Apprendre à concevoir des modèles d'art et d'artisanat - 1ère Partie

1. Introduction: Bonjour, je suis [inaudible], concepteur de modèles et professeur en ligne de Suède. En plus d'être passionné par la conception de motifs, je suis aussi un énorme nerd d'histoire et j'aime les styles de motifs historiques. L' un de mes styles préférés absolus est l'art et l'artisanat. Ce sont des motifs convaincants qui ont une certaine qualité de génie pour eux qui a hypnotisé les gens depuis 150 ans. C' est l'un des styles les plus admirés aujourd'hui et a influencé et façonné à la fois l'intérieur et le design moderne de motifs à bien des égards. Comme vous le savez, les motifs d'art et d'artisanat sont assez complexes avec motifs de couche entrelacés et des compositions qui peuvent sembler très difficiles à créer. Mais dans ce cours, qui est le premier de cette série, je vais commencer à démystifier les secrets et comment créer des modèles d'art et d'artisanat. Dans cette classe, vous découvrirez l'arrière-plan du style de motif d'art et d'artisanat, ses influences et le principe de conception qui l'a façonné. Nous allons examiner de plus près les caractéristiques des motifs d'art et d' artisanat en ce qui concerne le thème, la composition et la mise en page, motifs typiques et les schémas de couleurs et je partagerai mon processus pour concevoir ces designs complexes dans des étapes. Vous apprendrez également sur les différents types de motifs que vous pouvez trouver dans le style de l'art et de l'artisanat. Pour le rendre un peu plus facile, je l'ai divisé en quatre catégories. Dans chaque partie de cette série, nous examinerons de plus près chaque catégorie. Dans cette première partie de la série, vous apprendrez à créer des motifs dans la catégorie que j'appelle la fin. Ce sont des motifs avec une structure fluide de plantes et fleurs en une ou deux couches de motifs. Vous aurez également des exercices pour pratiquer comment dessiner des motifs dans le style de l'art et de l'artisanat, et comment rédiger une répétition droite à l'ancienne. À la fin de ce cours, vous aurez un modèle d'art et d'artisanat à inclure dans votre portefeuille ou à ajouter sur une impression sur demande peut-être des services, ou à utiliser pour produire vos propres produits comme le tissu, la maison textiles, et le papier peint par exemple. Ce cours est pour vous qui voulez améliorer vos techniques de conception de motifs et former votre œil sur ce qui fait une composition fluide. C' est pour vous qui voulez améliorer vos compétences en dessin et explorer votre style de design. Mais c'est surtout pour vous qui avez rêvé de créer des motifs dans le style des arts et de l'artisanat. Il s'agit d'un cours intermédiaire et vous aurez besoin de connaissances de base sur l'utilisation des outils essentiels d'Adobe Illustrator. Puisque c'est ce que nous allons utiliser pour colorer nos motifs et créer la répétition numérique finale. Si vous êtes prêt à apprendre à créer des modèles d'art et d'artisanat, je vous souhaite la bienvenue pour vous joindre à moi à l'intérieur et commençons. 2. Bienvenue en cours !: Salut tout le monde, et bienvenue à la première partie de cette série de cours sur la façon de créer des modèles d'art et d'artisanat. Je veux être capable de créer des motifs dans le style des arts et métiers, mais ils semblent si avancés et complexes et je n'ai pas la moindre idée de comment faire cela ou même par où commencer. C' est probablement le commentaire numéro un que je reçois quand je demande ce que mes étudiants aimeraient apprendre et ce que devrait être mon prochain cours. art et l'artisanat est un style complexe à bien des égards avec ses motifs et compositions entrelacés et couches. Mais nous pouvons apprendre et accomplir n'importe quoi en étudiant, en pratiquant et en prenant les choses étape par étape. C' est exactement ce que j'ai fait quand j'ai essayé de comprendre comment créer un motif d'artisanat par moi-même il y a quelque temps. J' ai fait des tonnes de recherches, étudiant les schémas de près, en les disséquant dans leurs plus petits éléments, essayant de comprendre comment ils étaient faits. Ensuite, en essayant et en testant différentes techniques et méthodes pour accomplir ce style et prendre soin de beaucoup d'essais et d'erreurs et de pratique, j'ai finalement réussi à créer un modèle d'art et d'artisanat par moi-même. Ce type de processus d'étude et de trouver comment créer un type spécifique de modèles est comment j'ai développé mes compétences artistiques et techniques. Mais le résultat le plus précieux de tout cela est que cette façon d'apprendre m'a aussi aidé à explorer et à découvrir mon propre style de design personnel et à créer un processus pour concevoir des modèles avancés et complexes. Comme dans le style artistique et artisanal ou [inaudible] ou les fleurs indiennes et Damas par exemple. Dans cette série de cours, je vais vous montrer comment créer des modèles d'art et d'artisanat en utilisant mon procédé. Cette étape par étape vous aidera à créer un motif dans le style de votre propre. Je crois que nous pouvons apprendre beaucoup de l'histoire parce que c'est un trésor de connaissances et d'inspiration. Qu' est-ce que l'art et l'artisanat vraiment ? C' est quelque chose que tu apprendras dans la première leçon. Je te vois pour ça dans la prochaine vidéo. 3. C'est quoi les arts et l'artisanat ?: Le terme « arts et métiers d'art » ne fait pas référence à un style de conception de motif spécifique, si nous voulons être corrects. Même si beaucoup associent l'art et l'artisanat aux motifs de William Morris. La définition la plus correcte est que les arts et l'artisanat ont été utilisés pour décrire l'art et le design qui ont été créés en Grande-Bretagne et en Amérique du Nord entre les années 1870 et lesannées 1920. les années 1870 et les utilisé pour les arts décoratifs et appliqués, ce qui implique toutes sortes de principes de conception et d'art, pas seulement des motifs pour le papier peint et les textiles. arts et l'artisanat comprennent l'architecture, le design d'intérieur, vitraux, la métallurgie, la peinture, l'illustration , la sculpture, la sculpture sur bois, la poterie, la broderie, l'ameublement, les tentures murales, les tapisseries, les tapis, mais aussi les vêtements, bijoux, et le jardinage. art et l'artisanat est également un terme qui désigne le groupe d'artistes, de designers et d'artisans pendant cette période, qui fondent leur travail sur un ensemble de principes largement influencés par les circonstances sociales de la société victorienne et de la culture. Ensemble, ces groupes sont devenus une force appelée le mouvement des arts et de l'artisanat. Cela changerait la façon dont les gens perçoivent et apprécient les arts décoratifs et leurs créateurs, tout en créant une nouvelle tendance au design dans les domaines de l'architecture, décoration intérieure, du jardinage et de la mode. Même si le mouvement des arts et de l'artisanat comprend de nombreux designers et produits différents, ce sont les motifs de William Morris et de son entreprise Morrison qui sont devenus le nom de l'affiche de cette époque historique du design. Le fait est qu'il a été une icône du design et influence pour de nombreux designers contemporains et leur travail. Son style de conception spécifique a été, à bien des égards, ce qui a façonné le style général de l'art et de l'artisanat tel que nous le percevons aujourd'hui, du moins. Mais au sein du mouvement des arts et de l'artisanat, il y avait beaucoup plus de designers qui ont contribué au développement de la conception des arts et des métiers d'art et des styles qui ont suivi. Dans la prochaine leçon, je vais vous donner un historique et une brève histoire du mouvement des arts et de l'artisanat et de certains de ses designers clés et de leur travail. 4. L'histoire derrière le mouvement des arts et de l'artisanat: Dans cette leçon, je vais vous en dire plus sur le contexte et les circonstances qui ont conduit au mouvement des arts et de l'artisanat et sur ce qu'il représentait et cela vous donnera un contexte aux principes qui façonnent le travail des créateurs d'art et d'artisanat. Le 19ème siècle en général fut une ère d'enthousiasme pour tout ce qui est nouveau et fabriqué à la machine. Tous les progrès et toutes les opportunités qui s'étaient dégagées avec la Révolution industrielle créé une atmosphère et une énergie particulières qui caractérisent cette période, aussi appelée l'âge victorien. En 1851, la première grande exposition a eu lieu dans le Crystal Palace à Londres. C'était un grand événement pour montrer la supériorité et la splendeur de British Engineering Innovation et de ses produits provenant de tous les coins de l'empire. L' exposition a été un succès avec plus de six millions de visiteurs venus du monde entier, mais elle n'a pas été un succès complet. Beaucoup de gens pensaient qu'il montrait une faiblesse et un manque de goût chez les Britanniques à signer et cela a créé le débat et la discussion dans la presse artistique en particulier. En général, les gens avaient commencé à réagir à l'impact moins positif que fabricants et la production de masse avaient sur la société et, en particulier, sur les conditions des travailleurs, ainsi que sur la façon dont ils avaient changé le paysage et l'environnement. Juste pour lire un roman de Dickens pour avoir un aperçu de ce côté de la pièce. Maintenant, des cercles et des groupes d'artistes, de designers et d'artisans, ont commencé à se former et qui n'aimaient pas comment la production de masse affectait la qualité du design et de la production. Ils méprisaient particulièrement, comment il avait détaché le travailleur du processus de conception. Chaque ouvrier venait de devenir un rouage dans une grande machine, ce qui, à leurs yeux, conduit à la démoralisation des travailleurs car ils ne pouvaient plus être fiers de leur travail. Il ne s'agissait que de profit et non plus d'une bonne conception ou d'une véritable exécution. D' autres groupes culturels voulaient créer un changement et réformer la façon dont les arts appliqués et décoratifs étaient perçus et valorisés par le public et élever leur statut pour qu'ils soient égaux aux beaux-arts. Par exemple, il n'y avait pas beaucoup d'occasions d'exposer au public des dessins et des produits dans le domaine des arts appliqués et décoratifs et une bataille fut de réformer l'Académie royale, qui ne favorisait que les beaux-arts et les peintres dans leur expositions. Même l'architecture et la sculpture, ont été gravement déformés. Lorsque l'Académie royale a refusé, malgré les critiques sévères dans la presse d'art et la société culturelle. Un comité distinct a été formé dans le but de créer un lieu où les designers, les artistes et les artisans exposent et exposent leurs œuvres au public. C' est maintenant que le terme « arts et métiers » a été inventé lors d'une réunion du comité en 1887 pour décider du nom de cette exposition. Un relieur de livres nommé T. J, Cobden-Sanderson, proposait le nom de Arts and Crafts Exhibition Society. La première exposition a eu lieu à The New Gallery en 1888 et a été suivie les deux années suivantes, puis elle s'est poursuivie tous les trois ans jusqu'au XXe siècle. Vers 1920, l'ère du design des arts et des métiers d'art a pris fin en raison de l'évolution du style et des techniques et la Première Guerre mondiale a également été un tournant qui a changé cette industrie pour toujours. C' était l'histoire du mouvement des arts et de l'artisanat et de son style, mais nous pouvons obtenir une image complète sans raconter l'histoire de ses designers clés. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon où vous en apprendrez plus sur William Morris et certains de ses pairs et ce qui a influencé leur travail. 5. William Morris et les influences de design artistique et artisanal: Raconter l'histoire des arts et de l'artisanat et ce qui a façonné ce style de design, c'est raconter l'histoire de ses personnes clés et ce qui les a influencés. Cela peut être dit à travers la vie et l'œuvre de William Morris. William Morris est né en 1834 et est issu d'une famille riche de Stowe, dans le nord-est de Londres. Il a grandi dans un paysage pittoresque proche de la nature avec des forêts et des prairies loin des usines de fumage. Il était très intelligent et lisait et écrivait beaucoup quand il était jeune garçon, fasciné par la littérature médiévale romantique et l' art et les histoires d'amour sur les chevaliers et les belles dames et les contes de fées. Il passa beaucoup de temps dans la nature à étudier les ruines, les églises et d'autres bâtiments anciens. Quand William Morris a 16 ans, il a visité l'exposition de grille avec sa mère et beaucoup d'autres, il n'a pas été impressionné par toute cette splendeur et l'exposition de nouveaux produits. Au lieu de cela, il pensait que c'était une abomination vulgaire. design victorien en général était une collection éclectique de styles et d'influences différents. Beaucoup grâce aux nouvelles innovations et aux transports qui ont rapproché le monde. Avec la diffusion de produits de tous les coins du vaste Empire britannique, gens sont devenus obsédés par les cultures exotiques, l'archéologie et toutes les zones historiques. design et les produits japonais et autres asiatiques et orientaux sont également devenus extrêmement tendance et populaires. Toutes ces sources ont également influencé Morris. Mais pour lui, le design victorien était exagéré et encombré d'ornements et juste beaucoup de nostalgie révélatrice et sentimentale. À son avis, tout cela a été créé pour tromper les consommateurs et n'ont ni intégrité ni qualité. Il y avait trois personnages clés et leur travail qui ont fortement influencé William Morris et ses réflexions sur le design et la façon dont il était lié à la société. Le premier était un gars appelé Pugin. Il fait partie du Mouvement néogothique formé au XVIIIe siècle et qui s'inspire de l'imagerie et des sources médiévales et gothiques. Le mouvement néogothique a été énorme au XIXe siècle et est la raison pour laquelle tant de bâtiments publics et églises de cette époque sont fabriqués dans un style gothique. Pugin pensait que le design gothique était supérieur à tous les autres parce qu'il était vrai et honnête. Ça n'a pas essayé de ressembler ou d'être autre chose. outre, dans la société médiévale et gothique et la culture, les artisans et le travail étaient beaucoup plus appréciés selon Pugin, qui était essentiel pour un bon design, et cela ne pouvait être créé que dans une bonne société. Tout cela parlait à William Morris. Un autre début influencé par William Morris sur ce qui était bon design était la grammaire du livre d'ornement par Owen Jones. Ceci est devenu un livre de référence victorien classique pour le design ornemental. Dans le livre, Jones s'est fondé sur les principes de Pugin selon lesquels le design doit être vrai et honnête. Il a pris cela un peu plus loin, affirmant que le design ne devrait pas être créé seulement pour être admiré ou pour vendre quelque chose. Le design devrait d'abord être créé hors fonction, puis l'ornement et le noyau profond pourraient être ajoutés. Il pensait également que le design devrait être créé dans le contexte de l'environnement où il existerait. Il a également dit que le bon design ne pouvait être inspiré que par la nature. Tout cela est devenu plus tard la pierre angulaire du mouvement des arts et de l'artisanat. À l'âge de 19 ans, William Morris est venu à l'Exeter College d'Oxford pour étudier la littérature et les classiques. Ici, il développe ses valeurs avec ses nouveaux amis artistes. C' est aussi où son amour pour tout groupe médiéval, par exemple, à travers les manuscrits enluminés qu'il a commencé dans la bibliothèque Bodleian. Maintenant, il s'est familiarisé avec les écrits d'un autre personnage clé, John Ruskin, qui a remis en question le succès commercial de la production de masse et comment elle a créé la misère humaine. Lui aussi était un fan de l'architecture gothique et de ce qu'elle représentait. Ruskin a soutenu que le travailleur doit participer à toutes les étapes de la production pour être fier de son travail, qui était essentiel à la création d'un bon design. Cela a été miné par l'industrialisation et c'est le commerce. Inspiré par tout cela, William Morris et ses amis ont formé un groupe appelé The Brotherhood avec pour objectif de se rebeller contre tout le commercialisme et le matérialisme créés par l'industrie. Au début, William et son meilleur ami, Edward Burn Jones, avaient prévu de devenir pasteur de l'église. Mais lors d'un voyage en France, ils ont changé d'avis après avoir vu l'architecture impressionnante et les peintures médiévales, ils ont décidé de devenir des artistes à la place. Edward Burn Jones décida d'une carrière de peinture et William sur l'architecture. Après avoir obtenu son diplôme, il retourne à Londres pour apprendre à la pratique de George Edmund Street, qui s'intéresse aussi à l'architecture gothique et au mouvement néogothique. Dans la pratique de la rue, William a rencontré Phillip Webb, qui est également devenu l'un de ses meilleurs amis de toute sa vie aux côtés de Burn Jones. Maintenant entre dans une autre figure clé de la vie de Morris, Dante Gabriel Rossetti, qu'il avait aussi rencontrée à Exeter. Rossetti était un poète et peintre déjà avec un certain succès, et il fut l'un des fondateurs du groupe appelé la Fraternité Pré-Raphaélite. Ce groupe se révoltait aussi contre quelque chose. Mais pour eux, c'était la tendance actuelle à imiter le style Renaissance des célèbres artistes du siècle Raphaël. Au lieu de cela, ils ont été inspirés par la période précédant cette vérité et l'honnêteté dans l'art médiéval et gothique, bien sûr. Morris admirait beaucoup Rossetti et son travail et quand il réalisa que l'architecture n'était pas son truc non plus, Rossetti le convainquit de devenir peintre à la place. Quelque chose de très important s'est passé. Mais pour en entendre parler, vous devez aller à la prochaine vidéo où nous allons continuer cette leçon. Tout à fait le cliffhanger. 6. Suite : William Morris et les influences de design artistique et artisanal: Rossetti avait obtenu une grosse commission pour décorer les murs de la chambre de débat de l'Oxford Union, et maintenant il invita Morris et Burne-Jones à venir l'aider. Les fresques qu'ils ont peintes pour ce projet représentaient scènes médiévales typiques du conte du roi Arthur. Mais ce qui est drôle, c'est qu'ils ne savaient pas vraiment ce qu'ils faisaient, et les peintures ont été critiquées un peu pour leurs proportions étranges, et après un an, les fresques avaient presque complètement disparu, parce qu'elles les avait peints sur une surface humide. Mais ce fut une étape très importante dans la vie de William Morris et le début de sa nouvelle carrière. Au cours de ce projet, Morris a également rencontré Jane Burden, sa future épouse. Ils se marièrent en 1859 et s'installèrent à la Maison Rouge, conçue par l'ami de William, Philip Webb. La Maison Rouge est souvent appelée la première vraie maison d'art et d'artisanat, et bien sûr, il n'y avait pas de mobilier ou décor existant sur le marché qui ferait pour Morris. Ainsi, avec l'aide de ses amis et de sa femme, il a conçu et réalisé la majeure partie de l'ameublement et de la décoration de la maison elle-même. Ce fut également une étape importante vers la fondation de Morris, Marshall Faulkner et de la compagnie. Cette société comprenait Rossetti Burne-Jones, Philip Webb et d'autres amis et associés. La description de l'entreprise était un ouvrier d'art dans la peinture, sculpture, le mobilier et les métaux. Donc, les arts en combinaison avec l'artisanat. L' entreprise, comme on l'a surnommée, est devenue un grand succès commercial dès le début. Les premiers produits ont été conçus pour les amis et la famille principalement. Morris et ses partenaires ont tout fait eux-mêmes dans un véritable esprit d'art et d'artisanat, de la conception à la fabrication. Par exemple, ils ont produit des carreaux décorés et des produits de broderie. Mais le produit le plus important était la production de vitraux pour les églises et autres bâtiments avec une demande croissante pour leur beau travail. Ce qui était si cool leurs vitraux, c'est qu'ils ont tous collaboré et travaillé ensemble. Burne-Jones et Rossetti dessinent les figures centrales, Philip Webb dessinent certains des autres éléments et le lettrage, et Morris est responsable des schémas de couleurs. Il y a une autre histoire tragique dans la vie de Morris ici qui a affecté son travail, en particulier son écriture et sa peinture. C' était la liaison entre sa femme et son ami, Rossetti. C' était une histoire étrange et un temps destructeur pour lui, mais il semblait accepter. Le fait est qu'en 1871, le couple et la famille Morris et Rossetti louent ensemble et déménagent au manoir Kelmscott, où l'affaire entre Jane et Rossetti se poursuit. plan des affaires, les choses ont aussi commencé à prendre un mauvais tournant. William Morris avait été le principal investisseur financier de la firme, mais après quelques années, elle a commencé à vider ses propres ressources financières. En raison de la baisse de la demande de vitraux et d'ameublement, qui ont été les principales sources de revenus pour cette entreprise au cours des premières années. Morris a donc été forcé d'apporter quelques changements et de reconstruire la compagnie en 1875, ce qui a fini par exclure certains des associés dont Rossetti, et yay pour cela, je suis dans l'équipe William. Malgré tout ce drame, William Morris était devenu un homme d'affaires intelligent. Alors, quand les choses ont changé sur le marché, il a adapté et élargi son travail en papier peint et en dessins textiles à la place. L' entreprise qui s'appelle maintenant Morris and Company a commencé à obtenir des commissions pour la décoration intérieure complète, et l'entreprise a grandi. En 1876, Morris ouvre une salle d'exposition sur Oxford Street où les clients peuvent voir des échantillons de papier peint, tapisseries, de tapis brodés et de croquis d'intérieurs complets. Faire décorer votre maison par Morris and Company est devenu très populaire parmi les riches. William Morris lui-même n'était pas content de ça. Il pensait que beaucoup de ses clients ne comprenaient pas ou appréciaient pas vraiment la qualité et l'artisanat qui les sous-tendent, mais ne suivraient qu'une tendance. On dit qu'il a dit  : « J'ai passé ma vie à servir le luxe swinish des riches ». C' était en fait une frustration pour lui tout au long de sa carrière. Il s'est efforcé d'obtenir l'égalité dans la société et un bon design disponible pour tous, mais dans son effort pour créer un design bon et honnête et de haute qualité avec un vrai travail, ses méthodes de production d'impression à la main, par exemple, a seulement permis aux riches d'acheter ses produits et services. À cette époque, une autre icône de l'art et de l'artisanat entre, John Henry Dearle. Vous n'avez peut-être pas entendu parler de ce designer auparavant, mais le fait est qu'il est en fait le concepteur derrière de nombreux modèles créés par Morris and Company et que l'on pense encore à tort être conçu par William Morris lui-même. Dearle a commencé à travailler pour la Morris and Company en 1876 comme assistant de magasin dans le showroom de New Oxford Street. Il a rapidement avancé et a commencé à travailler avec la production de tapisseries avec William et a également fait partie du processus de conception et a créé ses propres motifs pour le papier peint et les textiles, fortement influencés par le style de William Morris, cependant. En fait, à la fin des années 70, Morris passe de moins en moins de temps à concevoir et se tourne davantage vers son engagement dans les réformes sociales. Dearle a repris de plus en plus. A partir de 1888, c'est lui qui est responsable de la conception de tous les textiles et papiers peints. La première exposition d'art et d'artisanat a eu lieu en 1888. Morris and Company était l'un des principaux exposants, bien sûr, et William Morris était maintenant considéré comme une icône et une superstar de designer parmi ses pairs. Ses compétences et ses modèles les avaient influencés d'une manière importante et leurs styles. Au cours de ses dernières années, ses contributions au mouvement se sont davantage orientées vers des conférences sur le design et les arts décoratifs, inspirant une nouvelle génération d'artistes et de designers, comme l'auteure Heygate Mackmurdo, Charles Voysey, Lewis Foreman Day, Christopher Dresser, John Dando Sedding et Walter Crane, bien sûr. Je tiens particulièrement à mentionner la fille de William Morris, May Morris, qui a également travaillé pour la firme et, comme chez Dearle, elle a créé plusieurs de ses dessins pour le papier peint et les textiles. Par exemple, Chèvrefeuille, un motif emblématique que beaucoup pensent encore qui a été créé par William Morris. Tout comme son père, May Morris était polyvalent, écrivaine, artiste-femme , engagée socialement, mais sa spécialité artistique était la broderie. En 1885, elle devient directrice du département de broderie de Morris and Company. En 1896, William Morris mourut, 62 ans seulement. , la cause du décès était Selon son médecin simplement William Morris. Il disait que ses derniers mots étaient  : « Je veux sortir la mumble-jumble de ce monde. » Jusqu' à la toute fin, il a lutté pour faire du monde un endroit meilleur pour les gens avec des améliorations sociales et un bon design. William Morris était l'une des figures clés du mouvement des arts et de l' artisanat et la force de ses valeurs et principes du design. Dans la prochaine leçon, je vais résumer ces principes de conception et comment nous pouvons les interpréter en tant que concepteurs de motifs d'aujourd'hui. 7. Les principes du design artistique et artisanal: [ MUSIQUE] Dans la leçon précédente, vous avez eu l'histoire de ce qui a influencé William Morris, et les designers du mouvement des arts et métiers d'art. Vous avez également appris les valeurs qui constituaient un ensemble de principes qui étaient la base de leur travail et qui dictaient comment créer un bon design et une bonne qualité. Dans cette leçon, j'énumère tous ces principes et j'essaie de donner une interprétation sur la façon dont nous, concepteurs de modèles d'aujourd'hui, pouvons utiliser ces principes pour notre propre travail. Le premier principe est que le design doit être créé dans le contexte de l'environnement où il existera, pas pour sa propre existence ou pour l'admiration seulement. Les conceptions de William Morris ont d'abord été créées avec un intérieur complet où chaque pièce et produit avait sa place et fonctionnait en harmonie avec l'ensemble de la pièce. Chaque papier peint ou tissu d'ameublement, ou tapis qu'il a fait a été créé avec intention et conçu dans un but spécifique. C' est ainsi que nous pouvons aussi utiliser ce principe, non pas pour créer un modèle juste pour sa propre existence, mais avec une intention et un but dès le début. Bien sûr, nous devons être capables de créer de notre propre cœur des désirs de temps en temps, mais si nous voulons créer des modèles qui fonctionneront bien sur des produits spécifiques optimisés, nous devons prendre cela en considération. Par exemple, un fond d'écran. Pour quelle pièce ce modèle fonctionnera-t-il ? Est-ce la cuisine, le salon, ou la chambre à coucher ? Lorsque nous créons avec l'intention et le but, nous ferons de notre mieux. Le principe suivant est que le design doit d'abord être créé hors de fonction, après cela est atteint, ornement et le décor peuvent être ajoutés. Dans le travail de Morris, il n'y avait jamais rien de redondant ou de détails inutiles. Cette citation de lui ravit tout. « N'ayez rien dans votre maison que vous ne sachiez pas être utile ou que vous ne croyez pas être belle. » Cela peut être appliqué pour la façon dont il a conçu ses motifs aussi. Dans ses motifs, vous ne trouverez jamais un élément, une forme ou une ligne qui ne devrait pas être là ou qui n'a pas de sens ou ne supporte pas l'impression globale. Chaque motif a son travail, que ce soit pour transporter d'autres éléments ou pour remplir un espace et ajouter à l'éclat brillant. Lorsque nous créons nos modèles, nous devrions également commencer par la fonction. Comment le modèle sera-t-il construit et construit pour faire son travail et créer l'impression que nous voulons accomplir ? Lorsque nous avons la structure de base du motif, nous pouvons commencer à ajouter les décorations avec des motifs, des détails, et de la couleur. Notre troisième principe est que le design doit être fidèle au but et à ses matériaux, et aussi honnête dans la façon dont il est créé. Il ne devrait pas imiter ou ressembler à quelque chose que ce n'est pas. C' est pourquoi le style artistique et artisanal a été créé dans une affaire bidimensionnelle. Avec des plantes simplifiées et stylisées et des motifs animaux qui n'ont pas essayé de regarder réel, mais seulement emprunter la beauté à la nature et l'ont utilisée d'une manière qui complétait l'intérieur. C' est ainsi que nous pouvons appliquer ce principe aussi pour styliser les motifs en fonction de notre objectif, du produit et de la surface pour lesquels nous concevons. Le prochain principe de conception artistique et artisanale est assez facile. C' est d'utiliser la nature comme source d'inspiration. Tous les dessins artistiques et artisanaux sont inspirés de la nature avec des motifs de feuillage, de fleurs, d'animaux et de fruits. n'y a pas de dessins abstraits ou non figuratifs. C' est assez simple quand il s'agit de la façon dont nous pouvons l'appliquer également. Mais gardez toujours le troisième principe à l'esprit de ne pas essayer de représenter la nature de manière réaliste, mais de manière stylisée. Le dernier directeur est un peu délicat pour nous cependant, et c'est que le concepteur doit être impliqué dans l'ensemble du processus, de la conception à la fabrication. Pour William Morris, cela signifiait apprendre et pratiquer tous les métiers derrière ses produits, de la conception et du dessin à la broderie et au tissage, passant par la mort et l'impression de ses propres tissus. Mais pour nous qui n'avons peut-être pas l'occasion de faire tout cela, comment pouvons-nous utiliser ce principe ? Eh bien, tout d'abord, il s'agit d'apprendre le métier du design et d'être vraiment doué. Ensuite, c'est pour obtenir vos propres matériaux. Une autre chose à pratiquer est d' essayer de nombreuses techniques différentes pour créer des motifs, fois pour créer des motifs à la main, avec différents types de médias, ou numériquement à l'aide d'outils et d'applications différents. Il est également bon d'avoir une compréhension de la façon dont les différents produits et matériaux sont produits et comment ils agissent. Être impliqué dans l'ensemble du processus peut aussi signifier que si nous concevons pour une entreprise, nous pouvons également faire partie du processus de production du produit. Autant que nous sommes autorisés à vérifier les signatures, visiter l'imprimante lors du démarrage de la production. Par exemple, j'ai un ami qui conçoit des motifs pour le papier peint et pour chaque collection de papier peint, elle est présente à l'usine de papier peint, s' assurant que les schémas de couleurs sont exactement justes, et puis tout sort comme prévu. C' était donc une compilation des principes de conception qui peuvent nous aider à garder la bonne orientation lorsque nous commençons à concevoir nos propres modèles d'art et d'artisanat. Dans les leçons à venir, nous allons étudier les différentes caractéristiques des modèles d'art et d' artisanat et les diviser en différentes catégories. Mais commençons par les thèmes communs qui ont été utilisés. Alors, nous allons nous retrouver dans la prochaine leçon. [MUSIQUE] 8. Caractéristiques : Thèmes: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil à certains des thèmes que nous pouvons identifier dans les modèles d'art et d'artisanat. Cela nous aidera lorsque nous sommes sur le point de trouver des idées pour nos propres modèles, et de rester dans le thème qui nous permet de créer une expression artistique et artisanale. Le thème général des modèles d'art et d'artisanat est la nature, comme vous le savez peut-être déjà, mais c'est plus à cela que cela. Il y a quelques sous-thèmes ici que nous pouvons utiliser comme inspiration. Un sous-thème est les fleurs sauvages. Ce sont des motifs que les créateurs d'art et d'artisanat ont puisés dans les prairies et le long des rivières de la campagne anglaise. Par exemple, dans ce modèle de William Morris appelé Daisy, où nous pouvons identifier certaines fleurs sauvages couramment représentées. En outre, l'un des favoris de William Morris, la Daisy, dont ce modèle est nommé, nous pouvons également voir des fleurs d'onagre et de colombe. Dans ce modèle appelé Woodland Weeds de John Henry Dearle, on peut voir des fleurs de maïs, myook-not, et le lys du roi. Voici un autre conçu par Dearle appelé Thistle, et cela ne nécessite aucune explication supplémentaire. Dans ce modèle, Blackthorn aussi de Dearle, il a en plus des épines noires évidentes, également inclus le lys du roi à nouveau, anémones de bois, myosotis, et marguerites. Ensuite, nous avons un sous-thème représentant le feuillage de différents arbres ou buissons. Dans celui-ci appelé Oak, de Dearle, c'est si simple et pourtant extrêmement sophistiqué. Dans ce modèle de William Morris, il a utilisé un grenadier pour son thème. Ici, nous avons un autre classique par lui qui est très à la mode en ce moment pour toutes sortes de produits du papier peint, sacs, des arcs de saule. Ensuite, nous avons le sous-thème inspiré par les jardins anglais. Ici, nous avons Trellis et Strawberry Thief de William Morris, qui sont de grands exemples. Ensuite, il y a ce modèle de John Henry Dearle appelé Jardin, rempli de tulipes, et de lys, et d'autres fleurs communes de jardin. Dans celui-ci, nous trouvons Jacinthe, plus de tulipes, et quelque chose que je suppose être des pivoines et peut-être des frères de Noël . Un autre thème qui est peut-être un peu plus farfelu est les rivières, mais pas comme représentant les rivières littéralement, mais en utilisant l'impression de la façon dont les rivières coulent de manière serpentine. Dans ces modèles de William Morris, et qui sont en fait nommés d'après les rivières anglaises aussi. Dernier thème d'art et d'artisanat que je veux partager avec vous est quelque chose qui a puisé son inspiration dans les tapisseries médiévales. C' est des motifs avec une perspective plus zoom arrière représentant des arbres entiers ou des paysages et des scènes comme ces motifs de Charles Voysey. Ensuite, nous examinons la composition et la façon dont les modèles d'art et d'artisanat peuvent être structurés. 9. Caractéristiques : composition: Dans cette leçon, nous allons examiner les différents types de composition des modèles d'art et d'artisanat. Le premier type de composition que vous trouverez est quelque chose que nous pourrions appeler une composition simple. Il est plat et a une couche avec seulement une ou peut-être quelques plantes ou éléments de motif différents avec plus ou moins d'espace entre eux et pas de motifs de fond ou de remplissage. Ensuite, nous avons un type de composition que j'appelle un tout, qui est également plat avec une couche, mais maintenant avec un mélange de motifs avec des fleurs plus grandes et des feuilles en combinaison avec des plus petites. Ensuite, nous avons quelque chose que nous pouvons appeler une composition de remplissage, qui est encore plate mais a deux couches visibles avec des motifs principaux plus grands au premier plan et de petites charges entre elles qui sont constituées de petites brindilles ou juste des marques et des points. La dernière composition est quelque chose de plus dynamique et pas aussi plat. Il a plus de profondeur pour les deux couches, mais avec un calque d'arrière-plan beaucoup plus complexe et des motifs qui s'entrelacent. Dans la leçon suivante, nous allons examiner quelques exemples de modèles et comment ils ont été répétés. 10. Caractéristiques : Répétitions: Quand j'ai commencé à étudier les modèles d'art et d'artisanat, je pensais que la plupart d'entre eux seraient créés comme une demi-goutte répétition juste à cause de la façon dont ils cachent les bords de la répétition mieux que, par exemple, une répétition droite ou diagonale. Mais j'avais tort. En fait, la répétition la plus courante dans les modèles d'art et d'artisanat, semble être la répétition droite, où le motif est répété droit, horizontalement et verticalement comme ceci. Voici quelques exemples de motifs d'art et d'artisanat avec une répétition droite. Même ces motifs avec des motifs réfléchis et doubles, sont disposés dans une répétition droite. Il y a des motifs faits avec une demi-goutte répétition ainsi et c'est quand le motif est répété de haut en bas parfaitement aligné verticalement. Puis sur les côtés, mais avec une demi-distance vers le bas comme ça. Voici quelques exemples de modèle avec une répétition demi-goutte. Variation d'une demi-goutte, est une soi-disant répétition de brique. C' est là que le motif est répété directement sur les côtés, parfaitement aligné horizontalement. Mais alors, quand il est répété vers le bas ou vers le haut, c'est avec une demi-distance par rapport aux côtés aussi. répétitions en briques sont rares parmi les modèles d'art et d'artisanat, mais j'ai réussi à en trouver un. Voici COMPTON de John Henry Dearle. Ensuite, nous allons jeter un oeil aux dispositions typiques des modèles d'art et d'artisanat. 11. Caractéristiques : Présentation: Il y a quelques structures récurrentes que nous pouvons voir dans les modèles d'art et d'artisanat. C' est ce que nous allons examiner dans cette leçon sur la façon dont les modèles peuvent être découverts. abord, nous avons des motifs où les motifs sont disposés de manière plus réaliste. De la façon dont les plantes poussent avec des branches et du feuillage, des fleurs et des fruits dans une disposition traînée. Ensuite, nous avons une version de ceci mais plus stylisé avec les motifs disposés le long d'une structure et d'une mise en page serpentine. Il peut être dans une direction verticale ou diagonale. La troisième disposition a une structure de lignes circulaires et courbes avec des branches et des feuilles qui sont défilées. Une autre disposition est avec une double structure avec des motifs qui sont réfléchis le long d'une ligne verticale. Cette mise en page double ou réfléchie peut également être combinée avec les mises en page précédentes, les mises en page de fin, de serpentin et de défilement. La dernière mise en page est organisée dans une structure plus géométrique avec les motifs principaux disposés de manière plus séparée en grille ou en diagonale. Une autre caractéristique à mentionner ici est que tous les modèles d'art et d'artisanat sont directionnels. Ils doivent être vus d'une direction spécifique, surtout parce qu'ils représentent des motifs naturalistes de plantes en croissance et aussi d'animaux à voir assis sur le sol ou perché sur les branches. Maintenant, si nous regardons toutes ces différentes compositions, répétitions et mises en page dans les modèles d'art et d'artisanat. Nous pouvons les collecter dans différentes catégories. Jetons un coup d'œil à ces catégories dans la prochaine leçon. 12. Mes catégories de modèles d'art et d'artisanat: Comme vous l'avez vu maintenant, il y a tellement de différents types de modèles d'art et d' artisanat que nous pouvons faire avec de nombreuses variables à considérer, comme les thèmes et le nombre de motifs et comment ils sont stylisés, puis il y a différentes mises en page et des compositions avec une ou deux couches, alors ils peuvent être faits dans une répétition droite ou demi-goutte, même une pause. Pour avoir un certain ordre dans tout cela et être capable d' apprendre à créer des modèles d'art et d'artisanat d'une manière gérable, j'ai créé un ensemble de catégories à partir de ces variables. La première catégorie est appelée fin. Il est basé sur la version de mise en page des branches et du feuillage avec des fleurs, des fruits et des animaux, cette catégorie a généralement une couche avec le feuillage d'une ou peut-être deux plantes provenant d'arbres et d'arbustes, mais aussi autres plantes de jardin à la traîne. Il est créé avec une répétition droite, mais il peut avoir une deuxième couche de fond de petites et simples charges aussi, si nous le voulons. C' est la catégorie que vous allez apprendre à créer dans ce premier épisode de ma série d'arts et d'artisanat. La deuxième catégorie est appelée serpentine, basée sur la disposition et les motifs serpentine, il a une couche frontale avec un mélange, un grand et souvent très stylisé plantes de jardin et des fleurs. Le calque Arrière-plan a des motifs plus petits et plus fins, et celui-ci nous allons faire avec une répétition demi-goutte. La troisième catégorie est appelée défilement. Celui-ci a également deux couches, la couche de premier plan a une disposition et une structure de branches défilées et de feuilles d'arbres et d'arbustes et de plantes sauvages et de jardin, il est assez large et quel type de motifs nous pouvons ajouter ici. En arrière-plan, il y a une couche de feuillage plus élaboré et détaillé de feuilles, quelques petites fleurs qui défilent catégorie, nous allons créer une demi-goutte ou une répétition droite. La quatrième catégorie que j'appelle apparié, et ce qui caractérise cette catégorie est que les motifs sont réfléchis le long d'une ligne centrale verticale et avec des motifs appariés sur les deux côtés, et tout cela dans une répétition droite bien sûr. Dans cette catégorie, nous allons faire une composition complète avec une seule couche plane de plantes sauvages et de jardin. Ma pensée derrière ces catégories spécifiques est que dans chaque cours, vous allez pratiquer quelque chose de nouveau, et lorsque vous avez suivi les quatre cours, vous aurez un ensemble de compétences afin que vous puissiez utiliser et mélanger ces variables de la façon suivante vous voulez et être en mesure de créer un large spectre de différents modèles d'art et d'artisanat. Ensuite, nous allons examiner quelques motifs typiques dans la catégorie des motifs de fuite. Je te verrai dans la prochaine leçon. 13. Caractéristiques : motifs: Dans cette leçon, nous allons étudier les motifs typiques utilisés dans les modèles d'art et d'artisanat à la traîne. abord, nous avons l'épine dorsale ou la structure fondamentale des schémas de fuite, qui sont bien sûr les branches. Ils sont le squelette et le cadre sur lequel tous les autres motifs sont attachés. Dans un motif de fuite, vous pouvez utiliser une ou deux, parfois même trois types de plantes différents, mais avec une plante dominante dont les branches constitueront la structure principale. Certains motifs de fin ont deux calques, un calque avant et un calque d'arrière-plan. Le calque avant comporte éléments de motif plus grands, plus distincts et dominants, y compris les branches, et le calque d'arrière-plan comporte souvent des branches plus petites, plus simplifiées et utilisées comme charges. Mais je reviendrai à ces charges en détail, plus tard dans cette leçon. Dans ce modèle appelé Jasmine par William Morris, il y a deux plantes différentes. Le Jasmin avec des branches minces vertes, et une plante secondaire non identifiée, mais qui a des détails épineux. Voyez comment les branches se font d'une manière simple et simple, sans contours ou autres détails pour l'ombrage ou la texture. Mais ils sont variés dans la façon dont ils se tournent et comment ils sont fourchus et divisés en branches plus petites, et à certains endroits, les branches se croisent et s'entrelacent. Même s'il n'y a pas beaucoup de détails, ils ont toujours réussi à créer des variations. en va de même ici à Sweet Briar de John Henry Dearle. Voici un autre exemple. Pas de contours ou de détails dans les branches, mais ils sont variés avec quelques petites brindilles ici et là, et avec des branches en deux couleurs différentes. Dans Oak Tree de Dearle, les branches sont également très simplifiées. Pas d'ombrage ou de texture, mais avec beaucoup de branches latérales et de brindilles. Ici, nous avons un autre exemple de la façon de représenter des branches. C' est un motif appelé feuillage, également de John Henry Dearle. Cela se fait aussi de manière très simplifiée, mais avec des contours plus sombres, vous voyez ? Dans ce modèle appelé Bramble de Kate Faulkner, les branches de mûre n'ont pas de contours, mais des lignes suivant la longueur des branches et ont été ajoutées pour créer de la texture. Ensuite, il y a des épines dans une teinte vert plus foncé. Dans Bird and Pomegranate, Morris a ajouté quelques détails plus légers pour créer une impression de points forts. Les branches ont également quelques détails avec des brindilles plus petites ici et là. Dans ce modèle, Tom Tit de Dearle, les branches de rosier ont à la fois des contours et un peu d'ombrage avec des lignes suivant la longueur des branches, ainsi que quelques petites marques autour des épines. Dans Honeysuckle de May Morris, les branches ont plus de détails, fois avec des contours et comment elles sont divisées en sections plus petites ainsi que des lignes texturales. Ici, dans le fruit, les branches sont tout autour contours et de détails avec des lignes de hachures le long d'un côté des branches, qui créent à la fois des ombrages et des textures. Nous pouvons conclure que les branches d'arbres et arbustes se font de manière très simplifiée. Les détails sont principalement dans la façon dont ils se divisent en branches latérales et en brindilles, et comment ils se plient et se courbent pour donner une belle impression fluide. Leur tâche principale ici n'est pas d'être très décoratif, mais d'être la structure et la base des motifs. Maintenant, jetons un oeil à quelques feuilles typiques. Les feuilles ainsi que les branches constituent le feuillage important et décoratif caractéristique des motifs d'art et d'artisanat. Si le motif est fait avec une plante, il n'y a évidemment qu'un seul type de feuilles, mais pour créer une variation, il est mais pour créer une variation, représenté de différentes manières. Les créateurs d'art et d'artisanat étaient très friands et experts pour créer les feuilles sous différents angles et avec des revirements décoratifs et des rebondissements. Si le motif est fait avec deux plantes ou plus, les feuilles sont généralement différentes dans la forme et la taille, et c'est un excellent moyen de créer des variations et d'utiliser des formes et des formes qui se complètent mutuellement. C' est un principe important pour créer un flux et une harmonie dans le modèle. Vous verrez cela beaucoup dans les modèles d'art et d'artisanat, et quand vous choisissez des plantes pour vos motifs, c'est un bon principe à appliquer aussi. Maintenant, ces modèles ici ne sont pas dans la catégorie de fin, mais dans les catégories serpentine et défilé. Mais ce sont de si bons exemples de la façon d'utiliser des plantes et des feuilles complémentaires, donc je voulais les montrer ici aussi. La façon dont les feuilles d'art et d'artisanat sont représentées est évidemment plus ou moins simplifiée et stylisée. Certaines formes générales sont oblongues et étroites, avec ou sans simples nerfs et lignes texturales, et ce sont des feuilles fourchues ou lobées, très simplement exécutées ou avec un peu plus de flair. Il y a des feuilles plus courtes et plus arrondies avec bords droits ou épineux selon la plante, bien sûr. La prochaine catégorie de motif typique est de grandes fleurs, ou nous pouvons les appeler les fleurs halo. Ici, nous avons les fleurs grandes et luxuriantes avec beaucoup de pétales, comme des tulipes, et ici serait coquelicots. Ensuite, nous avons un mélange d'autres types de fleurs comme les roses, et le souci, le chrysanthème et les pivoines. Ensuite, nous avons quelques exemples de fleurs halo avec des regards très spécifiques, comme le chèvrefeuille et l'iris, et les lys. Que les grandes fleurs sont souvent variées avec des fleurs plus petites ou appelons-ça des fleurs de taille moyenne. Ils peuvent être avec un peu de détail ou très simplifiés. Un favori évident parmi les créateurs d'art et d'artisanat de cette catégorie, est les roses. Ensuite, nous avons les petites fleurs bien sûr, éléments de motif très importants. En tant que fleurs complémentaires pour créer un contraste et une variation par rapport aux grandes fleurs halo. Pour ces petits motifs de fleurs, toutes sortes de fleurs de jardin ou de fleurs sauvages étaient utilisées, comme les marguerites myosotis, jacinthe, jonquilles, toutes sortes de fleurs de cloche, primevère et pimpernel. Les modèles de catégorie de fin représentent souvent des plantes qui portent également des fruits et des baies. Certains motifs de fruits préférés sont les raisins, et ici vous voyez des oranges et des citrons et des pêches, et un favori particulier semblait être les grenades. Ici, nous avons un exemple de mûres, dans ce modèle appelé Bramble par Kate Faulkner. thème et les motifs préférés de William Morris étaient les oiseaux dans le feuillage, et les oiseaux sont inclus dans de nombreux motifs de la catégorie traînée. Ils sont de différentes formes et tailles, mais le plus souvent vous voyez des oiseaux plus petits que vous trouverez dans votre jardin, comme le moineau, la mésange et le muguet. Il y a bien sûr des oiseaux plus majestueux comme les cacatoès et les paons. Même s'ils sont plus courants dans les motifs de serpentine, certains exemples de motifs de fuite ont une couche de fond avec des feuilles et des tiges plus petites, qui ne sont généralement que des brindilles et des lignes ou des silhouettes. Leur travail est d'être des charges dans les espaces entre les motifs halo de la couche avant, et de créer une impression uniforme qui complètera les motifs avant sans voler l'attention. Certaines charges ne sont que des marques ou même des points, très simples mais si décoratifs. Les motifs typiques de l'art et de l'artisanat sont plus ou moins stylisés. Dans la leçon suivante, vous allez obtenir un exercice de dessin pour pratiquer cela. 14. Exercice de dessin : Feuilles de base: Dans ce premier exercice de dessin, nous allons nous entraîner à dessiner des feuilles basiques et stylisées avec des variations. Lorsque vous dessinez une version stylisée d' une plante et de ses différents éléments de manière artistique et artisanale, par exemple, une feuille, le principe est d'affiner l'apparence de la feuille dans vie réelle et de la transformer en une version qui ne ressemble plus à la vraie chose, mais le rappelle. Cela peut être fait en simplifiant certains détails et en exagérant d'autres. feuille la plus simple, la plus basique et la plus universelle est celle-ci. Il peut s'agir d'une feuille de nombreuses plantes différentes comme les feuilles de pommier ou d'agrumes et de laurier par exemple. Il a cette forme plus ou moins goutte, un sommet pointu et une base, ou la base peut être arrondie. Cette feuille peut être variée de tant de façons. Nous pouvons l'étirer et le rendre plus oblong en étroit, comme la feuille du saule ou sur une feuille de sorbier. D' autres façons nous pouvons créer des variations est avec les bords. Vous pouvez les rendre lisses et droites avec des bords lisses, ou vous pouvez les rendre un peu irréguliers et ondulés ou épineux. Nous pouvons également varier les feuilles avec les veines et les nerfs. Ceux-ci peuvent être variés à bien des égards ainsi avec plus de nerfs latéraux ou juste quelques-uns ou juste d'un côté. Nous pouvons également les dessiner sous différents angles, comme vu de haut tout droit, ou de côté un peu. Nous pouvons également les rendre retournés ou tordus où vous pouvez voir un peu l'arrière de la feuille. C' est une caractéristique très typique dans les feuilles d'art et d'artisanat. Maintenant, laissez-moi vous montrer quelques exemples de la façon de faire varier ces feuilles avec des revirements et des rebondissements et des nerfs et ainsi de suite. Dessiner une feuille de base est, pour commencer, vraiment simple, surtout quand on le voit juste d'en haut. Mais peu importe à quel point c'est simple, j'utilise toujours des lignes directionnelles pour savoir où placer la feuille. version la plus simple d'une feuille de base ici est juste, voici le centre de celui-ci, ce sont mes lignes directionnelles, cela me montre où je veux placer la feuille sur le papier pour une fois, mais cela me donne aussi la direction de la feuille, comme littéralement, comment je veux qu'il s'incline. Ici, je dessine une feuille droite, donc ce n'est pas courbé ou quoi que ce soit. Lorsqu' on le voit directement d'en haut, on voit les deux côtés des feuilles de façon égale. Mais si vous voulez voir une feuille sur le côté, comme sous un angle un peu, je vais dessiner ma ligne directionnelle, alors vous voyez la partie qui est plus loin, elle semble plus mince et ensuite vous pouvez dessiner la partie qui est plus proche de vous, un peu plus épaisse. Cela donnera l'impression que la feuille est inclinée ou une scène du côté un peu. Mais mon conseil ici est de toujours travailler avec les lignes directionnelles. Cela est vraiment utile lorsque vous commencez à dessiner des feuilles plus complexes ou variées. Par exemple, si je veux faire une feuille incurvée. Je le dessine comme si c'était un peu une courbe S peut-être, et puis je lui donne un peu de corps, mon contour, et puis il est juste plus facile de suivre la direction quand il a cette ligne directionnelle. Maintenant, je peux vraiment sentir que c'est courbé et maintenant les contours suivent cela et améliorent cette impression aussi. Si je veux faire une courbe plus raide, ce sera beaucoup plus facile si j'ai la direction à partir de laquelle dessiner. En plus de leur donner un angle ou une courbe, vous pouvez ajouter d'autres variations à une feuille de base, par exemple, je dessine une autre feuille comme celle-ci, et dans toutes ces feuilles, vous ne pouvez voir qu'un côté de la feuille, comme le partie de la feuille. Mais peut-être que vous voulez créer quelques détails où vous pouvez choisir un aperçu de la face inférieure de la feuille, sorte que vous pouvez ajouter un petit tour où le bord de la feuille est plié un peu. Je peux laisser ça comme ça, bien sûr, mais je pense que ça n'a pas vraiment de sens avec cette partie volumineuse ici. Ce que j'aime faire est de rendre cela un peu plus droit parce que c'est là que la feuille est pliée. Cela donne l'air un peu plus réel. C' est un retournement sur le côté de la feuille, mais vous pouvez également le faire sur le dessus de la feuille. Encore une fois, je dessine quelques contours, puis au lieu de le faire au centre de la, ou sur le côté de la feuille comme ça, j'ai commencé ici à la place. Maintenant, on dirait que le haut de la feuille est retourné. Vous pouvez également utiliser votre ligne directionnelle pour prendre un roulement pour votre tour. Par exemple, si vous voulez faire une feuille où en haut est courbée ou retournée vers vous comme ceci, vous pouvez faire les lignes directionnelles, commencer par cela et ensuite il vous montre comment la feuille est courbée vers vous. Dans cet exemple, vous devez créer un espace plat sur le dessus où le pli sur la feuille semble être, puis vous pouvez ajouter un côté ici à celui-ci, puis aussi le côté droit ici, et puis, voyons, nous ajoutons ce un. Ce côté droit de la feuille ici, c'est le côté droit du haut de la feuille et il doit se connecter au côté droit du bas de la feuille aussi bien. Maintenant, il est facile de voir comment rencontrer l'autre côté de la feuille. Derrière ce chiffre d'affaires, ce côté ici, c'est le côté gauche de la feuille, il se connectera avec le côté gauche du haut de la feuille aussi bien. Tu pourrais modifier ça. Maintenant, il semble que le haut se plie vers vous, mais vous pourriez modifier cela très facilement et donner l'impression qu'il est retourné loin de vous en définissant simplement cette ligne et en effaçant ceux-ci. On dirait qu'il tourne dans l'autre direction. Un autre détail amusant à ajouter à vos feuilles est de faire une torsion. Cela peut être un peu délicat, donc il a besoin de pratiquer définitivement. Commencez par une feuille incurvée comme celle-ci, puis vous commencez par un côté du contour, un côté de la feuille et esquissez comme ceci, puis elle croise de l'autre côté et se rencontre à l'apex de cette feuille. Ensuite, vous montez de l'autre côté et il traverse aussi, mais au lieu de simplement traverser, vous pouvez rester là-bas et ensuite il continue de l'autre côté. Ensuite, vous pouvez lisser un peu cette partie un peu aussi. Maintenant, on dirait que c'est la face inférieure de la feuille qui montre, et voici la face supérieure de la feuille qui montre. Maintenant, vous pouvez faire le contraire, sorte que cette partie soit la partie supérieure, alors je commencerais par ce côté à la place, traverser et se rencontrer là-bas. Ensuite, vous faites de l'autre côté et vous vous arrêtez et il continue de l'autre côté, et puis il vient là-bas. Ensuite, vous pouvez lisser les lignes un peu si vous en avez besoin. Maintenant, c'est la partie supérieure et voici le dessous de la feuille montrant. Vous pouvez faire une double torsion ou autant de rebondissements que vous le souhaitez, alors vous devez créer peut-être une feuille un peu plus longue pour le rendre plus facile. Ensuite, vous traversez la ligne médiane deux fois à la place. Je dessine d'abord un côté de la feuille et il traverse, il y a la première torsion, puis elle croise à nouveau, la deuxième torsion, et elle rencontre l'apex, le sommet de la feuille. Puis je rentre et je fais l'autre côté de la feuille, et là il vient derrière, puis il continue là-bas et il s'arrête et puis il continue de l'autre côté. Maintenant, il semble être tordu deux fois, donc voici la partie supérieure de la feuille, et ici c'est le dessous, et voici le côté supérieur à nouveau. Ce sont les contours de base de la feuille et maintenant vous pouvez aller dans et ajouter quelques détails et la variation dans les bords des feuilles. Peut-être que vous voulez avoir comme un bord ondulé ou un peu régulier à la place, et peut-être que vous ne voulez pas avoir toute cette ligne, le vain à travers la feuille comme ça, mais juste un peu, et vous allez dans et ajouter ces détails qui ajouter le caractère à chaque feuille. Ou peut-être que vous voulez avoir comme un bord épineux, parce que peut-être c'est une feuille de rose ou quelque chose, et puis seulement quelques veines latérales d'un côté. Ensuite, vous pouvez également simplement ajouter un peu de texture. Vous n'avez pas besoin d'avoir une veine centrale ou des nerfs comme ça, vous pouvez simplement ajouter un peu de lignes texturales. Il y a plusieurs façons d'ajouter du caractère aux feuilles. Comme votre exercice, je veux que vous dessiniez une branche comme celle-ci avec des fourchettes et des brindilles plus petites, puis l'habiller avec des feuilles de différentes formes et la complexité avec des angles et des bords, des rebondissements et des revirements. Ensuite, vous pouvez les varier avec différents bords et veines. Si vous avez besoin d'aide pour commencer, j'ai créé cette structure de branche que vous pouvez également trouver dans le classeur. Vous pouvez l'utiliser comme inspiration pour dessiner ou l'imprimer et dessiner directement sur le dessus ou le tracer. Dans le cahier d'exercices, vous trouverez également quelques illustrations de feuilles pour inspirer et faire référence aux variations que vous pouvez jouer avec. Mais je tiens à vous encourager à trouver vos propres formes, détails, bords et veines aussi. Dans le prochain exercice de dessin, nous allons dessiner quelque chose que vous voyez souvent dans les modèles d'art et d'artisanat. Feuilles qui ont des lobes de diverses manières. 15. Exercice de dessin : Feuilles lobées: Dans cet exercice de dessin, nous allons nous entraîner à dessiner des formes de feuilles un peu plus variées qui sont ramifiées que fourchues avec des lobes et des onglets comme celui-ci. Ce type de feuilles est très commun dans les modèles d'art et d'artisanat, et sera très utile lorsque vous créez vos propres modèles d'art et d'artisanat. Vous pouvez utiliser ce type de feuille pour représenter des feuilles de plusieurs plans différents, fois pour les plantes du héros mais aussi pour les petites plantes secondaires, ou même pour les plantes en arrière-plan. Par exemple, une variété de fleurs sauvages comme les chardons et les anémones. Une feuille lobée très basique est celle-ci avec trois onglets, comme une feuille de vigne stylisée peut-être. Ensuite, vous pouvez élaborer sur celui-ci et ajouter plus d'onglets qui peuvent être modifiés un peu. Vous pouvez les rendre larges ou étroits. Ensuite, nous pouvons faire des feuilles qui sont presque comme des branches ; plus longues et étirées. Pour ceux-ci, nous pouvons ajouter des veines et aussi de la texture. Quelle que soit la complexité, je commence toujours par planifier la structure globale d'une feuille avec des lignes de guidage ou des lignes directionnelles, comme dans la leçon précédente avec les feuilles de base. Mais avec des feuilles fourchues ou lobées, j'utilise aussi des lignes directrices pour l'endroit où je veux les onglets. Faisons un très simple, la feuille fourchue de base d'abord. Voici ma première ligne de guidage, puis j'ajoute une autre ligne de guidage où je veux que les lobes soient, puis j'ajoute les contours. C' est le même principe tout le temps. Ces lignes directrices ici peuvent aussi bien être les nerfs ou les veines de la feuille. Avec eux, je peux, dès le début, décider comment la feuille va se courber, et la direction de celle-ci. Je peux faire plus de détails et plus de lobes. L' utilisation de lignes directionnelles comme celle-ci rend beaucoup plus facile de savoir où dessiner les contours et la forme globale de la feuille. Quand vous commencez à rédiger les contours, d'autres feuilles comme celle-ci, vous suivez cette ligne de guidage, et juste l'habiller, et lui donner corps. C' est presque comme si la ligne directionnelle était le squelette. Maintenant, je lui donne de la chair, ou du moins un corps, il est vraiment plus facile de lui donner sa forme. Maintenant, vous pouvez choisir si vous voulez avoir une feuille large comme celle-ci, ou vous pouvez la rendre plus étroite. Il suffit de rapprocher les contours des lignes directrices. Une fois que j'ai cette structure de base en place, je peux ajouter plus de détails et plus de lobes latéraux comme celui-ci. Faisons un plus grand. Avec une structure de base, le squelette comme ça, vous ajoutez la forme globale, puis ajoutez quelques détails si vous en voulez, et vous pouvez avoir plus de lobes si vous sentez qu'il y a de la place pour cela. Vous pouvez également créer des revirements, des rebondissements, et d'autres variations comme je vous ai montré dans les leçons précédentes. Peut-être que je suis allé faire un chiffre d'affaires, c'est facile à faire. Il y a peut-être un autre chiffre d'affaires comme ça. Vous pouvez aussi faire des rebondissements, mais alors je planifierais ça un peu dès le début. Vous pouvez construire vos feuilles lobées comme ceci, et vous pouvez leur donner toutes sortes de formes. Ce n'est pas forcément ce type de forme non plus. Vous pouvez leur donner un autre regard aussi, comme ça. Ensuite, vous créez d'autres types de lobes. Si vous créez une fleur d'anémone de bois, vous créez un autre type de feuilles lobées. Mais alors il est bon d'observer cette fleur originale et de voir à quoi cela ressemble, puis de créer les lobes, et la structure en fonction de cela. Lorsque vous avez trouvé une forme que vous aimez, vous pouvez ajouter d'autres détails. Par exemple, vous pouvez ajouter différents types de veines, comme celui-ci ici. On pourrait donner une veine très simple comme ça, ou on pourrait la faire comme une veine tracée avec un remplissage ou une tache, tu te souviens ? Ensuite, vous pouvez simplement utiliser la ligne de guidage pour cela également. C' est une veine que vous voyez habituellement avec des feuilles d'acanthe, par exemple. Parlant de feuilles d'acanthe, ce sont donc des variations de la façon dont vous dessinez normalement une feuille d'acanthe avec des lobes comme celui-ci et des onglets différents. Si vous voulez apprendre et pratiquer plus sur la façon de dessiner ces types de feuilles lobées, vous pouvez consulter mon autre cours appelé Dessin de l'Acanthe. Là, vous aurez beaucoup plus d'exercices, par exemple. Ensuite, vous pouvez également ajouter un peu de texture. Vous pouvez ajouter ces petites marques supplémentaires ici aussi pour souligner qu'il pourrait y avoir une partie soulevée de la feuille là-bas peut-être. Ces lignes texturales peuvent être faites de différentes façons, certaines juste un peu ou beaucoup. Vous pouvez également dessiner quelques extensions à ce nerf, qui est assez typique pour les modèles d'art et d'artisanat, où vous commencez où se trouve le nerf central, puis créez ces nerfs latéraux sortant de celui-ci. Vous pouvez jouer avec différentes façons d'ajouter de la texture, des détails et des variations à cela. Comme votre exercice, je veux que vous établissiez une structure ramifiée, encore une fois, comme ceci, ou vous utilisez celui que vous trouverez dans le classeur, et l'habiller avec différents types de feuilles lobées, avec des variations dans la façon dont elles sont minces ou épaisses , avec des ondulés, ou courbés, tordus, détailsondulés, ou courbés, tordus, et retournés, et peut-être, croisant aussi les uns sur les autres. Dans la vidéo suivante, nous allons nous entraîner à dessiner de grandes fleurs de héros. 16. Exercice de dessin : Grandes fleurs: Dans cet exercice, nous allons nous entraîner à dessiner ces fleurs de héros luxuriantes avec beaucoup de pétales et en quelques variations. Le type de fleur que je vais vous montrer dans cet exercice, peut être dessiné avec la même base et la même structure, mais ensuite varié, par exemple, scènes directement d'en haut comme ceci ou de côté. abord, laissez-moi vous montrer comment vous pouvez dessiner ces scènes de fleurs de droite en haut, sans aucun angle ni quoi que ce soit et le principe est en fait le même que vous les dessinez. Vous pouvez varier un peu la taille de ce centre et vous pouvez varier l'apparence des pétales, s'ils sont étroits, ou larges, ou pointillés bords et ainsi de suite. Essayons d'abord celui-ci, qui pourrait être comme un chrysanthème ou quelque chose peut-être. La première étape que je fais toujours est de faire les lignes directionnelles, donc cette fois il s'agit de marquer la taille de la fleur. Ce sont les limites extérieures de celui-ci et puis je marque le centre, donc ce centre est assez grand et donc les pétales ici sont assez étroits et ils sortent du centre, mais ils sont variés un peu de sorte que vous pouvez créer eux un peu plié et face à des directions différentes, juste pour créer une certaine variation, et voici même un peu de chiffre d'affaires. Il suffit de faire ces petites lignes de guidage et si vous le souhaitez, vous pouvez les affiner et voir si vous pouvez créer une variation dès le début et peut-être que vous voulez en avoir une qui soit courbée un peu comme ça. Ensuite, vous commencez à affiner ces petits pétales étroits, sorte qu'ils sont un peu plus étroits au centre ou vers eux, ils commencent au bas du pétale et ensuite ils deviennent un peu plus larges en haut. Il suffit de les esquisser d'abord [inaudible] et vous pouvez les ajuster un peu, peut-être que certains d'entre eux sont plus courts qu'il ne devrait être plus long. Lorsque vous êtes satisfait de la forme de vos pétales, vous allez dans et dessinez une deuxième couche comme celle-ci. Ici, nous avons une deuxième couche de pétales et encore une fois, je conseille de commencer par quelques lignes de guidage parce que c'est plus amusant et il est juste plus facile de s'assurer que vous créez des variations et ajoutez un peu de corps à ces pétales aussi. Toujours quand vous dessinez comme ça, plissez vos yeux de temps en temps et voyez comment tout se sent. Ensuite, lorsque vous avez tous les pétales en place, vous pouvez entrer et ajouter certaines de ces étamines ou détails centrés, jouer avec quelques formes. C' est le chrysanthème avec des pétales étroits vus de haut en haut. Maintenant, si nous pouvions dessiner ça du côté comme vu un peu avec un angle, nous commençons par une ellipse ici à la place, et ensuite nous pouvons recommencer avec quelques lignes directionnelles pour ces petits pétales, juste les rendre vraiment basiques au début et puis ici, ils arrivent comme ça et vous pouvez les modifier avec des directions différentes pour les pétales une fois que vous vous êtes installé avec celui-ci. Ensuite, vous pouvez commencer à leur donner une certaine forme, ces petits pétales. Cette fleur est assez amusante à dessiner, et après avoir dessiné celui-ci quelques fois, vous aurez le coup de lui et vous pouvez commencer à expérimenter. Ensuite, nous pouvons ajouter une autre couche intérieure de pétales, donc ici nous pouvons juste entrer et dessiner un peu plus. Ensuite, nous avons besoin de pétales extérieurs, sauf si vous voulez avoir ce bourgeon plus comme une fleur, mais ajoutons quelques pétales extérieurs. Nous allons juste faire quelques lignes de guidage à nouveau et ici nous pouvons faire un peu de variation, peut-être, voici un qui est même retourné comme ça et en voici un autre comme ça et juste voir ce que vous pouvez créer avec des pétales de couche externe comme Eh bien. Alors entrez et donnez-leur un peu de corps aussi, peut-être que celui-ci peut avoir un chiffre d'affaires aussi. Une fois que vous commencez à dessiner des chiffres d'affaires comme ça, vous allez vouloir le faire tout le temps et nous allons faire quelques détails au centre ici et je vais juste rendre celui-ci un peu différent. Je dois toujours trouver de nouvelles façons de faire les choses. C' était le chrysanthème, alors vous pouvez ajouter des variations pour créer d'autres types de fleurs comme une pivoine peut-être, ou une tulipe, ou un autre type de fleur et ensuite vous faites varier les pétales, la façon dont les pétales ressemblent. Laissez-moi vous montrer comment vous pouvez dessiner une fleur qui a un peu plus larges pétales comme celui-ci, et vous voyez ici il y a d'autres couches de pétales qui se retournent comme ça. Au lieu d'avoir les pétales jetant un coup d'œil, tout droit comme ça pour que vous puissiez voir tout le centre, ici, c'est plus une fleur fermée alors voyons comment nous pouvons créer ça aussi. Encore une fois, commencez maintenant avec le premier cercle de guidage comme celui-ci, alors nous allons dessiner tous ceux qui sont replacés sur nos pétales à l'intérieur de ceci et ensuite nous allons faire quelques pétales externes qui sortent, à l'extérieur du cercle. Commençons à dessiner la première couche de pétales et c'est en fait celui-ci ici. Vous commencez avec un pétale quelque part et c'est votre point de départ, puis vous pouvez commencer à construire sur cela en ajoutant plus de pétales. Voici la première couche de pétales et maintenant nous pouvons apporter un autre calque à l'intérieur, donc vous ajoutez quelques calques ici à l'intérieur, différentes formes et tailles, et maintenant nous allons ajouter un autre calque en dehors de celui-ci mais nous allons rester à l'intérieur de ce cercle plus ou moins, mais nous allons ajouter un peu d'un autre pétale retourné, qui se croise dans cette première couche que nous venons de créer. Effacons ces lignes, et certaines sont plus grandes, là, maintenant il devient vraiment luxuriant. Maintenant, la prochaine et la dernière couche de pétales sort donc je vais juste rendre ça vraiment rugueux juste pour vous montrer comment vous ajoutez ça. Ensuite, vous pouvez réellement ajouter quelques chiffres d'affaires sur ces gars aussi, juste pour créer une variation, donc comme je l'ai fait ici. Ici, vous avez un peu de chiffre d'affaires là-bas et ici. Lorsque vous remplissez ces lignes ici, vous pouvez affiner un peu vos pétales et ensuite vous pouvez également ajouter ces lignes texturées, celles-ci ici, qui donnent aux fleurs un peu plus de profondeur et un peu d'ombre, et ensuite vous pouvez terminer avec quelques détails du centre. Vous construisez le pétale de fleur par pétale de l'intérieur, puis vers l'intérieur un peu, puis l'expansion avec quelques pétales extérieurs aussi. Ce type de fleur, vous pouvez également modifier un peu, varier en faisant des pétales épineux ou pointus à la place. Voici une autre version de dessin d'une fleur sur le côté, qui est celui-ci, donc celui-ci est assez facile, vous pouvez également faire un contour initial pour l'endroit où vous voulez que la fleur soit, puis vous commencez en bas avec un premier pétale, et puis vous construisez sur cela, et aussi essayer de faire une variation dans les pétales, sorte qu'ils vont dans des directions différentes, peut-être un peu incurvées comme ça, donc vous venez de construire dessus comme ça. vous vous approchez du haut, les pétales deviennent étroits et vous pouvez également ajouter lignes texturales et vous pouvez également ajouter quelques variations ici, comme, si vous avez des pétales qui sortent en bas, ici sont quelques lignes directrices et ici je veux avoir quelque chose qui est plus d'un retourné, un pétale avec un peu de rotation et peut-être la tige. Mais c'est tout droit du côté et c'est d'un peu d' angle aussi peu du côté et puis nous avons un peu droit de haut en haut. Maintenant, pour votre troisième exercice, je veux que vous expérimentiez avec ces fleurs, donc vous dessinez quelques d'entre eux de droite en haut, d'en haut comme ceci et certains avec un angle de côté et ensuite vous utilisez ce basique structure, où vous commencez avec le centre, puis construisez les pétales à partir de cela et varier les pétales avec quelques pétales incurvés différents, pétales épineux, étroit, et plus court et juste jouer avec elle et voir ce que vous pouvez venir avec. Ensuite, nous allons dessiner des fleurs plus simples et plus petites qui peuvent faire de grands contrastes avec ces grandes fleurs luxuriantes. 17. Exercice de dessin : Petites fleurs: Dans cette leçon, nous allons dessiner quelques petites fleurs qui peuvent être utilisées comme fleurs gratuites et aussi pour une couche de fond. Ces fleurs sont assez simples et basiques, mais très importantes car elles constituent les formes et les éléments de motif contrastés avec les fleurs de héros plus grandes et plus complexes, par exemple. contraste et la variation sont tout dans un bon design et surtout dans les modèles d'art et d'artisanat. Mais même si ces fleurs peuvent sembler basiques, elles peuvent aussi être variées de différentes façons. En ajoutant des détails spécifiques, nous pouvons les créer comme des versions simplifiées de plantes spécifiques comme myosotis et les marguerites, l'onagre et le pimpernel par exemple. Ces petites fleurs sont vraiment simples à dessiner, encore j'utilise des lignes directrices pour les rendre aussi soignées que possible, ce qui est très important lorsque vous créez des motifs stylisés. Ils ne sont pas censés avoir l'air grossier du tout. Ils sont assez symétriques, mais toujours avec un look dessiné à la main. Pour ces petits et minuscules qui pourraient être des oubliettes peut-être. Je commence toujours par un cercle pour décider de la taille de la fleur. Puis je dessine ce petit centre, je connais aussi la taille de ça. Pour ces quatre fleurs pétales, je dessine une croix et commence à façonner les petits pétales. Vraiment simple. Mais la clé ici comme je l'ai dit pour les rendre symétriques mais pas parfaits, ils ont besoin de regarder encore dessiné à la main, et aussi pour qu'ils soient répartis uniformément plus ou moins et aussi qu'ils soient la même longueur des pétales partout. Voilà pourquoi j'utilise ces lignes de guidage.Ensuite, vous pouvez créer plus de pétales. Celui-ci avait quatre pétales, mais ensuite je peux faire cinq pétales. Je vais à ce sujet de la même façon. Faisons en sorte qu'ils deviennent assez uniformes. Cette hache que vous pouvez voir a ces deux pétales latéraux sont en quelque sorte cachés derrière l'autre. Cela rappelle en fait un peu une violette je pense. Celui-ci est un peu plus grand, donc je fais un plus grand cercle. Encore une fois juste pour traverser maintenant je crée les pétales externes, les deux ici d'abord et puis je viens et les commence par derrière les autres. Voici une autre fleur de cinq pétales où j'ai créé les pétales de cette plus grande ou plus grande, plus longue. Ici, nous pouvons faire la même chose. Les limites extérieures d'abord et quelques lignes de guidage , puis ajouter certaines de ces petites feuilles supplémentaires qui sortent comme ça. Pour celui-ci, vous pouvez voir que c'est juste là que j'ai modifié le centre. Au lieu de faire ces petits points, j'ai fait un centre plus grand en fait. Les pétales peuvent être un peu plus courts peut-être. Créez ce centre croisé. Puis voici un autre petit gars drôle où vous avez un très grand centre. Je ne sais pas quel type de fleur c'est, une sorte de mini tournesol. Alors vous créez peut-être cette fois je vais créer six pétales et je le divise comme ça et juste des pétales vraiment courts cette fois. Aussi un moyen de varier les fleurs. Ce petit gars ici, aussi très décoratif. commençant par le centre et aussi je suis en train de marquer où les pétales doivent être, ce qui les rend distribués aussi symétriques que possible et même. Alors je fais juste ce petit pétales en forme de cœur à la place. Quand je les esquisse, je peux choisir ces contours extérieurs aller jusqu'au centre ou simplement les faire arrêter ici. C' est aussi un moyen de les faire varier. Vous pouvez ajouter ces petites marques d'ombrage au centre. Alors une variante pour celui-ci est ceci, qui je dirais est une fleur de marguerite. J' ai le centre et ensuite je fais quelques lignes de guidage pour mes pétales. Formez chaque pétale, mais faites-les avec ce type de bord extérieur en haut de chaque pétale. Ils peuvent être un peu incurvés et pliés chaque pétale pour faire quelques variations. Ensuite, nous avons ces petites étoiles. Ils sont vraiment simplifiés. Ici, je crée juste cette croix, crée un centre. Je pourrais aussi faire le contour juste pour m'assurer que je les ai assez uniformes et juste ajouter ces quatre pétales comme ça. Puis quand j'y vais, remplissez-les d'une fine doublure. Je peux affiner le bord et ensuite je peux aussi ajouter quelques détails sur les pétales comme ça. Alors celui-ci est si joli aussi. Un peu plus grand, plus grand centre qui a ce centre de grille très élégant très stylisé. Ensuite, vous pouvez ajouter des pétales comme ça. C' est un peu un tournesol. La caractéristique ici, outre le centre entrecroisé, sont ces lignes texturales ici. Alors allez-y et créez quelques petites fleurs comme celles-ci. Pour vous aider et vous guider, vous faites ces lignes de guidage pour les pétales où vous pouvez décider combien de pétales vous voulez. Vous pouvez en avoir quatre ou cinq, vous pouvez même avoir six pétales ou vous pouvez en avoir plus. Vous pouvez ajouter quelques détails supplémentaires comme ces feuilles ou, vous pouvez faire différents centres. Vous pouvez les faire petits ou moyens ou assez grands. Vous pouvez les faire avec des points ou croisés, ou que pouvez-vous trouver quand il s'agit d'ajouter variation et de venir avec quelques nouveaux détails décoratifs ici. Pour cet exercice, je veux que vous établissiez une autre branche ou utilisez l'une des structures de branche du classeur et ajoutez ces petites fleurs ici et là. Explorez et pratiquez comment vous pouvez créer des variations et ajouter des détails différents dans les pétales, ainsi que comment vous pouvez les distribuer dans une mise en page uniforme dans ces branches. Si vous le souhaitez, vous pouvez également ajouter quelques petites feuilles. Si vous voulez vous entraîner à dessiner plus d'exemples de feuilles et de fleurs, vous trouverez quelques exercices bonus à la toute fin de ce cours. Ensuite, je vais vous montrer le processus que j' utilise pour concevoir ce type de modèles. Rendez-vous dans la prochaine vidéo. 18. Planification de votre intention de modèle: D' accord. Il est temps d'être créatif. Dans cette leçon, nous allons planifier nos modèles et avoir un plan agréable et clair pour votre modèle. Toutes les autres étapes seront plus faciles, et vous serez plus intentionnel et concentré tout au long du processus de conception. Dans la section Projets et ressources de ce cours, vous trouverez un cahier d'exercices que j'ai créé ou vous pouvez écrire toutes les idées que vous venez avec et les décisions que vous prendrez. Alors téléchargez le PDF, imprimez-le si vous le souhaitez, et commençons. abord, décidons du type de surface ou de produit pour lequel vous allez concevoir. Cela déterminera la plupart des variables que vous devez prendre en compte pour créer votre motif, comme la taille et le format de votre répétition de motif et éventuellement le fichier d'impression. Savoir quel type de produit ou de surface vous allez concevoir, vous indique également le nombre de couleurs que vous pouvez utiliser et la quantité de détails, ainsi que les types de motifs, mises en page et de compositions qui fonctionneront mieux. Un exemple pour illustrer cela est la différence entre la conception d' un papier peint et la conception pour le tissu utilisé pour les vêtements, par exemple. Si vous voulez que votre motif soit pour un fond d'écran, il peut être directionnel, qu'il doit être visualisé à partir d'une direction spécifique. Si vous concevez pour le tissu, pour le quilting ou pour la mode, vous voudrez peut-être avoir un motif non directionnel qui peut être vu sous n'importe quel angle car cela le rendra plus utile et ne créera pas autant de répandre dans la prédiction. Vous voudrez peut-être aussi réfléchir à l'échelle. papiers peints peuvent avoir des motifs plus grands que les papiers fixes et les emballages, par exemple. Si vous voulez rendre votre modèle disponible pour la licence ou l'achat, par exemple, à une société de papier peint, vous devez vous assurer qu'il peut être utilisé pour différentes techniques d'impression qui sont utilisées pour le papier peint. S' il est imprimé numériquement, il n'y a pas de limite dans le nombre de couleurs et vous pouvez imprimer des dégradés et de très petits détails, et vous n'avez pas à considérer autant la taille et le format de répétition. Mais si elle doit être imprimée en gros volumes, vous devez utiliser les techniques d'impression traditionnelles pour être rentable. Techniques telles que l'impression de surface ou l'impression gravure. Ensuite, votre motif ne peut avoir jusqu'à six couleurs en plus de la couleur de fond, et la taille de répétition est de 53 fois 53 centimètres ou tout ce qui peut être divisé avec cela. Aussi, donnez un peu de réflexion au contexte. Cela faisait partie intégrante des créateurs d'art et d'artisanat et de leurs motifs et de l'art. Si vous voulez concevoir pour un papier peint, quelles règles conviendra-t-il ? Un papier peint pour une cuisine peut avoir besoin d'une expression différente de celle d'une chambre à coucher ou d'une chambre d'enfant. Cela peut affecter vos choix pour le thème, éléments de motif, l'échelle et les jeux de couleurs. suffit de penser à cela, le tissu pour la literie a un contexte très différent de celui du tissu pour un manteau. Ok, il est temps de prendre des mesures. Alors réfléchissez à quel type de produit et de surface vous allez concevoir et notez vos plans pour votre modèle dans le classeur. Lorsque vous avez une intention pour votre modèle, il est temps de commencer à remuer autour des thèmes. 19. Planification de vos thèmes de modèles: Un thème n'a pas à être complexe du tout. C' est juste une idée qui peut vous guider lorsque vous décidez du type de motifs à inclure dans votre motif. Il peut être aussi simple que le printemps, ou Pâques, ou les bois, ou les fleurs du jardin, ou il peut raconter une petite histoire. Prenez le voleur de fraises, par exemple par William Morris. Ce motif a été inspiré par les oiseaux de son jardin qui ne cessaient de voler ses fraises. Un thème peut également être une ode à quelqu'un que vous connaissez, ou que vous voulez vous souvenir, comme ses fleurs préférées ou un arbre spécifique. Ou des choses que vous associez à une situation ou à une mémoire spécifique. Avoir un thème vous aidera dans les prochaines étapes du processus. Par exemple, où chercher de l'inspiration et des matériaux de source. La seule chose à faire attention quand il s'agit de thèmes sont les thèmes saisonniers. Si vous concevez un fond d'écran ou quelque chose d'autre que vous ne changez pas fréquemment, vous ne voudrez peut-être pas avoir un thème d'Halloween ou de Noël. Il est temps d'agir à nouveau. Alors maintenant, prenez quelques minutes ou ce dont vous avez besoin, et remue-méninges autour de quelques thèmes pour votre modèle. Essayez de trouver au moins cinq thèmes et de les noter dans le cahier de travail. Maintenant, il est temps de réfléchir à quelques idées sur les motifs à inclure dans chacun de ces thèmes. 20. Planification des motifs de vos modèles: Dans cette leçon, nous allons faire un remue-méninges autour de certains objets et éléments , comme dans différentes plantes , arbres et fleurs, et peut-être des animaux qui constitueront les motifs de motifs, et construire et soutenir les thèmes que vous avez venir avec. Astuce ici est de ne pas s'arrêter aux idées de motif évidentes qui apparaissent tout de suite. Donnez-lui un peu plus de réflexion, car ce n'est pas toujours la première idée qui sera la meilleure. En fait, les premières idées sont souvent les clichés. Si vous creusez un peu plus profondément, vous trouverez quelque chose de nouveau et peut-être même mieux. Parfois, nous devons tuer nos chéris et sortir de nos références actuelles et développer afin de créer un chef-d'œuvre. Lorsque vous avez noté quelques idées de motifs pour chaque thème, je parie qu'il y en aura un qui vous parle plus que les autres, alors encerclez ce favori, celui sur lequel vous décidez, et sauvegardez les autres pour plus tard modèles, peut-être. Ensuite, nous allons planifier autour de la composition du motif. 21. Planification de votre composition de modèles: Dans cette leçon, nous allons planifier le type de composition que nos modèles auront. Mais d'abord décider quel type d'art et artisanat catégorie de modèle vous allez créer. Trailing, serpentine, défilé ou apparié. Mais pour cette première partie du cours, nous allons nous concentrer sur la catégorie de fin. Quand il s'agit de votre composition de motif, voulez-vous avoir un motif dense avec peu d'espace entre les motifs et peut-être avec des charges. Ou voulez-vous avoir une composition de pièces de rechange ? Voulez-vous avoir une ou deux couches ? Vous voulez avoir juste un ou deux types de plantes ou peut-être beaucoup, ou jeter dans un animal, par exemple, un oiseau ici et là ? Après avoir décidé de la composition de votre motif, jetez un second coup d'œil à vos motifs. Travailleront-ils pour la composition que vous voulez ? Y a-t-il assez d'éléments de motif, ou avez-vous besoin d'un peu plus ou moins ? Une astuce ici est d'utiliser au moins deux types différents de plantes qui créent de la variation et du contraste. Par exemple, deux types de feuilles, une plus grande et une plus petite, ou une avec des formes pointues oblongues, et une avec des formes plus arrondies, ou des fleurs. Une fleur plus grande avec beaucoup de détails, et une plus petite, plus simple. Vous pouvez bien sûr avoir plus de deux plantes et types de motifs, mais vous ne devriez probablement pas aller plus de quatre ou cinq. Si vous créez un motif avec deux calques, une bonne règle consiste à avoir un élément de motif plus grand et plus complexe dans le calque avant, et plus petit et plus simple dans le calque d'arrière-plan. Ensuite, il est temps de décider de quelle technique de coloration vous allez utiliser. Vous voulez le colorer numériquement dans votre ordinateur, ou sur votre iPad peut-être, ou le peindre avec de la gouache. Dans cette classe, nous allons colorier nos motifs et motifs numériquement. Vous pouvez ignorer cette étape aussi cette fois, et nous allons nous concentrer sur la coloration analogique dans une classe à venir. L' étape suivante consiste à rassembler inspiration et les matériaux de base pour quand nous allons commencer à dessiner nos motifs par exemple. Je vais en parler un peu dans la prochaine leçon. 22. Trouvez l'inspiration: Cette étape du processus de planification consiste à recueillir inspiration pour l'expression que vous voulez pour votre modèle d'art et d'artisanat. Il s'agit également de trouver des matériaux de base à utiliser pour dessiner nos motifs stylisés. Vous pouvez également utiliser ces images pour extraire des couleurs dans votre palette de couleurs ultérieurement. Voici quelques exemples de ce que vous pouvez faire pour trouver et recueillir de l'inspiration et des matériaux de base. Par exemple, sortez et prenez des photos de plantes, de feuilles et de fleurs. Si vous voulez utiliser des plantes qui ne poussent pas là où vous vivez, vous pouvez aller visiter un magasin de fleurs ou un jardin botanique, par exemple. Vous pouvez, bien sûr, également rechercher une des images de référence en ligne en utilisant Google et Pinterest ou regarder à travers des magazines et des livres. Un conseil est que si ce ne sont pas vos propres images, rassemblez une diversité d'images pour assurer que vous ne traquez pas ou ne copiez pas le travail de quelqu'un d'autre. Assurez-vous de créer votre propre version à partir de plusieurs sources d'images. Si vous le souhaitez, créez un tableau d'inspiration, vous pouvez, par exemple, extraire vos images dans un document Illustrator afin de les voir toutes côte à côte pour une vue d'ensemble et un accès facile. Ce tableau d'inspiration peut également être utilisé comme document de travail où vous créez plus tard votre palette de couleurs en tirant les couleurs de vos photos et images. Ce document et tableau d'inspiration, est également très pratique et facile à consulter lorsque nous commençons à dessiner les motifs de nos motifs. C' est ce que je veux que tu fasses maintenant. Rassemblez des images de choses qui représentent une expression que vous voulez pour votre motif. De plus, trouvez des plans pour photographier et collecter des images d'objets ou de plantes représentant les motifs que vous souhaitez inclure. Enfin, trouvez des éléments à photographier ou des images qui incluent couleurs que vous aimez et que vous souhaitez explorer ultérieurement pour votre jeu de couleurs de motif. Dans la leçon suivante, nous allons explorer un peu nos motifs de motifs afin que nous ayons quelque chose à choisir quand nous commençons à dessiner la vraie chose. 23. Explorer vos motifs: Vous pouvez bien sûr commencer à dessiner le dessin complet dès le [inaudible] mais je vous recommande vraiment de passer un peu de temps à pratiquer le dessin, les motifs que vous allez d' abord utiliser dans votre modèle et d'explorer quelques différentes façons de les représenter. C' est ce que vous pouvez faire. Dessinez trois à cinq versions de chaque motif, et essayez différents angles et revirements, et les détails des feuilles et des pagaies et centre sur les fleurs et ainsi de suite. Pour cela, vous pouvez utiliser les exercices de dessin d'avant pour vous guider. Ensuite, affinez chaque croquis plusieurs fois et essayez de nouvelles façons de dessiner chacun d'eux. Pensez à la façon dont vous pouvez simplifier certaines parties et comment exagérer d'autres, puis choisissez les versions que vous pensez fonctionner le mieux et mettez les autres de côté, vous pouvez les utiliser plus tard peut-être ou une autre fois. Une fois que vous avez trouvé les meilleures versions pour vos motifs, il sera plus facile de créer et de dessiner la répétition composée. Ensuite, nous allons créer une structure de motif et l'épine dorsale de nos modèles. 24. Rédiger la structure de répétitions: [ MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons rédiger le cadre et la structure de nos modèles en utilisant le truc Post-It que j'ai appris de mon collègue designer suédois, [inaudible]. Voici un motif d'art et d'artisanat à la traîne que j'ai fait et comme vous pouvez le voir, il a deux couches. Une couche de premier plan avec des fleurs détaillées plus grandes, feuilles, des branches ou des tiges dans ce cas. Ensuite, il y a une couche de fond avec petits ajustements bouclés simplifiés et de minuscules fleurs tulipées. Maintenant, je vais vous montrer comment j'ai construit ce modèle. La première étape consiste à ébaucher la structure de répétition globale et la disposition des motifs de la couche de premier plan. Cette étape est importante pour obtenir un aperçu de la distribution des motifs et du flux global du motif. C' est là que nous allons utiliser les notes post-it. Je vais utiliser ma boîte lumineuse ici. Je pense que ce sera plus facile pour toi de voir ce que je fais quand je commencerai à dessiner sur mes notes post-it. J' aime placer mes notes sur un morceau de papier d'impression ordinaire. C' est juste un papier d'impression A4 ordinaire. Vous aurez besoin d'une pile de notes Post-it, juste des notes ordinaires, un crayon et, certainement une gomme. Vous aurez besoin d'une règle et vous aurez besoin d'un revêtement fin noir. Si vous n'avez pas de boîte lumineuse comme celle-ci, vous n'en avez pas vraiment besoin pour cette étape parce que les notes Post-It sont assez visibles, donc vous vous en sortirez sans une. Nous allons créer une répétition directe. Puisque nous voyons des notes de post-it carrées, leur répétition va également être quadrillé, ce qui est en fait assez bon pour la conception par exemple, papier peint et tissu, où vous avez souvent besoin d'une boîte de répétition carrée. Mais vous pouvez aussi prendre deux notes à la fois comme ça. Ensuite, coupez-les en deux afin que vous ayez quatre hautes notes rectangulaires à la place. Ensuite, vous les utilisez, alors votre répétition sera grande rectangulaire. Cela vous aide à créer un type d' impression différent pour votre répétition ou pour votre composition de motif. Mais alors vous pouvez créer une répétition carrée en utilisant ceux-ci en combinant deux d'entre eux l'un à côté de l'autre. Vous obtiendrez une répétition carrée mais avec un double design. Commençons par ici. Je vais prendre mon premier mot et le placer quelque part comme ça. Je recommande vraiment maintenant quand vous commencez avec votre premier modèle comme celui-ci, aller vraiment simple, ne pas exagérer ou créer trop de motifs ou trop complexes ou trop petits. Alors allez assez gros la première fois définitivement. C' est ce que j'ai fait avec mon modèle de tulipe aussi. Je vais vous montrer comment le faire pour le rendre aussi simple que possible pour la première fois. Ensuite, vous pouvez évoluer et construire et créer des motifs de plus en plus complexes et détaillés et combiner plus de motifs et peut-être utiliser plus de types de plantes au premier plan et ainsi de suite. Pour celui-ci, je vais juste créer ce premier plan avec les tulipes. Vous pouvez commencer par distribuer et placer vos motifs principaux. Pour moi, ce serait placer les tulipes plus ou moins. Voyons voir. Je vais juste faire cette forme de tulipe stéréotypée ici. Dans cette étape, vous n'allez pas dessiner aucun détail ou quoi que ce soit. C' est juste la rédaction de la mise en page globale. Alors je vais avoir comme une tige qui descend comme ça et peut-être une par ici. Essayez de les affiner un peu pour que ce soit plus facile à voir à travers le papier. Maintenant, je vais prendre ma deuxième note post-it. Maintenant, je vais tracer celui-ci et créer exactement les mêmes lignes. Tu vas changer ça plusieurs fois avant d'avoir fini, je te le promets. Là donc maintenant, nous avons la première structure globale. Maintenant, continuons à placer la deuxième fleur. Je vais en avoir un, qui relie ces deux-là. Alors je pourrais placer quelques feuilles ici aussi. Je vais en avoir une qui s'étire tout le chemin ici et une autre là-bas. Voyons voir. Je pense que celui-ci doit monter un peu comme ça parce qu'alors j'en voulais un autre comme ça. Maintenant, j'essaie juste de mettre des motifs différents. Je vais faire ces tulipes épineuses ou lobées. Ce sont juste des croquis très rugueux. Ils vont être affinés plusieurs fois avant que nous ayons fini ici. Quelque chose comme ça. Maintenant, j'ai besoin de tracer tout cela que j'ai maintenant dessiné pour qu'il soit répété sur chaque note de la même manière. Je vais commencer par celle-là. [ MUSIQUE] Ici, je peux voir que ceux-ci sont en conflit. C' est quelque chose que je dois considérer et peut-être changer après cela. Ici, celui-là, j'ai besoin de prendre cette note aussi. Passons à la suivante, tracez tout sur chaque note. Maintenant, j'ai un croquis général, et ici maintenant je peux voir si j'ai besoin de faire quelques ajustements. Comme ici, c'est un grand espace un peu vide, alors peut-être que je veux déplacer celui-ci un peu plus haut. Mais allons juste pour cela maintenant un exemple. Un carré représente la répétition, qui peut être dupliquée et répétée vers le haut, vers le bas sur les côtés pour créer le motif complet. Dans l'étape suivante, nous allons transférer cette structure que nous avons créée sur un plus grand morceau de papier où nous pouvons commencer à dessiner motifs et la répétition complète en profondeur et avec tous les détails. Pour faire ce transfert en douceur, nous devons trouver une section de cette structure globale où même les motifs sont aussi regroupés que possible et où nous pouvons collecter autant de motifs et d'éléments à l'intérieur d'un carré et où le moins possible des motifs sont suspendus sur les bords carrés. Si c'est le cas, nous devons trouver des endroits où nous pouvons facilement diviser les motifs, par exemple, dans la jonction entre les tiges et les feuilles. Maintenant, j'aime utiliser un liner fin et entrer et remplir les lignes. Certains de ces motifs ou un ensemble des motifs où je peux voir plus clairement maintenant où je peux dessiner ce nouveau carré optimal de répétition. [ MUSIQUE] Ensuite, je peux utiliser la pile postée et essayer de trouver ce carré où j'ai le moindre des motifs suspendus, et là je dessine un nouveau carré ou les limites répétées. Maintenant, j'ai besoin de prendre ma règle et de faire une grille qui va faciliter le transfert sur un plus gros morceau de papier. Divisez celui-ci en 16 carrés égaux. Maintenant, j'ai la structure de mon modèle initial prêt. Ce n'est qu'une ébauche. Je peux certainement voir que comme je le fais ma prochaine version de ceci, que vous verrez dans la prochaine leçon, je vais probablement faire quelques ajustements et cette fleur sera déplacée un peu juste pour m'assurer que je répartir les motifs plus uniformément et crée une meilleure harmonie et flux dans le motif. Au fur et à mesure que je suivrai toutes ces étapes jusqu'à ce que j'aie ma dernière répétition, je vais faire beaucoup de changements, redessiner et retravailler. Soyez prêt pour ça. C' était la technique affichée en utilisant une tuile carrée comme celle-ci. Passons à l'étape suivante où nous allons aborder ce niveau avec plus de détails et d'échelle. [ MUSIQUE] 25. Dessiner la couche d'avant-plan: Enfin, nous sommes arrivés à la partie où nous avons réellement conçu nos modèles et rédigé la répétition. Nous allons le faire d'une manière analogique traditionnelle, ce qui, je pense, est très approprié car nous concevons des modèles d'art et d'artisanat. Maintenant, je dois vous avertir un peu. Cette étape peut être un peu difficile les premières fois, mais mon conseil est de ne pas être trop accroché à la perfection car nous avons beaucoup d' occasions de corriger et de modifier des erreurs dans Illustrator et plus tard. Je vous encouragerai également à créer plusieurs essais, itérations, modifications et versions de votre conception de motif. abord, nous devons préparer le document sur lequel nous allons tirer notre répétition. Plus vous pouvez dessiner la conception de répétition de motif, mieux vous pouvez adapter suffisamment de détails à votre conception. Mais comme nous allons scanner les dessins que nous allons retirer, il doit être en mesure de tenir dans votre scanner. J' ai un grand scanner A3, donc je peux facilement utiliser un papier A3 et être capable de numériser cela dans son ensemble. Mais si vous avez un scanner plus petit, une astuce consiste à prendre deux petits papiers, par exemple deux A4 ou deux lettres et à les coller ensemble comme ça. Maintenant, nous allons couper ceci en carré pour correspondre à notre brouillon de structure de modèle posté. Le papier coupé doit être de cette taille de sorte que lorsqu'il est placé sur un papier de taille A3, par exemple, il y a une certaine marge autour de tous les côtés. Mesurez un carré, comme ça. Si vous utilisez le ruban adhésif ensemble des papiers, une astuce est de centrer les bords soudés et vous comprendrez pourquoi en un peu. Vous pouvez utiliser des ciseaux ou un coupe-rouleau comme celui-ci pour faire des bords vraiment droits et uniformes. Lorsque vous avez votre papier carré, tracez la même grille de 16 carrés que vous l'avez fait sur le brouillon d'affranchissement. Maintenant, en utilisant l'affranchissement comme référence, commencez à transférer les lignes de croquis de celui-ci vers le papier, carré par carré jusqu'à ce que nous ayons toute l'esquisse de la structure à plus grande échelle sur votre papier. Utilisez des lignes d'esquisse très légères et faciles à effacer au début. Ensuite, lorsque vous avez toute la structure en place, vous allez dans et dessinez des contours plus raffinés et détaillés de vos branches, feuilles, fleurs et autres motifs que vous avez dans votre plan de motif. Maintenant, vous pouvez référencer les explorations de motifs que nous avons faites pour que vous sachiez exactement comment dessiner vos motifs. Splissez vos yeux de temps en temps, et jetez un oeil d'ensemble aux motifs. Sont-ils bien distribués ou certains d'entre eux sont-ils trop proches les uns des autres ? Y a-t-il des espaces inégaux et vides ? Tout ce qui attire trop l'attention, vous pouvez maintenant éditer et redessiner jusqu'à ce que vous trouviez ce bon flux. De plus, ne dessinez pas les contours jusqu'aux bords, économisez environ un pouce. Lorsque vous le souhaitez, coupez le papier en quatre carrés de taille égale, et si vous avez un ruban adhésif ensemble et que vous avez centré les bords, vous pouvez maintenant facilement couper le ruban pour les séparer. Ensuite, changez les carrés autour comme ça afin qu'ils finissent dans les coins opposés et les collent à nouveau ensemble. Maintenant, dessinez les morceaux de motif manquants dans ces espaces vides au centre maintenant et connectez les contours et complétez tous les motifs bien que. Encore une fois, plisser les yeux et regarder le flux global de la répétition, et éditer, déplacer et redessiner des choses qui ne vous plaisent pas. Maintenant, il est temps d'affiner et de remplir ces contours avec un liner fin ou un pinceau fin. abord, séparer la bande ensemble, les carrés à nouveau, et les organiser dans le carré d'origine et de la bande ensemble à nouveau. Maintenant, prenez un nouveau morceau de grand papier et placez-le sur le dessus de votre dessin au crayon carré. Si vous avez une boîte lumineuse comme moi, il est vraiment utile dans cette étape. Mais vous pouvez également utiliser une fenêtre ici ou un calque. Maintenant, nous allons placer ce document aussi stratégique que possible. Dans mon cas, j'ai réussi à créer des motifs où il n'y a que de petites parties des motifs qui manquent sur certains signes, comme ces feuilles ici et ici, puis aussi la partie de la tige ici et ici. Lorsque nous traçons maintenant ces lignes, nous voulons faire des motifs aussi complets que possible. Si j'ai une certaine marge, je peux réellement étendre et dessiner ces parties dans des motifs complets. Cela va être beaucoup plus facile dans le processus d'édition. Idéalement, je placerais mon calque comme ça. Maintenant, j'ai la marge pour étendre la branche ici et cette feuille pour entendre, et ensuite la même chose avec cette partie de la feuille ici aussi. Mais parfois, le papier n'est pas assez grand pour le faire, et le motif s'étend bien au-delà pour pouvoir dessiner le motif complet à la fois. Maintenant, je vais faire semblant que c'est le cas pour moi aussi, je puisse vous montrer comment gérer ça plus tard. Je vais juste centrer mon journal comme ça. Cette partie de la feuille ne rentrera pas ici. Je devrai assembler ces deux pièces plus tard au lieu de faire une forme complète et fermée. Il est temps de commencer à écrire. Mais d'abord, marquez vos virages comme ça, et je vous montrerai pourquoi dans un peu de temps. Pour cela, je choisis mon préféré, un stylo à pinceau avec une pointe de pinceau très fine. C' est de pigma. Celui-ci crée une ligne plus dynamique et un peu plus épaisse. Une chose à considérer dès le début est, si vous voulez avoir une partie de votre motif dans différentes couleurs, par exemple, si je veux avoir ces contours de fleurs, puis le rouge foncé, puis les tiges, et peut-être les feuilles dans une autre couleur de contour. Ensuite, je dois m'assurer que ces contours ne se touchent pas, sinon nous allons devoir les diviser en calque dans Illustrator. Mais une autre astuce est de les tracer sur différents morceaux de papier. Sur ce papier, par exemple, je vais tracer les tiges et les feuilles peut-être, et d'autres détails peuvent être, et ensuite j'utiliserai un autre papier pour tracer mes fleurs, donc je vais juste commencer. Maintenant, je peux aussi dire que, je voudrais avoir les tiges et mes contours veineux de la même couleur, mais pas nécessairement le contour des feuilles de la même couleur. Donc je pourrais les tracer sur un papier différent. Vous devez planifier un peu à l'avance afin rendre votre flux de travail aussi fluide que possible. Ici, j'ai encré tous les contours des tiges et des contours des veines. Ce dont j'ai encore besoin, c'est de cette partie ici, j'ai besoin d'une houle ici. Pour le connecter, je veux dire, je pourrais écrire ceci ici et ensuite je devrais les connecter plus tard quand j'aurai tout numérisé. Mais une façon plus intelligente de le faire est de simplement déplacer ce papier une ligne avec les coins ici et maintenant aller dans et continuer à dessiner comme ça afin que je vais créer des contours complets tout de suite. Je peux maintenant prendre un autre morceau de papier, placer sur le dessus ici, et maintenant je vais dessiner des coins sur celui-ci aussi. Maintenant, je vais entrer et encrer les contours des feuilles pour les séparer. Je vais aller de l'avant et les encrerer, et ensuite je vais vous montrer comment je vais étendre cette feuille. Ce qu'il me reste ici maintenant, c'est de m'assurer que cette feuille sera entière. Voyons voir. Cette partie ici, je peux étendre dans cette zone au lieu de dessiner les bits là-bas. Pour ce faire, je vais le déplacer ici à la place, l' aligner avec les coins, et donc ici je peux continuer celui-ci ici et créer le motif de feuille complet comme celui-ci. J' ai cette petite pointe de la feuille ici, c'est la pointe de la feuille là aussi. Mais comme il atteindra en dehors des limites de mon journal, je ne vais pas le faire. Donc ce que je vais faire à la place est juste de remplir le bout de la feuille où elle est dans sa position, puis je vais vous montrer comment nous pouvons les relier ensuite. Il me reste les petites feuilles et aussi les fleurs. Voyons voir sur quel papier ce serait bon à utiliser. Je pense que le papier à feuilles serait parfait. Maintenant, je veux avoir des lignes de texture ou des lignes d'ombrage sur les pétales de fleurs et aussi sur les feuilles un peu. Je pense en fait que les lignes sur les feuilles feront partie des contours des veines. Mais pour les lignes de texture florale, je vais les dessiner ici. Un peu de détails supplémentaires comme celui-ci est ce qui fait parfois la grande différence dans le motif. Maintenant, je vais au crayon d'abord mes nerfs ici sur les feuilles juste pour m'assurer que je ne le fais pas ou quelque chose comme ça. Je pense que j'ai trouvé ça sympa de prendre ces nerfs. Maintenant, je vais juste les remplir aussi. Maintenant, j'ai rempli tout ce dont j'ai besoin ici. J' ai mes branches ou les tiges, dans ce cas, avec les veines, les nerfs, et aussi quelques lignes d'ombrage pour les fleurs. Puis ici, j'ai les contours des fleurs et des feuilles. Ma couche frontale est maintenant prête à être scannée. Donc, je vais mettre ceci de côté, et la prochaine leçon nous allons prendre sur la couche d'arrière-plan. 26. Dessiner le calque d'arrière-plan: Pour le calque d'arrière-plan, nous procédons de la même manière qu'avec le calque de premier plan. Commencez par préparer un grand papier carré comme avant. Vous pouvez maintenant dessiner le calque d'arrière-plan en couvrant tout l'espace. Ensuite, vous n'avez pas à prendre en compte les motifs du calque de premier plan. Vous pouvez également dessiner des motifs uniquement dans les espaces vides entre les motifs du calque de premier plan. Vous pouvez même dessiner des motifs où certains des motifs de fond entrelacent avec des branches de premier plan venant derrière ou devant, en fonction du type de plantes que vous avez choisi, bien sûr. Si vous choisissez ce type d'arrière-plan, vous devez utiliser les dessins de premier plan pour vous montrer où dessiner. Pour mon motif, je vais faire ces deux types de calques d'arrière-plan pour vous montrer comment les faire. Je vais en faire un avec, très petits et simples motifs de brindilles et de fleurs qui couvriront tout le papier. Une seconde où je dessine des branches et des feuilles et de petites fleurs qui s'entrelaceront avec une couche de premier plan motifs. Je vais commencer par une version simple. Encore une fois, laissez les bords, parce que lorsque vous avez couvert le papier avec vos motifs, vous le coupez en quatre morceaux comme avant, les changez et collés ensemble et dessinez des motifs dans les sections vides et au centre, compléter et relier les motifs. Pour mon autre dessin d'arrière-plan, j'ai refait ma boîte lumineuse, et maintenant j'utilise mes dessins de premier plan et je place mon papier d'arrière-plan sur le dessus, en s'alignant sur les coins. Maintenant, je peux voir où dessiner pour le faire correspondre avec un motif de premier plan. Je vais faire en sorte que certaines branches d'arrière-plan croisent les étapes ici. Alors je ferai le même processus avec celui-ci que l'autre. Couper en quatre commutation, remplir les centres vides pour compléter les motifs. Lorsque vous avez terminé votre dessin au crayon de fond, prenez un nouveau gros morceau de papier et tracez-la avec un revêtement fin. Encore une fois, faites croiser les motifs sur les bords du carré afin de les rendre complets si possible. Ensuite, nous allons apporter le premier plan et les calques d'arrière-plan, les dessins encrés dans Illustrator et les numériser. 27. Numériser et vectoriser votre design: Dans cette leçon, nous allons intégrer notre design répétitif dans Illustrator et le transformer en version numérisée. La première chose que nous allons faire est de scanner nos dessins répétitifs encrés. J' ai un scanner A3, donc je peux scanner tout le dessin tel quel en une seule pièce. Mais si vous avez un scanner plus petit, vous pouvez couper votre dessin en deux morceaux et numériser séparément. Si vous n'avez pas de scanner, vous pouvez essayer de prendre une photo de vos dessins avec un appareil photo ou votre appareil photo mobile, assurez-vous juste qu'il a vraiment un bon éclairage et pas d'ombre, et aussi de ne pas fausser l'image. Ici, j'ai placé un de mes dessins de couche de premier plan sur mon scanner à plat. Comme vous pouvez le voir, mon interface en suédois, mais je traduirai au fur et à mesure. Vous pouvez faire quelques réglages ici pour optimiser l'analyse. abord, il sélectionne « Noir & Blanc » et « 300 DPI » pour obtenir une bonne résolution et que l'analyse enregistre suffisamment de données dans votre dessin. Ensuite, dans la zone appelée scan pour vous choisissez ou créez un dossier où vous voulez enregistrer votre analyse. Je vais en créer un nouveau qui s'appelle les fleurs traînantes. Ensuite, nous nommons notre scan et j'appellerai mon scan de fin, car le format JPEG est très bien. Ensuite, ici à la correction de l'image, vous cliquez sur les flèches et sélectionnez « Manuel ». Ici, vous pouvez jouer avec les poignées de luminosité et de contraste pour rendre une image aussi nette et claire que possible. Pour celui-ci, je vais prendre la luminosité tout le chemin et le contraste vers le haut, ce qui rendra les lignes très définies et un peu plus épaisses, et le fond complètement blanc. Cela va rendre plus facile pour Illustrator d'enregistrer correctement les lignes lorsque nous les vectorisons à l'aide de l'outil de trace ultérieurement. Maintenant, je dessine un chapiteau autour de mes illustrations et appuie sur « Scan ». Ensuite, je ferai de même avec tous mes dessins à l'encre pour le premier plan et les calques d'arrière-plan. L' étape suivante consiste à transformer ces illustrations numérisées en vecteurs dans Illustrator. Pour cela, je crée un nouveau document. Je vais le nommer fleur traînée. Je choisis ici une taille A3 et en commençant par millimètres, CMJN est bien et 300 DPI et cliquez sur « Créer ». Maintenant, je vais importer mes illustrations numérisées dans ce document. Je vais trouver mes numérisations dans le dossier, les sélectionner et les extraire dans mon document Illustrator comme celui-ci, et les placer pour que je puisse tous les voir. Maintenant, je vais les vectoriser en utilisant l'outil de trace d'image, qui est celui-ci que j'ai enregistré ici dans mes bons panneaux d'outils. Mais vous pouvez également le trouver sous « Fenêtre » et « Image Trace ». Je vais le faire d'abord, et je vais sélectionner l'outil « Image Trace » et ici nous devons faire quelques réglages aussi. Sous « Mode », choisissez « Noir et blanc ». Maintenant, nous allons jouer avec certaines de ces valeurs ici. Mais d'abord cliquez sur « Ignorer White » ici, et aussi prévisualiser. Ensuite, le seuil est la valeur de la quantité de données enregistrées à partir de votre image numérisée. Less permet à Illustrator d'enregistrer moins de données, ce qui entraîne des lignes plus minces et peut également entraîner des lacunes dans vos contours. Si la ligne du stylo est un peu mince, par exemple, plus s'enregistreront plus naturellement et rendront vos lignes plus épaisses. Je vais commencer par la valeur par défaut à 128 et voir à quoi cela ressemblera. Dans les chemins élevés, il gardera l'aspect de vos lignes plus proche de l'original avec plus de détails, mais rendra également le document beaucoup plus lourd. Faible simplifierait les lignes avec moins de données. Essayez de le garder comme un plus bas possible, mais toujours en gardant le look que vous voulez. Dans les coins, plus donnera aux lignes des bords et des coins plus nets, et moins les rendra plus doux. Je vais jouer avec ces jusqu'à ce que je trouve les niveaux que j'aime. Je pense que ça a l'air bien ici. Puisque je vais tracer plusieurs illustrations, je vais enregistrer ces paramètres comme préréglage habituel que je peux utiliser nouveau afin de ne pas avoir à jouer avec ces valeurs à nouveau. Je viens ici pour « Gérer les préréglages » et cliquez sur « Enregistrer en tant que nouveau préréglage ». Je vais nommer mes contours encrés, et cliquer sur « OK ». Maintenant, je peux accéder à cela dans les presets et l'utilisation de cela rend mon processus un peu plus lisse et plus rapide. Assurez-vous également que mes illustrations auront un aspect similaire. Ensuite, je dois aller à « Objet » et « Développer », pour développer et finaliser mes nouveaux contours vectorisés. Alors je vais aller de l'avant et faire la même chose à tous les autres. Ici, j'ai tous mes illustrations de premier plan et d'arrière-plan vectorisés et étendus. Ils sont toujours groupés et je vais le garder comme ça pour l'instant. Maintenant, nous allons faire un peu d'édition pour préparer nos motifs pour la coloration. 28. Éditer vos motifs: Bienvenue de retour. Dans cette leçon, nous allons éditer et préparer nos motifs pour les rendre prêts pour la coloration. abord, nous devons corriger les erreurs et peaufiner un peu nos contours. Après l'expansion, vos motifs seront regroupés et d'une certaine façon il est groupé deux fois. J' appuie deux fois sur Shift Command G pour dégrouper mes motifs. Je vais commencer par enlever les morceaux dont je n'ai pas besoin. Ce que je vais commencer par réparer toute erreur, et je peux voir que j'en ai un peu comme où j'ai glissé avec la doublure fine. Ici, par exemple, donc j'utilise mon outil Gomme et je vais juste ici et en supprimant certains des contours noirs. Ensuite, j'ai utilisé l'outil Lisser pour lisser certaines des lignes ici. Ensuite, si j'ai besoin d'ajouter un peu plus, je vais juste utiliser mon outil Pinceau Blob pour réparer cette jonction ici, par exemple. Maintenant, je vais aller de l'avant et peaufiner et corriger les erreurs pour toutes ces illustrations. Ma prochaine étape est de les assembler. Maintenant, je vais juste les aligner ensemble comme ça. Je vais colorer celui-ci rouge maintenant, donc ça va être plus facile pour moi de voir les différents éléments ici. Maintenant, je peux entrer et je vais sélectionner juste ce noir ici et voir si je peux bouger ça un peu. Mais, même si j'ai différents éléments de contour comme des lignes non séparées, si je les fais croiser, je ferai également une forme fermée si je les sélectionne ensemble. Mais ici, ça ne fera pas ça. Je vais y aller et arranger ça tout de suite. La meilleure façon de le faire est probablement d'utiliser l'outil Blog Brush et d'entrer et de dessiner une nouvelle ligne. Alors je vais effacer celui-là. Maintenant, si vous avez coupé des motifs parce que quand vous les avez dessinés, ils ne rentraient pas sur le même papier, comme sur ma pointe de feuille ici, il est temps de les fusionner ensemble. Je double-clique sur les contours noirs pour passer en mode isolement, puis je vais déplacer celui-ci ici, puis je vais sélectionner les deux et aller à Pathfinder et les fusionner ensemble comme ceci. Ensuite, je peux entrer avec l'outil Gomme. Maintenant, j'ai une forme fermée là aussi. Je vais les regrouper ensemble maintenant. Celui-ci fonctionne comme il est, mais celui-ci avec lequel j'ai besoin de faire un peu de travail. C' est assez compliqué en fait. abord, nous allons éloigner un peu mes autres groupes de motifs, donc je peux avoir plus d'espace pour celui-ci. Maintenant, je vais faire correspondre ces bords ici et aussi ces deux ici pour m'assurer que je peux répéter toute cette section sur les côtés et de haut en bas sans que ces motifs interférent les uns avec les autres. Je vais commencer par copier celui-ci ici, je peux voir où le faire correspondre parce que j'ai en fait dessiné quelques doubles ici. Je vais appuyer sur Maj pendant que je le déplace pour le garder droit, aligné verticalement, puis Option pour faire une copie. Je vais donner à celui-ci une couleur rouge, donc avec cela je peux distinguer les différents éléments plus facilement. Ensuite, la même chose pour celui-ci, et ici j'ai aussi quelques doubles, donc je vais juste l'aligner et appuyer sur Option pour faire une copie, et je vais le rendre rouge aussi. Je pense que je vais apporter cet original à l'avant. Maintenant, je vais éditer cette version originale noire et avec l'aide de ces copies pour juste m'assurer qu'elles s'alignent et ne se chevauchent pas. En zoomant ici, et je peux voir tout de suite qu'il y a des affrontements en cours ici. Je pense que je vais effacer celui-là. Cette petite courbe ici va être en bas. Cette pièce est en fait un peu redondante, donc je vais juste enlever ça. Mais celui-là, je veux passer de l'autre côté. Parce que je voulais aussi ajouter un peu de tige ici. Toutes mes petites fleurs ont une petite tige comme ça. Ce qu'on va devoir faire, et je reviens ici, je vais zoomer à nouveau. Ici, je peux voir que j'ai un autre double. Je pense que je vais juste garder celui en dessous. Ces deux-là, j'ai besoin de fusionner en quelque sorte Je pense que la façon la plus simple ici est de prendre celui-ci, et ensuite je vais le déplacer ici. Voyons si on peut fusionner ces deux-là ensemble. Ce que je vais faire ici, c'est juste effacer une partie de celui-ci. Ensuite, en sélectionnant les deux, puis en utilisant l'outil Pinceau blob, je peux les fusionner ensemble et en même temps fixer un peu la ligne. Celle-là s'est occupée. Je pense que je vais remonter tout ça. J' ai un espace vide ici dont je dois faire quelque chose. Alors je vais passer à cette partie. Je vais tester ça à nouveau pour voir à quoi ça ressemble. Je vais juste faire une autre copie ici sur cette nouvelle version éditée. Je peux voir que j'ai fait une erreur ici donc je vais double-cliquer et ensuite je vais juste effacer un peu celui-ci, aussi celui-ci est trop proche, donc je vais refaire ça. Sinon, je pense que ça a l'air bien. Je vais supprimer cette copie supplémentaire et ensuite je vais vérifier le côté gauche aussi, et je vais la colorer en jaune juste pour voir ce qui s'est passé ici. Dans ce coin, je pense que ça a l'air un peu vide. Je vais dessiner quelques brindilles supplémentaires pour remplir ça. On verra si ça marche à la fin. Ce calque d'arrière-plan est également fait. La prochaine étape que nous pouvons faire est de les simplifier pour réduire le nombre de points d'ancrage. Je vais zoomer assez près pour voir les lignes, puis je vais sélectionner ce groupe, et je vais appuyer sur la commande H pour cacher mes bords. Ensuite, je vais dans Objet > Chemin et simplifier, et cette fenêtre Paramètres apparaît. La valeur par défaut est 75 %. Il a simplifié toutes ces lignes et les a fait paraître un peu différents maintenant. Si je ramène cela un peu à 95 pour cent, cela va garder plus de ce look original, et je pense que cela fonctionne assez bien en fait. Ici, j'ai effectivement diminué mon nombre de points d'ancrage à la moitié, ce qui est vraiment génial. Je vais cliquer sur « OK » et garder ça. Maintenant, je vais aller de l'avant et faire la même chose avec les autres motifs aussi. J' ai mentionné que nous avons besoin d'avoir des formes fermées quelques fois maintenant. La raison en est que nous pouvons utiliser les outils Paint Seau et Shape Builder lorsque nous colorions nos motifs plus tard. Nous avons déjà pris soin de quelques motifs de coupure, mais j'ai encore un endroit que je dois réparer, qui est cette tige ici. Ce n'est pas encore fermé. La fin de cette tige ici va être au-dessus de cette fleur ici. Le haut de la fleur ici va vraiment m'aider à enfermer la forme de la tige. Je vais commencer par faire un carré de la même taille que le papier carré que j'ai dessiné ma répétition pour signer. Dans mon cas, c'était 26 centimètres, ce qui est 260 millimètres. Je vais lui donner un fond gris très clair ici. Alors je vais l'envoyer à l'arrière. Lorsque je crée ma répétition numérique, j'aime travailler en pixels. Maintenant que notre carré de répétition est mesuré à l'échelle réelle en millimètres, nous allons changer notre configuration de document ici et le changer en pixels à la place. Ensuite, sélectionnez le carré et vérifiez les mesures ici. Maintenant, arrondissons-les à des pixels pairs, et mémorisons les nombres. Pour moi, c'est 737, puis placez votre motif de calque avant sur le carré, et avec celui-ci sélectionné, cliquez avec le bouton droit de la souris et choisissez Transformer et Déplacer. Maintenant, nous allons copier celui-ci en dessous de l'original. Zéro pixels horizontalement, 737 pixels verticalement, puis appuyez sur Copier. Ici maintenant, je peux voir comment ils se chevauchent un peu. Je vais copier celui-là à tous les autres côtés aussi. J' ai besoin de déplacer ces gars ici, et ensuite je vais copier celui-ci à gauche. Voici le premier aperçu de nos modèles de premier plan. La première chose que je vais faire maintenant est de réparer la tige ici. Une autre chose que nous pouvons faire maintenant est de voir s'il y a des motifs qui ne sont pas répartis uniformément ou qu'il n'a pas l'air génial, mais je pense que les miens ont l'air assez bien. C' est mon motif original et c'est celui que je vais répéter plus tard. Maintenant, je vais zoomer et je vais en fait verrouiller mon carré d'arrière-plan. Maintenant, je vais zoomer ici et je vais dégrouper mon motif original, puis je vais aussi dégrouper celui-ci. Maintenant, je ne peux sélectionner que les contours rouges ici, ainsi que le haut noir de la fleur. Maintenant, j'ai ces pièces qui se chevauchent et je vais utiliser cet outil Shape Builder ici pour les couper. Je vais cliquer ici seulement sur la tige rouge, puis là-bas. Ensuite, j'appuie sur V pour mon outil Flèche noire, cliquez ailleurs pour désélectionner. Maintenant, je peux sélectionner à nouveau mes contours rouges et double-cliquer pour passer en mode d'isolement. Maintenant, je peux juste effacer ces petits morceaux. Maintenant, j'ai ce pixel vraiment propre, coupé exactement où le motif supérieur et le motif inférieur touche. C' était en fait ça. Je n'ai pas besoin de ça maintenant, et pas de ça maintenant. J' ai encore besoin de cette fleur ici pour garder cette forme fermée. Double-cliquez pour passer en mode d'isolement, puis je vais supprimer tous ces éléments. Je regrouperai ça juste au cas où. Maintenant, le premier plan et les motifs de fond sont prêts pour la coloration. Mais d'abord, nous devons aller jeter un oeil à la façon dont les créateurs d'art et d'artisanat ont travaillé avec la couleur, et ce qui constituera un schéma de couleurs inspiré des arts et de l'artisanat. Je te verrai dans la prochaine leçon. 29. Caractéristiques : Schémas de couleurs: [ MUSIQUE] William Morris et les designers Arts and Crafts ont été brillants dans création de couleurs magnifiques et harmonieuses. Dans cette leçon, nous allons examiner de plus près cette caractéristique importante. Tout d'abord, répondons à la question de combien de couleurs utiliser. Certains des motifs Arts and Crafts n'avaient qu'une seule couleur en deux ou trois tons, appelés motifs monochromatiques, mais la plupart des dessins avaient plusieurs couleurs. Maintenant, je vais te montrer quelque chose de vraiment cool. Il s'agit d'un dessin pour le motif Wreath de William Morris. Sur ce papier, il a exploré et documenté le schéma de couleurs de ce dessin, avec des notes à gauche du dessin où il a écrit les couleurs utilisées et les différents éléments du motif. Jetons un coup d'oeil à ce qu'il a fait ici. C' est ce que disent les notes. Il commence par quelque chose qu'il appelle le premier acanthe, en indiquant les couleurs utilisées pour cela. Jaune vert, qui est donné le numéro 1, puis l'ombre avec le numéro de couleur 2, puis son contour de la veine comme numéro 3, puis quelque chose qu'il appelle la tache de veine comme numéro 4, qui est le remplissage de la veine. J' adore ce terme « tache », alors utilisons-le aussi. Ensuite, nous avons un deuxième acanthe, avec une couleur qu'il appelle bleu vert, couleur numéro 5, puis l'ombre est la couleur numéro 6, le contour de la veine est la couleur numéro 3 à nouveau, sorte que la même couleur que les contours de la veine dans le premier acanthe. Puis la tache de la veine est la couleur numéro 5, ce bleu vert qu'il utilisait auparavant. Ensuite, il note les petites feuilles et les tiges, où la couleur de la tache est le numéro 7, et les veines sont de couleur numéro 3, même que sur les feuilles d'acanthe. Le fond et les contours des fleurs sont tous les deux donnés de la même couleur, numéro 8. Puis il continue avec les fleurs, où nous avons la fleur blanche et la tache blanche avec le numéro de couleur 17. Alors voici un saut en chiffres. On peut deviner qu'il a abordé cette couleur dans une étape ultérieure, peut-être. Le gris foncé dans la fleur blanche, qui sont les lignes sur les pétales, est donné le numéro 9, et le gris d'ombrage clair est le numéro 10. Les fleurs roses ont trois nuances de rose, numéro 11, 12 et 13. Les fleurs bleues ont également trois nuances de bleu, numéro 14, 15 et 16. Ensuite, il y a quelque chose qu'il a appelé les patrons des fleurs, qui je crois sont les centres des fleurs. Ici, les patrons des fleurs roses ont un fond blanc, qui est donné numéro 17, même que la tache des fleurs blanches. Le fond du centre de la fleur bleue est un numéro vert 9, donc le même que dans la première feuille d'acanthe. Ensuite, il y a quelque chose qu'il appelle l'empreinte des patrons, qui sont ces petits carrés du centre, et ils reçoivent le numéro de couleur 18. Donc, dans l'ensemble, cette conception a 18 couleurs, y compris le fond. Cette conception montre également une caractéristique très commune dans les motifs Arts and Crafts quand il s'agit de colorier, qui est que les contours sont souvent les mêmes que le fond. De cette façon, ils fusionnent bien ensemble et donnent au design un look sophistiqué, où il semble que les motifs n'ont même pas vraiment de contour. Avec un contour de couleur différente, le design aura une expression plus distincte, et peut-être croquante, mais aussi un peu plus désordonnée. Cette conception a beaucoup de couleurs différentes, 18. Est-ce typique pour les modèles d'art et d'artisanat, je me demande ? Regardons de plus près certains des motifs les plus emblématiques et voyons combien de couleurs ils ont. Commençons par le modèle Acanthus de William Morris. J' ai essayé d'en tirer les différentes couleurs, mais il y a un risque que je n'ai pas réussi à les identifier tous car cela dépend un peu de la qualité de l'image. Dans celui-ci, j'ai trouvé au moins 12 couleurs, mais il pourrait être plus. C' est Strawberry Thief, également de William Morris. Comparé à Acanthus, celui-ci a des couleurs plus vives, et il semble avoir plus de couleurs, je pense. Mais dans celui-ci, je ne pouvais trouver que 10 couleurs. Ce modèle de John Henry Dearle appelé Golden Lily semble également avoir beaucoup de couleurs, mais je n'ai trouvé que neuf. va de même pour Leicester aussi de Dearle et Blackthorn et Pimpernel de William Morris, qui semble être un modèle très dynamique. Je ne pouvais identifier que huit couleurs. Maintenant, c'est un grand schéma de couleurs, je dirais. en va de même avec Bird and Pomegranate. Celle-ci appelée Seaweed de Dearle a sept couleurs de ce que j'ai pu trouver. Willow, qui ne représente qu'une seule plante, a six couleurs, y compris le fond. Et Fruit ? Celui-ci doit avoir beaucoup de couleurs différentes. Il a au moins 11 couleurs, probablement une ou deux de plus. La conclusion est qu'un motif Arts and Crafts avec plusieurs couleurs varie généralement entre 6 et 18 couleurs. La plupart des schémas de couleurs ont quelques tons clairs et quelques tons sombres, puis plusieurs tons moyens ou couleurs différentes en cours d'utilisation. L' arrière-plan a souvent une couleur foncée, mais la plupart des motifs sont venus de plusieurs façons de couleurs. Cela pourrait, bien sûr, varier avec des fonds blancs ou crème, et certains même avec un fond de ton moyen, bien que cela semble un peu plus rare. Puisque les motifs Arts and Crafts représentent toujours la nature et différents types de plantes, il y a , bien sûr, beaucoup de verts, d'un gris vert frais, verts bleus, aux verts jaunes. Une autre couleur très typique est l'indigo dans différents tons et nuances. Dans la plupart des motifs, vous trouverez une touche de couleur vive, ce qui ajoute un ingrédient contrastant convaincant qui rend le motif intéressant et excitant et rend certains des motifs pop, mais jamais d'une certaine façon qu'il prend trop d'attention ou qu'il prend le contrôle du modèle. Trouver les bonnes combinaisons de couleurs pour un dessin est probablement la partie la plus difficile du processus. Le seul conseil ici est de pratiquer et d'essayer de nombreuses combinaisons différentes. Ensuite, nous allons créer une palette de couleurs pour nos motifs. [ MUSIQUE] 30. Créer votre schéma de couleurs: Il est temps de créer un jeu de couleurs et une polit pour votre motif. Prenez votre motif, répétez le dessin, et faisons quelques notes de la même façon que William Morris l'a fait pour le design Reef. Pour d'abord comprendre combien de couleurs ont besoin et aussi faire quelques suggestions pour les couleurs que vous voulez utiliser pour les différents motifs et ses éléments. Pour cela, vous pouvez utiliser à nouveau le classeur et trouver la page avec la liste des jeux de couleurs. Commencez par la couleur d'arrière-plan. Mon conseil est de commencer par un fond sombre ou clair. Un fond de ton moyen est quelque chose que vous pouvez jouer avec pour une deuxième ou une troisième couleur. Un fond clair est généralement plus ou moins une sorte de blanc cassé, couleur crème, ou vraiment un ton clair de jaune, rose ou bleu. Pour un fond sombre, vous pouvez, par exemple, choisir une couleur bleu foncé, gris, vert, brun ou pourquoi pas une couleur rouge foncé ? Pour mon motif, je choisis un vert foncé, qui sera la couleur numéro 1. Maintenant, décidons de la couleur du contour. Pour un fond clair, vous pouvez choisir le même que l'arrière-plan, ou plutôt un contour sombre, tout comme dans le motif de fruits. Pour un motif avec un fond sombre, les contours peuvent être les mêmes que l'arrière-plan, mais vous pouvez également expérimenter avec un ton encore plus sombre. Je vais utiliser la même couleur que mon fond afin couleur numéro 1 à nouveau, puis sur les motifs. Si vous avez un motif avec deux couches, commencez par le calque avant. Pour les feuilles, choisissez une couleur de base et peut-être une couleur d'ombre, puis une couleur pour la veine. Selon la veine, vous choisissez une couleur pour une veine contours et une pour la tache veineuse. De mes feuilles, j'aurai ce jaune vert pour ma base et un gris vert comme une nuance. Les contours veineux et les nerfs ont un vert légèrement plus vif que les contours généraux. Pour la tache veineuse et les branches, j'utiliserai un vert gris clair, puis j' attribuerai un nouveau numéro de couleur pour chaque nouvelle couleur que j'ajoute à mon schéma. Pour mes petites feuilles, j'utiliserai le même jaune vert pour la couleur de base et le même vert pour les nerfs que pour les grandes feuilles. Pour vos fleurs, vous pouvez choisir d'utiliser une couleur en deux ou trois nuances. Par exemple, pour la nuance de base de mes fleurs, j'utiliserai ce rouge clair, puis j'aurai un ton plus sombre de rouge comme couleur d'ombre. Ensuite, j'ai un rouge encore plus foncé pour mes lignes texturales. Lorsque vous avez terminé avec le calque de premier plan, faites la même chose avec les motifs du calque d'arrière-plan. Mes motifs de calque d'arrière-plan n'ont besoin que de deux couleurs. Une pour les petites brindilles bouclées et pour celles, j'utilise la même couleur que pour la tache veineuse et les branches. Pour les petites fleurs de tulipe, j'utilise une couleur crème. Rappelez-vous que vous pouvez réutiliser les couleurs et les nuances et les utiliser dans différents motifs. Une couleur utilisée pour une nuance dans la feuille peut être réutilisée pour le centre d'une fleur et ainsi de suite. Cela vous aidera à garder le nombre de couleurs vers le bas. Par exemple, mon nombre total de couleurs est neuf, y compris la couleur d'arrière-plan, et cela peut être trop, donc je dois peut-être réduire cela. Pour ce faire, je pourrais, par exemple, utiliser la même couleur pour les contours des veines et laisser des nerfs que pour les contours généraux. Je pourrais également réutiliser une couleur pour les petites fleurs dans la couche d'arrière-plan. Maintenant, allez-y et faites la même planification de couleurs pour savoir quelles couleurs vous avez besoin et combien. La prochaine étape est d'aller les trouver. Ici, vous pouvez utiliser les photos que vous avez prises ou les images inspirantes que vous avez recueillies. Une autre chose que vous pouvez faire est de mélanger vos propres couleurs à l'aide de guash ou aquarelle et de faire des nuances sur un papier que vous pouvez numériser une importation dans illustrator. Maintenant, allez dans votre tableau d'inspiration et créez autant de carrés que le nombre de couleurs que vous avez défini avec l'outil rectangle, puis doublez-les. Il est toujours bon d'avoir un peu plus pour jouer et comparer l'utilisation et les nuances. Maintenant, vous pouvez sélectionner un carré à la fois. Avec l'outil pipette, trouvez des couleurs et tendues dans ces photos et images qui peuvent fonctionner pour vos motifs. Vous pouvez ajuster les couleurs en double-cliquant sur le nuancier ici et cette fenêtre de réglage apparaîtra et où vous pouvez ajuster les couleurs un peu si vous le souhaitez, vous pouvez la rendre plus silencieuse ou plus claire et plus vive ou plus claire et plus foncée. Vous pouvez également trouver et choisir des couleurs ici dans le panneau des nuanciers. Jouez avec vos couleurs jusqu'à ce que vous ayez créé une palette de couleurs pour commencer au moins. Il n'a pas besoin d'être parfait pour l'instant et vous allez probablement le changer et l'ajuster plusieurs fois avant d'avoir terminé. Enregistrez vos couleurs en les sélectionnant toutes, puis cliquez sur le petit dossier ici. Cela permet d'enregistrer vos couleurs dans un groupe de couleurs ici dans votre panneau nuancier. Quand vous êtes prêt, passons à la leçon suivante où nous commencerons à colorier nos motifs. 31. Colorier votre design dans Illustrator: Dans cette leçon, nous allons ajouter de la couleur à nos motifs et aux motifs. Commençons par introduire nos palettes de couleurs dans ce document. Pour cela, nous devons revenir au tableau d'inspiration et enregistrer ce groupe de couleurs comme global afin que nous puissions y accéder et l'utiliser également dans d'autres documents. J' ai travaillé un peu plus sur mes couleurs et créé un groupe de couleurs supplémentaire que je veux utiliser. abord, je vais supprimer ces couleurs illustrées par défaut, donc je vais cliquer sur ce rouge ici, puis appuyer sur « Maj » et sur ce dernier ici pour les sélectionner toutes et ensuite les tirer vers le bas dans cette petite poubelle, et maintenant je vais enregistrer ces deux couleurs groupes globaux en cliquant sur cette icône ici, puis enregistrez Swatch Library comme ASE, et je les nommerai fleurs de fin. Maintenant, quand je retourne à mon autre document, je peux cliquer sur cette icône aller à Open Swatch Library défini par l'utilisateur, et ici je peux sélectionner mon groupe de couleurs Fleurs Trailing, et cliquer sur les dossiers ici qui apparaîtront dans cette fenêtre contextuelle et, maintenant, ils seront accessibles dans mon panneau d'échantillons. Je vais garder ces couleurs par défaut parce que nous allons bientôt les utiliser, et je vais garder cet arrière-plan gris clair aussi pour l'instant, et aussi le garder verrouillé, et maintenant je vais commencer avec mes motifs de calque de premier plan. abord, je dois les organiser un peu et aussi donner chaque groupe de formes à l'intérieur d'une couleur unique. Parce que bientôt nous allons utiliser l'outil seau de peinture pour remplir ces formes avec de la couleur. Mais lorsque vous utilisez cet outil, vous devez tout développer par la suite, puis il sera regroupé d'une nouvelle manière. Afin d'organiser facilement à nouveau les contours, nous pouvons leur donner ces couleurs uniques afin qu'il soit facile de les regrouper à l'aide de l'outil de baguette magique. Mais je vais vous montrer les cordes pendant qu'on va. Je dégrouperai tout d'abord, juste pour avoir une ardoise propre. Je vais sélectionner tous les contours des fleurs et les regrouper et leur donner cette couleur orange. Ensuite, les contours de l'ombrage des fleurs et ils peuvent garder cette couleur rouge, et tous les contours des feuilles, que nous obtiendrons cette couleur bleue, puis la tige et les contours de la veine, et ils obtiendront cette couleur verte. Une autre chose que je veux faire est de créer une bordure ici et ici, où les tiges et les fleurs se rencontrent pour que je puisse créer des formes fermées pour les remplir avec des couleurs séparées. Je vais saisir l'outil de pinceau blob et lui donner une couleur jaune, puis je vais tracer une ligne entre les contours de la tige comme ceci, et maintenant je veux couper les extrémités qui se chevauchent de cette forme pour faire une forme propre. Je vais sélectionner la forme jaune et les contours de la tige, ainsi qu'avec l'outil de création de forme. Je clique et la partie centrale ici, désélectionnez, et maintenant vous pouvez supprimer ces deux parties d'extrémité, puis je vais faire la même chose sur l'autre tige, et pendant que nous y sommes, pourquoi ne pas nettoyer tous les contours qui se chevauchent avec l' outil de création de forme pour créer une forme propre partout. Maintenant, nous pouvons commencer à remplir ces formes avec des couleurs. Je vais tout sélectionner et sélectionner l'outil seau de peinture, et je vais commencer par mes feuilles. Je vais sélectionner ce jaune-vert ici et remuer pour remplir toutes les formes vides de mes feuilles, et m'assurer que j'obtiens toutes les formes séparées, puis je vais continuer avec les veines et les tiges, et maintenant grâce au contour de fleur supplémentaire ici au bas, et aussi les frontières supplémentaires ici aux fleurs. J' ai une forme fermée que je peux remplir. Maintenant, je vais continuer avec les fleurs, et maintenant quand tout est rempli, je dois les agrandir. Allez dans « Objet » et développez, et maintenant tous les objets que j'ai sélectionnés et les nouvelles formes que j'ai créées avec l'outil de compartiment sont regroupés deux fois. Je vais les dissocier, et puisque tout ce que je veux dans des groupes de couleurs séparés ont des couleurs dédiées. Maintenant, je peux utiliser l'outil de baguette magique apparaît, pour sélectionner tout avec la même couleur et les regrouper à nouveau. Ensuite, je veux ajouter un peu d'ombre à mes feuilles, et pour cela, je veux faire la moitié de ces grandes feuilles dans un gris vert foncé, et donc je vais diviser les grandes feuilles en deux moitiés. Je vais zoomer, et avec un outil de pinceau blob, je dessine une autre bordure jaune de la pointe de ce nerf jusqu'à l'apex de la feuille. Ensuite, je vais supprimer les morceaux qui se chevauchent en sélectionnant les contours des veines et des feuilles et la forme de bordure et les couper à l'aide d'un outil de création de forme à nouveau, puis je vais supprimer ces bits. Maintenant, je vais sélectionner à nouveau la forme de bordure et, cette base jaune-vert, et sélectionner l'outil porte-forme, puis, je vais choisir ce gris-vert ici dans ma palette de couleurs et dessiner sur la base, et la bordure, à la fois les unir et leur donner une nouvelle couleur en même temps, et puis je vais faire la même chose à mes autres feuilles agrandir. Une autre chose que j'ai besoin de prendre soin de ces formes de bordure que j'ai faites entre les tiges et les fleurs. Je vais sélectionner les formes jaunes et la tige et où l'outil de création de forme, je vais les fusionner ensemble. La prochaine chose que je vais faire est de donner de l'ombre à mes pétales, et pour cela, j'utiliserai l'outil de pinceau blob pour peindre dans ces nuances. Je vais sélectionner ce rouge moyen ici, et maintenant je vais peindre les contours de mes formes d'ombre. Ensuite, je vais sélectionner tous ces contours, et avec un outil de création de formes, je vais les remplir en dessinant avec mon curseur à travers eux tous comme ceci, et maintenant je vais regrouper ces formes d'ombre aussi. Mais maintenant, je ne vois plus mes contours d'ombrage de fleurs. Je vais sélectionner la couleur de base rose et la couleur d'ombre et aller dans « Objets » et envoyer vers l'arrière jusqu'à ce qu'ils apparaissent à nouveau. Maintenant, je vais donner mes formes de contour, les couleurs finales. Le vert foncé pour les contours des feuilles et des fleurs et cet autre vert pour les contours de la tige et de la veine, et enfin, le rouge foncé pour les lignes d'ombrage des fleurs. Mais maintenant, quand je regarde cela, je pense que ce serait vraiment super si les contours des fleurs ont aussi ce rouge foncé, et je veux aussi que tous les contours soient au-dessus des autres formes. Je vais sélectionner tous les groupes périphériques et les amener au front. C' était les motifs du calque de premier plan, et maintenant je vais donner des couleurs à mes motifs de calque d'arrière-plan, en utilisant les mêmes techniques et les mêmes outils, et je vais vous laisser me regarder pendant que je travaille. Ensuite, il est temps de transformer tout cela en une nuance de motifs numériques et de voir comment nos designs se sont avérés. 32. Créer le modèle final: Dans cette leçon, il est enfin temps de tout assembler et de créer la dernière répétition dans Illustrator et de voir comment nos motifs se révèlent. Nous avons fait beaucoup de préparatifs avec nos motifs de motifs déjà et même créé le carré de fond qui sera également la boîte de délimitation du motif. Mais il y a d'autres étapes d'édition que nous allons devoir faire dans cette leçon également. Mais d'abord, prenez des notes de ces mesures de votre carré ou rectangle d'arrière-plan parce que vous allez les utiliser maintenant. Je commence par déverrouiller ma place et placer mes motifs de premier plan dessus quelque part ici dans le coin supérieur gauche. Comme nous allons maintenant créer une répétition droite avec les motifs répétés droites horizontalement et droites verticalement, je vais faire des copies sur tous les côtés de ce carré. Avec elle sélectionnée, je vais cliquer avec le bouton droit , choisir Transformer et déplacer , et maintenant cette fenêtre de paramètres apparaît, et ici, je peux maintenant déplacer et faire une copie de mes motifs exactement au pixel, ce qui est nécessaire pour créer un répétez. Je vais commencer par faire une copie tout de suite. Dans mon cas, c'est zéro horizontalement et 737 pixels vers le bas verticalement. Si je voulais le déplacer vers le haut, je devrais le rendre négatif et entrer un moins avant ces chiffres et appuyer sur Copier. J' ai couvert ce côté gauche de la place, et maintenant je peux les sélectionner tous les deux et les copier ici de l'autre côté aussi. Avec les deux sélectionnés, je vais à nouveau cliquer avec le bouton droit de la souris, transformer , déplacer, et maintenant je veux les déplacer horizontalement vers la droite. Ici, je vais entrer 737 pixels. Mais si je voulais les déplacer vers la gauche, je devrais entrer un signe moins avant, et zéro verticalement et appuyer sur Copier. Maintenant, j'ai ma répétition au premier plan prête. Je vais chercher une de mes couches d'arrière-plan, et je vais commencer par celle-ci et voir si je peux trouver une place pour elle. Par ici, comme ça, je crois. Je vais les copier et les répéter comme avec le calque de premier plan afin que je puisse voir à quoi il ressemble aligné l'un à côté de l'autre. Je peux voir que j'ai quelques espaces vides ici et là et aussi que j'ai besoin d' éditer certains de mes motifs un peu plus pour les faire correspondre bien avec un motif de calque de premier plan. Je vais commencer ici pour remplir cet espace vide. Je vais double-cliquer pour passer en mode d'isolement. Maintenant, j'aimerais me déplacer autour de ces petites tiges, des feuilles, et des fleurs, mais elles sont toutes regroupées selon le type d'objet. Toutes les feuilles sont regroupées ensemble et tous les nerfs des feuilles et ainsi de suite. Maintenant, j'ai besoin de tout dissocier et de créer de nouveaux groupes avec des motifs complets à la place. Maintenant que j'ai tout groupé correctement, je peux aller dans et déplacer les motifs pour les placer entre les motifs de premier plan et créer une distribution meilleure et plus uniforme si nécessaire. Je peux aussi manipuler et ajuster certains motifs s'ils ne fonctionnent pas comme ils sont. Par exemple, je peux couper quelques feuilles avec l'outil gomme et le déplacer et le faire pivoter pour mieux s'adapter. Ensuite, je le connecte à nouveau à la tige en dessinant avec un outil de pinceau blob. Pour remplir ce grand espace vide ici, nous allons emprunter un autre motif ici. Je vais le copier ici et le réorganiser un peu. Je pense que je vais voir à quoi ça ressemble maintenant. Je pense que ça a l'air mieux, mais je pense que je dois travailler dessus plus bas sur toute la répétition ici. Je vais supprimer ces autres arrière-plans et copier cette version modifiée ci-dessous pour m'assurer que j'ai toutes les modifications lorsque je fais des ajustements ici aussi. Je double-clique sur le mode Isolation, et je continuerai à effectuer le même type d'ajustements. Je vais déplacer et copier certains motifs pour les réutiliser, et en déplacer certains, et en déplacer certains, supprimer des parties et en ajouter d'autres à l'aide de l'outil de pinceau blob. Parfois, lorsque vous déplacez un motif, il finit derrière un autre motif. Pour résoudre ce problème, vous pouvez sélectionner les deux motifs et aller dans le panneau Calques et trouver les motifs dans la liste. Comme ils sont sélectionnés, ils ont de petits carrés bleus à droite d'eux dans la liste. Ici, je peux trouver cette petite fleur et cliquer sur sa rangée, puis la faire glisser vers le haut et la placer au-dessus du motif de feuille, et cela amènera la fleur devant la feuille. Vous pouvez également dessiner un nouvel objet si vous ne trouvez pas d'autre objet à réutiliser. Je vais aller de l'avant et faire un peu plus de ces ajustements, remplir les espaces restants et faire quelques corrections ici et là, et être de retour dans une seconde. Maintenant, je vais double-cliquer pour sortir du mode d'isolement, et je veux faire des copies de mes motifs de calque d'arrière-plan sur tous les côtés, comme je l'ai fait avec des motifs de premier plan. Maintenant, il est temps de tester mon modèle pour voir comment ça marche. Pour créer une nuance de motif, je sélectionne mon arrière-plan carré, appuyez sur Commande C pour faire une copie, puis sur Commande B pour le coller derrière. fois qu'il est toujours sélectionné, je viendrai ici dans mon Nuancier et je ne donnerai pas de remplissage à cette copie, et je m'assurerai qu'elle n'a pas de trait non plus. Je vais tout sélectionner et le transférer à mon Nuancier comme ceci jusqu'à ce que je puisse voir une petite ligne bleue, puis je peux la laisser tomber. Maintenant, je vais dessiner un grand rectangle quelque part sur ma toile et le remplir avec mon motif et voilà. Voici le premier regard sur mon dessin d'art et d'artisanat de fin. Je pense que ça s'est avéré vraiment sympa. Mais il y a une autre chose cool que j'aimerais vous montrer sur celui-ci avant d'essayer mes autres motifs de fond. Dans certains endroits, ce serait vraiment bien si les branches de fond croisaient sur les grandes tiges de fleurs, comme ici, ici, ici, et ici. La façon la plus simple de le faire est d' effacer simplement la partie de la grande tige qui est en avant. Je dois sélectionner ce motif de calque avant ici et aller avec l'outil gomme et enlever ces pièces. Mais avant de le faire, je veux faire une copie de toute cette répétition et la placer ici puisque je veux ces motifs de premier plan pour mon autre fond, et ensuite je veux qu'ils soient intacts. Je vais chercher mon outil gomme et commencer. Je vais m'assurer d'effacer une marge comme si la petite tige avait aussi un contour. Cela le rend plus distinct, et puisque les branches de fond et la tache de tige sont les mêmes couleurs, elles fusionneraient simplement ensemble autrement. Je vais supprimer ces motifs avant et copier celui édité et maintenant nous allons voir à quoi cela ressemble. Je vais faire glisser ceci ici pour faire une nouvelle nuance de motifs, puis remplir mon rectangle avec le nouveau motif. J' aime vraiment ça. Maintenant, je vais essayer mon autre arrière-plan et créer un modèle avec ça aussi. Cela s'est avéré vraiment joli aussi. Mais avec un look et une expression complètement différents de la première. Lequel aimez-vous le mieux ? Mon préféré est celui-ci, et je pense que ce sont ces branches entrelacées qui l'ont fait. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment recolorier ce type de motif d'une manière efficace. 33. Recolorer votre motif: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment apporter les dernières modifications à vos couleurs de motif. La première chose que nous allons faire est de vérifier les couleurs dans le motif. Je vais utiliser celui-ci, mon préféré. Donc, ce que je veux faire maintenant est de voir exactement quelles couleurs et combien je me suis retrouvé avec. Un moyen facile de le faire est de sélectionner toute la structure de répétition. Ensuite, dans le panneau Nuancier, cliquez sur ce petit dossier pour créer un groupe de couleurs de tous les motifs et objets du motif. Maintenant, je peux voir les couleurs que j'ai utilisées et aussi les compter. J' ai donc fini par utiliser 12 couleurs. C' est un peu plus que ce que j'avais dans mon plan. Donc, si je voudrais diminuer les chiffres, par exemple, je pourrais enlever ce brun ici que j'ai utilisé pour les petits points dans ce petit centre de fleurs. Je peux aussi changer mon deuxième vert foncé que j'ai utilisé pour les contours des feuilles et aussi les petits nerfs des feuilles, et utiliser le même vert foncé que le fond de mon vert numéro un, rappelez-vous ? Donc, pour ce faire, je vais sélectionner mon rectangle de motif ici et cliquer sur l'outil de recoloring ici. C' est un outil très utile dans Illustrator. Il est assez sophistiqué avec beaucoup de fonctionnalités et il faut du temps pour se familiariser avec eux tous. Ici, j'ai toutes les couleurs dans mon motif. C' est ce brun et voici ce deuxième vert foncé. Je vais les échanger contre mon numéro un vert, qui est celui-ci. Maintenant, je vais tirer ce vert d'ici sur cette petite nuance brune sur la droite. Ensuite, je fais la même chose à ce deuxième vert. Maintenant, tout dans le modèle qui était brun et ce vert a maintenant changé pour mon vert numéro un. Je vais cliquer sur OK et maintenant il a enregistré une nouvelle version de mon modèle dans mon panneau nuancier. Maintenant, je peux vérifier à nouveau mes numéros en tirant ma répétition de motif de l'échantillon comme ceci, puis l'enregistrer comme un nouveau groupe de couleurs. Comme vous pouvez le voir, ce nouveau groupe a moins de couleurs que le précédent, donc j'ai réussi. Alors que faire si je veux changer la couleur de disons toutes les petites branches et feuilles de fond, sans changer la couleur du grand tampon Lacz aussi parce qu'ils ont la même couleur. Donc maintenant je ne peux pas recolorer le motif, mais si je vais à ma structure de motifs que je viens de retirer et maintenant il est groupé, donc je vais juste le détacher. Ensuite, je peux double-cliquer sur ce motif d'arrière-plan ici pour passer en mode d'isolement. Maintenant, je dessine un rectangle et le remplit avec une couleur que je voudrais changer ces motifs de feuilles et de branches en. Je vais essayer cette nouvelle couleur verte que je n'ai pas utilisée auparavant. Maintenant, je sélectionne tout, cliquez sur l'outil Recolor, et maintenant toutes les couleurs de ces motifs et le nouveau vert sont listés ici. Maintenant, je peux changer de place pour ce gris-vert clair dans mes branches et les feuilles et le nouveau vert. Ici, je peux voir à quoi il ressemble et si je veux le garder, je clique bien. Maintenant, cela ne crée pas un nouveau motif swot car ce n'était pas le modèle que je recoloriais. Donc, ce que je dois faire maintenant, c'est de copier à nouveau ce groupe de motifs modifié, et de créer une nouvelle nuance. Voici comment cela s'est avéré avec la nouvelle couleur verte. La bonne chose maintenant est que puisque les branches et les feuilles de fond ont maintenant une couleur unique qui n'existe nulle part ailleurs dans le motif, je peux aller dans et recolorer le motif à la place, si je voulais essayer de nouvelles couleurs pour ces branches et les feuilles. Vous pouvez bien sûr utiliser l'outil de recolor pour expérimenter de nouvelles combinaisons de couleurs de votre palette en utilisant cette fonctionnalité ici, qui va mélanger vos couleurs autour. Dans ce type de modèle complexe, bien que cela ne fonctionne généralement pas bien et obtenir des alternatives folles qui ne semblent pas très bonnes. Parfois, il peut vous donner une idée pour une nouvelle couleur, pour un motif, ou l'arrière-plan, par exemple. Une dernière astuce consiste à créer une nouvelle palette de couleurs et à l'enregistrer en tant que nouveau groupe de couleurs dans votre panneau de nuances, comme je l'ai fait ici. Important cependant, est de garder la même quantité de couleurs que vous avez dans votre palette de couleurs existante et de regrouper ici. Donc, avec mon rectangle de motif sélectionné ici, je vais cliquer sur l'outil de recolor à nouveau, et ici sur cette liste à droite, je peux cliquer sur mon groupe de couleurs maintenant alternatif, et il apparaît ici et a également recolored le motif avec lui. Maintenant, je peux les faire glisser et les changer pour trouver les positions que je veux. Quand je suis content, je peux cliquer d'accord et il a sauvé une nouvelle nuance de motifs pour moi avec la nouvelle palette de couleurs. Voici donc quelques conseils pour ajuster vos couleurs de motif dans votre nouveau motif d'art et d'artisanat fumant. Maintenant, allez à la leçon suivante où j'ai quelques mots pour vous. 34. Prochaine étape et note de fin: Nous arrivons à la fin de ce cours et j'espère que vous l'avez apprécié et appris beaucoup. Si vous souhaitez avoir encore plus de conseils dans le processus de conception de votre propre modèle d'art et d'artisanat à la traîne, j'ai créé un atelier de trois semaines par courriel en tant que compagnon, et l'extension de ce cours. Au cours de ces trois semaines, vous recevrez 10 e-mails, chacun avec des étapes pratiques et des ressources supplémentaires qui vous aideront à progresser dans votre processus de conception de votre modèle. Si vous souhaitez participer à l'atelier, vous trouverez un lien vers l'endroit où vous inscrire dans la boîte de ce cours ainsi que sur ma page de profil ici sur Skillshare, et sur mon site, bien sûr. Vous pouvez vous joindre à tout moment et aller à votre rythme. Lorsque vous vous inscrivez, vous obtiendrez également une version étendue du manuel Trailing Arts and Crafts Workbook dont vous aurez besoin et dont vous aurez besoin dans l'atelier. Avant de vous quitter, je tiens à vous encourager à créer un projet étudiant dans la section ressources et projets de ce cours et à partager avec moi et vos collègues le modèle d'art et d'artisanat que vous créez avec l'aide de ce que vous avez appris dans ce cours. Dans la section Projet, j'ai énuméré des suggestions sur ce que vous pouvez inclure dans votre projet. Vous y trouverez également le cahier d'exercices que j'ai créé pour ce cours. Autre chose : à la fin de chaque année, je sélectionne un étudiant parmi ceux qui ont terminé un projet de classe dans l'un de mes cours au cours de l'année, et qui recevra ma bourse Skillshare. Il s'agit d'une année gratuite de l'abonnement premium de partage de compétences. Si vous voulez vous connecter avec moi en dehors de Skillshare, vous pouvez rejoindre mon groupe Facebook appelé Pattern Design avec Barbel Dressler ou vous pouvez vous inscrire à ma newsletter et aussi me suivre sur Instagram @bearbellproductions. Vous trouverez plus d'informations sur la façon de l'appliquer à la bourse et tous mes liens sur ma page de profil ainsi que dans la section encadrée de ce cours. Un rappel, si vous ne pouvez pas obtenir assez d'exercices de dessin, vous trouverez ces exercices bonus juste après cette vidéo. Ces vidéos sont des tutoriels que j'ai partagés avec ma liste de diffusion comme bonus de préparation avant la publication de ce cours. La prochaine partie de cette série sur la création de motifs d'art et d' artisanat est sur Comment créer des motifs de serpentine. Gardez un oeil dehors pour celui-là aussi. D' accord, c'est tout pour cette fois. J' ai hâte de voir ce que vous faites. 35. Exercice de dessin bonus : La rose Tudor: Il y a, bien sûr, beaucoup de différents types de roses que nous pourrions dessiner. Mais c'était la rose sauvage ou la rose Tudor qui était la reine de toutes les roses dans les modèles d'art et d'artisanat. Comme pour la plupart des motifs d'art et d'artisanat, ces deux motifs étaient pour la plupart d'une manière assez simple et plate. Commençons par celui-ci, une version classique de la rose Tudor. Il a ces doubles ensembles de pétales, avec quelques petites feuilles entre chaque pétale. Comme vous pouvez le voir, ils sont très symétriques et très stylisés. La clé pour les dessiner est d'être très méthodique et de dessiner toutes les formes et lignes similaires ensemble par étapes. Laissez-moi vous montrer comment vous pouvez y arriver. Nous allons d'abord dessiner un cercle de guidage pour la forme extérieure. Ensuite, nous allons dessiner un autre cercle à l'intérieur de celui-ci. Si vous imaginez que voici le centre, alors vous pouvez faire la moitié de la distance entre le centre et la ligne extérieure, quelque part ici vous placerez le deuxième cercle, cercle central ainsi. Dans un art et l'artisanat rose, et dans le style médiéval, il y a toujours cinq pétales dans chaque ensemble de couches, donc nous devons diviser le cercle en cinq parties égales, à peu près comme ça. Ensuite aussi, faisons quelques lignes de guidage supplémentaires pour le cercle intérieur comme ça. Maintenant, il est temps de commencer à ajouter les formes aux pétales. On va commencer par les pétales à l'intérieur. La première chose que nous allons ajouter sont ces petites boucles ici ou les jonctions entre les petits pétales. On va le faire tout en même temps. Juste pour s'assurer qu'ils ont l'air symétriques, plus ou moins identiques. Ensuite, nous allons dessiner les coins des pétales, les coins arrondis ici, et vous faites la même chose pour chaque pétale. Ensuite, nous allons nous connecter à ceux-ci. Ensuite, nous allons connecter les petites jonctions avec les coins aussi. Dessiner les mêmes lignes et formes en même temps, nous commençons par toutes les jonctions, puis nous faisons les coins en même temps, puis nous les connectons. De cette façon, il est tellement plus facile de créer cette forme et cette ligne symétriques. Prochaine étape, je vais ajouter ces petits revirements stylisés à ces pétales. Maintenant, on va faire la même chose. Nous allons commencer par un virage le long de cette ligne de guidage ici, et nous allons faire la même forme à chaque pétale. Maintenant, nous allons faire le virage ou la courbe inverse comme ça. Il suffit de faire le tour de chaque pétale et de faire la même étape pour chacun. On ne va pas les dessiner à la main libre comme ça, parce que quand tu fais ça, ça ne va pas ressembler autant. La prochaine étape consiste à créer ces petites feuilles. Maintenant, comme avec presque n'importe quel motif classique et ses éléments de motif, vous utilisez cette ligne S. Donc, vous créez un contour qui est en forme de S. Ensuite, de l'autre côté, ce n'est qu'une courbe, une simple courbe. Vous pourriez aussi, bien sûr, faire une chose très symétrique ici comme ça, donc c'est à vous de décider. Mais vous pouvez toujours faire la ligne S, mais le faire de manière symétrique. L' étape suivante consiste à façonner les pétales extérieurs. On va commencer comme avec les pétales internes. Nous allons créer ces coins arrondis, et vous faites ça pour tous les pétales. Ensuite, au lieu de créer les pétales qui sont courbés de cette façon, en pointant vers le bord, nous créons une variation. Nous allons faire une courbe qui est orientée vers le centre à la place. Nous voulons toujours avoir des variations dans nos motifs, puis les connecter, les courbes, les côtés, et au centre. Alors on va faire ces petites feuilles. Alors on finira avec ces petits pistils. On a raté un détail, je vois maintenant. C' est cette ligne ici qui implique aussi un peu d'un chiffre d'affaires ou au moins une texture. Nous allons recommencer méthodiquement, faire toutes ces courbes, puis ajouter les courbes latérales. Donc c'est cette version. Ensuite, nous pouvons essayer celui-ci, ce qui nous donne également la variation des options de la façon de créer les pétales. Nous allons y arriver de la même façon méthodiquement. Commençons maintenant à façonner ces pétales. On va commencer par les courbes de ces petits pétales. Ensuite, connectons-les simplement au cercle central. L' étape suivante, maintenant nous allons aller directement aux pétales externes en fait, puis nous allons ajouter les détails plus tard, et nous allons faire la même chose qu'avant. Faisons les coins, les coins arrondis de chaque pétale. Comme vous pouvez le voir, nous allons maintenant faire une courbe qui est orientée vers le centre. Nous allons utiliser le cercle de ligne de guidage et ajouter cette petite courbe en dehors du cercle. Maintenant connectez toutes ces petites courbes. Ensuite, nous ferons quelques détails. Tout d'abord, nous allons faire ces petites feuilles, et ensuite nous allons faire un peu de texture ou d'ombrage aussi. Maintenant, ça ne sera pas si visible avec mes lignes de guidage. Mais je vais les faire comme ça, je pense que tu les verras. Ensuite, pour les pétales extérieurs plus grands, nous allons faire trois lignes comme ça pour créer un peu de texture. C' était quelques exemples sur la façon dont vous pouvez dessiner la rose médiévale stylisée Tudor. Maintenant, c'est ton tour. Allez-y et essayez de dessiner ceci, pratiquez-le quelques fois. Aussi utilisé comme inspiration pour des idées sur la façon dont vous pouvez varier les pétales et les centres et ainsi de suite. Puis allez-y et dessinez votre propre version de la rose Tudor. 36. Exercice de dessin bonus : La rose sauvage: Celui-ci est plus une représentation d'une rose sauvage. Il suffit de dessiner le cercle de guidage et le centre. Maintenant, nous allons faire quelques lignes de guidage pour les pédales. On va faire les bords arrondis. Ensuite, vous pouvez varier les pétales. Vous pouvez les faire pour qu'ils soient un peu plats ou qu'ils puissent être arrondis. Ils peuvent avoir une petite courbe supplémentaire comme ça. Ici, il peut aller plus libre et vous n'avez pas besoin d'être aussi méthodique que si vous créez quelque chose de symétrique. Celui-ci a un peu plus d'une forme organique à elle. Ensuite, la clé ici sont ces ombrage ou une ligne texturée qui leur donne ce caractère et la tromperie je pense que oui. Vous pouvez simplement aller de l'avant et ajouter une partie de cela et leur faire le destin venant dans des directions différentes et juste les rendre variées. Ensuite, nous pouvons faire une forme de S à celle-ci. Puis ici, j'ai créé un double qui sort. Tu peux le faire. Ensuite, nous en avons une qui est un peu ondulée. Quand je les fais, j'aime aussi faire des lignes directrices, sinon elles sont parfois assez difficiles à accomplir comme ça. Alors on en a une longue. Alors nous pouvons faire ça qui est un peu plus que lobé. Je vais en avoir un ici et celui qui va là-bas. Nous avons ces trois lobes et celui-ci est bien, il est un peu plus long que le premier. Ensuite, nous ferions les points à l'intérieur de ce centre. Allons vite sur celui-ci aussi. Voyons voir, je vais avoir besoin de plus d'espace ici, mais je ne vais pas avoir à le rendre si grand. Ce centre plus grand, faisons nos morceaux de gâteaux. Maintenant, quand nous créons ces pétales pointus, une pointe est de commencer à l'extérieur et de faire la forme S comme ceci. Ici, vous pouvez également être un peu plus méthodique, bien que l'objectif ici n'est pas d'être complètement symétrique. Il est juste plus facile de faire de belles formes si vous le faites de cette façon. J' ai trouvé au moins. Ensuite, vous les secouez, plus d'entre eux, et les faites se connecter avec ce cercle central. Pour ceux-ci, nous allons également ajouter quelques détails qui impliquent un peu un retournement des pédales, et celles-ci sont certainement très minces. Ensuite, nous ferons quelques pétales, et celui-ci sera divisé comme la langue d'un serpent. Ces petites roses ici, elles n'ont pas beaucoup de détails ou variations pour eux quand il s'agit de texture et d'ombre, mais quand nous créons des motifs et les incluons, nous les colorions et dans cette étape, nous ajouterions plus de détails. Nous créerions des lignes ou des formes supplémentaires comme celle-ci. Cela pourrait être une couleur blanche et le reste de la pédale serait dans une couleur rouge clair ou rose. Ensuite, je veux vous montrer comment dessiner des variations de cette rose sauvage, et c'est bien sûr de dessiner les différentes étapes de la rose d'un tout nouveau bourgeon à quelque chose qui a commencé à se dérouler un peu et puis nous avons Celui qui est juste prêt à éclater et à s'épanouir. Ceux-ci sont bien sûr deux stylisés, d'une manière très médiévale inspirée. La façon de dessiner ceci est d'abord frapper avec un cercle comme ça. C'est celui-là. Ensuite, ici vous ajoutez cette petite chose ici, puis suivez celui-ci et créez un joli petit virage comme celui-ci. Ensuite, entrez et créez des lobes. Ici, la clé est ce petit oeillet ici. C' est très caractéristique pour ce type de rose. Ensuite, nous avons un autre lobe qui arrive ici, et il monte comme ça, et n'est pas aussi loin que le côté gauche. Juste pour ajouter plus de variation et nous avons aussi la petite tige. Ici, nous pouvons ajouter un peu de texture aussi. Je n'ai pas fait ça pour celle-là, mais ce sera quelque chose comme ça. Le rend également si décoratif. Le prochain que nous allons faire, le milieu. C' est aussi très facile, et voyons si nous pouvons faire une variation qui n'est pas exactement comme celle-ci. Ça va tomber comme ça à la place, et ensuite on a ces petits oeillets ici. Commençons par ça, et nous avons ce centre. Maintenant, un peu funky. Le dernier, faisons ça aussi. Maintenant, je vais commencer par créer ce calice. Ensuite, nous avons le centre, et ici nous n'avons pas à faire les oeillets parce que ce n'est pas vraiment approprié pour les jonctions ici. Je vais faire un peu différemment. Ensuite, nous avons des pétales qui émergent, le centre. Pour ceux-ci, vous pouvez ajouter un peu de texture. Si vous le souhaitez, juste pour cet exercice, vous pouvez aller de l'avant et les remplir avec une doublure fine juste pour le plaisir. J' adore remplir avec une doublure fine et je sais que tu aimes me regarder le faire. Je devrais peut-être aller de l'avant et faire ça. Je vais faire ça pour ce petit gars ici au moins. Faites-vous assommer et amusez-vous à dessiner des roses. 37. Exercice de dessin en prime : Le feuillage des roses: D' autres éléments de la rose sont bien sûr, les branches et les feuilles. Ici vous pouvez voir un exemple d'ensemble. Je vais vous montrer comment les dessiner. Je vais commencer par la branche plus épaisse. Comme vous pouvez le voir, c'est assez simple en fait dans ses caractéristiques. Il a ces grandes épines ici et là. C' est pour moi un style très médiéval. Ensuite, nous avons ces branches coupées. Quelqu' un s'occupe de leur roseraie et les coupe au printemps, puis émerge de celle-ci. En fait, je pense juste, faire semblant que ce n'est pas ici, les hautes terres là-bas. C' est une erreur que j'ai faite. Bien, mais émergeant de cette branche principale plus épaisse, l'épine dorsale, est une autre branche qui est plus mince et qui se divise également en un feuillage ici. Ces branches ont juste des petites épines, juste des petites marques comme ça. J' aime vraiment ce détail en fait. Ensuite, à partir de ces branches plus minces, nous avons ces feuilles de rose caractéristique attachées. Ici et là, nous pouvons coller des roses et des bourgeons différents et ainsi de suite. Je vais te montrer comment dessiner ça. Commençons par cette épaisse branche avec les grandes épines. Faisons une ligne directionnelle. Je voulais l'avoir un peu irrégulier, donc je fais cette forme de S comme ça. Maintenant, je dessine l'épaisseur de la branche. Cela peut être même tout le chemin parce que dans un modèle de répétition, nous allons probablement juste avoir cela continuer au-dessus des frontières de la répétition. Je pense que c'est assez gentil et même. Maintenant, je veux avoir ces branches coupées et je pense qu'il est préférable de les faire dans les virages comme ça. Commencez par une jonction incurvée comme ça, puis une autre lisse comme celle-ci. La caractéristique de la fin ici est comme si vous le faites dans une forme de goutte comme ça. Alors, allons en avoir un autre ici. Il n'a pas l'air réaliste, est stylisé, mais c'est juste, il capture l'essence d'une coupe de branche, n'est-ce pas ? Continuons, alors vous faites cette courbe et une autre comme un bec d'oiseau presque. Elles sont exagérées, ces épines, grosses et vous ne voulez pas vous faire piquer par elles. Placez-les ici et là sur cette branche principale. Je veux avoir quelques branches plus minces qui sortent de cette principale. Je pense que c'est un endroit vraiment génial, donc je fais cette jonction arrondie. Je veux que celui-ci soit un peu à la traîne et qu'il arrive comme ça. Ensuite, nous allons en avoir un autre qui arrive comme ça et peut-être un petit qui sortira comme ça. Alors probablement un autre comme ça. Parce que vous voulez distribuer les branches les plus minces , puis lorsque vous attachez les feuilles dans une surface uniforme. Maintenant, on va lui donner un peu plus de corps. Ici, vous pouvez décider si vous vouliez venir derrière la branche principale ou devant. Je crois que je vais traverser devant. Quand vous avez ces jonctions fourchues ici, vous faites la même chose. Ces petites jonctions douces. Les feuilles de rose sont attachées aux branches par paires. Eh bien, d'abord, vous commencez par une feuille supérieure. Les feuilles de rose sont assez arrondies dans leur forme et avec une pointe pointue. Bien sûr qu'ils sont piquants, mais nous allons juste les placer maintenant et ensuite nous allons entrer avec les détails. Ensuite, nous avons une autre feuille qui arrive comme ça. Maintenant, ils sont placés par paires. Ceux-ci sont assez simples, ils ne sont pas trop vus de côté. Alors ici, vous pouvez les faire attachés vers le haut comme ça aussi, mais pour créer une variation, que puis-je faire pour les faire pointer vers le bas ? Placez quelques feuilles par paires comme ça et d'autres branches aussi bien. Bien sûr, n'oubliez pas de placer une rose ou un bourgeon dans différents stades de floraison ici et là aussi. Maintenant, nous allons faire les bords de Barbarie. Nous ne voulons pas qu'il soit réaliste, nous voulons qu'il soit stylisé. Une vraie feuille de rose a beaucoup de piqûres ou de points. Vous êtes sur le bord, mais nous ne le ferons pas parce que nous voulons simplifier et simplement capturer l'essence de ce à quoi ressemble une feuille de rose. Donc nous allons avoir des piqûres, mais seulement quelques uns. C' est le truc. On va faire comme quatre piqûres, peut-être cinq. Maintenant, nous avons les bords épineux, un autre détail que nous allons ajouter sont les nerfs du centre. Ils sont toujours plus ou moins courbés ou courbés comme ça. Maintenant, nous allons faire quelques détails supplémentaires. Comme deux ou trois, comme avec les piqûres, pas trop. Ce que vous pouvez faire maintenant est de simplement ajouter quelques feuilles, peut-être quelques branches, et quelques fleurs. Ensuite, lorsque vous finissez, vous pouvez ajouter certaines de ces petites épines le long de ces bords. C' est quelque chose que je ferais probablement quand je le remplirais avec mon fineliner noir ou ce stylo à pinceau que j'utilise. C' était donc les branches de rose et les feuilles. Maintenant, vous pouvez utiliser ces techniques et ces éléments et comment les dessiner et créer votre propre ensemble et pratique pour créer des motifs pour un motif de rose d'art et d'artisanat.