Amusez-vous, vendez : Plongez dans l'illustration commerciale

1. Bande-annonce: Quand je pense à l'illustration commerciale, je pense à des trucs. Donc, fondamentalement, c'est l'art qui va sur des choses ; pourrait être un gant de four ou il pourrait être une impression suspendue dans une maison. Ce projet, nous allons commencer là avec une impression. Je vais vous montrer un mémoire que j'ai reçu. Je vais vous montrer comment marcher à travers ce bref et le créer dans les moindres détails où, espérons-le, il se vendrait vraiment bien. J' aime la couleur, et j'aime les tendances, et j'aime faire de l'art amusant que les gens peuvent utiliser dans leur vie quotidienne. Je suis Amarilys Henderson, et je vous invite à plonger avec moi dans l'illustration commerciale. Rends ça amusant, fais-le vendre. 2. À propos de l'illustration: L' illustration commerciale est un marché énorme. C' est essentiellement tout ce que vous voyez de l'art. Donc, contrairement à l'illustration de livres pour enfants ou à l'illustration éditoriale, lorsque vous voyez des images dans un journal ou un magazine, illustration commerciale est l'art que vous voyez sur des choses. Le plus facile d'aller à, je peux penser, est de pointer les gens à cibler ou les magasins de décoration d'intérieur. Une grande partie de l'illustration que je crée serait utilisée dans ce type de cadre. Sur les cartes de vœux, sur les mitaines de four, sur les tasses, sur les sacs fourre-tout, ce genre de chose. Ils achèteraient l'art, mettaient sur tout ce dont ils ont besoin, quelle que soit l'intention qu'ils ont, et en gagneraient de l'argent. Votre part est seulement de créer l'art. 3. Aperçu du projet: Nous allons travailler sur un mémoire que j'ai reçu comme projet de classe. J' étais à une exposition d'art et j'ai eu un ami qui m'aide. Donc, dans mes lacunes, je peignais et j'avais reçu ce courriel de mon agence qu'ils cherchaient des affiches familiales. Alors j'ai commencé à travailler juste là au spectacle. J' ai créé ces quatre affiches qui sont destinées à accrocher ensemble, et c'est ce que j'utilise pour faire tourner notre projet de classe. Nous allons donc appeler ça notre mémoire de projet. Voici les détails. Nous allons créer une affiche ou un sous-verre. C' était l'option qui m'a été donnée, je te la donne. Nous ne créerons pas l'ensemble des quatre. Je pense que ce serait beaucoup à poser, mais gardez à l'esprit que nous allons vouloir que ces éléments soient incorporés dans un ensemble. Il devrait inclure une citation concernant la famille, et elle devrait être rédigée par vous, quelle que soit la citation qui est, et nous intégrerons un motif alimentaire et il y en aura plus tard. Les fournitures dont vous aurez besoin sont du papier à croquis ou même du papier à copier. Ensuite, vous aurez besoin de la surface sur laquelle vous allez peindre. Plusieurs d'entre eux, que ce soit à l'aquarelle, comme je le montrerai dans les démos ou n'importe quel support que vous voulez, et un ordinateur avec Photoshop, et vous utiliserez un scanner. 4. Faites votre recherche *Publier de projet: Donc la première chose que nous allons faire, c'est de faire nos recherches. Nous allons regarder des images que nous pouvons utiliser comme références, images qui nous inspirent, thèmes de couleur que nous aimons, et les compiler ensemble. La tentation est d'aller sur Google Images, mais je vais vous défier de vous rendre dans un magasin. La raison pour laquelle j'aime aller dans les magasins pour m'inspirer est parce que je sais que ce que je regarde semble bien, est en quelque sorte rentable, ou a assez promis à un fabricant qu'ils le créent. Je prends donc des instantanés de choses que j'aime, choses qui pourraient m'aider. Je les compile et les rassemble en quelque sorte pour amasser une idée. Vous pouvez le faire avec Pinterest. Vous pouvez le faire avec une vidéo avec des instantanés, mais nous voulons voir votre tableau d'humeur. Autant que possible, restez loin de Google Images, peut-être juste pour des photos de référence et donnez-nous une photo. Mettez votre premier post pour votre projet. 5. Tendance du concept clé: Un concept clé énorme d'une illustration est la tendance. Quand j'ai commencé à illustrer, j'ai combattu cette idée parce que je voulais faire ma propre chose et créer mon propre travail. Il y a une tension très réelle entre créer quelque chose de branché, quelque chose qui sera facilement ramassé par les masses. Parce qu'après tout, nous créons des œuvres d'art qui seront utilisées par les masses, et cette personne intermédiaire est le fabricant qui doit regarder votre travail et être en mesure d'acheter avec l'assurance que cela va bien se vendre, que c'est un bon investissement pour eux. Il y a ce côté et puis il y a l'autre côté de la tension de créer des œuvres d'art qui vous sont propres. Ce qu'on va faire, c'est qu'on va copier. Je sais que ça a l'air bizarre de dire. Je me souviens quand j'étais à l'école d'art et ce professeur, école d'art de première année, nous a donné ces exemples de dessins au charbon de bois de la Renaissance. Nous devions copier l'un d'eux à la lettre. Il avait besoin d'être copié et répliqué et je le détestais. Je me suis senti comme si j'étais enfin arrivé à l'école d'art et ici je suis copier un artiste quand j'étais si désireuse de découvrir qui j'étais en tant qu'artiste. Mais comme vous l'avez deviné, j'ai beaucoup appris. Maintenant je vais te le faire parce qu'il n'y a rien de tel que de voir quelque chose en le dessinant. Pour vraiment revenir sur les détails de ce que j'aime dans cette pièce et comment sont-ils arrivés à ce point ? Reprenez ces nuances et c'est ce qu'on va faire. 6. Exercice de tendance: Voici donc quelques exemples de quelque chose de super tendance, quelque chose qui a commencé à partir d'une sculpture de Robert Indiana. Cette sculpture « Love » a été reproduite de toutes les façons dont nous pouvions penser. Mais nous allons choisir parmi l'une de ces répliques et juste esquisser rapidement ce que vous voyez. Si vous n'aimez aucun de ces exemples, vous êtes les bienvenus sur Google. Nous prendrons cette structure de lettre d'amour et la dessinerons. Prenez certaines des nuances, certaines des choses que nous aimons que ces gens ont faites avec leurs morceaux, puis ajoutez à notre propre interprétation. Prenez seulement 10 minutes pour cet exercice, c'est un croquis rapide. On va commencer à se poser des questions comme, qu'ai-je appris ? Qu' ai-je aimé de la façon dont ils ont interprété ce mot « Amour » ? Qu' est-ce qui m'a rendu attrayant ? Vous allez choisir les couleurs, et juste toutes ces idées subtiles que vous pourrez ensuite appliquer à votre croquis, c'est tout à vous. 7. Sélectionner une nourriture: Quelque chose qui est très tendance en ce moment est la nourriture, surtout la répétition de ces images. Alors choisissez un aliment que ce soit cupcake, sushi, pizza, fruits, crème glacée, arachides, pois sucrés, tout type de nourriture qui est répétitif dans une mise en page semble juste très amusant et c'est très tendance. Je vais vous raconter une histoire de ce morceau que j'ai fait pour mon père. J' ai toujours été dans le dessin et je lui dessinais des cônes de crème glacée. ce jour, quand il me présente à de nouvelles personnes, il dit, « Tu sais, elle peut dessiner un cône de crème glacée très bien, depuis qu'elle était petite, elle me dessinait un cône de crème glacée, comme je le demandais », et je pense, « Ouais, papa, c'est ce que je fais pour vivre. Je dessine des cônes de crème glacée. » Donc, pour son anniversaire, je lui ai fait autant de cônes de glace pour sa carte. Alors choisissez votre nourriture et dessinez-le encore et encore. 8. Penser à la mise en page: Nous avons choisi notre nourriture, nous avons des images de certaines choses que nous aimons. Maintenant, nous allons réfléchir à la façon dont nous allons exposer notre pièce. Le moyen le plus rapide de le faire est d'utiliser des esquisses miniatures. On les appelle des croquis miniatures parce qu'ils sont si petits. Je voudrais que vous fassiez trois, quatre , jusqu'à six, au moins trois dessins miniatures. Ce serait à quoi ressemblera votre affiche ou votre dessous de verre à la fin. faire petit vous oblige à travailler rapidement et à considérer ces morceaux comme des morceaux et où vous allez les mettre en place. vous pensez à l'endroit où mettre votre nourriture et votre citation, vous allez trouver des idées différentes et il évoluera lentement, mais vous verrez que l'on va sortir pour vous et ensuite nous saurons à coup sûr ce que cette mise en page va ressembler comme pour notre dernière pièce. 9. Esquisser votre arrière-plan: Maintenant que vous avez fait vos croquis miniatures, j'espère qu'une composition est vraiment hors de vous. Maintenant, vous allez transférer cette composition dans votre mise en page finale sur votre papier. J' utilise du papier aquarelle, c'est le papier que j'utilise. C' est la marque Canson, 140 livres de papier presse à froid à 9 par 12. Quel que soit le support que vous allez utiliser, allez-y et transférez votre dessin, et nous allons rouler après cela et commencer à peindre. 10. Peindre votre arrière-plan d'illustration: Bon, maintenant que notre croquis est dessiné, il est temps de peindre. Je tiens à souligner qu'à ce stade, nous ne savons peut-être pas encore ce que nous allons faire, et c'est bien parce que nous allons en fait les produire séparément. Plus sur ça plus tard. Mais nous allons juste nous occuper de la peinture et ne nous inquiétons pas trop de la citation pour l'instant. On veut garder ça à l'esprit, mais on ne va pas s'en inquiéter. On va juste s'amuser et peindre. Si vous peignez avec moi, je vais d'abord faire quelques lavages à l'aquarelle. Un principe énorme dans la peinture à l'aquarelle est que vous êtes blancs sont le papier, donc vous devez le laisser intacte. Lorsque vous commencez avec vos lavages, il est temps de regarder les parties que vous voulez garder blanches. Si nécessaire, allez-y et esquissez très légèrement des cercles, des bulles, des formes de tout ce que vous voulez maintenir comme blanc. Une astuce qui est souvent utilisée pour préserver ce détail blanc est d'utiliser un fluide de masquage. Ce n'est pas du tout quelque chose dont vous avez besoin, mais certaines personnes aiment doubler avec elle, et c'est un ajout amusant. C' est essentiellement une substance collée que vous peignez sur votre page, laissez sécher et peignez sur le dessus. Une fois que vous aurez terminé, vous serez en mesure de décoller le liquide de masquage, et vous aurez ces espaces blancs gardés blancs. J' ai un billet de blog sur mon fluide de masquage préféré, et si vous voulez regarder dans cela, j'ai le lien juste ici. Mais pour l'instant, nous allons simplement garder les choses simples et éviter nos zones blanches. Avec l'aquarelle, nous commençons de la lumière à l'obscurité. Il est pratiquement impossible et un peu désordonné de commencer de l'obscurité à la lumière. Donc, nous mettons juste dans les lavages de fond et allons avec beaucoup d'eau et très peu de couleur. Au fur et à mesure que nous progresserons avec notre peinture, nous mettrons plus de pigment dans notre combo aquarelle, donc plus de peinture et moins d'eau, et nous continuerons et encore. Un grand mépris avec l'aquarelle est que puisqu'il sèche rapidement, gens ont tendance à penser que vous ne pouvez le faire qu'en une seule séance. C' est quelque chose que j'aime à propos de l'aquarelle que je peux y travailler rapidement, mais ce n'est pas la seule façon de travailler, et en fait il ne va pas vous donner les couleurs les plus brillantes si c'est ce que vous voulez. Il y a beaucoup de superposition qui se passe avec la peinture à l'aquarelle, mais il doit passer de la lumière à l'obscurité. Quand je dis la lumière, je veux dire du papier blanc , intacte à l'obscurité, peut-être trois couches de pigment foncé sur l'autre, ou juste aller dans des couleurs plus sombres. Voici ma première couche de bonbons de maïs pour le plaisir, et pour ajouter une touche de couleur, je vais utiliser une couleur contrastée ici. J' ai beaucoup d'oranges, donc je vais utiliser le violet et créer des ombres en dessous. Vous pouvez le faire avec votre nourriture, ou vous pouvez l'enregistrer pour votre lettrage à la main, utilisez-le pour les deux. Selon le type de nourriture que vous avez, cela pourrait ne pas vous être utile. Mais comme je l'ai dit, j'utilise ce violet. C' est vraiment aqueux. Chaque fois que je vais entrer et ajouter une couleur contrastée, faire quelque chose d'un peu différent, peut-être pas contrastant, mais une couleur analogue comme un bleu, dans ce cas, qui est très proche de la couleur que j'utilise déjà juste pour ajouter de l'intérêt . Pour mon sujet particulier avec le maïs bonbon, je voulais vraiment faire ces ombres pour que la partie blanche du maïs bonbon apparaisse. Je ne vais pas peindre en arrière-plan sur cette illustration, donc ces ombres font double objectif de faire éclater mes couleurs, de faire ressortir mes blancs et de se démarquer, ainsi que d'offrir la possibilité d'ajouter un autre couleur. Mon choix alimentaire est assez simple et couleur nature, donc c'est amusant d'avoir une couleur de plus. Au lieu de rendre mon maïs bonbon en soi, je suis allé pour une approche plus amusante où j'ai des lavages, puis j'ai fait quelques contours colorés, et, bien sûr, les ombres que je viens de mentionner. Donc ces contours colorés, je vais vous montrer avec celui-ci particulier. Je vais avec beaucoup de couleur sur mon pinceau, pas beaucoup de peinture. Donc très différent de la technique humide que j'utilisais auparavant. Je fais juste des petits motifs de design. C' est la façon la plus simple et la plus amusante, je pense, de rendre quelque chose de amusant comme des bonbons. Très bien, faisons un examen rapide juste pour poser ces étapes. Je sais que ça a l'air super simple, et quand on arrive à ton journal, ce n'est pas si simple. Donc je vais faire un gros bonbon klaxon, ce qui est correct parce que je vais scanner ceci et fondamentalement, enlever. Mais je te montre comment j'ai fait ça. Donc, nous allons d'abord avec des lavages légers, passer du plus clair au plus sombre. plus léger est le papier que nous ne touchons pas parce que c'est notre plus brillant brillant. Je suis allé avec des lavages légers, et maintenant je passe en plus de couleur à l'endroit où je veux qu'il soit plus sombre. Comme je l'ai déjà dit, j'aime travailler mouillé sur mouillé. J' ai montré ça dans un cours avant ça où nous faisions des lettres, et je n'ai vraiment pas beaucoup soulevé ma brosse. Je n'ai pas rendu beaucoup. J' ai juste laissé les couleurs saigner l'une dans l'autre. Parfois, il faut un peu de manucure s'il commence à saigner dans des zones que je ne veux pas. Dans ce cas, je prends juste une brosse sèche et je l'efface. Ensuite, je peins l'ombre avec de l'eau et je tombe dans un peu de couleur qui est très différent de mon orange, pour faire ce blanc et tout le bonbon maïs pop. Encore une fois, je passe en revue ici l'étape 2, où le papier est sec. J' y vais avec des couleurs vives. Donc, cette fois, mon pinceau a beaucoup plus de peinture et beaucoup moins d'eau. Je fais de beaux contours dans des couleurs très vives, des couleurs plus foncées, faire quelques motifs, faire quelques détails pour rendre mon bonbon de maïs amusant. J' espère que vous êtes satisfait de votre illustration jusqu'à présent. J' ai mis le mien de côté pendant qu'il sèche. Je me sentais comme si j'avais besoin de faire quelque chose de amusant, et quand je fais ce genre de choses, parfois je les utilise en arrière-plan. Il est donc toujours bon de jouer quand vous attendez que votre peinture sèche, puis d'ajouter ces couches, vous aurez cela comme ressource plus tard. Je fais des cercles avec de l'eau, et puis je tombe en couleurs. Encore une fois, puisque je pensais que je pourrais utiliser ceci comme arrière-plan, j'ai choisi des couleurs qui étaient très différentes de l'orange et des jaunes dans mon maïs bonbon. Même si je m'amuse, je pense toujours à ce qui serait le mieux pour cette illustration et je pense juste à travers la couleur et les formes, et j'ai choisi des cercles parce que essentiellement, mes bonbons de maïs sont des triangles, et quelque chose qui contraste toujours met l'œil un peu, et vous voulez faire attention juste un peu plus longtemps, attarder un peu plus longtemps. Je tombe dans ces bleus et ces violets et de temps en temps, je mets un rose vif juste pour faire éclater les choses pour la surprise inattendue de quelque chose d'autre. Je sais que quand ils sèchent, ils vont sécher à leur manière. Parfois, ces couleurs vont saigner magnifiquement et parfois ils vont créer ces plis intéressants pour lesquels l'aquarelle est connue. Ici, c'est fini. Voici les deux. Donc vous voyez comment ces blobs sont devenus ces beaux, petits mailles. Mon maïs bonbon est prêt, et maintenant je vais travailler sur le lettrage suivant. 11. Commercialisation: Je voulais prendre une seconde pour parler d'un autre concept clé, celui de la commercialisation. Quand je dis ce mot, je veux dire, est-ce que ton art peut aller de ton bureau à un grand magasin ? Quelques conseils pour rendre votre art plus attiré par un acheteur d'art qui est à la recherche d'un travail qui se vendra bien sur le marché principal, serait de travailler dans un, ensembles. Si vous travaillez dans des ensembles, les gens peuvent rassembler ce contexte, ils traversent cette idée avec vous, vous les aidez à s'y attarder un peu. Pensez à des affiches ou des estampes d'art qui ont comme quatre arbres et quatre saisons différentes ou des cartes de Noël qui viennent en ensembles. Cela nous aide à gagner des contextes et ils peuvent ou non être achetés complètement, mais cela aide à devenir plus commercialisable. J' ai été conseillé par mon agence que je me souviens d'une fois, de me considérer comme un créateur de mode, et que je sors avec des lignes et des décors chaque saison. Cela m'a vraiment aidé à envelopper mon esprit autour de cette idée parce que j'ai l'impression que tout mon travail a une certaine continuité. À l'œil de quelqu'un d'autre, il doit être transporté pour que nous ayons l'impression que vous vendiez un paquet de quelque chose. Une autre astuce serait de rendre votre travail plus grand public, plus fortement accepté par le grand public, et cela pourrait signifier le rendre plus générique. Par exemple, je fais beaucoup de cartes de Noël et je ne me dérange pas d'écouter de la musique de Noël toute l'année. J' aime même incorporer ces paroles de ce que je pense être des chansons de Noël très connues. Pourtant, ce qui se vendrait le mieux serait un joyeux Noël ou un Noel. Donc, ce que je fais est souvent de créer des œuvres d'art qui sont pour moi, mon travail personnel. Je pourrais le jeter là-bas, mettre dans mon portefeuille si j'ai une bouchée, mais faire mon travail personnel dynamise mon travail commercial. Mon travail commercial est plus axé sur ce qui se vendrait bien. Donc, les ensembles de travail, fonctionnent dans le courant général et quand vous pensez à votre citation maintenant, pensez à des citations qui fonctionneraient bien dans un ensemble. La nourriture est un peu plus facile, donc je n'avais pas à m'en soucier avant. Quand vous pensez à des citations, si vous allez drôle, si vous allez très personnel, pensez à quelque chose qui fonctionnerait bien avec trois autres. Pensez à des choses qui sont peut-être plus facilement acceptées par beaucoup de gens. Quelque chose que nous partageons tous en commun quand il s'agit de famille. Si vous voulez faire quelque chose de très précis, c'est tout à fait correct. Si vous voulez faire de la cuisine coréenne qui a une citation qui a un rapport avec un coréen né aux États-Unis et comment est la vie, je ne le saurais pas, mais ce serait amusant à voir. Je manquerais à mon devoir si je ne vous avais pas parlé de ces conseils la façon de rendre votre travail plus commercialisable dans le monde de l'illustration commerciale. 12. Couture: Il est temps de réfléchir à ce que nous voulons écrire sur notre affiche. Qu' est-ce qui va être notre citation ? Vous pouvez avoir beaucoup d'idées, les verser toutes, les écrire toutes, et vous ne trouverez qu'un fil de discussion qui se réunira. Comme je l'ai dit, pensez en série et quand vous êtes frustré, je crois fermement à la théorie de la douche que vos idées viendront quand vous vous y attendez le moins. 13. Explorer les caractères: typographie est un sujet si énorme. Je me souviens d'avoir assisté à une conférence d'Ellen Lupton, qui est également enseignante de Skillshare, et j'ai été impressionné par la puissance du type et toute la pensée et la précision qui y sont incorporées, et pourtant c'est sous forme d'art. Nous n'allons pas tout explorer, mais réfléchissons à ce qui correspond bien à ce que vous essayez de dire. Donc, une phrase dans plusieurs polices différentes va donner un sentiment différent à chaque fois. Nous voulons utiliser la police la plus efficace pour ce que nous essayons de dire. Quand j'ai enseigné à mon autre classe la conception d'un alphabet coloré de l'eau, j'ai pu voir toutes sortes de polices de différents étudiants. Celle-ci a été choisie par une étudiante nommée Gail. Quand j'ai vu son choix de police, j'ai été un peu surpris juste parce que ce ne serait pas quelque chose que je choisirais. Mais quand j'ai vu sa citation, le choix de la police était parfait, j'ai pensé que ça allait si bien avec ce qu'elle essayait de dire. En contraste avec un autre étudiant nommé Jen qui a fait ça. Alors que vous pensez à votre citation, pensez également à ce que les traitements de polices lettrées à la main s'accorderaient bien avec ce que vous essayez de dire. 14. Esquisser de types: Cela semble tout à fait banal, mais la façon dont j'ai réussi à faire du lettrage à la main est en esquissant. Je prends ce petit carnet de croquis dans mon sac. Il y a un peu de tout, donc je n'ai pas édité ce qui n'était pas utile ici. Mais vous voyez que je dessine mes lettres assez souvent. Alors, comment puis-je faire ça ? Voici quelques conseils que j'ai trouvés utiles. L' un est imiter, et nous en avons parlé tout à l'heure. Mais imprimer une police ou simplement utiliser un dépliant et regarder n'importe quel type de visage est devant moi, surtout ceux qui sont numériques, surtout ceux qui sont numériques, pas nécessairement le lettrage à la main, m' aide à comprendre le langage de conception de, disons, la lettre A, et comment il a systématiquement ces courbes ou les proportions qu'il a habituellement. Mon deuxième conseil serait, si vous voulez faire quelque chose de plus lâche, d'écrire tout ce que vous voulez écrire, puis de lui donner un peu de muscle. Dans cet exemple, j'ai écrit l'Écriture dans une ligne de crayon très fine, puis j'y ai ajouté pour la rendre plus semblable à un ruban, ai rendue plus épaisse dans les zones que je pensais en avoir besoin, puis j'ai embellie autour d'elle. Utilisez n'importe quel type de police avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise. Les traitements de type lettrage à la main les plus amusants sont parfois juste le plus simple fait à la main. 15. Handlettering: à l'aquarelle : humide sur humide: Sortons nos peintures et commençons à peindre des lettres. Je vais d'abord aborder cette technique avec de l'aquarelle. Vous n'avez pas à faire votre pièce à l'aquarelle, mais c'est ce que j'enseigne. C' est ce que je suis en train d'atteindre. Je peins d'abord avec de l'eau, j'utilise la technique humide sur humide et je ne peins pas si vite. J' essaie juste de vous montrer exactement comment se passe le processus. J' ai peint mes lettres dans l'eau. Tu n'as pas pu le voir très bien, mais bien sûr, je l'ai mouiller mon pinceau, j'ai attrapé de la peinture, et je la laisse tomber. J' aime toujours utiliser plusieurs couleurs, au moins deux, pour rendre le type plus intéressant. Avec ça, j'utilise deux bleus et un vert, et comme tu l'as vu, je le laisse tomber à la fin. Il est contre-intuitif de travailler de cette façon. Beaucoup de gens utilisent ce que je vais montrer ensuite, qui est la technique humide et sèche, ce qui serait que votre papier est sec et c'est ce que vous écrivez. Mais ce que j'aime dans cette technique, c'est que l'aquarelle prend une vie propre, et même si vous ne pensiez pas qu'il serait plus facile d'écrire de cette façon, c'est en fait. C' est presque comme écrire avec un crayon très léger. J' ai écrit des blagues en cursive. Il est vraiment facile de ne pas vraiment aimer ce que vous faites quand vous avez tout et peint à l'aquarelle. Mais quand vous commencez avec de l'eau, vous êtes capable de la laisser sécher qui n'avait pas l'air bien et alors que vous tombez dans la couleur, vous pouvez la guider sur la façon dont vous voulez qu'elle ressemble exactement. Même s'il semble plus effrayant de travailler mouillé sur mouillé, il pourrait être plus facile. Je vous encourage à essayer dans les deux sens. J' aime toujours te montrer que je le fais deux fois, juste comme un commentaire. Cette fois, je vais arroser la couleur pour que vous puissiez voir ma première couche aqueuse. Je fais toujours la technique humide sur mouillé. Je lui donne juste un peu de peinture pour que tu puisses la voir de la caméra. Vous pouvez voir ma citation et comment je réfléchis à la façon de changer les couleurs des lettres. Je ne suis pas amoureux d'eux, mais j'aurai une seconde chance jouer avec eux une fois qu'on les aura emmenés dans Photoshop. Encore une fois, je laisse tomber dans ces couleurs avec des lettres cursives. Vous avez l'avantage supplémentaire de faire fusionner les couleurs que vous ne feriez pas avec d'autres polices. 16. Handlettering: : humide sur sec: Maintenant, je vous montre une pièce complètement différente. Vous n'avez pas besoin de vous soucier de la pièce, je l'utilise juste comme exemple pour vous montrer la technique humide sur sec dans le lettrage à la main. Donc humide sur sec, ce qui signifie que je commence avec le motif traditionnel de l'eau pour peindre puis le papier, c'est le motif traditionnel, c'est en fait ce que je dis à mes enfants tout le temps quand ils utilisent ces petites aquarelles bon marché pour toujours obtenir de l'eau que de la peinture, puis obtenir sur le papier. Je fais un brun foncé. Je préfère le noir parce que vous pouvez toujours enlever la saturation dans Photoshop. Vous pouvez toujours revenir au noir assez facilement, mais ce n'est pas facile d'apporter cette couleur. Juste comme note d'accompagnement, j'utilise toujours un brun foncé. Il y a très peu de vrais noirs dans la nature, donc j'aime utiliser des bruns pour ceux-ci. Comme vous pouvez le voir, je peux avoir une ligne beaucoup plus mince. Donc, si votre police est une police sans empattement ou quelque chose de très mince, il est beaucoup mieux de faire cette technique humide sur sec. Si vous faites des polices plus scriptées, il est plus amusant de faire une technique fluide comme Wet-on-Wet. 17. Profitabilité du concept principal: Le dernier concept dont je veux vous parler est la rentabilité. J' en parle à la fin pour une raison, et j'y reviendrai dans une minute. Mais je veux vous guider dans le processus de vente de votre travail commercialement. Maintenant, j'ai travaillé à travers une agence et la bénédiction d'être représenté par un agent. Mais que vous le fassiez vous-même ou non, si quelqu'un d'autre le courtier pour vous, vous recevez un contrat de quelque façon que ce soit. Dans le contrat, il y a certaines choses sur lesquelles vous êtes d'accord, et ces différents facteurs jouent un rôle dans rentabilité de votre art pour vous. première serait la façon dont vous êtes payé. S' il s'agit d'une somme forfaitaire au début, au moment de l'achat de cette licence, ou s'il s'agit d'une somme forfaitaire, vous devez tenir compte du nombre de ces pièces qui vont probablement vendre. Vaut-il le pourcentage des redevances ? C' est généralement assez bas. Le plus bas que j'ai vu est de 2 pour cent. J' ai fait 5-10 pour cent. Plus l'entreprise est grande, la redevance est faible simplement parce qu'elle va vendre plus, et donc vous avez tous les deux beaucoup de bénéfices. Alors considérez que si c'est une grande entreprise, si c'est un grand fabricant qui va distribuer ce travail un million de fois, alors les redevances seraient une excellente façon de procéder. La plupart du temps, les fabricants gardent les choses simples, et ils veulent juste faire une somme forfaitaire. Ils savent combien leur investissement est en elle au début, ils n'ont pas besoin de suivre la comptabilité pour les redevances, et ils vous paieront juste x montant de dollars pour cette licence. Un autre facteur, c'est jusqu'où va cette pièce. Va-t-il être distribué aux États-Unis ou dans le monde entier, ou en ligne ou en version imprimée ? Ces éléments jouent un rôle dans la mesure où vous serez en mesure d'obtenir le meilleur de votre temps avec votre illustration. Le troisième facteur serait, combien de temps dure cette licence ? licence pourrait être pour une très courte quantité de temps, peut-être juste une saison ou une année, mais la plupart du temps c'est pour toujours. Donc, si vous avez un contrat, un accord qui dit, « Nous voulons vous payer beaucoup d'argent pour utiliser cette œuvre d'art pendant un an », ce serait une excellente vente parce que vous pourriez alors remettre le travail dans votre portefeuille et vendre une autre licence pour cela. Plus souvent qu'autrement, ils voudront juste le garder pour toujours parce qu'ils veulent s'assurer, ils veulent voir, « Si ça marche bien pour nous, alors, hey, nous allons le mettre à nouveau l'année prochaine », et c'est beaucoup plus simple quand ça vient à tenir des registres de choses comme ça. Un autre facteur pour garder votre travail rentable est qu'il y a une tension dans, donc vous voulez créer un excellent travail et vous voulez que votre portefeuille soit solide, vous voulez que les gens ramassent des choses et disent, comme je le fais tout le temps, « Oh, c'est [ inaudible] oh, c'est un travail [inaudible] », et c'est excitant et excitant et votre travail doit être assez génial pour que les gens veulent ramasser et des choses comme ça. Donc, c'est génial d'investir beaucoup de temps dans votre travail, mais si je reçois, disons, 500$ pour une illustration que j'ai passé une heure au lieu de cinq heures, alors évidemment, je vais faire plus d'argent si je suis capable de travailler rapidement. Maintenant, l'astuce pour travailler rapidement et créer un travail de qualité est une forme d'art que vous développez au fil du temps et cela n'arrive pas toujours, alors vous prenez simplement pour ce qu'il est. Mais apprendre à travailler efficacement est quelque chose que vous voulez toujours garder à l'esprit. Je scanne chaque morceau de tout ce que je fais, même si c'est juste un petit gribouillis, parce que je ne sais jamais si ça pourrait être utile pour quelque chose à l'avenir. Je suis toujours en train de dessiner et souvent ces croquis jouent un rôle dans mon travail commercial alors que c'était juste pour le plaisir. Il y a des façons de refuser le temps que vous consacrez à votre art afin de pouvoir en tirer plus d'argent. C' est pourquoi je parle de cela à la fin, quand nous prenons les différents éléments de notre pièce et les assemblons. Une partie de la raison pour laquelle nous avons fait cela était pour la flexibilité et la capacité d'apporter des ajustements et des modifications que nos acheteurs aiment s'ils sont en mesure de recevoir un fichier en couches dans lequel ils peuvent modifier certaines parties ou supprimer du texte, ils J'aime ça. Une autre chose est que cela aide le flux de travail à aller plus vite, et vous pouvez peut-être utiliser certains éléments d'une pièce à l'autre. Pensez à des façons où vous pouvez travailler plus efficacement, profiter de ce que vous faites, commencer par ce que vous savez, grandir à partir de là, travailler sur des projets personnels pour développer des choses que vous voulez développer en tant qu'artiste, mais quand il vient à votre travail commercial, vous travaillez efficacement, vous ne griboulez pas, vous vous inquiétez , devrais-je le faire de cette façon ou devrais-je le faire de cette façon ? C' est presque comme si vous utilisiez votre énergie personnelle expérimenter de sorte que lorsque vous venez travailler, pour ainsi dire, vous êtes prêt à plonger et vous avez des idées que vous voulez faire ressortir. 18. Numériser votre travail: Voici mes quatre pièces scannées. Ils sont tous sur des feuilles de papier séparées. Je ne vais pas entrer dans les détails sur la façon de scanner votre travail et de le nettoyer car j'ai déjà créé un tutoriel pour cela. Il y a un tutoriel ici sur Skillshare que j'aimerais que vous puissiez vérifier si c'est quelque chose que vous aimeriez avoir de l'aide. Il détaille la façon dont je scanne mes illustrations, qui pourraient vous sembler un peu familières, puis l'apporter dans Photoshop, la nettoyer. Souvent, je dois le faire en plusieurs morceaux et le papier n'est pas assez lumineux ou les couleurs ne sont pas correctes. Je vais vous montrer comment faire toutes ces choses dans Photoshop. Je crois que ce tutoriel est de 14 minutes en vidéo, et il a également une étape par étape sous forme de texte. Alors vérifiez. 19. Combiner de manière numérique: J' espère que vous avez pris ce tutoriel et que vous avez vu comment j'ai nettoyé mes fichiers. Si vous avez votre propre chemin, génial. Ce que nous allons faire en premier, c'est prendre tous ces fichiers et les compiler sur une feuille de papier. Parce que j'en ai une avec mes citations, une avec le maïs bonbon, et une avec ces points que j'ai utilisés comme image de fond. La première chose que je vais faire est de créer un nouveau document. Je vais faire la taille de l'affiche 11 par 14. Je vais prendre cette fenêtre, la faire glisser, pour que je puisse facilement faire glisser les couches des autres morceaux. Vous pouvez également simplement faire « Sélectionner tout », « Copier » et « Coller ». Parfois, ça marche mieux. Pour une raison quelconque, cela prend beaucoup de RAM pour l'ordinateur à traiter, donc parfois il est plus facile de simplement faire une copie et coller. En ce moment, je les traîne tous dans ce fichier. fichier, qui a l'air assez désordonné, il a quatre couches vraiment de chacun des composants de cette pièce. La première chose que je vais faire est de m'assurer que mes couches sont, bien, visibles. Ma couche la plus importante sera ce maïs bonbon. Je commence là. Contrairement au travail traditionnel, je n'ai pas à travailler de l'arrière vers l'avant, ce qui est amusant. Mais la première chose que je veux faire est juste d'envelopper mon esprit autour de la façon dont cela va se dérouler. Je joue juste avec le texte. Je ne m'inquiète pas de la couleur, je ne m'inquiète pas de ce que je pense doit être édité, ce que je pense doit être changé ; je travaille simplement sur la mise en page à ce stade. J' ai coupé chaque mot pour être son propre calque, sorte que je puisse le déplacer encore plus facilement, et redimensionner, comme je le fais maintenant. Je veux vraiment que les blagues soient vraiment importantes. À peu près tous les mots qui sont cursifs sont cursifs pour une raison, donc je veux qu'ils aient l'air vraiment proéminents. Je veux que les choses soient centrées. Mon mais est juste au milieu. Une façon vraiment facile de le faire est juste de sortir un guide, et de l'amener au milieu de la page la moitié de 11, cinq et demi. Je vais juste continuer à jouer avec cette mise en page jusqu'à ce que ce soit quelque chose que j'aime vraiment. Je pense que mon libellé est correct, mais maintenant j'ai l'impression que certains de ces bonbons de maïs doivent être ajustés. En utilisant l'outil Transformation libre qui se trouve dans la palette Modifier en haut, Photoshop, je suis capable de faire pivoter, je suis capable de retourner les choses, et je fais plus d'espace parce que, comme vous vous souvenez, j'ai travaillé sur un 9 par 12 et maintenant ce est 11 par 14, donc c'est en fait une orientation plus longue. Autre chose que je fais ici, c'est que je ne suis pas si folle de cette couleur. Je regroupe mon texte, je duplique le groupe, donc j'ai toujours un groupe de l'original juste devant moi, et je l'ai désaturé. La touche rapide est Command Shift U pour la désaturer. Je suis en train de supprimer toute la couleur. Je veux que ce soit juste noir et blanc, je crois. Mais la seule pièce que je vais laisser avec la couleur est la partie amour. Encore une fois, avec ces autres mots, je fais la même chose, je les regroupe dans un dossier, je duplique ce groupe, et puis je désature ce groupe aplati. J' ai donc un dossier avec la couleur et un dossier sans. Vous avez peut-être aussi remarqué que j'ai joué avec les niveaux, ce qui est quelque chose dont je parle dans ce tutoriel pour la numérisation. Tu as failli oublier ces bobs. Je vais les amener, mais ils ont vraiment l'air trop fort pour ce morceau, et noient mon maïs bonbon. Je l'ai renversé avec l'opacité. Je vais sélectionner ceux qui se chevauchent avec le texte, et juste me débarrasser d'eux. Je pense aussi que la couleur pourrait être aidé un peu. Je descends dans ma palette « Réglages » à « Hue and Saturation », et j'évoque juste un peu la saturation. Je découvre aussi que mon maïs bonbon noie ces parties blanches que j'ai vraiment travaillé à garder blanc, interférent avec l'image de fond. J' ai sélectionné l'extérieur de cette couche, sélectionné n'importe quoi sauf le maïs bonbon. Sélectionnez Inverse, qui est Command Shift I, puis je les ai remplis avec du blanc, sorte que j'ai vraiment un peu de blanc derrière le maïs bonbon pour m'assurer qu'il reste comme ça. Maintenant, ça a l'air bien, mais j'ai fait un peu plus de travail. J' ai enregistré une autre image, j'ai enregistré une copie, et je veux vous montrer sur quoi j'ai atterri, et comment j'y suis arrivé. Je t'ai épargné des millions de décisions que j'ai prises tout au long du chemin. J' ai créé un nouveau calque sous tout ça. J' ai commencé avec de l'orange, puis j'ai atterri avec ce violet, un violet très clair, et puis j'ai tourné tous les blobs, comme je les appelle, qui étaient violets et bleus, et j'ai dupliqué ça couche. J' ai joué un peu avec la couleur, mais ce que j'ai atterri était juste pour les mettre en mode calque d'écran. Je pense qu'ils ajoutent juste un petit quelque chose à l'arrière-plan pour ajouter de l'intérêt. Le mais était très important pour moi, donc j'ai créé un cercle derrière elle. Avec cela, j'ai dupliqué l'amour, et j'ai peaufiné les couleurs sur la moitié d'un, et je l'ai effacé un peu ; donc il y avait un peu de pression et de traction dans la couleur. J' ai aussi créé une autre couche de cela, mais comme une ombre pour aller derrière elle. Voilà mon affiche de famille finie. 20. Maintenant, quoi ?: C' est censé ressembler à des confettis. Vous avez terminé, donc le temps de poster votre projet. Si vous n'avez pas déjà posté votre tableau d'humeur, publiez des photos en cours, vous voulez nous montrer. Pour que nous puissions suivre votre processus avec vous. Cette communauté Skillshare est merveilleuse de fournir des commentaires, et je suis heureux de le faire aussi. Je suis impatient de voir ce que vous créez. 21. Les prochaines étapes: Bonjour, je voulais donner à certains d'entre vous qui sont très intéressés à travailler à l'étape suivante, quelques idées. Beaucoup d'entre nous savent comment mettre notre travail là-bas et vendre indépendamment, ce soit via Etsy ou maintenant Amazon, eBay, Society6 où vous pouvez réellement mettre vos illustrations sur les produits et les laisser gérer la fabrication et vous obtenez votre couper comme ça. Mais si vous voulez mettre en place votre portfolio, si vous avez du travail, en particulier dans les ensembles que vous voulez placer sur un site Web sécurisé. Je vous encourage à consulter ArtLicensingShow.com, et ce site est très intéressé par la promotion du travail d'illustrateur. Vous créez votre profil, vous décidez de la quantité de travail ou de l'engagement financier que vous voulez mettre dans ce domaine, et c'est un endroit où les personnes qui achètent des licences pour des œuvres d'art vont voir l'art. Donc, si vous voulez doubler avec cela, je vous encourage à profiter de cette occasion. Dans tout ce que vous faites, dans votre travail d'illustration, gardez toujours à l'esprit ces trois concepts. J' ai apprécié ce cours. J' espère que tu l'as aussi. Restez en contact. Je suis sur Instagram et je blogue, et j'ai un site web et je suis ici. Alors restez en contact. Merci.