Apprendre l'aquarelle de A à Z : cours accéléré pour débutants

1. Bienvenue et introduction: Bonjour et bienvenue sur Watercolor From Scratch. Je suis Emma, et je vais t' emmener suivre un cours intensif d'aquarelle Nous allons passer en revue certaines choses. Nous allons passer en revue ma méthodologie d'aquarelle, puis nous allons tout assembler et faire un petit portrait Maintenant, avant d' entrer dans toutes les bonnes choses, permettez-moi de me présenter. Je m'appelle Emma. Je suis un artiste de Melbourne, en Australie, et je dirige Paint Wild. Paint Wild est une académie en ligne où j'enseigne portraits animaliers réalistes à l'aquarelle en ligne, et j'enseigne l' art en ligne depuis 2016 Je suis également un auteur publié. J'ai deux livres, l'un sur le lettrage au pinceau, qui était ma première drogue d' entrée dans l'art, et l'autre sur l'aquarelle, qui est essentiellement ce à quoi je suis très accro maintenant Également peintre. Paint Wild possède donc une boutique où je vends mes aquarelles faites à la main C'est un processus très traditionnel qui prend beaucoup de temps, pour être honnête, mais très amusant. Je voudrais également vous donner un aperçu des raisons pour lesquelles Paint Wild est différent, et cela expliquera ma méthodologie, ma méthode de scratch, qui est un acronyme pour tout ce que je trouve important dans l' aquarelle, en particulier les portraits animaliers Paint Wild se concentre donc sur une aquarelle sur un support. Et tout cela sur un simple ensemble de fournitures. Alors, lorsque j'ai essayé d' apprendre l'aquarelle moi-même, j'ai été très bouleversée Il y a tellement de fournitures. Il existe des types de pinceaux comme des pagilliens, des formes, sans parler des tailles, toutes ces couleurs et variables différentes Vous pourriez utiliser le même ensemble de fournitures pour peindre un portrait un jour, revenir le lendemain pour faire le même portrait, et le climat vous trahira L'humidité dans la pièce change les choses. Et compte tenu de toutes ces variables voire de la lutte contre l' environnement, j'ai réussi à maîtriser ce média et à développer mes compétences en réduisant cet engorgement Je crois donc fermement en un ensemble de fournitures minimalistes, y compris de la peinture, et ma palette est limitée Vous ne trouverez donc pas plus de cinq couleurs ma palette d'aquarelles Je mélange tout, à partir des couleurs primaires, et c'est ainsi que tous les portraits sont enseignés dans mon académie. J'ai donc les trois couleurs primaires et aussi le noir et blanc. Ne dites pas à la police de l'art que c'est un crime à ses yeux, mais je m'en fous vraiment Je pense qu'ils ont leur utilité. Je n'enseigne également que les portraits animaliers. Avant, j'enseignais tout, mais je me suis rendu compte que ma véritable passion était de peindre des portraits animaliers. J'avais l'impression que c'était là que résidait ma force, et j'étais toujours plus enthousiaste lorsque nous peignions des animaux. Je me suis donc concentré là-dessus, et je crois également que le fait de se concentrer sur un domaine peut vous aider à exceller plus rapidement dans une forme d'art. Est-ce toujours réaliste lorsque vous êtes nouvelle personne excitée dans le domaine de l'art ? Non, je me suis intéressé à tout, mais j'ai constaté une plus grande progression dans ma propre pratique lorsque je me concentrais sur un seul sujet Essayez donc de faire en sorte que tous mes tutoriels et peintures durent 30 à 90 minutes. Je suis une personne très impatiente. Je ne veux pas rester assise à mon bureau pendant des heures et des heures peindre chaque trait de fourrure. Je peins des portraits réalistes, mais pas d'hyperréalisme ou de photoréalisme Je ne veux pas m'attarder sur le moindre détail, mais je veux que le médium soit capable de transparaître. Je veux que quelqu'un regarde mon travail et dise  : « Oh, c'est un magnifique portrait à l' aquarelle Je trouve donc que le fait de le raccourcir un peu, prendre des raccourcis ou, par exemple, s'appuyer sur les qualités du médium peut vous aider à atteindre vos objectifs. Passons à cette méthode scratch, d'accord ? Je vais vous expliquer ce que chaque lettre de cet acronyme, puis nous reviendrons chacune d'elles un peu plus en détail. La première lettre est donc S pour les fournitures. Je vais vous parler des fournitures qui se trouvent dans mon kit minimaliste. Je ne vais pas vous expliquer toutes les fournitures d'aquarelle qui existent, car pour être honnête, je ne les utilise tout simplement pas toutes, et je crois vraiment que commencer par une petite quantité est la solution Nous allons ensuite examiner une théorie des couleurs. Donc, comme mon école est basée sur le mélange des couleurs primaires, il y a juste quelques bonnes choses à faire. Je vais vous donner quelques conseils de réalisme. Ils ne sont pas spécifiques aux portraits d'animaux. Ce ne sont que des conseils de réalisme plus généraux, même pas parfois spécifiques à l'aquarelle, mais ils vous aideront à comprendre comment vous pouvez passer de deux D à trois D. Ensuite, je vais vous donner quelques conseils sur les animaux Nous allons donc parler du mélange des couleurs pour les portraits animaliers, ainsi que de certaines techniques adaptées aux portraits animaliers. Et nous examinerons également les techniques qui sont plus largement applicables à l'aquarelle en général Ensuite, parlez de composition. Que pouvez-vous faire ou rechercher en matière de photos de référence, comment structurer votre portrait ? Où mettre les choses ? Que pouvons-nous faire pour faire ressortir quelque chose et le rendre visuellement intéressant ? Et enfin, le perfectionnement. Comment clôturer notre portrait ? Où mettons-nous les points forts et faisons-nous vraiment ressortir les choses ? Il y a souvent une phase assez laide dans l'art, et parfois mes peintures sont principalement à une phase laide. Et ce n'est que lorsque vous peaufinez les petits détails que les choses commencent à être belles. C'est donc ma petite méthode pour tout ce que je trouve très important pour les portraits animaliers à l'aquarelle Passons maintenant à la discussion et parlons des fournitures. 2. Matériel: fournitures sont l'une de ces choses dont je pourrais vous parler éternellement, comme la façon dont les choses sont fabriquées et bla, bla, bla Par exemple, je suis vraiment un nerd quand il s'agit de ce genre de choses. Mais notre temps est limité. Donc, ce que je veux faire, c'est vous indiquer une vidéo qui se trouve sur ma chaîne YouTube à la Paint Wild Academy. Je pense qu'il s'agit d' une vidéo d'environ 30 minutes qui vous explique toutes les fournitures que je recommande aux débutants et pourquoi ? Nous allons simplement passer en revue les recommandations. Mais si vous voulez en savoir un peu plus sur les moyens d'économiser de l'argent avec les fournitures, trouverez également quelques bons conseils . Je vous conseille de vous procurer du papier 100 % coton. Je n'ai pas besoin d'utiliser la même marque que moi, mais je suis une fille Archers Vivez la vie, aimez les archers. Saunders Waterford est une autre bonne option tout comme La marque n'est pas si importante. Il suffit de rechercher du 100 % coton. Des grammages aussi. Vous pouvez vous en tirer avec du papier 185 g/m² la plupart du temps. Il peut se déformer et se déformer un peu, mais il est parfait pour l'entraînement J'ai tendance à utiliser 300 GSM lorsque je veux faire des commissions ou simplement quelque chose que je veux donner à quelqu'un d'autre. Cela réduit vraiment le risque de déformation de votre papier Il est recommandé de le prendre dans un bloc-notes simplement collé sur un côté ou sur des feuilles volantes Ils sont simplement plus rentables. Et ce que je vais faire, c'est acheter les plus grandes tailles et les couper moi-même. Si vous achetez quelque chose comme un bloc-notes de petite taille ou un bloc collé sur tous les bords pour qu'il ne se déforme pas, ils vous factureront pour cette commodité Ils vous factureront plus cher si vous les tous collés au lieu de les déformer. En plus d'être d'une taille plus pratique. papier est vraiment la ressource la plus importante en matière d'aquarelle Beaucoup de gens ne s'en rendent pas compte. Ils supposent juste que c'est de la peinture. Donc, même si vous ne vous en tenez pas à du papier 100 % coton, je vous implore de l' essayer au moins afin de pouvoir comparer vos résultats car les gens sont souvent très surpris et ont l'impression de ne pas s'intéresser à l'aquarelle, puis ils essaient les bons produits, et tout d'un coup ils se disent : « Oh mon Dieu Je pense que je peux le faire. Maintenant, la dernière chose à craindre avec le papier, c'est sa texture. Il est disponible en trois textures différentes, pressée à chaud, pressée à froid et rugueuse. La presse à froid est parfois appelée «   pas comme dans », « pas pressée à chaud ». Et en gros, pensez-y comme des boucles d'or. Ni trop froid, ni trop chaud. C'est vrai. Donc, c'est à vous de décider lequel vous allez utiliser, mais la plupart des artistes utiliseront presse à froid parce que c'est quelque part entre les deux. Il y a un peu de texture dentée, mais pas au point que la page soit très assoiffée ou qu' elle transparaisse vraiment à la fin Il va être capable de retenir l'eau. Vous préférerez peut-être presser à chaud. Il est plus étroitement compressé, ce qui signifie qu'il sera plus fluide, ce qui vous aidera à écrire dessus et à faire des détails vraiment complexes Cela vous aidera également si vous souhaitez numériser et numériser votre travail La texture ne va pas vraiment transparaître à la fin. ce propos, si vous envisagez de numériser votre travail, vous voudrez peut-être également tenir compte de la couleur du papier Il n'y a pas beaucoup d'options, mais vous constaterez qu'il y a du blanc, du brillant, puis du blanc cassé. Vous devriez donc opter pour le plus brillant, juste pour vous aider dans ce processus lorsque vous devrez le terminer à l'écran C'est le résumé sur le papier. Ensuite, nous avons la peinture à l'aquarelle. Bien entendu, je recommanderai des fournitures de qualité professionnelle. Bien sûr, j'y vais aussi. Mais vous pouvez certainement utiliser la note de l'étudiant. Il n'y a rien de mal en soi à cela. Ce que vous pouvez souvent constater, cependant, c'est que les peintures destinées aux étudiants contiennent plusieurs couleurs dans le tube ou une grande quantité de matière de remplissage, ce qui peut affecter vos mélanges et les rendre tout simplement moins propres et moins éclatants, ou, vous savez, vous gaspillez simplement parce qu'ils ne sont pas aussi pigmentés Donc, la marque commerciale que je recommande, je veux dire, la marque artisanale que je recommande est mienne, mais vous n' avez pas à acheter chez moi. La marque commerciale que j' aime et que je recommande est Windsor. C'est juste Old Faithful, tu sais, ça existe pour Ebar. Il est très facilement accessible. Ils ont une gamme Cotman, qui est leur gamme étudiante, puis ils ont une gamme de séries professionnelles, qui est leur gamme d'artistes Comme je suis une galerie de mélange de couleurs, je vous recommande d' opter pour des couleurs primaires Ainsi, dans la gamme Professional Series, il s'agit du citron Windsor, rose permanente et de la teinte bleu-rouge Windsor. De la gamme Cotman, les couleurs primaires recommandées sont le jaune citron, le bleu outremer et le rose permanent. rose permanente est donc la même les professionnels que pour les étudiants. Ultramarine, je ne recommande généralement pas une telle couleur pour vos primaires C'est une couleur granuleuse, ce qui signifie qu'elle présente de la texture et que tout ce que vous mélangez et tout ce qui contient de la teinte signifie qu'elle a été conçue pour reproduire une couleur, mais ce n'est pas nécessairement ce pigment J'évite donc généralement cela. Parfois c'est une bonne chose. Autrefois, c'étaient des couleurs comme le cadmium qui étaient vraiment toxiques, et maintenant il existe des teintes qui les imitent, mais je préfère simplement me procurer le vrai pigment à condition qu'il ne soit pas toxique Vous n'êtes donc pas obligée de choisir cette marque non plus, mais je vous recommande celle que vous voulez, d' aller sur Google, d'inscrire le nom de la marque, en plus des couleurs primaires recommandées à l'aquarelle et de découvrir celles que vous devriez pour obtenir les mélanges les plus éclatants Avant même d' entrer dans la théorie des couleurs, je dois dire que je suis d'accord avec la roue chromatique plus moderne. Donc, au lieu de plus, je dis rouge, mais dans le rouge, le jaune et le bleu traditionnels , j'ai plutôt un magenta pour le rouge et le bleu est un peu plus turquoise. Donc, je suis sûr que vous connaissez également, situation du type CMY des imprimantes vous donne des mixages plus éclatants Et pour moi, je préfère commencer par des couleurs plus vives et les rendre si je le souhaite plutôt que de m'en tenir à des couleurs ternes et ne pas être capable de les créer. J'aime la polyvalence. Donc, la marque ou le grade que vous souhaitez choisir ne pose aucun problème. Je pense que ce sont les couleurs que vous choisissez qui sont plus importantes. Le pigment unique est également très important. Essayez d'éviter les couleurs primaires qui contiennent plusieurs pigments dans une seule couleur. Vous pouvez généralement le découvrir sur l'emballage. Il y aura un petit code, P, quelque chose, quelque chose, qui n' est qu'un code d'indice de couleur. Avoir des pigments primaires à pigment unique signifie simplement un mélange plus propre. Je recommande donc un blanc et un noir. Comme je l'ai dit, la police de l'art aurait voulu m'arrêter pour cela. Ils ne croient pas à l'utilisation du blanc et de l'aquarelle. Ils pensent que vous devriez utiliser le blanc de votre papier en peignant négativement autour de celui-ci ou en utilisant un liquide de masquage, qui ressemble au latex liquide C'est trop compliqué pour moi, et j'aime la flexibilité. Je préfère donc peindre mes points forts plus tard L'aquarelle blanche, cependant, manque un peu d'éclat la plupart du temps, s' estompe et n'a pas le pouvoir masquant dont vous avez besoin sur les Beaucoup d'artistes utiliseront donc plutôt de la gouache, qui n'est en fait que de l' aquarelle avec de la craie dedans Cela fonctionne très bien avec , et il est également très indulgent si vous faites une erreur et que vous voulez vous en débarrasser Et puis pour le noir, j' aime utiliser le noir de Mars. c'est une couleur granuleuse, Mais c'est une couleur granuleuse, ce qui signifie qu'elle montre de la texture Bien que j'évite cela pour les couleurs primaires, je l'aime bien pour le noir parce que je peins des portraits animaliers, et j'adore le fait que je puisse avoir un peu de texture dans mes peintures. Pensez à ce que vous peindriez en noir sur un animal. Un snootParfait pour les chiens, avec un peu de texture sur le museau. J'adore ça. Mais lorsque vous l'utilisez concentré pour quelque chose comme des moustaches ou des pupilles, il peut être très, vous savez, épais et aucune texture n'en ressortira Encore une fois, polyvalence. Parlons maintenant des pinceaux, lesquels des trois sont, selon moi les moins importants pour lesquels dépenser beaucoup d'argent. Je ne peins pas avec des poils d'animaux naturels. J'opte pour des poils de zibeline synthétiques. Comme je l'ai dit tout à l'heure, j' ai ma propre marque de pinceaux, mais une marque que je trouve vraiment fiable et accessible, tout comme Windsor et Newton ce serait Princeton Donc, quand j'ai commencé, j'ai utilisé des pinceaux Princeton Select, qui sont des pinceaux d'entrée de gamme, peu comme les pinceaux à taclon dorés Ensuite, je suis passé à leur gamme Snap, qui est un peu meilleure, puis à la gamme Heritage, qui est vraiment bonne. pense que le plus important Je pense que le plus important à propos des pinceaux, plutôt que leur qualité ou leur marque, c'est de simplement sélectionner des tailles et des formes adaptées à votre travail. Maintenant, je m' appuie continuellement sur la forme ronde, et la taille est trois, zéro, six et huit Ce n'est peut-être pas assez polyvalent pour vous. Vous voudrez peut-être un gros 12 ou 14 ans, mais je trouve que six et huit sont vraiment bons pour les portraits de la taille je peins, qui sont souvent un quatre ou moins. Un quatre est un peu de la même taille qu'une lettre américaine, si vous n'avez jamais entendu cette terminologie auparavant, et alors un cinq fait environ la moitié de la taille. Si vous aviez l'intention de peindre plus grand que cela, vous aurez peut-être besoin de quelque chose de différent. Mais ces trois tailles me conviennent depuis tout ce temps, je les ai collées comme de la colle, et la forme ronde, je trouve que c'est la forme la plus polyvalente. Non seulement vous pouvez obtenir des détails très fins avec le bout d'un pinceau rond, mais vous pouvez également obtenir de gros traits juteux avec le ventre. Au fil du temps , j'ai adopté un pinceau de rechange à utiliser pour les techniques de mélange de couleurs et de brossage à sec. J'utilise donc un vieux héritage de Princeton, que j'ai depuis huit ans, ce signifie simplement que je ne vais pas détruire les poils de mes nouveaux pinceaux Si vous aimez peindre de grands portraits, vous pouvez également utiliser un gros pinceau plat juteux juste pour mouiller votre page Mais ils ne sont pas essentiels au début. Ce sont donc nos trois principaux fournisseurs, mais ce n'est pas tout ce dont nous avons besoin pour l'aquarelle L'aquarelle est un médium aqueux, nous allons donc en avoir besoin Je préfère avoir deux pots, l'un pour rincer mes couleurs sales et l' autre pour aller chercher de l'eau potable. Nous allons avoir besoin d'une serviette en papier. L'essuie-tout est idéal pour essuyer votre brosse afin de corriger les erreurs C'est avec du ruban adhésif pour peintres que j' essaie d'éviter le flambage. Cela ne fonctionne pas toujours parfaitement, mais c'est ainsi que je sécurise ma page sur la table. J'utilise du ruban adhésif bleu à trois couleurs. Quel que soit le ruban adhésif que vous décidez d'utiliser, faites un test avant de vous y engager et de ruiner un tableau parce que nous avons tous utilisé le crayon et la gomme si vous voulez transférer des croquis sur votre œuvre, ce que je fais toujours parce que je suis une artiste réaliste Je trace donc le contour pour qu'il soit proportionné et aussi parce que je suis trop impatiente pour esquisser quelque chose moi-même Vous aurez peut-être également besoin de quelque chose comme un tampon lumineux. Honnêtement, de toutes les fournitures, c'est la plus chère de mon kit, mais j'en ai besoin. Je l' adore et j'en ai besoin. J'ai le mien depuis des années. Cela ne fonctionne pas vraiment à moins que je ne coince l'adaptateur exactement au bon endroit et que je ne mette un presse-papier dessus, mais il fait tout de même le travail Vous pouvez toujours placer quelque chose contre une fenêtre. Je n'ai pas quelque chose comme ça. J'ai vu des gens agir en blanc avec un tupperware et comme une lumière vive en Il existe de nombreux autres moyens de contourner ce problème. Une palette, vous allez avoir besoin de quelque chose sur lequel mettre vos couleurs et les mélanger si vous voulez être un passionné de théorie des couleurs avec moi. Maintenant, vous n'avez pas besoin de sortir et d'acheter une palette sophistiquée. Depuis des années. J'ai utilisé une assiette Kmart à 1$ C'était parfait lorsque j'utilisais de l'aquarelle en tube et que je pressais la peinture exactement là où je le voulais Et puis plus tard, quand je suis passée aux casseroles, je les ai simplement collées en bleu sur le bord intérieur, et c'était génial Mais si vous voyagez souvent ou passez beaucoup de temps à l'extérieur du bureau, vous voudrez peut-être une palette pliante en plastique, vous voudrez peut-être une palette pliante en plastique, légère et facile à emporter avec vous. légère et facile à emporter avec vous. À noter que vous pouvez réutiliser l'aquarelle. Donc, si vous le pressez et qu'il sèche sur cette palette, ne le lavez pas dans les égouts, vous pouvez le réutiliser. Et beaucoup de gens trouvent que la couleur fraîchement sortie du tube est trop puissante de toute façon, alors ils la pressent , la laissent sécher, puis l'activent une fois qu'elle est sèche. Un autre petit équipement qui n'est pas essentiel mais dont je ne peux pas me passer est un pistolet thermique. J'utilise donc un outil thermique de gaufrage, qui produit une chaleur très élevée mais une force très faible Et je l'utilise pour sécher mon travail parce que, comme je l'ai déjà dit à quelques reprises, je suis très impatiente et je ne veux pas avoir à attendre que mes affaires soient sèches pour revenir. Je le veux maintenant. J'aime donc faire sécher mon travail entre les couches. Certaines personnes aiment utiliser un sèche-cheveux. La seule chose que je dis , c'est de faire attention à la force, car elle pourrait projeter de l'eau et pigment dans des zones que vous ne vouliez pas voir pénétrer, surtout si vous utilisez beaucoup de techniques humides. Mais ce sont nos fournitures. En un mot. Comme je l'ai mentionné, si vous voulez plus de détails à ce sujet, j'en parle sans cesse dans cette vidéo YouTube Alors vas-y et vérifie ça. Vous en apprendrez beaucoup plus sur le pourquoi et un peu plus sur les fournitures et leurs qualités. 3. Théorie des couleurs: D'accord. Il est temps de parler de théorie des couleurs. C'est donc un autre sujet dont je pourrais parler pour toujours et à jamais. Mais revenons à la question de savoir pourquoi faire ça. J'ai donc mentionné que j'étais vraiment bouleversée lorsque j'ai commencé l'aquarelle, et que c'est ce qui m'a vraiment aidée à me familiariser avec les choses et à me lancer, c'est de réduire mes fournitures Je me souviens donc de mon retour à l'école où nous avons appris à utiliser les couleurs primaires et à les mélanger , et je me suis dit : « Hé, je veux essayer. Ce que j'ai vite compris, c' est que je voulais une sélection de couleurs vraiment éclatantes. Donc, quand je dis rouge primaire, je parle plutôt d'une couleur magenta. Et nous nous retrouvons toujours avec un rouge plus traditionnel dans notre roue chromatique. Il n'est tout simplement pas en position rouge. Mais cela vous aidera non seulement à réduire le surmenage lors de l'apprentissage de ce médium, cela vous permettra également d'économiser beaucoup d'argent Par exemple, l'aquarelle n'est pas bon marché, et elles se présentent dans de petits tubes et casseroles Et quand j'admettrai quelque chose, j' admettrai quelque chose ici. Quand j'ai commencé l'aquarelle, j'ai suivi un cours qui m' a dit d'acheter environ 20 couleurs différentes, et je crois que j'ai dépensé 300$ pour ces peintures Je les ai tous pressés dans une palette et les ai à peine touchés pendant des mois parce que je ne savais pas quoi en faire. C'est une autre raison pour laquelle j'avais juste besoin de réduire ma consommation, parce que j'étais complètement débordée et que je ne savais pas quoi choisir en premier Mais il y a aussi un autre avantage à cela, ne se limite pas à vous faire économiser de l'argent Si nous peignons avec des couleurs qui reprennent toutes ces trois couleurs, toutes les couleurs que nous fabriquons, toutes les couleurs que nous fabriquons, elles sont toutes fabriquées à partir de ces trois couleurs, nous allons obtenir une œuvre d'art finale plus harmonieuse que si nous étions simplement en train de choisir un tas de couleurs différentes à partir d'une sélection prédéfinie Ils vont tous être liés les uns aux autres. vais entrer dans la roue chromatique un peu plus en détail, mais vous pouvez voir ici l'évolution et la façon dont je l'aborde. Je commence par trois, je les transforme en 12. Cette roue chromatique devient votre carte. Cela devient ce que vous pouvez comparer ou vos futurs mélanges de couleurs aussi, si vous oubliez comment les faire ou si vous voulez simplement les refaire. Mais cela vous aidera également à choisir des combinaisons de couleurs. Nous allons donc examiner cela vers la fin de cette section. Mais vous pouvez prendre ces 12, puis les mélanger les uns aux autres et créer ce magnifique nuancier ou un nuancier qui vous montrera bien d'autres possibilités. Vous pouvez donc soit mélanger les combinaisons de couleurs sur une palette, soit les peindre en carrés. Vous pouvez simplement peindre les couleurs les unes sur les autres. Le glaçage consiste à placer deux couleurs l'une sur l' autre. La première couche doit d'abord être sèche, et vous finissez par mélanger les couleurs sur la page. C'est vraiment cool. Et puis, en bas, vous pouvez voir que ces couleurs primaires, puis nos couleurs secondaires, que nous allons aborder, peuvent être combinées et vous donner des couleurs neutres Maintenant, c'est quelque chose que j'adore faire parce que je peins beaucoup d'animaux sauvages. Jetons un coup d' œil au volant maintenant. Bien, voici donc notre carte de notre roue chromatique. Ce que vous allez trouver à égale distance les unes des autres, ce sont les couleurs primaires J'ai donc du jaune en haut, du rouge primaire en bas à droite, puis du bleu primaire à gauche. Ils sont simplement retirés du tube ou du plateau et peints sur la roue. Maintenant, vous pouvez créer votre propre roue chromatique comme ceci Que vous vouliez faire les cercles autour du bord comme ça, je vais vous en montrer une qui ressemble plus à un graphique circulaire. Assurez-vous de consulter le document joint à ces leçons pour obtenir une version imprimable et traçable de chacune d' Vous pouvez donc également suivre cette activité depuis une chaîne YouTube. Vous prenez donc ces couleurs primaires et vous les faites ressortir à égale distance les unes des autres. Ensuite, des distances égales les unes des autres, mais entre celles coincées entre elles se trouvent des couleurs secondaires C'est donc ici que nous avons l'orange. Nous avons le violet et le vert. Nous allons parler plus en détail de la façon dont vous les mélangez exactement, mais c'est leur position sur cette roue. Mais nous les élargissons encore davantage en créant nos couleurs tertiaires, qui se situent dans tous les espaces laissés entre les primaires et les secondaires Nous avons donc le jaune orange, le rouge, l'orange, rouge violet, le bleu violet, bleu-vert et le jaune-vert. Maintenant, la principale chose que je veux souligner ici, c' que vous verrez les deux astérisques à côté du rouge primaire et du rouge orange Donc, le rouge primaire est ma couleur plus magenta. Ce n'est pas vraiment rouge, mais alors rouge-orange. Même si nous allons l'appeler ainsi, cela devrait être votre couleur rouge la plus traditionnelle, comme le rouge des camions de pompiers. Parlons donc de la façon dont vous pouvez obtenir ces couleurs. Maintenant, bien sûr, vous pouvez regarder le didacticiel vidéo. Je vais vous le dire en termes un peu plus simplistes, mais ce vous le dire en termes un peu plus simplistes, n'est pas une science exacte Donc, avec les couleurs primaires, faciles, faciles, faciles, résistantes à 100 %, directement sorties du tube ou du moule. Maintenant, si vous voulez créer cette version avec roue chromatique, c'est vraiment cool parce que vous pouvez voir les caractéristiques de l' aquarelle transparaître Vous pouvez peindre la couleur concentrée vraiment percutante au centre Ensuite, rincez un peu de couleur et peignez le reste de ce coin avec de l'eau, et vous pourrez voir le ton et le sous-ton du masque Vous allez avoir une bonne idée des variations avec cette seule couleur. Ceux-ci sont donc faciles. Mais ensuite, lorsque nous arrivons aux couleurs secondaires, vous devez utiliser environ 50 ou 50 de chacune de ces couleurs primaires. Donc jaune primaire et rouge primaire, environ 50 % de chacun pour obtenir votre orange secondaire. Maintenant, ce n'est qu'un guide. Quand j'ai commencé l'aquarelle, je voulais vraiment que quelqu'un me dise, par exemple, combien de millilitres d'eau dois-je dans combien de millilitres d'eau dois-je tremper mon pinceau et doit-on y trouver de la peinture ? Je voulais une science exacte, cela ne fonctionne tout simplement pas comme ça parce que tous nos fournisseurs réagiront différemment. Par exemple, ceux que tu utiliseras seront différents. Pour moi, les couleurs de peinture individuelles ont des caractéristiques différentes et sont plus fortes les unes que les autres Nous ne pouvons donc pas trop nous attarder sur ce détail. Donc, même si 50 50 est un bon point de départ, vous devez le faire à l'œil nu. Nous voulons donc simplement obtenir une roue chromatique composée de 12 nuances d'apparence différentes. Nous ne voulons pas avoir trois oranges situées entre le jaune et le rouge qui se ressemblent toutes. Vous voulez un jaune, un orange et un orange rouge, qui ressembleront davantage au rouge traditionnel. Ils devraient être différents. Et vous pourriez même le remplir la première fois, et c'est très bien aussi. J'ai déjà dû repeindre mes cercles parce que j' avais choisi une couleur un peu trop similaire au jaune-orange, et je me suis rendu compte qu'une fois que j'ai mélangé celui-ci, tout allait bien. Tu peux toujours le refaire Ce n'est qu'une expérience, et vous allez apprendre en cours de route, même si c'est grâce à vos erreurs. Environ 50 50. S'il semble trop jaune , ajoutez-en un peu plus de rouge. S'il semble trop rouge, ajoutez-en un peu plus de jaune. Nous savons que le rouge orange devrait ressembler davantage à un rouge traditionnel, ce qui vous aidera à vous orienter vers les autres. Mais au fur et à mesure que vous vous tournerez vers d'autres mélanges, comme le bleu et le rouge , vous devrez simplement essayer de trouver trois teintes différentes. Vous pouvez donc avoir ces grandes flaques votre palette de ces trois couleurs que vous avez mélangées, car vous n'aurez pas de flaques d'eau des Ils vont sortir directement du moule ou du tube. Vous avez trois grandes combinaisons de vos secondaires. Ensuite, nous allons les étendre encore plus pour créer le tertiaire. Mais, encore une fois, si vous recherchez une carte approximative indiquant comment les mélanger, vous pouvez faire environ 75 % du le plus proche et 25 % du primaire le plus proche pour créer ce mélange. Ainsi, par exemple, pour le jaune-orange, vous pouvez utiliser environ 75 % de jaune et 25 % de rouge primaire, ce qui devrait vous donner probablement la couleur dont vous avez besoin, mais encore une fois, allez-y à l'œil nu. Je veux dire, vous pouvez même utiliser min comme carte. Essayer de reproduire les couleurs que vous voyez dans ma roue chromatique vous permettra d'obtenir les 12 couleurs de la roue chromatique Maintenant, je pense que cette activité me prend probablement une demi-heure à chaque fois. Alors donnez-vous le temps de jouer et d'essayer. Vous voudrez peut-être avoir un bout de papier à côté de vous, faites juste attention aux couleurs avant de prendre le volant. Ça n'a pas d'importance. C'est juste pour le fun. Essayez-le quand même. C'est une activité vraiment géniale pour créer évidemment votre petite carte, votre carte à roue chromatique. vais également vous apprendre beaucoup de choses Je vais également vous apprendre beaucoup de choses sur l'aquarelle en général Mélanger les couleurs, comment les appliquer sur le papier, quoi elles ressemblent, ce que l'eau fait à ces mélanges, c'est très amusant. Je tiens à souligner, cependant, qu'avec vos couleurs primaires, elles vont être très saturées parce qu'elles sortent directement d'une poêle ou d'un tube. Chaque fois que vous les mélangez dans des produits secondaires ou tertiaires, vous devez naturellement y introduire un peu plus d'eau pour mélanger les couleurs, de sorte qu'elles finiront par être un peu plus diluées dans des produits secondaires ou tertiaires, vous devez naturellement y introduire un peu plus d'eau un peu plus d'eau pour mélanger les couleurs, sorte qu'elles finiront par être un peu Alors ne vous découragez si vous voyez ça et que vous vous demandez  : « Oh, pourquoi mes mixages ont-ils disparu Un produit dilué et peu lustré. Je vais juste perdre un peu de cette intensité parce que vous avez ajouté plus d'eau. Mais voyons comment nous pouvons réellement utiliser ces roues pour nous aider à choisir des combinaisons de couleurs pour nos portraits. Donc, si nous prenons notre petite roue ici et que nous choisissons simplement l'une de ces couleurs, c'est la palette de couleurs la plus simpliste , une palette monochrome Mais ce qui est cool avec l'aquarelle c'est que vous pouvez la diluer Nous avons donc ici juste cette belle couleur bleue, mais je l'ai rendue vraiment percutante dans certaines zones et vraiment édulcorée dans d'autres, cela lui donne juste une belle légèreté fluide. Chaque fois que vous créez quelque chose à l'aquarelle, nous ne voulons pas utiliser 100 % de force dans nos couleurs, sinon cela va devenir très impressionnant Nous voulons que la magie de l' aquarelle transparaisse. Une autre palette de couleurs , presque infaillible, est analogue C'est à ce moment-là que vous choisissez des couleurs situées les unes à côté autres sur le cercle chromatique et que vous les utilisez ensemble dans un portrait. J'adore cette palette parce qu'elle est toujours belle. J'ai donc choisi ici des bleus et des verts. Encore une fois, en mélangeant les forces. Je ne veux pas qu'ils se battent pour attirer l'attention. Je ne veux pas que cela paraisse trop fort et trop accablant à mes yeux. Laissons transparaître un peu de légèreté. Peu importe si vous voulez utiliser deux couleurs l'une à côté de l' autre, quatre, cinq, six, peu importe, elles sont juste à côté de l' autre sur le cercle chromatique pour cela. Prends un triatique. Il s'agit donc d'un triangle, comme les couleurs de la roue chromatique à égale distance les unes des autres. Bien entendu, le jaune, le rouge et le bleu s'y prêtent bien, mais j'ai simplement poussé toutes les couleurs une vers la droite avec le jaune, l' orange, le rouge, le violet et le bleu-vert, encore une fois, en mélangeant les points forts. Selon les croyances et les théories auxquelles vous souscrivez, certaines personnes pensent que le triatique peut être n'importe quelle forme de triangle dans la roue Ainsi, par exemple, le bleu violet, jaune et le violet rouge ne sont pas à égale distance l'un de l'autre, mais ils créeraient un triangle entre eux si vous les reliiez. Cela dépend vraiment de vous. Vous pouvez vous abonner à ce que vous voulez. Pourquoi ne pas tous les essayer et voir ce que vous aimez. Nous avons maintenant ma palette de couleurs préférée, et celle-ci est gratuite. Et il y a deux raisons pour lesquelles j'aime cette palette de couleurs. C'est très simple. Il suffit de trouver deux couleurs opposées sur la roue chromatique. Encore une fois, vous devez vraiment faire varier l'intensité des couleurs lorsque vous les utilisez ensemble, car cette palette de couleurs en particulier va se battre pour attirer l'attention. Lorsqu'ils sont utilisés à pleine puissance l'un à côté de l'autre, ils peuvent paraître trop encombrants et un peu trop forts. C'est tellement simple. Je pense à un animal et je peins, disons, je peins, je ne sais pas, un perroquet orange suite, je sais que bleu va très bien fonctionner dans ce portrait. Alors peut-être que s'il y a des plumes noires au milieu de l'orange, je vais les teinter un peu plus de bleu Ou peut-être que je vais simplement utiliser du bleu en arrière-plan. C'est une palette de couleurs tellement facile à utiliser. Mais l'autre raison pour laquelle je l'aime , c'est parce que les couleurs sont complémentaires , vous savez, c'est un peu un avertissement danger est qu'elles, lorsqu'elles sont mélangées, annulent et se neutralisent mutuellement C'est donc votre façon infaillible de créer des bruns et de belles couleurs neutres, couleurs naturelles dont vous pourriez avoir besoin beaucoup plus au quotidien en fonction de ce que vous peignez Vous pouvez donc en quelque sorte le voir se produire sur cette image, avec le violet et le jaune dans certains des cercles jaunes traversés par le violet, vous pouvez en quelque sorte voir cette couleur différente émerger. C'est parce qu'ils ont commencé à se mélanger. Lorsque vous utilisez des couleurs complémentaires, vous devez faire très attention à ne pas les laisser se mélanger sur la page si votre objectif est de les garder vraiment éclatantes. Cela pourrait donc simplement signifier les peindre en différentes couches. Mon préféré pour faire du brun est l'orange et le bleu. Je le fais tout le temps. Vous allez le voir se produire dans le didacticiel de Robin. C'est tellement polyvalent pour moi parce que j' aime aussi souvent créer des mélanges sales, bleu-gris foncé, qui peuvent être obtenus à partir de la même combinaison. Il suffit d'utiliser plus de bleu. Si vous voulez qu'il soit plus brun, vous devez utiliser plus d'orange. C'est un moyen tellement simple et rapide d'accéder aux couleurs neutres de votre belle palette éclatante que je ne peux pas dépasser celui-ci. C'est mon préféré absolu. Passons à une autre palette de couleurs, nous avons divisé les couleurs complémentaires, et il s'agit essentiellement de deux couleurs complémentaires, sauf qu' au lieu de la seconde, vous choisissez les deux couleurs de chaque côté. J'ai donc utilisé ici le violet, le jaune, le vert et le jaune orange au lieu du violet et du jaune. Et encore une fois, il suffit de mélanger leurs points forts. Vous ne voulez pas qu'ils se battent pour attirer l'attention. Vous avez alors un complément analogue, qui est essentiellement celui qui le précède, mais vous incluez les couleurs complémentaires Donc ici, j'ai du jaune, du vert, violet, du rouge, du violet et du rouge. Encore une fois, en mélangeant les points forts, une belle couleur. Enfin, un autre outil que vous pouvez essayer est Tetratic. Vous pouvez donc simplifier les choses en choisissant simplement deux couleurs complémentaires, puis en utilisant les quatre de chaque côté. Ici, j'ai choisi le rouge et vert, et au lieu de les utiliser, j'ai choisi de choisir les quatre couleurs de chaque côté, bleu, vert, vert, rouge, violet, rouge, rouge, rouge, orange. Je dois dire que lorsque j'ai parcouru mes portraits précédents pour trouver des exemples d'animaux ou de tout ce que j'ai peint en utilisant ces combinaisons de couleurs, je ne pense pas avoir trouvé de Tetratic Ce n'est certainement pas quelque chose vers lequel je penche. Mais ce n'est qu'une option si vous ne savez vraiment pas quelles couleurs utiliser. 4. Réalisme: Parlons maintenant du réalisme, et je vais vous dire la chose la plus importante que vous devez apprendre et comprendre pour créer des portraits réalistes à l' aquarelle Nous prenons donc quelque chose de deux D bémol sur la page pour donner impression que c'est sur le point de nous sauter aux yeux, et ce sont des valeurs. Maintenant, lorsque nous parlons de valeurs dans l'art, nous ne parlons pas d'honnêteté, intégrité ou de tout cela, nous parlons de la luminosité et de l'obscurité d'une couleur et de toutes les nuances intermédiaires. Donc, selon la couleur que vous utilisez, peut s'agir d'un tas de nuances différentes, ou il peut être assez limité et n'en avoir que quelques-unes. Mais lorsque nous parlons de valeurs, nous faisons essentiellement référence aux reflets et aux ombres. Soulignez-les , corrigez-les conformément notre photo de référence pour donner un aspect réaliste. Maintenant, la couleur est très trompeuse. Donc, pour savoir où doivent aller vos valeurs, où vos reflets et vos ombres doivent aller, c'est de prendre votre photo de référence et de la transformer en niveaux de gris Cela éliminera la couleur de l'équation et vous permettra de vraiment voir les reflets et les ombres car quelque chose qui peut sembler être un sujet brillant, éclatant, beau et coloré qui, selon vous a besoin de beaucoup de couleurs et de saturation. Lorsque vous enlevez tout cela et que vous mettez une échelle de gris, vous devez vraiment être léger avec cette couleur si vous voulez qu'elle reste réaliste Le point de vue des valeurs et le fait de se concentrer sur elles et sur la raison pour laquelle elles sont importantes, c'est que cela va donner à quelque chose un aspect tridimensionnel, réaliste, ressortir de la page. Cela vous aidera à mettre l' accent sur les points focaux. Cela va donner de la profondeur à votre portrait et créer une illusion de lumière, et cela peut même transmettre une ambiance. Nous devons renforcer ces valeurs au fil du temps pour créer quelque chose qui semble réel. Et nous pouvons le faire en diluant simplement ou en utilisant notre couleur à pleine puissance, selon la valeur dont nous avons besoin Si cela ne suffit pas, nous pouvons également les superposer. C'est un support transparent, et l'aquarelle nous permet de superposer couches et de gagner en profondeur au fil du temps. Maintenant, regardez ces chiens ici, n'est-ce pas ? Vous pourriez voir ceux de gauche et être du genre « OK, cool, deux chiens ». Je peux voir que l'une d'elles a l'air peinte à droite, et que le côté gauche de la photo de gauche est la photo de référence. Mais ensuite, vous regardez quand je joue avec les couleurs et que je les réactive sur la droite, vous voyez la photo et à quoi elle ressemble réellement, puis vous voyez à quoi ressemble réellement ma peinture. À ma connaissance, il n'y a aucun chien vert qui se déplace. Mais j'ai réussi à le peindre, et il ressemble toujours à un chien. Vous désactivez les couleurs, et c' est un chien très reconnaissable. Mais regardez comme j' ai fait des bêtises avec les couleurs. Cela vous permet vraiment de vous amuser et de jouer car vous n' avez pas non plus à vous contenter des valeurs d'une photo de référence. Vous pourriez penser : Oh, il fait trop sombre en fait et je veux que ce soit plus clair et qu'il y ait plus d'air. Tant que vous ajustez toutes les valeurs de manière cohérente, vous pouvez le faire, et tout ira bien. De même, tant que vous prêtez attention à ces valeurs, vous pouvez opter pour des bananes avec vos couleurs, tout en gardant une belle apparence. Nous avons cependant des limites de couleur. Ainsi, sur l'écran, vous verrez au milieu des échantillons, des graphiques de petites valeurs en jaune, rouge et bleu primaires Vous pouvez donc voir leur point de départ au moment le plus sombre. Le jaune est très pâle, et c'est aussi foncé que je vais obtenir cette couleur. Le rouge est plus foncé que cela, et le bleu est encore plus foncé. Et au fur et à mesure que j'étire ces couleurs et que je les dilue de plus en plus, le jaune disparaît presque immédiatement. Il n'a tout simplement pas la même portée que les autres. Vous devez donc garder cela à l'esprit lorsque vous choisissez et utilisez des couleurs, car certaines d'entre elles auront des limites individuelles. Nous examinons ici ce pinson de Guldian brillant et coloré, puis nous verrons à quoi il ressemble réellement lorsque vous en retirez la couleur Auriez-vous deviné qu'il y a une telle différence de valeur entre cette couleur jaune sur le ventre et cette couleur violette sur la poitrine ? Je ne m'attendais pas à y jeter un œil. J'ai à gauche la photo de référence en couleur à l'extrême droite, la photo de référence en niveaux de gris, puis quelques peintures au milieu deuxième tableau en partant de la gauche se trouve donc un tableau dont je n'ai pas examiné les valeurs. J'ai simplement bloqué les couleurs qui devraient figurer dans ce GuldianFinch et je l'ai peint en conséquence et Je n'ai pas pris la peine de l'ombrer, de le mettre en valeur, rien. À côté de ce centre intérieur se trouve cette même peinture avec le mode niveaux de gris activé, et vous pouvez voir à quel point elle semble vraiment plate Alors qu'à droite de celui-ci, il y a un tableau peint en monochrome, mais j'ai prêté attention aux valeurs J'ai essayé de reproduire à partir de la photo en niveaux de gris. Et ça sort encore plus de la page. Oui, j'ai peut-être mis l'accent sur le renflement de la poitrine, mais je m'amusais un peu Il semble beaucoup plus réaliste que celui qui était en couleur et que j'ai transformé en niveaux de gris. C'est parce que j'ai prêté attention aux valeurs auxquelles j'ai fait référence ma photo en niveaux de gris et que j'ai vraiment compris sur ma photo en niveaux de gris et que j'ai vraiment compris quelle zone doit être plus foncée ou plus claire, quelle que soit la couleur réelle de cette zone activité amusante à faire avec vos peintures, que vous utilisiez des peintures préfabriquées ou que vous alliez des peintures primaires, consiste à créer votre propre tableau de valeurs, Une activité amusante à faire avec vos peintures, que vous utilisiez des peintures préfabriquées ou que vous alliez des peintures primaires, consiste à créer votre propre tableau de valeurs, qui vous indiquera jusqu'où vous pouvez étirer votre couleur et comment les associer à une photo en niveaux de gris De plus, peindre de manière monochrome et faire un portrait entièrement en seule couleur est un excellent moyen d'apprendre Je vous recommande donc vivement d'essayer. Vous pouvez créer votre propre tableau de valeurs en obtenant simplement la version la plus saturée de votre couleur, fraîchement sortie du tube ou du moule, l'étalant, en trempant le bout de votre pinceau dans un peu d'eau, sans le balancer, puis peignant une autre petite tache à côté Répétez cette opération jusqu'à ce que l'eau soit pratiquement claire, et vous aurez une très bonne idée de la mesure dans laquelle vous pouvez étirer cette couleur. Passons maintenant à l'action et parlons un peu plus choses spécifiques aux animaux pour rendre vos portraits animaliers plus réalistes. 5. Conseils sur les animaux: Parlons de quelques conseils sur les animaux, d'autres plus spécifiques à la faune sauvage vous aider à peindre une aquarelle réaliste Maintenant, le premier ne s' applique pas uniquement à la faune, et ce serait d' obtenir un croquis. vous l'avez vu dans ma section fournisseurs, j'adore mon pad lumineux, car je trace le contour de mes photos de référence avant de les peindre, et je transfère ce croquis sur mon papier aquarelle Je le fais parce que je veux que ce soit précis. Je veux qu'il exactement la forme et la taille dont il a besoin pour être mis en perspective avec les autres éléments du portrait et parce que je n'aime pas vraiment dessiner. Je peux faire des dessins assez précis à main levée, mais ce n'est tout simplement pas quelque chose que j'aime particulièrement Je trouve que cela prend beaucoup de temps. Je veux juste peindre. J'aime donc sauter ce processus et tracer mon plan. Et voici les grandes lignes de Robin que nous allons peindre à la toute fin. Vous le trouverez donc dans le document, et il est là pour que vous puissiez l' imprimer et le tracer sur votre papier aquarelle fait que vous puissiez avoir un croquis précis ne fait que faciliter le processus. Certaines personnes sont nées pour peindre manière abstraite et à main levée et toutes ces sortes de pots, pas moi. Je veux peindre de façon réaliste, et si je veux le faire, je veux que ça ressemble à ce Un croquis est donc la voie à suivre. Discutons également rapidement des couleurs. Dans le cadre de la théorie des couleurs, nous parlions de façon dont les couleurs complémentaires produisent des tons neutres. Ce sont les couleurs dont vous aurez probablement besoin lorsque vous peignez des animaux sauvages, car la plupart d' entre elles ne sont pas le jaune, l' orange, le rouge, le magenta, le violet, le bleu ou le vert. Oui, on en trouve parfois, mais beaucoup d'entre eux sont bruns. Vous vous habituez donc vraiment à mélanger une couleur brune ou une variation d'un neutre. Ce que je voulais partager avec vous ici, c'était juste quelques exercices d'analyse d' échantillons afin que vous puissiez voir toutes les couleurs que vous mélanger entre des séries de couleurs primaires assorties d'un compliment Donc, en haut à gauche, nous avons un intervilet jaune. Et pour ce faire, vous pouvez simplement commencer par du jaune, avoir un peu comme une flaque jaune sur votre palette, puis en introduisant lentement cette couleur dans l'autre flaque votre palette, puis en introduisant lentement d'eau, en la mélangeant complètement et en la répartissant Certaines couleurs mettent du temps à se transformer. Si j'avais inversé la tendance et que je passais du violet au jaune, cela aurait peut-être pris encore plus de temps. Cela dépendra de l' ordre dans lequel vous les ferez. Mais vous alliez avoir accès à un éventail bien plus large de fait de que le simple fait de saisir un peu de chaque couleur, de assembler et de voir ce que vous Nous pouvons voir ce magnifique dégradé et cette transition. Maintenant, je n'utilise pas souvent le jaune et le violet pour faire du brun, mais je pense que je devrais le faire car il y a beaucoup plus d'options que celles que je préfère, qui va de l'orange au bleu. L'orange change assez rapidement et se neutralise très rapidement après l'ajout du bleu Cela montre à quel point cette couleur bleue est forte. Et j'utilise certainement encore moins le rouge et le vert. Certaines couleurs qui se situent entre les deux ne me dérangent pas, mais elles ne me conviennent tout simplement pas vraiment. Gardez donc ces dégradés de couleurs à l'esprit et essayez-le vous-même. C'est vraiment révélateur de voir nombreuses possibilités qu'il y a à associer deux couleurs. Gardez ces combinaisons dans votre poche arrière car lorsque vous peignez des portraits animaliers, vous compterez beaucoup sur ces couleurs neutralisées Maintenant, un très gros conseil que j'ai à vous donner à propos du réalisme animalier c'est que plus de détails ne signifient pas plus de réalisme. Vous n'avez pas besoin de peindre chaque trait de fourrure ou chaque plume pour créer un portrait animalier réaliste à l'aquarelle Cela va vous prendre beaucoup temps si vous le faites, mais cela peut aussi simplement donner l'impression d'une photo trop traitée avec trop de détails bruyants, beaucoup trop de contraste. Ce que je préfère faire, c'est suggérer les détails. Appliquez quelques traits de fourrure ou de plumes sur le côté, utilisez quelque chose d'amusant, comme du sel ou fleurs, pour donner de la texture à grandes surfaces avec un minimum d'effort Ne vous inquiétez pas de chaque trait de fourrure ou de plume. Ce n'est tout simplement pas nécessaire. Je vous recommande également de vous concentrer sur les points focaux. Donc, avant même de commencer une peinture, réfléchissez à l'endroit où vous voulez attirer l'attention du spectateur. Dans les portraits animaliers, pour moi, c'est souvent le visage. Je veux qu'ils voient les yeux, le snoot, la bouche, les oreilles. Je veux qu'ils se démarquent vraiment et qu' ils attirent l'attention du spectateur. Mais peut-être que si je peignais un animal différent , comme un paon qui a une grosse belle queue, je voudrais peut-être que les plumes soient au centre de l'attention et pas vraiment ce sur quoi vous voulez vous concentrer Vous pouvez utiliser le médium aquarelle pour adoucir d'autres zones, peignez-les légèrement. Et tant que ces points focaux sont beaux , nets et détaillés, ils resteront réalistes Comme vous pouvez le voir dans ce portrait de chat, j'ai vraiment essayé de me concentrer sur les détails des oreilles, yeux, du nez et de la bouche, et j'ai laissé le pelage assez lâche. Associer ces deux conseils c'est simplement se souvenir du médium. N'oubliez pas que nous peignons avec un support transparent. Lorsque vous débutez dans l'aquarelle réaliste, vous pouvez avoir l'impression de ne jamais avoir fait assez de détails Vous avez votre photo de référence à côté de vous. Vous avez la version en noir et blanc, vous voyez les valeurs, vous voyez chaque petit trait de fourrure, et vous vous dites simplement : Oh, mon dieu, il me reste encore beaucoup à faire Je suis loin d'avoir fini de faire en sorte que ça ressemble à cette photo. Mais tu n'y es pas obligée. Il n'est pas nécessaire de le rendre réaliste. Essayez donc, si vous le pouvez, de réaliser ce que vous devez faire en aussi peu de couches que possible. Vous devrez peut-être le planifier à l'avance, mais cela vous aidera à garder vos peintures aérées tout en conservant l'apparence d'une aquarelle Cela ne veut pas dire que cela doit être votre objectif. Peut-être que vous ne voulez pas peut-être que vous voulez que cela ressemble à une photo. Peut-être que vous ne voulez pas du tout que cela ressemble à de l'art, vous voulez que quelqu'un pense que c' est hyper réaliste, photoréaliste Si tel est votre objectif, allez-y. Mais ce qui m'a attiré vers l'aquarelle en tant que médium au début c'est cette légèreté et cette légèreté des portraits Et je trouvais que je m' enlisais trop dans les détails, comme le montre mon petit ami crocodile, que la première fois que je l'ai peint, je l'ai simplement déshydraté Je l'ai fait ressembler à un dinosaure plutôt qu'à un crocodile, et j'ai vraiment dû commencer à jumeler les objets, à trouver des moyens plus rapides et plus simples de faire les choses pour qu'il reste léger Nous avons déjà parlé des valeurs dans la section sur le réalisme. Mais si nous voyons tout cela en action maintenant, voici un petit aperçu et ce n'était même pas un portrait super réaliste. C'était comme une peinture de samoïde de dix ou 15 minutes. Nous avons des points focaux nets autour du visage sur lesquels nous voulons attirer l'attention du spectateur On ne voit pas tous ces traits de fourrure dedans. Je me suis bien amusé avec la couleur, dont nous avons également parlé dans le domaine des valeurs. J'ai utilisé du jaune et du violet dans la fourrure pour le blanc. J'ai appliqué une seule couche sur le corps pour qu'il reste beau et aéré, et j'ai apprécié les valeurs et les éléments ombrés qui devaient être ombrés. Faisons maintenant un peu de peinture et passons à quelques techniques. 6. Techniques: OK, passons à quelques techniques réelles. Maintenant. Mettons de la peinture sur du papier et allons-y. Tout d'abord, ne regardez pas mon pouce, d'accord ? Je ne vais pas punir toute la fraternité simplement parce que l'une de nous les a trahis, mais nous allons commencer par une activité appelée thé au beurre Maintenant, ce n'est pas moi qui l'ai inventé. Ce n'est pas mon truc, mais c'est une excellente façon de commencer à apprendre les consistances à l' aquarelle Donc, ce que nous voulons faire, c'est créer une couleur. Maintenant, si vous avez un tube et que vous voulez simplement en extraire un peu de couleur , c'est parfait. Si vous utilisez des aquarelles à la poêle, vous devez comprendre que vous ne pourrez pas obtenir la consistance beurrée que vous obtiendriez la consistance beurrée si vous utilisiez Mais trouvons une couleur. J'aime utiliser juste un peu de violette. Maintenant, ce que nous voulons faire ici, c'est que vous avez besoin d'eau pour activer vos casseroles, mais ce que nous voulons vraiment, c'est un mélange épais pour commencer. Vous pouvez donc voir mes coups de pinceau dans la palette au fur et à mesure que je pose cette couleur, c'est bien. Cela signifie qu'il n'y a pas beaucoup d'humidité, mais je vais quand même en avoir besoin pour continuer à réactiver cette peinture Nous voulons juste essayer de le contrôler un peu. s'agit donc simplement d' apprendre la quantité de peinture dont vous avez besoin, car certaines personnes ont vraiment mal à le faire et ont l' impression appliquer 1 000 couches pour peindre quelque chose. C'est parce qu'ils n'ont tout simplement compris la consistance et qu'ils rendent leurs mélanges trop aqueux Je vais plonger dans le bleu maintenant. Et essaie juste de le prendre sans eau. Je le prends juste par le haut et laisse l'eau couler au fond de cette casserole Ensuite, nous pouvons le mélanger. Eh bien, il y avait de l'eau là-bas c'est juste qu'elle arrive. Tu sais quoi ? Qui s'en soucie ? Laissons les choses se produire. Et tu vois comment ce petit bout de bleu a vraiment envahi cette flaque Certaines couleurs sont donc plus fortes que d'autres. Je veux que ce soit un peu plus rouge violet, si vous me le permettez. D'accord. Donc ça a l'air plutôt bien. Maintenant, ce n'est tout simplement pas aussi épais que si vous le pressiez d'un tube où il ressemble à de la pâte, mais cela suffira pour cette activité. Ce serait donc notre point de départ pour le beurre. Donc, si nous allons de l'avant et que nous le soulevons, cela devrait être vraiment épais. Par exemple, on pouvait presque voir les coups de pinceau sur le papier également. Et vous pourriez même avoir des bords texturés qui semblent un peu rugueux parce qu'ils ne contiennent tout simplement pas beaucoup d'humidité Ensuite, ce que nous voulons faire, c'est introduire un peu plus d' eau dans ce mélange. Vous pouvez le voir se resserrer en quelque sorte maintenant. C'est un peu plus aqueux, puis nous pouvons en quelque sorte peindre celui-ci. Ce serait notre crème. Les bords semblent donc beaucoup plus lisses maintenant. Je veux dire, évidemment, j' essaie aussi un peu plus fort. Mais c'est quand même assez épais. Ajoutons de l'eau. Et maintenant, nous pouvons nous un peu rapprocher un peu plus des cohérences dont nous avons besoin Si nous utilisions un cube, ce serait un peu plus facile car nous commencerions par quelque chose de plus épais. Mais ce que nous voulons, c'est faire en sorte que cela ressemble à du lait. Maintenant, le lait devrait couler, non ? Ça a l'air un peu trop épais. Continuons donc. Nous aurions peut-être pu l' utiliser pour la crème. Par exemple, faisons-le peut-être. Repeignons peut-être celui-ci en dessous, pour qu'il ait un aspect différent Je ne sais même pas si ce sera le cas. Ça a l'air très similaire. C'est bon Nous allons continuer. Et trouvons quelque chose qui ressemble un peu plus au lait. Tu sais, il devrait quand même y avoir une certaine opacité, mais c'est beaucoup plus liquide Ce serait donc notre prochain. Vous pouvez le voir sur la page maintenant. Ce n'est pas comme collecter ces petites piscines. C'est juste un peu partout. Continuons. Le prochain que nous voulons, c'est du café. Et donc naturellement, nous allons également diluer cette couleur. Ce n'est pas qu'une question de cohérence. C'est une question de couleur. Et donc, vous savez, peut-être que nous disons : «  C'est du café », vraiment amusant parce que je ne bois ni café ni thé. Alors, qu'est-ce que je pourrais savoir ? Allons-y et déposons ça. Ensuite, nous voulons quelque chose qui ressemble davantage à du thé. Nous devons donc y ajouter encore plus d'eau. Et, tu sais, ça va être super cool maintenant Ensuite, on l'enregistre. Donc, oui, la couleur s'est éclaircie au fur et à mesure, mais tout dépend de cette cohérence C'est donc bien plus que cela. Vous savez, nous pouvons aller encore plus loin. Nous pouvons charger une brosse avec beaucoup d'eau, disons que nous chargeons simplement notre brosse entière, n' est-ce pas ? C'est dégoulinant. Tu vois ça ? Dégoulinant. Nous chargeons toute une brosse d'eau. Je peux aller très loin. Je vais aller aussi loin que possible. Cette consistance est très fine et aqueuse. Et un seul coup de brosse peut nous mener bien loin. Mais on ne peut pas en dire autant lorsque nous avons cette consistance beurrée plus épaisse Disons que nous allons vraiment nous concentrer sur le rouge ici. Je vais essayer de ne pas y mettre d'humidité du tout. Et si j'y vais et que je le pose maintenant, vois à quel point il est déjà immédiatement super texturé Maintenant, je pourrais faire de mon mieux pour trouver une solution. J'avais un peu d'humidité sur le pinceau, mais je n'ai pas cette couverture. Que j'étais avec le pinceau aqueux. Donc, si vous rencontrez des problèmes avec vos peintures et que vous manquez d'eau et que vous peignez très rapidement, je veux dire, cela peut aussi être une question de qualité, peut-être simplement en utilisant des peintures de moindre qualité qui ne sont pas aussi pigmentées, mais peut-être que vous avez simplement une mauvaise consistance Alors, essayez cette activité par vous-même. C'est vraiment utile pour avoir une idée quoi devrait ressembler l'aquarelle sur le papier ainsi que sur votre palette Une autre activité très utile pour comprendre le flux de l' aquarelle et la quantité dont vous avez besoin dans un mélange est la même activité que celle que j'ai utilisée pour la palette de couleurs Création de ces bulles d'aquarelle. Donc, ce que vous feriez ici, c'est que j'ai déjà un mélange super aqueux, mais c'est bon Je vais essayer de pincer une partie de ce côté plus pigmenté. Ce que vous voulez faire, c'est commencer par peindre un cercle. Joli et coloré. Ensuite, rincez votre brosse, tamponnez-la. Essaie d'être un peu plus clair. Et puis tu veux juste lui donner un petit bisou avec une bulle d'eau à côté Maintenant, j'aime les toucher à la dernière minute parce que je ne veux pas continuer à me la dernière minute parce que je ne veux pas continuer à balader et à vraiment travailler sur cette peinture. Je veux qu'il fasse sa magie. Donc, si nous les embrassons à la dernière minute , est-ce que ce petit échange est beau ? C'est vraiment doux. Zoomons sur le sujet. C'est juste un échange très doux. Maintenant, nous pouvons rendre cela encore plus dramatique. Nous revenons en arrière et ajoutons. Quelle couleur ici Nous pouvons en quelque sorte le forcer à faire des choses. De même, vous pourriez également avoir un cercle coloré ici. Je veux essayer d'éliminer un peu l'excès d'humidité. Maintenant, c'est vraiment ce que vous voulez viser lorsque vous peignez ce type de brillance qui n'est pas très humide C'est trop humide ici. Il s'agit d'une parfaite cohérence de travail. Mais ensuite, si j'ajoute un cercle à côté, un cercle aqueux, mais que je le rends super aqueux, il y aura l'échange inverse Cela va pousser l'eau dans la bulle qui en contient le moins. Si je continue à le dire ici, pouvez-vous voir cet échange commencer à se produire dans le sens inverse ? Je veux dire, je suis un peu gêné par le fait que le papier se déforme. Mais cela va se passer dans le sens inverse de ce qui s'est passé ici. C'est donc là où il y a le plus d'humidité qu'il essaiera de s'expulser dans une zone moins humide Et vous pouvez considérer votre brosse comme un aspirateur ou un souffleur à feuilles, c'est ainsi que j' aime le décrire Ainsi, lorsque vous avez une zone comme celle-ci qui contient moins d'humidité et qui est pleine, vous agissez comme un souffleur à feuilles et vous allez ajouter de l'humidité supplémentaire et l' expulser vers l' C'est ce qu'on appelle une floraison, et c'est essentiellement ce qui se passe ici. Mais dans une zone très humide et que vous ne voulez pas qu'il en soit ainsi, vous pouvez tamponner votre brosse encore techniquement humide, mais il n'y a pas beaucoup d' humidité là-dedans, du genre « Rien ne sort vraiment Et il agit désormais comme un aspirateur. Et voyez comment je peux simplement soulever tamponner et aspirer cette couleur , cette humidité Et maintenant, l'échange est beaucoup plus équilibré. Alors, comment créer ces petits cercles qui s'embrassent et se touchent fait varier la quantité d'humidité qu'ils contiennent, même s'ils sont très colorés. Et combien de couleurs ils contiennent, et regardez simplement l'échange. Si vous créez, par exemple, une page pleine de ces éléments, c'est difficile car vous gérez plusieurs bords et que l'aquarelle sèche de l'extérieur vers l' Ces bords ne resteront donc pas humides pour toujours. Vous allez également en apprendre davantage sur la vitesse là-bas. Mais si vous en créez une page et que vous vous retrouvez avec ce genre de ligne qui les traverse, vous constaterez qu'il y a trop d'humidité dans vos bulles. Ils effectuent essentiellement ce gros échange de fluide jusqu'au bas, en suivant les bulles au fur et à mesure. Et ce n' est pas vraiment ce que nous voulons. Nous voulons des échanges doux, mais ils devraient se faire de manière beaucoup plus naturelle. Comme s'ils devaient simplement se produire sans être complètement inondés pour créer un schéma. Nous voulons donc vérifier la quantité d'eau que nous injectons. Nous voulons qu'ils aient un échange entre eux, mais cet échange ne devrait pas se poursuivre. Donc, le violet que je viens d'ajouter là, vous savez, qui ne devrait pas atteindre le bas ici pour entrer dans celui-ci. Ces échanges devraient en quelque sorte avoir lieu là où ils se touchent. Vous n'avez pas à vous soucier de créer des cercles parfaits. Mais voyons si je peux créer un exemple ici. Je vais vous dézoomer. Si nous continuons à en mettre trop, pouvez-vous simplement y voir cet échange ? Il s'est immédiatement tourné vers celui-ci violet. Et si nous en faisons un autre, il est immédiatement attiré par là Et je n'arrête pas d'en ajouter et je vois à quel point c'est impressionnant. Il se balance juste vers le bas. Cela signifie trop d'humidité. Cet échange ne fait que bouleverser tout. Et en gros, se faire sucer jusqu'au bout. Ce n'est pas ce que nous voulons. Nous voulons quelque chose de plus doux comme celui-ci. Parlons maintenant d'autres techniques, et vous en avez peut-être déjà entendu parler. Donc mouillé sur sec. Nous avons mouillé sur sec, mouillé sur mouillé, sec sur humide, sec sur sec, d'accord ? We don't Like I only call wet on wet on wet to wet. Je ne m'embête pas avec tous les autres noms. Cela devient trop confus. Fourrure de chien Mais humide sur sec, c'est simplement retirer de la peinture humide de votre palette. Et en le peignant. Nous allons le faire dans le didacticiel Robin lorsque nous peignons la branche sur un morceau de papier sec, l'oiseau sur un morceau de papier sec. Il s'agit simplement de mettre de la couleur et l'humidité sur du papier sec. Mais lorsque nous faisons mouillé sur mouillé, cela signifie que nous avons besoin de quelque chose pour commencer. Maintenant, cela peut être de la couleur ou simplement de l'eau. Nous pouvons donc y aller. Voici ce que nous allons faire pour le merle. Nous allons déposer de l'eau, excusez la couleur sale de cette eau. Mais nous allons y mettre de l'eau, puis nous y ajouterons de la couleur. Maintenant, tu te souviens de l'histoire de l'aspirateur souffleur à feuilles , non ? S'il y a un excès d'humidité sur ce pinceau et que la surface est déjà mouillée, je vais en mettre encore plus . Je laisse tomber ça. Le souffleur à feuilles explose partout, alors que s'il y avait une petite tache ici, mais je vais aspirer toute l' humidité possible Et puis j'ai une sorte de brosse relativement sèche. Quand je le note, l' échange est très différent. Tout dépendra donc de la quantité d'eau présente sur la page et de la quantité d'eau sur votre pinceau. Bien sûr, vous savez, continuez simplement à ajouter et à le souligner. Cela va beaucoup plus concentrer la couleur que celle-là. Mais n'oubliez pas qu' échange doit avoir lieu entre les deux, et la quantité d'humidité présente sur chacune influencera cet impact. Maintenant, si tu as fait quelque chose comme ça par accident, qui est cool, c'est que quand je suis mouillée, tu peux juste y aller. C'est encore humide, c'est toujours utilisable, et vous pouvez simplement le lisser. Peut-être avez-vous réalisé que vous vouliez que tout le fond soit violet, puis que vous vouliez ajouter une petite fleur bleue. Tu peux le faire comme ça. Vous pouvez faire la même chose, et c'est ce qu'une fleur utilise avec de l'eau. Il vous suffit donc de charger votre brosse avec l'eau et de créer une petite précipitation . Et une petite floraison. Maintenant, la façon dont cela fonctionne va varier en fonction l'humidité du papier et de la présence de couleur dedans Si vous avez quelque chose qui est mouillé, cela va simplement s' y dissiper et vous ne verrez même plus la frontière De même, si j'attends un peu plus longtemps, essayons peut-être de le faire pour celui-ci. L'effet sera plus spectaculaire. Si je le laisse tomber, c' est qu'il a déjà commencé à sécher. Maintenant, voyez comment il se déplace simplement toutes ces petites crevasses du journal Cela va sécher beaucoup plus fort que cela. L'un est-il meilleur que l'autre ? Certaines personnes détestent complètement les fleurs et n'en veulent pas du tout dans leur travail. J'aime les utiliser comme moyen peu coûteux de donner de la texture à la fourrure. Au lieu de peindre chaque trait de fourrure, pourquoi ne pas faire quelque chose comme ça ? Maintenant, vous pouvez utiliser du sel pour imiter cela, mais cela crée des fleurs beaucoup plus fines. Encore une fois, l'effet de cette situation sera influencé par la quantité d'humidité présente sur votre papier. Vous devez en quelque sorte le laisser sécher un peu avant de saupoudrer le sel, et vous devez le laisser sécher à l'air libre pour avoir le meilleur effet. J'ai donc utilisé du sel dans ma peinture sur le renard, mon phoque, mon hibou comme moyen rapide de créer de la texture Je l'ai donc utilisé pour toutes ces différentes applications. Fourrure pour le renard, plumes pour le hibou. Mais ensuite, en ce qui concerne le joint, c'était plutôt créer l'effet de la saleté et du sable sur son ventre. Il a donc de bonnes utilisations, notamment dans les portraits d'animaux. Mais si vous n'avez pas sel ou si vous ne voulez pas le laisser sécher à l'air libre, vous pouvez en quelque sorte l' imiter avec de l'eau Vous pouvez soit utiliser votre pinceau pour le tamponner. Sachez simplement que vous ne créez pas de motif, ou que vous pourriez même le pulvériser avec un peu de bouteille d'eau lorsque le papier est suffisamment sec pour ne pas le faire et se dissiper, avec un peu de bouteille d'eau, ce qui peut créer un effet d'éclaboussures de fleurs plus aléatoire. Je saute un peu partout ici, mais je reviens au mouillé sur le sec. C'est ce que nous appellerions un lavage à plat. C'est moment-là que vous peignez simplement humide sur sec et que vous créez un lavis plat peut-être pour un arrière-plan. Vous le faites peut-être avec une seule couleur. Vous créez peut-être un dégradé qui change de couleur. Certaines personnes, selon ce qu'elles peignent, si un sujet doit être soumis à ce lavage à plat, il est beaucoup plus facile d'appliquer du il est beaucoup plus facile d'appliquer liquide de masquage au latex et de le laisser sécher sur l'objet Peignez dessus bien en douceur, laissez-le sécher, retirez le liquide de masquage plutôt que pour essayer de faire ce magnifique fond dégradé doux, où vous peignez comme tout autour d'une sorte d'objet complexe, et vous essayez de garder une couleur uniforme Mais, vous savez, maintenant les choses sèchent parce que vous avez tellement d'avantages à gérer. Et oh, non, tu n' as plus de couleur, alors maintenant tu dois y aller et en acheter plus. Et maintenant, ce côté est plus sombre. C'est juste que ça ne marche pas pour moi. Oh, mon Dieu, ça n'a tout simplement pas l'air bien. Il est parfois beaucoup plus facile de simplement déposer du liquide de masquage et de faire quelque chose comme ça C'est ce que l'on appelle la peinture négative, et nous allons en faire un tout petit peu dans le Robin Tutoria lorsque nous peignons autour de l' œil et du bec pour préserver cet espace pour le peindre Sec sur mouillé, c'est essentiellement lorsque vous avez très peu d'humidité sur votre brosse et que vous la placez dans un endroit humide. Nous allons donc également en faire un peu dans le didacticiel Robin. Nous peignons les arbres, et nous les faisons à différents niveaux d'humidité dans le papier. Les premiers que nous faisons se répandent en quelque sorte davantage. Mais au fur et à mesure que le papier sèche, nous pouvons obtenir plus de détails lorsque nous y retournons et que nous y introduisons nos petits arbres. Cela ne se propage pas aussi loin. Nous pouvons donc gérer cela avec la quantité d'humidité présente sur le pinceau, mais aussi sur le papier. Au lieu de cela, si je plongeais un peu d'eau supplémentaire maintenant et que je faisais la même chose, cela irait encore beaucoup plus loin Je ne vois aucune définition de quoi que ce soit. Tout dépend du taux d'humidité des deux. séchage sur fond mouillé est donc juste un moyen d'obtenir une forme plus définie en restant souple sur fond mouillé. Et le brossage sec sur sec, ou simplement le brossage à sec, est généralement une façon d' utiliser votre pinceau pour créer de la texture Maintenant, j'adore utiliser le scumbling, qui consiste simplement à frotter le ventre de votre brosse Je trouve juste que c'est un look plus naturel que si j' essayais de peindre de la fourrure comme ça parce que je viens de créer un motif. frottant mon pinceau et en changeant simplement la direction et l'angle dans lesquels je le tiens, cela crée un effet plus naturel Maintenant, je ne le fais pas nécessairement sur du papier blanc. Je pourrais d'abord prendre un peu de duvet brun, puis ajouter quelques petits détails gommeux, peut-être même dans une crevasse pour ombrager quelque chose, puis, vous savez, tamponner, tamponner et simplement le décolorer Au lieu d'avoir à appliquer une couche humide pour ombrager quelque chose, j'essaie peut-être de mettre quelque chose d'un peu rugueux et naturel en dessous, comme un menton. j'y ai beaucoup prêté attention lorsque j'ai commencé à faire Mais j'y ai beaucoup prêté attention lorsque j'ai commencé à faire des portraits d'animaux à l'aquarelle, et j'ai rendu mon travail très texturé et bruyant Il faut donc essayer de l'utiliser avec parcimonie Ce sont donc nos mouillés sur secs, mouillés sur mouillés, secs sur mouillés, secs sur secs. Parlons de certains problèmes que nous pouvons rencontrer avec l'aquarelle Et l'un d'entre eux est celui des arêtes dures. Maintenant que je joue avec tous ces petits patchs depuis un moment, je les ai créés par inadvertance Vous pouvez voir ces arêtes sur le bord de toutes ces formes. Maintenant, ce qui s'est passé là-bas, c'est que je suis parti et que j' ai essentiellement pris cette forme, et qu'il y a suffisamment d'humidité dedans, n'est-ce pas ? Par exemple, c'est une bonne quantité d'humidité. Il y a de l'éclat là-dedans. Si ça sèche, ça va sécher à plat. Mais si je continue à le manipuler, ne serait-ce qu'avec de l'eau sur mon pinceau, et que je continue d'y entrer, que dois-je faire ? J' expulse tout , du bout de mon pinceau jusqu'à la bordure faisant, cela force pigment sur les bords extérieurs de la forme. Et c'est ce qui crée une croûte. Alors regardez, je n'y suis pas retourné toucher celui-ci. Tout est doux. Mais ceux pour lesquels j'ai ajouté beaucoup d'eau aussi, même ici où nous sommes retournés et en avons ajouté, cela crée une sorte de frontière. Alors, que se passe-t-il ? Tu es juste nul si tu crées ça et que tu devrais abandonner Non Mais c'est une réalité de l'aquarelle, et cela arrive tout le temps. N'oubliez pas de bien gérer vos bords, et si vous savez que vous devez encore lisser quelque chose, essayez de continuer à travailler dessus au lieu de le laisser sécher trop longtemps pour éviter qu'il ne sèche, car lorsque vous reviendrez à l'ajuster, vous créerez des bords durs. Ce que vous pouvez faire, cependant, c'est les éliminer, et vous allez me voir le faire dans le tutoriel Robin J'aime préserver, préserver. J'aime garder une sorte de brosse de rechange grossière. C'est comme s'il s'agissait d'un pinceau de bonne marque, de bonne qualité, mais je l' ai détruit au fil des années et des années d'utilisation. J'aime l'avoir à portée de main comme brosse à récurer, afin de ne pas détruire celles que j' utilise actuellement dans ma rotation et ce que vous pouvez faire Prenez un essuie-tout Vous pouvez le tremper dans de l' eau, de l'eau propre, idéalement. Et puis vous l'avez prêt. Et ce que vous pouvez faire, c'est entrer et frotter ces bords. Jetons donc un coup d' œil à cela ici. Maintenant, ce n'est pas sec et ce serait idéal car ce que je fais ici, c'est sélectionner la couleur de la forme. Alors que si je le séchais et que nous faisions peut-être celui-ci ici, cela empêchera la couleur de s'élever là où je ne le veux pas. Maintenant, vous voulez frotter dans la direction que vous devez prendre. Ça ne sert à rien de faire ça, d'accord ? Je vais juste faire glisser du violet ici, partout. Mais si nous nous concentrons uniquement sur le fait de frotter exactement à cet endroit, le fait qu'il s'agisse d'une forme grossièrement peinte de toute façon n'aide pas forme grossièrement peinte de toute façon Ensuite, nous tamponnons. Voyez comment j'ai pu en supprimer une partie. Maintenant, cela va agir comme un tampon. Donc, si vous choisissez de la couleur et que vous continuez à l' estampiller, vous finirez par la remettre sur le papier Vous devez donc vous en souvenir et continuer à le faire pivoter. Mais ces deux armes sont mes armes secrètes pour corriger les erreurs. Et je commets une grave erreur dans celui de Robin. Je laisse tomber mon pinceau dans tout le tableau, donc vous me verrez m'en remettre. Mais c'est aussi une bonne solution pour nettoyer certaines lignes raides, car suffit souvent de peindre des objets les uns à côté des autres, et ils se touchent par inadvertance Il ne s'agit donc pas vraiment d'un problème technique. C'est juste que nous avons dû placer deux formes différentes l'une à côté de l'autre, et les bordures se croisent donc un peu et deviennent naturellement plus foncées. Donc, frottez et tamponnez votre arme secrète. Le levage est une autre technique incroyable, et vous allez nous voir l'utiliser pour créer un peu de réalisme dans le merle. Il suffit donc d'utiliser un pinceau ou une serviette en papier pour enlever la couleur. Vous m'avez déjà vu le faire dans certains d'entre eux, mais cela reviendrait à l'utiliser comme s' il s'agissait d'un aspirateur. Vous entrez, vous glissez, vous tamponnez, vous devrez peut-être nettoyer pour obtenir un peu de couleur Ou vous pouvez utiliser un essuie-tout sec ou humide. Et il suffit de le soulever. Regarde ça. Il n'y en a presque plus. Et si je continuais à travailler là-dessus, je pourrais probablement l'enlever presque complètement parce qu'il était si pâle et aqueux Il est donc très utile de noter quelque chose que vous n'aviez pas l'intention de faire, mais qui sera limité. Certaines couleurs sont vraiment foncées, vous ne pourrez pas les enlever. Et les peintures à l'aquarelle ont aussi des qualités , pas toutes, mais certaines d'entre elles sont appelées couleurs colorantes, et elles sont destinées à tacher le papier très peu de temps après l'application Vous pourriez donc avoir du mal à les enlever si c'est celui que vous essayez de soulever. Et finissons par parler d'un peu de texture. J'ai donc parlé de sel. C'est donc là que vous aurez besoin d'une sorte de zone humide, vous y saupoudrez du sel et vous la laissez créer cette belle texture pour vous. Essayez de savoir combien de temps vous devez laisser agir le sel, combien de temps il faut à la zone aqueuse pour se stabiliser, par exemple, familiarisez-vous avec son apparence S'il y a trop d'eau dans cette zone et qu'elle est vraiment très brillante et presque liquide, si je penche sur ma page, ce sel ne servira à rien L'eau va pouvoir passer en dessous. Vous voulez donc qu'il ait un peu d'éclat. Comme s'il faisait encore humide ici. Cela peut même fonctionner un peu, mais il y aura alors une limite : les papiers sèchent trop et rien ne se passera. Ou vous pouvez faire ce que nous avons mentionné et créer des fleurs et faire du bricolage à cet effet. Vous devez juste essayer de vous rappeler de ne pas créer trop de motifs, et c'est très naturel de le faire. Par exemple, même ceux-ci sont assez régulièrement espacés, comme je l'ai fait parce que c'est exactement ce que nous faisons Vous pouvez également utiliser des marques de pinceau, comme nous avons parlé du brossage à sec et du gommage pour créer de la texture, un moyen peu coûteux de fabriquer Et vous pouvez également utiliser une couleur granulante. J'en ai donc parlé dans la théorie des couleurs selon laquelle j'évitais de granuler les couleurs pour mes couleurs primaires, mais j'aime une couleur granuleuse pour le noir que j'ai Mars est donc noir ici, magnifique et noir foncé lorsque vous l'utilisez de manière concentrée. Mais si vous l'arrosez, il sèchera avec une belle texture. Et j'adore cet effet pour les snoots parce qu'ils sont simplement texturés et magnifiques Et nous pouvons également utiliser les éclaboussures. Et c'est quelque chose que nous allons utiliser dans le merle pour créer de la neige. Mais dans ce cas, utilisons simplement la couleur car nous n' avons rien ici. Tu ne verras pas de blanc si je l'éclabousse. Mais j'aime bien charger un pinceau, et j'aime aussi utiliser mon pinceau pas génial pour ça, parce que j'ai juste l'impression Bistles se retrouvent partout. Il peut contenir plus d'eau. Vous chargez donc ce pinceau et vous pouvez simplement appuyer dessus. Éclabousser. Certaines personnes aiment utiliser une brosse à dents, pas une brosse à dents qu'elles vont réutiliser et elles oublient simplement une partie de ces brosses à éclaboussures, à poils de différentes tailles et à différents types de brosses qui poils de différentes tailles et à différents types de brosses vous donneront des effets différents vous La dernière chose dont je veux parler, c'est ajouter de la couleur à une zone. Nous avons donc regardé mouillé sur mouillé, et c'est là que nous avons mis un peu de couleur sur le papier, puis nous y avons ajouté de la couleur, n'est-ce pas ? Mais ce qui a tendance à se produire, comme vous pouvez le voir ici, c'est que l'eau est très diluée parce qu'il y a beaucoup d'eau ici. Il y a de l'eau que nous avons déjà déposée, puis il y a de l'eau dans ce que nous venons d'ajouter. Parfois, j'ai besoin d'une couleur plus percutante pour créer. Et vous pouvez bien sûr faire du glaçage. Le glaçage consiste donc à peindre sur quelque chose qui est déjà sec. Nous le ferons sur une pièce de rechange dans une seconde, juste pour que vous puissiez voir. Mais ce que vous pouvez aussi faire, au lieu de vous mouiller sur mouillé comme ça, vous pouvez faire ce que j'ai fait avec ce noir ici et mettre la couleur d'abord, et vous pouvez vraiment vous débrouiller aussi pour le concentrer. Et ce n'est donc pas rester dans l'eau. Il ne se diluera pas, mais vous pouvez adoucir le bord en faisant couler l'eau à côté et en le laissant pénétrer. Cela ressemble tellement à l'activité du petit cercle. Mais je le fais souvent. Si j'ai vraiment besoin d' assombrir quelque chose et que j' assez de faire des couches infinies, je vais d'abord mettre de la couleur sur le papier , puis laisser l'eau le toucher, le rencontrer et couler à travers Je vais quand même avoir droit à cet échange doux, mais cela ne diluera pas autant la couleur. Il en va de même pour le vitrage lorsque vous avez peint une zone , qu'elle est déjà sèche et que vous peignez quelque chose dessus. Prenons donc notre bleu, et nous le peignons simplement pour notre travail. Ce qui est cool avec l' aquarelle, c'est que c'est un support transparent Nous pouvons donc y voir clair. Je veux dire, si j'ai utilisé une couleur très foncée, alors non. Donc, si je reprends le noir d'ici, et que je viens le poser, tu ne verras pas à travers ça, c'est une couleur plus foncée. Mais on peut voir à travers le bleu, le bleu aqueux que j'ai écrit. Il s'agit en fait d'une technique de mélange de couleurs. Vous n'avez donc pas à simplement mélanger les couleurs dans votre palette, à y ajouter du noir, à approfondir le sujet. Il ne suffit pas d'y mélanger les couleurs. Vous pouvez les mélanger sur du papier, vous pouvez donc littéralement mettre un peu de couleur , choisir une autre couleur, y ajouter et simplement les mélanger sur la page. Je n'aime pas vraiment faire ça parce que j'ai l'impression de créer lignes dans la page qui ne disparaîtront pas facilement parce que je les mets juste dessus. Mais vous pouvez en fait mélanger les couleurs en les superposant. Nous ne les mélangeons donc pas. Mais nous laissons les couleurs se superposer et, par conséquent, elles créent une couleur différente. Je n'ai pas tendance à mélanger les couleurs de cette façon. Je trouve qu'il faut trop d'efforts cérébraux pour déterminer la couleur qui sera créée lorsque je les vernis, mais j'aime utiliser le glaçage mais j'aime utiliser le glaçage ou la superposition pour donner de la profondeur à mon portrait Cela signifie peut-être que je mets la même couleur sur elle-même encore et encore pour créer de la profondeur. Mais ce sont les techniques d' aquarelle les plus courantes. Je vous encourage à participer à toutes ces activités, à prendre votre pinceau, à le mettre sur du papier. Jouer, observer les couleurs et utiliser différentes techniques est une façon très amusante de commencer à peindre à l'aquarelle, car je sais que les portraits réalistes peuvent sembler assez Commencez donc par vous amuser et mettre de la peinture sur du papier. 7. La composition: D'accord, parlons de composition. Comment réaliser un portrait ? De quoi devons-nous nous inquiéter ? Nous avons la chance de nous concentrer uniquement sur l' animal en tant que pièce maîtresse lorsque nous réalisons des portraits uniquement sur l' animal en tant que pièce maîtresse lorsque nous d'animaux Ce n'est pas comme si nous peignions un paysage composé de multiples éléments différents, tels que des arbres la ligne d'horizon, des montagnes et une maison, où nous devons nous demander, oh, comment le recadrer ? Où dois-je placer ces objets ? C'est un peu plus simplifié. Et honnêtement, tout dépend de la photo de référence que vous choisissez. Vous savez, nous faisons un travail réaliste ici, nous allons donc avoir une photo de référence à utiliser. Nous voulons rechercher certaines choses, et je vais vous montrer de nombreux exemples de choses à éviter, je trouve que c'est beaucoup plus utile. Voici donc un bon exemple . Nous avons un éclairage doux, naturel et uniforme. Il n'y a pas de lumière intense ni d'ombres. La photo est prise à hauteur des yeux. Il y a une expression joyeuse sur le visage du chien. C'est confortable, détendu. Il y a un léger angle sur le snoot, ce qui est très important pour tous les types d'animaux S'ils ont un long museau ou museau ou quel que soit le nom que vous voulez leur donner, s'ils pointent directement vers la caméra, ce sera vraiment difficile de les traduire en peinture Cela pourrait paraître super bizarre. Je cherche donc souvent des portraits dont tête de l'animal est légèrement inclinée sur le côté Le contraste avec le fond est agréable. Il s'agit d'un animal blanc, il est donc très clair d'en voir les contours. Rien ne bloque le visage ou même le corps, comme rien que nous n' aurions à essayer de deviner et à gâcher. Il est orienté vers l'avant. Vous savez, contact visuel fonctionne aussi bien, et tous les détails importants sont visibles. Maintenant, en utilisant mes propres modèles et animaux de compagnie adorables et magnifiques, jetons un coup d'œil à certaines choses que nous devrions éviter. Pour votre santé et votre bien-être, il est recommandé d'éviter un éclairage irrégulier et violent. C'est vraiment difficile de traduire cela en peinture sans que cela ait l'air un peu drôle. Cela ne veut pas dire que cela ne peut pas être fait, mais nous en parlons ici à partir de zéro. Nous parlons de développer nos compétences par le bas. Ne commençons pas par des choses difficiles. Vous pouvez donc voir ici que mon chien est sous cette chaude lumière du soleil, ce qui va rendre la peinture des couleurs de sa fourrure vraiment confuse. Ensuite, quelques photos d'eux sous une lumière directe à l'intérieur, projetant des ombres sur leur visage, sur leur corps, sur le sol, et aussi sous un éclairage extérieur intense. Vous devez essayer d'éviter certains angles extrêmes. Encore une fois, cela ne fera que rendre peinture beaucoup plus difficile. Juste des photos occupées. Maintenant, vous pouvez utiliser un outil incroyable dans Canva et probablement un tas d'autres logiciels où vous pouvez simplement supprimer l'arrière-plan, et je compte tellement sur cela lorsque j'ai un arrière-plan qui me distrait vraiment Cela peut simplement isoler l'image pour vous. Certaines d'entre elles pourraient être mignonnes s' il n'y avait pas autant de distractions. Mais plus l'angle est extrême, plus quelque chose peut paraître étrange et tout ne se traduit pas bien dans une peinture. Pour essayer d'éviter que le visage ou le corps ne soient obstrués par quelque chose, sauf si vous voulez l'inclure. Par exemple, si vous vouliez inclure le jouet dans le tableau, c'est bon. Mais si vous ne le souhaitez pas et que vous portez un costume volez l'un de vos tableaux ou s'il a une balle ou un jouet dans la bouche, vous aurez beaucoup de mal à rattraper la pièce manquante. Essayez donc de vous faciliter la tâche et recherchez quelque chose où il n'y a pas d'autres choses. Dans les photos d'animaux sauvages par rapport aux portraits animaux de compagnie, vous avez plus de chances de trouver, vous savez, une branche ou une feuille sur le chemin. Vous pourrez donc peut-être combler les lacunes en fonction de la quantité bloquée, voir si vous pouvez trouver quelque chose qui n'est pas bloqué de toute façon. Maintenant, nous avons parlé d'un éclairage rude et irrégulier, mais nous voulons également éviter un éclairage médiocre. Vous savez, nous avons ici une photo vraiment rétroéclairée qui réduit tout le contraste sur le chien. Nous avons le roi sur son trône de porcelaine avec, vous savez, un éclairage intérieur terrible. Et puis nous n'avons qu'un million de filtres Instagram, qui dataient de l'époque où nous ne faisions que modifier les couleurs des objets. Essayez d'éviter les gros plans et les expressions étranges, encore une fois, choses qui compliquent vraiment traduction en portrait. Nous avons pris le contrôle sous un angle étrange, le visage du chat est écrasé, et puis ma chienne, quand elle est très stressée, ce n'est tout simplement pas une bonne photo Mais vous pouvez toujours faire en sorte que les choses fonctionnent. j'ai fini par peindre le portrait de mon chien à partir de celui qui est vraiment ensoleillé et à l'extérieur, Comme vous pouvez le constater, j'ai fini par peindre le portrait de mon chien à partir de celui qui est vraiment ensoleillé et à l'extérieur, même si j'ai simplement rendu les ombres et, par conséquent, les reflets moins dramatiques. Voici quelques photos que je choisirais de mon adorable petit ange. Lumière naturelle, vous savez, expression neutre ou joyeuse. Ils ont tous des crampons sur le côté . Nous allons donc bien y jeter un coup d'œil. Par exemple, un élément clé pour un chien comme celui-ci, c'est un gros snoot Et, vous savez, je ne fais que me faciliter la vie en traduisant ceci. Et pour le chat également, nous avons une face avant Nous voyons le corps entier la plupart du temps. Nous avons de la lumière naturelle, allez-y pour nous faciliter la tâche. côté des photos de référence, il y a d'autres choses que nous pouvons faire également. Nous avons donc parlé de points focaux visant à les rendre croustillants sur les parties importantes comme le visage Mais vous pouvez faire des choses dans l' ensemble du portrait pour mettre en valeur un point focal et attirer l'attention de quelqu'un sur un certain endroit. Avec le poisson-lion ici, nous l'avons laissé complètement vide au milieu et avons mis de la couleur sur les bords Nous allons faire quelque chose comme ça, mais de manière beaucoup moins spectaculaire dans le didacticiel Robin. Et cela ne fait qu'attirer vraiment l'attention des spectateurs vers l'intérieur Cela crée naturellement un petit tunnel. Et puis nous avons en quelque sorte le contraire pour le gecko ici. Nous accentuons ces points focaux et estompons l'arrière-plan Ainsi, même si nous n'avons pas de couleur sur tous les bords qui nous attirent vers le centre, le fait que tous les détails croustillants soient présents et que tout ce qui se trouve à l'extérieur soit beaucoup moelleux et plus doux vous attire Nous pouvons également utiliser la couleur. Nous pouvons également jouer avec notre couleur pour créer des compositions intéressantes. Le noir et blanc sont donc mes préférés, et je les transforme souvent en violet. Vous pouvez donc voir ici un petit diable de Tasmanie à la fourrure noire, et j'ai vraiment tendance à ce qu'il soit violet Il en va de même pour le cacatoès, le violet est utilisé à l'ombre des plumes et aussi pour le bec Je n'ai pas peint le bec en noir. J'ai mélangé le mien et je lui ai donné une touche légèrement violette. En fait, j'ai joué avec une palette de couleurs très subtilement, celle qui est complémentaire, en utilisant le violet pour le noir et les ombres, puis en le contrastant avec le jaune pour les joues et le blason, et ce pour les joues et le blason, et sont des couleurs complémentaires De même, pour la coccinelle, le vert sur la feuille joue sur le rouge de la coccinelle, et ce sont des couleurs complémentaires Et un conseil est vous assurer que vous en ajustez l'intensité. Je voulais donc que la coccinelle, le point focal, soit vraiment percutante, vive et rouge J'ai donc dû apporter quelques ajustements au green. Je l'ai un peu réduit, et en bas, je n'ai pas pris la couleur jusqu'au bout Parce que si j'avais peint cette feuille entière d'un vert vraiment vif et percutant, cela aurait attiré l'attention de la coccinelle, mais ce n'est pas ce que je voulais J'ai donc veillé à mettre un peu dans le dos, puis au fur et à mesure qu'il descendait de la feuille sous la coccinelle, il s'est décoloré et est devenu beaucoup plus Nous ne pouvons utiliser le contraste que chez les animaux eux-mêmes et, vous savez, vraiment affiner les détails points focaux pour nous y attirer, mais nous pouvons aussi l'utiliser en arrière-plan. Avec l'aigle ici, nous avons le contraste par la couleur et aussi par la texture. J'ai donc joué sur le jaune et j'ai utilisé du violet comme arrière-plan, mais j'ai également utilisé beaucoup de fleurs pour créer un arrière-plan texturé par rapport à l'animal lui-même, qui semble un peu plus lisse Un brun très violet est également utilisé sur l'oiseau pour y insuffler davantage de cette palette de couleurs Quand vous avez un animal pâle, vous savez, l'aigle en est un autre exemple, mais aussi ce cobaye qui a beaucoup de fourrure blanche duveteuse Vous pouvez utiliser l'arrière-plan pour peindre négativement cette chose et la faire ressortir. Comme nous peignons sur du papier blanc, nous avons besoin d'un moyen de définir ces bords. Nous ne voulons pas simplement faire une ligne tout autour avec de la peinture noire, vous savez, en décrivant comme un personnage de dessin animé, afin de pouvoir utiliser des éléments tels qu'un arrière-plan plus foncé pour le découper et le faire ressortir Voici un exemple d'une de mes peintures dont je n'aime pas vraiment l'arrière-plan. Je ne peins pas toujours des arrière-plans complets. En fait, je le fais rarement. Et ce petit poisson doré, je n'ai vraiment pas aimé les couleurs que j'ai choisies pour le fond J'ai eu l'impression que le contraste n'était pas suffisant. Si j'avais le temps de le faire à nouveau, je ferais ce background complètement différemment. Je n'aimerais pas du tout avoir cette couleur jaune là-dedans. Je pense que cela nuit vraiment au marquage sur la queue, et je ne le peindrai peut-être même pas sur un arrière-plan complet. Je pourrais le rendre un peu plus éclaboussant, ce qui peut également aider à créer du mouvement, ce qui est important pour quelque chose sous l'eau En parlant d' arrière-plans, voici quelques exemples et d'autres façons de créer des arrière-plans. Si je ne veux pas y peindre de l'eau, je vais faire quelque chose comme apporter un peu de couleur pour que nous puissions le voir avec le poulpe Une petite touche de couleur au bout de tous ses tentacules pour donner une impression de mouvement et, bien sûr, d' être sous l'eau, ne pas flotter dans les airs Avec le panda roux, j'ai joué sur la palette de couleurs. C'est un animal rouge, j'ai donc utilisé du vert. J'en avais naturellement un peu avec les feuilles, mais je voulais en mettre un peu plus en arrière-plan. Je voulais peindre de manière négative le blanc duveteux sur la tête et simplement combler un peu l'espace blanc qui l' entourait Le couguar adore vraiment ce portrait parce qu'il résume en quelque sorte mes objectifs en matière d'aquarelle, qui sont de rendre les choses un peu plus lâches et aquarellées Donc, pendant la moitié inférieure, après le visage, je laisse vraiment les choses se dérouler et je dribble exemple, j'ai tenu mon portrait vers le haut pour qu'il coule vers le bas. Et cela a créé cet effet visuel vraiment amusant en bas de page. La tortue de mer est un fond sous-marin classique que je ferais. Je joue également sur la palette de couleurs, en mettant vraiment l'accent sur la coque orange , puis en jouant dessus avec tous les bleus et les verts en arrière-plan. Lorsque je crée également ces arrière-plans, je n'aime pas leur donner une couleur uniforme Je laisse donc souvent tomber des couleurs plus intenses à de nombreux endroits différents, juste pour que cela reste intéressant. En bas au milieu se trouve un exemple d'arrière-plan que je n'aime pas. Ce sont des seins aux pieds bleus, et je regrette vraiment d'avoir peint tous ces cailloux dedans Je pense que cela a quelque chose à voir avec la pièce finale. Je pense qu'il manque un peu de contraste. J'espère que vous pourrez voir la différence entre ce portrait et Et si je devais le refaire, je ne peindrais que de l'eau en arrière-plan, car je trouve que c'est trop compétitif, et j'ai dû intensifier la couleur ailes et des pieds juste pour le faire ressortir Ensuite, nous avons juste un petit renard arctique duveteux en arrière-plan où la référence elle-même était très violette, et j'ai aimé la couleur utilisée là-bas, alors j'ai voulu l'intégrer à ma peinture Et ce que j'ai fait très subtilement, c'est utiliser du jaune sur la fourrure. Vous ne remarquerez peut-être même pas au premier coup d'œil qu'il y a du jaune dans ce portrait, mais je joue sur la palette de couleurs complémentaire. Terminez avec quelques choses à faire et à ne pas faire. Nous voulons choisir nos photos de référence avec soin. Nous voulons créer des points focaux, qu' il s'agisse de choses liées au sujet lui-même ou simplement de créer une sorte de tunnel, quelque chose qui nous attirera et nous permettra de regarder cet endroit. Utilisez différentes valeurs. Nous ne voulons pas manquer de contraste et avoir un look plat , comme le voulait ce portrait aux pieds bleus Nous voulons donc nous assurer de respecter nos valeurs, sortir notre photo en noir et blanc pour vérifier. Nous voulons changer les formes et les tailles, les motifs de fourrure ou les objets de fond. Nous ne voulons donc pas que les choses ressemblent à un tampon ou à un motif. C'est très distrayant pour le spectateur. Si vous avez quelques arbres dans votre portrait, vous ne voulez pas qu'ils aient tous exactement la même hauteur et la même taille. Vous voulez le varier ou cela devient gênant. Et nous en parlerons également dans le didacticiel Robin. Et penchez-vous sur la théorie des couleurs, l'utilisation des combinaisons de couleurs dont nous avons parlé et sur leur intégration dans vos portraits, même si vous apportez des modifications et modifiez la couleur réelle du sujet ne voulez pas minimiser une caractéristique importante comme un gros chien de chasse. Nous voulons en faire la pièce maîtresse, si besoin est. Nous ne voulons pas utiliser toutes les couleurs percutantes à pleine puissance qui nuiraient au contraste de la peinture et la rendraient en fait assez accablante Nous ne voulons pas créer de motifs ni de symétries inutiles. C'est distrayant Ainsi, chaque fois que je fais, disons, des taches sur un guépard, je ne vais pas simplement appuyer sur mon pinceau dans la même position à chaque fois. Je vais le varier. Je vais bouger mon bras et déplacer la position de ce pinceau au fur à mesure pour m'assurer de ne pas créer de distraction. Ainsi, par exemple, nous ne voulons pas peindre ce fond hyper réaliste et ce genre d' animal au style plus lâche au milieu, parce que les gens seront davantage attirés par les domaines dans lesquels vous avez investi toute votre énergie et tous ces efforts, et cela les détournera de l' Passons à la tâche et parlons de perfectionnement. 8. Affûtage: Très bien, dernière section, nous parlons de perfectionnement. Qu' entendons-nous par là ? Il s'agit de mettre la touche finale à quelque chose pour vraiment lui donner vie. Souvent, pour moi, cela signifie appliquer les reflets, donc travailler avec un peu de courge blanche Mais vous pourriez peaufiner le portrait pendant une longue période. Ils ont des étapes moches. Je voudrais vous montrer quelques étapes de mes précédents portraits. Nous pouvons donc voir ici le bouledogue français. Il faut un certain temps avant que ça cesse d'avoir l'air terrifiant. Je dirais que cela commence à paraître correct sur la rangée du bas, mais cela a été difficile pour les deux premiers tiers du portrait. Et je voudrais vous parler de ce processus que j'ai remarqué suivre au fil des ans, à savoir que si vous deviez résumer le processus en trois étapes, j'appliquerais une touche de couleur sur toutes les zones qui en ont besoin. J'essaie ensuite de trouver les parties les plus sombres du portrait et de les insérer ensuite Et d'habitude, c' est un peu comme les yeux Dans les pupilles ou les narines , je passe le reste du portrait à combler le fossé qui les sépare Et si je pense que cette méthode est efficace, c'est parce qu'à la deuxième étape, vous avez déjà votre plage de valeurs sur papier. Vous avez les parties les plus claires du portrait. Dans cet exemple, j'ai peint les yeux, le nez, le museau autour d'eux. Je les ai peintes négativement lorsque j'ai peint la première couche de furin Nous avons donc la partie la plus pâle du portrait ainsi que tout le papier qui l'entoure Ensuite, nous avons atteint le plus noir par la troisième étape. Nous connaissons donc maintenant le plus clair au plus foncé pour ce portrait Et je pense que ça t'aide à ne pas trop faire nuit. Souvenez-vous que je vous ai montré ce portrait de crocodile où je le faisais paraître vraiment déshydraté et ressemblant à un dinosaure, c'était autrefois mon Je n'aurais pas de limite, quelque chose qui puisse m'arrêter, quelque chose à utiliser comme point de référence pour savoir où prendre ces valeurs. Je continuerais donc, dans le noir, le noir, le noir, le noir, le noir. Ensuite, je m'éloignais du portrait et je dirais : « Oh, d'accord. J'ai commis une terrible erreur. J'ai donc l'impression que le fait d'avoir ces traits très sombres dans les pupilles et les narines, quels qu'ils soient, m' aide vraiment à éviter les excès Je sais déjà qu'ils doivent être les plus sombres, donc cela me donne un point de référence selon lequel je dois garder tout le reste un peu plus clair que cela Dans cet exemple de cheval, je me suis lavé le cou et le dessus de la tête, puis, à l' étape suivante, j'ai mis les narines et l'ouverture de la bouche, les parties les J'ai donc acheté ma gamme très tôt pour savoir ce que je devais faire pour combler le fossé entre les deux. J'ai un peu l'impression de sauter un peu partout. Vous faites ce magnifique changement de couleur, puis tout d'un coup, vous devenez vraiment noir. Mais je pense que cela m' aide simplement à réduire un peu les choses et à atteindre mon propre objectif, qui n'est peut-être pas le vôtre, mais de donner à mes peintures l'apparence qu'elles ont été réalisées à l'aquarelle Cela signifie donc leur garder une sorte de légèreté et de légèreté J'ai donc mentionné qu'une grande partie du peaufinage consiste généralement à ajouter les détails blanchis à la chaux Voyons ce que cela pourrait impliquer de mettre des moustaches sur votre petit animal Et je ne les ferai pas toujours avec du guash blanc. Je pourrais utiliser le noir, par exemple, sur un animal très pâle où vous ne verrez tout simplement pas de guash blanc Je ferai également des retouches du nez et des yeux. J'adore les reflets sur les yeux, et je suis toujours le même type de schéma. Je fais toujours ce surlignage très intense et dur sur la partie supérieure de l'œil. Et puis je fais cette petite forme de croissant dans le bas des yeux, je suis la courbe du bas des yeux. Je rince mon pinceau, je retire le guash, je tamponne l'excès d'eau, puis je le mélange Et ce que cela fait, on dirait que la lumière éclaire bien cette zone située vers le haut ou sur le dessus de l'œil, c'est comme si elle se reflétait et nous montrait quelque chose. J'aime beaucoup le contraste entre les deux. Alors essayez-le si vous pensez que vous n'êtes pas très contente des reflets de vos yeux, ceux que vous mettez peut-être sur le dessus Essayez de mettre celui-ci souple dans la partie inférieure. Je pense que ça te plaira. Et connaît également les points forts. Parfois, j' en souligne le haut. Je vais le souligner sous les narines. Parfois, je m'y fond, mais souvent je trouve le succès en mais souvent je trouve le tamponnant, et ça se voit très bien si vous avez aussi et ça se voit très bien si vous avez de petits snoots noirs Et vous pouvez également l'utiliser pour créer des éclaboussures et de la brillance Ainsi, par exemple, dans cette baleine, je l'ai éclaboussée partout Je voulais ce genre d'effet d'eau mousseuse. Alors je l'éclabousse dans la partie inférieure du corps, puis il y a toutes ces petites rainures sur la poitrine, et j'ai voulu en quelque sorte tracer un peu d' eau qui coule là-bas pour créer un peu de brillance. J'aime beaucoup ces petits détails qui peuvent apparaître dans les 60 dernières secondes d'un portrait car ils réunissent vraiment tout. Vous pouvez avoir un portrait auquel vous pensez qu' il est un peu intermédiaire. Ce n'est pas si intéressant que ça. Et puis vous mettez en évidence les reflets des yeux, et tout d'un coup, cela prend vie. Je trouve aussi souvent que parfois cela a l' air plutôt plat et que le corps semble être au même niveau que la tête. Ensuite, vous ajoutez les moustaches et vous les croisez sur le corps, vous pouvez en quelque sorte voir la loutre ici. Je ne pense pas que ce soit son propre corps. Je pense qu'il s'appuie sur une autre loutre. Mais en posant ces moustaches , en les faisant sortir du museau puis en les croisant devant le corps, cela pousse ce corps et le fait passer un peu plus en arrière-plan du portrait, ce un peu plus en arrière-plan du portrait, aide simplement à faire ressortir la tête vers l'avant et à le rendre Nous n'allons pas faire de meilleurs moments dans le Robin, car il a juste un tout petit œil, mais vous aurez occasion d' expérimenter un peu avec Passons à l'action et faisons enfin notre portrait. 9. Assembler le tout - Tutoriel de Robin dans la neige: Il est temps de mettre tout ce que nous avons appris ensemble et de créer ce magnifique petit Robin dans la neige. Assurez-vous donc de prendre le document contenant le plan que vous pouvez imprimer et tracer Et voyons comment nous allons tout intégrer dans ce portrait. Nous allons évidemment utiliser nos fournitures, mais nous utilisons également une certaine théorie des couleurs. Nous utilisons la palette de couleurs complémentaires avec l'orange et le bleu. Pour créer un peu de réalisme, rien de trop effrayant, mais nous allons légèrement soulever la poitrine pour mettre en valeur la rondeur de l'oiseau Nous pouvons également faire un peu d' ombrage sur la branche. Nous n'allons pas entrer dans les détails. Nous ne peignons pas toutes les plumes. En fait, nous ne peignons pas vraiment une seule plume. Nous allons juste suggérer des plumes. Nous nous appuyons donc sur ces conseils sur les animaux. Nous allons faire de la peinture humide sur humide lorsque nous créerons le fond. Nous allons avoir toute une couche d' eau, y ajouter de la couleur pour créer ces magnifiques arbres doux. Nous allons en faire un peu humide sur sec, ce qui revient en fait à mettre de la peinture sur du papier. C'est une façon élégante de le dire, mais c'est la technique de peinture la plus courante. Nous le ferons quand nous nous occuperons de l'oiseau et de la branche. pouvez, si vous voulez appliquer un tout petit peu de texture sèche, brosser à sec, sécher et sécher pour créer de la texture sur cette branche Nous faisons même de la peinture négative lorsque nous faisons la première couche autour des yeux et du bec pour les découper et les peindre plus tard Nous allons utiliser des éclaboussures à la gouache blanche ou à l'aquarelle pour créer de la neige au sommet des arbres Et nous allons utiliser nos connaissances en composition pour faire de cet oiseau la pièce maîtresse. Nous allons assombrir les bords de manière si subtile pour nous attirer au centre Nous avons des branches qui se détachent par le côté sans peindre tout l'arbre dans lequel elles se trouvent. Nous laissons un espace négatif autour de l'oiseau pour nous attirer et en faire le centre d'attention. Ensuite, nous allons peaufiner notre portrait avec quelques détails surlignés et quelques nuances de finition pour vraiment le rendre plus éclatant et un peu plus réaliste. Allons-y. Bienvenue dans le tutoriel Robin. Nous allons commencer par notre parcours. Je ne le fais pas toujours d' abord dans un portrait, mais nous allons peindre notre doux mouillé sur fond d'arbre diffus et mouillé va donc falloir mélanger peu de couleur pour cela, et beaucoup de couleurs. Nous ne voulons pas en manquer à mi-chemin alors que nous avons une page humide qui commence à sécher pendant que nous créons une nouvelle couleur. Mélangez donc de grandes quantités de couleurs. Et je vais commencer par mettre un peu de jaune sur ma palette , et vous vous demandez peut-être pourquoi vous y avez du jaune. Mais ce que je veux faire, c'est utiliser mon bleu primaire et le rendre un peu turquoise. Je ne veux pas qu'il soit bleu, bleu, mais je ne veux pas non plus que mes arbres soient verts, et vous vous demandez peut-être pourquoi ? C'est exactement de cette couleur. Supportez-moi pendant que je retire la fourrure de mon animal de compagnie de mon pinceau , c'est l'histoire de ma vie. Mais ce que je voulais faire, c'était accentuer la couleur orange sur la poitrine du merle. L'orange est opposé au bleu sur la roue chromatique. Ce sont des couleurs complémentaires. Je voulais donc que mes arbres en arrière-plan soient un peu plus bleus à cette fin. Maintenant, c'est à vous de décider exactement dans quelle mesure vous voulez que ce soit bleu. Évidemment, j'ai dit que j'allais rendre le mien un peu vert, un peu turquoise C'est pour ça qu'il y a du jaune ici. Je prends donc du jaune, mélangeant tout au long de la couleur Et puis je vais aussi y mettre un peu de rouge juste pour en prendre le dessus. Chaque fois que vous utilisez une couleur complémentaire avec elle-même et que vous la mélangez dans une flaque d'eau, cela la désaturera un peu Je prends donc un peu de rouge et je vais juste le mélanger. Vous devez vous assurer de mélanger ces couleurs tout au long de votre flaque d'eau avant de commencer à peindre Sinon, si vous le prenez à un autre endroit que vous le faites apparaître sur votre page, vous pourriez avoir une surprise. La couleur sera différente. Maintenant, nous allons créer ce fond mouillé sur mouillé. Et comme le centre de ce portrait est si pâle, nous pouvons simplement mettre de l'eau sur toute la page. Nous n'avons pas besoin de peindre de manière négative autour de quoi que ce soit, inquiéter de créer des lignes dures. Nous allons juste détailler toute cette page. Maintenant, si vous avez un pinceau plus grand que ma taille huit dans ma main, vous pouvez l'utiliser. J'aimerais juste prouver qu'on peut faire avancer les choses avec moins. Je vais donc entrer et continuer à plonger continuellement dans l'eau avec ma taille huit et à mouiller tout ce portrait Maintenant, je ne fais pas toujours de tels arrière-plans. Je n'ajoute souvent que des arrière-plans à la toute fin. Mais comme j'ai fait ce tableau plusieurs fois, je sais que je peux le faire dans cet ordre, et tout ira parfaitement bien. Je préfère également, chaque fois que je fais un portrait, faire le portrait mouillé d'abord , puis travailler sur du papier sec pour les détails plus tard. Si je voulais que ces arbres soient tendres et mouillés sur mouillés , c'est parce que je ne voulais pas qu'ils soient les héros de la pièce. Je voulais que l'oiseau se démarque vraiment. Je voulais donc que les arbres fondent en quelque sorte dans le fond, et c'est pourquoi j'ai choisi de les faire mouillés sur mouillés au lieu de les peindre sur une feuille de papier sèche. Maintenant, une fois que le papier est suffisamment mouillé et que vous pouvez voir, avec les lumières qui se reflètent dessus, parce qu'il commence à se déformer un peu, vous avez juste besoin d'un shen Vous ne voulez pas voir des flaques d'eau. Donc, si vous en avez, utilisez votre brosse propre pour ramasser une partie et tamponnez-la sur du papier absorbant Mais une fois que vous aurez obtenu cet éclat sur toute la page, nous allons commencer par ajouter un peu de couleur. Nous ne voulons donc pas laisser le papier nécessairement blanc. Tu peux avec l'oiseau. Mais sur le fond qui l'entoure, nous voulons qu'il y ait au moins une pâle quantité de couleur dessus. Il suffit de prendre un peu de couleur et de commencer à l'étaler. Vous remarquerez que je le mets également dans la corniche. Je crois que je préfère le filtre Instagram, ou une vignette ou quelque chose comme ça où tous les coins sont plus sombres ? ou une vignette ou quelque chose comme ça où tous les coins sont plus sombres J'essaie de créer cette illusion, et cela ne fera que nous concentrer davantage sur le centre du portrait, à côté de l'oiseau. Alors je vais faire le tour. Vous ne voulez pas vraiment voir vos coups de pinceau à la fin. Ce n'est pas grave si vous le faites immédiatement, mais ils devraient commencer à s'estomper dans l'eau. Vous pouvez vraiment voir tous vos coups de pinceau, il se peut que vous ayez besoin de plus d'eau sur votre papier ou que vous deviez simplement le mélanger un peu. Nous ne voulons donc pas voir des triangles de couleur durs dans ces coins. Nous voulons qu' il s'agisse de dégradés doux éclaircissent lentement au centre Donc, si vous devez le manipuler un peu comme je le fais ici pour créer ce dégradé, c'est bon Maintenant, vous voulez vraiment perfectionner cela avant de commencer avec les arbres, vous allez vous rendre la vie vraiment difficile, en essayant de vous adapter , par la suite, vous déplacerez les arbres un peu partout. Travaillez donc d'abord là-dessus, puis lancez les arbres. J'ai pris un peu de couleur maintenant, et j'ai créé mon premier arbre ici Maintenant, l'astuce consiste à travailler assez rapidement, comme vous pouvez le voir, mais aussi à rester très serré et fin, car il est incroyable de voir à quelle vitesse vous vous retrouverez avec le triangle le plus grand et le plus large qui occupera plus de la moitié de votre page si vous allez trop loin trop tôt Une solution consiste à commencer par le bas et à gravir les échelons , ce qui est également une option. Vous pourriez peindre votre ligne au centre de l' arbre, là où vous le souhaitez, la plus grande. Comment l' appelez-vous ? Pas la succursale. Comment appelle-t-on le milieu d'un arbre ? Il va falloir que je revienne vers vous à ce sujet. Je suis en train de blanchir. Quoi qu'il en soit, vous devriez d' abord le peindre au milieu, puis créer vos branches et vos feuilles, commençant par le bas vers le haut. Et cela vous aidera à en contrôler la largeur. J'ai donc choisi une couleur bleutée moyenne de ce côté, puis je vais faire trois arbres sur la droite. Et je voulais mélanger les choses. Je n'aime pas que les choses ressemblent à un motif, donc je ne veux pas mettre deux arbres de chaque côté, la même hauteur, de la même couleur. J'ai envie de mélanger les choses. J'ai donc fait un arbre de l'autre côté, dont la couleur est assez similaire. J'ai donc fait celui-ci assez petit, parce que je vais les rendre progressivement plus grands au les rendre progressivement plus grands qu'ils apparaissent au premier plan et progressivement Et cela ne fera que donner impression qu'ils se rapprochent de nous. Cela crée une perspective dans ce portrait. Si les pointes de votre arbre commencent à devenir un peu tachetées et que vous voulez les faire ressortir plus pointues, vous pouvez, avec une brosse propre et humide, simplement les faire glisser pour les ramener vers l'arbre, comme je viens de le faire sur ce petit Mais nous en sommes au second maintenant, donc je le fais légèrement plus haut et légèrement plus foncé Et cela va créer cette perspective géniale. Alors je vais réparer le bout de l'arbre sur le premier après avoir en quelque sorte tout effacé Et, par exemple, nous ne peignons pas les feuilles dans les détails. Tout cela est très rapide et très délirant. Vous devriez essayer de laisser des espaces entre chaque branche, si possible. Cela ne fera que l' aider à paraître plus réaliste. Mais ce n'est pas ce que nous visons. Maintenant, j'ai une couleur plus foncée sur mon pinceau, et pour obtenir une couleur plus foncée sur votre pinceau, vous avez besoin de moins d'eau. Maintenant, ce qui a également reçu moins d'eau, c'est cette page, car elle est mouillée depuis quelques minutes. C'est pourquoi nous les peignons dans cet ordre, clair au foncé, vous savez, loin au plus proche parce que maintenant que je suis au plus proche, la peinture ne s'étale pas aussi C'est plus concentré. Je peux voir plus de trous dans les feuilles et les branches. Il me semble donc plus proche. Nous avons notre belle pile de trois arbres. Maintenant, ce que j'ai remarqué à ce stade, c'est celui de gauche, qui est essentiellement de la même couleur que le petit arbre. Cela a-t-il du sens ? Pas vraiment. Il devrait en fait être un peu plus sombre parce que d'après ce que j'ai fait dans ce portrait, cet arbre a la même hauteur que celui de droite, donc il devrait avoir presque la même valeur. Mais avant d'y arriver, je dois nettoyer une petite partie de l' arbre sur la droite. Ce que je voulais faire, c'était ajuster la valeur de celui-ci sur la gauche, non seulement pour la faire correspondre un peu plus à celle de droite, mais aussi parce que le papier séché un peu plus. Et maintenant, si j'y retourne, je vais juste obtenir des détails un peu plus précis. Cela lui donne également un peu plus de dimension. C'est presque comme faire de l'ombre à l'œuvre originale que nous avons réalisée. Je ne voulais pas le faire correspondre exactement à la valeur de celui de droite. Ce que j'essaie d'éviter dans mes portraits, c'est de créer des motifs. Je trouve qu'ils sont assez distrayants pour le spectateur Je ne veux donc pas deux arbres de chaque côté qui ont exactement la même hauteur, même largeur, la même profondeur de couleur, car cela leur joue des tours aux yeux et ils restent coincés dans car cela leur joue des tours le motif Je les ai donc fait un peu différemment en termes de valeur. Ensuite, vous voulez le sécher, et je viens de m'en occuper, car qui voudrait me voir sécher une page pendant 2 minutes ? Mais si vous avez un pistolet thermique ou un sèche-cheveux, prendra probablement quelques minutes, voire plus si vous devez le laisser sécher à l'air libre. Et une fois que ce sera sec, je vais juste emporter une petite partie du croquis. Vous pensez peut-être que je ne pensais pas que vous pouviez effacer le croquis à l' aide d'une couche d'aquarelle. Parfois, tu peux. Cela ne fonctionne pas toujours, mais parfois c'est possible. Et comme je n'ai pas vraiment mis peinture ici, ce n'est pas trop mal. Je suis en mesure de récupérer une petite partie de ce sketch. Je ne recommande pas de le faire d'abord au cas où vous rendriez accidentellement la couleur un peu plus foncée sur votre arrière-plan et que vous ne puissiez donc plus voir votre croquis. Je préfèrerais donc que ce soit un peu plus foncé que clair pour commencer. Nous devons donc mélanger un peu de couleur pour notre Robin. Maintenant, je ne commencerais probablement pas toujours par l'orange. Vous savez, il y a des couleurs plus claires sur cet oiseau, comme le gris, la poitrine , vous savez, le gris sur la poitrine et tout le reste, mais je voulais mais je voulais d'abord éliminer les couleurs plus vives , plutôt utiliser ma palette de couleurs plus efficacement , en gros. Donc, ce que je vais faire, c'est mélanger du rouge primaire et du jaune primaire, et cela va créer notre couleur orange. J'ai donc essayé de réutiliser une partie du jaune qui se trouvait l'autre côté de cette flaque d'eau, mais je n'en avais pas assez Je l'ai donc replongée dans le moule à orange pour l'ajouter à mon mélange rouge principal, et nous avons maintenant une belle orange Nous allons donc commencer à remplir la zone orange cet oiseau autour de la tête et de la poitrine. Maintenant, il n'y a pas de véritable magie là-dedans. Nous ne peignons pas l'oiseau le plus réaliste que vous puissiez voir de votre vie. Nous sommes juste en train de le créer magnifique, coloré, et il y aura une incroyable touche de contraste sur ce fond doux. Nous allons donc retoucher un peu cette couleur, pour qu'elle ne soit pas simplement en blocs, mais ne vous inquiétez pas trop Vous savez, les gens peuvent souvent être vraiment intimidés par portraits d'animaux réalistes ou simplement par des portraits d'animaux en général Ce n'est pas si effrayant. Nous allons le faire petit à petit. Nous avons donc un petit motif d' étoiles original qui se produit en ce moment, et je suis juste peint autour de l'œil, et je vais juste mettre cette couleur autour du bec également Tout ce que nous faisons vraiment, c'est comme une peinture numérotée sauf que je ne l'ai pas numérotée pour vous. Nous ne faisons que remplir de petites parties de ce croquis qui ont déjà été séparées dans ce schéma. Nous le prenons sur le visage, découpons l' œil et le bec, puis nous l' enroulons pour le rentrer à côté de l'aile J'ajoute un peu plus d'orange foncé sous ce bec pour l'ombrer comme si le bec projetait une légère ombre dessus Et maintenant, avec un pinceau propre et humide, j' en enlève un peu de couleur au centre. Et cela ne fera que donner à ce petit oiseau un aspect plus arrondi, comme si la lumière captait son gros ventre rond, laissant tomber un peu plus de couleur sous Et maintenant, je mélange un peu de bleu dans ce coin de cette orange. J'ai pris un peu de rouge pour qu'il ne soit pas trop vert et je l'ai aussi laissé tomber sous le bec J'ai donc voulu le nuancer de façon plus spectaculaire, mais l'orange ne le coupait pas vraiment, alors j'ai légèrement bruni mon mélange . Tant que j'ai encore le brun sur le pinceau, je vais travailler sur une autre partie de ce portrait qui ne se touche pas car elle n'interagira pas avec le pinceau lui-même, ce qui signifie que je n'ai pas à m' arrêter pour simplement le faire sécher. Je peux simplement essayer de continuer et de réduire le processus d'arrêt et de séchage. Je peins les petites jambes dedans. Encore une fois, le croquis est là. Tu n'as qu'à le suivre. Élargissez légèrement les pattes en haut, sous l'oiseau, puis pincez-les un peu plus finement vers les pieds Ensuite, nous voulons simplement courber deux de ces orteils. Je déteste peindre des pattes d'oiseaux. Je pense que ce sont les petites choses les plus étranges, les plus laides et les plus effrayantes, si vous avez déjà tenu un oiseau à votre doigt ou à Oh, je n'aime pas ça. Je n'y pense donc pas trop profondément. Nous allons peindre une branche marron foncé autour, donc vous ne verrez pas vraiment les détails. Je crois que j'ai juste mis deux griffes sur le devant et une sur le dos Terminé. Maintenant, nous mélangeons une couleur grise. Donc, créer du gris est assez similaire au brun, à l' orange et au bleu, il y aura juste plus de bleu dedans. Et je me retrouve constamment avec ce mélange, à devoir y ajouter du rouge pour annuler la nuance verte Mon mélange d'orange et de bleu prend toujours une couleur verte, alors j'utilise du rouge pour annuler cela. Et nous allons simplement continuer à ajouter bleu puis du rouge si nous devons annuler le vert jusqu'à obtenir une sorte de couleur foncée. Essentiellement, nous associons simplement les trois couleurs primaires dans des proportions différentes, ce qui donnera inévitablement une sorte de couleur noire foncée. y ajoute un peu plus de rouge parce que ça a l'air vraiment vert foncé. Enfin, nous arrivons à un endroit un peu plus bleu. Vous pouvez aussi, évidemment, pour tout cela, simplement utiliser une couleur pratique. C'est très bien. Si vous avez une couleur grise dans une poêle et une couleur brune dans une poêle, optez pour votre vie. Vous n'avez pas besoin de le mélanger. Mais j'ai trouvé cette couleur, j'ai séché la partie orange et les jambes de ce portrait, et je vais commencer à ajouter du gris. Nous allons donc ajouter cela au sommet de la tête. Nous allons y ajouter un peu de gris. Ce que vous voulez faire à quelques endroits n' est pas très important si vous ne le faites pas Mais si vous vous en souvenez , il suffit de faire quelques petits traits vers le haut et vers le côté pour ressembler à des plumes C'est ma façon astucieuse de créer des plumes. Je ne veux pas peindre toutes les plumes, et c'est, tu sais, tu l'as peut-être déjà remarqué Nous ne l'avons pas fait pour la poitrine. Nous n'avons pas peint de plumes sur la poitrine. Nous venons de peindre la couleur des plumes. Mais tu me vois ici. léchant quelques petits traits de fourrure pour ne pas en faire des plumes, vous devez simplement vous assurer suivre la direction de cette pousse Donc, si nous sommes au-dessus de la tête au-dessus du bec, nous ne voulons pas les pointer vers la droite La direction des plumes est généralement, vous savez, le haut et vers la gauche alors qu'ils regardent dans cette direction de toute façon, et qu'elles poussent de cette façon, ne dépassent pas un gué vers l'avant de l'oiseau C'est un peu pointé vers l'arrière. C'est comme ça qu'ils pondent. Vous devrez peut-être étudier d'autres photos d'animaux et d'oiseaux pour vraiment vous familiariser avec le schéma de croissance des poils et des plumes, mais c'est pourquoi je ne les mets pas en avant, comme dans la direction du bec Nous allons maintenant remplir cette section du ventre sous l'orange et nous assurer laisser les ailes vides car elles vont être brunes Et nous allons faire ici la même chose qu'avec l'orange, ce petit peu sous l'orange. Nous voulons rester un peu plus légers parce que nous voulons donner l'impression de ce gros ventre rond qui capte la lumière dans cette zone Nous pouvons donc l'assombrir un peu sur les bords. Je vais le soulever, enlever cette couleur pour donner l'effet d'un gros ventre rond. Mais nous pouvons le garder plus foncé sur les bords, en particulier là où il doit se cacher sous l' aile droite Encore une fois, vous devez ajouter quelques petites plumes sur le côté. Je l'ai quitté un tout petit peu tard. Vous devriez peut-être le faire un peu plus rapidement car le mien finit par avoir l'air littéralement peint et vous pourrez y voir un peu de rugosité plus tard. Mais je vais vous montrer comment vous pouvez résoudre ce problème. Ce n'est pas la fin du monde, mais ça l'est. Alors tu l'as vu ? J'ai laissé tomber mon pinceau sur ma page. Je l'ai sauté, je suis tombé de ma main, écrasé l' arbre sur la droite Mais ne paniquez pas. Je vais aussi vous montrer comment résoudre ce problème. L'aquarelle peut être assez indulgente en tant que médium. Cela peut aussi être une douleur aux fesses, mais je vais vous montrer comment y remédier. Mais ce que nous n'allons pas faire, c'est le toucher lorsqu'il est mouillé. Je vais donc continuer à travailler sur cet oiseau en attendant. J'ai ajouté encore plus de couleur à sa droite, là où il sera placé sous cette aile Et je suis juste en train de jouer avec le bas, d'enlever de la couleur , de l' étaler Je veux que ce soit, tu sais, un dégradé d'apparence lisse. Je ne veux pas que ça ait l'air inégal ou quoi que ce soit d'autre. Et maintenant je vais le faire sécher, et je vais aussi effacer cette erreur. Je vais donc vous montrer comment je répare quelque chose comme ça. J'ai accéléré les choses parce que cela m' a pris quelques minutes, et j'espère que vous ne l'avez pas fait dans votre portrait Mais c'est sec, et j'ai une brosse propre et humide et un essuie-tout humide . Je l'ai trempé dans mon eau propre et j'en ai extrait l'excédent. Et ce que je fais, c'est juste frotter doucement cette couleur Il fonctionne mieux quand il est sec, à mon avis. Moins de chance de simplement le lisser plus loin, et vous pouvez vraiment concentrer ce gommage exactement là où vous le déposez maintenant J'ai dû faire attention autour cet arbre car il a commencé à soulever une partie. Et ce n'est pas ce que je voulais. Je décide donc ce que je vais faire, et pour couvrir je vais simplement y peindre une autre branche plus tard. Vous savez, parfois, vous avez de la chance et vous commettez une erreur dans un endroit comme celui-ci, où il est très facile de peindre quelque chose . C'était le cas ici. J'utilise une technique similaire ici sur certains bords , car lorsque vous peignez un grand nombre de petits bords qui se touchent, comme nous le faisons dans ce Robin, vous pouvez créer des lignes doubles peignez un grand nombre de petits bords qui se touchent, comme nous le faisons dans ce Robin, vous pouvez créer des lignes doubles là où les bords se croisent, et cela ne fait que les assombrir. Ça n'a plus l'air doux. Cela semble un peu illustratif. Donc, il vous suffit de prendre votre brosse propre et humide et votre serviette en papier humide. Vous frottez ces lignes, et vous ne voulez pas y aller, vous voulez aller dans le sens de la ligne Vous ne voulez pas le frotter d'avant en arrière sur une zone qui n'a même pas de peinture Maintenez-le vraiment concentré et retirez-le immédiatement avec cette serviette en papier humide. Maintenant, n'appuyez pas à nouveau sur la même zone d'essuie-tout à cet endroit, sinon vous pourriez créer un tampon. Continuez à faire pivoter cette serviette en papier pour qu'elle soit propre à chaque fois. Mais c'est ainsi que vous pouvez éliminer vos lignes dures. On n'aime pas vraiment suivre des lignes dures. C'est juste quelque chose qui arrive à l'aquarelle, et c'est à vous de choisir si vous voulez le réparer ou le laisser tranquille. Maintenant, pendant que je jappais, nous avons mélangé une belle couleur marron foncé ici Donc l'orange, plus le bleu, en annulant le vert par le rouge, et nous avons une jolie couleur brune N'hésitez pas à revenir en arrière et à regarder ce processus de mixage, car je n'étais qu'en train de discuter de l' intégralité du processus. Mais maintenant que nous l'avons compris, nous allons commencer par certains détails. Je vais donc utiliser cette couleur brune avec mon pinceau Detail Three Slash Zero pour peindre dans les yeux Nous le faisons juste d' une couleur marron plat. Il suffit de remplir ce petit cercle, EasyPS. Nous le soulignerons plus tard, mais vous n'avez rien à faire d'extraordinaire avec sa couleur pour le moment. Alors je vais le mettre sur le bec maintenant. Je vais d' abord mettre cette couleur au bas du bec , puis l'inviter avec de l'eau Je me suis donc rincé , tamponné, et je vais remplir le dessus du bec avec cette sorte de brun aqueux qui est resté Cela signifie qu'il s'agit d'un mélange doux, d'un échange doux, mais cela crée ce magnifique dégradé où le bas du bec semble plus foncé Et ça va correspondre à une ombre en dessous. Magnifique. Maintenant, nous allons utiliser la même couleur brune et simplement peindre ces ailes. Nous n'en faisons rien de particulièrement sophistiqué. J'ai juste ajouté un peu plus rouge dans cette couleur et un peu plus de jaune juste pour essayer de la modifier un peu. J'aime bien mélanger mes couleurs. Parfois, donnez-leur un aspect un peu différent pour chaque petite section que j'ai peinte, si différent du bec et de l'œil Et je suis en train de remplir le reste du croquis qui se trouve sur le côté du portrait. Nous sommes donc en train de monter les ailes. J'ai décidé de rincer mon pinceau et de rendre le dessus plus pâle, faisant correspondre ce que nous avons fait avec la poitrine, ayant une couleur un peu plus claire à certains endroits Je vais le faire sur le bord de l'aile, puis au fur et à mesure que je descends et qu'il fond dans la queue, je vais l'assombrir Ils font glisser doucement cette couleur vers le bas. Et au fur et à mesure que nous avançons vers le bas, nous pouvons passer à un peu plus de couleur, et nous pouvons commencer à la faire glisser vers le bas pour créer cette queue Maintenant, vous devriez littéralement effleurer ces traits pour donner à la queue un aspect plus lâche, mais j'ai simplement rempli le croquis, en gardant les choses simples Donc, alternez-le également avec une couleur un peu plus aqueuse des allers-retours prudemment sur ces lignes droites avant plonger dans une couleur plus foncée, et de simplement les déposer sur le côté gauche nettoie mon pinceau , je le tamponne , je prends de la couleur tout en haut, je joue juste avec Au lieu d' avoir une couleur uniforme qui est la même sur toute la surface, j'aime la varier un peu juste pour le fun. Nous allons utiliser la même couleur pour la branche. C'est donc là que ça commence à vraiment apparaître maintenant, j'ai l'impression que c'est presque comme si quelque chose sortait juste du côté de l'écran, et c'est comme si c'était juste devant nous. Nous allons donc esquisser cette branche. J'ai commencé par une couleur brun très foncé , puis j'ai rincé mon pinceau pour le rendre encore une fois plus pâle, en particulier au sommet de la branche J'aime éclaircir le dessus de la branche pour donner l'impression qu'elle capte la lumière naturelle du soleil , puis assombrir le dessous Maintenant, si vous trouvez cela trop difficile à gérer, j'ai découvert qu'avec un objet si fin comme cette branche , elle avait juste l'air un peu rugueuse et ne se mélangeait pas Vous n'êtes pas obligé de faire le dégradé. Vous pouvez simplement le peindre en brun plat. Ce n'est pas un problème. Cela ne ruinera pas votre tableau ou quoi que ce soit d'autre, mais le simple fait de le changer et d'éclaircir le dessus et d'assombrir le bas donnera un peu plus de réalisme à votre portrait J'ai traîné cette fine petite branche vers le bas, et nous allons maintenant la remplir près de l'oiseau Encore une fois, je vais prendre un peu d'eau pour remplir cette partie supérieure. Maintenant, nous ne voulons pas peindre directement sur les pieds, alors, vous savez, faites un peu attention à peindre autour d'eux. Et je vais me remettre à un peu de couleur parce que, détrompez-vous , façon réaliste, cet oiseau jetterait une ombre sur cette branche Je veux donc qu'il fasse plus sombre en dessous de l'endroit où l' oiseau est assis. Je dessine donc très soigneusement le contour de ses vilains petits pieds. Ce sont des petits pieds effrayants et dégoûtants, et ils vont en quelque sorte Personne ne va voir si tu les as peints bizarrement. Je vais l'assombrir juste en dessous, comme s'il projetait une grosse ombre depuis son gros ventre Et puis, au fur et à mesure que nous sortons de dessous l'oiseau, nous pouvons le changer un peu J'ajoute donc un peu d'eau à mon mélange. En le faisant légèrement glisser vers l'extérieur . Vous devez également réduire ces branches en une pointe fine. Encore une fois, juste pour le rendre plus naturel. C'est ce que je suis en train de faire ici, traînant légèrement vers le haut Je vais y retourner et essayer de nettoyer et d'approfondir le bas de ces branches ou de cette branche, encore une fois, juste pour obtenir un effet réaliste et lisser tout ce qui semble un peu rugueux en termes de couleur Ensuite, nous allons tout sécher. Et je vais me remettre à cette couleur, et maintenant je vais juste créer une branche en freestyle pour dissimuler mon erreur Donc oui, j'ai peur. Je n'ai pas de croquis ici. Je suis en train d'inventer ça. Il n'est pas nécessaire de l'ajouter . C'est uniquement parce que mon pinceau est tombé de ma main et a sauté sur la page, et je voulais vraiment le dissimuler On a en quelque sorte tiré une branche vers le bas. Pareil, une petite branche fine qui descend vers le bas, une autre pointe vers le haut dans une direction différente Terminé. Je pense que c'était en fait un ajout plutôt sympa, mais en même temps, j' aurais pu vivre sans lui, tu sais ? Mais on improvise Ce que nous allons faire maintenant, c'est mettre en valeur le regard. Encore une fois, nous travaillons sur une petite surface, en plongeant mon pinceau à trois slash zero dans mon blanc C'est de l'aquarelle blanche. Si vous avez du guash blanc, c'est encore mieux, mais je fais cette aquarelle, elle est donc beaucoup plus percutante qu'une aquarelle normale. Et nous allons ajouter le plus petit point en haut à gauche de cet œil, puis nous allons ajouter le plus petit croissant en bas à droite de cet œil et le mélanger Je pense que j'ai peut-être mis deux points sur le dessus de l'œil. Mon Dieu, c'est difficile à voir Je pense qu'il s'agit d'un point plus grand puis d'un point légèrement plus petit à sa droite. Puis, avec ce croissant sur le bas de l'œil, je l'ai rincé et tamponné, et maintenant je veux le fondre dans la moitié inférieure du portrait Donc je ne veux pas le laisser comme ça parce qu' on dirait qu'il pleure. Ce que je veux faire, c'est juste mélanger cela. Alors courbez vos traits. Vous devrez peut-être tamponner par intermittence parce que, vous savez, vous perturbez le blanc et le déplacez partout Je veux juste ajouter cette belle touche plus douce sur la partie inférieure de l'œil, comme si elle captait juste un peu de lumière, mais les reflets intenses sur le dessus lui donnent un aspect brillant et beau. Maintenant que j'ai compris cela, je vais juste revenir à un peu de brun et approfondir le centre de l'œil autour de ces reflets, pour ne pas avoir l'impression d'avoir recouvert tout l'œil de blanc et de donner l'impression qu'il ne peut voir nulle part, étant donné qu' il s'agit de cataractes Ce n'était certainement pas le but recherché. Maintenant, je viens de prendre le même brun et j'ai décidé simplement ombrer le dessus des pattes directement sous l'oiseau, pour rendre le brun un peu plus foncé. Encore une fois, je cherche juste de petites façons de rendre quelque chose de plus réaliste. Le dessus des jambes doit être plus foncé car le gros ventre rond jette une ombre sur elles et contourne un peu les orteils. Maintenant, pour terminer, avant de commencer à neiger, je vais contourner l'oiseau et toutes ces arêtes dont j'ai parlé où, vous savez, nous les retouchons les unes contre les autres et nous créons des lignes dures. Ce n'est pas quelque chose que vous devez faire, et parfois cela aggrave le résultat final, mais j'aime le faire de temps en temps, surtout pour quelque chose de doux comme celui-ci. Donc, sur ce ventre, où l' orange rencontre le gris, je frotte ces lignes de rencontre et je les tamponne immédiatement avec mon essuie-tout humide Vous savez, je viens de prendre un nouveau morceau ou de déplacer l'essuie-tout pour avoir un côté neuf, donc je ne crée pas de tampon, mais vous voulez vous assurer que vous frottez dans le sens de cette ligne Ne faites pas glisser le papier d'avant en arrière, sinon je pourrais faire glisser du brun sur le blanc du papier ou sur l'orange de la poitrine. Ce n'est pas ce que nous voulons. Et soyez prudent, car utiliser de bons pinceaux au fil du temps pour faire quelque chose comme ça endommagera le bout des pinceaux. C'est pourquoi j'ai ce pinceau rouge de rechange. D'habitude, je l'utilise, mais c'est toujours tellement sale que je ne peux tout simplement pas m'embêter. J'ai utilisé mon pinceau normal. J'ai pris un carré de serviette en papier maintenant et j'ai couvert notre petit oiseau parce que je ne veux pas de neige sur lui. Tu pourrais. Et puis j'ai pris mon gros pinceau, trempé dans du blanc, et vous voulez un peu d' eau sur votre pinceau pour cela, sinon il ne se détachera pas des poils lorsque vous le tapoterez Mais dans le même ordre d'idées, si vous avez trop d'eau, toutes ces petites taches de neige disparaîtront une fois que vous l'aurez asséchée toutes ces petites taches de neige disparaîtront une fois que vous l' Ce qui m'est réellement arrivé. J'ai trouvé que j'avais fait du bon travail. Je les ai trouvés blancs et percutants, mais quand je les ai séchés, ils ont en quelque sorte disparu Donc, autour de ça. Certaines personnes aiment prendre une brosse à dents et appliquer de très fines brumes de couleur sur J'aime utiliser un pinceau et appuyer dessus. Ils sont normalement un peu plus gros et plus rebondis, mais c'est à vous de décider Ensuite, nous allons tout sécher. Et c'est notre chouette petit Robin. J'adore le contraste des couleurs ainsi que le contraste entre cet oiseau net et détaillé au premier plan et ces magnifiques arbres doux en arrière-plan J'espère que vous avez apprécié ce tutoriel et que vous avez appris différentes techniques et comment vous remettre de certaines erreurs. Ainsi, celles que vous rencontrerez souvent ressemblent à des arêtes dures, mais d'autres, plus rares comme le fait de laisser littéralement tomber votre pinceau sur votre portrait. 10. Outro: Je l'ai fait. Bienvenue à la fin de Watercolor from scratch J'espère que tu as passé un bon moment. J'espère que vous avez beaucoup appris sur l'aquarelle, et j'espère que vous avez essayé la peinture de Robin. Cela a été un plaisir absolu discuter avec vous de l'aquarelle Et si, à tout moment, vous avez des questions sur le médium ou les portraits animaliers, n'hésitez pas à nous contacter. Je suis plus qu'heureuse de vous aider. J'ai été Emma et je suis heureuse de peindre pour toi.