans la façon dont vous exprimez vos histoires de musique, ce qui signifie vos progressions d'accords et vos progressions harmoniques dans votre musique. Et c'est ainsi que vous jouez votre musique, pas les progressions d'accords que vous utilisez, car ces deux exemples partagent exactement la même progression d'accords. F mineur, C et ré bémol majeur sont les trois seuls parcours, trois accords simples, exactement le même ordre ici, le motif et la longueur avant qu'il ne change à l'accord suivant. La différence est la façon dont je joue ces progressions dans le style de jeu. La voix qui conduit, l'instrumentation, articulations, les transitions, etc. Permettez-moi donc de démontrer la première et ensuite la comparaison à façon drastiquement différente du son émotionnel et du caractère dans le prochain. Jouer en 321. Droit ? Donc, cela avait plus d'un style triste, émotionnel, mais toujours pop. À mon avis. En utilisant seulement quelques tambours acoustiques et des basses électriques, un jeu de piano et un modèle de composition rythmique. Comparons-le au suivant qui est plus bas dans le temple, vous pouvez en fait avoir différents tempo et la signature temporelle pour changer l'ambiance aussi bien. J' utilise toujours le même kit de batterie, mais une dynamique de rôle plus faible et des instruments plus légers comme la prostituée, cordes pizzicato, des règlements plus courts sur les bois. Et au lieu de la basse électrique, j'utilise des cordes basses, longs nœuds envolés ici. Donc ça sonne comme ça. Comme vous pouvez l'entendre, radicalement différent par rapport au premier exemple, même si tous les deux partagent exactement la même progression d'accords. Voilà donc le pouvoir créatif que vous avez en tant que compositeur dans la façon dont vous exprimez votre musique. Et je vais aussi montrer que vous pouvez l'utiliser. Même si vous n'utilisez qu'un seul instrument. Parce que vous pourriez dire, eh bien, vous utilisez divers instruments et articulations ici. Mais faisons un simple piano. Vous pouvez jouer la même progression d'accords de différentes manières. Alors commençons par quelque chose si doux comme ça, Allons-y en fa mineur. Donc, une transition là-bas, et ainsi de suite, par rapport à jouer plus rythmiquement, peut-être un peu comme ça, ou peut-être quelque chose de plus avec des vagues et coulent comme en arpège. Comme vous pouvez l'entendre, tout ce que vous voulez faire dans votre musique, vous pouvez le faire avec la façon dont vous jouez chaque performance, même si vous utilisez exactement les mêmes accords et la même progression d'accords. Alors nous allons nous poser cette question à nouveau. Qu' est-ce qu'une progression d'accords ? La réponse la plus complexe à cela est que votre histoire complète dans votre composition musicale est créée par l'interaction et les relations de toutes vos harmonies et la façon dont tout coule et sonne ensemble. C' est pourquoi j'appelle une progression d'accord l'histoire de la musique. Et c'est ce que vous apprendrez à maîtriser dans ce cours. Alors continuons à apprendre. 3. Le pouvoir de l'harmonie en musique: Le pouvoir de l'harmonie dans la musique. Pourquoi ou code l'harmonie et les progressions d'accords si incroyablement puissants en musique ? Considérez une simple mélodie berceuse. Cela peut sembler beau, mais il sonnera aussi simple, faible et enfantin. Je vais maintenant le démontrer en jouant ce court exemple que j'ai créé en utilisant seulement une piste de batterie, une ligne de base, puis une mélodie de tête sur la harpe posée avec Glaucon spiel. Ainsi, vous pouvez entendre combien il est en retard que la profondeur, la richesse et la complexité et l'émotion que l'harmonie et les tribunaux ajoutent à la musique. Alors écoutons ça. D' abord. accords et les harmonies rendent la musique plus profonde, complète, plus complexe et intéressante. Fondamentalement, hormone est, va remplir votre musique et le rendre plus puissant et complet. Très bien, alors prenons le même exemple, mais commencez à ajouter des harmonies et des accords pour faire une progression d'accords qui ajoute de la profondeur, de la richesse, de la complexité et de l'émotion à cette pièce de musique. Donc la première chose que j'ai ajoutée était ce piano ici. Ok, un peu de ligne de comping rythmique là. Ensuite, j'ai ajouté ces chaînes avec ces notes plus longues. Dans un cours complet. Les transitions fluides. Ensuite, une ligne de laiton ici utiliserait deux des nœuds par accord, jouant essentiellement une harmonie en deux parties comme ça. Et j'ai fait la même chose sur ces quires ici, mais j'utilise deux notes différentes de l'accord. Et c'est complètement gratuit pour chaque utilisateur. Vous pouvez utiliser. Disons que vous avez un accord de triade standard. Il suffit d'utiliser deux des nœuds de cette cour, appliqué une hormone, une ligne. Et puis vous pouvez pimenter en choisissant deux notes différentes. Donc, ensemble, ils remplissent réellement l'accord complet. Maintenant, tous dans les contextes, si nous désactionnons ces morceaux et ils le sont, votre musique sera portée au niveau supérieur. Comparé à sans cour et harmonie. Énorme, énorme différence. Personnellement, j'appelle l'harmonie la profondeur de la musique. Sans harmonie, votre musique sera chose peu profonde et le blé. Je vais maintenant vous donner un résumé de ce que l'harmonie ajoute à votre musique. À mon avis, l'harmonie crée de l'émotion dans votre histoire musicale. Harmony ajoute de la profondeur à votre composition musicale. Harmony apporte un soutien à vos mélodies. Et les accords ? Vous pouvez demander, eh bien, accords et les harmonies sont presque la même chose. La seule différence est que des piles d'harmonies faites à partir de trois notes ou plus ou appelées accords. Donc, vous avez vraiment besoin d'apprendre ce concept. Eh bien, les cordes sont des piles d'harmonies, et les harmonies sont essentiellement deux intervalles joués ensemble. Donc, si vous prenez une note simple comme celle-ci, voyez et ajoute un intervalle d'un tiers majeur au-dessus d'un. Donc quatre demi-étapes, 1234, cet E ici. Maintenant ensemble, ils jouent une troisième harmonie majeure. Ensuite, si vous prenez cet E et ajoutez un intervalle d'un tiers mineur, 1, 2, 3 ci-dessus. C' est une troisième harmonie mineure. Ensemble, ils créent une pile de deux tiers majeurs inoffensifs, troisième mineur sur le dessus, ce qui crée un accord en do majeur. Vous pouvez ajouter un autre intervalle sur le dessus, disons un septième mineur. Celle-là, d'ici. C' est un mineur sept. Bien ensemble, vous jouez un accord dominant C7 ou C sept accords. C' est ce que les accords ou en musique. Et c'est pourquoi vous devez traiter chaque ligne comme l'une de vos voix harmoniques qui pour donner leur maquillage chaque accord. Donc, peu importe si nous parlons d'harmonies, accords ou de progressions d'accords. C' est toujours la même chose. Mise en œuvre pratique de l'harmonie dans votre histoire de musique. Maintenant, je vais vous donner des exemples concrets des trois pouvoirs fondamentaux de l'harmonie dans la composition musicale. Exemple 1 : l'harmonie crée de l'émotion dans votre histoire musicale. Disons que vous avez une mélodie simple comme celle-ci. Maintenant, bien sûr, chaque mélodie ou un thème comme celui-ci aura son émotion en fonction des intervalles que vous utilisez, façon dont vous jouez, de l'écrit, du style simple, de l'articulation , de l'instrument, etc. Mais l'harmonie et les accords, nous ajouterons beaucoup plus de profondeur à votre histoire émotionnelle de votre musique. Donc, si vous prenez ceci et commencez par F mineur, par exemple. Parce que nous allons entre ces nœuds, qui sont les coordonnées du cœur F-mineur. Alors on y va. Donc, nous pouvons, par exemple, aller à un bémol majeur ou peut-être à un ré bémol majeur en déplaçant ce nœud ici. Donc c'est fondamentalement ça dans une inversion comme ça. Donc si important, allons à si bémol mineur, mi bémol majeur. Ou il peut vouloir ajouter des nœuds, par exemple. Allez à, faisons un si bémol mineur, mais ajouté cette note comme ça. Qui comme cette ambiance encore jazzy élégante, parce que nous utilisons un B plat dominant septième année. Ou un si bémol mineur sept, c'est encore mieux. Ainsi, comme vous pouvez le voir, vous pouvez ajouter beaucoup d'émotion en fonction votre prêt d'accords et d'harmonies entier et de la façon dont vous les jouez, bien sûr. Vous pouvez donc jouer dans notre chambre ou comme vous le souhaitez. Mais cela ajoute cette histoire émotionnelle dans votre musique, en fonction des accords et des harmonies que vous utilisez. Exemple à. Harmony, ajoute de la profondeur à votre composition musicale. Donc d'abord, votre cours et votre intégralité remplissent la musique. Donc, mais encore plus important, est que vous devriez considérer tout dans le registre de base. Donc, la ligne de base est de jouer réellement une ligne d'harmonie par rapport à la mélodie. Donc seulement utiliser une mélodie et une base est en fait jouer une sorte d'harmonie, mais pas un accord complet. Donc, par exemple, comme ça. Je joue juste la ligne de basse ici en octaves sur le piano, mais tu comprends. Il ajoute vraiment de la profondeur à votre composition musicale. Exemple 3, l'harmonie apporte un soutien à vos mélodies. Disons qu'on commence par cette mélodie et que j'en aurais changé le rythme et le groove, mais ça ressemble à ça. Donc, bien sûr, chaque mélodie a son propre modèle dans le rythme de chaque note, que vous pouvez réellement souligner et ajouter du soutien à partir de vos enregistrements parce que chaque fois qu'elle change de noyau, faites quelque chose de rythmique avec votre accord. Vous créez un accent. Ainsi, vous pouvez utiliser ce ONE, par exemple, non seulement cause, mais aussi faire votre ligne de base. Donc, si nous commençons cet exemple en jouant simplement les accords d'une barre longue et le long nez de base comme ceci. Pourtant cette émotion, cette richesse et la profondeur de l'harmonie. Mais tu n'as pas le soutien de ta mélodie principale. Donc, ce que j'ai fait ici, c'est si nous regardons la ligne de base, juste de longues notes, ce nœud racine pour chaque accord vérifierait l'autre exemple que j'ai fait pour cela. Comme ça. Je vérifie cette ligne en même temps que la couche de base. Vous pouvez voir que je change la note de base essentiellement sur chaque, dans son cas, sur chaque changement, presque chaque changement pour la mélodie. Alors jouons la basse avec la mélodie. Donc vous pouvez voir, dans ce cas, je suis allé tout en utilisant le rythme, exactement le même rythme sur la base que la ligne mélodique. Juste pour prouver mon point de vue ici. Et pendant que la partie piano ici, la première partie est seulement de jouer le long accord. Alors vérifions l'autre version que j'en ai faite. Donc si nous allons dans le rouleau de piano et vérifier ces deux parties maintenant la ligne de mélodie ici et je vois réellement manger par couleur par région maintenant pour que vous puissiez voir, donc c'est le piano jouant la progression de l'accord, la chaleur. Et ceux-ci sont toujours en tête de la mélodie. Comme vous pouvez le voir, j'ai changé de cordon ou de rythme ici. Je le fais ici, je le fais ici, qui soutiennent réellement la mélodie. Alors comparez cela à avant et avec ce rythme à la place. Donc pas toutes les notes mélodiques, mais presque toutes d'entre elles. En fait, je change le rythme ou je change l'accord ici pour accentuer cette ligne de mélodie. Et vous devriez penser à cela pour toutes vos parties mélodiques jouant des harmonies ou des courts et votre musique, par exemple, votre ligne de base à nouveau. Avant que nous ayons cela, une version a changé froid ou basse note chaque barre ici. Mais quand je le change pour vraiment respecter ou même soutenir la mélodie, le rythme. Ok, donc un peu bas sur le piano là-bas, mais vous avez le point ici. Maintenant, prenez l'action, ouvrez votre DAW et écrivez une courte section de huit barres, commençant par une batterie et la percussion a grandi une ligne de base plus une mélodie. Écoutez à quel point il sonne mince, simple et peu profond sans codes, sans harmonie. Ensuite, utilisez un piano ou peut-être une chaîne de préréglage insoluble. Pour pratiquer ces trois aspects fondamentaux de l'harmonie, ajoutez de l'humeur, de la profondeur et du soutien avec harmonie. 4. Scale, accords clés et accords diatonic: Échelle, clé et accords diatoniques. Avant de commencer à ajouter des codes et de l'harmonie dans votre musique, vous devez savoir quelle langue vous suivrez utilisera. Et cette langue est basée sur l'échelle et la clé que vous choisissez pour votre chanson. Par exemple, disons que vous voulez écrire une piste qui est émotionnelle et un son triste, alors vous pouvez choisir de l'écrire en utilisant l'échelle mineure naturelle. Mais vous devez également choisir la clé sur laquelle votre piste sera basée. Pour plus de simplicité, nous allons utiliser l'exemple de l'échelle d'une petite, puisque cette touche n'utilise que les touches blanches de votre clavier. Donc, si vous commencez avec un nœud a et puis montez sur toutes les touches blanches comme ceci, B, C, D, E, F, G, et a. Vous avez maintenant joué à l'échelle une mineure qui monte. Tu peux le jouer en descendant. Donc, ces notes, et comme le centre tonal, la maison de votre histoire harmonique, seront la langue principale de votre composition si vous l'écrivez en mineur. Maintenant que vous avez le langage musical principal de votre morceau, échelle, échelle naturelle mineure, et touche a. Cela nous amène aux codes basés sur la langue de votre musique. Et ces accords sont appelés accords diatoniques. La règle d'or est d'utiliser uniquement des cordes étaient toutes les notes de chaque quart US, ou dans l'échelle et la clé de votre composition musicale, le langage de votre musique. Ces accords sont appelés accords diatoniques, parce que cela signifie accords dans la clé. Vous pouvez, bien sûr, aller au-delà des accords diatoniques. Mais c'est entrer dans l'hormone plus avancée est. Donc, restons juste avec la règle principale pour l'instant. Dans ce cas, la langue de votre composition musicale sera basée sur les nœuds a, B, C, D, E, F et D. Parce que ce sont les sept notes de l'échelle mineure naturelle. Donc, tous les accords de votre piste seront basés sur ces sept charges d'échelle si vous vous en tenez à utiliser uniquement des accords diatoniques. Laisse-moi te dire ça plus clair. Vous avez choisi d'écrire votre morceau en mineur, ce qui signifie qu'un sera le tonique, la maison de votre musique. Et puis vous n'utiliserez que le cas large, car c'est le cas dans l'échelle une mineure. Maintenant, lorsque vous choisissez des codes pour votre composition dans vos progressions d'accords, la règle d'or est d'utiliser toutes les notes de quart de l'intérieur de la clé et de l'échelle, donc toutes les notes blanches. Prenons donc en ré majeur, par exemple, qui utilise cette clé noire ici. Ce n'est pas un accord diatonique dans ce cas, ni un mi majeur. E mineur est parce qu'il n'utilise que des touches blanches ici. Donc les notes clés de l'intérieur de la clé et de l'échelle de votre musique. Suivant. Quels accords diatoniques pouvez-vous choisir ? Eh bien, commençons par nous en tenir au cours le plus basique sur la musique, que l'on appelle les émeutes. Il s'agit de trois accords de notes basés sur des intervalles d'empilement de tiers, soit un tiers mineur ou un tiers majeur. Et puisque vous pouvez empiler ces harmonies en quatre variantes, vous vous retrouvez avec quatre accords différents essayés en musique. Alors apprenons ces quatre types de cours de triade de base en musique. Donc, nous allons utiliser la note C comme nœud racine pour tous ces exemples, les quatre triades en musique. Donc le premier est une triade majeure. C' est la clé racine, suivie d'un tiers majeur. Donc 1234 demi-étapes, vous avez un troisième majeur, troisième harmonie majeure, et ensuite empilé sur le dessus est un tiers mineur. Donc, à partir de celui-ci, 1, 2, 3, c'est un tiers mineur qui vous donne une triade majeure, que j'appelle le son de bien-être ou son heureux, si vous voulez. La suivante est une triade mineure. Alors revenons en arrière, commençons sur la touche racine, puis montons un tiers mineur sur le dessus. Cause rappelez-vous toutes les triades ou basé sur l'empilement des deux tiers, deux harmonies de tiers sur l'autre. Et il n'y a que deux versions, une troisième mineure ou une troisième majeure majeure. Donc, ici, nous avons la clé racine, a grandi en troisième mineur. Donc 123 demi-pas est un tiers mineur, une troisième harmonie mineure. Et en plus de ça de cette note, empilez un tiers majeur en haut, 1234, et vous obtenez une hormone majeure ici, un tiers majeur. Et ensemble, cela crée une triade mineure, que j'appelle une zone émotionnelle ou un son triste si vous préférez. Donc, le suivant est une triade diminuée, qui commence à partir du nœud racine ici C, puis monte un tiers mineur, 123. Et puis à partir de cela, vous montez un autre rappel troisième. Donc ici, 123 et vous avez, voici un tiers mineur, Voici un tiers mineur. Donc, donc deux piles ou tiers mineurs crée, diminuer une triade diminuée. Et j'appelle ça un accord effrayant. Et puis vous obtenez la dernière quatrième variation, qui s'appelle une triade augmentée, donc racine et puis un tiers majeur, 1234, ME, troisième harmonie majeure. Et puis à partir de celui-ci, encore une autre troisième majeure, 1234. Harmonie majeure majeure. Donc l'harmonie majeure avec un troisième haut d'hominine majeur crée une triade augmentée. Et ça crée ce que j'appelle la mystérieuse corde de son. Ce sont les quatre triades à utiliser, car il n'y a que quatre façons d'empiler les deux tiers du forum. Troisièmement, la troisième hormone est au-dessus de l'autre. Majeur, mineur, mineur, majeur, mineur, mineur ou majeur plus majeur. Voyons maintenant ce que la triade diatonique appelle vous pouvez choisir dans l'échelle mineure naturelle et la grande échelle également. Parce que ces deux échelles, ou par quatre, les deux échelles les plus courantes utilisées dans la musique. Voyons donc l'échelle mineure naturelle, les sept accords diatoniques. Donc, une échelle dans la musique est simplement un modèle de nœuds basé sur des intervalles spécifiques entre chaque degré d'échelle. Donc, nous allons utiliser un mineur, dans ce cas, a, B, C, D, E, F, G, et a. Eh bien, vérifions le modèle d'échelle de chaque étape de l'échelle. Le premier, remarquez, si un puis B pour un mineur naturel, ce qui signifie que vous sautez une étape ici. Donc, ne pas avoir mis, mais un pas entier de un à deux. Et puis de deux à trois, il y a un demi-pas d'air. Puis de trois à quatre, il y a tout un pas parce que tu en as sauté un ici. Puis un autre pas. Ensuite, vous voyez ici un demi-pas, puis un pas entier. Étape entière, qui forme le motif de l'échelle. Maintenant, il en va de même pour les accords diatoniques. Ils sont créés automatiquement à partir de l'utilisation, dans le cas des tribunaux de première instance, de piles de tiers. Donc, si vous prenez un mineur, la note racine au tonique est a. La deuxième note de l'échelle est b, mais puisque vous allez l'empiler troisième, vous devez aller à la troisième étape, qui est un C dans ce cas. Dans ce cas, c'est une troisième harmonie mineure. Donc 1, 3, puis sautez le quatrième et passez à cinq parce que nous allons empiler un troisième à la première corde de triade. Vous obtenez dans l'échelle d'une mineure est une mineure. Le suivant, à partir de la deuxième échelle degré échapper au troisième, aller au quatrième pour garder la foi, aller au 6ème, et pourtant être diminuée automatiquement. Donc une mineure et diminuée, en do majeur. Et si chaud. Et une grande chose à propos des accords diatoniques, c'est comme des écailles. Peu importe la clé sur laquelle vous commencez. Donc, vérifiez à nouveau, vous obtenez un accord de racine mineur. Premièrement, l'accord est un mineur, un mineur dans ce cas, puis un B diminué, puis un C majeur, ré mineur et mi mineur, et ainsi de suite. Disons que vous commencez par D à la place, ré mineur, même échelle, ré mineur naturel, mais une clé différente. Eh bien, comme avec un mineur, vous obtenez un accord mineur comme premier accord. Et si vous vous souvenez d'ici, le deuxième trimestre a diminué, donc B a diminué au moment de la caisse. Encore une fois, D mineur. Donc, vous avez les scalaires ou D, E, F, G, a, B plat. Maintenant, vérifions ça à nouveau. premier accord est en ré mineur, puis le second accord commence au deuxième degré d'échelle sauter une note d'échelle. Degré d'échelle aller à G, sauter un, aller à B, mais c'est une note plate. Donc, vous l'aplatiez pour être plat, et vous obtenez E diminuée automatiquement que les deuxièmes accords, le ré mineur, e diminué troisième est le fa majeur. La quatrième est là. Un G et un appartement au B. Donc vous obtenez sol mineur, un mineur et ainsi de suite. Voyons maintenant le parcours de triade diatonique pour la grande échelle. Donc encore une fois, pour rendre cela plus facile, je vais le démontrer avec l'échelle C majeur parce que cela n'utilise que le cas large C, D, E, F, G, a, B et C. Alors commençons sur le premier degré d'échelle, empilons un troisième. Donc, sautez le deuxième degré d'échelle pas dans un troisième. Ignorer le quatrième degré d'échelle. Allez à la foi et vous obtenez le premier accord, l'accord tonique du do majeur. C majeur. Ensuite, vous arrivez à la suivante, commencez par la deuxième, troisième et la quatrième rue, sexe, et vous obtenez ré mineur. Donc, pour toute échelle majeure de la musique, vous obtiendrez ce modèle d'accords diatoniques de triade, majeur, mineur, majeur, mineur, majeur, mineur, puis le septième sera diminué. Donc là, vous l'avez. Ce sont les sept cours de triade diatonique que vous pouvez utiliser pour créer vos progressions de base avec si vous écrivez votre musique en mineur. Et comme l'accord diminué semble très étrange et a une tension élevée, vous l'utiliserez rarement pour la plupart des styles de musique. C' est pourquoi je l'ai marqué entre parenthèses, ce qui vous laisse avec seulement six choix, trois accords mineurs et trois accords majeurs. Permettez-moi de terminer en vous montrant rapidement trois exemples simples de progressions de base pour rétractation écrite en mineur. Donc, vous devez d'abord apprendre que très souvent une progression d'accord dans l'amidon de musique sur l'accord racine, la maison ou le tonique, un mineur dans ce cas, puisque nous utilisons un mineur comme la clé et une échelle et se termine sur le même. Comment serons-nous pas toujours, vous pouvez commencer sur un accord différent, disons. Mais fondamentalement chaque fois que vous voulez mettre fin à la progression de l'accord d'une manière qui se sent résolue. Tu veux finir sur le tonique. Cour d'accueil dans ce cas une mine. Ok, donc laissez-moi jouer rapidement ces trois exemples différents. Les deux premiers, je commence sur l'accord racine et je finis sur le code de la route. Alors que le troisième exemple, je commence le cinquième et se termine sur le tonique tout le quart. Alors jouons à ça. Mineur, E mineur, C , G, ré mineur, et E mineur. Une mineure. Et vous avez vraiment senti combien Huit tiré vers l'accord de la maison est une mineure là-bas. Et c'est parce que j'ai utilisé le cinquième accord de la balance juste avant de rentrer chez moi. Et c'est la piscine la plus forte, cette tension la plus forte à résoudre à l'accord unique. Donc, dans le cas d'un mineur, vous avez le seul accord étant mineur, la foi serait mi mineur. Donc, quand vous passez de la poussée à résoudre à un mineur ? Allons avec le deuxième exemple. Payons quelque chose d'improvisateur, en commençant par un mineur, en C, G, ré mineur, en F, G, comme ça. Ok, donc ici je suis allé de G et ensuite faire une mineure. Ok, donc le troisième exemple, je ne commence pas avec un mineur, mi mineur. Donc, le cinquième accord dans ce cas, qui a une forte piscine à l'accord tonique, un mineur. Alors j'y vais tout de suite, comme ça. Comme ça. Maintenant, vous pouvez bien sûr utiliser n'importe quel accord diatonique dans votre progression d'accords. Et disons utiliser à petite échelle un mineur. Donc le début a appelé Whitby mineur, un mineur dans ce cas. Mais un conseil de bonus ici pour vous est que l'un accord dans ce cas un mineur, puis le quatrième, qui dans ce cas est ré mineur. Et puis leur foi dans l'échelle mineure ici, les 145 core zone trois partitions que j'appelle les courts forts ou la musique parce que ceux-ci auront l'harmonique le plus fort impact sur toute progression d'accords quel que soit le type d'échelle que vous utilisez. Dans le cas d'une échelle mineure, ils sont tous mineurs, donc un mineur est un ré mineur, un mi mineur. Et si vous utilisez une échelle majeure, le parcours 145 sera majeur, un, en do majeur, en fa majeur et en sol majeur. C' est la raison pour laquelle beaucoup de chansons pop utilisent seulement trois ou quatre accords. Donc, s'ils sont basés sur une échelle mineure, ce seront les 45 accords mineurs et ensuite peut-être ajouter un fa majeur là pour un peu d'épices. Ainsi, quelle que soit la progression des accords et quelle que soit l'échelle, il est toujours plus sûr d'utiliser les 145 accords plus souvent que d'autres enregistrements. Et puis pensez aux autres accords comme des épices et des coins pour vos progressions d'accords. 5. Se rendre au-delà des triads: Au-delà des triades, des accords de triade standard et plus particulièrement des accords majeurs et des accords mineurs, ou des fondamentaux absolus de l'harmonie dans la musique. Les deux autres types de triades, la triade diminuée et la triade augmentée, ou moins utilisée dans les styles populaires de musique en raison de leur tension supplémentaire et dissonance. Jetons un coup d'oeil à ces quatre types d'accords de triade en musique. Et rappelez-vous, une triade signifie deux piles de tiers l'une sur l'autre, ce qui signifie naturellement que vous avez quatre façons de les empiler. abord, vous avez la triade majeure, qui est la racine plus le troisième majeur, et un autre troisième intervalle majeur sur le dessus. Et c'est l'accord qui sonne bien ou heureux. La triade suivante est la triade mineure, qui est la racine plus la troisième mineure. Et puis un tiers majeur en plus de cela, qui est l'accord émotif ou triste. Ensuite, vous avez la triade diminuée, qui est la racine, plus un tiers mineur, puis un autre tiers mineur sur le dessus, qui est l'accord effrayant et effrayant. Et enfin, vous avez la triade augmentée, qui est la racine plus le troisième majeur, et un autre troisième majeur sur le dessus, qui est le mystérieux accord de sonorité digne. Et si vous voulez aller au-delà de ces triades ? Il y a des centaines, voire des milliers, de types de cœurs que vous pouvez utiliser dans la musique. Mais soyons honnêtes, vous n'en avez pas besoin. Je vous ai simplifié les choses en faisant un résumé de ce que je considère comme les sept accords les plus utilisés en musique, y compris le patron des intervalles qui composent ce cours. Numéro 1, la triade majeure, racine plus troisième majeur plus cinquième parfait. Numéro 2, la triade mineure plus un tiers mineur a parfait cinquième. Trois, suspendu quatrième, qui est la racine. Ainsi parfait quatrième, parfait cinquième. Numéro 4, suspendu deuxième, qui est la racine dernière seconde majeure plus parfait cinq, le septième accord dominant, qui est le septième accord le plus utilisé dans la musique, qui est la racine, passer troisième majeur, parfait cinquième, et un septième mineur au sommet. Ensuite, vous avez le sixième noyau le plus fondamental, qui est le septième majeur, racine plus le troisième majeur, cinquième parfait, plus un septième majeur en haut. Et enfin le numéro sept, qui est le mineur sept, racine plus troisième mineur, cinquième parfait, et un mineur sept. À l'époque. Je dirais qu'en utilisant seulement ces sept types d'accords, vous pouvez à peu près écrire chaque morceau de musique que vous pouvez imaginer. En fait, vous pouvez même vous en tenir aux quatre premiers de ces types de base comme vos accords principaux à utiliser pour vos progressions de base. La grande chose à propos du sus4 et SAS, deux accords, d'ailleurs. Qu' ils peuvent ajouter une belle tension de lumière émotionnelle dans vos progressions d'accords. Donc si nous écoutons moins l'accord sus4, vous voyez sus4. Ils ont suspendu quatrième veut résoudre de retour aux tiers dans ce cas, peuvent revenir à l'accord en do majeur ou nous voit à ces suspendu deuxième veut résoudre à la troisième aussi. Vous pouvez aussi le faire pour les accords mineurs, alors disons F. mineur. Et puis utilisez SAS pour revenir au ou F sus4 et revenir au F-mineur. Mais comment et quand pouvez-vous utiliser ces autres accords dans votre musique ? abord, la règle principale est d'utiliser uniquement les accords diatoniques dans vos progressions de groupe. Assurez-vous donc que le type de base que vous utilisez n'utilise que des notes de la clé de votre chanson. Laissez-moi vous faire des démonstrations d'aller au-delà des triades. Utilisons un mineur comme échelle ET porte. Et vous avez déjà appris que le premier essai et l'accord est mineur, puis vous obtenez B diminué, C majeur et ainsi de suite. Disons que vous voulez essayer un accord suspendu. Commençons par le tonique, l'accord racine. Vous pouvez le faire suspendu, suspendu parce que la racine parfaite quatrième, papiers parfaits est suspendu quatrième accord. Et dans ce cas, vous utilisez des notes à l'intérieur de l'échelle qui est accepté, c' est-à-dire un accord diatonique dans la clé d'un mineur, comme c'est le second suspendu, dans ce cas, un SUS 2. Maintenant, vérifions que sur le cinquième accord, l'accord en mi mineur, E passé quatrième parfait, cinquième parfait, est quatre. Oui, c'est diatonique. E majeur deuxième plus parfaitement ethos deux n'est pas l'accord diatonique. Ok, donc vous ne pouvez pas utiliser l'ethos un accord à deux si vous voulez utiliser accords diatoniques dans votre progression du cœur lorsque vous écrivez en mineur. Et allons au-delà. Faisons un septième accord. Donc comme avec les triades que vous choisissez simplement, en empilant les 3rds dans le boîtier diatomique. Donc 1, 3, 5 est mineur. Il suffit d'empiler un tiers sur le dessus, de sauter celui-ci, d' aller à celui-ci, et vous obtenez automatiquement un mineur de sept. Passez au deuxième degré d'échelle suivant, sautez tous les autres nœuds, sorte que vous obtenez celui ou 246. Et puis à l'octave ici. Donc vous obtenez B à moitié diminué, être diminué avec un autre tiers empilé sur le dessus. C' est le deuxième accord diatonique septième dans la clé d'un mineur. Le suivant, en do majeur septième. Le mineur septième, mi mineur septième. E, F majeur sept, F et G dominant septième, également appelé le G7 pour abréger. Donc, pour vous faciliter la tâche, j'ai créé ceci. Un modèle ou une feuille de triche pour les accords diatoniques les plus courants que vous pouvez utiliser dans l'échelle mineure et l'échelle principale. Donc, pour commencer avec une échelle mineure, si vous utilisez un mineur, par exemple, le premier accord racine sera mineur, un mineur dans ce cas, vous ne pouvez pas choisir ici d'aller avec SaaS 2 car comme vous pouvez le voir, root plus une seconde majeure a parfait. Dave est un accord SUS 2, et celui-ci n'utilise que des nœuds du jeu, comme cela est demandé dans ce cas. Et si vous empilez un tiers au-dessus de la triade, vous obtenez le 7e Air. Cas d'utilisation un septième mineur. Donc tous ces quatre accords, mineur dit deux et sus4 et mineur septième. Lorsque la touche racine ici est un, si vous écrivez votre chanson en mineur, la suivante est diminuée, être diminuée dans ce cas. Et ici, vous n'utilisez pratiquement jamais cette triade de noyau diminuée, mais vous pouvez ajouter un troisième sur le dessus pour faire un septième accord, dans ce cas, un septième mineur avec un plat cinq, qui est aussi appelé la moitié diminuée septième accord. Donc, ces deux versions que vous pouvez utiliser pour le deuxième quart de degré dans un mineur, alors le troisième accord est majeur. Vous pouvez faire un SaaS 2 pour les sept principaux. Allons à, passons par le cinquième. Donc c'est mi mineur et vous ne pouvez pas utiliser celui-ci. Il y a SUS 2 parce que ce n'est pas un ordre diatonique, mais vous pouvez utiliser un sus4. Enfin, allons avec un accord de six, qui est en fa majeur, et voici le contraire. Vous pouvez l'utiliser comme deux, mais pas le SAS pour, car cela n'utilise pas seulement les clés de l'échelle. Alors vérifions ça. Quelques exemples de la grande échelle. Donc la dernière utilisation en C majeur accord est majeur. Vous pouvez utiliser un SAS vers SAS pour la septième majeure. Continuons et essayons la troisième coordonnée, qui est mi mineur. Vous ne pouvez pas utiliser de cellules T SaaS, car elle utilise un inconnu en dehors de l'échelle. Donc, ce n'est pas un diatomique ou, mais vous pouvez utiliser le sus4 et empiler un tiers au-dessus de la triade crée un septième mineur, ou le troisième degré d'échelle. Essayons avec le quatrième accord, fa majeur. Ici, vous pouvez utiliser Fs 4s2, écrit deuxième majeur. Perfect cinquième. Parti ne peut pas utiliser grossier plus parfait quatrième, parfait cinquième, parce qu'il n'y a pas, pas dans la clé du do majeur. Et si vous voulez créer un septième accord, ajoutez un troisième sur le dessus. Et vous obtenez naturellement un accord majeur pour le quatrième degré de do majeur. Vous pouvez donc appliquer ces deux feuilles de triche pour l'échelle des animateurs d'échelle secondaire sur n'importe quelle clé de ce type d'échelle. Donc, si vous utilisez, disons ré mineur, la première coordonnée est mineure, mais vous pouvez utiliser un SAS pour entendre sus4 ou un septième mineur. Et le, disons le cinquième accord de ré mineur, 1, 2, 3, 4, 5. Donc, ici vous avez un, un mineur, vous pouvez utiliser un SaaS. Partie ne peut pas utiliser un SAS pour transformer son cas de ne pas savoir parce que la clé de ré mineur a un bémol B. Donc, cette note devrait être plate. Est un SAS 2 n'est pas un accord diatonique dans la clé de ré mineur. Appliquez donc ce modèle chaque fois que vous créez vos progressions de base, soit pour l'échelle de neuf mineures ou pour l'échelle principale. Et vous pouvez créer fondamentalement n'importe quel type et émotions de musique que vous voulez avec tous en utilisant ces accords par degré d'échelle. Une autre ligne directrice est que vous pouvez envisager d'aller au-delà des triades lorsque la voix d'accord ajoutée correspond à votre ligne mélodique. Donc, disons que vous jouez en mineur et que vous voulez utiliser un accord en do majeur sept dans votre progression. C' est peut-être un bon choix. Si vous êtes la ligne mélodique touche la note B, qui est la voix supérieure de ce septième accord majeur en C. Permettez-moi donc de le démontrer en utilisant à nouveau la clé d'un mineur. Donc le toit appelé une mélodie va comme ça et réutiliser un homme ou comme un accord de départ. Maintenant, si vous voulez aller à ce B ici, vous pouvez bien sûr utiliser en accord mineur comme ça, mais si vous voulez pimenter pour ajouter un septième accord, essayez le septième majeur en C parce que cela utilise également cette note qui est un bon point dans votre composition pour l'essayer. Donc ici, disons que vous voulez utiliser un accord sus est G note. Si vous utilisez un, disons que D Salesforce utilise également ce génome ou va comme ça. Utilisez donc cette ligne directrice pour n'importe quel moment dans votre composition. Votre mélodie va juste quelque chose à une note spécifique. Essayez le code qui utilise cette note. Il ne doit pas être sept quarts peut être comme SaaS pour nous d'ajouter des recherches, n'importe quel type de couleur d'accord que vous voulez utiliser. À n'importe quel moment précis. Votre mélodie va à un nœud spécifique. 6. Les voix de la musique: Les voix de la musique. Continuons maintenant votre voyage dans les progressions d'accords et l'harmonie en allant un peu plus loin. Allons au-delà de ce que sont l'harmonie et les accords et leur relation avec l'échelle et une clé. Et plongons dans les applications pratiques de l'harmonie dans la composition musicale. L' harmonie est une question de voix. Alors maintenant, je vais vous apprendre probablement l' aspect le plus important de l'harmonie, c'est ça. L' harmonie est une question de voix. Maintenant, par Voices, je ne parle pas de voix humaines. Une voix en musique signifie simplement l'un des ports jouant dans l'histoire harmonique ou mélodique de votre musique. Par exemple, disons que nous avons une simple progression d'accord sur les codes triades. Ces trois accords de notes ou divisés en trois voix qui jouent chacune leur propre ligne. A l'intérieur de la progression de l'accord. Vous pouvez penser à un chœur. Le chœur entier joue ensemble une progression d'accord ou une harmonie, mais les tribunaux sont divisés en lignes différentes, et chaque ligne du code est ensuite assignée à une section du chœur. Let's section effectue sa propre voix à l'intérieur de la pleine harmonie. Jetons donc un coup d'oeil à cet exemple simple que j'ai créé au piano, passant d'un fa majeur, en do majeur, en sol majeur, et en C. Bien, donc au lieu de penser à vos progressions d'accords comme des blocs comme ça, pensez à un comme une voix séparée. Donc, dans cette ligne supérieure ici, pourrait être joué par, par exemple, des violons. Ceux-ci pourraient être joués par des altos, exemple, et cela par des basses profondeurs. Vous pouvez également doubler ou que peu profond et les cornes françaises jouent cela, ou le considérer comme des voix dans un chœur. Donc cette partie supérieure est les ténors, les sopranos, et vous avez les altos et ainsi de suite. Mais il est plus évident que je vous montre un vrai exemple, jouant ensemble, parce que toutes les voix en famille sont ce qui crée vos accords et votre progression harmonique. Donc, si vous prenez un peu d'espace libre. Donc, j'ai en fait une section de cordes ici, jouant l'imbécile essayé appels F mineur à D plat ici et ainsi de suite. Mais même si j'exclut cela, vous devriez considérer chaque instrument mélodique, chaque instrument qui joue un son aigu. Donc la base ici, avec la harpe jouant la mélodie. La mélodie fait donc partie de la progression harmonique, même si vous n'y pensez pas. Les cuivres jouent ici pour noter l'harmonie. Pour que vous puissiez voir et le chœur ici. C' est juste une superposition dans le cœur. Alors maintenant, jetez un oeil ici à l'endroit où vous placez la tête de lecture. Vous devez compter chaque voix jouant. Vérifiez les notes et voyez que c'est l'accord actuel. Donc ici, nous avons un autre F, donc la note racine, G pointu, qui est un tiers mineur, et F Encore une fois, le nœud racine a doublé ici, vous pouvez voir dans le New York Times, puis un autre D morceaux pointus, qui est le troisième mineur. Et une fois que tu iras ici. La mélodie descend en fait. Donc techniquement, c'est un ajout neuf fondamentalement, ou ajouter à la si vous préférez, mais c'est techniquement un ajout neuf. Tu es toujours sur l'accord de F-Major. Mais si la mélodie change là, c'est la même chose pour la ligne de base. Dès qu'une ligne de base va à ce nœud ici. Techniquement, c'est un autre disque, très brièvement ici, c'est un cordon de transition, mais techniquement et un autre accord fait à partir de la voix menant ici avec la ligne de basse va marcher jusqu'à l'accord suivant, qui est un ré bémol majeur. Donc il dit voir Charpy à propos de son appartement D ici, ici. Et puis vous avez un f, qui est un tiers majeur ci-dessus. Vous avez encore un D appartement et F, et ainsi de suite. Donc, vous devez ajouter tout, bien sûr, les cordes ici aussi, pour considérer ce que joue l'accord à n'importe quel moment. Et tout ensemble joue comme une famille de voix qui crée votre scénario harmonique. Donc tout le code, instruments à jouer, toutes les hormones, les voix, toute la ligne de base, la voix mélodique, tout compte quand vous l'additionnez pour former votre progression d'accord. Parlons maintenant du centre tonal, l'ancre de l'harmonie. Donc, ce que l'auditeur verrouille dans vos progressions d'accords et l'hormone est, c'est ce qu'on appelle le centre tonal. C' est essentiellement l'ancre de votre histoire harmonique. Le centre tonal le plus important est la clé racine de votre piste. Par exemple, si votre piste est écrite en ré mineur, D sera le centre tonal principal. Laisse-moi te le montrer rapidement en jouant quelque chose en ré mineur comme ça. Donc, j'ai fini là avec ré mineur à nouveau parce que le Gleason il tenir, graviter fœtal une piscine pour re-résoudre à cette maison douce, douce maison, qui est d dans ce cas. Donc, peu importe l'échelle que vous utilisez. La racine note la clé. Donc d dans ce cas, sera toujours les principaux centres tonaux pour votre musique. Cependant, vous avez aussi un centre tonal, coule et progresse à travers votre composition, qui est l'ancre harmonique décidé par quels accords et harmonies vous jouez, la voix, l'arrangement et la distribution de chaque voix, la mise au point par voix, etc. Une règle générale est que vous voulez fournir à l'auditeur le centre tonal distinct sur lequel se verrouiller, c'est pourquoi le nœud racine de chaque accord dans votre progression d'accord. Tirez dans la plupart des cas ont le plus de poids et de concentration. Vous pouvez y parvenir en vous assurant que la base. Se concentre principalement sur la note racine par enregistrement, et que le nœud racine est également superposé en octaves. Reprenons la ré mineur. C' est un accord en ré mineur. Vous pouvez le jouer dans une inversion, par exemple, comme ceci, ou comme ça. D est toujours le centre tonal de cet accord, mais vous avez tous à fournir un poids plus important sur le centre tonal pour fournir cette ancre harmonique pour votre musique, qui est, dans la plupart des cas, vous voulez jouer principalement la note racine de l'accord dans le registre de base. Donc, si je joue une inversion comme celle-ci, je peux agir le centre tonal en jouant le D ici dans les octaves inférieures, ou même en le doublant d'une octave au-dessus ici. Donc vous avez trois D dans cette affaire. Donc, vous pouvez bien sûr, faire marcher votre ligne de base comme ça. Mais dès que vous déplacez la base ici à, pour voir le centre tonal de la cour. Le D, la note racine de l'accord n'est pas aussi claire, donc vous ne voulez pas être là trop longtemps. Ça crée un peu de tension ici. Plus comme un temps d'analyse ou de transition. Donc je dirais 80 pour cent du temps que vous voulez garder votre base sur la note racine. Juste comme une ligne directrice générale. Et toujours mettre plus de poids dessus. Et vous pouvez le faire en doublant une octave au-dessus, ou même une octave ici si vous voulez. C' est donc le centre de tonalité par accord dans votre progression d'accord. Vous pouvez également vous assurer que le centre tonal a le plus de focus en doublant avec plusieurs instruments. Donc, si vous prenez cet exemple à nouveau. Donc, cela commence par si vous vérifiez la chaîne, disons, ou il joue réellement l'accord complet en fa mineur ici. Donc F est le centre tonal juste là. Et vous pouvez voir qu'il est joué un F dans la basse. Il est également doublé comme l'un des deux harmonies pas ici sur les cuivres ici. Donc F et le troisième mineur là-bas. Et le chœur est en fait un jeu du troisième intervalle mineur juste là sur la cour. Et le f, salut Rob ici, donc le doubler là. Ainsi, comme vous pouvez le voir, vous pouvez le doubler sur plusieurs instruments. Et cela fournit un sens plus fort du centre tonal pour chaque enregistrement de votre progression également. Et aussi en utilisant des techniques de production pour le rendre plus important dans le mélange. Et les deux principales techniques de production pour donner plus de poids au centre tonal est abord d'augmenter la dynamique du niveau de vitesse ici par, par exemple, ou dynamique de contrôle d'expression pour les instruments qui ont un contrôle dynamique pour notes soutenues, ainsi que fondamentalement juste augmenter le niveau. Donc, disons que l'air de base, si vous augmentez le niveau sur cette piste, il aura bien sûr plus de poids dans le mélange. Et donc un meilleur sens du centre tonal. 7. Accords et mélodie: Accords contre mélodies. Alors, comment devriez-vous penser à la relation entre accords et mélodies ? Eh bien, la règle la plus essentielle quand il s'agit d'accords, mélodies et d'intervalles dans la musique est celle-ci. Toutes les voix mélodiques de tous vos instruments, ou ce qui crée le cordon actuel à n'importe quel point spécifique de votre composition musicale. Je crois vraiment que c'est l'aspect le plus important de l'harmonie des accords et des progressions d'accords dans la musique. Alors faites attention maintenant. Disons qu'on a cette partie de piano ici. Donc, comme vous pouvez à la fois entendre et voir, c'est évidemment jouer une progression d'accord. Une séquence d'accords ici en demi-barre change. Maintenant, allons juste mu à ça pour l' instant et vérifier tous ces autres instruments jouant. C' est jouer les accords, mais quand je l'ai mis en sourdine, je joue toujours une progression d'accords avec tous ces accords ensemble. Alors, c'est ça ? Et si je vais jeter un coup d'oeil à tout en combinaison comme ça, nous allons l'effondrer pour que vous puissiez le voir chaque note ici. Où que vous mettiez votre tête de jeu ici. C' est l'accord actuel. Donc la progression de l'accord, en fait, c'est plus complexe que vous ne le pensez d'abord. Même si vous avez un instrument jouant les accords, chaque partie mélodique de votre musique ajoute à votre progression harmonique. Donc ici, vous avez un F, C, F, D. Donc, d'accord, ces formes ensemble. Si mon accord mineur, alors nous avons une voix qui mène ici dans les quires. Donc ici vous obtenez un F, D pointu, F, C, F, et G. Donc ça forme un autre accord, puis la base monte ici. Donc, avec comme une ligne de basse marchant, vous créez un nouveau code juste là à cette position. Donc, quand vous considérez cela, traitez toutes vos voix comme faisant partie de la famille d'instruments qui jouent une ligne mélodique. notes tellement pitchées que ce qui constitue votre progression complète des accords dans votre musique. Ceci est automatique par leurs relations de tous les intervalles entre les notes dans vos parties. Vous devriez donc toujours traiter chaque ligne et partie votre composition musicale comme une seule voix dans toute une famille d'autres voix, jouant ensemble pour façonner l'histoire de votre composition musicale. Maintenant, si vous jouez une progression d'accords sur, par exemple, un piano, vous changez généralement les accords trop lentement pour que les voix internes des tribunaux soient considérées comme une mélodie par elles-mêmes. Donc, fondamentalement, la façon habituelle de regarder les accords dans la musique. Comme une base harmonique, un cadre fonctionne pour votre histoire musicale. Laissez-moi vous montrer un autre exemple pour le démontrer. Donc, j'ai deux pistes jouant le piano ici est juste jouer la ligne de mélodie, mais en couches en octaves pour plus de clarté de mise au point. Droit ? Et puis j'ai un autre piano qui joue les accords. Mais puisque je ne change d'accords que chaque barre, ça se sentira plus comme des cours et pas des lignes individuelles. Parce que si nous vérifions ceci ici, si je sélectionne juste la ligne supérieure ici, vous pouvez considérer cela. C' est sa propre voix dans votre famille harmonique qui crée la progression de l'accord. Cela pourrait, par exemple, être joué sur des cordes tandis que cette voix du milieu ici, cette ligne du milieu pourrait être jouée par des cornes, par exemple. Et vous pouvez organiser les différentes voix de disques à jouer en famille, créant votre société. Et si vous faites cela, vous pouvez, par exemple, créer des voix, faire, faire en sorte que la ligne réelle fasse plus dans votre progression harmonique. Et plus vous ajoutez, plus il se sentira comme des lignes mélodiques individuelles jouant ensemble. Donc l'harmonie contrepoint fondamentalement. Mais ce premier exemple est juste de jouer les accords ici en blocs. Cependant, si vous changez d'accords très souvent, comme par exemple, chaque quart de note ou plus vite, votre progression de base se sentira plus comme une harmonie de contrepoint, ce qui signifie plusieurs lignes mélodiques indépendantes jouant ensemble. Ainsi, plus vous changez d'accords, plus votre progression d'accords sera mélodique, et plus elle sera liée à l'interaction entre vos accords et vos mélodies. Revenons maintenant à cet exemple et c'est vraiment important aussi. Alors vérifiez ici. Vous pouvez voir les tribunaux ici en blocs, mais ce n'est pas votre progression d'accord. Dans foo, vous obtenez la progression harmonique complète quand vous comptez, additionnez toutes les voix mélodiques de votre musique. Signification, par exemple, dans ce cas, la ligne de mélodie ici. Donc, vous devez, à chaque moment précis, additionner chaque voix dans votre musique dans ce cas, mais a, C, F, a et F ici encore. Donc c'est un major. Mais ensuite nous allons ici et la voix mélodique va en fait jusqu'à G, où le F-Major joue encore les accords ici. Maintenant, c'est en fait un accord différent parce que votre voix mélodique va à un autre nœud ici, G dans ce cas. Donc, cela épelle dans ajouter pas f à neuf accords, et ainsi de suite et ainsi de suite. Vous devez également ajouter votre ligne de base, chaque voix mélodique de votre musique. Parce que la relation entre vos accords, mélodies, chaque ligne mélodique est ce qui arrive quand, quand vous définissez ce que vos hormones, votre progression d'accords est vraiment. Maintenant, comment choisissez-vous les accords qui sonneront bien avec vos mélodies ? Alors vérifions ça ici. Si majeur, donc depuis toi, j'utilise ici F, G et a, tu dois considérer la relation entre toutes tes, toutes tes lignes harmoniques qui composent ta progression d'accord et ta ligne mélodique. Donc, la mélodie est toujours à l'honneur. Donc ce sont les notes que je joue ici. Donc, vous devez vérifier les accords qui utilisent certaines de ces mélodies sait. Donc, puisque j'utilise F, G et un ici, F et a, choisissons ceux-ci. Ça pourrait aller avec un accord en fa majeur. Donc, après avoir vu ici en bas, je pourrais aussi choisir d'utiliser un ré mineur parce que cela utilise également deux de ces nœuds qui faisaient partie de cette ligne ici à l'intérieur de la mélodie. Donc, ce qui donnera à un mineur se sent édifiant, F-major. Ou si vous voulez aller encore plus loin, vérifions ça. Si j'ajoute le bémol ici, puisque cela fait partie de la ligne aussi, je monte en B plat, vous obtenez le majeur 7. Tu arrives à Jesse Vibe là-bas. Vous pouvez, bien sûr, utiliser une inversion puis continuer. Et ici, par exemple, je pourrais aller en si bémol majeur si je commence en ré mineur. Vous voyez la relation ici. Toi, tu dois vérifier ce que font tes notes mélodiques. Quels nœuds s'agit-il ? Est-ce qu'il se concentre sur et atterrit sur ? Donc c'est une longue déchirure d'éthanol. Et puis le long de B, ou B plat. Cependant, disons que vous voulez faire aller dans un domaine majeur. Une autre modulation à, par exemple. J' ai donc l'appartement G et B ici. Concentrez-vous sur ceux-ci. Allons à mi bémol majeur. Faisons un accord de passage. Donc ré mineur. Donc, en fait, changer de ré mineur à F ici. Parce que nous nous concentrons toujours principalement sur ces deux nœuds. Allons à quelque chose qui utilise ça. Tu pourrais aller en si bémol majeur. Ou qu'en est-il de ce d mineur ? bémol majeur ? Et cela vient comme une surprise, mais cela fonctionne aussi pour cette ligne de mélodie parce qu'elle a également mis l'accent sur ces deux nœuds qui faisaient partie de cela. Parce que cette phrase mélodique est ces généraux et ces deux notes. Donc, comme vous pouvez le voir, vous avez beaucoup de liberté pour la façon dont vous harmonisez quel sens, quels accords vous choisissez pour votre ligne mélodique. Et c'est en fait ce qui crée. Tout cela s'ajoute à la courbe émotionnelle de l'histoire que vous voulez pour votre musique. Donc, cela nous ramène à cet exemple. Ici, j'ai la ligne de mélodie en octaves. Ok, donc on commence ici avec un fa majeur, sol mineur, ré mineur, fa d mineur, ré mineur. Mais j'ai en fait créé une harmonisation différente pour cela ici, toujours bloquer les accords. Mais je commence ici, au lieu de fa majeur avec ré mineur va à mi bémol majeur, tout comme je vous ai montré ce que j'ai démontré en direct. Et puis pour f comme ça. Donc, si c'est une progression d'accord différente ici. Et maintenant, cela est toujours en utilisant le cours de bloc, mais vous venez d'apprendre que vous pouvez obtenir plus d'harmonie contrepoint sentir soutien mélodique si vous ajoutez plus de changements d'accords. Donc ici, j'ai en fait ajouté plus de changements d'accords allant ici de F à G mineur. G mineur. Et puisque j'ai changé le cours ici à la position exacte où la ligne mélodique change, cela crée une sorte de plus d'accent et de soutien à votre écoute moyenne. Donc, ces notes de mélodie où j'ai réellement changé le code ici, quelque sorte deviennent plus accentuées ou soulignées sans. Surtout ici, vous pouvez avoir. Donc si je n'ai pas changé le code ici et juste avoir ça, comme vous pouvez l'entendre, ça perd. Cela accentué ici. Les tribunaux contre le facteur mélodique. Donc j'appelle ça le facteur des tribunaux contre la mélodie parce que vous pouvez utiliser cela à votre avantage pour ajouter plus de soutien à votre mélodie. Parce que chaque fois qu'une note à l'intérieur de votre code change, même une seule voix, c'est comme un micro-accident. Et ce micro accent peut soutenir votre mélodie si votre mélodie change la note à l'heure exacte aussi. Si vous changez l'accord entier, c'est encore plus un accent, ou vous commencez à voir ce que vous pouvez faire ici. Vous pouvez utiliser vos changements d'accords et la voix qui mène à l'intérieur des accords pour accentuer et soutenir vos mélodies. Surtout si vous utilisez une voix qui prend l' une des voix à l'intérieur du code à la même note que la mélodie, même temps que les notes de mélodie arrivent dans votre composition. D' accord, alors vérifions à nouveau cet exemple. Donc ici, j'ai changé toute la cohorte, mais disons que je garde ça et ça et que je change ça. C' est comme ce que j'appelle dans mon équipe accent de l'harmonie. J' ai changé parce que je peux avoir ça comme un cordon de bloc. Et ça ne supporte pas. Mais si je change pour vous, vous n'avez pas à changer la voix ou la hauteur de la note, vous pouvez simplement le répéter. Et cela crée aussi un centre. Droit ? Comme ça, pour couper à nouveau l'ordinateur portable. Parce que si je répète ou change chaque nœud ici dans le code, sorte que cela crée un accent plus fort. Et regardons ici à propos de la mélodie fait ici. Ok, alors on va à un A. Voyons ce qu'on a ici ? On a donc un ré mineur. Il y a un f, k ici. Créons un niveau axonique. Alors levons ça. Donc maintenant, vous obtenez un axone juste en répétant ces nœuds. Donc, c'est le même accord, mais il obtient support étendu votre mélodie. D' accord ? Donc c'est un ici. Mais disons que ça va à une autre note. Ensuite, vous pouvez changer le code réel. Disons que tu vas au septième accord. Qu' est-ce qu'on a ici ? On a un ré mineur, D mineur sept serait un C au dessus. Donc ce nœud maintenant, ok, disons que la ligne de mélodie est en fait allé à un C ici. Comme ça. Ok, comme ça. Revenons donc à la vue condensée. Maintenant, depuis que je suis allé voir ici, j'utilise toujours l'accord en ré mineur, mais j'ai ajouté la septième année, donc j'ai créé une septième en ré mineur. Parce que cette note ici met en évidence ce que fait la ligne mélodique parce que c'est fondamentalement simplement la pose ou la superposition avec la ligne mélodique. Alors pensez à cela lorsque vous, lorsque vous voulez ajouter un septième accord et ajouter 9 Coordinator allant au-delà des feux, c'est toujours un bon cas d'utilisation lorsque la ligne mélodique va à une note spécifique, puis supporté avec un accord comme celui-ci. Donc, il le supporte harmonieusement. Mais aussi depuis que j'ai changé l'accord entier, il le supporte rythmiquement comme ça. Donc, fondamentalement, en changeant les accords plus souvent, vous entrez plus dans le domaine de l'harmonie des contrepoints dans votre progression principale. Et cela peut ajouter encore plus de soutien à vos mélodies principales. Ok, alors laisse-moi te montrer ça. Plus vous changez de cours, plus ces lignes internes, car il devrait toujours penser à vos progressions harmoniques comme plusieurs. Les lignes terminales ici. Ok, ça forme ensemble ta progression de base. Maintenant, si je vais à l'exemple final que j'ai créé ici, je suis en train de changer d'accords ou de répéter le code à chaque fois que la nouvelle note de mélodie arrive ici. Il entre, comme vous pouvez le voir ici comme le premier accord. Là. Je le répète pour l'accent rythmique. Changez-le ici, changez-le encore là. Et maintenant, nous commençons vraiment à entrer plus dans l'harmonie de contrepoint parce que je l'ai changé si rapidement ici, en fait était moins même augmentation. Maintenant, gardons les choses simples. Ou moi, comme vous l'avez entendu, il y a tellement d'hormones quelque chose qui se passe parce que chaque voix, la ligne ici est sa propre voix. Bien sûr, je pourrais ajouter un peu plus de mouvement pour la rendre plus réelle harmonie de contrepoint comptable. Mais c'est de plus en plus dans ce royaume ou ce style parce qu'il y a beaucoup plus que le premier exemple à nouveau, qui était long bloc ennuyeux. D' accord ? Alors maintenant, vous avez appris à la fois la relation harmonieuse entre la ligne mélodique et vos tribunaux et comment vous choisissez de les harmoniser, ainsi que la façon dont elle va ensemble pour former la famille des voix qui compose votre véritable progression harmonique complète. Et comment vous pouvez utiliser ces cours contre facteur mélodique pour accentuer à la fois l'harmonie, Voyons voir, et les rythmes de vos mélodies. Maintenant, essayez ceci par vous-même. Écrivez une ligne mélodique de quatre barres. Ensuite, d'abord, ajoutez des codes qui changent chaque balle. Ensuite, essayez d'ajouter des changements d'accords entre les deux, en commençant par les marques de demi-alésage. Et si vous pouvez le gérer, faites-le aussi sur les notes du trimestre. Voici le conseil bonus. Un changement d'accord n'a pas besoin d'être un noyau complètement différent. accords de basse altérés, les accords suspendus et les accords étendus fonctionnent souvent très bien. Donc, par exemple, disons que votre mélodie va comme ça. Ok, alors commençons par la fa majeur. Puisque nous nous concentrons sur ces deux nœuds sur la mélodie. Ensuite, nous allons au G ici au lieu de changer complètement l'accord pour, disons g. Il suffit de déplacer un du nez pour faire le F-Major est suspendu accord. Donc, et puis quand la mélodie va comme ça, est, vous pouvez aller à, pour voir, et si vous voulez ajouter un autre accord au lieu d'utiliser l'autre noyau incomplet, utilisez SAS pour, par exemple ici. Donc la version suspendue de ce code. Donc, quelque chose comme ça est beaucoup plus agréable et intéressant harmonieusement que d'utiliser simplement ces corps F et C. 8. Le son de l'harmonie (Solo): Le son de l'harmonie en solo. Maintenant, je vais montrer plusieurs exemples en direct de l'harmonie des tribunaux et des progressions d'accords en action. Essentiellement, les sons de l'harmonie. Il est très important que vous utilisiez le pouvoir que vous avez en tant que compositeur pour choisir une forme, la palette sonore pour vos voix harmoniques qui composent vos appels et vos progressions, car cela fera une énorme différence sur le style de votre musique. Je vais donc utiliser la même progression d'accords pour tous ces exemples pour vous montrer comment l'instrument , le caractère tonal et votre style de jeu font une énorme différence sur le son global. Donc ça va comme ça, d'un mineur, comme ça à mi mineur, puis jusqu'à sol majeur, et jusqu'à ré majeur. Et j'espère que vous reconnaissez cette progression des accords. C' est de la bande originale au film Inception composé par Hans, similaire. Alors commençons par un pianos doux. J' ai compté le ton et l'ai rendu plus doux avec ces cadrans ici pour que ça sonne comme ça. Ok, alors jouons cette progression d'accords dans un style de jeu très intime comme celui-ci, en commençant par une mineure. Et puis il recommence et se déplace et autour avec plus d'instruments entrant, ces cordes magiques et ainsi de suite. C' était donc un son doux et un style de jeu intime sur un piano, sur cet accord progressif vers puissant que divin, comme un grand chœur dans une salle orchestrale. J' ai donc chargé cette bibliothèque d'échantillons de chœur avec des voix masculines et féminines. Jouons-le. Et j'utilise la molette de modulation pour piloter la dynamique pendant que je tiens ces noyaux, la même progression d'accords, un mineur à lyrique et luxuriant, comme un arrangement à cordes. Donc ici, j'utilise une autre bibliothèque d'échantillons appelée une chaîne inondée avec les cordes de chambre, les poumons, minimaliste, patch. Et j'ai arrangé la même progression d'accord, mais plus clair avec les notes legato. Et cette automatisation ici. Donc même progression d'accord, un mineur, mi mineur, ré majeur, ré majeur, ré majeur. Donc ça sonne comme ça maintenant. Son complètement différent, même progression d'accords, trop élégant et divin, comme un arpège sur une salle de concert. Donc ici, j'utilise une harpe de pellets dans le carnet de croquis phonique avec tous les micros sur. Et j'ai enregistré ces arpèges à partir de la même progression d'accords à partir d'une mineure. Vos possibilités de façonner votre hormone est avec l'instrumentation et les styles de jeu ou vraiment illimité. Maintenant, prenez des mesures, entraînez-vous à jouer des progressions d'accords en utilisant différents instruments et styles de jeu par eux-mêmes. Comme ces exemples dans Solver, écoutez attentivement la différence de caractère tonal et d'émotion globale qu'ils créent. En tant que compositeur, vous devez développer un instinct pour ces caractéristiques sonores. Chaque instrument, famille et style de jeu peuvent ajouter à votre musique. 9. Le son de l'harmonie (famille): Le son de l'harmonie, de la famille. Maintenant, je vais montrer plusieurs exemples en direct d' une progressions d'accords jouées en utilisant différents instruments, combinaisons. Parce que c'est ce qu'est la musique. Une combinaison d'instruments et de sons jouant ensemble en famille pour raconter votre histoire musicale complète. Donc ici, j'avais créé un exemple où chacune de ces pistes joue ici leur rôle harmonique dans la famille de harmonie qui crée votre scénario harmonique ou votre progression de base. Donc vous pouvez voir la progression réelle du noyau ici, mi majeur, majeur, mineur, mi sus4, mi majeur, majeur C, D et E. Donc, si vous voulez, pouvez vous entraîner avec la progression exacte de l'accord que j'ai choisi ici. Maintenant, afin de rendre les choses plus intéressantes, j'ai aussi choisi de créer différents styles de jeu sur chacune de ces performances. Donc, le piano ici, au lieu de jouer simple cours de bloc comme celui-ci, où notre majeur à un majeur comme un. J' ai créé une sorte de variation entre les styles arpèges, une composition rythmique, une voix qui conduit à créer ce genre de groove. Il est doux et intime. Et avec cette variation de synchronisation humaine nationale qui louent comme l'âme de votre musique. Droit ? Donc, ne quantifiez jamais un mélodique alimenté à 100 pour cent, c'est un conseil que je peux vous donner. D' accord, donc c'est le piano, très doux en arrière-plan. Ces cordes courtes jouent ici une sorte d'ostinato rythmique, mais avec des accords pleins. Et vous pouvez voir des variations dans la vitesse et les accents créant la rainure principale. Et ça sonne comme ça. Ok, alors j'ai ce jeu dur à jouer, mais les harpes font généralement un arpège très haut à portée. Pour ajouter cette sensation de scintillement et d'air. Les cordes jouent ici. Ouais, ils jouent les accords avec ces longues cordes, lisses, chatoyantes, hautes cordes. Magnifique. Les cuivres ne jouent en fait pas des courts pleins, mais plutôt de noter des harmonies, afin de connaître deux hors du nœud. Donc, à partir du cours, vous pouvez voir le premier accord. Où es-tu ? Une piste d'arrangement ici ? C' est quoi un mi majeur ? Donc ici, j'utilise et G Sharp, donc la racine et la troisième. Donc, le laiton joue pour noter l'harmonie. Je suppose que c'est bon. Ça semble un peu étrange en soi, mais c'est juste ajouter ces deux non terminates pour ajouter son propre ton, caractère à l'ensemble de la famille. Souviens-toi de cette graisse, c'est la famille dans la musique. Donc, nous avons ce vent étincelant à noter, fondamentalement un modèle de type ostinato. Mais avec ces e, puisque tous les accords, fondamentalement, la plupart des tribunaux utilisent E en eux. J' ai donc choisi de l'utiliser comme une sorte de drone rythmique, si vous le pouvez. Le label est qu'il reste là sur le II. Aussi à nouveau pour ajouter la honte là avec le cheval. Voilà donc ces deux ajouts à la famille de l'harmonie. Ensuite, j'ai ajouté ces chœurs, qui jouent aussi les accords. Alors, allons-y en solo. Donc ici, je joue en fait les codes de bloc longs imbéciles avec animation et mouvement de l'expression dynamique. Et enfin, j'ai aussi enregistré quelques clés électriques. Je pense que c'est un piano Rhodes dans la clé Escape pour avoir un sens lisse, déformé de la couleur au son. D' accord ? Bon, donc ce sont toutes les couleurs. Ensuite, nous allons juste nouveau à ces pour l'instant. Et j'ajouterai la basse et la batterie. Je me souviens que la ligne de base fournira également, fournir son propre rôle dans la progression harmonique de votre histoire musicale. Mais écoutons la famille des voix. Écoutez les instruments qui créent la progression globale des accords sonne comme ça. Magnifique. Et enfin, j'ai ajouté quelques tambours et cette ligne de base, qui crée un son complet. Imaginez votre pouvoir en tant que compositeur lorsque vous combinez des instruments, divisez les voix qu'ils jouent chacun, ainsi que le style de jeu de chaque instrument et ligne, la dynamique, l'expression, etc. Vous pouvez jouer des accords de triade trop simples d'un milliard de façons différentes en choisissant comment vous jouez les notes dans le contexte de tous vos instruments et ports en tant que famille. Permettez-moi donc de le démontrer rapidement. Donc ici, je joue seulement de C mineur à G mineur à C mineur à nouveau. Donc deux accords de triade simples. Le premier exemple ici est un piano. Ça ressemble à ça, et vous pouvez voir les nœuds ici et le style simple, n'est-ce pas ? Le même instrument, piano, mais plus doux, plus intime et plus concentré sur les accords, n'est-ce pas ? Donc en do mineur, en sol mineur, de retour en do mineur. Ici, j'utilise des cordes courtes avec quelques notes de marcato et, et le reste court. Les notes courtes ou staccato, quelque chose comme ça. Ok, ensuite j'ai un ensemble de cordes qui joue les accords, longues notes luxuriantes et cette vague grandissante de dynamique et ça ressemble à ça. Et enfin, je l'ai aussi joué sur les clés électriques, l'instrument routier ici en fuite clé. Et quelques variations entre, Allons-y jeter un coup d'oeil. Donc j'utilise la pédale de sustain ici, mais un peu de ration entre un peu de style arpège avec des accords de bloc. Et puis construire un arpège à la fin ici pour obtenir cette cloche comme son et scintillant, quelque chose comme ça. Maintenant, agissez, stockez votre DAW et entraînez-vous à combiner différents instruments et styles de jeu pour façonner le caractère tonal et l'émotion de votre progression. C' est une compétence incroyablement importante que vous devez développer en tant que compositeur. Parce que l'orchestration et l'arrangement auront un impact énorme sur le résultat final de vos compositions musicales. 10. Introduction - Comment améliorer vos progrès d'accords: Alors, comment écrivez-vous, exécutez et exprimez vos progressions d'accords et des parties d'harmonie dans votre musique pour être dynamique, intéressant que son, incroyable. Je vais vous enseigner mes meilleures techniques, directives et conseils. Et j'espère que vous allez les essayer tous afin que vous puissiez stocker à utiliser ces astuces dans votre processus d'écriture et de composition musicale pour améliorer vos accords et l'hormone une écriture. Commençons tout de suite. 11. Créer un Groove avec vos accords: Créez un groove avec vos accords. Accords de blocs longs, ou la façon la plus ennuyeuse de jouer des accords et de l'harmonie dans la musique. A la place essayé d'ajouter un peu de rythme dans les styles de jeu. Tous les instruments qu'ils utilisent pour jouer les accords et les harmonies de votre composition. Le meilleur exemple que je puisse donner est une guitare acoustique. Avez-vous déjà entendu le guitariste jouer seulement un long accord par porte ou les progressions de base ? Probablement pas bien ? Ils jouent un motif de strumming pour rendre la progression du noyau plus intéressante avec un rythme et ont grandi stocké, appliquant cette mentalité d'un motif de strumming, même si vous jouez vos cartes au piano, claviers électriques, ou même cordes orchestrales, assurez-vous simplement d'utiliser des articulations avec lesquelles vous pouvez jouer des nœuds plus courts car cela fonctionne mieux pour le rythme et le groove sur le parcours en harmonie. Prenons donc cette chaîne dans l'échantillon, par exemple, quelque chose comme ça. Maintenant, dans notre position de but ou soutenir ou lire les articulations legato, vous ne serez pas en mesure de jouer rythmiquement. Donc, utilisez une articulation, staccato, Marketo, et ainsi de suite, par exemple, comme ceci. Et disons que vous voulez ajouter un piano dans votre composition au lieu d'utiliser des accords longs, ennuyeux et bloqués comme celui-ci, en do majeur, en sol mineur, fa majeur, et retour en C, appliquer de vraies groove femmes. Ainsi, par exemple, vous pouvez jouer ceci rythmiquement par enregistrement comme celui-ci. Ou vous pouvez ajouter une variation ou jouer des arpèges comme ça. Ou une combinaison des deux. Semi cassé comme je l'appelle. Donc pas cassé comme Arcadia, mais comme ça. Et chaque combinaison à laquelle vous pouvez penser, ce rythme et rainure dans vos progressions harmoniques sur le piano. Donc comping au lieu de longues courts de livres ennuyeux. Et comme un bonus supplémentaire lorsque vous faites cela, c' est qu'il est beaucoup plus facile et plus naturel d'ajouter ces notes pulsantes qui sont à l'extérieur, en dehors de l'accord principal. Donc, par exemple, si nous prenons à nouveau cette progression en C, E , G mineur F, nous avons ici le C. majeur. Mais vous pouvez, par exemple, ceci. Notez que lorsque vous allez à l'appel mineur, un SaaS ici dit Jésus pour et ensuite aller dans f. Et déposant. Note ici, sous 2 F. Et puis c sus4, puisque j'avais deux ans et puis C, Donc toutes ces notes supplémentaires ou plus naturel à ajouter dans cette annonce si chaud à la variation et l'intérêt dans votre progression d'accord et ou histoire harmonique. Comme vous pouvez ici par rapport à ce Marine Corps, vous obtenez un. Ensuite, il ya quelques instruments où vous obtenez automatiquement ce style de jeu de la liberté et de la rainure. Par exemple, une harpe, naturellement joué avec ou produire quelque chose comme ça , et ainsi de suite. Vous pouvez également utiliser des styles de jeu qui ajoutent plus d'air et le silence entre les nœuds pour marquer, par exemple, les battements principaux, accents dans vos rythmes de base. Disons sur un laiton que vous pouvez jouer le sport Asado et même pas joué un cœurs CPU, mais seulement deux notes à la fois du cordon comme ceci. Et rappelez-vous aussi qu'une vraie magie se produit lorsque certains instruments jouent des notes et des lignes plus longues pour leur partie harmonique, tandis que d'autres jouent un groove rythmique. La combinaison des deux est ce qui crée cette variation et cet intérêt pour vos harmonies. Donc ici, j'ai créé un autre exemple pour vous montrer la puissance du groupe, les lire et les styles de jeu, surtout dans les combinaisons lorsque vous exprimez vos histoires harmoniques et vos histoires musicales. J' ai donc utilisé la même progression d'accords, a, C, E, G mineur, F et C. Alors écoutons-les d'abord individuellement. Donc, sur le piano, j'ai choisi un peu d'une année jumelée. Ce sera plus rapide, très rapide notre année d'études pour avoir un cordon de groupe là-bas et quelques variations ici, mi-tard là-bas. Mais j'ai choisi de garder les variations de timing pour ajouter encore plus de groove humain et ainsi de suite dans la musique sur les cordes courtes ici, qui sont aussi des cordes somatiques. J' ai choisi staccato au lieu de stuc artistes email parce que je voulais cela un peu plus longtemps. Notes pour le rythme. Ayez un peu de queue dans le son. Ici, je suis basé essentiellement jouer les coords imbéciles dans un modèle de rythme de comping sur la harpe alors, mais vous n'avez pas harpe arpèges dans la plupart des cas. Ok, et j'ai choisi de n'utiliser que les coordonnées. Puis sur les cordes, je joue ici, la société avec les longues notes luxuriantes. Donc ce n'est pas si rythmique, pour être honnête. Je veux dire, c'est vraiment ce qui crée ce voile de, MAIS dans ce son global. La même chose sur les cuivres ici, j'ai choisi d'utiliser un accord long. Mais la différence est que j'ai choisi jusqu'à l'articulation staccato pour obtenir cette forte ou attaque pour marquer ce son cuivré. Ok, et enfin sur les ailes je joue ces longues notes, style arpège. Mais fondamentalement, c'est les notes d'accord rescore avec un différent, lisez-les pour chaque ONE, l'arpège réel pour chaque accord ici. Et en combinaison comme une famille. Avec tout cela, vous obtenez ce genre de style. 12. Modification des accords au sein des barres: Changez les accords dans les barres. Utiliser le même accord pour une ou deux barres complètes peut se sentir très ennuyeux dans votre musique. Donc ici, j'ai créé un exemple en utilisant un piano avec longs accords de bloc d'une barre avec ces accords de progression ici. Alors écoutons d'abord. Maintenant, si vos mélodies et la façon dont vous jouez vos cartes ont beaucoup de variation, rythme et de mouvement dans chaque accord. Vous pouvez bien sûr, utiliser le même cours pour une durée plus longue et encore faire une grande musique. Prenons donc cette même progression d'accords jouée au piano, mais appliquons un peu de groove Redmond au style affligeant de chaque accord. Donc chaque accord durera pour une barre, mais j'ajoute un peu d'intérêt avec la rainure et le style de jeu, quelque chose comme ça, être plat, ré mineur. Et voir. Et bien sûr, si vous ajoutez beaucoup d'animation et de mouvement, comme je l'ai fait sur ces cordes jouant toujours des accords de bloc d'une barre comme celui-ci, plat à ré mineur. Mais vous obtenez un mouvement dynamique. Et bien sûr, si vous ajoutez plus d'instruments jouant, disons que j'ajouterai un piano dessus. Alors, bien sûr, vous obtenez plus de variation de cela. Donc, toujours en utilisant la même barre par enregistrement. Mais vous obtenez l'animation, mouvement et la variation et plus de profondeur à partir du style simple et du mouvement de votre musique. Mais expérimentez avec aller au-delà une barre d'accords pour ajouter plus de variation harmonique dans votre musique, vous devriez envisager d'ajouter quelques changements d'accords supplémentaires dans votre progression. Les meilleurs moments sont généralement au demi-bar ou sur un rythme, un quart de note. Ok, alors revenons à ce piano ici. J' ai fait le premier exemple en utilisant des tribunaux de bloc à une barre. Ensuite, j'ai enregistré une autre démonstration ici pour vous, où je change d'accords deux fois par barre. Donc d'abord, nous allons de si bémol majeur, bémol majeur sept, puis de ré mineur à ré mineur sept, puis F Sus à deux. Donc un, et vous obtenez plus de variation. J' utilise la pédale de sustain au fait. Donc ça sonne comme ça maintenant. Droit ? Un acier un peu rigide parce qu'en utilisant seulement des accords de bloc, jouer chaque note en même temps de la corde comme ceci est un peu rigide sur, surtout sur le piano. Donc si j'élève le piano, vous pouvez le voir ici si on joue ça. Donc, en commençant par si bémol, puis je suis allé à bémol, major sept, puis ré mineur. Et les sept mineurs comme ça. Donc, et vous pouvez commencer à ajouter un peu de groove rythmique dans votre style de jeu de ceci. Donc, par exemple, de F, G, peut-être si le sens pour vous. Et puis peut-être voir SaaS faire. De cette façon, vous pouvez ajouter beaucoup de profondeur plus calme et harmonique entre, entre les barres. Donc, vous obtenez plus de variation harmonique ainsi que de rainure dans le style de planification. Je l'avais fait sur ces cordes courtes est ici. Donc ils jouent au baseball, mais nous avons ajouté des variations dans les changements d'accords ici sur le temps final, comme vous pouvez le voir. Puis ici sur le dernier battement aussi. Puis je l'ai changé à la ligne de la demi-barre ici pour que vous puissiez voir, et puis la perte de note du dernier trimestre a battu là. Et ça ressemble à ça, disons en solo, oui. Et ainsi de suite. Et enfin, laissez-moi vous montrer ce que j'ai fait ici avec ces cordes. Donc ça a l'air magnifique. Et si vous ajoutez des mélodies intéressantes qui prennent l'accent, cela pourrait être complètement bien, mais il a évolué intérêt plus harmonique. Ensuite, prenons cet exemple où j'ai, j'ai tranché les notes et fait du mouvement ici au lieu de paquets longue note. Provost pour ajouter un peu de voix. Ensuite, vous pouvez voir que cela commence par un si bémol majeur, puis il va à si bémol majeur sept là-bas. Si on prend ici, on voit que c'est un F Sus pour aller dans un F, aller en C. Et puis ça, et cette voix change. Donc c'est un C à 9 h. Et vous obtenez un mouvement beaucoup plus intéressant dans la progression de l'accord. Votre musique deviendra plus harmonieusement riche si vous changez d'accords au sein d'un sanglier, et pas seulement aux transitions exactes du plateau. 13. Ajouter des accords de transition: Ajouter des accords de transition. La musique consiste à raconter une histoire en utilisant des sons plutôt que des visuels. Et ce qui est vraiment important pour toute bonne histoire. Le flux de votre histoire. Dans ce cas, prendre votre auditeur sur un tour qui se sent comme une montagne russe avec des hauts et des bas, des rebondissements et des virages. Mais toujours en mouvement dans un flux qui prend votre histoire musicale du début à la fin. Et cela est vrai pour vos progressions d'accords aussi. Une façon d'améliorer la fluidité est d'utiliser la voix pour une conduite plus fluide, mais aussi d'utiliser des accords de session d'amis et accords pulsants pour rendre le voyage entre les cordes plus intéressant. Permettez-moi donc de démontrer l'utilisation d'accords de transition pour pimenter votre progression de base et rendre les transitions entre les accords plus intéressantes. Disons que vous êtes une société est plate. D' accord ? La première chose, c'est que vous allez passer d'un do majeur à un fa major. Ce que vous pouvez faire est d'utiliser une inversion d'accord. Donc, par exemple, le F-major a joué comme ça. Donc faire ces Topsy ici. Maintenant, je suis ici de do majeur à faire, F majeur devient lisse, ER, mais vous pouvez aussi ajouter un accord de transition comme celui-ci, C. Et puis disons c sus4, parce que c'est une note F est également visible dans le EF Core. Offre-le comme ça. Ok, encore une fois, C et un dernier battement comme ça. Et vous pouvez également utiliser un autre accord ou faire un septième accord, disons, voir que le do majeur 7. Et puis reviens à toi bientôt. Et vous avez entendu l'accord final qu'il y a au battement final avant les chaînes de la cour. Et puis vous êtes à F, F sus4. Lorsque vous allez en si bémol majeur, comme vous pouvez l'entendre, il crée plus intéressant et relie fondamentalement les accords plus lisses. Au lieu de simplement changer d'accord, ce sont les meilleurs moments pour ajouter ces brefs accords est dans la note finale du quart avant la barre suivante, où un nouvel accord entre. Le cordon de transition ne doit même pas être très différent des deux tribunaux principaux. Mais cela peut très souvent être simplement une variation de l'un d'entre eux. Par exemple, un septième accord, un accord suspendu, un cordon de base modifié. Ajout d'accords de note ou de toute autre variation de l' un de ces deux accords principaux dans la transition entre eux. Permettez-moi donc de démontrer rapidement les deux types de cours de transition. Le premier que j'ai déjà démontré, qui est un, un autre code plus froid mais toujours en utilisant le même nœud racine. Donc C à F. Vous pouvez faire sus4, par exemple. Vous pouvez voir, ajoutons les six larmes. Donc CC, C. recherche majeure. Vous pouvez faire du C sept, ce cheveu, donc créer un accord de septième majeur en C sept, et ainsi de suite. Donc différentes couleurs mais en utilisant la même note racine de l'accord ou même l'accord suivant. Mais vous pouvez également faire un coord de transition. L' autre façon est d'utiliser une coordination complètement différente, un nœud de route complètement différent. Donc, de C à F, vous pouvez, vous pouvez, par exemple, puisque cela utilise E et G à l'intérieur, si vous déplacez simplement ce nœud, vous créez un E mineur. Donc, vous pouvez le faire comme un accord de transition. Vous entendez que la progression des accords est totalement différente ici. Comme il est si court, C'est le sens des accords de transition repoussant cours. Ils sont juste cette étape intermédiaire entre le cours principal, dans ce cas, le do majeur et le fa majeur. Mais ils peuvent ajouter beaucoup de couleurs intéressantes à votre progression d'accord en les utilisant soit la couleur de la même, donc même note racine mais une autre saveur de celui-ci, ou un accord différent complété pendant un bref instant tandis que le la transition se passe comme ça. Maintenant, j'ai aussi créé quelques démonstrations ici dans la DAW. Alors commençons par ici. C' est la progression de l'accord, ré mineur, C, ré mineur, et ainsi de suite. Et vous ne pouvez voir que les accords de bloc ici, donc pas de cours de transition. Ça sonne comme ça. Ou deux barres, en ré mineur ici et ensuite pour être plat. D' accord ? Maintenant, la prochaine chose est, je copiais en gros collé ceci sur une autre piste ici, puis je le découpe et créé un accord ou une couleur différente ici dans le temps final ici, ici, ici, et ainsi de suite. Et ce sont des accords de transition. Alors écoutons la différence maintenant. Ok, donc beaucoup plus d'intérêts, mouvement intéressant et variation dans la progression de l'accord. Voyons voir, nous allons de ré mineur ici. Et puis j'ai choisi d'utiliser ré mineur, ajouter 11. Et ici, C à 7, D mineur, D mineur 7, et ainsi de suite. Bien sûr, vous ne jouez pas au livre. Comme ça sur le piano parce qu'il semble raide, mais vous pouvez écrire votre progression globale d'accords comme un croquis en haut de votre séquenceur et inclure tous ces courts de transition et les utiliser comme guide visuel lorsque vous arrangez votre musique. Mais j'ai aussi créé cet exemple où, parce qu'ici j'ai réellement changé ou répété chaque note dans la coordonnée créant ces blocs comme ceci. Alors comparons ceci à l'accord complet. Ainsi, chaque changement, tous les nœuds changent ou se répètent. Mais ici, sur les cordes, je vous ai montré plus une façon lyrique et belle de faire l'harmonie est d'avoir les voix appelées individuelles faire leurs propres lignes individuelles. Et vous ne créez généralement pas un changement d'accord comme celui-ci, comme un bloc, mais plutôt comme des voix individuelles. Vous avez donc des mouvements vocaux individuels. Donc ici, vous voyez le ré mineur ici la voix supérieure reste la même, la plus basse aussi. Celui-ci change au dernier temps. D' aujourd'hui. Et celui-ci descend pour ajouter ce mouvement vocal, parce que chaque fois qu'une seule voix change. Par exemple, disons ici que vous avez un C, puis ce top g monte à b. Et c'est fou. C7 n'est qu'une seule voix ou change. Les autres états sont le même R qui ajoute cette belle façon lyrique d'une progression harmonique. Et encore une fois, comme avec les accords de transition ici, vous pouvez avoir comme guide, le rythme final de chaque barre, ou la demi-barre ici pour ajouter ces mouvements vocaux. Et dans la plupart des cas, vous ne voulez pas que toutes les tensions se déplacent en même temps, mais plutôt juste une seule voix ou peut-être dans certains cas ici, parce que si tous les changements qui peuvent sembler un peu boueux pour votre harmonie de prostituée. Et vous pouvez perdre la cohésion de la, le focus de ce que chaque code est réellement dans votre histoire harmonique. Mais c'est l'essence d'une transition accords dans la musique. Donc, expérimentez avec cela, passez à partir de longs accords de livre et commencez à ajouter cours de transition, soit le même RootNode avec une couleur différente , l'accord, septième accord, accord suspendu, ajouter six accords et ainsi de suite, ou un accord complètement différent. Et rappelez-vous également que vous pouvez également changer seulement une ou deux voix à la fois et ainsi créer une harmonie comme une transition vers l'accord suivant. 14. Utilisez mieux de conduite de la voix: Utilisez un meilleur signal vocal. voix leader dans la musique est l'art de choisir comment jouer et connecter le flux de chaque voix dans les accords et les harmonies au fil du temps. Par exemple, si vous jouez un accord en C majeur, les notes ou C, E et G. Mais vous pouvez jouer avec n'importe laquelle de ces notes dans un ordre différent de celui de la position racine standard. Si vous les jouez comme E, G et C, il est appelé première inversion. Et si vous les jouez comme G, C, E, ça s'appelle la deuxième inversion. Et si vous jouez des accords avec quatre nœuds, comme des accords de septième, par exemple, vous pouvez également obtenir une troisième inversion. Ainsi, par exemple, si vous avez un septième accord dominant C, C, E, G, B plat. Maintenant, la première inversion se déplace vers le haut, Voyons voir ici, la deuxième inversion qui monte cet E ici. Et la troisième inversion, parce que vous obtenez une troisième inversion supplémentaire si vous avez un accord de quatre notes qui monte ce G ici, comme ça, tous, ou C7, mais trois inversions différentes. Le plus souvent, vous voulez jouer votre cours d'une manière qui rend le flux de progression du cœur plus fluide, ce qui signifie choisir des inversions pour vos accords. Cela crée des sauts de moins en plus courts des voix de base internes. Disons que vous voulez passer de C à F. Eh bien, c'est un gros malin. Maintenant, vous pouvez soit utiliser une inversion de l'accord C avant d'aller au F, comme ça. Déplacez ça d'une octave. Donc, vous avez le c majeur dans la première inversion. Et puis le C restera parce que ces deux autres voix se déplaceront comme ça pour créer l'accord F. De cette façon, vous obtenez une voix plus douce qui mène entre ces tribunaux. Ou vous pouvez choisir d'utiliser la lueur dans l'autre sens, commencer par la position C, puis utiliser une inversion de l'accord F-Major. Alors déplacez ça une octave vers le bas, comme ça. Et c'est aussi un quart de mesure F. Donc, ça va comme ça. Mais vous pouvez aller un pas au-delà de cela. Si vous commencez à doubler certaines des voix de base dans le cordon, puis changez la façon dont vous exprimez les accords pendant que vous jouez. Par exemple, C, E, G est un accord de base en C majeur. Maintenant, si vous ajoutez ensuite un autre C, une octave au-dessus, donc C, E, G et C, vous pouvez créer une voix lisse menant à, par exemple, un septième dominant C. Après cela, C, E, G, B plat. Maintenant, disons que vous suiviez en allant à F sus4 et ensuite laisser dire si c'est majeur de ça. Eh bien, félicitations, vous venez de créer une grande petite progression d'accords en utilisant la voix créative, ce qui ajoute cette transition agréable et en douceur entre vos cours. Donc ici, j'ai créé un exemple de progression d'accord en utilisant simplement l'accord de position racine standard. Donc, une mineure, une mineure. C, F, et C. Et ça sonne comme ça très agité et raide parce que vous obtenez pour chaque voix. Donc, la première chose que vous pouvez faire est simplement d'arrêter transposer ceux-ci comme celui-ci une octave ci-dessous pour en faire une inversion. Et vous pouvez le voir réellement maintenant partager, sorte que vous obtenez un de moins, sauter sur la transition vocale à l'accord suivant. Comme ça. Mais dites que l'un ci-dessous est peut-être un ci-dessus. Ainsi, vous pouvez voir que vous commencez à réduire chaque feuille ou voix comme celle-ci. Droit ? C' est donc la première étape. L'étape suivante que vous pouvez faire est ajouter si vous obtenez de gros sauts que vous ne pouvez pas éviter. Comme par exemple, ici, c'est le noeud racine des bases d'un accord C, mais il va à G. Ensuite en tant que noyau. Ce n'est donc que le mot racine dans les octaves ou les tribunaux ici. Vous pouvez commencer à créer des transitions comme la voix leader ici. Donc, disons que le C ici va comme ça pour marcher lisse ER, à la note suivante. Et tout cela ensemble peut créer une progression des accords beaucoup plus lisse. Donc, si vous vérifiez ceci ici, j'ai pris ceci et je prépare cet exemple où j'ai utilisé ces deux techniques. Et vous pouvez aussi, ça ne doit pas être les mêmes sauts ici. Donc ici, il a été perdu battement où j'ai ajouté un changement. Mais ici, j'ai tout fait. La note inférieure ici, demi-barre. Je veux dire, tu es complètement libre. Assurez-vous simplement que vous ne créez pas trop de désordre pour le cordon actuel Partout où vous commencez à ajouter ce type de voix. Donc, ici nous obtenons d'un C. Et si vous choisissez de descendre ou de monter pour n'importe quelle voix dans votre code, assurez-vous que vous ne créez pas un genre fou bien sûr, c'est juste un do majeur 7. Ça sonne comme ça. Donc, la leçon la plus importante que vous devez apprendre est de traiter chaque ligne a sa propre voix dans votre code. Et donc si je, par exemple, juste sélectionner la ligne supérieure ici, trois, cela a sa propre voix ou à l'intérieur de votre harmonie. Donc, vous voulez, dans la plupart des cas avoir moins de sauts. Donc, c'est l'acide. Avez-vous des pas ou un ton ? Semitone irrigué, et ainsi de suite. Et j'ai fait ça sur toutes les voix. Tu ne fais pas de gros sauts. C' est comme ça que vous obtenez ces progressions plus fluides. Et c'est particulièrement important sur les instruments avec de longues notes soutenues, comme les cordes et les vents soutenus de laiton et ainsi de suite. Donc ici, j'ai fait le même exemple sur une corde dans Samba patch et son bras comme ça maintenant. Donc, lorsque vous ajoutez ces notes supplémentaires pour créer une voix plus lisse et meilleure pour vos progressions d'accords. Vous devriez faire attention à faire trop en même temps. Ainsi, par exemple, ici, ces voix descendent ici, tandis que cela reste le même jusqu'à ce que le tribunal change. Et là, tu arrives à la moitié de la paume. Ok. Ne faites pas tous les changements en même temps. Ou il sera traité comme son propre mot de base. Donc, bien sûr, vous pouvez le faire ainsi que des tribunaux de transition et des cours de pause. Mais ici, quand on parle de voix, traitez-les individuellement, les voix, mais ne faites pas trop de changements en même temps. Donc ici, je l'ai fait à celui-là et celui-là aussi. Mais celui-ci, celui-ci, et celui-ci reste le même. Et aussi, si nous parlons de la note racine pour le cordon solaire, dans la plupart des cas, il sera joué dans la base. Et aussi parfois l'octane de la note de basse. C' est la voix dont vous voulez être le plus prudent car elle fournit l'ancre tonale pour l'auditeur, le nœud racine de chaque accord. Assurez-vous donc de garder cela plus longtemps dans la plupart des cas et faire la voix qui mène plus sur la troisième et la cinquième et d'autres voix de vos disques. Donc maintenant, vous pouvez vous entraîner lorsque vous écrivez votre progression de base pour organiser vos voix et ajouter des notes de passage supplémentaires pour créer des transitions plus fluides allant de Stephen, bloquer des accords comme ça, dans quelque chose avec plus intéressant et plus lisse transition des voix internes. Ça constitue votre progression de base. 15. Utilisez la Voie des accords créatifs: Utilisez la voix créative d'accords, ce que l'on appelle inversions et le chant est le moyen fondamental de rendre vos progressions de base plus fluides. Mais allons-y un peu plus loin. Imaginez un guitariste qui joue un accord avec les six cordes d'une guitare acoustique. Cela signifie que certaines des notes d'accord seront doublées. Et dans certains cas, le guitariste peut choisir de couper le son, ce qui signifie ne pas jouer une ou plusieurs cordes. Donc, permettez-moi de les démontrer rapidement sur ces plugins de guitare acoustique. Donc, je vais jouer un accord en mi mineur. Alors jouons un logiciel de cordon vers le bas. Et vous pouvez voir les cordes qui se jouent toutes ces trois cordes les plus basses, cette corde ouverte, et ces deux sur la deuxième frette. Si j'appuie un peu plus fort, c'est toujours la même cohorte, mais maintenant les guitaristes l'emportent sur tous les accords. Donc les six, ou toutes les cordes, les six cordes. Ce qui veut dire que certaines voix de corde seront doublées. Et si je fais un upstroke, va dans l'autre, l'autre direction, et trois cordes différentes ici. Ces quatre cordes maintenant, sorte que vous pouvez voir que c'est le même accord, mi mineur, mais c'est une couleur différente selon la voix. De cette façon, vous pouvez voir que vous pouvez créer les voix d'accord par lesquelles vous doublez les notes dans vos codes. Disons que vous avez un accord en fa majeur, F, A, et C. Eh bien, pensez comme un guitariste, laquelle de ces voix de base vous voulez doubler et où ? Alors prenons le C, la note de tête et doublons une octave ci-dessous. Prenons la note racine et doublons qu'une octave ci-dessous aussi. Donc, nous avons F, C, F, A, C analyte. Il suffit d'ajouter un autre F et en plus de cela. Donc c'est maintenant le même accord. Mais avec et la voix d'accord que le simple accord de trois notes ici. Causé des accords. Tout d'abord, vous devez comprendre la différence entre les voix d'accords fermées et ouvertes. Une voix fermée, pour enregistrement, c'est simplement avoir tous les nœuds sur le cordon distribué de sorte qu'il n'y ait pas d'espace entre les notes, ce qui signifie qu'aucune note ignorée fait partie de l'accord. Et un cordon ouvert, cependant, est quand vous choisissez de distribuer les voix de l'accord de sorte qu'il y ait en fait un espace entre certaines des coordonnées que vous utilisez. Permettez-moi donc de démontrer la différence entre un cordon fermé et un chant d'accord ouvert. Alors prenons un accord en C majeur, C, E et G. OK ? Donc, si vous jouez ça comme ça, c'est un accord fermé voicing parce que les notes C, E et G, il n'y a pas de C, E ou G entre ces notes. Et même si je l'exprime avec une autre inversion, en déplaçant ça ici, il n'y a toujours pas de C, non. Les voix internes entre les deux, vous ne sautez rien. Mais dès que vous allez comme ça, prenez ce nœud, par exemple, vers le haut d'une octave au-dessus ici. Maintenant, les notes de base sont C, E et G. Mais comme vous pouvez le voir, voici une des coordonnées réelles qui est ignorée. Et le c ici est également ignoré, ce qui signifie qu'il s'agit d'une voix d'accord ouverte. Ainsi, vous pouvez également ajouter plus de nœuds. Donc, disons que vous avez la note racine du C ci-dessous, écrivez cela. Alors tu prends le troisième, disons-le là-bas. Et puis vous prenez, disons encore la racine, leur paire de foi et les poils de la racine. Donc c'est en fait un accord en do majeur avec une voix d'accord ouverte. Et comparez ça à une voix d'accord fermée, ce qui pourrait être quelque chose comme ça. Même si vous doublez tout comme ça. C' est encore un cours de cohorte fermé. Et encore une fois, une voix d'accord ouverte est chaque fois que vous sautez une des voix internes de la cour. Ainsi, par exemple, en do majeur recherché. Nous voyons si vous sautez une note ici dans le cadre de la coordonnée comme celle-ci. C' est une voix d'accord ouverte et vous pouvez l'exprimer comme vous le souhaitez, quelle largeur vous voulez, comme JB ou troisième. Et c'est une voix d'accord très large espacée. Bien sûr, cela crée naturellement un son plus ouvert avec une meilleure séparation entre les voix et comme air pour d'autres instruments pour jouer des lignes mélodiques, thèmes, des récifs, ou tout ce que vous voulez ajouter. Mais l'espacer trop peut rendre le cordon lâche. Il est refroidi, Fondation et connexion. Et au lieu de se sentir comme des lignes complètement séparées au lieu d'un rhume. Donc, vous devez être prudent avec la distance où vous espacez les voix de base. Laissez-moi le démontrer sur cette progression d'accords de piano en mi mineur. Donc je commence en mi mineur, aller en mi mineur 7 puis voir Jésus pour G et ainsi de suite, en sonnant comme ça. Ok, donc ici j'utilise juste des accords en position fermée à nouveau, ça veut dire que chacune de ces voix quadratiques, je ne saute aucune voix d'accord interne. n'y a pas, par exemple ici, c'est E en mi mineur, E, G et B. Donc, nous avons ici E, G et B. n'y a pas de note EEG ou B entre ces notes. Dès que vous transposez un nœud vers le haut ou vers le bas, vous créez une voix ouverte. Prenons donc, par exemple, la ligne inférieure ici en bas d'une octave entière comme celle-ci. Maintenant, tu as un accord ouvert qui parle comme ça. Et disons que vous transposez la ligne supérieure d'une octave. Ça devient un peu trop large. Ça ne sonnera plus comme un rhume. Parce que l'espace est trop large. Bien sûr, si vous l'utilisez et le remplissez avec d'autres instruments, cela peut probablement fonctionner, mais soyez prudent avec la distance où vous espacez chaque accord et si vous les espacez, vous pouvez également, par exemple, doubler un des les lignes. Donc, disons que vous prenez cette ligne inférieure et que vous doublez ça ici. Maintenant que nous avons encore une voix d'accord ouverte. Mais vous commencez à ressentir certaines des lacunes pour faire en sorte que l'acier se sent comme une progression d'accords et pas seulement des voix individuelles. Vous pouvez donc utiliser ces concepts, les accords de position fermée et les accords de position ouverte, et qui appelaient voix. Vous doublez de manière créative pour vos accords dans vos progressions de base. Et une bonne ligne directrice est de s'assurer que le nœud racine de chaque accord a le plus de poids et de concentration dans votre accord, ce qui signifie dans la plupart des cas l'utiliser comme note la plus basse et même tamponner c'est une octave ci-dessus. Donc, disons que vous voulez exprimer un C, ajouter neuf accords dans votre progression d'accords. Au lieu de le jouer directement sans doubler comme ça. Et puis l'ajout 9 est en fait le D ici, même si les neuf points sont payants, mais en position fermée, c'est un, D, E, et G. Donc C89, position fermée. Expérimentez avec la voix. Par exemple, nous allons doubler le nœud racine, donc une octave Biao, Donc, faisons C et puis un autre C une octave ci-dessus, puis passez à la cinquième parfaite de l'accord. Donc, le G, puis aller à la d, qui est en fait l'ajout neuf. Et puis vous pouvez prendre, disons à nouveau le cinquième G parfait, la note racine pour encore plus de concentration sur ce tonique ou la note racine de l'accord. Donc C, puis terminer avec la charge finale étant e, qui est le troisième dans ce cas. D' accord, alors laissez-moi démontrer cette énorme différence de tonalité et Colmar de créer des voix d'accords comme ça. Donc ici, vous voyez ajouter neuf accords en position fermée, C, D, E, et G. comme ça. Mais ici, comme je viens de vous le dire, j'ai choisi d'avoir le nœud racine ici dans la basse doublé une octave au-dessus. Alors, on se voit à nouveau. Puis le pivot parfait, le g, puis l'ajouter neuf, le d, Puis le cadeau parfait à nouveau. Donc g, puis la note racine ici, C, et puis le troisième est E, qui sonne comme ça, avant. Et maintenant, après. Tonalité et couleur complètement différents, exactement même accord. Gardez à l'esprit qu'il est généralement recommandé de se concentrer sur le nœud racine et, ou des cinquièmes parfaits dans la gamme inférieure, je dirais en dessous du milieu C. Pour vos progressions de base, vous devriez dans la plupart des cas, utiliser uniquement la racine noeud de chaque accord et, ou parfaite cinquième harmonies et voix. Et puis au-dessus du milieu C, vous pouvez être plus créatif avec ce que les voix et les intervalles que vous ajoutez. Dans tes voicings de base. Bon, disons que vous avez un accord en ré majeur. Donc voici le milieu C. Donc, en dessous du milieu C, je vous recommande d'être prudent avec l'ajout d' hormones autres que la note racine de l'accord. Donc d dans ce cas, et le cinquième parfait, donc un dans ce cas. Donc, par exemple, supposons que vous commenciez ici dans l'extrémité inférieure avec un D, puis une octave ci-dessus. Et puis la foi parfaite ici. Et puis le réel D, F forte et un qui est encore clair et concentré. Et si vous regardez ici, j'ai doublé la note racine dans le, obtient. Ici, en dessous du milieu C, je n'ai pas d'autre harmonie ou la voix de l'accord autre que la racine et la cinquième parfaite, racine, racine, perfective, puis le reste du noyau. Bon, maintenant je vais te donner un conseil sur la façon dont tu peux t' entraîner avec la voix cool créative. Donc je te recommande de t'entraîner au piano comme je l'ai fait ici, non ? Votre progression de base. Et puis vous utilisez la note racine de chaque accord en octaves avec votre main gauche et jouez le code réel avec votre main droite. Et ici, nous pouvons utiliser des inversions si vous voulez, mais respectez les notes racine ici. Laisse-moi te montrer ça au piano. Alors si vous jouez en do majeur ici, pourquoi ? Alors voyez à Octavius là-bas. Et maintenant, même si vous utilisez une inversion, alors prenez ce C une octave comme ça. Toujours jouer la note racine ici. Alors disons que vous allez à un mineur, jouez ça dans une inversion comme celle-ci, allez dans RootNode Sinopterus ici, alors disons comme ça. Et une fois que vous avez enregistré cette progression, quantifiez-la en barres ou ayez des barres comme je l'ai fait ici. Puis commencez à expérimenter en déplaçant l'une des voix vers le haut ou vers le bas pour créer des voix d'accords ouvertes pour créer les inversions que vous aimez. Donc disons que vous voulez déplacer ça, comme ça. Déplaçons ça vers le haut. Maintenant, c'est une voix plus lisse qui mène ici. Oups, mec, comme ça. Et disons que vous réalisez que vous voulez tamponner, par exemple, cette, cette voix d'accord ici. Donc c'est g, w, h en le copiant et en le déplaçant dans une octave. Donc tu as ça. Et disons que tu veux avoir ça, double ça. Par exemple, une octave au-dessus comme ça. La houle et l'octave au-dessus et l'espacer comme vous l'aimez. C' est donc ce qu'est la création de voix d'accords. Voix d'accords fermés ou ouverts. Et quelles voix vous doublez comme un guitariste, doublent en jouant plusieurs cordes des mêmes notes, mais des octaves différentes. Et combien vous l'espacez dans la gamme des octaves en musique, et ainsi de suite. 16. Arrangement de la voix par Instrument: Disposition vocale par instrument. La grande chose à propos du cours et de l'harmonie dans la musique est que vous êtes complètement libre diviser un arrangement toutes les voix individuelles d'accord, soi-disant Notes, à jouer sur n'importe quel instrument de votre composition. Par exemple, supposons que vous avez une triade standard en C majeur, C, E et G. Ensuite, vous pouvez choisir de lire la note racine. Donc, voir sur la base, le C, une octave au-dessus sur les basses profondes, le E pourrait être joué par la section d'alto et le G sur les violons. D' accord, alors laissez-moi vous montrer votre liberté créative avec un arrangement vocal par instrument. Et j'ai créé ces petits accords simples de progression de do majeur à sol majeur, puis de retour à C. Donc, l'arrangement vocal que j'ai choisi ici est sur la base, j'utilise simplement l'enregistrement du nœud racine, donc de C à G et de retour pour voir ici. Ok, très simple. Puis sur les cordes, j'ai choisi de jouer la note racine, mais une octave plus haut comme ça, doublé avec les banques. Ok, ensuite, j'ai ajouté des cuivres, et ici j'ai choisi d'utiliser ce que je vois, j'ai un E ici. Donc le troisième de l'accord en C majeur, le B, qui est ce tiers de l'accord en G Major, puis le troisième à nouveau. Alors quantifions ceci d'ailleurs, comme ceci. Alors nous allons les empiler les uns sur les autres maintenant. Donc, nous avons la route racine une octave plus haut et le laiton est le troisième, troisième. Puis ajouter les ailes au-dessus de ça. Et ici sont utilisés, Voyons voir. À partir du G, qui est le cinquième parfait de l'accord en do majeur. Ensuite, allez dans, quantifions ceci, au fait. Oups. Ensuite, disons le d, qui est le cinquième parfait de l'accord G-Major, et puis voyons quelle est la note racine de l'accord. Ordre si différent ici. Enfin, je n'utilise que deux lignes solo, une note en même temps, mais sur la chorale ici j'ai utilisé plus de notes. Donc disons contre devrait jeter un oeil à cela ici. J' ai commencé avec le E et le G, qui est le troisième et un cinquième parfait de l'accord majeur en C. Ensuite, j'appelle ceci g, qui est la racine de l'accord suivant, le sol majeur. Et ajouté une voix leader, avait le d, qui est le cinquième parfait de l'accord G Major. Et puis il se termine avec un accord en do majeur. Et ici, j'utilise une racine et une troisième. Donc ça se passe comme ça. Ok, si super simple. Mais avec tout cela ensemble, ça commence à devenir plus intéressant. Juste en utilisant un arrangement vocal créatif pour chaque accord par instrument. Ensuite, vous pouvez toujours avoir un piano jouant le code rythmiquement en utilisant toutes les coordonnées et doubler la racine et cinquième, par exemple, pour jouer la ligne d'harmonie sur une piste de laiton et d'échantillon et ainsi de suite. Essayons d'enregistrer quelque chose en direct sur cette FAQ pour piano en plus de cet arrangement de voix. Donc, je vais juste jouer en do majeur en sol majeur en do majeur. Quelque chose comme ça. Je veux dire, ajouter un peu de rainure, ajouter une coloration intéressante du cordon. Gardez à l'esprit que de nombreux instruments jouent uniquement en mono phoniquement, c'est-à-dire une note à la fois, tandis que d'autres instruments, comme un piano ou une guitare, peuvent jouer tous les quarts de notes, y compris le doublement de certaines voix de base. Et parfois, un instrument joue une harmonie à 2 nœuds sur 2, ou les voix de base, ou même tout simplement pertinent à l'échelle de votre chanson. Comme vous pouvez le voir, il n'y a pas de limites sur vos choix créatifs ici. Organisez vos voix de code comme vous le souhaitez sur chaque instrument, vous voulez jouer une partie de la famille harmonique dans votre histoire musicale. Prenons un autre exemple ici. Progression de rappel en mi mineur. Donc je commence avec la voix basse ici dans les notes de racine, non ? Ajout d'un piano jouant les accords imbéciles, y compris le doublement de la base vers le bas. Ensuite, nous arrivons aux cordes ici où je joue trois de la voix est très espacée. Donc des voix d'accord ouvertes comme ça. Ensuite, nous ajoutons la ligne de laiton ici, également espacé les électeurs pour la plupart. Et pesant comme ça. Ajout de quelques fenêtres ici où je connaissais aussi terminus. Disons qu'on ne peut pas les amener ici. Un peu espacés, des voix ouvertes d'accords, mais d'autres voix que les cuivres. Et finalement acquis où je fais une harmonie en deux parties ici basée, bien sûr, sur les coordonnées réelles de la progression de l'accord. Donc, vous obtenez ces voix créatives d'accords par instrument jouant comme ça. Alors allez-y et expérimentez maintenant avec la voix créative d'accords par instrument. Organisez les voix, vos progressions d'accords. Donc, de votre cause dans votre progression, deux instruments différents, jouant du monophonique, signifiant une note à la fois, les accords complets comme une guitare pour piano, ou pour noter des harmonies comme les cuivres ici et les bois, et acquérir votre liberté créative avec la voix, arrangement par instrument et la partie est illimité. 17. Styles de performance de la voix: Styles de performance vocale. Vous disposez d'une totale liberté dans l'organisation de chaque voix d'accord, son instrument et de son prétendu dans votre composition. Mais allons plus loin. Vous avez également un choix illimité sur la façon dont vous jouez chaque instrument jouant les accords ou les voix d'harmonie dans votre musique. Cela signifie que vous pouvez avoir votre arrangement en utilisant n'importe quel nombre d'instruments jouant son rôle dans votre progression principale. Mais chaque instrument peut également être joué d'une manière différente et même changer tout au long de sa performance, ce qui signifie le style de jeu et la performance de sa puissance. Par exemple, vous pouvez avoir un piano jouer, disons le cours comme un huit arpège. Disons que votre progression d'accord est en ré mineur, fa majeur, en do majeur. Alors votre piano pourrait jouer quelque chose comme un 8 notes ou un pedigree comme celui-ci. Vous pouvez avoir des cordes de staccato jouant deux des voix de base comme une harmonie à l'aide d'un groove rythmique. Donc, disons que nous utilisons la même progression d'accords ici. A ré mineur, fa majeur, majeur, ré mineur. Et je vais jouer la basse et les architectes avec ma main gauche et vos cordes courtes pourraient jouer, jouer style en utilisant pour connaître terminus, mais avec une note de basse ici. Avec un groupe comme celui-ci. Votre base peut jouer une ligne de base de conduite, principalement sur la note racine d'accord, mais avec des notes de transition utilisant l'une des autres coordonnées avant un changement de code. Donc, sur la même progression d'accord, DFC et vecteur d, votre ligne de base pourrait être en accord rythmiquement avec l'utilisation principalement des notes de l'accord, mais en ajoutant quelques notes entre les deux et pour pimenter le intérêt de la base, quelque chose comme ça. Un ensemble de cuivres peut jouer la racine et le cinquième de chaque accord comme un x plus culturel et au début de chaque accord, quelque chose comme ceci, par exemple. Et ainsi de suite. Est violoncelle pourrait jouer un spiccato monophonique, articulation courte dans un rythme ostinato, suivant principalement la progression de l'accord. Donc, les voix de chaque accord. Donc, sur la même progression d'accords, encore une fois, en ré mineur, en F , en C et en ré mineur, il pourrait jouer quelque chose comme ça, par exemple. Encore une fois, vos possibilités créatives ou illimitées. Même si vous jouez le même accord unique pour, disons quatre barres, vous pouvez créer. Variations infinies utilisant différents styles de jeu et performances sur les différents instruments pour les parties harmoniques de votre musique. Par exemple, disons que vous avez un coordinateur en D. mineur. Et je joue l'écrit de la cornée et des octaves dans la base. Ok, quelque chose comme ça. Disons que votre ligne de base joue ceci sur le même accord. Disons que les peu profondes ou faire une sorte d'ostinato possèdent le ré mineur ici. Et puis vous avez un piano jouant un modèle apaisant comme ce sont tous des nœuds de l'accord en ré mineur. Vous pourriez avoir vos cuivres jouer. Seulement. C'est ça. Il pourrait avoir un arpège sur une harpe au-dessus. Comme vous pouvez le voir, vos choix pour chaque voix. Ce qu'il fait dans l'articulation et le style de jeu est illimité. Donc, je vais maintenant montrer enfin un exemple que j'ai créé pour cela. Voici la progression principale de l'accord jouée au piano, juste sur le simple parcours de bloc comme celui-ci, avec le nœud racine d'Octavius ici, passant de ré mineur à fa mineur. Et oui, écoutons d'abord. Vous pouvez voir le parcours ici. Ok, donc ce sont les tribunaux et les voix ici. Donc, la première chose que vous pouvez faire est bien sûr, de choisir des versions pour créer une meilleure voix leader. Et puis vous pouvez commencer à organiser les lignes individuelles, chacune des voix ici pour le cours, ce que j'ai déjà fait. Donc la première chose que j'ai fait était de jouer plus de ce modèle de composition ici pour ajouter un peu d'intérêt rythmique sur le piano, la même progression d'accords. Et ainsi de suite. Ensuite, j'ai choisi d' ajouter les cordes courtes jouant un harmonies à 2 nœuds dans un rythme, différentes voix, voix, et plus important encore, différent dans le jeu de la science. La harpe joue ce que font habituellement les harpes. Un arpège, comme ce piano pour l'instant, juste pour entendre les autres instruments. Le flux est ici apportant des voix d'accords très espacées avec assez de laiton comme je viens de vous montrer la place dans ce cas, c'est pour des sandales ou des pommes de terre, je pense, ouais, toto, avoir cet accent. Et puis nous avons les vents qui jouent une seule voix ici. Allons couper les cuivres pour l'instant. D' accord. Réduisons la force des cuivres, leur dynamique. Et puis nous avons ces quires ici, nous sommes, ça montre qu'il y a le terminus Reno ici. Oups, comme désintéressé par le solo. Très doux. Puis les touches jouent la basse et l'octave au-dessus, je pense. Quand j'ai enfin des cordes pizzicato, donc des instruments à cordes pincés qui ont des violons de plaque dans ce cas. Et j'ai juste fait l'octave, donc le dd, juste les octaves de chaque coordonnée. Et dans l'ensemble, il crée un bel arrangement avec variation et l'intérêt dans la façon dont les voix de la cour ou distribué, ainsi que l'indépendance des styles de plan de chaque coordonnée et de chaque instrument. Donc, tout cela n'était que la progression harmonique, une progression des accords, les voix intérieures de l'histoire harmonique. Mais comme vous pouvez le voir, vous pouvez créer infiniment des variations, rythmes d'intérêt et des mouvements pour chaque voix par instrument, et ainsi créer un arrangement très complexe, même si c'est juste une progression d'accord, n'y a pas de véritables mélodies et des récifs ou des motifs ici, mais il est encore intéressant de faire aujourd'hui, ces arrangements créatifs des styles de performance vocale par instrument. 18. Dynamiques de forme et d'ajouter le mouvement: Façonner la dynamique et ajouter du mouvement. La musique a besoin de mouvement et de variation pour sonner intéressant. Cela proviendra bien sûr principalement de vos notes. Nous avons nommé les accords, les harmonies et les mélodies. Mais quand vous écrivez et enregistrez vos ports jouant des accords et des harmonies pour vos progressions d'accords. Vous devez également ajouter des variations dans la dynamique et le mouvement au fil du temps. Il y a deux aspects principaux de la dynamique dans la musique. La dynamique d'attaque, ce qui signifie la force du début de chaque nœud. Et la dynamique de sustain, ce qui signifie comment le bruit et la dynamique changent au fil du temps. Avec certains instruments comme un piano, vous ne pouvez pas contrôler la dynamique au fil du temps. Alors qu'avec des cordes inclinées comme un violon, et des instruments à vent comme un aliment ou une trompette, vous pouvez façonner la dynamique de n'importe quelle note soutenue, vous le souhaitez. Mais ces deux aspects sont tout aussi importants. Pour façonner la dynamique d'attaque. Vous utilisez principalement le niveau de vitesse midi par note. Voici donc une représentation de piano. Et si j'ouvre l'automatisation, vous pouvez voir tous les différents niveaux de vélocité pour chaque note. Et ce genre de variation dans la dynamique, dynamique d' attaque par vitesse, est l'un des aspects clés qui ajoute cette qualité humaine réaliste à une performance. Maintenant, la dynamique ou la dynamique d'attaque contrôle principalement deux choses. D' abord, le bruit. Donc, ici, vous pouvez voir la dynamique moyenne est sur le milieu, mais il contrôle aussi et forme l'attaque, luminosité ou la douceur du ton. Donc, si je mange diminuer cela, il sera à la fois plus calme mais aussi plus doux dans le ton, plus chaud. Et si je déplace ça vers le haut, c'est à la fois plus fort mais aussi plus lumineux. Et c'est la même chose, même si je prends, par exemple, des articulations courtes sur des cordes comme staccato ici. Et vous pouvez également voir dans cet exemple ici, je me suis également assuré de vraiment marquer les accents principaux. Comme vous pouvez le voir ici, ces valeurs de vitesse pour ce niveau B sont beaucoup plus élevées que ces valeurs intermédiaires. Et puis nous avons dans le Maine accent ici encore, qui sonne comme ça. Et vous pouvez également voir qu'il y a un peu de dynamique moyenne de pente, dynamique d' attaque monte ici pour rouler dans l'accent suivant. Ce sont donc des façons dont vous pouvez utiliser la variation de vitesse pour façonner la dynamique d'attaque. Et c'est la même chose pour les instruments pincés ou cassés comme la guitare, prostituée et beaucoup d'autres instruments. Alors que sa propre note soutenue depuis longtemps, c'est là que l'autre façon de façonner la dynamique entre en jeu. Et pour façonner la dynamique au fil du temps. Pour des notes soutenues, vous utilisez le plus souvent la molette mod votre clavier midi ou un fader contrôlant la valeur ACC dans votre DAW. Cela dépend de l'instrument logiciel réel. Donc, dans cet exemple suivant, puisque j'utilise principalement des notes soutenues les plus longues, je me suis concentré sur l'ajout de mouvement et de mouvement sur ces notes soutenues en façonnant la dynamique au fil du temps. Comme vous pouvez le voir à partir de cette courbe, qui est la roue de modulation ou CC1, contrôlant la dynamique de cette bibliothèque de chaînes particulière. Et cela fait une énorme différence que vous pouvez ici à partir de cet exemple. Je fais aussi ça sur les cuivres en jouant ici. Je le fais sur les vents ici dans une moindre mesure, mais encore ces vagues ici. Et puis un énorme diplôme sur ce chœur ici. Un conseil de bonus que je peux vous donner est que si vous voulez soit ajouter encore plus de variation dynamique, juste en contrôlant le volume, vous pouvez le faire en ajoutant une autre source de modulation pour l'expression. Donc, l'expression ne contrôlera pas le caractère tonal, mais seulement, seulement le volume. Ainsi, vous pouvez augmenter la variation dynamique et le contraste sur les prises soutenues. Ou peut-être que vous voulez avoir l'ensemble de la performance construire légèrement dans le temps fort et argenté comme ceci. Donc, cela va maintenant en combinaison avec la courbe de mise en forme dynamique réelle. Ok, donc tous ensemble. Et en passant, je veux aussi vous montrer que sur le piano, j'ai choisi de diminuer, oups, le niveau de vitesse très bas pour obtenir ce son super doux parce que je voulais juste en arrière-plan. D' accord ? Et puisque tout bouge maintenant au fil du temps, vous pouvez le voir ici aussi. Comme si vous pouvez voir. Et puis il descend et dynamique. C' est ainsi que vous façonnez la dynamique d'une note soutenue au fil du temps. Construire et revenir en arrière. Dans la dynamique. Dans la plupart des cas, vous voulez le faire dans des vagues comme ça, monter et descendre, crescendo, decrescendo. Mais vous pouvez bien sûr, le façonner comme vous le souhaitez, et aussi vous n'avez pas à le chronométrer parfaitement. Ça peut l'être. Donc c'est que les cordes deviennent plus bruyantes ici, tandis que les cuivres deviennent plus bruyants ici pour obtenir des variations dans le mouvement global. Cela peut faire une énorme différence parce que la couleur tonale de votre pièce globale changera également avec le temps. Ce que vous voulez, c'est à la fois la variation de la dynamique, mais aussi la création de courbes dynamiques au fil du temps avec les différentes parties. Peser les hormones de vos entreprises, vous ou dans les magasins, ou comment vous voulez que votre magasin de musique sonne et ce qui devrait être mis au point à chaque instant. C' est toute l'expérience de l'auditeur qui compte, pas les instruments individuels seuls. Gardez donc à l'esprit que chaque instrument joue simplement son rôle dans la famille de tous les instruments pour façonner votre histoire musicale. Le dernier exemple, je veux vous montrer cette courte progression d'accords à trois barres, en do majeur, sol majeur à voir et comment vous pouvez utiliser dynamique et le mouvement pour le rendre plus intéressant parce que c'est juste une simple progression en C, G et C. Donc, sur le piano, j'ai choisi d'entrer et d'avoir peu de soins. Ont non seulement la variation ici dans la dynamique parce que je l'ai joué, enregistré manuellement sur mon clavier midi. Mais comme vous pouvez le voir, Je montre aussi deux, augmenter la dynamique de la vitesse au fil du temps peut essentiellement faire un peu crescendo, mais avec dynamique de vitesse. J' ai aussi fait ça sur ce cœur. Arpège. Écoute ça. Vous pouvez aussi le voir ici. Il monte progressivement, en commençant au plus bas. pinces plus nettes et plus fortes à la fin. Et bien sûr, sur les cordes. Ici. Vous pouvez voir la dynamique de l'automatisation ici. J' ai enregistré ça avec un fader sur mon clavier Midi qui est blanc, ressemble à ça. Je l'ai sur les cuivres, les vents et le chœur. Mais différent ici. De cela, comme vous pouvez le voir, vous obtenez la plupart des variations si vous enregistrez réellement différentes courbes dynamiques pour les notes soutenues. Et dans l'ensemble, même si c'est une progression d'accords super simple, ça sonne belle. 19. Forme le Groove et les accents de la main de: Façonner la rainure principale et les accents. Puisque les progressions d'accords peuvent avoir n'importe quel rythme, vous avez une liberté créative complète sur le rythme et lui style de jeu pour chaque partie d'instrument et voix froide, il est important que vous vous assurez que votre groove principal et encore plus important, vos accents ou respectés et soulignés pour chaque partie jouant une voix d'harmonie ou des voix dans vos progressions d'accords. Donc, par exemple, disons que vous jouez des souches d'articulation courtes comme ceci. D' accord ? Ainsi, les accents principaux, vous pouvez les marquer à la fois avec la dynamique de la vitesse. Donc, plus vous appuyez dur comme ça, plus l'accent est fort en contraste avec le reste. Mais aussi en doublant plus de voix. Comme vous pouvez le voir si j'utilise l'Octavius dans la base ici en même temps que l'accord complet qui prend plus de poids et devient un accident par la superposition harmonique. Donc quelque chose comme ça. Et le groupe principal sera souvent fourni par la base ou des rythmes bas comme ça. Et donc ceux que vous pouvez utiliser en combinaison avec la dynamique aussi. En règle générale. Vos modifications d'accords devraient être exemptées. Cela peut être fait avec Dynamics sur les niveaux de vélocité, c'est-à-dire attaque, sonie, mais aussi avec des courbes dynamiques sur des notes soutenues. Et bien sûr, avec superposition sur plus d'instruments. Voyons cet exemple. J' ai créé cette progression d'accord d'abord sur piano. Le code de bloc pour chaque accord change. Ensuite, je joue le rôle au piano. Et comme vous pouvez le voir d'ici, donc si j'évoque la vitesse ici, et vous pouvez voir que vous avez d'autres notes qui sont des accents. Donc ici, ceux-ci sont accentués ici. Augmentation un peu plus parce que je veux vraiment étendre ceux dans la performance globale avec les autres instruments. Mais aussi, si vous pouvez voir ici, voici une coordonnée, alors je joue des notes simples ou PDO jusqu'à ce que le prochain changement d'accord et accède aux chaînes de noyau en ayant toutes ces voix en même temps comme ceci. Mais vous pouvez également aller encore plus loin en choisissant d'utiliser des articulations plus fortes et plus accentuées pour vos instruments sur les principaux accidents, par exemple, marcato, sforzando, ou toute articulation de type accent. Vous voudrez peut-être l'utiliser sur certains instruments, sur des rythmes spécifiques de votre composition où les principaux accents apparaissent pour votre rythme. Alors vérifions ça à nouveau. Donc, s'il y a lieu, ici. Ceux-ci sont accentués à la fois par la dynamique mais aussi sans utiliser les pétales soutenus de ces noeuds deviennent très courts. Et je veux les étendre sur d'autres instruments. Alors disons les cuivres ici. Si vous consultez ici, ce nœud est le long, mais ces nœuds sont sforzando, donc un type d'articulation accentué sur le laiton ici. Ok, comme ça. Je le fais aussi sur ces cordes courtes ici. Donc jouer staccato ici, mais alors disons staccato, mais puis Marketo, qui sont étendus, une articulation accentuée. Et aussi sur cette cadence finale. Donc tous les instruments ou juste une partie de cette famille pour votre noyau, groove et rythme, ainsi que les accents. Donc si on jette un coup d'oeil ici aussi au début du piano, on a ça, non, pas un piano. Les cordes courtes ici, vous avez cette chose peu plus rapide ici que APA. Et vous avez encore une larme, additionnez. D' accord ? Toi, je respecte ce petit rythme parce que je veux étendre ce rythme sur d'autres instruments, donc et ici, mais au-dessus, ok, ainsi que ceux-ci comme marcato au lieu de spiccato. Je dévie aussi sur les bois ici, mais ici et ici. Donc, considérez toujours la raison principale, le groove principal de votre musique, puis respectez que sur vos instruments jouant n'importe quelle voix d'harmonie ou de mélodie dans votre musique. Alors écoutons tout en combinaison et vous pouvez déjà entendre cela. Je l'ai aussi sur la base, au fait. Donc, la base fait ces données numériques. Et puis ça. Et ils ont commencé. Et de cette façon, vous obtenez la combinaison de tout comme ça. Un conseil que je peux vous donner concernant le groove principal est d' avoir une piste de croquis rythmiques dans votre logiciel de musique, vous utilisez simplement comme maquette et guide visuel pour votre groove rythmique général de votre musique. Il peut, par exemple, être une base, une guitare strumming, piano rythmique, ou peut-être une piste rythmique de cordes staccato. Je recommande d'utiliser la piste de base pour cette maquette. Donc, parce que de cette façon vous obtenez à la fois le centre tonal harmonique principal ainsi qu'un groupe de base en même temps. Comme ça. Ensuite, vous pouvez utiliser ces maquettes de rythme principal comme guide visuel et audio lorsque vous enregistrez des accords ou une partie de rythme harmonique dans votre musique. Ainsi, si vous utilisez, par exemple, une ligne de base en haut de votre séquenceur comme piste de maquette ou d'esquisse pour le rythme d'appel, vous obtenez également le centre tonal fondamental ici, surtout si vous n'utilisez que le nœud racine d'accord. Donc F, C, G, D, et ainsi de suite. De cette façon, il est beaucoup plus facile si vous l'utilisez pour vérifier le cœur réel écrit et les centres tonaux. Donc on peut le faire comme ça. Donc, vous pouvez voir et ensuite enregistrer quelque chose de nouveau à ce sujet. Par exemple, des chaînes courtes comme ceci. Et ainsi de suite. Et puis vous pouvez entrer dans les chaînes plus courtes ici et peut-être feuille de calcul en combinaison avec ces autres pistes pour voir, vraiment vérifier que vous avez la rainure fondamentale ici pour que vous puissiez le voir mieux. Bam, d'accord. Mais tu veux changer ça aussi. Par exemple, marcato, étendre ceux. Ils maintenant de cette façon, vous arrivez à respecter ce groove et ce rythme. Vous pouvez également choisir d'aller dans les niveaux de vitesse, augmenter ceux pour vraiment booster les accents principaux. Disons que vous avez des extractions ici sur chaque changement d'accord, donc sur ces deux aussi, et ceux-ci pour augmenter ceux et comment vous obtenez ceci et ainsi de suite. 20. Ajustez les longueurs de la chronologie et les longueurs de notes: Ajustez les horaires et les longueurs des notes. Tout comme les accords de bloc statiques ou super rigide et ennuyeux. Avoir des horaires robotiques parfaits et des longueurs de notes exactes sonnera comme de la musique sans âme. Donc ici, j'ai créé une progression d'accords sur piano. Et la première erreur est que chaque nœud a exactement le même niveau de vitesse. Vous avez déjà appris que la variation dynamique pour les niveaux de vitesse ici est super importante, mais aussi le timing de chaque note commence à exactement les mêmes millisecondes pour chaque accord ici, et a exactement la même longueur de noeud. Sur toutes ces trois choses, faites une performance robotique et rigide et manque de caractère humain, organique et réaliste. Vous devez avoir des variations dans les horaires pour toutes vos notes d'accord sur chaque instrument et port. Mais tu ne veux pas que ça sonne hors du temps. Le demandé une certaine variation humaine dans le timing est le meilleur. Donc, ne quantifiez pas les notes et les ports 100%. Je trouve qu'entre 50 et 90 % Quantifier la force est suffisant. J' utilise une quantification plus serrée, plus la quantification, plus les parties sont rythmées et moins quantifiées, plus c'est mélodique. Laissez-moi vous montrer l'énorme différence en vous montrant cette autre piste de piano que j'ai enregistrée et exécutée en direct pour obtenir que la variation Shimon soit la même progression d'accords que vous pouvez voir ici, mais une performances différentes. Si je fais un zoom avant, vous pouvez voir ici en fait décalé dans l'accord comme un strum presque. Ensuite, vous obtenez la variation, la variation humaine ici certains sont des notes ou avant l'été auteur de la note ici. Et ça fait une énorme différence parce que vous obtenez ce personnage en direct. Alors écoutez cela aussi. Vous pouvez voir que je le quantifie à 75 % parce que je ne veux pas qu'il soit parfait. Et ce même concept vaut aussi pour les longueurs de notes. Avoir, par exemple, un piano ou une AOP avec exactement huit longueurs de notes jusqu'à la milliseconde sur chaque note sonnera également robotisé et soldats. Alors regardez cet arpège que je viens d'enregistrer sur le piano en utilisant la même progression d'accords. Vous pouvez voir la différence de synchronisation dans le point de départ, mais aussi le noeud d'atteinte de longueur est différent de l'aspect live ici. Si je les mets tous à la même longueur de note, comme ceci. Ça a l'air très robotique et encore une fois. Et vous pouvez vraiment voir l'Asif revenir à la performance que j'ai enregistrée pour cet exemple ici. Vous pouvez voir que c'est court, c'est moyen, c'est très court. Ce sont également des longueurs de notes différentes, donc cela s'étend un peu du dégradé. Si je les étend et que je reçois un champ différent, ce plus court. Donc, ils notent les longueurs et la variation individuelle ou chacun fait également une énorme différence. La meilleure façon d'obtenir toutes ces variations de synchronisation et de longueur de noeud est naturellement d' enregistrer chaque port manuellement dans votre logiciel de musique à l'aide, par exemple, d'un contrôleur de clavier Midi. Ainsi, comme vous pouvez le voir sur ces autres faits, ils ont également des variations de temps individuelles. Ici. Comme vous pouvez le voir, ce n'est pas parfait sur la note. Et ça fait vraiment une différence. Pour chaque voix, pour chaque instrument. Certains instruments que vous voulez vraiment commencer avant le rythme parce qu'ils ont des attaques plus longues, comme par exemple des cordes douces. Nous ne voulons pas qu'ils commencent ici parce qu'il faut trop de temps pour vraiment entendre le son de l'instrument. Traitez-les comme des tampons sur depuis par exemple. Et vous pouvez voir que vous obtenez également des variations en ayant différentes quantités d'air en silence entre les notes. Ne négligez pas l'air et le silence aussi. Alors prenons une écoute à tout en combinaison. Parce que tout, toutes ces petites variations, non seulement dans la vitesse et la dynamique, mais aussi les points de départ pour chaque note, timing et les longueurs de noeud. Donc c'est comme ça que ça sonne. Mais si vous choisissez d'écrire les nœuds avec votre ordinateur, souris et le clavier dans l'éditeur de piano ou l'éditeur de partition. Vous pouvez profiter d'une fonctionnalité d'humanisation ou de randomisation dans votre logiciel, dont la plupart des DAW disposent. Ce type de fonction d'humanisation créera automatiquement des variations dans le timing, la longueur des notes et même la vitesse des valeurs pour vous. Donc si on retourne ici à cet arpège de piano, qui est écrit avec ma souris ici. Ainsi, le timing de la note , les positions de départ et la longueur du nœud, ou exactement jusqu'à la milliseconde comme un robot, comme les valeurs de vitesse. Vous devez donc vérifier votre DAW. Mais dans la logique, aller dans le piano, rouler, vos propres fonctions ici, moyen de transport forme et humaniser. Et maintenant, vous pouvez sélectionner combien de randomisation, quoi sur la position. Alors allons-y avec 20. Prenez des interrupteurs. Une plus petite valeur peut changer n'importe quoi. Minute, heures. Allons-y pour la vitesse avec 15 et la longueur. Allons-y avec 30. Prend sélectionne pas, n'est-ce pas ? Et vous pouvez voir les valeurs de vitesse changer chaise. Ensuite, vous pouvez toujours entrer et le définir. Donc quelques notes, je veux dire, ajuster manuellement certains des niveaux ici. Je voudrais probablement dans le cas d'un arpège, augmenter la longueur du lit pour tout. Mais vous obtenez beaucoup plus de caractère réaliste. De cette façon. C'est toujours, je préfère, et je recommande si vous pouvez le rappeler manuellement. Aussi dans ce cas, vous aimeriez probablement y ajouter une pédale soutenue, le faire couler mieux. Mais vous obtenez le point principal ici, qui est la variation des niveaux de vitesse que je fais, mais aussi les positions de départ de chaque note ainsi que les longueurs d'une note. Cela fait une énorme différence dans l'ensemble réaliste dans le caractère humain et rend votre musique plus musicale, pour ainsi dire. 21. Mouvement harmonique dans vos progrès: mouvement harmonique dans vos progressions. Par mouvement harmonique, je ne parle pas du mouvement vocal individuel, toutes les transitions pour chaque accord change. Au lieu de cela, vous devez prendre du recul et voir toute la progression de l'accord dans son ensemble. Et regardez cette courbe d'histoire et le mouvement de toutes les voix dans vos harmonies créent ensemble, construisez de l'énergie avec un mouvement ascendant. Si la courbe de l'histoire harmonique de vos voix a un mouvement général vers le haut, vous développerez de l'énergie et de la tension dans votre musique. C' est une excellente technique juste avant une transition vers une nouvelle section où vous voulez créer plus d'intensité et d'énergie. Par exemple, un choeur de puissance ou quelque chose en déplaçant simplement votre courbe d'histoire harmonique vers le haut. Alors, permettez-moi d'abord d'expliquer rapidement ce que je veux dire par mouvement harmonique. Donc, si vous avez une progression d'accord, vous pouvez façonner le mouvement réel des voix individuelles pour faire un mouvement vers le haut pour les inoffensifs comme celui-ci, vers le bas plus si vous voulez ou le garder plus droit. En transposant fondamentalement tout, créant une direction moyenne pour la progression harmonique totale. droite ? Donc, la première chose, le premier exemple ici est ces chaînes staccato est où j'ai créé un mouvement vers le haut dans la direction. Ce sont les, comme les notes de base et les bases font ce qu'ils font indépendamment, mais fondamentalement vérifier ce que votre progression d'accord DUS entière, au fil du temps comme ceci. Donc, ici, nous pouvons réellement entendre comment construire l'énergie et l'excitation en ayant ce mouvement vers le haut. Et souvent, ces fonctionne très bien en combinaison avec l'augmentation dans ce cas, lorsque vous montez en direction, la dynamique moyenne au fil du temps créant essentiellement un léger crescendo ici, résoudre avec mouvement vers le bas. Donc, en fait, cela conduit à la direction opposée, un mouvement général vers le bas de vos voix harmoniques dans votre progression d'accords, ce qui crée un sentiment de réassortiment, s'installer et est un excellent moyen de finir avec si que vous voulez suivre avec une section d'énergie inférieure, ainsi que dans l'outro finale et la cadence de votre musique. Si vous voulez, votre composition avec l'humeur détendue et résolue. D' accord, donc ici j'ai pris la même progression d'accords, ils ont gagné. Vous pouvez voir ici si bémol, sol mineur, F, B plat, et ainsi de suite. Et j'ai enregistré et d'autres performances sur piano, pas aussi statiques et rigides que les accords de bloc d'une barre ennuyeux, mais une performance réelle. Et vous pouvez voir qu'ici j'utilise le mouvement vers le bas pour la progression. Et si nous écoutons cela, et en passant, j'ai aussi une légère diminution de la dynamique. Si nous écoutons cela dans le contexte ou simplement individuellement, en passant, vous pouvez entendre comment il résout et calme l'énergie. Jouer en 3, 2, 1. Stabilité avec mouvement droit. Donc, si vous façonnez votre voix d'accord est de sorte que le mouvement harmonique est à peu près une ligne droite. Vous allez créer une ambiance très stable. Cela peut être un bon moyen de s'assurer que la progression de l'accord se fond dans l'arrière-plan car elle est si statique. Cela fonctionnera très bien pour la musique subtile, soulignée , ambiante, atmosphérique et relaxante, etc. Fondamentalement, vous pouvez utiliser le mouvement harmonique droit chaque fois que vous voulez que vos accords et harmonies se fondent dans le fond de votre mix. Donc ici, j'ai enregistré des cordes et la même progression d'accords que j'ai écrit ici. Mais j'ai utilisé des inversions d'accords et des voix pour le rendre plus comme une ligne droite comme vous pouvez le voir. Et dans le cas de deux accords partageant les mêmes notes, je viens de les joindre pour obtenir encore moins de mouvement parce que ce nœud reste le même tout au long de ces deux accords, par exemple. Alors écoutons comment ça peut se vendre. Intensité avec mouvement chaotique. Maintenant, la principale ligne directrice pour la voix est que vous devriez essayer de minimiser le mouvement de la voix et utiliser des intervalles plus petits lors de la transition d'accord à accord. Et aussi que vous devriez rendre la courbe harmonique au fil du temps lente et progressive, comme la respiration ou les vagues dans la nature. Mais chaque règle a une exception, ce qui signifie que vous pouvez vraiment devenir fou avec le mouvement harmonique pour rendre votre progression chaotique et intense. Donc, pour le démontrer, j'ai enregistré cette partie ici sur des cordes courtes. Et comme vous pouvez le voir, le mouvement harmonique est chaotique pour créer cette ambiance d'action. Alors écoutons cela et vous l'entendrez en action. Regardons ça en même temps jouer en 321. Ceci est particulièrement bon pour l'écriture rythmique, bien sûr, et inoffensif. Et nous allons créer une ambiance très intense et énergique, qui peut fonctionner très bien dans certains contextes. Par exemple, la musique d'action chaotique, la musique alésage et ainsi de suite. Comme toujours, votre vision créative et votre objectif final pour votre musique guideront vos choix. Assurez-vous donc de façonner votre scénario harmonique avec mouvement et le mouvement qui conviennent à votre composition musicale. 22. Clarity en bas fin de fin: Faible et clarté. Comment atteindre ce niveau bas et de clarté dans votre musique ? Et qu'est-ce que cela a à voir avec les accords et les harmonies ? Eh bien, dans la composition musicale, vous avez beaucoup d'octaves où vous pouvez distribuer tous les nœuds. Mais ce qui est très important à apprendre, c'est comment la distribution des fréquences fonctionne dans les différentes gammes. musique première et octave correspond à un doublement de fréquence. Donc si je joue un C ici, et ensuite le suivant ici, c'est un double en fréquence. Et pour chaque C, je double. La fréquence fondamentale de la note. Bien que nous soyons gamme a moins de place. Par exemple, la note a au-dessus du milieu C sur le piano est de 440 hertz. C' est en effet la norme de notre système de réglage. Eh bien, si vous montez une octave au lendemain, c'est le double de la fréquence. Donc 880 Hertz. Si vous descendez à la place, l'a ci-dessous est 220 hertz Gold sur un autre Octave, il arrive à 110, puis 255, puis à 27.5 hertz. C' est en fait la fréquence fondamentale de la note la plus basse d'un piano. Tu as remarqué quelque chose ici ? Plus vous allez à portée dans les octaves de la musique. Cette plus petite et plus serrée, la différence de fréquences devient entre les notes. C' est l'une des raisons pour lesquelles la musique octave inférieure devient si facilement boueuse dans le mélange. Donc, si vous jouez un accord dans la portée verbale sur votre piano, essayez-le. Ça sonnera boueux et non concentré. Sauf si vous utilisez cela comme un effet, il devrait être dans presque toutes les situations évitées. Faire les octaves inférieures Rumi. Alors, comment pouvez-vous résoudre ce problème ? En tant que compositeur s'assurera simplement que vous avez espaces plus larges pour les notes que vous utilisez dans la gamme basse de votre composition. C' est ce qui créera cette clarté et cette puissance dans le registre de base. Si votre base joue une ligne, laissez vos ombres, par exemple, payer les mêmes nœuds et octave ci-dessus, doubler en octaves. En règle générale, vous devriez être très prudent d'ajouter des harmonies autres que les octaves parfaites et les cinquièmes parfaits. Dans les octaves inférieures de votre musique, je dirais au-dessous du milieu. Alors faisons un exemple pratique, un exercice. Disons que vous voulez jouer un accord, prendre votre piano ou clavier midi, et jouer le code réel avec votre main droite. Donc disons un accord en do majeur. Ensuite, jouez la basse en octaves avec votre main gauche. Le bas de gamme est principalement là dans la musique pour fournir puissance, profondeur, et un centre tonal ciblé pour vos hormones, votre progression d'accords. Donc, pratiquez ceci et vous pouvez voir que cela sonnera souvent mieux. Si vous vous en tenez au nœud racine et Octave le registre de base avec votre main gauche, puis jouez le reste de l'accord ou l'accord complet avec votre main droite. Vous pouvez également expérimenter en ajoutant la cinquième harmonie parfaite dans le bas de la base, comme ils sont si un F-major ici, car il est une position racine, jouer un F dans la base et ajouter le 5e parfait. Comme ça. Peut sembler bien même si. Mais comme vous pouvez entendre plus bas, vous obtenez. Plus il est important de ne s'en tenir qu'à l'Octave. Mais vous pouvez utiliser, par exemple, le billet d'avion, cinquième parfait. Et sur la route comme celle-ci, vous allez bas, plus vous avez besoin d'espace entre les nœuds. Donc, ici, dans le registre de base extrême, je recommande seulement d'utiliser base plus Octavia comme ceci. Enfin, je veux vous montrer un exemple que j'ai créé pour démontrer l'importance de Vo et de clarté. J' ai donc créé cette progression d'accords ici au piano. Comme vous pouvez le voir, j'utilise quelques notes de basse supplémentaires ici. Et ce qui est vraiment important, c'est quand vous changez votre note de basse, surtout dans le bas de gamme, enregistré comme la ligne de base, vous voulez lire un respect ces changements de voix pour vos autres instruments bas de gamme. Donc la ligne de base va comme ça ici. Et si vous le prenez et le regardez en combinaison avec le piano ici, vous pouvez voir que je respecte ces changements de voix ici. Le Pentagone est en bas. Quand exactement quand la base descend pour voir ici et ici aussi. La base. Et même sur d'autres instruments jouant des notes soutenues comme les cheveux de cordes, je respecte aussi le même changement pour regarder cela en combinaison avec la ligne de base, les cordes inférieures ici. Alors écoutons ça. Et c'est, ça peut ressentir des données subtiles, mais ça s'additionne vraiment. Parce que dès que vous créez un peu, n'importe quoi, surtout à partir de S3 et ci-dessous icônes, je considère tout de S3 et ci-dessous comme le bas et le registre de la musique. C' est là que vous voulez vraiment vous assurer de respecter les changements de voix pour garder le bas de gamme propre. J' ai fait ça pour les cuivres aussi bien que vous pouvez le voir ici. Si vous regardez cela en combinaison avec la ligne de base. Donc, nous allons juste ceci est la ligne de base superposée ici. Vous pouvez voir de cette façon. Tout semble clair et concentré dans le bas de gamme. Parce que vous n'avez pas cet affrontement, une boue basse portée que vous obtenez si, par exemple, le piano, le laiton, ne respectait pas cette note sur la ligne de base qui aurait créé un temporaire, même si c'est bref ici, boue dans la gamme basse de votre musique. 23. Focale High: Focus haut de gamme. Alors, comment choisir les inversions et les voix que vous devriez utiliser pour vos accords dans vos progressions. Bien sûr, cela dépend de la façon dont vous voulez façonner la ligne d'histoire harmonique de votre musique. Vous êtes le compositeur du rôle, mais il y a un aspect très important qui concerne la façon dont nos, nos oreilles ramassent les fréquences et les hauteurs de la musique. Vous avez donc déjà appris que la plage basse est généralement la note racine en octaves dans la base pour fournir la profondeur, puissance et le centre tonal ciblé de votre progression. Le contraire est la gamme élevée de votre hormone est essentiellement nos oreilles se concentrent le plus sur la voix la plus élevée de n'importe quel accord, sorte que la note de tête de chaque accord est ce que nous entendons le plus. Cela dépend, bien sûr, de la sonorité et de la dynamique de chaque voix et des niveaux dans le mélange de votre musique globale et ainsi de suite. Mais pour n'importe quel accord, nous ramassons généralement les notes les plus élevées. Donc, disons que si vous, par exemple, jouez un ré mineur, puis allez en sol mineur et peut-être aussi, si bémol. Maintenant, si vous exprimez vos accords d'une manière telle que ces voix haut ici est ce qui conduit et guide l'auditeur. Tu peux faire quelque chose comme ça. Par exemple, commencez ici peut-être sur cette inversion du D. Ensuite, si vous voulez que la voix mène, que la mise au point de la voix passe de F à G, eh bien, utilisez G mineur dans cette inversion, donc, et puis vous voulez aller à cette note ici. Donc, utilisez B plat dans cette conversion. Donc, comme ça, peut-être revenir à F. Donc c'est la, maintenant la voix supérieure, les garçons focalisés, le focus haut de gamme. Et puis à g, quelque chose comme ça. La grande chose à ce sujet est que vous, en tant que compositeur, pouvez guider l'attention de l'auditeur avec vos accords en choisissant la note que vous jouez sur le dessus. Permettez-moi donc de vous donner un exemple pratique. C' est maintenant la mélodie principale de la bande originale du film Thor de l'univers des Avengers. Donc ça va quelque chose comme ça, d'un TA pour être plat à F et E, et ainsi de suite. Alors maintenant, lorsque vous exprimez votre cours, vous pouvez utiliser votre voix la plus élevée pour accentuer et faire avancer cette note mélodique principale. Donc ça commence sur le fa major. Mais puisque c'est le top, la voix mélodique, choisissez cette inversion. Et puis tu vas à F ici. Et vous pouvez utiliser si bémol majeur. Et puis il monte ici. Donc vous pouvez y aller directement. C' est la même cohorte, B plat. Mais à partir de cela, et passer à une octave plus haut, puis à F et E. Eh bien, dans ce cas, la progression de l'accord est c sus4 puis en do majeur, ainsi de suite, et ainsi de suite. Alors laissez-moi vous montrer un exemple pratique dans mes DAW ici, j'ai la mélodie principale jouée sur des cordes. D' accord ? Ensuite, je double c'est sur le vent. Crc peut voir qu'ils jouent en fait à l'unisson. Donc tous les deux s'appliquent. Maintenant, c'est que de la couleur à elle ou de la glace, alors j'ai une ligne de base. Mais le fait est ici sont les principales progressions sur le piano. Donc, ce que j'ai fait, c'est que j'ai le code ici et que j'ai enregistré ici, mais j'ai choisi d'accords de voix. Donc c'est cette voix de haut niveau. Vous entendez est exactement la même mélodie que les cordes ici en lisant Melody. Et de cette façon, vous écoutez tout pendant que nous regardons dans le rouleau de piano. Vous mettez vraiment l'accent sur cette mélodie principale. Alors écoutons. Et bien sûr, ce cas, je joue simplement les quartiers de bloc, ce qui est très rigide et ennuyeux pour être honnête, mais c'est juste à des fins de démonstration pour vous montrer chaque changement d'accord ici. Et à la voix supérieure est ce qui guide l'attention de l'auditeur. Rappelez-vous que le haut et le focus de votre voix harmonique supérieure sont ce que l'auditeur entendra le plus. Alors utilisez-le à votre avantage lorsque vous composez votre musique. Maintenant, gardez à l'esprit que dans cet exemple spécifique, je suis allé tout dans le sens que j'ai mis l'accent sur chaque note mélodique dans la progression de l'accord en utilisant le focus haut de gamme pour superposer la séquence mélodique. Mais ce n'est pas ce que vous faites habituellement. Bien sûr, ce que vous faites en tant que compositeur, c'est de choisir de façon créative où, quand et pour combien de temps. Les notes de votre séquence mélodique, vous voulez mettre l'accent sur votre histoire harmonique. Donc, chaque fois que vous faites cela, c'est quand vous obtenez le plus d'attention et de concentration pour ceux mélodiques maintenant, donc vous pourriez vouloir utiliser le haut de gamme, la voix menant à étendre ces notes ici, mais alors vous avez les différents voix leader, par exemple, ici. Et puis vous étendez ces nœuds et ainsi de suite. Et bien sûr, il n'y a pas de règle que vous devez utiliser cette mise au point haut de gamme pour calquer, diriez-vous la mélodie du tout ? C' est juste un autre outil que vous avez en tant que compositeur. Essayez ceci sur votre clavier midi ou votre piano en jouant la même progression d'accords en utilisant différentes inversions pour chaque accord pour former la note la plus élevée. Vous allez instantanément ici comment la voix supérieure dirige vraiment votre attention et vous guide à travers la progression de l'accord. 24. Poids de la voix: voix, le poids, le poids de toutes vos notes pour tous les instruments et sons est un aspect incroyablement important pour le son global. C' est ce que j'appelle le poids de la voix. Et c'est essentiellement la puissance de chaque voix de votre société. Laissez-moi vous montrer rapidement ce que je veux dire sur le piano. Donc disons que vous avez un accord de triade en C mineur standard comme ça. Eh bien, maintenant si je joue la note racine ici à une dynamique plus forte, et ce sont les deux dynamiques inférieures que la voix aura plus de poids vocal. Aussi, si je le double en octaves comme ici dans la base, et que vous obtenez 33 couches de C ici, ce qui lui donnera, bien sûr, plus de poids. Et si j'utilise un autre instrument pour calquer ceci ici, par exemple, un trombone du sein ou quelque chose pour superposer celui-ci. Ce voir dans le, dans toute la cour entendre que la voix va obtenir encore plus, attendre, attendre des sons. L' une des principales façons de contrôler le poids d'une voix à l'intérieur votre progression principale est par les instruments que vous avez assignés pour la jouer. Certains instruments sont plus harmonieusement riches et denses, ou en d'autres termes, plus puissants, tandis que d'autres sont plus décontractés, moelleux et légers, comme un son de laiton épais par rapport à une lumière ou. Alors. Par exemple, disons que l'un des instruments jouant une voix harmonique dans votre progression, nous allons jouer cette ligne est C, E plat, G et B plat. Eh bien, si vous jouez ça sur un épais patch en laiton, ça aura plus de poids pour cette voix dans votre scénario harmonique que pour un léger mal. Attends, de doubler. Une autre façon d'augmenter le poids d'une voix spécifique dans votre progression harmonique est de la doubler avec plus d'instruments. Par exemple, disons que vous avez un violoncelle jouant une de vos voix. Vous pouvez ajouter un cor français jouant la même ligne, ce qui, bien sûr, donnera plus de poids à cette voix harmonique dans votre composition musicale. Plus vous doublez une ligne avec de couches, plus la voix aura de poids. Et vous pouvez le faire à l'unisson ou en octaves. Disons qu'une de vos voix dans votre scénario harmonique fait quelque chose comme ça autour du do mineur. D' accord ? Disons maintenant que votre voix principale est jouée par des basses profondeurs dans la gamme inférieure comme celle-ci. Maintenant, si vous le doublez sur des cornes françaises jouant à l'unisson. Donc, la même gamme ici, il sera plus épais et aura plus de poids par rapport à écouter quand les cornes entrent. Et si vous le calque une octave au-dessous ou au-dessus de toute superposition octave avec aussi donner à ces garçons plus de poids. Donc, j'ai choisi o arc ici une octave plus haut. Je vais probablement abaissé la dynamique ici sur le hautbois sont juste jouer en direct ici, mais vous obtenez le point principal ici, le poids de la voix de superposition, poids de Dynamics. Un autre aspect que vous pouvez façonner le poids de chaque voix de vos principales progressions est par la dynamique que les instruments jouent chaque note. Jetons un coup d'oeil à cet exemple ici, j'ai peu profond, altos et des violons, tous formant un accord standard en C mineur, C , E plat, et G. Maintenant, j'ai façonné le poids de la voix en choisissant que l' alto joue le troisième à un niveau dynamique inférieur, comme vous pouvez le voir ici. Si vous regardez ces courbes, les canaux et les violons jouant moyenne dynamique plus forte tout au long dénotent violon, alto nous qui jouent le troisième, jouer dynamique beaucoup plus faible et il sonne comme ça. Attends, du mélange. Enfin, vous pouvez contrôler le poids de chaque voix de votre musique en utilisant des techniques de production et de mixage. Le niveau de piste est bien sûr le plus évident, mais aussi un égaliseur panoramique en saturation, compression, etc. Fondamentalement façonner comment la graisse par rapport à la minceur de l'instrument jouant cette voix dans votre progression principale est dans votre mix. Ainsi, par exemple, vous pouvez utiliser des niveaux ici pour chaque piste jouant une voix harmonique dans votre musique. Vous pouvez utiliser un filtre égaliseur, un panoramique, et ainsi de suite, la largeur stéréo. Laissez-moi vous montrer ce que j'ai fait ici sur le dossier Harmony Group. Donc, chaque piste à l'intérieur est traitée sur ce groupe. Donc, dans la plupart des cas, vous voulez pousser vos harmonies dans le fond de votre mix pour laisser de la place dans la gamme haute pour vos récifs mélodiques, thèmes et ainsi de suite. Donc ici, j'utilise un plug-in et un réglage chaud. Vous pouvez utiliser un égaliseur ou un filtre pour simplement pousser les hautes fréquences vers le bas dans le mix. Ou. Et aussi dans certains cas, vous pouvez ramasser quelque chose ici dans les fréquences de mise au point autour d'un à trois kilohertz, parce que c'est quand nous sommes nos oreilles entendre le plus entre quelque part ici, 12 au total, vous obtenez beaucoup ton plus chaud pour vos hominis. Vous voulez les repousser en arrière-plan. J' utilise également l'imagerie stéréo pour les pousser sur les côtés, augmentant ainsi la largeur. Ici, j'utilise un compresseur pour apprivoiser la dynamique afin qu'ils ne deviennent pas trop importants n'importe où dans le mélange. Et comme je l'ai dit, vous pouvez également utiliser un égaliseur ou un filtre. Donc sans tout, ça ressemble à ça. Maintenant, avec tout ce qui est actif. Et je vais aussi te montrer dans l'éditeur de piano. Et on va écouter ça. Alors supprimons ça. Et si je zoome maintenant, vous pouvez voir les voix de code réelles. Par exemple, nous avons ici un ré mineur aller en sol mineur. Vérifions la superposition. Vous avez D en bas et octave au-dessus. Puis un autre D ici. Perfect cinquième. Donc un ici. Voici encore un D, et ainsi de suite. Donc vous pouvez vraiment voir comment sonner pour le poids de la voix que j'ai choisi. Aussi les différentes dynamiques dynamiques. Donc la base va comme ça. La chorale va comme ça et ainsi de suite. Donc, je me suis formé avec Dynamics non seulement sur les notes de soutien, mais aussi pour cela sur le niveau et de vitesse. Et bien sûr, si vous utilisez des articulations courtes, cela donne plus d'air entre les nœuds comme celui-ci, qui ne prennent pas autant de place que possible. Note soutenue. Donc maintenant, quand j'utilise tout en contexte, y compris toutes ces techniques de mixage et de production supplémentaires, ça ressemble à ceci. Regardons ça. Et vous pouvez vraiment entendre à quel point la tonalité globale est chaude pour l'ensemble du groupe de mixage d'harmonie, ce qui laisse beaucoup de place à vos mélodies, récifs et motifs principaux à couper dans votre mix. 25. 7 Secrets de écrire des progrès d'accords étonnants d'accords.: Bonjour les créateurs de musique, aimeriez-vous monter des progressions d'accords qui sonnent incroyable, allant d'un symbole, progression d'accords raide et ennuyeux comme ceci. Assez mauvais droit ? quelque chose de beau, évolutif , expressif et dynamique comme celui-ci. Donc, dans cette vidéo, vous apprendrez sept secrets pour écrire des progressions étonnantes d'accords. Plongons dans la pointe numéro un, les inversions d'accords. Donc si on regarde encore cet exemple, cette piste de croquis pour les tribunaux, ça va en sol mineur, en sol mineur, puis en C. Mais je les utilise en position racine, ce qui signifie que je joue la note la plus basse de l'accord, le D, puis le F, puis le a pour le ré mineur. Mais vous pouvez en fait transposer la note d'une octave vers le haut ou vers le bas pour créer une transition plus lisse. Donc, par exemple ici, si je prends cette note de tête sur le deuxième accord, transpose dans une octave, vous n'obtenez pas ces énormes sauts. Faisons-le sur ça aussi. Maintenant, ils ont l'air beaucoup plus lisse quand ils sont connectés comme ça. Ainsi, vous pouvez bien sûr, transposer vers le haut ou vers le bas dans la plage et créer ces inversions pour créer des transitions plus fluides sonnant mieux. Et je vous recommande également de réduire le niveau de vitesse pour les rendre plus doux. Ok, donc c'est le pourboire numéro un. Le suivant, c'est les voix d'accords. Donc, c'est important parce que le premier ici est juste les inversions. Mais si vous vérifiez les voix, voici où vous pouvez doubler certaines voix. Donc, si vous avez un accord en D mineur, D, F et a, vous pouvez doubler le nœud racine D sur la base pour le rendre plus proéminent et plus concentré. Et vous pouvez également les organiser de différentes manières. Donc, entre la note de basse et la note suivante, il y a beaucoup d'espace qui donne plus de place à d'autres instruments et sons dans votre musique tels que vos mélodies, riffs, etc. Donc, vous pouvez, si vous voulez prendre la note du milieu, par exemple, la ligne médiane ici. Écoutons ça d'abord. Il suffit d'ajouter l'année de base. Maintenant, c'est la position fermée, la voix d'accord fermée. Entre ceux-ci. Ici, vous avez des voix ouvertes être parce que vous avez coordonnées de cet accord en ré mineur qui ne sont pas utilisées pour créer cet espace ici. Donc, disons que vous prenez ce nœud au milieu ici et le transposez vers le haut, un octet qui crée plus d'air, plus d'espace entre les voix de la cour, ce qui crée un son plus ouvert et donne de la place à vos thèmes importants, récifs, mélodies et ainsi de suite. Créer quelque chose comme ça. Voix toujours lisse, mais voix plus ouverte. Donc, c'est les voix d'accords. Et au fait, une leçon importante ici est que je ne joue qu'au piano, mais vous pouvez utiliser ces voix d'accords pour que celui-ci joue sur des cuivres. Et ainsi de suite. Astuce numéro 3 est le leader de la voix. Donc, encore une fois, les inversions d'accords créent le leader de la voix. Mais une autre façon est qu'entre les cordons, vous pouvez faire cela, par exemple, pas entre ceci et ceci, mais en utilisant réellement une note de l'échelle entre les deux pour créer une transition inégale et plus lisse. Et si nous vérifions l'exemple précédent ici, vous voyez que c'est un noyau appelé par barre ici. Mais si vous utilisez des inversions d'accords de telle sorte qu'ils partagent la même note comme je l'ai fait ici avec l'inversion d'accords, en la prenant, celle-ci, ici, vantant, en la transposant dans une octave vers le bas. Ensuite, vous pouvez joindre ces notes pour créer une transition vocale encore plus fluide entre le cours, car elles partagent cette note. Et puis j'ai pris cette note de basse comme ça. Donc c'était comme ça avant. Je le découpe. Ensuite, utilisez une autre note d'échelle en tant que transition, créant plus de boucles vocales. Alors écoutons ça comme ça. Et là encore, rejoignez celle-ci et cette transition là. Et vous pouvez bien sûr utiliser des jours sur les voix internes aussi. La base est idéale pour cela, en passant. Ensuite, nous arrivons à l'étape suivante, qui est la pointe numéro 4, voix écrite. Donc c'est vraiment important parce que ce que nous avons commencé avec des accords de bloc, un accord, chaque voix à l'intérieur d'une place centrale pour l'extension complète de l'accord. Donc, un accord de bar, ce qui est ennuyeux et rigide. Donc, si vous cochez ceci, vous pouvez utiliser la composition rythmique à la guitare ou au piano pour créer un motif. Et puis chaque voix d'accord peut avoir un motif différent. Ils sont indépendants les uns des autres. Voici un exemple, je pied aussi sur le piano. Même progression d'accord, ré mineur, sol mineur, F, C et ainsi de suite. Vous pouvez donc l'utiliser pour créer différents rythmes de voyage sur les voix et les organiser sur différents instruments. Le suivant est ce que j'appelle les accords de transition, pointe numéro cinq. Donc, au lieu d'utiliser un seul accord ici par barre, ou disons deux cœurs d'accords par barre. Vérifions ce qui se passe si vous utilisez réellement l'accord de transition. Disons que si je joue en D, puis que je vais à un mineur en sol, je pourrais utiliser une note SAS entre les deux. Et en passant de G mineur à F, je pourrais le garder aplatir pour créer un code SAS ici pour F, ce que j'ai fait ici. Comme vous pouvez le voir, la voix va ici de là à là, en écrivant ceci. Donc, à partir de cela, qui utilisent juste les courts simples, mais avec le rythme, pas de cours de transition, j'ajoute un accords de transition. Et ça crée tellement plus d'émotion déjà là. Ensuite, nous arrivons au pourboire numéro six, je crois, qui est l'arrangement de la voix. Et maintenant nous arrivons au truc cool. Donc, si vous vérifiez, débarrassez-vous de ces sons de piano simples et allez au groupe d'harmonie complet ici où j'ai une base. Les cordes pleines acquièrent des trombones, des cordes de samba courtes et des altos courtes. Donc par arrangement vocal, je veux dire que vous pouvez organiser les voix pour chaque accord, accord complètement indépendamment sur différents instruments solo la piste basse ici prend bien sûr, soin de la ligne de base. Ensuite, j'ai les cordes pleines jouant à la fois la note de basse ici et les accords ici. Mais ça ne joue pas le cours complet. Je crois qu'il joue l'harmonie, puis les notes de base ajoutées. Et ici, vous pouvez voir tout le chant que j'ai ajouté aussi dans la note du milieu, ligne médiane là-bas. Et puis pour les acquéreurs de vache, j'ai utilisé une harmonie à deux notes des mêmes accords. Donc tu n'as pas à jouer tous les accords. Vous pouvez définir toutes les voix pour chaque instrument. Et puis les trombones jouent une autre ligne de la voix, des tribunaux. Et vous pouvez également avoir différents rythmes complètement indépendamment. Donc ils jouent de longues notes legato, mais ces cordes courtes ici jouent, pour connaître tom, n'importe quelle ligne en haut avec un Octavia ajouté de la base ici, créant ceci. Droit ? Et puis j'ai doublé cela avec des BioLogos courts jouant un modèle similaire, mais pas exactement comme ça. Donc, ils travaillent en syncopation pour créer toute cette variation indépendante. Mais ayant toujours le pum, le pompage, pompage, le pompage, la rainure du noyau de pompage là. Donc c'est l'arrangement vocal. Astuce numéro 7 est la dynamique et l'expression. C' est donc très important. Vous voulez avoir une variation dynamique ici dans les niveaux de vitesse sur les parties rythmiques. Et vous avez voulu faire du mouvement dans la dynamique, créer ce son évolutif, que j'utilise la roue mod pour ici sur les cordes, pour gonfler comme des vagues dans la nature. Bâtiment. Et puis une rampe là-haut qui crée ce beau ou ce mouvement. Et vous devriez l'utiliser pour toutes les voix. Comme vous pouvez le voir, je l'ai fait sur les chœurs et ainsi de suite. Donc ce sont les sept bandes principales. Maintenant, j'ai quelques conseils de bonus supplémentaires. Donc, d'abord, le premier conseil bonus est bas, milieu de gamme. Alors, qu'est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, dans la plupart des cas, les mélodies principales et les motifs et les mémoires, ou dans le milieu de gamme, où habituellement votre, la même gamme, une voix humaine chante dans. Dans la plupart des cas. Donc, ce que vous voudriez faire dans la plupart des cas, c'est que l'harmonie organise cela de manière à ce que vous jouiez dans le bas avec la base et peu profonde, par exemple, ou la guitare rythmique ou, et ainsi de suite à milieu de gamme. Mais note n'ont généralement pas trop de choses en cours. Comme entre C 4 et C6 ici parce que si vous gardez l'espace là, alors laissez-moi juste vous montrer ce que je veux dire. Si je prends ça ici, alors je prends la ligne supérieure. Alors disons que je prends ça aussi, je ne sais pas. Quelque chose. Comme vous pouvez l'entendre, il est beaucoup plus lumineux et plus concentré de cette façon. Mais cela, ce serait la plupart des mélodies principales importantes. Si je les emmène ici, voir si je les ai vus, je les ai déchargés. De toute façon. Je pense que vous pouvez comprendre ce que je veux dire ici. Donc, ce que vous voulez faire est de les organiser de manière à ce qu'ils jouent dans un registre inférieur. Dans la plupart des cas. Donc, c'est le pourboire bonus numéro 1. Gardez-le dans le bas à bas fait et médiums au-dessous de C4 pour la plupart, 4, si vous avez acheté ce type de fond de son pour l'hormone est entre guillemets, qui dans la plupart des cas, vous faites bonus de pointe. Astuce numéro 2 est des variations de performance. Ainsi, sur la ligne de base, vous pouvez gifler, vous pouvez utiliser des mâts muets si vous utilisez une basse électrique ou acoustique. Ou vous pouvez utiliser plus de cultures sur certaines notes, vous savez, changer. Le plus. Le meilleur exemple pour cela est où j'utilise ces chaînes courtes ici. Parce que ce que j'ai fait c'est secouer avec l'articulation. J' ai ajouté plus de photos ici et ici sur les rythmes les plus importants. Ensuite, j'utilise des photos de stock sur ces bleu clair. Et il y a, c'est en fait le mode de course pour la conférence Ashley. Utilisez-les ici. Juste pour ces épices. Donc, vérifiez cela dans le mode d'exécution qui crée ceci. Et cela nous amène à la prochaine partie de cette variation de performance. Donc les articulations. Et aussi ajouter de l'épice et se sent comme je l'ai fait ici avec l'instructeur que, que, que, que les données et les métadonnées, mais ça va pimenter là en variation, crée tellement d'intérêts supplémentaires. Et puis idéalement avec la violence aussi bien ici. Et ainsi de suite. Donc, ce sont les variations de performance, les articulations et les styles de jeu pour pimenter. Et le conseil bien-être numéro 3 est de mélanger vos accords et harmonies dans l'arrière-plan, qu'elle, une façon de le faire est de les jouer dans les gammes inférieures. Donc d'environ C4 ou là et en bas. Mais aussi jouer dans la dynamique inférieure. qui veut dire que si on vérifie ça ici, ne joue pas un homme. Si je prends tout ça jusqu'ici, disons qu'ils sont beaucoup trop élevés en dynamique. Laisse-moi voir si je veux les vérifier dans la vitesse. Je veux dire, si vous allez comme ça, il y en a deux. Donc, dans la plupart des cas, vous voulez que vos harmonies soient plus faibles, surtout sur des notes longues comme celle-ci. Enquête et trombones. Donc tu veux y aller, si on vérifie ici, c'est comme si on s'était rencontrés. Vous voulez essentiellement avoir la position la plus élevée autour de la métaphore. Oui, vers le milieu, les médias supérieurs, puis en bas. Je peux même aller plus bas si tu le voulais, amenons-le encore plus bas comme ça. Parce qu'alors ils seront plus doux. Encore une fois pour laisser de la place à vos mélodies mémoires dans les thèmes principaux et les crochets. Et d'autres façons faire cet Est dans l'aspect de la production, par exemple, sur ces cordes ici, si nous les avons vus et je charge la bibliothèque, qui est celle de flatus pleins de cordes poumons. J' ai déchargé les positions proches de Mike. Laissez-moi vous montrer la différence. Donc, les positions proches des mikes. Et j'ai effectivement utilisé solo de know comme l'articulation, qui est une articulation plus douce sur les cordes. Avant de faire ça, ça sonnera beaucoup plus concentré sur le rivage. Jouer à l'articulation de la sardine leur donne l'impression que le retrait des micros proches les pousse en arrière. Et tout à fait, cela crée ce son plus doux. Vous pouvez bien sûr utiliser des filtres et des égaliseurs pour le faire également. Le pousser dans l'arrière-plan, ce qui nous amène à la pointe de bonus finale, qui est l'aspect de production surrègle ici, j'aime utiliser. J' utilise souvent ce plug-in, mais fondamentalement vous pouvez utiliser un filtre ou une retouche pour cela et je vais le définir au réglage chaud. Comparez, par rapport à, disons que je l'utilise un brillant, qui est fondamentalement un boost d'égalisation dans la gamme supérieure. Maintenant, je veux qu'il soit plus chaud, comme ça par rapport à ça supprime ces fréquences aiguës focalisées. J' aime aussi utiliser un peu de saturation pour juste mélanger dans le mélange avec aussi certains pour le pousser sur le côté est également de donner de la place pour vos sons centrés comme les sons dans le centre, ce qui dans la plupart des cas est votre principal voix, mélodies principales, crochets, récifs, et ainsi de suite. Donc, j'utilise une stéréo, a élargie juste un peu comme 20 pour cent ou environ parce que vous l'utilisez sur le groupe complet ici, ce qui ajoute une certaine profondeur, je l'allume maintenant. Juste un peu d'espace et de profondeur pour le pousser comme ça. Et puis une compression finale. Vous pouvez probablement l'utiliser dans un nœud parallèle comme 5050 ici. Gardez-le toujours. Gardez une partie de la dynamique. Soyez prudent avec la compression sur les instruments orchestraux, d'ailleurs, afin que ce soient tous mes meilleurs conseils pour écrire des progressions de base qui sonnent étonnant. J' espère que vous allez essayer cela par vous-même et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 26. Félicitation: Félicitations à mon ami. Vous avez maintenant appris les fondements, les techniques avancées et les lignes directrices, les sons, les couleurs, les styles de jeu, et un peu de façons créatives pour façonner la ligne de l'histoire de votre musique, qui est ce que les hormones et toutes les progressions vraiment tout. Je vous recommande de prendre des mesures dès maintenant sur tout ce que vous avez appris dans ce cours, revenir en arrière et de regarder à nouveau les leçons si vous le souhaitez. Mais la chose la plus importante est que vous pratiquez tous les aspects que vous voulez vraiment maîtriser parce que rien ne vaut apprendre de faire. m'appelle Mike, et je vous souhaite beaucoup de succès dans votre voyage en musique.