Un artista en su trabajo: al interior del estudio con Seymour Chwast | Seymour Chwast | Skillshare
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Un artista en su trabajo: al interior del estudio con Seymour Chwast

teacher avatar Seymour Chwast, Designer, Illustrator

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Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:47

    • 2.

      Biografía

      2:45

    • 3.

      La guerra

      8:12

    • 4.

      The Push Pin Graphic

      5:47

    • 5.

      Reconocimiento

      3:22

    • 6.

      Libros

      6:31

    • 7.

      La serie posterior

      5:32

    • 8.

      Video del proceso

      7:06

    • 9.

      De cara al futuro

      2:59

    • 10.

      ¿Qué sigue?

      0:37

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

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2912

Estudiantes

3

Proyectos

Acerca de esta clase

Deja que la historia del diseño alimente hoy tu creatividad.

Esta clase no se parece a nada que hayas visto en Skillshare. Al combinar lo mejor de una retrospectiva de carrera y un seminario magistral, te unirás al diseñador e ilustrador icónico Seymour Chwast para explorar su carrera de décadas y las formas de aportar una sensibilidad ingeniosa y creativa a tu propio trabajo.

Cada lección breve presenta material grabado exclusivo de la entrevista que explora:

  • El proceso creativo de Seymour.
  • Más de 100 proyectos que definieron la cultura visual del siglo XX
  • Cómo los artistas pueden usar el estilo y el ingenio para responder a las necesidades de su tiempo

Además, los recursos dela clase están repletos de enlaces y lecturas fomentar tu viaje creativo.

Seymor es uno de los diseñadores e ilustradores más influyentes del siglo pasado, y es mejor conocido quizás por ser el cofundador de Push Pin Studios con Milton Glaser en 1954; su trabajo fue honrado y exhibido en el Museo de Louvre en París en 1970. Seymour también es miembro del Salón de la Fama de los Directores de Arte y recibió la Medalla AIGA.

Si tienes ganas de apreciar un excelente diseño o si eres un profesional que busca recuperar tu chispa creativa, te encantará explorar el mundo de Seymour Chwast.

  

Selección de la Obra de Seymour Chwast a través del Seymour Chwast Archive

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Seymour Chwast

Designer, Illustrator

Profesor(a)

Seymour Chwast is an American graphic designer known for his diverse body of work, and lasting influence on visual culture. He is a founding partner of the celebrated Push Pin Studios, whose revolutionary work altered the course of contemporary graphic communication in the 1960s, and continues to affect the field of design worldwide. In 1985, the studio's name was changed to The Pushpin Group, of which Chwast is the director.

Developing and refining his innovative approach to design over the course of six decades, Chwast's clients include the New York Times, The New Yorker, The Wall Street Journal, Vanity Fair, The Atlantic, and Print, as well as leading corporations, advertising agencies, and publishers both in the United States and abroad. His designs and illustrations have gra... Ver perfil completo

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Transcripciones

1. Introducción: Hola, me llamo Seymour Chwast. Soy diseñadora gráfica e ilustradora, lo cual llevo haciendo desde hace bastante tiempo, pero aun así me lo estoy pasando bien. Te puedo decir algunas cosas sobre mí mismo. Fuimos a Cooper Union donde conocí tres personas que se convirtieron en mis socios en Push Pin Studios, que formamos después de graduarnos. A pesar de que teníamos trabajos, no estaban funcionando para mí. Decidimos entrar en negocios. En ese tiempo, Milton Glaser volvió de su beca Fulbright y nos convertimos en Push Pin Studios. Esto fue 1954. Milton y yo fuimos socios por unos 25 años. He estado continuando usando el nombre Push Pin pero aún así, haciendo una variedad de trabajos. ¿ Qué podría decirle a los estudiantes? No empieces con una computadora. Despedir. Empiezas con miniaturas. Y decirles que trabajen duro. Si tuviéramos una idea para hacer algo y decidir quién va a hacer qué, y entonces se hizo. Te voy a mostrar sólo un proceso paso a paso muy general que comenzará con un bloc en blanco, y esperemos que terminemos con una medalla de oro del Club de Directores de Arte. Sí, tienes internet pero tienes que saber lo que buscas. Tienes que inspirarte en algo ahí. No puedes presionar un botón y luego aparecerá tu respuesta. Porque si lo hace, no es bueno. O se hace antes simplemente no. Había algún trabajo involucrado. Son tan buenos como el último trabajo que has hecho. Entonces, la idea es hacerlo lo más bueno posible. 2. Biografía: Te puedo decir algunas cosas sobre mí mismo. Fui a Cooper Union en Nueva York, donde conocí a tres personas que se convirtieron en mis socios en Push Pin Studios, que formamos después de graduarnos. Entonces, como Reynold Ruffins, Ed Sorel y yo, hicimos una pequeña pieza de promoción para no conseguir trabajo freelance. Se llamaba El Almanack Pushpin. A pesar de que teníamos trabajos, no estaban funcionando para mí ni para Ed, y decidimos entrar en negocios. En ese tiempo, Milton Glaser volvió de su beca Fulbright y nos convertimos en Push Pin Studios, esto fue 1954. Ed se fue después de un año o dos y Milton y yo fuimos socios por unos 25 años. He estado continuando usando el nombre Pushpin pero aún haciendo una variedad de trabajos. Poder diseñar y además de ilustrar, nos dio la oportunidad de trabajar en cosas especialmente carteles, chaquetas de libros, empaques, cosas de ese tipo. Por lo general, los ilustradores hacen sólo la parte visual, y los diseñadores juntan las cosas y obtienen las ideas. Aquí, somos capaces de hacer ambas cosas. Nos ganamos una reputación haciendo la revista, El gráfico Pushpin que empezamos en Pushpin, supongo que un par de años después de que empezamos negocios, cada uno como yo sabía que era sobre un tema diferente. O bien colaboramos en estas cosas o cada uno de nosotros en el estudio hizo lo suyo. Eso realmente ayudó a conseguir una reputación para nosotros y luego pudimos sacarle algo de trabajo también. El tipo de trabajo que hice, varió. Bueno, realmente no pude hacer muy realistas, renderizados de nada. Mi trabajo abarcó desde amplio trabajo de dibujos animados hasta rendiciones semirealistas de una idea que me gustaría hacer si sobre todo si la situación es tan real, donde tuve que tener algo de realismo involucrado. Mis estilos estaban realmente por todo el lugar. Había humor en bastante de ella. Muchas cosas que hice fueron divertidas a pesar de mí misma. Yo quería ser serio pero, lo que sabemos es jugar es realmente parte de lo que hacemos aquí. El humor venía fácilmente de ahí. 3. La guerra: ¿ Qué dices de la historia de la guerra? De verdad no lo sé excepto que como que he vivido a través de algunos de ellos. Es decir, tuvimos que pasar por la Segunda Guerra Mundial. Yo estaba por ahí entonces. No había manera de evitar, ya sabes que teníamos que derrotar a Hitler. Pero luego llegamos a la Guerra de Vietnam que fue un desastre total y no tenía sentido en ello. Y entonces sabes entonces la guerra de Irak fue una desgracia aquí. Demasiadas personas murieron, cuestan demasiado dinero y en ese caso algo que molestaba todo en Medio Oriente. Pero estás mirando en el pasado y encuentras que la mayoría de las guerras así. Son iniciados por los Reyes y las Reinas e incluso los Presidentes y lo que hacen es enviar a los jóvenes a morir. Entonces, por eso es una especie de formado mi opinión sobre la guerra. No espero que nada de lo que he hecho como paz antibélica vaya a detener la guerra, pero tengo que hacerlo de todos modos. Y me alegro Si pudiera trabajar de una manera que mucha gente pueda ver lo que he hecho en cuanto a un libro o póster o lo que sea. Eso es genial. A mí me gustaría hablarles de este libro que hice, supongo que fue sobre mis primeros 20 años cuando hice este libro. Entonces, me interesaba el tipo. Aprendí bastante en Cooper Union. Las ilustraciones fueron inspiradas en diferentes batallas desde la Batalla de Maratón en 490 a.C. hasta la Batalla de Ypres en 1915. Con una introducción que fue escrita por mi primo, Deschene Rainer quien era un conocido escritor y anarquista. Y siempre me encantaron las pinturas de Goya Dohmen y sobre todo las cosas antibélicas que hicieron. Sucede que no pude conseguir una pequeña imprenta donde pude hacer algunos cortes de linóleo, y para imprimirlo, había comprado algún tipo de set para tipear prenda. Y junto con estos cortes, imprimí el libro. Lo único que no hice es el encuadernación. No sabía hacer eso. Pero de todos modos, después de que el Libro estaba atado, yo de mano coloreé las Imágenes. El texto eran citas antibélicas que encontré. Entonces, esto es algo de lo que estoy orgulloso. Yo sólo hice 80 copias de este libro aquí pero, es algo que me da placer y en eso pude hacerlo. Sí hizo una declaración. Ah, di la mayoría a mi manera. Puede que me queden 10 copias. Como ilustrador, necesitas las palabras, o la idea. Pero las palabras son buenas porque muchas veces dan una pista de cuál sería la solución. Me resulta difícil trabajar de la nada. Necesito algo con lo que relacionarme. Ah, aquí hay uno de Benito Mussolini. “ Solo la guerra arroja todas las energías humanas a su máxima tensión y establece el sello de la nobleza por aquellas personas que tienen el valor de enfrentarla”. Entonces esto fueron años de cotización a favor de la guerra. Un proverbio alemán, una gran guerra sale del país con tres ejércitos, un ejército de lisiados, un ejército de dolientes y un ejército de ladrones. Me gustaría hablar de un proyecto en el que estoy trabajando ahora llamado “Seymour Chwast at War with War”. Ya he hecho un par de estas cosas antes, Timelines of War. Y esta es mi tercera y he enumerado todas las grandes guerras que pude encontrar desde Year, 3300 a.C. hasta el presente. Este 1136 Guerra entre dos clanes japoneses, la Tiara y los Manamotos. El texto se está imprimiendo en una tipografía. Esto es 1945, el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki. Haber hecho esto en diferentes tamaños, este fue un grabado en madera para War in Ruanda, en 1994. Este fue Alejandro Magno. Atacó a Persia y la derrota en la Batalla de Wakanda, 331 A.C. Otro corte de madera. Aquí, reuní la Línea del Tiempo a través de libros e Internet para que pudiera mostrar o hablar sobre 5 mil años de guerra desde el 3300 a.C. hasta el presente. Y luego dividiéndolos alrededor de una docena en cada spread. Para encontrar qué guerra ilustraría tendría ir a través de esa lista de los 10 o 12 que se extiende y encontrar la que sería, ofrecer la idea más gráfica material que pudiera usar. En parte porque es la gente la que lo entiende. Es una guerra bien conocida. O hay algún significado especial al respecto. En el caso de esta batalla por aquí, no lo haría, no pude evitar hacer un elefante como etiqueta casi prehistórica. Yo los presenté. Aquí el texto está en rojo con la excepción de la guerra que estoy ilustrando. Entonces, las ilustraciones son todas en blanco y negro y ese título particular para esa guerra también está en negro. Y el estilo aquí que cambia qué tipo de dependiendo de la mejor manera de ilustrarlo alrededor de las diferentes oportunidades aquí. Esto resultó ser un poco de caricatura, tal vez un poco más de caricatura de lo que me hubiera gustado. Pero aquí hay cierto encanto al que no pude resistir. Pero otros lo fueron, mi referencia aquí fue una batalla y pude hacer una especie de dibujo de línea suelta. Trato de sacar el máximo provecho del texto para hacer una interesante disposición aquí fuera, y en este caso, las formas eran tan interesantes que decidí ponerle un fondo negro sobre él. Por lo que hay diferentes razones para hacer cosas diferentes aquí a medida que cambian los estilos y cambian los diseños. Parte del trabajo aquí en la Guerra Zulú que los británicos estaban peleando con los zulus. Y poder bajar el tipo en el medio junto a un africano caído. Esto fue algo interesante para mí. Algo sobre ISIS, esta es la última imagen del libro. Y no hay final real para este libro. 4. The Push Pin Graphic: Con un gráfico de pasador de empuje, formaron una especie de libre por un tiempo. En un momento determinado, decidimos representar a los ilustradores, y hacernos tamaño estandarizado del gráfico pushpin. Cada número se convirtió entonces en 32 páginas. Aún así, cada uno en un tema diferente pero fuimos más de nosotros los que estábamos aportando trabajo. Esto fue sobre el tema de las madres. Entonces, las ilustraciones trataron eso, con texto que encontramos o conformamos. Este es mío. Esta es una madre Greis. Benno Friedman hizo esto. Esa es la madre de Jackson Pollock. La suerte era otro tema, Cupples seguía siendo otro. Hicimos esto en los años 70 hasta 84', 85'. Si tuviéramos una idea para hacer algo, trabajamos en ello, especie de colaborar o simplemente discutirlo, y decidimos quién va a hacer qué. Entonces se hizo. Manu Schongut hizo esto. No creo que hayamos discutido ideas para esta cosa. Probablemente le dije, “Manu, haz una portada a LUCK”, y lo hizo. Pero dentro hicimos piezas que encontramos. Ah, sí, estas son fotos de graduación. Todo desde Cooper Union, hasta los años 20 hasta los 70 aquí, y es algo interesante porque los estudiantes se volvieron mucho más casuales después de un tiempo. Fue muy grave en un principio. Pero los de los años 70 ya son muy geniales. Entonces, ese es el tipo de cosas que nos encanta hacer. En ocasiones hicimos inserciones, los dibujos y las ideas, letreros de neón para Las Vegas. Ordeñamos el tema tanto como sea posible. Bueno, alrededor de 1950 temas, fueron los últimos de los famosos ilustradores de revistas. El más famoso de todos es Norman Rockwell. Eran una especie de hacer escenas de escenas idealizadas de América, que era realista y bonita, pero nunca real. A pesar de que aprendí a apreciar la habilidad de Norman Rockwell. Al principio, era el enemigo porque representaba las viejas formas de hacer las cosas. Entonces, empezamos a hacer nuestra ilustración y nos volvimos mucho más expresivos. Gente como Robert Weaver, quien ayudó a revolucionar la ilustración Editorial en los años 50 la cambió para siempre. Ideas como esa encuentran su camino en revistas como Esquire, The New Yorker. A pesar de que el formato de The New Yorker no ha cambiado en 50 años. Bueno, en los años 60 junto con la Guerra de Vietnam, también estaba el movimiento de derechos civiles, sobre todo en el Sur. Nos enteramos de estos asesinatos ahí. todos los manifestantes les disparaban o lincharon. Entonces, yo quería hacer una pieza sobre eso. Apenas se me ocurrió la idea de hacer un tema donde un agujero que podría ser un agujero de bala, fue perforado a través de todo el tema. Entonces, se trataba de líderes de derechos civiles que fueron asesinados durante el Sur, utilizando imagen del Viejo Sur, tres trabajadores de derechos civiles. Hice esto como una especie de parodia de películas mudas y una especie de imágenes racistas estereotipadas también, luego terminar con Martin Luther King. El verdadero final aquí como fue una marcha sobre Washington, una marcha por los derechos civiles. En medio tuvimos el asesinato del Viejo Sur. Ella estaba representando lo que estaba con las ideas de que las cosas están cambiando. Para Push Pin Studios que produjeron el gráfico Push Pin, lo hicimos todo por nosotros mismos, fuimos los responsables de ello. Todos aportamos trabajo al mismo. El montaje y la producción, porque hicimos la producción. No hay computadoras en esos días. Enviamos 8 mil del gráfico Push Pin en ese momento. 5. Reconocimiento: En 1970 con el espectáculo en el Louvre, realidad el Musée de Art Decoratifs que forma parte del Louvre, nos pidieron mostrar nuestro trabajo allí. Supongo que en los años 60 habíamos ganado una reputación lo suficientemente grande. Cuando llegamos al museo, encontramos que nada era, teníamos un par de días antes de que el espectáculo fuera a abrir. Nadie había hecho nada. A los trabajadores ahí necesitaban a tres de ellos para poner una bombilla. Pasamos nuestro tiempo colgando en el show que habíamos enviado y nos dieron buenos avisos A los periódicos les gusta el trabajo. Estaban intrigados de que el estudio que podía hacer cosas que parecían estar en guardia en ese momento todavía pudiera conseguir trabajo comercial que hacer. Era la primera vez que un estudio estadounidense mostraba una obra en ese museo. No habría puesto eso en mi lista de cosas que esperar. Era inusual. Después nos pidieron que el espectáculo viajara por ahí. ¿ Eso cambió tu carrera? No, sólo nos hizo famosos. Teníamos a los 70 haciendo carteles, carteles de piezas, carteles para cine, empresas animación. Hay dos carteles que hice para Mobile Whodini. Litlle al estilo de carteles mágicos. Yo, Claudio es un caso en el que no se me ocurrió esta idea. En los títulos de la película, alguien había hecho un mosaico real de la semejanza de Claudio. Lo que hice fue agregar la serpiente. Dale un poco más de animación al post. Estos son mis carteles para Forbes. Siempre con una línea inteligente pero fue una manera de atraer a un público más joven a la revista. Impresiones mono ilustración y grabados en madera. Caricature tuvo un día de campo con Nixon. Fue genial para dibujar y tan fácil. En un momento terrible con Carter y que fácil de hacer. Pushpinoff comenzó como un regalo navideño a nuestros clientes. Pequeñas mentas de Caviar eran caramelos que habíamos puesto en una lata que enviamos y obtuvimos una buena respuesta de esa gente parecía gustarle eso y lo hicimos por varios años. Sí 80 tal vez 82 cuando nos detuvimos. Fue refinado. Nos costaba tanto y tiempo hacer el trabajo. Estábamos perdiendo mucho dinero cada año. 6. Libros: ¿ Tratando de cubrir todas las décadas? Descubrí que el trabajo que más disfruté y de que más satisfacción obtuve son cosas que me generé ya sean libros o pushpin de caramelos o el gráfico pushpin, donde podría iniciarlo, y llevarlo a través, y entonces yo la poseo. Es mío. Los libros sobre todo son geniales porque puedes sostenerlos. Ellos son reales. Cuando haces una ilustración de revista, lo haces. Aparece en una semana y luego se ha ido. Bueno, algunos de los libros que había hecho, era el libro Feliz Cumpleaños, Bach. El BAR de Sam's fue otro libro de grabados en madera que yo había hecho. Todo el libro es una serie de servicios de escenas en un bar y se convierte en una escena larga cuando lees el libro. Bueno, lo que me gusta el do, creo que está personificado en esta portada de aquí, que es una especie de, esta chaqueta. Tiene seis manos dibujando manos izquierdas, dibujando cada una en un estilo diferente, que es lo que parezco hacer mucho, pero todas para el mismo propósito demostrando que hago una variedad de trabajo, una variedad de estilos en mi trabajo. Sí. Estaba feliz de poder hacer esto con la chaqueta para diseñador zurdo, dibujando dibujo de mano izquierda. Entonces, supongo que cada uno es diferente, pero haciendo el punto de que trabajo en diferentes tipos de herramientas, diferentes técnicas. Todo se convirtió en la portada del libro. Eso fue interesante y así como libros infantiles que hice. Bueno, generalmente hay más libertad para hacer los libros ilustrados, vienen con libertad porque los niños aceptan la abstracción y les gustan las cosas divertidas. Hay algunos libros maravillosos que me han hecho a través de los años. Hay una gran tradición, han hecho una especie de clásicos literarios para niños. Este es un libro favorito mío, y hecho originalmente en 1971, y recién reimpreso por Princeton Architectural Press, donde escanearon las páginas originales y pudieron hacer un trabajo maravilloso. Se trata de un niño pequeño que se levanta un día y decide hacer panqueques para todos. Allí ganó una reputación, y trajo a sus amigos a tomar sus panqueques, y se hizo famoso en el barrio. Entonces, un día, como los panqueques no salían tan bien, pensó que tal vez es hora de irse a casa diciéndole a sus padres que va a hacer gofres. El rey de los panqueques escrito por Phyllis La Farge e ilustrado por Seymour Chwast. Un libro que pensé que podría ser interesante es el Estilo Gráfico, que hago con Steve Heller, porque es muy exitoso. Hemos hecho nuestra tercera edición de la misma, especie de actualizarla tres veces. Se trata de la forma en que se ve el diseño y de mostrar cómo el rostro de estos carteles cambió a través de los años comenzando con los carteles victorianos, dando el mensaje de que los estilos cambian con la nueva tecnología que llegó. Se trata de un libro llamado El Sombrero, gire con grabados en madera. Se abre como así, celebrando sombreros a través de las edades, comenzando con uno antiguo, y subiendo hasta el año 2000. Fue divertido hacer con todo el asunto se hace en tipografía usando los cortes y en tipo, tipografía vieja. Los sombreros eran geniales porque a veces podía poner cabezas debajo de los sombreros, que las cabezas siempre son tan expresivas, sobre todo para mí, una de mis obsesiones. Pero los propios sombreros dicen mucho dependiendo del estilo. Pensé que podría ser interesante mostrarles un Dr. Jekyll y Mr. Hyde que hice por un editor de libros alemán. Se trata de un libro que pude diseñarme y lo hice al tener el tipo cambiado al libro donde al principio había una cara ligera. El tipo se hizo más pesado a medida que avanzaba, junto con el drama de la historia terminando muy audaz. Los dibujos se hicieron con lápiz de colores y acrílico. La ilustración tiende a ser así. Un dibujo que hice en blanco y negro sobre papel. Se hizo una fotocopia en papel de envolver y luego se coloreó eso con lápiz de colores. Creo que son un papel sobre de Manila, especie del tipo amarillento, que hice fotocopias, y luego lo grapé para colorearlo. Como libro sabiendo que tengo alrededor de media docena de ilustraciones que hacer por dentro, encuentro esos spots en la historia que más me ofrecen para que la ilustración sea poética o dramática o lo que sea. Tiene que estar estructurado. Tengo que saber cuántas ilustraciones podría hacer, cuántas páginas del libro está en. Sé que cada ilustración tiene que ser diferente a las otras porque hay tan pocos y sé que estoy trabajando con lápiz negro, y blanco, y de color aquí en papel de envolver, sé que hay ciertos límites a lo que podría dibujar. Tiene que ser abordado con mucho cuidado. 7. La serie posterior: ¿ Te parece que tienes más ideas de las que sabes con qué hacer? Oh no. Las ideas son muy difíciles de conseguir. Se ponen cada vez más duros. Tu cabeza tiene agujeros, solo tantas ideas y luego tienes que usarlas. Por lo general les quedan muy pocos en la parte inferior. Y entonces qué haces? Sólo hay que pensar más duro. The Nose fue una idea que quería colaborar con Steve Brouwer y James Autory. Hice un tema, luego Steve hizo uno, y luego James no hizo ninguno. Entonces tuve que hacerme cargo y así lo he estado haciendo desde entonces. Han habido 20 temas. Un tema sobre el miedo. Nuevamente, al igual que con el gráfico pushpin, cada número está en un tema diferente. Estamos incluyendo cosas de las que tenemos miedo. Y trata de divertirte con papel. Aquí hay un tema. Una especie de combinación de cosas triviales y cosas que pensamos que eran importantes. Temas importantes para nosotros de todos modos. Este fue sobre la pena capital. Hablando, el tema incluyendo una fotografía que encontré en el New York Times. Estas personas que estaban aquí en el corredor de la muerte y encontraron que el último minuto era inocente. Es una muchedumbre agradable. Otro sobre comida. Se dedicó un tema a los presidentes. Aquí tengo centerfold sobre Richard Nixon, mi presidente favorito. Seguro está destruyendo su cara como lo he hecho con estos tipos de aquí. Pero también descubriendo que hizo algunas cosas interesantes. No era todo malo. Ciertamente el presidente más interesante que hemos tenido. Este sobre ismos, todo, palabras extrañas como cubismo, destornillballismo, darwinismo. Y haciendo algunas tontas pinturas para ir de la mano con victimismo, ageismo, amiguismo. La lavandería sucia es sobre escándalos, en su mayoría escándalos sexuales, entre ellos un par de evangelistas de televisión que fueron atrapados con mujeres en habitaciones de hotel. Gente importante haciendo cosas terribles. Por qué hice George Washington como mujer, no lo sé. Padre por nuestro país, no recuerdo. Pero de todos modos ese tema me permitió hacer una tonta lavadora. Y el último que hicimos fue en el crimen. Me permitió hacer todo tipo de arma en la que se me ocurrió. Y eso es todo. Fueron 20 temas en total. Uno que nunca se imprimió, había un tema sobre cultos, religiones extrañas que hice. El dibujo estaba bien, no fue genial. Pero entonces perdí mi impresora en una impresora que fue capaz hacer estas pocas impresoras capaces de hacer estas cosas de forma gratuita. Y llegó la recesión y yo habría tenido que pagar para producir estos y no podía costearlos. Por lo que ese tema nunca se hizo. Ese fue el más desafiante. Design & Style fue una idea que obtuve con Steve Heller donde haríamos folletos patrocinados por una empresa papelera, en este caso fue Mohawk, quien aportó el papel aquí. Pudimos demostrar cómo se puede utilizar el papel mostrando una variedad de estilos. Las cubiertas fueron mi diseño a excepción de esta que fue tomada de un catálogo real de Bauhaus. Simplemente no podía dejar pasar eso porque parecía funcionar tan bien. Pero los otros eran dibujos que yo había hecho. Así como este gato pero es una imagen muy típica del art nouveau. Lo que hicimos fue, Steve recogió las imágenes hechas originalmente en ese estilo y luego encontramos cosas que fueron hechas por ilustradores contemporáneos que trabajaban en ese estilo. De Stijl que es de diseño holandés y con un pequeño truco aquí, fue una pintura Mondrian en desarrollo con cortes de tinte. surrealismo es idea bastante trillada para la portada pero lo mejor que se me ocurrió. Es una buena fuente de lo que se había hecho y de lo que era bueno en el pasado para todos, estudiantes y practicantes. Nos divertimos haciendo esto. 8. Video del proceso: Te voy a mostrar sólo un proceso paso a paso muy general que comenzará con un bloc en blanco y ojalá termine con una medalla de oro del Club de Directores de Arte. El primero que pasa es donde leo el artículo lo breve o lo que sea, debo saber dónde aparecerá la obra dentro de la impresión en la web, las limitaciones de producción, y quién verá mi trabajo. En este punto, se discute la cuota, y ojalá esté bien. Me dicen o aprenden del material, del espíritu de la obra que debo hacer ya sea triste, o feliz, divertido, espiritual, expresivo, lo que sea. A través de los años, cerca de la mitad de mi trabajo llegó con alguna expectativa de humor. Podemos llegar a eso más tarde. Es probable que empiece con una página en blanco de un par de papel translúcido que se utilizan para el rastreo. No empieces con una computadora. Para contárselo a mis alumnos. Despedir. Empiezas con miniaturas. Tengo que conocer al menos la forma del área que tengo para mi arte. Ahora, viene la idea. Pasé a mi propio pensamiento, que aquí es importante, que es la experiencia, lo que sé del pasado. Evito los clichés y hay que usar unas imágenes estereotipadas, tengo que hacerlo fresco. A menudo son necesarios para comunicar el mensaje. Google puede ser útil en este punto para ayudar con los símbolos, las metáforas, las asociaciones. El material ilustrado puede despertar una idea. A veces vienen mis ideas al despertar por la mañana. Está bien, tienes la idea. Ahora, necesitas un layout. Aquí es donde entra en juego tu sentido del diseño. Ya sea que la imagen principal sea una flor o un cráneo amenazante, el principio de diseño sigue siendo el mismo, siempre se aplican. Los elementos son contraste, escala, color, patrón, énfasis, unidad, y simetría dinámica. Tienes que preocuparte por todos estos elementos. Juega dentro de estos principios en mente. Te llevas estos principios y los mueves, porque eres el diseñador. Siempre hay espacio para jugar. En ocasiones, empiezo con un boceto en miniatura y trabajo mi camino hasta trazar bocetos. Entonces, rastreo el rastreo y luego trazo el rastreo que rastreé. Al menos, tengo la forma del espacio que tengo en mente cuando diseño carteles o lo que sea, y cuando tengo el concepto, a menudo lo rubro en el papel en mi bloc más grande. Ahí es cuando no hago una miniatura. Podría empezar con una miniatura pero luego ir a un pad grande para poder aprovechar la báscula que es fantástica en carteles, te da más oportunidades. El de ejecución. Tienes que determinar un estilo a menos que haya uno en particular o un estilo que utilices para todo tu trabajo. Puede ser un renderizado una caricatura, abstracto realista, heroico expresionista, o un estilo del pasado, Art nouveau victoriano, Art Deco, etc. Con técnica, elegiste la herramienta adecuada consistente con tu propio talento y sensibilidades. métodos pueden incluir; pluma y tinta, pintura, acuarela, pastel, impresión que incluye grabado, grabado, cortes de madera, cortes de delineador, estampados modernos con serigrafía pero luego podrías usar lápiz de colores, medios mixtos, tú puede hacer collage el cual puede incluir todas estas cosas. Podrías seguir estos pasos y tu compañera de piso o cliente aún le faltaba. ¿A qué se dedica? ¿ Es su visión personal, solución, o oficio? Una posible solución aparte de empezar de nuevo, es tratar de estirar los límites de la corriente principal. Empiezas con una idea corriente principal, todo el mundo la entenderá pero entonces tal vez puedas empujarla un poco para que sea más original, más inusual. Pero si te estiras demasiado, estás en la tierra de las bellas artes. No, no. Recuerda, el arte fino es bueno como ideas ambiguas, mientras que la ilustración expone ideas. Tu lector tiene que conocer a un nivel los mensajes. Cuando hablas de humor, cuando tenía unos 12 años leí un libro sobre dibujos animados. Lo único que recuerdo en el texto fue la palabra incongruencia, ir en contra de la expectativa. Eso se hizo importante para mí entenderlo. Estudia el trabajo de famosos caricaturistas pero no excluyas como un pequeño Nimo por el glorioso surrealismo o gato loco por fantásticas tonterías. Anota la técnica y desarrolla la tuya propia. ¿ Hay cabezas más grandes de lo habitual o son más pequeñas? ¿ Y el color y, proporción, fondos? Aplica ilustraciones humorísticas y caricaturas a carteles de proyectos, diseños gráficos, animación, todo tipo de formas en las que puedes utilizarlos. Entonces, hay tipo. Para quienes están haciendo tipo e imagen. Las ilustraciones que te gustaría hacer que estarían completas con carteles, empaques, y chaquetas de libros, tu uso inteligente y creativo la tipografía es esencial. En esta clase, no puedo desarrollar tu sofisticado uso del tipo. Lleva mucho tiempo. Tú lo enseñas con el ejemplo. Demuestra cuáles son las tipografías buenas, cuáles son las malas, cuáles son las reglas y la tipografía. Es decir esas más son reglas que uso involucran a un tipo que Sarah hijo y caras tipo tienen clase. serifas tienen fuerza. Hay cosas que sabes instintivamente sabes, qué tipo de letra usar cuando estás encontrando la fuente adecuada para el trabajo. Serifs significa clase. Sensores significan fuerza. Algunas generalizaciones cruzadas. Imagen grande, tipo pequeño, está bien. Escriba grande, imagen pequeña, está bien. Tipo e imagen tomando la misma cantidad de espacio. No tan bueno. Ahí es donde entra la escala. Buen diseño, y estamos hablando mayormente de diseño gráfico. El juego siempre es parte del diseño porque haces malabares con elementos. Tipo e imagen para satisfacer tu mensaje y necesitas jugar. Crea algo grandioso. 9. De cara al futuro: Los diseñadores se han dado cuenta de la importancia de conocer la historia del diseño gráfico porque pueden quitarle cosas. Muestra el pensamiento de los diseñadores. Usando qué tecnología tenían en ese momento que se puede utilizar nuevo de una manera fresca como reutilizar tipos antiguos. Ahí hay un montón de cosas antiguas terribles que los diseñadores pueden minar y usar para sus propios usos. Se usaron las carpinterías porque aún no se había inventado el fotograbado. Entonces, no pudieron reproducir una fotografía, pero podrían hacer que alguien hiciera un renderizado y la cortara en madera. Pero, esos renderizados ahora se vuelven de interés para nosotros porque son novedosos, algo que habíamos visto. Pueden tener cierta vitalidad en ella, y se descubre que al estudiar la historia del diseño, sobre todo la tipografía antigua que fue muy ilustrativa. Parte de ella era muy decorativa porque tenía la sensación de ilustración antes de que se usaran las ilustraciones de la forma en que se hacen ahora. Simplemente estaban limitados en el camino en lo que podían usar. Entonces, para hacer interesante una página, el alfabeto se volvió muy florido y muy complicado en líneas y contornos. Ya no necesitas eso. Ahora, todo es Helvética. Sólo estoy bromeando. Sí, tienes internet, pero tienes que saber lo que buscas. Tienes que inspirarte en algo ahí, pero todo está buscando. Tienes que buscarlo, y no lo sabes. Las respuestas no lo son, no puedes presionar un botón y tu respuesta aparecerá. Porque, si lo hace, no sirve. O se ha hecho antes o simplemente no lo suficientemente bueno. Hay algún trabajo involucrado. ¿ Qué podría decirle a los alumnos que quieren salir adelante? Tengo que decirles que trabajen duro. Es lamentable que haya algunas cosas que se hacen en forma impresa en estos días. Todo está hecho en línea, pero encuentra otras formas de llamar la atención con una especie de visión que sea diferente a la de todos los demás con un estilo que es todo tuyo, no demasiado fácil, no como todos los demás, no demasiado lejos. Entonces, tienes que empujar el sobre hasta donde puedas para lograr lo que quieres hacer. Nunca sabes que eres tan bueno como el último trabajo que has hecho. Entonces, la idea es hacerlo lo más bueno posible. 10. ¿Qué sigue?: manera.