Apprenez à enregistrer les voix avec un ingénieur primé à un Grammy

1. Intro - Que contient ce cours ?: Bonjour, je suis Dom Morley. Je suis lauréat d'un Grammy , multiplatine, producteur, ingénieur, mixeur, tout ça Je travaille en studio depuis près de 30 ans, et l'enregistrement des voix est un sujet qui m' a toujours beaucoup obsédé D'un point de vue technique, d'un point de vue psychologique, j'ai toujours été fasciné par cela. Et j'ai eu la chance travailler avec autant de chanteurs, du plus petit groupe indépendant à des artistes comme Adele et Amy Et j'ai travaillé avec les producteurs Mark Ronson, Tony Visconti, Phil Spector, Et cela m'a vraiment donné un aperçu de nombreuses techniques différentes permettant d'enregistrer voix et de tirer le meilleur parti des chanteurs Et j'ai intégré tout cela dans le cours. Tout commence donc par la préproduction, comme le tempo, à quel rythme devons-nous nous situer Que devriez-vous dire en tant que producteur à propos des paroles, vous savez, où devriez-vous vous exprimer à ce sujet ? Et puis beaucoup de choses sur la psychologie de la préparation des chanteurs et de la préparation à donner les meilleures performances. Je m'intéresse un peu au matériel, exemple quels micros sont bons, quels types de micros vous devriez penser, quels autres équipements vous devriez envisager d'acheter Pas trop d'équipement. Je pense que les gens peuvent s'enliser un peu dans tout cela, et ce n'est pas aussi important que la psychologie du jour et du processus Je vais donc voir comment aménager votre chambre pour tirer le meilleur parti du chanteur et vous faciliter la tâche. Que vous produisiez ou que vous produisiez vous-même , puis que vous passiez à la phase de montage et quand vous devriez faire des boucles et quand vous ne devriez pas faire de boucle, c'est la meilleure façon de compiler , de régler, tout ce genre de choses Il s'agit donc de tout de la première fois que vous envisagez de faire une voix à une voix complète prête à être mixée en passant par tout ce que vous devez savoir entre les deux. C'est tout ce à quoi je peux penser, tout ce que j'ai appris en 30 ans tout ce que j'ai appris en 30 ans en enregistrant des voix, et j'espère que vous apprécierez le cours 2. 1.1 Pourquoi faisons-nous la préproduction ?: Il s'agit d'un cours complet sur l'enregistrement de voix, et pourtant le premier chapitre lequel nous entrons n'a rien à voir avec l'enregistrement de voix Alors pourquoi est-ce si important de préparer la chanson ? Et la raison en est qu' en plus des éléments techniques que nous allons aborder, le plus important pour enregistrer une belle voix est de capturer une excellente performance. J'ai entendu quelqu'un dire un jour que la célèbre chanson de Rolling Stone Sympathy for the Devil est une performance vocale incroyable, et Mick Jagger l'a interprétée des milliers de fois au cours de sa carrière Mais il y a une performance qui a fait plus de différence que toute autre. Une performance où ça a vraiment compté, et c'est celle qu'ils ont faite en studio le jour où ils ont enregistré la chanson. Donc, la raison pour laquelle je veux m'attarder si profondément, c'est parce que la performance que vous capturez est limitée par l'arrangement de la chanson Nous allons donc parler de ce que nous pouvons faire avec cet arrangement. Nous allons parler de pitch, tempo, de certaines choses sur les paroles et de ce que nous allons faire avec les BV et tout cela contribue à créer le bon cadre pour que à créer le bon cadre pour la bonne performance se produise Vous pouvez donc faire tout le reste. Tu peux rendre tout le reste parfait. Vous allez avoir le micro le plus cher du monde. Mais si le ton ne convient pas au chanteur, s'il est dans la mauvaise tonalité , alors ça ne marchera pas et ça sonnera mal. C'est pourquoi c' est si important. Et ces choses, elles pourront être faites plus tard. Tu sais, si tu utilises la mauvaise tonalité et que tu veux changer la tonalité de la chanson, tu sais , techniquement, c'est possible, mais c'est difficile à faire. Cela prend du temps, ce qui signifie souvent que c'est coûteux. Et en fin de compte, cela semble pire. Une certaine dégradation du son se produira si vous modifiez la tonalité ou si vous étirez quelque chose, vous déplacez le timing. Donc, si vous pouvez le faire correctement avance, afin de savoir que vous avez l' avance, afin de savoir que vous avez la bonne touche , le bon tempo et tout le reste , vous obtiendrez les meilleures performances et le meilleur son de votre enregistrement. Cela m'a été expliqué un jour par un ingénieur qui parlait en fait de mixage. J'ai aidé un ingénieur qui avait suivi une formation d' architecte avant de se lancer dans l'ingénierie du son. Et il a toujours décrit un mix comme un bâtiment dans sa tête, dont les bases étaient la batterie et la basse. Et si vous n'aviez pas intégré la batterie et la basse au mixage, si elles n'étaient pas vraiment solides, alors tout ce que vous construit dessus s'est effondré et rien de tout cela ne fonctionnerait correctement. Ce ne serait pas au mieux. Je pense qu'avec une chanson, c'est pareil. Si vous voulez enregistrer une belle voix, si vous voulez enregistrer une bonne chanson, vous devez obtenir ces petits bouts de tonalité et de tempo juste avant de commencer l'enregistrement, et vous aurez alors une base solide pour un excellent enregistrement. 3. 1.2 Tempo: Le premier aspect que je vais aborder en pré-production, donc la préparation de la chanson est le tempo. Et cela commence lorsque vous écoutez simplement la démo. J'espère que vous avez une démo que vous pouvez écouter avant de commencer à enregistrer. Si ce n' est pas le cas, si vous n'avez pas de démos, vous devez absolument être dans une sorte d'espace de répétition avec le groupe avant d'enregistrer car vous devez effectuer ce processus avant d'entrer en studio Il est vraiment important de régler tout cela avant cela. Et si vous êtes dans l'espace de répétition et que c'est tout ce que vous avez, processus est le même, mais vous devez juste réfléchir plus vite Vous n'avez pas le temps de vivre avec des chansons et de trouver des idées. Même processus, mais il faut juste être plus rapide. Alors, qu'écoutez-vous lorsque vous écoutez la démo ? Eh bien, la première chose est vraiment de savoir si le chanteur peut le chanter à ce rythme ? Il est surprenant de voir combien de fois, vous savez, un membre du groupe compose un morceau à un certain rythme, en travaillant avec la batterie, les guitares et tout le reste, alors le chanteur se joint à nous un morceau à un certain rythme, travaillant avec la batterie guitares et tout le reste, , mais ce n'est pas vraiment bon pour le chanteur Et puis cela signifie que ce n'est pas bon pour la chanson, il faut donc qu'elle change. Parfois, en tant que producteur, est peut-être vous qui devez intervenir et suggérer cela. peut être une question politique au sein d'un groupe qui rend les choses difficiles. Mais il faut dire que si le chanteur n'est pas à l' aise avec le tempo, si les paroles semblent précipitées et qu'elles ne peuvent pas être correctement énoncées, correctement entendues, alors cela doit être résolu et différents tempos doivent être essayés correctement entendues, alors cela doit être résolu et différents tempos doivent être résolu et différents tempos doivent Et en parlant de ça, ont-ils essayé différents tempos ? Cela vaut toujours la peine d'être évoqué, car parfois c'est le cas. Parfois, ce que vous êtes sur le point de suggérer a déjà été essayé et abandonné. Donc, si c'est le cas, découvrez pourquoi. Le raisonnement qui sous-tend l'abandon des autres tempos vous aidera à mieux comprendre ce qu'ils recherchent dans la chanson , car vous saurez pourquoi ils ne voulaient pas aller plus pourquoi ils ne voulaient pas aller Ou plus lentement. Ce sont donc vos premiers pas. Idéalement, vous écoutez la démo. Vous êtes peut-être en train d'avoir une conversation téléphone ou par e-mail, et c'est juste quelque chose avec lequel vous vous habituez pendant que vous êtes chez vous et que vous écoutez les chansons. L'étape suivante consiste donc à écouter les paroles. Maintenant, que suggèrent les paroles à propos du tempo ? La chanson devrait-elle être précipitée parce que les paroles le suggèrent, ou y a-t-il des paroles suggérant quelque chose de beaucoup plus détendu ? Il y a quelque chose que je faisais récemment, et la chanson parlait de calme. Et le morceau était une sorte de mid-tempo. Tout était très confortable et tout fonctionnait, mais j'ai vraiment senti que c'était l' occasion de souligner le calme suggéré dans les paroles Maintenant, le couplet était très chargé, lyriquement. Le refrain est assez vide. J'ai donc suggéré d'augmenter de quelques BPM afin de donner au refrain une impression de précipitation, juste pour donner l'impression d'être nerveux et de ne pas être tout juste pour donner l'impression d'être nerveux et de ne pas être à fait en mesure de s'intégrer, de sorte que lorsque le refrain est arrivé, ce calme et ce vide soient en mesure de s'intégrer, de sorte que lorsque le refrain est arrivé, encore plus visibles, ce qui a souligné les paroles du ce qui Il y a donc des choses comme ça que vous pouvez regarder, puis essayer de voir s'il existe un moyen de travailler avec le tempo pour mieux interpréter la chanson. Parce que n'oubliez pas que c'est ce que nous faisons toujours, c'est simplement pour livrer la chanson. Et reflétons-nous les paroles la chanson avec notre tempo ou contrastons-nous avec celui-ci ? Avons-nous la possibilité de faire quelque chose comme ça ? Voici un exemple d'un autre morceau sur lequel j'ai travaillé où le tempo était critique, c'était une chanson très verbeuse Et c'était vraiment une bonne idée. Mais je les avais vus le faire en live, et le chanteur avait du mal à s'en sortir, mais il aimait l'énergie que cela dégageait. Mais les mots étaient très importants pour lui. Je n'entrerai pas dans les détails. Ce n'est pas important, mais les paroles devaient en quelque sorte rester telles qu'elles étaient. Donc, ce que j'ai suggéré, je lui ai envoyé quelques chansons beaucoup plus rythmées pour lui permettre d'intégrer toutes les paroles Mais ils étaient plus anthémiques. Et je savais qu'il recherchait toujours l' énergie qu'il cherchait à obtenir en accélérant le rythme de la chanson cherchait à obtenir en accélérant le rythme de la Nous avons donc réussi à ralentir le rythme et à créer une sorte d' hymne retentissant au lieu d'une chanson indie pressée qui ne fonctionnait pas vraiment parce qu'il était trop parce qu'il était Et ça a vraiment bien marché. Au final, c'était une chanson qu'il n'était pas sûr de vouloir voir figurer sur le disque, et cela a fini par être un premier single accidentel parce que radio a entendu l' album très tôt , puis ils ont commencé à jouer cette chanson parce qu'ils l'adoraient. C'était donc une chanson qui ne fonctionnait vraiment que parce que nous avions trouvé le bon rythme parce que nous essayions différentes choses, puis que nous étions capables de faire un saut de rythme assez important et de voir où cela nous menait. 4. 1.3 Présentation: La prochaine chose à aborder est donc le ton de la chanson. C'est la prochaine chose à prendre en compte lors préparation et de la réalisation de votre préproduction, car il est extrêmement difficile de modifier le tempo après le début de l'enregistrement le tempo après le début de l'enregistrement et cela peut entraîner une dégradation de votre son. Il en va de même pour le pitch. Si vous devez repitch des éléments, des instruments de musique sauf si vous travaillez entièrement en MIDI, si vous repitchez quelque chose qui a été enregistré, vous perdez la qualité du son après l'avoir enregistré vous perdez la qualité du son Il y a une dégradation. C'est donc plus facile et améliore la vie de tout le monde si vous décidez quel doit être le ton de la chanson avant d'enregistrer sur l'une de vos DAW d'enregistrer sur l'une de Dans quelle clé allons-nous jouer ? Encore une fois, ce que vous faites, c'est écouter la démo. Écoutez ce qui se passe en termes de voix du chanteur et de son son de la voix du chanteur à cette hauteur. Est-ce faisable ? Est-ce qu'ils ont l'air fatigués ? Cela vous semble-t-il confortable ? C'est donc une question assez simple, et cela vaut toujours la peine de parler au chanteur et de lui dire simplement : qu' en pensez-vous ? Est-ce la bonne clé pour vous ? Parce qu'ils ont normalement une assez bonne idée si c' est le cas ou non, parlez au chanteur. Encore une fois, comme nous l'avons dit dans tempo dans ce chapitre, il peut arriver comme nous l'avons dit dans tempo dans ce chapitre, il que vous parliez au groupe, et c'est vous, en tant que producteur, qui êtes capable de poser ces questions et de dire ces choses, car il peut y avoir un problème politique au sein du groupe qui ces conversations d'avoir lieu. C'est donc quelque chose que vous apportez avec vous en tant que producteur. Vous posez ces questions à propos du pitch. Est-ce le bon ? Parce que c'est peut-être quelque chose d'un peu plus difficile à jouer pour un musicien. Cependant, nous devons vraiment choisir ce qui est le plus facile à faire pour le chanteur car c'est le plus important pour la prestation de la chanson, je vais le répéter tant fois pendant que nous suivons tout ce cours. Nous sommes tous au service de la chanson, et c'est sûrement le plus important. Alors oui, est-ce que c'est confortable pour le chanteur, peut-il le faire sur ce terrain ? Maintenant, la question intéressante à ce stade est si cela devrait être confortable ? Devrait-il sembler qu'ils peuvent le faire sur ce terrain ? Devrait-il y avoir un problème ? Devraient-ils être fatigués ? Parce que, encore une fois, pour en revenir à la façon dont nous avons ajusté le tempo d'un morceau, afin de créer la bonne émotion, devons-nous ajuster le ton pour rendre le chant plus difficile à chanter afin de créer la bonne émotion ? Vous réécoutez donc les paroles, parlez au chanteur et vous vous demandez s'il est possible de les modifier pour que et vous vous demandez s'il est possible de modifier pour l'émotion soit davantage mise en valeur, davantage soulignée. Et j'ai un autre exemple ici. C'est en fait l' inverse. J'étais en train de mixer un album. C'était un DVD d'un concert live pour un groupe. C'était un groupe indépendant. Et ils m'ont donné le CD comme référence à l'album, parce que c'était leur premier album, donc toute la tournée n'était en fait que le premier album. Ils l'ont juste joué avec quelques faces B. Tout était donc extrait de ce CD. Et ce que j'ai remarqué, et j'en ai parlé au manager lorsqu'il est passé en studio, c'est que l'album entier était un demi-ton plus élevé que ce qu'ils avaient fait Dans le tout, j'étais soit un demi-ton, soit un ton. C'était juste que l'album était un peu plus haut que ce qu'ils faisaient en live, ce que j'ai trouvé intéressant parce que très souvent, vous savez, comme vous pouvez le constater à mesure que les chanteurs vieillissent, comme quelqu'un qui le fait depuis des décennies, leur voix ne va tout simplement plus aussi haut qu'avant, alors ils finissent par baisser un demi-ton ou d'un ton pour partir en tournée et tourner les chansons qu'ils ont faites 20 ans ils ont écrit pour ce que leur voix pouvait faire à l'époque. Et maintenant, c'est une première fois avec un jeune groupe, donc ce n'est pas ce qui s'est passé. J'en ai donc parlé au directeur et je viens de le mentionner. Et intéressant, ce que le groupe avait fait, c'est qu' ils avaient fait répéter tous leurs morceaux pour enregistrer le disque Ils connaissaient la hauteur de chaque chanson, puis ils les ont augmentés d'un demi-ton ou d'un ton pour chaque chanson afin qu'il soit fatiguant Ils voulaient que l'ensemble de l'album sonne arrogant et nerveux. Ils ont donc tout fait un peu trop haut pour le chanteur. Il était donc un peu trop poussé pour chaque chanson, ce qui lui donnait niveau supplémentaire d' énergie et d'audace. C'est donc quelque chose que vous pouvez utiliser vous-même si vous vous demandez s'il est nécessaire d' ajouter de l'énergie supplémentaire à cette chanson. Dois-je avoir l'air pressé ? Et maintenant, dans le pitch, dois-je avoir l'air fatiguée Est-ce qu'il est censé y avoir un élément de ce genre de stress que je peux créer en ajustant la hauteur de la chanson ? Réfléchissez donc à votre argumentaire en fonction de cela, ainsi que de la question de savoir s' il est le bon ou 5. 1.4 Paroles: Passons à la prochaine étape de préparation de la chanson. Et pour celui-ci, nous parlons de paroles. Maintenant, une fois que vous avez trouvé votre timing et votre clé, c'est la prochaine étape que vous voulez avoir fixée avant de battre le record sur quoi car il est difficile de revenir en arrière et de le changer. Pas autant que la tonalité et le tempo. Mais c'est toujours pénible, il est donc préférable de tout faire avant de commencer. Encore une fois, je vais aborder cette question en tant que producteur plutôt qu'en tant qu'artiste autoproducteur. Mais en tant qu'artiste autoproducteur, tout cela est également très important à faire vous-même et à évaluer vous-même ou même à vérifier votre CS auprès d'autres personnes. Mais nous allons y revenir. Les éléments avec lesquels vous devez le faire seront évidents au fur et à mesure. Donc, si vous pensez que certaines paroles doivent être modifiées, la première question que vous pourriez vous poser est dans quelle mesure devriez-vous participer aux paroles ? C'est un domaine auquel je trouve que certains artistes peuvent être un peu plus sensibles que d'autres. Je fais donc toujours un peu attention lorsque fais des suggestions pour modifier les paroles. Ce ne sera pas la première chose que je vais proposer. Je vais m'en remettre, vous savez, jusqu'à ce que nous ayons discuté d'autres points, que nous ayons changés, que nous nous soyons adaptés et qu'ils fonctionnent de telle sorte que les participants aient un certain discuté d'autres points, que nous ayons changés, que nous nous soyons adaptés et qu'ils niveau de confiance dans le fait que tout va bien, que les gens soient satisfaits de mes suggestions et prêts à essayer des choses. Donc, quand je saurai que nous sommes dans une bonne situation, je commencerai par me demander si je pense que quelque chose doit fonctionner différemment dans les paroles, puis je vais tester le terrain avec juste un petit changement et voir quelle en est la réaction. C'est évidemment quelque chose qu'il est important de faire dans la pièce avec le chanteur, afin que vous puissiez voir quelle est sa réaction à votre changement de paroles Ici, je suppose que le chanteur est le parolier, comme d'habitude Évidemment, si ce n'est pas le cas, cela devient plus facile parce que personne n'est émotionnellement attaché aux paroles. Mais en partant de cette hypothèse, vous testez l'eau avec un petit changement, et vous voyez ce qui se passe ensuite. Alors, les questions que vous voulez vous poser en ce qui concerne moment où vous envisagez de revoir les paroles sont-elles correctes ? Tout d'abord, est-ce que le rythme est fluide ? Très souvent, les paroles peuvent être écrites légèrement en retrait de la musique, dans la mesure où certains mots veulent y figurer, certaines lignes veulent y figurer, et parfois vous en arrivez à point où le chanteur veut vraiment un certain texte dans la chanson, mais cela ne correspond pas à la chanson et cela peut sembler un peu encombré parfois comme si cela avait été introduit de force Encore une fois, ce que nous faisons ici, c'est que nous ne travaillons pas au service de la chanson si nous laissons ces paroles dedans, parce que si l'attention du public est attirée sur le fait qu'une voix ne coule pas correctement et qu'elle sonne inconfortable et décousue, c'est inconfortable et décousue, qu' il n' écoute pas Ils écoutent, vous savez, c' est essentiellement une erreur. dans cette situation, vous savez, j'en parlerais et je demanderais s' il existe une meilleure façon d'exprimer cette émotion avec des mots différents qui correspondent mieux au rythme. Parfois, il peut arriver que l'artiste connaisse ce genre de situation au plus profond de lui-même, qu'il savait que cela ne fonctionnait pas vraiment bien et qu'il était plutôt optimiste quant au fait que c'était le cas qu'il savait que cela ne fonctionnait pas vraiment bien et qu' . Donc, lorsque vous en parlez en tant que producteur, et que vous réalisez que ce type de doute sous-jacent était juste , puis qu'ils le changent. Personnellement, je ne pense pas être un bon parolier, donc je ne fais généralement pas de suggestions sur ce qu'il faut changer, mais plutôt sur le fait que quelque chose pourrait avoir besoin d'un changement, puis je laisse le parolier occuper de ce que devrait être ce changement Alors oui, est-ce que ça coule bien ? C'est en quelque sorte la première chose à se demander. La question suivante est : est-ce que cela a du sens ? Parfois, le mot peut être utilisé hors contexte et il ne fonctionne pas tout à fait. Ce n'est pas tout à fait correct. Et cela vaut la peine d'en parler si, en tant que producteur, vous n'avez pas l'impression que les paroles ont du sens. Si cela n'a pas de sens pour vous, alors vous pouvez simplement poser des questions à ce sujet, c'est peut-être parce que c'est juste que vous ne comprenez pas encore tout à fait alors vous pouvez simplement poser des questions à ce sujet, c'est peut-être , et quand cela vous est expliqué, vous le faites, ou il se , et quand cela vous est expliqué, vous le faites, peut qu'il y ait, vous savez, argot que vous ne connaissez pas qui se trouve dans les paroles Et donc, une fois que c'est expliqué, c'est le cas. Un bon exemple des années 70 est le titre Walk on the Wild Side de Lou Reed, un titre célèbre, un exemple si célèbre. Et il a utilisé de l'argot En fait, Louis l'a fait à de nombreuses reprises. Il a utilisé un argot qu'il a créé parce qu'il ne voulait pas qu'il date Il ne voulait pas les paroles qu' il avait utilisées pour dater le morceau. Il utilisait donc son propre argot qu'il inventait, puis il n'était pas lié à une époque en particulier C'est peut-être ce que fait quelqu'un. Dans ce cas, vérifiez simplement si vous n'êtes pas sûr de cela. Et puis si c'est le cas, c'est génial. Tu sais, laisse-les continuer. Parce que l'autre question est la suivante : devraient-ils avoir un sens ? S'il y a des choses comme ça qui sont proposées pour être, vous savez, délibérément artistique et intéressant choix délibérément artistique et intéressant, alors c'est génial. Ou, vous savez, à l' extrémité du spectre, vous avez des groupes comme Cockta Twins dans les années 1980 ou, plus récemment Cigaros, qui chantaient avec des Ils n'ont délibérément pas utilisé les bons mots, ou s'il s'agissait de mots, ils n'ont pas été conçus pour avoir du sens en tant que paroles ou en tant que phrase C'était juste que c'étaient les bons sons à émettre à ces endroits. Donc, si c'est le cas, c'est génial. Vous savez, on laisse ça s' écouler tant que c'est rythmé et que ça sonne bien, puis on y va et ce n'est pas censé avoir de sens. Donc c'est bon. Le dernier point, et c'est rare, mais parfois, vous savez, j'ai parfois travaillé avec un artiste dont l'anglais n' est pas la langue maternelle. Et puis vous contribuez également à la traduction, en gros. Cela fait partie de votre travail qui consiste simplement à vérifier que les traductions en anglais fonctionnent. Par exemple, quelqu'un a utilisé un certain mot d'argot qui, quelqu'un a utilisé un certain mot d'argot fonctionnerait en anglais, mais qui avait en fait des connotations politiques assez négatives, que je ne mais qui avait en fait connotations politiques assez négatives m'attendrais pas à ce que quiconque en dehors de l' Angleterre Mais comme ils sortaient ces chansons en Angleterre à l'époque et que les personnes dont l'anglais est la langue maternelle comprendraient ces implications, il était préférable d'utiliser des paroles différentes à ce moment-là Donc, pour ces choses, vous savez, vous jouez un rôle important dans le processus, alors soyez simplement conscient de cela et aidez-les à les guider à travers cela. Et enfin, juste pour terminer, pensez à mettre en évidence les paroles que vous aimez. Donc, quand ces choses apparaissent, vous savez, et cela m'arrive souvent quand je travaille avec des artistes, vous savez, il y a des lignes qui me tuent complètement, et je m'assure de leur faire savoir que, vous savez, cette ligne, je l'adore vraiment parce qu' montrer aux gens où ils peuvent être meilleurs, vous devez également leur montrer où ils s'en sortent vraiment très bien et les choses que vous aimez parce que cela aide tout le monde à se sentir un peu mieux. Cela permet à la séance de mieux se dérouler. Donc, avec toutes ces choses où vous dites : Oh, peut-être que cela pourrait être différent, peut-être que cela pourrait être différent, vous savez, il y a d'autres choses où, vous savez, je vais dire, n' osez-vous pas changer un mot de cette ligne, c'est incroyable. Donc oui, une autre chose à retenir pour continuer à revenir aux choses que vous aimez et continuer à rappeler ces passages au chanteur, au parolier 6. 1.5 Commencer le voyage psychologique: Dans cette conférence, nous allons parler de la manière de jeter les bases d'un environnement vraiment créatif dans lequel vous pouvez enregistrer. Et c'est en quelque sorte le début de ce que j'appelle le voyage psychologique. Cela peut sembler un peu prétentieux, mais il s'agit vraiment de mettre tout le monde dans le bon état d'esprit et de mettre le chanteur dans le bon état d' esprit, afin que nous sachions que nous pouvons tirer le meilleur parti de lui ou d'elle Je vais donc commencer par la phase de pré-production parce que je veux que chacun ait l'impression faire quelque chose qui lui permet d'être aussi créatif et expressif que possible . Ainsi, lorsque nous appuyons sur le bouton d'enregistrement, les gens s'étirent sur le plan créatif, essaient différentes choses, essaient d'être aussi bons que possible et, espérons-le, atteignent gens s'étirent sur le plan créatif, essaient différentes choses, essaient d'être aussi bons que possible un endroit qu'ils n' ont jamais atteint auparavant. Donc, pour ce faire, lorsque nous commençons, vous savez, je suis producteur, donc une partie de mon travail consiste à trouver des idées. Je vais donc continuer à mettre des idées dans le mix et à faire des suggestions. Et ce que je dis clairement dès le début, c'est que je suis très heureuse de me tromper. Par exemple, il est presque impossible de m'offenser. Donc, si je propose une idée et que quelqu'un ne l'aime pas, alors faites-le-moi savoir, vous savez , elle disparaîtra, et je trouverai une autre idée. Et même si j'ai l' impression que personne ne dit que mes idées sont mauvaises, je dirais que mes idées sont mauvaises. Je vais donc en mettre une dont je ne suis pas sûre, puis je la jetterai juste pour qu'il soit clair que je ne peux pas être offensée Tu sais, je peux me tromper, et j'en suis très content. Le but de l'exercice, le but de ce que nous faisons c'est de trouver des idées, tout le monde les écoute , de les évaluer, de les essayer, rejeter celles que nous n'aimons pas, puis nous finirons par en arriver à celles que nous aimons, à celles qui valent la peine d'être essayées et avec lesquelles nous travaillerons. Hein ? Ainsi, en trouvant constamment des idées et en jetant constamment des idées, nous sommes tous plus à l' aise avec l'idée que c'est quelque chose que nous devrions tous faire et que nous pouvons tous faire. Et cela finit par vous placer dans un bien meilleur environnement créatif. C'est l'idée. Maintenant, si vous le pouvez, je trouve que c'est mieux de le faire en face à face, car alors nous sommes vraiment honnêtes les uns envers les autres et c'est plus facile de le faire par e-mail. Maintenant c'est ce que je dis. Tu sais, actuellement c'est février. Je suis au Royaume-Uni, février 2021. Nous sommes confrontés à un autre de ces blocages liés à la COVID 19. Tout le monde dans le pays a besoin d'une coupe de cheveux et d'un câlin. Le face-à-face est donc minime pour le moment. Mais Zoom, vous savez, n' est pas vraiment assis au pub avec quelqu'un, mais c'est mieux que rien. Et, vous savez, ce genre d' interactions en face à face est vraiment très important pour établir important pour établir le niveau de confiance nécessaire pour que chacun ait le sentiment de pouvoir être vraiment créatif et d'aborder domaines plus créatifs les uns avec les autres. 7. 1.6 Préproduction des voix de soutien: Maintenant, je vais parler des chœurs. Cela vaut la peine d'être abordé lorsque vous êtes en pré-production , à ce stade. Je trouve souvent que l'on n'y a pas réfléchi aussi profondément que certaines autres parties. Normalement, je suppose que c'est parce que ce n'est pas le rôle principal de personne dans un groupe. Vous savez, il y a assez souvent des groupes ou, évidemment, s'il s'agit d'un artiste solo, ils ont pensé aux parties vocales principales et aux différentes parties instrumentales, mais ils n'ont pas trop réfléchi à la manière dont seront les chœurs À moins, bien sûr, que ce soit une chanson qui a déjà fait l'objet de nombreuses tournées, si elle a déjà été tournée, il y a probablement eu un certain niveau de chœurs en cours d'élaboration, mais peut-être pas autant que vous le souhaiteriez pour l'enregistrement complet Vous savez, il n'y en a pas autant qu'ils ne le seront pour l'enregistrement. Il y a donc quelques questions que vous devez vous poser à ce stade qui vous aideront à accélérer et à obtenir un bon enregistrement. Et la première est de savoir qui va faire les chœurs Alors, qui en est le chanteur ? Parfois, c'est le chanteur. Tu sais, quel que soit le chanteur principal , fait aussi les chœurs. Parfois, il peut y avoir un membre dévoué du groupe qui les fait. Vous savez, vous le découvrez simplement parce que c'est bon pour vous de le savoir afin savoir comment les sessions vont fonctionner et comment les choses vont s'intégrer. C'est peut-être aussi quelque chose ils n'ont pas discuté entre eux, et quelqu'un a une idée de la façon dont il aimerait ajouter des chœurs, ce qui est génial Tout cela vaut donc la peine d'en discuter. La prochaine est l'endroit où ils figureront dans la chanson. C'est donc évidemment important également, s'ils sont juste dans le chœur ou dans d'autres parties ? Y a-t-il d'autres éléments qui méritent d' être soulignés par une voix d'accompagnement ? Tu sais, est-ce que l'Ache centrale va fonctionner comme chœur ? Tout ? Y a-t-il des plans là-dedans ? Cela vaut donc la peine d'être évoqué également. Et puis combien de pièces y aura-t-il ? avez-vous déjà une idée En tant qu'artiste , avez-vous déjà une idée s' il faut simplement doubler choses pour rendre les choses plus épaisses ou si vous avez, exemple, une harmonie en cinq parties dans votre tête dont vous devez vous débarrasser vaut donc la peine de savoir ces choses à l'avance, afin que vous puissiez planifier votre session et savoir qui va chanter ces parties, comment cela va fonctionner, car quelqu'un a peut-être des plans vocaux assez ambitieux et ne les a pas encore essayés. Cela soulève donc également la question. Devons-nous engager un chanteur pour faire ces chœurs Ils ne figurent peut-être pas dans le registre de n'importe quel membre du groupe, ou, tu sais, il se peut que tu sois un artiste solo. Vous travaillez avec un artiste solo et vous voulez une tonalité différente sur votre disque. De plus, vous savez, il se peut que ce soit un groupe entièrement féminin, et qu'ils veulent une voix masculine ou vice versa. Toutes ces choses doivent donc être abordées à l'avance ou au moins les questions doivent être posées. Même si les réponses ne sont peut-être pas tout à fait prêtes, ne sont que des éléments auxquels il faut réfléchir, car réalité, ce que nous faisons à ce stade c'est planter des graines. Vous savez, nous aidons l'artiste ou le groupe à trouver exactement ce qu'ils veulent, de sorte que lorsqu'ils entrent en studio pour commencer à l'enregistrer, ils marchent avec la certitude qu' ils savent qu' ils le veulent. Mais aussi, quand ils quittent le studio, quand c'est fini, ils ne commencent pas à penser à ce qu'ils auraient pu faire, vous savez, sorte que lorsque nous sommes en session d'enregistrement pour les voix, nous sachions ce que nous faisons et nous savons ce que nous voulons Donc, l'une des choses que nous pourrions faire est de simplement suivre les pistes. Tu sais, il peut y avoir juste des voix supplémentaires en plus du rôle principal, ce qui ne demande pas beaucoup d'entraînement, d'accord ? Si vous ne faites que doubler ce qui se passe avec le lead, c'est génial Si c'est ce que tout le monde veut, alors c'est un processus simple. Il n'y a donc pas beaucoup de planification requise. Cependant, si vous recherchez des harmonies, c'est un peu plus compliqué et, vous savez, elles ont besoin d'être peaufinées pour ne pas vous retrouver à l' unisson avec le rôle principal . Est-ce que nous faisons, vous savez, une troisième et une octave ou que recherchons-nous exactement en termes d' harmonies Donc, comme je l'ai dit plus tôt, toutes ces choses valent vraiment la peine d' avoir une petite conversation Même s'ils n' ont pas les réponses, ils commencent à réfléchir à ce que pourraient être les réponses. Donc, lorsque nous sommes arrivés en studio pour enregistrer, nous sommes prêts. Il s'agit simplement prévoir le temps de planification entre la préproduction et l'enregistrement afin que ces décisions soient prises. L'autre question ou question à se poser est donc qu'est-ce qu'il faut souligner ? J'en ai parlé tout à l'heure, mais où allons-nous chanter, et que soulignons-nous si nous ne faisons que superposer des couches, vous savez, si nous utilisons ce type de technique de suivi Ou jouer avec des harmonies. Tu sais, il ne le suit pas. Il fait des harmonies, mais elles sont en phase avec le chant principal Ou nous allons commencer à utiliser une certaine complexité dans l'arrangement des chœurs pour construire la chanson Ceci est utilisé de nombreuses fois. Il y a plein d'exemples différents, mais je vais juste vous en donner quelques uns ici pour passer rapidement à la caisse. Il y a un morceau tiré, je crois du Kiss de Rose by Seal des années 90, qui a obtenu un très bon huit milieu, qui commence assez simplement, puis il se construit avec quelques harmonies différentes qui se chevauchent Et essentiellement, le huit du milieu est construit avec cela et une section de cordes qui se contente monter en crescendo pour aboutir au chœur final Et c'est vraiment génial et intelligent d'utiliser les chœurs pour y parvenir Un exemple plus récent que je trouve très intéressant est celui des blocs Breeze d'Old J, où, à la fin du morceau, ils ont, je crois, les mêmes paroles, et elles sont utilisées dans différentes parties et rythmiquement d'une manière différente, chaque version Je pense donc qu'il y a environ trois parties ou quelque chose comme ça, et elles chantent les mêmes paroles, mais l'une à côté de l'autre Et puis, à la toute fin, ils chantent tous ensemble en harmonie. Donc, ces trois parties différentes qui se chevauchent et se croisent chantent ensemble à l'unisson et en harmonie, je pense, ou ce n'est peut-être qu'à Ce n'est peut-être qu'une mélodie qu'ils chantent. Mais cette sorte de chaos dans la cohérence est une étape vraiment intéressante qui résout vraiment la fin de cette section. Et un autre titre que je trouve très utile aux chœurs est un titre de est un titre The Tinting intitulé I think it might be the ting ting J'y ai écrit Ting tings, qui s'appelle That's Not My Name. Et c'est une chanson assez longue, et la fin est vraiment longue, et elle fait vraiment du bon travail avec des niveaux de chœurs intéressants, et ils font les choses de manière très différente sur le plan rythmique Et il y a une voix masculine et une voix féminine, et je pense qu'ils font chacun deux ou trois choses. Et ce qu'ils utilisent très bien, c'est de chanter dans registres différents, ces deux chanteurs, chanter dans des registres différents et en utilisant des horaires différents, de sorte que le simple fait qu'ils font avec les chœurs apporte une grande complexité de sorte que le simple fait qu'ils font avec les chœurs apporte une grande complexité à la chanson à la Cela nous amène donc l'idée de chœurs non superposés Ainsi, lorsque vous ne vous en tenez pas au rôle principal et que vous le renforcez avec une partie à l'unisson ou des harmonies, vous pouvez faire différentes choses Par exemple, vous pouvez combler les lacunes Il se peut donc que vous ne fassiez que les combler ou que vous chantiez plus longtemps. Tu sais, tu mets des voix plus longues entre les lignes des paroles principales Mais aussi, les Adlibs jouent évidemment un rôle important dans les chœurs, surtout si vous aimez certains styles pop et R&B. Les Adlibs sont, vous savez, aussi importants, il y a un lead à la fin, vous savez, ils sont juste là-haut avec le chant principal, et ce sont les différents Adlibs ou quoi qui suscitent l'intérêt lorsque le refrain est répété un rôle important dans les chœurs, surtout si vous aimez certains styles pop et R&B. Les Adlibs sont, vous savez, aussi importants, il y a un lead à la fin, vous savez, ils sont juste là-haut avec le chant principal, et ce sont les différents Adlibs ou quoi qui suscitent l'intérêt lorsque le refrain est répété attirez l'attention sur la chanson à ces moments. C'est donc une autre chose à laquelle il faut réfléchir , c'est dans quelle mesure cela va se produire. Maintenant, les Adlibs, évidemment, de par la nature de leurs Adlibs. Vous n'êtes donc pas censé trop planifier cela, même si je connais des artistes qui planifient leurs Adlibs très, très soigneusement Alors peut-être que cela vaut la peine d'en parler à vos artistes. Alors, voulez-vous planifier votre AdlibAlors, préférez-vous les faire juste sur le coup et voir ce qui en sortira Une autre chose est une sorte d' appel et de réponse , c'est-à-dire un support vocal, vocal et vocal d'accompagnement. Royals by Lord or Lordy en est un excellent exemple. Je ne sais pas exactement comment cela est censé être prononcé. Mais, tu sais, la chanson dont je parle, c'est facile à chercher. Leurs chœurs dans le chœur sont donc juste dans les trous, et c'est une situation d'appel et de réponse C'est donc une autre bonne idée également. La question à se poser si vous en êtes vraiment au début de votre réflexion sur les chœurs est de savoir ce que vous attendez d'eux. Vous savez, quelle est la réaction émotionnelle que vous recherchez les chœurs eux-mêmes ? Alors, essayez-vous de donner un niveau d' intimité supplémentaire à la chanson ? Dans ce cas, vous recherchez peut-être une sorte de chœurs chuchotés qui sont assez secs, calmes et vraiment dans l'oreille de l'auditeur, parce que vous savez, les chœurs peuvent faire ressortir cela Ou peut-être recherchons-nous une situation où il y a beaucoup de monde où vous encouragez l' auditeur à chanter avec Je pense toujours que si vous pouvez faire jouer un morceau sur lequel vous avez travaillé dans un pub et que tout le monde chante dans un pub ou un bar quelque part, alors vous avez vraiment réussi attirer un public avec vous. Alors peut-être que vous voulez avoir tout un tas de voix lâches avec plein de personnes différentes qui chantent, pour obtenir toutes ces sonorités différentes, pour que cela ressemble à une foule Peut-être que c'est la voie que tu veux suivre. Un bon exemple de ça serait Hey, mec, avec le morceau Nana Nana Nana à la fin, qui C'est comme sept minutes d' Otro ou quelque chose comme ça. Et c'est une foule qui chante, et cela vous donne envie chanter avec vous parce que vous pouvez entendre la foule chanter. qui m'amène également aux BB sans paroles, vous savez, il y a le genre de nana Na que vous obtenez, ou il y a les oohs et les s, vous savez, toutes ces choses sont importantes aussi, et le fait de faire partie de l' instrumentation, et le fait de faire partie de l' instrumentation Il s'agit de créer différentes sections et certaines parties de la piste un aspect plus large et plus profond. Ce sont donc aussi des choses qu'il vaut la peine de mentionner et avez-vous déjà pensé à quelque chose comme ça, que l'artiste soit un peu mieux préparé lorsqu'il se présente. Donc, à ce propos, ce qui concerne la planification des sessions, qu'allons-nous faire ce jour-là ? En ce qui concerne votre planification quotidienne et que se passe-t-il lorsque, vous voulez vous demander nous faisons des voix en bloc là-dedans Je vais expliquer ce que je veux dire par voix en bloc avec chœurs C'est qu'ils sont tous ensemble. Ils sont tous dans un certain timing, et ils sont tous synchronisés avec le rythme, pas avec le chant principal, d'accord ? Donc, s'il s'agit d'un bloc qui n'a pas d'importance à ce que fait le chant principal, et que c'est essentiellement le chant principal qui permet de contourner ce problème, alors il pourrait être enregistré avant le chant principal Vous n'avez donc pas besoin de faire le chant principal avant les chœurs. Vous pourriez d'abord faire les chœurs, puis le rôle principal chantera autour de cela Parce que peu importe ce que les chœurs ont fait, cela n'a pas vraiment d' importance pour le rôle principal, ils ne sont pas censés être chantés ensemble Mais s'ils sont, vous savez, doubles ou s'ils sont censés fonctionner avec la voix principale, vous devez évidemment d'abord enregistrer la voix principale. Vous devez obtenir la composition de la voix principale. Nous aborderons toutes ces questions de compilation et d'autres choses dans la dernière section de ce cours où nous parlerons de la compilation et de l' Tout cela devrait donc être fait pour que les chœurs puissent être enregistrés sur le chœur principal et que les choristes puissent entendre ce que font les chœurs principaux et travailler avec Toutes ces choses doivent être examinées, ou du moins que ces graines soient plantées avant le début de la session sorte que lorsque nous commençons à enregistrer, cela ne nous inquiète pas, nous sachions ce que nous faisons, et c'est une session très agréable et décontractée 8. 1.7 Matériel: La dernière chose dont je vais parler en termes de préproduction et de préparation de la chanson, c'est le matériel Cela ne fait pas vraiment partie de la préproduction en tant que telle, mais c'est quelque chose qui pourrait faire surface. Cela vaut donc la peine de vérifier. Et c'est-à-dire, y a-t-il un équipement préféré, un micro, un prémicro préféré, une chaîne de signaux préférée, vous savez, que le chanteur avec qui vous travaillez possède et qu'il voudra utiliser. Vous savez, cela m'est arrivé à quelques reprises d'avoir reçu un appel préalable avec un chanteur de X qui aime utiliser un blabla, bla, bla Donc, vous savez, cela vaut la peine de se poser cette question, surtout en travaillant avec des chanteurs plus expérimentés car ils peuvent souvent avoir une sorte de préférence. L'autre question étant, bien sûr, essayons-nous de correspondre à un son existant ? Si vous ne commencez pas un nouveau projet, si vous vous lancez dans un projet ou il y a d'autres producteurs qui font d'autres morceaux, tout cela fera partie du même projet, et tout doit être en quelque sorte mixé à la fin et assorti. Il peut alors être intéressant de découvrir quelle est la chaîne de signaux qu'ils utilisent déjà. Et s'ils l'apprécient, il serait peut-être sage de faire de même. Et puis, évidemment, si vous les mixez tous par la suite, cela vous simplifie la vie, mais cela facilite simplement la vie du mixeur, cela rend l'ensemble du projet plus cohérent. Cela vaut donc la peine d'essayer de le faire, dans la mesure du possible. Par conséquent, vous devez peut-être louer quelque chose ou, si vous avez de la chance, emprunter ou quelque chose comme ça. Mais si vous savez ce que vous faites, si vous savez ce dont vous avez besoin, vous pouvez le louer avant la séance et tout sera prêt. Et c'est généralement une façon plus professionnelle de gérer la session. 9. 2.1 Chapitre 2 Introduction: OK, bienvenue au chapitre deux. Bravo pour avoir terminé le premier chapitre. J'espère qu'il y avait plein de choses à apprendre là-dedans, et que vous en avez tiré des leçons. Et maintenant, nous allons parler de la préparation du studio. Nous ne sommes donc pas encore tout à fait prêts à appuyer sur le bouton d'enregistrement, car il reste encore pas mal de choses à aborder afin de nous préparer à obtenir les bonnes performances. Il y a donc un peu de technique dans ce chapitre, et je vais m'y attarder. Pour ceux qui aiment parler d' équipement, il y en a une partie Mais aussi, même si vous êtes, vous savez, le plus gros réducteur du monde, veuillez également tenir compte des aspects psychologiques et de ce que vous devez faire , car comme je l'ai dit plus tôt, le meilleur équipement ne vous aide pas si vous n'obtenez pas les bonnes performances Nous réfléchissons donc ici à ce que nous visons, c' est-à-dire que nous visons vraiment une très bonne expression émotionnelle de la part de l'artiste. Maintenant, pour y parvenir, il y a une chance raisonnable que il y a une chance raisonnable l'artiste doive se trouver dans un endroit vulnérable pour lui et qu'il commence à se sentir fragile. Et s'ils sont dans cet état d'esprit, ils ont vraiment besoin d'un environnement très favorable, car en fin de compte, lorsque nous enregistrons des voix, c'est l' instrument le plus transparent que nous enregistrons , car il contient en fait une partie du corps humain qui est l'instrument. toute sorte de conflit émotionnel, n'importe laquelle de ces choses, fera vraiment partie de l'enregistrement. Et c'est quelque chose que nous pouvons utiliser à notre avantage comme à notre désavantage. Tu sais, tu sais, nous voulons ces émotions, mais nous devons juste faire attention à ce que ce soient les bonnes, d'accord ? Nous allons donc essayer de créer un environnement confortable, confortable physiquement et émotionnellement. C'est du soutien et ne porte aucun jugement, n'est-ce pas ? Donc, dans ce chapitre, nous allons parler des choses techniques que vous pouvez faire pour cela. Et il s'agit de créer la bonne atmosphère de confiance dans le studio. Donc, si tout fonctionne techniquement, l'artiste sait qu' il n'y a aucun souci à ce sujet. Ils n'ont pas besoin de se demander si les choses vont se casser, vous savez, je vais gaspiller mon énergie ici parce que rien ne va fonctionner ? Est-ce qu'il va perdre sa performance quelque part dans l'éther ? Toutes ces questions techniques méritent donc d'être abordées. Et aussi, vous savez, nous faisons également de l'ingénierie en fin de compte ici. Il ne s'agit pas simplement de production. Nous voulons donc que les choses sonnent bien. Parce que cela va vraiment nous aider à créer les bonnes émotions si elles sonnent bien. Il y a donc cela à aborder, puis nous devons également parler l'atmosphère que nous créons en studio, car le plus grand ennemi que nous avons lorsque nous travaillons avec quelqu'un sur scène est ce que l'on appelle l'anxiété liée à la performance. J'ai une conférence à ce sujet. Ce sont des universités. Je devrais peut-être mettre quelque chose ici. Quoi qu'il en soit, il y aura peut-être un cours à ce sujet dans un instant. L'anxiété liée à la performance est généralement liée à une honte ou à un traumatisme passé, qui peuvent s'être produits pendant une performance et, par conséquent, ils sont inquiets à ce sujet, ou cela peut ne pas être du tout lié à une performance, et cela peut simplement être quelque chose que quelqu'un porte avec lui. Nous devons donc simplement être conscients que c'est peut-être ce qui se passe. C'est peut-être quelque chose que vous ne connaissez pas et que vous ne comprenez pas, mais donnez simplement à quelqu'un le temps et l'espace nécessaires pour résoudre les dont il pourrait avoir besoin. Cela fait donc partie de la création de l'environnement qui permettra de tirer le meilleur parti des performances des personnes. Donc oui, en gros, deux choses que nous examinons, l'une concernant les compétences techniques , donnent confiance aux personnes avec lesquelles nous travaillons dans le fait que tout va bien se passer, puis la confiance qu'elles apportent à leurs performances Et puis aussi l'environnement créatif que nous créons , avec lequel j'ai commencé dans le dernier chapitre et sur lequel nous nous appuyons encore dans ce chapitre afin que l'interprète nous donne notre rôle, nous donne le meilleur de lui-même. 10. 2.2 Préparations techniques: Nous sommes donc en train de préparer le studio, et la première chose que nous allons faire pour le préparer est de le préparer techniquement. Maintenant, pour ceux d'entre vous qui se produisent eux-mêmes et qui pensent peut-être, vous savez, que je vais juste lancer un micro. Je vais m'en sortir. Je n'ai pas besoin de faire toute cette préparation. Je n'ai pas de clients qui viennent. Je tiens vraiment à souligner qu'il est tout aussi important que vous le fassiez afin de séparer la partie technique de ce que vous faites. Avec la partie créative. Vous vous occupez donc de la partie ingénierie, et c'est un processus distinct, une journée distincte, même si possible, ou moins vous avez séparé le processus entre la partie ingénierie de ce que vous devez faire et la partie performance de ce que vous devez faire. Ces deux parties différentes de votre cerveau, lorsque vous sautez entre elles, vont toutes les deux en souffrir. Faites donc tout cela exactement comme si vous vous prépariez à ce qu'une autre personne vienne chanter, de sorte que lorsque vous venez chanter et que vous chantez, vous ne pensez qu'à cela et vous obteniez la meilleure performance possible. Évidemment, tout cela va sans dire si vous n'êtes qu'un producteur travaillant avec un autre client comme moi, donc tout est préparé avant qu'ils n'arrivent Cependant, je voulais juste dire que c'est également très important pour les artistes autoproducteurs. Alors, on y va. Nous nous préparons. Que faisons-nous ? Nous installons nos micros sur des supports. De toute évidence, cela ne suffira pas tenir à moins que, temps en temps, très occasionnellement, vous ne trouviez un artiste qui veut désespérément utiliser un appareil portatif J'ai déjà travaillé avec un beat boxer. C'est ainsi qu'il a travaillé. Il tenait le micro à la main parce qu'il avait beaucoup de techniques différentes pour obtenir des sons différents, et il avait absolument besoin, vous savez, tenir un Shure SM 58 ou similaire pour le faire Mais même si le micro est placé sur un support, vous savez, c'est là qu'il repose. C'est là qu'il se trouve. Alors , place le micro sur les supports. Et alors, en mettons-nous plus d'un ? En possédez-vous plus d' un, évidemment. Maintenant, nous allons passer à la sélection des vitesses plus tard. J'ai une conférence complète sur les micros à essayer , micros à essayer , Mike Pres et toutes sortes de discussions sur le matériel Donc, cette fois, je dois juste dire que si vous en avez plusieurs, c'est génial, car cela vous permet car cela vous permet d'essayer différents micros, d' entendre le chanteur sur différents micros, de voir comment il réagit et de voir lequel lui convient le mieux. entendre le chanteur sur différents micros, voir comment il réagit et de voir lequel lui convient le mieux J'utilise donc normalement trois ou quatre micros différents qui sont bons pour le chant et qui pourraient fonctionner sur ce Ensuite, quand je commencerai avec le chanteur, nous passerons en revue, nous vérifierons et nous écouterons ces différents micros. Et je fais participer le chanteur aussi. Certains sont plus intéressés que d'autres, mais impliquez-les et choisissez celui qui leur convient le mieux. Nous allons donc installer quelques micros différents sur les supports en vue de la session Ce qui est également important si vous avez le luxe d'avoir plus d' un microphone, c' est rechange. Ainsi , si quelque chose, à Dieu ne plaise, tombe en panne en cours de session et qu'il s'agit d'une rupture irréversible, vous en avez un autre prêt pour et qu'il s'agit d'une rupture irréversible, vous en avez un autre que la session n' Tu sais, il suffit de trouver le meilleur micro suivant, de le mettre devant le chanteur, de rebrancher quelques appareils, d'enregistrer, et, tu sais, tu pars et tu cours Les sessions sont toujours en cours. Alors, procurez-vous tous les micros que vous allez utiliser ou que vous souhaitez vérifier. Placez-les sur des supports, puis agitez les fils parce qu'il est si courant qu'un fil est mal rangé ou, vous savez, une partie du fil est tordue parce qu'il repose contre un mur ou quelque chose d'étrange comme ça, et quelque chose d'étrange comme ça, et quelque chose s'est défait quelque chose d'étrange comme ça, et quelque chose d'étrange comme ça, et quelque chose s'est défait Donc, en position stationnaire, les fils peuvent fonctionner et, vous savez, il y a un petit contact entre les deux bouts de fil cassés à l'intérieur du fil. Et dès que quelque chose bouge, le contact est rompu. Et tu as perdu le signal. Passez donc en revue les fils que vous utilisez sur le trajet de votre signal agitez-les tous un peu et assurez-vous de ne perdre aucun signal à aucun moment pendant que vous le faites Parce que si vous le faites, vous devez passer à différents prospects, obtenir des prospects différents. Trajectoire du signal vérifiée. Donc, ici, évidemment, vous avez le micro en place, vous l'avez branché sur tout ce que vous allez utiliser De toute évidence, vous avez le McAP qui compte. Si vous utilisez simplement le Mcap sur l'interface, c'est assez simple C'est un fil entre le microphone et l'interface. Ou quel que soit le chemin de votre signal, branchez tout cela, branchez une piste sur votre DAW que vous allez également enregistrer, puis parlez dans le micro et assurez-vous que le signal fonctionne, parce que la dernière chose que vous voulez, c'est un chanteur apparaisse et qu'il ne travaille pas, et vous êtes là à brancher leads comme si vous ne saviez pas ce que vous font. Faites donc d' abord vérifier le trajet du signal avant que les chanteurs prêts avant qu'ils ne soient dans le bâtiment, idéalement. Et aussi les écouteurs. Les écouteurs doivent donc également être vérifiés. Donc, avec toute cette configuration, j'ai configuré tout le trajet de mon signal et un casque est configuré dans ma DAW, puis je mets les écouteurs et je m'écoute pour savoir que lorsqu'un chanteur s'approche du micro, met les écouteurs, il peut s'entendre lui-même Ainsi, l'ensemble du trajet du signal, y compris la section casque, fonctionne Et c'est au cas où vous trouveriez un de ces chanteurs qui viendrait et voudrait chanter. Vous savez, il y a souvent une petite discussion et un peu de climatisation. Peut-être qu'il y aura un peu d'échauffement de la chanteuse, ce genre de choses. Mais, vous savez, j'ai déjà travaillé avec des chanteurs, et ils ont littéralement franchi la porte. Ils ont vu où se trouvait le micro, et ils ont dit bonjour marchant vers tout le monde dans la salle de contrôle, et ils n'ont pas arrêté de marcher avant d'être debout devant le micro, et ils ont dit : « OK, allons-y ». Ils s'attendaient donc à ce que tout soit prêt à battre un record en franchissant la porte, et c'est la position dans laquelle vous devriez vous trouver. Je connais même des gens qui, euh, je crois que c'est Bono, mais je me trompe peut-être, qu'il veut toujours une configuration au micron, même lorsque les morceaux sont mixés, de sorte que s'il veut intervenir et refaire une voix, c'est possible C'est donc le niveau de professionnalisme que vous devriez viser , c'est que tout soit mis en place. Vous êtes prêt à enregistrer lorsque le chanteur franchit la porte, de sorte que si c'est ce qu'il veut faire, vous êtes prêt à le faire. Donc, votre liste de contrôle, en fait. Ce que vous voulez être, en quelque sorte, la règle d'or ici, c'est d'être minutieux. Donc tu es en train de tout vérifier. Vous vous assurez que vos prospects fonctionnent. Tu t'assures que tout fonctionne. Tu te mets à la place du chanteur. Et, tu sais, cela t'inclut. Si vous êtes le chanteur, si vous êtes autoproduit, vous imaginez que vous êtes sur le point de vous lancer dans une voix. Vous faites tout ce que vous feriez dans ce processus et vous vous assurez que tout fonctionne de cette façon. Et utilisez votre liste de contrôle. Je vais donc y mettre une liste de contrôle. Je l'enregistre avant d'avoir créé la liste de contrôle ou même de l'avoir téléchargée sur le site Je ne sais donc pas exactement où ils seront, mais ce sera évident. Vous pouvez télécharger une liste de contrôle qui décrit l' ensemble du processus de configuration de votre studio pour l'enregistrement d' une voix afin que vous n'ayez pas à vous souvenir de ce qui est dit ici Vous pourrez simplement avoir votre liste de contrôle et vous pourrez simplement cocher les cases ou quoi que ce soit d'autre au fur et mesure que vous aménagez votre studio afin de ne rien oublier 11. 2.3 Construire le cocon: Dans cette conférence, nous allons parler de psychologie, en gros. C'est la psychologie d'une session d'enregistrement, et c'est quelque chose que je comprends très bien et qui m'intéresse beaucoup parce que je pense que c'est tellement important. Et beaucoup de gens n'y participent pas. Beaucoup de producteurs n'y participent pas à ce point. Et je pense, vous savez, que c'est vraiment un avantage d'être celui qui s' implique vraiment dans la psychologie de la séance et de s'assurer que la psychologie performance est aussi bonne que possible et aussi positive que possible. C'est ce que j'appelle construire le cochon, qui consiste vraiment créer un environnement pour le chanteur dans lequel il a l'impression, vous savez, de ne pas être jugé et de vivre dans un environnement sûr, c'est le mot Un environnement sûr, qui leur permet de ne pas être jugés et qui leur permet de performer. Vous savez, ils peuvent atteindre des objectifs qu'ils n'atteindraient pas normalement en termes de performance, et ils peuvent essayer des choses, et c'est ainsi que vous obtiendrez leurs meilleures performances, n'est-ce pas ? C'est pourquoi vous construisez le cochon pour qu' ils se sentent comme ça Encore une fois, si c'est vous qui produisez vous-même, alors c'est également important, d'accord ? Vous devez également le faire pour vous-même et le construire pour vous-même afin de chanter dans le bon environnement pour vous. Donc, pour commencer, vous pourrez peut-être voir, d'après toutes ces jolies petites lumières, que c'est de la lumière. Maintenant, je vais citer Bruce Swadean un ingénieur très célèbre, qui décrivait l'enregistrement d'un thriller par Michael Jackson Et il a dit : « Une autre chose que j'ai apprise de Michael, c'est qu'il chantait toujours dans le noir. Son sentiment, et Quincy était toujours d'accord, c'est Quincy Jones, le célèbre producteur, que la lumière est très L'éclairage est donc très important. Je ne vais pas dire qu'il faut enregistrer dans le noir. J'ai travaillé avec quelques personnes qui aiment travailler comme ça, mais je trouve assez inhabituel que quelqu'un veuille travailler dans le noir complet. Vous savez, plus que tout, si vous avez une feuille de paroles à consulter, cela ne vous aidera Mais l'éclairage est très important, et je pense qu'une sorte d' éclairage d'ambiance doux fait une énorme différence dans l' ambiance de votre studio, et cela fait une différence dans le sentiment des créatifs. J'utilise donc personnellement une combinaison des ampoules Phillips Hue. Maintenant, ce sont des ampoules qui contiennent environ 16 millions de couleurs ou autre, et vous les contrôlez depuis votre application. D'autres marques d' ampoules sont disponibles. Vous n'êtes donc pas obligé de contenter de cela. C' est assez cher. Je ne les ai achetés que lors des soldes du Black Friday en novembre. Mais c'est ce que j' utilise dans mon studio, en plus des guirlandes lumineuses. Vous pouvez donc dépenser beaucoup d'argent un tas d'ampoules Phillips Hue, ou vous pouvez simplement acheter ces petites guirlandes lumineuses comme vous les mettez sur un sapin de Noël, et elles ne coûtent pratiquement rien. Et vous pouvez simplement éclairer votre studio avec ceux-ci, et ce sera vraiment la bonne ambiance. L'autre chose que les gens utilisent parfois, ce sont des bougies. Je m'en méfie toujours un peu. Il suffit d'ouvrir une flamme dans un studio. Oui, ça m'a toujours inquiété, donc je ne l'ai jamais fait. Mais si cela ne vous dérange pas, cela peut aussi être une très bonne ambiance Une pièce éclairée aux chandelles est idéale pour créer une atmosphère. L'éclairage est donc extrêmement important. Réfléchissez vraiment à ce que vous allez faire avec votre studio et à l' éclairage de celui-ci afin qu'il y ait la bonne ambiance lorsque quelqu'un vient chanter ou lorsque vous chantez pour vous-même. Maintenant, portes, portes. C'est une question intéressante, mais il s'agit essentiellement de pouvoir garder les portes verrouillées et fermées à tout moment, parce que si vous placez quelqu'un dans le bon espace psychologique, qu' il y va vraiment par sa performance et ses émotions, et qu'un parfait inconnu franchit la porte. Ensuite, tout ce cochon que vous avez construit pour créer cette performance a été détruit parce que quelqu'un, si un chanteur joue et qu'il craint qu' un étranger ne le traverse alors qu'il fait quelque chose qu'il ne peut pas vraiment atteindre , par exemple, se sentira gêné et ne voudra plus le faire Donc, si un chanteur craint qu'un étranger franchisse la porte à tout moment, il n'atteindra pas son plein potentiel en tant que chanteur, car il sera toujours un peu prudent et ne voudra pas s'enfoncer trop loin dans l'inconnu au cas où quelqu'un le verrait faire avec quoi car il sera toujours un peu prudent et ne voudra pas s'enfoncer trop loin dans l'inconnu au cas où quelqu'un le verrait faire il ne serait pas à l' aise Parce qu' en tant que producteur, vous êtes évidemment à l'aise avec eux, et ils sont à l'aise de repousser les limites avec vous. Nous en parlerons un peu dans la préproduction. Vous les avez donc là, mais si un étranger entre , c'est nul Donc, ce que je faisais en fait, quand j'étais ingénieur adjoint dans un grand studio, je m' asseyais près de la porte. Donc, pendant une session d'enregistrement, une fois que tout était en place et que je savais que je n'avais rien à faire pendant un petit moment, j'ai simplement poussé ma chaise jusqu' à la porte et ensuite si c'était parce que nos portes n'étaient pas verrouillées dans les studios où je travaillais. Donc, si quelqu'un essayait d'entrer, si la porte s'ouvrait ne serait-ce qu' un tout petit peu, alors j'étais là, j'ai sauté, je suis sortie et j'ai parlé à la personne à l'extérieur du studio afin que personne ne puisse entrer dans la pièce pendant que le chanteur chantait. Même si quelqu'un essayait, je pourrais empêcher de le faire parce que je discuterais simplement avec lui à l'extérieur pour découvrir ce qu'il voulait. Peut-être que vous avez une serrure sur votre porte. exemple, c'est une bonne chose à installer, que ce une option ou un feu rouge, pour que vos colocataires, tout le monde sache que vous enregistrez, alors n'essayez pas la porte pour le moment Peu importe ce que vous devez installer pour que votre studio soit un environnement totalement sûr, une sorte de cochon, allez-y et faites-en comme si J'espère que c'est évident, mais téléphone éteint, d'accord ? Nous ne voulons donc pas entendre les téléphones portables sonner pendant qu'une session d'enregistrement est en cours Et ce n'est pas juste qu'ils ne sonnent pas. C'est que vous n'êtes pas distrait par votre téléphone lorsque quelqu'un joue, parce que si quelqu'un le donne, il veut tous donne, il veut attirer le public avec lui. Et si vous êtes le seul membre du public , l'ingénieur producteur, et que votre téléphone est plus intéressant que cela, ils auront l'impression que tout n'est pas suffisant, ce qui aura un effet important sur la psychologie de la session, car ils n'auront pas l'impression avoir vraiment compris. Ils ont vraiment été en mesure de livrer alors qu'en fait, c'est juste que vous avez négligé votre attention et que vous avez laissé votre téléphone prendre le relais Maintenant, nous avons tous, vous savez, une relation avec nos téléphones qui est difficile parce qu'il y a des personnes très intelligentes dont le travail est d' ingénieur de l'attention pour attirer notre attention et nous inciter à passer ces choses sur ces applications. Mais assurez-vous simplement que votre téléphone est à l'écart. Je ne peux pas te distraire et tu peux te concentrer pleinement sur le travail que tu fais Une autre petite histoire de téléphone si vous avez une ligne fixe. Je sais que c'est plus rare de nos jours Si vous avez une ligne fixe dans le studio, assurez-vous qu'elle est coupée, éteinte ou débranchée ou quoi que ce soit d'autre, afin que le téléphone ne puisse pas non plus sonner au milieu d' Écouteurs ouverts. C' est donc un point que nous avons abordé un peu lors de la préparation technique concernant l'ouverture de vos écouteurs La raison en est donc que c'est à cause de cette histoire de construction du cochon, car c'est pour empêcher le sentiment d' isolement de s' installer, en particulier si vous travaillez dans un studio avec une cabine, mais cela compte aussi C'est important aussi quand tu ne l'es pas. Cela peut être une sensation assez isolante mettre des écouteurs et d'être simplement morts et ils ne peuvent pas chanter et ne pas s'entendre parler dans le micro C'est particulièrement vrai, vous savez, c'est pire dans une cabine parce que c'est assez isolant d'être dans une cabine tout seul, de Ensuite, si vous mettez un casque et que cela devient encore plus mortel, c'est encore pire Il est donc important que les écouteurs soient ouverts et que, vous savez, avant que votre chanteur ne prenne le micro, vous soyez sûr que le son qui entre dans ce microphone entre dans ses écouteurs afin qu'il puisse s'entendre. Et l'autre point, c'est d'avoir le talkback ouvert. Encore une fois, c'est uniquement dans les situations où il y a des cabines, car si vous êtes dans la même pièce qu'un chanteur, vous n'avez pas besoin d'un talk back, vous ne faites que Ainsi, le fait d'avoir ouvert le talkback leur permet de se sentir avec vous et de ne pas être si isolés Tu sais, ils peuvent entendre tout ce qui se passe. Il y a aussi un certain niveau de paranoïa potentielle, si un chanteur n'est pas certain de la qualité de sa performance et qu'il peut pénétrer dans la salle de contrôle et vous voir parler sans entendre ce que vous dites J'ai travaillé avec des chanteurs aux prises avec ce problème, et ils sont très contrariés par le fait qu' ils n'aient pas entendu ce qui se disait lorsque le bouton de rappel n'était pas enfoncé Vous savez, ils pouvaient voir des gens parler après le spectacle, mais ils ne pouvaient pas l'entendre. Je sais par expérience , vous savez, que j'ai été assistant ingénieur dans ces salles nombreuses reprises, si le bouton de rappel n'est pas enfoncé, c'est parce qu'il y a une question technique ennuyeuse qui mérite d'être examinée et que le producteur ne veut pas que l'artiste y pense et l' ait en tête Cependant, je pense qu'il vaut mieux qu'ils sachent que vous le faites, et c'est le but de la conversation car ils peuvent simplement s'en éloigner. Ensuite, le chanteur pense que vous dites quelque chose négatif à propos de la performance que vous ne voulez pas qu'il entende. C'est pour cette raison que j'aurais toujours la possibilité de discuter avec eux, afin que le chanteur sache que nous ne parlons pas afin que le chanteur sache que nous ne parlons pas de quelque chose que nous ne voulons pas qu'il entende De toute évidence, à cet égard, il vaut la peine que tout le monde le sache, au cas où quelqu'un voudrait faire un commentaire intelligent dans la salle de contrôle se rendre compte que la discussion est toujours ouverte Je fais donc savoir au début de la séance que le talkback sera ouvert à tout moment autant que possible, donc je suppose que c'est C'est donc juste une autre petite chose psychologique pour que le chanteur se sente plus confiant et plus à l'aise. maintenant à autre chose que nous pouvons faire avec le studio lui-même, à savoir la circulation de l'air frais. Cela peut sembler un petit détail, mais si vous avez, vous savez, quelques personnes dans une pièce, pendant un certain temps, l'oxygène commence à s'épuiser un peu et tout le monde commence à se fatiguer et à avoir juste un flux d'air frais, vous savez, si vous avez un de ces types de flux d'air frais spécialement conçus, alors génial, bravo Sinon, ouvrez simplement une fenêtre de temps en temps, juste pour faire passer l'air frais qui permettra à tout le monde de rester éveillé et alerte et de mettre fin au genre de session. Et c'est un peu lié à cela que les températures maintiennent une bonne température constante dans la pièce. S'il fait trop chaud, les gens commencent à devenir un peu somnolents S'il fait trop froid, ils commencent à geler un peu. Cela compte moins pour les voix. C'est plutôt pour, vous savez, si vous overdubez des guitares et que tout le monde a un peu froid, c'est ses doigts sont un Il est donc toujours important de maintenir une température confortable dans la pièce afin que personne n'ait l'impression qu'il fait trop chaud ou trop froid ou que personne n'en ressente les effets. Et tout cela fait partie de la prise en compte de l'expérience de luxe que vous offrez, afin que le chanteur ait l'impression qu'on s' occupe de lui de toutes les manières possibles. Vous savez, ils sont pris en charge techniquement parce que vous étiez au top avec vos compétences en ingénierie. On s' occupe d'eux en tant que personne parce que vous vous assurez qu' ils ont ce dont ils ont besoin et qu' ils sont à l'aise. La touche de luxe, vous pouvez faire ce que vous voulez avec celui-ci. C'est juste une sorte de moi qui plante une graine. Qu'est-ce qu'il y a dans votre studio qui est plutôt beau et luxueux et je pense que les gens pourraient en parler plus tard ? Tu sais, je suis un peu obsédée par le café. Je torréfie mon propre café et j'ai mes propres mélanges et des trucs comme ça Donc, si vous venez travailler dans mon studio, les cafés seront vraiment très bons, tout comme le thé, parce que je n'utilise que des sachets de thé du Yorkshire, un peu de bouchon pour eux là-bas. C'est le meilleur thé. Donc, tu sais, ton thé et ton café, quand tu viendras dans mon studio , seront excellents. On y trouve une touche de luxe que l'on ne trouve nulle part ailleurs. Il y a donc des choses comme ça. Peu importe ce qui fonctionne pour vous, votre personnalité, ce que vous aimez, introduisez-le dans votre studio pour donner impression de quelque chose d' un peu spécial que vous n'avez qu'ici. Et un autre est juste rangé. Assurez-vous qu'il est bien rangé. Je sais que vous pouvez vous sentir comme chez vous avec des trucs qui traînent, et vous savez que ce truc est là, même si techniquement ce n'est pas une solution, et c'est juste un peu comme chez vous avec des trucs qui traînent, et vous savez que ce truc est là, et vous savez que ce truc est là, même si techniquement ce n'est pas une solution, exagéré. Cela fait une différence dans la façon dont les gens se sentent lorsqu'ils sont dans votre studio, s'il est bien rangé et soigné Il y a en quelque sorte un truc subconscient qui dit que si vous êtes au top de votre situation en termes de désordre dans le studio, vous savez, si vous êtes au top de ça, alors vous êtes probablement au top des autres choses aussi Vous savez, si quelqu'un entre dans un studio où il y a du désordre partout, il va commencer à penser que les câbles ne fonctionnent pas correctement le matériel a été nettoyé et que tout cela n'est qu'un entretien complet. Telles sont les suppositions que les gens font lorsqu'ils voient un studio en désordre. Ils supposent que vous n'êtes pas non plus à la hauteur de tous les autres éléments nécessaires au bon fonctionnement d'un studio. Cela les met donc dans une sorte de dos psychologique, ils sont nerveux, les choses vont mal tourner Donc, si vous maintenez l'endroit en aussi bon état que possible, les personnes qui viennent visiter votre studio auront confiance en vous, vous savez, en tant que personne et en tant qu'ingénieur. Voici donc quelques petites touches qui méritent d'être réfléchies : que pouvez-vous faire dans votre cochon pour le rendre plus créatif Que pouvez-vous introduire pour faire de votre cochon de studio un environnement plus créatif ? Je me demande en quelque sorte quelles œuvres d'art je mets sur les murs ? Quel est le lien entre cela et la musique, la performance et la créativité ? Y a-t-il quelque chose que quelqu'un va regarder et qui va s'en inspirer ? Je pense aussi au genre de petits instruments étranges que nous pouvons avoir, vous savez, comme de petits grimpeurs, comme de petits grimpeurs, le piano à pouce ou des percussions étranges ou tout ce que je peux avoir sur moi et que les gens peuvent prendre et avec lesquels les gens peuvent jouer Vous savez, je ne présume pas que cela finira sur un disque, mais cela leur permet simplement de donner libre cours à leur créativité et de réfléchir de cette façon, et cela vient juste de ce que vous avez dans votre studio. L'autre point, c'est quelque chose que j'ai adopté très tôt quand j'étais, vous savez, ingénieur adjoint, avec l'ambition de devenir ingénieur, et je voulais que les gens veuillent que je revienne aux sessions. Ils voulaient se rappeler pourquoi j' étais bonne et ce que j'ai fait, vous savez, il y a beaucoup de choses que j'ai faites , mais une chose que j'ai faite en termes mais une chose que j'ai faite en termes d' achat de petits équipements et autres choses, c'est que j'ai essayé d' avoir un peu d' équipement qui m'appartenait et que j'ai apporté à une session qui était pertinente pour chaque membre du groupe, ce qui signifiait J'avais pensé à leur truc et j'ai apporté quelque chose pour essayer de l'améliorer. Par exemple, j'ai acheté une très belle carte d'identité. C'était un jeu d' Avalon, un DJ vraiment chic et c'était le truc des bassistes, vous savez, qui passait par là Et j'ai acheté quelques micros intéressants qui étaient bizarres et qui réussi à obtenir un son étrange du batteur et à le rendre vraiment Il y a donc, vous savez, un tas de choses que j'ai accumulées lentement là où j'avais en tête, comme, lors d' une session d'enregistrement avec un groupe, je vais apporter ceci, et cela sera mis en place pour ce musicien, et cela sera mis en place pour ce musicien, puis ils sauront que je pense plus profondément eux et à ce que je peux en faire que s'ils aiment le son que je reçois, ils devront penser, Oh, Eh bien, ce type. Il a apporté tout ça, chaque membre du groupe va apporter ce qui m'a fait vraiment bien sonner, et c'est pourquoi cet album sonne bien. Alors retrouvons-le parce qu'il a toutes ces choses intéressantes. Ce n'est donc qu'un angle. J'ai travaillé pour moi, juste pour réfléchir à ce que vous pouvez faire pour que chaque personne avec laquelle vous travaillez se sente particulièrement spéciale et que vous ayez réfléchi à ce qui pourrait ce que vous pouvez faire pour que chaque personne avec laquelle vous travaillez se sente particulièrement spéciale et que vous ayez réfléchi à ce améliorer son processus d'enregistrement. 12. 2.4 L'heure de la sorcière our: Cette conférence porte sur l'heure des sorcières. J'espère que c' est une phrase que vous connaissez, mais ce n'est peut-être pas le cas. Donc ce que je vais faire, c'est juste expliquer ce qu'est l'heure des sorcières C'est cette heure-là de la nuit. Ce n'est pas vraiment une heure. On dit que c' est entre minuit et deux heures du matin. Mais en gros, le fait est que c'est à cette heure de la nuit que l'on se sent le plus loin de l'aube et le plus loin du Et vous pouvez vous sentir en quelque sorte, psychologiquement éloigné du monde extérieur à ce moment-là, parce que tout est calme Vous savez, vous n'avez reçu aucun e-mail aucun appel téléphonique ou quoi que ce soit d'autre depuis longtemps. Et vous pouvez vraiment , vous savez, si vous êtes éveillé à ce genre de moment et que vous vous sentez éveillé, pas seulement insomniaque, mais éveillé, vous pouvez vraiment vous concentrer parce qu' il n'y a rien d'autre qui puisse vous empêcher de vous concentrer Et la raison pour laquelle c'est utile pour nous, c'est que nous pourrions planifier notre session de manière à utiliser ce temps. Si vous travaillez, en particulier si vous travaillez sur plusieurs jours, vous pouvez planifier une séance de telle sorte qu' quelques jours, vous décaliez en quelque sorte l' horloge biologique de tout le monde jusqu'à ce que vous utilisiez l'heure des sorcières pour vous concentrer sur certains aspects plus précis de l'enregistrement Maintenant, je vais y mettre l'heure du conte parce que je vais vous raconter une petite histoire C'est un autre exemple de la façon dont cela a joué un rôle dans ma carrière au fil des ans. Il y avait une session sur laquelle je travaillais, et nous sommes allés dans un studio résidentiel pour enregistrer pendant quelques jours. Et c'était un groupe de quatre musiciens, et il y avait quelques chansons qui ont dû être enregistrées toutes les quatre en même temps, en une seule prise, sans overdubs Je veux dire, nous faisions un certain nombre de prises, mais nous n'avions qu'à en choisir une, essentiellement, une prise préférée, sans overdubs Il ne peut pas être construit et superposé comme vous feriez traditionnellement lorsque vous jouez toute la batterie, puis vous vous asseyez et ajoutez de la basse, puis vous travaillez sur les guitares pendant un certain temps Il fallait juste qu'ils soient tous dans une pièce. C'est juste à cause de la dynamique de la chanson, de la façon dont elle évoluait et du timing, que tout le monde devait simplement la jouer ensemble et se lancer Maintenant, pour en obtenir la meilleure version, c' est une exigence assez intense car tout le monde doit être vraiment sur la bonne voie pour cela. Pour en tirer le meilleur parti, en quelques jours, nous avons lentement modifié notre horloge biologique. Nous commencerions donc à enregistrer à, disons, 10 h du matin le premier jour. Mais au quatrième ou au cinquième jour, nous avons changé d'une heure à chaque fois. Nous n'avons donc pas commencé à enregistrer avant, vous savez, une ou deux heures de l'après-midi, et nous allions nous coucher à trois heures du matin. Ce que cela voulait dire, c'est que par cinq, quatre ou cinq jours, me souviens pas très bien, euh, nous étions en quelque sorte tous bien éveillés à minuit deux heures du matin. Parfois, nous étions complètement éveillés. Nous étions prêts à partir, mais c' était épuisant, vous savez, nous n'en avons mangé que quelques-uns Je pense qu'en fait, vous savez, c'est tout à fait pertinent compte tenu de ce que j'ai dit la dernière fois lors de la dernière conférence, à savoir que nous avions allumé quelques bougies et qu'il n'y avait pas grand-chose d'autre en termes d'éclairage. Il faisait, vous savez, très, très sombre, juste une petite touche d'éclairage d'ambiance. Il convient également de rappeler que comme la session n'en est qu'à quelques jours, nous avons accompli beaucoup et nous nous sentons plutôt bien dans notre peau. Tout le monde est donc confiant dans le processus, ils savent qu'il fonctionne, et nous avons de très bonnes choses dans le sac. Quand nous arrivons à composer ces deux chansons, nous sommes confiants, mais nous avons l'avantage qu'il est presque minuit, nous reste quelques heures avant que les gens ne commencent à se fatiguer, et nous avons ces deux chansons pour une interprétation vraiment spéciale. Et nous avons vraiment obtenu des performances très, très spéciales. C'était vraiment incroyable. me rappelle avoir fait demi-tour à l'assistant derrière moi après l'un de ces deux assistants, en fait, sur ce coup-là. Deux assistants derrière moi, et ils ont tous les deux les yeux écarquillés, et je pense que l'un d'eux a réussi à impressionner, et c'était à peu près tout C'étaient des performances vraiment spectaculaires. Et cela est dû, en partie, à l'utilisation de l'heure des sorcières. 13. 2.5a Quel microphone ?: Il s'agit de la première de trois conférences sur le matériel. Je sais que pour certaines personnes, c' est leur truc préféré, donc ça va vous plaire. J'essaie de ne pas trop en parler parce que lorsqu'il s'agit d'enregistrer une belle voix, tout ce que nous avons fait sur la psychologie est bien plus important que le matériel. Mais, vous savez, je sais que nous sommes tous des types de réducteurs, que ce soit dans ce secteur ou très probablement dans une certaine mesure. Alors parlons-en. Et quand je parle d'équipement ici, je ne donne pas ce genre de recommandations générales. Je ne suis pas un réviseur d'équipement. On ne m'envoie pas 1 million de micros pour vérifier, des trucs comme ça Ce dont je vais parler, ce sont des choses que j'ai vécues. Il s'agira principalement de morceaux que j'ai enregistrés, chant, avec lesquels j'ai fait une session, ou peut-être que j'ai mixé quelque chose, et je sais que c'est ce qui a été enregistré J'ai donc une bonne idée du son, de la facilité avec laquelle il est facile de le mixer et d' autres choses de ce genre. Ce sont donc les recommandations que je vais suivre se limitent en grande partie à ce que j' ai de l'expérience. Cela signifie donc que c'est une recommandation honnête. Cependant, je ne vous donne pas une vue d'ensemble du marché des microphones, d'accord ? Donc, la pré-commercialisation des micros et tout le reste. Il s'agit donc d'une liste très personnelle. Donc, tout d'abord, un petit aperçu des différents styles de microphones que vous pouvez obtenir, car lorsque vous construisez votre studio et vous assemblez votre équipement, variété de microphones est vraiment un élément clé, car vous voulez un grand nombre de sons différents auxquels vous pouvez accéder en termes de choix de microphones. Que différents chanteurs puissent venir dans votre studio, et que vous puissiez avoir différentes options pour le bon micro adapté à cette voix. Si vous êtes une personne autoproductrice, cela dépend en quelque sorte. Cela dépend si vous pensez pouvoir enregistrer quelque chose d'autre ou quelqu'un d'autre dans votre studio, car s'il n'y a que vous et que vous n' enregistrez que votre voix, vous aurez que vous et que vous n' moins besoin de variété et il s'agira moins besoin de variété plutôt de trouver celle qui fonctionne particulièrement avec votre voix que vous aimez. Mais pour le bien des personnes qui enregistrent plus qu' une simple voix et qui enregistrent également plus qu' elles-mêmes ou un chanteur, nous allons passer en revue certaines options, celles qui valent la peine d'être essayées Mais en fait, ce que je veux tirer de la leçon que je tiens à clarifier ici c'est qu'au lieu de simplement acheter un micro doré qui est le meilleur micro vocal, vous voulez obtenir une petite gamme. Et je préfèrerais en avoir trois à prix moyen plutôt qu' un modèle très cher, car je sais que sera plus utile pour les sessions. Tu sais, ils vont tous avoir l'air bien. Et maintenant, je vais être en mesure d'en associer un de plus près à un chanteur, afin d'obtenir un son vocal vraiment exceptionnel pour cette personne que je ne le ferais nécessairement avec un chanteur très cher qui, je l' espère, fonctionnera pour tout le monde, mais qui ne le fera probablement pas Donc oui, c'est juste le problème de la variété. Et il y a différentes manières de catégoriser, et il y a un peu de croisement ici parce que et il y a un peu de croisement je parle de tubes, et ce n'est pas tout à fait la même chose Mais vous avez vos microphones à condensateur. Ce sont vos types de microphones verticaux plus traditionnels. Ils ont, vous savez, ils ont des condensateurs à grand diaphragme LDC, on les appelle parfois Et on dirait un gros micro comme celui que nous pouvons voir sur la photo ici. Ils sont donc très sensibles. Ils captent beaucoup de sons autour du micro. Je fais ces voix off avec un microphone à condensateur, un grand condensateur un grand Et vous remarquerez peut-être que parfois vous m'entendez appuyer sur un bouton de mon clavier pendant que je fais cela. Vous pouvez donc entendre à quel point ils sont sensibles et qu'ils captent les sons tout autour de vous, d'accord ? C'est donc utile si vous êtes dans le bon environnement de studio. Donc, si vous êtes dans un endroit assez isolé, bien traité et que vous ne recevez pas beaucoup de sons externes, alors c' bien traité et que vous ne recevez pas est une excellente sorte de condensateur, c'est un excellent micro à choisir car il peut capter tous les petits détails de la voix d'une personne, tous les petits aspects de sa respiration et autres, et cela en fait un enregistrement plus détaillé et plus intimiste. Et si vous vous trouvez dans un environnement légèrement plus bruyant, il est probablement préférable d'opter pour un micro dynamique car il capte moins de bruit autour du microphone Ils sont beaucoup plus directionnels. Ils captent juste, vous savez, la voix devant eux et pas grand-chose d'autre. que je fais, c'est que si vous voulez remarquer une légère différence de son, j'utilise le même chemin de signal pour toutes ces voix off Mais ceux que je fais devant une caméra où vous voyez mon visage, j'utilise un micro dynamique et tous ceux où vous ne voyez pas mon visage, j' utilise un condensateur Donc, si vous voulez passer d'une conférence à l'autre, vous entendrez la différence entre un condensateur en particulier et un micro dynamique en particulier Cela vaut donc peut-être le coup d'y jeter un petit coup d'œil, si vous en avez envie. Les rubans sont un autre modèle de microphone. Ils utilisent un ruban au lieu du diaphragme habituel, et ils sont moins utilisés pour le chant. J'y reviendrai un peu à la fin. Vous aurez une gamme raisonnable de microphones avant de commencer à acheter des rubans pour chant, car il existe plus universels. Et des tubes. Maintenant, il existe un grand nombre de micros haut de gamme, en particulier s'ils contiennent des tubes, cela fait partie de leur fabrication. La seule chose que je dirais, c'est que, vous savez, même si la plupart des microphones haut de gamme contiennent des tubes, parce qu'un microphone contient un tube qui n'en c'est parce qu'un microphone contient un tube qui n'en fait pas un microphone haut de gamme. J'ai vu, vous savez, des morceaux de matériel audio où ils se contentaient de se retrouver dans un tube parce qu'ils savent que les gens pensent que tube est synonyme de bien, mais ce n'est pas toujours Ce n'est pas nécessaire. Donc, ne vous contentez pas d'acheter quelque chose parce qu'il contient un tube et partez du principe que la fonction automatique permet d'obtenir un microphone de meilleure qualité. D'accord ? Juste une petite mise en garde sur les tubes Quoi qu'il en soit, nous allons nous y intéresser. Mike, je le recommande. Nous allons donc commencer par le niveau du budget. Je l'ai fait en trois niveaux. Ce sont des crochets très flous, et je ne me souviens même pas des chiffres que j'avais en tête pour les crochets. Le budget était peut-être jusqu'à 500 livres, le milieu de gamme jusqu'à 1 000 livres, peut-être quelque chose comme ça C'est vaguement entre parenthèses, d'accord ? Donc, si vous avez un petit budget, la première chose à regarder est le short SM 58. Je préfère la version bêta. Vous pouvez obtenir deux versions différentes. Hum et c'est juste un super micro. C'est le micro portable standard de l'industrie utilisé depuis des années. Tu sais, c'est solide comme le roc, c'est pourquoi on l' utilise beaucoup en live. Tu sais, c'est presque impossible à casser. Il a un son plus petit et un son plus direct qu'un son plus grand et plus chic. Hum, mais ça marche parfois. Parfois, c'est la bonne voix. J'ai travaillé sur un album une fois alors que nous étions dans un studio de Big Pos, et nous avions tous les Neumans vintage AKG vintage et tout ce genre de Nous avons installé un tas de micros pour le chanteur, et le SM 58 était celui qui lui convenait le mieux C'est donc sur celui-ci que nous avons enregistré l'album. Donc, on ne sait jamais. C'est donc une bonne idée de l'avoir. Je pense qu'ils ne pèsent qu' environ 80 livres ou quelque chose comme ça. Il y en a donc un bon à avoir dans votre micocker de toute façon. Et puis la prochaine que je recommanderais serait une Aston Origin. C'est dans le même type de budget. Eh bien, c'est environ 200 livres, je crois. Hum, l'origine d'Aston est un microphone à condensateur, et Aston est une entreprise relativement nouvelle, fait des choses incroyables Ils remportent de nombreux prix. Les micros dépassent vraiment leur poids. Ils sonnent bien mieux que ce que l'on pourrait supposer d'après le prix qu' ils facturent pour eux. Il y en a donc un excellent à avoir à portée de main, condenseur vraiment très bon Le prochain que je vais recommander est le court SM seven B. C'est donc un autre micro dynamique. C'est en fait celui que j'utilise pour l'appareil photo. Donc, quand vous verrez mon visage, vous y verrez probablement un Shure SM seven B. Celui-ci a été rendu célèbre parce que c'est celui sur lequel Michael Jackson avait toujours l'habitude d'enregistrer. Je pense donc qu'il y a environ 250 homosexuels quelque part dans cette fourchette Et pourtant, vous savez, Michael Jackson, qui pouvait choisir n'importe quel micro au monde. Il a toujours utilisé un court SM seven B. Et j'ai travaillé sur une session vocale de Michael Jackson de nombreuses années, alors qu'il était encore en vie. Et évidemment, alors qu'il était encore vivant, stupide de le dire. Désolée. J'ai donc travaillé sur une de ses sessions, et il est vrai que c'est le microphone qu'il utilise, et il l'a utilisé pour cette session. C'est donc un très bon micro, si vous recherchez un micro dynamique. Vous savez, si vous voulez quelque chose de dynamique parce que votre pièce n'est pas très bien traitée et que vous ne voulez pas capter trop de bruits extérieurs, cela fait vraiment l'affaire Une autre dynamique qui sonne très bien. C'est en fait à la limite du budget parce que je pense qu'ils coûtent plus de 500 livres. Electro Voice RE 20, c'est un autre design très ancien, mais classique Il s'habitue également beaucoup aux amplis de basse aux batteries et à d' autres choses de ce genre. Il y a un bon fond. Mais cela peut aussi être un très bon micro dynamique à utiliser. Donc, si vous voyez dans les micros économiques, il n'y a qu'un seul condensateur et trois dynamiques, et c'est parce que les micros à condensateur sont plus chers que les micros Mais avec ceux-ci, vous avez un petit budget, mais vous avez de bonnes options et des choses qui sonnent vraiment bien. D'accord ? Alors maintenant, je vais passer au milieu de gamme. Je pense donc que nous sommes à peu près tous des condenseurs de milieu de gamme Je ne pense pas qu'il y ait de tubes là-dedans. Nous verrons au fur et à mesure. Donc, d'accord. La première, oui, donc j'en ai une. J'en ai deux, en fait, Austrian Audio OC 18. Austrian Audio est donc, encore une fois, une nouvelle société, une toute nouvelle société, toutes issues d'AKG qui fabrique le célèbre microphone plat de type 414 ainsi que le C 12 et tout un tas d'autres microphones de studio très classiques Et je crois que l'histoire est que tout le monde ou environ 90 % des employés d'Austrian Audio ont quitté AKG et ont créé parce qu'ils ont créé le micro qu'ils ont toujours vraiment voulu fabriquer, vous savez, ce qui est plus facile à faire dans une petite entreprise qu'une très grande Ce sont donc des microphones fantastiques. Ils sonnent également très bien sur les instruments acoustiques. Mais j'ai enregistré des voix sur eux, et ils ont vraiment travaillé pour cela C'est donc une bonne option si vous voulez jeter un coup d'œil à un tout nouveau design. Ils font des choses très, très intelligentes avec la sélection des motifs , que je vais vous laisser regarder. Cela n'a pas vraiment d' importance à cet égard. Mais oui, c'est une bonne idée à regarder. Ontronics Je crois que c'est une entreprise britannique. Leur micro Area. C'en est un autre qui dépasse vraiment son poids par rapport au prix qu'ils facturent a l'air incroyable et il tient facilement avec des micros vocaux d' un prix beaucoup plus élevé Il est conçu pour les voix. C'est, vous savez, ce qu'ils avaient particulièrement intention de faire, c'était de créer un micro vocal. Donc oui, j'ai mixé des trucs qui ont été enregistrés dessus, et ça sonnait vraiment très bien. C'est donc une autre bonne idée à regarder. Neumann est évidemment un Neumann classique. C'est comme la grande marque de micros allemande qui fabrique, vous savez, certains des meilleurs micros d'enregistrement depuis des décennies Ce sont des TLM un contre deux. J'ai déjà travaillé avec ça. Ça sonnait très bien. Encore une fois, tu dois te rappeler que chaque fois que je dis que quelque chose sonnait bien, cela fonctionnait pour ce chanteur Cela ne signifie pas que cela fonctionnera pour vous ou pour un chanteur avec lequel vous travaillez, c'est pourquoi une sélection de ces éléments est vraiment une bonne solution. Mais Neumann TLM one oh two est vraiment un bon modèle à regarder Et puis je vais juste mentionner les marques Mojave et Road car elles fabriquent de très bons micros J'ai une certaine expérience, mais très limitée dans ce domaine, mais j'ai juste pensé que je pourrais les signaler comme celles qui valent la peine d'être examinées parce qu'elles font de bonnes choses. Il y a aussi ADK, dont ils seront mentionnés un peu plus tard Et c'est en fait celui que j' utilise en ce moment, c'est un ADK, mais c'est l'une de leurs versions de voyelles les plus chères Mais ils fabriquent également de très bons micros à condensateur de milieu de gamme. Certaines de ces nouvelles entreprises, en particulier Mohave Road, existent depuis un certain temps, mais Mojave et ADK sont des entreprises relativement nouvelles et fabriquent de très bons Alors maintenant, nous allons passer aux produits les plus rentables. Maintenant, tu n'as peut-être pas besoin que je te le dise, ou, tu sais, c'est un petit gâteau dans le ciel. Mais si vous avez le budget, ces choses sont incroyables. Maintenant, ils sont tous disponibles dans des designs assez traditionnels. La plupart des microphones haut de gamme , comme le U 47, sont des modèles qui existent depuis les années 50 ou 60. Ils sont tout simplement géniaux, classiques et ne sont pas cassés, alors ne les réparez pas. Donc, ce que vous voyez souvent sur le marché est une version de l'un d'entre eux. Donc, si vous pouvez vous le permettre aux prix actuels, je pense que vous avez besoin d' environ 10 000 livres pour un Neumann U 47 en bon état, alors Vas-y. Flee est une entreprise qui fabrique de très bonnes versions du Neumann U 47 pour un prix nettement inférieur, soit environ un tiers de ce prix De toute évidence, cela représente quand même beaucoup d'argent. Wagner est, je crois, un O allemand, peut-être qu'il était australien. Ça n'a pas d'importance. Il a fait environ 50 exemplaires, je crois, excellents d'un U 47. De toute évidence, ils sont très difficiles à obtenir. Ils sont très appréciés. Mais si vous pouvez vous procurer l'un d'entre eux, vous êtes en or parce qu'ils ont un son incroyable. Et aussi Perlman. Maintenant, Perlman est une nouvelle entreprise. J'ai un de ses modèles TM. Il fabrique d'excellents micros. une autre de ces petites boutiques, un peu comme Flea, ADK Mahave de nouvelles entreprises qui font vraiment de bonnes choses, et elles reprennent l' idée d'un 47 Pelmans a fait une autre de ces petites boutiques, un peu comme Flea, ADK Mahave de nouvelles entreprises qui font vraiment de bonnes choses, et elles reprennent l' idée d'un 47, et l'ont simplement avancée Cela ressemble donc presque à un 47 moderne, mais il a quelques versions différentes que vous pouvez également choisir si vous voulez quelque chose d'un peu plus traditionnel. Donc, si vous voulez un U 47, ce genre de micro star, il y a plusieurs endroits où aller. 67 est un autre excellent micro vocal. Je suppose que traditionnellement, le 47 était considéré comme une sorte de micro vocal masculin, et le 67 comme un micro vocal féminin. Mais évidemment, vous pouvez échanger cela joyeusement, et les gens le faisaient souvent, et le 67 sonnerait mieux pour un garçon et pour une fille, le 47 sonnerait Donc c'est différent, tu sais, différents chanteurs. Mais 67 est maintenant réédité par Neuman, ils recommencent donc Les originaux, je crois, coûtent environ 7,5 000 ou 8 000 maintenant. Les originaux sont environ 4,5 mille, je crois. Ainsi, dans les nouvelles versions, les rééditions sont d'environ 4,5 000 Euh, de bonnes versions de je veux dire, quand je parle de ce type de clones, de copies proches ou de nouvelles versions, il y en a beaucoup sur le marché Je dis juste que ceux que j'ai essayés et dont je sais qu'ils sont bons. Polso fait une très bonne version du 67 et ADK le fait, et c'est ce que j' utilise en ce moment Je possède donc l'un des ADK 60 Sevens. Je trouve qu'ils sonnent très bien, vous savez, sur le chant et les guitares acoustiques, tout ce genre de choses. Le C 12. Voilà, les deux premiers U 67 et U 47 sont Neumans originaux, le C 12 est un micro AKG Donc, l'AKG C 12 est très, encore une fois, très difficile à assimiler à un classique classique, à un joli micro haut de gamme et à un beau micro brillant Wonder est une autre grande entreprise qui, vous savez, refait des microphones classiques et , parfois, avec une touche légèrement moderne , vous savez, une très bonne version du C 12 Donc, si vous recherchez un C 12 et que vous ne voulez pas payer quoi que ce soit, dix mille dollars, peu importe, alors regardez la version Wonder. Hum, et puis le Telefunken 251, vous savez, ce sont sans doute les quatre grands Ils sont dans les micros vocaux classiques de studio. Donc je pense qu'ils coûtent environ 20 000 dollars, si vous en avez un original qui fonctionne très bien, ce qui est complètement insensé pour un micro Mais Telefunken les fabrique toujours, ou je pense que c'est plutôt qu' ils les fabriquent C'est donc une idée de réédition. Je pense qu'ils coûtent environ 9 à 10 000 livres pour un. Réservez de l'audio, il y en a donc un autre dans le même genre de Bock et ADK Wonder Toutes ces nouvelles entreprises fuient également, désolées. Ces nouvelles entreprises fabriquent très bonnes versions de ces micros classiques Je pense que Bock, je crois que ça s'appelle David Bock, je pense qu'il a été, genre, le genre de pionnier refait ces 25 films et en a fait un très, très bon travail Ils valent donc vraiment la peine d'être examinés. Et celui de l'ADK est également très apprécié, la version ADK du 251 Il en est de même pour certains que je recommanderais si vous recherchez ce type de version vraiment haut de gamme de ces micros. Et puis quelque chose de légèrement différent est le Chandler Red. Je ne sais pas grand-chose de l'histoire de cette histoire, qu'il s'agisse d'une réédition d'un ancien design ou de ce que c'est Il est intéressant de noter que le MCamp ou l'AmCamp sont intégrés au microphone C'est donc, vous savez, un choix de design légèrement différent. Mais je l'ai entendu en action. Ça a l'air incroyable. C'est donc, vous savez, une autre question à prendre en compte. Je pense qu'ils ont également une superficie d'environ 4,5 mille livres. Désolée pour tout cela si vous écoutez dans un pays où vous ne savez pas exactement où fonctionne votre taux de change par rapport à la livre sterling. C'est évident, je suis en Angleterre, donc c'est ce que je sais. Donc oui, ce sont tout un tas de produits les plus rentables, et il y a des équivalents, si vous voulez quelque chose de nouveau, non pas les dépenses liées au vintage et à l'entretien du vintage Vous savez, l'autre point concernant le fait de posséder du matériel vintage, que je possède du matériel vintage. J'ai possédé d'autres équipements vintage dans le passé. Cela coûte cher de le faire fonctionner, vous savez, quand ces appareils sont plus vieux que moi, vous savez, ils coûtent de l'argent pour les maintenir en activité. Les choses vont avec les bouchons, valves s'en vont, tout ce genre de choses. Par contre, si vous en achetez un nouveau qui ressemble incroyablement à celui des anciens, vous savez que vous pouvez vous y fier. C'est donc une bonne chose. je vais juste en citer quelques unes inhabituelles. L'un est un micro à ruban, c'est donc un très vieux design. Le RCA 77 DX Je pense qu'il existe une nouvelle société appelée AEA qui fabrique quelque chose de très, très similaire En fait, je possède l'un des RCA 77, l'original. C'est un son assez sombre. C'est un son très naturel, c'est un rythme. C'est pour cela que les rythmes excellent il s'agit d' un son naturel, mais comme le son est assez sombre, il est rare trouver une voix qui correspond vraiment à cela, et c'est la meilleure pour eux. Il est intéressant de noter qu'Amy Winehouse, avec qui j'ai travaillé, est le micro vocal que nous avons utilisé pour l'ensemble de son album Back to Black Cela a vraiment fonctionné pour cela. C'était génial. Cela fonctionne donc de temps en temps. Et, vous savez, j'ai l' habitude de le faire avec un chanteur, mais il gagne très rarement. Ça sonne mieux. Tu sais, je l'utilise beaucoup plus comme sur un piano ou quelque chose comme ça, mais ça vaut le coup de le mettre en place. Et puis le dernier est le SOR 520 dx, connu sous le nom de balle verte Et c'est traditionnellement un micro harmonica. C'est l'idée. Il doit être tenu en coupe dans votre main pendant que vous tenez un harmonica Et sa plage de fréquences est très, très petite. Je pense que c'est comme si c'était presque un téléphone. Je pense que c'est comme s'il n' y avait rien de moins de 500 et rien de plus que cinq K. Quelque chose d' assez fou, fait que la gamme de fréquences soit vraiment limitée. Il s'agit donc d'un effet. Vous savez, cela semble étrange, mais cela peut être plutôt cool à avoir. Si vous voulez quelque chose qui sonne assez étrange. Maintenant, je connais toutes ces choses étranges, vous savez, si je dis, utilisez-le pour que cela paraisse étrange, elles peuvent toutes être faites avec des plugins par la suite, absolument Mais si vous voulez, vous savez, avoir une session d'enregistrement vraiment excitante et intéressante, alors pourquoi ne pas enregistrer comme ça ? Accordez-vous à ces sons étranges. Vos interprètes s'intéressent donc au son et aux sons étranges, ce qui les inspire et leur donne une session encore plus excitante Donc, si vous pensez que c'est ce que vous voulez faire et que vous voulez avoir le son d'une balle verte, alors retirez la balle verte si vous en avez une, évidemment. Donc oui, il y en a quelques uns peu inhabituels hors des sentiers battus. Voilà Frankie Mais quand tu le feras, discute du processus avec le chanteur, d'accord ? Discutez donc de ce que vous allez faire et des raisons pour lesquelles vous essayez les différents micros. Et, vous savez, je vais discuter avec eux et leur demander d' écouter les différentes prises et de voir laquelle ils aiment, vous savez, s'ils ont une préférence au meilleur micro. C'est cool si vous pouvez discuter et traiter avec eux. Mais pensez également à les tester sur le même prémicro. D'accord ? Donc, si vous testez sur différents micros, vous n' obtenez pas une vision empirique appropriée du meilleur micro. Il suffit donc de garder le reste de la chaîne de signaux identique et de déplacer le micro. Avoir des micros différents sur le chanteur, ce qui vous permet d'avoir un tas d' enregistrements différents du même type de morceau de chanson sur différents micros Vous le faites dès le début de la toute première session, vous travaillez avec eux, puis vous avez une bonne idée de celle qui fonctionnera pour eux. titre de dispositif de sécurité, si vous pensez qu'il y en a un qui sera le bon, configurez-le d'abord, juste au cas où ils ne se donneraient pas vraiment la peine de suivre ce processus avec vous et qu'ils ne voudraient pas vérifier différents micros Vous savez, j' aurai toujours celui qui, selon moi, sera le numéro un, celui qui est prêt et qui fonctionne. Donc, si je le suggère et qu'ils sont vraiment réticents à le faire, alors je dis : OK, utilisons celui-ci et allons-y. Parce que vous ne voulez pas perturber leur état d'esprit et leur processus créatif s' ils n'ont pas vraiment d'expérimenter avec différents sons, d'accord ? Et juste pendant que nous sommes ici, et reviendrai un peu plus tard, mais le son de la pièce et s'il a besoin d'un traitement supplémentaire, est une chose à laquelle vous pouvez également penser pendant que vous entendez ces différents sons, ces différents microphones, pourraient vous donner une longueur d'avance si vous entendez quelque chose comme si c'était un peu trop spacieux et pourrait simplement insérer un écran ou mettre un autre peu de rembourrage quelque part. Vous pourriez être en mesure de l'entendre pendant que vous effectuez ce processus. C'est donc le bon moment pour sauter dessus être conscient et écouter les éventuels petits problèmes que vous pourriez avoir. 14. 2.6 Quel micro pré ?: La dernière conférence portait donc sur les microphones, et maintenant nous allons passer au préampli micro, c'est-à-dire à quoi vous branchez le microphone car c'est une autre partie importante du son Cela vaut donc la peine d'être pris en compte. Et je vais faire la même chose que lors de la conférence précédente. Ce sont des choses dont j'ai une certaine expérience. Il y en a beaucoup plus sur le marché, mais ce ne sont là que certaines choses que, vous savez, j'ai déjà expérimentées. Ça vaut le coup d'essayer. OK ? Donc, euh, même chose que le dernier. La variété est essentielle. Donc, vous savez, quelles sont les options qui s'offrent à vous, avoir deux ou trois est une bonne chose dans un studio, juste pour que vous puissiez , vous savez, avoir une idée différente de leur son et les associer à votre chanteur Si vous avez le temps, c'est agréable de pouvoir associer un micro au chanteur, puis de vérifier les différents micro et de voir s' il y a un avantage à les utiliser également Ça dépend si tu as du temps avec un chanteur. Sinon, vous savez, cela vaut la peine de commencer par celui sur lequel vous pensez pouvoir gagner. Comme je l'ai dit, en ce qui concerne le micro, si vous pensez que vous n'aurez pas la capacité continuer à essayer et à suivre les différentes vérifications du son, différentes idées de trajectoire du signal, commencez par celui sur lequel vous pensez que vous allez gagner. Mais si vous pensez qu'ils apprécient ce processus consiste à trouver le son qui leur convient, alors essayez-le dans d' autres bourbiers si vous en avez, d'accord ? Avertissement concernant le tube. Je vais le mentionner encore une fois parce que cela s'applique ici tout comme cela s'est produit avec les micros. Il y en a qui ne sont pas très bons dans lesquels ils jettent simplement un tube, puis les gens sont convaincus qu'ils sont fantastiques. Ce n'est pas comme ça que ça fonctionne. Un tube n'améliorera pas automatiquement quelque chose. Ainsi, certains des meilleurs modèles ont des tubes, d' autres l'absence de tube n'améliore pas automatiquement une pièce d'équipement. OK, alors j'espère que c'est quelque chose que nous savons maintenant. C'est vrai. Il en existe donc différents types, donc je vais juste passer aux micros autonomes. Des Mac Pres autonomes qui sont, euh, c'est tout ce qu'ils font. Tu sais, ce ne sont que des Micre. Rien d'autre n' est impliqué. Donc, le budget, le milieu de gamme et le meilleur prix, nous allons recommencer. Donc, avec le budget, vous savez, le mieux est d'utiliser votre interface, est d'utiliser votre interface car quelle que soit l'interface que vous avez, si elle possède une entrée LR, ce sera un prémicro. Cela sera en mesure de fournir gain suffisant pour faire entrer un signal micro. que je ne vais pas Des interfaces que je ne vais pas trop approfondir parce que c'est un tout autre monde et pas spécifiquement vocal, vous savez, spécifique. Mais Universal Audio and Focus, c'est vrai, il existe deux grandes entreprises qui proposent d'excellentes interfaces, et, vous savez, vous pouvez vous y connecter. Et quand vous débutez et que vous faites preuve de parcimonie avec le matériel que vous achetez, il y a un bon point de départ, d' accord Un de ces micros dans le son. Passons au milieu de gamme, alors, ce sont des modèles plus autonomes. Focus Wright revient. Ils ont cette boîte appelée ISA one, qui est également un beau prémicro, une petite boîte géniale, ce qui est assez amusant Mais oui, j'en ai eu beaucoup de chance avant. À mes débuts, à la fin des années 90, je travaillais dans deux studios différents qui avaient des bureaux de mise au point droite, deux bureaux de mise au point différents, en fait. Ce qui est très rare. y a donc pas beaucoup de monde qui a travaillé sur deux, mais je vais me taire parce que tout le monde s'en fout. Mais oui, deux bureaux de focalisation différents. Ils avaient tous les deux un son incroyable. Excellent chemin d'enregistrement, et celui de l'ISA est en quelque sorte l'un de ceux-là. C'est vraiment chouette. Universal Audio, ils ont le Solo 610, qui est leur souris pré-autonome, un autre excellent son, excellent préampli , idéal pour J'ai également mentionné le sommet là-dedans. J'ai un peu d'équipement de sommet. Ils fabriquent de très bons tubes, et c'est drôle. C'est l'une de ces entreprises. Ils font de bonnes choses, et ils ne sont pas vraiment enthousiastes. Peu de gens le savent donc, vous pouvez donc trouver incroyables offres d'occasion sur ce sommet. Donc oui, ils sont vraiment bons à regarder pour le milieu de gamme. Ensuite, nous passerons à Mike Pres, un acteur indépendant Mike Pres, un acteur indépendant Maintenant, DW Fern, une entreprise incroyable. Je parle actuellement d'un DW Fern Mike Pre, AnDeq et d'un compresseur de fougère DW Alors oui, je les aime bien. Ils sonnent très bien. DW Fern VT One est donc un incroyable Mike Pre, un tube. A Cube Tech, comme son nom l' indique, c'est aussi Tube. Ils sont absolument magnifiques, Mie Pres. Tu sais, plein de cadeaux pour eux, ça sonne vraiment bien. Et puis j'ai également mentionné l' Avalon Five. En fait, vous le verrez sur la petite photo. C'est un studio que j'avais l'habitude de partager avec un Motor Mind. Donc, une partie de cet équipement m'appartient. C'est en partie le cas. Vous pouvez y voir un Avalon M five. C'est donc l'un de nos Mie Prix, à côté de l'Avalon V Five, qui est un excellent DI Très bon son, très propre. Je n'ai pas tout à fait le genre de présence que le tube contient les tubes de la fougère et le pont tubulaire, mais un tube qui sonne très bien et qui est excellent en lui-même C'est donc une autre très bonne sorte de micro bon marché avant d'être examiné. Maintenant, il vaut la peine de mentionner les séries 500 car c'est le nouveau type de format que je dis Nu. C'est en fait, vous savez, une copie de quelque chose qui existe depuis très longtemps, mais le marché de la série 500 a récemment connu un regain d'activité. De nombreuses options différentes. Et il semblerait que Mike Prize soit quelque chose qui se passe assez souvent dans les séries 500. Il y a beaucoup d'options là-bas. Donc, si vous avez un boîtier de la série 500, en gros, le châssis du boîtier fournit l'alimentation et les prises d'entrée et de sortie. Ensuite, vous achetez ce type de modules qui peuvent s' y glisser et vous pouvez obtenir des égaliseurs, des compresseurs, des micros, des effets, etc. J'en ai une moi-même. J'ai quelques compresseurs et égaliseurs. Mike Pres n'est pas vraiment là. Hum, mais oui, c'est très utile pour acheter du format très utile pour acheter du matériel parce que vous n' achetez qu'une seule alimentation, ce qui signifie que les pièces individuelles sont un peu moins chères. Donc, si nous envisageons une gamme économique pour la série 500, il y a CAPI, une entreprise j'essaie de me rappeler ce que le CAPI représente pour produits audio classiques de l'Illinois, je pense qu'ils représentent Mais ce sont aussi des sortes de clones d'API. Vous pouvez donc le lire comme bon vous semble. Mais c'est surtout un format DIY. Je pense qu'ils viennent de commencer à ne pas faire du bricolage, où vous pouvez acheter l'article fini. Mais avec tous ces appareils de la série 500 en particulier, si vous manipulez un fer à souder, vous pouvez économiser un peu d'argent car vous pouvez vous procurer ces kits de très bons équipements, et CAPI est l'une des meilleures entreprises pour Ils font donc d'excellents micros. Ils sont comme les anciennes API. Ils sonnent vraiment très bien. Cela vaut donc la peine d'être examiné. De plus, le SSL utilise leur VHD, qui est la souris moderne que l' on voit sur toutes sortes de grands bureaux phares, comme la Si la mémoire est bonne, c'est celle qui a une petite touche sèche pour lui donner un peu plus de tonalité, ce qui est vraiment intéressant. C'est donc une excellente idée à ajouter à votre série 500. Et aussi le portique Rupert Nev. Ce sont donc les nouveautés de Rupert Neves, non le genre de vieux produits Neve, qui appartiennent désormais à une société appelée AMS Ce qui caractérise Rupert Neve, ce sont ses nouveaux designs. Ils ont un son un peu plus propre que les anciens appareils AMS Nev ou l'ancien design AMS Nev Mais ils ont quand même un bon son. Et, tu sais, tout ce que Rupert Nev touche était génial Il est intéressant de noter que les bureaux Focus Mike sur lesquels j'ai travaillé il y a Focus Mike sur lesquels j'ai travaillé vingtaine d'années ont également été conçus par Rupert Neve lorsqu' il y a brièvement travaillé Donc oui, un designer exceptionnel pour Mike Pree. Donc, tout ce qui est un design Nev sera probablement génial Maintenant, dans le milieu de gamme de la série 500, il y a le vrai Nev, l'AMS Nev Donc ça y est, le Nev 1073 est le Nev classique. C'est pourquoi je dis «  réel » parce que c'est en quelque sorte considéré comme la souris Nev classique Pre, connue dans le monde entier, et de nombreux disques ont été réalisés avec ces souris, vous le savez Il y a donc un design plus ancien. Ils recommencent avec cette société AMS Nev, afin que vous puissiez vous en procurer une série 500 Euh, une sorte de package Grace Designer, ils fabriquent des trucs très, très propres, donc ça peut être très intéressant. Ils proposent une très belle gamme de Mike Prize. Donc, le design Grace pour la série 500 vaut le coup d' y jeter un œil si vous voulez quelque chose de propre. Wonder Audio, maintenant, j'ai le Wonder Audio Mike Prize. En fait, sur cette photo, vous verrez dans le coin inférieur droit mon Wonder Audio PA Four, dont quatre Mike Prize ne sont pas au format de la série 500, mais leur cobalt correspond au format de la série 500. Et ça ressemble beaucoup au Nev 1073. Pour moi, ça sonne un peu plus fort que Wonder Audio, si vous pouvez le croire, plus que A Nev, 1073 Mais j'adore le son des chansons de Wonder Audio. C'est donc certainement une solution qui vaut la peine d'être examinée dans le milieu de gamme de la série 500. Et puis Millennia, je mixe des trucs qui étaient sur Millennia Un autre modèle plutôt épuré, comme le design Grace, un peu plus haut de gamme. Je pense que les Millennia et le Grace peut-être, mais Mike Pres est très propre, très chic et sonne vraiment bien Ensuite, nous passons au Top Dollar. Il y en a quelques-uns qui sont un peu plus chers. Et plus encore dans la zone des mille livres ici. Peut-être un peu plus de 1 000 livres. Chandler, fais le TG 2500. C'est le design des vieux bureaux EMI qui se trouvaient autrefois à Abbey Road et que les Beatles utilisaient. Pink Floyd et tous ces types d' enregistrements ont été réalisés sur ces vieux bureaux classiques Mike Ils étaient appelés bureaux EMI à l'époque, car ils avaient été conçus par les ingénieurs EMI Tout était fait maison à cette époque. Et donc ils sonnent vraiment bien. Fait intéressant, j'ai mentionné l'histoire d' Amy Winehouse tout C'était le Mike Pre avec le RCA, c'était la chaîne de signaux pour sa voix. Ensuite, vous avez l'API. Voici donc le CAPI est le clone des anciennes API de conception Et puis ici, si vous dépensez le plus cher, vous obtenez la nouvelle API créée par API. Et il y a la version 512 C ou la version V. J'ai oublié lequel. L'un d'eux, je pense que la différence, c'est que l'un d'eux a un découpage de sortie, si c'est ce que vous voulez. Donc, les réglages de sortie sur Meris signifient que vous pouvez vraiment contrôler l'entrée Si vous aimez un peu de distorsion ou de couleur sur l'entrée, baissez le découpage de sortie, et vous obtenez un niveau normal décent avec votre Mi pri, mais vous l'avez piloté assez fort Un peu comme, tu sais, introduire quelque chose dans un ampli pour guitare ou quelque chose comme ça. De toute évidence, vous ne recherchez normalement pas ce niveau de distorsion, mais cela vous donne juste un petit avantage si c'est ce que vous recherchez. sirène de Crane est un tube, et je pense que je suis presque sûr que le gars qui dirige Crane Song est le même que celui de Summit Je crois qu'il a quitté Summit, qu'il a vendu cette société, puis qu'il a lancé Crane Song, je crois. Si cela vous intéresse vraiment, recherchez-le sur Google. Je pense que c'est un gars qui s'appelle Dave Dave Way, peut-être. Quoi qu'il en soit, cela n'a pas vraiment d'importance. Ils sonnent très bien. Ça sonne vraiment très bien. de mes amis en a un, il l'a écouté un peu, ça sonne vraiment bien. Si c'est le même gars que le gars du sommet, tout ce qu'il touche, vous pouvez être sûr que c'est génial. Mais oui, la chanson Siren a valve Mike Pre qui fonctionne dans la série 500 L'autre option est donc une bande de chaînes, donc c'est un micro que vous achetez, mais il contient également un égaliseur ou un compresseur Certains ont donc un compresseur, d' autres un égaliseur, autres les deux avec le micro Pre Donc en général, vous savez, cette bande de chaîne est nommée comme ça parce qu'elle ressemble à une bande tirée d'un bureau. C'est l'ensemble du canal du bureau. Ce n'est pas la chaîne complète à cause des bureaux, vous recevez normalement des signaux AC et toutes ces sortes de choses fonctionnelles, de panoramiques et d'autres choses dont vous n'avez pas besoin là-dessus Mais c'est aussi un prémicro et un autre équipement. Donc, en le répartissant entre le budget, milieu de gamme et le meilleur dollar, encore une fois dans la fourchette budgétaire, vous n'avez pas de chance. J'ai regardé. Je n'ai rien trouvé. Certainement rien que j'ai utilisé et que je puisse recommander. Je veux dire, je suis sûr qu'il y a peut-être certaines choses, Berner fait probablement quelque chose, mais il n'y a rien que j'ai utilisé et que je recommanderais, donc désolée pour cela Et lorsque nous arrivons au milieu de gamme, SSL utilise son canal alpha logique, ce qui est excellent. C'est donc la même chose que les bureaux modernes. Donc ça sonne vraiment bien. Vous savez, vous ne pouvez pas vous tromper avec le SSL. Tout ce qu'ils font sonne bien. C'est un son qui fonctionne et qui enregistre des succès depuis les années 80. Donc, oui, ça vaut vraiment le coup d'œil. Il n'y a pas beaucoup de concurrence pour ce produit dans le milieu de gamme, ou du moins, je le répète, je ne l'ai pas utilisé. Et puis si nous passons aux produits les plus chers, ceux coûtent le plus cher, celui de Hazelw Industries VTC Maintenant, c'est une nouvelle question. C'est une sorte de niche. C'est celui que j'utilise actuellement. J'ai dit que c'était une fougère DW, mais ce sont les mêmes gars que DW Fern Et Hazel Rig, c'est un peu comme s'ils n'avaient pas les gros compteurs, les panneaux étant moins chers Ils ont donc réussi à obtenir une version moins chère de l'équipement très coûteux, mais à l'intérieur, il est toujours aussi bon. Et vous obtenez ainsi des souris Prix et DI incroyables, vous savez, ce que vous voulez utiliser, et un égaliseur vraiment très sympa C'est donc une excellente idée. Si vous avez le budget pour cela, c'est fantastique. Pour les appareils non tubulaires, vous avez le Nev 1073. Vous avez le canal lui-même, qui contient le prémicro et l'égaliseur, l'égaliseur complet dessus Je ne pense pas que le 1073 soit le cas sur la série 500 Je ne suis pas sûr que la série 500 possède l'EQ et le Mike Pre qui valent le détour Mais, tu sais, le 1073 sonne bien. C'est fantastique. Ou la version Wonder Audio. Comme je l'ai dit plus tôt, j'aime beaucoup le contenu de Wonder Audio. C'est très similaire au 1073, mais je le préfère en fait. J'ai deux de leurs bandes de chaînes, le Mike Pre et l' EQ, et ça a l'air incroyable Euh, puis Universal Audio, ils font le 6176, qui est le Mike Pre, un compresseur et un égaliseur de base et réfléchi Vous savez, les Mike Pres d'Universal Audio sont fantastiques. Le compresseur est le compresseur classique 11 76 qu' ils fabriquent depuis des décennies et qui présente tous les records d'une manière ou d'une autre. C'est donc une très bonne idée aussi. Et enfin, l'Avalon 737, que vous verrez sur cette photo d'équipement, Avon 737, qui est vraiment un beau strip Il a un compresseur, Scott EQ, Mike Pre DI, font tout. C'est un son très propre, un très beau haut de gamme, clair dans un seul boîtier. Ça a vraiment l'air bien. 15. 2.7a Autre matériel: Cette dernière section sur Gear s' intitule de manière imaginative Other Gear Ce sont donc les bits qui ne sont pas un microphone et un prémicro que vous pourriez utiliser dans le cadre d'une session d'enregistrement vocal. Nous allons commencer par l' égalisation et la compression. C'est ce que beaucoup de gens m'ont demandé. Dois-je utiliser l'égalisation et la compression lorsque j'enregistre ? Et dois-je le faire, tu sais ? Eh bien, la réponse à cette question est un peu. J'ai donc tendance à utiliser un peu d'égalisation et de compression, mais pas trop. Et la raison pour laquelle c'est en quelque sorte deux raisons. Premièrement, je ne veux pas trop changer le son parce que j'ai probablement sélectionné un micro que j'aime vraiment, vous savez, et je l'ai intégré dans un bon prémicro. Il n'est donc pas nécessaire de faire quelque chose de trop radical, et je crains que cela semble trop traité à l'arrivée avant de vraiment faire quoi que Je vais donc juste en donner un petit peu. L'autre raison, c'est que je veux vraiment me concentrer sur la performance de l'artiste. Je crée et je produis, vous savez, en même temps. Je ne veux donc pas trop penser à l'ingénierie pendant que le chanteur joue. Je veux réfléchir à leur performance et à la manière dont nous pouvons améliorer et avoir vraiment ma casquette de productrice plutôt que ma casquette d'ingénieur. Vous voyez, le risque que vous pouvez courir, c'est en surcompressant quelque chose, vous savez, par exemple, pour que vous puissiez vous concentrer sur cela ne vous concentrez donc pas sur votre performance, mais sur la performance, désolé. Ce n'est pas ma performance. Ce sont les chanteurs. Vous serez donc attiré parce que vous écouterez trop le son ou parce que vous vous concentrerez sur la performance, vous ne l' entendrez pas vraiment correctement Vous ne remarquerez donc pas que vous commencez à avoir un son qui n'est pas optimal, quelque chose qui n'est pas très bon. J'ai donc tendance à garder un œil sur mon compresseur. Le compresseur vocal que j'utilise. Quand j'enregistre assez souvent, il y a la fougère DW, qui est juste en face de C'est là que je suis assise devant mon DAW, donc je peux toujours voir le compteur bouger Je sais donc à quel point je le frappe fort en plus d'écouter. Je garde donc toujours un œil dessus, mais je n'en fais jamais trop de toute façon, sorte que cela pourrait entraîner la perte d'une ou deux bases de données tout au plus. Ce serait la compression maximale que je rechercherais dans un processus d'enregistrement. Et, vous savez, en ce qui concerne le Q, je pourrais y ajouter un peu de haut de gamme. Il y aura quelques petites choses, mais pas grand-chose. Et en fait, la clé , c'est que si vous êtes en panne, ne l'enregistrez pas à plat, enregistrez un micro décent avec un prémicro décent et laissez-en là. Et tu pourras y travailler par la suite. C'est particulièrement vrai si vous êtes relativement nouveau dans le domaine de l'enregistrement. Tu n'as pas fait beaucoup de séances. La meilleure chose à viser est un enregistrement propre, car vraiment, si le son est bon avec le micro et le prémicro, vous savez, il suffit de courir avec ça Vous pouvez prendre le risque de tout gâcher si vous pouvez l' améliorer un peu avec un peu d' égaliseur et de compression, mais le plus grand risque est de tout gâcher, puis, vous savez, l'enregistrement est terminé, les terminé, les Il est un peu tard pour le changer. Donc oui, en cas de doute, ne faites pas d'égalisation ni de compression Si vous voulez le faire, faites-le juste un petit peu, concentrez-vous sur les performances plutôt que sur l'ingénierie. C'est la position dans laquelle tu veux être. Alors quoi d'autre, d'accord ? EQ et compresseur ? Oui, qu'allons-nous utiliser d'autre pendant notre session ? Eh bien, il y a un écran anti-pop. Vous allez en avoir besoin parce que tout le monde fabrique des plosives Des plosives, ça ressemble à des P et des B, des choses comme ça. J'ai un écran rétractable devant moi en ce moment, c'est pourquoi vous ne pouvez pas les entendre exploser Mais ce qui se passe, c'est qu'il y a une grosse bouffée d'air. C'est pourquoi ils appellent des plosives lorsque vous faites ces bruits, et ils peuvent frapper le diaphragme de votre micro au point de faire un bruit de grondement, ce qui n'est pas très agréable, n'est pas très agréable Donc, votre écran anti-pop le disperse. Il en existe deux types différents. Vous obtenez le type de tissu en nylon, puis vous obtenez le type de tissu en métal. Je dois être honnête, je n'en ai jamais utilisé un en métal. En fait, j'en ai un qui se balade quelque part, il est livré gratuitement avec quelque chose, mais je ne l'ai jamais utilisé Je devrais vraiment, tu sais, juste AB, mais les nylons ont toujours été très transparents en ce qui me concerne C'est donc ceux que j'ai toujours choisis, mais ils ont un effet sur le son. Cela vaut donc la peine de le noter. Je l'ai entendu en quelque sorte sur YouTube Babies, qui je n'ai jamais totalement confiance, et j'ai entendu dire qu'il y avait une différence de son. Donc, par exemple, si vous vérifiez différents micros, assurez-vous d'utiliser le même écran chaque fois, car si vous utilisez des filtres anti-pop différents, cela affectera votre jugement anti-bruit à chaque fois, car si vous utilisez des filtres anti-pop différents, cela affectera votre jugement sur le son du micro, n'est-ce pas ? Une autre chose à retenir, c'est si un pop shield ne suffit pas, s'il y a encore des plosives, parce que c'est le style du chanteur Ils sont très détonants. Ce que vous pouvez faire, c'est vendre un ruban. J'ai tendance à utiliser du ruban adhésif ou du ruban isolant, comme on l'appelle parfois, parce qu'il a faible adhérence et qu'il ne laissera aucun une faible adhérence et qu'il ne laissera aucun résidu collant sur votre microphone Utilisez un peu de ce ruban isolant et placez simplement un crayon sur le devant de votre microphone. Et cela fait que le crayon situé devant le diaphragme disperse simplement trop de cet air Vous savez, s'il y a encore trop d'air passe à travers votre écran anti-pop, le crayon le dispersera autour du diaphragme et vous n'aurez pas autant de problèmes avec les charges. Il peut également fonctionner avec DSing. Quelques personnes m'ont demandé ce que je faisais DS lorsque j' enregistre des voix, et cela dépend en partie du choix du micro, et aussi de cette astuce au crayon qui peut vous aider à utiliser DS Ce sont les deux seules choses que je sais sur la façon de procéder pendant le processus d'enregistrement. Le reste utilise des DS par la suite. Mais si vous avez le bon chemin de signal, cela peut certainement vous aider. Ensuite, le fait de coller un crayon sur le devant de votre microphone pour qu'il disperse l'air autour celui-ci afin qu'il n'atteigne pas le diaphragme en même temps peut également vous aider Donc, la prochaine chose que je vais recommander est un filtre à réflexion, qui se trouve à l'arrière du microphone comme un mini-écran. Tu devras les envoyer, chercher cette phrase sur Google si tu ne l'as pas fait, et tu comprendras ce que je veux dire. Il y en a plusieurs marques différentes, maintenant j'ai un SEO. Demandez-leur d'en faire une très bonne. Il y en a plusieurs que vous pouvez vous procurer. Et ils agissent en quelque sorte comme un écran à l' arrière du microphone. Maintenant, il ne faut pas oublier que son entre dans le microphone principalement à l'avant. Vous enregistrez généralement les voix selon un schéma cardioïde. son arrive donc à l' avant du microphone et à l'arrière du microphone, en et à l'arrière du microphone, raison de la nature d'un schéma cardioïde capte beaucoup moins Ce n'est donc pas vraiment aussi important que ce que vous avez derrière le chanteur en termes d'écrans. Mais il se peut que vous le trouviez utile dans votre chambre. Si vous avez un salon en particulier ou si vous voulez vous protéger de quelque chose, cela peut fonctionner. En fait, je pense que c'est plutôt utile sur le plan psychologique, car un chanteur peut en quelque sorte se cacher derrière cela. Je travaille donc dans la chambre avec le chanteur. Nous sommes tous les deux dans la même pièce, et ce serait pareil si vous les mettiez dans une cabine vocale et qu'ils se trouvaient face à vous. Si vous avez un gros filtre réfléchissant , sorte d'écran comme celui-ci derrière le micro, alors si le chanteur se sent particulièrement vulnérable ou qu' ne veut pas être observé pendant qu'il fait quelque chose, alors il est debout ou assis derrière ce filtre de réflexion et ne peut pas être vu s'il ne veut pas être vu. Et cela peut être une bonne chose pour eux. La prochaine chose à prendre en compte en termes de matériel d'enregistrement, c'est le traitement de votre chambre, et qu' avez-vous pensé de l'endroit où se trouveront les chanteurs ? Si vous avez un stand mort, c'est génial. Vous avez donc éliminé toutes sortes de reflets dans votre cabine vocale. Je n'aime pas les cabines parce que j'aime être dans la même pièce que le chanteur. J'attache beaucoup d'importance à nos conversations entre deux prises de vue, et c'est très naturel quand on est dans la même pièce, suffit de retirer ses écouteurs et de commencer discuter plutôt que de parler sur un micro Talkback Donc, ce que j' ai, c'est que j'ai deux écrans placés derrière le chanteur. Ce sont donc de grands écrans. Ils mesurent en quelque sorte six pieds de haut, plus de six pieds. Le chanteur se tient devant eux. Donc, avec ces écrans derrière eux, ils ont reçu un filtre de réflexion près du micro qui fait vraiment un travail raisonnable amortissant la zone qui les entoure. Ce n'est pas parfait. Il y a un peu de vivacité, surtout s' ils chantent en retour et chantent assez fort Mais en fait, cela ne me dérange pas qu'il y ait un petit bruit ambiant qui puisse entrer là où ils commencent à le ceinturer Hum, mais le traitement de la chambre est une chose à laquelle vous devez réfléchir et il est bon d'avoir certaines options. Souvenez-vous que je l'ai dit tout à l'heure, lorsque vous écoutez votre micro , que vous écoutez l'espace autour de la voix et que vous voyez à quoi vous pensez que cela sonne. Est-ce que ça a l' air d'ajouter ? Est-ce qu'il est mort, donc il ne fait rien du tout, ou plutôt des sons creux étranges qui se dégagent parce qu'il faut peut-être un peu plus de rembourrage pour le tuer Et puis la dernière chose, bien sûr, ce sont les écouteurs. type d'écouteurs que vous possédez est important, car les écouteurs se renversent. C'est une autre question que beaucoup de gens ont posée propos du déversement d'écouteurs Donc, je dois juste mentionner que j'ai une liste de diffusion, et quand j'ai commencé à concevoir ce cours, j'ai simplement envoyé un message à ma liste de diffusion en disant : «  Y a-t-il quelque chose que vous voudriez savoir sur l'enregistrement des voix, afin que je puisse m'assurer que je pourrais l' intégrer Donc, quand je dis que les gens m'ont posé des questions à ce sujet, c' est comme si peu de courriels que j'ai reçus traitaient de ces sujets. Donc, vous savez, je devais m' assurer de les couvrir. Pour ces personnes. Donc oui, si vous n'êtes pas sur la liste de diffusion, d'ailleurs, allez sur le site mixte consultancy.com, une petite boîte apparaîtra, inscrirez votre nom, et vous bénéficierez de remises, concurrence occasionnelle, et vous apprendrez tout ce qui se passe avant que cela ne se produise Donc, oui, tu veux des écouteurs fermés. Les écouteurs sont disponibles en deux modèles, à dos ouvert et à dos fermé B. Maintenant, le son à dos ouvert est vraiment naturel. On dirait que vous êtes en quelque sorte dans la pièce avec vous, et ils sont bons pour une écoute prolongée. Je mixe. J'ai quelques paires de chaussures à dos ouvert sur lesquelles je mixe. Et c'est génial. Mais le problème, c'est qu'ils produisent beaucoup de liquide, donc ils ne sont pas vraiment utiles pour l'enregistrement, puis tout le son des pistes va se répercuter donc ils ne sont pas vraiment utiles pour l'enregistrement, puis tout le son des sur le micro Vous voulez donc des écouteurs fermés pour le chanteur. Le classique est le Bodynamic Det one hundreds, que vous verrez sur toutes les photos prises en studio, car ce sont ces superbes photos grises qui sont énormes. Ils s'assoient au-dessus de tes oreilles. Maintenant, ils ont vraiment l'air plutôt horribles. Ils ne sont pas gentils. Tu sais, les mixages ont l'air plutôt sinistres à travers eux. Mais ils sont vraiment bons pour réduire les déversements. Ils le font. Il existe des versions plus modernes comme le DT one 50s, vous savez, Beer Dynamic a amélioré ce design. Il existe donc de meilleures versions. Mais ils sont vraiment bons à renverser. J'ai tendance à ne les utiliser que lorsque je le dois, ou, vous savez, si c'est un batteur et qu'il a un clic très fort dans les oreilles, vous savez, la dernière chose que vous voulez, c'est que le clic se répande dans les 12 micros que vous avez autour de la batterie juste devant Je demande donc souvent à un batteur de présenter ses excuses aux Je vais les mettre sur DT 100 parce que c'est vraiment ma meilleure solution pour réduire les déversements. Dans mon studio, j'utilise le Sony MDR 7506. Ce sont des écouteurs que j' utilise depuis des années. La plupart des studios dans lesquels j'ai travaillé en ont parce qu'ils sont fermés, et ils offrent un très bon équilibre entre un son exceptionnel et la réduction des déversements Donc je pense qu'ils coûtent environ 80 livres ou quelque part sur ce territoire, 75 ou 80 livres. C'est donc une très bonne solution si vous voulez trouver un équilibre entre la réduction des déversements et un son de qualité. Une autre chose que vous pouvez faire pour réduire la quantité d'écouteur qui sort du casque est de compresser l'enregistrement. Moins de compression de réduire les sons forts et de faire ressortir les sons faibles. Donc, ces moments calmes entre les lignes vocales lorsque les chanteurs se contentent d'écouter de la musique et qu'il y en a un peu, la compression les fera ressortir encore plus. Peut-être que si vous en souffrez pendant votre processus d'enregistrement à d'un déversement excessif et que vous avez un compresseur en marche, éteignez-le. Ne compressons simplement pas pendant l'enregistrement. Nous nous occuperons de cela par la suite, lorsque nous pourrons, par exemple , utiliser notre automatisation vocale, l'automatisation du volume, désolé, de la voix avant de toucher un compresseur, et ensuite il y en aura moins à entrer. Je vais également vous dire ce que je vais faire dans un cours complet sur le mixage des voix Nous allons donc aborder cette question et découvrir ce que vous pouvez y faire. Mais oui, réduire la compression. Et quelle bonne règle de base est de commencer votre séance avec des écouteurs qui ne sont pas trop bruyants, afin que le chanteur sorte , mette écouteurs et qu'ils ne soient pas trop bruyants. Vous savez donc que vous allez commencer avec une bonne position pour renverser. Et s'ils sont satisfaits de ce volume, alors vous êtes bien placé car il n'y en a pas trop et les chanteurs sont contents de l'endroit où ils sont. Vous constaterez peut-être qu' ils le veulent plus fort. Ce n'est pas inhabituel. Dans ce cas, vous savez, vous devez l'augmenter, puis vous pourriez faire face à un déversement ou vous retrouver sur le territoire où cela pourrait se produire. Mais voilà. Si vous commencez par un mix plus silencieux, le casque, vous vous retrouverez peut-être au bon endroit En plus de cela, vous savez, vous obtenez une bonne performance. C'est le plus important. Un petit coup de casque ne devrait pas nuire à de bonnes performances, et il se peut que vous deviez vous contenter de le faire en tant que travail de montage après le processus d'enregistrement 16. 2.7b Autres équipements: J'ai donc récemment été interrogé sur les écrans acoustiques et les panneaux acoustiques, sur la façon dont ils devraient être disposés et sur ce qu'il faut faire à leur sujet. Je me suis donc rendu compte que je n'en avais pas beaucoup parlé dans le cours, alors j'ai simplement ajouté ce petit point. Et en fait, je suppose que la raison pour laquelle je ne l'ai pas ajoutée est peut-être parce qu'il n'y en a pas au départ, c'est-à-dire qu'il n' y a pas de règles strictes quant à ce que vous devez faire. Parlons donc simplement de leur utilité. L'idée est que si vous chantez simplement dans une pièce, vous pouvez obtenir tous les reflets de la pièce et tout rebondir dans le micro, et bien souvent ce n'est pas ce que vous voulez Si vous êtes dans un véritable studio de post-production conçu acoustiquement, vous en voudrez peut-être un peu Vous voudrez peut-être un son live puissant. Vous n' utiliserez donc peut-être pas beaucoup d'écrans, voire aucun. Mais en général, vous ne voulez pas ce genre de réverbération et de reflets précoces de la pièce dans votre micro lorsque vous enregistrez une voix car vous souhaitez travailler avec une voix assez sèche Vos écrans acoustiques et votre traitement acoustique sont donc ce que vous faites pour obtenir cette sécheresse autour de votre voix plutôt que du son ambiant. Et il existe de nombreuses façons de le faire, et il existe de nombreux types de budgets différents que vous pouvez y consacrer. J'ai fait un enregistrement dans un placard avec comme une couverture Duve derrière le chanteur, et c'était un placard à vêtements, donc il y avait plein de vêtements, donc tout était vraiment absorbant Puis une couverture derrière pour l' aider à le tuer encore plus. Et ça a vraiment marché. C'était un environnement complètement mort. Elle pouvait donc chanter autant qu'elle le voulait, aussi fort qu'elle le souhaitait, et il n'y a pas eu de réflexion initiale. y avait rien de dur, de dur ou d'étrange là-dedans. C'était donc génial. Si vous construisez une pièce, vous devriez probablement aménager un petit espace, comme une cabine pour moi J'ai juste un coin de mon studio sur lequel j' ai juste quelques écrans, c'est suffisant, et tout est proche de la voix. Donc, comme je l'ai fait , j'ai un écran juste derrière le chanteur, puis un autre sur le côté parce que c'est près d'un mur de briques. Donc, celui du côté élimine en quelque sorte les reflets du mur de briques. Et puis avec un filtre réfléchissant dans le dos et un microphone, pour moi, cela resserre suffisamment l' environnement autour la voix pour obtenir un son sec et de bonne qualité Donc, pour toi, c'est peut-être différent. Il se peut que vous deviez en faire plus ou moins, selon la taille de votre pièce. Cela a un effet énorme sur la taille de votre pièce et sur l'angle des murs. Il y a toutes sortes de choses que les acousticiens seront en mesure de vous dire Mais je dirais qu'il faut faire de prudence et qu'il faut plus d' amortissement que ce dont vous pensez avoir besoin. Je suis peut-être presque superstitieuse à ce sujet, mais quand j'installais les écrans, et c'est alors que j' étais dans de grands studios , que j'aidais et que je devais installer tous les écrans, je n'utilisais pas les angles droits . Le peu que je connais en acoustique, c'est que les angles droits dans les pièces sont mauvais pour l'acoustique et le son qui circulent. peut-être presque superstitieuse à ce sujet, mais quand j'installais les écrans, et c'est alors que j' étais dans de grands studios aidais et que je devais installer tous les écrans, je n'utilisais pas les angles droits Le peu que je connais acoustique, c'est que les angles droits dans pièces sont mauvais pour l'acoustique et le son qui circulent Et même s' il s'agit évidemment d'un matériau absorbant, il ne doit donc rien refléter. C'est pourquoi je pense que je suis peut-être un peu superstitieux à ce sujet Mais je ferais au moins un écran derrière le chanteur, parce que si vous pensez que le micro pointe dans cette direction. Ainsi, tous les sons qui rebondissent sur le mur situé derrière et qui reviennent vers l'avant ont une chance d' entrer dans le micro Donc, un écran derrière le chanteur empêche ces rebonds directs dans le micro Et puis, si vous le pouvez, ou si vous en avez besoin, un ou deux sur les côtés du chanteur, juste pour empêcher ces objets d'entrer par les parois latérales et d' entrer dans le micro C'est donc vraiment une sorte de principe auquel vous pensez, puis la façon dont vous aborderez cela et comment vous ferez dans votre studio sera très individuelle pour vous. Une chose que je dois dire, c'est que YouTube propose de nombreuses bonnes vidéos sur la façon de créer vos propres écrans acoustiques si vous ne voulez pas en acheter. C'est un travail relativement simple. C'est un travail très bon marché. Hum, et si vous avez le temps, vous pouvez faire quelque chose de vraiment sur mesure pour votre studio qui répond parfaitement à vos besoins, qui est de la bonne taille et qui va jusqu'au plafond ou quoi que ce soit d'autre que vous voulez faire Cela vaut vraiment le coup d'y jeter un coup d'œil si vous voulez entrer dans le vif du sujet. Donc, oui, c'est ça. Juste un peu sur les écrans acoustiques. Et j'espère, vous savez, que vous pourrez l'utiliser pour construire votre propre studio lorsque vous en aurez l'occasion. 17. 3.1 Chapitre 3 Introduction: Nous en sommes maintenant au chapitre trois, et il s'agit en fait du processus d'enregistrement. Nous avons donc déjà fait une bonne partie du travail. En fait, je dirais que nous l'avons fait en grande partie. Et maintenant, nous passons au processus d' enregistrement et de capture d'une prise. Ce que je veux que tu te souviennes, c'est que nous avons fait toute cette préparation. Ne vous contentez pas d'atteindre un record sans les autres considérations que nous devons prendre en compte. agit donc de la dernière étape pour obtenir une performance vraiment excellente . Prenez bien note de ce que nous allons suivre dans ce chapitre, des conférences à venir et assurez-vous simplement de mettre toutes ces choses en pratique également. C'est le point crucial de toute la psychologie que nous avons étudiée. C'est là que vous pouvez réaliser tout cela et mettre en pratique tout ce que vous avez fait. Il convient également de garder à l'esprit que pour ce processus, vous devez porter votre chapeau d'ingénieur et de producteur. Les deux tâches seront exécutées pendant que vous enregistrez. Vous savez, vous êtes ingénieur, mais vous voulez vous concentrer sur le fait d'être producteur. C'est à cela que servent tous les préparatifs. La raison pour laquelle nous avons fait toute cette préparation, et certaines petites choses également mentionnées dans la prochaine conférence. La raison pour laquelle nous faisons tout cela est de minimiser les erreurs et de porter votre chapeau d'ingénieur le moins longtemps Vous devez porter un chapeau autant que possible pendant le processus d'enregistrement. Toute cette préparation est donc terminée, alors j'espère que rien ne devrait mal tourner. La loi de Murphy et tout ça, mais j'espère que tout ira bien. Ce que nous voulons vraiment faire, c'est pouvoir concentrer sur la performance en tant que producteur. Vous écoutez la façon dont le chanteur chante, vous écoutez la façon dont il parle, et vous vous demandez si nous pouvons tirer le meilleur parti du chanteur et de cette performance, et vous ne vous demandez pas si j'ai trop mis le compresseur en marche le meilleur parti du chanteur et de cette performance, et vous ne vous demandez pas si j'ai ? Tu sais, est-ce que les niveaux atteignent trop fort ? sortir de mon studio, je garde Pour sortir de mon studio, je garde mes McAmps très près de l'endroit où je peux les voir lorsque j'enregistre Donc, s'il y a des lumières de surcharge, vous savez, je les verrai, donc je sais qu' elles se produisent. Mais en général, j'ai fait beaucoup de réglages à l'avance, donc je sais qu'il y a très peu de chances que nous entrions dans ce genre de zone. C'est pour cela que vous vous préparez. Mais de toute façon, prenez beaucoup de notes. Il y a beaucoup de choses à aborder dans cette section la psychologie de la façon dont nous nous y sur la psychologie de la façon dont nous nous y prenons pour obtenir la meilleure performance la journée avec le chanteur. Alors oui, profitez-en bien, et je vous verrai au chapitre quatre. 18. 3.2 Tests: Nous sommes maintenant dans le processus d'enregistrement, et la première chose à faire est vraiment de régler votre configuration. Nous supposerons donc, vous savez, que Mike est dans les stands et que nous avons fait tout cela, mais nous avons tout vérifié lors de l'installation. Et maintenant, juste avant que nous ne sachions vraiment, le chanteur passe à l'acte, ce que nous allons faire, c'est simplement tester à nouveau. Vous pouvez voir une légère erreur commise par cette personne dans sa configuration : le microphone de droite n' est pas branché Ce serait donc une évidence. Quoi qu'il en soit, vous recherchez tout ce que vous avez déjà testé et qui pourrait avoir mal tourné pendant la période de repos entre configuration et la réalisation, car nous avons déjà tout testé. Nous le savons. Mais c'est une loi rendue célèbre par le capitaine Edward A Murphy, qui a dit à propos de son assistant que si vous pouvez trouver un moyen de mal faire les choses, il le fera, ou aussi maintenant, elle est en quelque sorte traduite comme suit : tout ce qui peut mal tourner tournera mal. Supposez que les choses auront mal tourné au moment où vous les avez laissées , afin de les vérifier à nouveau et de vous assurer que ce n'est pas le cas. Et encore une fois, nous vérifions toute la racine. La meilleure façon de le faire est donc de se tenir devant le micro avec le casque allumé, canal DAW ouvert comme si vous étiez le chanteur, et de vérifier la racine Assurez-vous que vous pouvez vous entendre, que les niveaux sont bons. Vous savez, quelle que soit la configuration que vous avez configurée, les réverbérations et autres éléments de la DAW, et autres éléments de la DAW, ils fonctionnent tous, et il n'y a pas de crépitement, il n' y a pas de bruits étranges Tout va bien Et puis, encore une fois, faites le tour de toutes les pistes juste au cas où, vous savez, il y aurait un contact étrange, quelque chose ne tournerait pas rond Il suffit de déplacer tous vos prospects. Je veux dire, c'est quelques secondes de travail. Donnez-leur un petit coup de pouce, assurez-vous que rien ne coupe. Quand tu fais ça. Tout fonctionne toujours, puis vous êtes prêt à partir en toute confiance. 19. 3.3 La configuration physique de la pièce: Dans cette conférence, nous allons parler de la configuration physique réelle de la pièce, c'est-à-dire des objets qui s' y trouvent, de l'endroit où nous les plaçons et de ce que nous devons retenir pour avoir déjà installé la pièce. Écrans ou cabine. En fait, je ne suis pas un grand fan des cabines pour enregistrer des voix Je me rends compte qu'il y a un avantage technique dans le fait que si j'ai une cabine, je peux écouter de la musique bien fort dans la salle de contrôle , et dans la cabine, cela ne se répercutera pas sur ce qu'ils font au micro. Il y a donc une bonne séparation technique du son entre les deux pièces différentes. Et si je n'aime pas ça, c'est parce que j'aime être dans la pièce avec le chanteur. les moments où vous retirez les écouteurs et que vous discutez du rôle et de ce qu'ils font, vous savez, et je suis sûr que vous ne serez pas surpris maintenant, pour moi, les aspects psychologiques de la performance sont les plus importants. J'aime donc être dans la même pièce que le chanteur pour parler de ces choses. C'est plus naturel et je pense que je peux aller un peu plus loin en étant dans la même pièce. Mais si vous n' avez pas l'intention d'avoir de stand, il est bon d'installer des écrans pour que le chanteur soit en quelque sorte fermé en termes d'acoustique. Ainsi, vous ne captez pas trop le son de la pièce qui les entoure et vous obtenez un son vocal sec et propre. Il y a donc quelques écrans à la ronde. Vous pouvez voir sur cette photo verte qu'ils ont, vous savez, ce genre de diffuseurs absorbants, et ils ont également un filtre réfléchissant. Il y a donc plusieurs choses à faire pour essayer d' atténuer le son qui entoure le chanteur Donc, des écrans ou un stand, selon votre style selon votre style de producteur ou d'artiste, ce que vous préférez. Pour ce qui est de la climatisation et de l'arrêt du téléphone , nous ne voulons évidemment pas que du bruit se fasse entendre au milieu de ce que nous faisons Nous ne voulons pas nous laisser gâter par sonnerie d'un téléphone ou le bourdonnement soudain d'une unité aérienne Donc, si vous pouvez les désactiver avant de démarrer la session ou du moins avant de commencer à enregistrer, cela signifie qu'un enregistrement ne sera pas détruit par quelque chose qui aurait pu être désactivé et que le problème ne s'est pas produit. Maintenant, la position du mictnd. Il s'agit plutôt de placer les chanteurs debout, s' assurer que le micro est dans une position confortable pour eux en ce qui concerne les pieds du micro. Par exemple, ils ne vont pas commencer à le botter parce que les pieds du support de micro sont dans position où se trouveront leurs pieds J'ai donc tendance à, vous savez, si les chanteurs dans la cabine les suivent dans la cabine quand ils entrent , ou, vous savez, s'ils sont debout dans mon studio derrière moi, vous le verrez dans une minute. Et où ils vont. Quand ils se tiennent là, je vérifie simplement où ils se tiennent pour s'assurer que c'est confortable et qu'ils ne le sont pas. Ils n'ont pas l' air d' essayer de se tenir debout autour du support du micro parce que le problème est que vous pourriez finir par vous le faire c' est que vous pourriez finir par vous le faire botter et que cela envoie un gros boom dans tout le micro De plus, si pour une raison ou une autre, vous avez plus que mon support de micro, vous en avez peut-être un autre qui tient les paroles. Je vais y revenir dans une seconde, ou il se peut qu' il y ait un autre support qui maintient le pare-chocs vers le haut ou pour toute autre raison. Ne superposez pas les pieds, car cela signifie juste que si l'autre support sans micro est touché, si ces jambes se touchent, alors cette perche pénétrera directement dans votre micro. Donc, si vous avez plusieurs supports à proximité du support avec le microphone allumé, assurez-vous simplement qu'ils ne se touchent pas. Et aussi, une petite remarque, si vous regardez dans le coin inférieur droit de cette photo, fait qu'un chanteur tienne le micro va émettre toutes sortes de bruits, de détonations et de détonations horribles dans le C'est donc un non. Si un chanteur doit tenir un micro pendant qu'il joue, donnez-lui en un autre, pas celui des microphones Et d'ailleurs, en fait, ce genre d' idée d' un chanteur ayant besoin d'accessoires pour chanter Ce n'est pas si inhabituel. Je sais que j'ai oublié le groupe, mais il y avait un chanteur, un très grand groupe de rock, et il jouait également de la guitare. Ce qu'il a fait quand il a chanté, c'est qu'il a pris une guitare sans cordes, et il a en quelque sorte fait semblant de la jouer parce qu'il avait besoin impression de le faire pendant qu' il interprétait sa voix, et cela lui a donné une meilleure performance vocale et cela lui a donné une meilleure Donc, toutes ces choses sont bonnes. Juste celui que fait ce type ne va pas bien parce qu'il va mettre des franges et des grondements dans le micro pendant qu'il chante dedans Il a donc besoin d'un autre support de micro auquel s'accrocher pour qu'il se sente à l'aise. OK, donc dans le micro et le schéma de captation du microphone. C'est donc une belle photo parce que c'est comme si zonée sur le sélecteur de commande Comme vous pouvez le voir, c'est sur cardioïde. Cardioïde qui vient du mot qui signifie cœur, en quelque sorte en forme de cœur J'ai entendu dans d'autres langues parler de la forme du poumon, ce qui, à mon avis, est en fait plus précis que la forme du cœur, mais cela n'a pas d'importance. cardioïde est l'endroit où il capte essentiellement ce qui se trouve devant lui, ce qui se trouve devant le microphone Omni est une autre option. Vous pouvez également y voir le chiffre huit. chiffre 8 capte exactement devant et derrière, et Omni capte complètement le micro C'est le schéma de ramassage. Et cela dépend en quelque sorte de ce que vous faites. La plupart des gens utiliseraient le cardioïde pour chanter. Cela élimine en quelque sorte le son. Vous ne captez que ce qui sort de la bouche du chanteur et vous vous débarrassez du son qui l'entoure. Si vous êtes dans une pièce particulièrement belle et que vous voulez y trouver un peu de cela, vous pourriez peut-être choisir Omni Ou si vous avez un chanteur qui se déplace beaucoup d'un côté à l'autre, cela posera moins de problème avec un micro en position omnidirectionnelle Mais pour être honnête, s'ils bougent beaucoup d'avant en arrière, ce qui a tendance à être plus problématique le chanteur ne reste pas dans la même position, l'omni ne vous y aidera pas vraiment En fait, si vous voulez compresser et plus la voix de haut en bas un peu plus la voix de haut en bas à cause de cette position, le fait que Mike soit en omni et qu'il attire une plus grande partie de la pièce pourrait en fait vous être défavorable Donc, un autre aspect de la différence à prendre en compte entre l'omni et cardioïde est l'effet de proximité, qui permet au chanteur de se rapprocher du micro pour obtenir une sorte de son inférieur plus intime. Voilà, je vais le faire. Je vais me concentrer sur celui-ci, et vous obtiendrez une sorte de son plus épais et plus intime, son plus épais et plus intime moins évident sur omni et plus évident sur cardioïde Donc, si vous voulez le faire, vous feriez mieux de prendre du cardioïde pour obtenir cet effet Donc oui, il est fort probable que vous utilisiez le cardioïde, mais ce ne sont là que quelques-unes des raisons pour lesquelles vous devriez plutôt opter pour l'omni Une autre chose à prendre en compte est d'imprimer les paroles. Vous pourriez en vouloir un vous-même si vous êtes le producteur et qu'il y a un autre artiste ou, évidemment, si vous produisez vous-même, vous n'avez besoin que d'un seul set. Mais avoir les paroles imprimées et prêtes, c'est bien, et c'est un support pour les mettre. Si vous n'avez pas de pupitre, utilisez un autre support pour micro avec les paroles collées au bout et soulevez-le simplement pour que les paroles soient à la bonne hauteur C'est une façon très utile de conserver les paroles, ce qui convient au chanteur. Et aussi léger. Évidemment, nous avons parlé d'éclairage froid, mais c'est ce que je voulais dire dans le chapitre précédent. Mais ce que je veux dire ici, c'est qu' il y a suffisamment de lumière pour voir les paroles. Donc, si le chanteur a besoin de paroles pour chanter, il a probablement aussi besoin de lumière pour les voir. Votre éclairage d'ambiance est donc évidemment très important, mais ne perdons pas la capacité de lire les paroles. Et puis une petite table à proximité, évidemment très utile pour mettre de l'eau au téléphone ou quoi que ce soit d'autre, juste un de ces petits éléments de luxe, de petits équipements pratiques. De plus, votre écran anti-pop devrait être prêt. Cela devrait toujours être là. Et peut-être aussi votre crayon ou votre stylo avec un bout de ruban isolant au cas où le pare-chocs ne suffirait pas à le couper. Vous avez besoin d'un peu d'aide supplémentaire ou d'aide avec DSing. Et puis le fait d'être armé et prêt à ne fait que faire ne fait que accélérer les choses si vous avez besoin de vous lancer et de le mettre dedans. Il est donc juste utile de l'avoir à portée de main. Et vous pouvez voir, œil, le genre de coin où j'ai tendance à faire du chant. Il y a des écrans placés tout autour de la hauteur vocale. C'est mon ADK, qui est très sympa. Vous pouvez y voir des écouteurs accrochés. Ils ont leur propre réglage du volume pour ce petit tabouret qu' ils peuvent utiliser comme table. Il y a un pupitre avec de belles lumières allumées. Et oui, c'est généralement distance que je démarrerais le pop shield, puis je le modifierais si nécessaire. Et oui, 20. 3.4 Configuration de Singer: Notre prochaine étape consiste donc à nous préparer pour le chanteur. De toute évidence, c'est un peu plus proche de l'arrivée du chanteur que d'être ici. Il y a un peu de choses que vous faites à l'avance, mais vous savez, vous le faites en quelque sorte davantage le jour même. Bien que vous puissiez le faire la veille. Aucune raison de ne pas le faire. Alors voilà. Nous allons commencer par les écouteurs, et ce que vous faites, c'est préparer leur mixage pour écouteurs Donc, ce qu'ils entendent pendant qu'ils chantent, il est probable qu'ils voudront que leur voix soit un peu plus forte que d'habitude Nous y reviendrons dans une seconde. Mais le mix sur lequel ils entendront chanter tient compte de quelques considérations. Tout d'abord, mixez avec le casque du chanteur allumé. Vous l'entendez donc avec les mêmes écouteurs qu'eux. Vous savez, si vous avez différents modèles d'écouteurs dans votre studio, vous ne voulez pas faire quelque chose qui sonne sur une paire en particulier, puis vous enfilez ceux que les chanteurs ont achetés, c'est-à-dire des écouteurs différents , et ça ne sonne pas aussi bien mieux est donc de prendre les écouteurs des chanteurs et de faire le mixage avec ces écouteurs, afin de savoir que le son sonnera bien lorsqu'ils les écouteront. Maintenant, il y a une possibilité. Parfois, cela ne revient pas très souvent, mais parfois, si un chanteur continue de demander à en avoir plus lui-même, il est tout à fait normal qu'il ait, vous savez, un volume plus fort, vous savez, que vous n'en auriez eu dans un mix Mais s'ils continuent à en demander plus eux-mêmes, essayez simplement d'inverser la phase sur la chaîne au fur et à mesure qu'elle revient Vous pouvez normalement obtenir un branchement très, très simple, vous savez, sans latence, et il y a un bouton de phase dessus. Alors mettez-le sur leur chaîne. Inversez la phase, car il peut y avoir un petit problème de phasage qui signifie qu'ils ne s'entendent pas correctement. Ils sont en quelque sorte en train de s'annuler. Cela peut donc être une petite astuce qui leur permet simplement de s' entendre un peu plus clairement afin que le bruit ne soit pas trop fort parce que vous ne voulez pas trop se renverser. Vous ne voulez pas qu'ils continuent de changer les choses. Et aussi, vous voulez pouvoir entendre des choses. Donc oui, cela peut parfois fonctionner. L'autre truc, c'est à une oreille près. Maintenant, c'est quelque chose que certains chanteurs font naturellement. Certains chanteurs savent que c'est une bonne idée. Mais s'ils ne valent pas la peine d'être évoqués, cela les aide vraiment à régler Ils peuvent ainsi s'entendre beaucoup plus clairement s'ils ont une oreille ouverte et une oreille ouverte sur les écouteurs. Hum, cela vaut la peine de garder à l'esprit, évidemment, tout ce qui se passe dans votre casque, s'il est tourné sur le côté qu'ils n' ont pas écouté , s'il est tourné sur le côté qu'ils n' ont pas écouté, alors cela fera une différence dans ce qu' une différence Donc, soyez conscient de cela et de tout ce qui est critique, demandez-vous simplement je perds quelque chose, peut-être qu' il vaut mieux se situer entre les deux. Vous savez donc que même s' ils arrachent l'oreille la remettre en place, ils l'auront toujours dedans. Donc, en parlant de l' endroit où vous planifiez des choses et d'autres choses, vous devez également configurer votre session dans votre DAW Il y a une jolie photo d' logiciel DAW que je n'ai pas utilisé Je suis sûr que c'est génial. Donc des marqueurs de session. Les marqueurs de session sont évidemment très utiles pour se déplacer la piste et s'assurer que vous parlez de la même section. Donc, lorsque votre chanteur parle de pont, le pont en est un bon exemple, car c'est un peu comme un américanisme que d' appeler le Middle Eight le pont Nous l'appelons Middle Eight. Ils l'appellent pont. Et puis, de même, certains Anglais appelleront le pré-refrain le pont Il est donc préférable de régler ce genre de confusions à l' avance, sinon cela peut devenir frustrant et ennuyeux pendant que vous êtes en train d'enregistrer Donc, si vous définissez vos marqueurs, vérifiez simplement que vous parlez mêmes sections avec les mêmes noms avec votre chanteur, puis vous pourrez passer assez rapidement d'une chanson à l'autre. Maintenant, voici un autre instrument sans fretless. instruments sans fretless, aussi magnifiques soient-ils , vous courez le risque qu'ils aient de légers problèmes de réglage C'est en quelque sorte la nature d'un instrument sans frettes. Donc, évidemment, les basses sans fretless vous viendront à l'esprit parce qu'elles contiennent le mot fretless Mais il y a beaucoup d' instruments à cordes qui n'ont pas de Réfléchissez donc un peu à ce qui se passe pendant votre séance. Y a-t-il un instrument sans frettes dedans qui pourrait avoir des problèmes de micro-accordage qui dérangeront votre chanteur et lui compliqueront la tâche, s'il en est ainsi, désactivez celui-ci ? Vous savez, voyez à quel point vous pouvez vous en tirer sans utiliser cet instrument dans votre mixage pour casque , afin de faciliter le travail du chanteur Et aussi de la réverbération vocale. Tu sais, mettre une sorte de réverbération. J'ai tendance à utiliser une assiette comme point de départ, parfois comme moyen de transport, mais c'est bien d'avoir quelque chose dessus, qu'ils ne chantent pas à sec. Et si vous commencez par cela, encore une fois, nous suivons ce processus leur permet de se sentir à l' aise, car nous avons un environnement professionnel dans lequel tout est déjà fait pour eux. Configurez-le donc avec un peu de réverbération que vous pourrez ensuite ajuster au fur et à mesure Et enfin, juste leur position physique. Où se situent-ils par rapport au micro ? Ce que j'utilise souvent, c'est le pop shield pour leur donner un petit guide. Je vais donc placer le pare-choc quelque part. En général, les chanteurs se trouvent à un pouce ou deux du pop shield, donc je les place là où je veux qu'ils soient. Et puis, évidemment, vous pouvez utiliser votre relation, votre relation physique avec le micro à votre avantage. Parce que si vous vous approchez très près d'un microphone, lorsqu'il est en position cardioïde, lorsqu'il est réglé sur une position cardioïde, la proximité du microphone donne un peu plus de bas de gamme, et en quelque sorte nous pouvons aussi traduire cela par « Je te vois de plus en plus Voici le chanteur qui se rapproche, et nous traduisons cela par quelque chose de plus intime. Cela peut donc être utilisé de manière assez efficace. Si vous avez besoin de mettre en valeur une sorte de texte et que vous voulez quelque chose de plus intime, alors la proximité du micro peut fonctionner, tout comme s' ils doivent être forts, les faire revenir un peu en arrière pour ne pas surcharger les choses, juste les amener à se pencher un peu en arrière Et vous pouvez utiliser votre positionnement en tant que bouclier pop comme un guide pour le chanteur afin de lui montrer où peut se trouver un bon point de départ. 21. 3.5 Enregistrement de la voix principale - Communication: Maintenant, cette conférence est entièrement consacrée à la communication et à la façon dont nous communiquons tout au long du processus d'enregistrement. Donc avant, c'est avant d'enregistrer, mais c'est le jour de l'enregistrement. La première chose que j'aime faire est discuter des horaires de la journée. Nous sommes donc avec, vous savez, un groupe ou un artiste, et nous allons simplement passer revue le plan de la journée, le planifier. Pourquoi ne pas faire ceci et ensuite cela ? Et cela signifie que vous avez cette discussion avec tout le monde, vous savez, s'il y a plus d' une personne avec tout le monde, et vous obtenez également des informations de leur part sur la façon dont cela fonctionne pour eux parce que cela et vous obtenez également des informations de leur part sur la façon dont cela fonctionne pour eux parce que cela ne sert à rien d'avoir une bonne idée de la façon dont les journées vont se dérouler, mais le guitariste doit partir à 16 heures et vous pensiez qu'il allait faire son enregistrement à cinq heures. Alors ayez cette conversation, découvrez comment le plan fonctionne pour tout le monde. Et puis cela signifie qu' une fois que vous avez un plan, vous savez, que tout le monde connaît, au fur et à mesure, tout le monde sait quand il sera le prochain à faire et à quel moment il aura à jouer. Et aussi, vous pouvez contourner ce problème et le guitariste a d'abord besoin du piano avant de faire ses morceaux Vous avez donc bien compris et ainsi de suite. C'est vraiment bien de discuter des horaires et cela permet aux gens de vouloir vous faire savoir comment leur journée doit se dérouler et de faire savoir à tout le monde quand ils vont se lever y a donc pas de surprises et tout le monde est prêt à partir quand ce sera son tour. L'autre chose à faire est de laisser un peu de temps au chanteur pour s'échauffer Tous les chanteurs n'aiment pas s'échauffer, mais je demande toujours parce que souvent ils ne le demandent pas. Ils ne disent pas : « Tout le monde peut s'échauffer ». Je pense que certains chanteurs pensent que lorsque vous entrez dans un studio, il suffit de prendre le micro et de commencer à chanter et cette chanson glorieuse en ressort. Et vraiment, il n'y a pas beaucoup de chanteurs dans le monde qui travaillent comme ça. La plupart ont besoin d'une sorte d'échauffement. Pour mettre leur voix, vous savez, leurs muscles au bon endroit afin qu'ils puissent vraiment les utiliser autant que possible. Je leur suggère donc toujours de s'échauffer, qu'ils le veuillent ou non, c'est totalement cool, mais l'option est ouverte. Et si vous avez cette option, une pièce ou un espace séparé où quelqu'un pourrait se rendre pour faire un échauffement vocal en toute intimité est vraiment une bonne chose parce que je ne sais pas si vous en avez déjà entendu une auparavant, mais cela semble assez étrange d' entendre quelqu'un faire tous les bruits nécessaires pour réchauffer les muscles sa gorge et son lèvres et tout le reste. Les gens ont donc tendance à ne pas aimer avoir un public lorsqu'ils font leurs échauffements vocaux. Ils peuvent également être très bruyants. Donc oui, il ne faut pas oublier si vous pouvez obtenir un petit espace qu'ils peuvent utiliser en privé pour s'échauffer, alors, vous savez, environ une demi-heure avant de commencer à enregistrer, c'est vraiment une bonne idée. Ensuite, quand ils prennent le micro, je parle simplement de ce que nous allons faire et général, de la façon dont j'aime faire l'enregistrement, de la procédure à suivre. Il s'agira donc de quelques prises au début où ils seront juste en train de réfléchir à l'idée, écouter le mixage pour casque, et nous ferons le bon choix, afin qu'ils puissent me donner beaucoup de commentaires sur le mixage pour casque Et pendant que je m'occupe des parties techniques, je joue avec un jeu, en le mettant directement sur le prémicro. Et si j'ai un compresseur et égaliseur sur le pouce, je fais les choses correctement Je viens donc d'expliquer qu'il y aura quelques prises où les choses changeront en termes de niveau, mais écoutez le mixage du casque, assurez-vous de pouvoir entendre tout ce que vous voulez entendre Et je dis simplement, vous savez, dites simplement d'arrêter à tout moment parce que vous voulez que quelque chose change, puis nous le changerons et nous nous assurerons que c'est génial. Donc, si vous leur expliquez cela et que vous dites ensuite, vous savez, alors nous allons commencer à faire quelques prises, et j'aime bien obtenir beaucoup de prises, c'est bon pour les munitions pour la compilation, alors votre chanteur sait que si vous faites quelques prises, n'est pas parce qu'il se trompe ou qu' il n'est pas assez bon C'est simplement que vous recevez un tas de munitions pour la compilation. Donc, quel que soit le moment où vous faites la composition, qui consiste à compiler les meilleurs aspects du chant, vous avez de très bonnes choses Donc, expliquer cela signifie qu' ils sont en quelque sorte préparés mentalement à ce que cela se produise. Et puis aussi, je dirais, peut-être que nous pourrions nous concentrer sur le couplet abord ou sur la façon dont cela fonctionne pour votre voix ? Est-il préférable que nous fassions d'abord le refrain ? Parce que c'est plutôt une ceinture ? Vous feriez donc mieux de le faire après avoir terminé le couplet, et vous serez encore plus échauffé, ou vous feriez mieux de le faire d'abord quand vous aurez toutes vos forces, puis nous ferons les versets ensuite parce qu'ils sont un peu plus froids Toutes ces choses valent donc la peine d'être abordées afin que vous puissiez les suivre de la bonne façon ce qui convient le mieux au chanteur et à sa voix. Et l'étape suivante est ce que j'appelle l'heure du conte. Maintenant, ce n'est pas l'heure du conte comme nous l'avons fait plus tôt dans ce cours, où je vous ai donné un exemple de ce que j'ai fait qui illustre en quelque sorte ce point Quand je suis avec un chanteur, c'est à l'heure du conte que nous parlons des paroles Maintenant, je suppose qu'en raison de la nature de la musique que j'ai tendance à faire, j'ai tendance à travailler avec des chanteurs qui ont écrit la chanson eux-mêmes, moins les paroles eux-mêmes Les paroles peuvent donc être quelque chose de très, très personnel. Mais même si ce n'est pas le cas, c'est une très bonne idée de discuter des paroles toute façon afin que le chanteur puisse les comprendre. Ce que je cherche à faire, c'est essentiellement ramener le chanteur au point où il était émotif lorsqu'il a décidé d'écrire cette chanson et d' écrire ces paroles. Parce que ce que nous voulons faire au micro, c'est avoir un chanteur qui soit émotionnellement au bon endroit pour vraiment exprimer l'émotion qu'il essaie transmettre et livrer la chanson comme elle est censée être. Alors je leur parle. Je leur pose beaucoup de questions sur ce que signifie cette ligne ? Que signifie cette ligne ? Pour qu'ils parlent tout au long de la chanson et qu'ils m'en racontent vraiment l'histoire. Ce que je fais aussi, c'est demander quelles émotions je suis censé ressentir. Parfois, cela peut ne pas être aussi clair. Je vais donc dire quelque chose comme : Est-ce que cette phrase est en colère à ce stade, ou est-ce que c'est plutôt une sorte de bouleversement et un peu déprimé à ce sujet ? Savez-vous quelle est l'émotion que je suis censé ressentir en tant qu'auditeur ? Quand j'entends ces paroles. Alors je sais ce qu'il faut rechercher , parce qu'une fois que j'ai senti que je les ai entendus chanter comme ça et que j'ai ressenti les paroles, l'émotion que je suis censée exprimer dans ces paroles, alors je sais que nous avons une bonne idée et que nous pouvons passer à la partie suivante Donc oui, l'heure du conte joue un rôle vraiment très important dans le chant, du conte joue un rôle vraiment très important dans le parce que c'est là que vous, en tant que producteur, apprenez ce que vous êtes censé penser de cette chanson C'est là que l' artiste a l'occasion d' entrer réellement dans sa psychologie et dans son émotion afin de pouvoir l'exprimer correctement. Alors maintenant, pendant la chanson, que faisons-nous pendant que nous sommes en train de suivre ? Eh bien, pendant que je demande une autre prise, pour que cela ne me paraisse pas si aveugle, je vais expliquer ce que je recherche dans cette prise. Donc, quand quelqu'un a fini, vous savez, un verset et qu'il se dit, reprenons-le et cette fois, le pouvez-vous ? Ensuite, je ferai une suggestion qui, espérons-le, nous rapprochera de ce que nous voulons en termes de livraison, qu'il s'agisse du pitch, du timing du ton de la voix ou quelque chose comme ça Vous savez, j'aurai une idée en tête de l'endroit où nous voulons être, alors je vais juste leur en donner une ou deux Et ne surchargez pas. Vous savez, c'est suffisant pour apprendre à chanter de toute façon sans avoir trop de notes de direction. Donc, juste une ou deux petites choses auxquelles ils pourraient penser et qui pourraient nous rapprocher de ce que nous sommes. Et puis, une fois qu'ils les auront, si j'en ai, quatre choses que je veux qu'ils apportent, vous savez, j'en suggérerai deux et nous ferons peut-être quelques prises jusqu'à ce qu'ils les obtiennent, et cela fait partie de leur performance alors. Ensuite, j'apporterai les autres et je partirai, super. Pouvons-nous maintenant également essayer de le développer de cette manière ? J'explique donc ce que je recherche tout le temps et je demande que la prochaine prise soit un peu plus X afin que nous sachions où nous allons et comment nous allons avancer. Je pense que l'une des choses les plus utiles on puisse avoir en tant que producteur dans ce genre de scénario, c'est que cela semble assez ridicule, mais c'est un vocabulaire parce que j'ai souvent du mal à expliquer cela J'espère donc avoir bien compris cette fois-ci, parce que si je dis à un chanteur, je veux que quelque chose sonne plus réticent, alors pourquoi ne pas essayer cela d'une manière plus réticente ? Ils pourraient alors exprimer cela d'une certaine manière, ce n'est pas ce que je recherche, mais c'est ainsi qu'ils traduisent leur réticence dans leur tête. Alors je vais dire : OK, oubliez qu'ils sont réticents. Pourquoi ne pas avoir air un peu plus incertain ? Et puis ils l'essaient d'une manière qui, pour eux, signifie « incertain ». Et c'est ce que je veux vraiment entendre. Je l'ai donc qualifiée de réticente, mais ils disent que c'est incertain, et c'est l'émotion que nous essayons de faire ressortir de cette chanson. Donc, si j'ai tout un tas d' adjectifs et d'adverbes à portée de main, prêts à être utilisés, et si je ne dis pas les bons pour obtenir la bonne performance, je peux leur en lancer un autre, et je finirai par passer à celui comme ils décrivent cette émotion OK, j'espère que c'était logique. Et puis l'autre point, c'est le vieux sandwich à la critique, comme on l'appelle. On m'a d'abord décrit comme Build break build. Et lorsque vous devez critiquer quelqu'un, vous commencez par dire, vous savez, que c'était génial. J'aime vraiment ça. Ensuite, nous avons pu travailler sur ce point, puis vous avez finalement dit, mais celui-ci était génial. Maintenant, je ne le fais pas parce que je pense que cela semble malhonnête, car je pense que les gens ont entendu ce processus tellement de fois Qu'ils ne se fient plus aux points positifs deux côtés, que nous avons l'habitude de infliger le négatif et d'adoucir le coup Donc, je vais simplement dire ce que j'aime et ce sur quoi je pense que nous devons travailler. Vous savez, s'il y a quelque chose que j' aime dans la performance, je le dirai. C'était génial. Gardez ça. Et s'il y a quelque chose sur lequel je pense que nous devons travailler, je dirais travailler là-dessus, mais je ne ferai pas ce genre de sandwich critique, construit, cassé, construit, construit parce que je pense que c'est juste une fois que vous entrez dans ce genre de territoire où vous le faites sous forme de formule, vous perdez certainement cette sorte d'honnêteté, et vous commencez à avoir l'impression, vous savez, que vous en inventez des choses positives, alors que honnêtement, vous savez, ce n'est évidemment pas le cas. Il y aura des choses que vous aimerez dans la performance et que vous voudrez y rester. Vous le dites donc pour que cela se produise. Donc, en étant conscient de cela, Build Break Build est un vieux système que les gens voient de nos jours, alors essayez de ne pas l'utiliser. 22. 3.6 Enregistrement de la voix de fond: Maintenant, dans le cadre du processus d'enregistrement, nous passons aux chœurs. Voix principale que nous avons abordée à peu près. Alors maintenant, quelles sont les options BV ? Ils s'appellent BV, parfois chœurs, parfois chœurs de fond Les chœurs de fond ont tendance à être plus américains et chœurs plus britanniques C'est tout pareil. Souvent, nous utilisons simplement Bevis, et cela n'a pas d'importance Bref, des chœurs. La forme la plus simple de votre voix d'accompagnement est donc le suivi, et c'est le suivi de la voix principale. Maintenant, il existe plusieurs façons d'aborder cette question. Certaines personnes aiment suivre la voix principale du début à la fin. Ils aiment que tout soit suivi, parce que c'est le son de leur voix. C'est ce à quoi ils veulent que leur voix sonne. Cela a un effet épaississant, et ces chanteurs aiment cet effet épaississant Ils vont donc suivre l'intégralité de la voix principale. Mais pour ce faire, pour effectuer ce suivi avec le lead, il est important de préciser que cela doit être fait lors de la composition finale du lead Il faut que ce soit la version finale de la voix principale , car elle sera entendue sur le disque. Dans le chapitre quatre, nous aborderons la compilation et l'édition, donc je vais en parler, mais il fallait juste noter qu' une fois que nous aurons commencé le suivi des BV, cela devra être fait une fois que vous aurez obtenu le compat final du lead Je suis dans une séance où quelqu'un fait son propre CV et il le fait le même jour que le leader J'enregistre le chant principal, leur dis de faire une petite pause d'une demi-heure ou une heure, puis je compose le rôle principal, puis nous faisons les chœurs parce qu'ils ont besoin d'une pause pour leur voix Ensuite, ils s'assoient au fond de la pièce sur le canapé pendant que je porte l'ordinateur. Je choisis simplement la meilleure voix principale, qui me donne également l'occasion discuter avec le chanteur de la voix principale Ils peuvent l'entendre, voir s'il y a des choses qu'ils n' aiment pas, qu'ils ont envie de refaire Ils veulent voir s' il existe une autre version des prises que nous avons de certaines lignes. Tout va bien. Nous pouvons le faire alors. Mais l'important, c'est qu'avant de commencer les BV et de commencer à suivre le chant principal, nous avons la dernière voix principale à suivre Sinon, nos horaires, lorsque nous effectuons le suivi, seront décalés parce qu'ils correspondront à une ligne que nous n'utiliserons plus. Donc, lorsque nous suivons le rôle principal, je joue normalement une ligne au chanteur, puis il suit immédiatement cette ligne. L'idée étant qu'ils ont le phrasé juste en tête, il est donc plus facile de faire correspondre le phrasé parce que c'est ce que nous faisons lorsque nous faisons le suivi, nous faisons correspondre le phrasé du titre principal de manière à ce que tout sonne d'une seule voix, et vous fournissez un véritable épaississement sans aucune sorte de rythmes différents qui pourraient Donc, je le fais pour le rôle principal. Comme je l'ai dit, certaines personnes le font jusqu'au bout La plupart des gens le font au moins pour le refrain, de sorte que dans le chœur, le rôle principal soit suivi sur deux pistes, ne fait que donner un peu plus d'épaisseur Et s'il s'agit d'un arrangement assez restreint, et qu'il ne se passe pas grand-chose, juste cette seule chose, qu'une voix plus épaisse peut suffire pour le cours, parce que le cerveau humain partira alors, nous sommes dans le chœur maintenant Ils sauront que nous avons oublié notre seule voix principale. Nous en avons maintenant deux qui chantent la même chose. Nous sommes dans le chœur maintenant Juste pour que vous sachiez le compromis, la raison pour laquelle certaines personnes aiment le faire et d' autres non en termes de suivi complet, c' autres non en termes de suivi est que vous perdez un peu d' intimité à cause du son de la voix lorsque vous la suivez parce que, comme je l'ai dit, le cerveau humain sait que ce n'est pas une seule voix. Il sait que ce sont deux voix. Il y a donc une petite perte d'intimité à cause de la décision de tout suivre. Il y a donc le type d'équilibre que vous devez trouver et décider de ce que vous voulez choisir. Et ensuite, ce sont les BV Stacks. Nous faisons donc Bevis, et nous suivons le chant principal avec des harmonies cette fois plutôt que de simplement doubler le rôle principal avec la Ce n'est donc pas l'unisson. C'est cela l'harmonie. Et ce que nous faisons normalement dans cette situation, la plupart des gens font normalement une ou deux harmonies par harmonie. Donc, à chaque harmonie, ils veulent se comporter normalement comme un couple. Si vous en faites deux, vous pouvez les déplacer vers la gauche et vers la droite, puis vous obtenez, genre, une belle voix d' accompagnement stéréo. Cela peut ensuite être ajouté. Vous pourriez faire une triple piste. Il y en a donc trois de chaque ou cela peut continuer encore et encore. Vous savez, certaines personnes voudront créer un effet de chœur où il n'y a pas deux voix qui font une harmonie particulière, mais où il peut y en avoir six, vous savez, puis cela devient vraiment un peu plus il n'y a pas deux voix qui font une harmonie particulière, mais où il peut y en avoir six, vous savez, épais et vous voudrez peut-être impliquer différents chanteurs Donc, différentes personnes font ces parties, puis ces différents tons l'épaississent vraiment. Cela dépend donc du type d'effet que vous souhaitez obtenir sur vos chœurs et nombre de personnes que vous avez dedans pour le faire Et puis la décision a vraiment été prise, nous avons parlé de suivi jusqu'à présent, où nous optons pour la voix principale et tout correspond au phrasé de la voix principale, vous ne voudriez peut-être pas le faire Vous devriez peut-être rester sur le rythme, et les chœurs soient comme gros morceaux qui ne tiennent pas compte de ce que fait le chant principal, mais qui le font simplement au rythme de la chanson Donc, dans ce cas, le BvS peut être effectué avant ou après le lead Cela n'a pas vraiment d'importance, car le moment choisi le lead n'affecte pas nos décisions concernant les BvS là-bas Une chose à retenir est que si vous le faites, le réglage doit être correct. j'y reviendrai à la fin, mais je vais juste le signaler, car c'est à ce moment-là vous devez vous préoccuper du réglage. Maintenant, notre DAW. Donc, la façon dont nous nous préparons pour une session BV est légèrement différente de la façon dont nous nous préparons pour la session vocale principale Donc, comme nous faisons un certain nombre de titres, nous ne faisons pas qu'un seul titre par lead. Nous sommes en train d'en faire quelques-unes. Je trouve utile de déplacer la piste que nous sommes en train de chanter, exemple la piste vocale que nous sommes en train de chanter, dans une position différente de celle de la piste vocale que nous sommes en train de copier. Il se peut donc que s'il s'agisse du premier titre BV, nous voulions juste écouter le lead, la voix principale Donc c'est peut-être encore au milieu, puis nous allons déplacer la voix que nous chantons maintenant, le chanteur est sur la gauche. Et maintenant, pour garder à l'esprit, je l'ai déjà mentionné lorsque nous parlions d'écouteurs Si le chanteur a retiré un casque, une oreille, alors il ne faut pas se déplacer de ce côté ne faut pas se déplacer de ce Assurez-vous donc que s'ils font une oreille sur une oreille, vous vous déplacez sur le côté où ils peuvent s'entendre C'est donc ce que je fais. Je vais le mettre de côté. me semble qu'ils ont l'oreille gauche ouverte et l'oreille droite arrachée. Je vais le déplacer vers la gauche, mais je vais dire : « Vous vous entendez ? Ils le vérifient donc, car il se peut qu'ils aient mal utilisé les écouteurs. Donc, ce que j'ai pointé dans l' oreille gauche des écouteurs est en fait celui situé sur le côté droit de leur tête qu' ils ont retiré Donc oui, il suffit de vérifier ce genre de choses, s' assurer qu'ils peuvent s'entendre clairement et qu'ils peuvent également entendre la voix qu'ils suivent . Et l'autre point, c' est lorsque vous vous préparez pour la session de chœurs, d'avoir un grand nombre de morceaux prêts à être utilisés. Vos entrées sont donc terminées, vos sorties sont effectuées. Votre vision panoramique est correcte, vos effets sont bons. Vous savez, il y a une réverbération sur chaque canal pour que tout soit prêt, afin que vous puissiez passer rapidement à travers. Donc, si votre chanteur l'est, vous savez, lorsqu'il est d'humeur, il n'a pas à attendre que vous créiez constamment de nouveaux morceaux. Tu sais, tu as tout un tas de choses prêtes à partir. Il vaut mieux avoir une douzaine de titres prêts à et n'en avoir besoin que de six plutôt que d'avoir deux titres prêts à l'emploi, puis six, et vous ajoutez constamment de nouveaux morceaux et les chanteurs attendent. C'est juste une façon un peu plus professionnelle de le faire, avez plus que ce dont vous avez besoin, prêt à l'emploi avec tout ce dont vous avez besoin pour pouvoir vous en sortir rapidement Et enfin, je vais parler de groupes de chanteurs. Cela se produit beaucoup moins, mais parfois trois personnes différentes voudront parfois trois personnes différentes faire leur CV en même temps Normalement, je trouve que cela se produit dans un groupe où ils ont l' habitude de faire ça en live, où ils le font toujours en live, et où ils pensent juste qu'ils vont obtenir une meilleure performance s' ils sont tous debout et M se regarde les uns les autres et que c'est ainsi qu'ils vont donner le meilleur résultat. Donc, si vous êtes dans cette situation, ayez un micro. Vous l'avez sur Omni pour qu' ils puissent le contourner, et ils sont tous récupérés de la même Ou s'il y en a deux, vous pouvez aller huit et les placer de chaque côté du diaphragme. Mais oui, supposons que vous en fassiez plus de deux. Ils sont sur Omni. Et ensuite ce que tu dois faire. C'est une façon très ancienne d'équilibrer cela : vous devez identifier chaque chanteur afin de connaître le son de la voix de chacun. Donc, vous savez, demandez-leur de chanter une ligne individuellement, juste pour savoir lesquelles, au fur et à mesure qu'ils passent, vous devez savoir qui est trop fort, qui est trop silencieux parce que vous devez faire le reste de l' enregistrement à ce stade, parce que vous n'avez le reste de l' enregistrement à ce stade, pas le choix une fois que vous avez enregistré toutes ces personnes sur un seul micro. Vous devez donc être capable de demander aux gens de prendre du recul avancer ou de chanter plus ou plus fort, et c'est ainsi que vous allez trouver l'équilibre pour que les prises que vous enregistrez de nombreuses personnes sur un seul micro soient bien équilibrées, et c'est parce que c'est ainsi que vous procédez en déplaçant physiquement les personnes présentes dans la pièce Autrefois, quand ils faisaient des enregistrements, vous savez, avant de disposer des options d'enregistrement multipiste, il fallait vraiment déplacer musiciens dans la pièce, et, vous savez, leur proximité avec le micro avait une incidence sur le niveau de bruit qu'ils émettaient sur le disque final. C'est donc vraiment ce que vous devez faire pour revenir à la vieille école si vous créez des groupes de chanteurs sur un seul micro pour enregistrer vos CV comme ça Il y a quelques autres points auxquels il faut réfléchir. Il y a quelqu'un que je connais, c'est un excellent arrangeur de cordes, et il jure qu'il a toujours un nombre impair de parties C'est un peu comme l' idée que dans un jardin, vous plantez toujours vos plantes en nombre impair. Comme si tu en avais toujours cinq au lieu de quatre. Et il jure que c'est mieux et plus naturel si vous avez un nombre impair de pièces pour chacune d'entre elles Donc, si vous êtes une harmonie particulière, vous aurez une, trois ou cinq voix qui la chanteront, mais pas deux ou quatre. C'est à vous de décider. Je l'ai essayé. Je l'aime bien, pour être honnête. Je trouve que ça sonne plutôt bien. Mais j' aime aussi bien quand c'est en deux ou quatre. Alors voyez si cela fonctionne pour vous. Cela vaut juste le coup de le signaler. Et ce que j'ai mentionné plus tôt propos de la question de savoir si vous faites les BV en premier Donc, si vous enregistrez les BV avant d' enregistrer le rôle principal, alors faites régler ces Bevis si c'est ce que vous voulez faire Je sais que certaines personnes n'auront pas l' intention de régler leur BV, mais si c'est le cas, faites mais si c'est le cas, faites le réglage avant de commencer à enregistrer Parce que si vous vous souvenez de l'époque où nous parlions instruments sans frettes et de la façon dont ces micro-réglages peuvent provoquer une voix principale, eh bien, si votre chanteur doit écouter les chœurs dans ses écouteurs pendant qu' interprète sa voix principale, vous devez vous assurer que ces chœurs sont aussi serrés que possible Vous avez donc les meilleures performances elles sont réglées , elles arrivent à temps et tout est vraiment serré pour le chanteur puisse chanter son rôle principal en plus. Et la dernière chose, c'est ce genre de sons Quand on en reçoit un tas, si on a six chœurs à la fois et que la fin d'un mot est différente à chaque fois, ça a l'air vraiment désordonné C'est un sacré travail de montage. Et bien souvent, je dis simplement au chanteur Ne chantez pas le T à la fin de ces mots parce que nous l'avons déjà compris, vous savez, parce que s'ils l'ont chanté plusieurs fois et que nous ne faisons que cumuler maintenant, nous n'avons plus besoin du T à la fin des mots Nous n'avons pas nécessairement besoin, comme au début, tous ces sons qui deviennent un peu trop compliqués parce que leurs horaires ne sont pas précis et ils ne le seront pas Hum, disons simplement que nous n'avons pas besoin de ces parties dans la voix, et vous obtenez une belle pile dès le départ. Il peut être modifié. J'y reviendrai dans la section d'édition, mais cela ne fera qu' améliorer la session d'enregistrement si tout est aussi proche que possible de ce que vous souhaitez pendant l'enregistrement plutôt que de corriger le mixage. 23. 3.7 Boucle: Pour la dernière conférence du chapitre sur le processus d'enregistrement, nous allons parler de boucle C'est donc une question rapide, et il y a juste quelques points à prendre en compte lorsque vous enregistrez vos refrains, et vous vous demandez s'il faut enregistrer trois chœurs différents, vous savez, ou si trois chœurs différents, vous savez, vous enregistrez un refrain, puis vous le couper-collez, vous savez, bouclant pour qu'il soit le même Il y a donc quelques points à considérer pour savoir si c'est une bonne décision ou non, et en général, vous savez, vous en êtes un peu tributaire. Donc, si vous travaillez avec des trucs un peu plus orientés vers le coquelicot, le R&B et la danse, alors ce seront probablement Vous savez, vous allez probablement avoir un bon refrain et l'utiliser encore et encore. C'est ce que ce genre a tendance à faire. Et si vous travaillez sur quelque chose qui est un peu plus un auteur-compositeur-interprète, un peu plus, vous savez, du rock indépendant, quelque chose comme ça, alors peut-être que vous ne le ferez pas, et vous utiliserez des performances différentes à chaque fois parce que le chanteur veut faire ce genre de voyage La vraie question est de savoir si vous voulez que le refrain évolue au fil de la chanson Vous savez, voulez-vous faire une différence dans les performances du cours, comme c'est le cas la première fois , la deuxième fois, la troisième fois, etc. Ou tu veux qu'ils soient pareils ? Voulez-vous que le cours Big Impact soit organisé pour la première et la dernière fois et qu'il soit toujours un peu complet ? Donc, si vous recherchez ce genre de choses, vous allez probablement travailler sur un cours et l'utiliser tout au long. Mais si vous recherchez le développement par le biais de la chanson et de quelque chose comme ça, alors vous voulez en enregistrer un tas de différentes. Quelques exemples, vous savez, comme celui que j' écoutais l'autre jour hier en rentrant chez moi à la radio, il y avait de l'aide aux gens ordinaires. Et il y a, vous savez, un mépris croissant dans la performance de Jarvis au fur et à mesure qu'il lit la chanson Il est un peu intrigué par l' idée au début, puis il en a marre à la fin Les refrains sont donc interprétés, vous savez, différemment à chaque fois. Et une sorte de titre classique des Rolling Stones, Sympathy for the devil, où Mick est de plus en plus agacé et en colère, vous savez, en tant que personnage qu'il incarne au fil de la chanson Il est donc très important que ce soit différent à chaque fois. Ce sont donc les raisons pour lesquelles je pense, vous savez, vous voudriez opter pour des performances différentes vous voulez que cette performance évolue, et cela fait partie de la narration de la chanson, c'est le changement de performance Une autre chose à considérer, vous savez, c'est que si ce n'est pas si important pour vous, s'il n'y a pas vraiment voyage à faire et que vous n'en êtes pas sûr, y a-t-il un cours qui se démarque vraiment à vos yeux ? Tu sais, y en avait-il un qui était juste époustouflant ? Et puis, dans ce cas, voulons-nous simplement l'utiliser à chaque fois et tirer le meilleur parti plutôt que de l'utiliser une seule fois Donc, si le voyage n'est pas important pour vous, mais que vous savez, vous ne créez pas quelque chose de particulièrement orienté vers la musique de danse ou la pop, alors vous devez simplement décider, vous savez, peut-être que c'est ce décidera pour vous que ce soit le cas En fin de compte, il faut penser que la dynamique est reine. Si la dynamique nécessite une différence, alors vous devriez opter pour ces différentes prises. Je sais que parfois les chanteurs s'attendent à ne pouvoir suivre qu'un seul cours et c'est tout. Mais ensuite, je leur explique si je pense que nous devons faire plus, pourquoi nous devons en faire plus et pourquoi cela améliorera leur chanson pour cette raison. De même, je travaille parfois avec quelqu'un, un auteur-compositeur-interprète, qui s'attend à un certain nombre de refrains Et puis je parle en quelque sorte du , en fait, je pense, vous savez, ce morceau en particulier fait un clin d'œil à la musique de danse, et ce serait plutôt cool d'enchaîner les refrains en boucle et d'avoir ce genre de clin d'œil supplémentaire dans cette direction Et c'est peut-être un angle plutôt cool sur ce point. Donc, vous savez, cela fonctionne dans les deux sens, mais cela vaut la peine y réfléchir et de savoir comment vous allez procéder lorsque vous commencerez et quand vous commencerez à mais cela vaut la peine d' y réfléchir et de savoir comment vous allez procéder lorsque vous commencerez et quand vous commencerez à enregistrer la voix ou garder à l'esprit pendant que vous enregistrez la voix pour voir où vous pensez que ce morceau va aller et où vous pensez que la meilleure façon de le prendre serait de le prendre. 24. 4.1 Pourquoi cela est utile ? ?: Aaron au chapitre quatre, bravo d'être arrivé jusqu'ici. Et tout tourne autour du montage. Il y a la compilation, le tuning et autres choses à voir avec les chœurs, des trucs comme ça J'ai intitulé cette conférence en particulier, pourquoi est-elle utile ? Parce que je veux m'assurer que l'accent est mis au bon endroit, en gros. Ce que je veux dire par là, c'est la raison pour laquelle le montage est utile et l'avantage de pouvoir combiner différentes voix et différentes performances à la fin, ce n'est pas pour être paresseux ou avoir les yeux rivés sur la balle pendant la performance, puis nous allons tout régler par la suite Cela nous permet de vraiment nous concentrer pendant le processus d'enregistrement sur l'obtention de la meilleure performance la performance et la transmission émotionnelle étant les choses les plus importantes. Et la capacité de combiner différents tags et d'ajuster éléments qui auraient pu être légèrement décalés, la capacité de faire tout cela nous permet concentrer uniquement sur l'émotion et la performance. Et je vais vous donner un petit exemple. Un album a été réalisé dans un studio où j'ai travaillé avec un groupe qui a en fait été autorisé à autoproduire leur deuxième album. Ils étaient sur un grand label, mais ils ont autoproduit l'album, et leur concentration sur le chant est devenue assez floue. Ils avaient décidé qu'il n'y aurait aucun réglage sur l'album. Ils ne voulaient pas qu'un réglage soit nécessaire en réglant, je veux dire, vous savez, en utilisant un logiciel de réglage après l'enregistrement. plus, toutes les voix devaient être parfaitement accordées, ce qui signifie que , peu importe à être parfaitement accordées, ce qui signifie que , quel point vous êtes un bon chanteur, cela signifie qu'il fallait les revoir encore et encore afin concentrer sur l'obtention d'un accord parfait Cela signifie qu' à la fin de la session d'enregistrement, une fois l'album terminé, ils ont des voix parfaitement accordées. manquent d'énergie, de motivation ou d' émotion parce que l'accent était mis sur le réglage et non sur la performance, et ils l'ont fait tellement fois qu'ils en ont eu assez et ils avaient l'air d'en avoir assez. C'est pourquoi la capacité d' accorder les voix et composer différentes parties est si bonne et si importante pour un disque sonore exceptionnel Cela nous permet de vraiment nous concentrer sur la performance, d'obtenir la meilleure performance que le chanteur ait faite et de tout mettre en œuvre. Et s'il y a de petites erreurs de réglage ou de synchronisation, nous pouvons les corriger, et c'est très bien. Mais le plus important, c' est que nous nous sommes concentrés sur les performances du début à la fin, et c'est ce qui nous permet d'obtenir un très bon résultat sonore. 25. 4.2 Comping: La première conférence de tout ce chapitre sur l'édition est la compilation. Certains d'entre vous connaissent peut-être le mot comping, d' autres ne le connaissent peut-être pas et l'ont peut-être entendu C'est simplement l'abréviation de compilation, car le travail de compilation consiste à compiler les meilleurs éléments de n'importe quelle performance en une seule Dans ce cas, nous parlons évidemment de voix, mais cela peut s'appliquer à tout ce que vous faites : un certain nombre de prises dans le but de trouver meilleures parties et les assembler ultérieurement Donc c'est juste que si vous entendez le mot comping, c'est ce que cela signifie Ou AComp est une prise compilée. AComp sera donc la prise finale une fois le processus de compilation terminé La première question que vous devez vous poser lorsque vous lancez une composition est la suivante : quel est votre objectif ? Alors, lorsque vous écoutez toutes les différentes prises qui s'y trouvent, qu' est-ce que vous voulez réellement entendre ? Qu'est-ce que vous recherchez ? Pour moi, chacun a un objectif différent à cet égard, et cela correspond en quelque sorte à son style de production et évidemment au vôtre si vous êtes un artiste qui produit vous-même. Mais pour moi, ce que je recherche, c'est le caractère. Je recherche donc une performance qui, selon moi, se démarque vraiment et qui soit intéressante. Je fais aussi en quelque sorte référence aux paroles et j'espère trouver dans les performances quelque chose qui exprime vraiment les paroles d'une manière vraiment puissante Pour les autres, il y a d'autres choses qu'ils examinent. J'ai travaillé avec différents producteurs au fil des ans, beaucoup d'entre eux, notamment en tant qu' ingénieur adjoint et en tant qu'ingénieur. Certains producteurs recherchaient le ton de leur voix, et c'était ce qui était important pour eux. Et dans leurs productions, c'est ce qu'ils ont livré en tant que producteurs. C'était donc vraiment une question de ton de voix. Certaines personnes recherchaient quelque chose de très technique. Cela dépend donc souvent du type de musique que vous faites, de ce genre de choses, du fait que vous recherchiez une performance plus technique ou quelque chose de plus émouvant et sincère ou quelque chose comme ça, vous savez, il y a une multitude de manières différentes pour la voix, et le type d'objectif de la composition dépend de l'objectif du producteur et du style dans lesquels ils produisent et ce qu'ils finissent par livrer. En fin de compte, vous recherchez simplement les meilleurs éléments de chaque prise qui répondent à ce que vous recherchez. Maintenant, la question est de savoir comment procéder, c' est de savoir si vous le faites pendant ou après le spectacle. Ce que je veux dire par là, c'est qu' il y a des producteurs qui s'assoient pendant une performance vocale avec une grande feuille de papier, et ils auront les paroles, et ils prendront des notes sur cette feuille de paroles pour indiquer la performance qu'ils préféraient à l'époque, C'est donc comme ça qu'ils aiment le faire. Ils élaborent essentiellement la composition pendant que cela se passe en temps réel, puis ils savent que, vous savez, pour cette ligne, il faut deux, cette ligne, il en faut neuf Vous savez, ils ont déjà rédigé la maquette et ils n'ont qu' à l'assembler D'autres personnes, et cette dernière se trouve être la façon dont j'aime travailler. J'aime avoir une idée de ce qui se passe pendant que j'enregistre, mais je ne prends aucune décision à ce moment-là. Je demande simplement différentes choses et différents aspects de la performance. Ensuite, ce que j'aime faire, c'est y retourner avec des oreilles légèrement nouvelles et entendre le tout, puis créer ma composition à ce moment-là avec nouvelle oreille et une nouvelle perspective où je pourrai vraiment jouer correctement chaque morceau l'un contre l' autre pour décider Donc, pour moi, je préfère pouvoir, par exemple, jouer à T deux et en prendre neuf ensemble l'un après l'autre pour décider lequel je préfère. C'est le genre de niveau de détail que j'ai tendance à atteindre, et c'est ainsi que j'arrive à ce niveau de détail. Cela dépend donc vraiment de votre style de producteur. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise méthode. J'ai obtenu de brillants résultats avec les deux méthodes. Donc oui, si vous n'avez pas encore établi de méthode pour vous-même, essayez peut-être les deux, voyez ce qui fonctionne pour vous et voyez ce qui donne le meilleur résultat pour vous. Je vais maintenant parler un peu du processus. Et en fait, c'est juste pour entrer dans les détails de ce que vous faites. Mon processus, ma façon de travailler, c' est d'écouter une ligne à la fois. Vous savez, je vais passer en revue chaque point de vue, disons, vous savez, la première ligne. Je vais passer en revue chaque prise, et j'aurai en tête : Oh, la prise neuf était bonne, la T sept était bonne, la T quatre était bonne. Ensuite, j'y retourne et je compare à nouveau les trois, puis je choisis celui qui me semble le mieux. Maintenant, parfois pas une ligne complète. Parfois, vous pouvez dire : « Eh bien, le début des quatre était vraiment bon. Mais ensuite, le dernier mot était excellent sur neuf, alors je vais les couper ensemble. Ainsi, parfois, les mots simples sont supprimés. J'ai trouvé un endroit où les syllabes ont été échangées. Et j'avais l'habitude de le faire à l'époque où nous utilisions du ruban adhésif, et la compilation était beaucoup plus difficile sur bande magnétique Je suppose que personne ici ne le fait sur cassette. Tout le monde le fait chez DAW, auquel cas il s'agit simplement de couper et de coller C'est donc assez simpliste. Le faire sur cassette est un processus complètement différent. Si vous le faites sur cassette, vous ne savez pas, envoyez-moi un e-mail Je vais vous expliquer comment nous le faisions auparavant. Ouais, ouais, restons-en là. Nous n'avons pas besoin que tout le monde écoute le long et complexe processus de compilation sur cassette Quoi qu'il en soit, vous avez sélectionné les meilleurs morceaux, puis évidemment vérifiés et vous vous êtes assuré qu' On dirait qu'il a été chanté en une seule performance, le pire, c'est qu'ils commencent à sonner un peu agités, comme si vous aviez saisi des mots différents à différents endroits J'ai donc normalement une idée de mes morceaux préférés. Pour une ligne. Et puis une fois que j'aurai compilé tout cela, je l'écouterai, je m'assurerai qu'il sonne Et si ce n'est pas le cas, j'aurai aussi une idée de mon deuxième moment préféré ou de ce qui s'en est approché. Ensuite, je vais commencer à travailler sur cette compilation et échanger différentes parties pour que l'ensemble sonne mieux Tu sais, toute la gamme est aussi bonne que possible . C'est ce qu'il y a de mieux. Il s'agit d' avoir en tête l'idée de deux choses qui fonctionnent, d'autres qui, selon vous, valent la peine d' être incluses dans la composition finale, puis de jouer avec elles jusqu'à ce que vous obteniez le dernier type de performance. Cela semble être une performance complète, et c'est le meilleur moyen d' obtenir la meilleure version de ce que nous avons Mais tout le temps, vous avez toujours en tête l'idée de la dynamique d'une chanson, idée de la dynamique d'une chanson car par exemple, il peut y avoir une très bonne sorte de premier couplet à voix haute, et c'est une excellente performance Mais tu veux que la chanson commence. Doucement. Et c'est peut-être quelque chose vous avez développé pendant que vous faisiez les prises vocales. Donc, au début, c' était vraiment génial. Mais en fait, cela nuit en quelque sorte à la dynamique de la chanson. Aussi géniaux soient-ils, ils ne sont pas les meilleurs pour la chanson. Et, vous savez, je l'ai déjà mentionné plusieurs fois. Nous devons toujours être au service de la chanson ici. C'est donc en quelque sorte une chose qui peut parfois signifier que ce n'est pas, vous savez, ce que pourrait être votre première réaction. Waouh, c'est le kill or take. Mais souvenez-vous de la dynamique de la chanson pendant que vous le faites et assurez-vous qu'elle que vous le faites et assurez-vous qu' emportera à la fin de la journée. Un autre point rapide concerne la diction. C'est donc une question intéressante, et la question est de savoir si vous pouvez entendre les mots prononcés ou non, lorsque quelqu'un chante ces paroles, vous savez, avec cette ligne, est-ce que la voix et les paroles sont claires est-ce que la voix et les paroles sont Et est-ce important ? Et c'est le point le plus important. Est-ce important ? Vous savez, pour certaines chansons et certains genres, il est important d'entendre les paroles. Et, vous savez, pour certains artistes, les paroles sont très, très importantes pour eux, et elles sont aussi importantes que la musique. Vous devez donc vous assurer que les paroles sont vraiment prononcées clairement et le public peut les entendre et se laisser emporter par l'histoire si c'est ainsi qu' il par l'histoire si se rapporte à la musique Et d'autres fois, tu sais, ce n'est pas important. Et je crois avoir parlé plus tôt dans ce cours de groupes comme Siguros et les Cocktau Twins , pour lesquels ils ne connaissaient pas, paroles n'étaient pas importantes du tout et ils n' utilisaient pas vraiment Un autre bon exemple, très délibéré , est le suivant : j'ai entendu une interview avec laquelle très délibéré , est le suivant : j'ai entendu je crois qu'il s' agissait d'une interview ou d'une discussion sur Mick Jagger des Rolling Stones Et dans les tout premiers disques des Rolling Stones, Mick chantait délibérément, de sorte qu' il était assez difficile de dire quelles étaient les paroles. Il voulait que ce soit un peu flou parce qu'il voulait essentiellement que les gens aient envie de l'écouter à nouveau. Juste pour dire ces quelques mots qu'ils n'avaient pas compris. C'était donc une sorte de façon de faire participer les gens à la chanson. Et à l'époque, comme c'était dans les années 60, s'ils voulaient l'entendre à nouveau, ils devaient soit appeler la radio et demander à nouveau la diffusion radio, ce qui , vous savez, les Rolling Stones étaient à nouveau payés, soit ils devaient acheter le disque encore mieux. S'ils devaient acheter le disque, écouter un certain nombre de fois et travailler sur les paroles parce qu'ils étaient vraiment intéressés. Ensuite, cela a vraiment aidé le groupe à avancer. Évidemment, vous savez, cela peut vous aider à jouer plus sur Spotify si c'est le genre de chose que vous visez ou peut-être à acheter un camp de musique ou quelque chose comme ça. Si quelqu'un veut vraiment entendre les paroles, et qu'elles sont légèrement obtus, légèrement Peut-être que cela pourrait fonctionner pour vous, ou peut-être que vous détestez l'idée, et vous préférez que les gens puissent simplement entendre les paroles que vous chantez. L'histoire est importante. Donc, gardez juste à l'esprit si vous ne comptez pas pour vous-même, si vous comptez pour un groupe, sachez simplement de quel type d'artiste il s' agit et si c'est la diction sera la chose la plus importante ou si c'est c'est juste une fois que vous avez obtenu vos prises finales, parfois une bonne idée de les avoir écrites ou prenez note ou même assemblez une deuxième composition des deuxièmes meilleures parties, des parties qui ont presque réussi mais qui ne l'ont pas fait parce que nous en avons parlé tout à l'heure, avec, genre, un double titre Si vous n'avez pas de double piste, vous pourrez peut-être en créer une assez rapidement avec votre deuxième meilleure option parmi votre composition vocale principale. 26. 4.3 Accordage: La prochaine conférence de ce chapitre sur le montage porte sur le réglage. Aujourd'hui, le tuning est un sujet souvent controversé, et il est également souvent considéré comme quelque chose de relativement nouveau, comme au cours des 20 dernières années, avec l'avènement d'Autotune d' antars, avènement d'Autotune d' lorsque cette option est apparue pour la première fois sous forme de plug-in, elle a été en quelque sorte considérée par ceux qui ne sont pas fans du tuning comme une nouvelle évolution désastreuse dans le domaine de une nouvelle évolution désastreuse Maintenant, le fait est que ce n'était pas nouveau. C'est le problème de cette opinion car elle existe depuis de très nombreuses décennies. Le premier équipement utilisé dans un studio comme tuner était l'Eventd H 910, je crois que c'est le Il est sorti en 1974, a été développé en 1974. Il est donc encore plus vieux que moi, et il a été utilisé pour régler les choses. Il a été utilisé pour un certain nombre de choses, mais il a également été utilisé pour régler les voix. Donc, si vous aviez un mot enregistré un mot à régler, vous faisiez passer cette ligne par l'harmoniseur, vous la modifiiez jusqu'à ce que le mot soit syntonisé, puis vous réimprimeriez ce mot sur une autre bande magnétique dans sa version syntonisée Ensuite, vous compileriez, encore une fois, vous feriez votre composition à partir de là L'idée selon laquelle le réglage a commencé avec Autotune est donc tout simplement fausse Et j'espère que le fait que nous accordons notre voix depuis le milieu des années 1970 et que toute la musique enregistrée depuis lors ait permis de régler les choses quand ils le souhaitaient, et c'est souvent ce qu'ils ont fait. J'espère que cela signifiera que les gens seront moins accrochés à l'idée que le réglage est une mauvaise chose OK. Comme je l'ai déjà dit, il s'agit donc toujours d'obtenir les meilleures performances, de les conserver et de les utiliser. Et les gens veulent donc régler le chant depuis un certain temps pour pouvoir le faire on tient compte du fait que tuning existe déjà bien avant les ordinateurs dans les studios, le style de musique que nous créons aura une incidence sur la mesure dans laquelle vous souhaiterez utiliser un tuner sur votre voix pour utiliser un logiciel de réglage Si vous faites quelque chose qui ressemble un peu à une sorte d' auteur-compositeur-interprète indépendant folklorique, vous allez probablement l' utiliser Mais si vous en consommez si vous créez de la musique pop, de la musique R&B , certains genres comme ça, vous allez probablement l'utiliser davantage Et vous l'utilisez peut-être même comme un effet où vous en abusez, pour ainsi dire, vous le conduisez en quelque sorte titre d'exemple, j'ai déjà travaillé avec un chanteur appelé Acon, j'ai enregistré sa voix, et tous ceux qui le connaissent savent que son son vocal est très, très, vous savez, basé sur Autotune C'est une sorte d'autotune porté à 11, pour ainsi dire. Et en fait, il a enregistré avec. Vous savez, c'était diffusé sur la chaîne pendant que nous étions en train d'enregistrer afin qu'il puisse le surveiller pendant qu'il chantait et qu'il puisse contrôler de cette façon parce que c'était, vous savez, important pour lui de l' entendre comme son final. Il y a donc un exemple où, vous savez, tuning est largement utilisé dans ce style de musique. Donc, la mesure dans laquelle vous accordez sera probablement, vous savez, déterminée par le type de musique que vous créez et que vous produisez. Une chose que je dirais, c'est que peu importe ce que vous faites, en fait, je dis, peu importe, je vais le mettre en garde Si vous faites quelque chose comme le style Acon où c'est un effet, vous devriez probablement simplement activer la voiture et l'augmenter, juste pour qu'elle fasse vraiment effet et fasse des choses extrêmes. Si ce n'est pas le cas, et si vous l'utilisez simplement comme correction de hauteur, faites-le manuellement. Et la raison en est que le processus automatique n'est pas très fiable et que certaines notes peuvent être envoyées dans la mauvaise direction Vous savez, le logiciel ne sait pas vraiment ce que vous essayez de réaliser en tant que producteur en tant qu'artiste. Prenez donc le temps de vous y intéresser, apprenez à le faire manuellement avec le logiciel vous disposez et ajustez manuellement le réglage pour qu'il soit correct et qu'il soit conforme à vos attentes. C'est ennuyeux et, vous savez, cela peut parfois être difficile, mais l'effort que vous y consacrez en vaut vraiment la peine. C'est la différence entre bon et excellent, vous savez, le fait que vous entrez, vous le faites manuellement et que vous obtenez la meilleure version possible de la voix accordée. Et maintenant, même si, vous savez, certaines parties de ce cours sont évidemment mon point de vue subjectif sur la façon de créer des disques et, vous savez, d'enregistrer de superbes voix, je vais juste mettre ma version du tuning ici au cas où cela utile si quelqu'un a vu mon CV et ce que je fais ou ai fait, ce que je recherche, si vous l'avez fait dans commandez, alors vous venez de terminer le chapitre de compilation J'ai donc dit que ce que je recherchais dans mon style de production, c'est des performances complètes avec production, c'est les personnages. Donc, lorsque je fais du tuning, je veux conserver le plus possible ce personnage. Et je n'accorderai une ligne, un mot ou quoi que ce soit d'autre, si cela a attiré mon attention. J'écouterai donc la composition une fois qu'elle sera terminée et je réfléchirai à la mise au point Et si mon attention est attirée par quelque chose dans le fait qu' au lieu d'entendre la performance, j' entends le réglage de celle-ci, alors je vais probablement régler ce mot ou ligne parce que je ne veux pas mon attention soit attirée par le réglage, je veux qu'elle soit attirée par la performance. C'est donc les seules fois où je syntonise, ce qui signifie, vous savez, que je le fais plusieurs fois dans une chanson, peut-être en fonction de la performance. Je vais donc le faire à quelques reprises, mais je ne suis pas le genre de personne régler du début à fin, car ce n'est pas le genre de production que je fais. je n'aime pas ce genre de son. Donc ce n'est pas moi. Mais, vous savez, peu importe ce vous convient dans la production que vous faites, euh, une chose que je vous suggère de faire, et c'est un bon processus technique à suivre , c'est d'accorder une voix, une voix principale une fois que vous avez la composition, d' accorder cette voix principale du début à la fin, puis de la comparer à la version non accordée et d' écouter la chanson sauter que vous avez la composition, d' accorder cette voix principale du début à la fin, puis de la comparer la version non accordée et d' écouter entre les deux versions. La raison en est qu'il est très important de comprendre quel est le compromis lorsque vous accordez une voix, car nous en connaissons probablement tous les dans la mesure où elle est plus syntonisée, donc c'est une bonne chose. Nous aimons ce qui est juste. Il est également un peu plus facile de mixer une voix accordée. Il s'intègre bien mieux dans le mix. Voilà donc les avantages de l'avoir réglé. Mais vous entendrez également les aspects négatifs, car si vous écoutez votre performance, puis que vous écoutez les deux, vous remarquerez la perte d' humanité qui se produit lorsqu'une voix est accordée. C'est ce genre de son, vous savez, ce n'est pas robotique, mais il existe un certain niveau de son robotique, même s'il est vraiment très bien réglé, qui est introduit dans les logiciels de réglage. Alors écoutez cela et écoutez la différence, puis sachez que c'est la décision que vous prenez lorsque vous choisissez une voix accordée. Oui, vous pouvez faciliter le mixage, et oui, parfois la mélodie sonne mieux, mais parfois elle ne sonne pas parce que vous avez perdu quelque chose, cette performance sur laquelle vous avez travaillé car tout ce dont nous avons parlé en termes de psychologie et de construction du cochon Jusqu'à présent, tout ce cours a porté sur obtention d'une voix son vocal exceptionnel et une excellente performance vocale plus que tout Et puis vous le perdez un peu lorsque vous le réglez. Sachez donc que c'est le compromis que vous faites et assurez-vous que c'est la décision que vous voulez prendre pour ce mot, cette ligne, ce verset, ce cours en particulier , peu importe ce que vous faites. La dernière chose que je vais aborder est une question qui est souvent posée, à savoir quel plugin est le meilleur pour le réglage vocal. Et vous avez peut-être deviné, d'après ce que j'ai déjà dit à ce sujet , que la réponse est toutes. Ils sont tous bons. Ils font tous le travail. Ils le font tous très, très bien. Ils le font tous beaucoup plus facilement que les événements H 910 1974, qui ont tout de même fait du bon travail Donc, ce que je recommande toujours dans ce scénario, c'est que vous téléchargiez les différentes versions à titre d'essai. Vous les essayez tous et voyez lequel vous convient le mieux. L'un d'entre eux aura une interface utilisateur, ce qui, pour vous, plus logique que les autres, et vous vous contenterez de l'utiliser et de cliquer dessus, beaucoup plus facilement et mieux. Et c'est le bon logiciel pour vous. Ils feront tous le même travail. Le résultat sera toujours le même, mais vous voulez simplement choisir celui qui est le plus facile à utiliser pour vous qui cause le moins de friction lorsque vous le tirez vers le haut et vous voulez régler quelque chose de manière à améliorer et à fluidifier votre flux de travail. 27. 4.4 La modification vocale de soutien: Dans cette dernière conférence sur le montage de votre enregistrement, je vais parler des chœurs. Et évidemment, le réglage et compilation s'appliquent tous aux chœurs Tout cela est donc toujours d'actualité, mais il y a juste quelques éléments supplémentaires qui peuvent être pertinents pour le chœur plutôt que pour le rôle principal. Nous allons donc commencer par quels sont vos objectifs d'édition. Maintenant, si nous parlons de choses comme Adlibs à la fin d'une chanson, alors Adlibs sera probablement un travail de compilation Vous avez peut-être beaucoup enregistré, et il vous suffit de trouver ceux qui soutiennent le mieux la voix principale. Et où elles devraient être et comment la dynamique des chansons et tout ce dont nous avons parlé lors de la compilation dans le chapitre sur la compilation sont pertinents à cet égard Les chœurs écartent un peu de ce à quoi vous êtes habitué dans le rôle principal, c'est lorsque vous créez votre propre batterie de voix, si vous avez tout un tas d'harmonies empilées et quels voulez-vous vraiment très serrés ou sont-ils censés être lâches ? Est-ce que c'est censé ressembler à un peu lâches ? Est-ce que c'est censé ressembler à une foule qui chante ? Dans ce cas, ils veulent être un peu lâches parce que vous voulez entendre le son de la foule. Ou est-ce que c'est ce genre de stack R&B vraiment solide et serré ? Dans ce cas, vous devrez peut-être faire glisser un peu les voix, les déplacer un peu, peut-être les étirer un peu Il existe un petit logiciel appelé Vocal Align. Le logiciel d'alignement vocal le fera automatiquement pour vous. Développé à l'origine, je crois, pour faire des films ADR, vous savez, où quelqu'un refaisait une ligne dans un studio pour qu'elle corresponde à ce que sa bouche bouge sur le plateau. Et mais oui, c'est un aparté. ce qui est de ce que nous faisons, vous devrez peut-être faire un peu d'étirement et de déplacement pour que de déplacement pour les chœurs soient vraiment serrés. Cela dépend évidemment des performances que vous avez enregistrées. ne fait donc qu' aborder les objectifs d'édition que vous avez et, par conséquent, profondeur que vous devez approfondir dans le domaine de la compilation , du réglage et du déplacement. L'autre point à retenir concerne les S, T et K, ces points que j'ai mentionnés lorsque nous avons parlé d'enregistrement. Et parfois je dis à un chanteur, tu sais, tu n'as pas besoin de faire les essais là-dessus, tu n'as pas besoin de faire le T à la fin des mots. Si vous pensez que c'était trop difficile et que vous n'en avez donc pas parlé au chanteur au moment de l'enregistrement, alors c'est le moment de vous lancer et de corriger cela. Parce que si ces T, K et autres choses, s'ils ne sont pas exactement superposés, alors vous allez entendre une sorte de tasse de thé à la fin d'un mot. Et cela semble désordonné et maladroit. Donc, dans cette situation, je vais me débarrasser de la plupart d'entre eux. Je vais en laisser un, peut-être deux, encore là pour que vous puissiez entendre que la voix d'accompagnement prononce ce mot. Mais je ne vais pas en dire plus parce que je ne veux pas que ce soit comme une sorte de gros tas de cliquetis parce que je ne veux pas que ce soit comme une sorte de gros tas de cliquetis à la fin de chaque mot Donc, il suffit d'en laisser autant que nécessaire pour qu'il soit clair que le mot a été clairement dit, puis débarrassez-vous de tous les autres qui vous entourent en chronométrant les choses et en compliquant les choses. Et puis, si vous accordez vos chœurs, il y a un point intéressant  : la prédisposition est souvent les accorder très étroitement. C'est comme laisser un peu plus de place à la voix principale, garder les chœurs très serrés en termes de réglage Et je peux comprendre ce genre de théorie. Mais en pratique, ce qui se passe, c'est si vous vous attachez vraiment au réglage et que vous utilisez votre logiciel de réglage pour vous concentrer sur les chœurs, ils commencent à sonner un peu bizarres alors qu'ils sont tous exactement les mêmes Vous savez, ce n'est pas ainsi que les humains fonctionnent et le réglage ne doit pas être exactement le même pour chaque chœur. La plupart des tuners ont donc une sorte de pourcentage grâce auquel, vous savez, vous pouvez passer de zéro à 100 % pour obtenir un réglage parfait Alors, choisissez environ 80 % ou quelque chose comme ça et placez la plupart d' entre eux dans cette fourchette. Ils sont donc plus proches de l'accord parfait, mais ils ne sont pas exactement allumés, de sorte qu'ils ne sonnent pas comme un synthé lorsque vous avez toute une série de voix réglées à 100 Il suffit de laisser un peu de place à l'humanité, puis cela s' épaissira un peu C'est le même principe que d' utiliser un groupe de violonistes dans un orchestre. Donc, vu la façon dont les violons fonctionnent, il est évident qu'ils n'ont pas de frettes sur leurs Donc, quel que soit l'endroit où ils mettent leur doigt , c'est là que se fait le réglage de cette note. Cela signifie que même si chaque violoniste essaie évidemment d'être aussi parfaitement en accord que possible, ils sont tous légèrement décalés Très légèrement décalé par rapport à la note principale qu' ils visent. Et parce que vous en avez un tas qui sont légèrement décalés, c'est comme ça que ça sonne vraiment épais et gros. Maintenant, vous devez utiliser ce principe lorsque vous faites les chœurs. simple fait que ce léger décalage nous donne une sorte d'épaississement et un effet choral Et c'est pourquoi nous avons beaucoup de chœurs, c'est parce que nous voulons un effet choral Nous voulons qu'il sonne plus fort, et il sonnera plus fort si vous laissez le réglage respirer un peu. Si vous ne le faites pas, si vous le serrez trop, cela aura l'air plus petit. Donc je veux dire, c'est un processus que vous pouvez essayer vous-même. Vous savez, essayez, faites-en un tas à 100 %, puis revenez à environ 80 et voyez la différence entre elles et leur son. Cela vaut vraiment le coup d'essayer. Donc, oui, c'est ça. Il suffit d' un peu de réalisme dans le réglage, et cela permettra d'obtenir une bien meilleure sonorité de fond. 28. Conclusion et enseignements clés: Je voulais juste faire une petite vidéo à la fin, juste pour dire : Bravo pour le cours. Merci de votre participation, et je suis heureuse que vous vous y intéressiez autant et que vous preniez autant d'importance à l'enregistrement votre voix, car je pense que c'est crucial Je pense que ça fait ou bat un record, en obtenant la bonne performance vocale. Il y a donc juste trois choses je voulais m'assurer que vous retiendriez du cours. Il existe trois types de thèmes qui peu importe si vous vous souvenez de la plupart des éléments techniques, j'espère que c'est ce que vous en avez retenu comme approche des sessions vocales. La première, c'est de se préparer. Plus vous vous préparez, meilleure est la séance. Donc, même si vous pouvez faire en termes de préparation, de bonne chanson et de bonnes paroles, de vérification des câbles du micro et de tout le reste, c'est vraiment important. Le deuxième est d'être minutieux, ce qui est en quelque sorte lié à la préparation. Mais en plus de cela, il s'agit simplement de s'assurer qu'à chaque étape, vous réfléchissez à ce qui pourrait mal tourner avec votre chapeau d' ingénieur ou de producteur. Vous réfléchissez à la manière dont vous pouvez améliorer les choses pour l'artiste et le mettre dans une situation plus confortable. Toutes ces choses auxquelles vous pensez tout le temps parce que vous êtes minutieux à chaque étape. Et vous avez votre liste de contrôle pour configurer le studio, toutes ces choses, vous passez en revue, vous vous assurez que tout est fait et qu'il n'y a rien que vous ayez oublié ou que vous n'ayez raté Et le dernier est d'être empathique. On dirait que je parle juste du moment où vous travaillez avec d'autres artistes. Et c'est évidemment crucial, car il faut vraiment être capable de voir les choses de leur point de vue et de comprendre le processus de création de leur point de vue. Mais il s'agit aussi d'être Cela sonne un peu mieux, d'être empathique envers vous-même, mais de comprendre que pour faire de votre mieux, vous devez vous donner le temps, le voyage émotionnel dont vous avez besoin et la performance que vous allez faire. Il ne s' agit pas simplement de vous lever, baisser la voix et de repartir. J'espère que vous vous en êtes rendu compte maintenant et que vous pouvez faire de votre mieux si vous consacrez davantage à votre état émotionnel et à l'accomplissement consacrez davantage à votre état émotionnel que cela vous apportera. J'espère que cela vous a plu, et j'espère que vous reviendrez et que vous continuerez à revoir les choses au fur et à mesure que vous progresserez dans votre apprentissage. Et venez me voir mixconsultancy.com parce que j'ai un blog sur lequel vous pouvez lire toutes sortes de choses sur l' enregistrement, le mixage, le métier d'ingénieur, le métier de producteur indépendant, toutes sortes de choses de ce Et il y a aussi le service Golden Platinum que je propose, c'est pourquoi il s'appelle Mix Consultancy, où vous pouvez télécharger les morceaux sur lesquels vous travaillez. Lorsque vous travaillez sur le mix et que vous atteignez un certain niveau, vous ne pouvez pas aller plus loin, puis vous me l'envoyez, puis je l'écoute ici dans mon studio, et nous discutons des différentes manières de l' améliorer. Vous savez, les choses que j'entends que vous pourriez améliorer et comment les améliorer. Je couvre donc le côté ingénierie du mixage, l'aspect production, vous savez, le travail. Donc oui, essayez ça si vous avez envie de progresser, vous mixez aussi. Et envoyez-moi des commentaires sur le cours, qu'ils soient positifs ou négatifs, tout cela est très utile. Alors oui, merci beaucoup. J'espère vous voir dans un autre de ces films.