Transcripciones
1. Introducción: Como productor musical, tenemos que aprender teoría musical, que es esencialmente
aprender a hablar el idioma detrás de la música. Aprender los comportamientos
y patrones de música sienta las bases para que
podamos escribir y hablar
el idioma de música como lo haríamos con nuestra
propia lengua materna. Pero el problema es que la teoría
musical es compleja. Algunos dedican toda su
vida estudiando teoría. Pero ese nivel de experiencia no
suele ser necesario. A pesar de que el inglés es
mi lengua materna, no
necesito saber todas las
palabras del diccionario. Para convertirte en productor musical, cuánta teoría musical necesitas saber realmente. El caso es que la música más
popular solo use
ideas muy fundamentales para la teoría musical. Si puedes comprender lo básico, estarás completamente equipado
para crear canciones increíbles. Mi nombre es Maddie Kenny. He sido músico
casi toda mi vida. He terminado la
escuela de teoría musical y también he sido productor musical
durante los últimos 10 años. De hecho, recientemente me convertí en
médico, pero mi pasión por la música me mantuvo produciendo incluso mientras
estaba en la escuela de medicina. He tocado recitales,
actuado en orquestas, bandas, e incluso deejayed. Habiendo producido en todos los géneros, desde el clásico hasta el hip hop, el
house y las partituras cinematográficas, creo firmemente que
entender la teoría musical es el núcleo fundamental para
cualquiera que busque crear música. Esta clase es perfecta
para principiantes con absolutamente cero conocimientos
sobre teoría musical. No tienes que saber
nada de música en absoluto. Pero también es para estudiantes
intermedios que podrían necesitar un
poco de actualización o ayuda
adicional y claridad sobre las áreas conceptuales
de la teoría musical. Te estaré guiando a través los fundamentos mismos de
lo que son las notas. Luego veremos cómo están
organizados en claves y escalas, aprenderemos a crear
acordes y progresiones de acordes,
y para tu proyecto de clase, combinaremos todo lo
que aprendamos para sintetizar una progresión de acordes en una canción simple que
orgullosamente puedes llamar tuya. También he incluido un libro de trabajo
descargable con los ejercicios y plantillas para cada lección para que puedas
practicar perfeccionando tus habilidades. La teoría musical puede ser un tema
muy confuso, pero no tiene por qué serlo. Mi objetivo es cortar
todo el ruido, juego de palabras pretendido y entregar solo los principios
imprescindibles para
ayudarte a comenzar a escribir y
producir canciones increíbles. Estoy muy emocionada por
empezar y espero
verlos a todos en la siguiente lección.
2. Proyecto de clase: Para el proyecto de clase, esbozarás la estructura de una canción usando los conocimientos
y habilidades que cubrimos. Escogerás una clave, una escala y una progresión de acordes. Al final del curso, te
pido que compartas tu progresión de acordes
única con tus compañeros de clase para que
todos podamos aprender unos de otros. Como este curso es para
un principiante completo, lo único que
necesitarás para este curso es un piano o un teclado
de cualquier tipo. Puede ser un teclado virtual o un teclado físico, como
el que tengo aquí. Pero esto será muy
importante para que
puedas seguir y
aplicar físicamente las lecciones para reforzar los conceptos
que cubrimos. Si puedes grabar los sonidos de
tu teclado
directamente en tu DAW, eso es excelencia pero si no, solo tomar una simple grabación de
voz en tu teléfono estará bien
siempre y cuando puedas quedarte responsable y publique
su proyecto de clase para que
pueda darle su opinión y
todos podamos aprender de nuestras experiencias. Estaré usando un DAW, una estación de trabajo de audio digital
llamada Ableton, que tiene instrumentos de
piano virtuales, y lo estaré tocando en un controlador midi
Novation, el 61 SL MkIII. Nuevamente, no es necesario
que tengas este equipo, solo
estaré demostrando con este teclado para piano aquí mismo. medida que avanzas en el curso, te animo mucho a
hacer una pausa entre clases y tocar en tus
propios teclados de piano para entender realmente la teoría. La teoría musical tiene que ver el reconocimiento de
patrones
por lo que cuanto más tiempo podamos pasar con
los instrumentos, más rápido y más profundo caerán
las cosas en su lugar. Con eso, comencemos
con notas y tonos.
3. Notas y echadas: Aprendamos sobre las notas. Para entender qué
son las notas en la teoría musical, es útil repasar brevemente cómo nuestro cerebro
interpreta realmente el sonido. Todos los sonidos están formados por
vibraciones u ondas sonoras. Nuestros oídos actúan como pequeños
amplificadores que permiten que nuestro cerebro procese todo
tipo de ondas sonoras. Cuanto más rápidas sean las vibraciones, cuanto mayor sea el sonido de la nota, más lentas son las vibraciones, baja sonará la nota. Si la velocidad de la vibración, lo que llamamos la frecuencia
de la vibración, se mantiene a un ritmo constante, creará un solo sonido que llamamos nota o tono. Por ejemplo, si aquí toco esta nota
A en mi piano, crea
ondas sonoras que vibran para producir este tono específico. Si subo
lentamente por el teclado, crearé diferentes
tonos que vibran a frecuencias cada vez
más rápidas. Para dominar la teoría musical, buscamos patrones. Resulta que a medida
que subo el piano, solo
hay 12
notas que existen
antes de que las notas se repitan
a un tono más alto. Mira, esta A y esta
A suenan igual. Uno es apenas
más alto que el otro. Esta distancia de
nota repetida a nota repetida, la A a la A aquí, es lo que llamamos una octava. En un piano nos referimos
a las teclas blancas por nombres de
letras A a
G. A, B, C, D, E, F, G, y luego de vuelta a A. Para principiantes absolutos,
puede ser útil poner pegatinas o marcadores en cada tecla para que recuerdes
cuál son. Eso te ayudará a
aprender el diseño
del piano un poco más rápido. Las llaves negras se
llaman objetos punzantes o planos. punzantes son notas
que son más altas, los
planos son notas que son más bajas. Esto también significa
que cada tecla negra tiene dos nombres distintos. Esta llave negra aquí, eso es entre una C
y una D, aquí mismo, podemos llamar a esto un C-sostenido porque es más alto que el C. Pero también podemos llamarlo un D-flat porque es un paso más
bajo que el D. Esto puede resultar un poco confuso y voy a repasar
cómo determinar por
qué nombre referirle cuando lleguemos a la sección de llaves
y escalas. Pero hagamos otro ejemplo. Esta clave negra justo
aquí entre la D y la E se
llamaría D-sharp porque es más alta que la D o puede llamarse E-flat porque es menor que la E. La distancia entre dos
notas cualesquiera se llaman intervalos. Estos pueden ser medios pasos,
aka, semitonos, o pasos enteros,
alias, tonos enteros. Pasar de cualquier clave a la siguiente clave adyacente
se llama medio paso. Pasar de C a C-sostenido
sería medio paso. Esto es más comúnmente una llave
blanca a una llave negra, como acabo de mostrarte
ahí o viceversa, una llave negra a una llave blanca. Eso también es un
medio paso ahí mismo. Medio paso es la
siguiente clave adyacente. Las únicas excepciones a
esas reglas serían cuando vas de
B a una C, aquí mismo, B a una C, o una E a una F, porque no hay
teclas negras entre esas notas. Para un paso entero, si
pensamos matemáticamente, serían dos medios pasos, porque dos mitades
hacen uno entero. Por ejemplo, pasar
de una C a una D sería un paso porque va de
medio paso a otro medio paso. Dos mitades hacen un todo. Entonces C a una D es un paso completo. D a una E sería
otro paso completo. E a una F sería
solo medio paso porque se está moviendo a
la siguiente tecla adyacente y no hay una
llave negra en el medio. Este es un
concepto muy importante de entender porque la teoría musical
se construye en torno la relación entre
estos medios pasos y pasos enteros para
diferentes notas. Cubrimos muchos conceptos básicos
muy fundamentales sobre la teoría musical
en esta lección. Cubrimos qué son las octavas, que son nota repetida
a notas repetidas, y hay
12 notas entre una octava. Aprendimos qué son los medios pasos, que son pasos que se mueven
a las teclas adyacentes y aprendimos qué son
los pasos enteros, que son dos medios pasos, así que pasando de
tecla blanca a tecla blanca o negra clave a tecla negra o esas dos excepciones entre una B y una C y una E y una F, que son
solo medios pasos porque no
hay
notas adyacentes entre ellas. Siéntase libre de hacer una pausa aquí y tocar en
su teclado de piano. En tu libro de trabajo,
encontrarás una octava de teclado de piano con todas las teclas blancas y negras
etiquetadas a las que hacer referencia. En la siguiente lección, exploraremos claves y escalas. veré a todos ahí.
4. Claves y escalas: Aprendamos sobre
llaves y básculas. Una clave musical, usemos la clave de C por
ejemplo es un grupo de notas donde C es base de operaciones
o la nota raíz para la
que las otras notas
sonarían bien juntas. Piensa en la clave como
una guía de qué notas van juntas en
una pieza musical. Una escala es el
grupo real de notas que forman parte de la clave. En general, la mayoría de la
música hoy en día se basa en lo que llamamos una escala
mayor o menor. Escala mayor sonido
feliz escalas menores suenan más tristes y melancólicas. estas dos escalas se
consideran escalas heptatónicas. Hepta significa siete, por lo que cada uno tiene siete
notas en su escala, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7
y el octavo repetiría de nuevo
a la misma nota. Aprendamos en la clave de C. Aquí hay una nota C, y esta será una
nota raíz en la clave de C. La escala de C mayor
tiene siete notas comienzan con C, entonces
C, D, E, F, G, A, B, y luego de vuelta a C. Recuerda que a medida que nos
movemos hacia arriba las teclas blancas, donde hace sumando en
diferentes letras. Como se puede escuchar, las otras seis notas
en la escala, todas suenan bastante bien
junto con esta nota raíz no
hay disonancia obvia en la forma en que suena
esa escala. Veamos la
fórmula de cómo obtuve esas otras seis notas
de la escala de Do mayor. Cada escala mayor sigue el
mismo patrón entre notas. El patrón es entero, entero, medio, entero entero,
medio, entero, mitad entero,
entero, entero, mitad entera. Esto se refiere al intervalo,
ya sea una media nota o una nota entera
por encima de la nota raíz. Empezando por la nota raíz C. Subiré un paso entero a D otro paso entero a E, medio paso a F, paso
entero a G paso entero a A, paso
entero a B y luego otra mitad
paso atrás a C entero, medio
entero, entero,
entero, mitad entera. Esa es la fórmula para
cada escala mayor, para cualquier clave que
queramos tocarla. Simplemente me gusta enseñar
usando la clave de C porque es una clave muy
chill todas las notas en la escala son
solo las teclas blancas así que es súper fácil de aprender y súper fácil de conseguir
cómodo con. Pero podemos seguir esa misma
fórmula para cualquier otra clave y crear otra gran escala. Hagámoslo de nuevo por
la clave de F-sharp y recordemos que la tecla
A-sharp significa
que está un paso por encima de
la nota raíz, por lo que un F-sharp solo estaría medio paso por encima de F,
que está justo aquí. aquí está F, F-sharp sería
el justo encima de él. Voy a empezar con F-sharp y voy a ir todo el paso a G-sostenido, paso
entero a A-sharp
medio paso a B. Todo paso a C-sostenido, paso
entero a D-sostenido, paso
entero a E-sharp y luego medio paso
atrás a F-sharp. Otra escala mayor F-sharp. Ahora, notarán que aquí mismo
llamé a esta clave, la E-sharp aunque
también la conocemos como F. Esto es porque al
nombrar notas en una escala, solo
queremos usar
letras una vez, esto es para ayudar evitar cualquier
confusión pero técnicamente, sí, también podría llamar a esto
F-sharp, A-flat, A-sharp B, C-sharp, E-flat E-sharp, F-sharp Pero eso se volvería
súper confuso. Es mejor pensar las siete notas como siete letras
diferentes en el alfabeto para que nunca mezclemos lo que es la escala en la que realmente estamos. Además de
aprender las letras
asociadas a cada
nota en una escala, también
es importante ser
bueno para identificar el número
o grado asociado a cada nota en la escala. Volvamos a
la escala de Do mayor, es un poco más fácil trabajar con e identifiquemos el grado
de cada nota en la escala. Es tan simple como la asociación de
letras también. En la escala C mayor, llamamos a la
nota raíz la nota única por lo que C sería la indicada y cada nota por encima de
ella sube un grado. C sería el uno, D serían los dos, E serían los tres. F serían los cuatro. G sería el cinco, A sería el seis, B sería el siete y C otra vez,
volveremos al uno. Conocer los grados
se vuelve increíblemente útil más adelante cuando construimos acordes
y progresiones de acordes. Como nota al margen,
quiero mencionar que hay muchas
otras escalas puedes tocar para cualquier clave dada. Ahí está la
escala japonesa, pentatónicas,
las escalas azules, las escalas
indias y eso es
porque recuerden, escalas son solo agrupaciones de
notas que están en la clave. Pero recomiendo simplemente aprender primero
las escalas mayores porque servirán como
ese concepto fundamental que facilita mucho
el aprendizaje de las otras escalas más abstractas. Cubrimos muchos conceptos básicos
de teclas y escalas, y más específicamente,
cómo identificar y tocar las notas
de una escala mayor para cualquier tecla dada
usando esa
totalidad, mitad entera, entera,
entera medio patrón. Definitivamente
recomendaría hacer
una pausa aquí mismo
antes de seguir adelante y experimentar con la identificación de
diferentes escalas principales. En su libro de trabajo, encontrará
la escala de fórmula principal y recuerde que
hay 12 escalas mayores totales que corresponden a las 12 notas
únicas en cualquier octava. Idealmente, querrás
poder dominar todas las escalas pero
comencemos más pequeños, solo practica identificando
tres escalas principales diferentes y mientras practicas, recita en voz alta las letras y los grados de cada
nota en la escala para
comprender realmente la relación
de la escala mayor. Por ejemplo yo
diría C el uno, D los dos, B el
tres, F el cuatro, G el cinco, A el
seis, B el siete, y luego C nuevamente, el uno. En la siguiente lección,
cubriremos a menores relativos. Los veré entonces chicos.
5. Menor familiar: Aprendamos sobre Escalas Menores. Al igual que hay 12 escalas
mayores para cada llave, también
hay 12
escalas menores para cada llave. Ahora podrías empezar a
sentirte un poco abrumado, como, caray, eso son
muchas escalas para aprender. Pero no te preocupes, en realidad ya aprendiste las
12 escalas menores. Esto se debe a que para
cada escala mayor, hay algo llamado
Escala Menor Relativa. Lo que eso significa es para cualquier clave, las siete de esas notas en
la escala mayor son también las mismas siete notas de una escala menor relacionada.
¿No me crees? Experimentemos y averigüemos. Para determinar la escala menor
relativa, comience en la nota raíz de cualquier Escala Mayor y
baje tres medios pasos. Si empiezo desde
una escala de Do mayor, mi nota raíz sería C, y me muevo hacia abajo
tres medios pasos, 1, 2, 3, aterrizaré en una A. Eso significa la escala menor
relativa de C mayor es una A menor. Ahora bien, si toco exactamente la
misma escala de C mayor, pero empiezo desde
la nota raíz de A, en realidad
obtendré una escala menor. [MÚSICA] Otra forma de determinar la escala relativa menor
es recordar que es apenas el sexto grado
de la escala mayor. Nuevamente, si empiezo desde C, mi uno, y
subo seis grados, recuerda 1, 2, 3, 4, 5, 6, también
llegaré a A menor. Como puede ver, todas las notas
en el relativo menor son las mismas que las notas en
su escala mayor relativa. C mayor
suena así [MÚSICA]. Una escala relativa menor a
partir de A, porque bajamos
tres medios pasos, 1, 2,
3, suena así
[MÚSICA]. Genial, ¿verdad? mismas notas exactas, pero
si partimos de una A, obtenemos esta escala que suena
triste y espeluznante. [MÚSICA]
Construyamos a partir de lo que sabemos y volvamos a hacerlo por otra clave. Hagámoslo para
la escala D mayor. Recuerda para una escala D mayor, queremos usar la
fórmula, entera, mitad
entera, entera,
entera, mitad entera. Partiendo de una D, iría paso completo a E, paso
entero a F agudo, medio paso a G, paso completo a A, paso
completo a B, paso
completo a C-sostenido, y luego medio paso atrás hasta D. [MÚSICA] Ahora para encontrar
al relativo menor, tomamos el sexto grado de D, que va a ser 1, 2, 3, 4, 5, 6, así que va a ser una B. El relativo menor de re mayor [MÚSICA] va
para ser B menor. Puedo usar
exactamente las mismas notas que acabo encontrar en la escala D mayor, y las tocaré a
partir de B. [MÚSICA] Como pueden ver, solo aprendiendo todas
las escalas mayores. En realidad ya hemos aprendido todas las escalas relativas
menores también. Sólo tenemos que recordar
mover la nota raíz
al sexto grado o bajar tres medios pasos
de la base de operaciones, luego terminaremos
con una escala menor. Ahora que ya sabes cómo encontrar la escala menor relativa
de cualquier escala mayor, te
recomiendo que vuelvas a hacer una pausa antes de pasar a
la siguiente lección. En su libro de trabajo,
encontrará otra página con la fórmula para encontrar
la clave menor relativa. Dedique algún tiempo a
practicar y descubra tres escalas menores relativas
a partir de tres nuevas escalas mayores, no use las tres que
aprendió en la última lección. Intenta ver si puedes encontrar
algún otro patrón mientras experimentas y practicas por tu cuenta. Los veré
en la siguiente lección.
6. Acordes: Aprendamos sobre los acordes. Los acordes son solo un grupo de
notas tocadas al mismo tiempo. En general, si
tocas algún grupo
de notas de la misma clave, será algún acorde. Pero vamos a
ir un poco más profundo, que puedas entender por qué algunas notas suenan mejor
juntas que otras. El tipo
de acorde más básico es una tríada. Una tríada que significa tres,
es decir, hay tres
notas en un acorde. En clave de Do mayor, la tríada C sería
la nota raíz de C. Jugarías la tercera,
luego la quinta. Tocas una nota, te saltas una, tocas otra nota, saltas una, tocas otra nota. Ponte cómodo con la
forma de ese acorde. Usemos esta estructura de
acordes de tríada para aprender el resto
de los acordes en la clave de Do mayor simplemente
subiendo esa
estructura en la escala. Primero está el acorde raíz C, y luego vamos a los dos, que es D, y
luego tercero es una E, cuarto estar en F, el cinco sería un acorde G, el sexto sería un acorde A, séptimo sería una B, y luego de vuelta a una C. Es importante darse cuenta de
que todos esos acordes que
acabo de tocar, a que todos esos acordes que
acabo de tocar, pesar de que son acordes individuales
únicos, en realidad todos son
parte de la clave de C. Por eso es tan importante esa numeración
por grados. Es por eso que ser súper
rápido y llegar a las asociaciones
de números y letras nos resulta útil cuando estamos aprendiendo claves. En la clave de C,
tenemos un acorde D, un acorde E, un acorde F, un G, un A y un B, pero todos son parte de C. Por ejemplo, este acorde D es el acorde dos en la C de clave, porque la segunda nota es una D, y estamos tocando un acorde de dos. Este acorde F también se va a conocer como el
cuatro acorde en la clave de C, porque F es el cuarto grado. 1, 2, 3, 4. Ahora, vamos a escuchar un poco más de
cerca esos dos
acordes que acabo de tocar, el acorde D y el acorde F. Ambas son tríadas, pero una suena feliz en
una suena más triste. Eso es porque uno
es un acorde mayor y otro es un acorde menor. Rompamos la fórmula para averiguar qué
acordes son mayores y cuáles son menores. Tocar esta
tríada F suena feliz, así que es una tríada mayor. Todas las tríadas principales siguen
el mismo patrón de cuatro semitonos y
luego tres semitonos. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3,
4 y luego tres. Para convertirlo en un acorde menor, único que hacemos es voltear eso. Vamos tres y después cuatro. 1, 2, 3, 1, 2, 3, tan mayor, y luego menor, lo dejamos caer. Acorde mayor cuatro luego tres, acorde
menor, tres luego cuatro. Otra forma de
recordarlo sería simplemente dejar caer la tecla central un medio paso. Muy bien, entonces esa es la fórmula para una tríada mayor y una menor. Si volvemos a la clave de C, voy a volver a tocar todas las
tríadas en orden y esta vez, prestar
atención al patrón de qué grados juego
que son tríadas menores, son tríadas mayores. El uno nos da una Do mayor, los dos nos da una D menor, los tres nos da una E menor, los cuatro nos da una F mayor, los cinco nos da una G mayor, el seis nos da una A menor. Recuerda el relativo
menor de Do mayor. El séptimo en realidad nos da este extraño acorde disminuido. Eso es porque en lugar
del 3-4 o el 4-3, éste es en realidad un 3-3. 1, 2, 3, 1, 2, 3. Le tocas a un acorde disminuido. Los acordes disminuidos son
un poco más complejos y confusos de entender, así que por el bien de este curso, no
voy a tocarlos. Después volvemos a un C. Cool. En cada escala mayor que
jugamos, obtenemos el mismo patrón de tríadas
mayores y menores, medida que avanzamos los
grados de la escala. Mayor, menor, menor. Mayor, mayor, menor, disminuido. Una vez más, mayor,
menor, menor, mayor, mayor,
menor, disminuido. Empecemos de nuevo con
una D mayor en la una, un dos sería una E menor, el tres va a
ser un menor F-sharp, el cuatro va
a ser un G mayor, el cinco va
a ser un A mayor. El siete va a ser
un C-sostenido disminuido. Después de vuelta a una D para el uno. Mayor menor, menor, mayor, mayor, menor, disminuido. En teoría musical, los
acordes mayores se anotan como números romanos en
mayúscula y los acordes
menores son minúsculas. Esta notación también podría
simplificarse para que se vea
algo así, con una I mayúscula,
ii minúscula, iii minúscula, IV
mayúscula,
V mayúscula, vi minúscula, y luego un 7 disminuido. Letra mayúscula,
que significa un acorde mayor, y una letra minúscula
que significa un acorde menor. Muy bien, así que solo cubrí mucha información
sobre acordes. Los acordes son los
bloques de construcción de las canciones y son súper importantes
para entenderlos. Antes de pasar a
la siguiente lección, practique tocar
las siete tríadas para diferentes escalas mayores. Como
volvería a hacer F, así que F, G, A Simplemente ponte muy cómodo
jugando las tríadas para diferentes escalas
y también navegar si es una tríada mayor o menor, y también el grado
de esa tríada que estás jugando
en esa escala. Vuelva a hacer esto por al menos
tres claves diferentes. Entonces inténtalo de nuevo, yendo hacia atrás por
la escala para ver si aún puedes
decirlo en voz alta a medida que avanzas. Eso lo demostraré aquí. Tenemos una, C, y luego la siete disminuida B. Entonces A va a
ser la sexta menor. El G serían los cinco mayores, el F serían los cuatro mayores, el E serían los tres menores, el D serían los dos menores, y luego de vuelta a C,
que es el mayor. Muy bien, ponte a practicar y te veré
en la siguiente lección.
7. Progresiones de acordes: En la última lección,
aprendimos sobre la relación entre
las notas en la escala cuando las convertimos en
sus acordes de tríada. Ahora nos metemos en la parte
que todos habéis estado esperando, juntando todo lo que hemos
aprendido hasta ahora para crear progresiones de acordes. Progresiones de acordes, cómo
armamos canciones. Si pensamos en alguna canción, solo
hay una
serie de acordes en clave
tocados a un ritmo en
particular. No hay una manera correcta o incorrecta crear una progresión de acordes. La teoría musical no es una
regla para tu música. Prefiero
pensarlo como una herramienta. Entiende la
relación entre cómo ciertos acordes
suenan juntos cuando se tocan
en una progresión y úsalos para crear canciones
que creas que suenan geniales. Practicemos hacer
progresión de acordes en clave de C. Recuerda de la
lección anterior que las tríadas de la escala mayor
por grado son Mayor 1, Menor 2, Menor 3, Mayor
4, Mayor 5, Menor 6, disminuido 7, Mayor 1. Para hacer una progresión de acordes, único que hacemos es simplemente
escoger un arreglo o variación de estos
diferentes grados
numéricos y tocarlos en una serie. Por ejemplo, hagamos una de las
progresiones de acordes más comunes en la clave de C, que es un 1, 4, 5, 1. Eso sonaría
así 1, 4, 5, 1, Genial. Eso es una progresión de acordes. Hagamos otra. Sólo voy a
escoger al azar algunos números, 2, 5, 6, 1. Como puedes ver, puedes crear cualquier variación de progresiones de acordes en
cualquiera de las 12 teclas, las opciones son
básicamente ilimitadas. Las progresiones de acordes pueden ser largas, pueden ser cortas,
depende totalmente de ti. Solo recuerda que crear progresiones de
acordes va
a ser mucho más fácil una vez que realmente
domines los conceptos básicos para entender
la relación entre las tríadas y los grados que
con los que están asociados. Sabiendo lo que es un 2, 4,
5 en realidad podemos llegar
fluidamente en el acto
con diferentes variaciones y llegar a un montón de
diferentes tipos de canciones. Ahora que hemos aprendido
a hacer progresiones de acordes, que en realidad es simplemente juntar diferentes grados
y armarlos, es hora de seguir
elaborando tu proyecto de clase. Para tu proyecto de clase, crea una progresión de acordes
que te guste. Esta puede ser una progresión de
acordes original que acabas de llegar mientras
estás experimentando, o puedes buscar
una progresión
de acordes de una de tus canciones más
favoritas. Anota los acordes, tócalos y averigua qué progresión de acordes usaron en esa canción
que realmente te gusta. Si haces esto con el tiempo, encontrarás que la mayoría de la
música usa progresiones de
acordes muy simples pero emocionalmente provocadoras. Por ejemplo, una de las progresiones de
acordes más famosas es algo llamado el 2, 5, 1 porque tiene ese sonido
muy resolutivo pasando de un cinco a uno. Uno de mis favoritos
es pasar de un dos a un cuatro a un cinco luego a uno. Agrega un poco más de suspenso. Prolonga esa tensión
que estamos construyendo pasando de un cuatro a un
cinco y luego a la una. Pero de todos modos,
sigue adelante y practica, experimenta con encontrar diferentes
progresiones de acordes que te gusten, y ampliará más
este concepto
en la siguiente lección.
8. Inversiones: Ahora que tenemos en nuestro haber los fundamentos de acordes y
progresiones de acordes, aprendamos sobre las inversiones. Podemos crear inversiones
de cualquier acorde moviendo la nota inferior [RUIDO] de
ese acorde hacia arriba una octava. [MÚSICA] Esto nos permite usar las mismas notas en el acorde, pero crea un sonido diferente y tiene un
sabor diferente al de ese acorde. Lo que acabo de tocar ahí
fue una tríada en Do mayor. [RUIDO] Voy a hacer una primera inversión
moviendo la nota inferior, la nota raíz, hacia arriba una octava. [RUIDO] Esto ahora se
considera una primera inversión. Puedo hacerlo de nuevo y
mover la nueva nota de fondo, que ahora es una E arriba
una octava también. [RUIDO] Eso se llama
una segunda inversión. Por supuesto, si
lo hiciera una vez más, moviendo la
nota inferior hacia arriba, solo
volvería a la
tríada en Do mayor [NOISE] hasta una octava. Hagámoslo de nuevo
para una tríada A menor, la relativa menor de Do mayor. Aquí está la tríada A menor. [MÚSICA] Voy a hacer
una primera inversión
moviendo hacia arriba la
nota inferior una octava. [MÚSICA] Lo
volveré a hacer para que sea una segunda inversión moviendo la siguiente nota
inferior hacia arriba una octava. [MÚSICA] Incluso
podemos tocar con la
inversión de la nota
de bajo del acorde si estamos
tocando con las dos manos. Si todavía estoy tocando
una A menor aquí, solo
puedo tocar la A menor con
la nota A a través del bajo, [MÚSICA] o puedo tocar con la
inversión de la nota de bajo a la primera inversión
o la segunda inversión. [MÚSICA] Como puedes escuchar, todas esas variaciones
tienen un poco de vibra diferente a
la forma en que suenan, pero sigo usando
todas las mismas notas. Esos son todos los conceptos básicos
sobre las inversiones. Ahora podemos agregar inversiones a nuestras
progresiones de acordes para crear nuevos acordes sonoros que
hacen que nuestra música sea mucho
más interesante. Otro beneficio de usar inversiones es que
nos
facilita mucho las manos porque no
tenemos moverlas tan lejos para
tocar estas tríadas, y solo podríamos crear acordes
que estén más cerca entre sí. Por ejemplo, jugar una progresión I-V-IV de
tríadas se verá así. [MÚSICA] V, IV. Pero si juego con
algunas inversiones, puedo tocar esa misma tríada que se parece a esto. [MÚSICA] Eso suena
muy diferente, aunque son exactamente los mismos
acordes tocados invertidos, y también es mucho más
fácil de tocar ya que mi
mano no tuvo que
moverse del todo el camino
para golpear diferentes notas. Como productor musical, usar inversiones es una manera
realmente poderosa de
mantener los instrumentos en
su rango de frecuencia. Porque a medida que
mezclamos música, generalmente queremos que los sonidos
bajos
ocupen solo sus frecuencias más bajas, queremos que los sintetizadores, guitarras u otros instrumentos
ocupen las frecuencias medias, y queremos que nuestras
voces capturen los medios y las frecuencias
altas. El uso de inversiones mientras jugamos, nos
permite separar y crear más claridad
en nuestras mezclas. Pero otra vez, recuerden que
no hay reglas
para la teoría musical. Si te gusta la forma en que
suenan tus acordes cuando están
esparcidos por todo el teclado,
eso es totalmente genial. Depende de ti cómo
quieres que suene tu música. Antes de pasar a
la siguiente lección, vuelva a visitar su proyecto de clase. Ya deberías tener
una progresión central para la canción que
quieres escribir, y ahora lo que puedes hacer
es darle vida agregando algunos acordes invertidos para
crear una vibra diferente. Juega un rato con
él y los
veré a todos
en la siguiente lección.
9. Melodías: Hablemos de melodías. La melodía de una canción es la frase musical pegadiza que
se asienta encima de los acordes. En la mayor parte de la música, la melodía
se asienta más alta en la mezcla y los acordes por lo que
destaca a nuestros oídos. Desde música con
canto y voz, esto suele ser lo que estamos
cantando a lo largo de la melodía. Pero incluso en las pistas instrumentales, suele
haber algún tipo de melodía que ayuda a mover la canción hacia adelante y te da esa
emotiva historia a seguir. Para llegar a una melodía que se siente encima de nuestra progresión central, no solo tienes
que
apegarte a los nodos que están en el acorde porque eso suena
bastante aburrido. Sólo voy a tocar
un 1451 en Do mayor pero sólo voy a usar los nodos
del coro
para tocar la melodía y mirar
lo aburrido que suena esto. Suena bastante soso, bastante aburrido como si fuera
“Lego Movie” o algo así. Queremos agregarle un poco
más de creatividad. Una mejor manera de pensar en las
melodías es que en general, puedes usar cualquier nodo
que esté en
esa clave en la que estés tocando
para crear melodías. De nuevo, si estoy usando
esa progresión de 1451, puedo usar cualquier nota de la
melodía en clave de C. Tienes mucho más
espacio para la variación y puedes llegar a melodías
mucho más interesantes eso funcionaría con la progresión de acordes
que estás tocando. Usar notas que están
fuera de las tríadas que estás tocando se
llaman notas pasajeras, son nodos que están
fuera del acorde pero siguen en
la clave de Do mayor. uso de notas que están fuera
de la clave generalmente se hace
mejor si estás tratando de llegar
a una nota en particular. Por ejemplo, si quisiera
pasar de esta F a una G, cuando cambié
del acorde de cuatro acordes
al cinco, puedo usar ese F-sharp
como nota de paso de trino. Recuerda que no hay una manera correcta o incorrecta de escribir
música pero escribir melodías es notoriamente
difícil de hacer para los artistas. Siempre existe la lucha
como artista por llegar a algo que sea
original y pegadizo, aunque
no siempre
sale así, pero cuanto más practicas y más canciones
escribes, es más probable que golpees esa gema dorada de una melodía que se convierte en esa canción atrapada en tu
cabeza durante días y días. Otro consejo
para escribir melodías es escuchar algunas de tus canciones
más favoritas, algunas de las melodías
que más te gusten, descifrarlas en el
propio teclado con la progresión de
acordes y luego ve qué
combinación usar para crear esa melodía e
imitas y trabajas alrededor esa melodía para crear
algo para ti mismo. Quiero ofrecer solo
algunos consejos
prácticos más sobre cómo pienso al
escribir melodías. La primera es que las
melodías más simples suelen ser mejores porque si tenemos menos notas, hay más espacio para que esas
notas sean muy expresivas. Uno de mis ejemplos favoritos
para una melodía muy expresiva fuerte es la melodía de Hans
Zimmer en Superman. Solo hay unas pocas notas que
se tocan en esa melodía pero la forma en
que da espacio para el curso se alargue realmente, le da tanta expresión en lugar de si
fuera una melodía como. A veces las melodías
que son demasiado rápidas y saltan con demasiada frecuencia
no se meten en tu cabeza y suena un
poco inconsistente. El siguiente consejo
para escribir melodías es
crear un
tipo de melodía de llamada y respuesta que eso signifique
algo
así como si tuvieras una
secuencia de tres notas como melodía, puedas responderla una secuencia diferente de tres notas. Por ejemplo, puede ser como. Esa
idea de llamada y respuesta son esas tres notas. El llamado es algo que introduce una pregunta
como una idea y la respuesta
sería similar pero la estaría
volviendo a bajar. Llamada y respuesta se pueden
utilizar para construir una idea y la
parte de respuesta elabora sobre esa idea para
completar la frase. Cuando pienso en
escribir melodías, es como contar una historia, cuando haces una pregunta,
obtienes una respuesta, cuando pones algo
en tu historia, pasa otra cosa. Llamada y respuesta,
causa y efecto, así es como realmente
contamos historias con la música que escribimos. El siguiente consejo
para escribir melodías es algo que llamo
tensión y liberación. Similar a la respuesta de columna, donde estás sacando
algo y esperas que
algo regrese, algún tipo de respuesta, pero la tensión en realidad causa esta frustración que
estamos esperando que algo
se resuelva en la melodía. Una de mis formas favoritas de
hacer esto es
realmente simplemente sostener
notas en tus melodías hasta que la progresión del acorde resuelva de nuevo a la una
o a una nota diferente. Por ejemplo, puedo hacer por esa misma progresión de 1451 que he estado haciendo
en este video. A pesar de
que acabo de sostener esa nota C en la parte superior, seguía agregando tensión ya que la he
construido con esos cuatro y eso es cinco acorde
y luego finalmente se resolvió de nuevo en el
de ese mismo pero construí tensión
hasta que se resolvió. El último
consejo que quiero
dar para cualquier melodía es
terminar tu melodía en una nota
que esté en el acorde. Esta no es una regla dura
y rápida en absoluto, es solo algo
que me gusta hacer porque siento que terminar tus melodías de nuevo
en las notas del acorde realmente
la
trae de vuelta al círculo completo. Si vamos con esa idea de
tensión y liberación, el lanzamiento va a ser
mucho más satisfactorio si termina en una nota que se
resuelve completamente en un acorde
que nos gusta. Sonido muy satisfactorio. Ahora ya sabes cómo voy a
pensar y elaborar melodías para canciones, así que sal ahí fuera y
empieza a practicar. En la siguiente lección, presentaremos la
pieza final del rompecabezas que es el ritmo para pegar
todo junto.
10. Ritmo: Ahora, hemos cubierto
qué son las notas y cómo se
relacionan con escalas y claves, también
hemos hablado
sobre cómo combinar notas de la escala en acordes para crear progresiones de
acordes que sirvan como esa
base para nuestra música. Pero el componente clave que
aún falta es el ritmo. El ritmo nos ayuda a
determinar cómo sabemos cuándo se
va a tocar una nota. ¿Cuánto tiempo va a
durar alguna nota individual? ritmo se asegura de que
nuestra música sea vibey y que bache y
que se mueva hacia adelante y le tenga algún groove,
algo con lo que podamos bailar, algo en lo que podamos
perdernos y trance hacia fuera a. Al pensar en
el ritmo en la teoría musical, utilizamos algo llamado sistema
de conteo. La música se divide en intervalos espaciados
uniformemente
llamados barras o medidas. Cada compás o compás se
divide luego en ritmos. El tipo
de ritmo más básico es 4/4. Si estoy contando
un ritmo a 4/4, sonaría
algo así,
1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Cada uno de esos recuentos,
1, 2, 3, 4 es un latido. Cuando vuelvo a uno, ese es el inicio de la siguiente
medida, o la siguiente barra. 1, 2, 3, 4, eso es una barra, ahora pasamos a la siguiente barra, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Cuatro latidos por barra, eso repetí los
recuentos ya que llegué a cuatro. Ahora bien, si sostengo un acorde que
dure los cuatro recuentos, se llama nota entera porque
ocupa todo el compás. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si sostengo el acorde y
sólo ocupa dos latidos, se llama media nota porque dos beats son la mitad
de toda la barra. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si toco un acorde y
solo obtiene una cuenta, se llama una nota de cuarto porque es una cuarta parte
de la medida. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Podemos seguir dividiendo estos latidos cada
vez más pequeños también. Si sostengo un acorde que es la mitad
de largo que una nota de cuarto, se llama una octava nota
porque la mitad de un cuarto, en el sistema de conteo,
llamamos a eso uno y dos y tres y cuatro y, agregando eso y
es la media nota. Si toco
eso, sonaría
algo así. Uno y dos y tres y cuatro, y uno y dos y
tres y cuatro y. Vayamos aún más allá que eso. Si nuestras notas son la mitad de
largas que una nota octava, son notas 16. Lo que significa que 16 de
esas notas están en una barra. En términos de conteo, llamamos a eso 1 e&a, 2
e&a, 3 e&a, 4 e&a, 16. Si jugamos eso,
sonaría algo así. 1 e&a, 2 e&a, 3 e&a, 4 e&a,1
e&a, 2 e&a, 3 e&a, 4 e&a. Volviendo a las octavas; una y dos y tres y cuatro y una y dos y
tres y cuatro y. Saliendo a las
notas de cuarto, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Notas medias, 1, 2,
3, 4, 1, 2, 3, 4. Notas enteras, 1, 2, 3, 4. Teóricamente,
puedes seguir dividiendo tus medidas en
los intervalos que quieras, ni siquiera
tienen que
ser números pares, hay cosas como trillizos donde puedo
dividir en tercios. Uno. Nunca he
pasado realmente de las notas 16 cuando estoy escribiendo música, a menos que estuviera haciendo
una acumulación de relleno de batería que requeriría
notas 32 o 64 notas, pero esas son tan rápidas que son casi como tartamudear sonidos. Pero de todos modos,
volvamos a esa idea de 4/4. El 4/4 es lo que llamamos
la compás. El número superior se refiere a cuántos latidos
hay por medida, el número inferior se refiere a
la duración del latido real. Cuatro. Esto quiere decir que hay
cuatro beats en la medida, y por eso
contamos hasta cuatro, 1, 2, 3, 4. El número inferior de cuatro
significa que cada compás es 1/4 de una
nota entera de longitud, por lo que eso significa una nota de cuarto. Hay muchos otros
tipos de firmas de tiempo como 3/4 o 6/8 o 2/2. Esos son un poco más avanzados, así que por el bien de este curso, no te
preocupes por esos, sigamos con
el clásico 4/4, aprendamos los fundamentos, y
luego una vez que te vuelvas bien en entendiendo cómo funciona esa firma de
tiempo, puedes experimentar con
estas más intrincadas. Ahora que entendemos
cómo contar ritmos, todo lo que queda por hacer es tocar nuestras progresiones y
melodías de código mientras contamos. Podemos tener nuestros instrumentos,
batería, sonidos, gritos, lo que quieras,
tocando en los beats o en cualquier lugar entre
los beats en absoluto. Por ejemplo, puedo tocar un acorde de nota entera para
que se toque en el ritmo, o lo llamamos en el uno, entonces 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Pero también puedo tocar todos
los acordes de nota en la cuenta 3 del beat, así que es un
poco más offset. Eso sería
así, 1, 2, 3, 4,
1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Las notas son de la misma longitud, solo se tocan en un
conteo diferente de la medida. Conoce que puedes poner tus notas o tus acordes o
sonidos de batería en cualquier beats o ritmos intermedios, y eso te va
a ayudar a crear cualquier groove que
quieras para tus canciones. Saber contar
es increíblemente útil, sobre todo si planeas hacer DJ o si planeas introducir
batería en tus canciones. Si quisieras
contar con batería, el patrón de batería más común
sería un bombo en el
uno y los tres latidos, y un tambor de trampa o clap en
los dos y los cuatro tiempos. Suena algo así,
1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si quisieras agregarle sombreros, los sombreros serían
octavos ahí. Los sombreros sonarían
algo así, uno y dos y
tres y cuatro y uno y dos y
tres y cuatro y. Una vez que te sientas cómodo
con ese ritmo, comienzas a
experimentar poniendo patadas en diferentes recuentos
, entre recuentos, tal vez
incluso agregando trampas o diferentes toms
a la mezcla también. Lo último que quiero
cubrir aquí es tempo. Tempo se refiere a cuántos ritmos son por minuto o BPM. Cuanto más rápido sea el tempo, más rápido se siente la canción. Depende de ti decidir el ritmo que quieres que sientan
tus canciones. Las canciones más rápidas
suelen estar en géneros como música
house o el
dubstep o el hip hop, las canciones más
lentas están más
en R&B o Lo-Fi. Experimenta y encuentra
el punto ideal para el ritmo que
quieras de tu canción.
11. Cierre: Enhorabuena
por llegar al final del curso. Hemos cubierto tanto
en teoría musical, ahora
estás equipado con todo el conocimiento para
comenzar a crear canciones 5D. Ahora que tienes todas
las herramientas que necesitas,
te animo mucho a que
publiques tu proyecto de clase para que los demás alumnos puedan ver y aprender de tus ojos y oídos
creativos. Para tu proyecto de clase
sube una grabación de tu progresión central invertida con o sin
melodía en la parte superior. No puedo esperar para escucharlos
y darte algunos comentarios. Recuerda que para
tener confianza y dominio de la
teoría musical, tenemos que practicar
consistentemente. No dejes que este
conocimiento que
aprendiste de este
curso se desperdicie, coge una guitarra o consigue una DAW, y empieza a crear música para
martillar realmente estas habilidades. Realmente espero que todas las
habilidades que hayas adquirido en esta clase pongan en marcha
tu carrera musical. Ya sea solo
aprenderlo como pasatiempo, ya sea que estés
creando canciones para videos de
YouTube o
para contenido en línea, o si solo querías
un repaso para
volver al ritmo de las cosas si solías ser músico. Nuevamente, muchas
gracias por verlas, espero que hayan aprendido
algunas cosas valiosas, y usen esto para comenzar a producir sus propios temas. Mucha suerte.