Transcripciones
1. Introducción: Pintar flores en
su estado natural puede resultar muy intimidante
ya que hay
mucho que considerar
con una miríada de formas,
tamaños y texturas
únicas. Por supuesto, las flores
pueden ser muy coloridas, lo que solo se suma a
ese reto. Aquí es donde los estudios
sobre papel tonificado pueden ser un primer paso increíblemente
útil. Hola. Soy Ohn Mar. Soy dibujante de bocetos, ilustradora para empaques de alimentos, ropa de
regalo y libros. He trabajado con
la BBC, YouTube y UNICEF y también soy el autor de Go With
The Flow Painting. Soy una de las mejores maestras
aquí en Skillshare, y ayudo a artistas de todos los niveles perfeccionar sus habilidades
en acuarela
compartiendo mi riqueza
de conocimientos llenar 40 cuadernos de bocetos
con paisajes, bodegones y flores. Esta
técnica de papel de tono nos permite crear bocetos dinámicos con el enfoque en la simplificación al descomponer las áreas en las áreas más ligeras, de
tono medio y más oscuras. Para ayudarnos a guiarnos a través
del proceso de boceto, proporcionaré
imágenes de referencia que le permitirán experimentar con una variedad
de formas y estilos. A lo largo de la
clase, compartiré decisiones
clave sobre
cómo interpreto todos los diferentes elementos
de las fotos que impactan en la composición, la
forma y el contraste. Además,
profundizaremos en el concepto
de espacio negativo, una técnica donde las formas se crean pintando a su alrededor. Este enfoque puede agregar profundidad y dimensionalidad
a nuestros bocetos. No creas que necesitas
salpicar cargas de materiales. Basta con tinta o
pintura marrón y blanca y puedes usar cualquier papel tonal de sobres
viejos o incluso del
interior de cajas de cartón. Si te encanta pintar flores, quiero llevarte
al siguiente nivel. Este tipo de estudios te
ayudarán a refinar tus habilidades observacionales y conocimientos de contraste de valor. Espero que estés emocionado de unirte a mí en este viaje
y no puedo esperar a ver tus hermosas
interpretaciones
de las flores en papel tonificado.
2. Tu proyecto: Muchas gracias por
acompañarme en esta clase. He estado trabajando en
papel de tono durante el último año, además de mejorar
mi conocimiento de los valores, especialmente los
destacados. Creo que esto ha mejorado enormemente mis piezas de cuaderno de bocetos ya
que me veo obligado a buscar áreas de luz y oscuridad
y simplificarlas en formas y usar el contraste para dar la ilusión de luz
direccional. Para esta clase, puedes usar cualquiera de las
imágenes de referencia de alta resolución que utilicé para
las demostraciones de esta clase. Hay una
descarga en PDF disponible llamada referencias de flores
para papel de tono, y esto se puede encontrar
en la pestaña de proyectos y recursos justo aquí en el lado derecho debajo de
la palabra recursos. Tu proyecto es crear un estudio floral sobre papel
tonificado con tinta
blanca y marrón
a partir de una imagen de referencia utilizando las técnicas que
demostraré en los videos. Por favor, incluya uno o
más
estudios de tinta y papel de tono de su floral elegido además de sus pensamientos
sobre el proceso, y la lección aprendida, y cualquier desafío
que enfrentó. Está bien para ser honesto aquí. Puedes elegir tus propias imágenes, pero asegúrate de incluir tu foto de referencia
en tu proyecto. Esto es importante, sobre
todo si desea algún comentario constructivo sobre sus bocetos para que pueda ver en qué estaba trabajando. Cuando estés listo para
subir tu proyecto de clase, dirígete a la pestaña de proyectos y recursos y presiona el botón
“Crear proyecto”. Primero, te dio un
proyecto para
foto de portada y un título para
que realmente se destaque. Aquí, puedes agregar los
contenidos de tu proyecto, incluyendo las fotos y el texto para reflexionar sobre el proceso y
lo que te pareció interesante. Una vez que hayas agregado tu contenido, no
olvides presionar “Publicar”. Cuando termines, puedes
regresar en cualquier momento para editar o incluso agregar más
fotos a tu proyecto. Sé que puede
dar mucho miedo poner tu
trabajo en el mundo, particularmente cuando
estás empezando, pero
te animaría a ser audaz y compartir para que te pueda
dar retroalimentación. Por favor, eche un buen
vistazo a la
galería de proyectos y suelte algunos me gusta y comentarios sobre algunos otros proyectos de
estudiantes para. Vamos a difundir esa buena energía ya un comentario alentador tiene el poder de realmente
hacer el día de alguien. En el siguiente video, vamos a
repasar las herramientas y materiales que
necesitarás para esta clase. Cuando estés listo,
únete a mí ahí.
3. MATERIALES: Empecemos por mirar los materiales que
vamos a necesitar para esta clase. El papel tonificado es
simplemente un papel que tiene un valor distinto al blanco. O en otras palabras, no
es papel blanco. A menudo viene en
diferentes tonalidades de gris o marrón y también negro. Se puede comprar un
papel tonificado en muchas formas. Tengo este
cuaderno de bocetos de papel en tonos grises de Hahnemuhle, que verás más adelante. Hahnemuhle también hacen
una versión cappuccino. Tendrás que revisar
mi otra clase de papel tonificado si quieres ver
estas páginas en primer plano. Strathmore produce un paquete de
papel de diferentes tonos de colores como estos. Está hecho para pasteles, pero también puedes usar
esto para este proyecto. También vale la pena considerar
un paquete de papel kraft
estándar que
puedes comprar de manera muy barata. Es muy probable que tengas papel tonificado tirado por la casa
sin darte cuenta, tal vez por el papel para empacar o el interior de cajas de
empaque de alimentos como esta. Si los desarma, vienen en todas las
formas y matices. Muy sorprendentemente, son papel tonificado
confeccionado. Lo bueno
es que no tienes que pagar más dinero por estas mis
cajas de barra de proteínas, sobres de Amazon. Incluso me quedé con este papel pero
algunas flores están envueltas. También tengo este sobre
manila de hace
unos años que dibujé
flores en pluma blanca. Pensé que merecía la pena
mostrarte ya que es bastante bonita. Lo que estamos haciendo en esta
clase son principalmente estudios, y no están destinados a ser elaborados
trozos terminados de obra de arte. Realmente puedes usar
cualquier trozo de papel de tono que
tengas por ahí. Además si eres nuevo en
esta forma de trabajar, si te metes un poco, no
te sentirás precioso
por tener que tirar papel caro. Basta con encontrar otra
caja de cartón y desarmarla. Como necesitamos indicar
sombra y reflejos. Aquí es donde entran las tintas. Empecemos por mirar
una selección de tintas marrones. Empiezo con tintas acrílicas. Son esencialmente una
versión extremadamente fluida de pintura acrílica. La tinta acrílica está basada en pigmentos, y estos pigmentos se
adherirán a la superficie
del papel de forma permanente cuando se sequen y no se pueden reelaborar. Sí hay que trabajar bastante rápido. Generalmente, la tinta acrílica
es más resistente a decoloración debido a los
pigmentos que contiene. Tengo estas tres
tintas acrílicas mordidas a mi alrededor. Estos necesitarán tener un buen batido ya que parte
del pigmento se
pegará en la parte inferior. Veamos cómo se
ven en el papel de desecho. Esta es Tara Rosa. Es bastante marrón rojizo, probablemente un poco
demasiado rojo para mi gusto. Este es marrón antílope. Es un poco
como marrón nuez, pero es de tono verdoso claro. Este es sepia. Cuando lo miré
a través de la botella, Parecía un verde oscuro
turbio. Pero cuando lo aplico, en realidad
es
un marrón bastante profundo. Estas dos tintas marrones son
de Winsor y Newton. Tenemos marrón nuez
y marrón turba. El marrón nuez es más de un color
rojizo y terroso. Esta turba Brown se parece
más a la sienna cruda. Es un tono bastante dorado. Ambas son mucho más translúcidas que
las tintas acrílicas. También vale la pena mencionar esta
tinta acrílica umber quemada de Liquitex. Yo diría que está cerca
de castaño castaño. Es de color bastante cálido. Si no tienes ninguna
tinta, no te preocupes, solo mezcla un poco de Gouache
marrón hasta que
quede como una sola consistencia de
crema. Ahora para las tintas blancas, de nuevo, hay bastantes variedades por ahí que
te darán diferentes resultados. Primero, estoy empezando con el Kuretake una tinta blanca altamente
opaca. Está saliendo bastante rápido, pero se puede regarlo. siguiente paso es la tinta blanca a prueba de sangrado del Dr. Ph .
Martin. Esto es bastante grueso y es muy similar
al Kuretake. Este siguiente es
de Dalan Rowney. Es una tinta acrílica. Probablemente debería haber
estado lavando mi cepillo. Todavía había tintas de las dos versiones anteriores que
estaban pegadas en este pincel. Se le ha dado un resultado diferente. Esta es la tinta
blanca Liquitex. Sí me lavé el
cepillo antes de
probarlo y no es tan
grueso como los demás. Si no tienes tintas blancas,
solo
tienes que mezclar un poco de Gouache blanco
o incluso acrílico blanco. Funcionarán
igual de bien para esto. Por último, necesitarás
algunos pinceles pequeños. Estos son solo pinceles sintéticos y van a dar un chasquido
realmente bueno. Cualesquiera que sean las tintas marrones y
blancas que tengas. Te sugiero encarecidamente que
pruebes todo en un trozo de papel
tonado de desecho como yo. Tienes una buena idea de la
cobertura y cómo se comportan. Si haces esto, probablemente
tendrás una
experiencia mucho mejor cuando vengas a crear tus estudios.
4. Mis ejemplos: Incluso antes de saber que
estaría creando esta clase, estaba probando
bastantes
enfoques diferentes de forma independiente. Esto en realidad
terminó formando la base de las demos que te voy
a mostrar en esta clase. Vas a estar viendo la experiencia que he ganado de varios intentos e
iteraciones en esta clase. Tendrás la oportunidad de
presenciar la evolución
de tus propias habilidades y
técnicas y obtener una comprensión
más profunda
del proceso de aprendizaje que se puede lograr a través de la persistencia
y la exploración. Algunos de ustedes pueden haber visto este
cuaderno de bocetos gris de Halloween de mi clase de papel de tono anterior. Siento el comienzo de
este cuaderno de bocetos con retratos que renderizé solo
en bolígrafo en blanco y negro. Quería continuar
con este tema, así que decidí facilitarme la vida capturando flores simples. En primer lugar, tenemos
esto, no me olvides, con tinta blanca y pluma de pincel
Kuretake. Realmente solo estoy mirando forma para reunir la
esencia de la flor, y aquí está
sucediendo bastante simplificación. Lo siguiente son algunas gotas de nieve. Los dibujé a
principios de la primavera, y me inspiró mucho
lo que estaba viendo a mi alrededor. Estos
se habrían hecho increíblemente rápido pero los resultados
son realmente encantadores. Este video en particular
fue tomado en Norfolk el semana de
mi cumpleaños y
fue una vista tan gloriosa. En realidad pinté más gotas de
nieve mientras estaba allí. Te voy a mostrar al
final de esta clase. Uno de mis favoritos
es el manzano, que anuncia las partes
más cálidas de la primavera. Tienen
unos cogollos tan distintivos que son tan delicados, pero se convierten en una fruta
increíble. Estas
manzanas particulares son tan dulces. A mis hijos les encantan. Aquí hay algunos muy
lindos del lado nazi y lirio de los valles. De nuevo, simplemente muy simples estudios de pluma de pincel
y tinta
Kuretake. cerezo son tan encantadoras y verlas
siempre me ilumina el día. Estas muestras particulares
fueron recolectadas por el río. No soy un gran amante de las
pelotas infernales pero ahora he encontrado un enorme
aprecio por ellas. Todavía traen esas
encantadoras vibraciones primaverales. Puedes ver aquí que mis trazos se están volviendo
bastante expresivos. En esta etapa, sentí que mi
cuaderno de bocetos era demasiado pequeño para el tipo de exploración con la que
quería jugar. Por suerte, tenía un montón
de papel marrón mintiendo. Utilizo parte del papel de
embalaje alrededor algunos paquetes para probar
algunas ideas diferentes. Aquí, puedes ver en
este primer ejemplo, es algo de flor de espino. El papel está un poco arrugado pero realmente no
importaba. Sin embargo,
fue muy agradable trabajar en este sobre de cartón . Tengo que decir que me
impresionaron mucho los resultados. Simplemente repitiendo el proceso, usando la misma imagen de
referencia, obtienes resultados tan maravillosos. Aprendí tanto. Seguí mirando los climas invernales
florecientes. Sé que el papel está
muy arrugado pero creo que se suma al efecto. Es una imagen bastante complicada. Entonces significaba que realmente tenía que mirar y simplificar esos
oscuros y luces. Es un
estudio muy importante para mí. Este es un
poco más involucrado. Es de una fotografía que tomé primavera
pasada cuando
recogía ramitas de flores florecientes mientras
salía a mis caminatas diarias. Todavía aprendí mucho
de estos dos ejemplos, pero sí sentí que el
valor tonal del papel sobre este estaba un poco pálido
para nosotros tratando de lograr. De nuevo, algo así
es muy importante para mí entender en el futuro. Puedo tomar esa información
y usarla en una fecha posterior. También tengo otra clase sobre papel
tono llamado papel tonificado, ilustraciones
impresionantes y sencillas
en blanco y negro. Utilizamos referencias reales
de frutas, verduras y jarrones para
descomponer las formas en sus áreas esenciales oscuras
y claras fin de comprender mejor
el tema. Por favor, echa un vistazo a
esta clase si
quieres más ejemplos de observación
cuidadosa y el uso bolígrafos en blanco y
negro para
enfocarte en las formas y el contraste. Dejaré un enlace a esta
clase en la descripción.
5. Ventajas de los estudios: El color es probablemente una de las cualidades
más atractivas de las flores y hay una miríada
de colores para elegir. Pero créanlo o no, cuando se trata de
representar florales, valor es en realidad
más importante que color para el diseño y el
éxito de una pintura. Valor; las luces y los oscuros, son la razón por la que no necesitamos ver un contorno
en nuestra pintura. Los bordes de los objetos no se definen
necesariamente por el color
sino por el valor relativo. En esta clase, estamos utilizando papel de
tono para mejorar
nuestra comprensión del contraste y la profundidad de
nuestras referencias florales. El papel de tono en sí mismo
actúa como base, permitiendo que los reflejos y las sombras
destaquen de manera prominente. Los estudios de tono no deben
descartarse como una pérdida de tiempo. Por el contrario,
juegan un papel crucial en profundización de su comprensión de las obras de arte
florales en
múltiples niveles. Si bien puede ser tentador sumergirse directamente en
la versión en color, pasar
corriendo más allá del
estudio del tono significaría
perder importantes oportunidades de
aprendizaje. Al tomarse el tiempo para
crear estudios de papel de tono, sienta las bases para una
comprensión más completa de sus flores. Estos estudios
te permitirán explorar y comprender los fundamentos de la forma, valor y la composición sin
la distracción del color. Te darán
la base sólida para capturar la
esencia de la flor, sus formas y la
interacción de la luz y la sombra. Al observar y
renderizar cuidadosamente las flores
en papel de tono, desarrollarás un buen ojo para los sutiles matices de
valor y contraste. Esta mayor
conciencia
beneficiará enormemente tu futuro
trabajo de color, ya que tendrás una mayor comprensión de
la relación entre diferentes tonos y tonalidades
y cómo interactúan. Adicionalmente, los estudios
de papel de tono brindan una oportunidad para
la experimentación y planeación. Dado que suelen ser
más rápidos y consumen menos tiempo que
una pieza a todo color, tienes la libertad de
probar diferentes técnicas, explorar diferentes
composiciones y hacer ajustes sin la presión de comprometerte con
un resultado final. Esto le permite
refinar sus ideas, probar varios enfoques
y ganar confianza antes de comenzar con una versión de color más
compleja. Este proceso evolutivo de
aprendizaje y refinación
fortalecerá tu capacidad artística y te ayudará a
crecer como artista. Estos estudios realmente
van a sentar una base sólida para cualquier pieza de color
potencial, permitiéndole abordarla
con mayor confianza.
6. Espacio negativo: A veces utilizo
el espacio negativo en mis bocetos como medio para definir la
forma y la forma. Como pueden ver, estoy rellenando el área
de fondo y detrás de las flores de cerezo
usando una pluma de pincel. Originalmente pinté esto
en acuarela y tinta, pero sentí que les
faltaba profundidad, así que estoy usando esta pluma de pincel en los espacios negativos
para ayudar a proporcionar contraste
visual con
el tema principal, que son las flores de cerezo. Durante las demostraciones de clase, podría comenzar a
hablar de espacio negativo. Me gustaría explicar un
poco más sobre este término. espacio negativo es el área
que rodea al sujeto, o en otras palabras, espacio
positivo es
el foco principal, mientras que el espacio negativo
está en el fondo. Al bloquear intencionalmente el fondo o las áreas
circundantes, el sujeto se vuelve más pronunciado y
visualmente prominente. espacio negativo actúa
como marco visual, llamando
la atención sobre la mirada del espectador hacia ese sujeto principal, que en nuestro caso
serán florales. Al prestar atención
a las formas formadas por el espacio negativo
alrededor del tema, los artistas pueden definir y
mejorar
efectivamente la forma general
y la forma de las flores. La interacción entre el espacio
positivo y el negativo crea un diálogo visual
que agrega profundidad, dimensión e
interés visual a su obra de arte. uso del espacio negativo permite
espacio para la interpretación y
personalmente creo que
evita que la obra de arte sienta abarrotada
o abrumadora, y es un dispositivo muy útil
para entender cómo usarlo. Te voy a mostrar
algunos ejemplos más. Este es un
templo budista zen en Kioto, Japón. La imagen de referencia muestra
este templo en la nieve. Yo uso la línea de árboles
en el fondo para definir el borde de
ese techo que estaba cubierto de nieve
y creo que es un gran ejemplo de
usar el espacio negativo para dar el sentido del
borde en
lugar de usar la línea porque
el papel era blanco. Aquí hay otro gran
ejemplo donde
rellené el fondo detrás este cuervo **** en un color
realmente oscuro para acentuar la
forma de su cuerpo. No sé qué había
en el fondo, pero este es el
dispositivo que utilizo para mirar las plumas de su cola. En esta versión, el verso
es realmente pálido y contra el libro blanco
hubiera sido difícil de definir, así que usando una ciruela Borgoña muy
oscura, pude darle
mucha más definición
y lo mismo otra vez, con este vaso de cerezas. Este bodegón,
he usado un
marcador acrílico
realmente, realmente azul oscuro para definir el borde de esta cebolla que está creciendo y también el mango de esta tetera. En este opuesto, se
puede ver que el azul
oscuro entra nuevo entre los tallos y bordes de estas hojas
para dar la impresión que se puede ver a través de esa
planta al fondo. Por último, este ejemplo
de los cardos, he usado el espacio negativo, nuevamente, usando una pluma de pincel para dar un fondo mucho más oscuro porque las hojas tenían una forma muy
inusual y también la parte superior de
los cardos estaban esponjosa y pensé que esa era la mejor manera de acercarme a
estos cardos. Sé que es una
cantidad increíble de información, sobre todo si nunca antes has
usado el espacio negativo. Pero espero que las
próximas demos
pongan en práctica algunas de estas
teorías.
7. Flor 1: Clematis: Esta clemátides en
realidad estaba creciendo en mi jardín y pensé que era un arreglo muy bonito. Se puede ver muy claramente la luz y la
oscuridad, siendo las
flores de clemátides increíblemente ligeras en valor. Las zonas más oscuras están directamente debajo de esas flores
centrales, y luego a medida que te
mueves de estas áreas, comienzas a ver las
formas de una hoja entera. Para esta demo, voy a
estar usando curie take tinta blanca con uno de estos papeles strathmore
tonificados de la libreta. Voy a colocar la flor de clemátides
más grande, esa es la de
la parte inferior derecha. Todos ellos tienen cuatro pétalos
lo que hace la vida fácil, aunque no están completamente en ángulos de 90 grados uno
del otro. Recuerda, estas son cosas de cultivo
orgánico, así que no seamos demasiado
perfectos desde el principio. Hay tres informaciones que se superponen
entre sí, así que hay
que decidir qué pétalos están
al frente y qué pétalos
van detrás de los demás. Superponer pétalos y
hojas puede ser realmente confuso y no tienes
que retratarlo con precisión. Estos son sólo estudios. Tendrás que hacer una llamada de juicio y tu
decisión está absolutamente bien. Esta un poco más pequeña, aunque es
un poco más rosa, todavía
me voy a
ir con tinta blanca. Porque es tan ligero
comparado con ese fondo. En realidad no
creo que el posicionamiento de algunos de estos
pétalos sea exacto, pero lo que estoy tratando de hacer
es mirar la relación de cada pétalo y hoja uno al
lado del otro, así que todavía se lee como una clemátides, como si estuvieran
creciendo orgánicamente. Los estudios de tono sirven como un gran ejercicio
de resolución de problemas. Aquí tenemos la primera capa, que es la tinta blanca. Ahora vamos a
estar usando algo de la tinta Liquitex de siena quemada. Estoy escogiendo absolutamente
las áreas más oscuras que se encuentran entre los pétalos
en esta zona central, aunque soy consciente de
las vides y secciones que probablemente caen en
las áreas de tono medio. Veamos primero las formas de esos lugares más oscuros. Esto le ayuda a comprender la estructura subyacente
y las proporciones, y esto le permitirá
crear una
representación más precisa. Como he mencionado
en otras clases, es muy buena idea entrecerrar los
ojos cerrándolos a la mitad. A medida que lo hagas,
en realidad verás menos
del color y más de solo
las luces y los oscuros, y estos son los
valores de tus colores. Esta área aquí-, la sección en la que estoy
trabajando es en realidad una hoja, así que voy a estar
usando pintura negativa para extraer esa forma
del papel de tono. Podemos darle sentido a lo que vemos porque reconocemos su forma. He podido
definir este borde de la hoja y
éste al lado. Mi técnica es perfilarlo primero y luego rellenar
ese espacio negativo, probablemente
haya otras
formas de hacerlo,
pero este es el proceso en el que me estoy inclinando en este momento. Estoy agregando ese tallo ahora y la hoja que está
flotando justo encima de él. Sé que parece medio terminado, pero voy a volver
a ello en un poquito. Los estudios de tono realmente fomentan la simplificación
de formas y formas. Cuando trabajamos sin distracciones de
color, puedes concentrarte en capturar las formas y
estructuras básicas de tu sujeto. No puedes esperar
capturar todo, así que en algún momento
vas a tener que decidir qué incluir
y qué dejar de lado, para darle esa apariencia
de estratificación y profundidad. Notarás que estoy
revoloteando o moviéndome de una zona a otra, y esa es solo mi forma de
tratar de decidirme, tratando de averiguar cómo encaja
todo, porque no siempre puedo
verlo de inmediato. Me he dado cuenta de que el
tallo en el que acabo pintar está en realidad
en el lugar equivocado, y me he dado cuenta de su
relación con el pétalo. Voy a tener que tomar
una decisión al respecto. Por ahora, lo voy a
dejar esbozado, sé que hay algo que
no está del todo bien, pero no puedo
entenderlo por el momento. Simplemente están
pasando tantas cosas ahí ahora mismo, y no quiero
incluirlo todo porque
simplemente se vería demasiado ocupado. Voy a tener que
hacer una llamada de ajuste. A pesar de que, sigo
tratando de transmitir esa aleatoriedad de las hojas a tejer en el fondo. Es realmente como analizar la
distribución de luces y oscuridad para identificar
esas formas principales, y permitirá al espectador comprender lo que
realmente está ocurriendo aquí. Pasando al tallo, que se puede ver
saliendo de la izquierda. Probablemente sea un
poco pesado, pero vamos a rellenar esa sección con
algo de entintado negativo. Para mí, cuando estoy en duda, siempre lleno primero
las zonas más oscuras porque le da a
mi cerebro reflexionar cuál va a ser mi
siguiente paso. Estoy usando el espacio negativo y
positivo para retratar las hojas de la clemátides y los tallos,
porque se están entremezclando. A pesar de que he
acelerado este video, todavía se
puede ver que hay un poco de vacilación y que solo soy yo quien decide cuál va a ser este siguiente
paso. Sigo mirando la referencia, y mirando mi papel,
ideando la forma más sencilla de retratar lo que estoy viendo. Esta línea que he dibujado
justo a la izquierda es en realidad uno de los
postes de mi barda, y creo que va a crear un borde
bastante bonito. Estoy mirando el borde
de esta flor de clemátides. Podría llenarlo con tinta blanca, pero creo que lo que he
decidido hacer es dejar que el papel de tono se vea a través
en su lugar. Creo que eso
funcionó bastante bien. Ahora estamos terminando agregando los estambres a la mitad
de cada flor de clemátides. He decidido simplemente usar puntos, porque cuando entrecerro los ojos, en realidad no
puedo ver
mucho de lo que está pasando, así que esta es la mejor
aproximación que puedo transmitir. Pero eso está bien, porque es la simplificación la
que permite
a los artistas identificar rápidamente qué es
esta parte de la flor. Solo para recordarte de nuevo, estos son solo estudios. Están aquí para permitirnos
mejorar nuestra observación, percepción de
profundidad
y
tener más confianza en la toma de
decisiones. Sabes, siempre me gusta
hacer una crítica cariñosa después donde evaluamos
lo que hemos creado. Tengo que decir, para
mi primer intento, estoy muy satisfecho con
cómo ha resultado esto. Creo que da
una buena impresión de esas bonitas clemátides rosadas. Hay una cualidad
orgánica muy viva, casi como un
patrón de luz de luz oscura que corre
por todo este grupo. Cuanto más miro esta pieza, más observo
cómo
la luz cae sobre diferentes superficies y
crea esos
reflejos y sombras, y eso nos permite
definir algunas de las formas tridimensionales
de esos pétalos y hojas.
8. Flor 2: Hawthorn: Estos espinos crecen
en todas partes de mi barrio local. Me encanta verlas
en primavera alta. Si hacemos el truco de entrecerrar donde hemos cerrado los ojos, podemos ver la
flor de espino realmente reventar contra ese fondo verde oscuro y también la mayoría de las propias
hojas. Toma nota de las
zonas más oscuras, especialmente donde
esos delicados tallos que son realmente claros en valor aparecen frente estas manchas oscuras
en el fondo. Por suerte, las
flores y los cogollos de espino son bastante simples y con eso
vamos a empezar. En realidad estoy usando una bolsa de papel para
llevar para esto. Comenzando con la tinta blanca
Daller-Rowney y un pincel redondo número 8, las flores blancas son trazos
realmente simples. Puedes ponérselos o comenzar desde el centro hacia afuera. Recuerda superponer algunas de las flores ya que es
lo que hacen de forma natural. Lo mejor es
concentrarse en
juntar las formas de todos
los grupos de flores todos
los grupos de flores en lugar de
tratar de pintarlas individualmente. Recuerda, el cerebro
puede llenar los vacíos. Puede hacer suposiciones
sobre lo que está pasando. Los estudios de tono no
pretenden ser réplicas perfectas. En cambio, están destinados
a animar a los artistas a observar e interpretar
su tema. Al permitir
formas y proporciones aproximadas, puedes concentrarte en capturar
la esencia y el carácter de tus flores en lugar de quedar atrapado en algo
demasiado preciso. Esto permite interpretaciones
más expresivas y
personales de tu tema. Creo que esto está teniendo un muy buen comienzo. Ahora, vamos a entrar con
la tinta Daler-Rowney. Esto es sepia. Recuerda darle
un pequeño batido a
estas botellas de tinta para que los pigmentos no
queden pegados en el fondo. Si entrecerré los ojos, esa zona es una de las más oscuras y está directamente al
lado de la flor. No obstante, a medida que te mueves hacia abajo, hay más hojas, así que vamos
a tener que rodearlas. Voy a estar agregando la
hoja que es adyacente. Creo que mi posicionamiento
está un poco apagado, pero puedo vivir con esto. Podemos volver
a ver esto. Ahora voy a volver a llenar
otra zona muy oscura. He notado que las hojas
en los espinos son muy distintivas y son
como una forma de tres puntas. Esta sección aquí, puedes ver algunos de los tallos realmente
delicados, y me gustaría
incorporarlos. Eso significa tener una pincelada muy
estable para que ese papel
tonificado se vea a través mientras pintamos el espacio negativo alrededor de
esos tallos muy delgados. He decidido agregar algunas flores blancas más habiendo observado esa
imagen de referencia un poco más larga. Creo que trabajar de esta manera
es como seguir un camino, pero no estás muy seguro a
dónde te lleva pero solo tienes que confiar en que
llegarás al destino final. Ahora estoy trabajando en
esta sección superior, que tiene esa diminuta rama de la que todas las ramitas
parecen estar saliendo. Es buena idea agregar eso ahora
para que sirva como punto de
referencia para que
pueda medir dónde están algunas de las
hojas en relación con ella. Ahora, voy de zona
oscura a zona oscura. Aunque, tengo que admitir que a veces
estoy muy confundido porque
en realidad no puedo entender
qué está pasando. Tengo que trabajar con una aproximación y
simplemente seguir volviendo
a la imagen de referencia para hacer observación
muy cuidadosa
para obtener más insights. Estoy seguro de que todos ustedes
van a tener sus propias interpretaciones
de la misma imagen, y eso está absolutamente bien. Creo que el papel de tono ofrece a
los artistas una gama más amplia de posibilidades
expresivas y puedes hacerlo tuyo. Verán que sigo haciendo esto revoloteando de área en área, solo tratando de
recabar información. Poco a poco,
creo que estoy llegando. Tiendo a no quedarme en
ningún lado demasiado tiempo. De lo contrario, podría terminar trabajando demasiado en ciertas áreas y realmente no quiero
eso porque esto solo
está destinado a ser un estudio. He decidido esta zona
en la parte inferior izquierda. Acabo de tener que inventarlo porque está un
poco borrosa en la foto, pero si entrecerré los ojos, esa zona es increíblemente oscura, así que creo que esta es
la mejor solución. Los estudios de papel tonal brindan una oportunidad de
experimentación y refinamiento a medida que intentamos establecer la relación
entre ciertos ítems. En este caso, son
hojas y flores. Siempre pienso que es un poco como magia ya que rellenas
el espacio negativo y ves esas hojas emergiendo
de ese parche de papel. Esta zona en la parte superior izquierda necesita solo un poco más de definición para
ayudar a que esta pieza se lea mejor. Una cosa que vale la pena
mencionar aquí es que estudios
rudos como
estos pueden ayudar a los artistas superar su miedo a cometer errores porque fomenta un enfoque más relajado y
exploratorio que fomenta un sentido de
libertad y creatividad. Realmente está abrazando
el proceso. Ahora es el momento de agregar los
pequeños estambres en el medio, que son muy delicados. Probablemente he sido un
poco pesado aquí. Otra analogía podría ser rellenar partes del
mapa a medida que avanzas. Estás tratando de trazar las diferentes partes de
esta flor de espino. A medida que obtenga información extra, puede rellenar otra parte. Creo que las diminutas áreas de
los delicados tallos necesitan un poco más de
definición porque es una parte importante de esta agrupación de flores de
espino. Aunque estos diminutos
tallos de espino son increíblemente pequeños y difíciles de pintar
como espacio negativo, son increíblemente
importantes para apoyar la historia de este ramo
de flores de espino. Solo estoy agregando que
ayuda a caracterizar las formas distintivas de las hojas
que vemos en los espinos. Echemos un vistazo a
lo que hemos hecho aquí. Sí, se ve
un poco áspero alrededor de los bordes y
está inconcluso, pero eso es totalmente aceptable. Lo principal es que hemos
enfatizado lo esencial, que son las
relaciones de valor y la composición general. También al dejar intencionalmente
ciertas áreas sin terminar, puedes llamar la atención sobre
los elementos más cruciales que transmiten la esencia
de tu floral. Este enfoque selectivo ayuda a priorizar los
aspectos esenciales de tu obra y dejarla inconclusa
puede servir como representación visual
del proceso artístico. Es un trabajo en progreso
y captura un momento específico en
tu viaje creativo. Personalmente, creo que
esto agrega un sentido de espontaneidad y
calidad gestual a mi obra de arte. Recuerde, el objetivo de un estudio de
tono es capturar elementos
esenciales y
servir como herramienta de aprendizaje. Siempre y cuando hayas
transmitido de manera efectiva los principales
aspectos de tu tema, dejarlo algo inconcluso
permite la interpretación. Puedes abrazar la estética
inconclusa como elección artística
deliberada y explorar las
posibilidades creativas que ofrece.
9. Flores 3: Ramo mixto: Este es un ramo encantador que
armé durante una caminata de
primavera el año pasado. Tenemos una mezcla de calamitosos, campanillas, y también espinos. Dos de estos ya
abordaste antes en esta clase. Sé que este ramo se ve bastante intimidante pero aún así puede
ser bastante sencillo. Para empezar todos
son generalmente más claros que el fondo, por lo que los pétalos y las
hojas deben salir. Sin embargo, un área que
sí quiero señalar son
los campanillas ya
que probablemente tienen valor
más cercano al tono medio. Creo que los vamos
a dejar como papel de
tono mostrando a través
de las zonas donde se sientan. Este papel marrón es la
parte posterior de un sobre Amazon. Para esta demostración
voy a estar usando el Dr. PH. Tinta blanca a prueba de sangrado de Martin. Como hicimos antes con las
otras flores calamitosas, vamos a comenzar con
los pétalos distintivos. No obstante, tengo que ser
consciente de la forma que crean cuando los pétalos
se tocan entre sí, especialmente esta de la izquierda
que está en ángulo lejos de nosotros. Por favor,
entrecerrar los ojos para ver la forma. Ahora agreguemos algunos de
esos cogollos de espino solo para darle un poco
más de información a este marco básico. En realidad hay una tercera flor
calamitosa a
la derecha y los pétalos de esta son ligeramente
más grandes que los otros dos. Entonces hay una versión realmente
pequeña junto a ella. Vamos a rematar con los cogollos de espino y
recordar rellenar la forma
de la masa de los cogollos para dar una impresión en lugar de
intentar agregar cada uno individual. Ahora que tenemos un marco
en su lugar creo que aquí hay suficiente para comenzar a agregar
algo de la tinta marrón. Se trata de Winsor y
Newton Pete Brown. El área central aquí es
realmente confusa ya que es solo una masa de
hojas oscuras ahí y estoy tratando desesperadamente de
averiguar qué está pasando. Sin embargo, sí tenemos esta
hoja distintiva de Hawthorne justo aquí en la parte delantera así que creo que
voy a agregar eso primero. Aparece debido a las enormes
hojas más oscuras detrás de él. A medida que mi ojo se mueve alrededor del
papel sí me doy cuenta de que hay muchos bordes oscuros
al costado de ese calamitoso así los
voy a agregar
ahora porque eso probablemente me ayudará a
asegurar esa posición. He decidido bloquear en esta pequeña área de
aquí hasta que
averiguaré qué está pasando con todas las diferentes
relaciones. En esta composición necesito
averiguar la relación
de los tallos de
los cogollos de espino y
hay tantos de ellos. Lo que he hecho es simplemente
dar una sugerencia. No he podido
añadir cada tallo. Ahora bien, este golpe hacia abajo es
en realidad parte de mi mano. Ahora, acabo de agregar
algunas formas positivas, algunas formas básicas de hojas, y luego al subir
vuelvo a ser negativo para agregar más áreas oscuras. Estoy teniendo que simplificar una cantidad fenomenal
aquí porque
solo hay tantas hojas
en este fondo. Ahora estoy agregando los
tallos de estos cogollos. Me he dado cuenta de que las flores de
espino están un poco fuera de lugar. Pero creo que una vez que tengamos los bluebells
van a verse mucho mejor. No voy a estresarme
demasiado por ellos. Al comenzar estos campanillas, quiero agregar muchos detalles
pero me estoy esforzando mucho no quedar atrapada en todas las pequeñas cabezas de flores
separadas. Lo que he decidido hacer es simplemente delinear los bordes
de los campanillas. Estoy tratando de no
preocuparme por la mayor parte de lo que realmente está
sucediendo dentro de esta área. Por eso me acabo de
apegar al contorno. Sé que ahora mismo se ve
muy extraño y no tiene
mucho sentido pero lo que creo que sí ayuda es establecer parte de
ese fondo oscuro. Aunque solo sean arbustos
de fondo, si entrecerras los ojos, es difícil averiguar qué son
aparte de esta masa oscura. Ahora que hay algo
enmarcando los campanillas, me siento un poco más
segura de agregar las brechas dentro de algunas de
esas formas de campana separadas. Ahora necesitamos establecer los bordes del otro lado
de este grupo bluebell. Sí se ve desordenado pero
sí creo que ha mejorado dramáticamente en términos de cómo
somos capaces de comunicar
este ramo. Puedo decir que hay algo floral pasando en ese espacio. Ahora vamos a expandir
ese espacio negativo alrededor de la mitad superior
de este ramo. Realmente debería haber usado
un cepillo más grande para esto. De todos modos, y también agregar
ese parche de oscuridad por encima de esos cogollos de espino la derecha realmente
le ha dado algo de contexto. Volviendo nuevamente al
centro del ramo, estoy haciendo mi truco habitual
de solo tratar de encontrar las áreas más oscuras y definir esas formas de hojas sobre
el papel y puedes ver que están emergiendo
muy bien, lo cual es muy satisfactorio. Estas hojas en particular se
batean contra la flor. Necesito asegurarme de
que parezcan estar debajo de esta agrupación y para dar esa ilusión de profundidad, no
estoy muy segura de
si esa parte estaba del todo bien pero
va a funcionar por ahora. He decidido que necesitamos la última pequeña flor
calamitosa y quizás el indicio de otra. Si bien tengo mi
pincel en la mano, voy a agregar
algunas masas más de flor de espino y reclamar
su espacio justo ahí. Si por el momento nos concentramos en este
racimo, podemos ayudarlos
definiendo el borde inferior de
este grupo con algo de tinta oscura y luego agregando esa forma de hoja para
definir otro borde. Esto realmente está empezando
a comunicarse mejor y esto agrega claridad a la composición y mejora la legibilidad general
de esta pieza. Las principales relaciones espaciales de este ramo están en su lugar y nuestra mirada se dirige hacia esas floraciones
calamitosas más grandes. Sin embargo, no estoy demasiado
satisfecho con esos campanillas. Simplemente son demasiado planos. Creo que necesitamos introducir un contraste más fuerte entre los valores de
luz y oscuridad. Voy a tomar un poco de
esa tinta blanca y sólo escoger los
reflejos más pequeños de los campanillas. Van a estar en la punta
misma de las flores. Los reflejos son esenciales para capturar el juego de luces en diferentes servicios
e indican las áreas que están más
directamente expuestas al ligero. Ahora es el momento de entrar
y crear esos estambres. Probablemente podrías ser un
poco más ligero en contacto que lo que me
ves haciendo aquí. Probablemente debería haber cambiado
mi pincel pero no importa. Estos pequeños puntos realmente agregan un bonito toque de contraste para atraer tu mirada
hacia el medio. Creo que aquí hemos hecho un trabajo
bastante bueno. Quizás podría haber
mirado un poco más de cerca
esos campanillas cuando están agrupados
así pero son increíblemente complejos y no
quería abrumarme. Siento que con esta
pieza en particular
tuve que ser más consciente de los bordes ya que había
muchos elementos ya que en había muchos tipos
diferentes de flores y hojas. Definir bordes en los
estudios de tono es esencial para crear separación visual
y profundidad de transporte. Es importante
establecer una sensación de separación y definir los límites
entre
las diferentes
formas de hojas y flores para comunicar
la vibra de este ramo. Quiero terminar este video destacando la importancia de estos
estudios exploratorios rápidos ya que permite a los artistas experimentar
con diferentes técnicas, medios e ideas antes comprometerse con una pintura
más grande y compleja. Sé que estos se ven increíblemente desordenados y rudos pero la belleza es que aprendemos de todos y
cada uno de estos y nuestras habilidades se
pueden refinar. Cuando era estudiante de arte, teníamos tantos estudios
exploratorios rápidos a menudo con un límite de tiempo muy
corto. Al crear primero estos estudios
más pequeños, podemos identificar y resolver
cualquier problema potencial
y esto
evitará la pérdida de
tiempo y esfuerzo en piezas más
grandes y
que consuman más tiempo. Permite que los ajustes y
refinamientos se realicen de
una manera más eficiente
y, en última instancia, conduzca a un
proceso de pintura más enfocado más adelante en la línea.
10. Reflexiones finales: Gracias por tomarse el
tiempo para ver mi clase. Vale la pena recordar que
incluso sin ningún color, pudimos
identificar muy fácilmente cuáles eran
las flores. Esto se debe a que nuestros cerebros son muy hábiles para reconocer e identificar objetos
como las flores basados únicamente en los patrones
de oscuridad y luz. Esto viene de la
notable capacidad de nuestro sistema visual para priorizar
y procesar el contraste. Realmente espero que seas
capaz de tomar lo que has aprendido de esta clase y
aplicarlo en futuras obras de arte. Diviértete descubriendo
las formas y tus flores y no puedo esperar a ver qué trozos inusuales de tarjeta o empaque
usas para pintar. Por favor, recuerda
subirlos en la sección de proyectos. Me encantaría que dejaras
una reseña para esta clase ya que realmente me ayuda a mí y a
tus compañeros de estudios. Si quieres compartir lo que has creado en esta
clase en Instagram, entonces por favor etiquétame @ohn_mar_win y usa
el # ohnmyskillshare, para que pueda encontrar tus increíbles piezas y
compartirlas en mi feed. Ahora sí te prometí echar un vistazo a otra versión de snowdrops
que pinté en mi cuaderno de bocetos. Esto se inició en la ubicación compartir y estacionar en Norfolk. Este es en realidad
el trasfondo de mi cuaderno de bocetos antes de
agregar algo más. Parece acuarela
abstracta, pero lo que en realidad he
hecho es crear mi propio fondo tonificado. La mayor parte de esto es en
realidad de gama media, aparte de esos árboles que
estaban de fondo e increíblemente oscuros y
pude trabajar encima de esto, verán
que había
dos versiones que creé. Uno con bolígrafos posca y el
otro con lápices de colores. Sin embargo, es el mismo
principio de encontrar las áreas más oscuras y usar el espacio
negativo para bloquear
partes del fondo. Creo que es en gran medida una continuación de lo que he
presentado en esta clase. Pero llevándolo a la siguiente etapa, aplicando las mismas consideraciones de contraste
y sombra, pero utilizando diferentes medios. Crear mis propios fondos de
tono espontáneo es algo con
lo que he estado jugando mucho recientemente en mis estudios de
cuaderno de bocetos. He usado tinta en el fondo,
aplicada de manera muy aleatoria, así que no reaccionaría con ninguna acuarela o bolígrafos con los que pueda
querer trabajar en la parte superior. Una vez que tengas las bases, podrás aplicar
el mismo marco. Estos son realmente tomados de
mi cuaderno de bocetos en el lugar. Si convierto algunos de estos diferenciales en una imagen en
blanco y negro, se
puede ver que básicamente he
creado papel tonificado. He podido
agregar reflejos usando un bolígrafo posca y bolígrafos de pincel
más oscuros. Comprender la relación
entre color y valor facilita el
trabajo con diferentes colores. Incluso aquellos que
parecen antinaturales como las salpicaduras rojas accidentales sobre la pintura acrílica
en este cuaderno de bocetos. De hecho, incluso sin
ningún color en absoluto, nuestro cerebro puede
identificar fácilmente objetos en una imagen. Esto se debe a que nuestra atención se centra
principalmente en los
patrones de luz y oscuridad. Cuando hay contraste entre elementos
claros y oscuros, nuestros ojos quedan
inmediatamente cautivados. Si bien a menudo pensamos color y el valor como conceptos
separados, están estrechamente interconectados. Al considerar el
valor de un color, podemos capturar efectivamente
la esencia de un objeto o escena independientemente
de su coloración. Al reconocer la importancia del valor y su
relación con el color,
podemos tomar decisiones informadas a podemos tomar decisiones informadas elegir el color
en nuestra obra de arte. Comprender que el valor juega un papel importante en la forma en
que percibimos e interpretamos los colores nos ayuda a crear composiciones más impactantes y visualmente
atractivas.
11. BONUS: Estudio de color de Clematis: Quería incluir esta lección extra en video para
mostrarte cómo interpreto la misma clemátides de la
Demo 1 como una versión en color. Ahora puedes comparar cómo emprender una versión en
papel tonificado ha influido en mi
toma de decisiones cuando
creo un
estudio de acuarela en color. No tienes que emprender la interpretación
del color como
parte de tu proyecto de clase, esto es puramente opcional. Sin embargo, si sigues adelante
y decides pintar uno, por favor sube tu versión en
color junto con el estudio de papel de tono
y algunas palabras sobre tu experiencia comparando
los dos estudios diferentes. Ahora que hemos creado una versión en papel tonificado
de esta clemátides, tenemos otra vez mucha más
información a nuestra disposición
de ese primer estudio. Podemos aprovechar esta experiencia
al mirar una versión acuarela de
la misma imagen de referencia. No se sienta intimidado porque ahora
estamos trabajando con el color. Como todavía tenemos que ser conscientes
de casi las mismas cosas, aún debe
haber un fuerte énfasis en la
forma y los valores. Antes de emprender
estudios de papel de tono son muy probables que
habrían comenzado con
unos pétalos pálidos como este. Pero es bastante difícil de ver. Voy a cambiarlo y trabajar primero con el espacio
negativo, igual que en nuestro Estudio. Vamos a entrar con un
poco de savia verde, donde he añadido
una gota de índigo. Estoy dejando el papel blanco o sin pintar y luego usando el verde para pintar el espacio alrededor de la forma
de esos pétalos. Sigue siendo un caso de
buscar las zonas más oscuras, principalmente entre cada pétalo. Cuando estoy pintando
las zonas más oscuras, entonces
estoy usando el
gris de Payne mezclado con
ese verde savia. No lo riegue demasiado. Asegúrate de que haya mucho
pigmento ahí para estos valores más oscuros porque las
acuarelas se secarán más claras. Se pueden ver estos
pétalos emergiendo, que adoro absolutamente. En realidad estoy mirando más la imagen de referencia en
este momento que mi estudio porque creo que me perdí algunas cosas
la primera vez, y porque estoy a cargo, puedo interpretarla como quiera. A veces es realmente
interesante
ver cuáles
son las diferencias cuando
comparas dos piezas de trabajo que pueden haber
derivado de una misma imagen. Todavía estoy tratando de
averiguar de nuevo los pétalos principales. Ellos varían ligeramente
de mi estudio total porque sigo trabajando con espacio negativo y ahora está dando resultados diferentes. Estaba teniendo dificultades reales para
acertar las proporciones de esos pétalos
y su posicionamiento. Pero acabo de dejarlo ir
y sigo adelante. Si crear un estudio de tono
y luego pasar a una versión en color en el
mismo estudio es nuevo para ti. Quiero
repasar rápidamente algunas de las razones por
las que la repetición
es tan importante. El principal al que he
tocado es generar confianza. A medida que los artistas repiten y
practican diversas técnicas, se familiarizan
y se sienten más cómodos con ellos. Esto genera confianza, reduciendo
algunas de esas dudas, y nos permite abordar piezas más
complejas como esta. Además, es muy
importante para desarrollar memoria
muscular
practicando repetidamente esas técnicas
y pinceladas. Entrenamos nuestros músculos. Cuando hacemos eso, en
realidad hay vías neurológicas en nuestras cabezas que realizan los movimientos deseados una y otra
vez. Se vuelve mucho más
efectivo y sin esfuerzo. Esto conduce a un mejor control y precisión y consistencia
en nuestras obras de arte. Ahora estamos buscando traer
algunas hojas más brillantes o ligeramente más ligeras en
valor en el área superior aquí. Ahora es verde savia
mezclado con amarillo. Se puede ver cómo
eso corresponde a las áreas en el papel tonificado
que dejamos sin pintar. Si tiene partes de su papel de
tono mostrando a través, aquí es donde algunas de
sus hojas podrían
entrar porque son más
de un valor de rango medio. Estoy dejando que los pigmentos se
mezclen en el papel. Así que dejar que algunos de esos
amarillos y verdes hagan la maravillosa hechicería de la
acuarela. Cuando entrecerras los ojos, ya
puedes ver la diferencia entre
los valores tonales de este verde claro que estoy
aplicando ahora y el índigo
oscuro y el
verde savia del fondo. La repetición ayuda a
establecer la memoria muscular, que es la capacidad
de nuestros músculos para recordar y realizar
movimientos específicos automáticamente, y a través de una práctica consistente, como lo que estamos haciendo aquí, podemos entrenar a nuestros
músculos para ejecutar ciertos gestos
y acciones sin tener que
pensar conscientemente en ello. Esto permite movimientos
mucho más suaves y fluidos cuando pintamos. Agreguemos una indicación
de ese poste de barda. Soy consciente de mantener esta
zona justo aquí sin pintar porque ahí hay muchos tallos
ventosos
que están al acecho. Me gustaría agregarlos más adelante. Ahora, creo que es el momento lavar
muy bien el cepillo porque me gustaría mezclar un poco de ese cálido rosa pálido y
luego rellenar los pétalos. Lo que he mezclado es rosa de
ópera con un
poco de gouache para ayudar con la opacidad y
una pequeña gota de naranja. Yo sí quiero conservar
algo de ese papel blanco debajo para mantener
esa luminosidad. Nuevamente, depende de ti
decidir si
quieres trabajar a partir de la foto de referencia original
o del estudio tonal, o una mezcla de ambas. Está muy bien tener
diferentes interpretaciones, y por eso hacemos estudios. Como vio en esa foto de
referencia, solo
había una maraña
de enredaderas en este rincón en
particular. Lo simplifiqué de inmediato
para ese estudio tonal, pero creo que le vendría bien
con unos pocos más. Está bien
cambiarlo porque tengo una comprensión mucho mayor de esta escena en particular
habiéndola pintado por segunda vez. Esas vides son de color beige
brownie, pero no creo que vaya
a introducir otro color. Voy a
mantenerlo realmente simple, pero aún da la
impresión de que estaba pasando
esta maraña
junto a esas hojas. Voy a agregar algunos más aquí
abajo en la parte inferior derecha. Entre ellas
hay algunas hojas. Creo que es momento de
agregar algunos de esos a esta área para
dar algo de contexto. Al igual que en los estudios tonales, no siempre tengo un plan de acción
claro. Literalmente solo
lo estoy tomando paso a paso y preguntándome qué es
lo siguiente que debo agregar. Voy de una
zona a otra ya
que confirmo una pieza
de información. Al mirar de nuevo este pétalo
central, me di cuenta de que era
totalmente de la forma equivocada. He pintado algo de
ese espacio negativo en, y sí, se
ve mucho mejor. Lo mismo otra vez con algunos
de los otros pétalos. Solo necesitaban resolverse
un poco mejor para que las formas fueran
mucho más claras. Es por eso que saber
utilizar el espacio negativo y la pintura negativa es
una herramienta tan brillante de tener. Al volver a subir a
la zona superior derecha, se ve bastante
similar a nuestro estudio, pero me está
costando mucho trabajar en cómo voy a
agregar esas hojas. No creo que vaya a agregar hojas
individuales aquí más bien. Lo voy a rellenar
con un color verde claro para que
contrasta lo suficiente con
esos pétalos pálidos. Como ya he dicho en
los otros videos, siempre
es bueno seguir moviéndose alrededor de tu pieza para
que no te quedes
demasiado obsesionado con
un área en particular y termines por sobretrabajarla. Voy a entrar con
esa savia amarillenta verde porque estas son
las zonas frondosas. Están ligeramente
variando en valores, pero voy a volver a entrar
una vez que estén un poco secos con alguna pintura
negativa para hacerlo más obvio. Son hojas. Está muy suelto y esos pigmentos
siguen fluyendo juntos, pero van a
salir bien. Confía en mí. Volviendo a esta sección
superior, no
quiero llenarlo
demasiado porque está demasiado desordenado para que mi cerebro
resuelva lo que está pasando. Yo sólo voy a
dejarlo así. cuanto a estas hojas
en la esquina inferior, ahora
voy a usar pintura
negativa para
construir una forma de hoja a construir una forma de hoja partir de ese verde savia que
dejamos antes. Esta zona en realidad está
un poco húmeda. Se puede ver que se está
fusionando un poco, lo cual está absolutamente bien. Ahora tomemos un momento para
admirar lo que hemos hecho hasta ahora. Creo que se ve genial con solo los
estallidos de contraste correctos. Ahora es el momento de
agregar los estambres. Nuevamente, estoy usando el verde savia, pero con mucho más amarillo en él para que armonice
con las hojas. Solo
los estoy teniendo muy rápido desde el medio hacia afuera. Tengo que volver a entrar con una savia ligeramente más
pigmentada de color verde con un toque de amarillo en ella. Sólo para agregar ese
indicio de contraste dentro de la dimensión
de esos estambres. Vamos a lavar nuestro cepillo de nuevo
porque vamos a añadir un poco más de detalle
a esos pétalos de clemátides, lo que les da su calidad
textural. Podría ser muy fácil en esta etapa comenzar a trabajar demasiado. Aquí es donde nosotros, como artistas empezamos a Pfaff. Al mantener tu cepillo
moviéndose alrededor de tu pieza, mantiene esa
frescura y energía, y evita algo de
esa manera de sobretrabajar. No parece tan espontáneo. Este movimiento continuo y variación en la pincelada
creará una sensación de vivacidad y permitirá el interés
visual y la vitalidad. Tuve que volver con el rosa pálido porque no los
había incluido en
esos pétalos de clemátides de extrema
derecha. Ahora es
el momento del pase final, que es como lo
llamo cuando agrego los detalles de acabado usando el gris de
Payne en este caso, pensé que sería una buena
idea darle al fondo de esta pieza un poco de un borde
exterior o un marco. Tenía algo en
contra de lo que trabajar y darle un
poco más de contexto. No suelo hacer esto, pero en esta ocasión, creo que
me está ayudando no sólo a seguir y
seguir hasta que llegue al borde de ese trozo de papel. Te has dado cuenta de que tengo una paleta
bastante limitada. Eso es para evitar
fangoso y mis colores. Y también al mover tu
pincel de diferentes áreas, evita
que esos colores vuelvan fangosos o se mezclen en exceso. Cuando trabajas continuamente en la misma área durante
un período prolongado, los colores pueden mezclarse
demasiado, y eso resultará en una
pérdida de claridad y vitalidad. Podría haber llenado esas
hojas en los bordes exteriores, pero estoy consciente de que no
quiero abarrotar algo de esto. Si nos tomamos un momento para
admirar ambas piezas, honestamente no creo que
hubiera podido sacar una versión en color como esta tan rápido si no hubiera
hecho un estudio tonal. Cuando haces la prueba de
estrabismo tonalmente, son muy similares. Dado que la versión en color
es la segunda versión, he podido
ingresar más información, así que probablemente he agregado algunos detalles más,
especialmente las vides. Adoro totalmente ese rosa
pálido contra ese exuberante fondo
azul-verde oscuro. Realmente espero que
puedas obtener efectos
similares si decides
crear una versión en color
de tu pieza floral,
si lo haces, por favor
recuerda subirla. No puedo esperar a
ver sus versiones.
12. Detrás de escenas: Rubí. Ruby querida, necesito mi escritorio, necesito comenzar a filmar. Vamos, puedes hacerlo. Gracias. No Ruby, Ruby bajarse, bajarse Ruby. Cariño, no sé
si así es el camino. Oh, cálmate. Ruby, te sentaste en mi trabajo.
