Comment écrire des mélodies mémorables

1. Votre parcours en Journey la Melody: Voulez-vous devenir un maître de l'écriture et créer des mélodies mémorables et étonnantes dans la composition musicale ? Voulez-vous être capable de composer quoi que ce soit, des belles mélodies de véhicules à la levée d'énergie , choses inspirantes et aventureuses, des motifs trop puissants et puissants ? Bonjour, compositeur est Mike ici, et je vais vous emmener dans un voyage d'apprentissage et d'aventure où vous apprendrez les secrets pour créer des mélodies étonnantes et mémorables pour votre musique. Vous allez maîtriser les fondations et les lignes directrices, apprendre les sons, les styles et les couleurs, obtenir des conseils pratiques et en taille. Vous obtiendrez également beaucoup d'exemples en direct, pannes et de démonstrations, ainsi que plusieurs occasions de pratiquer ce que vous apprenez afin que vous puissiez vraiment maîtriser savoir que vous avez donné mon nom est le mien et je suis un compositeur tout comme vous. J' ai commencé à faire de la musique en 1998 et j'aime éduquer, motiver et inspirer des gens créatifs comme vous. Alors je vous demande encore, Voulez-vous devenir un maître de la mélodie dans la composition musicale ? Si votre réponse est oui, agissez et commencez votre aventure dès maintenant. 2. 5 conseils pour créer vos mélodies: Dans cette vidéo, vous apprendrez mes cinq meilleurs conseils pour créer vos propres mélodies à partir de zéro. Voici un résumé de ce que vous allez apprendre dans cette vidéo. Alors commençons tout de suite. Astuce un début avec une progression d'accord. Maintenant, si vous créez votre progression principale d'abord, cette histoire harmonique sera votre guide et votre base pour venir avec de nouvelles mélodies. Donc, certaines de mes façons préférées de le faire est soit d'utiliser un cours long soutenu qui peut par exemple, , être des cordes insolvables comme ces courts de comping rythmiques où j'aime utiliser un piano comme celui-ci , vous le faites ? Et donc vous pouvez évidemment utiliser une guitare strumming votre cours ou tout autre instrument qui est idéal pour créer réellement votre progression de cour avec. Maintenant, si nous vérifions ce petit exemple que j'ai composé ici, les cordes jouent en fait la progression de la cour comme ça, un son très doux et sombre pour cette progression de la cour. Et cela dictera, bien sûr, bien sûr,ce que fait la mélodie, ce que j'ai écrit ici. Donc, si vous commencez avec votre progression de base comme ça, vous pouvez alors commencer à enregistrer d'autres parties comme le rythme comping ah, les mélodies de tête et ainsi de suite qui va de pair avec votre scénario harmonique et créer quelque chose comme ça, Par exemple, astuce pour commencer par le rythme et la percussion. Maintenant, quand j'utilise cette méthode pour trouver de nouvelles mélodies et thèmes, j'ai tendance à combiner des rythmes percussifs avec des rythmes mélodiques. Donc, comme vous pouvez le voir ici dans mon produit, j'ai une piste qui est tout simplement percussive. Mais j'ai aussi cette piste rythmique, qui est en fait staccato cordes. Donc, si vous regardez cela, vous pouvez réellement obtenir la ligne d'égout harmonique juste à partir de ces rythmes mélodiques, vous pouvez voir qu'il commence ici sur un va à D et ainsi de suite. Donc, ces ensemble un son comme ça sur si un. Et bien sûr, une fois que vous obtenez ce bas, qui est parfois plus facile que de créer leur progression principale parce qu'il peut plus ou moins se concentrer sur le centre tonal, ce qui signifie la note racine pour le rythme et le motif arythmique. Alors cela pourrait vous guider pour créer votre nouvelle mélodie. Astuce trois Skit Your Milady utilisant sur Lee Piano piano est, à mon avis, le meilleur instrument pour esquisser de nouvelles idées avec pour votre composition musicale, que ce soit des progressions de cour, des mélodies, thèmes, rythmes, comping et quelqu'un. Donc ce que j'aime faire, c'est que j'utilise juste un très bon eso de piano pour instrument. Et puis je joue pour les militants. Je joue habituellement la basse avec ma gauche hors de là dans les vieux jours, puis la mélodie avec ma main droite en même temps. Parce que de cette façon, je reçois l'histoire harmonique assez automatiquement pour cela. Oui, prenez quatre sketchs. Humilité à l'aide d'un instrument solo. Maintenant, la raison pour laquelle les instruments solo sont si incroyables pour esquisser l'humilité est avec une qu'ils ont beaucoup plus de capacité expressive et de clarté par rapport à votre section ou dans le psaume ble et qu'ils peuvent vous inspirer par leur ton, plus froid et de caractère pour créer différents types de capacités. Donc, par exemple, si vous prenez un violon solo comme celui-ci, cela pourrait vous inspirer à créer un militant comme celui-ci. Nous devons où, comme une flûte solo peut inspirer à faire quelque chose de complètement différent. Gardez cinq chanter votre milady en utilisant riel ou des paroles absurdes. La voix humaine est donc, bien sûr, l'instrument le plus expressif au monde. Et vous pouvez l'utiliser à votre avantage en chantant réellement. J' utilise généralement des paroles absurdes comme le type latin de syllabes comme ce Tore UMA enfer, voir orteil Qari votre foie. Je viens juste au hasard avec ces syllabes quand je chante parce que l' important est le phrasé moyen et, euh, euh, le rythme, les accents et ainsi de suite. Mais bien sûr, vous pouvez aussi utiliser um, paroles rial,par exemple, par exemple, si vous écrivez quelque chose qui peut inspirer nécessaire pour créer quelque chose, hum, pour votre armée. Donc, disons que la phrase est que j'aime le son des cordes et des seins pour que mon fils aime, j'aime le son des cordes et des seins. Mais les tambours et le rythme sont bons aussi. Bien sûr, c'était des paroles absurdes dans un autre aspect. Mais vous avez la dérive ici, trouver quelque chose en utilisant votre voix pour chanter votre mélodie est un excellent moyen de commencer . Et enfin, mon astuce bonus pour créer vos militaires. Hum vos mélodies avec une totale liberté de création, sorte que cette astuce bonus se lie en fait avec des paroles chantantes. Mais si vous chantez, vous devez penser à ces syllabes et vous connaissez les paroles. Même si ce sont des paroles absurdes, je trouve que freiner mon millet est la meilleure, plus créative autoroute pour trouver de nouvelles capacités. Et je vous recommande d'essayer cette technique non pas dans votre d w, mais en fait sur votre smartphone avec un enregistrement ab un pendant que vous êtes en déplacement. Parce que dans mon expérience que ce sont les moments où vous venez avec les meilleures mélodies, thèmes, riffs et idées musicales. Donc, par exemple, juste éperonné au hasard comme ce point que je ne fais pas et les données et, euh, l'intention morte et l'a fait et le bas C'était une sorte de riff que je viens de trouver tout à l'heure. Et vous pouvez faire de même, surtout si vous êtes en déplacement et utilisez votre smartphone pour enregistrer ces idées qui apparaissent juste dans votre tête. 3. Maîtrise - Le focus de la musique: est créé à partir de quatre couleurs primaires dans lesquelles chaque instrument, son et port de vos compositions tomberont ensemble. Toutes ces importations de sons sont formées dans le mix global qui est votre composition musicale. Ces couleurs primaires sont le rythme, l'harmonie, mélodie et l'ambiance. Maintenant, bien sûr, pour chacune de ces quatre couleurs primaires de la musique, il aura plusieurs variations de cette couleur. Par exemple, avec la première couleur primaire du rythme musical, vous pouvez avoir un rythme axé sur le casting professionnel comme celui-ci. Ou vous pouvez avoir unrythme plus mélodique et concentré, rythme plus mélodique et concentré, comme un palais de base ou dans Austin Auto comme celui-ci avec une deuxième couleur primaire. Musique Harmony. Vous pouvez vous concentrer sur le cours plus lyrique et la voix menant comme ça. Donc un Oregon D'Amore Rigney Carmen, c'est comme un coming ou des patios comme ça. Vous avec la troisième couleur primaire MUSIC Millie. Tu peux recommencer Mawr. lyriques mélodieslyriqueset fluides comme celle-ci ou vous pouvez rêver ou brave faire place, les motifs, les récifs ou même les thèmes de votre musique comme celle-ci. Et avec la quatrième couleur primaire de l'ambiance musicale, vous pouvez condamner ou textures et bruits, échapper le sens et les sons de fond qui n'ont pas vraiment de point focal tonal sur cela. J' inclut également quelques effets spéciaux, comme les buissons, les risers et d'autres effets tonaux connus. Ou vous pouvez condamner ou jouer des paysages sonores et des atmosphères qui ont un centre total comme celui-ci . Maintenant, il est très important pour vous de comprendre que chaque port et son que vous héritier de votre composition sera toujours un mélange de toutes ces quatre couleurs primaires de la musique. Donc, par exemple, disons que vous écrivez une mélodie pour la musique. Eh bien, cette mélodie aura une tonalité spéciale basée sur l'instrument ou les instruments utilisés pour exécuter la mélodie, ce qui créera une ambiance plus froide. Il sera également composé d'un rythme à l'intérieur du motif mélodique, ainsi que d'avoir une certaine harmonie en raison des intervalles utilisés dans la mélodie. Donc, la couleur primaire pour votre mélodie sera, bien sûr, la couleur de la mélodie. Cependant, par exemple, vous pouvez rendre une mélodie plus rythmique, ce qui signifie plus de couleur rythmique mélangée dans ou plus Vera kal, ce qui signifie moins de concentration sur la couleur du rythme. Donc, par exemple, je peux avoir un mélange minimal de la couleur rythmique de la musique dans mes mélodies et thèmes principaux , qui signifie que cela les rendra plus lyriques comme ça, ou je peux mélanger plus de rythme dans c'est ça. qui peut ressembler à ça, par exemple. Et si je veux me concentrer plus sur l'harmonie ou moins sur le mélange d'hormones e, j'utilise juste, hum, moins d'intervalles. Fondamentalement, Onda saute moins dans mes capacités. Je peux le rendre très simpliste comme ça, d' accord, accord, juste en me concentrant sur très peu d'intervalles. Donc, où je peux le faire sauter plus avec les intervalles et le rendre plus complexe, comme et, bien sûr, l'élément de queue moelleux de la mélodie. Il sera toujours là, mais vous pouvez aussi expérimenter avec l'ambiance à l'intérieur de la mélodie et du thème en changeant d'instrumentation. Donc, nous allons nous concentrer uniquement sur le piano et les seins ici à la place ou, par exemple, pas de seins et juste des cordes hautes. Ou donnez un peu plus de graisse avec des cordes de bober et du laiton et couchez-le comme ça. Donc, comme vous pouvez le voir, tout est un mélange de toutes les couleurs primaires de la musique. Peu importe, hors corps droit, j'ai résumé le rôle fondamental de ces couleurs dans le rythme suivant. Les copains de Music Harmony, département D. Music Melody, DeMusic Melody, la mise au point de l'ambiance musicale l'ambiance de la musique. Ce cours est sur la mélodie et le thème, que j'appelle l'accent sur la musique. Vous pouvez penser à ceux-ci comme l'acteur principal d'un film ou cette belle diva chantante sur scène . Ou, comme j'aime y penser, la reine de la musique qui mérite et attire votre attention. Plus que toute autre chose, les Miller et les thèmes principaux devraient être traités comme une reine, ce qui signifie que vous devriez les mettre en lumière lorsque vous composez et produisez votre musique. Voici quelques conseils pratiques sur la façon dont vous pouvez atteindre cet objectif et mettre en lumière vos mélodies et thèmes dans vos compositions musicales montrant le respect de la reine. Donc, par là, je veux dire donner de l'espace et de l'espace dans l'arrangement vocal à votre mélodie principale . Donc, dans cet exemple, comme vous pouvez le voir, je les ai colorés en différentes couleurs. Chaque élément primaire ici. La mélodie ici est jaune, et si je l'ouvre, vous verrez que le jaune, le thème principal est ici, et au moins dans cette octave il a beaucoup d'espace romain. Il est fondamentalement seul dans ce domaine, cette gamme, et c'est extrêmement important pour la clarté et la concentration de votre mélodie principale, sonie et de votre contraste. Maintenant, il y a essentiellement deux aspects pour contrôler le bruit et les contrôles entre vos principaux motifs mélodieux et les récifs. Comparé à tous vos autres morceaux de votre composition. Le 1er 1 est la dynamique, qui est contrôlée par un niveau de vitesse sur chaque note, qui, bien sûr, bien sûr, devrait être plus élevé si vous voulez une dynamique plus élevée, ainsi que l'expression dynamique, dont de nombreux instruments. Donc, pour les instruments, vous pouvez contrôler la dynamique en programmant dans l'expression dynamique ici. Et vous voulez, dans la plupart des cas, être plus fort pour vos mélodies principales. Comparé à disons que vous êtes des harmonistes, ce qui devrait être plus en arrière-plan. Le deuxième aspect est, bien sûr, de contrôler le niveau qui est au niveau d'un instrument ou dans le mixeur ici, avec le niveau de chaque piste, instruments à anneau à l'unisson, octaves ou les harmonistes. Donc, si j'ouvre ces dossiers de mélodie, vous verrez que c'est exactement ce que j'ai fait ici. J' ai commencé avec cette mélodie principale et tendue, en couches avec du laiton à l'unisson, ton plus doux, que quelqu'un profondeur et facteurs Richards sons. Puis j'ai ajouté un autre instrument à cordes ici dessus, une octave plus haut. Donnez-lui plus de clarté dans l'air et ensuite ce piano pour donner au son initial de chaque note peu plus de netteté puisque le piano a fait plus d'une nouvelle attaque dans le son. Et j'ai mis ça une octave au-dessus de la mélodie principale aussi. Donc, de cette façon, j'ai fait l'ensemble de la mélodie principale cApps jeté dans le mix et vraiment être le point central de cette composition. Laisse-moi te montrer ça en action. Allons d'abord muet pour que je n'aie que le courant, milady. Et mettons toute la section e de l'hormone et de l'oxygène au-dessus. Et soudain, il va entrer en conflit avec une mélodie de premier plan qui est maintenant à l'intérieur des tribunaux ici. Donc, dans la voix moyenne et maintenant la reine de la musique ne sera pas vraiment une reine, donc il se perd dans le mélange. Donc, une fois de plus, déplacez ces vers le bas d'une octave afin que la mélodie principale soit plus d'une voix supérieure à l'octave ici et vous verrez qu'elle coupe vraiment dans la voix menant ici en ayant plus de place et d'espace. Comme les premiers conseils pratiques et dans ces deux meilleurs puits, les cuivres à l'unisson, le piano en octave Et maintenant nous pourrions jeter un oeil dans le mix. Ici, nous pouvons exclure l'Ambien donc nous avons ceci. La partie jaune est la mélodie principale dans les bandes de chêne, et c'est en fait une mélodie contre-mélodie, qui est beaucoup plus bas dans le mélange et plus percussive cloche comme, juste pour ajouter un peu juste. Mais maintenant toute la mélodie principale sera la Reine de la musique, leur accent sur la musique. Alors écoutons l'ensemble, - d' accord, - et vous pouvez aller encore plus loin si vous vouliez acheter en augmentant la dynamique encore plus sur certains de ces analysant la milady principale ou en l'augmentant accord, et vous pouvez aller encore plus loin si vous vouliez acheter en augmentant la dynamique encore plus sur certains ici, euh, par les niveaux ici. Ou vous pouvez aller dans et réduire la dynamique et d'autres déplacer la voix menant encore plus si vous le vouliez. Mais essentiellement, vous avez maintenant appris l'essence de la mélodie et comment le faire, mais il devrait être au centre de votre musique. Maintenant, prenez des mesures et pratiquez toutes ces directives et conseils. Vous venez d'apprendre à écrire une mélodie et un thème principal digne d'une reine dans votre prochaine composition musicale . 4. Intervalles le mouvement de votre Melody: l' histoire principale de votre musique provient des notes que vous utilisez et des intervalles que vous avez entre elles. J' appelle cela le mouvement de votre mélodie, et fondamentalement vous pouvez penser à une milady comme un sérieux intervalle harmonique, enchaîné avec un motif rythmique dans une phrase mélodique complète. notes et les intervalles que vous utilisez créeront le personnage principal de votre mélodie, et la base sera toujours l'échelle et la clé que vous avez choisies. La clé de l'échelle Temple et la signature temporelle est ce que j'appelle la langue de la musique. Celles-ci sont définies sur le niveau global de votre composition. Et même si vous pouvez moduler à une clé différente, empruntez à une autre échelle. Modifiez le tempo et même la signature temporelle. Vous aurez toujours un point de départ, la langue principale de votre composition musicale. Maintenant, après avoir défini le langage pour votre composition musicale, vous pouvez commencer à expérimenter, créant des mélodies dans ce langage même. Et chaque intervalle a une émotion différente, de l'unisson parfaite à une octave complète et même au-delà. Dans certains cas, les intervalles peuvent également aller vers le haut ou vers le bas en mouvement, sorte que votre ensemble a phrases mélodiques sera composé à partir de différents intervalles allant vers le haut ou vers le bas ou même à l'unisson, si vous rejouez la même note. C' est ce qui crée l'émotion et le mouvement cette courbe d'histoire de votre mélodie, pour ainsi dire. Donc vous pouvez jouer quelque chose comme ça sur ce waas Une forme mélodique basée sur les intervalles ces mélodies. Maintenant, permettez-moi de vous donner quelques exemples pratiques en dehors des intervalles mélodiques en action. C' est donc le thème de la force de Star Wars, et ça commence par un quatre parfait qui monte de G pour voir comme ça. Mais encore une fois, vous ne devriez jamais Onley se concentrer sur les intervalles utilisés dans une mélodie indépendamment, mais à travers cette histoire sur toute la phrase mélodique. Alors faites attention. Maintenant, comme je joue ça avec ma main droite, la mélodie principale apparaît sur la base en octaves avec ma main gauche Donc ça va quelque chose comme ça. Ok, maintenant je sais que je viens de dire que vous devriez toujours regarder toute la phrase mélodique pour les intervalles et les directions utilisés comme une chaîne entière ou sérieux d'intervalles. Cependant, il y a quelques intervalles qui sont tellement enracinés que dès que vous les entendez, surtout avec le rythme que vous réfléchissez immédiatement. Une composition musicale spécifique sur ce thème est l'une d'entre elles, qui est la Cinquième Symphonie de Beethoven. Il commence par un tiers majeur descendant puis un tiers mineur descendant. Donc, il commence par une triple répétition sur G sur, puis continue un tiers majeur vers le bas Teoh plat. Donc ça va comme ça sur la partie suivante. Le motif est de tout le monde mineur troisième en bas, trois à D. Donc, comme ce troisième majeur en bas et le troisième mineur en bas, et c'est la Cinquième Symphonie des enfants, le motif principal. Maintenant, regardons un autre exemple de Star Wars, le titre principal, qui commence par une triple répétition ou un intervalle d'unisson sur si monte un quatrième parfait, quatrième et puis de B Flat F apparaissent en octave plus haut, qui est un parfait, si parfait jusqu'à la foi parfaite que ce sont les principaux intervalles, je dirais dans le titre principal des magasins, quelque chose comme ça. Maintenant, regardons un exemple plus sombre d'intervalles en action pour créer un thème Melo Rick plus sinistre . Donc ça vient du Chevalier Noir. Je ne suis pas un héros . Les motifs de cette composition spécifique. Il tourne autour des intervalles principaux d'une seconde mineure, remontant de C sharp de puis de Ft. Donc, en seconde mineure en descendant Theun, c'est essentiellement se répéter principalement ici tandis que la ligne de base marche ici comme ça. Ok, maintenant jetons un coup d'oeil à lui, ou aventuriers et thème édifiant, qui est Indiana Jones commençant en sol majeur sur,bien sûr, bien sûr, doit se déplacer lire, faire du style de jeu pour obtenir que l'action et l'aventure. Et certains des intervalles les plus importants pour la mélodie principale est le début, bien sûr, qui va de B à C une seconde mineure, deuxième majeure ici et puis un quatrième parfait après G ici et puis au tour, vous obtiendrez un major en troisième, allant de Thio de Sharp et puis, si magasin pour voir ce qui est en fait un, euh, quatrième augmenté diminué cinquième ou comme vous pouvez l'appeler essayer. Alors regardons en action quelque chose comme ça pour la deuxième partie du thème. Mais les intervalles principaux étaient là mineurs. Deuxièmement, j' ai fait une seconde. Le troisième a empiré. Peut-être 1/3 ici sur leur ton de grève ici maintenant prendre des mesures et pratiquer tous les intervalles principaux dans la musique en les jouant d'abord, montant puis en descendant, puis en choisissant une échelle et une clé et commencer à expérimenter en créant différents mélodies qui se concentrent sur un intervalle spécifique et un mouvement. 5. Rhythm - The Groove de votre mélange: rythme est le deuxième ingrédient principal de vos mélodies et thèmes après la chaîne hors intervalles des années. Rythme dans les mélodies et les thèmes a plusieurs aspects, que j'ai catégorisé comme suit point de départ de synchronisation dans la grille pour chaque longueur de note, la longueur de note pour chaque note dans la mélodie Silence le temps et l'air entre les notes et le tempo, qui est décidé par le BPM actuel. En plus de ces quatre aspects principaux qui sont utilisés pour créer la rainure de votre mélodie, vous devez également prendre en compte la base de base du rythme et de la rainure dans votre composition, qui est décidée par la signature temporelle. Ainsi, par exemple, un 44 motif droit comme celui-ci ou une rainure triplée qui affectera tous les autres aspects lors de la création du groupe d'humilité ? Je vais donc maintenant démontrer cela ainsi que tous ces quatre éléments principaux. Donc, par exemple, timing Si je joue ah droit pour quatre motifs comme ce timing, le point de départ de chaque note dans la mélodie est le premier aspect de la façon de groupe. Ensuite, vous avez la longueur du nœud afin que vous puissiez basculer entre les notes plus courtes et les notes plus longues. En outre, le silence entre les notes crée également un motif dans la rainure. , Bien sûr, le temple. Donc, nous allons augmenter le temple pour créer une action plus orientée Milady était due en D. Alors laissez-moi vous donner quelques exemples pratiques. Je commencerai par la signature de l'heure. 34 J'utiliserai un temple lent, et j'utiliserai principalement des notes longues, avec quelques notes de Cata les plus courtes entre les deux et même un peu de silence pour l'effet. Quelque chose comme ça. Par exemple, faisons un autre exemple, et cette fois je vais utiliser 6/8 comme une signature temporelle High Temple et mawr Shorter sait pour une action plus rythmique sensation sur pas autant de silence. Donc quelque chose comme ça. Par exemple, dans ce prochain exemple, j'utiliserai quatre Forrest, le temps sénateur. Un tempo plus lent, essentiellement pas de silence entre les notes et se concentrer sur des notes plus longues et un style de jeu lyrique et une mélodie à base harmonique. Quelque chose comme ça, par exemple, maintenant prendre l'action et pratiquer les aspects rythmiques hors mélodie sur votre clavier ou piano vraiment avoir une idée de la rainure à l'intérieur de votre mélodie. Puis une fois que vous entrez dans le flux. Introduisez l'aspect intervalle et vous avez les deux ingrédients principaux des mélodies pour façonner l'histoire. Vos phrases mélodiques avec vous pouvez en fait supprimer les intervalles de toute mélodie célèbre et motif. Et sur Li, écoutez les aspects rythmiques de celui-ci. Faisons ça maintenant comme un exercice. Alors commençons sans dents de la Cinquième Symphonie de Beethoven, ce qui est maintenant si on ne joue qu'avec une seule note. Ou peut-être des octaves comme ça et Onley se concentrent sur leur groove, l'aspect rythmique de la capacité, ça peut sembler quelque chose comme ça. Maintenant, faisons un autre exemple, mais je vais fuir. Mettez la perspective et voyons si vous pouvez comprendre quel motif c'est quand je ne joue que dans des octaves comme ça, est-ce pas ? Ayez une supposition. C' est le thème. C' était la Marche Impériale ou le thème de Dorthe Vader de Star Wars, non ? Alors faisons un autre exemple. Ah, Pirates des Caraïbes. C' est un motif très rythmique, alors essayons-le bien. Alors faisons cela, et je vous recommande d'utiliser la note racine de la composition lorsque vous faites ces exercices . D en l'espèce et cet exercice. Vous devriez le faire sur divers motifs et riffs et mélodies de tête juste pour vous assurer former vos instincts quand il s'agit de la rainure, l'aspect rythmique de votre mélodie sans penser aux intervalles et harmonies et tels que vous utiliseriez. Et maintenant, c'est à vous de prendre des mesures et de faire ces exercices. Je trouve que l'utilisation d'instruments qui a illimité, soutenu lorsque vous tenez la note, puis coupé immédiatement lorsque vous relâchez, c'est le meilleur son à utiliser pour cette activité de pratique. Alors écoutez simplement n'importe quelle mélodie que vous aimez. Faites une pause et essayez immédiatement d'imiter la mélodie Onley en utilisant une seule touche de votre clavier parce que votre objectif est de pratiquer les aspects rythmiques de cette mélodie. 6. Toile - L'équilibre de votre mélo: l' équilibre de votre mélodie est basé sur la plage de notes que vous utilisez pour elle ainsi que sur l' équilibre de fréquence global, ce qui signifie la plage de notes de votre mélodie, où cette plage est placée dans la toile de notes pour la musique ainsi que la fréquence pour les instruments jouant votre mélodie. Par exemple, disons que votre phrase mélodique a une gamme totale de 12 demi-tons, ce qui est une octave parfaite par gamme. Je veux dire l'intervalle entre la note la plus basse de votre mélodie et la plus haute. Ensuite, bien sûr, vous devez faire jouer cette gamme quelque part dans la toile de la musique. Toutes ces octaves que vous avez en votre pouvoir en tant que compositeur. La portée inférieure de cette toile d'octave aura un son plus puissant, profond et chaud pour toutes les mélodies que vous y jouez. Le milieu de gamme aura le plus d'attention, puisque ce sont les fréquences auxquelles nos oreilles répondent le plus, et la gamme la plus élevée sonnera plus fragile, aérée et mince. Permettez-moi maintenant de vous donner quelques exemples pratiques hors portée et d'équilibre dans la toile de la musique pour façonner le ton de votre mélodie et de vos thèmes. dork, toile chaude droite focalisée toile et toile brillante. Très bien, donc c'est l'aspect principal de l'équilibre de votre mélodie, où dans la toile de musique vous la placez, l'autre est la gamme de votre phrase mélodique entière. Prenons donc un exemple pratique les pirates du thème des Caraïbes. Ça va quelque chose comme ça à partir d'un c en dessous du milieu ici. Alors regardons la gamme de la première partie de ce motif. Oh, ok, donc c'était deux réputations et ça est passé de deux. La note la plus élevée étant jean signifiant la portée de ce port. La mélodie yeux un mineur sept. Continuons avec le tour de la deuxième partie, Theo comme ça. Et là, nous sommes montés, en fait pour être gros. Donc, nous passons d'une note à la plus haute dans cette phrase mélodique entière est une chair B. C' est en fait plus 1/2 étape ou mineure. Deuxièmement, il s'agit de toute la gamme de ce thème particulier. Maintenant, agissez et pratiquez, créant des mélodies de portée différente et dans différents ports hors de la toile de la musique et remarquez à quel point cela a un impact incroyable sur le caractère et l'émotion de vos phrases Miller Dick . Quels que soient les intervalles et les rythmes utilisés pour cela 7. Son - Le ton de votre mélo: vos mélodies et thèmes seront, bien sûr, fortement influencés par les instruments et les sons utilisés pour les jouer. Chaque instrument a son propre caractère fondamental ou son propre ton, comme je l'appelle. Vous pouvez également avoir un instrument d'âme, un petit ensemble ou une grande section jouant la mélodie, ce qui créera un ton global différent. Permettez-moi de vous faire part de certains des aspects les plus importants des instruments et des sons que vous devriez prendre en compte lors de l'écriture de vos mélodies, la famille d'instruments, par exemple. Cordes ou étonnant pour les mélodies émotionnelles, expressives et lyriques comme celle-ci, en concentrant votre milady sur la poitrine peut lui donner un plus puissant et même des sons nobles. Quelque chose comme ça, par exemple, et se concentrer sur les bois peut donner votre mélodie et plus léger et doux corrigé ou quelque chose comme ça. Ces dimensions de section. Alors écoutez la différence de qualité de tonalité entre ces exemples, en commençant par un violon solo qui continue avec six violences, plus de taille de chambre ou un peu plus grande sur 12 violences, ce qui est, bien sûr, même lusher. Les instruments de mixage, par exemple, cordes et la poitrine dans la gamme comme celle-ci donnera une puissance immense, et pourriez-vous combiner Horvath et piano pour un son relight et pincé avec la qualité aérée qu'elle berry comme ceci, ou peut-être en combinant une petite section à cordes avec des vents forts pour un personnage très léger et torturé comme celui-ci, la superposition des voix. Donc si je ne joue qu'un seul instrument comme celui-ci, c'est six Silence, Théo. Je peux choisir de le superposer dans Jenison avec, par exemple, flûtes comme ceci. Ou disons que j'ai sorti cette flûte en chêne Change. Laisse-moi juste changer ça. Et maintenant, il va obtenir un son complètement ah différent comme ça. Et bien sûr, il peut continuer à empiler vos instruments pour jouer dans votre mélodie principale. Maintenant, j'ai des cordes principales, des violes en solo, des cornes de pluie, des trompettes, trompettes, nourriture de clarinette et du piccolo à l'unisson, et d'autres en octaves, comme les bois et le solo violon, et l'emporter. Donc, il joue quelque chose comme ça. Ensuite, vous pouvez, bien sûr, à une couche étant une harmonie sur le dessus de votre mélodie principale. Donc, si votre repas principal est, vous pouvez jouer une autre voix avec un autre instrument. Quelque chose comme ça. Façonner le ton et le caractère de vos mélodies et thèmes avec les sons et les instruments est une partie très importante de vos compétences en composition, et Croft a utilisé ces directives que vous venez d'apprendre comme point de départ à droite Melo Rick sur piano, par exemple, puis l'utiliser de plusieurs façons différentes en changeant les sons de l'instrument, tailles de section, mélange d'instruments et la superposition de voix. 8. Style - Le personnage de votre mélo: maintenant c'est un mantra que j'enseigne qui a un impact profond sur tout ce que vous faites dans la composition musicale . La façon dont vous jouez les notes est plus importante que ce que vous savez jouer, car c'est ainsi que vous façonnez le personnage fondamental de vos mélodies. Cela signifie les styles de jeu et les techniques de performance, Juifs dans vos phrases mélodiques et sur chaque instrument qui joue la mélodie et le thème principal. Permettez-moi maintenant de vous donner quelques exemples pratiques de la façon dont vous pouvez façonner le style et le caractère vos performances mélodiques. Style de jeu principal. Par exemple, le style de jeu principal de votre milady peut être lyrique comme ceci. Ça peut être plus rythmique comme ça. Ou vous pouvez opter pour un mélange entre les deux. Quelque chose comme cette articulations afin que vous puissiez aller pour une plus soutenue sait pour vous mélodie comme celle-ci, vous pouvez aller de ou plus articulation culturelle comme celle-ci. Nous nous concentrons davantage sur les articulations courtes comme le staccato et collé un témoignage, ou même parler Otto pour un type plus rythmique. Mélodie comme cette transitions de sorte que vous pouvez avoir ah notes soutenues, mais sans transition entre eux essentiellement ajouter le silence entre les notes, quelque chose comme ça Ou vous pouvez connecter le nez avec le flux lisse en utilisant Agata malade articulations comme ça. Ou vous pouvez étendre ce pas de transition dans un beau, plus porter mental comme celui-ci sur peu profond. Ah, bien sûr, ces transitions plus longues que vous devriez utiliser avec soin dans votre phrase mélodique, je vais maintenant jouer quelque chose et j'utiliserai un mélange entre le Goto et Port Aumento comme ça euh, en ajoutant accents dans votre phrase mélodique. Donc, la principale façon d'ajouter des accents dans vos phrases mélodiques, bien sûr, avec quelque chose de dynamique comme ça, bien sûr, j'ai exagéré est là juste pour la démonstration. Le suivant est d'ajouter des notes plus longues est en fait un peu d'accent si l'environnement sait ou plus court ou quelque chose comme. Et bien sûr, vous pouvez utiliser des articulations qui ont un accent aigu comme les orteils Marco pour Soto coincé ou quoi que ce soit pour donner cette note particulière dans votre phrase mélodique, un accent plus fort. Maintenant, agissez. Commencez par créer une idée mélodique sur votre clavier que de retirer cette idée et de façonner le style et le caractère général de la mélodie en utilisant un mélange de styles de jeu, articulations, transitions et de notes parfumées ex. Dans la phrase mélodique, vous verrez que vous avez des options illimitées de façonner n'importe quelle idée mélodique en variationsinfinies variations 9. Expression - L'émotion de votre Melody: comme le style de votre mélodie. L' expression que vous mettez dans chaque note de la performance est beaucoup plus importante pour le résultat émotionnel que les notes que vous jouez. Le style de jeu et l'expression vont de pair et crée la façon dont j'enseigne toujours est la chose la plus importante dans la musique quand on considère l'émotion finale, l' expression et l'humeur. Maintenant, laissez-moi vous donner les meilleurs moyens pratiques, de façonner l'expression. Vos mélodies et thèmes façonnent la dynamique. Donc, la principale façon de façonner la dynamique de vos performances mélodiques est la variation dynamique de note , c'est-à-dire la dynamique initiale de chaque note et qui est déterminée par la valeur de vitesse par note ici en Midi. Donc, si j'ouvre la vitesse de la note, vous pouvez le voir décrit ici, mais il consulte aussi voir dans les couleurs ici afin que vous puissiez réellement ajouter les notes les plus fortes dans votre phrase mélodique comme vitesse plus élevée que vous pouvez voir par ces valeurs rouges. Bien sûr, j'ai exagéré cela juste à des fins de démonstration, mais c'est comme ça que ça sonne. Respirez la variation dynamique et les accents dynamiques comme celui-ci une seconde ici, vous pouvez clairement entendre où se trouvent les notes fortes dans la phrase militaire. Et aussi vous obtenez ces variations sur les villas de développement Comparatif. Si je mets juste tout le même, ce sera juste un plan dynamique tout au long de la séquence, ce qui est, bien sûr, beaucoup plus ennuyeux parce que vous n'obtenez pas cette variation. L' autre aspect de la dynamique de vos performances est, bien sûr, dynamique au fil du temps pour la partie soutenante des sons. Donc, nous allons le démontrer en jouant des cordes maintenant. Donc, si je joue juste quelque chose comme ça sans changer la dynamique du tout, ce sera juste une dynamique statique. Même si vous obtenez la partie émotionnelle des cordes, ils deviendront beaucoup mawr émotionnel et expressif si vous changez la dynamique au fil du temps. Donc, j'ai effectivement programmé ce fader, et vous pouvez faire avec votre modulation bien, dans la plupart des cas sur votre clavier multimédia pour enregistrer une performance avec cette courbe dynamique au fil temps. Laissez-moi vous montrer ceci, et je vais en faire trop à des fins de démonstration à nouveau. Donc c'est essentiellement le avec les joueurs de cordes combien de force ils mettent quand ils bol avec cordes qui vont augmenter le niveau dynamique et que vous pouvez contrôler au fil du temps sur de nombreux instruments, tels que cordes, cuivres et bois. Demandez à l'opposé du piano, par exemple, où vous pouvez Onley contrôler la variation dynamique de note lors de l'attaque initiale de chaque note. Alors faites attention à quel type d'instrument utiliser et utiliser la dynamique au fil du temps, créant des courbes. Si vous avez le contrôle sur la dynamique de la partie de soutien du son comme ça, vous pouvez même voir la grande différence si vous regardez les formes d'onde pour ces deux performances. Et, bien sûr, le top ici est là où j'ai fondu. Utilisez n'importe quelle expression dynamique au fil du temps. C' est donc à quel point la différence est claire avec le scénario expressif avec une courbe de dynamique au fil du temps. Façonner le terrain Donc nous avons apporté une note de soutien est une façon incroyable d'ADM, ou d'émotion dans vos performances moelleuses. Maintenant, avec divers instruments logiciels, vous pouvez avoir différents types de contrôle, et certains n'ont aucun contrôle sur le plus large. Mais disons que vous avez une flûte comme celle-là sans qu'on vous apporte. Je peux juste façonner la dynamique, courbe, la forme, l'intensité sonore. Mais si j'ajoute la dimension suivante à l'étranger afin que je puisse ajouter, est plus fort ou plus doux ou Novi plus large. Donc, si j'utilise le curseur ici, soit mappé au plus large. Aucun vibrato n'était, et plus je l'augmente, plus l'annonce ah plus forte chaque l'a amenée à la note. Donc, vous pouvez façonner la performance avec les deux dynamiques et être amené à comme ça. Ainsi, la dynamique est essentiellement utilisée pour façonner la courbe sonore et d'intensité de vos performances mélodiques , tandis que l'amenée à peut façonner la courbe expressive et émotionnelle. Maintenant, tous les instruments ne peuvent pas faire le piano plus large. Par exemple, le cheval ne peut pas, mais les cordes, cuivres et les bois peuvent dans l'orchestre ainsi que, par exemple , la guitare électrique et acoustique, où l'on en fait apporter par flexion la corde avec votre doigt pour créer cela vers le haut et vers le bas être amené à dans la hauteur. Une chose que je veux nous donner un conseil pour utiliser le plus large est que c'est la flûte solo. Le plus large sera toujours plus clair et plus ciblé avec les instruments solo. Les instruments Mawr utilisés dans cette section, moins vous entendrez réellement que plus il sera large, ils s'estomperont les uns dans les autres sur une corde de 30 cordes de violon. Vous fondamentalement, je ne vais pas entendre le Gibraltar aussi bien Ah, ou du tout. Malgré cela, je recommande d'utiliser l'accent plus large publié sur les instruments solo ou peut-être les sections de petite taille de chambre. Maintenant, un autre grand pari que l'expression dans vos mélodies avec le pitch est de faire une sorte de Ben ou même plus glisse Donc vous pouvez le faire, par exemple, avec votre pitch bend. Il ne semble pas aussi naturel qu'un vrai virage ou glisse avec un instrument acoustique. Mais par exemple, si vous avez des chaînes comme celle-ci, vous pouvez utiliser la hauteur. Passez deux de bandits simples haut et puis vers le bas à nouveau, ou vice versa, ou même peut-être plier dans les notes de commencer par un lanceur ici et puis aller sur Si vous vous souvenez du bon vieux T H X logo type son qui va de la haute arrangé et la gamme basse qui est fondamentalement un lanceur dans les deux directions qui se rencontrent. Si longue glisse. Mais si vous l'avez pour des instruments qui ont réellement enregistré Ben comme des articulations, cela sonnera encore mieux. Ziff, je viens juste d'évoquer ce son de cuivres ici, et je joue la même note ici. A. Il se penchera 1/2 pas. Tu entends ça ? Plein à la fin, en pliant le pas. Eso Cela dépend de vous-même pour les instruments, mais Ben, par exemple, guitare acoustique électrique il. L' Oregon peut se plier en une note ou s'amuser et descendre à nouveau, comme je vous l'ai montré avec les ficelles ici. Et cela peut aussi être un excellent moyen d'ajouter un peu d'éclat dans certaines notes particulières pendant toute votre phrase mélodique. Façonner la rainure maintenant les principales façons de façonner la rainure de vos performances mélodiques avec le temple actuel changeant au fil du temps. Ce qui signifie que votre BPM entier a en fait une courbe. Ah, pour votre composition et aussi le timing off des notes sur DA et un autre conseil supplémentaire est ajouter des notes de grâce rapides ou de petits détails comme une sorte de remplir la performance. Donc si je joue quelque chose ici au piano, tu verras ce que je veux dire. Donc façonner la performance, la rainure avec tempo pourrait être quelque chose comme ça. Donc, comme vous l'avez entendu, j'ai commencé plus lentement que je l'ai accéléré avec un tempo de type performance, puis je l'ai ralenti à nouveau. Le timing ainsi que vous pouvez avoir. Donc, comme vous avez entendu l'air de la base, est venu sur la plage tandis que la mélodie était légèrement à la traîne derrière ou traînant. Donc, se précipiter ou glisser sur certaines notes peut vraiment façonner la rainure aussi bien. Hum, donc c'est le timing. Que les notes de Grace pourraient être quelque chose comme, euh, vous avez entendu ces petites séquences rapides. Hum, donc fondamentalement, vous avez toujours les notes fortes de la mélodie va ajouter ces quelque chose comme ça. Ce sont donc les trois principales façons, le tempo qui fait une courbe aussi. Comme je le dis toujours, l'expression, expression et la musique émotionnelle sont toutes basées sur les courbes, mouvement et l'émotion, comme une montagne russe qui est plus excitante qu'une voie de train droite. Maintenant, prenez une action stockée en créant une phrase mélodique simple. Ensuite, utilisez ces méthodes pratiques pour ajouter de l'expression à votre thème et façonner l'émotion dans le résultat final que vous recherchez. Je vous recommande de prendre la même mélodie et d'utiliser le pouvoir d'expression pour en créer plusieurs variations. De cette façon, vous entraînerez vos oreilles et votre instinct du compositeur pour vous concentrer davantage sur la façon dont vous jouez ces mélodies parce que vous voulez vraiment devenir un maître de l'émotion et de l'expression lorsque écrivez des mélodies, motifs et des thèmes pour votre musique compositions. 10. Counter Melody - The Sidekick à votre mélange: le millet de comptoir est en cours d'utilisation. Il peut être étonnamment efficace pour ajouter une variation d'intérêt mawr et créer un thème global plus riche . Mais non seulement cela, une contre-mélodie peut même compléter la mélodie principale simplement en dansant autour d'elle, comme des danseurs de soutien pour un leader, plus denses ou de fond pour un chant principal. Pensez-y, la présence d'un acolyte, mais ajoute une autre dimension et perspective au projecteur principal et au centre. Focus est utilisé partout dans toutes sortes de contes, dans les livres, dans les films sérieux et les jeux, par exemple, cet homme avec son acolyte Robin ou Sherlock Holmes avec son acolyte, Watson. Et pensez à tous les méchants tout au long de l'histoire hors divertissement. Il est super commun qu'ils ont un acolyte parce qu'il ajoute de la dynamique à l'histoire en donnant aux personnages principaux quelqu'un avec qui interagir. Reprenez donc ce concept à la musique. Maintenant, je pense à la mélodie de la contre-mélodie comme l'acolyte qui crée une expérience plus riche pour le thème principal de votre musique, tandis que la principale milady est toujours l'accent. Maintenant, permettez-moi de vous donner quelques exemples pratiques à considérer pour les contre-militants et leur indirection avec votre chef milady cool et réponse. La technique cool et de réponse est vraiment efficace. C' est quand vous divisez votre entier une phrase mélodique en sections comme une question et un port de réponse, puis vous les jouez avec les différents instruments et couches d'instruments. Donc, comme vous pouvez le voir ici, j'ai les principaux instruments Melo Dick étant des seins soutenus par des cordes. Et si j'ouvre ici, tu peux le voir. Il joue des octaves de seins et de cordes, qui sonne comme ça. C' est la question, et puis elle. Je donne la réponse à cette phrase mélodique. La mélodie de la contre-mélodie, qui est fondamentalement la même mentalité engouement mais joué comme vous le voyez ici par d'autres instruments . Ainsi flûtes, basson et piano prend le relais et place la deuxième partie. Et si je les vérifie ensemble, j'ai même utilisé des couleurs différentes. Vous pouvez le voir clairement ici, la question et la réponse. Alors c'est écouter nous-mêmes. Et cela, bien sûr, est encore plus efficace lorsque vous avez des couleurs de tonalité et des sons différents pour ceux-ci. Donc, cela est axé sur les seins avec le soutien des cordes sur. Ceci est plus axé sur les instruments à vent, avec un certain soutien du piano qui fait la question et également se démarquer par eux-mêmes par les différences de tonalité, de qualité et de mise au point de changement de nombre pendant le repos. Donc, le but principal de cette technique est d'avoir la contre-mélodie brillance lorsque le principal militaire les instruments principaux, jouer le thème ou se reposer ou jouer de longues notes. Donc, si vous allez dans le rouleau de piano et regardez ici, les mélodies principales jouées en octaves ici, marquées dans Jell O et la chaise orange est le plaidoyer contre mélodie. Ah, souvent plus haut, presque si vous voyez ici le plus d'action, pour ainsi dire, dans la milady leader, c' est-à-dire plus ou moins lorsque la capacité de compteur est silencieuse et sur ces notes plus longues sur le la mélodie principale que c'est quand la mélodie de la contre-mélodie prend le dessus. Il faut une partie de cette lumière de bateau, alors écoutons comment cela sonne en action afin que vous puissiez avoir ces techniques de prise vice versa aussi. Donc, par exemple, ici je laisse une longue note sur la mélodie de sorte qu'à cause de quand vous avez de longues notes , elles ne prennent pas autant l'attention de l'auditeur. Et puis la mélodie principale n'a pas l'air plus ici, donc ce tiki va dans les deux sens, longues notes. Ou, bien sûr, si ce devrait être le silence ici. Mais quand vous le faites comme ça, il devient plus d'une réponse froide à coup de pied ajouter de la variation dans le style de jeu. Ainsi, il peut également aider à différencier votre mélodie principale avec vos mélodies de contre-mélodies en utilisant différents styles de jeu. Par exemple, avoir dans une mélodie principale b'plus longues notes et lyriques comme ce Theun ayant votre contre-mélodie étant plus rigide, qui rend des styles de jeu de notes courtes et des articulations de notes courtes comme ceci. Donc, quand je joue ensemble, ils vont séparer plus clairement ajouter de la variation dans le ton et la couleur. J' espère que vous avez commencé à apprendre maintenant que la séparation est vraiment importante entre votre mélodie principale, les instruments qui les jouent et la contre-mélodie. Donc, la première façon de les séparer est, bien sûr, avec l'utilisation des instruments et aussi avec une couleur de ton. Donc, la superposition de l'instrument et la dynamique d'intensité et donc un et enfin gamme , bien sûr, où ceux ou joue Donc ici la mélodie principale est joué par les cordes principales une octave au-dessus d'Inish section plus petite puis cuivres dans Jenison, les mélodies contre jouées par Flûte Pickle flûte au nord de au-dessus Angela Asst So plus léger son. Et si nous allons dans le rouleau de piano, nous pouvons voir que, bien sûr, la dynamique de différents ici. Mais le plus important ici, les mélodies principales jouant dans les octaves Onda, la mélodie de la contre-mélodie joue fondamentalement une gamme plus élevée ici, et cela signifie qu'ils sont des factures séparées, sens de la portée dans instrumentation et en couleur de ton parce que hors de l'intensité hors dynamique ici étant plus forte dans la mélodie principale. Donc, si nous écoutons cela dans son contexte maintenant, vous l'aurez vraiment entendu et laissez-moi simplement, euh, en fait, soulever sur les écrans. Vous pouvez vous voir comme ils jouent maintenant prendre la pratique d'action en créant un compteur, milady qui prend en charge un caractère et une perspective ajoutée à votre mélodie principale. Assurez-vous que la mélodie principale reste l'objectif général, même si la mélodie de la contre-mélodie peut avoir quelques instants ici et là sous les projecteurs sur la phrase complète de votre thème principal. Alors allez-y et entraînez-vous à ajouter un acolyte à vos mélodies mélodies mélodiques 11. Les sons pour les mélodies: maintenant, dans cette vidéo, nous allons explorer les sons et les instruments. Vous pouvez utiliser quatre mélodies. Bien sûr, il y a beaucoup de choix, mais je vais passer en revue quelques-uns des principaux que j'utilise, et je vous recommande de commencer aussi. Commençons donc par l'instrument le plus fondamental de tous. Le piano, maintenant un piano pour les mélodies, peut le créer ou un son doux mais toujours concentré parce que vous avez l'attaque initiale de chaque note, ce qui rend la mélodie plus concentrée. Mais vous avez aussi ce son doux des cordes résonantes afin que vous puissiez créer des moelleux comme ces cordes. Donc, en dehors de la voix humaine fléchi instruments à cordes comme les violons et les peu profondes et quelqu'un ou les instruments les plus expressifs dans l'existence. Donc, bien sûr, ils sont parfaits pour les mélodies. Et ils peuvent aller n'importe quoi de super luxuriante comme une grosse corde ah en samba comme celle-ci, qui, comme vous pouvez l'entendre, ont un son très luxuriant, chaud et grand. Parce que c'est un exemple de toutes les cordes orchestrales ici. Maintenant, la prochaine que nous pouvons faire est une section de violon seule, qui, qui, bien sûr, vous donnera un son plus concentré mais toujours luxuriant, selon la taille de la section. Par exemple, il s'agit d'une grande section ou de violons. Ensuite, on peut aller dans une section de violon plus petite. Il s'agit de six violences dans une section de la taille d'une chambre. la section est petite, plus l'expressivité et la mise au point de la mélodie deviendront claires, et cela nous amène naturellement au violon solo pour vos mélodies. Et bien sûr, n'importe quel instrument solo aura toujours le plus d'expressivité et de clarté émotionnelle. Voici donc des instruments de seins de violon solo pour vos mélodies. Ainsi, la famille d'instruments mammaires a une vaste gamme tonale pour les sons, ce qui signifie que le caractère sonore change beaucoup de la dynamique inférieure à la dynamique supérieure , sorte que vous pouvez passer de sons chauds et audacieux. Si vous êtes par exemple, jouez des cornes dans le milieu de gamme ou juste en dessous. Par exemple, laissez-moi jouer quelque chose comme ça sur Horns sont généralement l'un des instruments les plus utilisés pour, ah, ah, mélodieux dans la musique cinématographique parce qu'il a ce chaud, audacieux sur da, caractère presque noble dans le son. Mais vous pouvez également aller à la rive par et des paramètres plus lumineux avec une dynamique plus élevée, qui même la corne peut Ah vous aimez cela ? Si sur le FF le plus élevé, si vous êtes assis sur encore plus si vous utilisez des articulations d'attaque mawr comme auto sport, par exemple, comme ceci. Et bien sûr, si vous allez à des instruments plus élevés comme des trompettes sur les embauches, dynamiques comme ce thème. Et bien sûr, la même règle s'applique aux cuivres. Quant à l'instrument à cordes, ce qui signifie que plus la section que vous avez utilisée pour vos mélodies, plus le son final deviendra luxuriant et puissant. Mais si vous allez dans l'autre direction,par exemple,à par exemple, sections plus petites ou même à la trompette solo ou à la corne solaire, vous obtiendrez l'expressivité et l'émotion concentrées mawr dans le son. Permettez-moi donc de le démontrer brièvement en jouant un trombone solo. Mais tu parles comme ça. Et comparons cela à un gros seins en samba, qui, bien sûr, bien sûr, sonnera mawr puissant et luxuriant. Le ah, mais n'a pas cette clarté dans l'expression que vous obtenez d'un instrument solo bois vents pour vos mélodies. Donc, à mon avis, bois ont le son le plus doux et le plus intime et léger sur les instruments d'orchestre , au moins pour que vous puissiez jouer des choses comme, et en fait ma recommandation. Il y avait au moins ce que j'utilise moi-même, c'est pour diriger des mélodies sur les bois. Je vais généralement toujours pour des solos de flûte solo ou clarinette solo hautbois, parce qu'il peut obtenir un tel étonnant le plus large et l'expression des instruments solo Sheiman Instruments pour vos mélodies. Qu' est-ce que je veux dire par « Shimmer » ? Eh bien, je fais référence à ces lumières délicates signifiant Maurin, les instruments de type plus mince et presque aéré et souvent très léger, par exemple, cordes pincées comme Corp. je fais référence à ces lumières délicates signifiant Maurin, les instruments de type plus mince et presque aéré et souvent très léger,par exemple,descordes pincées comme Corp. les plaques pourraient aussi par exemple, être,par exemple,des cordes pizzicato ou même des cordes de guitare pincées. Vous obtenez ce concentré, net em et la lumière attaquant le son tandis que vous pouvez réguler la quantité de sustain que vous obtenez. Donc, par exemple, avec la harpe, ne soyez pas aussi soutenu qu'avec une guitare parce que vous avez le corps résident là-bas. D' autres types de sprints chatoyants peuvent être des instruments Mellott comme marine, mais, par exemple, et vous pouvez également utiliser différents types hors facture comme des instruments. Ainsi, par exemple, un projet de loi comme celui-ci, ou même glockenspiel et d'autres types sur les instruments qui ont ce caractère de type cloche résident chatoyant . Et ceux-ci peuvent être génial pour ajouter cette sensation timide à votre mélodie semble si. Voir décisif est gentil, bien sûr, couvrir toute la gamme de tonalité et de caractère pour vous-mêmes. Mais pour les instruments de plomb, il y a essentiellement ce que je considère le motif ou les scènes de type récif comme ce thème comme ça, ou le modèle de Nick. Des instruments de type plomb comme cette chose ou des sons de chant sales et déformés, qui sont plus pour des motifs mélodiques et des riffs durs comme celui-ci. Et enfin, bien sûr, un hybride A mix off couches ou instruments pour jouer vos mélodies, qui dans la plupart des cas est ce que vous allez faire et entendre vos options ou sur limité. Ainsi, par exemple, si vous prenez un piano avec une flûte, vous pouvez obtenir ce genre de son. La lumière du cœur et les vibrations délicates des bois avec la clarté focalisée de l' attaque au piano ou dans une section violon. Par exemple, un violon de la taille d'une chambre combiné avec des instruments scintillants et quelques grèves et malice ici, qui obtient l'expressivité émotionnelle de ces victoires viles avec la netteté et l' air ajoutés de la instruments chatoyants et attaque des maladies ici. Ou peut-être des plaques légères d'un cheval avec un piano et peut-être même cor solo en plus de ça. Maintenant, il est temps pour vous d'agir et de pratiquer, créer vos propres mélodies, en utilisant différents types hors instruments et aussi la taille des sections réelles. Ou, par exemple, une grande samba Lushan. Est-ce qu'une petite section de taille de chambre ou un instrument solo, ainsi que enfin expérimenter avec le port le plus amusant, qui est de créer un mélange hybride à Vii, er, plusieurs instruments jouant votre mélodie principale dans unisson et ou bandes de chêne et l' harmonie. 12. Le pouvoir d'une piste de croquis: Maintenant, dans cette vidéo, vous allez apprendre à utiliser la puissance d'une masse à travers des sketches, suivre pour trouver de nouvelles idées et écrire des mélodies, motifs et des thèmes pour votre composition musicale. Permettez-moi d'abord d'expliquer pourquoi utiliser une piste de sketches de maître est si puissante lorsque vous expérimentez et essayez diverses mélodies, motifs et thèmes pour votre composition musicale. Il est tout simplement parce que la mise hors tension de la gamme d'articulation de style de jeu de caractère sonore et déplacé. C' est incroyable. Donc, ce que je lui recommande de faire est de créer d'abord un dossier en haut de votre séquenceur. Après cela, vous faites simplement glisser des instruments dedans parce que vous allez les jouer en groupe comme un mix hybride et hors parcours. Quel genre de mélodie, quel genre de style et d'humeur vous voulez créer dictera quels instruments vous placez ici si personnellement, je commence toujours avec un piano classique comme l'une des couches. Ensuite, j'ai déjà créé des instruments ici, que je vais faire glisser. Donc c'est ma banque d'instruments. Donc, disons que je veux ajouter un peu le tout ou pair pour le personnage maudit. Et disons aussi un chat de violon, certains expressifs ou même faire un violon solo. Prenons un chèque ici. Oui, il y a un solo dedans. Maintenant, j'ai un cheval de piano et un violon solo. Non, je vais les jouer. Ah, dans un mélange hybride comme celui-ci et ce que vous pouvez faire aussi bien ISS composer dans le mélange réel d'eux avec les niveaux ici. Si votre DW ne prend pas en charge un groupe jouant une piste de groupe comme celle-ci, vous devez enregistrer activer tout le monde pour pouvoir les lire. Oh, comme ça. Et ce que vous pouvez également faire est en fait d'entrer et de définir vos modulations individuelles et l'automatisation. Ainsi, lorsque vous les jouez, vous pouvez effectuer les différentes données d'expression, ce qui aura également un impact énorme sur le son. droite ? C' est donc un exemple. Laissez-moi vous montrer un autre exemple, donc je garderai juste le piano. J' ai toujours un piano là-bas. Disons que j'ajoute des cordes rythmiques comme ça, alors coincé les cordes avec un piano et peut-être quelques maillets pour une attaque plus ciblée. Et maintenant, je peux jouer des militants comme ça ici. Je ne joue plus beau, lyrique, le must ici parce que les instruments. Le mix sonore ici dicte l'inspiration et la créativité que je ressens, et cela suscite de nouvelles idées. Donc, si ça l'a changé à nouveau, déplaçons ceux vers le bas pour que vous ne puissiez pas utiliser cette technique aussi. Comme j'ai ici comme une banque d'instruments pour juste en dessous de votre piste de croquis. Donc, ce n'est qu'un dossier avec tous les instruments déjà créés. Bon, Bon, alors commençons par un piano et faisons quelque chose de plus audacieux et de plus puissant. Alors ajoutons une section de poitrine et de ficelle ici, et je mettrai les ficelles en sardine. Oh, enlève le micro proche. Voyons ce que les brasses ont été faire longtemps soutenu ici. D' accord, traîneaux à la dynamique supérieure pour le rendre plus chaud. Et maintenant, je peux jouer quelque chose comme ça. Au lieu de cela, augmentez encore la dynamique. Une ambiance et un caractère totalement différents. Essayons une flûte solitaire avec corne solaire et quelques cordes, pas même un piano. Cette fois, voyons ce que nous pouvons encore comme inspiration, est-ce pas ? Donc je vais utiliser ces cornes ensemble à la place. Encore une fois, mawr chaud et beau son là-bas et beaucoup de puissance des cornes de sorte que vous pouvez essentiellement utiliser cette méthode pour commencer à esquisser des idées. Donc, si vous venez avec, par exemple, je veux créer un personnage léger. Ne va pas pour les cordes luxuriantes. Allez pour le, par exemple pour voir quoi ? Ce um Donc ce sont les derniers violons, et ici nous avons la violence de chambre sur, par exemple, le piano et, par exemple, la nourriture. Vous pouvez même aller et mélanger différents indices e et déplacer ces instruments. Ça commence à jouer ce que tu veux. Maintenant, prenez des mesures et créez votre propre piste d'esquisse principale, que je vous recommande d'utiliser pour chaque nouvelle composition que vous créez. Et rappelez-vous, vous pouvez même changer les couches de l'instrument USA, comment vous les mélangez et les mélangez dans votre D A W et comment vous exécutez le style de jeu sur la modulation que vous ajoutez, en fonction de la partie que vous souhaitez ajouter à votre composition, par exemple, dans un parti pourrait vouloir aller pour plein de son audacieux et puissant de gros seins, ensembles et cordes audacieuses. Par exemple, alors que chez une fille une autre partie de la composition, vous voudrez peut-être opter pour une sensation plus légère avec des instruments rythmiques et des instruments plus légers , alors agissez et commencez à expérimenter 13. Bass et mélodie pour créer votre thème: maintenant dans cette vidéo, je vais vous apprendre une méthode très efficace pour créer votre thème principal pour votre composition musicale . Je l'appelle la technique de base plus mélodie. Maintenant, ce qui est si puissant dans cette technique de base pas mélodie pour créer votre thème principal, c'est parce que vous n'avez pas à vous soucier de la progression de la cour, et l'hormone est autant juste se concentrer sur l'hormone essentielle voix QI, qui est la voix supérieure, la mélodie et la voix la plus basse. L' ancre de votre harmonie, qui est la base. Donc, ce que je fais habituellement, c'est que lorsque je dessine mon thème, j'utilise le plus souvent du piano et un ensemble de cordes. Je mets habituellement les cordes de sambal sur un patch doux comme les cordes de Sardinha. Et puis je compose combien de cordes je veux et je les joue comme ça. Donc, piano, maintenant, dans quelques cordes maintenant, vous pouvez bien sûr, seulement vous concentrer sur votre mélodie comme ça. Oui, cependant, il devient tellement plus puissant et devient un thème. Si vous faites la base dans votre main gauche. Je le fais habituellement en octaves pendant que vous jouez votre mélodie dans votre extrémité droite, car alors vous pouvez créer quelque chose comme ça. Donc, bien sûr, il pourrait créer cela en se concentrant uniquement sur la mélodie. Mais sans l'interaction entre la base où vous pouvez faire avec eux. Vous pouvez faire des lignes de basse et groove et la mélodie. C' est vraiment difficile de trouver, Ah, Ah, ce modèle avec le silence, parce que si vous vérifiez à nouveau donc vous devez sauter le premier temps parce que la base y joue il est vraiment difficile de trouver quelque chose comme ça sans utiliser un autre type d'instrument sur. Ma technique pour les jours est basée avec votre main gauche peut hors cours si vous voulez utiliser uniquement piano. Cependant, j'aime ajouter des chaînes d'ensemble car alors vous pouvez aller de quelque chose. Hypothèque, groove et rythme se concentrer trop lyrique comme obtenir le mélange des deux mondes. L' aspect rythmique, focalisé et clair du piano, avec un aspect mal lavé et lyrique hors des cordes et ceux en combinaison avec cette technique basée dans votre main gauche, adoucie dans votre main droite, et vous pouvez commencer à créer des mélodies avec base pour créer votre thème. Et bien sûr, un autre aspect de ceci est si vous créez une sorte de thème groovy plus groovy. Vous pouvez utiliser votre base dans votre gauche. Ont tendance à ajouter de l'énergie comme celle-ci. Par exemple, ajoutez les accents principaux à votre ligne de base pour votre mélodie afin de créer votre thème. Maintenant, comme la pointe bonus, je veux recommander d'utiliser la même technique les médecins de bassin avec votre gauche et la mélodie dans votre main droite, mais pas seulement ajouter la rainure accentuée avec votre base, mais aussi, si vous voulez ou félicitez certaines des notes plus fortes de votre mélodie. Allez de Mona Fornek, ce qui signifie une note à la fois avec votre mélodie. Oh, que deux notes pour créer une harmonie afin que vous puissiez faire des harmonies sur Lee sur le Strongest sait que vous voulez accepter, et quand vous enregistrez que vous obtenez automatiquement une ligne directrice pour la progression de l'accord là. Donc, en combinaison, vous pouvez créer quelque chose comme ça. Maintenant, utilisez toutes ces techniques en combinaison pour créer votre thème principal comme celui-ci . Maintenant, agissez et essayez cette méthode, créant votre thème principal pour votre musique en jouant la basse une octave facile avec votre main gauche , y compris le groove rythmique de tout cela ainsi que quelques lignes de base et votre mélodie dans votre main droite. Et si vous voulez aller plus avancé, augmentez les notes les plus fortes de votre mélodie principale avec Harmonists sur certaines notes. 14. Ajoutez une belle harmonie à votre mélange: dans cette vidéo, vous allez apprendre quelques bonnes lignes directrices et des conseils pour ajouter de l'harmonie à vos mélodies afin que vous puissiez passer de là à cette astuce. Une base est l'harmonie basse voix off. Donc, si vous jouez votre mélodie avec votre droite sur, c'est une voix, et c'est une harmonie avec si vous jouez la basse avec votre ascenseur. Et parce que la base, comme toutes les voix de la musique, ont une relation harmonique avec toutes les autres voix qui jouent pointe à Melody est la voix supérieure de l'harmonie. Donc, si je joue une progression complète du noyau avec basé dans la main gauche en chêne reste sur la cour dans la main droite comme ceci, la voix prise dans toute cette histoire harmonique est la voix réelle de la mélodie. Donc ça se passe comme ça. n'était que le goût de base avec leur voix de von mélodie avec la droite et la pointe trois. Melo Dick Harmony est la voix dansante hors harmonie. Alors, qu'est-ce que je veux dire par Melody Harmony ? Je ne veux pas dire jouer comme ça. Ce que je veux dire, c'est que si vous jouez la basse avec votre main gauche sur la mélodie principale avec une seule voix avec votre main droite. Maintenant, les choses deviennent assez excitantes parce que vous pouvez ajouter une autre voix avec votre main droite qui va ensemble et placer ensemble comme un dense avec votre mélodie principale. Donc, au lieu de jouer, regardez ce que la différence est ici avec la main droite Au lieu de cela, une seule voix. Vous pouvez jouer des voix comme ça, la danse ensemble pour créer l'hormone, et c'est la principale activité de pratique que je veux que vous fassiez. Essayez de commencer avec la base et milady, puis ajoutez sur ce melo supplémentaire D Carmen E, ce qui signifie la voix dansante qui va avec votre mélodie principale. Assurez-vous que lorsque vous vous entraînez, vous commencez avec seulement deux notes en même temps. Comme cette cassette. Quatre. Harmony suivez en synchronisation pour la mise au point et la clarté. Alors, qu'est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, disons que vous avez la base dans la main gauche à nouveau commencer un ici et essayé de faire quelque chose avec la mélodie dans la droite. Et maintenant, ajoutons cette Milady Kamini supplémentaire. Maintenant, ce que vous pouvez faire est de suivre l'harmonie en synchronisation, ce qui signifie que vous jouez la comédie mélodique. Disons que ce sont les meilleurs garçons chaque fois qu'il a changé la note avec votre mélodie, soit vous répétez la note avec l'harmonie mélodique ou changez cela aussi, comme quelque chose comme ça sur la sienne. Tous les deux jouent en même temps comme ça. Il fournit vraiment comme un accent harmonique. Si vous pensez que votre mélodie principale est votre danseuse principale, la mélodie Carmen est comme la danseuse de secours, et si elle suit le même mouvement synchronisé que le danseur principal, il devient plus comme une danse synchronisée, qui apporte plus de clarté aux mouvements, bien sûr, et plus de voix qui ont changé en même temps, plus leur mouvement synchronisé sera concentré et clair. Donc si vous vérifiez à nouveau, j'ai la ligne de base. Commençons par F Si je change la ligne de base, ainsi que la mélodie principale et les poupées harmoniques Ah ici, il devient un scénario harmonique vraiment accentué. Je pourrais encore faire la danse principale ici, le mais pas se déplacer dans la synchronisation avec la ligne de base, quelque chose comme au milieu là-bas. Je n'ai pas bougé les notes de base. Ah, dès que la base se déplace le long de l'instinct avec ces principales milady sur la mélodie Harmony, il devient mawr accentué. Quelles notes pouvez-vous ajouter à votre mélodie principale pour créer cette harmonie ? Eh bien, dans la plupart des cas, vous allez en troisième comme ce troisième majeur ou en troisième mineur, selon la cour que vous avez utilisée et l'échelle sur laquelle vous vous trouvez. Dans d'autres cas, vous allez au cinquième comme ceci, 1/3 ou cinquième tous les plus communs. Mais aussi, vous allez utiliser beaucoup de, um, sussed e ou sauce quatre mouvement comme celui-ci ou même aller jusqu'à 1/7 comme ça. Ce sont probablement les plus communs, mais vous pourriez faire ce qu'il pourrait aller à six. Comme ceci, par exemple, augmenté Cinquième, tout ce qui conviendra à votre mouvement harmonique de l'histoire harmonique, variation pour la beauté et la profondeur. C' est alors que vous ouvrez vraiment le vrai potentiel de l'harmonie dans la musique. Et c'est, si vous jouez la base avec votre main gauche à nouveau, je vais la jouer dans des bandes de chêne qui commencent en D. Disons que vous avez la mélodie principale commençant sur F à une harmonie sur D Now, au lieu de faire synchronisé mouvement comme celui-ci, ajouter une variation dans le mouvement hors qu'une relation au sein de la mini mélodie Voice sur la voix Harmony comme ceci. Donc, comme vous pouvez voir la mélodie déplacée, voix harmonique ici a été laissée sur D. Faisons le contraire Maintenant, où la voix mélodique repose et la voix d'harmonie commence à avancer, allez à ne pas accorder quatre minutes, - Asi concède. Vous ouvrez tant d'hommes en mouvement potentiels et de combinaisons. Par exemple, en ré mineur, je vous recommande de commencer à essayer comme une chose simple comme celle-ci dans la base. Si avec une voix métallurgique ici comme la mélodie, Kamini commence à se déplacer autour de leur principale stabilité de la voix, puis faire quelque chose pendant que cela repose sur le commun. Alors allez et venez entre lesquelles de ces voix se déplacent soit le cours mélodique menant mélodie, soit l'harmonie mélodique. Non, c'est comme ça que tu ouvres la vraie harmonie de puissance dans la musique. Maintenant, il est temps pour ma bande bonus avancée si vous voulez plonger vraiment profond, qui est de jouer des courts pleins et de base avec voix leader. Fondamentalement, vous jouez tout parce que si vous avez un piano, vous avez les deux mains à votre disposition. Vous pouvez jouer la basse à gauche à une cassettes de chêne. La plupart du temps, je recommande de faire ça, en fait, puis de jouer à la cour complète. Donc, pas seulement la mélodie, pas seulement la comédie mélodique, parce que ce n'est que deux voix plus la voix basse. Ajoutez le noyau complet, puis vous pouvez jouer quelque chose comme ça. Oh, agissez maintenant et pratiquez-vous à ajouter de l'harmonie à vos mélodies, la fois avec la basse, la mélodie Karmini et même aussi avancée que la voix de cour complète qui complète vos mélodies principales. 15. Le pouvoir des couches pour les mélanger: Maintenant, dans cette vidéo, je vais vous donner quelques bons conseils sur la façon d'utiliser la mise hors tension en superposition de quatre mélodies. J' ai donc trois conseils que je vais suivre dans cette vidéo. Mais d'abord, laissez-moi jouer l'exemple que j'ai composé pour cette vidéo. Et puis je vais décomposer les conseils un par un. Donc, en jouant cet exemple dans trois, 21 l'audition à l'unisson pour le ton et le plus froid. Donc, si vous vérifiez cet exemple ici, ces deux ports jaunes ici ou joué à l'unisson. J' ai donc superposé la partie principale que j'ai enregistrée ici avec le violon ici juste au-dessus de la mer. Quatre médailles avec Dans ce cas, j'ai choisi une clarinette. Donc ah, avec l'orchestration, quand vous composez votre musique, quels instruments et couche de fête ensemble auront un impact énorme sur le ton final et couleur de votre musique. Donc j'aurais pu choisir de passer la clarinette comme ça. Yeux doux et chaud. Kohler. Ah, mais je viens de l'ajouter. Et comme vous pouvez l'entendre, c'est très faible en dynamique. Écoute maintenant, quand je couche la clarinette sur les yeux, des indices de ce serait en couleur de la clarinette. Donc, un conseil bonus que je veux donner pour vous est quand vous envisagez de superposer dans Jenison, essayez de trouver des instruments qui partagent une meilleure gamme similaire, pour ainsi dire. Si vous pensez que la mélodie principale sonne bien ici entre C quatre et C cinq, comme dans ce cas sur le violon, trouvez un autre instrument qui sonne bien dans cette gamme. Donc peut-être pas la plus haute gamme des cornes ou quoi que ce soit. Ah, ou, par exemple, les flûtes vont lutter si elles vont plus bas, mais elles brillent dans les gammes supérieures. Donc, si vous, par exemple, jouez une mélodie de premier plan avec une coquille doit, alors peut-être que vous pouvez vivre à l'unisson avec des cornes parce que ces instruments partagent le même um, meilleure gamme pour leur couleur tonale et caractère, superposition en octaves pour la puissance et la clarté. Donc, quelles que soient les parties que vous là-bas dans les octaves dans votre composition deviendra beaucoup plus puissant et clair et découpé dans le mélange. Donc, disons un bon exemple de ceci est les parties de soutien comme les tribunaux pour la note la plus basse. Généralement, la base ici est posée avec coquille doit, par exemple, une octave ci-dessus, parce que cela ajoute du poids et de la clarté Comme vous pouvez l'entendre de cela, vous l'entendez vraiment plus clairement là-bas parce que hors de la superposition, ces abaisse la base la plus profonde avec une coquille plus élevée. Oh, portée. Il en va de même pour vos mélodies, bien sûr. Donc, si vous prenez cette mélodie principale ici le violon c quatre à C cinq et la couche avec la flûte et l'octave plus haut ici entre C cinq et C six, ce qui sonne comme ça maintenant dans le premier cas quand nous avons superposé à Jenison, c'est plus pour ton, couleur et la clarté ou des choses de caractère cas si une couche la première la violence ici avec la flûte, il deviendra beaucoup plus clair dans le mélange sur elle peut également devenir plus puissant puisque vous prenez beaucoup plus de place si vous vérifiez ici Ah, voyons voir ici. Si j'en parle ici, c'est la partie jaune. Est-ce que la violence mène la mélodie ceci en octave plus haut pour qu'ils deviennent plus puissants en prenant plus de Ah, la salle harmonique ici dans l'arrangement. Maintenant, ce que vous pouvez faire est aussi aller dans l'autre direction pour jeter ou non ci-dessous, comme je l'ai fait avec les cornes parce que je pense qu'ils brillent. Ah, un peu. vote était dans la gamme ici. Donc ils sonnent comme ça. Ils fournissent plus de ce ton puissant et audacieux des seins. Avec la violence, Theo fournit plus de poids tandis que les flûtes une octave plus haut, fournissent plus de clarté et de brillance haut de gamme. Oh, maintenant, si j'avais encore la clarinette, juste le ton plus froid à Judson. On ne doit que la violence, Theo. Énorme différence selon la façon dont vous orchestrez en couches, veering sélectif pour les accents et l'augmentation. Par accents, je veux dire que vous exposez les notes plus fortes de votre mélodie. Et par augmentation, je veux dire généralement la même chose. Mais vous pouvez ajouter un peu plus comme vilain. Pas un accent dur, mais ah, un peu plus sur les notes plus fortes. Alors, qu'est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, ces orange ici seraient orange orange foncé couches ou en fait ce que j'appelle la superposition sélective de la Milady. Donc si on prend la tête au milieu de l'écoute des violons Maintenant, si je vérifie l'horreur, Pierre et l'ouvre, tu peux voir, disons, pourquoi je ne vois pas les deux comme ça ? Vous pouvez voir que j'ai soumis certaines des notes ou de la mélodie ou si vous y pensez de la façon inverse, j'ai ou j'ai félicité ce que je considère comme les notes les plus fortes de la mélodie. Ah, donc c'est, bien sûr, un choix créatif que vous devez faire. Mais je voulais dire le pom pom pom quelque chose, hum, terme. Mais vous pouvez, bien sûr. Mais ils veulent l'amender comme ça. A la place. Donc, il crée en fait un groupe différent. Fait. 10 10 10. Comme vous pouvez l'entendre de cela, je pense que c'est un choix que vous devez faire en tant que compositeur, mais surtout en augmentant toutes les notes que vous avez nées. , Eh bien,deviens plus clair dans le mélange. Et j'aime généralement utiliser Ah plus concentré, sons pour ces sons qui ont une attaque plus claire et plus nette comme l'horreur de piano, cordes pizzicato, par exemple, maillets et tellement chaud. Et, ah, si vous voulez aller dans la direction plus extrême comme des accents ici, je viens d'utiliser le basique de celui sur le piano 111 sur celui sur le sanglier. Sauf ici, il est de savoir, Donc le piano est simple de cela, ce qui semble assez stupide sur son propre pubien avec beaucoup de silence entre les deux. Mais quand j'alphabétisé sur le dessus de la principale milady O immense ces notes les plus fortes. J' ai donc fait une augmentation différente avec la harpe et le piano, ce qui crée encore plus de complexité. Si vous le vérifiez ici, enfin, un conseil de bonus ici si vous voulez y aller. Même Mawr extrême avec superposition est de prendre cette mélodie principale ici et dans un autre cas,en jouant dans Harmony pas à cas, l'unisson, pas des octaves, pas de l'unisson ou des octaves avec la superposition augmentée ou sélective à propos d'une ligne hormonale réelle. Donc tu pourrais prendre, par exemple, cette clarinette et à la place ou oui, cette clarinette. Et au lieu de le jouer, euh, sur les cheveux exacts de l'unisson, peut-être qu'il serait sûr que vous le feriez jouer par exemple, 1/3 ci-dessus. Bien sûr, vous devez vous assurer que les Harmonistes sont respectés pour la clé et l'échelle que vous jus, donc certains d'entre eux doivent être transposés pour faire correspondre les harmonies. Mais même ainsi, cela pourrait ajouter une complexité encore plus riche à votre arrangement. Alors écoutons ça à nouveau dans la belle alité. Tout se couche sur l'autre, et je vais réellement couper les cordes. Demande. Il ne peut entendre que les ports mélodiques, qui sonnent comme ça. C' est l'ouïe de voile de puissance pour vos mélodies. Alors agissez maintenant et pratiquez la puissance hors de l'audition très ou mélodies à l'unisson pour pratiquer Kohler tonale et le caractère. Là, en octaves pour fournir puissance et clarté, utilise Cilic Steve, superposant des accents et augmentant certaines notes plus fortes dans vos mélodies. Et si vous voulez aller à la pratique très avancée, superposer votre leader milady dans les harmonies. 16. Conseils pour la création de mélodies mémorables: maintenant dans cette vidéo, je vais en fait vous donner des conseils pratiques pour créer des mélodies mémorables. Ici, nous allons la simplicité. Maintenant, si vous voulez écrire une mélodie mémorable, dans la plupart des cas, vous voulez garder la simplicité pour que les gens puissent le fredonner. Donc, si c'est trop complexe, les gens ne s'en souviendront généralement pas. Ainsi, par exemple, prenez cette mélodie du Seigneur des Anneaux. Tu sais, c'est très simple. Tant l'harmonie, qui va d'un noyau à la ré majeur, ils g majeur et un majeur. Mais regardez la médaille si bien. Il est donc se concentrer sur les trois notes dans le D enregistré avec cette note de transition. Sinon, c'est juste garder ces harmonies là-bas. Prenons maintenant un autre exemple. Par exemple, Ah, Star Wars, La chose de force, qui va comme ça. Donc encore une fois, le motif des notes dans ces mémoires est en fait très simple, mais il a tellement d'émotion dedans, donc ce sont essentiellement les notes sur lesquelles il évolue autour. Ensuite, la ligne de basse va juste, donc les harmonies, le motif de la progression harmonique est simple et la stabilité sur le modèle mélodique aussi. Maintenant, une autre façon de faire ressortir votre mélodie et d'être mémorable est d'aller dans l'autre direction, rendre vraiment originale et unique pour se démarquer. C' est peut-être plus difficile de fredonner aussi, aussi, mais ce sera certainement quelque chose dont les gens se souviendront. Par exemple, le thème Pink Panter. Ah, les cours super excentrique et original et que vous pouvez le rendre mémorable aussi. Vous pouvez également faire ressortir vos mélodies en incluant du vinyle Teoh. Petites surprises pour l'auditeur à l'intérieur de tout le motif mélodique. Donc pas super excentrique et régional, mais peut-être un ou deux dans la modulation tout au long de l'histoire de votre progression mélodique quelque chose comme, par exemple, une modulation dans laquelle l'auditeur attend un accord mineur sur. Tu as donné un record majeur à la place ? Comme dans ce pays du Roi Lion, qui va comme ça, euh, sur la modulation. Donc, la voix pour les tribunaux il va à e un major au lieu de mineur. Et cela vient comme une surprise et cela inclut Ah, dans la deuxième partie de ce thème, cette modulation aussi, l'émotion. Maintenant, cela pourrait être la ligne directrice la plus importante parce que si vous voulez rendre votre mélodieux mémorable, vous devez avoir beaucoup d'émotion en eux. Ça n'a pas besoin d'être triste et tragique. Il peut être heureux et édifiant aussi. Notre domaine principal, par exemple, il prendrait le thème du film Thor. Ça va quelque chose comme ça. Alors, comment rendre vos mélodies émotionnelles Alors que l'essentiel est de se concentrer sur le style de jeu pour votre phrase mélodique, dans la plupart des cas, transitions plus longues nez et jambe Otto, ce qui signifie une transition en douceur entre le nez est mawr émotionnel, ce qui est le cas, par exemple, ici dans la bande son de Thor sur je suis même en tenant la pédale de sustain entre la transition là pour m'assurer que je reçois ces transitions Lego flux si lisse dans vos mélodies. C' est très émotionnel. L' autre chose, c'est la dynamique. Donc, si je joue sur la variation dynamique du piano, ce qui signifie, euh, combien j'ai frappé les notes fondamentalement la différence là-bas dans la dynamique. Mais encore plus important pour la dynamique au fil du temps, que vous pouvez contrôler sur les chaînes. Laiton bois depuis etcetera en modulant l'expression dynamique comme celle-ci suivante, en ajoutant d'autres types d'expression au fil du temps comme par exemple, en ajoutant la large auto Andi faisant une sorte d'articulations expressives comme la flexion dans le note et d'autres articulations comme ça pour vraiment ajouter l'émotion dans la phrase mélodique hilarité. Et c'est en fait super important, mais parfois un peu négligé par les compositeurs de musique, qui est que si vous voulez créer des mélodies mémorables dans vos compositions musicales, assurez-vous qu'elles se démarquent par rapport à tous les autres ports rythme, les harmonies et d'autres parties de votre musique, ce qui signifie deux choses. Loudness, ce qui signifie à quel point vos mélodies principales sont, qui vient de la dynamique, un zélé combien vous les couches en octaves et à l'unisson et à l'arrangement. Donc, si vous jouez la mélodie principale comme celle-ci, assurez-vous que là où les militaires du maillot de tête ont concentré ce centre et portée tonale ah , que les autres instruments n'interfèrent pas trop dans ces gammes. Donc, si vous voulez ajouter des harmonies, assurez-vous que vous pouvez vous concentrer sur l'extrémité inférieure et peut-être parfois sur l'extrémité supérieure. Mais plus de l'extrémité inférieure. La base, bien sûr, est ici, et même des rythmes. Vous voulez peut-être concentrer Mawr en dehors de la portée de votre milady. Vous voulez créer cette clarté parce que la mise au point de la mélodie la fait se démarquer et rend les gens vraiment bourdonnements à votre mélodie, ce qui la rend mémorable. Répétition. Une mélodie mémorable comprend souvent divers degrés de répétition sur ce va de deux façons. abord, la répétition dans le groove rythmique comme seconde, la répétition dans les intervalles utilisés dans la mélodie. Ainsi, par exemple, prenez ceci de Jurassic Park. Il se concentre vraiment sur cela alors. Ah, ces intervalles chefs vers le haut sur le groove général sont toujours là. Trois. Maintenant, prenons le thème de Pirates des Caraïbes, qui va comme ça. C' était la première fois, puis la deuxième partie est répétition avec une seule différence. Ce n'était qu'une note ici, au lieu de cela la première fois qu'il se termine et la deuxième fois comme ça. Sinon, il faut agir, même voyage de modèle. Vous devriez donc penser à tout votre thème mélodique comme un scénario avec plusieurs segments, un début, un milieu et une fin. Donc, vous voulez commencer, puis faire un voyage et revenir à la maison. Laisse-moi créer quelque chose comme ça. par exemple Prenonspar exempleune mélodie en ré mineur. Segment un segment Vous, qui est presque une répétition mais chaud va plus haut. Donc, nous avons la partie répétition de la Milady mémorable là-bas et puis continuer chemin droit, vraiment excité. Et puis rentrons à la maison. Oh, sur. Dans la plupart des cas, vous commencez bien sûr sur le Tonique le cordon de route de votre échelle et terminez sur cela aussi. Dans de nombreux cas, vous commencez et terminez même sur la même note. Maintenant, je veux que vous preniez des mesures et pratiquiez toutes les lignes directrices et les éléments qui entrent dans création d'une mélodie et tous ces sept conseils pour créer des mélodies mémorables. Bonne chance, mon ami, et amusez-vous à créer des mélodies mémorables pour votre musique. 17. Proche - Instinct du son: félicitations. Vous avez maintenant appris les fondements cool de la mélodie et des thèmes dans la composition musicale ainsi que Dieu. Beaucoup d'exemples en direct, y compris mes conseils et directives créatifs et pratiques. Maintenant, il est temps pour votre dernière mission hors de ce modèle, j'appelle instinct sonore, parce que pour augmenter et évoluer en tant que compositeur de musique, vous devrez développer une bonne oreille pour la musique et le son en écoutant et en analysant productions professionnelles. Votre mission est là pour ce que j'appelle instinct sonore, c'est-à-dire écouter de la musique avec toute votre attention et analyser tout ce qui se passe. Dans ce cas, votre attention sera, bien sûr, des mélodies et des thèmes principaux de la musique. Assurez-vous d'écouter les détails de ce qui est joué. Tempo, instruments clés et mix sonore, expression de style de jeu, intervalles utilisés, bien sûr. Et donc je vais maintenant vous donner une liste de grands exemples hors de l'espace compositions sifi que vous pouvez utiliser comme point de départ pour ces exercices. Mais bien sûr, vous pouvez utiliser n'importe quelle piste avec mélodie et thème. Alors maintenant allez-y et faites ce son instinct, exercice pour développer votre oreille et votre instinct pour les mélodies et les thèmes en action. Ensuite, continuons votre voyage dans la prochaine vidéo 18. Uplifting et éclairé: dans cette vidéo, vous allez apprendre mes lignes directrices pour les mélodies édifiantes et légères en musique. Uptempo bpm, si édifiante et légère pour la musique bénéficie d'un tempo moyen à élevé ou ce que je l'appelle Temple BPM. Quelque part autour de 140 peut être un bon point de départ, qui peut sonner quelque chose comme cette échelle et harmonies majeures. Donc, bien sûr, pour cette ambiance édifiante, vous voulez vous concentrer sur la grande échelle et les accords majeurs de cette échelle, en particulier le 145 Donc, disons que vous avez l'échelle ré majeur obtenir ré majeur majeur majeur sol majeur et un majeur. Donc, une bonne ligne directrice peut être de concentrer vos principales notes fortes dans votre vers le gaspillage et léger mélodieux dans ces trois accords,par exemple, par exemple, quelque chose comme ça évité la dissonance. Maintenant pour la plupart des types de musique. En fait, jeter des tensions et des harmonies et des intervalles inattendus dans votre ligne d'histoire peut vraiment créer une certaine variation et de l'intérêt pour l'auditeur. Cependant, quand vous voulez cette ambiance édifiante et légère, vous devriez vraiment vous concentrer sur la grande échelle. Et aussi l'ambiance allégée signifie que les auditeurs devraient vraiment s'attendre à la plupart des choses qui viennent ensuite. Donc pas vraiment dans ses notes diatoniques soudaines connues comme ça vraiment ne rentre pas dans l' ambiance édifiante dans la lumière ordonnée. Pas de noyau de tension comme le quart diminué ou quelque chose comme ça. Maintenant, si vous voulez lancer une surprise ou une torsion, vous pouvez aller à un noyau majeur quand ce devrait être un accord mineur. Donc, dans le cas de la majeure, le deuxième trimestre e mineur bien, moduler que vous e majeur au lieu de quelque chose comme ça sur maintenant vous obtenez un peu de surprise, mais c'est un élevant est le prix, pour ainsi dire ? Invitez dès maintenant l'instrumentation pour cette sensation de lumière ordonnée. Nous voulons vraiment concentrer vos mélodies de premier plan sur des instruments ah, fins, plus fins, plus légers et plus haut de gamme. Donc pas des sections super épaisses, mais , par exemple, violon solo flûte pour alto, piccolo, les maillets de piano à clé haute peuvent travailler Willis pour cela sur. Et bien sûr, vous pouvez les regrouper pour créer quelque chose comme ça. Par exemple, la haute portée. Donc, non seulement les instruments eux-mêmes jouent un rôle ici, mais en fait là où vous jouez vos notes. Donc, par exemple, je recommande d'aller dans la gamme supérieure ici pour ce personnage vraiment édifiant dans le cœur léger . Disons que je couche un violon solo avec la flûte et le piccolo. Puis j'ai même fait pour que le piccolo joue une octave plus haut et la grippe fait bien. Alors tu peux jouer quelque chose ici et avoir le piccolo et la flûte ici. Mills E est ici, donc au-dessus du milieu C. Même un chêne est resté plus haut pourrait être un excellent point de départ, au moins gonflable style de jeu. Donc, pour l'ambiance vivifiante, vous n'avez pas vraiment besoin de cet équilibre de style de jeu de saut rythmique. Comme je l'appelle, Vous pouvez simplement aller avec quelque chose comme ça qui peut créer amore édifiante mais idéal lécher ou son lyrique. Cependant, si vous voulez plus de cœur léger, je recommande de faire plus de choses rythmiques et d'y ajouter un peu de groove et de limites. Comme ça, agissez maintenant et pratiquez-vous, créant des mélodies édifiantes et légères. 19. Action et énergie: dans cette vidéo, vous allez apprendre mes meilleures lignes directrices et conseils pour créer des mélodies axées sur action et l'énergie. Tempo d'action rapide. Comme guide, j'ai généralement stocké quelque part dans la gamme de 1 40 à 1 80 bpm, donc je l'ai maintenant mis entre ici à 1 60 On peut sonner quelque chose comme ce style de jeu rythmique . Je vous recommande donc de penser percussive lorsque vous créez vos mélodies pour l'action et l'énergie. Donc, au lieu de jouer quelque chose comme ça avec des notes et des transitions légales, vous considérez vraiment que votre clavier est un jeu de batterie qui peut jouer des mélodies. Donc des notes courtes et vraiment penser au rythme, le groove de vos mélodies. Vous jouez quelque chose comme ça, ou peut-être des jours qu'il pourrait reconnaître les articulations accentuées. Donc pas tous émis votre attention sur les styles de jeu courts et rythmiques, mais aussi à partir des points dynamiques de vous. Pensez aux accents plus durs de votre mélodie d'action et d'énergie. Alors poignarde Mark Otto pour Sato sur le souffle et ainsi de suite. Ces articulations qui ont un accent plus fort et plus accentué au début de sorte que vous pouvez jouer quelque chose comme ça si vous jouez rythmique. Ajoutez ces accents plus durs avec une dynamique plus élevée dans votre action et votre énergie. Milady. SMA. Ou des notes. Plus vous n'ajoutez pas dans votre mélodie, plus vous obtenez d'action et d'énergie via la balise, et vous pouvez le faire de deux façons. Fondamentalement répétitions, ce qui signifie que vous répétez la même note comme une rafale de notes sur la même comme celle sur la note de grâce , comme je les appelle les notes entre les notes de mélodie forte. Donc, si vos mélodies comme vous, peuvent ajouter ceux entre les notes pour le rendre comme et cela ajoute à l'énergie viable gonfle afin que vous puissiez faire quelque chose comme ça. Par exemple, les votes sont des mouvements vocaux. Donc, si vos mélodies se déplacent autour de Mawr, vous aurez plus d'action et d'énergie. Cela signifie que les accords progressent avec des changements de cour plus rapides ainsi que les intervalles. Changements d'intervalle plus rapides dans vos mélodies quelque chose comme ça, par exemple, maintenant prendre des mesures et pratiquer ces conseils et directives pour créer des mélodies qui se concentrent sur action et l'énergie. 20. émotions et magnifique: dans cette vidéo, vous allez apprendre mes conseils et lignes directrices pour créer des mélodies qui se concentrent sur un son émotionnel et beau, cependant, pour rencontrer Tempo comme point de départ, je recommande quelque part dans le vont de 80 à 1 30 bpm pour une ambiance émotionnelle et belle dans vos mélodies. Donc, je l'ai dit à 10 ici dans mon d W. Et voyons comment cela peut ressembler à un style de jeu de véhicule. Par cela, je veux dire qu'il se concentre sur des notes plus longues et connecte l'aller aux transitions pour cette ambiance vraiment émotionnelle et belle. Quelque chose comme ça, par exemple, un son plus doux. Donc, vous obtiendrez un son plus émotionnel si vous vous concentrez sur la dynamique inférieure, coudre la dynamique diminuée lorsque vous jouez et pas trop de superposition au son gras créatif , mais plutôt un sons intime et belle. Donc, j'ai exclu, par exemple, herbe sur ce, donc ce ne sont que des cordes, flûte et le piano dans une dynamique plus douce. Donc vous avez dit de jouer comme ça avec votre dynamique et beaucoup de superposition le rendre plus doux, quelque chose comme ça à la place, des harmonies mineures pour l'émotion supplémentaire, et par ceci, je veux dire que vous pouvez bien sûr créer émotionnel et beau métal, se concentre sur les grands tribunaux, comme si majeur comme celui-ci, parce que la musique et l'émotion que vous obtenez sont plus sur la façon dont vous jouez quelque chose que ce que vous jouez. Mais quand même, si vous voulez une émotion plus profonde, je recommande d'aller pour les échelles mineures. Donc quelque chose comme en ré mineur, par exemple, voix suss menant pour plus de beauté. Et par cela, je veux dire hors cours accords suspendus, parce que ceux-ci peuvent vraiment ajouter un caractère magique et beau et le désir de résoudre. Donc, si vous commencez par, par exemple, si je veux aller voir, vous pourriez vouloir inclure ce quatrième suspendu là. Donc, la voix la plus haute est, bien sûr, la mélodie de votre profession. Donc quelque chose comme, peut-être que tu veux aller même Teoh. Si c'est le cas, studio, il suffit de jouer le haut, entendre des voix pour que vous puissiez l'entendre plus clairement. Minimalisme pour une émotion concentrée. Donc, pour vraiment belle que les mélodies émotionnelles, vous pouvez profiter de les jouer soit par un instrument solo ou une section individuelle, au lieu d'avoir beaucoup de samba est superposé les uns avec les autres. Par exemple, une flûte solo comme celle-ci ou ah, violon solo ou même une section de violon comme celle-ci. Maintenant allez-y et pratiquez, créant des mélodies qui mettent l'accent sur l'émotion et la beauté. 21. Puissance et résistance: Maintenant, vous allez apprendre mes meilleures directives sur la création de mélodies qui se concentrent sur la puissance et la force, cependant, pour rencontrer Tempo. Donc, je recommande comme point de départ de se concentrer quelque part dans la gamme de 90 à 120 bpm pour cette ambiance vraiment puissante. Laissez-moi le démontrer. J' ai dit que le tempo à 90 bpm pour créer quelque chose comme ça tout va peut-être à la gamme plus élevée de ma recommandation autour de 1 20 comme ça, la gamme pour un ton chaud et chauve si généralement pour ce puissant et plus important encore, la force l'ambiance. Vous voulez concentrer vos mélodies ici en dessous du milieu C Donc peut-être quelque chose comme ça par rapport au jeu apparaissent de longues notes pour l'autorité. Par rapport à la lecture rythmique comme celle-ci lorsque vous ajoutez des notes plus longues, qui peuvent être plus appelées à des accents ou des notes plus soutenues avec une dynamique élevée, vous obtenez généralement plus de puissance sous la forme d'autorité comme celle-ci. Par exemple, Hi dynamique. Donc par cela, je veux dire à la fois des accents durs comme des coups de pied marco pour les articulations Soto et ainsi de suite, mais aussi des contrats vraiment gros et en utilisant la dynamique haute fortissimo pour faire ressortir vos mélodies et nourrir plus puissant. Donc, par rapport à jouer bas comme ça, vraiment pousser ces dynamiques vers le haut et ajouter les accidents difficiles sous la forme de plus d' articulations d'entraîneur et ainsi de suite. Quelque chose comme ça. Des sons audacieux. Donc, pour créer une mélodie qui a la puissance et la force comme son objectif principal, vous voulez faire beaucoup de superposition d'instruments et de pièces et aussi se concentrer plus sur les grands bols et som au lieu de section solo. Ainsi, par exemple, au lieu de faire une partie de flûte comme celle-ci, qui est légère et aérée, peu mince dans le mélange et, bien, la puissance et la force opposées. Fondamentalement, vous voulez aller tout dans avec de grandes sections de cordes combinées avec de grosses sections de seins et juré et superposer tout pour créer un son plus complet, plus profond et plus puissant. Quelque chose comme cette voix lente menant à la fois pour les cours et les harmonies et les harmonies. Je veux dire aussi les intervalles utilisés dans votre mélodie réelle. Donc, au lieu de jouer quelque chose de moins, qui est le rythme mais il va aussi partout avec les harmonies là-bas avec voix qui conduit, vous voulez vous concentrer si vous voulez créer des mélodies avec puissance et force. Sur lent étaient voix leader, alors ne faites pas trop d'intervalles dans votre mélodie et trop de changements d'accords ou quelque chose comme Now, allez-y et prenez la pratique d'action créant et façonnant des mélodies qui se concentrent sur le pouvoir et la force. 22. Sombre et maléfique: Dans cette vidéo, vous apprendrez mes lignes directrices pour créer des mélodies avec un personnage sombre et maléfique , cependant, pour rencontrer le tempo pour cette atmosphère sombre et maléfique, je recommande un point de départ pour être quelque part autour de 75 à 1 20 b. P. M. Bien sûr, le bpm inférieur, plus vous créez une atmosphère sombre, plus vous allez, plus vous pouvez ajouter d'action et d'intensité à ce personnage sombre et maléfique. Ainsi, par exemple, à 75 ppm, il pourrait vouloir créer quelque chose comme ça. Ok, si vous allez plus haut à 20 ou quelque part par là, vous voudrez peut-être créer Mawr. ton autoritaire dans votre métal sombre est comme décent et tor minis. Donc, bien sûr, pour l'ambiance sombre et maléfique, vous voulez concentrer vos cordes, voix et intervalles dans votre mélodie principale sur les changements dissonants comme le plus important est probablement la demi-étape ou la seconde mineure. Donc celui-là, assurez-vous de vous concentrer sur votre voix qui mène à cet intervalle. Donc, par exemple, quelque chose comme ça lo ténèbres vs haute tension. Donc, il s'agit de la portée. Lorsque vous focalisez votre portée ici sous la pluie, elle obtiendra ce ton plus sombre et maléfique, tandis que la haute gamme vous obtenez plus d'un son de type tension intense. Donc, par exemple, si ça a joué ici, vous pouvez obtenir l'obscurité par rapport à la tension élevée ici. Toujours sur les intervalles dissonants. Menant de la facture. Bien sûr, rythme intense contre l'autorité soutient pour que vous puissiez concentrer vos mélodies sombres sur le style de jeu rythmique mawr pour ce son intense comme celui-ci, les harmonies dissonantes là-bas et la voix menant par cette intensité dans le jeu comme une sorte de, euh, mal dans le sens du chaos. Mais vous pouvez aussi aller dans l'autre sens, qui est l'autorité soutient. Donc pas autant On Read Me styles de jeu. Je vais changer les articulations tombe ou plus soutenir les sons à quelque chose comme ça. Pas d'yeux fragiles contre une montagne puissante. Par cela, je veux dire, le mélange réel de sons à utiliser pour créer vos capacités sombres et maléfiques peut aller soit avec un son très mince et croustillant, par exemple, avec des instruments solo et souvent Maurin clé haute. Mais il peut s'agir aussi de la gamme basse. Ainsi, par exemple, avec la violence, vous pouvez créer quelque chose comme ça ou il peut choisir d'opter pour le puissant son de montagne, qui joue souvent Maurin basse portée. Mais plus important encore, où votre instrument plus vague importe et utilise plus grand dans les murs de samba pour jouer votre moulin sombre et maléfique. Cela de sorte que vous pouvez créer quelque chose comme ça, par exemple, maintenant prendre des mesures et de la pratique, créant des mélodies qui se concentrent sur un personnage sombre et mal. 23. LOTR - The Shire: dans cette vidéo, nous allons décomposer l'essence du thème Shire du Seigneur des Anneaux. Alors commençons tout de suite. Mon premier point est le son majeur sur 145 avec un fort accent sur le troisième majeur. Et par cela, je veux dire si vous jetez un oeil à ce que font les harmonies et la mélodie Donc il va de D G a. Les tribunaux majeurs dans la grande échelle 145 Et si vous écoutez les notes de mélodie ici et je ne jouerai que sur les notes de racine de base ici avec ma main gauche Donc la mélodie va et je pense que la mélodie sait a une plus grande attention sur les tiers majeurs. Si nous commençons ici , Think est le major, il atterrit là et tient un moment, et le suivant tombe sur le troisième sur le sol majeur, aussi le troisième avec un major. Alors que, combiné avec les trois grandes cours, rend ce thème très édifiant et majeur instrumentation de lumière. Et cela vaut pour l'ensemble de la composition qui les a ou minimum et arrangement sportif lui donner que la lumière coeur et l'égalité de l'air que ainsi que le fait que les mélodies de premier plan ou basé ici dans les hautes gammes Anoke stable donc au-dessus du milieu C et la Lady Melody se concentre sur les cordes solaires et le solaire, de Baldwin ou plus spécifiquement, violon solo, cette flûte solo. Donc ce que je joue ici est en fait une combinaison des deux. Mais plus précisément, la première mélodie principale se concentre sur la flûte solo, tandis que la seconde est axée sur le violon solo. L' armée principale est très lisse et lyrique pour donner à ce thème cette ambiance romantique et idyllique . Mais il comprend également beaucoup de notes de grâce rapides, ce qui ajoute du flair. Laisse-moi te montrer. Ouais, donc c'est la première partie de la mélodie principale. Très lisse et lyrique. Mais si j'ajoute ces notes de grâce rapides, ça ajoute vraiment de l'excitation à la mélodie. Donc, si vous allez aller de Thrace, a noté cela maintenant, vous pouvez ajouter ces courses rapides connaît entre les deux dans la transition entre les notes ou quelque chose comme la deuxième mélodie principale ici dans le thème Shire est plus nerveuse et rebondissante avec ces arrêts rapides, et il est joué par un violon solo. Donc, il va quelque chose comme ça maintenant aller de l'avant et pratiquer le thème Shire de Seigneur des Anneaux, puis continuons à la vidéo suivante. 24. Thor - thème principal: Dans cette vidéo, nous allons décomposer la mélodie principale et le thème principal du film Thor, composé par Patrick Doyle. Dans cette vidéo, nous allons décomposer la mélodie principale et le thème principal du film Thor, Donc, d'abord, il a cette majestueuse harmonie majeure, qui vient du fait qu'il utilise, si majeur, si majeur et il se concentre beaucoup sur l'accord 145. Donc, si si bémol majeur sur D. C. Alors laissez-moi juste jouer cela en utilisant la voix vivant et les inversions, vous pouvez clairement entendre le thème en elle, sorte que c'est la première répétition des thèmes terres sur les cinq. Ensuite, il répète la même progression, euh, et se termine sur celle à la place. Donc, les parties finales au lieu de ces cinq, il va à celui comme ça à la cadence là-bas. Le thème a un son très chaud et audacieux, qui vient principalement du fait qu'il utilise bien des seins de gamme et des cordes pour le thème principal comme celui-ci. Il est également lyrique et lisse, ce qui ajoute à la noble ambiance. Comme vous pouvez l'entendre, il a ce lentement aller au mouvement gracieux. Ouais, comme si tu étais roi lentement et gracieusement en marchant le long d'une entreprise rouge. La mélodie principale a également une portée très courte et limitée, ce qui lui donne un sentiment de stabilité et d'autorité. Donc si tu le vois ici, si je joue ici, Theo. Donc, comme vous pouvez voir la note la plus basse de ces militaires, est-il là ? Alors c'est ce bémol. C' est donc la gamme limitée, qui ajoute vraiment à cette stabilité et cette ambiance gracieuse. Ensuite, il a effectivement suspendu la voix menant à la fois dans la première partie de la mélodie et la seconde, qui a une belle émotion de ce flux dans la voix menant. Donc si je joue avec les tribunaux ici comme ça peut vraiment l'entendre ici vient à Suss pour où la partie principale de la voix de Port haut ici pour System Main Melody passe de F à E résoudre cet accord majeur en C. Je pense que la deuxième partie de la mélodie va en fait dans des vibrations mineures. Donc, il avait une certaine ambiance émotionnelle parce que cela se résout Donc la deuxième partie du thème va jusqu' à un mineur ici, puis voir sept sur si sauce pour ainsi encore une fois, une voix suspendue menant là à nouveau, jouant ceci sur la résolution à la cadence. Alors allez-y et pratiquez ces thèmes principaux pour vraiment vous familiariser avec ces vibrations majestueuses et majeures. Donc je vous recommande de jouer la basse avec votre main gauche avec des octaves et Onley la voix mélodique avec votre main droite comme ça. Je veux dire, continuer avec la deuxième partie du thème aussi. 25. Pirates des Caraïbes - Thèmes principal: d' accord. Maintenant, nous allons analyser le thème principal de Pirates des Caraïbes. Au moins avoir une personne sont les plus familiers avec. Alors, bien sûr que c'est le cas. C' est le ainsi. Le premier point ici est qu'il a un style de jeu d'action très rythmique. Comparatif belle jambe ultime Ledee. Donc, bien sûr, coincé sur parler avec des cordes. J' ai vécu un piano ici pour plus de clarté, mais il utilise principalement du staccato et des articulations courtes. Donc, et il a aussi une très sorte de rainure percussive dans le style de la mélodie. Donc, fondamentalement, vous pouvez penser à l'ensemble de batterie jouer ce mais très tambour comme sentir que vous pouvez vraiment entendre de tous ceux parlent staccato catalan articulations sur. En outre, il se concentre davantage sur le timing et le groove sur ces notes dans une mélodie. Mais à Tampa, par rapport aux notes de mélodie réelles. Ah, un autre aspect de ça, c'est qu'il l'est. Il a une ambiance très édifiante, même s'il est écrit en ré mineur sur. C' est le cas pour toute cette bande son à Paris des Caraïbes, qui étaient, qui étaient, je pense que fondamentalement, chaque morceau est en mineur dans une touche mineure, mais l'ambiance édifiante vient du style de jeu très, comment vous joué si vous jouez dans son sautillant, groovy et brusque sorte hors du style de jeu. Vous obtenez ce style Mawr presque comique, euh, et une ambiance édifiante. Donc, vous allez si je change ça pour jouer au tribunal. Ouais, ça devient, ah, ah, plus triste parce que c'est dans une clé mineure. Et il utilise beaucoup ce Hans Timmer dans la bande originale, où il va de ce style édifiant et inspirant, presque comique, hum, hum, styles de jeu. Et puis il va jouer les mêmes thèmes, ralentissant gracieusement avec les transitions Agata, ce qui le rend plus émotionnel. En outre, une autre chose qu'il est important de savoir sur ce thème principal est qu'il utilise beaucoup de répétitions , à la fois dans les rythmes réels qui ont lieu à Toronto et, euh, et dans la formulation réelle de la notes. Donc, si vous écoutez ça la première fois qu'il va comme ça, besoin de le changer à nouveau, Teoh les accords de staccato. Donc la première fois que ça se passe comme ça, c'était essentiellement deux répétitions. La seule différence est que dans la fin par rapport à cette fin, sinon, je crois que c'était exactement la même chose. Et puis il va à la seconde éteindre la phrase comme ainsi et beaucoup de ces mouvements, mais à ce que que cela que cela mieux, c'est toujours le même genre de rainure off. Et c'est une façon d'obtenir la stabilité de l'alésage fondamentalement et familiarité familière pour les auditeurs hors de votre thème principal et mélodies. Maintenant, la portée de ces mélodies est en fait au-dessus d'une octave, ce qui ajoute en fait à l'intensité de l'action et de l'ambiance chaotique en raison du style de jeu ainsi que du nez qui traverse la carte, pour ainsi dire. Donc ça commence ici sur le A et va à D comme ça. Je pense que cela se répète, bien sûr, deux fois. Et puis la deuxième partie de l'équipe est allumée, et puis ça monte comme ça. Donc, cela signifie qu'il va d'une note à la plus basse du thème et B plat en haut. Notes sur Oak Save et un cimetière Maintenant, agissez et pratiquez-vous à jouer ce thème mélodique de Paris des Caraïbes et surtout, pratiquez simplement ces styles de jeu vifs, doux et d'action pour vos mélodies et thèmes. 26. Décomposition en direct - Gentle vent des coeurs: dans cette vidéo, nous allons vérifier dans les coulisses de ma composition appelée doux vent de cœur et voir comment les mélodies principales sont utilisées et comment elles jouent avec les autres parties la composition musicale. Ok, ok, donc c'est toute la composition. J' ai déjà mis en évidence ces trois morceaux, comme vous pouvez le voir, parce que je veux vous montrer la chose la plus importante avec les mélodies et comment organiser vos voix dans vos compositions musicales. Parce qu'il y a top folder ici, que j'appelle histoire est en fait une maquette de toute la composition avec les éléments les plus importants rythme, basse, harmonie et mélodie. Donc j'ai même mis en sourdine les parties rythmiques. Vous pouvez simplement jeter un oeil à ces trois pistes de la base, qui est la voix la plus basse en harmonie. Ah, le cours et les harmonies et la voix principale de la mélodie. Donc, en allant dans le rouleau de piano, vous pouvez le voir comme j'ai carrière clairement étiqueté avec les couleurs, les voix du bas, la base se déplaçant beaucoup lentement ici les voix du milieu, toutes les cours et les harmonies qui soutiennent la voix supérieure, qui est la mélodie. Donc, prenons une écoute à cet obstacle est un court extrait de celui-ci et remarquons vraiment comment ils fonctionnent tous ensemble et que la voix inférieure fournit cette ancre totale pour votre musique. L' harmonie crée la profondeur et la complexité, la variation et le mouvement. Et la voix supérieure est au centre de votre musique. Donc jouer en 321 ouais. Ok, alors ça se répète ici avec une torsion légèrement différente. Et puis, ah, le cours, Milady vient ici. Donc, la deuxième partie des blessures fondamentalement la même chose avec une torsion à venir et puis vers le bas . Et puis le chœur de sport arrive ici. Très bien, Comme vous pouvez l'entendre, il a les principaux éléments. Bien sûr, ça ne semble pas si bon, parce qu'il n'a pas regardé les ports principaux. Maintenant, si je suis u ça et nous allons dans la composition réelle et vérifier comment j'ai arrangé cela, ouvrons tout sauf le dossier de l'histoire et supprimons tout ce qui n'est pas utilisé. Donc d'abord je commence avec très peu de percussions, rythme très littéral et je me concentre sur la base, les harmonies ici et les mélodies principales réellement joué par Viola ici dans la mer pour C cinq jusqu'à une gamme. Ah, voyons sur son couché avec obo à l'unisson, qui sonne comme ça, pourquoi n'est-ce pas le vieux jeu de balle ? C' est vrai, mais il est juste plus bas en volume, donc le hautbois fournit une partie de cette émission vidéo. Je trouve que le hautbois a l'un des plus beaux V apporté doit dans l'ensemble de l'orchestre et peut vraiment fournir ce Kohler romantique, qui était ce que j'offrais cette piste. C' est un peu inhabituel de laisser les Altos s'occuper de la principale milady parce que ça a l'air assez pointu. Mais je voulais commencer avec ça au début que les frissons et la violence prennent dessus ici dans la deuxième partie du chœur. Parce que c'est par tout ce que nous avons généralement ce son un peu plus dur. Ensuite, j'ai un cheval qui fournit que c'était l'ambiance arpège ici, accord. Et dans la deuxième partie de l'intro, je crois que j'augmente l'armée ici avec un glockenspiel, et cela peut ne pas sembler beaucoup, mais cela fait une différence. J' ai aussi plus tard avec clarinette. Hum, ici 00 non, c'est en fait la responsabilité. Alors assiettes et tu entends trois bombarder. Ainsi, chaque fois que vous ajoutez une mélodie de compteur, assurez-vous qu'elle est recomposée en arrière-plan, dans le niveau de la plage. Et donc une fois ou la mélodie principale sera toujours concentrée. Maintenant, pour la deuxième partie avec le choeur ici, regardons cette Milady, hum, hum, une assiette sur violoncelle et hautbois ici. Donc, bien sûr, le violoncelle superpose la mélodie d'une octave en dessous de laquelle vous avez déjà appris superposer à l'unisson en octaves qui peuvent être au-dessus ou au-dessous. Et je crois que le glockenspiel est très haut ici aussi. Nous nous occupons vraiment du scintillement de temps en temps dans la deuxième partie, hors du chœur, vous obtenez cette flûte aussi une octave plus haut. Également superposé avec le hautbois ici et avec un glockenspiel et avec la coquille d'étranglement Oh, l'inductif sous les violons encore dans C quatre c cinq ranch ici et puis la ficelle dans échantillons, les échantillons, en passant, aussi, Je le prends pour le violoncelle solo, hum, ou vieux violon, je crois. Oui. Alors écoutons la deuxième partie du chœur. Maintenant, si je m'arrête là, ce qui est vraiment faire attention, c'est quand vous faites quand vous passez d'un inter au choeur, vous voulez généralement Teoh étendre la superposition. Donc ici, euh, l'agneau et l'unisson va plus loin où l'ensemble de cordes vient en couche la violence le peu profond venant une octave inférieure globale Toujours unison flûte une octave au-dessus glockenspiel et Octavia Bob parce que vous voulez vraiment rendre le son entier de votre mélodie vraiment plus épais et plus puissant dans le chœur. Donc, il passe dans le mélange parce que beaucoup d'autres choses arrivent ici comme un grand ou pas grand mais mortel, mais beaucoup plus de percussions que l'intro, par exemple. Maintenant, vérifions aussi Ah, la contre-mélodie Wish J'ai Ah, je crois qu'elle est ici sur la flûte, en fait. Donc, si vous écoutez la première partie ici, à droite, donc c'est la mélodie principale superposée. Et puis la déchirure de la grippe prend en charge les mélodies contre. Ok, mon erreur. Ce n'est pas une couche qui est une contre-mélodie. Mais puisque toutes les autres mélodies principales ou superposées comme ça, ils sont ils sont hautbois glockenspiel. La flûte. Il prend une position vraiment cadrans arrière en arrière-plan, ce qui est idéal pour une mélodie de contre-mélodie. Ça ressemble à ça de son propre chef, en contexte. Vous pouvez vraiment l'entendre maintenant. Si je savais que cela ajoute vraiment beaucoup de complexité et de sentiment à ces mélodie principale. Donc, cette contre-mélodie est vraiment un acolyte qui ajoute de la complexité et des caractères à la mélodie principale et rend l'ensemble de l'arrangement plus intéressant et plus de variation. Et si on arrive au second chœur, la mélodie principale est toujours là. Maintenant, j'apporte le piano à la couche juste augmenter de jour de métal comme ça parce que cela a une attaque d'augmentation claire qui vient à travers le mélange, ce qui rend la stabilité comme encore plus claire. Donc, vous pouvez également voir que les flûtes ou dans ce cas, en fait ah superposition aussi bien. Donc, au lieu d'avoir ces contre-mélodie est en fait superposer toute l'année, Andi, je crois que plus tard encore ici. Ouais, la deuxième violence vient dans la deuxième partie ici, bien sûr, monter une octave ici et en fait elle change en mélodie principale différente, que vous pouvez entendre si je joue la corde en samba, par exemple, ici. Donc ça change la mélodie dans la dernière partie du chœur et Dusty est vers le haut et puis s'installe à la fin dans le contexte, ça sonne comme ça. Jetons un coup d'oeil à la mélodie principale avec les accords sur. Et disons que ces deux gars si bien, quand on l'écoute ici. Encore une fois, la leçon très importante est la superposition, ce qui rend vraiment votre mélodie principale coupée dans le mélange. L' arrangement des voix court ici dans la basse moyenne,bien sûr, bien sûr, bas sur les voix les plus élevées. Habituellement, dans la plupart des cas, la mélodie principale , bien sûr, couche souvent en octaves comme ça, mais aussi que vous devriez penser à votre mélodie comme une histoire. Vous pouvez voir l'archée aller dans les vagues, puis une direction ascendante, puis s'installer avec nez plus long. Et sur cette cadence finale, elle se résout. Très bien, donc c'est un bref aperçu de ma composition. Vent doux de cheval. J' espère que vous avez pris quelques conseils et des monstres et apprendre quelque chose en regardant les coulisses et obtenu quelques conseils ici que vous pouvez appliquer à vos compositions musicales lorsque vous créez vos mélodies en combinaison avec toutes les autres parties utilisées dans vos traces. 27. Félicitation et projet final: félicitations. Vous avez maintenant appris les fondements, les lignes directrices, ces secrets et mes conseils pratiques sur les mélodies et les thèmes de la composition musicale. Maintenant, il est temps pour vous d'agir et de faire votre dernière mission. Qui, bien sûr, est de composer et de produire votre propre thème principal et mélodie, soutenu avec une certaine harmonie et monté qui conviendra à votre thème principal, choisir un style spécifique et déplacé de la musique, conçu la palette sonore de départ dans votre DW, puis commencez à composer. m'appelle Mike, et je vous souhaite beaucoup de succès dans votre parcours professionnel en musique.