Comment écrire de la musique pour des orchestre à cordes

1. Votre aventure avec des chaînes: Aimez-vous le son des cordes orchestrales des cordes solo émotionnelles jouant de belles mélodies de plomb qui sont une expression pleine ou cristalline à de grands motifs et thèmes puissants avec une corde pleine de sel pour flush et dynamique cour progressions avec douceur et lyrique se déplacent tout le chemin vers des performances rythmiques comme le comping , Austin, autos, courses et ou mesquin. Dans ces cœurs, vous apprendrez à maîtriser l'utilisation des cordes orchestrales dans vos compositions musicales. Apprenez les fondements et les lignes directrices, explorez les sons et les styles de jeu, découvrez des conseils pratiques et des secrets, obtenez des exemples et des démonstrations en direct et maîtrisez la beauté ou la force. m'appelle Mike et je suis compositeur, tout comme j'ai commencé à faire de la musique en 1998 et j'aime éduquer, motiver et inspirer des gens créatifs comme vous. Donc, si vous êtes prêt à maîtriser les cordes orchestrales pour vos compositions musicales, alors agissez et commencez votre aventure d'apprentissage dès maintenant. 2. La beauté étonnante des cordages: ou la famille d'instruments la plus expressive et polyvalente jamais créée. Cela signifie que vous pouvez jouer des cordes dans un grand nombre de styles de performance. Vous pouvez ajouter l'expression, le mouvement et la variation de nombreuses façons. Sur le résultat final peut être quelque chose de grand, audacieux et puissant au mal sonnant deux mystérieux et magique à conduire intensité énergétique pour déchirer la beauté émotionnelle secouer. Le pouvoir créatif que vous avez en tant que compositeur lorsque vous écrivez pour la famille des cordes hors instruments est vraiment incroyable. Les cordes sont si fondamentales pour la musique orchestrale et cinématographique que je considère comme la famille d'instruments la plus importante à apprendre et à maîtriser en tant que compositeur. Alors pourquoi les cordes sont-elles si incroyables ? Pour la composition musicale ? Voici ma liste personnelle en tête des cordes de mise hors tension. très équilibré, son très expressif. Gamme dynamique incroyable. Très agile et adaptable, super flexible. La belle ambiance goto. Rato Articulation Paradis. Vous apprendrez la SLA, ces aspects en profondeur dans ce cours à partir de directives, conseils pratiques, démonstrations et d'exemples en direct. Mais je veux commencer par vous donner quelques exemples en direct de la façon dont les cordes peuvent être incroyables pour votre musique. Donc, ici, j'ai toute une composition qui est fortement axée sur les cordes orchestrales de nombreuses façons, façons,des rythmes au beau véhicule, le Gautam lt et en créant tout ce thème. Je vais juste jouer un extrait d'abord du chœur pour que vous puissiez entendre l'ambiance émotionnelle de ce jeu dans 321 Très bien, alors arrêtons-nous là et je vais plonger et montrer certains des aspects de la façon dont les cordes polyvalentes et émotionnelles peuvent vraiment être. Donc, au début ici, je n'ai en fait que quelques cordes basses. Donc, ceci est joué par une corde minimaliste à Sobel avec Polyphonic League Otto. C' est une corde flatteuse ici, non ? Et cela continue dans le verset. Si tu veux l'appeler comme ça. Et si vous vérifiez ici, je joue en fait la progression harmonique, qui a beaucoup de transitions d'or de voix très lisse menant et encore une fois, c'est les mêmes cordes minimalement pour aller orteils, ce qui crée ces La taille de la chambre lyrique ressemble à ça, vous savez, très, très belle et lyrique là-bas. Mais il est aussi soutenu par ce violoncelle ici, dont l'ISS a joué une biopsie coquille émotionnelle. Oh, dans sa perception. Vous avez payé tellement de goto sur le tirant d'eau. Je veux dire qu'ensemble. Alors, quelles cordes ? Il s'agit très souvent de superposition. Une partie est jolie, n'est-ce pas ? Avec l'harmonie là-bas. Mais si vous ajoutez le violon solo sur le dessus ah, qui est Joshua Bell violon ici ? Andi devait manger. Supprimons ça. Donc seulement les cordes. Vous avez souvent besoin d'un trouvé une note mentale, qui est joué ici par les bas. Ouais, c'est mieux là-bas. Et bien sûr, il y a une ambiance vraiment expressive qui vient des instruments solo dans ce cas, votre violon solo Shabelle. Je veux dire, c'est beau, différentes formes horribles vont à leur différence, montants de l'orteil large et ainsi de suite. Mais pas seulement ça, si nous entrons dans le choeur ici Ah, bien sûr, double avec flûte et même aller chercher des spiels. S' il a écouté le Let's See the Highs ici, qui ajoute une autre dimension à nouveau avec la musique cinématographique et orchestrale, il s'agit souvent de superposer une couche de zai qui glockenspiel lettre flûte au-dessus de ce violon solo pour créer un autre plus haut, aspect chatoyant à l'ambiance. Je le couche même avec un arc. Je pense que l'air des cornes ou le cheval pourrait jouer les notes de route en fait. Bon, donc, euh, alors voyons, nous entrons dans l'aspect rythmique des cordes. Voyons si je l'ai vraiment ici. Je crois, aussi avec piano et ah, vents courts ici. Ouvrons et voyons. J' ai superposé Qu'est-ce que la phobie Sim ? Cordes courtes sur staccato avec des cordes cinématographiques ici sur Full et Sobel stock un tous Imo pour créer cette ambiance là. Donc si nous ne jouons que ces deux-là, lisez-moi, ce n'est pas à Austin. Auto est composé avec les harmonies et les courts et cela avec le piano sur avec ce vent, qui joue, je pense, une sorte de ou pidio ici. Oui, c'est tout ensemble. Le rythme superposé, lumière triée et l'innocence romantique. Ça ajoute un peu de l'aspect rythmique. Gardions les percussions pour ça. Puisque le cours est sur les cordes, alors nous entrons dans cette action de pont ici où je vous présente Voyons voir, qu'est-ce que c'est si haute cordes ? Oui, de la violence, un essentiel dans l'essentiel de l'ensemble de cordes ici, qui, comme dans d'autres dimensions, je mettrais ça sur le Boeing volé. Mais c'est toujours le même vieux là-bas qu'ils entreraient dans le cours de puissance finale si vous voulez l' appeler ainsi. Ah, où tout se rassemble. On a donc l'ensemble à cordes. Je n'ai pas eu si peu de coquille. Oh, j'avais même une alto solo ici. Way, façon Médaille d'or jour première violence. Eh bien, la violence ici dans le talent Melo Knicks qu'un chéri solo peut entendre sur Lee de toutes ces cordes. Ajoutons aussi les cordes rythmiques. Donc seulement les ficelles, rien d'autre. Et vous obtenez si vous le remplissez à partir de la plage la plus basse. La gamme la plus élevée des mélodies Lego trio aux performances rythmiques. Si vous enlevez le bouton solo ici, vivez tout, ça prendra vie. Si vous enlevez le bouton solo ici, vivez tout, Droit ? Donc c'est ma composition sur. Je terminerai cette vidéo en jouant toute cette composition tout en montrant les informations médiatiques au-dessus de l'image que j'ai créée. Alors écoutez ça. Faites attention à ce que les cordes font hors règle et à quel point elles influencent l' émotion de la musique. Non. - Oui , 3. De l'ébauche du piano à l'ensemble d'ordonnances: Bonjour, les compositeurs Mike ici. Et dans cette vidéo, je vais vous montrer comment vous pouvez passer d'un simple sketches de piano. Un arrangement complet de cordes pour votre composition musicale. Allons plonger en ce moment. Une annonce, les sons individuels peuvent juste voir que j'ai un piano ici en haut. Ensuite, j'ai des cordes dans la piste sambal. Ensuite, j'ai tous les instruments à cordes séparés et je veux les avoir dans l'ordre hors gamme. Donc, la base à la bande inférieure peu profonde, altos, violence un et la violence à l'heure actuelle. À titre indicatif, vous devez utiliser la même bibliothèque d'échantillons et préréglage pour toutes ces différentes voix des instruments à cordes. Cependant, je aime personnellement mélanger et créer mon propre son global unique pour la section de cordes dit que vous pouvez voir ici pour la base que j'ai une base luxuriante à partir d'une cordes plus plates. Ensuite, j'ai perdu des fonds luxuriants, aussi pour deux cordes. Donc ça va ensemble. Mais ensuite, pour les altos, j'utilise des altos minimalistes, Lego à Onley, quatre altos. Donc, dans la violence de chambre sonore plus minimale, un autre type de préréglage et pour la violence d'utiliser effectivement une bibliothèque complètement différente . Deuxièmement, la violence ici. D' accord, donc ça nous amène à l'étape suivante, qui est de rappeler la progression harmonique au piano. Comme je l'ai fait ici, en fonction de vos compétences en piano et du type de piste pour lequel vous avez composé, vous pouvez faire une façon e C pour enregistrer ceci. Juste les courts le plus souvent sur chaque balle ou deux barres comme ça. Je n'ai pas de cours d'affichage ou je passe au niveau suivant, qui est d'inclure les cours de passage. Votre rythme ici, étranger le plus battu ici, ou vous pouvez aller jusqu'au coming, y compris la mélodie et à travers eux et tout. Bon, alors vous avez un point de départ, ce qui nous amène à l'étape suivante, qui est de se connecter. Travaillons avec ce plus facile, parce que ce sera le plus commun que je crois. Donc, ce que vous voulez faire, c'est connecter les voix. Donc, ils sont une sorte de Gatto, même si un piano ne peut pas vraiment exécuter la déesse, vous pouvez simplement le faire en traînant ces notes ou en utilisant une commande clé dans votre d. W. Donc, vous pouvez réellement forcer jambe auto comme ça, ou si vous avez enregistré une pédale soutenue, ce que je vous ai recommandé pour les cordons. Et quand vous changez de cap, il y a une fonction, au moins dans la logique, que vous pouvez sélectionner cette conversion, soutenir la pédale à la longueur de note et regarder ce qui se passe. Eh bien, , maintenant,j'ai failli l'avoir à peu près. Ah, joignez-les ensemble dans un accord de bar sans la pédale de sustain. Donc, une fois que cela est fait, lorsque vous avez fait cela en cordons à alésage complet, vous pouvez même les sélectionner. Si tout ou forage complet, vous pouvez probablement utiliser une sorte de fonction sur pour les définir à note fixe liée aussi bien. Donc ne répare pas un accord de bar comme ça pour fonctionner comme ça sur tout ça que c'était censé être deux sangliers. Quatrième étape consiste à joindre les voix sur la chaîne complète. Donc, abord, d' abord,bien sûr, vous devez faire face à cela ici et maintenant pour les cordes. Nous avons ceci, comme vous l'avez déjà appris, son de corde mieux s'ils jouent réellement la note longue soutenue au lieu de simplement faire ce Revo ici. Donc, vous voulez entrer, et chaque fois qu'ils se connectent comme ça juste aller et rejoindre ceci. Donc j'ai commandé Jane en grande partie pour ça. Vous devez vérifier ce que votre DW a. Fondamentalement, chaque fois qu'ils continuent comme ça. Quelqu' un m'a manqué ? Je pense que ce étaient tous et un bonus Supérieurs qui le fera. Cela sonnera généralement encore plus. Ah, lisse si vous sélectionnez tout. Et si je suppose juste de tout sélectionner et de le faire glisser. Juste un indice comme celui-ci, parce que vous allez créer plus ou moins un peu de flou. Donc vous avez vraiment ces Ah, les transitions considérées. Je pourrais le faire même légèrement. Plus vous pouvez même le faire comme ils sélectionnent tout, puis faites glisser tout juste l'arrière. Donc, il est juste à droite de la grande ligne et juste de commencer chaque magasin pas juste à la gauche de hors de la grille d'agneau, Bien sûr, ici, vous devez quarts pour vous assurer que ce début au début de la région. Maintenant, nous avons ceci, donc ça commence à sembler assez bon déjà. Mais la puissance ah riel des cordes vient de quand vous passez à l'étape suivante, qui est d'ajouter une expression dynamique. Et j'aime faire cela sur la piste globale d'abord. Alors allons à la roue de modulation, vous pouvez hors cours enregistreurs. Mais juste pour cette simplicité, dessinons longtemps. Puisque c'est une société lente, faisons-le pour percer la longueur comme ça. Ou faisons-le comme ça. Puis copier en maintenant la touche d'option enfoncée ici et puis une fois de plus, je pense que nous avons un peu de temps pour que l'expression se passe bien ? Oh, ouais, gardons le piano droit. C' est donc la courbe d'expression principale. Maintenant, vous voulez organiser ces voix pour les ports de chaîne individuels. Donc ce que je fais est ah que je le fais simplement comme si plusieurs fois comme ça. Et puis je vais simplement entrer et secouer ici. Je veux sélectionner toutes les notes inférieures. Donc, soit vous avez juste besoin de Teoh. Mais dans la logique, vous pouvez simplement maintenir enfoncé, déplacer et flèche vers le bas pour sélectionner toutes les voix inférieures, puis déplacer I pour inverser, supprimer toutes ces voix. Maintenant, vous avez la base ici. Je pense que je veux vraiment avoir cette octave plus basse. C' est bien, vous devez vraiment vous assurer que vous pouvez Apathy couvrir la meilleure gamme pour l'instrument. Droit ? Donc ce sont la base et ensuite je peux à peu près. Eh bien, pour le rendre facile. Vous ne pouvez pas supprimer cela si ce ne sera que des bandes de chêne. Utilisé la même piste pour la base, sélectionnez tout et déplacez-le vers le haut d'une octave. Et maintenant, nous avons les frissons. D' accord, chemin. Va à la suivante. ici Sélectionneziciles notes inférieures. Ils les mènent. Sélectionnez à nouveau les notes inférieures. Les supprimer parce que c'était le Chelios. Et maintenant la voix la plus basse. Ah, OK. Donc pour être les ceux-là et puis assurez-vous qu'ils sont Voir si cela fonctionne comme des altos soviétiques, des violoncelles et des bases jusqu'à présent, n' est-ce pas ? Et puis nous arrivons à la violence. Un supprimer le bas. Il sera encore une fois pour mener le bas étaient à nouveau sur mon était de voir ici Theo Little battre les voix supérieures ici. Assurez-vous qu'il n'y a qu'une seule voix ici. Ok, voyons ce qu'on a maintenant. Ah, c'est moi avec tout ça. D' accord ? Et puis enfin la violence devrait être la voix supérieure. Qu' est-ce qu'on a eu ? Tout. Inverser tout le reste. Supprimer. Andi, va juste entrer. Vous allez bientôt devenir assez rapide ce genre de choses. Alors maintenant, nous avons raison ? Et puis ce qui nous amène à l'aspect final, qui est d'ajouter l'expression et la variation par piste. Donc maintenant vous avez la dynamique globale, que nous avons obtenue des tribunaux ici, mais maintenant allez et composez la carte d'expression individuelle. Et maintenant j'aime vraiment enregistrer quelque chose qui est de garder la base comme ça, quelque chose comme ça, et ensuite passer à la suivante, qui sont le froid doit. Commençons bas, montons comme ça. Vous voulez avoir des vagues différentes pour tout le monde. Bien sûr, si vous avez le temps d'enregistrer ceci avec votre volonté de modulation pour obtenir le vrai champ humain par tous. Je veux les garder. Le milieu était descendu d'abord comme ça, puis les violons, un pour utiliser un peu, une variation plus lourde. Là, la dynamique. Je ne sais pas comment ça va ressembler, mais c'est tout. Et enfin, la violence aussi. C' est Teoh un peu plus rapide variation ici et voir comment ça sonne. Écrivez quelque chose, et nous en avons beaucoup. Si je sélectionne tout comme alors quelle est cette note ici ? Voyons voir. J' ai raté quelque chose ? Non. Donc, ce sont jouer en harmonie que vous voulez voir que les mes ailes voulaient ou via moins environnements. Un, s'ils jouent à l'unisson, vous voudrez peut-être déplacer quelques notes vers le bas. Ok, donc c'est un unisson. C' est pour voir si on peut jouer ça. Euh, je ne suis pas sûr que ça sonne bien, parce que c'est là que vous voulez aussi ajouter quelques variations dans le stand. Asi peut voir que c'est un processus un peu fastidieux, mais c'est ce que vous voulez faire si vous voulez devenir vraiment animé. Ah, cordes dynamiques et expressives huit mélodies ADM ou voix leader Plus. Donc, bien sûr, ceux-ci ont été faits par des accords de bar. Cela sonnera assez simple. Alors maintenant, on peut entrer et changer ce que tu peux. Soit nous pouvons enregistrer la première violence et la seconde violence à la place. Donc, si nous enlevons cela pour l'instant, juste avoir ces forces locales, puis sélectionnez les deux et jouez quelque chose que je dis que j'ai oublié le cordon. On a même commencé ici, si on devait être plat. Ok, donc quelque chose comme ça, non ? Alors je joue une jolie cachette. Un extérieur. Il doit s'assurer qu'il est portable. Ensuite, vous le sélectionnez simplement pour que rectal monte en octave et maintenant vous avez ces meneurs milady place ici, jouant sur la première et la seconde violence. Ouais, vous voudrez peut-être juste y aller et ajouter des signaux vocaux manuels. Donc, si vous voulez secouer ces et je vous recommande de choisir un refroidisseur différent pour chacune des voix. Passons à travers eux comme ça et ensuite Ah, cette façon, quand vous allez vérifier les voix, vous pouvez ah, vous pouvez ah, vérifier la couleur de la note par couleur de la région. Je suis sûr que c'est la fonctionnalité dans la plupart des DW. Donc vous maintenant j'ai sélectionné tout le monde ici et je peux vérifier la base ici le froid doit. Et maintenant, la voix va devenir beaucoup plus facile parce que je peux voir la première violence ici . Donc je voudrais peut-être couper cette note ici, faire une voix qui mène le steak et les trucs de violence comme ça. Faisons quelque chose avec ça. C' est ce que vous voulez. Donc nous avons la ligne d'harmonie là-bas. Déplaçons ça vers le bas et économisez le chêne. Et comme vous pouvez le voir, une bonne chose à ce que le tribunal commence ici, c'est que vous pouvez toujours entrer et vérifier quoi ? La progression de base est même de recommander que Ah, votre comté soit dans des régions comme celle-ci. Donc, c'est un conseil bonus spécial à nouveau et puis aller dans. Vérifier quoi ? Corey joue non plus, Bud, il suffit de regarder ce qui sait qu'on est là si tu peux voir le cordon par là. Mais dans la logique, vous pouvez les sélectionner et voir le coin. Je suis là. Donc, vous avez un f Nom si il ya plus de cours juste pour le nommer si et puis était un G mais dans ce cas est f le prochain être pied. Appelez-le Beef. Nommons les régions mais la cour solaire Voir ? Ok, vois, donc tu peux toujours y retourner et vérifier ce que les tribunaux jouent vraiment là. Donc, nous commençons en f. Vous pouvez aussi aller vérifier les étiquettes de notes comme ça. Vous pouvez voir FFC si c'est un bon, pas vrai. Il est en fait garder que voir seulement à la place. Et puis vous semblez passer par toute la progression pour ajouter quelques variations. Voix menant comme ça. Ok, donc je ne mets pas d'hormone ici sur le violoncelle. Je le sais. Joignez-vous à ceux à la place, nous allons les étendre hier et plus pour que je sache qu'ils jouent en fait le droit à transition sur. Ensuite, si vous n'êtes pas satisfait du son que vous pouvez, vous pourriez vouloir entrer et changer réellement ce que les instruments utilisés ici pour les différents instruments et même entrer et définir la vitesse de la courbe d'expression dynamique. Je pense que c'est trop haut maintenant, surtout pour ces gars. Voir eso trop bas. Et puis vous passez simplement par voix jusqu'à ce que vous obteniez un résultat final comme celui-ci. - D' accord, donc vous avez vu ma démonstration en direct, comment passer d'un simple croquis de piano à un arrangement complet de cordes. Bien sûr, vous voulez être plus approfondi et aller à la minutieuse et détails et fondamentalement parfait vous arrangement de cordes. Mais cette petite démonstration rapide, j'espère, a ouvert les yeux sur les perspectives et les variations que vous pouvez ajouter à toutes les cordes individuelles de l' arrangement de cordes, y compris la variation et la coloration sonore pour obtenir ce que vous voulez pour votre composition. 4. The String Famille Double Bass: contrebasse. C' est le grand-père de la famille des cordes à plus de six pieds de long, ou 180 centimètres. C' est un énorme instrument sur les longues cordes permet de jouer des notes très profondes. Le rouleau des doubles baies est presque toujours de fournir le centre tonal de la progression harmonique , ce qui signifie la note racine des cordes. accord commun est l'Iran, un D deux et G deux, mais la chaîne la plus basse est souvent réglée pour en voir une avec une extension supplémentaire. Gamme commune est C 12 environ G plein. Alors explorons la contrebasse est en direct maintenant. J' ai donc chargé quatre pistes différentes ici avec quatre variantes différentes de double base . Parce que l'un des aspects les plus importants pour le son des cordes est, bien sûr, la taille de la section solo base deux base, qui est un petit dans sambal grand imparable. C' est six bases ici dans ce cas, et puis un plus grand ensemble de lusher ici. Laisse-moi jouer quelques notes ici avec chacune. Vous pouvez vraiment apprécier l'énorme différence dans la clarté, le ton et la tonalité sonore, toujours avec des instruments solo pour obtenir la clarté la plus expressive et le ton concentré que deux bases ici, euh, commence à devenir plus épais, mais a encore une partie de cette clarté. Ensuite, accédez à ce plus grand et sambal, qui est six espaces. Sonne très puissant de temps en temps, Lushan sambal ici, qui est plus ou tout le son, plus l'ensemble, le mawr. Il est fondamentalement en train de devenir un tapis épais type de son. Maintenant, je veux aussi vous montrer que tous ces instruments commencent. Voir Von A. Z peut voir ici. Voir un, car c'est la chaîne ouverte la plus basse. Vous ne pouvez pas jouer une note inférieure à ce sujet. Cependant, selon la bibliothèque d'échantillons ou le brancher dans votre utilisation, il peut être différent. Quelle hauteur ils vont pour l'échantillonnage parce que normalement vous ne jouez pas base un bûcher, même si ils sont capables d'aller plus haut. Donc, dans ce cas va voir de cette façon. La même chose sur celui-ci. Celui-ci monte à Teoh, et c'est la même bibliothèque. Mais c'est le luxuriant ou le bébé commence sur quatre. Et puis le dernier va même jusqu'au bout. Teoh voir court pour donc ça peut être différent, mais souvent vous ne jouez pas de labyrinthes ici parce que vous entrez dans le violoncelle et même dans le territoire violent là-bas. Maintenant, le rôle principal de la base est de fournir cette ancre tonale dans le bas dans les puissances pour ainsi dire. Et c'est pourquoi le plus souvent la base va juste jouer. Utilisons ce grand ensemble parce que c'est mon préféré. On va juste jouer long nez comme ça, qui est souvent la note de racine hors de la cour. Ou ça pourrait être une voix lisse qui mène, comme si vous sortiez de l'avez-vous vu, vous pourriez être neigé en premier, comme ça. Mais c'est l'accord G à l'accord C là, donc vous devez faire la transition. Notez que vous n'obtenez généralement pas. Si vous le faites, habituellement vous utilisez des articulations courtes et le double avec Shell doit essentiellement faire dans mon o. T pour Reef dans le bas de gamme. Mais dans la plupart des cas, que les notes longues lisses et la voix menant qui fournit l'ancrage total. La note racine de la progression de l'accord est ce que la base sont principalement pour l'instant. Pour le démontrer plus loin, j'ai chargé un patch insolvable à cordes, ce qui signifie une combinaison de Chelios à double base, altos et de violons. En un seul seul, Patrick peut jouer vieux loin d'ici jusqu'à ici. Donc, si vous jouez une progression d'accord sur une corde dans le chemin de samba, elle pourrait aller de, disons, F avec une inversion ici pour voir que vous pourriez vouloir aller avec suspendu. Donc, fondamentalement, la route a remarqué f pour voir ce que font la base. Eh bien, souvent ils jouent la note racine avec une octave de violoncelle si F ou le billet d' avion du celo de base . Donc quelque chose comme ça. Donc le mouvement principal est ici. En fait, une bonne ligne directrice est que plus les images sont élevées là-bas, plus vous pouvez ajouter de mouvement, puis plus la plage inférieure vous faites moins de mouvement. Donc un juste fournir cette riche, puissante, ancre totale profonde. Si vous regardez attentivement, quelle est la base ? Ils ont juste eu ces longues notes pour la note racine hors des tribunaux dans la progression. Maintenant, bien sûr, la base n'a pas seulement à faire ces longues durées et à passer aux transitions. Vous pouvez faire des parties rythmiques sur la base aussi bien, plus souvent en combinaison dans les octaves, mauvaises herbes peu profondes. Donc, disons, un pizzicato comme celui-ci très bon pour l'écriture de style comique. Vous pouvez faire des articulations coincées ou courtes pour créer des impulsions ou la conduite rythmique de l'extrémité inférieure comme ceci. Ou vous pouvez faire quelques articulations X entrées dans le vent bas. une mesure vraiment, ces battements principaux dans les ports comme celui-ci ou tout type hors de la tension. Les articulations comme tremulous peuvent sonner bien dans le bas de gamme, alors explorez toutes les possibilités, mais réalisez que les principales lignes directrices pour l'écriture avec double base est de fournir l'ancrage total en octaves avec le violoncelle pour la plupart et vraiment faire moins avec la lune et les changements d'intervalle. Sauf si vous faites des trucs rythmiques, auquel cas il devient plus d'un motif ou riff pour la phrase dans le bas et d'accord. Alors maintenant, vous avez appris sur les doubles baies. Continuons dans la prochaine vidéo avec le violoncelle. 5. The String Family Cello: violoncelle, également appelé violoncelle, la deuxième plus basse enregistrant la famille de cordes est la section de violoncelle à environ quatre pieds ou 120 centimètres. C' est comme la contrebasse trop grande pour tenir à la fois la double base, et les frissons se tiennent sur le sol, soutenu par une cheville métallique. Le rôle des Chelios est très souvent de soutenir la double base en jouant une octave au-dessus de la double base. Cela crée un plus fort et plus concentré, cependant, et cependant, le violoncelle a une gamme incroyable et une belle tonalité, et ils peuvent être utilisés très efficacement pour jouer des mélodies ou contre des mélodies ou des harmonies sur haut, hors de la base avec un ton très chaud et luxuriant. Tuning est C à G à D trois et G trois. Donc même accord que les altos, mais une table en chêne sur les gammes communes. C deux à environ cinq. Maintenant, la justice que j'ai fait avec la base que j'ai chargé quelques variations ici sur peu profonde, si solo, petit et humble grand et luxuriant exemple. Laisse-moi jouer le ton. Vous pouvez entendre la différence. Solo Smalling Sambo quatre frissons Dans ce cas, grand ensemble commence à devenir vraiment riche et luxuriant, puis le plus grand ensemble luxuriant. ce moment, vous pouvez également voir ici que la note la plus basse sur tous ces cas est en fait voir les larmes sur octave au-dessus de la double base. Donc, une astuce que vous pouvez utiliser si vous voulez conduire en octaves sur Lee est en fait d'enregistrer la partie sur Disons ces bases ici, utilisons qui commence humble ici. Alors allons tirer le plus bas F Si j'enregistre ceci et puis vous le faites simplement glisser vers le bas vers le violoncelle, allez dans l'éditeur général et déplacez toutes les notes dans Oakdale comme ceci et puis vous avez, ou une autre astuce que vous pouvez utiliser si vous êtes supporté par DW est si vous n'allez pour utiliser des octaves pour les Chelios, injuste transposer automatiquement. 12 7 notes en haut. Alors si je joue, disons cette base ici, avec les Chelios. Même si je joue en voir un, il va jouer voir un sur la base, mais transposer jusqu'à voir deux sur les profondeurs comme ceci. Alors maintenant, je peux les jouer en tandem. C' est un son fou, super puissant , concentré , concentréet superposé dans les octaves maintenant, puisque les frissons ont un très beau ton lyrique et vont beaucoup plus haut dans la portée. Ils peuvent, en fait, faire d'autres choses que sur Lee être leur soutien pour la double base. Ainsi, par exemple, vous pouvez jouer plus doux decl, e et en fait des thèmes sur le Chelios. Quelque chose comme ça, par exemple. Ah, j'ai joué autour du milieu C, et ça semble toujours très beau sur la base. Je crois que ça ne sonne pas Aziz. Bien là-haut. Ainsi, comme vous pouvez le voir, le froid doit a une plus grande flexibilité. Ils peuvent être utilisés pour fournir l'ancre tonale et la profondeur puissante dans le bas de gamme avec la base qu'ils peuvent faire plus de choses rythmiques Très bien. Par exemple, de Lower Austin Auto ici sur, disons, ah G Teoh, ou même monter pour voir um trois. Ou jouer quelque chose avec les articulations ex entidad même faire des courses dans le Lohan ou le taux de viande . Donc, à mon avis, peu profond est le plus polyvalent hors des cordes dans la famille des cordes, ils peuvent faire le soutien bas de gamme, puissant, profond. Ils peuvent faire des thèmes mélodiquement intéressants, mélodies lyriques et des motifs. Ils peuvent faire des séquences d'action, comme je viens de le montrer, vous pouvez jouer en harmonie, ce qui signifie des notes à l'époque. Comme cette façon sonne super usure dans le bas de gamme sur la base. Par exemple, si je les rejoue Ah, comme ça, comme ça, vous ne devriez jamais vraiment faire des harmonies dans la gamme la plus basse de la musique. Donc, à mon avis, basses profondeurs ont la flexibilité de Vitus sur les instruments à cordes. En fait, mon opinion personnelle est que c'est mon instrument préféré, en fait sur tous les instruments avec le piano. Bon, maintenant que nous avons exploré le son et les cas d'utilisation du Chilo, continuons avec l'alto dans la prochaine vidéo. 6. La violla de la famille: alto. L' alto est la sœur aînée du violon, ce qui signifie qu'il était historiquement le premier des instruments de la famille des cordes à créer. Il est légèrement plus grand et avec des cordes plus épaisses que les violons. Un aspect intéressant. Tout l'alto est que le réglage est en fait trop faible par rapport à la taille physique de l' instrument. Lorsque vous le comparez avec le réglage par rapport à la taille sur des coques à double base ou des violons, ce réglage inférieur forcé crée une tonalité très unique et brève, toujours caractéristique. Le roulement des contrevenants est généralement de fournir l'argent moyen horreur. Voix hors de la progression de l'accord, et rarement il enlève le roulis de la milady principale. Fondamentalement, il remplit les rhumes comme support harmonique. Ce sont peut-être les raisons pour lesquelles l'alto a une réputation un peu moins glorieuse que le reste. En dehors de la famille des cordes, l'accord est C trois, G trois, D quatre et G quatre, donc le même accord que Chelios. Mais une octave plus élevée et la gamme commune est C trois à environ six. Bon, alors commençons par quelques démonstrations sonores de différentes tailles de section. C' est ainsi qu'une viole solo, air et le son. Vous êtes vraiment là ce cheval presque nasal et son mordant que Viola a, ce qui fait sortir plus que n'importe quel autre instrument à cordes de la famille des cordes. Mais bien sûr que c'est le cas. Revenez un peu, plus la taille de la section est grande car cela brouille le son global. C' est donc un petit ensemble. Quatre flacons dans cette affaire, Theo. Grandes marques, huit altos normales. Voir des échantillons utilisables ? Oui, et les plus grands Russes humbles ici altos qui peuvent ressembler à ça. Bon, donc c'est le son de l'alto. Maintenant, je vais vous donner quelques conseils qu'il pourrait considérer lors de l'écriture pour l'alto dans un arrangement à cordes complètes. Donc, vous avez déjà appris que le double basé dans le rôle le plus habituel est de fournir une ancre tonale , essentiellement la note racine sur chaque accord de votre société. Sur cela, un Chilo est le plus souvent utilisé comme rôle de soutien pour la contrebasse, et le violon fournira la voix Melva Otik. Dans la plupart des cas, le violent et le violent E travailleront pour se soutenir mutuellement. Cela laisse l'alto comme un étranger. Eh bien, c'est Amytal. Si vous considérez le violent comme 12 l'alto est en fait au milieu exact de toutes les voix, ce qui le rend approprié pour écrire ces tiers, par exemple, ou la texture harmonique hors du cours. Donc, si c'est la voix mélodique sur le vous avez les racines et la foi, et peut-être doubler la foi avec le second violon. L' alto s'occupe de la troisième parce que le contexte harmonique de la corde doit le plus souvent être exprimé de manière plus minimale. Donc le un et le cinq se démarqueront le plus, ce qui signifie qu'il pourrait fournir l'alto pour jouer la note du milieu. Donc si je joue quelque chose comme ça, laisse-moi te montrer ce que je veux dire. Si je joue quelque chose comme un accord C qui peut réduire la dynamique un peu comme cette base profonde et puis ici vous pouvez penser que jouer l'alto pourrait être la voix du milieu. Donc, l'E. Dans ce cas, je le dirais probablement comme ça. Donc, deuxième violon Clarence lentement sur l'alto ici, un autre aspect non seulement pour les voix ou garder la voix ou plus se concentrer sur le contexte harmonique de la progression de l'accord. Et c'est non. Même si vous jouez quelque chose comme aide. Si vous jouez quelque chose comme ça avec les cordes. Rachman, vous êtes maintenant pas toutes les cordes doivent jouer qui soutient et longues notes de régate. Vous pouvez, en fait, avoir un certain mouvement avec le rythme. Donc, dans ce cas, j'adore utiliser des altos pour les passages rythmiques parce qu'ils ont ce ton mordant de cheval . Il agit en fait en leur faveur. Il coupe vraiment dans le mélange. Donc quelque chose comme ça et, ah, je vais jouer autour du milieu C. Donc si la progression entière est que c'est e g C, alors l'alto pourrait ajouter quelque chose comme ça, hum, ce qui signifie qu'il fournit le flux rythmique et l'entraînement, tandis que les autres instruments de la famille des cordes fournissent les mouvements fluides . Maintenant, un autre conseil que je veux vous donner est quand vous écrivez pour des cordes. Bien sûr, c'est super important ce que vous avez comme le niveau dynamique et le mouvement. Donc, si vous voyez, je déplace ma roue mod ici, faisons-le dans ce cas avec un ensemble complet de cordes. Si je passe de super bas, je peux aller jusqu'au Teoh Fortissimo. Mais tous les instruments n'auront pas. Le même mouvement, en fait, est devrait écrire mouvement individuel pour toutes les sections de chaînes étaient dans votre arrangement de cordes . Andi. Vous devez toujours vous assurer que la racine et le cinquième est entendu mawr que le contexte de l'hormone e , ce qui signifie le troisième ou le septième, par exemple. Donc, mon conseil est quand vous écrivez pour la section d'alto ou si vous utilisez un Loyola solaire garder la dynamique, cependant, étaient un peu plus bas par rapport à la violence, sorte que vous fournissez un contexte d'harmonie sur ce genre de son que l'alto obtient. Mais en gros, il le repousse dans le mix dans la pièce. Une autre chose que j'aime faire est, si je veux la pousser encore plus loin. Retour est si vous avez ces différents paramètres de microphones, je généralement en fait ah, laisser la fermeture ou réduit à fermer mikes beaucoup, donc vous obtenez une réduction de certains de cet enrouement. Alors maintenant, vous avez appris sur l'alto. Continuons à l'instrument final de la famille des cordes, le violon 7. The String Famille violin: violons. Le violon est la famille la plus élevée de l'industrie des instruments de registre. La violence est si importante dans l'orchestre qu'elle est divisée en deux sections appelées Première Violence et Deuxième Violence. Et ensemble, les violons ont le plus grand nombre de joueurs que n'importe quel instrument dans l'ensemble de l'orchestre. Souvent, ces deux sections violentes jouent ensemble de la même manière coopérative que la double base et les Chelios jouent ensemble, ce qui signifie se doubler en octaves ou parfois jouer en harmonie. Par exemple, les premiers violons jouant la mélodie principale et les deuxième violons, ajoutant un peu plus de croustillance et de scintillement et de mise au point en doublant la ligne d'une octave supérieure, soit ah complète octave ou une octave supérieure avec leur harmonie. Le rôle des violons est le plus souvent d'être le projecteur dans la famille des cordes. dehors de l'orchestre, ils jouent généralement les mélodies principales et toutes les parties avec notre focus, principalement parce que nos oreilles se concentrent davantage sur des fréquences plus élevées que sur des fréquences supérieures. Et nous avons tendance à aimer ces tons hauts chatoyants, croustillants et soyeux que les violons créent. Tuning est G trois D pour un quatre et e cinq, et les gammes communes G trois à environ sept. D' accord, alors commençons une fois de plus par une démonstration sonore. Dans ce cas, j'utilise un violon solo appelé Joshua Bell violon. Pourquoi ? Parce qu'il peut contrôler la dynamique. La plus grande quantité et les variations sur le Gatto sur ceux-ci sont les aspects les plus importants à l'expression et l'émotion à vos ports sur les cordes orchestrales. Donc ça peut ressembler à ce beau portier Mendel là à la fin. Ensuite, nous allons à un petit ensemble, qui peut sembler comme ça 65 victoires dans ce cas qu'un grand ressemblent ici. 12 Je gagne. Enfin, j'utilise la deuxième violence des cordes cinématographiques pour, euh juste pour que vous sachiez, dans la plupart des cas, avec les grandes bibliothèques de cordes, vous obtenez la première violence et la seconde violence comme réelle sections distinctes étant des enregistrements séparés s O. C'est le son de la deuxième violence dans un grand ensemble sur. Cela m'amène à un grand point lors de l'écriture pour les bibliothèques de cordes, et c'est parfois qu'elles sont transposées dans les instruments réels parce que si vous vérifiez cela et que vous avez déjà appris, la note la plus basse dans la tricherie sur le violon est G trois. Donc nous l'avons juste ici. Ah, c'est la même chose ici. D' accord. Et ici est bien sur à nouveau. Il peut être différent selon le développeur de la bibliothèque d'exemples. À quel point ils l'ont effectivement enregistré. Dans ce cas, il monte ici de sept. Sur les instruments à cordes, il n'y a pas de charge finale exacte, mais c'est une note exacte la plus basse. Sur les instruments à cordes, il n'y a pas de charge finale exacte, L' affichage le plus bas ouvert. Vous ne pouvez pas jouer plus bas que ça. Mais quand on arrive à cette bibliothèque, ce n'est pas la même note que D 3 ici. Transport de thèse. J' ai donc besoin de jouer à un G à la même note que G 3. Vraiment ? attention à la mort, surtout si vous posez vos instruments et, vous savez, faites glisser et déposer des couches de copie autour, hum, qui ont utilisé le même réglage ou transposé des instruments lorsque vous écrivez vos parties. Donc, lorsque vous roulez pour les violons, dans presque tous les cas, vous fournirez le principal appareil Melo la voix supérieure sur Si je vous montre cela sur l' ensemble à cordes une fois de plus. Donc, si je joue quelque chose comme ça avec disons un dans la base et ensuite ignorer toutes les voix médiatiques sonnent comme l'alto ici, donc juste jouer dans la mélodie ici. Ok, alors vous pourriez penser à l'un violon et à vous comme la contrebasse et le Chili, ils se soutiennent fondamentalement sur l'alto est l'instrument de re extérieur à nouveau ? Donc, si vous jouez quelque chose comme ça, eh bien, vous pouvez affecter souvent joué dans les octaves. C' est un cas très habituel pour violon, et un et deux est comme ça. Cependant, dans les fréquences locales, il est encore plus courant d'utiliser des voies doubles et peu profondes dans les octaves. Parce que c'est le cas, vous devriez faire attention à l'écriture. Harman est dans les parties inférieures. Tant d'harmonie droite toujours presque toujours est des bandes ou peut-être la foi parfaite comme celle-ci sur si elle est un cinquième parfait, il est plus transposé même ici. Donc je n'utilise pas cette e ici, mais en fait cette contrebasse sur cette navette ici. Donc, quand on écrit l'hormone E avec le violoncelle pour la contrebasse, c'est souvent plus qu'une octave à part comme ça. Mais dans les gammes supérieures, les fréquences sont plus réparties. Donc là, il est en fait plus d'un écart de fréquences entre vous remarquez ici quand il est fait ici, ce qui signifie que vous pouvez réellement les jouer plus près ensemble sur ce qui est très, très beau à faire avec la violence un et mardi si vous jouez encore une fois, les motifs ici et puis au lieu de jouer du chêne, goût jouer tiers. Comme vous pouvez l'entendre, ces harmonies sont si belles et légères et ont la séparation, mais vraiment aussi liées ensemble bien maintenant j'utilisais évidemment un patch d'ensemble de cordes pour cela, mais vous pouvez faire cet enregistrement sur imparable, puis organiser ces voix pour Violon un et deux. Félicitations. Maintenant, vous avez appris tous les instruments de la famille des cordes orchestrales, contrebasse, violoncelle , alto, violon un et deux. 8. Dynamics: Quel niveau dynamique vous jouez vos performances sur les chaînes et comment vous le changez au fil du temps est l' une des façons les plus fondamentales où l'expression et le changement de tonalité de vos ports de chaîne dans votre composition. Permettez-moi de partager mes meilleurs conseils sur l'utilisation de la dynamique sur les chaînes. Maintenant, la première chose que vous devez apprendre sur la dynamique dans la musique est qu'il existe essentiellement deux versions de celui-ci, la première étant l'attaque initiale de chaque note. Donc, si vous considérez un piano, par exemple, alors jouons ceci. Ce piano est incroyable parce qu'il peut jouer de la dynamique n'importe où de P P P à chaque cinquième, et il est basé sur la valve également dévaluer ce qui signifie à quel point vous appuyez dur sur le boîtier. Cependant, si je programme les roues de modulation et essaie d'apporter des changements de dynamique sur la note soutenue , rien ne se passe parce que le piano est essentiellement un instrument à écoute percussive. Vous ne pouvez pas contrôler la dynamique au fil du temps pour la note soutenue. C' est ce qui rend les chaînes si étonnantes parce qu'elles peuvent façonner la dynamique au fil du temps, qui est l'autre aspect de la dynamique. Donc, si nous comparons, par exemple, des articulations courtes sur des chaînes de chaînes comme celle-ci ici sur staccato. Si je joue quelque chose ici sur mes touches maintenant je peux contrôler exactement comme le piano, l'attaque dynamique signifiant ménage. J' ai appuyé sur les touches de douce à triple, si on s'éloigne entre les deux pour façonner la dynamique comme celle-ci. Maintenant, si je passe à une note soutenue comme la jarretière, par exemple, je peux contrôler avec, dans la plupart des cas, le mode bien sur votre mini-clavier. Mais vous avez changé la dynamique au fil du temps comme je l'ai fait ici. Donc, si je prends ces performances exactes ici, copiées sur les longues chaînes, non seulement vous, en fait, j'augmenterai les contrôles dans la dynamique afin que vous puissiez vraiment entendre la différence de super faible trop haut comme ça et ce qui est tirer. Donc, c'est des changements. Dans la plupart des cas, vous voulez changer la voix réelle. Des changements comme ça ont été joués en solo comme ça. Vous pouvez avoir un changement encore plus extrême Si vous optez pour des exemples de bibliothèques. Vous pouvez jouer Dacey parce que si j'ai un à la dynamique lâche, maintenant ne peut pas aller au silence parce que les choses est le plus bas pianissimo plus haut fortissimo. Si vous ajoutez niente, cela signifie que vous pouvez combattre le réglage le plus bas. Il va au silence, qui vous donne ceci, ce qui n'est pas vraiment surnaturel, parce que vous ne pouvez pas vraiment jouer au silence. Cependant, je veux juste le faire pour démontrer, ah, ah, la dynamique réelle de la mise hors tension au fil du temps. Donc, dans les changements les plus extrêmes, vous pouvez vraiment obtenir ce type ondulé et fluide dans la dynamique, non ? Juste à des fins de démonstration. J' ai fait le contraste extrême dans la dynamique là-bas, mais ceux-ci sont La principale différence est le nez court est basé sur la vitesse. Les valeurs appartiennent à la dynamique au fil du temps, dans la plupart des cas, la roue de modulation. Dans certains cas, vous pouvez réellement mapper la dynamique à un autre contrôleur, mais je recommande d'utiliser le mobile, qui est C Z un. Maintenant, je veux vous montrer une technique très puissante lorsque vous utilisez la dynamique au fil du temps pour créer encore plus de mouvement et de variation dans vos arrangements de cordes. Et c'est, j'ai en fait composé ceci avec basse, violoncelle, alto premier et second violon dans des morceaux séparés comme celui-ci. Et si je l'ouvre, vous pouvez voir les progressions ici. Montrez-les par région, Kohler pour que vous puissiez voir la base de l'inbred, puis la spirale du violoncelle, dernier premier violon et le second violon sur le dessus. Et si j'ouvre l'automatisation, vous pouvez voir que j'en ai toutes. Les cinq pistes ont un mouvement séparé dans la dynamique au fil du temps, ce qui est le plus de détail ou de modulation. On verra C 1 sur ce testament. Même si la direction générale est à peu près la même pour tous, ils sont l'indépendance de légers changements que vous pourriez même avoir. Si vous voulez créer un contraste, faites le par exemple. Deuxièmement, la violence diminue tandis que le 1er 1 monte et ainsi de suite. Mais juste écouter ces exemples. Vous pouvez vraiment entendre comment ils prennent vraiment vie lorsque vous ajoutez non seulement les pistes séparées, mais aussi des dynamiques séparées au fil du temps. Alors écoutons ça tout en le regardant dans le piano rouler quelque chose comme ça, ce qui me semble si beau et lyrique. Et vous obtenez vraiment ces changements subtils dans la dynamique et la variation entre les voix dans dynamique pour donner vie à l'ensemble de l'arrangement. C' est donc la dynamique au fil du temps. J' ai en fait un exemple ici pour les notes courtes rythmiques où vous vous concentrez sur l' attaque initiale , la dynamique basée sur le niveau de vitesse. Donc si je vais ici et là maintenant nous avons besoin bien sûr, ça change pour montrer par vitesse. Vous voyez la variation de couleur ici. C' est donc la variation de la dynamique sur l'attaque. Bien sûr, vous voulez vous assurer que vos battements principaux et vos accents ou des valeurs de vitesse plus élevées signifiant une dynamique plus élevée. Donc en fait créé des cordes staccato ici pour les accents principaux avec les tribunaux comme ça. , Si je joue seulement ça,elle est comme ça, alors j'ai un staccato de violoncelle qui fait ça avec quelque chose. Ah, nous sommes en train de parler. Je pense que c'est le cas. Et puis sur la dernière partie ici, je ne me souviens pas ce que c'est aussi des chaînes super courtes ici, certains ou style géo de page comme celui-ci, double notant. Et chaque fois que vous faites un double nez comme ça. Donc, c'est une cassette bonus supplémentaire. Ah, j'aime l'enregistrer. Disons que c'est le 16. Aucun motif n'a été enregistré comme un motif de huit vers le nord, puis reproduit. Faites glisser la note jusqu'à la 16e note suivante et assurez-vous que bien, tout est sélectionné que vous avez glissé vers le bas de la vitesse. Donc, la vitesse de la première note ici est toujours plus élevée que la suivante. Pas si plus haut. Feu inférieur, plus bas et donc os. Et tous ensemble, avec toute cette variation, vous pouvez obtenir, hum, quelque chose comme ça, par exemple. Maintenant, il y a aussi deux attentes ici que je veux vous donner quelques conseils pratiques sur. Et c'est le Vous avez la variation dynamique, signifie la sensation humaine, que tout n'est pas exactement le même niveau de vitesse. Et puis vous avez la dynamique sur les accents et les battements principaux, ce qui est plus élevé, bien sûr. Mais aussi, si j'ouvre ça, si je sélectionne tout et puis ouvre la vitesse pour que vous puissiez voir ici, euh, vous voudrez peut-être aussi vous assurer que par exemple, à la fin, vous montez la moyenne valeurs de vélocité. Comme vous pouvez le voir, il est légèrement plus élevé ici à la fin que les barres de musique précédentes, et vous pouvez également voir où les principaux accents atterrissent pour que vous puissiez voir qu'il est sur la bombe. Ici, vous avez. Ah, surtout sur l'un, et vous pourriez vouloir aller et augmenter ceux un peu plus juste pour vraiment vous assurer qu' ils sont plus. La plupart des battements vers le bas, peut-être, ou partout où vous avez les principaux accents que, disons, ici dans le 123 um, vous pourriez vouloir avoir ce plus haut, Donc juste aller et augmenter pour toutes les différentes parties et encore. Ou peut-être que vous voulez les avoir plus bas. Quoi que vous vouliez faire, même vous pourriez vouloir tirer une augmentation moyenne comme ça donc la plupart de la dynamique monte comme ça devrait avoir une écoute d'ici. Assurez-vous que vous avez une variation dynamique, ajouté de la dynamique sur les accents et les battements principaux hors des rainures ou des vitesses supérieures. Et parfois tu veux avoir le bélier. Alors je dis que je le ferai. Je vais le faire d'une manière extrême parce que vous ne pouviez pas vraiment l'entendre en solo sur le stock à cordes. Ceux-ci sont encore plus bas comme ça. Donc, il va du plus bas, puis plus haut et plus haut, comme ça commence à devenir plus haut. Donc, c'est les trois aspects de la dynamique sur la variation d'attaque, ajoutant les accents principaux comme hi jamais perdu une journée. Ainsi, par exemple, c'est l'accent principal. Peut-être que vous voulez avoir seulement les accents du Maine de Vance. Assurez-vous qu'ils embauchent la vitesse sur la dynamique moyenne ici. Niveaux de vitesse au fil du temps. Vous voudrez peut-être aller dans les courbes. Vous voudrez peut-être avoir un clochard vers le haut puis vers le bas Ah, ou finir à la dynamique la plus forte, comme je l'ai fait ici. Et en fait, cette dernière astuce sur la modification de la dynamique moyenne au fil du temps peut également s'appliquer aux notes longues . Donc, si nous prenons cet exemple, vous voulez avoir maudit comme ça, Mais vous voudrez peut-être que les courbes vont battre de plus en plus haut tout au long de la progression afin qu'il finisse réellement. Il se termine au point le plus élevé. Donc, non seulement vous avez des dynamiques qui changent comme ça, c'est une courbe, mais la courbe augmente en moyenne. Tu pourrais tracer une ligne comme ça si tu me suivais ici et qu'ils augmentent au fil du temps, quelque chose comme ça. augmentent au fil du temps, Vous avez une vague plus lente ici et la vague devient plus haute et les points les plus bas vont également plus haut . Pour que tout s'accroche, puis s'estompe à la cadence. Bon, donc maintenant vous avez appris la dynamique et comment la contrôler et l'utiliser pour vos parties de chaînes et arrangements de chaînes. 9. Expression: sont capables de tant de diversité dans l'expression. À mon avis, ils ont la polyvalence la plus expressive de toutes les familles d'instruments. Sauf si vous comptez la voix humaine, le rugissement, bien sûr, d' innombrables façons. Vous pouvez ajouter l'expression par Alvar Aires articulations vous plainin chaînes. Mais ici ou mes premiers conseils personnels pour ajouter l'expression sur les chaînes dynamiques la forme la plus puissante d'expression. Donc, vous avez déjà appris à ce sujet et qu'il existe deux façons de contrôler la dynamique. Première attaque initiale pour les notes courtes avec la vitesse Comment hall vous appuyez sur deux touches sur la deuxième façon est de contrôler son au fil du temps. Par exemple, comme ceci avec les souches insolubles et utilisez le contrôleur CC plus perceuse sur votre clavier de compteur comme ça. C' est donc la dynamique. Le suivant est le goto on. Je vais vous montrer ça avec la coquille. Oh, ici parce que vous avez différentes formes hors du goto, donc vous pouvez réellement utiliser différentes transitions entre les notes. Donc, si vous avez Lou sait sans Lego toe, par exemple, comme ça oui, jouer détaché ce qui signifie qu'ils se sont opposés entre les notes, mais dans la plupart des cas pour les cordes sur le long nez, vous voulez utiliser diverses formes de la jarretière reliant le nez avec un flux lisse. Tout ce qui vient d'un lo-gatto mou normal va à ici, les yeux que quelqu'un a apporté en fait. Et puis Kanta Billy ici est très douce, belle, forme lyrique du goto, ou peut-être une insulte. Le goto est ce flux expressif, lisse Entre les notes, il peut passer d'une régate rapide tout le chemin à un mental porteur, qui est plus long diapositive et entre les notes. Maintenant, pour que vous entendiez cela plus clairement, j'ai maintenant installé un violon solo dans ce cas Joshua Bell violon. Parce que les instruments de Séoul auront toujours des formes plus claires d'expression et d'émotion dans la performance, vous entendrez tout plus clairement, et dans ce cas, vous pouvez réellement voir quel type de goto est déclenché ici. Donc, le logo à la transition, qui est la deuxième option expressive la plus importante après la dynamique, à mon avis, sur les cordes. Donc, si vous écoutez cela maintenant, la porta lente mentale, que je trouve très belle, mais l'utiliser avec parcimonie, apprendre à aller hardiment aller voir si je peux obtenir un doigt aller immédiatement. Donc, vous obtenez beaucoup ou variations de la fille dans cet instrument sur. C' est un bon signe pour une bibliothèque d'échantillons de chaîne d'avoir beaucoup de variations Gatto. Et cela nous amène au numéro trois, qui est le plus large, que je trouve personnellement la forme d'expression la plus émotionnelle. Si vous écoutez un chanteur tenant une longue note, ils ajouteront toujours la grotte et plus vous ajoutez le librato, plus il se sent émotionnel. Eso si votre instrument a un moyen de contrôler réellement le vibrato ou s'il est réellement brûlé dans les échantillons au moins obtenir le plus large comme par exemple, dans ce cas avec les dernières chaînes, ils ont le librato cuit dans un plus grand sections et ensembles. Tu n'entends pas vraiment le grand. Ça sonnera juste les ânes qui montent en flèche. lyrique, Sonlyrique, beau, cependant, avec un instrument solo. Quand vous introduisez le plus large comme ça qu'un beau vibrato de pitch qui ajoute tant d'émotion au son pour que vous puissiez le rouler comme des vagues, comme la dynamique comme celle-ci, euh, pour créer même vibrato de pitch qui ajoute tant d'émotion au son pour que vous puissiez le rouler comme des vagues, comme la dynamique comme celle-ci, euh, mawr mouvement et mouvement dans vos performances de streaming. Ensuite, on aura l'accent Teoh. Donc, disons que vous avez des cordes ah v et jouez quelques longues notes, puis en utilisant une sorte d'articulation d'accent comme Mark Otto, il y a pour le sel sur, par exemple. Ces instruments ont ici plus de culture, bien qu'ils aient du sport sur 40 piano, n'importe quel type d'accent au début, sur une longue note pour vraiment ajouter de l'émotion à la performance. Comme ça. Bien sûr, vous avez besoin de Teoh réellement programmer cela ou jouer les clés, ce qui est en direct test élevé. Passez avec la souris ici, mais vous obtenez le point de la démonstration en ajoutant ces accents. Dans ce cas, vous avez principalement orteil Marco et coincé là-bas pour faire ces accents avec fournir. Si vous voulez un accent plus court sur le off, évidemment programmer cela en changeant la dynamique pour les faire se connecter. Mawr fera le flux de performance mawr. Ah, mais c'est le chemin, en ajoutant une expression avec des accents. Enfin, nous avons des articulations, donc ces accents sont fondamentalement des articulations. Cependant, vous avez tellement plus de potentiel d'inclure à différents types hors articulations comme ornements. Vous pouvez faire chrétiens ces insinuations sombres, orcs, pains tremblants, par exemple, en ajoutant un trill. Hum, donc en fonction de ce que votre bibliothèque de cordes a disponible, vous pouvez faire beaucoup en programmant des déplacements dans les articulations, soit comme ornements ou comme variations dans toute la séquence. Par exemple, si vous prenez la, euh, la progression du noyau ici qui se joue avec un simple passage à l'articulation soutenue. Maintenant, si vous voulez arranger ça pour les différents instruments ici, euh, comme je l'ai fait ici, comme si vous vouliez peut-être changer. Par exemple, faites jouer l'alto. Disons un trémolo avec une longue librato comme celle-ci qui ajoutera une expression supplémentaire dans l'ensemble de la performance. Même si elle est à peine audible, elle ajoute vraiment une dimension supplémentaire. Vous pouvez entrer et faire autre chose pour la coquille. Oh, disons que vous voulez faire, ah, ah, passer ce légal à une Ulta jambe molle ou,par exemple, par exemple, faire une sorte d'articulations dynamiques comme les longs crescendos et les orcs vont vraiment dans et se former les performances d'inclure la variation aussi sur une base note pour note à travers les clés de programme, qui est de changer, par exemple, entre trémolo soutenu différentes formes de l'objectif de créer des variations et expression avec l'articulation change félicitations. Vous avez maintenant appris certaines des façons les plus fondamentales d'ajouter de l'expression et de l'émotion à vos ports de chaînes et à vos arrangements de chaînes. 10. Diriger de la voix: l' importance de la conduite vocale est toujours importante dans la composition musicale, mais comme les cordes ont une capacité étonnante à circuler en douceur du non à la note, je dirais que le chant est très important sur les cordes par rapport aux autres familles d'instruments . Voici quelques-uns de mes meilleurs conseils pour la voix leader sur les cordes Respectez les Rangers. Donc, ce que je veux dire par ceci est quand vous considérez tous les ports ici pour tous les instruments la famille de cordes, vous devriez généralement garder les voix hors des parties de leur gamme respective, ce qui signifie que la base devrait être la voix la plus basse. La ligne que vous écrivez pour elle que les Chelios, puis par nous tous que la première violence et ensuite les deuxième violons. Telle est la ligne directrice générale. Vous n'avez pas à utiliser cette règle tout le temps, mais comme point de départ, il est bon de l'utiliser. Donc, si vous vérifiez ceci ici, vous pouvez voir que la base qui sont rouges ici est la voix la plus basse. La prochaine orange est le Chelios. Puis les altos ici pourpre juste au-dessus ici nous avons l'unisson. Derrière cette coquille, une fête a l'alto. Ensuite, vous arrivez au jaune, qui est le premier violon et la deuxième violence maintenant à faire est encore plus clair. Je vais vous montrer sur le clavier de piano. Donc, disons que vous avez la base du G. Alors la prochaine voix dans votre arrangement à cordes devrait, comme point de départ, être le violoncelle. Encore une fois, comme point de départ. Si je nous l'ai dit une seconde, s'il vous plaît. Évitez les cordons en dessous de la mer 3. Donc c'est C 3 sur. Puisque les fréquences sur les notes deviennent plus étendues, plus vous devriez généralement avoir comme ligne directrice. ALS les octaves en dessous de la mer trois sur, peut-être pour connaître l'argent tor comme ça. Mais ne les mettez pas trop près l'un de l'autre. Donc quand tu commences à descendre ici, ça a l'air tellement étouffé. Si je joue la même maison et qu'ils apparaissent, ça ressemble à un gros son étouffé ici. Donc, comme un point de départ prend les trois tout ci-dessous, penser dans les bandes ou très étalé pour savoir tourment est comme ça sur mettre toutes les harmonies et accords apparaissent dans les gammes supérieures, et cela nous amène à l'étape suivante, qui est l'espace hors des voix. Donc, si nous vérifions cet arrangement avec toutes les parties de cordes ici encore, vous pouvez le voir, surtout la note de basse. Ici. Vous voulez avoir un grand écart entre la note de basse et la voix suivante, qui est généralement celle des navettes. Donc, quand vous vous levez au-dessus de la mer trois, vous pouvez généralement avoir les taureaux est plus proche ensemble. Mais comme vous pouvez le voir, j'ai choisi de garder la première violence et les deuxièmes volumes tout le chemin apparaissent. Ce qui signifie que je laisse de grands écarts ici entre ces voix parce que généralement quatre cordes. Ça sonne mieux quand tu espères les voix comme ça. Donc si on jette un coup d'oeil à cette piste à cordes ici, vous pouvez voir la note de basse. piste à cordes ici, Donc, c'est juste une chaîne dans sambal patché, au fait. Ça a l'air bien, mais j'aurais pu,par exemple, l'espacer encore plus loin. Ça a l'air bien, mais j'aurais pu, par exemple, Donc, prenons cette voix du milieu ici, par exemple, et vous devez sélectionner toutes les voix du milieu, puis traîné vers le haut en octave. Cela signifie que j'ai toujours exactement la même société, mais exprimé d'une manière qui a mawr espacé les voix qui obtient plus de séparation entre les instruments sur. Ceci est particulièrement important sur les cordes, car tous les instruments à cordes de la famille de cordes ont un ton caractéristique très équilibré et similaire . Donc s'il veut la séparation, faut mieux espacer les voix. Et pour les pouces inférieurs, il est à nouveau beaucoup mawr important, puisque les fréquences vont se heurter à nouveau. Sous la mer 3, je n'aurais que je n'aurais quedes cassettes de chêne et de l'unisson. Au fait, je pourrais même faire tomber ça pour arriver à l'octave basse juste ici comme ça sur Disons que je veux l'avoir comme le violoncelle, Zo ou au-dessus. Comme ainsi et maintenant nous avons la base avec Shelagh Voice une octave ci-dessus à nouveau. Ceci est un patch ensemble de cordes, mais c'est juste à des fins de démonstration sur il semble déjà beaucoup plus concentré et beau. Laisse-moi te montrer ça aussi sur le clavier du piano. Donc, quand vous montez vos ports de cordes, j'ai généralement droit sur un patch ensemble de cordes d'abord, donc le sel avec la base. Si alors la ligne directrice générale est mis la voix suivante comme une octave pour soutenir la base. Donc j'ai ici avec Tello. Si vous voulez le mettre sur une harmonie avec le sens, pas l'unisson ou la bande. Alors ma directive personnelle est de mettre cette harmonie au-dessus de l'octave. Donc, si vous voulez utiliser le troisième pour détaillant échantillon à la place ici parce que si vous placez ici, ça ressemble à la merde parce que encore une fois, pas d'harmonies proches ou de tribunaux dans les trois sous-marins. Donc ça veut dire que je le mettrais ici. Ça a l'air bien, mais pas ça. Commençons par ce changement de base, ce qui signifie un énorme écart entre la prochaine voix. Disons que nous le faisons. Et si le cordon est bien, nous allons l'assiette ici. Eso qui est en position fermée car il est vraiment difficile d'étirer vos doigts alors que c'est impossible, même avec votre main droite pour l'espacer, je voudrais généralement juste enregistré comme ça. D' abord Theun hors des mots dans votre séquenceur mettre ça jusqu'à la mer ou même à la mer , donc vous obtenez plus de séparation parce que maintenant je n'ai pas vraiment beaucoup de séparation ici. Fermez la position de cette. Mais si je relâche ma main gauche ici, je peux jouer plus étalé. Donc disons que nous allons utiliser f ici. Utilisons voir là qu'ils vont bouger ça en octave. C' est comme ça que vous l'étalez, rejoignez les voix. C' est donc très important pour les chaînes. Parce que si vous jouez des cordes comme ça, comme votre piano, je dois bien sûr libérer mes doigts de ce qui fait des écarts entre les deux. Donc, si nous retournons ici dans la séquence ou ce sont les cordes longtemps insolvables. Donc, quand tu le joues en premier, ça pourrait ressembler à ça. Ok, ça sonnera vraiment mauvais ou pire, comme si vous le relâchez comme si c'était dû à l'extrême comme ça. Ok, qu'est-ce que tu fais ? Eh bien, vous voulez vous assurer que vous lisez minimiser cette casquette. Vous voulez que ceux avec aller aux transitions pour les cordes parce que ces voix, ils déplacent simplement le non à la suivante qui glisse dans la suivante. Donc tu veux aller et prolonger cette note ? Ma façon de le faire est en fait une commande clé que vous voulez trouver dans votre séquenceur pour combler cet écart, forcer à aimer ça. Donc j'ai déjà programmé ça, um pour vraiment réduire ça ici. Mais pas seulement ça s'est joint. Les notes signifient aussi si vous jetez un oeil. Mais j'ai juste corrigé ça comme Donc maintenant j'ai réduit à des lacunes, donc ils sont réunis ensemble. Mais si vous regardez ceci, c'est la même note. Eh bien, les cordes peuvent jouer les notes en continu, donc ils sonneront beaucoup mieux si vous venez de comparer avant Si vous les rejoignez quand vous le pouvez. Chaque fois que vous avez ici la disponibilité de vos pièces pour les rejoindre. Eh bien, trouvez votre commande clé dans votre séquenceur pour joindre les notes en une seule. Donc ce sont deux notes. Maintenant, si j'utilise dans ce cas, commande J dans la logique, je les ai joints ici aussi. Entendez-nous. Eh bien, chaque fois que vous voyez les notes sont les mêmes. La ligne directrice générale est de les regrouper, et maintenant ils vont couler. Même Mawr. Parfois, vous pourriez même vouloir de vous parce qu'il n'y a pas d'écart entre les deux. Mais parfois, cela semble encore mieux si vous avez un léger chevauchement lorsque vous rejoignez les voix. Donc j'ai déjà rejoint celui-ci. Mais si je suppose plus près ici et puis vous pouvez voir que je peux faire comme ça et même prendre la partie suivante cette note ici si méchant et commencé un peu plus tôt parce que vous aurez toujours certain chevauchement dans un vrai orchestre quand le quand ils jouent. L' arrangement sur cela signifie que les notes s'estompent encore plus, sorte qu'elles s'écoulent dans le port suivant ici, intervalles plus courts pour le flux. Donc, pour les arrangements de cordes, vous voulez généralement garder la transition entre chaque note hors de chaque voix, sorte que chaque ligne d'instrument est sa propre voix. C' est ce qu'on appelle la voix. Si vous entrez ici et jetez un coup d'oeil, c'est la voix la plus basse, la base qui descend la voix suivante, puis les altos. Première violence, deuxième violence. Chaque ligne que vous voulez généralement garder le plus lisse possible pour les transitions de chaque note. Donc ici, nous avons les meilleurs garçons, comme vous pouvez le voir, parce que très doucement, comme celle-ci suivante, toutes les voix sauf dans la base, vous avez souvent besoin d'avoir de plus grands sauts juste parce que vous avez besoin de respecter la note racine du cordon, et vous ne pouvez pas vraiment changer cela. Mais si vous pensez considéré que ces voix ici, j'aurais pu mettre ceci et de l'oxygène, mais en bas. Mais maintenant, c'est un grand saut. J' aurais pu mettre ça ici inductif à propos de maintenant, c'est un gros. Ça semble bien mieux quand on les garde plus près ensemble. Les notes comme ça. De cette façon, vous obtenez un flux très fluide pour toute votre progression. C' est donc très important parce que nos oreilles écoutent plus la voix la plus haute que n'importe quelle autre voix. Donc, ces deux voix supérieures ou la plus importante pour la concentration et l'attention, ce qui signifie que si vous écrivez une progression harmonique, une corporation, les voix supérieures sont là où vous écrivez la mélodie parce que c'est le centre de l'attention. Si vous écrivez votre journée de médailles, disons au milieu ici, ces voix les plus élevées seront toujours ce que vos oreilles ramassent le plus, ce qui, bien sûr, nuisera bien sûr, la mélodie. Donc, si vous écrivez de la mélodie ici, pensez à supprimer ces voix de haut niveau ou à les mettre à un volume beaucoup plus faible sur dynamique pour vraiment attirer l'attention si vous écrivez la mélodie dans cette voix du milieu ici. Donc, si j'écris quelque chose sur, utilisons un piano juste pour arrêter ou utilisons les cordes, le patch de longues cordes. Ok, alors remontons le clavier du piano. Si j'écris quelque chose comme ça ? Ah, à partir en ré mineur. Si je déplace la limite de la voix pour jouer la mélodie ici, vous pouvez vraiment entendre qu'il est très obscurci par les voix supérieures. Mais si je les retire maintenant, ça devient la mélodie parce que c'est la voix supérieure. Donc, en général, cela signifie que si vous écrivez quelque chose, faites-vous connaitre Tallman au lieu d'une cour avec une base. En effet, utilisez la voix la plus élevée comme votre voix mélodique dans votre progression sur ce sera le centre d'attention. voix supérieure est la mise au point, puis utilisez la voix au-dessous comme support pour la force supérieure. C' est pourquoi je recommande d'essayer Teoh jouer la basse dans le goût de chêne quand vous venez avec les nouveaux thèmes et mélodies base dans le avec en octaves avec la main gauche puis voix mélodique , plus l'harmonie en dessous. Donc, non, vous pourriez finir par doubler ces voix Milic en octaves, soit au-dessus, soit en dessous. Mais comme une ligne directrice générale, je recommande un départ quotidien. Pensez-vous que c'est la voix supérieure que vous allez voir si je retourne à la séquence de droite avec votre voix la plus haute alors cette voix ici sera la mélodie Ou si c'est la mélodie Et si vous avez une voix supérieure, disons cet endroit le harmonie je considérerais jouer Ah, si vous jouez ceci est cette mélodie jouant ceci comme un niveau dynamique très bas et faible Ah, intensité afin que cela prend l'accent. Mais encore une fois, ligne directrice générale voix haut est l'accent, qui est la mélodie à nos oreilles. Utilisez les notes de transition. Donc, afin de créer des arrangements de cordes plus intéressants, vous devriez envisager de temps en temps d'inclure une note de transition pour une voix off . Comme vous pouvez le voir ici, par exemple, cela monte ici et ensuite à la suivante, donc j'aurais pu le laisser comme ça. Mais au lieu de cela, j'ai fait une transition là-bas. Donc si je ah, un petit amène cet arrangement de cordes ici. Ok, donc ces accords ou un bar ici l'un portait la cour suivante. La prochaine cour. Suivant accord. Ah, et ainsi de suite. Maintenant, je pourrais le garder comme ça. Il est très minimaliste et simple, Mais si je veux ajouter plus d'intérêt, vous pourriez utiliser par exemple. Découvrons ça ici. Alors qu'est-ce qu'on a ? Et puis découvrez dans quelle échelle vous êtes, évidemment. Vous voulez donc utiliser une note d'échelle pour la transition ou même l'une des notes de corde. Donc ici vous avez un F, F et C. Pourrais-je l'amener à F, par exemple, puis descendre pour voir Asi détruit entendu là-bas. Donc, ce serait l'alto monte à F, puis vers le bas pour voir à nouveau au lieu de simplement le garder comme une seule note là-bas. Mais puisque je veux garder le flux ici pour ça, non, puisque c'est le même, je vous ferais probablement une transition. Par exemple, Ici, faisons ça ou faisons-le comme ça. Coupez la note et voyez ce que nous avons. A F C est le cordon, donc nous allons de F à dire, venir à l'A entre les deux parce que cela fait encore partie de la cour sur. Vous avez vraiment besoin d'écouter attentivement ce qui se passe. Alors mettons-le en sourdine pour l'instant. Comme vous l'avez entendu. Il coule encore mieux à la prochaine parce que je suis en fait aussi dans le même temps réduit les intervalles utilisés. Parce que j'ai utilisé une note de transition, c'est maintenant un intervalle plus court et l'épaule dans son intégralité par rapport à l'avoir ce grand saut ici, vous pourriez même le faire pour la base la même chose. Donc la même chose ici, couper, aller à un afin qu'ils travaillent en combinaison. Bien mieux, disons que tu fais quelque chose comme ça ici une houle, hum, faisons-le ici. Donc, mais nous avons hav e g c est les notes de corde et nous allons de moi à G ici. Vous ne voudrez peut-être pas aller jusqu'ici parce que c'est un grand saut ou même vers le bas. Donc c'est le saut du plus court. Donc, parfois, vous pourriez même vouloir aller avec la charge de la balance au lieu d'une note de cour. Essayons celui-là. Donc, j'ai un changement dynamique extrême là-bas. Déplaçons le haut pour qu'on puisse l'entendre plus. La transition. Je ne voulais pas brouiller davantage les lignes en les élargissant simplement le débat. Ils se chevauchent encore. Maintenant, vous êtes vraiment là sur ces redevient les mélodies que vous avez vraiment écoutées. Ah, euh et tu peux le faire pour toute la progression. N' exagérez pas les notes de traduction de ces voix. La transition la plus connue devient, bien sûr, les voix les plus élevées parce que c'est la mélodie. Donc c'est plus ou moins la ligne mélodique. Ah, mais ici dans le bas Ah, et vous ne pouvez pas le considérer comme une basse marchant ici au milieu, ça devient juste un flux organique de notes. Donc, par exemple, ici vous pouvez le faire monter et descendre et monter encore, ou tout ce que vous voulez. Ah, je l'utiliserais avec parcimonie parce que dans la plupart des cas, vous voulez garder ce long flux fluide. Maintenant, j'ai un dernier conseil de bonus pour vous, qui est d'ajouter un mouvement contraire pour la voix conduisant à ajouter même l'intérêt mawr pour votre progression harmonique. Alors allons y jeter un coup d'oeil ici encore, en supposant que nous puissions voir ce que je veux dire par mouvement contraire, c'est que lorsque vous considérez toutes les lignes, pensez à celles-ci comme des lignes individuelles basées peu profondes, altos, premiers dépôts, la deuxième violence. Dans quelle motion sont-elles introduites ? Donc, c'est de concéder. Ici, Melo a divorcé. Si le second violon monte le plus haut pendant que le clochard de la violence descend ici, ils ont le même mouvement. Ça descend, ça descend. Mais cela monte donc vous avez beaucoup de variation. Une voix apparaît Une voix là-haut, trois voix vers le bas. Ok, donc parfois vous obtenez ça par accident. Mais vous voulez y penser délibérément comme quand vous transposez ceci vers le haut ou vers le bas d'une octave ou faire la note de transition, qui êtes-vous juste appris ? Pensez quand vous pouvez ajouter un mouvement de pays. Par exemple. Ici, j'ai une personne délibérément choisie pour avoir ceci. Je voulais monter pendant que ça descend et ça descend, un jour monte et ça descend, c'est qu'il avait tellement plus de dimension à votre arrangement de cordes. Et vous voulez vraiment considérer cela en combinaison avec toutes les autres bandes que vous apprenez Si vous voulez. Ajouter un mouvement un peu plus intéressant. Faites-le en mouvement contraire pour la voix qui mène. Maintenant, un autre aspect de ce truc de mouvement contraire est que vous pouvez avoir une ou plusieurs voix ne pas bouger du tout comme ça ici. Cela reste sur le G comme donc j'aurais pu utiliser une note de transition comme celle-ci ou quelque chose comme ça . Mais ici, j'ai choisi de le laisser rester parce que cela crée ce flux lisse et puis d'autres voix peuvent se déplacer comme celle-ci monte. Celle-ci descend ici. Alors considérez que les voix vulnérables restent sur les mêmes connaissances connues, ce qui signifie pas de mouvement pendant que les voix sont attirer l'attention en se déplaçant parce que tout ce qui change apportera plus de concentration et d'attention à elle par rapport à quelque chose qui reste juste sur la même note et le même son. Permettez-moi de démontrer ce mouvement contre aucun mouvement et d'aller et arrière entre lequel voix se déplace sur le clavier du piano. Donc, disons qu'on a g ici dans la base depuis quelques jours. Faisons un TUNEL dit minutes O G et d ici eso que vous pouvez faire, par exemple, comme ceci. Laissez la mélodie noter la voix la plus élevée bouger d'abord comme elles pour que cela reste. Cela restera. Cette voix restera. Ensuite, laissez le D ici, la voix la plus élevée, et laissez cette voix du milieu commencer à bouger et cela va réellement prendre le centre de l'attention et devenir essentiellement la Milady. Donc quelque chose comme ça sur vous pouvez le faire pour toute votre progression. Pour sauter d'avant en arrière entre quelle voix aura l'attention. Donc, bien sûr que ça pourrait. Si vous supprimez la voix la plus élevée, cela n'aura aucune attention. Mais vous pouvez aussi l'avoir pour rester. Peut-être que lorsque vous partirez d'ici, je réduirais la dynamique en l'automatisant. Je ne peux pas le faire parce que j'utilise mes deux mains ici. Mais pensez à cette motion de pays et aussi au mouvement contre aucun mouvement pour toutes vos voix dans votre arrangement de cordes. Félicitations. Vous avez maintenant appris toutes les directives fondamentales ainsi que de nombreux conseils et astuces pratiques pour chant pour toutes vos parties de cordes individuelles et tous vos arrangements de cordes. 11. Conception du son: Comment pouvez-vous concevoir la tonalité globale et le caractère hors de vos cordes ? Examinons quelques-unes des options de conception sonore les plus courantes taille de section solo par rapport à petit insolvable par rapport à orchestre alimentaire. Donc, cette taille de section pour vos instruments à cordes dans vos compositions est le premier aspect de la conception du personnage et de la tonalité, que je vais démontrer ici en vous montrant une corde solo ici ou le premier lecteur de cordes à partager dans cette bibliothèque particulière. Quelque chose comme ce Theo, qui vous donnera ce ton clair et précis, et toute l'expression d'un instrument solo entrant dans l'ensemble d'un Me Desai. Donc, dans ce cas, cinq violons, qui peuvent ressembler à ça, et enfin, un grand ensemble. Dans ce cas, il pourrait s'agir de la première violence d'un exemple orchestral complet. Ici, nous avons 12 violons. Je vais vous donner le plus vash sur un son floue et très chaud et doux. Idéal pour ces grands thèmes, par exemple, Maintenant, une note de côté très importante ici est que même si je viens de vous montrer des exemples hors solo , petit ensemble et grand ensemble, toutes les bibliothèques d'échantillons différentes et commence sur les cordes sonneront différents et auront un caractère différent en fonction des joueurs. La performance des enregistrements sur tout ce qui va dans la création de la bibliothèque pour obtenir un ton différent pour un violon solo. Ah, ici et en utilisant une autre bibliothèque ou brancher et la même chose pour n'importe quelle taille hors de l'utilisation des chaînes. Donc, je peux mieux le démontrer en jouant à différents patchs, même à partir de la même bibliothèque ici, hors des cordes flattes. Il s'agit de cinq violences, qui est un petit ensemble. La suivante est six violences, mais elle s'appelle violence de chambre et est enregistrée comme une performance différente. Alors comparons cela le 1er 1 sur le prochain caractère complètement différent et tonalité eso prêter attention à cela ainsi que les tailles de section lorsque vous créez le caractère total pour vos parties de cordes, acoustique et microphones, de la taille de la pièce au placement au microphone fait. Donc, si vous vérifiez ceci ici le violon solo, vous pouvez voir que j'ai des micros proches, pont un mix et maintenez Mike donc fondamentalement peut penser à ceux-ci comme le besoin proche et quatre microphones mis en place. Donc, la plupart des exemples de bibliothèques implications pour les chaînes vous donnent l'option. Teoh choisir un autre assis sur le niveau pour ce même muting, qui signifie, enlever les esprits proches. Mike l'est entièrement. Donc si je joue juste le micro près ici, vous obtenez ce son très proche. Et puis j'ai présenté le Decca Mike dans une pièce. Les nuits entières, bien sûr, ont la chose la plus ambiante et pulpeuse dehors, et cela dépend aussi de l'acoustique hors de la pièce. Ils ont en fait enregistré les cordes dans le placement de la taille de la pièce des micros ici et le mix off microphones a un impact énorme. Et c'est quelque chose que vous pouvez utiliser à votre avantage pour concevoir le caractère tonal et l'ambiance de vos cordes également. Stéréo et profondeur depuis la position de l'état où les instruments ont été enregistrés jusqu'à l'ajout d'une réverbération supplémentaire ou même un panoramique par la suite. Ainsi, certaines bibliothèques d'exemples pour les chaînes sont réellement enregistrées en position assise réelle dans une scène de notation ou dans un ensemble orchestral, ce qui signifie que vous obtenez le placement automatique dans la scène stéréo et le panoramique et la profondeur automatiquement dans le bibliothèque. Dans d'autres. Vous pouvez réellement le définir différemment en panoramique différemment, et vous pouvez également ajouter une réverbération supplémentaire. En fait, de nombreuses bibliothèques l'ont même par défaut. Disons que si je prends ce petit échantillon ici. Ils ont en fait une réverbération supplémentaire sur ces mixes de microphone ici. Donc, si j'ai réduit cette suppression, il peut réellement ajouter votre propre réverbération externe comme un insert audio ou envoyer effet sur les mots ou non pour utiliser un verbe supplémentaire tout pour juste obtenir le son de microphone chose plus intime et plus focalisé son. Et en ce qui concerne le panoramique, parfois vous pouvez vraiment ah, je ne vous conseille pas de pan dans la plupart des cas ici parce que dans la majorité des cas, il est effectivement enregistré. Ainsi, vous obtenez la mise en scène stéréo automatiquement. Cependant, mais vous pouvez le faire si les partisans de votre bibliothèque sont panoramiques les différents microphones différemment. Donc, vous avez ici des mikes proches, si vous le pouvez. Si vous le souhaitez, vous pouvez le déplacer vers la gauche. Ici. Ah, vous voudrez peut-être passer à leur capitaine à gauche et peut-être celui-ci à droite. Donc, cela devient très profond dans le design sonore, mais cela fait totalement la différence. Va à l'extrême. Oui, vous pouvez l'entendre tout le temps. Je vous conseille d'utiliser ce panoramique dans votre DW est si vous l'utilisez complètement sec Ah, bibliothèque d'échantillons pour les chaînes. Ensuite, vous le panoramique, puis vous l'envoyez dans la scène stéréo avec une production de réverbération et mélange e que et filtrage saturation de compression et diverses techniques de production. Donc, je vous recommande généralement d'être très prudent en utilisant trop d'effets de production et de mixage tels que le filtrage e que, en particulier la compression et la saturation sur les chaînes. Puisque vous voulez avoir ce son naturel et très dynamique, je dirais que sur le rivage, deux cordes telles que Austin autos et des cordes de composition rythmique comme celle-ci utilisaient des techniques de production de beat mawr et des techniques de mixage comparées à des , longues phrases naturelles, longueset lyriques. Donc, euh, je mets généralement un léger filtrage de toute file d'attente. J' utilise ce Ah, beaucoup ce plug in parce qu'il a la compression de saturation et ah, un caractère tonal, qui est fondamentalement un filtre e ki slash. Pas de bière pour la rendre plus lumineuse, ancienne ou plus grasse. Donc, par exemple, sur les cordes courtes, je pourrais vouloir avoir un réglage plus lumineux pour le faire attraper à travers mawr et juste être très prudent avec cela. Et je recommande également lorsque vous utilisez la compression, surtout, ah, essayez d'utiliser un mélange du signal humide et sec, qui est essentiellement une compression parallèle. Une autre technique que j'utilise parfois est sur le long cours et les cordes de soutien de l'harmonie comme cet eso si je veux les repousser autrement que de les exprimer différemment. Ah, je peux utiliser un léger eking Teoh, en fait réduire certains des médiums et des hauts comme ça. Nous sommes en retard juste à des fins de démonstration. Tout le monde a peut-être même réduit les fréquences de basse si je voulais ajouter sur une piste de basse. Donc, je ne me laisse vraiment avec ce fond atmosphérique cordes par rapport à parce que vous voulez sculpter le son Teoh faire place pour dans ce cas, les parties de mélodie et hyper cash dans le sport de base ici. Maintenant, encore une fois, je vous recommande d'utiliser cela avec soin. Et dans la plupart des cas à ces fins, je choisirais d'abord de servir D aucune articulation pour sculpter le son. , Mais fondamentalement, c'est les choses sont utilisées sur les cordes pour les techniques de mixage et de production. Et mon dernier conseil de bonus est l'audition. C' est ma façon préférée de concevoir mes ports de chaîne qui peuvent être en superposition différentes bibliothèques d'échantillons, divers presets, différentes articulations et même des caractères tonaux. Donc, vous avez tellement de capacités créatives avec la conception sonore lorsque vous venez d'esclavage. Revenons aux cordes courtes ici. La première passion est l'ensemble complet des cordes cinématographiques pour coller un savoureux mo. Il sonne comme ça avec, en passant, la saturation de la tranche, la compression et le caractère lumineux et en péril, compression de tout. Fondamentalement, euh, maintenant allons poser ça avec ces cordes, qui est sim phobia, un staccato extra court et passons vers la fin des sons. Vous obtenez plus intime dans votre visage focus, son, son, qui peut ressembler à ça. Donc, l'une de mes façons préférées de calquer est réelle d'utiliser un son qui est plus concentré, et un son qui est MAWR a plus de son de la pièce Maintenant. Nous pouvons également utiliser différents paramètres sur ceux-ci, vous pouvez donc ajouter, par exemple, ceci. Et nous allons utiliser un chaud et le caractère booster une certaine compression et une certaine séparation sur ce pour le rendre encore plus différent. Donc encore une fois, Max boit à sur qui a été vu phobie bon Maintenant, avec superposition ah, complètement différent son final. Utilisons les mêmes techniques pour ah, longue chaîne. Alors disons que vous avez tout droit. Alors qu'est-ce que c'était ? C' était le dernier patch complet de cordes avec ces progressions de la cour ici. Alors utilisons-nous ça sur Sortino. Supprimons ce CQ pour l'instant parce que nous avons déjà cette routine, est-ce pas ? Alors, avec quoi devrions-nous doubler ça ? Eh bien, ah, donc c'est un patch d'ensemble complet. Je crois que c'est Ah, beaucoup de cordes impliquées ici maintenant, mais il peut faire est plus tard avec une section légèrement plus petite. Par exemple, nous allons fromage, par exemple, ces cordes minimales ici, qui était quoi ? Hum, c'est des cordes de chambre longues. Donc, une section plus petite. Faites glisser cela vers le bas et écoutez ce que cela sonne sur un son beaucoup plus intime C'est concentré , que vous obtenez avec une section plus petite. Um, vous pourriez même vouloir utiliser des mélanges différents. Réduisons l'ensemble de Mike est complètement là pour le rendre encore plus concentré. Vous voudrez peut-être avoir la dynamique pour être différente, donc vous vous déplacez simplement vers le haut ou vers le bas ou dessinez une courbe complètement différente comme celle-ci. C' est ce que je recommande, en fait, car alors vous obtenez des variations de mouvement entre les deux. Ensuite, nous pourrions vouloir réduire cela afin qu'il ne redevienne pas trop autoritaire. Et vous pouvez utiliser différents, um production prenant quelques deux. Alors faisons ces derniers à nouveau et boostons les personnages chauds ou gras pour les rendre encore plus. Appuyez sur Envoyer légère, très légère situation de compression. Et toujours quand j'utilise la compression de la séparation sont nés pour utiliser le mode péril. Et je ne vais jamais au-dessus de deux pour bombarder le ratio ici pour le seuil. Je suis très, très légère, légère compression juste pour avoir un caractère analogique. Donc, cela fait ce son comme ça maintenant en combinaison. Et en passant, vous n'avez même pas à les superposer avec toutes les notes. Peut-être que vous voulez avoir ces autres cordes pour les soins de gâteau ou eux. On peut utiliser les cordes basses. Donc ce sont maintenant juste des harmonies plus élevées sur ces, peut-être prendre soin de ah, tout ou juste un bas étaient que créer. Le choix est le vôtre Maintenant, il sonne comme ceci, comme vous pouvez le voir pour les options créatives avec design sonore. Quand vous entrez dans la superposition, Ah est si énorme. Je veux dire, vous pourriez même ajouter, par exemple, une ligne solo à cela. Disons que vous apportez le violon solo, a ajouté Onda. Ne parlez pas comme ça et faites glisser ça ici et n'utilisez que la ligne supérieure. Quoi ? Sélectionnez cela. Allons bouger. Retirez tout le reste. Donc maintenant, vous avez la ligne supérieure croyant doublé, superposé avec le violon solo première action pour obtenir un peu plus de concentration dans le haut de gamme. Que faire contre ça ? Eh bien, quelque chose comme ça. Seulement un beau son lyrique à partir des cordes solo les plus élevées. Ici ajouté l'intimité et le détail avec ce petit cordes sombres et une certaine profondeur avec ces cordes luxuriantes tous augmentent maintenant. Vous avez également appris certaines des conceptions sonores les plus fondamentales et la conception de caractères tonaux sur les cordes pour votre musique sur les positions. 12. Instinct d'assignation: félicitations. Vous avez maintenant appris les fondamentaux, les lignes directrices,les lignes directrices, sons et les couleurs hors cordes de la musique. Maintenant, il est temps pour votre dernière mission hors de ce modèle parce que pour peu de temps et évoluer en tant que compositeur de musique, vous devrez développer une bonne oreille pour la musique et le son en vous écoutant et en analysant les productions professionnelles. Votre mission est là pour ce que j'appelle instinct sonore, c'est-à-dire écouter de la musique avec toute votre attention et analyser tout ce qui se passe. Dans ce cas, votre attention sera, bien sûr, des chaînes. Assurez-vous d'écouter autant de détails que vous pouvez entendre dans la musique. Je vais maintenant vous donner une liste de grands exemples de compositions spécifiques axées sur les cordes orchestrales, que vous pouvez utiliser comme point de départ pour cet exercice. Le Seigneur des Anneaux concernant les Hobbits de Howard Shore, qui présente un violon solo léger et une mélodie à cordes luxuriante. Écoutez l'interaction entre la flûte et le violon et la façon dont les cordes luxuriantes s'intègrent pour le soutien et la variation. Pirates des Caraïbes. C' est un pirate de Hans Zimmer. Cette composition se concentre sur des cordes très énergiques et rythmiques comme Austin Auto speak, Otto contre Bold Stock. Otto The DaVinci Code Chevalier de Sangria sera également de Hans Zimmer, qui est des cordes extrêmement passionnées, émouvantes et expressives principalement motivées par le soutien de cordes rythmiques par rapport à une mélodie de cordes principales. Thème principal de Chin Lear's List de John Williams. Un thème animé par des cordes d'âme belle et émotionnelle, qui a une librato très forte et le thème comprend quelques intervalles plus importants, ce qui le rend remarquable et plus mémorable. Thème de Harry Potter Hedwig par John Williams. Ce thème propose des cordes très agiles et intenses pleines de courses rapides et de phrases, ce qui montre combien d'énergie et de flair cordes sont également capables. Et enfin, une de mes compositions musicales préférées de tous les temps. Cela se concentre sur les cordes, qui est la bière. La Cinquième Symphonie de Tillman de Ludwig van Beethoven, un motif très puissant qui est probablement l'un des motifs musicaux les plus célèbres de tous les temps. Il a également beaucoup d'air gile phrases de chaîne, et toute la composition est pleine ou variations et beaucoup de contrastes. Dans l'ensemble, il dispose également d'une gamme dynamique incroyable. Maintenant allez-y et faites cet instinct sonore, l'exercice pour développer votre oreille et l'instinct du compositeur sur la façon dont les cordes peuvent être utilisées dans la compositionmusicale la composition 13. Maîtriser les articulations: façon dont vous jouez la musique a plus d'impact que les notes que vous jouez. C' est quelque chose que j'enseigne encore et encore, car il est tellement important pour vous d'apprendre en tant que compositeur, c'est-à-dire les techniques de performance de style de jeu, articulations d'instruments de diverses articulations de notes courtes, La variation et le mouvement de Teoh dans vos longues notes à Kohler spécial et ou articulations de tension . Ce sont les articulations que vous verrez dans les instruments logiciels et les bibliothèques d'exemples. Quatre cordes. Et puisque la musique est tout au sujet de la variation, mouvement et des ornements, vous devriez vraiment apprendre à utiliser tous les types d'agents d'articles. Et vous devriez vous entraîner à ne pas être Lacey en tant que compositeur, et Onley a utilisé, par exemple, articulation automatique de jambe pour une piste et parler Otto pour une autre. Parce qu'il y a tellement de variations que vous pouvez ajouter à vos phrases musicales pour ajouter de l'expression la rétrogradation, nous allons maintenant explorer toutes les articulations fondamentales et les techniques de jeu de la famille des cordes. Alors continuons votre voyage dans les cordes en ce moment. 14. Articulations percussives: Commençons par explorer les articulations percussives. Maintenant, j'appelle ces articulations percussives, même si pas tous d'entre eux vraiment ou mais le résultat final. Le son Ing a ce rivage Patek, et vous ne pouvez pas le laisser soutenir, car il s'estompe naturellement après cette attaque. Voici quelques-unes des articulations percussives les plus courantes charbon Len Joe frappant les cordes avec le bois hors de l'arc pour un effet percussif souvent utilisé comme accents puissants et coups de couteau . Très utile en combinaison avec de vraies percussions, il peut même être utilisé pour créer une rainure de conduite avec cette articulation. Très bien, donc ici j'ai chargé un preset Lennier refroidisseur avec les cordes de l'ensemble complet. Vous pourriez avoir même des sections séparées comme le froid, Linéaire sur Chelios ou la violence et ainsi de suite. Mais je veux montrer à quel point il peut sembler différent dans différentes gammes. Donc, dans le bas G ici, il fonctionne très bien pour ces accents durs parce que vous obtenez l'aspect toast de celui-ci, mais vieux avec une crise cardiaque très percussive. Donc si je jouais, disons dans des portées de chêne ici, imaginez la superposition C'était des coups de couteau, marches en laiton et peut-être une grosse caisse. Et si vous allez plus haut dans les Rangers. Il commence à sonner vraiment bon pour les rythmes de l'école comme celui-ci, comme vous pouvez l'entendre pour que vous puissiez ajouter une sorte de groove ici et ajouter ces accents dans la base avec Colonial Onda. Cependant, vous voulez l'utiliser. Mais rappelez-vous qu'ils frappent les ficelles avec les piquets ici de l'arc. Donc, euh, ils ne peuvent pas faire des modèles ultra-rapides. Peut-être, quand ils ont utilisé un bateau pour rebo chaque note. Donc, rendant les yeux ultra rapides littéralement impossibles. Ah, alors passons à la prochaine articulation pizzicato arrachant les cordes avec vos doigts au lieu d'utiliser le BoE a un son très léger, et la libération du son est très courte. Par rapport à, disons, une guitare acoustique ou même un cheval. C' est parfait pour les ports rythmiques légers. Donc, dans ce cas, j'ai voté l'articulation pizzicato sur une section de violoncelle, comme vous pouvez le voir, évité ici, euh, euh, et en regardant jouer deux versions sur l'utilisation de bovins à pizza, que je les trouve particulièrement utile, utile quatre. Donc, si le premier style est quelque chose comme ça Ah, j'appelle ça quelque chose dans l'humeur sournois et mystérieuse de type soulignement. L' autre style serait quelque chose comme ça, que je dirais plus sur le style comique hors pizzicato. Et enfin, vous pourriez même faire une sorte sur Mawr groove rythmique vous. Cependant, une fois de plus, vous devez considérer que ces articulations de type pro Cassidy ne peuvent pas être jouées aussi vite qu' un bateau. Articulation comme parler à Ah, Austin Alter, par exemple. Cependant, ils peuvent être très utiles pour ou payer des rythmes de style géo tant qu'ils ne sont pas trop rapides. Quelque chose comme ce quatre l'utilisait comme accents légers, par exemple, jouer pour connaître Tor Menace d'une certaine manière, quelque chose comme ça juste pour accentuer certains des battements dans votre barre de groove a pris pizzicato. Ceci est également connu sous le nom de snap pizzicato. Cela signifie que vous arrachez les cordes si fort qu'elles frappent la nourriture de l' instrument, créant un effet percussif dramatique. Il devient une sorte de son de percussion bruyant, ce qui le rend idéal pour les accents. Donc, la différence entre pizzicato et bar talk pizzicato est que vous tirez vraiment la corde super hold, et comme vous pouvez le voir, il est même appelé fosses de pression ou snap pizzicato dans cette bibliothèque spécifique qui crée que son de type d'accent très dur, qui peut être quelque chose comme ça par rapport à pizzicato normal à nouveau, accrochez son compteur ou sur un pizzicato de conversation sur. Si vous voulez le garder authentique, vous devez réaliser que faire un clin d'œil, il disperser ou sur un pizzicato parler. Comme il nécessite beaucoup plus de force, vous ne l'utilisez vraiment que comme accents sur, et vous devez les espacer car il ne peut pas faire quelque chose comme ce bar talk pizzicato. Donc maintenant vous avez appris le plus fondamental ce que j'appelle les articulations percussives sur les cordes. 15. Articulaires courtes: Maintenant, explorons quelques-unes des articulations courtes les plus courantes sur les cordes, qui sont idéales pour les parties rythmiques. Accents et phrases rapides. Ricochet un rebond, fois coup dans lequel l'arc est jeté sur la corde et a permis rebondir et rebondir plusieurs fois , soit dans la même direction ou vers une direction différente de l'arc. Il est idéal pour les répétitions très rapides et les notes super courtes, car il a qui a montré un son presque percussif. Maintenant, tout en parlant, Otto est l'articulation courte la plus courante pour les phrases rythmiques rapides. Rico. Elle est remarquée commune, mais il peut être très utile, et c'est en fait plus court et plus Percocet. Je vais le démontrer en jouant d'abord Speak Otto. Tu peux jouer quelque chose comme Maintenant, comparons ça au ricochet. Asi peut vous entendre obtenir ce ton fragile et percussif à nouveau. C' est la différence. C' est l'articulation la plus courte. Vous pouvez jouer sur l'instrument à cordes d'or, parler Otto, jouer des notes très courtes en rebondissant légèrement l'arc sur les cordes. Mais d'une manière contrôlée par rapport au ricochet, il a aussi une note pour le trait gras plutôt que le ricochet. Cette articulation est parfaite pour conduire des autos Austin et des phrases de noeud courts. Donc, alors que la part de rappel est très utile pour ceux super court pour Cassidy sons sur des modèles rapides sur la même note comme celle-ci, par exemple, le G ici Theo parler Otto, car il est plus de contrôle est idéal pour ceux Austin autos et les impulsions rythmiques. Puisque vous pouvez facilement changer la note comme celle-ci sur, vous pouvez également utiliser différentes sections dans l'échantillon d'urine afin que le violoncelle puisse jouer quelque chose. Ici, vous avez la base et marquer les accents vers le bas dans la gamme inférieure sur. Bien sûr, il peut faire la phrase plus rapide des notes 16e et telle eso parler. Otto est les articulations essentielles pour ceux qui conduisent des rythmes sur cordes, staccato et stock. A toutes les notes courtes Imo, qui sont fortement détachées, ce qui signifie que la performance comprend de l'espace entre les deux. Chaque note staccato tsar. Idéal pour ajouter un accent dans un ostinato de conduite ou utiliser pour la composition rythmique. Par exemple, stock a tous Imo est fondamentalement une version plus courte sur un staccato, parfait comme un moyen d'ajouter une variation de longueur de noeud dans un plateau de notes court. Donc, pour démontrer stock un testable, un staccato, J'ai chargé une épave de patch de cordes insolubles et basculer entre ces deux articulations staccato. Être légèrement plus long est idéal pour, par exemple, arpèges comme celui-ci, si elle est jouée à un tempo plus lent, au moins sur un symbole de statut peut être utilisé de la même manière SP bovins, pour exemple. Donc ah, Austin autos et politiques comme ça Et quand tu as basculé entre eux, c'est à ce moment que ta performance prend vraiment vie. Donc, vous pouvez réellement jouer les copains ici quelque chose comme ça sur, puis soudainement passé à staccato sur quelques notes. Quelque chose comme ça, vous pouvez voir dans ce cas, je suis vous déplacer mon mode réel pour changer de planque à planque, Eskimo dans certains. Donc, pour les instruments, vous devrez peut-être utiliser le commutateur à clé pour passer de bloqué en raison du stock. C' est le mouvement, et vous pouvez même y aller. Ah, utilisez parler, Otto, Status symbole, staccato et ah, peut-être même Mark Otto pour façonner toute votre performance rythmique. Donc maintenant, nous avons appris les articulations courtes les plus fondamentales sur les cordes 16. Articulations longues: Maintenant, passons par quelques-uns des plus communs article de longue note Asiatiques. Un aspect important des articulations de notes solitaires sur les cordes est le niveau dynamique et le changement au début de chaque note et pour le sustain. Vous pouvez également ajouter une bordure d'expression sur la durée de la note. Soutenir la note normale de soutien du bateau joué sans Lo Gatto, parfois appelé Arco, ce qui signifie jouer avec Bo. Cela signifie également que vous pouvez jouer plus d'une note à la fois. Donc ici, j'ai chargé une section de violoncelle avec le soutenu ou ou aller vous pouvez même voir. Il s'appelle Orca dans cet échantillon particulier, chaque mais il est fondamentalement l'articulation soutenue, ce qui signifie que si je joue une note à la fois comme celle-ci, il n'a pas le droit d'aller à ce mouvement la transition d'or. Il est en fait touché. Cependant, cela permet de jouer. Savoir Tomin, c'est comme ça. Même bien sûr. Si vous utilisez, par exemple, une insomnie complète toutes les cordes patch vague Otto jouant la transition entre les notes afin qu'il soit lisse avec des attaques de notes floues reliant essentiellement les notes avec un flux lisse . Il existe de nombreux types et longueurs différents au large du Goto de 32 Finger League Otto jusqu'à Port Aumento. L' articulation fondamentale de la voix lyrique leader et mélodies principales est le Goto. Je veux donc démontrer l'articulation juridique d'un violon solo parce qu'elle le rendra plus clair, car il y a en fait des vitesses différentes sur plus clair, le goto et comment on va d'une note à l'autre. Vous pouvez le voir dans l'interface ici. moment, il est dit Porta Mental, qui est une glisse très lente, gracieuse entre les notes comme celle-ci ou le logo doigt insultes orteil. Bodley va comme ça pour concéder dans l'interface et écouter la chose sonore donc vous devriez utiliser beaucoup ces différemment. Gatto est à votre avantage pour façonner l'ensemble de vos performances, en particulier pour les ports Melo Dick. L' orteil large, une légère variation de hauteur sur une note soutenue, ajoutant tout ce qui est du vibrato léger au moyen au lourd. Pour le son le plus romantique et passionné, c'est la façon la plus puissante d'ajouter de l'émotion à une note soutenue. Maintenant, je veux aussi montrer le plus large avec un violon solo parce que les instruments solo ont formes d'expression beaucoup plus claires et plus ciblées comme le tirage au sort, aussi. Donc, si je propose cette fatale ici qui contrôle cela, les montants généraux. Si vous écoutez cela maintenant, que je déplace cela vers le haut, vous entendrez de plus en plus fort se retirer et ma meilleure ligne directrice pour la façon d'utiliser le plus large, sauf pour réellement le rouler dans les courbes de mouvement comme vous le faites avec la dynamique est chaque fois que vous avez ces notes plus longues qui sont maintenues, c'est quand vous pouvez écrire vraiment fort et ensuite revenir comme ça. Il suffit de penser quand les chanteurs chantent leurs notes sur ces longues notes qui ont soutenu pendant un certain temps, ils apportent vraiment le plus souvent un peu de V plus large pour ajouter de l'émotion au lieu d'avoir cette note statique sans aucune expression. Marquez Otto sur une note accentuée avec une attaque plus nette que les notes environnantes. Excellent pour les motifs puissants et les accents forts. Maintenant, ce qui est important de savoir sur ces articulations d'accent que nous allons discuter ici maintenant est que ah, beaucoup de fois il est utilisé dans un peu entre les articulations courtes et l'articulation longue . Dites-moi souvent des notes courtes ou semi-longues. Ah, comme ceci, par exemple, l'ensemble complet ou marque Otto exemples bibliothèques. L' articulation Makoto se termine en fait. Si je maintiens la note, celle qui est particulière, ce n'est pas le cas. Je préfère ça pour que tu puisses jouer avec cette note accentuée. Soutenez-le comme vous devriez être capable de le faire dans le vrai orchestre. Pour Sato, c'est un accent très fort. Une variation de cette articulation est pour Sando, qui est l'accent le plus fort et le plus fort que vous pouvez ajouter les deux hors de ces articulations d'accent peuvent être idéales pour des motifs puissants ou quand vous voulez un accent très fort. Donc ici, j'ai chargé ça pour Sato. Il n'a pas dans cela pour Sandra, et en fait je n'ai pas de bibliothèque en ce moment sur les chaînes qui ont ceci pour une articulation des orteils . Mais pensez fondamentalement au sport Sando comme encore plus fort. L' accent le plus fort que vous pouvez ajouter sur les chaînes. Maintenant. Le 1er 4 Salter ici sur la dynamique la plus élevée sonne quelque chose comme ça. 40 piano commence la note sur une dynamique forte, fortissimo et plonge immédiatement vers la dynamique du piano. Bien. Quand vous voulez souligner, par exemple, un changement de cour et ensuite nous avons ici le piano 40 qui, si vous écoutez attentivement, commence très haut, dynamique et plonge immédiatement comme ça, puis le rugissement. Bien sûr, nombreux types Mawr hors de longues notes, ce qui change la dynamique. Mais dans la plupart des cas, je préfère les utiliser en pilotant moi-même la dynamique. Donc, vous avez Christian fait et diminuendo sens, ah, augmenter la dynamique et descendre dans la dynamique. Vous avez les Orcs de Barry, qui est une vague qui gonfle fondamentalement, et ainsi de suite. D' accord. Ce sont quelques-unes des articulations de longues notes les plus fondamentales sur les cordes et quelques conseils pratiques sur leur utilisation. 17. Articulaires de tension: explorons quelques articulations qui peuvent ajouter de la tension, l'intensité et de l'énergie à partir de leurs harmoniques de son et de style de jeu. Jouer l'harmonique sans l'être fondamental, ce qui donne un ton aéré et étrange. Ces articulations sont aussi parfois appelées balles de drapeau, excellent pour de longues notes élevées soutenues qui fournissent un caractère scintillant et magique Ainsi, vous pouvez effectuer harmoniques sur n'importe quel instrument de la famille de cordes à partir de la base jusqu'aux violons. Mais dans la plupart des cas, vous utiliserez les instruments de plus grande portée de l'Iowa ou de la violence parce que vous pouvez vous lever plus haut dans la portée pour obtenir ton magique haut et chatoyant comme ce plaidoyer gratuit Melo dans un style de répétition rapide pour un effet tremblant comme la note vibrante, c'est l'effet de tension douce classique sans être aussi évident que, par exemple, un trill. Donc ici, j'ai chargé une section de violoncelle où j'ai chargé cette famille. Oh, l'inconvénient avec ainsi pour les instruments est que la vitesse du trémolo est le plus souvent brûlée , par opposition à vraiment orchestre, ce qui peut changer la vitesse de ces répétitions de trémolo. Mais écoutez cela comme cela sonne et comment cela ajoute de la tension, surtout si vous augmentez la dynamique juste là. Trills alternant rapidement entre deux notes. Incroyable pour ajouter la rétention effrayante avec Phil 1/2 ton ou excitation édifiante avec un Trill de ton entier . Ou vous pouvez, bien sûr, explorer d'autres intervalles pour faire des trilles propres aussi bien. Donc je vais vous montrer ça sur ces peu profonds ici. Et, comme vous pouvez le voir ici dans l'interface, cette bibliothèque d'exemples particulière a des traces ont été marquées, signifie deuxième mineur et tient la piste, qui est toute étape signifiant deuxième majeure. Donc la demi-étape a ça, Ah, Ah, effrayer la rétention sur tout le pas. Drill a cette ambiance édifiante, avec certains instruments de souffrance qui peuvent réellement effectuer d'autres types de sentiers sur le troisième, par exemple, ou tout autre type d'intervalle. Mais ceux-ci ou acheter pour les trilles les plus courantes, Ben. Vous pouvez effectuer différents types de faux benz et glisse pour ajouter de la tension avec des cordes, et si vous voulez augmenter la tension encore plus, vous pouvez, par exemple, faire par exemple, démarrer la section de chaîne hors de l'accord les uns avec les autres et puis pliez à l'unisson. Donc, l'imbécile de tension de type le plus fort est bien sûr, la demi-tonalité classique ou la seconde mineure, qui peut ressembler à ceci. Ah ah, qui commence sur une note puis tombe 1/2 orteil. Ensuite, je veux montrer avec ceci ce que j'appelle dissonant pour accorder, qui est où les différents frissons dans cette section commencent à manquer de l'air et ensuite aller à la vraie hauteur, qui peut ressembler à ceci. Ah, Aziz ici, il descend aussi comme un plein là-bas, hors de l'air. Avoir les cordes être légèrement hors de l'air et dériver d'avant en arrière. Dans le pitch est une technique incroyable pour ajouter de la tension, presque comme ils dansent et taquinent autour du vrai terrain, mais jamais s'installer et se résoudre dessus. C' est là que les cordes commencent à s'accorder les unes avec les autres et restent hors de l'air, mais dansent et se déplacent autour de la hauteur parfaite. Ah, ce qui est vraiment des grappes de tension et des effets. Enfin, vous avez des façons infinies d'effectuer différents types d'effets de tension spéciaux et de sons de cluster dissonants , en utilisant une section complète de cordes ou même toute l'insomnie, tous des coups courts aux ornements, piqûres et textures et grappes et textures en particulier ou étonnant pour les traits de soulignement de type tension . Donc ici, j'ai voté une bibliothèque axée sur les effets orchestraux et chargé le patch de cordes ALS. Ce sont des cordes effets spéciaux de cette courte texture de deux stingers. Raices tombe sur longtemps sur beaucoup de ces annonces un degré très élevé hors tension, donc parfois vous pouvez les utiliser comme effets instantanés dramatiques spéciaux avec ces shorts et piqûres. Parfois, vous voulez utiliser des textures plus longues pour les traits de soulignement parfois pour accentuer Abie à tomber dedans ou du riz dedans. Et si nous entrons dans la catégorie suivante, que j'appelle les clusters, c'est une technique très, très efficace pour ajouter une tension de type soulignement dramatique comme celle-ci, puis une augmentation de l'intensité. Ceci donc ce particulier que j'aime parce que vous pouvez réellement contrôler le timing off. Ah, l'intensité de ces grappes. Bon, Donc maintenant vous avez appris quelques-unes des articulations et des techniques les plus fondamentales pour ajouter de la tension avec des cordes 18. Articulaires de couleur: Vous pouvez également jouer des cordes de différentes manières pour façonner le refroidisseur de tonalité. Ce que j'appelle les articulations Kohler Voici quelques-unes des plus courantes Consort Dino jouer avec un muet sur les cordes. Il est aussi parfois raccourci Onley, Sardine Oh, cela crée un ton plus sombre avec des harmoniques réduites ce qui est incroyable pour riches, cordes chaudes et des harmonies. Donc ici, je l'ai seigneurie des cordes luxuriantes insolvables et ici nous pouvons voir l'interrupteur Sardinha ou Concertino sans elle dans l'articulation normale. C' est comme ça qu'il peut ressembler de façon Concertino ou Sardinha beaucoup plus chaud, plus lisse et à mon avis, très belles ou cordes de soutien comme les cœurs et les harmonistes conviennent esto jouer les cordes la touche qui a créé un son plus doux avec moins de corps et d'harmoniques. Le son final est plus chaud et plus intime, ce qui, comme Concertino, peut être idéal pour soutenir les cours et les harmonistes. Donc ici, j'ai chargé une autre chaîne insolvable préréglage avec l'articulation de l'orteil encore pour cette couleur douce et vous entendrez également qu'il est très léger dans la dynamique et les niveaux. Donc, ici, nous prenons une écoute à cela. Donc ma façon préférée d'utiliser les deux afin de tester Oh, et bafouer. Ondo, que nous obtiendrons trop tôt, joue en fait Mawr dans la gamme des harmonies de l'année. Donc, par exemple, accord ou accordeurs Harmony Ah, quelque part autour de C cinq et plus comme ça parce qu'il a que magique, chatoyant et chaque personnage flout Ondo Flower Town ne signifie la nourriture comme à cause de la douce et son aéré, Cette articulation crée un son très plume comme, qui est également très faible dans la dynamique et le niveau. C' est incroyable pour les cordes de soulignement douces, ou quand vous voulez ajouter ce type de cordes ambiantes, aérées et atmosphériques. Donc testa et villes florales ou très similaires les uns aux autres en ce qu'ils ont cette lumière, aéré, scintillant caractère eso. Ici, j'ai chargé un ensemble de cordes fleur articulation de pâte ville et encore une fois, je vais jouer dans la gamme supérieure sur. Je vais utiliser une note de basse juste pour ajouter un peu de tir de personnage, mais fondamentalement vous obtenez le même type de son scintillant magique comme ce personnage léger très plume . Comme vous pouvez entendre une soupe gonflée, Monticello joue les cordes aussi près que possible du pont. En conséquence, harmoniques ou des entrées plus élevées. Ingley excité et un ton court global est produit. C' est fondamentalement le contraire au son doux de la fleur Tando ou ainsi test. Oh, de la soupe. Monticello est parfait si vous voulez un ton plus piercing. Donc l'articulation de la soupe Monticello va fondamentalement contre tous ces trois autres que je viens vous montrer parce que ceux-ci rendent les cordes plus douces et plus chaudes tandis que la soupe Monticello ajoute une touche de fer à cheval rugueuse, et il peut sonner quelque chose comme ça. Bien sûr, nous sommes super si vous voulez ajouter plus de tension dans un trait de soulignement ou quand vous voulez faire ressortir ce caractère brut plus perçant dans les cordes. Félicitations. Vous avez maintenant appris les façons les plus fondamentales de façonner le refroidisseur de son avec des articulations sur vos cordes. 19. Maîtriser les performances: peuvent être utilisées de tant de façons dans vos compositions musicales. Fondamentalement, vous pouvez créer des performances qui couvrent toutes les couleurs de la musique, des rythmes à de belles harmonies en passant par les mélodies émotionnelles et dans d'innombrables survolés de l' aviation. en ce moment. 20. Rythme: même si les cordes ou les plus célèbres pour leurs mélodies luxuriantes, lyriquement goto et voix douce, lisse menant pour les harmonies. Ils ont en fait une excellente gamme de styles de performance pour le rythme et les ports de comping, et je ne parle même pas des commandes Austin maintenant. La raison de leurs excellentes capacités Rid Me est que vous pouvez couvrir toute la gamme de dynamiques et de longueurs de notes pour les notes courtes. Voici quelques-uns de mes meilleurs conseils pour enregistrer de grands ports rythmiques sur des cordes, Alors commençons par jouer cet exemple avec quatre pistes différentes avec des articulations différentes et jouer des styles hors rythme sur des cordes. Et puis nous allons plonger dans les conseils. Ça ressemble à ça. Donc, mon premier conseil, lorsque vous écrivez des rythmes sur des cordes est d'utiliser beaucoup de variations dynamiques. Donc, je vais le démontrer en entrant dans cette piste particulière, qui est fondamentalement le groove rythmique principal de ce mix off string tracks ici sonnant comme ça droit ? Plongons dans l'éditeur de piano sur Si je suppose que vous pouvez tout voir ici maintenant. Regardez de plus près la variation dans plus froid ici sur toutes ces notes parce que dans D A W est la signification du niveau de vitesse ? La note de portage dynamique est montrée par la couleur allant du bleu ici. Et si je déplace cela jusqu'à la vitesse maximale, vous verrez qu'il va lire et puis jaune avant cela, diverses équipes sur vert et donc une, si je suis en justice signifie que vous le verrez plus clairement. C' est donc une vitesse plus élevée que ça. Et toutes ces variations sur une base note pour note créent un son live beaucoup plus organique pour tout ce port rythmique sur cordes. Chronométrage, variation. Maintenant, cet aspect est tout aussi important pour vos chaînes de parcelles rythmiques que tous les autres ports. Et c'est que toutes les charges ne devraient pas commencer à cette ligne de grille exacte. Donc, si vous nous citez tout à 100% comme ça, alors ça sonnera robotique et notre national parce que chaque note commence à la seconde exacte . Pensez-y. Même vraiment, plaque d' orchestre est que cette note pourrait commencer. Ce joueur peut commencer cinq millisecondes avant le grade, ce 17 millisecondes après et ainsi de suite. Il est donc naturel d'avoir cette légère variation, et un autre aspect de ceci est qu'il sonnera en fait plus grand si vous avez une variation de diapositive parce que le point de départ de chaque notable légèrement floue ensemble pour créer un plus grand, plus gros, son général. Donc, si je suppose maintenant quand j'ai fait ce changement, par exemple, disons ici vous pouvez voir que ceux-ci ne commencent pas légèrement tôt. Celles-ci aussi. Hum, si on monte, disons qu'il après ces notes, vous avez une légère variation ici. Si vous voyez la grille ici aussi, voyons sur ces notes, euh, euh, celle-ci est en fait légèrement après la grande valeur et ainsi de suite. Donc, dans l'ensemble, vous voulez avoir cette variation de synchronisation. Et ça vaut pour toutes vos parties. En fait, donc jamais citer des liens tout 100%. Si vous avez besoin de citer des liens, faites-le avec un pourcentage ah, la force pour toutes les parties de tout sélectionner. Et puis les quantités par exemple, 50% peut-être 75%. Je dirais que plus vos parties sont rythmiques, plus le pourcentage de Qantas ation est élevé. Vous pouvez utiliser eso pour les mélodies principales, par exemple, vous ne voudrez peut-être pas de quotas. Adel est de 0 % tandis que pour la diffusion pro de ports et de parties rythmiques, vous pourriez vouloir aller jusqu'à 60 70% ou quelque chose comme ça. Rappelez-vous les accents. Donc, non seulement vous voulez avoir beaucoup de variation dynamique, ce qui signifie une variation dans les valeurs de vitesse. Donc, c'est 64 66 66 64 59 70 et ainsi de suite. Vous voulez également vous assurer que vos principaux accents dans votre groove rythmique ont une dynamique plus élevée . Donc, si vous jetez un oeil à cette note, c'est 94 est 1 98 Celui-ci est 85 par rapport aux accents connus environnants 66 70. Donc, si vous voulez Teoh, ayez un accent très dur, allez et augmentez ces encore plus loin. Laissons jusqu'à la nuit, c'est qu'ils sont plus jaunes. Faites presque lire comme ça sur. Ensuite, vous voulez aller et ajuster les mots. Bien sûr, il est préférable que vous obteniez cela aussi près que possible dans l'enregistrement réel, assurant que vous appuyez sur ces détenteurs de clés. Vous obtenez ces accents quand vous l'enregistrez, mais vous pouvez toujours y aller par la suite et augmenter les accents d'air ici. Et au fait, vous pouvez le faire de la manière opposée. En réduisant réellement la vitesse sur l'environnement sait, ce qui signifie les accents connus parce que vous voulez avoir ce contraste. C' est ce qu'est un accent. Il s'agit d'une dynamique plus élevée que les notes environnantes. Maintenant, tandis que l'aspect principal de l'ajout d'accents et de booster vos accents est avec la vitesse ou les niveaux dynamiques de vos notes. Un autre, tout aussi important, est avec la superposition. Donc, si vous vérifiez par exemple, cette piste ici Ah, si je les ai ouverts en même temps, en fait, et puis j'ai changé pour que nous puissions les voir par couleur hors de la région. Vous pouvez voir que les accents absolus du Maine ici ou fournis par ces cordons poignarde ici, vous pouvez voir qu'ils sont les mêmes que ceux-ci ici. Alors que ce fut un accident dans la première piste, il ne fait pas partie des principaux accents ici. Donc, ils sont en fait en superposition. Donc, si je joue ça sans elle, ça deviendra un accent plus fort. Lorsque j'ai superposé ces accidents principaux, je suis allé encore plus loin en fournissant des accents bas dans la base, et ici nous pouvons les voir. Maintenant, vérifions tout ça en même temps. Maintenant, vous pouvez voir que ceux en fait moi faire à peu près pour les parties basses ont fait ici dans la première piste. Il voyait ces notes vertes. Les cheveux étaient de cette piste rythmique principale, mais vous les avez couche dans le bas de gamme ici, et je pense qu'ils suivent à peu près ici. Donc maintenant, avec ceux ajoutés, vous obtenez des accents encore plus forts par rapport à si je ne joue que le 1er 1 ici. Il s'agit donc d'ajouter ces accents, les booster avec la dynamique et avec la superposition, l'articulation, variation. Donc ici nous avons deux aspects de cette bande aussi, le 1er 1 étant très entendant différentes articulations principales collées à son plus un caractère. Je pense que c'est coincé sur le bas et pizzicato. Ainsi, par exemple, cette piste haut de gamme fournit juste un peu plus de brillance et de lumière, caractère aéré de ces bovins pitiés. Ah, alors que, par exemple, cette piste avec un peu plus staccato pas de regard fournit un certain coup de pouce dans le bas de gamme et tous d'entre eux en couches avec différentes articulations principales créent une variation, cependant, était encore plus important est d'ajouter une variation d'articulation sur les pistes individuelles. Maintenant, si nous allons ici, si vous voulez lacer, juste utiliser, juste utiliser, disons coincé un témoignage ou seulement parler Otto pour une longue séquence qui devient très statique et ennuyeux, pour être honnête. Donc, ce que vous pouvez faire est de changer les articulations. Ce que j'ai fait ici, c'est que dans cette bibliothèque particulière, vous passez de coincé. Il est motew staccato avec la volonté de mod. Parfois, vous programmez des clés, qui est ici. Um, comme vous pouvez le voir, coincé à deux autres Cotto que j'ai, en fait, si j'ouvre l'automatisation ici, programme en mode fera de cet accent un staccato, qui est un peu plus long, celui-ci aussi, celui-ci aussi, et puis à la fin, ici montre en fait pour faire plus de culture avec un interrupteur à clé. Donc, dans l'ensemble, j'ai maintenant plus de variation. Vraiment. Écoutez attentivement. Comme j'ai joué son dos et acheté une liste de ce qui se passe quand vous arrivez à ce collé à l' articulation au lieu de la principale statistique, il a vraiment ce long petit flou Votre son du staccato juste ici sur ceux qu'ils deviennent sortie par aucune longueur, essentiellement Ah, alors je pense que je l'ai fait pour cette piste. Si vous vérifiez ici, j'ai aussi ajouté des clés, qui est donc c'est staccato. Alors c'est un bétail à cracher. Ceci est une erreur d'orthographe est parler bétail ou pizzicato. Donc, l'articulation principale est Speak out a, qui est un ah très court, articulation. Et puis ça va coincé hors d'ici et Marco à la fin. Et vous pouvez les entendre aussi. Si j'ai joué, vous entendez un peu plus longtemps là-bas, et puis il obtient le très court jouant ce retour dans toute la forme. Maintenant, j'ai un bonus spécial déporté ici pour le rendre plus facile de voir quel genre d' articulations vous avez ajouté avec des interrupteurs à clé depuis parler, Qatar est le plus court ici. Je laisserai ces notes rester. Mais si vous choisissez de le faire, disons que vous l'avez enregistré comme ça maintenant. Ah, et disons que vous avez tout enregistré chez Otto. Si vous vouliez les ajouter comme un plus kowtow ou staccato, eh bien, il peut changer l'interrupteur à clé, um, articulation, puis l'étendre de sorte qu'il montre vraiment que cette note est plus longue et que le marché er note est, bien sûr, la plus longue ici. Cela le rend plus clair quand vous allez dans le rouleau de piano. Quel type d'articulation chacun. Aucun test prêter attention à la portée, donc par gamme I, bien sûr, signifie où dans la note varie hors de la musique. Vous écrivez vos parties rythmiques. Donc, par exemple, si vous êtes juste ici, cela a un son complètement différent de quelque chose ici. Et un autre aspect de ceci, si vous revenez au séquenceur, c'est à quoi jouent vos autres morceaux ? Bien sûr, vous voulez couvrir toute la gamme dans la plupart des cas pour toute votre composition. Mais si nous allons dans ces parties ici, disons que vous dirigez la mélodie et que le thème est ce sur quoi vous voulez que vos auditeurs se concentrent. Disons qu'il est écrit ici dans la gamme C quatre. Eh bien, vous voudrez peut-être avoir vos autres morceaux, pistes rythmiques ici, jouer dans d'autres rangers ou même les supprimer juste pour qu'ils ne s'affrontent pas et ne nuisent pas à la mélodie principale . Donc je dis que votre capacité est de jouer ici, alors peut-être les parties ici. Vous pourriez vouloir les enlever, les exprimer différemment ou les déplacer d'une octave vers le bas d'une octave juste pour donner de la place à cette mélodie principale. Ah, et ça pourrait être la même si vous voulez que l'attention soit sur la ligne de base. Il ne veut peut-être pas avoir un pouvoir rythmique qui joue ici. Donc, disons que vous jouez une composition dans laquelle vous voulez vous concentrer sur les parties rythmiques. Dans ce cas, vous pouvez à peu près remplir toute la gamme ici. Ah, comme je l'ai fait ici, je l'ai presque rempli de la base la plus basse à presque la plus haute gamme ici, ce qui crée un son complet et complet. Il ne laisse pas beaucoup de place pour les mélodies, le quartz, les harmonies et d'autres sons dans votre composition, donc ce sont des conseils pratiques et des idées sur l'écriture des rythmes sur des cordes. 21. Harmony: cordes ou le plus commun et ma famille préférée personnelle hors instruments dans l'orchestre pour effectuer les tribunaux et Horman ism. La raison importante en est la gamme dynamique incroyable, fluidité qu'ils peuvent faire, la voix qui conduit et le fait qu'ils partagent le même caractère tonal mais couvrent différentes plages de notes. Permettez-moi de partager mes meilleurs conseils sur les cours d'écriture et les progrès harmoniques sur les cordes se concentrent sur les voix. Donc, par là, je veux dire que chaque fois que vous écrivez des cours et de l'harmonie pour vos cordes ou toute autre famille d' instruments dans vos compositions, vous ne les considérez pas comme de gros accords de bloc. Mais Michelle, avec cela sur le clavier du piano ne joue pas et n'enregistre pas le quartz et les harmonies juste penser comme changer en blocs. Pensez à chaque pas de larme. Disons qu'on joue un triomphe. Attendez une base double ici. Vous devriez penser à chacun comme sa ligne indépendante, également appelée voix, qui se rapporte au sens de tête de voix. Alors cette voix la plus haute, où ça ira ? La prochaine chose où va cette voix ? Et ainsi de suite et aussi sur la distribution des voix. Je veux dire, cette même cour ici peut être une inversion ou une position de route standard comme ceci différentes inversions et aussi dans une gamme différente. Je veux dire, je pourrais jouer ici. Je pourrais le déplacer vers le bas, loin, disons ici. Donc, si nous regardons ici dans le D. W à nouveau et je vais sélectionner toutes ces pistes qui représentent toutes les différentes voix dans la progression harmonique ou progression froide pèse à vous comment vous transposez, les et les organiser dans différents rangers, la voix menant signifiant allant de chaque note à la note suivante par voix. Comment voyez-vous la cour. Donc vous pourriez vouloir avoir, disons que cette ligne ici, cet ordre sur l'octave au-dessus devient, ah, entre cette voix violette et jaune ici et ah, bien sûr, quels instruments jouer quelle voix. Dans la plupart des cas, vous voulez avoir la base de jouer la voix la plus basse, puis la faible profondeur, et ainsi de suite. Le mouvement dynamique est essentiel. Alors entrons et secouons d'abord, ces ensembles de cordes alimentaires, où j'ai joué la progression des accords de la progression harmonique. Tout d'abord, puis ouvrez l'automatisation. Ici, vous pouvez voir que j'ai un mouvement dynamique sur la roue de modulation était dans la plupart des cas, contrôle le Vil dynamique sur l'instrument à cordes. Donc si nous comparons ces deux-là toute cette section avec toutes les pistes et les voix séparées maintenant je pourrais aller suivre par piste année. Ouvrez. Et vous voyez, j'ai le mouvement dynamique ici. Si j'arrive à la piste suivante, je l'ai aussi. Mais vous voulez vraiment vous assurer que vous l'avez différemment pour toutes les voix individuelles , car cela crée une perspective et une dimension encore plus complexes et rend votre arrangement complet . J' ai un son conçu pour l'arrière-plan. Donc par cela, je veux dire que lorsque vous écrivez des parties qui sont censées être des harmonies et des accords pour vos compositions musicales sur des cordes, eh bien, dans la plupart des cas, vous voulez les repousser en arrière-plan parce qu'elles sont là pour avec leurs harmonies. Quoi d'autre se passe dans la composition musicale afin que vos thèmes mélodies, motifs, riffs et parfois dans votre ligne de base aient l'accent principal. Maintenant, nous pouvons les accomplir de plusieurs façons, le premier étant des niveaux dynamiques afin que vous ne les augmentiez pas trop haut mais en fait les rendre beaucoup plus bas en dynamique, vous pouvez, bien sûr, l'utiliser. Vous êtes dw votre mixeur pour réduire le niveau sur ces pistes ou même l'automatiser. Ah, et aussi sur les instruments individuels ici, vous pouvez utiliser des articulations qui sont plus douces sur leur propre, sorte qu'ils ont un son plus doux ou même utilisé, par exemple, un connaisseur D pas de sel plus rapide sur tout articulation douce style de jeu. Je peux le montrer à nouveau avec ça dans un patch cloque. Cela ressemble à cela, cependant, avec la Sardaigne ou le Concertino, il est beaucoup plus doux et plus chaud, ce qui le pousse dans l'arrière-plan. Et vous pouvez également ajouter plus de réverbération ou mawr utilisé sur l'ensemble des microphones et moins sur les microphones proches. Dans ce cas, j'ai même retiré le microphone de vêtements pour le pousser plus loin en arrière-plan. Donc, comme vous pouvez le voir, vous avez plusieurs façons de le faire. Mais ton résultat final. Tu veux le repousser comme ça ici. Lorsque vous avez ce type de fond doux, plus atmosphérique de progression du cœur et de progression harmonique, vous donnez plus d'espace et de concentration à une mélodie principale et un thème, et peu importe s'il a utilisé un ah dans samba va patcher ou si vous composer en fait avec des pistes d'instruments séparées, ce que je recommande toujours. J' ai donc utilisé toutes ces techniques de faible dynamique, des articulations plus douces pour le rendre très doux et en arrière-plan comme ça. Maintenant, si j'ajoute quelque chose comme un motif ou un thème à cela, vous pourrez vraiment l'entendre. Alors déplaçons ça de côté et je vais juste jouer quelque chose sur le dessus. Vivez sans le concertino et avec les mikes proches. Voyons quelque chose comme ça, et ainsi de suite et ainsi de suite. Vous pourriez vraiment entendre cette mélodie principale être en phase de mise au point parce que toutes ces techniques sont utilisées pour sonner un signe et pousser les voix harmoniques dans l'arrière-plan. Variation expressive par voix. Donc, non seulement vous avez besoin d'entrer et d'avoir des variations dans le mouvement dynamique, qui est la principale forme d'expression, vous pouvez également utiliser des variations dans, par exemple, les transitions de Dieu et l'articulation que contrôle le son. Donc, j'ai doucement goto doux régulièrement apporté sur celui-ci. La prochaine voix que j'ai l'âme, a eu la responsabilité à la légère. Bracho. L' alto que j'ai sur Godel doux ne peut pas faire appel à une librato forte car vous pouvez voir toute cette variation crée une performance plus unique hors règle et prend vraiment vos arrangements à cordes à un niveau plus élevé de plus authentique et mawr. Ah, arrangement complet intéressant avec toute cette variation expressive par voix, et vous pouvez également entrer et utiliser même des interrupteurs à touches pour changer la variation expressive que la piste va le long pour chaque arrêt, ces attire aussi. Enfin, vous n'avez pas besoin d'utiliser des notes longues pour toutes les voix de cette progression harmonique entière sur vos cordes comme ceci, vous pouvez faire une variation rythmique en, disons, en faisant ces altos certains types hors articulation courte note, puis programa des modèles de lecture de sorte que cette voix dans toute la progression de la cour ou la progression harmonique ici est fournit une sorte de caractère rythmique qui laissera également Mawr tout d'une pièce tout d'un soudain dans cette gamme pour cette voix particulière où vous pouvez, par exemple, avoir plus concentré sur votre mélodie principale, motifs, riffs et thèmes. Donc, vous avez maintenant appris quelques-uns de mes meilleurs conseils pratiques sur l'écriture d'harmonies et de progressions harmoniques sur les cordes 22. Melody: sont également incroyables pour les mélodies principales et les thèmes principaux. Puisque vous pouvez ajouter tant d'émotion et d'expression à eux, vous pouvez également concevoir le ton et le personnage un vote avec des tailles de section et des superpositions et avec des mélodies. Les motifs sont des thèmes L'incroyable gamme de boissons articulaires peut effectuer vient à son plein potentiel. Voici quelques-uns de mes meilleurs conseils pour écrire différents types de mélodies et de thèmes sur des cordes. Commençons maintenant par écouter ces exemples complets que j'ai composés pour montrer des mélodies d' écriture. Quatre cordes jouant dans un 3 à 1. - Donc mon premier conseil est la voix supérieure pour la clarté, qui signifie que si nous entrons et jetons un coup d'oeil ici, ce que nos oreilles ramassent le plus est toujours les gammes supérieures spéciales qui ont pris la voix. Donc vous voulez vous assurer que vous dirigez. Milady est écrit dans cette gamme de voix haut de gamme de musique, donc dans la plupart des cas, vous dirigez la mélodie pour votre corde. Arrangement sera sur les violons, le premier et ou un couché avec le deuxième violon. Alors écoutons. Teoh Ah, le premier violon ici, regarde comment il est écrit depuis la mer pour presque tout le chemin pour voir six à portée. Maintenant, c'est un son assez doux. Donc habituellement, il le couche aussi avec un second violon, une octave au-dessus. C' est, en fait, mon prochain conseil, qui est l'octave travailler pour se concentrer. Ceci n'est pas seulement lié à la mélodie principale, en fait, mais aussi pour la base. Mais écoutons ces deux ensemble maintenant pour entendre à quel point la mélodie devient plus claire . Maintenant. Cette superposition d'octave pour la technique de mise au point n'est pas seulement utilisée pour la mélodie principale, mais très souvent pour le bas de gamme pour ajouter plus de puissance et de mise au point dans le bas de gamme. Donc, la base et le froid doit si nous regardons ici sont écrits en octaves parfaites, et c'est la façon la plus courante de droite pour le bas des cordes. Donc, les deux ensemble peuvent sonner quelque chose comme ça si je supprime les canaux seulement la base qui perdra sa clarté dans le mélange. Donc, comme une ligne directrice, je dirais, doublant en octaves dans le bas de gamme, le port de base et le principal milady ajoutent des variations d'articulation, donc c'est important pour les rythmes, les harmonies et les mélodies, surtout pour les mélodies. Je dirais sur les cordes eso non seulement ah par la superposition de l'articulation. Donc ici, nous avons une scène Le mouvement A va tôt à la deuxième violence ici ou va doucement avec régulière v. Bracho. Les premiers volumes ont variété apporté Teoh ici à Cantarella. Définissons la seconde violence à, par exemple, lyrique le plus large. Et bien sûr, ce que vous voulez faire est d'utiliser la commutation de touches ou un type de modulation pour changer ces articulations au fil du temps dans ah, votre arrangement de cordes. Mais ah, vous pouvez commencer par simplement définir différents types d'articulation pour changer le son des types de différence hostiles du plus large, par exemple sur les mélodies principales. Parce que cela fait une énorme différence. Et vous pouvez aussi voir que j'ai stratifié non seulement la violence première et deuxième, mais en fait un patch supplémentaire ici parce que je voulais que le plus fort soit plus large que ce qu'ils pourraient obtenir de ces Ah, et donc choisi de la mettre en couche avec une violence. Ah, cette jambe particulière Ulta Passion, qui a une très forte librato. Donc tous ensemble crée maintenant une mélodie très expressive, émotionnelle mais surtout, émotionnelle mais surtout, focalisée qui nous amène à l'astuce suivante, qui est de se concentrer sur la grande expression non seulement variation dynamique comme celle-ci avec dynamique courbes, qui devraient être différentes pour toutes les parties, mais aussi très ah, styles hors de la portée à l'expression et les courbes plus larges. Et parfois le plus large est en fait, en effet dans le patch réel. Ils peuvent utiliser un précepte de chaîne de librato plus fort juste pour obtenir cette grande expression et trouver toutes sortes de voies dynamiques. Et nous avons apporté toutes les formes d'expression les plus importantes. Mais pour vos mélodies penchées, changez de formes différentes à partir des transitions, comme vous pouvez le voir ici, responsabilité douce, insultes rapides. Il y a beaucoup de variations de jarretières que vous pouvez faire sur les cordes pour profiter du spectre complet pour le créer ou des performances expressives sur vos fondeurs principaux, parce que c'est ce que vous voulez que vos auditeurs se concentrent sur, ressentent et se souviennent le plus. Maintenant, mon astuce bonus, lorsque vous écrivez des mélodies et des thèmes principaux sur les cordes, est de compter non seulement sur les cordes elles-mêmes, mais aussi sur d'autres instruments, parce que quels instruments vous avez couche avec ce ils sont courbe dynamique est une articulation aura un effet énorme sur le caractère total global et l'expression pour l'ensemble de la performance. J' ai choisi le hautbois solo et la flûte solo obtenu Ahold, mais non seulement je les ai couches comme la mélodie principale à l'unisson ou des octaves, la raison pour laquelle je les ai colorés d'une manière différente ici est parce qu'ils jouent en harmonie. Donc ces trois morceaux jaunes ici, voici la mélodie principale de la première dalliance, une octave au-dessus et ah, voici Ah à l'unisson avec les deuxièmes violons, comme vous pouvez le voir ici, mais ces trois morceaux, ou jouer beaucoup des notes de nez en harmonie, pas unisson ou octaves, mais je une harmonie réelle, que vous pouvez voir ici. Ils ne se chevauchent pas toujours lorsqu'ils ne se chevauchent pas. Ils jouent en fait en harmonie. Donc, fondamentalement, vos premiers violons et les seconds violons dans la plupart des cas fourniront la mélodie principale . Personnellement, j'aime la superposer avec une autre corde luxuriante, patché juste pour obtenir un coup de pouce sur ces mélodies de cordes, puis couche avec d'autres instruments soit dans des octaves à l'unisson ou, dans ce cas, en harmonie. Écoutons l'énorme différence entre n'avoir aucune de ces couches supplémentaires et harmonies. Seule la mélodie penchée à l'unisson et des octaves avec la contrebasse, violoncelle et violon fournissant l'harmonie qui peut sonner comme ça. En fait, retirons l'alto et Onley ont le violoncelle basse en octaves et la mélodie principale parce qu'écoutez ça. Ah, arrêtons-nous là. Et souvenons-nous de cette directive. Ces deux aspects de la base en octaves ou à l'unisson étaient tout simplement la ligne de base et la principale milady, les deux parties les plus importantes pour toute votre section de cordes et, à mon avis, votre composition musicale. Alors faites-les descendre d'abord, faites-les sonner comme il ne le fera pas, puis remplissez-les d'harmonies. Donc c'est la progression de base, hum, harmonie avec Viola comme la prochaine dimension. Mais bien sûr, en ajoutant votre hormone à la Milady, nous donnons un impact énorme sur le son final. Je vais commencer avec ces souvent, puis un nouveau temps. Vous pouvez vraiment les entendre comment ils affectent le caractère global. Ah, c'est comme ça que vous pouvez remplir mawr hors de la gamme émotionnelle et ah octave de la musique en fournissant réellement un contexte de QI hormonal à la base et en dirigeant Milady. Donc maintenant vous avez appris quelques conseils pratiques, des idées et des exemples en direct sur l'écriture de mélodies pour cordes 23. Ostinatos: peuvent jouer très rapide, rapide, rapide, rapide, rythmique, les deux coups et continuer ces phrases pendant une longue période sans que les joueurs aient besoin d'une pause pour respirer, comme avec la poitrine ou les bois. Et comme ils peuvent contrôler la longueur de la note et la variation dynamique, tant pour créer une rainure. Ils ou une partie fondamentale de l'écriture des rythmes dans votre musique et l'un des styles rythmiques essentiels sur les cordes est appelé Austin Autos, qui est fondamentalement l'équivalent des rythmes shagging sur les guitares électriques. rainure de boîtier qui offre plus de rythme que d'harmonie et est excellente pour ajouter l'énergie sur l'intensité à votre composition musicale. Voici maintenant mes meilleurs conseils pour écrire des chaînes de forme Austin Autos. Commençons donc par écouter cet exemple complet. J' ai composé avec quatre pistes différentes sur Austin autos, une ligne ostinato principale que j'ai utilisé une corde pleine dans sambal patch sur la violence pour prendre soin de la haute gamme et plus ajouter plus d'énergie que Chel doit pour l'ostinato de gamme inférieure et les bases, essentiellement pour les principaux accents de jouer en 321 se concentrer sur le rythme par rapport à la hauteur. Par là, je veux dire qu'avec des autos à chaîne Austin ou des autos Austin, il devrait se concentrer davantage sur le groupe Rid Me et l'accent. Donc, le battement essentiellement hors de l'ostinato par rapport à la progression harmonique et les changements d'intervalle . Bien sûr, vous devez suivre la progression de base pour que vos harmonies et vos intervalles soient sensés. Mais c'est plus important ensemble. Rainure principale, les principaux accents et le lecteur principal vers le bas en premier. Donc, si je vous montre cela sur le clavier de piano, voulez conseil que j'ai pour vous Est d'utiliser votre main gauche, fournir les accents principaux et votre main droite pour la rainure principale. Donc, disons que vous écrivez quelque chose commençant en do mineur afin que vous puissiez jouer quelque chose comme ça, ou, si vous voulez le garder encore plus simple. Si vous n'avez pas les compétences du clavier, il suffit d'utiliser la note racine et de se concentrer sur Lee sur le rythme. Donc quelque chose comme ça sur. Ensuite, vous pouvez transposer certaines de ces notes pour devenir des anges et des notes d'harmonie pour suivre la progression de l' accord traiter la variation dynamique. Donc la meilleure façon d'obtenir cet East enregistrer l'Austin Auto avec votre clavier multimédia comme je viens de vous l'ai montré, parce que vous aurez des variations sur toutes les notes dans les niveaux de vélocité et si vous êtes doué avec être un clavier, vous pouvez même réduire ces principaux accidents. Hoarder, ce qui signifie une dynamique plus élevée sur ceux-ci. Donc, si nous allons ici et jeter un oeil, vous pouvez réellement voir combien de variation nous avons dans la dynamique ici sur la base sait obtenir 85 ici, 90 ici. Dynamique donc plus élevée 43 43 45 48. Voilà donc l'importance de la variation dynamique. Et il devrait avoir ces sur toutes les parties rythmiques qui consiste ah, hors de l'ostinato complet aux accents plus superposition. Donc, encore une fois, la principale façon d'ajouter des accents dans la musique iss avec dynamique donc plus élevée ici sur ces importantes, vous pouvez même aller et augmenter les niveaux de vitesse si vous voulez vraiment apporter ceux qui jouent est plus élevé. Mais aussi à part ça, ils sont superposés ces accents du Maine. Donc, nous vérifions ces frissons ici, par exemple, puis nous vérifions le principal Austin Alter en même temps, puis supposons que vous pouvez le voir . Vous voyez, ces nations mai sont des couches ici. Donc, vous avez fait beaucoup plus de superposition sur ceux-ci et surtout, la pluie de campagnols devrait fournir ces accents du Maine. Et comme vous pouvez le voir, la facture aussi aux niveaux, vous pouvez aller et augmenter. Si vous voyez votre accent principal, vous voulez vraiment vous tarir. Juste une augmentation des niveaux de vitesse. Utilisez des remplissages pour pimenter la rainure. Donc, je vais montrer avec ceci sur cette ligne ostinato principale juste ici, parce que je n'ai pas vraiment eu le bon sens quand je l'ai enregistré. Parce qu'il est plus difficile de jouer ces notes rapides, qui signifie que cette note était autant en fait, non là et pas cela non plus. Aucun décideur ne sait ce cidre. Ceux-ci sont en fait fournir des remplissages justice. Huit. Pas de motif. Ensuite, je suis simplement entré, dupliqué une des notes, comme si pour créer cette sensation supplémentaire. Donc, ramenons ces gars ici, et vous pouvez l'écouter à nouveau sur j'ai choisi d'avoir tous ces champs sur l'un donc au début de chaque barre, mais vous pouvez avoir une sensation, par exemple, dans la fin aussi, comme avoir cela là. Au lieu de cela, vous pouvez entendre combien d'intérêt supplémentaire et d'espions cela ajoute à la rainure globale. Bien sûr, vous pouvez utiliser cette technique sur n'importe quel droit de parti. J' ai choisi de couches qui ont vraiment les mawr audible dans le mélange. Et, hum, voyons si j'ai des coquilles si bien, je ne le fais pas. Mais je veux dire, chaque fois que vous voulez avoir une sensation comme ça, vous ajoutez juste une note supplémentaire. Ça n'a même pas besoin d'être pareil. Vous pouvez les avoir comme une course ici. Comme ainsi de suite. Il crée beaucoup plus d'intérêt sur le puits, dynamique à la rainure crée une variation avec les articulations. Vous avez donc déjà appris cette bande dans des vidéos antérieures. Mais c'est si important que j'ai besoin de le souligner non seulement ici, en changeant réellement les articulations avec des interrupteurs à clé, mais aussi en ayant des articulations différentes entre différentes puissances. Donc statut Imo comparé à parler jusqu'à ici, frissons ici ou staccato, et ceux-ci ou principalement parler cata, je crois, ou ils en fait, nous allons mettre cela sur plus de coton et voir comment cela semble voir, ils sont donc un peu plus longs. Je pense que cela fonctionnera encore mieux. J' aime mieux ça. Donc, vous obtenez cette variation entre les différents ports. Il a droit en tant que couches comme ça et bien sûr, allez dans. Uschi passe à partir de, par exemple, collé un testament à staccato. Si vous voulez étendre la note, notes plus longues par rapport aux notes plus courtes, deviennent naturellement presque comme des accents, même avec la même dynamique que vous pouvez entendre plus clairement si je vais dans ce ostinato de violoncelle ici et toutes ces notes ou staccato ou même coincé une fumée t. Mais je change ces deux autres cultures parce que celle-ci, celle-ci, celle-ci et celle-ci par rapport à ce court staccato sait sur Écoutez et il verra ces articulations plus longues. Nous sommes longues notes courtes articulations marquent hors d'ici bien devenir agir sur leur propre. Très bien, vous avez maintenant appris quelques conseils pratiques et allez en direct des exemples sur l'écriture d'autos Austin avec des cordes. 24. Arpèges: ou pidio est essentiellement un mix off Austin autos avec des rythmes harmoniques de composition. Leur caractère est plus axé sur le flux, car ils courent de haut en bas sur les harmonies. Mais ils peuvent également ajouter une ambiance de copains énergique, en particulier avec un Faster ou Paju. Maintenant, laissez-moi partager mes meilleurs conseils pour écrire ou payer des vidéos sur des chaînes. Le rythme droit est plus sûr maintenant. Par cela, je ne veux pas dire que vous devez nécessairement choisir seulement des battements droits comme des notes de quart et des notes de huitième. En fait, ici, j'ai un triplet de huit billets Ah, ou vous a payé. Ce dont je parle est mawr que vous avez généralement une note droite modèles de ceux-ci sont loin. Huit Pas de triplés et il n'y a pas de lacunes. Si j'ai commencé, supprimez les notes en les poussant comme ceci. , En général, ça ne semble pas aussi bon. Donc, ce moyen sûr est de s'il a utilisé par exemple, huit triplés de notes le font tout tout au long du motif arpège. Si vous utilisez des notes de trimestre, ayez généralement cela comme une ligne directrice pour le modèle complet et ainsi de suite. Ensuite, la bande suivante est la longueur de la note en fonction de la vitesse. Ainsi, comme vous l'avez entendu, par exemple, c'est le plus rapide. C' est huit pas de triplés. qui signifie que vous avez 12 notes dans Ah, une barre par mesure comme celle-ci par rapport à celle-ci qui est aussi assez rapide. Huitième notes droites huit notes à droite. Mais celui-ci n'est que des notes de quart. Donc, ce que j'ai choisi de faire ici, c'est que ceux-ci sont laissés à la parole, ce qui est une très courte articulation. Staccato est bien sûr, beaucoup plus long. Donc j'ai changé l'articulation, la longueur du noeud par la vitesse puisque c'est ah plus lent. Donc, si nous entrons ici et écoutons maintenant si je compare cela avec si je vais ici et que je le change pour l'autisme, qui est plus court, cela pourrait fonctionner. Mais puisque c'est plus lent, je pense personnellement que ça sonne mieux. Un peu plus court, pas d'articulations comme le staccato. La prochaine astuce est de suivre la progression de l'accord. Donc, c'est bien sûr, super important pour toutes les parties du droit. Donc, dans la plupart des cas, vos arpèges seront simplement les notes de corde. Dans ce cas, vous avez G b plat. Et c'est donc le sol mineur. Maintenant, vous pouvez également sortir des cordes tant que vous respectez toujours la progression globale des accords , bien sûr, en incluant la minorité hors des nœuds d'échelle à l'extérieur de la cour, ce que j'ai fait ici. Donc c'est en fait un e appartement ici. Donc, je reçois ce champ mystérieux, et vous pouvez également ajouter des notes de sensation pour les espions, même si vous venez d'apprendre que garder un motif droit, signifie que les mêmes valeurs de note dans la grille est la forme la plus sûre de quatre ou de vidéos. Si vous vérifiez cet exemple ici, j'ai réellement commencé comme ceci. Quelque chose comme ça. J' ai huit notes. 12345678 Avant les quatre suivants, qui ressemble à ce Theun. J' ai ajouté quelques notes de sentiment ici, ici et ici, qui sont aussi des notes à l'échelle. Vous pouvez utiliser le même plus que dans l'utilisation du cordon pour chaque barre. Je viens d'ajouter une échelle supplémentaire doit pour obtenir plus de variation et d'énergie dans le et faire le ou payer. Vous sentez-vous plus dynamique ? En fait, droite, Donc, ce sont quelques conseils pratiques et des exemples d'écriture ou de payer Geos sur les chaînes 25. Rues: Les séries de cordes sont incroyablement efficaces pour ajouter une énergie de boost off, plus souvent sous forme de remplissages et d'épices tout au long de votre composition, parfois virant avec des vents de bois. Comme ils sont aussi assez agiles pour effectuer des courses rapides, euh, ils peuvent monter, descendre ou un motif formé comme un arc. plus souvent, ils passent par les notes sur une échelle, c'est pourquoi cette technique est souvent appelée une course à l'échelle. Mais parfois, vous pouvez effectuer un court autour, par exemple, se terminant sur le cinquième parfait. À la place. Voici mes meilleurs conseils pour écrire échelle possède ou fonctionne sur des cordes haute gamme pour mijoter de sorte que vous écrivez généralement vos courses dans la gamme haute de musique parce que vous voulez ajouter ce sens sur haute énergie et l'intensité et chatoyer comme espions dans votre musique afin qu'il puisse sonne quelque chose comme ça. Et comme vous pouvez le voir ici, il commence sur D 5 et va à D 6 ou assez haut, et ah, vous choisissez la direction si vous voulez monter. Dans la plupart des cas, vous montez ou vous montez d'abord puis descendez. Donc en haut, en bas ou en haut, en bas. Mais vous pouvez, bien sûr, commencer et descendre, puis monter une houle et concernant l'articulation que vous utilisez. Bien sûr, vous devez être capable de jouer vite comme ça. Donc, si votre instrument a une sorte de boue, allez vite brouiller les tambours. Parce que lorsque vous jouez des séquences rapides comme celle-ci, notes devraient devenir floues les unes dans les autres. Donc, dans cet instrument particulier, j'ai quelque chose appelé mode run. Il y a aussi cette fonctionnalité appelée Mode Live. Si vous avez quelque chose qui peut ajouter ce sentiment de flou entre les notes, bien sûr, je vous recommande également de les avoir réellement. Donc, ils se chevauchent légèrement les uns avec les autres. Mais en ce que si c'est sur Lee comme le but de l'articulation, il sera probablement très mauvais. Donc vous avez acheté. Si vous n'avez pas le mode run, euh, je dirais aller avec une courte pile de système éteint ou quelque chose comme ça. Donc, la prochaine étape est la fin d'un temps perdu, comme on peut le voir ici. Il commence aussi sur un rythme, puis se termine sur un débattement 12346 Et sur le sur le à vous. Ici, c'est une course rapide, et ceux-ci aussi. Ceci est en fait ne se termine pas sur le temps perdu mais sur un haut il mais toujours seulement battre. Je dirais que c'est là la principale ligne directrice pour se terminer sur un rythme. Dans la plupart des cas, vous voulez finir à la fin sur un temps perdu. Donc vous voudrez peut-être avoir ceci C'est un ici et se terminer sur le premier battement de la prochaine mesure sur Dans ce cas, je me termine sur le 31 23 Donc ça va de haut en bas. Et puis nous entrons dans la prochaine astuce, qui est d'ajouter de la variation pour la sensation humaine. C' est donc très difficile à enregistrer, bien sûr, mais vous devez obtenir des variations dans les niveaux dynamiques, les niveaux de vitesse, mais aussi plus important que dans le timing. Donc, si vous montez cela manuellement ah, avec votre souris pour l'obtenir à la grande valeur exacte, assurez-vous d'utiliser une sorte de fonction humanisée pour ajuster le timing ou même simplement utiliser quelques petites valeurs et les faire glisser autour comme ça, vous savez, pour créer cette variation Vaux rencontrer des dynamiques. Maintenant, allons vérifier que je suis dynamique. Vérifions celui-là. Vous voyez, ce n'est pas trop bas parce qu'ils doivent creuser quelque part pour créer, mais ils ne peuvent pas aller à Super High Dynamics 2 parce qu'ils ont besoin de pouvoir jouer beaucoup de notes comme ça. Donc je dirais quelque part dans le vote pour avoir besoin de dynamique ou moi, dynamique ne va pas trop haut. a l'air super étrange. Et ne va pas trop bas non plus. Quel rôle là-bas quelque part dans le bas pour moi, Dario. Donc, la prochaine chose est d'ajouter des accents naturels. Donc, bien sûr, il n'y a pas de vrais accents. Ce que je veux dire par accents dans ce cas, c'est Ah, je dirais que c'est national. Lorsque vous commencez à avoir une vitesse légèrement plus élevée, puis il commence à descendre, puis hoops. Vous avez probablement atteint la charge finale de peu plus haut. Donc quelque chose comme ça par rapport à l'avoir e à égale comme ça en aucun accent. Retourne comme ça, n'est-ce pas ? Ici, c'est une légère différence, mais ça le rend certainement plus authentique et plus vivant. Enfin, je veux montrer peut-être la différence la plus importante entre tous ces exemples, qui est Vas-tu faire une échelle sur une course d'harmonie ou payé votre um donc la différence est une course de peur classique. Bien sûr, passez par chaque note hors de l'échelle comme ça ici tandis que la suivante je l'appelle une hormone Iran parce qu'elle ne se termine pas sur l'octave ah, elle se termine en fait sur la cinquième parfaite. Dans ce cas, écrire quelque chose comme ça, Um, et dans la finale, Donc, pour les années cinquante parfaites, bien sûr, le plus commun et la note pour un type d'harmonie courir la finale. Je fais appel à notre brun parce qu'il ne passe pas par les écailles, mais plutôt par les notes de corde sur. Et pour le rendre plus rapide, vous devez passer par les tables en chêne ici, donc commence sur le F qui monte dans mon cas. C' est donc le premier tribunal F. C' est le prochain tribunal de la F, puis se fritonne à nouveau comme ça. Donc, ceux-ci passent par un avec les notes de F f A C F A C A f C A F. Très bien, donc ce sont quelques conseils pratiques et des exemples sur l'écriture de différents types de courses sur des cordes 26. Accents: ajoutant des accents forts sur diverses perles dans votre musique. Les compositions peuvent être une technique très puissante, surtout lorsque vous le faites avec plus d'un instrument. Parfois, l'ensemble de l'orchestre se joint à décrété et méga puissant accent et les cordes peuvent effectuer une variété de X et les articulations. Alors explorons quelques-uns de mes meilleurs conseils pour créer ces accents. Commençons par écouter ces exemples complets que j'ai composés pour démontrer des accents sur les chaînes. La première piste ici est une corde ou une piste de progression harmonique avec des cordes pleines que j'ai quelques drames ici ci-dessous, et c'est en fait des coups de corde posés avec la poitrine. Mais toutes les autres pistes, y compris ce port ou en fait des cordes, fournissant le lecteur, l'énergie et les accents. Vous pouvez même voir où ces accents atterrissent ici si vous vérifiez ces régions médiatiques ici. Donc jouer en 321, choisissez votre accent, Vice Lee. Donc, bien sûr, je parle de l'endroit où vous placez vos accents. Si je vérifie cette piste ostinato principale sur pour qu'il vous puisse réellement l'entendre et le voir ici en rouleau de piano, où dans la cupidité j'ai placé les accents, il est clairement visible ici parce que j'ai mis en couches dans les octaves de bassin ici parce que accents fournissent en fait le rythme principal. C' est ce que l'auditeur ramènera le plus. Tout le reste est juste ajouté de l'énergie, l'intensité et de la variation et de la complexité dans la rainure. Mais ce que vous obtenez, c'est le, euh, euh, c'est ce qui fournira la rainure principale, ces accents. Et vous devrez respecter ces accents pour tous les autres morceaux que vous ajoutez, hum, dans votre groove rythmique global, ce qui nous amène à la prochaine bande, qui est, si je reviens ici, hum, utiliser 40 dynamiques similaires. Vous avez donc l'accent absolu du Maine. Accents les plus importants. Vous voulez vraiment obtenir un niveau élevé sur la dynamique de vitesse ici dans tous les autres cas, vous voulez avoir ces accents du Maine um um ato moins élevé dans la dynamique que les notes environnantes . Vous n'avez pas besoin d'utiliser les niveaux de vitesse les plus élevés. Tant qu'ils sont plus élevés que les notes environnantes, ceux-ci seront ramassés comme des accents comme Donc maintenant la prochaine est d'utiliser des articulations d'accent audacieuses . Il y a donc, bien sûr, beaucoup de types sur les règlements d'accent. Dans ce cas, nous vérifions cette piste ici. Tout est coincé. Artistique plus A très court. Sauf ici, j'ai en fait automatisé la roue de modulation. Parfois, ils ont utilisé des clés, qui juste pour s'assurer que certains d'entre eux que je veux avoir un séjour, les accents les plus forts parce que les accents peuvent avoir différents degrés de force. Donc, cela devrait être un accent encore plus élevé que celui-ci. Je voulais que celui-là soit aussi bien et aussi la cadence finale ici, à droite, le niveau de vitesse vers le haut. Et puis j'ai montre en ajouter ceux comme une autre articulation dans ce cas de stock, un testament à coincé après quoi vous pouvez réellement entendre. C' est un peu plus long, pas vrai. Et si vous vérifiez les autres pistes ici. Ainsi, par exemple, ceux-ci sont audacieux, faible Mark Otto parce que Mercado est un X très fort et l'articulation sur. Si vous cochez ici, ils ne sont pas superposés exactement la même. Donc, ils sont cet accent, l'accent principal, mais pas sur ces notes. Ils sont ici et ici et puis sur ce pour que vous n'ayez pas à superposer Ah, exactement de la même manière sur toutes les pistes rythmiques de vos cordes. Le suivant ici est peu profond pour Sato, qui est aussi un accent fort. L' articulation ? Oui, en cassettes de chêne. Ah, j'ai quelques coups de couteau ici. Parlez-en. Juste comme un testable juste jouer. Et puis nous avons quelques bas. Soyez coupés en accents ici. Donc, comme vous pouvez le voir et surtout celui-ci est en fait préfabriqué de l'accent Colin E o Donc divers types ou ce que j'appelle X et articulations Ah, et ceux vont tous ensemble, qui nous emmène dans la pointe finale, qui est la forme de superposition ou la puissance. Donc, si je suppose à nouveau ici et voir tout sur si vous allez dans l'éditeur de piano roll, je n'utiliserai pas ces cordes insolvables parce que ce ne sont que la progression de base ici. Maintenant, vous ne pouvez pas, bien sûr, voir clairement où sont les principaux accents, superposer comme vous les soins maniaques Donc supersupersupercouche lourde. Là, là, là, là, là. Et quoi ? Nous pouvons voir le reste et vous pouvez voir le ah se me peut prochaine sortir tous les accents les plus puissants et les actions les plus puissantes suivantes ici. Ici, peut-être celui-là un peu sur celui-là. Ainsi, le travail fournit également beaucoup de force pour vos accents. Donc, je vais réellement réduire ou supprimer les chaînes pleines. Vous pouvez sur Onley entendre les parties rythmiques, y compris la batterie. Donc, les drames, bien sûr, sont très importants à accentuer. Ah, le reste des rapports rythmiques comme ces cordes. Ainsi, comme vous pouvez le voir, cordes ont une étonnante variation par rapport aux articulations rythmiques et aux styles de performance que vous pouvez utiliser pour apporter des accents à vos rainures et entraînements rythmiques. Et quand vous commencez à les superposer avec, par exemple, percussions, cuivres, bois ou tout autre type de son ou d'articulation rythmique court, vous pouvez obtenir des accents encore plus puissants dans votre musique compositions. Bon, maintenant vous avez quelques conseils pratiques et des démonstrations en direct, utilisant des cordes pour les accents dans vos rythmes et grooves pour vos compositions musicales. 27. Félicitation: Félicitations, mon ami. Vous avez maintenant appris les fondements, les lignes directrices, les sons, les refroidisseurs, les styles de jeu, les articulations et les façons créatives de façonner l'expression, l'émotion et les performances sur orchestral cordes dans votre musique. Votre mission finale est de créer votre propre composition musicale, en se concentrant principalement sur un arrangement complet de cordes. Vous pouvez, bien sûr, inclure d'autres instruments si vous le souhaitez. Tant que l'accent principal est toujours sur les chaînes stockées composant avec des chaînes. ce moment, mon nom est Mike et je vous souhaite beaucoup de succès dans votre voyage en musique.