Apprendre à peindre des portraits à aquarelle réaliste - mélange et mélange

1. Intro: Hey, et merci de vous être joints. Je suis un artiste basé au Danemark et vous apprenez que mon objectif principal est la sculpture. Mon premier amour a été le dessin et la peinture. Les portraits seront toujours l'un de mes sujets préférés sur lesquels travailler. Dans ce cours, je vais vous guider le processus de création d' un portrait à l'aquarelle. Je vais passer en revue les matériaux dont vous aurez besoin. Mélange de colonnes pour ce projet, création et transfert de votre esquisse, quelques techniques de base et comment les appliquer pour peindre des traits du visage, ainsi que vous montrer l'ensemble du processus peindre cette fille. Il s'agit d'une première classe dans une petite série. Dans ce cours, nous allons plonger nos orteils dans la création de portraits à l' aquarelle. Nous n'allons pas trop nous concentrer sur la ressemblance autant que sur le fait de s' amuser et de pratiquer le leering pour créer de la profondeur dans nos peintures et dans les cours à venir aller plus en profondeur avec chacune de ces différentes zones, dessin de visages au mixage d'appels et à la peinture de portraits plus détaillés. J'encourage tous ceux qui souhaitent apprendre à peindre des portraits à l'aquarelle à se joindre à moi dans ce cours. 2. Matériel: Allons avec les matériaux que nous utiliserons dans ce cours. Tout d'abord, il va falloir peindre quelque chose. J'utilise deux types de papier. Le premier n'est que n'importe quel papier ordinaire pour créer un nouveau croquis. J'utilise un carnet de croquis simple et bon marché. Le plus important est le papier que vous utiliserez pour votre peinture et vos exercices. Je recommande d'utiliser du papier coton de tous vos matériaux aquarelles. Le papier est celui où la qualité peut vraiment avoir le plus d' impact. Encore une fois, j'utilise un carnet de croquis, mais il y a un très beau papier dedans. Vous pouvez utiliser une presse à chaud ou une presse à froid pour cette démonstration, j'utilise une presse à froid. L'une des principales différences est qu'en raison de la texture, la presse à froid peut contenir plus d'eau. séchage prend plus de temps et vous donnera donc plus de temps de travail. Vous aurez également besoin de peinture à l'aquarelle. La peinture que j'utilise est en rétrécissant, mais vous pouvez utiliser n'importe quelle marque d'aquarelle, qualité étudiante ou artiste. Cela n'a pas vraiment d'importance. Winsor et Newton Cotman, qui est la ligne étudiante Sarah, est un excellent point de départ si vous êtes débutant. Les appels que j'utiliserai le magenta, la quinacridone, teinte dorée, l'hélium, le turquoise et le gris de Payne. Ne vous inquiétez pas si vous n' avez pas ces coûts exacts. Nous en parlerons en classe. Je vais utiliser de la gouache blanche pour les reflets. Le lavage est essentiellement une aquarelle opaque et fonctionne de la même manière. Si vous ne l'avez pas, vous pouvez également utiliser aquarelle blanche sur de la peinture acrylique blanche. Certains pinceaux, je vais utiliser deux pinceaux pour ce tableau. Pour le pinceau principal, j'utilise celui-ci. Vous aurez besoin d'un pinceau pouvant contenir suffisamment de peinture et d'eau pour pouvoir recouvrir la plus grande partie de votre portrait avec un lavage à plat même. Si vous travaillez avec un pinceau trop petit, vous pouvez facilement vous retrouver avec bords durs ou des couches de couleur inégales. Même si mon pinceau principal a un bon point de vue et pourrait travailler pour les détails de ce tableau. Les détails sont généralement plus faciles à contrôler et créer avec un pinceau qui contient un peu moins d'eau. Je vais utiliser celui-ci pour un peu de punch juste pour me faciliter un peu la vie, pour transférer mon croquis sur mon papier aquarelle. Je vais utiliser ce papier calque. Si vous travaillez sur une feuille de papier aquarelle en vrac, vous pouvez également utiliser une fenêtre ou contrairement aux bucks. Mais si vous travaillez sur un bloc ou dans un carnet de croquis, vous aurez besoin d'une sorte de papier calque. Vous pouvez également esquisser directement sur votre papier aquarelle si vous préférez. Vous aurez besoin d'un ou deux crayons. J'utilise un crayon mécanique pour faire des croquis. Ensuite, j'utilise un crayon en graphite doux pour transférer mon croquis à l'aide de ce papier calque spécifique. En ce qui concerne les gommes, vous pouvez utiliser n'importe quel ratio de votre choix. Si vous voulez effacer le crayon du papier aquarelle, Il est recommandé d'utiliser quelque chose comme une gomme malaxée. Quelque chose de doux pour ne pas endommager la surface du papier. Pour les dernières choses, vous aurez besoin d'une palette pour mélanger vos peintures. Ce n'est pas forcément quelque chose de spécial, mais vous devrez pouvoir contenir au moins une certaine quantité d'eau. Ensuite, vous aurez besoin d'eau, de tissu, mouchoirs impressionnants pour essuyer vos pinceaux, ainsi que de quelques mouchoirs et de tous les Q-tips pour aider à soulever la peinture de votre peinture. Parce que je travaille sur un portrait de la plus petite taille, j'utiliserai des Q-Tips pour vous aider avec précision. Bon, commençons. 3. Créer et transférer l'esquisse: Même si nous n'allons pas nous concentrer sur la façon créer l'esquisse pour le portrait dans cette classe, je voulais tout de même inclure une version plus courte de celle-ci. Je vais juste vous guider à travers l'une des façons dont vous pouvez aborder l' esquisse à partir de la référence photo F. Je garde généralement mes références sur mon téléphone à côté de moi pour qu' elles soient jolies et compactes. Je n'ai pas à m' inquiéter de les imprimer. Et je peux facilement zoomer pour voir un peu les détails si nécessaire. Pour commencer, la première chose que vous voulez faire est de simplifier le visage dans votre esprit. Regardez les formes les plus grandes et les plus basiques, mais essayez de suivre les chevilles que vous voyez. Il suffit de créer quelque chose qui représente grossièrement la forme du visage. De là, vous pouvez ajouter le cuir chevelu ou la forme restante et la partie de la tête, ainsi qu'un placement approximatif pour l'oreille. À ce stade, ne vous inquiétez pas des détails, mais essayez de capturer les formes plus grandes et les proportions des formes les unes par rapport aux autres. Ensuite, nous pouvons commencer à décomposer ce blob principal de lancement qui sera le visage en petites sections. Vous pouvez commencer par placer la ligne centrale verticale le long de la face, ce qui, étant donné que votre visage est incliné, ne sera pas exactement au centre. Puis jouez quelques lignes directrices pour les yeux, le nez, bouche et les sourcils, en vous concentrant sur les chevilles et la distance qui les sépare. Les yeux vont être à mi-chemin de la tête et le nez sera à peu près à mi-chemin des yeux au menton. À partir de là, vous pouvez commencer à placer les yeux, le nez et la bouche, et aussi commencer à ajouter un peu plus de forme au visage. Un enfant qui a un vent fort ne fait pas d'expression extrême, n'en a pas nécessairement beaucoup, ce que j'appelle des points d'ancrage. Ce sera donc quelque chose qui vous indiquera où en face vous sur quelque chose qui vous aidera à diviser ces formes lancées en petites sections. Les caractéristiques de base, qui seront les yeux, le nez, la bouche, etc. sont tous des points d'ancrage. Ils vous aident tous à décomposer ce visage vide en portions plus petites et plus faciles à gérer. En dessinant quelque chose comme ça, je cherche toujours ces points d'ancrage. Sur cette image particulière, elle a une ombre assez dramatique qui descend l'arbre sur le côté droit. Cela peut aussi vous aider à décomposer cette joue en petites sections et à la faire en sorte que vous puissiez mieux juger de la distance, disons le nez au bord extérieur du visage. J'espère que c'est logique. Sur un autre visage. Il peut également s' agir marques de naissance, de fossettes, de ridules prononcées ou de rides, de dos sur les yeux, tout ce qui vous aide à diviser ces formes en petites portions. Les anneaux que j'ai placés autour des yeux qui montent jusqu' aux sourcils après avoir placé les yeux eux-mêmes sont également quelques-uns de ces points d'ancrage. Juste un peu rugueux juste à côté de l' ombre entourant cette zone, qui m'aidera à mieux visualiser si la distance entre les yeux, TOUT entre les autres parties du visage doit être ajusté davantage. Une fois que vous décidez que vous êtes satisfait l'emplacement et des proportions de tout, vous pouvez commencer à définir les formes et à les ajouter plus en détail. Parce qu'une ligne vide hors d' un visage n'est souvent pas trop attrayante. J'ai ajouté quelques ombrages grossières pour le bien de cette vidéo, cependant, pour la grande majorité du temps, si je fais un croquis juste pour créer la base pour peindre. Habituellement, je ne m'embête parce que je ne suis vraiment intéressé qu'à faire baisser ces proportions sur le papier afin de pouvoir commencer avec la partie amusante, qui, pendant la peinture, c'est ajouter le peinture pour ce croquis, je ne fais que dessiner sur une page vide dans un carnet de croquis. Avec cela, choisir de faire le croquis sur une feuille de papier séparée directement sur le papier aquarelle dépend généralement de quelques facteurs. Certains des avantages de l'esquisse sur une feuille de papier séparée sont qu'une fois que vous êtes prêt à trancher le pied sur le papier aquarelle, vous pouvez vous assurer que le placement est exactement là où vous Je veux que ce soit le cas. Alors que si vous faites des esquisses directement sur la surface, vous allez peindre sur le visage dans ce cas peut finir par être le visage dans ce cas peut finir assis haut sur le papier ou plus d' un côté que prévu. Vous aurez également plus de marge d'erreur. Même si le papier aquarelle n'est généralement pas endommagé par des croquis légers et un effacement doux, vous risquez d'endommager la surface du papier. Si vous allez faire beaucoup de croquis et d'effacement sur votre papier aquarelle. Cela peut affecter le comportement de la peinture ou même vous limiter dans certaines des techniques que vous pouvez utiliser. Parce que vous devrez peut-être être plus prudent idée de ne pas endommager davantage cette surface. Cependant, si vous comptez dessiner directement sur votre papier aquarelle, il suffit de le garder léger et d' utiliser quelque chose comme une gomme malaxée pour corriger les erreurs éventuelles. Je vous encourage vraiment à essayer de faire un croquis vous-même. Ce cours ne vise pas à créer un portrait exact de cette fille. Sa famille ne va pas s'en prendre à vous si vous ne comprenez pas exactement, amusez-vous juste avec ça. Mais si vous n'êtes pas d'humeur à faire des croquis ou même si vous choisissez d'esquisser cette fille et que vous avez quand même envie de terminer le reste de ce cours avec le même contour que moi. J'ai ajouté la programmation de mon croquis à l'onglet Projets et ressources. N'hésitez donc pas à l'utiliser si vous préférez. Pour transférer mon croquis sur mon papier aquarelle, j'ai utilisé une feuille de ce papier calque. Certes, cela peut être un peu fastidieux, car vous devez y aller quelques fois et le résultat peut être un peu rude selon votre minutie. Fondamentalement, comment cela fonctionne est triste. Vous le placez au-dessus de votre esquisse et tracez les lignes que vous souhaitez transférer. Retournez-le ensuite et utilisez un crayon doux en graphite pour ajouter graphite à l'arrière de ces lignes. Vous pouvez également utiliser un pastel doux ou un bâton de graphite, mais sachez simplement qu'une partie des résidus tombera sur vos papiers. Assurez-vous donc de ne pas utiliser quelque chose qui va créer trop de gâchis. Vous pouvez ensuite le placer sur la surface sur laquelle vous allez peindre et tracer les lignes. Encore une fois, parce que je n'étais pas très minutieux et que je n'ai pas ajouté assez de pression. Je n'ai pas eu à y aller quelques fois. L'un des inconvénients de cette méthode. Bien sûr, si vous utilisez cette méthode, l' une des choses dont vous voulez être conscient est de ne pas ajouter trop de pression lors du tir de tranchées. Parce que ces deux éléments peuvent endommager le papier aquarelle. Maintenant, je n'ai tendances avec des lignes très basiques de mon croquis, ce qui signifiait que je devais revenir une fois de plus pour assurer que tout était comme il était censé le faire. Mais je vais simplement différer de ce que je vois. Comme je l'ai mentionné, vous pouvez trouver cette dernière esquisse dans l'onglet Projets et ressources. Si vous n'avez pas envie d'utiliser le vôtre. 4. Palette de couleurs: Vous n'aurez besoin que de quelques couleurs dans cette classe car nous avons une palette de couleurs limitée, non seulement pour rester simple, mais c' est souvent tout ce dont vous avez vraiment besoin lorsque vous choisissez vos couleurs pour ce cours. Ne vous inquiétez pas si vous n'avez pas exactement ceux que j'utilise, vous aurez besoin d'une certaine variation de vos coûts primaires. Ce sera donc un rouge, un jaune et un bleu. Dans mon cas, j' utiliserai du magenta, quinacridone, de la teinte or et du turquoise Helio. n'est pas une palette que j'ai créée spécifiquement pour cette image ou cette peinture. C'est juste une palette que j'ai vraiment aimé le résultat lors du mixage. J'ajoute également du gris Payne, qui n'est qu'un bleu plus profond, plus neutre que le turquoise. Je choisis de l'ajouter au palais parce que non seulement certains des appels sont en arrière-plan de notre photo de référence, peu près cette teinte exacte. Mais c'est aussi un excellent appel pour mélanger certaines de ces formes plus neutres que nous utiliserons pour ses cheveux et les tons plus profonds de ses yeux. Nous n'allons pas trop discuter de la théorie des couleurs. Mais une chose que vous voulez garder à l'esprit lorsque vous sélectionnez les appels de votre palette, c'est de les garder dans le même ton. Vous voudrez donc trois tons chauds ou trois tons froids. Cela vous donnera les meilleurs résultats lors du mélange. Un moyen assez simple vérifier si vos coûts vont bien fonctionner ensemble consiste à créer une roue chromatique de base. Placez vos coûts sur le rouge, le jaune et le bleu, puis mélangez-les ensemble pour créer la cause secondaire. Si vous obtenez du vert, du violet et de l'orange, et qu'ils ont tous l'air plutôt décents, vous devriez avoir un palais qui fonctionnera bien. Parfois, l'un de ces coûts secondaires finira par paraître un peu boueux. Mais cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas utiliser cette palette de couleurs pour une peinture. Mais pour ce projet, essayez d'utiliser des appels capables de produire au moins une version des couleurs secondaires. Si vous mélangez le rouge et le jaune, vous obtiendrez de l'orange. Et l'orange est à peu près la base de n'importe quel teint. Peut-être que si vous ne faites pas un extraterrestre, vous pouvez opter pour une orange qui se penche davantage sur le jaune ou une orange qui se penche davantage pour lire en fonction de votre sujet. Si vous avez été mélangé dans votre bleu, vous obtiendrez une version plus tonique ou plus discrète et neutre du teint, ce qui est idéal pour les couleurs d'ombre. mélange de peinture plus concentré Un mélange de peinture plus concentré vous donnera des tons de peau plus foncés et plus de mélanges d'eau vous donneront comme des tons de peau. C'est toujours une bonne idée de se familiariser avec une palette de couleurs avant de commencer à peindre, juste pour voir de quoi elle est capable et quel collège peut en produire. Certains d'entre eux peuvent vous surprendre et devenir vos nouveaux appels préférés pour de futures peintures. L'un des avantages évidents de l'utilisation d'une palette limitée comme celle-ci est que tous les collèges qui se sont mélangés vont bien se passer ensemble. Vous n'obtiendrez aucun affrontement des coûts pour le portrait qui va travailler dans cette classe, je vais surtout utiliser pour la richesse dans ma palette. En haut à gauche, j'ajoute le gris et le magenta de Payne. À part le fond, ce sera mes principaux choix de couleurs pour le blanc des yeux. En haut à droite, je mélange le teint plus clair en utilisant du magenta, quinacridone, de l'or et du turquoise, et du bleu que je mélange mon teint plus foncé au même prix, mais aussi en ajoutant un une touche de gris Payne juste pour le neutraliser et le marquer un peu plus. En bas à gauche, je n' ajoute que la turquoise. Il est principalement utilisé pour l'arrière-plan, mais peut également être utilisé pour teinter vos autres coûts. Tout au long de la classe, je vais mélanger quelques autres causes, marron et noir. Les deux sont effectués en mélangeant différentes quantités de ces appels téléphoniques. Mais ces Falwell seront la palette de couleurs principale de ce tableau. 5. Exercice : techniques de base: Nous pouvons faire quelques exercices simples. Si vous maîtrisez déjà vos techniques d' aquarelle et que vous savez comment faire des lavages plats, et que vous travailliez avec un pinceau. Allez-y et passez à l'intrigue suivante si vous le souhaitez. Je vais rester dans les parages. J'aimerais bien vous avoir ici. Dans cette partie, je vais présenter certaines des techniques de base que j' utiliserai tout au long du processus de peinture. Et dans la partie suivante, nous allons examiner comment appliquer ces techniques lorsqu'il s'agit ombrager les traits du visage. Par exemple, nous allons juste mettre de la peinture sur notre palette pour faire un lavage à plat basique. Faites tremper votre pinceau dans le mélange de peinture, puis remplissez la zone que vous souhaitez peindre à partir d'un coin ou d'un côté , puis remplissez-la à partir de là. Si vous ajoutez une grande surface, vous aurez peut-être besoin de beaucoup de pinceau. Tout ce dont vous aurez besoin pour travailler rapidement. Si votre pinceau est à court de peinture, il suffit de saisir rapidement un peu plus de ce même mélange et de continuer. Ce que vous ne voulez pas faire, c'est tremper votre pinceau dans l'eau propre, puis le mettre dans le mélange de peinture. Parce que cela va changer le rapport peinture à l'eau dans le mélange et donc modifier également la valeur. Vous ne voulez pas non plus laisser un bord sec derrière vous, c'est ce que je démontre ici. Je travaille volontairement lentement et au lieu de passer d' une direction et de tout remplir sur mon chemin, je viens de directions aléatoires, ce qui donne à ces bords le temps de commencer à sécher, ce qui en résultera. dans un lavage à l'allure désordonnée ou évasée. Maintenant, aggravons les choses en essayant de citer le réparer sans citation. Je prends de l'eau et j'essaie mélanger certaines de ces zones inégales. Mais ce qui peut finir par arriver, c'est que vous ajoutez plus d'eau à un pot déjà en train de sécher. Tout cela va faire, c'est que l'eau pousse le pigment, rendant le problème beaucoup plus perceptible et plus difficile à résoudre. La meilleure chose à faire si vous avez ces morceaux inégaux dans votre tableau, c'est simplement de le laisser sécher. Il est toujours préférable de travailler dans lavages plus légers que ce que vous voulez que votre peinture finie soit battue. Parce que si vous rencontrez certains de ces problèmes dans votre première couche, une fois que vous commencez à ajouter d'autres calques en haut, vous ne le verrez probablement pas. Ou du moins, ça n' aura pas l'air aussi mauvais que lorsque vous n' avez qu'une seule couche. Une autre façon de créer une couche plate sur le lavage de couleur est de travailler mouillé sur mouillé, mouiller votre papier puis d'y aller avec votre mélange de peinture. Même si je ne fais pas particulièrement attention à tout couvrir, le pigment va couler et se répandre sur toute la surface. Supposons que vous vouliez soulever une partie de ce pigment. Ici. J'ai laissé sécher la peinture un peu, puis la brosse pour la salle blanche et l' essuyer pour éliminer la plus grande partie de l'humidité. Maintenant, même si vous pouvez soulever la peinture comme celle-ci, elle peut toujours créer des bords durs dans l'eau qui poussent le pigment. Au lieu de cela, ce que je recommanderais si vous le savez, vous allez retirer de la peinture dans une zone où vous voudriez peut-être mettre évidence, c'est de soulever la peinture ou le pigment lorsqu'il est encore mouillé. Appliquez donc votre peinture, nettoyez rapidement et essuyez votre pinceau, puis soulevez le pigment du papier. Comme la zone est encore assez humide, vous n'allez pas ajouter plus d'humidité qu'il n'y en a déjà sur le papier. Si vous souhaitez créer une zone plus propre ou des arêtes vives, vous pouvez aller chercher une partie de ce pigment avec un mouchoir ou un Q-tip. L'utilisation de tissus sur Q-tip va également absorber non seulement le pigment, mais aussi beaucoup d'eau. Et donc parce que cette zone va maintenant être plus sèche, les pigments qui l'entourent, elle ne va pas revenir dans cette zone. Vous pouvez également créer un dégradé plaçant de la peinture dans une zone et en utilisant un pinceau avec un peu d'eau propre, tout en ajoutant une autre eau à votre mélange de peinture et en plaçant la première goutte d'eau sur une zone sèche puis en combinant les deux sections plutôt que de continuer à partir du même bord que je soulève. Si vous n'avez pas l'habitude de travailler avec un pinceau, essayez de dessiner quelques formes différentes et de les remplir simplement avec un lavage plat de couleur. C'est un bon moyen de pratiquer le contrôle des pinceaux. Vous pouvez également pratiquer votre rapport peinture/eau. Créez une rangée de carrés ou cercles dans différentes nuances allant de l'obscurité à la lumière. Savoir à quel point vos lavages de peinture seront clairs ou sombres . C'est l'une de ces choses simples qui peuvent vous faciliter la vie. Enfin, utilisez votre pinceau pour jouer autour, créer des lignes, différents types de traits. C' est tout ce qui va vous aider à gagner contrôle et en confiance lorsque appliquez ces techniques à un tableau. 6. Exercice : mélanger l'ombrage et les ombres: Je vais démontrer quelques façons ajouter les calques pour l'ombrage. J'ai des basiques consomment du mélange ainsi que du magenta et du turquoise. Commencez généralement par une couche de couleur plate sur l'œil, j'applique la peinture sur du papier sec comme lors du premier lavage plat du segment précédent. Une fois que j'ai posé la peinture, je peux nettoyer mon pinceau, l' essuyer et l'utiliser pour capter certains points forts. L'autre option est une technique humide sur mouillé. Cela aidera le pigment à se répandre uniformément sans bords durs. Si le papier est trempé ou tout simplement très humide, se peut que des bords durs se forment autour de l'extérieur. Une fois complètement sec, ce bord peut être résolu en le grattant doucement à l'aide d'un pinceau. Bien qu'il soit préférable d'essayer de contrôler ce bord avant que la peinture ne s'installe trop. Cependant, si vous travaillez avec un lavage de couleur très léger, ces bords ne sont généralement pas très importants. Et encore une fois, je ne fais que choisir certains de ces points forts pour celui-ci parce qu'il y a plus d'eau sur la page, j'utilise mon Q-tip pour aider à sécher ces zones afin que le pigment ne refoule pas. dans nos points forts et en ruinent. Pour le nez, j'applique la peinture humide à sec, mais pour celle-ci, je démontre simplement ce que vous ne voulez pas faire en appliquant le lavage de peinture. Je choisis d'abord un point culminant avec ma brosse nettoyée, ce qui est très bien. Mais revenons ensuite avec un pinceau humide, qui va ajouter trop d'eau à ce papier et donc pousser le pigment. Parce que c'est juste pour la démonstration. Au lieu de le laisser sécher, je vais juste aller de l'avant et l'essuyer avec ma brosse séchée. Mais ne faites pas cela habituellement il vaut mieux simplement y croire. Pour l'intérieur de l'œil. Je ne fais que placer la peinture humide sur sec. Mais ici, je choisis d'ajouter une autre couleur pour obtenir un effet de dégradé doux. Vous pouvez le faire de cette façon ou attendre que la teinte bleue sèche avant d'ajouter une partie du magenta. Nous allons voir comment mélanger mouillé sur sec en un peu. Pour l'ombrage et les ombres en fonction du résultat souhaité. Toutes les techniques que vous trouvez les plus faciles à utiliser. Vous pouvez les construire soit en utilisant la technique mouillée sur humide, la technique mouillée sur sec. Pour les ombres plus douces comme ici, j'ai d'habitude d' abord mouiller mon papier , puis j'y vais avec ma peinture. Cela va créer un joli ombrage doux, nettoyer et essuyer le pinceau, puis contourner les bords pour contrôler la forme. Vous voulez garder un œil dessus jusqu'à ce que l'eau et le pigment ne se répandent plus pour vous débarrasser des bords durs qui se forment autour de l'extérieur. Pour les zones sombres ou les ombres plus dures, je suis généralement humide sur sec. Une fois que la peinture a été appliquée avant que les bords ne sèchent, nettoyez et essuyez votre pinceau, puis mélangez-le. Vous ne voulez pas que votre pinceau soit trop sec car vous aurez besoin d'un peu d'eau pour créer cet effet de dégradé à partir de la zone peinte, choisissez un papier propre. Dans ce cas, au niveau du dégradé entre le nouveau calque et le calque précédent. Alors que ce papier est encore humide, je prends un peu plus de pigment et je le place le long du bord supérieur de la paupière. Cela créera une ligne de dégradé doux car la nouvelle peinture se répand comme l' eau propre se produirait. Placer quelques ombres supplémentaires humides sur sec. Ensuite, juste ici sous l'œil où je vais d'abord l'ombre est maintenant sèche. Je mouille le papier mais n'utilise qu'une petite quantité d'eau. Parce que le papier n'est que humide, le pigment ne se répand pas autant. Cette technique est donc idéale pour mieux contrôler l'ombrage dans les zones plus petites. Jouez et pratiquez ces différentes techniques. Vous pouvez donc choisir la méthode que vous préférez en fonction de vos sujets. À partir de là, il suffit de construire ces couches de nuances et d'ombres, bi-couches pour créer une belle profondeur dans vos peintures. Juste pour vous montrer encore une fois, voici à quoi ressemblent les techniques G dans l'avion. Paypal. 7. Ajouter les couches de base: La première étape du processus de peinture, nous allons ajouter un calque basé sur une application, juste un joli pinceau plat. Je mouille juste une partie du tableau ou du papier à la fois, puis j'ajoute un léger lavage de couleur, commencer par le fond, ses vêtements que son visage, cou, et enfin, les cheveux. Peu importe l'ordre dans lequel vous faites cela, tant que chaque couche est autorisée à sécher avant d'ajouter la suivante. ne devrait pas y avoir de saignement des couleurs ou du moins pas beaucoup, surtout quand les couches ont été arrosées autant parce que la peinture va descendre dans les couches les plus profondes du papier et il n'y aura pas beaucoup d'excès de pigment sur le dessus qui pourrait éteindre le plomb. Mais au cas où on se concentre sur les tons plus profonds, lois comme les cheveux peuvent aider à prévenir cela si cela devait se produire tant que couches les plus basses environnantes ont déjà séché. Bien que si vous souhaitez que votre peinture ait une sensation plus lâche et expressive, vous pouvez mouiller toute la page ou un bout de papier en même temps et poser toute la cause de base, ce qui leur permet de saigner et de se mélanger. . C'est l'une des belles techniques vous pouvez utiliser avec l'aquarelle, permettant à certains pots d'être très doux et flous presque abstraits, puis de se concentrer sur un point plus rendu. Dans ce cas, ce sera le visage. Dans ce cours, je vais rester aussi simple que possible, mais n'hésitez pas à jouer et à explorer différents effets et résultats. Pour l'arrière-plan, j'utilise à peu près la même cause que je vois dans la référence, mais je l'ai gardé très lâche et je n'ai pas prêté trop attention au placement exact de chaque couleur par rapport à son visage. Pas tous les détails et les nuances. On voulait avoir une idée qu' elle était dans un endroit, mais peu importe que ce soit une fenêtre, un ciel, ou une scène de plage entière derrière elle. Mais ce léger lavage de couleur peut vraiment aider à donner une idée du temps et de l'espace et à raconter une histoire. avoir établi un arrière-plan plutôt que de simplement avoir le blanc du spectacle papier peut également aider à expliquer le reste des choix de couleurs dans le portrait. Ou aidez à expliquer pourquoi la lumière et les ombres tombent comme elles le font. Vous remarquerez que je suis allé là-bas, c'est que j'ai presque blanc sur la photo à cause de la lumière venant de derrière elle. Nous n'allons pas nous inquiéter tous ces petits détails sur la photo. L'objectif principal est de créer une belle peinture détendue et de m' entraîner à créer de la forme et de la profondeur en utilisant les coûts de l'eau. Lorsque vous posez ces couches initiales de peinture, gardez un œil sur les bords. Si vous voyez des bords durs se former là où vous n'en voulez pas, vous devez les nettoyer ou même une brosse humide pour les estomper. Si vous finissez par avoir des bords durs là où vous ne vouliez pas le faire, ce n'est pas grave. Les derniers clips de ce segment, vous pourrez voir que mes couches de base ne sont pas presque parfaites. Si vous avez un léger saignement, la plupart des bords durs, un léger rodage de cause, c'est correct. Ces petites imperfections, je suppose, peuvent être appelées et peuvent être prises en compte lorsque vous ajoutez les couches de peinture suivantes. Et même si vous voulez laisser certains d'entre eux visibles, c'est un peu le traumatisme causé par l'aquarelle. Ce flux expressif imprévisible sur les coûts. Comme vous le voyez ici, j'ai utilisé ma brosse propre et humide pour aider à éclaircir le front, l'arête du nez et une partie d'une joue, et j'ai ajouté un Q-tip pour simplement soulever une partie du pigment. Il s'agit simplement de garder ces zones encore légèrement plus légères que les autres. Parce que c'est très tôt dans le processus. Au final, cela ne fera pas beaucoup de différence, car nous construirons le collège en utilisant plus de couches. Mais c'est une façon simple de donner une certaine forme à son visage dès le départ, même s'il est très subtil. Mais ce n'est pas non plus quelque chose sur lequel vous devez insister. Vous aurez beaucoup d' occasions d'ajouter de la forme ou de son visage au fur et à mesure que les années progressent. Vous n'avez pas non plus à vous soucier d'éviter le blanc des yeux. Si cela vous rend plus à l' aise, bien sûr, n'hésitez pas à peindre autour d'eux, achetez un lavage de peinture. Cette lumière n' affectera pas les yeux de la dernière pièce, car les yeux ne sont pas principalement gardés dans l'ombre. Pour les cheveux que j'ai mélangés entre mat, Genetech, quinacridone doré et gris Payne. Cela va vous donner un joli gris ou même noir sous une forme plus concentrée. Pour mélanger le noir, il suffit de mélanger, ajouter du violet puis d'ajouter une petite quantité de jaune. Tout au long de cette peinture, chaque main sera composée d'un mélange entre ce ton gris et quelques nuances plus brunes. Enfin, pour ces bouts de cheveux bouffants , il suffit de les garder lâches. Vous n'avez pas à vous soucier du positionnement exact de la forme. Nous voulions simplement suggérer qu'ils soient présents. 8. Établir la forme et l'ombre: On va commencer à ajouter quelques formes à son visage. Maintenant, la première chose que nous allons faire est d'ajouter de la couleur aux yeux. Pour cela, j'utilise principalement gris de Payne avec du magenta ajouté. Les montants exacts ne sont pas importants. Vous vouliez que le blanc des yeux soit bleuté avec un peu de violet. Et pourtant, le coin intérieur des iris que j'ajoute chez Brown rend la raison d'ajouter de la couleur aux yeux si tôt, c'est que lorsque vous pensez à un visage, votre cerveau sait que logiquement le blanc de l'œil va être la partie la plus légère. Ce n'est pas toujours le cas. Sur cette photo, ses yeux sont surtout gardés en forme, tandis que des portions de sa peau et de ses cheveux frappés par des lignes vives, même si nous n'allons pas dépeindre avec précision, sont les conditions d'éclairage exactes de la photo dans notre peinture. C'est un excellent moyen de dire à notre cerveau que nous devons ajouter plus de couleur à la peau et autres zones entourant les yeux. Je sais que beaucoup de gens début, sont mal à l' aise lorsqu'il s'agit d'ajouter couches de peinture plus lourdes ou plus concentrées, surtout à quelque chose comme la peau. Parce que tout ce qui concerne l'aquarelle, c'est que traditionnellement, on passe du clair au noir. Une fois que cette couleur est sur le papier, vous ne pouvez pas revenir au blanc. La couleur est là pour rester. D'accord ? Oui, il existe des moyens de lever la couleur ou d'ajouter un signal comme un fond aquarelle pour vous ramener sur un fond blanc. Mais d'une manière générale, une fois que vous mettez la couleur sur le papier, elle est là et vous devez simplement travailler avec elle telle quelle. Maintenant, avoir une sauvegarde montrée dans ce que votre esprit verrait logiquement comme étant la partie la plus légère du visage, cela signifie que votre cerveau aura beaucoup plus de facilité à ajouter ces teintes plus sombres. Parce que vous ne comparerez plus la peau à une base large ou très pâle, mais vous savez maintenant que vous devez augmenter le reste des coûts pour correspondre. Vous pourrez voir tout au long des prochaines secondes de cette classe que même si le blanc des yeux semble très sombre en ce moment, en réalité, vous finissez par devoir s' assombrir. c'est encore plus élevé. Après avoir ajouté de la couleur aux yeux, vous pouvez entrer et remplir les narines et ajouter des ombrages très basiques autour des notes. Pour cela, j'utilise un mélange de deux mélanges de teint pour des zones comme celle-ci où je veux pouvoir contrôler la peinture. Il reste surtout d'un côté de la ligne de crayon. J'aime généralement travailler mouillé sur sec, ajouter de la peinture, mélanger du papier trop sec, puis utiliser un pinceau humide pour aider à le mélanger. Vous pouvez le faire, quelle que soit la façon dont vous préférez. Si vous préférez travailler mouillé sur mouillé, puis utiliser un pinceau séché ou même à pointe Q sur le tissu pour guérir, contrôlez la peinture. Vous pouvez également le faire. Tout comme je l'ai fait avec le centre inférieur du nez où j'ai ajouté la peinture au papier car j' étais déjà mouillé à cause de la fusion des ombres sur les côtés du nez. De temps en temps, vous me verrez entrer avec mon crayon et ajouter des lignes plus foncées aux sourcils, toutes les autres caractéristiques. Il travaillera sur l'ombrage de la peau. lignes de crayon faibles qui existent déjà vont être de plus en plus difficiles à voir. Je fais ça pour ne pas perdre complètement de vue l'esquisse. La raison pour laquelle je ne veux pas souvent avoir un croquis ou un contour très sombre avant de commencer à peindre avec des aquarelles. Une fois que vous avez ajouté ces couches de peinture sur le dessus, le crayon est presque verrouillé et il n'efface que la façon dont vous pouvez habituellement le faire, même s'il est normal de garder l'esquisse plus sombre autour de ces zones où je sais. vous le couvrirez sur vos notes qui n' affecteront pas l'apparence de la peinture finale. Vous souhaitez surtout avoir une légère touche autour des zones du visage qui n'ont généralement pas de contour de clou. Comme la ligne Joel sur cette fille, qui semble très logicielle. Le visage rencontre le cou. Techniquement, le visage n'a aucun contour. Vous pouvez également utiliser certains mélanges de peau pour ajouter une touche de couleur aux paupières et aux lèvres. À ce stade, nous gardons toujours les valeurs plus légères qu'elles ne le seront sur le tableau final. Vous pouvez utiliser autant ou moins de couches que vous le souhaitez et vous sentir aise avec des mélanges de peinture plus concentrés, presque envie de duvet. Tout dépend de vos préférences personnelles. C'est également ce que l'on appelle le vitrage. Chaque couche va effectuer de petits ajustements à la profondeur et à la valeur de l'appel. Ce serait donc à quel point la couleur est claire ou foncée. Tous apportent des modifications au ton. Donc, si vous avez une zone trop jaune, vous pouvez y aller avec un lavage épuré de ton bleu ou violet qui le rend plus neutre. Si c'est un objectif neutre, bien sûr. Pour vraiment avoir un sens de la forme sur ce visage, nous devons commencer à ajouter des ombres profondes. Pour cela. Je mouille d'abord le papier, puis j'entre dans la plupart des cas avec le teint plus foncé à droite et le teint plus clair à gauche. Vous devez nettoyer la brosse séchée pour aider à contrôler la forme. La peinture se répand plus que vous ne le vouliez. Sur le côté droit, juste au bout de la queue de son sourcil, vous pouvez voir que j'ai ce coin plutôt pointu ou la pâte de lettres rencontre l'ombre. Cela est dû au fait que je n'ai pas été très attentif lors du mélange des bords. Si cela se produit, ne vous inquiétez pas. Il s'agit de compétences uniquement sur le processus qu' il sera caché lors de la création d'autres couches. Si cela se produit plus tard dans le processus, vous pourrez le mélanger avec un pinceau humide sans trop de tracas. Si ce n'est pas le cas, il existe des moyens de le contourner, par exemple lors des dernières étapes lorsque vous ajoutez la touche finale et ajoutez simplement du sec à sec. Donc, avec une petite quantité d' un mélange rose sec pour couper une petite zone. Même si nous avons une photo de référence à parcourir. Je n'essaie pas d'obtenir la couleur exacte que je vois sur la photo. Ces appels vont varier d'une façon ou en fonction de la monnaie que vous utilisez. Ou si vous choisissez d'imprimer la référence, une ou plusieurs. Donc, utiliser la référence comme guide ou suggestion. C'est votre tableau. Si vous vouliez ajouter des tons plus dorés, la peau, peut-être voulez que ses joues aient plus de peluche et faites ça. C'est entièrement à vous de décider. Je veux peut-être s'habiller pour être vert. n'y a pas de mauvaise réponse. C'est juste amusant et faites-en le vôtre. Nous ne voulons pas oublier le cou. Donc, en ajoutant cette ombre sur le côté droit. Maintenant, lors d'un échange vers la partie inférieure du front, essayez de regarder chaque section du visage comme des plans ou des formes individuels. Le front, les joues, le menton, etc. Tous en saillie et courbée vers l' extérieur à des degrés divers. Alors peut-être plus visiblement sur le front et le menton. Dans cette image, le centre de chacune de ces formes sera plus léger. Et les côtés sont des bords tout autour. Nous serons en doggone. Même si la valeur changeante n'est pas très chromatique. J'ai ajouté de la peinture pour aider à couvrir coin pointu que j'ai déjà souligné, juste au niveau du sourcil et en approfondissant la couleur ou ombrage sur le côté droit du nez ainsi que sur l'îlot droit. Puisque c'est le côté opposé de la face à l'endroit où la lumière frappe, toutes les valeurs de ce côté seront dongle. Vous avez peut-être aussi remarqué que déjà le blanc des yeux ne regarde plus tout ce chien. Parce que ses forces de l'appel ou la valeur autour de ce domaine ont augmenté. 9. Créer des couches et des contrastes: Maintenant que nous avons au moins une forme sur le visage et que tout ne ressemble plus à une seule couche plate. Nous voulons créer davantage de couches pour ajouter plus de contraste et approfondir les valeurs. Cette fois, je commence par les cheveux car c'est l'une des zones les plus sombres de la référence. approfondissement de cette couleur ici peut donc permettre cette année de juger quantité de données que vous souhaitez utiliser avec le reste du visage. Cependant, je garde toujours tout plus léger que je ne veux que la peinture finie. Parce que nous gardons toujours tout assez lâche et qu'il n'y a pas trop de changements en cours, d'être courageux et d'accélérer un peu plus la vidéo. Tu devrais espérer que tu pourras toujours voir ce que je fais. Mais puisque nous ne parcourons pas seulement les mêmes domaines que nous l' avons été auparavant. Je sais que ça peut finir par être un peu répétitif. Une fois que vous avez approfondi la couleur des cheveux, vous pouvez ajouter des couches supplémentaires sur le côté droit, là où les uretères ainsi que le cou. Ensuite, une fois que toutes ces zones ont reçu un calque supplémentaire, vous pouvez créer d'autres calques sur la face. Je commence par le haut du visage et je descends. Une fois que j'ai ajouté de la peinture à une zone, je la laisse sécher tout en travaillant sur une autre zone. Si vous travaillez sur des zones ou des caractéristiques de la face situées juste à côté de l'autre. Faites attention à ne pas passer par-dessus les couches précédentes ou les zones qui n'ont pas encore complètement séché avant d'ajouter de l'eau et de la peinture à celle qui s'y trouve les couches précédentes ou les zones qui n'ont pas encore complètement séché avant d'ajouter à côté. Parce que cela peut amener la peinture à soulever un mouvement et créer des textures inégales en raison de l'eau qui la pousse. Chaque fois que vous ajoutez ces nouveaux calques, vous devez porter une attention particulière non seulement à la valeur, mais également à la forme de ces différentes formes que vous voyez sur le visage et à l'espace qu'elles occupent. Utilisez ces différents points d'ancrage. Nous avons parlé de C, où une nouvelle nuance ou ombre sur le visage pensait ou s'arrête. À ce stade, vous voulez être un peu plus prudent quant à l'endroit où vous ajoutez plus de peinture, car bien que nous ayons encore plus de calques à ajouter, nous approchons lentement des valeurs appropriées. Certaines erreurs peuvent ne pas être aussi facilement cachées. Cela étant dit, détendez-vous, encore une fois, nous ne faisons que s'amuser. C'est l'occasion de s'entraîner à peindre un portrait à l' aquarelle. Si vous commettez des erreurs, ne vous découragez pas. Je sais à quel point il est facile de s' énerver lorsque les choses ne se déroulent pas. Mais essayez de considérer ces erreurs comme une expérience acquise. Chaque erreur que vous commettez vous donnera de nouvelles connaissances sur ce qu'il ne faut pas faire. Tous veulent faire différemment la prochaine fois. Si un tableau ne va pas comme prévu, essayez de le terminer. Vous pourriez finir par aimer vraiment le résultat. Et dans le pire des cas, vous apprendrez quelque chose. Quelle chose horrible. Nous commençons vraiment à voir des formes et des dimensions appropriées au visage. Il suffit donc de continuer à ajouter des lavages de couleur pour ombrer uniformément et profiler le visage tout au long. C'est l'une des parties les plus relaxantes du processus de peinture. Pour moi. Vous avez déjà établi les formes et les ombres de base et maintenant il s'agit simplement de suivre les directives données par les calques précédents et de vous référer à votre référence pour vous maintenir sur la bonne voie. et pour voir où vous devez effectuer des ajustements, prenez votre temps, laissez la peinture couler et se déposer sur votre papier. Et vous devriez brosser comme un outil pour sculpter et façonner toutes ces petites courbes sur le visage. La seule chose que vous ne voulez pas faire, c'est de se précipiter. Si vous le souhaitez, vous pouvez utiliser un sèche-linge pour aider à sécher le papier entre les deux, afin d'accélérer le processus. J'aime généralement mettre de la musique sur un film en arrière-plan pour aider à faire en sorte que les lacunes du ver temporel fixant la peinture sèche soient moins significatives. Bien que j'aime beaucoup me perdre dans la pensée aussi. Presque comme une forme de détresse ou de méditation. Il n'y a pas exactement la couleur de peau que vous souhaitez placer où. Par là, je veux dire que vous n' avez pas à vous soucier de placer le mélange exact de teint que je place sur le nez dans cette même zone. la plupart des cas, il suffit de conserver le mélange plus sombre pour les zones du visage qui présentent le plus d'ombres ou d'ombres. J'utilise le mélange de teint plus clair pour l'ombrage qui ressemble moins ombre et plus à ce qui serait son teint normal dans plus, je suppose, des conditions d'éclairage moyennes. Vous pouvez également mélanger les deux feuilles. Si vous avez besoin d'une teinte ou d'une couleur entre les deux. Vous êtes le bas du tableau sur le côté gauche de son cou ainsi que ses vêtements. Je fais beaucoup moins attention à mélanger tous les bords. Et au lieu de cela, je laisse délibérément traits très visibles de mon pinceau. Cela contribue simplement à ajouter à cette sensation générale de lâche et à rendre plus acceptable laisser des bits très non rendus. En général, que vous travailliez avec de l'aquarelle ou un autre support. Personnellement, j' aime vraiment quand certaines parties de la peinture et permet la peinture de ressembler à de la peinture. Parfois, il ajoute de la peinture à moteur pour laisser quelque chose de côté que pour finir chaque petit détail. 10. Les couches finales et le projet de cours: Dans cette vidéo, nous allons finir notre portrait à l'aquarelle. Pendant ces premières minutes. Je vais juste avec les mêmes zones d'ombre déjà établies sur la peinture, approfondissant les valeurs et ajoutant des notes de rose sur ses joues. Cette méthode de vitrage sur la peinture avec autant de lavages de couleurs minces peut-être pas la méthode la plus rapide, mais elle vous donne un grand contrôle et c'est un bon moyen de pratiquer la confiance lorsqu'elle vient à peindre avec des aquarelles car vous n'avez pas ces effets 0 à 100. Alors que le coup de pinceau suivant change tout. Vous pouvez voir progressivement les changements, réfléchir et décider quel sera votre prochain mouvement. Cela étant dit, j'ai un dernier exercice pour vous à la fin de cette vidéo. Passer deux grands, juste une autre petite façon pratiquer la confiance et la prise de décision. Prenons une seconde pour parler de confiance quand il s'agit de peindre. La plupart du temps, ce qui nous empêche de faire quelque chose, c'est la peur que le métal à la hauteur de nos propres attentes avec la peur qu'un tableau ne se présente pas comme nous le voulons. Mais comme je l'ai déjà mentionné, quelle est la pire chose qui puisse arriver ? Nous avons appris de ces erreurs. Je sais que Pablo est également dans l'idée de gaspiller des matériaux. Vous dépensez beaucoup d'argent pour obtenir fournitures de qualité et vous ne voulez tout simplement pas les gaspiller. Mais rappelez-vous que tant que vous avez appris quelque chose de tout cela, tant que vous vous êtes amusé dans le moment présent, les matériaux et Emma gaspillés, amusez-vous simplement. Et si vous voulez créer un espace sûr pour pratiquer la peinture, je vous recommande honnêtement de vous procurer un carnet de croquis si vous n'en avez pas déjà un. Pour ce faire, vous pouvez obtenir des carnets de croquis comme celui que j'utilise, qui seront livrés avec la même qualité de papiers que ceux que vous trouverez dans les parcours aquarelles de qualité de l'artiste. Tout ce que vous pouvez prendre comme carnet de croquis standard et peindre sur les pages à l'aquarelle. Les peintures peuvent ne pas réagir exactement comme cela sur le papier de coton normal, mais cela vous permet quand même de pratiquer le contrôle des pinceaux , le mélange de colonnes, l'ombrage, etc. Vous n'avez pas à vous soucier des détails de choses qui peuvent ne pas être exactes lors de la comparaison de la peinture à la référence, mais vous concentrer sur la création mentionnée en ajoutant les différentes valeurs. À ce stade, j'ai commencé à effectuer des ajustements et à ajouter plus de détails aux entités pour obtenir ce contraste avant d'ajouter les dernières couches de peinture. Ajoutez un peu plus de contraste et appelez les sourcils, les yeux, les narines et les lèvres. J'approfondis aussi les ombres et la couleur au sommet de son front, juste à l'héroïne avec ce bébé perspicace Harris rencontre le visage. C'est l'étape du processus où tout ce qu'ils ont fait est de faire ces derniers ajustements. Vous pouvez garder cela aussi simple que vous le souhaitez, pour vous et aller beaucoup plus loin que moi. Plus nous arrivons à la pile de valeurs et plus il y a de contraste avec le tableau. Et vous remarquerez que je commence à mélanger davantage d' autres mélanges de peinture. Donc même le brun foncé que nous avons mélangé pour les cheveux. Bien que j'ai essayé de voir autant de ma palette que possible dans cette vidéo pour que vous puissiez voir ce que je fais et quelles couleurs je prends avec mon pinceau. Ne vous inquiétez pas de récupérer exactement les mélanges de colonnes que j'utilise. La photo de référence et le tableau ne sont pas monochromes, mais ils n'ont pas autant de couleurs. Donc, presque tous les collèges que vous avez mixés vont travailler. Comme nous en avons parlé dans la partie de la classe où nous avons parcouru la palette de couleurs parce que nous utilisons une palette limitée, vous ne pouvez pas vraiment vous tromper. Tous les appels que vous mixez ne vont pas bien se passer ensemble. Ainsi, toutes les couleurs que vous avez mélangées peuvent techniquement aller n'importe où dans la peinture sans avoir l' air trop étrange. Vous pouvez même ajouter des traits ou des nuances de couleur plus audacieux sur son visage ou sur les cheveux. Donc, peut-être des touches brillantes de turquoise ou de rose. Vous n'êtes pas obligé de suivre la référence. n'y a pas de règles. Lorsque vous avez une opportunité comme celle-ci où le but est de jouer, de vous amuser et de vous entraîner. Bienvenue dans votre vie. Utilisez-le comme terrain de jeu. Expérimentez avec des idées que vous avez, des techniques que vous avez vues, ou des choses que vous voulez essayer. Car honnêtement, nous avons beaucoup trop peu de ces moments. Et il est important de se rappeler que tout ne doit pas se transformer en un grand chef-d'œuvre. Il est normal de prendre du temps à perfectionner une compétence et à améliorer vos techniques. Maintenant, dans la peinture à l' aquarelle traditionnelle, vous passez du clair au noir. Vous évitez de peindre sur les reflets à l'éther ou les masquer à l'aide d'un liquide de masquage. Vous peignez soigneusement autour d'eux. Bien que cela vous donne souvent le meilleur résultat sur le résultat le plus net en fonction de ce que vous peignez. Je suis loin d'être opposé à l'ajout de blancs. C'est exactement pour ça que nous avons la cassure blanche. Vous pouvez l'utiliser pour ajouter des reflets aux yeux, mais vous pouvez également l'utiliser pour suggérer certains de ces reflets sur sa peau et ses cheveux qui sont causés par la lumière qui vient de derrière elle. Évidemment, je reste très basique avec mes coups, mais si vous voulez vous sentir libre de passer du temps à entrer dans plus de ces envolées, soyez toujours des mèches de cheveux ou tout autre détail que vous souhaitez ajuster. Je vais ajouter des points forts à. J'ai choisi d'ajouter quelques points blancs aléatoires, ce qui ajoute un peu plus d'intérêt à la peinture. Il s'agit bien sûr d'une question de préférence personnelle. Avant d'arriver à la fin de la vidéo et de l'exercice final, je veux parler du projet de classe. Le projet de ce cours est de s' entraîner à ajouter de l' ombrage à un visage. Vous pouvez peindre la référence que j'ai fournie dans l'onglet Projets et ressources. Vous pouvez peindre à partir d'une référence différente, celle que vous vous sentez la plus inspirée à peindre. Entraînez-vous à obtenir des dégradés lisses sur la peau et ajoutez ombres et des ombres en développant ces valeurs et ces contrastes. Si vous n'avez pas envie de peindre et de peindre un visage entier, hésitez pas à ajouter de l'ombrage à des traits individuels au lieu de peindre un visage, vous pouvez également vous entraîner sur un œil, un nez et une bouche. J'aimerais bien voir ce que vous créez. Rappelez-vous, il y a quelques minutes, je suis allé vous dire que j'ai un dernier exercice pour vous. Ne vous inquiétez pas, ce n'est rien de trop dramatique, mais c'est vraiment un excellent moyen de pratiquer la confiance et le courage lorsqu' il s'agit de vos tableaux. Imaginez avoir une peinture sur laquelle vous avez passé un certain temps et que vous êtes vraiment satisfait du résultat, puis vous faites quelque chose d'idiot. Ce que j'aimerais que vous fassiez, et vous n'êtes pas obligé de le faire si vous ne le voulez absolument pas. Mais essayez de ramasser une bonne quantité de peinture et faites quelques coups audacieux. Vous pouvez les placer où vous le souhaitez. Cela ne semble peut-être pas beaucoup, mais trop, y compris mon moi passé, cela aurait été inimaginable. Mon cerveau serait devenu fou et m'aurait dit que je dirigeais le tableau. Mais en fait, il s'avère que j'ai vraiment aimé cet effet et qu'il m' a appris à expérimenter. Essayez-le vous-même, soyez courageux. J'espère vraiment que ce cours vous motive à pratiquer le portrait à l'aquarelle. Si vous avez des questions, faites-le moi savoir et je ferai de mon mieux pour vous aider.