Aquarelle expressive : peindre des colibris avec des couleurs passionnantes

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous. Je m' appelle Will Elliston, et aujourd'hui nous allons immortaliser la beauté et la grâce de l'une des créatures les plus enchanteresses de la nature, le colibri Peindre un colibri nous permet non seulement de célébrer l'émerveillement de ces oiseaux expressifs, mais également d'explorer un large éventail de techniques d' aquarelle Tout au long de ce cours, nous aborderons des techniques telles que le mélange humide sur humide, glaçage et l'utilisation du sel, tout en donnant vie à notre colibri Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les scènes de campagne J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, les maîtres de Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aimerais commencer par une approche expressive libre, sans crainte de commettre des erreurs, en créant textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à chaque opinion que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton « Suivre » en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons par apprendre des techniques de morticaire amusantes et passionnantes et comment nous pouvons les utiliser pour peindre votre propre colibri 2. Votre projet: Tout d'abord, merci beaucoup d'avoir participé à ce cours. Je suis ravi de vous avoir ici. Aujourd'hui, nous explorons comment utiliser l'aquarelle pour peindre un colibri vibrant Ce qui me fascine chez les colibris, ce sont leurs couleurs majestueuses, allant des verts éclatants aux oranges éclatants en passant par des bleus éclatants C'est l'occasion d'utiliser autant de couleurs que l'on souhaite pour créer un spectre complet. Nous examinerons également l' interaction entre la lumière et les ombres, le mélange harmonieux de tons chauds et froids, et la création de profondeur et de réalisme dans nos Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer la peinture, passons en revue les matériaux et fournitures que j'utilise habituellement. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures utilisées pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui en grande partie liés aux préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont le jaune cadmium, le jaune cha, la sienne brûlée, le rouge de cadmium, l'alizarine pourpre, le bleu outremer, le bleu cobalt, le bleu de série, la lavande, le violet et le noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent du guash blanc pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau coda Pearl ou ce pinceau Van goth. Ils sont très polyvalents, car leur pointe fine permet non seulement de les utiliser pour des travaux détaillés. Mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils sont également bons pour le lavage Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, vous empêchant Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d'erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances de créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt, que j'ai utilisé pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l'eau prolongera la durée de vie de l'eau. Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure nette et nette. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Bien entendu, vous pouvez expérimenter et explorer d'autres matériaux que vous pourriez vouloir utiliser dans votre peinture. Mais continuons et commençons. 4. Astuces pour le croquis: Et comme pour chaque peinture ou dessin que nous réalisons, nous devons décomposer toute la complexité en formes simples et trouver un rythme. Je vais donc simplement tracer une seule ligne dans la direction du corps et l'endroit où sort le bec. Ensuite, je vais le remplir d'une forme un peu ovale ici. Ensuite, la tête, placez un cercle déformé d'un autre type. C'est une bonne pratique si vous voulez améliorer votre dessin juste pour vous entraîner à faire des ellipses. Et les yeux sont légèrement décalés. Suis ce bec là-bas. Ensuite, vous pouvez commencer à sculpter un peu mieux. Ce que je veux dire par sculpter, c'est découper les formes larges que nous venons de les formes larges que nous venons J'essaie de les rendre un peu plus réalistes. Nous utilisons donc les cercles juste pour tout cartographier , puis nous essayons de les corriger. Il suffit de faire des allers-retours, des allers-retours jusqu'à ce que nous ne puissions plus voir d' inexactitudes. Bien sûr, nous ne visons pas la perfection, en fait. Nous voulons juste nous amuser. Et à moins que vous ne vouliez faire une peinture très réaliste, essayer de la rendre parfaite gâche parfois le côté ludique de tout cela. Les pieds. Maintenant, en fait, j'ai enfreint ma propre règle ici parce que j'ai commencé à ajouter quelques détails avant d' inclure les ailes, peindre les ailes, ce qui est peut-être incorrect. Voyons donc comment cela se passe. Je pense que ça pourrait aller. Voilà le dessin approximatif et je vais remplacer mon crayon par un crayon plus foncé prendre un caoutchouc et vraiment marquer les détails que je veux mettre en évidence sur le tableau. Parce que le dessin est vraiment l'ossature du tableau. Vous devez vous assurer que le squelette est correct avant d'ajouter toutes les couleurs et de le grossir avec le formulaire. Je vais donc prendre un peu de temps pour le faire, puis je vais le scanner et créer un modèle que vous pourrez utiliser si vous souhaitez le tracer pour votre propre projet. OK. 5. Commencer l'arrière-plan: Avec cette peinture, nous allons commencer par la sous-couche, le fond, car les oiseaux ont souvent des plumes blanches, et nous devons peindre le fond pour peindre négativement la forme de l' oiseau, comme au niveau de la poitrine et de la Un peu comme dans certains de mes autres cours, nous allons créer un cercle avec un mélange de toutes les couleurs. Ce peuvent être les couleurs de votre choix, ou vous pouvez suivre ce que je vais choisir. Je vais juste pré-mouiller une partie du papier. Parce que je ne veux pas trop de bords durs, le fait de pré-mouiller le papier à certains endroits crée une gamme de textures différentes, allant du doux au dur Cela en fait une peinture plus dynamique. Je suis juste en train de mouiller le papier pendant que je réfléchis aux couleurs que je vais utiliser Il est sage d'avoir un mouchoir en papier à portée de main, car dans certains cas, nous voudrons en tamponner une partie de cette eau ce qui nous permettra de mieux contrôler Je vais commencer par un peu de bleu cerlien, je trouve que c'est une belle couleur Il reste léger en pigments et très aqueux. Et nous n'avons pas besoin de trop attarder sur les bords ici dans cette section car nous reviendrons plus tard avec des pigments plus foncés. D'accord. Restez un peu abstrait. Je vais même faire quelques scintillements. Gardez l'énergie à l'intérieur. Et commençons à incorporer plus de couleurs maintenant Je vais donc utiliser ce violet et je vais entrer ici et l'influencer un peu là-bas. D'accord. Peut-être que nous pouvons utiliser ce violet pur ici. Incorporez même un tout petit peu de rouge et découvrez comment nous mélangeons différentes couleurs de manière fluide Mais il n'est pas nécessaire que ce soit fluide. Je veux encourager certaines textures intéressantes. Je fais donc des éclaboussures d'eau ici et là pour m'assurer que les bords restent intéressants Peut-être un peu plus de pigment ici. 6. Peinture négative: Si nous pouvions commencer à peindre un peu ici. En utilisant le violet, revenons au bleu que nous avons utilisé ci-dessus. C'est un peu trop fort pour moi. Je vais donc nettoyer mon pinceau, vider l'eau à l'aide d'une serviette puis aspirer le pinceau comme une paille Comme j'y ai préalablement mouillé le papier, il aura un bord lisse Et une couleur complémentaire au bleu est l'orange. Je vais donc prendre du jaune de cadmium ici, mélanger avec du rouge de cadmium pour obtenir une orange. Et je vais le peindre là-dedans. Et mélangez-les soigneusement. D'accord. D'accord. Passez par-dessus les pieds là-bas. J'y mélange un peu de violet maintenant. Encore quelques éclaboussures , des taches bleues. Je deviens un peu plus malade avec le pigment ici. Peut-être un peu de vert parce que je veux utiliser toutes les couleurs dont je dispose pour que ça reste un peu intéressant. Il n'est pas nécessaire qu'ils soient de la même couleur. Tu n'as pas besoin de sortir et d'acheter toutes mes couleurs pour qu'elles soient assorties. Vous pouvez l'adapter à votre propre palette que vous avez collectée ou que vous collectionnez. Pré-mouiller cette zone ici. Je vais peut-être y mélanger ce vert. J'ai un peu plus de bleu là-haut. Oh. 7. Utilisation du sel: J'ai toujours envie d'ajouter du sel. Je ne l'ai pas encore tout à fait maîtrisé. Parce que les horaires sont tellement imprévisibles. Je ne suis donc pas sûr du résultat, mais j'ajoute un peu de sel maintenant. La couleur est un médium imprévisible, et le sel le rend encore plus imprévisible. C'est donc très aléatoire. Ne soyez pas déçue si vous utilisez du sel et si les effets que vous recherchez ne se terminent pas ainsi. Encore quelques éclaboussures. J' essaie de rester ludique. Maintenant, je vais commencer à travailler ici et je vais trouver un équilibre avec l' orange de ce côté. Pré-lire une partie du papier. Ici Alizarin Crimson . Si vous l'avez , faites attention à ne pas dépasser les limites. Ce n'est pas la fin du monde, si vous le faites, car nous pouvons utiliser bon sang pour y remédier afin de garder une ligne nette la prochaine fois Donc pour le moment, c'est un peu trop rouge, ce qui est bien, alors je vais juste y mettre quelques morceaux d' orange pour le réchauffer un peu Alors, en fait, je vais utiliser du jaune pur. Ici, c'est un peu comme une explosion de couleurs. Cela le rend plus dynamique. Mm. 8. Papier de taille différente: J'utilise mes pinceaux Van Gogh. Si vous regardez dans la section des matériaux et des fournitures, vous verrez un peu plus d' informations à ce sujet. Taille 9 pour le moment, mais selon le format de papier que vous utilisez, vous aurez peut-être besoin d'un pinceau plus petit ou d'un pinceau plus grand. Lorsqu'il s'agit de choisir le format du papier, il y a de nombreux éléments à prendre en compte. Lorsque vous apprenez, il est probablement préférable de peindre plus petit, et ce n'est pas parce que c'est plus facile. En fait, c'est tout le contraire. Il est en fait plus difficile de bien peindre sur une petite feuille de papier car il y a moins de place pour les détails. Mais c'est la raison pour laquelle vous devriez le faire lorsque vous apprenez car les détails ne sont en fait pas la chose la plus importante lorsqu'il s'agit des principes fondamentaux de l'aquarelle Il s'agit de son ampleur. Et en peignant plus petit, vous utilisez votre esprit d'une manière différente. Lorsque vous peignez plus gros sur une feuille de papier plus grande, vous avez plus de marge de manœuvre pour faire des erreurs et petits détails sur une plus petite feuille de papier sont en fait beaucoup plus faciles à contrôler. Oh. C'est à moi de choisir le format du papier pour une aquarelle. Il est essentiel de prendre en compte quelques facteurs. Tout d'abord, votre niveau de confort. Les formats de papier plus grands offrent plus d'espace pour travailler, ce qui vous donne plus de liberté dans vos coups de pinceau et dans votre composition. Cependant, ils peuvent également nécessiter plus d'efforts, surtout si vous débutez. D'autre part, les petits formats de papier peuvent être plus faciles à gérer et moins intimidants, fait un bon choix pour les débutants ou pour la pratique de techniques spécifiques Tu vois, le sel ne fait pas grand-chose en fait. J'ai dû rater l' occasion de le mettre, mais je vais essayer de le mettre à quelques autres endroits. Peut-être que mon sel est un peu trop fin. Peut-être que ce sont des granulés plus gros. Maintenant, je vais juste attendre qu'il sèche seul et laisser le pigment opérer sa magie. C'est un peu trop humide pour le moment, mais une fois qu'il sera un peu sec, je vais utiliser le sèche-cheveux pour accélérer le processus. La peinture repose souvent sur une sélection minutieuse de couleurs pour créer l'ambiance ou l' atmosphère souhaitée dans une pièce. Alors que certaines peintures peuvent pencher vers une palette plus froide d'autres peuvent avoir une palette plus chaude. Il est important de ne pas négliger le spectre complet des couleurs qui s'offrent à nous. En fait, il peut être dommage ne pas profiter de l'occasion pour expérimenter certaines des teintes les plus inhabituelles ou les plus inattendues. 9. Obtenir un abstrait: J'y arrive. Je deviens un peu plus dynamique ici en ajoutant des parties un peu plus abstraites parce que c'est un peu trop plat. Quelque chose comme ça. OK. Et nous pouvons même commencer à travailler un peu sur la sous-couche du corps Et encore une fois, c'est un peu abstrait. Il suffit d'utiliser un peu de bleu clair et trouver sa couleur complémentaire, qui est le brun ou la sienne brûlée En laissant quelques trous blancs, et en le gardant plus foncé en haut ici. Et à mesure que nous nous rapprochons du bord, nous devenons très légers. Bien sûr, lorsque ce bleu et ce brun sont mélangés, forment en fait une sorte de gris, comme vous pouvez le voir, un gris, mais je vais quand même peindre ce gris brunâtre là-dedans Juste pour le rendre blanc cassé, vous avez besoin de zones de désaturation ou de faible intensité pour vraiment faire ressortir les zones vibrantes ? Quelques gouttes de mon pinceau sont tombées accidentellement sur ce bleu. C'est bon. Parce que encore une fois, le marron est une couleur complémentaire à ce bleu, et en fait, si je l' encourage un peu. Ça va se fondre un peu. J'espère créer quelque chose d'un peu dynamique. Il fait un peu trop sombre dans certaines de ces zones, alors je vais juste utiliser un mouchoir en papier. Juste pour le tamponner. Je me souviens que ce n'est qu'une sous-couche à ce stade. Ça devrait aller. Nous pouvons commencer à ajouter taches de couleur éclatantes dans différentes zones. Encore une fois, possède une sorte de sous-couche. Mais pendant que je pense à ma palette de couleurs, je vais simplement continuer à faire la sous-couche. Je vais le faire. Faites une sorte de rouge-violet en mélangeant du bleu et du cramoisi Et cela va être très dilué. Je vais juste peindre une petite sous-couche ici. J'encourage peut-être à mettre un peu de ce rouge là-dedans. Retournez à ce bleu. Mettez-y un peu de sous-couche bleue. Et fais-le fondre dans un peu de violet. OK. 10. Ajouter des plats: Maintenant, je pense que je vais être très courageuse et faire quelques splats. Parce que ces lamelles me font penser un peu de pollen qui flotte dans l'air Bien sûr, les colibris se tournent vers les fleurs pour leur pollen. Je vais donc le faire avec un peu d'orange, en utilisant le même pinceau. Je vais remplir complètement mon pinceau pour qu'il soit sur le point de couler Et il suffit de le toucher. Il me faut un truc sur lequel m'appuyer. Ne mettez que des éclaboussures dans la mesure où vous vous sentez à l'aise. Si vous n'aimez pas les éclaboussures, vous n'êtes pas obligée de le faire. Peut-être quelques taches vertes ici. Maintenant, je vais mélanger un peu de bleu foncé. Très épais Je vais faire quelques taches sombres juste là. Je veux que les éclaboussures soient encore plus épaisses en fait. Je vais donc simplement ajouter plus de pigment. Tiens mon stylo presque à la verticale. Le liquide tombe donc jusqu' au bas de l'embout. Et vous pouvez soit le toucher avec votre doigt, mais j'ai l'impression qu'il y a moins de contrôle lorsque vous le faites pour appuyer sur quelque chose Je pense généralement que cela permet un meilleur contrôle. Et c'est tout ce que je vais faire. Maintenant, vous pouvez à nouveau vous sécher avec un sèche-cheveux, mais je peux faire d'autres choses en attendant qu'il sèche. Quelques couches supplémentaires dans lesquelles je peux m'impliquer. 11. Commencer l'oiseau: Je vais juste nettoyer cette section ma palette parce que je veux mélanger un jaune vif. Commencez à peindre ça là-dedans. Et pendant que nous y sommes, nous pouvons également le peindre dans d'autres sections où nous voudrions peut-être que le jaune disparaisse. C'est du jaune citron, mais vous pouvez aussi utiliser du jaune de cadmium. C'est très similaire. Que ce soit là-haut aussi. D'accord. Maintenant, dans ce jaune, je vais prendre un peu de vert Vardon et le connecter Cela a-t-il de l'importance ? Si le jaune commence à disparaître ? J'aime bien ce vert, en fait. Vous devez vous assurer que cette mèche est bien sèche avant. À ce stade, vous entrez dans le fond dont je parle, pour vous assurer que le fond est sec. L'arrière-plan est donc complètement sec maintenant, et c'est considéré comme la première couche, et c'était expressif, et nous étions ouverts à nos propres touches personnelles car nous n'avons pas à être stricts quant aux couleurs que nous utilisons, et nous pouvions être très expressifs et désordonnés. Vous pouvez voir qu'il y a en fait beaucoup de textures différentes qui ne signifient rien de particulier. Mais maintenant, la deuxième couche par-dessus, nous allons être un peu plus contrôlés tout en restant expressifs avec nos couleurs, mais nous devons être un peu plus contrôlés quant à l'endroit où nous mettons la peinture. Et pendant que tout est humide dans ces zones, vous pouvez commencer à éponger des pigments épais d' autres couleurs, les faire mijoter les mélanger et créer d'autres mélanges de couleurs uniques Je vais prendre un peu de ce turquoise ou de ce bleu serian. Je vais m'y mettre aussi. D'accord. Donc. Et de la gamme. 12. Peindre les ailes: OK. Nous avons donc commencé par le jaune et nous sommes passés du vert au jaune, et maintenant nous allons dans le sens orange du jaune, bien sûr, le vert c'est le bleu et le jaune. L'orange est jaune et rouge. Nous nous déplaçons donc dans le spectre du jaune. Je vais très bien avec le jaune dans cette section. Et la couleur complémentaire à l'orange est le bleu. Nous allons donc faire ce mixage en bleu un peu plus haut. En fait, ce que nous pouvons faire, c'est faire en sorte que cette orange ressemble un peu au violet lorsqu' elle se fond avec le bleu . Un autre facteur à prendre en compte est le choix de la taille du pinceau. Et les différentes tailles peuvent impact significatif sur votre processus de peinture et sur le résultat final. grands pinceaux sont parfaits pour couvrir rapidement de grandes surfaces et créer de larges traits expressifs. Ils peuvent également contenir beaucoup plus d'eau et de peinture, ce qui les rend adaptés aux techniques et aux lavages humides Cependant, ils manquent précision lorsqu'il s'agit de détails plus fins. D'autre part, les pinceaux plus petits sont parfaits pour ajouter détails délicats ou des textures complexes à votre peinture Ils permettent un meilleur contrôle et une plus grande précision. Ils sont donc essentiels pour les ridules, les petites formes et les motifs complexes. Cependant, avec un petit pinceau, ils ont besoin de plus de temps et de patience pour couvrir de grandes surfaces. Il est donc bon d'expérimenter avec différentes tailles de pinceaux pour commencer. N'ayez pas peur de mélanger différentes tailles pour obtenir résultats et des effets différents et pour vous aider à explorer votre propre style personnel. Je vais mélanger un peu plus rouge à ce bleu pour obtenir un violet. Mais c'est trop fort, alors je vais ajouter de l'eau pour le diluer. Et commencez à peindre des plumes. Peut-être un peu plus rouge. Tout en haut, ici. Fais en sorte que ce soit un peu plus bleu ici. Il commence donc par le rouge et se fond dans le bleu. 13. Sélectionner des couleurs: Quelques faveurs supplémentaires peut-être. Certaines oranges. Parlons un peu plus de la sélection des couleurs. Réfléchissez à la façon dont certaines couleurs évoquent des émotions spécifiques ou transmettent des thèmes particuliers bleus et les verts peuvent évoquer un sentiment de tranquillité ou de nature, tandis que tons plus chauds comme le rouge et orange peuvent évoquer l'énergie ou Cependant, au sein de ces grandes catégories trouverez d'innombrables variations et nuances que vous pouvez explorer et utiliser pour rendre votre œuvre vraiment unique en expérimentant des couleurs inhabituelles Nous pouvons obtenir des résultats surprenants et captivants. Peut-être qu'une touche de violet dans un paysage ajoute une sorte de qualité éthérée. Et particulièrement avec cette peinture, l'utilisation de ce jaune vif, presque fluo, crée un point focal dynamique et suscite beaucoup d'intérêt En utilisant le spectre complet des couleurs, en particulier chez cet oiseau déjà plein de vitalité, nous nous ouvrons à des possibilités infinies d' exploration et d'expression créatives N'ayez pas peur de vous éloigner des schémas de couleurs traditionnels En mélangeant un peu de turquoise avec ce vert IdanGreen que je vais peindre La sous-couche du bec, elle pourrait être à cette extrémité Adoucissez le bord ici. Il y a un peu de lavande ici et je vais juste m'en occuper. Pose-le là. Et je vais utiliser le sèche-cheveux pour le sécher complètement maintenant. Maintenant, il est complètement sec. Nous pouvons peindre sans être ramés. Nous allons déborder sur différentes sections. 14. Observation: Va faire très nuit ici. En utilisant ça. Bleu ultra marin. Je ne vois pas mes traits de crayon ici, alors je compte sur mes capacités de dessinateur pour les déchiffrer moi-même. Je monte un peu plus haut. L'un des aspects les plus importants de la peinture est l'observation. Qu'il s'agisse de suivre ma peinture ici et d'observer à quoi ressemble ma peinture et comment vous êtes censé suivre la même voie, ou que vous fassiez votre propre peinture originale et observiez quelque chose sur une photo ou quelque chose de la vie réelle. Il ne s'agit pas seulement de regarder. Il s'agit de vraiment voir. Lorsque vous observez votre environnement avec intention et attention aux détails, vous vous ouvrez à bien plus de possibilités et à de meilleurs résultats. Il vous permet de saisir l'essentiel de ce que vous essayez de transmettre à partir de la façon dont la lumière interagit avec le sujet En fait, vous pouvez aller au-delà moment où vous peignez, lorsque vous vous promenez, observez le monde qui vous entoure, vous pouvez entraîner votre œil à remarquer subtiles différences de couleur et de lumière chaque jour, même si vous regardez par la fenêtre maintenant, et vous pouvez voir en quoi la forme de différentes choses est unique. l'une des choses les plus importantes à observer lorsque vous Cependant, l'une des choses les plus importantes à observer lorsque vous peignez est la lumière. La lumière est ce qui donne peinture une impression de profondeur et d'atmosphère, et il existe de nombreuses manières d'éclairer, qu'il s'agisse d'une lumière intense, d'une lumière tamisée ou d'un éclairage faible. La lumière interagit avec les objets d'une manière très différente, ce qui peut les rendre plus dynamiques et plus réalistes Il faut avoir des zones sombres pour augmenter la luminosité et les autres sections, comme je le fais ici. Rend le vert beaucoup plus clair. Et l'ombre est liée à la lumière. L'ombre ajoute de la dimension et du caractère à vos peintures, aidant à définir les formes et à créer contraste, et en observant les ombres et la façon dont elles tombent ou changent sur le sujet ou la scène que vous essayez de peindre. Cela peut également ajouter une impression de réalisme et de profondeur. Il y a d'autres éléments à surveiller lorsque vous observez votre sujet, et c'est la texture. C'est un autre aspect du monde qui nous entoure, riche en potentiel, qu'il s' agisse de l'écorce rugueuse d'un arbre ou de la surface lisse d'un lac. Toutes les variations de texture mobiles peuvent ajouter de l' intérêt et du caractère à vos peintures Et en observant attentivement ces textures dans votre environnement, dans votre vie de tous les jours, vous aurez une meilleure idée de la qualité tactile que vous souhaitez donner à votre œuvre. 15. Défis des colibris: Rendez-le un peu plus violet. Plus nous montons, plus il y a donc de nombreux défis à relever lorsque l'on essaie de peindre ce colibri, en particulier en raison de sa nature vibrante et complexe avec la multitude de couleurs différentes impliquées Un aspect essentiel à garder à l'esprit. L'un des principaux aspects à garder à l'esprit est l'harmonie entre les couleurs pour créer une sorte de composition cohérente ou visuellement agréable qui lie le tout Et si vous avez l'impression de vous écarter du chemin ou si vous avez l' impression que l'image n'est pas vraiment cohérente en tant qu'image complète, jetez un œil à votre peinture jusqu'à présent Et au lieu d'ajouter encore plus de couleurs différentes, essayez d'équilibrer le tout en regardant la roue chromatique et en voyant ce qui est opposé à ce que vous avez déjà sur ou en trouvant ce que vous considérez comme la couleur principale. Quelle est la couleur qui apparaît dans votre peinture ? Ce sera votre couleur principale et vous devez tout respecter . Ici, dans ce coin, c'est tout bleu. Donc, s'il est vert, ajoutez-y des touches de vert de temps en temps, juste pour que tout soit conforme à ce vert. S'il est bleu, ajoutez des influences bleues à différents endroits. Si vous vous sentez perdu dans une couleur, ajoutez un peu plus de bleu pour que le tout soit harmonisé avec le bleu principal, quelle que soit votre couleur principale. Alors peut-être que je vais même faire très sombre ici. Vert. OK. Juste pour que cette zone soit vraiment géniale. Utilise un mouchoir. Juste pour enlever une partie de ce pigment là où il fait un peu trop foncé. Dans cette peinture, je dirais que le bleu est ma couleur principale, car il y a de nombreuses interactions avec lui de différentes manières. Vous pouvez donc voir que nous avons bleu en arrière-plan sur le bec, sur une partie de l'aile Alors le reste de l'aile est violet, en fait, c'est-à-dire rouge et bleu. Nous avons donc une influence bleue là-dedans, puis nous avons le vert, qui est jaune et bleu, le bleu et le jaune font du vert. Ensuite, nous avons l'orange, qui est la couleur complémentaire du bleu de l' autre côté de la roue chromatique. Tout a donc un rapport avec le bleu dans cette image, même si tout n'est pas bleu. Plutôt que de peindre des feuilles individuelles, je les bloque simplement en sections. 16. Le parcours d'un artiste: Je voulais donc parler un peu de l'idée d'être artiste et de faire de l'art, et du fait qu'en fin de compte, il n' y a pas de destination finale quand il s'agit de peindre ou d'être un artiste. C'est vraiment un voyage sans fin. Et le simple fait de peindre maintenant ou de peindre dans le cadre ce cours ou de tout autre cours, ou chaque fois que vous créez de l'art, vous pouvez déjà vous qualifier d'artiste. Vous n'avez pas besoin de dire que vous êtes étudiant, que vous êtes artiste, que vous peignez, vous peignez physiquement, et c'est ce qui fait de vous un artiste. Bien sûr, il y aura toujours le désir de peindre un meilleur tableau, mais cela ne s'arrêtera jamais. Même après avoir peint un tableau dont nous sommes satisfaits, très satisfaits, nous voudrons le refaire avec un autre tableau et passer au niveau supérieur. Une bonne mentalité est qu'il ne s'agit pas de peindre le tableau parfait. Il s'agit d'être l'artiste qui apprécie le processus de peinture en tant que voyage plutôt que les résultats individuels. Également en ayant cette mentalité il s'agit d'un voyage plutôt que de peintures individuelles. Nous ne ressentons pas autant de pression pour que les peintures soient réussites ou des échecs, car il y en aura toujours une autre par la suite. Lorsque nous considérons la peinture comme un voyage continu, plutôt que comme une série de résultats finis, cela atténue la pression que nous associons au fait de qualifier nos œuvres d'art de bonnes, de mauvaises ou autres Nous envisageons la situation et nous partons de l'idée que chaque peinture contribue à notre croissance et à notre processus d'apprentissage en tant qu'artistes, et nous ne ressentons plus le poids des attentes sur nous, ce qui nous permet de nous sentir plus libres et libérés et nous aide à obtenir de meilleurs résultats Nous abordons chaque pièce avec curiosité et ouverture sans limites, désireux d' curiosité et ouverture sans limites, explorer de nouvelles techniques, expérimenter différents styles et de vraiment repousser les limites de notre créativité Avec cette mentalité, la peur de l'échec diminue et nous espérons la remplacer par un sentiment de liberté et de libération Nous comprenons que tous les tableaux ne seront pas des chefs-d'œuvre, et c'est parfaitement normal. En fait, ce que certains peuvent percevoir comme un échec n'est qu'un autre tremplin sur notre chemin vers la maîtrise artistique. Nous apprenons à apprécier la beauté de l'imperfection, reconnaissant que les erreurs ne sont pas des revers, mais des opportunités de croissance et de Donc pour. Mettre un peu de bleu ici. Faites-le fondre doucement dans cette orange. 17. Toujours une autre peinture: Et pour en revenir à ce que je disais tout à l' heure, le fait de savoir qu'il y aura toujours un autre tableau attente de création nous permet libérer du besoin que chaque œuvre soit parfaite. Nous pouvons peindre avec plus de spontanéité et d'authenticité et nous immerger pleinement dans le processus de création sans le fardeau d'attentes irréalistes Parce que c'est très courant. Tout le monde a grandes attentes en matière de peinture. On ne peint pas dans l' espoir d'un mauvais résultat, bien sûr, mais tout le monde doit le subir. Mais avec cette nouvelle mentalité, notre travail devient plus authentique, plus expressif et, en fin de compte, plus épanouissant. En embrassant ce voyage de la peinture plutôt que nous concentrer sur les résultats individuels, nous nous libérons pour profiter pleinement du pouvoir transformateur de l' C'était pour pigmenter le fond de la plage. OK. OK. Ajout de quelques textures de fourrure. Ici, en haut. Donc, lorsque vous peignez les plumes afin de créer l' illusion de cette texture. Nous allons utiliser à la fois la technique du pinceau sec et le lifting. Pour sécher le pinceau, nous allons prendre pigment concentré et le badigeonner légèrement sur le papier, le faisant glisser pour créer cette texture plumeuse Nous pouvons aussi en éclabousser un peu si nous le voulons. Ensuite, le lifting consiste pulvériser un peu d'eau, puis retirer le pigment avec un mouchoir propre pour ajuster le ton général. Oh. OK. Étais-tu en train de mouiller un peu ici ? Et adoucir cette ligne ici. Juste pour attirer l'attention, ce n'est donc pas une ligne parfaite. 18. Détails plus fins: Maintenant, je vais passer à un petit pinceau et y mélanger un peu de noir pur. Je peux entrer dans le vif du sujet avec certains détails en haut, comme l'œil. Je pars un petit peu. Reflet en haut. Oh. J'aime utiliser du papier texturé ou du papier pressé à froid, comme on l' appelle parfois, car il a une texture légèrement rugueuse En général, il existe trois types de papier. Il est pressé à froid, légèrement texturé. Il y a du papier rugueux, qui est très texturé. C'est la texture la plus prononcée que l'on puisse avoir, et je pense que c'est un peu trop pour mon style, mais elle convient parfaitement aux styles de peinture lâches ou très expressifs si vous souhaitez créer des objets particuliers tels que du feuillage ou des rochers. Et puis il y a le pressage à chaud ou lisse, qui est complètement lisse, sans aucune texture, ce qui est idéal pour un travail détaillé et ridules sans qu' il soit nécessaire d'ajouter de la texture. Mais c'est moins pour donner aux débutants. En s'appuyant sur ces textures de papier. Avec du noir. Maintenant, en ce qui concerne le bout des pieds, je vais rester très simple. Et pour faire simple. Je vais juste utiliser les formes en T. Juste pour donner la lésion. Oh. Juste comme ça. 19. Touches de finition: Alors que nous approchons de la fin d'une peinture, il y a certaines choses que nous voulons garder à l'esprit, affiner les détails. Équilibrer les couleurs. Vérification de la profondeur et du contraste, évaluation de la composition générale. Et une fois que vous avez évalué tous ces éléments et que vous avez vraiment du mal à voir ce que vous devez adapter ou changer, vous devriez commencer à réfléchir aux touches finales. Quelques touches finales subtiles qui peuvent faire toute la différence, qu'il s'agisse de quelques touches de couleur, quelques adoucissements des bords, etc., vos dernières touches ne doivent pas nécessairement être aussi spectaculaires. Ouais Ce que je vais faire maintenant, c'est prendre de la courge blanche ou de l' aquarelle blanche D' après ce que je peux en dire, c'est la même chose. Et il suffit de passer en revue certaines zones pour retrouver certains des blancs complexes Nous arrivons à la fin de cette peinture, et nous avons exploré de nombreuses techniques différentes que vous pouvez réaliser à l'aquarelle Passons donc en revue certaines des principales étapes que nous avons effectuées. Le principal que nous avons fait est mouillé sur mouillé. Comme son nom l'indique, cette technique consiste appliquer de la peinture humide sur une surface mouillée, et elle permet aux couleurs de se fondre et de se fondre les unes dans les autres d' une belle façon Il est idéal pour créer des bords doux et diffus et des transitions douces entre les couleurs Idéal pour de nombreux sujets différents, c' est probablement l' aspect le plus utilisé de la peinture à l'aquarelle, qu'il s'agisse d'un ciel, d'un animal, d'un paysage, car il capture vraiment la fluidité et la spontanéité de la Vous pouvez tester différents niveaux d'humidité, la fois sur le papier et sur le pinceau pour contrôler l'intensité du mélange Ensuite, il y a la technique du pinceau sec, que nous avons également utilisée. Contrairement au pinceau mouillé sur humide et sec, comme son nom évolue, on applique de la peinture sur une surface sèche en utilisant une quantité minimale d' eau et en chargeant le pinceau de pigment concentré Lorsque nous brossons une surface texturée, elle colle simplement à la première couche de la dent du papier C'est ce qui crée l'écart. C'est la texture du papier, est idéale pour les détails, car de nombreuses choses dans la nature présentent motifs complexes ou des détails infimes comme le feuillage ou les plumes de cet oiseau, ce qui prendrait éternité et n'aurait pas l' air naturel si nous collions individuellement tous ces petits points avec du ruban adhésif Mais l' effet pinceau sec permet d'obtenir une apparence naturelle pour créer cette texture. Une autre technique que nous avons beaucoup utilisée est le lifting, qui consiste à retirer peinture humide ou sèche de la surface à l'aide d'un pinceau propre, comme je l'ai souvent fait. Un mouchoir ou, si vous le souhaitez, vous pouvez utiliser une éponge. Je n'ai pas utilisé d'éponge dans le cours d'aujourd'hui, mais je le fais parfois mes peintures les plus ambitieuses qui peuvent aider à créer un effet différent. Cela nous permet d' éclaircir des zones de manière sélective , de créer des reflets ou même de corriger des erreurs C'est utile pour créer des dans les reflets de l'eau, en fait. Et des zones que vous pourriez avoir envie d'un peu de scintillement, comme le surlignage de cet oiseau Et il peut être utilisé pour créer des effets lumineux doux s'il est fait avec plus de soin en enlevant les couches de peinture pour révéler le blanc du papier sous-jacent. Et c'est tout. Enlevons la cassette et passons en revue ce que nous avons fait. 20. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours sur la façon de peindre un colibri J'espère que vous l'avez apprécié autant que je l'ai fait pour vous guider. agisse de capturer l' iridescence des plumes ou de décrire les détails délicats des ailes, nous avons exploré ce qui fait du colibri une créature si spéciale Nous avons expérimenté diverses techniques d' aquarelle pour donner vie à nos colibris Du mélange humide à humide à l'apprentissage et à l'utilisation du sel. Chaque technique a joué un rôle crucial dans le renforcement de la profondeur, de la texture et de l'expression. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences. Continuez donc à peindre et à expérimenter. Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Williston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir le travail de mes étudiants, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création. Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous avez beaucoup appris et que vous envie de peindre davantage avec ce médium splendide. J'ai hâte de vous revoir dans les prochains cours d'ici là pour le moment. OK.