Apprendre à peindre des fleurs à l'aquarelle : une peinture florale étape par étape pour explorer les techniques expressives

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous Je m'appelle Will Alison et je vous souhaite la bienvenue dans ce cours Skillshare. Aujourd'hui, je vais vous guider tout au long mon processus de peinture de fleurs. Que vous soyez novice en matière d'aquarelle ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous pourrez suivre votre propre rythme et améliorer vos compétences en peinture. Joignez-vous à moi pour découvrir une variété de techniques expressives et percutantes. Je suis aquarelliste professionnelle depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, explorant de nombreux sujets différents, de la faune aux portraits, en passant par les paysages urbains et les scènes de campagne. J'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés par des organisations respectées telles que Winsor et Newton, l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance et le SAA Artist of the Year Award. J'ai également des collectionneurs qui achètent mes tableaux dans le monde entier. L'aquarelle peut être intimidante pour les débutants. Mon objectif est de vous permettre de vous détendre et de vous amuser en apprenant ce médium étape par étape. J'espère qu'à la fin, vous vous surprendrez avec une belle peinture. Si ce cours vous semble trop intimidant ou trop simple. Veuillez consulter mes autres cours car ils sont disponibles à tous les niveaux. Mon approche de l' aquarelle commence par souple et expressive , sans crainte de commettre des erreurs, car nous créons simplement des textures passionnantes pour la sous-couche. Ensuite, au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails, lui donnerons vie et la ferons ressortir. J'ai essayé de simplifier des sujets complexes en des formes plus simples qui encouragent l'espièglerie. Les fleurs que nous allons peindre aujourd'hui sont une excellente occasion d' utiliser des couleurs vives et découvrir comment elles réagissent les unes avec les autres. Nous apprendrons non seulement les couleurs complémentaires, mais aussi comment peindre de manière audacieuse sans nous laisser submerger. Toutes ces choses vous aideront à créer des peintures saisissantes qui capteront l'attention. Lorsque vous vous inscrivez à mon cours, je vous donnerai l'image haute résolution de ma peinture à utiliser comme guide. Aujourd'hui, l'accent est mis sur la peinture plutôt que sur le dessin. J'ai inclus des modèles que vous pouvez utiliser pour vous aider à esquisser le dessin avant de peindre. Je vais également inclure mes nuanciers, qui sont un outil inestimable lorsqu'il s'agit de choisir et de mélanger les couleurs. Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux trucs et astuces. Je vais vous montrer comment utiliser vos erreurs à votre avantage. Éliminez le stress lié à la peinture et amusez-vous. Je vais vous expliquer quelles fournitures je vais utiliser afin que vous puissiez suivre exactement. Je vais également expliquer comment choisir et mélanger des couleurs harmonieuses. Je vais tout diviser en courtes vidéos pour que ce soit plus facile à comprendre. Vous pouvez également faire une pause à tout moment si vous souhaitez prendre plus de temps. Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page. Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours, publierai des cadeaux ou que j'aurai simplement une annonce intéressante à partager avec mes étudiants. Vous pouvez également me suivre sur Instagram pour voir mes dernières œuvres. Si vous souhaitez créer vos propres peintures florales expressives, tout en apprenant des techniques d'aquarelle amusantes et passionnantes veuillez cliquer sur « S'inscrire » car j'adorerais vous avoir dans ma classe. À présent, nous allons commencer. 2. Votre projet de cours: Tout d'abord, merci beaucoup de vous être inscrit à mon cours. Je l'apprécie vraiment. Nous allons en apprendre beaucoup sur la peinture de fleurs en utilisant une approche amusante et expressive. Je pense que les peintures florales se marient très bien avec aquarelle parce qu'elles sont tellement organiques et fluides. Nous aurons l' occasion d'utiliser couleurs vives et vives et d'utiliser une variété de textures différentes. Il est préférable de regarder les fruits dans leur intégralité avant de les peindre, afin de mieux vous préparer à vous y prendre. cas, je vous conseille vivement de donner le tableau et d'y aller vous-même, car c'est la meilleure façon d'apprendre. Vous pouvez copier mon dessin et le suivre la lettre ou expérimenter avec le vôtre. Je mettrai ma peinture dans la section des ressources afin que vous puissiez l'utiliser comme référence tout au long du processus. Il existe également un modèle que vous pouvez utiliser pour tracer et le transférer sur votre papier. Ne vous sentez pas coupable de tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin qu'il n' entrave pas votre capacité à pratiquer et à apprendre l' aquarelle elle-même. Quelle que soit la façon dont vous utilisez ce cours, serait formidable de voir le résultat et les peintures que vous créez dans ce cours. J'adorerais vous faire part de vos commentaires. Veuillez donc prendre une photo par la suite et partager dans la galerie des projets des étudiants. Vous pouvez trouver la galerie sous le même onglet projet et ressources. Sur la droite, vous verrez un bouton vert indiquant Créer un projet. Appuyez dessus. Une fois sur place, vous aurez la possibilité de télécharger une photo de couverture et un titre et d' écrire une petite description. J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route. Une fois votre projet chargé, il apparaîtra dans la galerie de projets de l' étudiant. Vous pouvez consulter d'autres projets ici et je vous encourage vivement à aimer et à commenter le travail de chacun. Nous consacrons beaucoup de temps et d'efforts à la création de nos peintures. Pourquoi ne pas le partager avec le monde entier et s' entraider en cours de route ? Maintenant que vous avez une bonne idée de ce cours, allons-y, en commençant par l'équipement et le matériel que je vais utiliser. 3. Matériel et fournitures: Passons en revue le matériel et les fournitures dont vous aurez besoin pour suivre. Nous allons commencer par les couleurs que j'utilise. Contrairement à la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui , cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont le jaune cadmium, ocre jaune, la terre de Sienne brûlée, le rouge cadmium, le pourpre alizarine, bleu outremer, le bleu cobalt, le bleu céruléen, lavande, le violet, le viridien, le noir ou une teinte neutre. À la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets. Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues auprès de n'importe quelle marque. Bien que j' utilise personnellement des peintures Daniel Smith, Winsor et Newton ou Holbein. Passons aux pinceaux. Pour simplifier les choses, dans cette peinture, je n'utiliserai qu'une petite sélection de pinceaux. La première est cette brosse à serpillière. Les pinceaux à serpillière sont parfaits pour appliquer de larges coups de pinceau et remplir de grandes surfaces ou pour des lavages. Mais ils ont aussi une pointe pour les petits détails, c'est donc l'un de mes types de pinceaux préférés. Ensuite, voici une brosse Skoda Perler. J'utilise différentes tailles, mais pour ce tableau, j'utiliserai la taille 8. Ces pinceaux permettent une plus grande précision car ils ont une pointe plus fine et durent assez longtemps. Pour encore plus de précision, lorsque je peins les touches finales ou les reflets, par exemple, j'utilise un pinceau synthétique de taille 0. Toutes les marques en ont et ils sont très bon marché. Voici une brosse à épée ou une brosse à gréement. Il est assez long mais fin. Il n'est utilisé que pour les très petits détails, peu comme les pinceaux de taille 0, mais il contient plus d'eau et de pigments, permet d'économiser du temps et des efforts lors du remplissage. Le seul inconvénient est qu'il est plus difficile à contrôler car plus fragile. C'est tout pour les pinceaux. Bien entendu, vous pouvez également utiliser votre propre favori. Sur du papier. Plus votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, car il ne vous permet pas de retravailler les erreurs. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier de base en coton, vous permet non seulement de retravailler erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment y réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances de créer de meilleures peintures. J'utilise des arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Ensuite, divers matériaux qui vous seront très utiles. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'il ne sèche. Il vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter des lignes lisses ou enlever de la peinture. Enfin, du ruban adhésif, sert bien sûr à coller le papier à la surface pour l'empêcher de glisser. Cela crée également une jolie bordure à la fin lorsque vous avez terminé. C'est tout ce que vous devez savoir pour peindre en même temps. Allons-y. 4. Dessiner une composition: Habituellement, lorsque je crée une composition avec d'autres peintures, j'utilise simplement ce crayon mécanique. Mais en raison de la nature des fleurs et des peintures florales, je veux que ce soit un peu plus fluide et plus organique. Je vais utiliser ce crayon ordinaire, 4B, qui a une belle mine souple. Nous n'avons pas besoin d'appuyer aussi fort. Nous pouvons faire en sorte que tout reste fluide. Pour commencer, je vais juste commencer par un simple cercle. Je le repasse très légèrement encore et encore. Ensuite, je peux commencer par des formes de base, des petites lignes, des courbes qui en découlent. Peut-être que tu peux le faire à un autre cercle ici. Ces cercles se transformeront bien sûr en fleurs, mais à ce stade, nous restons très simples. J'ai des cercles et des petites branches qui se détachent. Peut-être que leurs succursales, peut-être pas, n'ont pas d'importance à ce stade. Je vais mettre les capitules. Passons aux fleurs. Je veux dire, je ne suis pas un expert des différents termes anatomiques de la fleur. Je veux dire, en tant qu'artiste, je vois simplement ce que je veux peindre et j'essaie de l'interpréter tel qu'il est Je n'étudie pas nécessairement le nom des choses en profondeur. Je ne pense pas que cela devrait vraiment avoir de l'importance , car vous ne regardez que des formes, des couleurs, des textures. C'est vraiment ce qui fait une bonne œuvre d'art. Vous n'avez pas besoin de consulter les termes techniques. C'est juste visuellement qui compte. Maintenant, après avoir fait les cercles principaux, je passe à de petits cercles. On peut en effacer certains. Nous pouvons nous concentrer sur d'autres. C'est pourquoi nous utilisons le crayon doux à ce stade simplement parce que nous avons le choix de faire ces choses. Ce n'est que la première étape de l'élaboration de la composition. Je pense que nous avons maintenant atteint le stade où nous avons simplement créé des cercles, des lignes reliant le tout. Vous pouvez le faire encore et encore jusqu'à ce que vous soyez satisfait de votre composition principale. L'équilibre, l' endroit où tout est pondéré, où se situent les objets lourds, où le centre est au centre de attention, car vous pouvez imaginer les détails avant de les saisir. Je pense que j'ai atteint ce stade maintenant, et j'en suis content. Maintenant, je vais passer à mon crayon mécanique et appuyer un peu plus fort de gauche à droite, pour ne pas gâcher les détails. Je vais commencer par donner des détails. Je vais juste dessiner les pétales. Au moins le contour des pétales. Formes assez irrégulières mais organiques. Comme je l'ai dit, je ne suis pas un expert du nom des fleurs. Je ne sais pas vraiment quel genre de fleur je fais. Je dessine juste ma propre perception de ce à quoi ressemblent les pétales. Je n'aime pas me considérer comme une artiste qui s'en tient à un seul sujet ou qui se spécialise dans un domaine en particulier. Si je le faisais, j' en apprendrais probablement un peu plus sur les termes et les noms des choses. Mais si je veux peindre une fleur, je dois juste m'y atteler. Si je veux peindre un animal sauvage, je ne veux pas avoir à tout apprendre sur cet animal, cette créature, cet animal avant de pouvoir le peindre avec des choses comme celles-ci avec des choses comme celles-ci qui sont si organiques et abstraites. Vous n'avez vraiment pas autant de liberté dans ce que vous pouvez faire avant que cela ne paraisse faux. Avec ces contours, je dessine plus fort, pour que vous puissiez en voir un peu plus. Parce que ces lignes que je suis en train de tracer maintenant seront les lignes que je suivrai lorsque je peins. Je vais effacer toutes ces lignes plus douces juste avant de peindre. Dessinons quelques feuilles. Transformez-les en feuilles. Pendant que je fais ce dessin, je commence à réfléchir à l'ensemble du processus , à la façon dont je vais le peindre, aux couleurs que je vais utiliser. Parce que même si nous avons pensé l'espacement et à l'équilibre de celui-ci, nous réfléchissons aux couleurs que nous allons utiliser et à leur destination. Je pense que j'ai beaucoup de couleurs complémentaires. Comme toujours, l'orange, je pense que je vais prendre de l' orange et pour équilibrer cela, je vais prendre du bleu. Alors peut-être que je vais ajouter du vert ce bleu et peut-être du violet. On va voir. J'essaie de planifier les choses. Mais en réalité, je pense que le pouvoir de l'aquarelle est de permettre à la peinture de dicter ce qui convient le mieux au moment, car on ne peut pas toujours le contrôler. Si les choses deviennent inattendues, il faut apprendre à s'adapter. En fin de compte, si vous apprenez les bases du dessin artistique et les sujets que j'essaie d' aborder à chaque cours, vous pouvez l'adapter à n'importe quel sujet. La façon dont je dessine aujourd'hui est connue, pas nécessairement différente de celle d'une scène de rue. Je le décompose en formes simples qui, à mon avis, attirent l'œil. Agréable. À partir de là, je me suis contentée de m' appuyer sur des formes organiques. On peut dessiner ce contour ondulé du pétale ici, la silhouette car avoir une belle silhouette est une chose forte. Fort indice visuel, il le rend plus facile à lire et plus attrayant. Ensuite, nous allons entrer dans ces silhouettes et créer des pétales individuels. Je pense aussi à des tons différents, pas seulement à des couleurs mais à des tons. Je vais avoir une fleur, je ne sais pas laquelle sera claire sur foncée et l'autre sera foncée sur lumière. Je vais devoir peindre l'autre en négatif, ce qui sera une bonne démonstration à montrer, je pense, car il s'agit de deux manières différentes d'aborder une fleur. Vous pouvez peindre la fleur plus foncée que l'arrière-plan ou vous pouvez peindre l'arrière-plan plus foncé que la fleur. Maintenant, je peins les pétales individuels, et je regarde où ils entrent, entrent, puis je les amène. Je n'irai pas là où il y a un pourboire. Je vais là où il y a une vallée, pour ainsi dire. y a pas de formes ondulées, ce n'est pas comme si je peins cela à partir de mon imagination, j'ai quelques images de référence de différentes fleurs. Mais je le fais principalement à partir de la mémoire visuelle. À travers ces textures, je laisse simplement entendre où se trouvent les objets, puis je laisserai l'aquarelle créer les textures elle-même. Si vous avez le temps et quelque chose, je pourrais faire quelque chose qui améliorera toujours vos peintures, c'est simplement de vous permettre de vous reposer les yeux après les avoir regardées. Une fois que vous pensez l'avoir dessiné, eh bien, si vous avez le temps et la patience et que vous n'êtes pas pressé, vous pouvez le sortir, le ranger pendant quelques jours et ne pas le regarder. Lorsque vous y revenez , vous pouvez voir les inexactitudes ou les corrections que vous pouvez apporter. Je pense que c'est ce que je vais faire et j'y reviendrai demain. Découvrez un œil neuf. Je pourrais apporter quelques modifications supplémentaires avant d'ajouter la peinture ou de nettoyer ces lignes. Je te verrai quand nous serons prêts à peindre. 5. Peindre l'arrière-plan: La méthode que nous utilisons aujourd'hui implique plusieurs couches et lorsque vous peignez en couches, vous commencez toujours par les couches les plus claires en premier. En regardant l'image, je vais créer des formes d'arrière-plan plus douces, des formes organiques que nous pourrons ensuite peindre par-dessus, les formes les plus récentes en particulier, des formes les plus récentes en particulier, formes organiques qui impliquent peut-être des feuilles ou fleurs et pour obtenir des bords souples plutôt que des bords durs, je vais juste mouiller le papier, ce sera la première étape. J'utilise juste ce pinceau, ça peut être n'importe quel pinceau. Voici un autre exemple de pinceau, n'importe quel pinceau que vous possédez. Pour le moment, c'est juste de l'eau, juste pour combler l'espace et obtenir des lignes douces. Elles seront sur le pourtour, je n'interfère pas avec les fleurs principales pour le moment. Nous ne voulons pas appliquer les fils de peinture, nous voulons laisser l'eau s'infiltrer dans le papier afin qu' il se fond progressivement. Si nous l'ajoutions tout de suite, le pigment couvrira simplement toute la surface et il n'y aura aucun bord. S'il y a de l'eau qui coule du fond, il suffit d'utiliser un mouchoir pour la ramasser. Maintenant, selon le papier que vous utilisez, votre papier peut se froisser légèrement. Le mien oui, c'est un papier assez fin, mais c'est toujours du papier Arches à base de coton. Il finira par sécher à nouveau à plat si vous le fixez correctement. Je vais juste attendre un peu jusqu'à ce que je pense que c'est prêt. Pour le moment, il est mouillé, je veux qu'il soit humide pour qu'il ne coule pas, pour que vous puissiez voir qu'il n'est pas réfléchissant, qu'il ne s'agit pas d'une fine couche au-dessus de l'eau, qu'il est en fait immergé, trempé dans le papier. C'est de l'ocre jaune, j'ai dit que ce sont des couleurs assez claires pour le moment. Je suis sur le bord du gouffre ici. Bords doux, ajoutez un peu de jaune cadmium, très pâle, très pâle. Il y a un tout petit peu de crème. Cela ne va pas être très subtil, vous n'avez donc pas à vous inquiéter trop à leur sujet. Ils ne vont pas détourner l'attention, juste pour remplir un peu d'espace en arrière-plan. Vous devez également utiliser un spray d'eau si vous le souhaitez. Chaque fois que l'eau coule, vous pouvez vous en imprégner. [inaudible] J'utilise un mouchoir pour ramasser un pigment parce qu'il a dépassé les limites. Peut-être que je vais commencer à ajouter du violet à ça. C'est un peu trop, mais nous allons à nouveau l'équilibrer avec un jaune. Ajoutez peut-être du rouge à ce violet, un tout petit peu de rouge. En fonction de votre niveau de confiance, vous pouvez expérimenter vos propres combinaisons de couleurs. Revenons à l'orange. Des éclaboussures qui disparaîtront. Un peu de vert ici. Au fur et à mesure qu'il sèche, vous pouvez commencer à y retourner si vous voulez donner quelques détails supplémentaires donner quelques détails supplémentaires, car plus il sèche, plus la ligne sera dure. Je ne dis pas dur comme difficile, je veux dire pas doux. Je vais retourner ici, plus vert là-bas. J'ai plusieurs images de référence de fleurs, mais je ne leur suis pas si fidèle, sont que des références de base. J'ai décidé de remplir un peu plus les espaces blancs au milieu. Encore une fois, en procédant très légèrement rendre assez audacieux, ajoutez quelques formes supplémentaires ici. Encore une fois, au fur et à mesure du séchage, la forme se conservera un peu mieux car elle ne saignera plus. Donc, à ce stade, semble assez étrange, car nous ne faisons que créer des formes d'arrière-plan abstraites qui n'ont aucun rapport avec quoi que ce soit. Il est difficile de déterminer si cela va bien ou mal et vous devriez vous rassurer en sachant que cela n'a généralement pas d'importance, car ces formes ne sont pas si importantes, elles ne sont littéralement destinées qu' à remplir de l'espace. Vous pouvez vraiment vous amuser, les expérimenter sans trop de conséquences. Je suis juste en train de jouer, on dirait que je fais des choses spécifiques, mais ce n'est pas le cas en fait. N'ayez pas peur d'y retourner et de vous éclabousser dans l'eau, d' obtenir de belles textures. Juste au moment où il commence à sécher, vous pouvez y jeter de l'eau. C'est l'étape de la peinture où l'on peut vraiment s'amuser à créer de jolies textures Peut-être que ces retournements peuvent ressembler à la Pologne. Je pense que je vais essayer de me brosser les dents, essayer ça sur Canvas. Maintenant, je vais utiliser le sèche-cheveux pour sécher la scène. 6. Sous-couche de fleur gauche: C'est plutôt sec. Il y a encore un peu d'humidité, là où il y a un peu de froissement, mais comme vous pouvez le constater, c'est à nouveau aplati et l'étape suivante consiste à la sous-couche pour les fleurs elles-mêmes et les feuilles. Vous pouvez déjà voir que nous avons une palette de couleurs en expérimentant les couleurs pour la première couche, nous pouvons voir où nous pouvons peindre les fleurs et de quelle couleur. Ils seront principalement oranges, je pense que celui-ci sera orange et peut-être que celui-ci sera violet. Cette orange ira bien avec ce violet et cette orange ira bien avec cette fleur violette. Je mélange des jaunes et des oranges. Je vais juste entrer directement. En fait, je mixe sur du papier, j'ai juste obtenu des couleurs pures et je les mélange directement ici. En fait, je vais utiliser mon petit pinceau à scoder pour cela. Gardez à l'esprit qu'il ne s'agit que de la première couche, nous n'avons donc pas besoin d' entrer dans les détails, nous devons simplement nous assurer que la silhouette, le contour sont bons et le centre peut être un peu plus abstrait. Eh bien, il sèche par étapes différentes. Vous pouvez faire de petites lignes qui montent et descendent. Il est utile d'avoir un mouchoir à portée de main retirer les parties que vous pour retirer les parties que vous pourriez avoir besoin de corriger. Si nous avons peint trop foncé à ce stade, vous pouvez toujours utiliser un mouchoir pour extraire ces détails. Je suis assez général dans ma façon de décrire mes couleurs car quand je dis rouge, vous pouvez avoir des rouges chauds comme celui-ci, comme les rouges ici, presque orange, ou nous pouvons avoir rouges froids comme celui-ci, au centre ici. J'essaie de ne pas parler de noms de marque parce que tout est personnel. Je n'ai pas pensé aux couleurs en termes de nom, je pense à leurs températures qu'elles soient froides ou chaudes. Si vous voulez peindre une fleur rouge, vous pouvez la rendre plus intéressante en utilisant toutes les différentes variétés de rouges. Nous avons des rouges chauds proches de l'orange ou des rouges froids proches du violet. Nous allons avoir de l'orange ici et du violet ici. Vous pouvez consulter les nuanciers pour voir quelles couleurs vous semblent aller bien ensemble, car nous pouvons parler de théorie des couleurs, mais en fin de compte, cela dépend en grande partie d'un choix personnel. La théorie des couleurs est une règle ou un principe général et, comme toutes les règles, elle peut être enfreinte dans certains contextes. C'est ton choix. C'est ce qui fait ressortir votre individualité en tant qu'artiste. Je passe simplement du rouge au jaune. temps en temps, je prélève un pigment pur directement dans le tube et je le fais utiliser ce pigment épais ou je peux vraiment aider à faire pénétrer la peinture dans l' eau sur le papier. Faites couler de l'eau pendant qu'elle sèche. Maintenant, l'opposé de l'orange sur la roue chromatique est le bleu, donc je vais juste y ajouter un peu de bleu . Maintenant, ce bleu ne figurera pas dans le résultat final. Je veux juste que ça influence la couleur principale. Je vais opter pour le violet maintenant. C'est à nouveau un pigment pur. Je vais laisser cette partie sombre sécher un peu pendant que j' étends une autre fleur ici. Il y a une limite que je ne vais pas franchir parce que je veux que ce soient des feuilles vertes, je pense, et je veux qu'il y ait un fort contraste entre ce rouge et ce vert. La façon dont nous fabriquons cette fleur sera différente de l'autre fleur. Celui-ci va être sombre sur fond clair. Ce sera une fleur claire sur un fond sombre. En fait, celui-ci va être plus complexe car il va y avoir une transition. Voici un exemple de fleur plus simple dans laquelle tout sera sombre au dessus de la lumière. Celui-ci va être sombre au-dessus de la lumière ici, mais de ce côté, il va être clair au-dessus de l'obscurité. [BRUIT] Vous prenez des morceaux encore humides et vous les faites simplement glisser vers l'extérieur pour indiquer la direction des pétales. Vous pouvez voir ces lignes ici où nous avons placé le pigment pur qui s'est vraiment bien mélangé. Bien que nous utilisions une variété de techniques et de textures différentes au milieu, nous ne peignons en fait que par chiffres. Nous avons trouvé une silhouette, la forme de la fleur, et nous ne faisons que la peindre. Nous allons revenir ici et commencer à fusionner cette partie. Cette partie peut sembler un peu étrange à ce stade, car elle est tellement sombre par rapport au reste, mais nous allons assombrir le reste. Ce n'est que la première couche, souvenez-vous. En le décomposant en couches, il est beaucoup plus facile à contrôler. Juste du pigment orange pur dedans. En séchant, il saignera à nouveau d'une belle manière. Maintenant, on peut laisser sécher. 7. Sous-couche de fleur droite: Passons maintenant à ce côté. Nous allons faire la même chose, Nous allons faire la mais avec des couleurs différentes. Cette fois, je vais juste opter pour un bleu. C'est de la lavande mais on peut opter pour un violet. Ramenez un peu de ce rouge maintenant. J'ai juste eu une petite idée. Je pense que je vais peindre cette ligne. Sur ce pétale ici, je vais juste y ajouter un peu d'orange parce que je vais peindre autour de ce pétale pour qu'il ressorte vraiment. L'ombre en dessous, je vais revenir à la couleur ocre jaune, un peu de rouge. Ce violet mélangé au jaune fonctionne très bien, je pense, parce que ce sont à nouveau des couleurs complémentaires. Il est utile de savoir ce que sont les couleurs complémentaires , car vous pouvez toujours y fier si vous ne pouvez pas prendre décision sur une palette de couleurs que vous aimez. Vous pouvez consulter les nuanciers pour voir quelles couleurs font quoi et vous aider à prendre des décisions. J'ai regardé mon nuancier si souvent que je l'ai mémorisé. Je connais maintenant ma palette par cœur. Je vais travailler de l'autre côté. Nous allons prendre du jaune vif et nous assurer de dépasser cette limite. Je peux y ajouter un peu d'Alizarin Crimson. Quand il s'agit de peindre des fleurs, vous pouvez vraiment expérimenter différentes couches, laissant de côté certains pétales. Cela peut sembler assez complexe, mais tant que le dessin est suffisamment clair, tout devrait bien se passer. Je vais juste mettre un peu de vert ici, un peu comme nous avons mis du bleu là, juste une petite influence. Il n'est pas nécessaire de le faire si vous ne vous sentez pas à l'aise de le risquer. J'ai juste eu le sentiment que je devais le faire. Je pense que la sous-couche, du moins pour cette fleur, est également terminée. 8. Utiliser un pigment épais: Maintenant, pour les feuilles, nous allons procéder de manière légèrement différente. Alors que je vous montre différentes manières de faire les choses, nous allons d'abord faire les choses dans l'obscurité pour les feuilles. Chaque fois que je fais de l'obscurité, je l'ai. Vous pouvez utiliser votre palette, mais comme je l'utilise tout le temps, je mélange simplement mes couleurs sombres ici. Je ne remplis que de petites zones. Il existe de nombreuses façons d'aborder les choses. Vous pouvez également peindre les fleurs de cette façon, mais pour varier, je dois vous montrer plusieurs façons de faire les choses. J'ai pensé utiliser cette partie pour démontrer cette manière particulière. Le vert que j'utilise est du viridien et le bleu que j'utilise est du bleu outremer. C'est cette technique qui m' excite le plus avec l'aquarelle, car elle crée des formes tellement organiques que c'est presque magique. Cela ressemble vraiment à de la magie à cause des effets. Si vous laissez l'aquarelle faire ses effets elle-même, c'est tellement organique. Il est impossible de le reproduire en le forçant avec votre pinceau. Aucune eau ne touche ça. C'est ainsi que mes pigments sont épais. Ce n'est qu'un bout de carton, j'ai même peint un peu d'acrylique dessus pour qu'il ne se détériore pas. Le plastique et la peinture acrylique l' empêchent de s'user. Parfois, ma main couvre l'appareil photo, je suis vraiment désolée pour certains angles qui sont si difficiles à atteindre, même si je dois juste le faire. Vous pouvez voir que je ne mets pas autant de pigments foncés parce que c'est tellement puissant. Mais ça va faire beaucoup. En fait, pendant que nous appliquons un pigment épais, nous ferions tout aussi bien de le faire sur le reste de la peinture, y compris les fleurs. Je vais mélanger plus de pigments foncés. Je mets de l'alizarine pourpre et de la Sienne brûlée , du noir pur. Je suis juste en train de le laisser tomber au milieu. Faites la même chose ici. 9. Peindre les feuilles de gauche: Maintenant, je veux juste commencer à peindre les feuilles. Pour peindre les feuilles, je fais principalement la même forme mais dans des positions différentes. Juste une feuille stéréotypée, un peu comme des lèvres, je suppose. Les couleurs que je vais peindre sur les feuilles vont varier du bleu au vert et même au jaune. Je prends la décision sur le moment, je ne la planifie pas vraiment. Peut-être que j'aurai une feuille ici qui s'estompe. Deux, c'est un peu trop fort et plus sombre. Bien sûr, les éclaboussures d'eau ajoutent de la texture. Nous allons suivre cette tige vers le bas. Maintenant, une petite astuce relativement simple à réaliser, mais qui nécessite tout de même une main immobile, consiste à obtenir votre pinceau le plus fin, plus petit, ajouter un parallèle à une ligne plus épaisse comme celle-ci. Dessinez-en un tout petit à côté. C'est très subtil, mais le simple fait d'avoir cette ligne fine lui donnera un peu plus de netteté et impliquera plus de détails qu'il n'y en a réellement. Ici, je vais faire une feuille très évidente. Beaucoup de ces feuilles sont plus abstraites et implicites. Celle-ci va être une feuille de formulaire. Je vais vraiment mettre l'accent sur le conseil. Au fur et à mesure que ces morceaux sèchent, nous pouvons ajouter quelques lignes qui s'y fondront. Je vais faire les feuilles ici. Je pense que ça va être un peu plus monotone. Colorions. Parce que je veux presque les fusionner avec la couleur entre la fleur et les feuilles. Je pense que je veux que ces feuilles soient un peu plus brillantes, alors je vais juste retirer le pigment. Je reviendrai sur les feuilles plus tard parce que je veux les faire ressortir. Allons-y. Il doit y avoir plus de contraste. Appliquez un pigment très puissant ici. Ce n'est pas si fort en fait, c'est juste humide. Nous interagissons avec ce pigment que nous avons déjà déposé. Vous voyez, beaucoup de ces formes sont assez aléatoires. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits pour être beaux. Je vais juste ajouter plus de pigment ici en fait parce que c'est encore assez foncé. Au bas des étoiles, je vais juste les faire s' amincir de plus en plus. Je m'assure d'avoir suffisamment de pigment aqueux qu'il ne sèche pas à mi-chemin, sinon ça ne marchera pas. Nous ne pouvons pas commencer à sécher avant de l'avoir terminé. Nous faisons de petites choses complexes comme celles-ci. Je vais peut-être utiliser la même couleur. Peut-être que j'utiliserai également la même couleur ici. Je ramène un peu d'orange car elle se marie bien avec le bleu. 10. Peindre les feuilles droites: Le côté des pétales est terminé et nous pouvons commencer à travailler ici. Je dois le rendre moins bleu ici. Je vais avoir un vert plus naturel. Je vais utiliser beaucoup d'ocre jaune. [BRUIT] Ils auraient pu d' abord être peints en dessous , mais cela n'a pas vraiment d'importance. Étalez du bleu céruléen ici. Cela sera sec au moment où nous y arriverons. J'en ai un peu qui sort [DU BRUIT], qui est là aussi un peu pour le décomposer un peu. J'ai un peu de ce violet , mais je m'y mets de plus en plus. Maintenant, connectons les choses. Je vais créer ici une petite tige qui relie. Nettoyez ces deux. C'est très jaune ici. Quand il sera sec, je redéfinirai ce bord, rendrai un peu plus foncé car il est encore humide. Cela va disparaître pour le moment, donc ce n'est pas une bonne idée de le faire maintenant. Regardez cette zone. Pas très nécessaire. Encore une fois, j'ai juste l'impression que quelque chose devait y aller. Ici, le jaune doit être plus fort. J'essaie de rendre cette classe adaptable à tous les niveaux. Si vous êtes débutant, vous avez encore quelque chose à en retirer. Vous n'avez pas besoin de peindre avec autant de détails si vous ne le souhaitez pas , mais vous devriez tout de même pouvoir en tirer un résultat. autre côté, si je peins avec beaucoup de détails, c'est parce que je veux que davantage de peintres de niveau intermédiaire puissent également en tirer quelque chose. Je pense que la feuille est prête pour le moment. 11. Peinture négative: Maintenant, je vais peindre le fond de forme négative ici. Je vais réactiver ce bit ici pour qu'il puisse fusionner. Je peux le faire ici aussi pour cela. Je fais très attention à ne pas laisser de vide. Il a l'air foncé simplement parce que j'ai mis beaucoup de pigment, mais je ne veux pas être à court de pigment avec ça. Vous pouvez commencer à le sortir en assurant qu'il ne sèche pas. Tu peux y retourner et te déplacer un peu. Si vous manquez de temps, vous pouvez simplement utiliser de l'eau pulvérisée pour empêcher de sécher, car la dernière chose que vous voulez, c'est qu'il sèche à ce stade. Ensuite, au fur et à mesure qu'il s' éloigne des pétales, vous pouvez disparaître. C'est pourquoi nous l'avons prémouillé. Nous avons planifié à l'avance ce que nous allions faire. Je vais utiliser mon carton pendant que je fais le [inaudible] pour m'assurer qu'il n'aille nulle part d'important. Transforme-la en une petite feuille. Je pense qu'il faut juste un peu plus de pigment, peut-être qu'il y a un peu de violet. Maintenant, on peut le sécher. Je veux juste que nous essayions d'appliquer quelques feuilles supplémentaires ici. Il n'y a pas d'ordre particulier. Si je vois quelque chose que je veux faire, je vais le faire maintenant que nous en sommes à la dernière étape de la peinture. Il suffit d'ajouter quelques-uns de ces objets étranges, je suppose que c'est cool de savoir s'il s'agit de feux, mais il est clair que ce sont des objets en arrière-plan. Ce ne sont que de petits outils de composition et rien de particulier. Ils ont juste, faute de meilleur terme, une ambiance florale. Peut-être même ici, je vais faire une petite forme négative, une feuille ou deux. Il existe un moyen rendre les choses intéressantes. Comme vous pouvez le voir, j' ai dessiné le contour de la feuille en peignant un peu le dos. Maintenant, en bas, vous pouvez peindre dessus. Ensuite, vous pouvez le mélanger au fur et à mesure. Même si nous peignons aujourd'hui, les compétences en dessin sont très importantes, car elles vous permettent de réaliser ces mouvements organiques et fluides avec votre pinceau. [BRUIT] Peut-être que je vais les transformer en feuilles pour les rendre un peu plus propres. Je tourne mon pinceau lorsque je veux le fusionner, imitant les formes de pétales ou de feuilles. Je fais des pinceaux secs. Je pense que nous pouvons laisser ça de côté maintenant. Remplissez-le également. Je fais une erreur, ça aide juste à mieux le fusionner. 12. Détails de la fleur gauche: Maintenant, nous allons terminer les fleurs, commençant par un peu d'orange là-haut. Il suffit de regarder quelques photos de fleurs. Vous n'avez pas besoin de les copier directement. Il suffit de voir les différents modèles et de les copier. Corrigez l'orange foncé ici, je pense. Ici, je vais faire un pétale en dessous, un pétale en dessous. C'est un rouge un peu plus frais là-bas. Alizarine pourpre. Cela peut se mélanger. Maintenant, cette étape, vous pouvez continuer assez longtemps en fonction du niveau de détail que vous souhaitez donner à vos fleurs. Mais vous pouvez impliquer détails plutôt que de le faire exactement tel quel. Ce milieu est encore un peu mouillé. Ce que je vais faire, c'est mouiller et je vais le laisser faire ce qu'il fait. Je ne vais pas m'en mêler. En séchant, il fera sa propre magie. Ces petites lignes sont, bien entendu, les ombres d' autres plis ou d'autres pétales superposés. Si j'ai trop d'eau, je l'applique simplement sur le côté, afin de créer des effets de pinceau sec. Puis revenez ici. Je pense qu'il devrait être un peu plus sombre. Il fera très rouge ici aussi. Prends ma lavande Holbein, coupe quelques lignes. C'est un peu trop tôt pour le faire. Il n'est pas encore assez sec. Peut-être que cette section l'est. Juste pour me rappeler d'en faire un peu plus tard. Nous pouvons déménager ici et faire quelque chose ici. Si vous n'avez pas de violet, vous n'avez pas besoin d' acheter un nouveau tube, vous pouvez simplement le mélanger vous-même. Selon le violet que vous souhaitez, vous pouvez le mélanger avec du rouge ou du bleu. Non, je ne le veux pas. Je ne suis pas très content de ce que je viens de faire là-bas. Je vais m'en débarrasser. Vous voyez comment tout cela est maintenant fusionné et cela semble très attrayant. Parfois, j'ai l'impression que je ne peux pas m'attribuer le mérite ces textures parce que je laisse simplement l' aquarelle le faire pour moi. Il ne s'agit pas d'être modeste, je ne pense pas. C'est juste la vérité. Je laisse juste l'aquarelle faire ce qu'elle fait. Savoir quand laisser l' aquarelle faire son œuvre, quand interférer avec elle et quand ne pas le faire est une autre chose, et c'est un peu plus difficile. Maintenant, je pense qu'il essaie de s'arrêter là pour ajouter quelques touches de lavande en suivant notre modèle. Mon objectif est de laisser l'aquarelle faire son propre travail là où il fait le plus sombre. S'il est trop clair, il n'y a pas assez de place pour le contrôler, car c'est un pigment très fin. 13. Détails de la fleur droite: Ayez le temps de le faire ici. Lorsque je cherche des sujets à peindre, je cherche des zones où je laisse aquarelle faire son propre travail, car c' est ce qui fera ressortir le meilleur du médium. Maintenant, ce dont je parlais tout à propos du fait d'avoir de petites lignes côte à côte, je vais le faire ici et vous verrez quel point quelques petites lignes se marient très bien ensemble. Je ne suis pas un expert du nom scientifique des plantes ou des fleurs en général. Lorsque j' aborde un sujet, c'est davantage en termes artistiques. Je regarde comment la lumière et l'ombre jouent l'une avec l' autre , ou les couleurs. Peu importe le sujet, tant qu'il y a du potentiel pour quelque chose, j'essaierai de le peindre. Je dis cela parce que cela aide à déterminer comment vous allez peindre quelque chose, surtout si une grande partie provient de votre imagination, comme ça. La lumière et l'ombre décrivent essentiellement la forme, c'est logique. Je vais essayer de simplifier cette idée. Le passage de l'obscurité à la lumière indique la courbe d'une forme. Lorsque je pense à peindre des pétales, par exemple, je pense à la provenance de la lumière et à la façon dont elle se courbe pour créer la forme du pétale. Je vais passer de l'autre côté et commencer à le faire ici. Si je mentionne quelque chose ou parle d'un sujet que je n'aborde pas lorsque j' explique dans cette vidéo, veuillez entamer une discussion car souvent, j'aborde des sujets, puis quelque chose se passe dans le tableau. Je suis un peu distraite et je n'en reviens jamais ce point, je ne le flirte jamais complètement ou sur ce point, je ne le flirte jamais complètement ou je ne le décris d'une manière plus compréhensible. En entamant une conversation ou discussion dans la section ci-dessous, je peux le taper d'une manière plus compréhensible en d'une manière plus compréhensible y réfléchissant davantage Je peux vraiment essayer de l' expliquer correctement. Vous pouvez le copier exactement ou créer votre propre composition et l' utiliser comme guide, selon ce qui vous convient le mieux. Vous pouvez voir que nous savons même qu'il y a pas mal de couleurs dans cette peinture. C'est une palette limitée, pour ainsi dire. Nous devons définir cet avantage ici. Un peu plus clair ici. Peut-être un peu plus de définition ici. Maintenant que nous avons terminé à 99 %, la meilleure chose à faire à ce stade est de l'enlever, laisser quelques jours, puis d'y revenir avec un œil neuf, juste pour voir ce qu'il reste à faire. Cela pourrait être un petit détail ici. Mais pour ne pas en faire trop, il vaut mieux le laisser, même pas un jour, peut-être juste quelques heures, simplement aller dîner ou déjeuner ou à n' importe quelle heure et y revenir plus tard une fois que vous vous êtes et y revenir plus tard une fois que déconnecté pendant un moment. Je vais dire que c'est terminé pour le moment , puis nous reviendrons et résumerons le tout. 14. Réflexions finales: Bon retour. Maintenant, le tableau est terminé. Regardons-le de près. J'espère que vous avez également votre propre peinture à regarder. Dans cette peinture, nous avons exploré différentes approches pour peindre une fleur. la fleur de gauche, nous avons utilisé un fond clair, et pour la fleur de droite, nous avons utilisé un fond sombre pour contraste et vraiment faire ressortir les pétales. Nous avons également exploré des couleurs qui se marient bien pour créer une harmonie agréable. J'essaie d'encourager les élèves à découvrir leurs propres interprétations et chacun a une vision différente qui devrait être explorée dans le cadre de son parcours en tant qu'artiste. Bien sûr, lorsque vous essayez de nouvelles choses, il peut y avoir un peu d'incertitude. Mais la magie de l'aquarelle vient de sa nature imprévisible. Si vous souhaitez des commentaires sur votre peinture, j'adorerais les donner ou si vous souhaitez des conseils concernant l'aquarelle, veuillez partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si vous préférez, vous pouvez le partager sur Instagram en me taguant @willelliston car j'adorerais le voir. Skillshare adore également voir le travail de mes étudiants. Taguez-les également @Skillshare. Après tous les efforts que nous y avons consacrés, pourquoi ne pas le montrer ? N'oubliez pas de cliquer sur le bouton Suivre en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare. Cela signifie que vous recevrez une notification dès que je publierai mon prochain cours, ou que j'aurai des annonces importantes, comme des cadeaux gratuits ou partage de certaines de mes meilleures œuvres d'étudiants téléchargées dans la galerie de projets. Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce cours aujourd'hui. Veuillez laisser un commentaire ci-dessous dans la zone de discussion de la classe si vous avez des questions ou des commentaires à propos du cours d'aujourd'hui. Si vous avez un sujet, un animal ou une scène sur lequel vous aimeriez que je donne un cours, n'hésitez pas à me le faire savoir dans la section de discussion. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. J'espère que vous avez trouvé ce cours utile et que vous envie de peindre davantage dans ce magnifique médium. Jusqu'à la prochaine fois, au revoir pour l'instant.