Comment maîtriser les émotions dans votre musique

1. Votre voyage pour maîtriser les émotions de la musique: Bonjour et bienvenue aux créateurs de musique. En tant que compositeur et artiste de musique, vous êtes chef d'orchestre d'instruments. Vous êtes un directeur d'émotions. Vous créez une histoire étonnante de sons, et à la fin, vous créez la forme d'art la plus puissante de l'univers. La seule langue qui peut être comprise et ressentie au cœur même de chaque personne dans le monde. la musique. Alors aimeriez-vous devenir un maître de la création, contrôle et de la mise en forme des émotions dans vos genoux. Dans ce cours, vous obtiendrez des techniques pour maîtriser la musique des émotions, conseils avancés et des sécrétions, des exemples en direct et des démonstrations. Vous apprendrez toutes les meilleures et les plus puissantes façons de composer et de produire de la musique que vous pouvez utiliser pour façonner l'histoire émotionnelle de votre composition musicale. Et si vous voulez faire de la musique pour le travail visuel et des bandes son comme les films, la télévision, les jeux vidéo, ou tout type de musique de production pour un usage commercial. Ensuite, vous devrez maîtriser cette compétence essentielle. Créateur de musique, apprendre à contrôler et à façonner les émotions de la musique, Votre histoire de sons. Donc, si vous êtes prêt à devenir un maître des émotions dans la musique, Prenons l'action, stocké votre voyage d'apprentissage et l'aventure vers la maîtrise du pouvoir des émotions dans la musique. En ce moment. 2. Le graphique de l'émotion de la musique: L' émotion courte de la musique. Donc, pour vous aider à créer, à façonner et à former des amis l'histoire émotionnelle de votre musique, j'ai développé quelque chose que vous pouvez utiliser comme guide. Je l'appelle l'émotion à court terme de musique. Et il est basé sur la tension et le niveau d'énergie de chaque aspect de votre musique. J' utiliserai beaucoup les termes énergie et tension pendant ce cours. Mais dans la pratique, ils ont tous les deux une signification similaire dans la plupart des cas. Et cette émotion fondamentale est basée sur la façon dont elle affecte notre état d'être pacifique et en parfaite harmonie jusqu'à des émotions stressantes, intenses et fortes tensions. L' utilisation pratique de ce graphique d'émotions est d'avoir une façon de décrire toutes les émotions fondamentales et comment elles sont placées dans ce graphique en fonction de leur degré d'énergie et de tension. Vous pouvez penser à l'émotion courte comme une échelle qui va du peigne jusqu'au chaos. Nous sommes le plus bas niveau d'énergie serait comme si vous aviez pris un somnifère ou médité. Et le niveau d'énergie le plus élevé serait comme si vous aviez mangé le mauvais type de champignon. Ça te ferait halluciner comme un fou. Maintenant, jetons un coup d'oeil à cette émotion musique plus courte. Et le mot clé correspondant qui décrit l'énergie et le niveau de tension. Voici l'émotion courte de la musique. Niveau 1, maïs, calme, calme. Niveau vers l'harmonie, le bonheur et l'autonomisation. Niveau 3, niveau triste, émotionnel ou nostalgique pour suspensation, excitant ou excitant. Niveau 5, chaos, panique, peur et terreur. Donc, fondamentalement, tout ce que vous faites à l'intérieur votre musique peut être appliqué à cette émotion à court de musique, ou ajouter ou réduire le niveau de tension et, ou le niveau d'énergie. Vous apprendrez tous les aspects que vous pouvez utiliser pour contrôler et façonner les émotions à l'intérieur de cette émotion, musique plus courte dans ce cours. Mais permettez-moi tout d'abord de vous donner quelques exemples pratiques. Commençons donc par la tension de niveau le plus bas et l'énergie de niveau le plus bas. Vous pouvez les considérer comme une musique ambiante, atmosphérique ou méditante ou relaxante. Donc, l'harmonie la plus stable est une cinquième parfaite comme celle-ci. Disons un accord de puissance F. Et si vous les jouez avec des notes Valmy, ce sera moins d'énergie. Bien que la dynamique sera moins d'énergie ainsi et faible tension parce que c'est juste un accord de puissance, la racine et le perfectif, puis va à, disons le B plat entre ces deux accords de puissance. Longue notes dessinées pendant une longue période et revenir à la F. D'accord ? Maintenant quelque chose qui serait de l'autre côté. Donc très haute tension et beaucoup de niveau d'énergie serait inclure des harmonies et des intervalles et des accords qui ajoutent plus de tension. Disons qu'on commence par ré mineur. Ensuite, allez sur cette note, qui est en fait D accord diminué et le tritone ici. Et ajoutez aussi beaucoup plus de mouvement rythmique pour ajouter l'énergie qui crée plus de cette ambiance chaotique et intense. Donc quelque chose comme ça. Vous pouvez vraiment entendre la tension de ce noyau diminué et de l'augmentation. Faites-le dans la base, peut-être aller de d2. Le second mouvement mineur ou plus qui pourrait être du côté opposé. Bien sûr, vous pourriez utiliser d'autres instruments jouant des articulations de Mercado rythmiques élevées par chaos massif et ainsi de suite pour atteindre vraiment ce niveau de tension et d'énergie le plus élevé. Et puis vous avez tout entre les deux. Donc, par exemple, si vous jouez un accord majeur comme si majeur et que vous allez ensuite en si bémol majeur. Alors , puis peut-être pour voir. Donc, tous les accords majeurs, c'est bien sûr faible niveau de tension en raison de l'ambiance sonore majeure. Mais vous pouvez augmenter ou diminuer le niveau d'énergie en fonction rythmique que vous jouez ces derniers et de la force, dynamique que vous poussez dans chaque note. Donc, ces accents CO2 ballpark ajoute plus d'énergie, même si tous les accords ou majeurs. Mais si je les joue doucement, peut-être avec un arpège, il a moins d'énergie, alors vous arrivez aux autres niveaux. Alors introduisez un accord mineur, qui a un peu plus de tension que les accords majeurs. Mais pas aussi haute tension que, par exemple, mineur avec un six mineur ajouté comme celui-ci. Et même une harmonie de tension plus élevée serait l'accord diminué. Ou peut-être que vous allez du mineur et puis riff sur la base. Pensez donc à tous ces aspects. L' hormone est les accords, les intervalles que vous utilisez, le niveau d'énergie de la dynamique, le rythme, le style de jeu, les articulations, tout compte et s'additionne lorsque vous façonnez l'histoire émotionnelle de votre musique. Et vous apprendrez tous ces aspects dans les vidéos ultérieures de ce cours. Mais c'est le point de départ. L' émotion musique plus courte, le niveau de tension, et le niveau d'énergie. 3. L'émotion de l'échelle: émotion de l'échelle, le langage de base de votre composition musicale définira le point de départ émotionnel. Et le premier aspect de cette fondation est l'échelle ou le mode que vous utilisez. Voici une bonne ligne directrice concernant le caractère émotionnel du type d'échelle que vous utilisez. Chaque échelle peut avoir l'une des caractéristiques principales suivantes. Un, vibration majeure à l'ambiance mineure, trois, ambiance mixte, et quatre, Vibe de tension. Maintenant, comment définissez-vous l'ambiance globale de cette échelle que vous utilisez ? Comme guide, vous pouvez vérifier l'accord diatonique 15 de l'échelle ou du mode que vous utilisez l'accord tonique. Un accord aura le plus d'impact de l'émotion globale, suivi de l'accord dominant, les cinq accords. Si les deux sont des accords majeurs, alors l'échelle aura un son majeur global comme cette échelle majeure standard, aussi appelée mode ionien. Ici, vous pouvez voir les sept accords diatoniques triades de la grande échelle, également appelés mode ionien. Donc, dans ce cas, la clé est C. Donc, vous avez le do majeur comme premier accord ou accord tonique. Donc l'ambiance majeure édifiante est l'ambiance racine de l'échelle majeure, mais aussi le cinquième accord, ou on l'appelle l'accord dominant, est dans ce cas le sol majeur. Donc, ces deux majeur plus majeur, bien sûr crée une ambiance sonore majeure. Donc revenons pour voir si les deux ou mineur, le mode scalaire aura un son mineur comme l'échelle mineure naturelle, également appelé mode éolien. Donc, je vais le démontrer dans la clé de D. Donc c'est l'échelle en D mineur, aussi appelée mode éolien. Et comme vous pouvez le voir, l'accord tonique, le premier accord est mineur, donc d mineur dans ce cas. Ok, donc une petite ambiance basée sur l'accord racine, le tonique. Et aussi depuis le cinquième accord ou accord dominant ici dans ce cas est un mineur sont également mineur, mineur, mineur pour l'accord tonique et dominant 15 accord crée un très émotionnel mineur sonnant ambiance globale de l'échelle. Si l'un est majeur et l'autre mineur, vous obtiendrez un mélange d'un personnage majeur et mineur, comme le mode Mixolydien, par exemple. Donc, ici, nous avons les sept triades diatoniques du mode Mixolydien est. Donc, cette échelle a une ambiance globale majeure basée sur l'accord tonique mesuré dans la clé de G. C'est le sol majeur. G majeur. L' ambiance majeure. Mais puisque l'accord dominant, le cinquième accord est mineur, vous obtenez une ambiance mixte. C' est majeur, mais avec une touche mineure. Donc, comme vous pouvez le voir, l'ambiance majeure du G, mais ensuite il va à ré mineur et puis de retour à la tonique g majors ou majeur. Et cela crée vraiment ce beau personnage mixte d'avoir une corde de racine édifiante globale avec un accord émotionnel, plus un petit sonne cinquième accord. Et si l'un ou l'autre accord est une triade diminuée ou augmentée, votre langage fondamental harmonique aura une atmosphère d'intention de construction, comme le mode phrygien ou le mode locrian. Donc ici vous avez les accords de mode phrygien. Donc j'ai choisi de le démontrer en E. Donc E mineur est l'accord racine, le tonique, donnant au noyau fondamental viable ce mode ou échelle, le mode Phrygien. Plus sombre, mineure émotionnelle. Cependant, le cinquième accord dans ce cas est B diminué, qui donne, donne le caractère ajouté ou haute tension. Pourquoi ? Parce qu'une triade diminuée est un tiers mineur avec d'autres tiers mineurs empilés dessus, ce qui fait de cet intervalle le tritone à l'intérieur du code, ce qui est très haute tension. Alors passons de mi mineur, diminué de deux. C' est le cœur du mode phrygien. L' ambiance de tension. locrian est en fait si haute tension qu'il est à peine utilisé en musique car il manque une cadence appropriée en raison de son accord tonique réduit. Ici, vous avez le mode locrian, qui a un accord tonique, qui est en fait un accord diminué. Donc, dans ce cas, B a diminué. Et il est très rare que vous entendiez de la musique utiliser ce mode tout au long de la composition parce que comment mettre fin à une progression d'accord et la résoudre avec un accord diminué ? Comme l'accord perdu. C' est vraiment rare, probablement pour la musique très effrayante, cela pourrait fonctionner, mais vous obtenez le cas des coordonnées toniques diminuées et puis un accord majeur réellement dominant. Donc, avec le temps, vous commencez à jouer ces autres accords. L' écouteur aura vraiment envie d'entendre un autre onglet d'échelle et de taper et de ne pas revenir au B diminué. Mais il y a au moins, c'est la forme de tension la plus élevée de l'échelle. Toute échelle ayant une corde tonique diminuée ou augmentée. Voici un tableau de référence rapide pour vous où j'ai commandé les sept modes principaux du plus lumineux, plus édifiant, au plus sombre tension avec chaque triade diatonique par degré d'échelle pour chaque mode. Maintenant, comme vous pouvez le voir sur ce graphique, j'ai marqué avec les couleurs, l' accord tonique de chaque mode, ainsi que le dominant, le cinquième froid. Donc, le plus brillant, le plus édifiant, si vous voulez, mode dans la musique ou à l'échelle, parce que la plupart sont en fait à peu près des échelles. Avec la différence étant que dans les modes partagent les mêmes notes, mais dans un ordre différent, tonique différent, et ainsi de suite. Donc le mode lydien, faisons-le dans la clé de F, donc vous obtenez le tonique principal. Et puis le cinquième accord est majeur aussi. Donc c dans ce cas. Mais si je ne joue que 151, c'est la même que la grande échelle Ionienne standard. La différence ici est que les Lydiens ont le deuxième accord étant majeur, tandis que les Ioniens ont le cinquième, quatrième, cinquième. Donc, vous obtenez la vidéo et avoir la seconde, alors g. Et puis voir comme le cinquième d'or. Retour à cela 12 accords majeurs, triades pour le premier degré définissent en fait le caractère de ce mode. Les Ioniens ont le tonique majeur, dans ce cas, puis le cinquième. Et j'ai en fait un major majeur. La différence ici est qu'un quatrième accord est aussi majeur. Donc f comme les quatre accords, puis G, et puis retour à un. Et comme je l'ai montré plus tôt, vous avez le mode Mixolydien, qui a un son majeur, tonique, donc g. Et puis le cinquième accord est en fait un accord mineur. Donc, si je trouve quelque chose qui vient de G2, ré mineur, c'est le son Mixolydien. Ensuite, nous arrivons au mode Dorian, qui a un accord tonique, qui est mineur. Donc d mineur dans ce cas. Le cinquième accord est également mineur. Donc, dans ce cas, vous obtenez un mineur. D mineur. Cependant, cela est également partagé avec l'échelle mineure naturelle, le mode suivant, eolian. Ce qui différencie ces deux-là, c'est que le mode Dorian a en fait un quatrième accord majeur. Donc, si vous jouez le mineur et puis un quatrième majeur, donc dans ce cas G. majeur. Cet accord mineur au quatrième accord majeur définit en fait le caractère du mode Dorian. Donc un mineur, quatre, majeur, cinquième mineur. Et le suivant, nous avons le mode éolien, l'échelle mineure naturelle, où les deux, où tous les 154 accords ou mineurs. Donc maintenant, nous entrons dans une ambiance super émotionnelle. Alors jouons-le en mineur. Un mineur l'est. Accord mineur et quatrième mineur. Donc, dans ce cas, nous avons le ré mineur. Et le cordon de foi est aussi mineur, mi mineur dans ce cas. Et puis une résolution mineure cette progression des accords. Et puis vous avez le Phrygien, où l'accord racine est mineur, comme vous pouvez le voir ici. Donc l'accord mineur E est diminué dans la clé de E, vous obtenez a, B diminué, comme vous l'avez déjà entendu. Et puis revenons à E. Alors que la cinquième corde diminuée, est-ce vraiment les caractéristiques du mode de tension phrygien ? Et puis un locrien, comme vous pouvez le voir, c'est le seul à avoir un accord tonique qui n'est ni mineur ni majeur, il est diminué, donc vous obtenez le B diminué comme tonique. C' est pourquoi c'est super rare, vraiment utilisé en musique du tout. Donc, vous pouvez à peu près sauter celui-ci, mais je vous recommande vraiment de vous entraîner à entrer dans l'ambiance, cette ambiance cool de tous les autres modes de musique principaux. Ainsi, vous pouvez choisir une échelle, type ou un mode dans ce cas, qui obtient vraiment l'ambiance d'appel d'ambiance que vous voulez pour votre composition musicale. Donc, pour résumer, le premier aspect de votre langage émotionnel global de votre composition musicale sera basé sur l'échelle ou le mode que vous utilisez. Il peut avoir un son majeur global, son mineur, un son mixte ou un son de tension. Et cela est principalement décidé par la combinaison de l'accord unique, le tonique. Nous avons le plus d'impact suivi par les cinq accords, le dominant, et un dernier point. Et c'est très important. Vous devez vous rappeler que l'échelle ou le mode que vous utilisez sera simplement la base de votre langage harmonique. Les accords et harmonies sur lesquels vous choisissez de vous concentrer en tant que compositeur, auront toujours le plus d'impact. Par exemple, même si vous utilisez une échelle de sons mineure, disons en ré mineur, vous pouvez choisir de vous concentrer davantage sur les principaux enregistrements de cette échelle dans vos progressions de base pour pousser les émotions vers ce qui a fait votre ambiance sonore, l' histoire harmonique de votre musique aura toujours le plus grand impact sur le parcours émotionnel de vos compositions musicales. Laissez-moi vous le démontrer pendant que nous regardons ces cartes d'accords pour les sept modes principaux de la musique. Et souvenez-vous des modes ou simplement des échelles qui partagent tous les mêmes notes, mais dans un ordre différent. Donc, les diplômes de la cour changent pour chacun de ces modes. Prenons donc un mode de son très lumineux comme Ionien, qui est le stand un autre mot pour cette échelle majeure standard. Donc, en do majeur. Donc, si vous vous concentrez seulement sur les accords de 14 ou cinq, accords, 145 degrés, vous obtenez une très édifiante, brillante peut votre ambiance sonore. Mais disons que vous commencerez à introduire certains des autres diplômes de quart qui sont mineurs ici. Ensuite, vous poussez le scénario harmonique émotionnel vers une ambiance sonore plus mineure, même si l'échelle est encore une échelle de sonorité majeure. Alors commencez par C. Allons au second accord, le mineur, ré mineur, puis à un mineur, mi mineur, de retour à C. Donc vous voyez le tonique ici est majeur. Mais vous pouvez jouer plus de ces autres accords mineurs à l'intérieur de votre progression. Et cela pousse en fait à suivre vers une ambiance globale plus émotionnelle, même si elles sont encore majeures. Et vous pouvez le faire dans une autre chose opposée, échelle ou mode , comme, disons l'éolien, qui est une scanline très émotionnelle. Donc, ça commence par un tonique mineur. Disons que vous allez au do majeur, qui est le troisième major. Les six avec ça pour factoriser. Donc, vous obtenez une ambiance sonore majeure plus édifiante même si nous sommes en mineur, ce qui est une échelle de sonorité mineure très émotionnelle. Ainsi, comme vous pouvez le voir, les choix que vous faites pour votre scénario harmonique, les accords et les harmonies sur lesquels vous vous concentrez pour votre progression, ont un impact encore plus important que l'échelle ou le mode réel que vous utilisez. Cependant, il est important de reconnaître que le type d'échelle ou le mode a le langage fondamental et fondamental et l'émotion pour votre composition musicale. 4. Émotion de de de modéré: L' émotion d'un mètre. Nous avons tendance à penser principalement à ce type d'échelle, accords et harmonie lors de l'élaboration de l'histoire émotionnelle de notre musique. Mais il devrait également tenir compte du compteur que vous utilisez. Le compteur est plus communément appelé signature temporelle dans la musique, et il est étiqueté avec les deux valeurs. Le premier nombre est le nombre par mesure et le second est la valeur de nœud que vous comptez. Ces valeurs définissent le langage rythmique fondamental de votre musique. Et cela peut avoir un grand impact sur l'ambiance émotionnelle aussi. Par exemple, la signature temporelle la plus courante est 44, est même appelée temps commun en raison de combien elle est utilisée et comment elle se sent naturelle pour nous. Vous comptez simplement quatre battements, notes de quart avec un accent égal sur chaque temps pour obtenir avant pour une ambiance comme celle-ci, 12341234 et ainsi de suite. Voici un tableau de référence rapide pour ce que je considère comme les principaux types signatures au fil du temps basées sur la base émotionnelle et rythmique. Un, signatures de temps avec une ambiance droite, par exemple, pour 422, Ces signatures de temps basées sur d'avoir cette rainure de rue naturelle comme l'émotionnel, fondation rythmique. Il peut parfois même être appelé le marchemètre, car il peut sembler très militaire en raison de ce droit et rigide le son. Donc ici, j'ai créé deux exemples de signatures temporelles avec une ambiance droite. Le premier est 44 et le second est 22. Alors écoutons d'abord, puis je vous expliquerai. C' était 44. Et celui-ci est intuitif. La raison pour laquelle ces fois dangereux avec une ambiance droite nous semble si naturelle, c'est que si vous écoutez ça, laissez-moi compter. 1, 2, 3 4 1, 2, 3, 4 ou 2, 2, 1, 1. Donc 22 fonctionne très bien pour cette marche. Par. Alors pensez à 12 comme si nous avions deux pieds, donc à gauche, à droite, à gauche, à droite. Ou si nous applaudissons, nous avons deux mains ou nous avons un rythme cardiaque, notre pouls, tout est droit comme ça. Et c'est pourquoi il est tellement utilisé dans la musique pop, la musique rock, la musique électronique. Et chaque fois que vous voulez ce genre de pouls droit pour le groove, le rythme fondamental de votre musique, pour chronométrer les signatures avec une ambiance groovy. Par exemple, 3, 4, ou 6, 8. Cette fois les signatures basées sur le numéro trois. Avoir cette ambiance groovy, qui peut être une sorte de swing et un sentiment de vagues dans votre musique. 3 quatre est souvent appelé temps de valse. Et 6, 8 est particulièrement bon pour la musique d'action avec beaucoup d'énergie et de dynamisme. Mais encore avec cela a grandi l'ambiance. Donc nous les signatures temporelles avec une ambiance groovy, vous avez ces divisibles par trois types de politiques. Nous devrions complètement différent de l'ambiance droite naturelle, ce pouls droit. Donc vous avez ce 123123123123. Et j'ai enregistré deux exemples. Le premier en 34, comme celui-ci. Donc c'est 2, 3, 4. Et puis j'ai un autre exemple ici en 68. Donc, ici, nous sommes courts. C' est toujours le genre de divisible par trois le pouls a grandi ici. Mais comme il est basé sur, sur les six huitièmes, c'est beaucoup plus rapide et plus d'action. Donc, vous pouvez entendre le taux si je joue les cordes courtes ici et charger des shorts. Donc ici nous avons, au lieu de 123123, vous avez les objectifs 123456123. Vous l'entendez beaucoup dans la musique d'action cinématographique, en fait dans les bandes sonores et les films. 123456123456123456, et aussi dans le rock progressif et ainsi de suite. Vous obtenez ce disque d'énergie intensif très élevé à l'intérieur de la musique lorsque vous utilisez six sites. Donc en fait, maintenant laissez-moi jouer ces deux exemples, ces courtes conversations. Le premier est en 3 4 ici. Alors écoutez et nous pouvons vérifier le, le rouleau de piano en même temps. C' est 34. Et vous ressentez vraiment cette ambiance balançante, groovy, la, la. Comme penser à la danse dans un cercle ou quelque chose comme ça. C' est une façon d'y penser. Mais j'ai tendance à penser à ces deux, 3, 4, et 6, 8 comme un cercle groovy, un type ondulé de signatures temporelles. Donc les six huitièmes peuvent ressembler à ça. Trois fois des signatures avec une ambiance chaotique. Par exemple, 7, 8 ou 54. Fondamentalement, toutes les signatures de temps qui sont presque mais pas parfaitement divisibles par deux. Depuis le temps commun pour quatre et toute variation de mètres droits ont une telle connexion naturelle forte avec nous. Chaque fois que vous entendez une signature temporelle que la Russie est comme 78. Ou des liettes, comme quatre ou cinq. Vous ajouterez de l'intensité et de l'action du chaos de la façon dont il gâche notre état naturel et notre collection au temps commun. Cette intensité ajoutée et cette ambiance stressante rendent ce type de signatures temporelles incroyables pour musique dramatique comme l'action intense ou la musique de chasse chaotique ou la musique de combat. Donc, vous pouvez vraiment entendre ces stressant ajouté l'ambiance d'intensité chaotique si vous comptez ces signatures temporelles. Donc 7 huitième est 123456781234567123. C' est comme trébucher plus vite dans la prochaine, c' est pourquoi je l'appelle qu'elle se précipite parce qu'au lieu d'ajouter cette dernière huitième note, donc c'est 8, 8 ou 4 pour elle. Vous vous précipitez dans la mesure suivante. Donc 1, 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4, 5, 6, 7. Et par exemple, 54, ce que j'appelle un type de glissement. Type est entier. Donc, vous faites glisser, vous restez sur le sanglier. Un quart de note supplémentaire. Donc 44 est 1234, mais 54 est 1234512345. Ça traîne et tu ne t'y attends pas. Vous vouliez vraiment revenir à ces chemins droits naturels, c'est pourquoi ce genre de signatures temporelles avec cette ambiance chaotique, que ce soit en se précipitant ou en traînant, fonctionne parfaitement pour la musique dramatique, l'action, l'intensité de la musique , le chaos, la bataille, et ainsi de suite. Voici donc le premier exemple que j'ai créé dans les sept huitièmes. Mais vous pouvez vraiment l'entendre si vous écoutez simplement le métronome. Donc c'est juste couper ça pour l'instant. Alors écoutez le métronome. 1 2 3 4 5 6 7 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6 7, 1 2 3 4 5 6, 7 un. C' est comme s'il avait trébuché dans le bar suivant avant. Et ici pour 54, vous avez 1, 2, 3, 4 pi bond. Donc, au lieu de 123411, vous entendez vraiment ce rythme supplémentaire, 1234512345123451. C' est surprenant, Surprenant beat supplémentaire fondamentalement. Maintenant écoutons ces exemples. Vous pouvez avoir une idée pour eux. C' est ce que j'appelle les signatures temporelles avec une ambiance chaotique. Donc voici sept huitièmes. Ok, écoutons la percussion avec, faisons la base. Et la chaîne courte est seulement ceci. Pour l'obtenir encore plus clair. Comme ça, il peut vraiment sentir que l'augmentation de l'énergie pour stresser dans la barre suivante, chaque barre, il déplace vraiment la musique le long et conduit l'énergie. Très utilisé dans la musique d'action intensive et la musique dramatique. 54 est stressant d'une autre manière parce qu'il traîne. Et écoutons d'abord le premier exemple de trou. D' accord ? Comme vous l'avez entendu, il a toujours cette ambiance chaotique. Mais au lieu de se précipiter, il traîne sont 1234512. Écoutons le jazz de la percussion comme du short bas de base. Et faisons cela aussi des cordes courtes. Juste des jours. Et libéré dans le 12345123451234123. Et ce rythme supplémentaire ajoute la fracture intense chaotique de traîner. Alors pensez à ces exemples et il y a d'autres, bien sûr, chaque fois que vous avez ce rythme supplémentaire ou une plage à court de l'ambiance droite naturelle, vous ajoutez ce type d'ambiance chaotique au fil du temps signature. Pour résumer, vous pouvez choisir votre signature temporelle pour façonner le fondement rythmique et émotionnel de votre composition musicale. Vibe droite divisible par deux, par exemple, pour quatre et 22, a augmenté l'ambiance divisible par trois. Par exemple, 3, 4 ou 6, 8 ou ambiance chaotique, qui se précipite ou fait glisser des signatures temporelles comme 7, 8 ou 54. 5. Émotion de Tempo: L' émotion de Temple. Notre sens du tempo et le flux du temps dans musique influent fortement sur notre réponse émotionnelle. Et il y a deux aspects de la façon dont le tempo crée l'émotion dans la musique. Premièrement, le tempo de règle supérieure définit le niveau d'énergie. Ainsi, le BPM de votre musique donnera le ton général pour le niveau d'énergie. Plus le BPM est lent, plus le sens de l'énergie et de l'action sera faible. Et plus le BPM est élevé, plus l'énergie de base sera fournie dans le fondement émotionnel de votre musique. Ce que je trouve fascinant, c'est que le BPM de la musique est très étroitement lié au BPM de votre cœur. Par exemple, si nous nous asseyons immobile ou nous nous allongons, votre fréquence cardiaque est détendue et vos copains avec environ 60 BPM. Et autour de cette gamme de BPM est là où se détendre et les styles de musique seront. Donc, vous pouvez voir la connexion là-bas. Si nous dansons ou bougeons, notre fréquence cardiaque se situera autour de 120 à 140 ou environ, ce qui est l'endroit où la plupart des musiques montantes seront. Voici un tableau de référence rapide que j'ai créé pour les gammes de musique BPM et leur sens général de l'énergie de base. Mais gardez à l'esprit que, quel que soit le tempo, vos styles de jeu et les rythmes auront toujours le plus grand impact sur ce sens de l'énergie dans votre musique. Très bien, donc voici mon tableau énergétique global basé sur le BPM de votre musique. dessous de 50 BPM est ce que j'appelle le niveau d'énergie méditative. De 50 à 70 BPM est une ambiance relaxante. 70 à 90 BPM ou plus est une sensation de tempo down. 90 à 120 est à mi-tempo. 120 à 140 est en hausse. Vibes. 140 à 160, c'est plus d'action. Et enfin, au-dessus de 160 BPM est l'intensité. Niveaux d'énergie de la musique aux changements de tempo que vous créez. En changeant le tempo à certaines sections ou transitions de vos compositions musicales, vous pouvez façonner la réponse émotionnelle encore plus loin. Il y a deux sortes de changements de tempo dans la musique. Le premier étant un changement immédiat. Par exemple, en allant de votre vers à, disons 128 BPM, et changez immédiatement lorsque votre choeur atteint, disons, 132 BPM. Ce petit changement va augmenter le sens du niveau d'énergie dans votre choeur parce que nous sentons le contraste dans le temple changer de divers. Certaines des façons les plus courantes d'implémenter des changements de tempo, ou un tempo plus lent dans l'introduction et le Vs. Tempo légèrement plus élevé dans le chœur. Brève ralentissement juste avant un point culminant, et lent graduellement, ralentir dans la fin de votre musique. Donc maintenant je vais démontrer tous les différents niveaux de tempo et comment cela affecte le caractère émotionnel de votre musique. À partir de moins de 50 BPM, que j'appelle temple méditatif. Vous pouvez voir les changements de tempo pour chaque exemple ici dans ce modèle de type d'étape ici. Donc, à partir de 50 BPM, que j'appelle méditatif, fonctionne très bien pour la musique ambiante, atmosphérique, qui peut ressembler comme ça. Et comme vous pouvez l'entendre, l'utilisation de notes longues, dynamiques basses et de transitions envolées entre chaque note fonctionne très bien pour ce type de musique dans les gammes de BPM les plus basses. Parce qu'il voulait avoir cette ambiance ambiante et atmosphérique. Comme vous l'avez également entendu, il n'y a pas de percussion ici parce que dans ces types de temples, percussion n'est vraiment pas bénéfique pour le genre d'atmosphère que vous créez. C' est donc le premier niveau de tempo pour votre niveau d'énergie émotionnelle inférieur à 50 BPM, méditative, énergie de cœur ambiante. La suivante est entre 50 et 70 ans. Voyons ce que je suis allé avec les cheveux. Alors j'y suis allé avec 70 BPM. Et c'est plus une ambiance relaxante. Ça peut ressembler à ça. Donc, l'a ajouté son piano cinématographique à elle. Allons nous voir ce que nous avons. Donc ça sonne comme ça. Très bien, donc encore une fois, le nez plus long et la dynamique inférieure fonctionnent mieux si vous voulez avoir cette ambiance relaxante entre 50 et 70 BPM. Pas de percussion dans cet exemple non plus parce que je suis vraiment allé pour ça. Relaxant, le poussant plus dans le type d'ambiance atmosphérique. Parce que quand vous arrivez au niveau suivant, 760 BPMN. Rappelez-vous qu'ils ne sont pas striés comme la course ou les seuils liés. C' est juste une ligne directrice. Il est court que je fonde mes choix créatifs pour quand je choisis le niveau global du temple. Donc 70 à 90 BPM est ce que j'appelle un registre de tempo down. Et là, je suis allé où, voyons, 80 BPM. Donc c'est toujours relaxant. C' est une ambiance de tempo vers le bas, mais un peu plus d'énergie que les niveaux relaxants. Et ici en fait utilisé quelques précautions avec une base et quelques clés juste pour obtenir un peu d'ambiance. Ça peut ressembler à ça. Et comme vous pouvez ici à partir de cet exemple, beaucoup plus d'utilisation de staccato, notes courtes, de compositions et de motifs rythmiques. Donc, non seulement ces longues notes flambées du registre relaxant du temple, mais en fait un peu de rythme. Et bien sûr, j'ai eu un rythme aussi. Cette ligne de base, au lieu de seulement longue note, nous avons en fait un peu de groove dedans. C' est donc le tempo bas, la temp, enregistrement ou le tempo entre 70 et 90 BPM, ou Rousseau, ou à droite. Passons donc à la prochaine gamme de tempo, que j'appelle mid-tempo. Est-ce quelque part entre cette ambiance de tempo groovy down et l'ambiance up-tempo édifiante, vous avez le milieu de tempo et c'est la ligne directrice élevée pour cela est entre 90 et 120 BPM. Je suis allé avec 105 ans, donc dans la gamme inférieure ici, mais fondamentalement, vous obtenez un mélange, un mélange de sous-échantillon, au-dessus de l'échantillon quelque part entre les deux. J' ai une rainure percussive qui se passe. J' avais la ligne de base, ai quelques longues cordes, quelques cordes de staccato ici, et une sorte d'arpège de piano et quelques touches. Et ça peut ressembler à ça, comme ça. Ok, Donc ici vous obtenez un peu d'un élévation de tempo, mais ce n'est pas du tempo sur son propre parce que cela vous devez réaliser, ainsi que les styles de jeu en fait n'ont pas mangé un mauvais impact sur l'émotionnel, le niveau d'énergie et le temps champs. Donc, puisque j'ai utilisé ces cordes courtes ici, elles ajoutent un sentiment d'ambiance. Conduisez. Et puis j'ai le motif arpège ici. Ajoutez aussi un peu de lecteur. Comparez ces deux juste jouer des courts de bloc longs par exemple. Disons que les clés ont aussi un peu de rainure. Mais bien sûr, j'ai la percussion crée le plus d'énergie et ici j'ai quelques shakers aussi. Et cette ligne de base ici. Ainsi, plus vous utilisez de nœuds, plus vous êtes rythmés, plus ils auront d'énergie sur l'ensemble de la pièce. Mais c'est toujours dans cette plage de tempo pour le tempo ici. Ensuite, nous arrivons à mâcher le rythme entre 120 et 140 BPM, qui est l'endroit où se trouve la plupart de la musique pop et la musique rock populaire et ainsi de suite, ici à la radio. Donc c'est parce que c'est généralement la fréquence cardiaque, le pouls, le BPM de votre cœur quand vous dansez et bougez et vous savez, dans le genre d'humeur de levage de l'application. Donc ici, j'ai deux bases, une base SaaS et une basse électrique, mais c'est plus important. Ce piano de studio, modèle de composition de piano est ce qui crée la VIA principale. Ok, Donc, dans l'ensemble, vous obtenez ce sentiment de haut rythme comme ça. Et bien sûr, le principal up-tempo pour, pour rainure vient de la précaution, 1, 2, 3, 4. C' est comme ici. La norme pour, pour le groupe que vous avez dans la plupart de la musique pop, la musique électronique, et ainsi de suite. Et bien, vous obtenez ce genre d'ambiance plus énergique et édifiante du Temple. Bien sûr, il peut aller un peu plus haut, mais dans la plupart des cas, je dirais entre 120 et 140 environ. À côté d'arriver au niveau suivant ici où je suis monté. Donc c'était 130. Donc entre les deux pour le tempo, puis entre 140 et 160, je, je dirais la plage d'action, l' ambiance, le niveau d'énergie dans le tempo. Je suis allé avec 150 ici. Et ici, je me concentre beaucoup plus sur les modèles rythmiques, comme vous pouvez le voir pour tous les nœuds, même la ligne de base ici. Pour obtenir ce genre d'ambiance, regardons et écoutons en même temps. action beaucoup plus intensive. L' énergie de ceci est dans 150. Ainsi, le tempérament lui-même établit la base rythmique de base. Mais bien sûr, vous regarder jouer et à quelle vitesse vous analyseur rythmique. Et la dynamique du centre commercial et. Les styles de jeu et ainsi de suite , bien sûr, créent une ambiance d'action et d'énergie. Mais c'est dans le champ d'action du temple 114, 116, quelque part autour de là. Enfin, si vous obtenez au-dessus de 160, c'est ce que j'appelle l'intensité ou la portée dramatique des temples. Donc je suis allé avec 175 et vous l'entendez vraiment. Moi, même si je ne joue que la percussion ici, tu as vraiment ce sens de l'action dramatique. Et tout à fait, ça peut ressembler à ça. Donc, une ambiance dramatique intense. Si vous voulez avoir cela, pensez à avoir le BPM de base de votre piste autour de 160 et plus. Et c'est là que vous obtenez cette ambiance super énergique du temple. Mais aussi bien sûr, considérez l'aspect rythmique de chaque partie que vous écrivez. Mais quand vous choisissez un tempo spécifique, j'ai l'impression que vous avez automatiquement tendance à vous déplacer vers ce style de jeu spécifique. Donc, si vous commencez en 175 et écoutez simplement le tempo. Un. Impact supplémentaire sur notre campus. Transporter le datacenter cependant. Vous écrivez donc des ports plus rapides pour vos instruments. Alors que si vous avez seulement, disons 70 BPM, comme au début ici. Je veux dire, juste à partir du métronome seul, vous ressentez vraiment ces longs noeuds envolés, si bas parties mobiles, créant cette ambiance méditative, ambiante et atmosphérique. Et puis bien sûr, tous les BPM vont entre les deux. Considérez donc toujours l'émotion que vous obtenez du tempo de votre musique. Maintenant, je vais aussi démontrer la puissance de l'autre aspect du tempo dans la musique, qui est l'automatisation temporelle. Donc ici, j'ai en fait une composition courte avec une, fondamentalement une progression d'accord et quelques modèles rythmiques. Mais vous pouvez voir ici la piste de tempo, commençant à 84, monter légèrement, puis monter jusqu'à 110, puis se déplacer progressivement vers le haut, puis dans la deuxième partie ici du choeur 125, continuant le accumulation énergétique à 150. Et puis pour résoudre la piste, je réduit le tempo ici progressivement, mais de façon très brève aussi. Donc, il est en dessous d'une barre allant de 150 à 85 VPM pour vraiment le ralentir pour la cadence finale. Et cela peut vraiment faire une énorme différence. Donc, pas de changement de tempo. Et samedi à 115 sons comme ça. Mais avec la puissance d'une automatisation du tempo, vous pouvez façonner la courbe émotionnelle énergique de votre musique. Donc, comme vous pouvez le voir ici, commençant à très bas, en montée, l'intensité du bâtiment, la deuxième partie, construction encore plus donc c'est une énorme gamme d'automatisation de la température. Et puis créer cette cadence résolue. Et écouté vraiment à quel point l'aspect émotionnel est différent en termes de niveau d'énergie sur l'histoire de cette composition. C' est donc le deuxième aspect du tempo pour façonner le niveau d'énergie émotionnelle de la vaccination, graduelle ou rapide. L' automatisation du temple comme ça. Pour résumer, vous pouvez façonner l'émotion de votre musique avec le tempo, c'est-à-dire le BPM global, ainsi que des changements de tempo qui peuvent être soudains ou progressifs. Assurez-vous donc de toujours considérer l'utilisation de BPM et les changements de tempo pour façonner le sens émotionnel du flux et de l'énergie dans vos compositions musicales. 6. Émotion de Intervales: émotion des intervalles, les éléments les plus importants de la musique ou les blocs de construction utilisés pour l'écrire. Et cet ingrédient fondamental est les intervalles que vous utilisez. Vous pouvez penser à des intervalles et de la musique comme des blocs de construction ou des pièces Lego si vous le souhaitez. Même s'il n'y a que quelques intervalles uniques dans la musique, ils peuvent créer une quantité infinie de variations, émotions et d'histoires sonores, selon la façon dont vous les utilisez. Permettez-moi donc de partager un guide rapide sur tous les intervalles fondamentaux de la musique et comment je les identifie personnellement en termes d'émotion de base. Voici donc mes intervalles de musique. Diagramme rapide. Donc, le premier et le plus court intervalle en musique est le second mineur, qui est un demi-pas. Donc, si vous prenez un nœud, disons C et allons au nœud le plus proche, soit vers le haut ou vers le bas, comme ceci. C' est un demi-pas, donc c'est un second intervalle mineur, ou passer de C à C pointu. Maintenant, le niveau de tension ici est très élevé. J' appelle même cet intervalle la seconde mineure, l'intervalle de tension, parce que même s'il y a d'autres intervalles et de la musique qui ont aussi une tension très élevée, le second intervalle mineur est la mère de la tension dans la musique. Parce que disons que tu prends le tritone. La raison de la haute tension est en fait, si vous regardez, il est à un demi-pas de la cinquième harmonie parfaite stable ici. Donc, vous pourriez dire que la seconde mineure est en fait responsable de tous les autres types d'intervalles de tension dans la musique. Laissez-moi vous montrer jouer le second intervalle mineur dans la base, comme ça en octaves. Et vous avez le thème du film Jaws. Ou vous l'avez aussi entendu. Le cliché mineur seconde harmonie. Et harmonique signifie jouer les deux nœuds ensemble comme ça. Donc, quand vous voulez ajouter une tension très élevée dans votre musique, pensez à utiliser la seconde mineure, la mère de toute tension avec des intervalles dans la musique. Ensuite, nous avons la seconde majeure, que j'appelle l'intervalle passionnant. C' est deux demi-étapes. Donc si tu commences le jour de saut senior non, je saute ça. Je vais ici et vous avez la deuxième principale ou en bas comme ça. Et le niveau de tension ici est faible à moyen. C' est assez faible si vous allez juste dans un intervalle mélodique sans ajouter d'harmonie ou d'enregistrement. Mais disons que vous avez un accord majeur et que vous suspendiez le troisième, le SAS à ici. Alors, vous obtenez. Tension moyenne, tension légère, qui se lie pour résoudre l'activité. Mais vous entendrez la, cet intervalle passionnant. Pourquoi je l'appelle ça c'est parce que c'est assez excitant. Les deux comme une harmonie ou un accord comme celui-ci. Résoudre ou intervalle va souvent comme un frisson comme ça, ce qui semble excitant et excitant. C' est pourquoi je l'appelle l'intervalle passionnant. Il a ce son édifiant majeur. Et le niveau de tension est faible à moyen. Si vous l'utilisez. Accords suspendus. Ensuite, nous avons le troisième mineur, que j'appelle l'intervalle émotionnel parce qu'il est fondamentalement l'ingrédient principal de tous les sons émotionnels, mélancoliques ou tristes déplacés dans la musique. Donc, c'est 3,5 étapes, 123. Donc, si vous ajoutez la cinquième année, mais en mineur, accord en C mineur est un tiers mineur qui crée le son. En triade mineure. Ajouter un niveau de tension est faible, donc c'est un intervalle stable, mais il a un son plus sombre et plus émotionnel. D' accord. Donc c'est le troisième mineur. La mère de toute l'hormone de son émotionnel et triste est dans les quartiers de la musique. Ensuite, vous avez le troisième majeur, qui est l'opposé du troisième intervalle mineur. J' appelle cela se sentir bien intervalle parce qu'il a cette édifiante et vous fait sentir bien. Il peut être motivant, puissant, et ainsi de suite. Et remarquez que je ne l'appelle pas l'intervalle heureux, que je ne les ai pas appelés troisième mineur, l'intervalle défini, même si cela ne peut pas être. Parce que majeur, le son majeur n'a pas besoin d'être super édifiant et heureux. Il peut être très puissant, noble, majestueux, et ainsi de suite. C' est pour ça que je l'appelle le « bon intervalle ». Il se compose de quatre demi-étapes. Donc ici de C, 1, 2, 3, 4. Et c'est ce qui crée la base pour, par exemple, cette triade majeure en C. Donc, vous pouvez le jouer d'une manière heureuse. Mais vous pouvez aussi obtenir des sons très majestueux et nobles, ou disons qu'il y a un fa majeur. C' est donc le thème principal de la bande son de Thor, bande son du film, qui n'est pas en fa majeur, mais qui semble, ne semble pas heureux et optimiste. Ça a l'air majestueux, noble et puissant. Donc, le troisième majeur est l'ingrédient principal. Le noyau fondamental. Sentez-vous bon intervalle dans la musique. L' intervalle suivant est le quatrième parfait, qui est de 5,5 étapes, par exemple, de C à F. Et le niveau de tension est comme la seconde majeure, faible à moyenne, si faible si vous venez d'entrer. Des intégrales comme ça pour les mélodies, les thèmes et les riffs. Mais si vous créez une harmonie ou un enregistrement avec la foi, par exemple, voyez ici, et utilisez le quatrième ici pour créer un quatrième accord suspendu. Vous obtenez une attention émotionnelle moyenne, légère parce qu'elle veut résoudre la 23e, tout comme le SO2. Tellement basse tension quand pointue comme des intégrales, sérieux comme ça. Un peu plus d'attention lorsque vous jouez comme un noyau. Ok, donc j'appelle cela Diderot n'importe quel intervalle parce qu'il veut vraiment progresser dans un thème mélodique, motif et ainsi de suite. Donc, si vous jouez C à F, donc vous ne voulez pas revenir tout de suite. Vous sentez que vous voulez continuer le mouvement, le voyage, pour ainsi dire, de la musique. Donc vous entendez vraiment cette piscine pour créer une sorte de voyage et d'aventure. Et ainsi de suite. C' est donc le quatrième parfait, l'intervalle de trajet. Ensuite, vous avez l'intervalle de tritone, que j'appelle l'intervalle du diable. Et je ne suis pas seul là-dedans. Il était en fait appelé l'intervalle diabolique de la musique dans les temps anciens de l'église, parce qu'il y a tellement de tension dedans. Donc, si vous jouez un, C, une mangue, pas trop parfaite quatrième, ou la foi parfaite, mais entre eux, vous avez cet intervalle de tension très élevé. Et vous pouvez l'utiliser pour créer des sons très effrayants et maléfiques. Le thème est des mélodies et des harmonies, ou pour paraître bizarre, il est utilisé dans le thème des Simpsons. Une chanson pour la musique, par exemple, parce qu'elle semble si vieille dans ce cas. Donc, le tritone est très agréable à utiliser pour créer une tension super élevée. Si vous prenez, par exemple, un accord diminué, qui est un tiers mineur, un tiers mineur. La tension élevée provient en fait de cet intervalle de tritone à l'intérieur de l'accord diminué. Donc, si vous allez entre le mineur et éventuellement la diminution, vous obtenez cet Intervalle du Diable à trois tons. Ajout de ce bruit maléfique et effrayant a déménagé dans votre musique. Droit ? Ensuite, nous arrivons à la cinquième parfaite, qui est 7 demi-étapes. Donc, à partir de c 1234567, G ici. Et j'appelle ça l'intervalle de puissance. C' est un intervalle stable, donc pas beaucoup de tension. Et cela n'ajoute pas vraiment beaucoup de commerce émotionnel. Donc ce n'est pas édifiant, bon bien-être. Ce n'est pas émotionnel et triste. C' est en fait, l'un des ingrédients clés à partir desquels construire des noyaux. Vous avez la racine Perfect cinquième, puis vous ajoutez un troisième ou une suspension sans déchirure pour créer une triade, en ajoutant. Vous voulez ajouter une septième zone de contrôle ou n'importe quel intervalle sur le dessus. Mais fondamentalement, tous les coords commencent à partir de ces ingrédients, racine plus la cinquième parfaite. Et pourquoi je l'appelle l'intervalle de puissance est pour deux raisons. abord, il est effectivement utilisé car il est si stable et n'a pas de vraie couleur émotionnelle, utilisez-le dans les accords de puissance afin que la racine passe, foi parfaite, la promesse, le potentiel, octamer supplémentaire de la racine, créer un cordon d'alimentation. Donc, si accord de puissance, qui est ce que vous entendez sur, par exemple, guitares électriques, beaucoup à la musique et ainsi de suite. Et la raison suivante est parce qu'il a une sorte d'ambiance puissante pour elle. Donc, si je joue comme des intervalles dans une mélodie ou un thème, disons de C à G Encore une fois, vous ressentez ce sentiment de pouvoir et vous pouvez soit rester longtemps sur cette note car elle est si stable, soit vous pouvez sentir de continuer le voyage de la mélodie. Mais cet intervalle ajoute vraiment un sentiment de puissance à vos thèmes ou à vos accords, et de stabilité aussi bien. Ensuite, nous arrivons à un autre intervalle de sonde mineur, qui est le sixième mineur, qui est huit demi-pas, ou de C à ici, vous avez le cinquième parfait et montez un autre demi-pas, huit demi-pas. Donc c'est les erreurs mineures que j'appelle l'intervalle mystère, c' est qu'il a une sorte de tension moyenne et qu'il a des vibrations sonores mineures ou plus sombres, plus émotionnelles ou je voudrais jamais, vous voulez l'appeler. Mais si vous le jouez dans une série de nœuds dans une mélodie ou un thème, vous sentez que vous voulez continuer le voyage car il a une tension moyenne à elle. Donc peut-être jusqu'au cinquième parfait, ou plus haut, ou comme ça, à l'octet ou autre chose. Donc, vous avez une sorte de tension moyenne et aussi le sens du mystère avec son sixième mineur. Donc, si évaluer haut apparaissent comme une harmonie, il veut résoudre à un parfaitement. Donc, encore une fois, vous pouvez voir que c'est en fait cet intervalle, dans un sens, a la tension d'une demi-étape ou d'une seconde mineure à l'intérieur. Comme vous l'avez appris plus tôt dans cette leçon. Maintenant, si vous l'utilisez dans un accord, dans un arpège ou un accord de bloc, vous pouvez obtenir d'un accord majeur. Donc, si vous jouez, c'est une ambiance de bien-être majeure. Mais si vous ajoutez cette sixième mineure sur le dessus, alors nous obtenons cette ambiance magique, magique et mystérieuse. Si vous l'ajoutez sur une triade mineure afin que vous deviez plus effrayant. Donc c'est un sixième mineur, l'intervalle mystérieux. Ensuite, nous avons le sixième majeur, qui, bien sûr, comme vous pouvez l'entendre du nom, a une humeur générale majeure, mais je l'appelle l'intervalle passionnant. C' est neuf demi-étapes. Donc, par exemple, de C ici aussi. C' est un sixième majeur en ce moment. Il a un faible niveau de tension, mais le sentiment d'excitation est similaire car il est une seconde majeure a un son excitant, stimulant et majeur tout comme le sixième majeur, qui est l'intervalle excitant. Et il peut vraiment entendre ce sentiment d'excitation. Donc si je joue un accord de C ici et que je fais un accord de F-Major, vous obtenez cet intervalle. Donc, l'excitation vient de l'ambiance globale de son majeur, mais aussi, si vous regardez, si vous prenez un cinquième intervalle parfait à nouveau et puis comparez cet ajustement parfait avec le a ici, qui est le six majeur. C' est en fait similaire. C' est en fait un esprit ou une seconde majeure. C' est pourquoi il a un ton similaire à celui de la seconde majeure, qui est l'intervalle passionnant. C' est plus ouvert avec cette longueur supplémentaire. Il a un caractère encore plus excitant, fois dans les intervalles, le printemps et les mélodies et les thèmes, ainsi que dans les accords. Maintenant, nous arrivons à la septième mineure, que j'appelle l'intervalle Jesse parce qu'il ajoute que les élégans et les griffes, mais une sorte de douce tension. Il a donc un niveau de tension moyen. C' est 10 demi-pas. Ainsi, par exemple, C à B plat. Il veut résoudre parce qu'il a un niveau de tension moyen. Mais il a aussi ce doux niveau de tension émotionnelle deux. Et si vous prenez, par exemple, un accord en C majeur, l'annonce est si bémol. Vous obtenez en fait un septième accord dominant C7 ou C. Et ces accords dominants septième sont à peu près les fondements du jazz. Et de la musique élégante comme celle-ci, parce qu'elle a cette tension élégante et douce. Ainsi, par exemple, passant de C7 à fa majeur, la voix supérieure ici est passée de si plat à a, ce qui résout la tension dans un élégant, doux nous sommes bien. Mais même si vous l'utilisez dans une mélodie ou un thème, cette intégrale a vraiment cette classe est la Suède, tension élégante à elle. Ensuite, nous arrivons à la septième majeure, ce que j'appelle ces étranges intervalles. Parce que même si c'est un son majeur, puisqu'il est 11 demi-étapes, est presque jusqu'à l'octave parfaite, ce qui signifie que si vous passez de, par exemple, C à B ici, vous obtenez vraiment très haute tension parce que c'est si proche de l'octet. Et c'est la même chose que vous avez déjà appris si c'est, si c'est une seconde mineure à partir d'un intervalle plus stable ou Parfaitement impliqué, comme de C à la base d'Octane ici, le septième majeur est en fait élevé en tension. Donc, si vous jouez, par exemple, est en do majeur, puis ajouter le majeur 7 a un son majeur. Mais ce septième majeur veut vraiment résoudre soit à un autre accord comme celui-ci, soit à l'octave. Parce que ça semble un peu étrange et haute tension. Et il est rare que vous l'entendiez dans des mélodies, mais vous pouvez l'entendre, par exemple, dans ce thème de film Superman comme ça. Parce qu'il a ce genre d'étrange. Ce n'est pas le niveau de tension de la mauvaise humeur, mais, mais il y a une tension très étrange. Et cela vient du fait qu'il est en fait si proche de l'octave parfaite. Donc, le septième majeur est l'étrange intervalle. Enfin, nous avons l'octave parfaite, que j'appelle cet intervalle stable parce qu'il est en fait la même note, juste une octave en dessous ou au-dessus. Donc 12 demi-étapes. Donc, il a un niveau de tension stable, donc pas de niveau de tension, tout comme le parfait sauvé. Il fonctionne parfaitement pour superposer des mélodies, accords, des harmonies ou n'importe quoi dans la musique. Chaque fois que vous voulez ajouter plus de puissance, plus de concentration. Ajout de l'octane parfait parce qu'il est si stable. C' est donc l'octave parfaite, l'intervalle stable. la musique. Maintenant, vous pouvez bien sûr aller au-delà d'un octane pour vos intervalles dans la musique, mais les intervalles principaux seront toujours dans l'octave. Pourquoi ? Eh bien, parce qu'il n'y a que 12 notes dans la musique qui sont répétées dans l'Octave. Donc, si vous y allez, par exemple, prenons le neuvième intervalle mineur. Donc C, et puis ici, C forte et sauver ci-dessus. Cela a la même humeur ou similaire, caractère émotionnel que la seconde mineure parce que, pourquoi ? Eh bien, jetez un oeil à ça. Prenez cette note d'une octave ici. Donc, ce n'est en fait qu'une seconde mineure, puis poussé une octave vers le haut. Donc, la neuvième mineure aura une tension très élevée, tout comme la seconde mineure. Les mêmes objectifs pour la neuvième majeure. Donc c à la d ci-dessus a que les aspects passionnants et légère tension comme la seconde majeure. Donc, vous avez cet intervalle passionnant, le deuxième majeur, et c'est le neuvième majeur. Mais ce d est une octave au-dessus. Donc, en gros, si vous prenez un intervalle qui va au-delà de l'octane, comme la neuvième majeure, prenez ça, descendez, OK, sauvegardez ça. Et vous verrez que c'est une seconde majeure. Et vous savez quelle couleur émotionnelle et le caractère qu'il ajoutera même s'il est au-delà d'une octave. Donc, techniquement, ça a appelé un 9 majeur dans ce cas. Mais il a le caractère émotionnel très similaire à une seconde majeure. Et vous pouvez le faire pour n'importe quel intervalle qui va au-delà d'une musique octave. Ainsi, vous pouvez choisir la chaîne d'intervalles dans une mélodie, cet empilement d'intervalles pour créer des harmonies dans les accords. Vous pouvez penser à superposer des instruments, des styles de jeu et tant d'autres options créatives pour façonner vos arrangements musicaux avec ces blocs de construction de la musique. Donc, fondamentalement, chaque partie, l'exception des percussions, est basée sur les blocs de construction de la musique. Les intervalles, les intervalles sonneront différents si vous les jouez en montant, descendant, en jouant ensemble en harmonie. Et quand vous allez au-delà de l'harmonie en deux parties dans les tribunaux, vous créerez des relations encore plus complexes dans votre musique. Parce que c'est ce que les intervalles ou les relations harmoniques. C' est pourquoi les inversions d'accords et la voix des tribunaux peuvent sembler si différentes, même si elles utilisent techniquement les mêmes notes. Parce que vous modifiez la façon dont les intervalles se rapportent les uns aux autres sur toute la gamme de nœuds de votre musique, vos progressions, et vous ouvrez une toute nouvelle dimension sur la créativité lorsque vous voyez les intervalles changer au fil du temps dans votre arrangement. Permettez-moi donc de le démontrer avec un exemple très simple. Disons que vous voulez partir d'un accord en fa majeur, d'un accord en do majeur. Si vous les jouez tous les deux en position racine comme ceci, vous devez vérifier ce que chaque volume individuel de l'accord fait lorsqu'il passe à l'accord suivant. Donc ici, la voix supérieure va de ce noeud à ce noeud, qui est en fait parfait quatrième vers le bas. Cela va à une quatrième descente parfaite. Et ces garçons, pour voir toutes les voix sont allés dans un quatrième intervalle parfait , passant d'un fa major pour voir major. Maintenant, si une voix est différente, comme cette inversion ici de fa major, cette voix reste en fait la même dans les deux cœurs et les deux autres voix. Celui-ci passe de A à G, Donc un second mouvement majeur d'un intervalle là pendant que celui-ci va de. Donc un second intervalle mineur. Ainsi, le boulon aura un caractère complètement différent et émotionnel plus froid, comparatif. Et comme chaque chaîne d'intervalles individuels dans chaque port, un instrument de votre musique change au fil du temps dans votre composition. Toute l'histoire harmonique de votre musique coule comme une histoire. Autrement dit, quand vous voyez le vrai pouvoir impressionnant des livres de construction ou de la musique, les intervalles. 7. Émotion de accords: L' émotion des accords, des progressions ou du tabouret reposant sur votre musique a un impact extrêmement important sur l'humeur émotionnelle globale de votre musique. Et les accords commencent à partir des blocs de construction de la musique. Les intervalles, vous pouvez penser aux accords comme essentiellement des piles d'intervalles sur l'autre. La cause que vous utilisez est l'un des premiers aspects principaux à considérer lorsque façonnez l'ambiance émotionnelle de votre composition musicale, les quadrants d'émulsion. J' ai développé mon propre système, guide court ou tout ce que vous voulez appeler, classer les quatre émotions fondamentales fondamentales dans la musique, puis chaque couleur émotionnelle spécifique tombera dans différents endroits à l'intérieur de ces quatre champs, ou quadrants d'émotion, comme je les appelle. Les quatre quadrants d'émotion, ou une vibration majeure à l'ambiance mineure, trois, ambiance ambiguë et pour l'ambiance dissonante. Maintenant, la première chose que vous devez apprendre sur ces quadrants d'émotion de la musique est que même s'ils sont principalement façonnés par les accords et les harmonies que vous jouez dans votre musique, vous pouvez façonner l'ambiance émotionnelle de bien d'autres façons, comme style de jeu, articulation , voix, voix d'accords, inversions et ainsi de suite. Et le plus souvent, vous aurez un mélange, un mélange comme quand vous créez un bon repas, vous mélangez différents ingrédients. Cependant, si nous revenons aux accords fondamentaux de la musique, les triades. Disons qu'un do majeur, vous avez la racine et la cinquième. Parce que les deux sont si stables, ils manquent beaucoup plus froid émotionnel. La couleur émotionnelle vient principalement de la troisième ici dans ce cas. Donc, si vous avez un tiers majeur ici, une triade majeure ne sera en gros que dans le quadrant d'ambiance majeur. Cependant, si vous prenez dans le quadrant mineur, le troisième mineur, nous le ferons dans le quadrant d'ambiance mineur. Maintenant, vous aurez aussi une ambiance différente si vous avez joué dans une inversion comme celle-ci. D' accord ? Parce que maintenant la racine est en fait un quatrième parfait au-dessus de la foi. Dans ce cas, la racine, la cinquième parfaite est un cinquième parfait à part. Donc, vous modifiez réellement les relations entre les intervalles individuels qui composent et l'accord dans son ensemble. Et quand vous ajoutez une note ou sortez d'une triade comme un sept. Maintenant, c'est là que les choses deviennent super complexes parce que vous ajoutez en fait ici, dans ce cas, un septième intervalle mineur. Mais si vous vérifiez l'intervalle entier ici, accordez l'accord C7, vous obtenez en fait tant de relations différentes dans les harmonies entre les notes de cet accord. Ici, vous obtenez en fait un tiers mineur sur la triade majeure. Mais vous obtenez aussi. Comme je l'ai dit, une septième mineure. Donc, d'accord, vous obtenez un petit extra viable ici au-dessus de l'accord majeur. Mais vous obtenez aussi cet intervalle qui est un tritone, qui, qui a beaucoup de tension à l'intérieur. Mais dans l'ensemble, il siège affaire principalement obtenir l'émotion de base de l'image de la troisième. Ainsi peut votre ambiance, mais avec une tension supplémentaire et quelques champs mineurs avec elle. Maintenant, vous commencez à voir à quel point tout devient complexe lorsque vous créez ces émotions et mélangez les différents quadrants d'émotion pour chaque accord. Et bien sûr, la façon dont vous jouez chaque accord, c'est-à-dire le style de jeu, l'instrumentation, le code voix, ainsi que la façon dont vous superposez chaque voix dans votre arrangement. Donc, disons que vous voulez prendre cet accord C7 et ajouter plus de poids à cette harmonie, cet intervalle d'un mineur 7. Eh bien, si vous ajoutez plus de poids, ce qui signifie plus de superposition, plus d'hydrodynamique dynamique, et en fait les rendre plus forts dans l'arrangement, la racine et la septième. Eh bien, bien sûr, vous obtiendrez le disque entier être poussé plus vers l'ambiance mineure de la septième mineure. Maintenant, si vous ajoutez plus de la troisième et que vous avez moins de concentration sur le septième, vous obtiendrez plus. Ton accord. Vous êtes plus poussé vers l'ambiance majeure, le quadrant d'émotion, tout en ajoutant une légère touche de cette petite tension de tritone septième barre oblique. Une autre façon de façonner l'accord dans les quadrants d'émotion est de le jouer dans une autre voix, une autre inversion. Reprenons le C7. Prenons ce nœud racine et poussons une octave plus haut, jouant l'accord dans une inversion. Maintenant, regarde ce qui s'est passé. Vous n'avez plus cette petite petite harmonie ou n'êtes plus impliquée. Mais au lieu de cela, vous l'avez poussé en poussant ceci en octave embauché pour faire la septième et la racine étant une seconde importante à part. Donc tu as cette émotion dans ça. D' accord ? Maintenant, vous êtes en train de changer les intégrales indépendantes et indépendantes. Donc vous avez un troisième mineur ici et un autre troisième mineur là-bas, puis une seconde majeure ici. Et le plus grand intervalle est plutôt un sixième mineur mineur. D' accord ? Donc, c'est une émulsion différente complète juste par la façon dont vous le prononcez. Donc c'est autre chose que vous devez considérer. Les accords que vous utilisez auront l'émotion fondamentale dans l'un de ces quadrants d'émotion. Mais vous pouvez également ajouter une touche d' autres coordonnées d'émulsion comme vous le faites lorsque vous ajoutez est sept par exemple, ou d'ailleurs, pour voir, ajoutez six ici. Publicités. Faites votre ambiance d'une crèche sécante et d'excitation. Et vous pouvez également le changer en façonnant le cordon avec des voix d' accords, même en superposant. D'accord ? Ainsi, votre calque et une seule voix plus qu'un autre, ou même calque en octaves. Vous avez tellement d'options créatives pour façonner chaque accord à l'intérieur ces quadrants d'émulsion en créant un mix qui change tout au long de votre histoire émotionnelle de musique. Donc c'est tout. Ajustez. Un exemple de l'accord C7 et un espoir qui vous ouvre les yeux sur votre énorme potentiel de façonner l'émotion, l' histoire de votre musique à travers les cordes basées sur les harmonies de chaque voix et la façon dont vous les jouez dans votre musique. Maintenant, permettez-moi de montrer et de donner quelques exemples des quatre coordonnées d'émotion de la musique. Un, le quadrant majeur. Donc, dans le quadrant majeur, vous aurez toutes les émotions qui ont une ambiance fondamentale majeure. Voici quelques exemples de couleurs émotionnelles communes dans ce quadrant. Heureux, édifiant, motivant, inspirant, grandiose, héroïque, aventureux. Bien sûr, le noyau fondamental du quadrant majeur est une triade majeure. Disons en do majeur, ré majeur, et ainsi de suite. Mais vous avez aussi appris que chaque voix à l'intérieur de votre accord compte. Donc, si vous ajoutez une hormone supplémentaire, comme un C7, vous ajoutez en fait un mélange d'une vibration mineure de cet intervalle. Vibe de rétention à partir de cet intervalle. En fait, un mile supplémentaire fournissent de cette harmonie ici, qui est un tiers mineur et ainsi de suite. Aussi le style de jeu et la progression bien sûr. Donc, si vous jouez et comment vous jouez, sorte que vous pouvez jouer super heureux, disons C à ré majeur. Ou vous pouvez jouer dans un très héroïque, ou disons un grand puissant, très comme. Ok, donc c'était tous des accords majeurs, mais j'ai utilisé un accord de sus4 ici parce que ça ajoute une légère tension tout en l'ayant toujours. Un peu de vide majeur de la seconde majeure. D' accord ? Donc si je joue et c sus4, vous obtenez cette harmonie ici, qui est une seconde majeure. Donc, il a fait votre ambiance, mais toujours avoir une certaine tension à elle parce qu'il veut résoudre. C' est donc le quadrant principal du quadrant mineur. Donc, si nous continuons vers le quadrant mineur, les couleurs émotionnelles de ces accords auront une ambiance mineure. Voici donc quelques exemples de couleurs émotionnelles dans ce quadrant. Triste, tragique. Beau, émotionnel, désir, moelleux, doux. Et l'accord fondamental du quadrant mineur est bien sûr, une triade mineure. Alors disons l'accord en ré mineur. Et ici, vous pouvez jouer doucement comme profaner son ambiance triste et mélancolique comme ça. Ou vous pouvez ajouter un peu de douceur et de désir en ajoutant, par exemple, des accords suspendus sus dans la voix menant. Donc, disons encore une fois en ré mineur, peut-être en ajoutant un septième pour créer une lingette plus ambiguë. Trois, le quadrant ambigu. Donc, vous trouverez ici des couleurs émotionnelles qui ne sont ni mineures ni majeures, mais plus ambiguës dans son ambiance. Mystérieux, ambiant, Jesse, étrange, hantant, effrayant, excentrique. Maintenant, c'est vraiment important. J' appelle ça le quadrant ambigu. Mais chaque fois que vous allez au-delà d'une triade majeure standard dans le quadrant majeur, triade mineure et un coordinateur mineur. Chaque fois que vous allez au-delà en ajoutant, par exemple, un septième ou en modifiant le troisième, par exemple, un accord suspendu, ou même en abaissant le cinquième, vous créez une ambiance mixte plus ambiguë. Ce n'est ni complètement majeur ni complètement mineur. Donc, par exemple, prenons, si vous voulez créer une ambiance mystérieuse, vous pouvez aller pour commencer par une triade majeure, puis ajouter ce sixième intervalle mineur, qui a ce genre d'ambiance mystérieuse. D' accord ? Donc, si vous jouez comme un arpège comme celui-ci, et qu'il est effectivement utilisé dans une partie de la loi Elvin dans la musique dans un Seigneur des Anneaux, ce son majeur, la sixième édition mineure. Si vous voulez créer une ambiance encore plus effrayante, vous commencez par une triade mineure, puis ajoutez ces sixièmes mineurs comme ceci. D'accord ? Maintenant que vous obtenez est en fait le thème principal de l'ancienne émission de télévision X-Files, série TV. Un accord mineur avec un sixième mineur ajouté. Et vous pouvez le faire, par exemple, si vous ajoutez ce septième majeur ajouté, qui si vous vous souvenez de la leçon sur les intervalles, un sept majeur semble vraiment étrange. Et haute tension. Donc, si vous jouez, par exemple, une triade mineure et ajoutez la ma septième majeure, cela ajoute cette ambiance hantante aussi. Parce que si vous vérifiez cela à nouveau, vous obtenez en fait cet intervalle mineur de six à partir du troisième de l'accord mineur et du septième. Donc, comme vous pouvez le voir, il y a tellement de choses que vous pouvez faire lorsque vous allez au-delà de la triade majeure standard, que vous commencez la triade mineure, que vous créez si elle crée , par exemple, un septième accord dominant standard, un C sept. Dans ce cas, c'est dans le quadrant ambigu, mais il a toujours une ambiance cool majeure du troisième majeur. Mais ajoute un peu d'ambiguïté parce que vous ajoutez un tiers mineur au-dessus de la triade majeure. Et le contraire est si vous commencez par un mineur, sorte que vous obtenez l'émotion de base du troisième, puis vous la coloriez avec une autre harmonie d'intervalle. Si mineur avec un septième mineur, comme ça, ou un mineur avec un major. Les septièmes majeurs semblent un peu plus étranges. Il a vraiment une tension élevée et veut résoudre x2, par exemple, l'octave. Ainsi, vous pouvez également aller avec, par exemple, le tritone. Donc, disons que vous commencez par un accord majeur et que vous abaissez la foi à plat au cinquième. Comme ça, vous obtenez ce son excentrique ou sonore du tritone, qui est en fait très haute tension. Mais comme vous avez un alambic, ils peuvent majeur. Troisièmement, vous obtenez une ambiance cool majeure avec un sentiment bizarre et bizarre à elle. Donc, vous pouvez faire tellement ici dans le quadrant ambigu. Je trouve cela vrai, le quadrant le plus puissant des disques et de l'intégralité de la musique pour le quadrant dissonant. Ainsi, le quadrant lointain, les couleurs émotionnelles, auront une tension élevée pour eux, comme ces couleurs émotionnelles. Tension palpitante, effrayant, horreur, ténèbres, peur, mal. Maintenant, le quadrant dissonant, quatre accords et harmonies, est l'endroit où vous vous concentrez principalement sur l'ajout de tension à votre musique. Et vous vous souvenez de la leçon d'intervalle que la mère de tous les intervalles de tension est les secondes mineures, donc la demi-étape. Donc, si vous prenez, par exemple, une triade mineure et ensuite vous aplatirez le cinquième comme ça. Vous créez ce qu'on appelle une triade diminuée avec, parce qu'elle est faite d'une troisième harmonie mineure avec un troisième mal mineur et est empilée sur le dessus. Donc une triade mineure avec un aplatit. Vous pouvez également utiliser comme vous tous réappris d'autres intervalles de haute tension, vous avez la seconde mineure, par exemple, dans la base. Donc, si vous jouez une mineure ici et puis dans la base, allez une demi-seconde, soit vers le haut ou vers le bas. Ici, cette haute tension ou vers le bas. Ou vous pouvez utiliser le tritone moins appris. Donc, si vous, même si vous utilisez une triade majeure, vous venez juste d'aplatir la cinquième. C' est un peu ambigu. Mais oui, la tension, le quadrant de discipline, partie de l'émotion de ce tritone, et l'ambiance principale du tiers majeur. Vous pouvez également utiliser, comme vous l'avez appris, ce septième majeur parce qu'il a une grande intention. Donc, si vous utilisez une triade mineure avec un septième majeur ajouté, qui ajoute une tension élevée, vous pouvez même utiliser une triade diminuée avec le septième majeur ajouté. Ou utilisez une septième diminuée. Donc, trois tiers mineurs empilés l'un sur l'autre, qui crée cette très effrayante et hantante et haute tension ainsi. En outre, si vous allez haut qu'une octave, un intervalle de tension très élevé est ceci et mineur neuf. Essayez donc d'ajouter, par exemple, ce neuvième mineur au-dessus du mineur standard. Ici. Très haute tension. Une autre façon d'utiliser un peu plus puissant, ambiance maléfique, le combat de boss maléfique est de commencer par une triade mineure. Le récif autour du cinquième parfait sur le tritone et le sixième mineur comme ça. Et puis peut-être la base, vous pouvez aller dans un second intervalle mineur comme celui-ci. Puis peut-être ajouter le majeur 7 ou le couteau mineur. Déjà peur autour de l'octane et mineure neuvième. Mais la mère de toute tension est basée autour de la seconde mineure ou de la demi-étape. Donc, chaque fois que vous allez en demi-étapes, cela ajoute cette ambiance dissonante du quadrant. Droit ? Donc, si vous faites la racine ici, montez, descendez, ou la base, marchez peut-être en demi-étapes. Et puis peut-être deux, un mineur, septième mineur. Et la base est en fait un excellent moyen d'ajouter ce quadrant dissonant tout en ayant toujours l'émotion de base, peut-être un quadrant mineur. Dans ce cas, dans le cordon réel. La base l'enrichit par une ambiance de quadrant dissonante de la seconde harmonie mineure. Donc ici, vous avez beaucoup à faire. Rappel en second lieu, le tri-ton, un peu de tension aussi de ce bouquet. Moins 6, vous avez le mineur 7 peu d'attention, mais beaucoup plus de cheveux sur le septième majeur. Vous avez aussi la neuvième mineure. Tous ces éléments que vous pouvez utiliser dans vos accords et harmonies pour ajouter un peu de saveur du quadrant dissonant dans votre histoire émotionnelle de musique. Mélanger des couleurs émotionnelles dans la musique. Maintenant, bien sûr, la musique est comme une histoire et toutes les histoires sont un mélange d'émotions, ainsi qu'une progression de l'humeur émotionnelle globale qui se développe à travers chaque scène. Ce qui signifie que vous, en tant que compositeur, crée votre histoire émotionnelle en musique, non seulement basée sur les accords et la progression harmonique, mais aussi comment vous les jouez avec quels instruments et sons, et comment vous mélangez tout ensemble. Fondamentalement, comme pour une histoire ou un bon repas, il est très rarement concentré complètement sur un seul ingrédient. Et vous en apprendrez plus sur tous ces autres ingrédients sur la musique que vous pouvez utiliser pour façonner l'ambiance émotionnelle de votre musique. Dans plus de vidéos à l'intérieur de ce cours. 8. Émotion de la progression: L' émotion de la progression. Il y a donc plusieurs façons de façonner l'ambiance émotionnelle de votre musique avec des progressions. Premièrement, l'émotion des changements d'accords, les accords que vous choisissez, euh, l' un des principaux aspects de la formation de l'émotion de base dans votre musique, ce qui signifie que chaque accord en soi a une émotion de base intégrée, mais d'égale ou peut-être même plus important, est l'aspect émotionnel de chaque changement d'accord que vous faites. Permettez-moi de vous donner un exemple. Si vous montez votre piste en do majeur et que vous passez de do majeur à fa majeur, puis à G Major. Cette progression de l'accord sonne très édifiante et avec une ambiance de bien-être. Mais si vous introduisez des accords mineurs dans la même progression, vous changerez toute l'histoire harmonique vers une ambiance plus émotionnelle. Et laissez-moi le démontrer. Si je joue en do majeur, fa majeur et en sol majeur d'une manière très édifiante. Et puisque la progression est seulement fait vos accords, cela se sentira très édifiante et positive ambiance. Alors écoutez ça. Maintenant, si je vous présente des accords mineurs ou même des accords septième ou tout autre disque, l'exception des triades majeures standard. Je peux le pousser vers un son mineur plus émotionnel, un son plus ambigu, mystérieux. Tout ce que vous ressentez fonctionnera pour votre histoire émotionnelle de musique. Alors commençons et à vous revoir. Allons à l'EMA mineur. Et puis, disons un mineur, fa majeur. Faisons la fa majeur avec sept. Donc, un septième majeur, si majeur septième est plus ambigu et a ce doux type de tension à elle, même si c'est encore une émotion fondamentale majeure. Le septième majeur, qui a ce caractère étrange et étrange, ajoute cette tension super douce. Ensuite, vous pouvez recommencer avec le do majeur. Faisons une mineure avec sept. Nous pouvons introduire certains sont des accords suspendus. Et vous pouvez déjà entendre que vous obtenez l'ambiance mineure de ces accords mineurs que les mineurs réduisent une ambiance suspendue ou d'intention des septièmes. La tension suspendue, qui est édifiante tout en ayant toujours ce type de tension de désir à partir des scores SAT et ainsi de suite. Donc, chaque accord de la séquence compte quand vous vous sentez, quand vous rasez l'histoire émotionnelle de votre musique. Voici un autre exemple. Si vous introduisez un disque majeur surprenant dans une composition plutôt mineure, l'auditeur ressentira ce contraste soudain comme un nouveau type d' espoir et de lumière introduit dans votre scénario musical. Cela est particulièrement vrai si cet accord majeur n' est pas l'un des accords diatoniques de votre échelle. Donc disons que votre composition est en mineur. Ok, alors tu auras cette séquence de triades diatoniques. Donc toute l'affaire blanche, une mineure. Maintenant, si vous jouez une progression en tant qu'écrivain, mi mineur, fa majeur, puis passez en ré majeur. C' est le major. Son édifiant est vraiment sentir qu'une piste soulève l'énergie à plus positif, l'ambiance optimiste. Parce que l'accord en ré majeur ne fait pas partie des accords diatoniques de l'échelle a mineure. Donc, un surprenant cordon aller et aller dans la direction opposée. Disons que tu joues en C mater. D' accord ? Comme ça, Disons que vous allez à un major, un surprenant ascenseur majeur là-bas. Ou si vous allez à un rhume mineur où c'est censé être un grand Corso. Disons que Fmineur F pousse plus vers ce ton émotionnel mineur. Même si l'échelle que vous utilisez est une échelle standard majeure. À l'émotion de la voix, du mouvement. Un autre aspect de la formation de l'émotion concerne le mouvement de chaque voix individuelle de la cour elle-même. Vous pouvez choisir cette option en choisissant différentes inversions et vocations d'accords. Parce que lorsque vous faites votre réellement modifier le mouvement de la voix dans des intervalles pour chaque changement d'accord. Permettez-moi de vous en donner un exemple intéressant. Disons que vous jouez un accord en sol majeur en position racine. Bien sûr, cette coordination elle-même a une ambiance majeure, notre cœur émotionnel. Comparons ça à un procès en fa majeur. Cela pourrait en soi est aussi une émotion sonore majeure. Mais si vous les jouez en allant de la position racine G à une position racine, en fa dièse majeur. En fait, vous prenez chaque voix froide indépendante dans un intervalle d'un demi-pas. Donc une seconde mineure qui a une tension élevée. Donc, la progression du G à l'accord majeur en F, ou en fait. Trois progressions, une par voix allant dans un second mouvement mineur. Donc, même si ces deux accords sont des sons majeurs, cette transition de toutes les voix en second mouvements mineurs avec une sorte d'ambiance sournoise ou mystérieuse à partir de la progression elle-même. Mon point est que vous devez penser à la fois aux émotions de base ainsi que tous les intervalles individuels pour chaque trimestre changé lorsque vous façonnez votre histoire harmonique ou de la musique d'une manière qui convient à l'impact émotionnel, vous veulent que votre musique ait trois émotion de direction harmonique. Enfin, si vous regardez les accords complets, vous pouvez façonner les émotions en fonction de la direction et du mouvement de la règle supérieure. J' appelle cette motion harmonique. Par mouvement harmonique, je ne parle pas du mouvement vocal individuel et des transitions pour chaque changement d'accord. Au lieu de cela, vous devez prendre du recul et voir nouveau toute la progression de l'accord dans son ensemble. Et regardez la courbe de l'histoire et mouvement de toutes les voix dans votre hormone est qu'ils créent ensemble, construire de l'énergie avec le mouvement vers le haut. Si la courbe de l'histoire harmonique a un mouvement général vers le haut, vous allez construire de l'énergie et de la tangente dans la musique. C' est une excellente technique juste avant de passer dans une nouvelle section, où vous voulez créer de l'anticipation et augmenter l'intensité et l'énergie simplement à partir de votre courbe d'histoire harmonique. Alors, permettez-moi d'abord d'expliquer rapidement ce que je veux dire par mouvement harmonique. Donc, si vous avez une progression d'accord, vous pouvez façonner le mouvement réel des voix individuelles pour faire un mouvement vers le haut pour l'hormone est comme ça. Plus de mouvement vers le bas si vous voulez ou le garder, plus droit. En transposant fondamentalement tout, créant une direction moyenne ou la progression harmonique totale. Droit ? Donc, la première chose, le premier exemple ici est ces chaînes staccato est où j'ai créé un mouvement vers le haut dans la direction. Ce ne sont que les notes de basse et les bases font ce qu'ils font indépendamment, mais essentiellement vérifier ce que votre progression d'accord entière poussière sur, au fil du temps comme ceci. Donc ici, nous pouvons réellement entendre comment construire l'énergie et l'excitation en ayant ce Upward Social. Et souvent, ces fonctionne très bien en combinaison avec l'augmentation dans ce cas, lorsque vous montez en direction, la dynamique moyenne au fil du temps créant essentiellement un léger crescendo ici, résoudre avec mouvement vers le bas. Donc naturellement, cela conduit à la direction opposée, un mouvement général vers le bas de votre progression harmonique, ce qui crée un sentiment de moment de résolution qui s'installe. Et c'est génial de terminer un choeur avec, si vous voulez suivre avec une section d'énergie inférieure, ainsi que dans l'outro finale et la cadence de votre musique. Si vous voulez terminer votre composition avec une humeur détendue et résolue. Bon, donc ici j'ai pris la même progression d'accords, ils ont gagné. Vous pouvez voir ici si bémol, sol mineur, F, si bémol, et ainsi de suite. Et j'ai enregistré et d'autres performances sur piano, pas aussi statiques et rigides que les accords de bloc d'une barre ennuyeux, mais une performance réelle. Et vous pouvez voir qu'ici j'utilise le mouvement vers le bas pour la progression. Et si nous écoutons cela, et en passant, j'ai aussi une légère diminution de la dynamique. Si nous écoutons cela dans le contexte ou simplement individuellement, en passant, vous pouvez entendre comment il résout et calme l'énergie. Donc jouer en 321, la stabilité avec le mouvement droit, si vous façonnez les voix d'accord de sorte que le mouvement harmonique soit à peu près une ligne droite. Vous allez créer une ambiance très stable. Il peut être un excellent moyen de s'assurer que la progression de l'accord se fond dans l'arrière-plan pour un soulignement subtil, pistes ambiantes et atmosphériques sont simplement poussées tous les inoffensifs à l'arrière de votre musique. Fondamentalement, vous pouvez utiliser le mouvement harmonique droit chaque fois que vous voulez que vos accords et harmonies se fondent dans le fond de votre mix. Donc ici, j'ai enregistré des cordes et la même coopération que j'ai écrit ici. Mais j'ai utilisé des inversions d'accords et des voix pour le rendre plus comme une ligne droite comme vous pouvez le voir. Et dans le cas de deux accords partageant les mêmes notes, je viens de les joindre pour obtenir encore moins de mouvement parce que ce nœud reste le même tout au long de ces deux accords, par exemple. Alors écoutons comment ça peut se vendre. Intensité avec le mouvement chaotique. Je suis sûr que vous avez toujours entendu dire que vous devriez essayer de minimiser le mouvement de la voix et utiliser des intervalles plus petits lors de la transition d'un quart d'accord. Et que vous devriez faire la courbe de l'histoire harmonique au fil du temps, lente et graduelle, comme la respiration. Eh bien, chaque règle a une exception, ce qui signifie que vous pouvez vraiment devenir fou avec le mouvement harmonique pour rendre le trottoir presque chaotique, surtout pour l'écriture rythmique, bien sûr, l'inoffensif. Cela créera une ambiance très intense et énergique qui peut fonctionner très bien dans certains contextes. Par exemple, la musique d'action chaotique. Comme toujours, votre vision créative et l'ONG de votre musique guideront vos choix. Alors façonnez votre scénario harmonique avec le mouvement et mouvement dans vos progressions qui conviennent à votre composition musicale. Donc, pour le démontrer, j'ai enregistré cette partie ici sur des cordes courtes. Et comme vous pouvez le voir, le mouvement harmonique est chaotique pour créer cette ambiance d'action. Alors écoutons cela et vous l'entendrez en action. Regardons ça en même temps jouer en 321. Pour résumer, vous avez trois façons principales de façonner l'histoire émotionnelle de votre musique avec la progression de vos accords et harmonies. Une émotion de l'accord change en émotion du mouvement de la voix individuelle, et trois, l'émotion de la direction harmonique. 9. Émotion de le rythme: L' émotion du rythme. Vous pouvez contrôler l'humeur émotionnelle en façonnant l'action et l'énergie de votre musique. Et il n'y a pas de meilleur moyen de contrôler cet aspect qu'avec le rythme. Le rythme peut se présenter sous de nombreuses formes, mais bien sûr, vos pistes de percussion, nous ferons le plus gros boulot. Mais aussi comment rythmique vos styles de jeu ou pour chaque instrument jouant accords et harmonies. Même vos mélodies ont le côté rythmique, en fonction du nombre de notes par barre que vous avez pour elles. Une émotion de densité rythmique. Ce premier et principal aspect de l'action et de l'énergie de votre musique est la densité rythmique. C' est essentiellement le nombre de nœuds ou de hits pour chaque mesure de musique que vous avez. Par exemple, si vous avez seulement un tambour bas jouant deux battements par barre, l'action et le niveau d'énergie seront faibles. Mais si vous ajoutez plus de nœuds et plus d'instruments avec des rythmes encore plus rapides, tels que des chapeaux hauts, des shakers , etc., vous augmenterez le niveau d'énergie. Rappelez-vous, chaque instrument compte. Donc, si vous menez Medal, les longues notes en flèche de la pièce, il aura moins d'excitation et d'énergie. Mais si vous écoutez, par exemple, musique traditionnelle irlandaise, la mélodie principale sera souvent très rapide et très énergique. Considérez chaque performance. Il peut s'agir d'un piano ou d'un motif de strumming Piaggio sur la guitare et ainsi de suite. La densité rythmique globale, ce qui signifie combien se déroule rythmiquement dans votre musique, affectera fortement l'impact émotionnel de l'action et de l'énergie dans votre composition musicale. Permettez-moi donc de vous montrer ces trois exemples que j'ai créés avec différentes quantités de densité rythmique, de la densité minimale à la densité rythmique élevée. Donc, le premier exemple ressemble à ceci. D' accord ? Et pourquoi a-t-il si peu d'énergie ? Parce que c'est si simple. La densité rythmique est très, très faible, donc elle est en pleine pour 120 BPM. Mais le tambour de kick ou percussions basses ici est seulement sur 13, donc deux chaleurs par bar, tampons et les métros et les cordes ici si nous vérifions vous regardez ou des notes basses aux barres, ou une barre de long, si je retire la percussion tout à fait. C' est bien sûr, la densité rythmique la plus basse que vous pouvez avoir fondamentalement. Donc, il y a très peu de notes ici. Aller à l'exemple suivant où j'ai une ligne de base de kit de batterie. Comme vous pouvez le voir, il y a plus de notes pour ici, pour ce bar quatre ici, trois. Et j'ai aussi un piano à composition qui joue un peu d' arpège, et ça ressemble à ça. D' accord ? Donc, c'est encore assez faible densité rythmique. Ainsi, vous pouvez entendre de ce kit de batterie seul d'ailleurs. Donc, vous avez plus d'air et des écarts entre les coups si je l'augmente ou diminue l'énergie ici. Donc toute la complexité. D'accord ? Et si je l'augmente encore, plus d'énergie, vous façonnez l'émotion à partir de la densité rythmique ici et de la base. J' aurais pu partir pour une petite note de basse de bar. Mais j'ai créé plus d'une ligne de base. Bien sûr, cela ajoute un sens plus élevé de l'énergie. Et puis, enfin, où je suis allé essentiellement avec une densité rythmique très élevée. Donc, le kit de batterie joue avec le plus de complexité. Je vais m'adresser à Shaker ici, donc seulement 120 BPM. Mais tu es un peu sec. Philip. Et la ligne de base va maintenant pour le modèle de huitième note. Comme beaucoup d'énergie. Ensuite, j'ai ces cordes ici faisant un peu d'arpège en haut de gamme. Maintenant, les cordes peu profondes et courtes ou plus B-C modèle ici. Et puis quelques shorts bas Juste comme X. et donc tout dans l'ensemble, vous pouvez vraiment sentir la conduite. C' est ainsi que nous pouvons façonner le niveau d'énergie mobile de la densité rythmique de votre composition à l'émotion, de la complexité rythmique. battements simples et droites se sentent plus naturels à nos oreilles. Nous avons donc tendance à nous sentir plus en harmonie lorsque nous entendons des rythmes en pleine et sans syncopation ni grande variation. Mais si vous écrivez votre musique dans une autre signature temporelle, vous pouvez créer des rythmes plus complexes qui se sentent plus énergiques. D' autres aspects de vos rythmes qui peuvent les rendre plus complexes et ainsi augmenter l'action et l'énergie. Le patient léger ou unique ressent des transitions, des notes fantômes et des notes de grâce, et des changements rythmiques rapides. J' ai donc créé trois exemples différents de façonner l' énergie émotionnelle à partir de la complexité rythmique. Le premier ici ajoute plus de variation dans le rythme. Donc, nous allons vérifier la ligne de base au lieu de juste huitième notes droites. J' ai une variation dans le modèle rythmique. Et cela ajoute un sentiment d'énergie de toute cette variation. Si vous regardez les percussions ici, je suis allé avec plus de remplissages, alors regardez le modèle. Ok, donc si j'augmente les champs ici, vous pouvez voir qu'il se met à jour ici en ajoutant des champs supplémentaires, aussi des épices comme variation à répercussion. Ici. Je vérifierais les chaînes peu profondes et plus courtes ici. Vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de variations en cours. Et ils ne sont en fait pas imiter complètement à une certaine variation entre les deux. Donc, dans l'ensemble, tout ensemble, vous obtenez vraiment beaucoup de variation qui épices l'énergie émotionnelle. Et dans l'exemple suivant, traiter 120 BPM. Mais ici, j'utilise six huitièmes et beaucoup de complexité ajoutée dans, par exemple, la percussion ici. Donc tous ces super rapides se sent bien. Donc, vous sentez vraiment que l'énergie est ouverte, très haute énergie, même si elle est seulement en 120 BPM. Ajoutez quelques symboles juste pour les accents. Et il faudrait écouter les cordes courtes et les jaunes ici. Et vous voyez ici un motif arpège ici dans les canaux. Alors que nous avons le motif staccato ici avec variation dans les cordes courtes. Donc, comme vous le pouvez ici, vous avez cette grande complexité dans les modèles rythmiques de celui-ci. Tout ce qui amplifie vraiment le niveau d'énergie dans tout ça ressemble à ça, non ? Et enfin, dans cet exemple, j'ai ajouté une syncopation. Eh bien, j'ai une certaine syncopation ici aussi, mais ici j'utilise en fait une note triplet pour pimenter et ajouter une variation surprenante dans l'exemple afin que vous puissiez l'entendre. Disons juste ici. Donc, si vous l'écoutez, écoutez les triplés. Ok, oups, celui-là devrait y aller. Et j'ai aussi imiter ce triplet dans la ligne de base ici. Donc, si vous écoutez la ligne de base, et tout à fait avec un court string, short bas et set, et cetera, vous avez une grande énergie ou une grande complexité, ainsi que la variation de la syncopation, ce qui signifie en ajoutant essentiellement de la variation dans la rainure rythmique au fil du temps. Et des rebondissements surprenants et surtout ce traitement ici. Alors écoutons tout à fait. Pour résumer, vous pouvez utiliser l'impact émotionnel de l'énergie et de la sensation d'action en façonnant la densité rythmique ainsi que la complexité rythmique. Et n'oubliez pas que tous les instruments et les performances votre composition musicale comptent si l'on considère le rythme global. 10. L'émotion de la puissance: émotion du pouvoir, la quantité d'intensité de vos instruments et de vos sons dans votre musique, ainsi que la façon dont nous les jouons, influenceront fortement le sentiment émotionnel de pouvoir ou le manque de pouvoir. Par exemple, voulez-vous que votre musique soit sonore, légère et minimale, ou aller jusqu'à Epic et puissant. Premièrement, la puissance de la densité sonore. Certains instruments sont tout simplement plus puissants en termes de ton et de caractère que d'autres. Faute d'un meilleur mot, on pourrait dire que leur son est plus gros. Par exemple, les gros instruments de cuivres, cordes basses, les tuyaux, les orgues, etc. Ils ont tous un son très puissant, même lorsqu'ils sont joués dans un niveau dynamique moyen. Sur le côté opposé de la balance, vous trouverez les instruments les plus légers qui prennent moins de place dans le mélange parce qu'ils ont une plage de fréquences plus mince, moins d'harmoniques ou tout simplement plus de sens de l'air. Des choses comme des cordes pincées, vents forts, des maillets, des billets, etc. Je vais donc maintenant démontrer la grande différence de puissance basée sur la densité sonore de divers instruments et sons. Donc un grand ensemble de cuivres peut ressembler à ça. Orgue à pipe comme ça. Ok, donc ce sont des sons puissants à haute densité. Alors qu'un cheval, par exemple, ou une corde pincée, c'est un CARTO ou une cloche. Tous sont des instruments très légers. Deux, puissance de la taille de la section. Un autre aspect de la puissance dans la musique est basé sur la taille de section que vous choisissez pour n'importe quelle partie de votre musique destinée à un instrument. Un instrument solo sera toujours le plus léger et le plus grand de l'ensemble jouant à l'unisson, le plus gros et le plus puissant. Il sonnera en fonction de la fréquence, densité et du niveau dans le mélange. Ainsi, par exemple, un violoncelle solo se sentira moins puissant qu'un gros vendeur, jouant la même phrase. Même le suivi tamponné entre dans cette catégorie. Vous jouez essentiellement de l'instrument ou de la section de dissertation vocale. Un autre exemple courant est de comparer une guitare rythmique électrique unique et de comparer ceci à deux enregistrements de guitare en utilisant la technique classique doublée à gauche et à droite. La différence de pouvoir est énorme. Maintenant, laissez-moi vous montrer comment vous pouvez ajouter de la puissance à partir de la taille de section. Donc ici, j'ai un violoncelle solo. Jouons le nez d'un accord en ré mineur. Et puis avec un gros vendeur en bref, ensemble, huit violoncelles jouant à l'unisson comme ça. Son beaucoup plus épais et plus audacieux. Et si vous calque, par exemple, est par exemple, faible édité et Shambhala avec des cornes sur leur propre, ils sonnent comme ça, mais vous obtenez une plus grande section et donc plus de puissance en superposant, comme ça. Et ici, j'ai une guitare électrique sans double suivi, donc juste une guitare comme celle-ci. Mais écoutez avec des écouteurs quand j'ai doublé piste, vous obtiendrez ce large son dans la gauche et la droite. Sans. Jouons aux accords de puissance. Sans. Avec une IV, vous pouvez bien sûr, piste doublée encore plus. Un quad empilage. Pour un son encore plus puissant, trois puissances des Exons dynamiques. Si vous jouez une ligne dans votre musique dans une articulation de type accentué, vous augmenterez le sentiment de pouvoir. Par exemple, les cordes marcato gras, gros sforzando, coups de souffle, ou simplement la dynamique fortissimo de rôle. Tous les types d'actes et de style, articulations et de styles de jeu fonctionneront très bien pour ajouter un sentiment de puissance. Et le contraire est de jouer légèrement sans accent et sans accents lourds. Permettez-moi donc de démontrer la puissance des actes et des articulations en jouant d'abord sur une note normale soutenue, ou d'aller ici avec les cordes pleines en octaves. Maintenant, sur les cordes basses ici, j'ai choisi plus de Costco, qui est un type de son plus audacieux, plus accentué ici sur l'ensemble de cordes, ainsi que tout le laiton. J' utilise cette articulation S4 Rosato accentuée. Alors jouons-les. Eh bien, si tu l'écoutes. Et ici, et ici que plus souligné attaque audacieuse. Et si je les joue complètement, sauf que cette corde normale est d'obtenir cette zone super puissante pour la puissance de la production. Deux des meilleurs effets à utiliser dans la production musicale pour augmenter la puissance ou la saturation slash distorsion, ainsi que la compression. Lorsque vous utilisez la distorsion, vous augmentez la densité harmonique, ce qui rend le son résultant plus gros et plus puissant. C' est ce que vous entendez dans les guitares électriques lourdes, par exemple. Mais vous pouvez l'utiliser dans une moindre mesure pour rendre tout son moins déformé, mais toujours obtenir ce son analogique phat ou n'importe quel instrument dans votre production. compression compresse essentiellement la plage dynamique de sorte que vous pouvez augmenter le niveau global de n'importe quel son. J' ai donc ici un groupe de mixage que j'appelle production avec des percussions épiques. On dirait ça. Ok, et un staccato en laiton avec superposition avec des cordes basses aussi staccato. est ainsi que cela sonne sans ajouter de puissance de la production. Ce que j'ai fait alors était d'ajouter cet effet de distorsion de saturation. Et si je l'allume et juste l'augmenter de 00, il devient plus puissant. Mais après un certain temps, vous entendez ces effets moches et déformés. Vous voulez vraiment simplement le composer un peu pour rendre le son global plus épais et plus riche. Et puis j'utilise aussi ce compresseur, que j'ai mis en mode parallèle ou je suis en train de compresser le signal et ensuite je le mélange avec le signal sec. Ceci est également effet cool à cette puissance tout en ayant encore cette dynamique est resté un peu donc il sonne sans elle. Donc maintenant, sans ces deux effets, je l'allume. Vous pouvez rendre vos sons super puissants. Et bien sûr, cela dépend du type d'instruments que vous utilisez sur les percussions, les basses et les instruments comme ça, vous pouvez utiliser plus de saturation et de compression, et vous devriez être plus prudent avec les instruments dynamiques comme les cordes, Donc, pour résumer, vous pouvez façonner l'émotion par ce sens de la puissance de votre musique. Et vous pouvez le faire en contrôlant la puissance en fonction de la densité sonore, la taille de section, des accents dynamiques, la production et des effets de mixage. 11. Émotion de la couleur: L' émotion de la couleur. Vous pouvez créer et façonner le mouvement de votre musique en vous concentrant sur les couleurs. Par couleur, je parle de note, de portée et de fréquence, de mise au point et de distribution. Il peut aller de super dorky et une couleur profonde tout le chemin à une couleur vive et aérée. Un, forme la couleur du ton. Différents instruments ont une couleur de tonalité différente, ce qui signifie qu'un C moyen sur un instrument peut sembler plus chaud ou plus lumineux que de jouer le même C moyen sur un autre instrument. Cela dépend de la force des harmoniques, et bien sûr dépend aussi de votre style de jeu. Vous pouvez également façonner le ton avec de la dynamique, où les dynamiques inférieures ont un ton plus chaud. Donc, si nous comparons juste la différence de couleur des différents instruments au milieu C. Ici sur la dynamique moyenne, pipe, orgue, clarinette, caisse et violoncelle section. Vous pouvez vraiment sentir que certains instruments sont plus sombres en tome, chauds et d'autres sont plus brillants et plus durs. Et ce qui est important, c'est que de nombreux instruments augmentent réellement leur gamme de fréquences et leur tonalité élevées. Si vous augmentez la dynamique, jouez-les plus fort. Ainsi, par exemple, les respirations vont, peut aller de dynamique très faible bien sûr est logiciel en volume. Mais si j'augmente la dynamique, j'ouvre aussi la couleur du ton vers les fréquences les plus lumineuses. Et si vous prenez l'orgue, par exemple, c'est une cathédrale, un orgue cathédrale. L' organe profond a une couleur de ton complètement différente. Clarinette. La plupart des logiciels à vents boisés orbitent dans le ton. Clés comme une route ou très doux, vivement CR est plus lumineux. Les cordes peu profondes peuvent aussi passer du chaud au brillant. Et il y a, bien sûr, diverses articulations que vous pouvez utiliser sur différents instruments qui affectent les couleurs de tonalité, comme les nouvelles sur les respirations, jouer en concert DO ou des articulations en sourdine sur les cordes et ainsi de suite. Donc, par exemple, avec ces ombres, si je joue un disque de jazz ici, un Sortino activé, vous pouvez entendre que c'est comme une couverture douce sur les cordes, ce qui rend plus chaud dans la couleur de ton pour façonner la couleur de la gamme. Lorsque vous écrivez vos ports, vous pouvez façonner la couleur émotionnelle de votre musique en vous concentrant sur certaines plages de notes dans votre arrangement. Par exemple, si vous voulez que votre musique ait un ton plus sombre et plus chaud, concentrez-vous davantage sur les notes en dessous du milieu C. Naturellement, cela conduira à utiliser plus d'instruments qui ont une portée fondamentale dans le bas de gamme, comme base, peu profonde, à base d'os, et cetera. Ainsi, par exemple, des instruments plus bas et la base de noyaux ou plus sombre comme si je joue dans la gamme très basse. Il a au ton sombre super mal, peu profond monter un peu plus. Et les violons, jouons au-dessus du milieu. C. Piccolo, flûte, très haut. Vous avez Horner dans le milieu de gamme, bas à milieu, et les trompettes, bien sûr, plus brillantes parce qu'elles sont registre élevé. Ainsi, vous pouvez réellement façonner la couleur émotionnelle de la gamme sur laquelle vous vous concentrez dans votre musique à partir de la gamme la plus basse, la plus sombre , et la plus mauvaise devrait éviter plus chaud cependant, les médiums ou jusqu'à la gamme excitante élevée. Par exemple, comme une flûte piccolo. Mais bien sûr, vous devez ajuster en fonction des capacités, la portée des instruments individuels lorsque vous les ajoutez à votre composition musicale. Trois, forme la couleur du mélange. Vous pouvez également façonner la couleur émotionnelle à partir de la phase de mélange et de production. Ici, nous trouverons que les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs amis. Les étagères hautes ou basses peuvent changer radicalement la couleur de la fréquence. Vous pouvez également utiliser des effets de production qui stimulent les harmoniques dans le mélange, tels que les effets de distorsion et de saturation , les excitateurs harmoniques, etc. Donc ici, j'ai créé un petit exemple avec des chaînes basses. Une corde dans l'échantillon, ensemble de cuivres et propriétaires, qui sonne comme ça. Ok, disons que ce sont les harmonies de soutien dans les tribunaux pour votre musique. Et vous voulez les faire, les pousser plus en arrière-plan. Alors que vous pouvez façonner la couleur avec, par exemple, un égaliseur et des filtres. J' ai donc un filtre à étagère haut ici, celui-ci. Et je suis ajouté aussi un égaliseur coupé ici à la plage de un à deux kilohertz parce que c'est la fréquence la plus focale que je les appelle, parce que nous les entendons le plus. Nos oreilles les ramassent parce que c'est là que la plupart des informations dans les voix humaines. Alors je fais une coupure ici avant. Et quand. Encore une fois, c'est presque comme si les cordes de Concertino mettaient une couverture sur elles. Et je le fais sur tout le groupe pour rendre le, rendre la couleur de ton plus chaud. Bien sûr, vous pouvez aller dans la direction opposée si vous voulez, par exemple, sur vos principaux récifs et thèmes, thèmes et ainsi de suite. Une autre façon est d'ajouter une certaine saturation. Et ce personnage chaud ou lumineux est fondamentalement juste un filtre cuit dans ce plugin spécifique. Mais disons que vous voulez aller avec une sensation très chaleureuse. C' est la même chose que l'égaliseur avant. Et les deux ensemble devient très chaud. Vous pouvez aller dans la direction opposée. Faisons-le lumineux à la place. Un peu plus de saturation sans ouvrir ces hautes fréquences. Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup à faire avec la forme et la couleur de vos instruments, groupes et mix entier du côté de la production. Donc égaliseurs, filtres, saturation, et ainsi de suite. Pour résumer, vous pouvez façonner les mouvements de votre musique à partir de façonner la couleur globale, la forme, couleur à partir de la tonalité de vos instruments et de vos sons, de la plage de focus avec vos notes et des effets de production et de mixage. 12. L'émotion de la dynamique: L' émotion de la dynamique. La dynamique de la façon dont vous jouez, chaque note, chaque attaque et chaque soutenue pour chaque instrument et performance votre musique aura un effet profond sur l'ambiance émotionnelle. En bref, la dynamique plus forte se sentira plus audacieuse, puissante et forte, tandis que la dynamique plus douce se sentira plus intime, douce et douce. En augmentant la dynamique au fil du temps, nous allons construire de l'énergie et diminuer la dynamique au fil du temps. On va appeler les choses. Et il y a essentiellement deux formes de dynamique. Attaquez la dynamique pour chaque nœud et maintenez la dynamique pour les nœuds au fil du temps. Premièrement, façonnez la dynamique avec le niveau d'attaque. La dynamique du stockage de chaque nœud est contrôlée par la force que vous jouez. La note que lors de l'attaque initiale partie du son. Il y a deux façons de façonner cela dans le monde des médias. Le premier, qui est le plus commun, est par le niveau de vitesse de chaque nœud. La deuxième façon est de choisir une articulation sur l'instrument qui a une attaque prononcée comme le marcato, le sforzando, et cetera. Donc, si vous jouez, par exemple, un port de piano où la dynamique moyenne par nœud est dans la plage inférieure, vous obtiendrez un son plus doux et plus intime. Et le contraire peut être de jouer un boulon pour certains nouveaux sur les respirations à un niveau dynamique très élevé qui vous donnera un son puissant et puissant. Voici donc une performance de piano, et si j'ouvre l'automatisation, vous pouvez voir tous les différents niveaux de vélocité pour chaque note. Et ce genre de variation dans la dynamique, dynamique d' attaque par vitesse, est l'un des aspects clés qui ajoute cette qualité humaine réaliste à une performance. Maintenant, la dynamique ou la dynamique d'attaque contrôle principalement deux choses. D' abord, le bruit. Donc, ici, vous pouvez voir la dynamique moyenne est sur le milieu, mais il contrôle aussi et forme l'attaque, luminosité ou la douceur du ton. Donc, si je diminue cela, il sera à la fois plus silencieux mais aussi plus doux dans le ton, plus chaud. Et si je déplace ça vers le haut, c'est à la fois plus fort mais aussi plus lumineux. Et c'est la même chose, même si je prends, par exemple, des articulations courtes sur des cordes comme staccato ici. Et vous pouvez également voir dans cet exemple ici, je me suis également assuré de vraiment plus les accents principaux. Comme vous pouvez le voir ici, ces valeurs de vitesse pour ce niveau B sont beaucoup plus élevées que ces valeurs intermédiaires. Et puis nous avons dans le Maine accent ici encore. Ce qui sonne comme ça. Et vous pouvez également voir qu'il y a un peu de dynamique moyenne de pente, dynamique d' attaque monte ici pour rouler dans l'accent suivant. Vous pouvez donc utiliser la variation de vitesse pour façonner la dynamique d'attaque. Et c'est la même chose pour les instruments pincés ou cassés comme la guitare, prostituée et beaucoup d'autres instruments. Alors que sa propre note soutenue depuis longtemps, c'est là que l'autre façon de façonner la dynamique entre en jeu pour façonner la dynamique avec le niveau de sustain. Tant d'instruments peuvent changer la dynamique au fil du temps. Pour toute note soutenue, les cordes ainsi que les instruments à vent comme les cuivres et les bois, par exemple. Vous le faites simplement en augmentant ou en diminuant la force de l'air ou de votre arc sur les cordes pour changer la courbe dynamique au fil du temps. Dans la plupart des cas, vous le faites en enregistrant ou en écrivant dans l'automatisation sur une valeur CC dans votre DAW. Pour Dynamics, c'est le plus souvent votre roue mod, qui est CC1. Donc, dans cet exemple suivant, puisque j'utilise principalement des notes soutenues les plus longues, je me suis concentré sur l'ajout de mouvement et de mouvement sur ces notes soutenues en façonnant la dynamique au fil du temps. Comme vous pouvez le voir à partir de cette courbe, qui est la roue de modulation ou CC1, contrôlant la dynamique de cette bibliothèque de chaînes particulière. Et cela fait une énorme différence que vous pouvez ici à partir de cet exemple. Je fais aussi ça sur les cuivres en jouant ici. Je le fais sur les vents ici à moindre degré, mais encore ces vagues ici. Et puis un énorme diplôme sur ce chœur ici. Ebola est l'emballage que vous avez donné est si vous voulez ajouter encore plus de variation dynamique, juste en contrôlant le volume, vous pouvez le faire en ajoutant une autre source de modulation pour l'expression. Ainsi, l'expression ne contrôlera pas le caractère tonal, mais seulement le volume. Ainsi, vous pouvez augmenter la variation dynamique et le contraste sur le durable. Ou peut-être que vous voulez avoir l'ensemble de la performance construire légèrement dans le temps fort et argenté comme ceci. Donc, cela va maintenant en combinaison avec la courbe de mise en forme dynamique réelle. Ok, donc tous ensemble. Et en passant, je veux aussi vous montrer que sur le piano, j'ai choisi de diminuer le niveau de vitesse très bas pour obtenir ce son super doux parce que je voulais juste en arrière-plan. D' accord ? Et puisque tout bouge maintenant au fil du temps, vous pouvez le voir ici aussi. Comme si vous pouvez voir. Et puis il descend et dynamique. C' est ainsi que vous façonnez la dynamique d'un noeuds soutenus au fil du temps. Construire et revenir en arrière. En dynamique. Dans la plupart des cas, vous voulez le faire dans des vagues comme ça, monter et descendre, crescendo, decrescendo. Mais vous pouvez bien sûr, le façonner comme vous le souhaitez, et aussi vous n'avez pas à le chronométrer parfaitement. Ça peut l'être. Donc c'est que les cordes deviennent plus bruyantes ici, tandis que les cuivres deviennent plus bruyants ici pour obtenir des variations dans le mouvement global. Cela peut faire une énorme différence car la couleur tonale de votre pièce globale changera également avec le temps. De cette façon, vous pouvez façonner l'émotion de votre musique en créant des crescendos, ce qui signifie augmenter la dynamique , diminuer la dynamique, et créer différents types de houles et vagues du niveau dynamique au fil du temps. Maintenant, avec d'autres instruments comme le piano, les maillets, les cordes pincées, etc., vous ne pouvez pas le faire pour des notes soutenues. Mais vous pouvez toujours façonner cette dynamique au fil du temps, en jouant les ports de sorte que la dynamique moyenne de tous les nœuds du niveau de vitesse augmente ou diminue au fil du temps. Le dernier exemple, je veux vous montrer cette courte progression d'accords à trois barres, en do majeur, sol majeur à voir et comment vous pouvez utiliser dynamique et le mouvement pour le rendre plus intéressant parce que c'est juste une simple progression en C, G et C. Donc, sur le piano, j'ai choisi d'entrer et de jeter un oeil ici. Ont non seulement la variation ici et la dynamique parce que je l'ai joué, enregistré manuellement sur mon clavier midi. Mais comme vous pouvez le voir, Je montre aussi deux, augmenter la dynamique de la vitesse au fil du temps peut essentiellement faire un peu crescendo, mais avec des liens dynamiques de vitesse. J' ai aussi fait ça sur ce cheval. Arpège. Prends tout ça dedans. Vous pouvez aussi le voir ici. Il monte progressivement, commençant par les pinces les plus basses, plus nettes et plus fortes à la fin. Et bien sûr, sur les cordes. Ici. Vous pouvez voir la dynamique de l'automatisation ici. J' ai enregistré ça avec un fader sur mon clavier Midi qui est blanc, ressemble à ça. Je l'ai sur les cuivres, les vents et le chœur. Mais différent ici. De cela, comme vous pouvez le voir, vous obtenez la plupart des variations si vous enregistrez réellement différentes courbes dynamiques pour les notes soutenues. Et dans l'ensemble, même si c'est une progression d'accords super simple, ça sonne belle. Donc, pour résumer, peut façonner les émotions de votre musique en contrôlant le niveau dynamique de chaque instrument, partie et note. Et vous pouvez le faire à partir de la dynamique d'attaque pour chaque nœud, ainsi que pour la dynamique de sustain pour les notes au fil du temps. 13. Émotion de contraste: L' émotion du contraste. gel froid dans la musique peut être vraiment incroyable pour créer un sentiment de surprise ou changer de direction pour l'histoire émotionnelle de votre musique. Et il y a tellement de façons de créer un contraste dans votre composition musicale. Un, contraste avec Dynamics. L' une des façons les plus fondamentales de créer des contrastes dans la musique est la dynamique. Si vous, par exemple, jouez un niveau dynamique assez bas, puis jouez soudainement fort, plus les accidents culturels, ceux-ci se sentiront plus puissant en raison du grand contraste d'intensité et de niveau 2, contraste avec le rythme. En changeant la sensation rythmique, vous pouvez totalement déplacer le personnage d'un port à l'autre. Ou pour une nouvelle section de votre musique. Par exemple, passer d'un droit et stable pour, pour rainure, disons, une huitième note, une rainure oscillante, ou peut-être une syncopation triplet. Trois contrastes avec le style de jeu. Vous pouvez également déplacer le style de jeu, par exemple, d'une section staccato rythmique à une longue volée de notes legato, style de jeu. Ou peut-être de belles vagues tourbillonnantes ou arpèges en éclats du Sud d'accents forts avec des coups de poignard sur plus d'articulations CTO. Pour le contraste de l'harmonie. Ici, vous pouvez choisir de changer de direction, ajouter quelque chose d'inattendu en termes de cœurs à l'harmonie, ou faire une modulation complète à une nouvelle clé. Considérez les quatre quadrants d'émotion, quatre cœurs et l'harmonie ont fait votre quadrant, quadrant mineur, quadrant ambigu et quadrant dissonant. Si votre musique est écrite dans une clé majeure et que vous tous d'un coup utilisez un accord qui n'est pas diatonique. Vous allez créer un contraste à partir du changement harmonique inattendu. Cinq, contraste d'un arrangement. Les instruments de superposition et le changement taille de section peuvent également créer beaucoup de contraste dans votre musique. Par exemple, supposons que vous commenciez par une performance solo expressive. Ensuite, vous pouvez répéter ce thème, mais ajouter le contraste et la puissance d'avoir une section complète joué un thème à l'unisson, octaves ou même l'harmonie. Six, contraste avec la couleur. Vous pouvez même créer un contraste à partir de la tonalité, couleur et de la portée de votre musique. Peut-être que vous stockez la section dans la gamme inférieure avec instruments qui ont un ton plus chaud et plus sombre. Ensuite, vous ouvrez l'air et la luminosité en introduisant des instruments jouant dans gammes plus élevées et les jouer d'une manière ajoute plus de fréquences et d'harmoniques haut de gamme. Sept, contraste de la production. Il y a aussi tant de choses que vous pouvez faire pour créer un contraste dans votre musique, dans la production musicale et le mixage. Par exemple, l'automatisation de niveau, le double suivi, panoramique pour une scène stéréo plus large, réverbération et le délai pour ajouter un filtre de profondeur, une automatisation égaliseur, l'automatisation du temple comme cetera. Donc, pour résumer, vous pouvez créer un contraste pour changer l'histoire émotionnelle de votre musique, ou même introduire des choses inattendues de plusieurs façons, comme le contraste de Dynamique, contraste du rythme, le contraste du style de jeu. Contraste de l'harmonie. Contraste de votre arrangement. Contraste de la couleur, et contraste de votre production musicale. 14. Émotion de Vibrato: L' émotion de vibrato. Ajouter un vibrato à n'importe quelle note soutenue dans votre musique est l'un des moyens les plus puissants pour ajouter une ambiance vraiment expressive et émotionnelle et apporter expressivement des frais comme la note est presque en train de chanter d'une belle manière. Et avec le jeu passionné et émotionnel, toutes les notes vibrato, vous pourriez même sentir des larmes se former à cause de son rôle, son pouvoir émotionnel. Pourquoi on a apporté la musique est si émouvante. Tout d'abord, considérons ce qu'est vibrato. Une note qui est jouée avec le vibrato est en fait balancer et pulser dans la hauteur. Ce qui signifie qu'au lieu d'essayer de rester Pitch Perfect, le chanteur ou l'instrumentiste interprète la note avec un mouvement pulsant dans la hauteur sur but. La raison pour laquelle ces champs, si émotionnels, est principalement l'expression ajoutée que vous obtenez de ce mouvement, ainsi que la tension lumineuse que crée le réglage de la hauteur pulsante. Mais aussi, si vous pensez à ce que cela sonne quand une personne qui pleure essaie de parler, vous entendrez que la hauteur des mots aura plus d'un ton oscillant avec la hauteur pulsante. Donc, dans un sens que si vous avez apporté une plaque sur un instrument ou un chant, c'est en fait un peu imiter la façon dont une voix pleurante sonne. Maintenant, pensez au son de cœur fragile et pur de quelqu'un qui pleure. Ajouter ce personnage à votre musique avec vibrato passionné sur les nœuds expliquera pourquoi il ajoute une humeur triste, expressive et émotionnelle, différents types de vibrato dans la musique. Ainsi, lorsque vous exécutez un vibrato, vous pouvez le jouer et le façonner au fil du temps de manière illimitée. Voici les aspects les plus importants du vibrato que vous pouvez contrôler. Force vibrato, ce qui signifie que la profondeur a fait, la largeur du vibrato dans le pas. Vitesse vibrato, c'est-à-dire la fréquence de pulsation des courbes vibrato et vibrato, ce qui signifie que vous ne pouvez pas retarder le vibrato pendant la note et ajuster la hauteur, vitesse et la profondeur au fil du temps pour créer une courbe pour votre vibrato. Laissez-moi le démontrer en montrant ces tuner ici. Donc, si vous jouez sur le terrain sans vibrato, vous devriez être à peu près ici, droit à 0. Lorsque vous augmentez la profondeur du vibrato, cela signifie que vous créez un copain plus large en termes d'aller plat et tranchant, sorte qu'il va se balancer plus large. C' est la profondeur du vibrato. Laisse-moi jouer ma flûte ici et je te montrerai ce que je veux dire. J' essayerais de jouer un g droit d'abord. C' était donc sans vibrato. Si j'augmente la pression de l'air, la pression et la libération, diminue la pression de l'air dans les impulsions, je crée un vibrato qui va changer le volume et le pas. Alors vérifiez ce qui se passe. Je vais essayer de faire très large avec des impulsions lentes. Ok, donc c'était très large ou profond vibrato. La prochaine chose est la vitesse vibrato parce que vous pouvez réellement changer la fréquence de pulsation du vibrato. Avoir un lac de Paul plus lent est à dire quart de note ou un fichier qui bat par mesure pour le conjoint vibrato ou encore plus rapide. Donc je vais essayer de faire vibrato à nouveau ici ou ma flûte. Donc j'augmente la vitesse là-bas à la fin. Et puis cela nous amène au point final que vous pouvez façonner avec un vibrato, qui est la courbe. Tout d'abord, vous pouvez retarder le vibrato. Alors vous commencez le noeud de soutien avec une note droite, non ? Si je vais comme ça, donc vous n'avez pas vibrato d'abord et puis ajouter vibrato. Ensuite, vous pouvez également varier la profondeur et la vitesse du vibrato pour la note soutenue. De cette façon, vous obtenez les trois aspects ou expression vibrato pour créer un son vraiment émotionnel pour votre musique. Maintenant, vous devez également apprendre que vous effectuez le plus large de différentes manières sur différents instruments. Par exemple, un piano ne peut pas simplement faire un vibrato parce que vous ne pouvez pas modifier le pH de la note soutenue. Donc vibrato balance la hauteur et le volume en même temps. Dans les stratégies que vous contrôlez avec votre style clair expressif. Donc, si nous prenons ces violon ou les deux cordes, par exemple, regardez où la touche ici, si le marqueur est si je viens d'acheter votre D sans vibrato. Maintenant, si je m'ajoute, reportez-y. Comme vous pouvez le voir, le petit point ici va de haut en bas, et c'est ce qu'un joueur de cordes fait quand il ou elle ajoute vibrato. D' accord ? Et sur une guitare, vous devez plier cet anneau à la place des impulsions et, et ainsi de suite, sur les instruments de respiration, bien sûr, comme je viens de le montrer, vous faites varier la pression de l'air dans les impulsions, mais certains instruments ne peuvent tout simplement pas les faire. Maintenant, avec la plupart des instruments logiciels et des bibliothèques d'échantillons, vous avez souvent juste un curseur pour les vibratos. Vous ne pouvez pas réellement modifier le taux et la profondeur. Mais fondamentalement fondu croisé dans les vibratos. Si je le joue comme ça sans vibrato, et puis je l'augmente. Vraiment vibrato devient plus fort et plus faible quand je le déplace à nouveau vers le bas. Et certains instruments, vibrato est effectivement enregistré dans l'échantillon, ce qui est un peu triste parce que vous ne pouvez pas ajouter votre propre expression aux notes. contrôle complet de la profondeur, de la vitesse et de la courbe des vibrato est l'une des raisons pour lesquelles les instruments vivants et les voix, ou bien plus expressifs que les instruments logiciels peuvent être. Pour résumer, vous pouvez façonner les émotions de votre musique avec vibrato, force vibrato, qui est la profondeur de la vitesse vibrato vibrato, la fréquence de pulsation du vibrato et la courbe Bravo, retardant et variant le vibrato pendant la note soutenue. 15. Émotion de ses articulations: L' émotion des articulations. Articulations dans la musique est sur la façon dont vous jouez chaque note, la performance. Dans les instruments logiciels, vous pouvez souvent contrôler et façonner les autocorrélations en utilisant des commutateurs à clé ou l'automatisation CSE. Parfois, le niveau de vitesse de chaque nœud peut également être alimenté. Quelles formes l'article Asiatiques ? Mais le point principal ici est le comment. Parce que la façon dont vous jouez les notes aura un impact énorme sur l'humeur émotionnelle et expressive de votre musique. Il y a tellement d'articulations différentes pour utiliser de la musique. Et chaque groupe d'instruments aura ses propres types d' articulations en fonction de la façon dont vous pouvez réellement jouer l'instrument. Par exemple, sur une guitare, il y a une articulation appelée un virage, car vous pouvez physiquement plier ces anneaux, ce qui affectera la hauteur. Mais sur, par exemple, un piano, vous ne pouvez pas modifier les images des touches que vous appuyez sur un instrument à cordes, un instrument à cordes, puisqu'il n'y a pas de frettes, vous pouvez réellement glisser sur la même corde avec un glissando lisse. Ce ne sont que quelques exemples d'articulations. Mais pour vous donner d'autres idées, j'ai créé un guide et un aperçu des différentes catégories d'articulations dans la musique. Premièrement, les articulations se concentrant sur la dynamique. Ce sont des articulations qui changent comment la dynamique ou contrôlée et en forme peut être à la fois la dynamique d'attaque ainsi que la courbe dynamique au fil du temps pour des notes soutenues , par exemple, marcato, sforzando, crescendo, diminuendo et houles. Deux articulations se concentrant sur la longueur du nœud. Il y a beaucoup de façons de jouer des notes courtes sur des instruments de taupe sur, par exemple, les deux cordes. Vous pouvez contrôler les sons courts de notes de beaucoup de façons. Voici quelques-unes des articulations de notes courtes sur différents groupes d'instruments. Staccato, spiccato, pizzicato, et l'appeler linéaire. Trois articulations se concentrant sur la hauteur. Ce sont des articulations qui changent la hauteur de la note, soit dans l'histoire de la note, la fin de la note, soit sur le sustain du noeud. Par exemple, vibrato, coudes, chutes, déchirures, scoops, etc., pour les articulations se concentrant sur les transitions. Ce sont des techniques qui mettent l'accent sur la façon dont vous allez d'une note à l'autre, d'une note complètement séparée sans transition, des glissements trop longs et lisses entre eux. Et la vitesse et la courbe ou la façon dont vous faites la transition entre les nœuds est vraiment importante. Par exemple, legato, portmanteau, Gillies, certains cependant, salles de marteau, pool offs, et cetera, cinq articulations se concentrant sur un effets spéciaux. Donc, il y a aussi beaucoup de techniques spéciales que vous pouvez jouer instruments où cela se concentre sur une certaine énergie, l' ambiance, la tension, ou l'humeur basée sur l'articulation même elle-même. Par exemple, harmoniques, trémolo, trilles, concertino, muet, grognements, flutter, et cetera. Pour résumer, il y a tellement de façons de jouer des articulations en fonction de l'instrument et des techniques disponibles que vous pouvez utiliser. Mais le point principal ici est que vous, en tant que compositeur, avez des options créatives illimitées pour façonner les émotions de votre musique en fonction façon dont vous jouez chaque note sur les instruments et les ports de vos compositions musicales. 16. Le quadrant majeur: Donc, dans cette vidéo, nous allons explorer le quadrant majeur des émotions musicales. J' avais donc créé trois courts exemples ici, chacun avec un champ différent. Le premier est allégé, heureux que édifiant et éclairant, puis motivant et se sentir bien. Donc, bien sûr, j'utilise beaucoup des techniques que vous avez déjà apprises dans ce cours pour façonner les émotions du quadrant majeur. Alors écoutons le premier exemple et ensuite j'expliquerai mes choix créatifs. Droit ? Donc, comme vous pouvez ici, son très léger et optimiste et heureux. Vous pouvez voir la cour est là-haut, ré major a et G, et puis le, donc tous les accords majeurs. Et vous pouvez également entendre qu'il a un style de jeu très staccato, concentré avec beaucoup de notes courtes ici. Également sur les cordes ici. Donc, ceux-ci créent plus, ces styles de jeu de staccato rythmiques obtiennent que plus de lumière, optimiste, manière ludique. Ok, vous pouvez aussi voir qu'il y a une direction ascendante créant ce son édifiant, le poussant plus à égayer le son. Et aussi en utilisant des harmoniques sur la guitare. Très similaire au motif commun sur les cordes. Aussi un battement vers le haut direction ici, comme vous pouvez le voir. Et il ajoute ce caractère léger parce que lorsque vous jouez des harmoniques, vous n'obtenez pas beaucoup de la tonalité fondamentale du nœud, mais plutôt les harmoniques supérieures. J' utilise aussi une cloche ici parce que, eh bien, une cloche de haute portée que vous pouvez voir au-dessus du milieu C. Aussi comme cette lumière, caractère enfantin. Et puis j'ai ajouté des touches douces à l'unisson avec la cloche. Donc, comme j'utilise un patch très lumineux, patch ici avec une route en direct et un piano. Voyons voir, petit scintillement dans la réverbération. Juste, et je voulais juste faire de ces factures rêveuses parce que je joue une octave ci-dessous juste pour étendre cette mélodie, lui donner plus de concentration. Donc, les tambours ici. D' accord, mais il y a des remplissages ludiques. Donc vous obtenez cette syncopation visuelle. Et la base est-ce que cette dalle très rythmique se sent sur elle ? Et bien sûr, si nous vérifions non seulement la clé ici, ré majeur avec seulement les 145 accords. Donc vous devez, il est joué sur un piano, joué dans une ambiance très édifiante. D' accord ? Il y a aussi le tempo 135, qui est plus dans l'ambiance up tempo pour BPM. Et tout à fait, il crée cette ambiance très édifiante, légère, heureuse, ludique. Droit ? Puis l'exemple suivant, que j'appelle édifiant et éclairant. Il est similaire à cette lumière et heureux mais pas comme enfantin, léger et heureux, plus édifiant et éclairant en connaissant le sens plus magique de l'ambiance. Donc ici, j'utilise aussi des harmoniques. Vérifions d'abord la progression de l'accord. Donc nous sommes en G, donc nous avons G, a, C, D, tous les accords majeurs. Encore une fois, une Corée supplémentaire pour eux. Mais, oh oui, au fait, donc si nous sommes en sol ici, il n'y a pas complètement en sol majeur parce que comme vous pouvez le voir, il y a quatre accords qui sont majeurs ici. Et bien sûr, nous avons des records du 3 mai à grande échelle. Donc, nous avons un G. et puis vous pouvez voir le a. Donc, cela signifie que si vous avez un noyau étant un majeur et la deuxième coordonnée aussi majeur. Pourtant ce lydien, lydien, qui est le mode de musique le plus brillant et le plus édifiant. Et vous pouvez déjà l'entendre si vous prenez une échelle standard majeure. Donc vous avez, disons en do majeur, en C, en F, G. Le changement d'accord le plus brillant est en fait entre f ici et GE. Prenez n'importe quel accord majeur, puis jouez le service médical tout le pas au-dessus. C' est vraiment cette couleur lydienne édifiante de l'ambiance. Donc, c'est l'ambiance édifiante et éclairante parce que j' utilise encore une progression vers le haut ici pour construire l'excitation. Ainsi, les cordes aussi de manière rythmique. Mais si vous écoutez le premier ici, nous avons plus de syncopation, plus de groove rythmique. Bien que ce soit plus d'une droite note du Dr Hayes. Tout au long et la construction d'un vers le haut comme ça. Piano, délicat. Ici, vous pouvez voir un peu d'ascenseur direction vers le haut ici. Et si nous l'écoutons en solo, il a cette sensation éclairante et édifiante. Comparons-le au piano précédent. Ce que je ressens est plus léger et plus ludique. C' est encore cette ambiance majeure, mais plus éclairante, pas aussi légère et ludique. Donc, vous pouvez dire que c'est édifiant, mais dans vous battre de façon plus sérieuse. Ensuite, nous avons cette guitare qui ajoute du noir ici. D' accord ? Et cela ajoute un peu d'intérêt pour vous parce que ce n'est pas aussi simple que ce premier exemple pour un échantillon et pour la base que nous avons. Donc j'ai fait plus de groupe, ils changent. Et puis nous avons la batterie, qui est la vidéo de ce classique rock pop drive avec la caisse claire, puis un peu de shaker pour ajouter quelques séries d'excitation. Donc, dans l'ensemble, une grande partie de l'illumination édifiante vient en fait de la guitare et de l'harmonica. Surtout cela vers le haut ou arpège ici au début ajoute vraiment que magique. Donc, dans l'ensemble, édifiant et éclairant, le tempo, bien sûr, n' est pas aussi élevé qu'il est accéléré. Il est toujours dans la plage temporelle supérieure, mais plus proche du tempo 125. Comme vous pouvez le voir, si je additionne ces deux 135, je vais pousser cela plus vers ce briquet, heureux par gay et surtout que les lumières m'éclairent, terminer ici avec une gamme très élevée. Aussi sur les cordes, comme vous pouvez le voir ici, se déplaçant vers le haut d'un octet plein là. Et le dernier exemple est le quadrant majeur. J' appelle ça motivant et je me sens bien. Vous pouvez voir qu'il y a un accord mineur à l'intérieur. Et plus important encore, le style simple est regardé comme il est plus sérieux, a plus d'un pas, pas aussi léger et édifiant. Eh bien, écoutons nous et je vous expliquerai plus tard. Donc, vous pouvez instantanément ici qu'il est beaucoup plus lisse dans le style simple, beaucoup de staccato, mise au point rythmique, mais en fait des notes plus longues, legato, et plus d'un tour lisse, pour ainsi dire. C' est pourquoi j'ai appelé la motivation Feel-good est toujours une clé majeure, un mon a major. Voyons si on peut prendre le piano ici. Ensuite, nous allons à F Sharp et ainsi de suite. Donc on peut commencer avec des cordes. Ils créent beaucoup de ces plus C ou utilisent une belle sorte d'émotion dans de longues notes. Vous pouvez voir les accords que j'ai attachés ensemble. Donc celui-ci est en fait le partage de tous les scores entre les deux. Et nous vous donnerons l'accord mineur ici. Major encore. Et voir qu'il est aussi dans la dynamique basse à moyenne gamme ici avec l'automatisation ou la courbe dynamique. Et voyons voir. J' ajoute un peu de poids à la robe, jouer, avec la dynamique ici, mais je voulais simplement ajouter un peu plus de poussée à la société. Et vous obtenez plus de ce rôle. Vous serez noble caractère de la poitrine, longues notes sur les cornes là-bas. Mais toujours sur le piano. J' avais un peu plus de rythme. Mais vous pouvez voir aussi c'est plus dans la gamme inférieure. Si on compare ces deux-là. Alors que ici, nous sommes de gamme inférieure. Et aussi bonjour à moi dynamique. Et il y a eu beaucoup de fois où je ne joue qu'une seule note à la fois ici pour donner de l'air. Donc, une ou deux notes au lieu de faire face à beaucoup de notes et de rythmes et ainsi de suite. Alors si on vérifie les harmoniques, je voulais les inclure ici aussi. Où la guitare, ce sont probablement le plus lumineux levage, partiellement soluble. Puis j'ai ajouté ces touches logicielles ici, qui sont les mêmes passions avant les larges avec le piano hybride. Hazard, également dans la gamme inférieure comme vous pouvez l'entendre. Basse Schmidt. Mais ça ajoute un peu plus de poids au piano ici. Et un sens un peu plus magique dans ce son hybride. Alors j'ai cette base. Très simple, les mineurs d'astéroïdes deuxième mouvement là-bas. temps en temps pour un peu d'intérêt. Et les tambours jouent ce rythme doux très simple. Et je peux voir aussi le tempo ici est tout le chemin vers le bas 115. Et dans l'ensemble, cela crée ce genre d'ambiance motivante, édifiante mais bien-être avec le ton plus sérieux que la couleur des mouvements par rapport à ces autres exemples plus légers. Activateur mineur. Donc, si je voulais pousser cela plus vrai, où est le ludique, édifiant, éclairant et l'ambiance que j'aurais pu utiliser staccato string est, par exemple, au lieu de ces longues cordes, plus de lecture sur la base, peut-être faire quelques coups de couteau au lieu de seulement des noeuds Longhorn ici. Et si je voulais le pousser plus vers le quadrant ambigu ou mineur, eh bien, j'aurais dû inclure peut-être un ou deux accords mineurs de plus, ou un septième accord ou quoi que ce soit pour ajouter plus de complexité. Et au lieu de cela, sur essentiellement seulement les grands tribunaux. Mais ces trois exemples, je vous recommande d'expérimenter avec toutes les techniques vous avez apprises dans les vidéos précédentes de ce cours, ainsi que dans cette vidéo pour explorer le quadrant majeur de la musique, les émotions. 17. Le quadrant mineur: Donc, dans cette vidéo, nous allons explorer le loyer de disque mineur ou les émotions musicales. J' avais donc créé ces trois exemples, chacun avec une ambiance différente de mineur, le quadrant mineur d'abord est triste et solitaire, puis introspectif et mélancolique, et enfin, sombre et désespérée. Alors commençons par le premier. Je vais d'abord jouer l'exemple et ensuite expliquer mes choix créatifs pour ce genre d'émotion triste et solitaire dans le quadrant mineur. J' espère que vous avez vraiment ressenti cette ambiance triste et solitaire. Et la première chose est, bien sûr, la, la clé et les harmonies, le focus harmonique que vous utiliseriez. Donc c'est en mineur, mais vous pouvez voir que j'utilise des accords majeurs à l'intérieur. Cependant, la clé est le point principal, donc une clé mineure. Si on joue, Voyons voir, on avait le piano ici, donc une mineure. Et puis au démon D. D' accord ? Donc, ces deux accords sont au début réels et définit l'ambiance. Si vous vérifiez le temple ici, j'utilise un tempo très lent, mais aussi un peu d'automatisation. Donc ça commence très bas ici. 59 va jusqu'à 65, puis diminuer à la fin de retour à 59. Donc, un tempo lent. Ce sentiment de solitude. Et l'autre chose, c'est les notes réelles que j'utilise. Ce n'est pas, pas rythmique. Cette pièce du tout. C' est plus solo ring et de longues notes de balayage, surtout pour la mélodie principale, mais aussi pour la piste de support, oui, de meilleures cordes de support. Et au fait, le son réel ici pour les cordes, si vous jetez un coup d'oeil ici, oups, c'est en fait une corde de DO de sol tendre. Son. Donc très doux dans le caractère réel Colmar de la tonalité. La base fait juste, est de longues notes sur le nœud racine. Mais vous entendez cette attaque partout où changer. Donc rien ne se passe là-dedans non plus. Et le plus important, vous pouvez entendre de la mélodie principale, entendre jouer sur le violon. Et du violon. Vous pourriez demander, eh bien, c'est le premier violon de chaise, donc c'est en fait un violon solo. Je supprime également la réverbération supplémentaire et une réverbération de hall pour la rendre plus proche de vous car elle ajoute à la mise au point expressive de l'instrument si vous le sentez plus près, près de vous. Donc c'est comme ça que ça sonne. Donc le violon solo d'abord, Sharon, vous entendez vraiment ce vibrato expressif, qui, bien sûr, ajoute aussi cette poussée émotionnelle expressive. Et si nous regardons la ligne mélodique, vous avez des sauts plus importants, ce qui crée en fait plus de tension émotionnelle, ajoutant deux à la triste ambiance. Et je crois que j'ai joué exactement la même chose dans les liquides ici sur le registre supérieur. Aussi beaucoup de vibrato sur les notes plus longues. Donc c'est une mélodie très triste et solitaire. Salut les bois enregistrés comme des fluides sont parfaits pour cela, tout comme le violon solo. Et je crois en fait, dans ce cas, je venais d'utiliser une octave plus bas sur les altos. Parce que je voulais vraiment que cette mélodie soit le point central de cette pièce. Donc, beaucoup de superposition vous aidera avec cela. Aussi d'abord, non, pas la première année cette chambres supplémentaires. Donc pour la violence, une très petite section, l'alto. Et je l'utilise, Sir Dean ou ici parce que je voulais un très chaud sons ici au lieu de, Retirons cet Arduino et trou pour que vous puissiez voir comme le violon et vous sortez ça. Je pensais que c'était trop à l'avance parce que je voulais le violon solo ait ce point focal à l'avant et à l'autre. J' ai donc mis la Sardaigne, qui est une articulation silencieuse, plus douce et inclus toute la réverbération. Donc, au-dessus des fluides et des violons. Ok, donc ça prend soin de la mélodie principale, super longs nœuds legato avec beaucoup de vibrato. Et puis ces lignes de violoncelle louent l'harmonie, l'harmonie inférieure. Les cordes sont donc très bonnes pour cette ambiance expressive, solitaire, émotionnelle, et le piano joue essentiellement un arrangement très clairsemé. Si tu écoutes ça. Pas même une cour complète comme l'Octavius ici et la mélodie sur le dessus. Et tout ça. Bien sûr, la progression de l'accord et une ligne d'histoire harmonique est un quadrant très mineur. Mais cela, le plein d'air entre les nœuds, les pauses ajoute à cet aspect solitaire. Et enfin, je voulais juste ajouter un peu plus de poids à la pièce en ayant les accords et la base ici sur le canapé. Les touches patcher ces larges ainsi que le style hybride piano avec des médias trémolo qui vont à gauche, à droite, amer. Oui, l'accord change. Donc, dans l'ensemble, vous obtenez cette ambiance très triste et solitaire. C' est donc le premier aspect et l'un des premiers exemples, triste et solitaire. Tous ces choix sont créatifs. Passons à l'exemple suivant que j'ai créé dans le quadrant mineur, qui est, je l'appelle introspectif et mélancolique. Donc, j'augmente le bit de gabarit jusqu'à 70 ici. Donc, il est toujours sous-échantillon, mais pas aussi relaxant, ambiant, caractère solitaire que 50, 1965 année était 63 ou quoi que ce soit. Alors écoutons cet exemple d'abord. Ok, donc nous voilà en ré mineur et les deux premiers accords ici, ou les deux mineurs donnent le ton, ces quadrants mineurs tonifient. Si vous le comparez à l'exemple précédent, il est un peu plus rapide, non seulement dans les temples 70, mais aussi certains des changements ont fait ces harmoniques ici et la cloche rêveuse ici va en fait MLA chaque moitié alésage. Donc ce n'est pas un rythme que je dirais, mais c'est plus que sur tous les bars, comme celui-ci ici. Voilà un peu. Le plus rapide. De cette façon. Ensuite, vous venez de vérifier la progression de l'accord ici joué sur les boissons gazeuses à nouveau. Et si vous vérifiez ici, c'est dans la dynamique très basse de deux hommes, ce qui était aussi, en passant, le cas pour les exemples précédents peut voir ici. Mais c'est essentiellement amplifier le rythme d'énergie en passant de ce triste, super triste et très humble à l'introspective et à la mélancolie. Ils sont similaires mais juste un peu plus d'énergie, un peu plus se passe. Donc, pour dire, ici dans les notes. La justice de base, exactement comme l'exemple précédent. Un, de longues notes de bar et le lieu d'éclairage y yo à conduire. Paludisme. Si longues notes, mais fondamentalement, surtout avec un tempo lent, il se sent encore plus longtemps. Violoncelle prend l'harmonie. Bonjour. Ok, et ensuite on a le piano. Écoutons le style simple réel ici. Donc, il est clairsemé, mais pas aussi clairsemé que le précédent. Ici, nous pouvons réellement voir le cours complet comme ici et ici. D' accord. J' ai ajouté un peu plus de poids comme avec l'exemple précédent ici sur le boîtier souple, mais la différence est que j'ajoute un peu plus de notes supplémentaires pour un peu plus d'intérêt. Ok, comparé à la précédente, qui était juste un accord de bar. Donc, vous pouvez voir que c'est un autre niveau plus loin ici. Aller à cette introspective et mélancolique encore très, il est toujours prêt moyen, mais pas aussi triste super longtemps que le premier. Ensuite, j'ai ces lignes de laiton ici jouer aussi de longues notes. Donc, avec les mélodies principales, fondamentalement l'harmonie. Ok, donc encore de longues notes flambées, Legato. Et puis juste pour un intérêt rythmique ajouté est le moins harmoniques de base et cloche rêveuse ici qui le mène à un site et solitaire à introspective et un mélancolique. Ces gars ici font une énorme différence parce que c'est tous les deux fois chaque bar. Donc, dans l'ensemble, tu comprends ça. Les enregistrements des mines ne sont pas plus dans l'ambiance introspective et mélancolique. Donc, vous vous sentez philosophiquer sur la vie et ainsi de suite. C' est introspectif. C' est, c'est un autre niveau entre ici, triste et solitaire et le suivant. Donc, le dernier exemple ici, j'appelle ce stupide et désespérée, moins malade, Écoutez, le temple est de retour à 65 ans. Et ça sonne comme ça. Alors pourquoi ça se sent si désespérée ? C' est le cas, commençons. Pourquoi ? Il fait si sombre. Alors pourquoi est-il dans le coordinateur mineur en premier lieu ? Donc, c'est une clé mineure. Et comme vous pouvez le voir, il n'y a pas d'accord majeur du tout. Ce n'est que mineur. Whoops, ce ne sont que des accords mineurs et suspendus bien sûr. Mais cela prend soin du quadrant mineur. Les modèles lents et blancs dork. Eh bien, si vous vérifiez, vérifiez les gammes ici. C' est joué, ok, donc ces cordes sont un Beatle par an, mais elles, puisqu'elles utilisent une articulation douce, ça sonne. plus chaude, plus foncée. Et c'est le truc ici. Il joue essentiellement dans les gammes inférieures, la dynamique inférieure. Laissons le secteur de la mélodie et de l'harmonie ici. D' accord ? Donc, en dessous du milieu C ici, sauf la flûte là-bas. Je veux dire, oui, écoutez la mélodie principale plus harmonique. Sans indice. Oui, les ombres de l'alto sont en dessous du milieu C. Aussi des notes très longues. Je veux dire, ici vous avez 1,5 bar. Celui-ci est deux barres. Donc c'est comme si ça avait deux, toute l'ambiance de la bénédiction. L' obscurité est le registre bas et la couleur sombre chaude de la mise au point de registre inférieure dans le registre de notes réel et la dynamique basse ainsi que les articulations douces. J' ai même ajouté les cuivres ici en bas. Donc, c'est au milieu C et c'est, et l'harmonie. Même une octave en dessous du milieu C. Juste pour ajouter un peu plus de poids à la progression. Et un autre aspect qui apporte toute l'ambiance de la bénédiction est pas d'accords majeurs. C' est la loi de l'espoir. Notez qu'il n'y a pas d'inclusion majeure dans la progression principale. Au lieu de cela, j'utilise ces accords suspendus qui reviennent à un accord mineur, E sus4 retour à mi mineur. Donc, c'est comme quand vous pensez que cela pourrait être un peu d'espoir, il n'y a pas parce que cela va à mineur et dans l'ensemble. Cela prend cet exemple de quadrant mineur à eCori appeler dork et sans espoir. Comme vous pouvez le voir ici. Il y a donc presque tout ce fluide avec un ton doux dynamique très faible qui est au-dessus du milieu C. Tout le reste est autour du milieu C et au-dessous, qui nous amène à la couleur sombre. Et bien, c'est pour ça que je pense que c'est le Jorg et sans espoir et la portée du quartier mineur. Et donc je recommande que vous vous entraîniez à trouver différentes couleurs émotionnelles dans les enregistrements mentaux vous-même maintenant, commencez par créer une progression d'accords et les instruments de jeu styles, gammes, articulations, couleurs pour le façonner dans n'importe quel type de quadrant mineur. Ensuite, bien sûr, il y a plus que ces trois exemples, mais au moins comme point de départ, vous pouvez explorer avec. 18. Le quadrant ambigue: Très bien, donc dans cette vidéo, nous allons jeter un oeil aux quadrants ambigus des émotions musicales, ou quadrant mixte si vous préférez. Ce n'est donc ni mineur ni majeur, mais un mélange du tube et parfois même une touche du quadrant dissonant. J' ai donc fait trois couleurs différentes à l'intérieur du quadrant ambigu. J' appelle cette nostalgie et les souvenirs le premier exemple puis mystérieux et rêveur, et enfin amer, doux et plein d'espoir. Alors commençons par le premier. On dirait ça. D' accord, donc ça commence ici en do majeur, donc ça a un son positif majeur, mais avec une touche mineure. Parce que si vous regardez ici, manières de C à G étaient 15. Et l'accord à cinq accords dominants est mineur. C' est une couleur Mixolydienne, le mélange au mode Mixolydien. Et c'est un peu un mélange entre une ambiance majeure mais avec une touche mineure. Donc, en plus de cela, ce qui le rend nostalgique et des souvenirs genre d'ambiance, couleur émotionnelle est le temple lent. Vous avez également ces focales à faible portée, dynamique plus douce et plus douce, donc il n'est pas raide et registre élevé est dynamique très faible. Et dans le registre inférieur. Ensuite, vous avez ce violon solo parcelles la nourriture, en prenant soin de l'alto coût ou de l'harmonie. La nourriture basse registre avec un legato et un peu d'un vibrato sur les notes longues comme beaucoup de ce son plus léger. Et les cordes qui sont très douces et balayantes. En plus avec ce piano apaisant ici. Mélange entre un arpège et une vidéo de composition rythmique entre les deux. Un son très doux de cette façon aussi. Le laiton ici est très bas. Je pense que c'est juste à l'unisson avec la base et l'octave ci-dessus. Donc, dans l'ensemble, pas très rythmique, plus axé sur le long solaire dans le jardin. Dynamique de registre faible. Tempo lent, le Mixolydien. Pour le moment, T et échelle. Un peu majeur, mineur. Major encore, principalement l'ambiance Mixolydienne avec une dynamique basse, les poumons flambant notes legato, le registre de charge, et le point focal étant le violon solo et les fluides ici dans le registre bas ou les fluides pour créer ces très nostalgiques Vibe. Donc, l'exemple suivant que j'appelle mystérieux et refait et ça sonne comme ça. Ok, donc ici, vous avez en fait plusieurs choses qui se passent. abord, l'état de rêve vient du tempo lent, ces Bell rêveuse. Et fondamentalement ce style de jeu très lent. Beaucoup d'air et d'espaces entre les nœuds à l'intérieur sonnent comme ça. Mais la partie mystérieuse de celui-ci vient principalement du départ d'une clé majeure ici, en ré majeur, en ré majeur accord. Il ajoute un petit six en plus. Et vous pouvez vraiment l'entendre ici sur le DRI et les ceintures sont le son mineur au tribunal. Et puis ajoutez ce mineure six. Ok, tu l'entends aussi sur le piano. Alors ça commence. Et ici aussi, nous passons d'un son majeur dès le début, puis à un mineur, un quatrième parfait ci-dessus. C' est donc un son majeur. Qu' est-ce que le ton mystérieux ? Et puis on te mettra mineur entre les airs. Et puis à un grand ascenseur. Puis encore des mineurs. Et ce majeur, en ré majeur avec un 9 plat, si mineur ligne. Et la cadence est mineure. C' est donc un mélange entre le major et le mineur qui se passe ici. Et vous avez encore une fois, ces longues notes, legato, transitions, faible dynamique, et également concentré dans la gamme inférieure avec des cordes douces sur le dessus. Et il peut vraiment entendre ici et garderie et rester ajouté mineur 6, qui crée cette ambiance mystérieuse. Et l'état de rêve vient du faible tempo, du registre bas, l'air et de l'écart laissant le sustain sonner sur beaucoup de notes aux articulations douces aussi. Mais il peut vraiment le sentir à partir de la progression réelle des accords, l'histoire harmonique. Major mineur, majeur, majeur mineur. Et ces intervalles mystérieux ajoutés pour le plus moins 6 là-bas et aussi une neuvième mineure ici. Voilà donc le deuxième exemple. Mystérieux et rêveur. Nous sommes encore dans le quadrant ambigu. Et voyons, nous avons le dernier exemple ici, que j'appelle amer, doux et plein d'espoir. Alors écoutons ce que ça ressemble. Ok, donc il a cette couleur très amère, douce, mélancolique, émotionnelle. Encore desséché comme cette ambiance d'espoir. Et il y a aussi fait vous sentir aller aussi bien. Tellement ambigu, couleur émotionnelle mixte entre majeur et mineur. Il commence par un mineur , puis va immédiatement à un accord majeur ici. Et puis en plus de cela, nous avons si fa majeur 7. Et si vous sentez que le tempo est aussi très lent. Et il est en fait a le plus se passe dans les premiers Node CRC, comment la nourriture, violence et la basse et le piano, vraiment la partie des débuts. Puis ça commence à ralentir. Il note plus longtemps. Et le piano s'occupe vraiment. L' accord change principalement. Je n'ai pas de politique. Et puis, oh oui. Donc, la dernière partie là où nous avons fini sur un mineur, mais en fait passer des cinq accords mi mineur à un élévateur majeur ou majeur comme cet aspect plein d'espoir de cette progression d'accord. Et si nous écoutons juste la partie de progression comme les cordes douces et l'autre section de cordes ici. Et le piano. Il a ces sons très romantique, doux à elle. Et c'est pourquoi j'ai toujours douce-amer parce qu'il a encore beaucoup de champ mineur, surtout depuis qu'il a commencé la clé mineure. Et comme ce septième accord majeur en fa, qui a ce septième majeur, vous savez, l'intervalle plus ancien, étrange intervalle de sonde d'attention en elle, et va ensuite directement à un septième accords mineurs sont beaucoup de mineurs là. En fait, une mineure. Mais alors ça commence à monter à votre voisin ici, mais G et F. Et ça vous revient, l'étrange majeur septième ajouté, puis E mineur. Donc commencer à ressentir cette tristesse à nouveau. Et puis il pousse à un major plutôt que la cadence finale. Donc, ce sont trois exemples de ce que vous pouvez faire dans le quartier ambigu et nostalgique et souvenirs, mystérieux et rêveur et amer, doux et plein d'espoir. 19. Le quadrant de dissonant: moment, dans cette vidéo, nous allons explorer trois exemples différents du quadrant dissonant de la musique, des émotions ou du quadrant de tension si vous voulez. J' ai donc créé ces trois exemples, sombres et effrayants, chaotiques et puissants, et inquiétants et maléfiques. Commençons par le premier. Ça sonne comme ça. Alors qu'est-ce qui rend cet idiot et effrayant ? Eh bien, bien sûr, nous jouons principalement dans la gamme inférieure. Si vous excluez simplement le piano, par exemple. Ou une gamme de couleurs dork et chaudes pour les sons et les notes ou dans la gamme inférieure. Et nous utilisons aussi seulement des accords mineurs tout au long, comme vous pouvez le voir ici, G mineur, G mineur avec un septième majeur en haut et vous savez, le septième intervalle majeur quand vous ajoutez cela, cela ajoute beaucoup de tension à cause de à quel point il est proche de l'octave parfaite. Et puisque nous n'utilisons que des accords mineurs, certains d'entre eux auraient dû être des accords majeurs. Si vous êtes dans une clé mineure appropriée, mais avec quelques modulations là-bas, comme emprunter des accords d'un autre mode, vous pouvez simplement aller et utiliser chaque accord comme mineur comme je l'ai fait ici. Une autre chose, c'est que nous jouons dans un rythme très lent. Et fondamentalement, le seul mouvement rythmique réel est le piano et la base. Mais vous obtenez vraiment cette ambiance effrayante du mineur au mineur est un mineur, mineur, majeur septième et le mineur le cinquième. Et puis l'a aurait dû être majeur si nous sommes en sol mineur, a commencé clé ici, mais il est en fait mineur. Je suis donc allé sur le mineur pour créer ce sentiment très sombre. Et si vous jetez un oeil à ce que font les instruments ici, vérifions toutes les ficelles. Donc ces pistes ici entrent et jettent un coup d'oeil. Vous pouvez voir qu'ils jouent comme ça, comme ça, et une dynamique très faible tout et tout le monde, chaque piste ici a sa propre courbe dynamique. De la gamme médiane très basse à la gamme médiane basse pour Dynamics. Et si nous enlevons et écoutons tout le reste sauf le piano, la basse. Et vraiment entendre comment l'accent est mis sur des nœuds très longs, balayants, envolés, dork dans le registre inférieur. Et encore une fois, si vous jetez un oeil à la, ce qu'ils font, des intervalles courts, proche voix menant pour les faire balayer entre eux, chaque voix dans la progression de l'accord. Et comme vous pouvez le voir, ces extra mineures septième année ajoutent vraiment beaucoup de tension. Donc tu as ce ton ici. Les mineurs alors à une affaire. Mais tout en utilisant des accords mineurs de cette façon peut créer un aspect très sombre et effrayant. Bien sûr, ce sont ses portes dans une clé mineure. Le prochain exemple que j'ai est en fait, c'est chaotique et puissant. Donc ici, je suis allé avec un 6, 8 signatures de temps. J' embauche une tête la première fois que je change réellement le temps Centre de 44. J' opte aussi pour le tempo, voyons ce que c'est. C'est 100 à la place. Et est allé avec un style de jeu beaucoup plus rythmique, en particulier les champs dans les cordes ici. Et la progression de l'accord est en fa mineur. Et je suis en fait de l'héroïne qui commence à vous un cours diminué. Et les tribunaux diminués sont des tribunaux très tendus. Donc si vous jetez un oeil ici, là , ici, il n'y a pas d'accord majeur à l'intérieur. Seuls des accords mineurs et même des accords diminués, ce qui le rend très sombre, très puissant. Mais où vient l'aspect chaotique. Il est donc très puissant puisque nous avons ces modèles puissants, plus attrapés articulations ici au début et ensuite commencer la cétose. Donc, plus de quarts ou accent ou des règlements très audacieux. Les cornes jouent ce genre de lions accentués. Je crois que j'utilise quelqu'un pour Totto. En fait. Des notes très audacieuses. Et vous entendez le souffle en bas ici, en fait dans Octavius pour le rendre encore plus puissant. Oups. Ce tout est dans la gamme inférieure essentiellement sauf les quelques dans le milieu de gamme ici, autour de C4 et souffler pour ce staccato cordes. Et si vous écoutez les harmonies ici, le président Biola joue en octaves. Qu' est-ce qui le rend si puissant ? Eh bien, moins que celui-ci, celui-ci et celui-là, tout, c'est plein de cuivres d'octave superposés avec des saaS peu profonds et alto en fait Pour, eh bien, vous pouvez dire que c'est le motif principal, mais il y a aussi une hormone en note dans là. D' accord ? Mais ça le rend très puissant. Et puis l'aspect chaotique ne vient pas seulement des modulations chaotiques ici dans les progressions d'accords pour obtenir tous ces accords mineurs. Aussi du son diminué et de ce groupe d'action rythmique. Et comme c'est un 68, elle pourrait bronzer, bronzer, bronzage , bronzage, très puissant. Et le chaos de la progression harmonique ainsi que ce groove le rend vraiment très puissant, mauvais patron sorte d'ambiance. Et le dernier exemple, je suis retourné à 44, c'est inquiétant et maléfique. Alors que c'est le mal chaotique et puissant, le mal plus orienté action, c'est plus inquiétant comme penser aux mâchoires, le film le plus effrayant quand, quand il fait très sombre et que vous attendez que les monstres maléfiques sortent. Eh bien, ça sonne comme ça. Ok, dépêchez-vous, menaçant et très mal. Donc ce que j'utilise ici, principalement pour ce super mal, Tony se concentre sur la seconde mineure, D à C pointu, G pointu , a, et ainsi de suite. Et si nous vérifions la base et peu profondes, croyez que je joue juste une octave, donc juste plus, plus de puissance. Vous pouvez voir la microseconde bouger ici et en arrière, ici. Et puis ici, vous pouvez le voir à la fin. Donc, c'est très mauvaise ouverture stockée. Et ici, vous entendez vraiment ce que j'utilise ici, c'est de très grandes houles dynamiques qui vont ici, surtout ici, et puis de nouveau en haut et en bas, surtout ici dans les trois premières notes. Et puis j'ai ajouté ceci. Là, cette couche de corne, aussi octave. Donc je pense que chaque fois que nous voulons tous une couche sonore très concentrée, puissante à l'unisson et surtout des octaves, et surtout à basse portée comme celle-ci. Et faites beaucoup de contraste dynamique avec l'écriture de la courbe dynamique. Alors vous obtenez ce surprenant mouvement vers le haut là-bas. Et un autre aspect de ce qui le rend très effrayant, à mon avis, c'est que j'ai toujours trouvé le clavecin pour ajouter une sorte d' ambiance effrayant Vampires, surtout quand vous l'utilisez avec ces changements d'accords dissonants. D' accord ? Et puis j'ai ajouté la cloche rêveuse, parce que les cloches, on utilise des sons de cloche quand on a une porte très basse, des sans-abri, des cordes basses, des instruments en laiton bas, il a cette ambiance innocente et innocente de la cloche, ce qui est très effrayant parce que c'est comme non, c'est égaré. Vous pouvez entendre ça dans beaucoup de films d'horreur comme tous les films d'horreur. Et puis une grosse houle à la fin là avec une puissance commune, l'Octavius, une superposition là-bas. Donc très inquiétante et méchante concentration majeure sur, un très grand accent sur ces second mouvement mineur et super grand contraste dans les courbes dynamiques, ainsi que la dichotomie de la cloche entre tous ces instruments focalisés à basse portée, bases et des ombres et des maisons basses. Et ce clavecin très effrayant sur tout ça. Donc, ce sont trois exemples différents de couleurs à l'intérieur du quadrant dissonant. Dark et effrayant, chaotique et puissant, plus champ d'action et inquiétant et mal. Alors allez-y et expérimentez avec tout cela pour les quadrants d'émotion de la musique. Je viens de faire trois exemples de chacun. Mais vous pouvez aller dans n'importe quelle direction que vous voulez mélanger et mélanger entre eux. Passez du plus heureux de Happy au plus sombre des tensions sombres et élevées et tout ce qui se trouve entre les deux. 20. Avengers - Thèmes principaux: Bon, donc maintenant, nous allons analyser les aspects émotionnels du thème principal, de la fin de la propriété principale des Avengers le jeu qu'il s'appelle. Alors commençons par écouter. Je vais faire une pause comme je l'ai expliqué, les aspects émotionnels. Ok, donc ça commence en fait dans le quadrant majeur 4, cette ambiance de Victoria. Donc je pense que nous sommes dans G0. Ok, donc c'est majeur, major, très majeur ici. Et puis il continue encore l'herbe de balle là-bas. Et puis je passe en toi. Ok, donc un ascenseur, il monte ici. Les voix montent et vous obtenez un symbole. Les crashes amplifie vraiment le pouvoir émotionnel de cette ambiance de Victoria. Encore plus loin. Prends-le d'un cran. La réponse en laiton et commence à jouer cette fanfare comme style de jeu. Il vient plus ici. Donc, ces fanfare, style de jeu en laiton font vraiment ressortir l'ambiance noble royale. Presque comme un roi est couronné ici. Vibe si victorieuse avec la noble ambiance royale. Et ici, nous obtenons de la fanfare dans ces notes de transition chauve accentuées est comme Lee Sin en haut maintenant est la musique disant ici, l'importance de base. Ok, alors revenons à répéter cette grande ambiance victorieuse. Très grands pointent. Et encore une fois, cette transition accentuée. Chauve, notes longues avec plus de CO2, grandes notes puissantes. Transition super accentuée. Comme ça. Ces notes de marcato font ressortir ces superpouvoirs de ces héros. Maintenant, nous entendons dire que quelque chose de nouveau arrive et que vous obtenez un peu plus d'excitation. Ces chaînes de staccato ajoutent du lecteur. Et c'est important. La piste va, le thème passe de ce sol majeur, le quadrant majeur à une clé mineure en fait. Donc mi mineur. Mais comme vous pouvez le voir, nous sommes avec ADC, mi mineur, mais il passe de mi mineur à C, puis à a. Et que a est en fait un mode Dorian. Il ne fait pas partie de l'échelle mineure de l'EMA. Et puis va au do majeur. G majeur est tous les accords majeurs s'attendent à l'exception de ce mi mineur. Il a donc ce noyau émotionnel, mais fait ressortir beaucoup de cette ambiance victorieuse encore. Et vous aviez des données, des données, des données. Ces chaînes staccato est ajouter un peu de lecteur et d'excitation. Mais le thème principal est que les notes de marcato audacieuses et puissantes pour le thème principal et la mélodie, ce qui l'amène vraiment à cela. Connaître les deux super-héros puissante ambiance. Et vous entendez que le souffle est lourd sur les cuivres ici apporte cette puissance et aussi une certaine excitation en stimulant la dynamique ici. Donc il avait le sein qui ouvrait vraiment la pratique. Donc la répétition sur maintenir. Et la deuxième fois que vous entendez ce souffle ouvre la luminosité et la dynamique. Et puis une torsion ici à la fin avec les cornes. Et cela ajoute une sorte d'ambiance qui, ok, Donc nous l'avons fait, mais l'histoire n'est pas terminée et va dans la transition finale de n. Répétition du thème principal. Ici. Il arrête brusquement, brusquement le thème principal et va dans ces coups d'excitation accentués. Je les appelle dans la NBA. Écoute-le, ça fait presque appel à ces histoires solveur. Mais que viendra-t-il ensuite ? On s'attend à ce que vous continuiez ça. C' est presque comme mettre dans la musique qu'il y aura plus de films Avengers à venir ou de films de super-héros dans ce monde, dans ce monde. C' est donc l'analyse émotionnelle du thème principal sur la fin du dernier film Avengers Endgame. 21. LOTR - Le thème de la pire: Maintenant, nous allons analyser les aspects émotionnels de la Comté, un thème du Seigneur des Anneaux. Ok, donc la première chose, c'est très concentré sur le loyer de record majeur pour ces vibrations édifiantes et positives. Vous avez donc en ré majeur, en sol majeur, ré majeur, en ré majeur, et en mineur. Et puis ça tourne à nouveau. Et vous avez ces solu très expressifs, nourriture jouant dans une ambiance majeure pour ce genre de vie joyeuse et simple. Continuons. Testez cette ambiance douce et innocente. Et puis des transitions dans la courte phrase de violon solo d'aujourd'hui CSU via ces pauses, ces pauses entre les deux et ces articulations de phrases ludiques. Impression de ce malheureux ludique passant passant en passantdans cette section complète de cordes, qui pour moi, il crée un sentiment des Hobbits, l' amour pour la vie et le paysage luxuriant. Donc, ils sont luxuriants, pleine chaîne sexuelle, romantique idéalement fournir de sorte que l'ambiance ludique, mais il va dans la transition dans d'aujourd'hui. Ces longues notes dans la transition, ce qui est une sorte de pause et de reflet le moment. C' est juste le prendre dedans. Et puis revenons au rythme staccato. cordes. Ce clavecin, je crois. Et puis en plus de ce staccato string et rythme, vous obtenez la nourriture staccato. Très ludique. Encore une fois. Pensez à l'ambiance principale des coordonnées. Depuis lors, basculer entre cette douceur luxuriante et la joyeuse ludique. Encore une fois, joyeux, ludique. Comme s'ils appréciaient vraiment la vie simple ici dans la Comté. Et puis il se transforme une fois de plus dans cette fin, qui est la Nourriture de l'Âme, très expressive. Vraiment. Ressentez cette joie mais toujours cette innocence complète. Et comme c'était beau, c'était simple et intacte Agneau dans le ciel. Vraiment s'installer, résoudre, appeler les choses du style. Et ça, c'est le Seigneur des Anneaux, le thème de la Shire. Cette analyse émotionnelle. 22. Le Lion King - Mufasa Dies Theme: Je vais commencer par jouer un peu du thème et ensuite je vais faire une pause en expliquant chaque point ici qui contribue aux émotions. Donc c'est juste offrir plus de fosse sont morts. Ok, donc ce début est un major. Septième commence, donc c'est comme en mi mineur. Mais au lieu d'avoir l'octane ici, vous passez de l'octane au septième majeur. Et c'est un intervalle très étrange et ancien, surtout chez un mineur puisque c'est une note non diatonique. Donc, cela ajoute un peu de confusion, les symboles confondus ici. Donc ici, vous pouvez vraiment sentir que les harmonies, les accords et les harmonies, ou lourdement pesé au quadrant mineur 4, cette ambiance triste et émotionnelle. Donc vous avez un mineur, vous avez si mineur, vous avez un mi mineur ici. Et ainsi de suite. Un couple de grands tribunaux aussi bien, bien sûr, mais certainement dans le quadrant mineur. Ok, Donc vous entendrez aussi que c'est, a un arrangement très minime. C' est juste un peu de quires, de ficelles. Et puis vous entendez la flûte entrer et vous avez un très lent. Cela ajoute que l'arrangement minimal ajoute à cette ambiance solitaire. Et un tempo lent le rend très doux. Et maintenant écoutez cette flûte solo expressive qui se sent vraiment comme l'Innocence et le moment fragile, la fois le moment et Simba lui-même. Et il avait pour la première partie avec un arrangement de cordes sur le dessus de la, derrière la nourriture de l'âme expressive. Je dirais qu'il a un poids chauve du genre de sensation du moment. Et maintenant c'est une transition dans la deuxième partie où la chaîne est prise plus expressive. Arctic joue du style pour une poussée émotionnelle. Quelques mouvements plus vibrato, plus dynamiques. Air expressif super émotionnel. Donc il est comme lui, lui, quand il essaie de se réveiller, bouger la fosse et de ne pas réaliser qu'il est mort ou qu'il ne veut pas réaliser. Et maintenant, la dernière partie est où les chaînes les plus élevées prennent le dessus, enlevé les cordes basses. C' est presque comme se déplacer plus vite, sont maintenant morts. Réel. Cbo s'est rendu compte de cela. Et ce n'est que les cordes hautes et les vents forts. Et vous sentez vraiment que semblent acheter maintenant entrer dans cet état de chagrin et de chagrin. Vents boisés super émotionnels ici. Les intervalles mineurs. Et la précaution lointaine est comme des souvenirs lointains. Si minime, si expressif. Ok, donc je vais finir ici parce qu'il passe à la prochaine piste de la bande originale. Mais c'est mon analyse des émotions de la musique du MOOC. Fossa meurt thème du Roi Lion. 23. Félicitation: Félicitations à mon ami. Vous avez maintenant appris les fondements fondamentaux, les techniques avancées et les lignes directrices. Les hormones sont les sons, les couleurs, les styles de jeu, et la perte de moyens créatifs pour façonner les émotions à travers votre magasin de musique. Je vous recommande de prendre des mesures dès maintenant sur tout ce que vous avez appris dans ce cours, revenir en arrière et de regarder à nouveau les leçons si vous écrivez. Mais le plus important est que vous pratiquez tous les aspects que vous voulez vraiment maîtriser dans votre DAW et avec vos instruments parce que rien ne vaut apprendre de la pratique. Alors. Quelles émotions allez-vous créer dans vos histoires musicales ? m'appelle Mike, et je vous souhaite beaucoup de succès dans votre voyage et votre musique.