Teoría del diseño gráfico: proceso de diseño

1. Introducción: La mayoría de la gente piensa en el proceso creativo como esta extraña actividad artística que no tiene estructura y no sigue reglas. Sin embargo, esto no puede estar más lejos de la verdad. El proceso creativo se basa en una cuidadosa planificación, investigación, ideación y muchas otras etapas que son esenciales para producir diseños exitosos En este curso, profundizaremos en todas estas etapas y aprenderemos sobre cada paso involucrado, desde la definición del brief hasta la entrega final de un proyecto. Acerca de la importancia de un contrato de diseño, por qué siempre debes presentar múltiples conceptos a tu cliente, cómo debes organizar tus proyectos creativos, cómo armar un portafolio increíble, cómo ganar concursos de diseño y mucho más. Al final de este curso, estarás listo para asumir cualquier proyecto creativo con confianza. Junto con el emocionante proyecto de clase que espero que completes al final del curso, también tienes la hoja de trabajo de análisis y el glosario de términos para ayudarte a practicar todo lo que has aprendido Espero que estés tan emocionado como yo de comenzar y sumergirte en el mar del conocimiento y hermosos ejemplos de diseño gráfico. 2. El proceso creativo: Cualquiera puede ser creativo. No es una habilidad o talento. Es más como una mentalidad o una forma de pensar. Y el proceso creativo podría sonar como un término extraño para algunos, incluso podría sonar contradictorio. Porque por un lado, la creatividad es algo que suele asociarse con el libre pensamiento y llegar a nuevas ideas. Si bien el proceso de palabra que normalmente usamos para cosas que se pueden automatizar, repetir, y hacer de la misma manera cada vez. Entonces, ¿cómo se pueden fusionar estos dos aspectos? El libre pensamiento y la forma rígida estructurada de trabajar. Esto es lo que voy a explorar con más detalle en este video. Y por supuesto, esta es la base de todo el proceso de diseño porque la creatividad o el pensamiento creativo es esencial para cada diseñador gráfico. Entonces recuerda que mencioné que no me gusta pensar en la creatividad como una habilidad. No obstante, si estamos pensando en otras habilidades igualmente importantes para la creatividad, entonces sería la comunicación, gestión del tiempo, la tecnología o habilidades técnicas y la tipografía. Y de todos estos, creatividad es definitivamente la más difícil de explicar y la más fácil de tener dudas sobre si alguien es lo suficientemente creativo como para ser diseñador gráfico. Esta ilustración también, mi forma favorita de pensar en la creatividad. Entonces, por un lado, tenemos conocimiento y eso es algo que aprendemos o entendemos. Pero para poder utilizar ese conocimiento, también necesitamos experiencia. Y eso es básicamente con qué frecuencia o cuántas veces se reutiliza un conocimiento particular en acción o para ponerlo en un proyecto o algo en lo que estamos trabajando. Por lo que es cuando los puntos ya se están conectando y entre diferentes soluciones o ideas, ya empezamos a formar relaciones y empezamos a llegar a formas prácticas de usar nuestro conocimiento científicamente. Esto es algo que se conoce como vías neuronales. Pasos o acciones comúnmente utilizados se convierten en segunda naturaleza y casi podemos hacerlo sin pensar. Pero por qué estas rutinas son bastante estructuradas y rígidas para llegar a ideas creativas o soluciones, tenemos que pensar fuera de la caja. Y eso es otra vez, otro término que se usa muy comúnmente, pero está realmente bien explicado con esta sencilla ilustración aquí, donde en lugar de conectar estos puntos con esos rígidos lineales líneas, miramos más allá de la solución obvia y nos encontramos con algo original y único. Existe otra forma muy común y conocida de dividir el proceso creativo en cuatro etapas, que es similar a la forma anterior de explicar cómo funciona. Por lo que podemos pensar en la fase de preparación como el conocimiento. Entonces podría ser algo con lo que ya estamos familiarizados. A lo mejor hemos hecho investigaciones en el pasado o tal vez leemos sobre algo en lo que necesitamos trabajar. Pero también puede ser un tema que aún es nuevo para nosotros, lo que significa que tenemos que salir a hacer investigación de mercado o tenemos que reunir alguna inspiración antes de que podamos empezar a procesar ese conocimiento, que puede denominarse la etapa de incubación. Es aquí cuando digerimos información y hemos tratado de establecer conexiones de relaciones entre diversas ideas y dependiendo de la complejidad de un proyecto creativo, estas 2 primeras etapas pueden tomar hasta un par de horas, un par de días, o incluso un par de meses. Pero el momento real en el que estamos empezando a llegar a ideas creativas y obtenemos esos pequeños momentos de bombilla es a lo que nos referimos como la etapa de iluminación. Entonces es aquí donde todo el arduo trabajo que ponemos en inicialmente en las dos primeras etapas empiezan a llegar a buen término. Ahora, créanme, es muy raro que alguien pueda llegar a algo original y creativo sin pasar más tiempo en estas dos primeras etapas, preparación e incubación. Sobre todo cuando como diseñador gráfico, se nos da un breve específico que tenemos que responder con una solución creativa. Siempre es más fácil pensar fuera de la caja donde en realidad no hay libros en absoluto. Entonces, por ejemplo, si estás trabajando en un proyecto personal y no hay un breve real que estés tratando de responder, entonces por supuesto es mucho más fácil de una manera ser creativo en comparación con cuando estás trabajando para un cliente real. Nosotros entonces real breve. Pero hay una última etapa muy importante del proceso creativo y esa es la verificación, lo que significa que necesitamos comprobar y probar si la idea o solución que se nos ocurrió es en realidad ir a trabajar. Entonces esto se puede hacer a través de pruebas de usuarios, preguntando a la gente que nos rodea, presentándose al cliente por supuesto, y en caso de que tuviéramos razón y las ideas parecen estar funcionando, entonces todo lo que tenemos que hacer es refinar basa en la retroalimentación que obtuvimos. Pero por si durante esta etapa de verificación, nos enteramos que en realidad nos equivocamos y el concepto de que se nos ocurrió no está funcionando por alguna razón, entonces normalmente tendremos que volver a la etapa de incubación. Y pensar en otros conceptos o estos que podamos resolver el breve. El peor de los casos es cuando tenemos que empezar desde cero, donde en realidad nos enteramos de que incluso la preparación o la investigación que hemos hecho no es correcta o no está completa. Y es muy importante entender que el proceso creativo rara vez es ordenado y lineal como este. Por lo general hay mucho ir y venir entre estas etapas, lo que no significa que no seas bueno en el diseño gráfico. Por el contrario, significa que te importa lo que estás diseñando y lo tu cliente va a recibir de ti al final, poder aceptar que estás equivocado es una parte crucial de el proceso creativo y es una habilidad crucial para todo profesional creativo. Esta es también otra manera brillante de pensar en el proceso creativo con el que empezamos. Un lío caótico que a través la iteración y varios intentos después sentirse se vuelve más claro y más claro y más cerca y más cerca de lo que realmente va a resolver el breve. Y me encanta esta cita de la increíble participación de Paula del pentagrama es a través de errores que en realidad puedes crecer. Me creía ella no es la única persona creativa que dice algo parecido a esto. Puedes encontrar códigos similares de otros genios creativos como Steve Jobs o un Salvador Dalí. Pero otro que me gusta particularmente es de Pablo Picasso, quien dijo que la Inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando y trabajando duro es sólo otra forma de decir que tú estás comprometido y no te importa volver al tablero de dibujo y reiniciar si necesitas o aceptar que algo que te ocurrió un pensamiento inicialmente es una idea brillante, en realidad no funciona. Si bien este diagrama es más una broma, en realidad muestra un elemento muy importante de cada proyecto creativo. Y ese es el plazo. Ahora, sin el plazo o sin alguna forma de presión, es muy difícil lograr algo o producir un producto final. Así que a pesar de ser responsable podría parecer restrictivo, y podría sonar que podría obstaculizar nuestro proceso creativo. En realidad es un factor o elemento crucial de la misma cuando tienes completa libertad creativa y no tienes restricciones en absoluto, más probable es que te quedes atascado en este limbo donde realmente nada está conseguir hecho. Aquí hay otra gran ilustración de Stephanie positivo eg, que muestra muy bien que para llegar a una gran idea, primero tenemos que pasar por un montón de malas ideas y algunas de las cuales podrían ni siquiera ser malas ideas, e incluso podemos utilizarlas en otros proyectos. No obstante, simplemente no funcionan para ese breve en particular en el que estamos trabajando. Entonces para resumir y recapitular lo que pasamos en este video, cualquiera puede ser creativo que esté dispuesto a poner el trabajo extra en un proyecto, y que no tenga miedo de cometer errores. Ahora que lo dejamos claro en el siguiente video, podemos hablar de los cuatro tipos de creatividad y cómo usamos nuestro cerebro para ser creativos. 3. Cuatro tipos de creatividad: Debe haber oído hablar de la diferenciación entre el lado izquierdo y el lado derecho del cerebro, y que usamos el lado izquierdo de nuestro cerebro para pensar más sistemáticamente y ser más analíticos. Si bien el lado derecho de nuestro cerebro es responsable del pensamiento más intuitivo y visual, que por supuesto es muy importante para ser creativo. Ahora bien, a pesar de que se trata de una simplificación sobredimensionada de un sistema neurológico muy complejo, nuestro cerebro. Todavía me gusta hablar ello porque siento que simboliza perfectamente lo que explica los dos tipos de mentalidad en que cada creativo tiene para poder trabajar. Entonces para ser diseñador gráfico, tendrás que usar ambos lados de tu cerebro prácticamente por igual. No se puede confiar puramente en el lado derecho o en el lado creativo. Entonces eso es lo que normalmente asociaríamos con artistas y músicos. Y el lado izquierdo del cerebro generalmente asociado con profesiones como ingenieros o médicos en diseñador gráfico o diseñadores en general, tendrá que poder cambiar entre estos dos mentalidades constantemente. Recuerda que lo llamamos proceso de diseño o proceso creativo. Y para cualquier proceso hay que ser sistemático y naturalmente para poder producir un buen trabajo, siempre hay que estar también orientado a los detalles. Posteriormente en este curso, cuando hablamos de ideación, exploraremos un par de técnicas que se pueden utilizar para poder cambiar de ida y vuelta entre estos dos estados mentales con el fin de poder pasar de un pensamiento sistemático a ser más juguetón, casi como un niño, y poder convertir tus ideas intuitivas en soluciones más racionales. Una vez más, eso funcionará para un breve particular. Pero vamos a bucear un poco más profundo. En lugar de solo pensar los dos lados diferentes del cerebro, hay un diagrama creado por truco de I+D que muestra los cuatro tipos de creatividad. Esto es de su trabajo llamado la neurociencia de la creatividad. Y por un lado, tenemos la diferenciación entre forma espontánea o deliberada de pensar o creatividad. Y por otro lado, tenemos una forma de pensar cognitiva o emocional. Y al combinar estos, obtenemos los cuatro tipos de creatividad. Pero es importante mencionar que como diseñador gráfico, no vas a caer en ninguna de estas categorías. En cambio, estarás cambiando y cambiando entre ellos, dependiendo de lo que funcione mejor para nuestro proyecto o qué forma particular de pensar te va a ayudar a pasar por un bloque creativo o llegar a un objetivo particular en su proyecto. Entonces primero hablemos de creatividad cognitiva y deliberada para la cual un ejemplo perfecto es Thomas Edison. Pero podemos pensar en muchos otros científicos e ingenieros también. Y esta es una forma de creatividad donde nos basamos más en el pensamiento real y formando conexiones entre la información o el conocimiento almacenado en nuestro cerebro. Lo opuesto completo de este estado mental es la creatividad espontánea y emocional, que utiliza principalmente la parte del cerebro llamada la amígdala que en realidad es responsable de básico o núcleo emociones. Entonces este es el tipo de creatividad más intuitivo o lúdico. Pero entonces también tenemos tipo de creatividad espontánea y cognitiva, que aún requiere algún conocimiento del tema. Pero la solución suele venir a ti cuando no estás pensando en ello. Y luego, por último, tenemos también el tipo deliberado y emocional de creatividad, que se basa principalmente en momentos de avance o darse cuenta a partir del análisis de nuestras emociones. Y esto es algo que se puede desencadenar generalmente durante la psicoterapia o incluso durante la meditación. Entonces la razón por la que es importante entender que existen diferentes formas de ser creativos. Porque como diseñador gráfico, tendrás que poder utilizar todas estas diferentes formas de ser creativo, dependiendo de lo que sea que vaya a funcionar mejor para un proyecto en particular. Y aquí hay una gran pequeña ilustración que muestra cada vez que golpeas un bloque creativo, así que básicamente estás atascado y nuevas ideas están llegando. ¿ Qué puedes hacer para salir de esa ruina y volver a ir y continuar con tu trabajo. Y a veces la solución más simple es simplemente dejar de trabajar, alejarse, tomar un café, leer el libro, caminar afuera, escuchar algo de música, o incluso ver una película o jugar un juego. Y mientras ahora te estás concentrando en una solución, simplemente podría venir a ti. O tal vez cuando vuelvas a tu trabajo, tendrás unos ojos frescos y podrás pensar con más claridad y llegar a nuevas soluciones o ideas únicas. De igual forma a cometer errores, los bloques creativos también forman parte del proceso. Entonces no es algo que debas evitar. En realidad es algo por lo que debes pasar casi en todos los proyectos. Y en realidad es más comúnmente causado por el miedo a la imperfección o la sensación de que no eres lo suficientemente bueno para ver a través de una idea. Desafortunadamente, la mayoría de los creativos son perfeccionistas. Entonces es por eso que es tan común que golpeemos estos bloques creativos. Pero mientras aceptes que sea parte del proceso, no tendrás que temerlo. Y hay otra cita del comediante John Cleves que me encanta, que de nuevo explica muy bien que a veces las ideas apenas salen del azul y tenemos que prestar atención y hacer espacio para que vengan a nosotros. Por lo que dice, la inspiración nos llega como imágenes, indicios, y sentimientos del inconsciente que tenemos que interpretar. El inconsciente es altamente inteligente, pero es inconsciente por lo que tenemos un control limitado sobre él. Y esa es solo otra forma de explicar lo compleja que es la creatividad. Entonces, por un lado, es intuitivo, juguetón, inconsciente, pero al dedicarle tiempo y estableciendo un espacio donde pueda venir a nosotros. Podemos ganar alguna forma de control sobre ella. 4. Herramientas del comercio: En este tema, el proceso de diseño, realidad no vamos a enfocarnos mucho en la etapa de diseño. Eso es algo que cubrimos más en los otros temas como el diseño impreso y el diseño web y digital, donde entramos en más detalle sobre los diversos tipos de proyectos en los que se puede trabajar como gráfico diseñador. Dado que el tipo de trabajo que haces durante la etapa de diseño realmente varía dependiendo del tipo de proyecto en el que estés trabajando. Ya sea un diseño de logotipo, un póster o una aplicación móvil. Pero lo que es común para la mayoría de estos tipos de proyectos son las herramientas que vas a utilizar. Y como soy instructor de Adobe, empezando por las aplicaciones creativas, ahora, a pesar de que hay muchas opciones, me voy a centrar en el Adobe Creative Cloud porque esto es el software profesional más utilizado que se le pedirá que aprenda cada vez que esté solicitando trabajos creativos. E indudablemente fuera de todas las herramientas de Adobe. Los tres más importantes serán Photoshop, Illustrator e InDesign. Y en caso de que te estés especializando en diseño web y digital, entonces también tienes que agregar Adobe XD a la lista. Ahora, pregunta muy común en la que me hacen mayoría de los estudiantes aprendiendo diseño gráfico o empezando es, que es la herramienta en la que deberían estar pasando más tiempo, o cuál es la que deberían aprende lo mejor, ya sea Photoshop, Illustrator o InDesign. Y por lo general les doy una respuesta que no les gusta particularmente, porque en mi opinión, son igualmente importantes. Por lo que no debería haber una aplicación que favorezca a los demás. Porque todos ellos tienen un papel muy importante que jugar dentro del flujo de trabajo de diseño gráfico. Y deberías estar pensando más en ellos como un equipo o cómo funcionaría bien un equipo, cuando todos tengan la oportunidad incorporar sus ideas o habilidades, en lugar de favorecer a una persona en particular e ignorar a los demás. Dicho esto, cuando empezamos a hablar de especialización dentro del diseño gráfico, estas aplicaciones pueden convertirse en la herramienta principal para un profesional creativo. Al igual que por ejemplo, Illustrator claramente va a ser la principal herramienta utilizada por los ilustradores y diseñadores de logotipos. Pero es un peaje no recomendado para crear documentos de varias páginas o composiciones fotorrealistas. Entonces incluso si eres ilustrador, tienes que hacer este tipo de cosas. Tendrás que poder usar InDesign y también photoshop de manera efectiva. Ahora, todas estas son aplicaciones robustas y hay tantas características en ellas. Pero la buena noticia es que una vez que aprendes uno de ellos, los otros suelen ser más fáciles de recoger porque hay muchas similitudes entre ellos. Y ya que la introducción de la integración de Creative Cloud entre estas aplicaciones también está mejorando y mejorando cada año, lo que hace que las líneas de creatividades sean mucho más fáciles. lado, una técnica que aprendiste en mi aplicación lo más probable es que funcione de manera muy similar en las otras herramientas. Pero lo que es más importante, al usar funciones compartidas como bibliotecas CC, también podrás compartir activos y reutilizarlos en todas estas aplicaciones. Entonces, por ejemplo, puedes crear una paleta de colores y algunos estilos de carácter y párrafo para formatear textos a los que podrás acceder desde Photoshop, Illustrator e InDesign. Y si haces cambios en un lugar, también afectará al otro diseño excretado en las otras herramientas. Ahora bien, aunque en este curso estamos utilizando estas herramientas para ejercicios creativos, no las estamos cubriendo para principiantes. Y en caso de que seas completamente nuevo para ellos, recomiendo encarecidamente echar un vistazo a mi serie masterclass, que siempre comenzará en lo básico como crear un nuevo documento. Pero al final, definitivamente dominarás estas herramientas y también comprenderás mejor su papel dentro del flujo de trabajo creativo. Además de las aplicaciones de diseño, también es importante hablar un poco sobre los dispositivos y el espacio de trabajo, ya que estos también son esenciales para cada diseñador gráfico y profesionales creativos en general. Al mirar estas fotos, podrías estar pensando que en realidad cuesta mucho ser diseñador gráfico, sobre todo si eres un freelancer que tiene que invertir mucho comprando o este kit. Pero lo que siempre digo es que a pesar de que es genial trabajar con estas increíbles herramientas, que es mucho más importante ser apasionado, comprometido, y ansioso por aprender nuevas técnicas luego poseer el mejor y más caro equipo, puedes hacer un gran trabajo y ser un diseñador increíble al tener una laptop barata. Si bien si no estás dispuesto a poner esfuerzo en aprender y trabajar en proyectos creativos. Al tener múltiples monitores calibrados de color y una computadora increíble, un iPad Pro por ahí no hará ninguna diferencia. Así que no te sientas desanimada si aún no puedes por el mejor chico que hay. Pero a la larga, sin duda es una buena idea invertir en conseguir mejores equipos porque definitivamente te va a ayudar a ser más productivo y eficaz en tu trabajo. Ahora, lo que viene entre la mayoría de estas imágenes es que hay múltiples pantallas y eso sin duda es una buena idea. Se puede ver en mi estudio, realidad tengo tres estaciones de trabajo. Uno que utilizo para diseño gráfico y edición de video, donde tengo un iMac Pro conectado a otro banco que monitoreas para ilustración y trabajo digital. Tengo una sintaxis vacante, nuevo con otra pantalla de referencia, que es otro banco que monitoreas. Y para trabajos de fotografía donde uso principalmente Lightroom, tendría mi laptop conectada a otro monitor calibrado de color. diseño gráfico de serie es muy visual. Tener múltiples pantallas grandes va a hacer su trabajo más fácil. Y realmente se reduce a la experimentación y a la preferencia personal, cualquier configuración funciona mejor para ti. A pesar de que he estado diseñando e ilustrando desde hace más de 15 años, sigo jugando con mi configuración. Por ejemplo, se puede ver por un tiempo que estaba usando mi pantalla secundaria, el monitor de referencia establecido en formato vertical o vertical en lugar del formato horizontal estándar o predeterminado. Porque esto funciona muy bien con el ángulo de visión mientras yo estaba de pie. Eso es en realidad algo que también recomiendo. Si puedes conseguir un escritorio con altura ajustable, podrás elegir si quieres trabajar de pie o sentarte. En realidad te va a ayudar a mejorar tu postura y estar más saludable. Pero al cambiar entre ponerse de pie y sentarse, también disparará diferentes formas de pensar. Así que recuerda cuando hablamos de creatividad y de los diferentes estados del pensamiento creativo, simplemente cambiando tu postura. Entonces en comparación con trabajar sentado o de pie, verás que en realidad sí marcan la diferencia llegar a ideas frescas y nuevas te rodean de inspiración y referencias donde la tarifa es tus propios proyectos o el trabajo de otros artistas y diseñadores gráficos es también una gran manera mantenerte creativo y enfocarte en los proyectos en los que estás trabajando. 5. Brief creativo (parte 1): Todos los proyectos creativos siempre deben comenzar con un breve. Esta va a ser la Biblia o los lineamientos a lo largo de todo el proyecto. Y esto es algo a lo que hay que seguir volviendo sin un buen breve para empezar, no podrás lograr un diseño exitoso. Incluso cuando un amigo tuyo te pide que quizá diseñes un logotipo o estás tuyo te pide que quizá diseñes un logotipo o estás trabajando en un proyecto autoiniciado que solo estás haciendo para practicar una determinada técnica, debes escribir siempre un breve para ti o pídale a tu amigo que te proporcione un breve. Esto te va a ayudar a definir cuál es el resultado real que tienes que lograr, que consiste en los entregables. Entonces, ¿qué tipo de archivos se necesitarán al final, y dónde se va a mostrar o utilizar este diseño? Pero lo que es más importante, necesita definir la necesidad que usted como diseñador está a punto de responder con su trabajo. Y esta necesidad podría ser tan simple como el diseño de una tarjeta de invitación de boda para uno de tus amigos. O tan complejo como el rebranding completo de una empresa internacional masiva. Como dije, el tamaño o complejidad de un proyecto de diseño no hace ninguna diferencia. Siempre debes empezar con un breve. Y lo que siempre debes recordar es que un buen breve es responsabilidad tanto del cliente como del diseñador. Y créeme, ya sea que esté trabajando como diseñador freelance o en una agencia, cada vez que se te acerque un nuevo cliente, siempre tienes que conocerlos primero y entender cómo les gusta para informarte. Hay clientes que son extremadamente buenos en esto y tiene mucha experiencia trabajando con creativos y explicando lo que necesitan, por qué con otros clientes, tendrás que empujar con fuerza y extraer esa información que requieres para empezar. Créeme, que en realidad es muy común que los clientes no sepan realmente lo que quieren, pero pueden explicar por qué lo necesitan. Y por eso es una buena idea tener tu propia plantilla breve de diseño creativo que siempre puedas enviar al cliente al principio, en lugar de confiar en un hilo de correo electrónico interminable. Aquí, todo debe grabarse correctamente al principio. Y esto te va a ahorrar mucho tiempo y hacer preguntas más adelante cuando va a ser mucho más difícil hacer cambios en el trabajo que ya iniciaste. El breve siempre debe comenzar con alguna información sobre la empresa y los datos de contacto de la parte interesada con la que estará trabajando y quién suele ser su contacto principal a lo largo del proceso, Es muy importante tener una descripción de la empresa y también de los puntos de venta únicos. Entonces, ¿por qué esta empresa es diferente? ¿ Qué lo hace único? Pero además de conocer el negocio para el que vas a trabajar, es casi tan importante entender quién está ahí competencia y quién es el público que apunta público que este diseño es creado para? El objetivo u objetivo de un proyecto debe ser siempre muy prominente. Es una de las primeras cosas que hay que definir. Y me gusta mantener esta área corta para que no quieras que el cliente siga adelante sobre lo que quiere lograr. Necesitan poder simplificar en una o dos oraciones cuál es el objetivo real. Una buena idea o así definir mayor parte del tiempo al principio, los plazos o la línea de tiempo, y también el presupuesto que está disponible para este proyecto en particular. No voy a hablar de cuánto debes cobrar como freelancer porque realmente varía dependiendo dónde estés basado y también por supuesto, cuán experimentado estés. Y en general, solo realmente varía también dependiendo del alcance y tipo de proyecto en el que estés trabajando. Pero no importa cuánto esperes cobrar por un proyecto o cuánto esté dispuesto a pagar el cliente. Siempre es buena idea definir esto desde el principio y tenerlo en forma escrita. Para que así puedas salvarte de un montón de dolor de cabeza y malentendidos que avanza. En caso de que seas freelancer, siempre es una buena idea cobrar algo por delante. Por lo que el cliente necesita pagar tal vez el 50 por ciento del proyecto antes de que el trabajo pueda comenzar, y luego el resto de la cuota se puede pagar al final una vez que lo entregas, todo lo que fue definido en el breve. Por supuesto, puede ser un tema muy sensible sacar el presupuesto al principio cuando solo estás conociendo a un nuevo cliente, o si apenas estás empezando y tienes tanta experiencia todavía como diseñador, pero a menos que estés dispuesto a trabajar de forma gratuita, aún debes hacer esta pregunta y acordar una cantidad que te va a mantener motivado en trabajar en este proyecto. Me pasó muchas veces, sobre todo cuando empecé que se cobran a menos. Y al final, temía trabajar en estos proyectos porque simplemente no me sentía lo suficientemente compensada por todo el arduo trabajo que les estoy poniendo. A menos que puedas acordar un presupuesto con el que estés contento, no deberías asumir el proyecto y rechazarlo respetuosamente. Y a pesar de que es una sensación horrible de dejar ir una oportunidad o un cliente va a ayudarte a mantener tu cordura a la larga porque tú como diseñador, fuerte se siente valorado y que su trabajo es valorado por sus clientes. 6. Brief creativo (parte 2): Otra forma de referirse a la meta u objetivo de un proyecto es el alcance de un proyecto. Entonces esa también es una buena manera de ponerlo en tu plantilla. Y es posible que también haya escuchado el término alcance fluencia, que es a lo que suele referirse en la industria creativa cuando un proyecto acaba de seguir y seguir, porque continuamente se agregan nuevos objetivos y incluso los objetivos originales se están cambiando a ida y vuelta. Esa es una situación de pesadilla y realmente quieres evitar estar en esa posición cuando estás atascado en un proyecto y simplemente no hay fin a la vista. Es por ello que es tan importante tener un breve escrito como este donde el alcance esté definido muy específicamente y si el cliente decide sumar a ese cráneo original, siempre se puede ser flexible, pero lo encuentran como un proyecto separado o como segunda etapa de tu proyecto actual, pero con su propio cronograma y presupuesto como regla general que debes tener en cuenta. Y la forma en que debes actuar como profesional creativo es que lo que esté definido en el alcance y los entregables, siempre debes apuntar a superarlo. Entonces bajo promesa y sobre entregar, si logras hacer eso, aunque el cliente estuviera planeando trabajar contigo en un solo proyecto, más probable es que te vuelvan en el futuro. Y podrían incluso recomendarte como diseñador a otras empresas, uh, además de la parte escrita de la breve plantilla que creas, dependiendo del tipo de proyectos que estés tomando. También puedes incluir algunas visuales como esta, que particularmente es útil para branding y el diseño de identidad. El cliente podrá definir y elegir entre los diferentes atributos que en este caso se muestran como opuestos directos unos de otros. Entonces, por ejemplo, en una escala entre lo moderno y lo clásico, pueden decir exactamente dónde desean definir su marca. Si creen que es más moderno, pueden decir que tal vez esté en algún lugar por ahí o tal vez pueda estar todo el camino hacia el lado izquierdo, que significa que definitivamente no quieren que parezca es un diseño clásico. Quieren mantenerlo completamente moderno. Y además de enviar tu breve plantilla a los clientes como PDF, también puedes confiar en formas más interactivas y en línea de recopilar la información. Y hay muchas herramientas como Ola brief, que pueden ayudarte en hacer eso. Por lo que esta es una herramienta en línea brillante con la que podrás recabar la información del cliente. Y puede ser una experiencia mucho más divertida para ellos pasar por todas las preguntas que estás haciendo. De manera similar a cuando el cliente pueda elegir entre los opuestos de los atributos, podrán definir la personalidad de la marca seleccionando imágenes y explicaciones simples, o incluso utilizando escalas sobre lo importante que es algo para ellos. Y la mayoría de estas herramientas en línea serán muy fáciles y rápidas de configurar. Y luego podrás guardar todo como tu plantilla personalizada que estará lista cada vez que inicies un nuevo proyecto. Ahora bien si conociste al cliente cara a cara y escribiste el breve tú mismo o si usas el PDF o una herramienta en línea, siempre es bueno juntos toda la información que proporcionaron y gire el en algo que es un poco más visual como este resumen de diseño gráfico de muestra sobre melanoma, donde esa plantilla escrita original se convierte en algo mucho más visual y algo que es más fácil referirse a lo largo del proceso de diseño. Para que puedan ver que tenemos esta primera sección sobre el cliente y la persona clave, nuestro contacto. Entonces un poco sobre las personalidades de marca y marca y los principales colores que quieren usar para su marca. El principal objetivo o alcance de este proyecto, y luego el público objetivo. Y algunas referencias, tal vez de otras marcas o competidores que el cliente referenció como buenos ejemplos de lo que les gustaría lograr, no importa en qué formato prefiera mantener su breve, pero recuerda mantenerlo siempre frente a ti mientras estás trabajando en el proyecto porque es tan fácil olvidar o pasar por alto ciertos aspectos que más adelante encontrarás en realidad fue muy importante para el cliente. Créeme, no hay nada peor cuando un cliente pidió claramente algo en el breve que olvidó incluir en su presentación final. Así que recuerda estas dos cosas muy bien. Empieza siempre el proyecto creativo con un breve creativo bien definido. Esta va a ser tu directriz a lo largo de todo el proyecto. Y no te olvides de mantenerlo siempre a mano frente a ti. Por lo que nunca te perderás ningún aspecto de ella mientras trabajas. 7. Contrato: El breve creativo siempre debe ir casi de la mano con un contrato. Ahora, a pesar de que no estabas planeando convertirte en abogado cuando decidiste ser un profesional creativo, aún deberías tener una buena plantilla de contrato nuevamente a mano que puedes usar cada vez que empieces con un nuevo cliente. Y es especialmente importante con los nuevos clientes. No obstante, incluso cuando llevas un tiempo trabajando con un cliente, aún no debes aceptar trabajar en nada a menos que haya al menos una versión simplificada de un contrato que esté firmado por ambas partes. Ahora para hacer las cosas más fáciles, en realidad incluí aquí un contrato de muestra que realmente descargué de Smashing Magazine. Creo que este es un muy buen punto de partida. No obstante, si desea utilizar plantillas de contrato más complejas, también puede encontrar la forma estándar de acuerdo AIGA para servicios de diseño PDF, que probablemente sea uno de los más detallados que se pueden utilizar como diseñador. Pero en la mayoría de los casos, me gusta mantener el contrato lo sencillo y sencillo posible. Así que vamos a caminar rápidamente a través de cuáles son las cosas más importantes que se deben incluir. Obviamente, se debe definir el pago, los términos y el monto y es igualmente importante ponerse de acuerdo sobre lo que sucede si el cliente está pidiendo cambios. Por lo que en este contrato de muestra, dice que el cliente debe asumir que todas las adiciones, alteraciones, cambios en el contenido, maquetación o cambios de proceso solicitados por el cliente alterarán el tiempo y el costo. Esto es principalmente, de nuevo, para evitar esa fluencia de alcance del que hemos hablado en el video anterior. De igual manera a los cambios es igual de importante definir lo que sucede en términos de cancelación. Por lo que una vez más, hay que acordar los términos y qué pasa si el cliente cancela a mitad del proyecto y ya has hecho varios días o tal vez incluso semanas de trabajo. Y otro aspecto muy importante a convenir es la titularidad de la obra que se produce. Y en este contrato, establece que el diseñador conserva la propiedad de todas las obras de arte originales y que si la transferencia de propiedad de todos los escritores deseados, entonces las tarifas pueden incrementarse. Entonces una cosa a tener en cuenta y es una buena práctica es que siempre debes mantener tu archivo de trabajo o archivos de proyecto y no entregarlo al cliente a menos que pidan al cliente a menos esto al principio. Pero en ese caso, siempre debemos cobrar más porque una vez que tengan los expedientes de trabajo, eso significa que no necesitarán confiar en ti para hacer algún cambio en el futuro, sobre todo en caso de que tengan un diseñador interno o equipo de diseño que podrá realizar esos cambios. Por lo que siempre debe haber una clara diferenciación entre la obra que está lista para imprimir o web y los archivos de trabajo originales. Pero hablaremos un poco más de esto más adelante en este curso. Entonces definiremos más lo que cuenta como expediente de trabajo y cómo debes estar manejándolos cuando se trata la etapa final de entrega del proceso de diseño. Pero volviendo a la cuestión de la titularidad de la obra en el contrato, realidad hay que pensar en ello como la propiedad intelectual que se crea lo largo del proceso y cómo manejarlo o entregado al cliente. Y para simplificar las cosas, generalmente se reduce a estas cuatro opciones. Asignación completa, lo que significa que entregas toda la propiedad intelectual. Por lo que el cliente tiene completos unos derechos exclusivos al diseño con total libertad para modificarlo y realizar cambios en el futuro. Esta es obviamente la opción más favorable para un cliente, y si les das esta opción, que lo más probable es que vayan por ella. Pero en caso de que específicamente lo pidieran y no era algo que originalmente acordarías, entonces no te olvides de cobrar extra por la asignación completa de la propiedad intelectual. Y también es importante acordar el aspecto de uso personal de la propiedad intelectual. Lo que significa que incluso si quieres simplemente mostrar el trabajo que creas en tu cartera, esto es algo que el cliente debe estar de acuerdo. Pero dependiendo de la sensibilidad del proyecto, el cliente podría realmente pedirle que firme un acuerdo de no divulgación o NDA, lo que en realidad podría impedir que libere algo sobre el trabajo para una cantidad específica de tiempo. Por ejemplo, en el pasado cuando estaba en una agencia creativa y trabajé en un proyecto para Disney, realidad tardó dos años antes de poder lanzar algo sobre el proyecto en mi portafolio. Es bastante doloroso cuando acabas de terminar un proyecto y has hecho algunos diseños realmente geniales y realmente quieres compartirlo con la gente o mostrarlo en tu portafolio. Pero es muy importante apegarse a lo que haya acordado al principio. Y una vez más, por eso es tan importante dejar estas cosas claras en el contrato. Así que recuerda, cada vez que se inicia en un nuevo proyecto, las dos primeras cosas que necesitas, sobre todo cuando estás trabajando con un nuevo cliente, es el breve y el contrato. Una vez que los tengas en su lugar, puedes seguir adelante y empezar a divertirte un poco más con el resto del proceso creativo. A partir de la siguiente etapa, investigación, que estaremos cubriendo en el siguiente video. 8. Investigación (parte 1): Recuerda cuando hablamos las cuatro etapas del proceso creativo, mientras que la investigación sigue siendo parte de la primera llamada preparación. Y al igual que es tan importante conseguir un breve y el contrato en su lugar. También es muy importante y esencial que cada proyecto creativo tenga una investigación adecuada o una investigación de mercado realizada antes de que pueda comenzar cualquier diseño. Entonces lo que realmente sucede en la etapa de investigación y qué se supone que debe producir para el final de la misma. Por lo general, es malo recopilar información y datos de entrevistas con el cliente, comentarios de los usuarios, investigación en línea y más. Entonces, por qué el breve estaba definiendo ya los objetivos. La investigación está dando contexto al proyecto, y va a ser crucial definir la dirección creativa. Ahora, antes de hablar de lo emocionante, como diseñar tableros de humor o los recursos para la inspiración, es importante primero hacer la pregunta si es mejor hacer la investigación primero y después iniciar la ideación o viceversa. Comience con una sesión de lluvia de ideas, invente algunas ideas iniciales y solo después de eso, comience a realizar alguna investigación. A pesar de que es posible que el hacer la investigación te vaya a guiar hacia una dirección particular y podrías perder algunas ideas originales y únicas que puedas haber llegado si arrancó con la ideación. Pero en general, creo que para la mayoría de los proyectos, en realidad es mejor comenzar con la investigación. Y solo una vez que tengas el contexto definido correctamente, puedes pasar a hacer la ideación o de todos modos, no te sientas restringido por esta forma estándar de hacer las cosas. Siéntase libre de experimentar y ver lo que funciona mejor para usted. Y en caso de que sientas que hacer la investigación primero siempre te da una visión de túnel y ya no puedes llegar a ideas creativas y simplemente sigues copiando lo que las hayas visto. Probablemente en realidad es mejor para ti empezar con algunos bocetos y solo más tarde hacer la investigación. Así que hacer la investigación para algunos inspirará ideas, mientras que para otros, en realidad podría limitar la imaginación. Pero en cualquier caso, la investigación siempre debe ser una parte divertida de todo el proceso creativo. Definitivamente no debería ser algo que tengas miedo de hacer. Y aunque podríamos hablar mucho sobre cómo recopilar comentarios de los usuarios en este video, en realidad nos vamos a centrar principalmente en encontrar inspiración o ejemplos para tu proyecto y además de recogerlos, cómo debes organizarlo de una manera que también lo puedas mostrar a tu cliente. Por lo que una de las mejores plataformas para buscar ejemplos para un tipo particular de proyecto. Lo que actualmente es tendencia en la industria creativa es Behance, que es la comunidad creativa más grande en línea y forma parte de Creative Cloud de Adobe aquí, simplemente entra en la pestaña Buscar y elección de proyectos. De inmediato se llega a filtrar todos los resultados por los campos creativos. Y además de las más grandes y más populares como el diseño gráfico, podrás encontrar más áreas de nicho también aquí en esta lista de la derecha, como infografía o diseño de interacción. Pero por el bien de esta demostración, solo voy a elegir Diseño Gráfico. Y dentro de esto, podríamos filtrar aún más los resultados en base las herramientas que se utilizaron para el diseño, la paleta de colores, e incluso la ubicación geográfica de donde se encontraba ese proyecto creado. Por supuesto, si hay un par de palabras que definen realmente bien tu proyecto, puedes usar esas palabras como palabras clave mientras buscas. Entonces digamos que estás diseñando algo para una aerolínea. Una vez que tecleemos eso aquí, obtendremos proyectos que se relacionen con este tema. Y podemos encontrar un trabajo creativo increíble aquí. Y una vez que encuentres algo que te sientas es una referencia útil y va a ser importante para tu investigación. Siempre puedes decidir guardarlo y ser manos realmente usa este término tablero de humor del que hablaremos un poco más adelante. Para que puedas crear un nuevo tablero para tu proyecto en el que estés trabajando. Sólo voy a llamar a esta aerolínea Project Create. Y ahora se guarda y podemos seguir encontrando otros ejemplos. Y probablemente la mejor manera de encontrar algo que sea similar a lo que acabamos guardar es simplemente hacer clic en el más parecido a esta opción aquí en la parte superior izquierda. Lo bueno de esta característica es que podría no centrarse en proyectos de aerolíneas, pero buscará más proyectos visualmente similares. Deberías usar esto cuando te guste la estética de un proyecto en particular y deseas ver diseños más similares a eso. Otra cosa buena de crear tableros de humor en Behance es que incluso puedes tener múltiples propietarios. Puedes invitar a otros creadores o investigadores y pueden incorporar sus hallazgos a la misma junta de humor. Y de igual manera a antes cuando teníamos un solo proyecto seleccionado y querían encontrar proyectos similares a eso. Una vez que tengas un tablero de humor lleno de proyectos que te gusten. Porque podremos sugerir ejemplos aún mejores. Porque va a tener en cuenta todo lo que ya tienes en el tablero de humor, no solo un solo proyecto. Por lo que al hacer click en Ver más ideas, obtenemos sugerencias mucho mejores y más interesantes. Y como antes, si encuentras algo que nos guste, podemos decir con una recta en el tablero de humor. 9. Investigación (parte 2): De igual manera a Behance, otra gran fuente de inspiración y una plataforma para llevar a cabo su investigación es regatear con tres Bs. Nuevamente, es otra comunidad creativa que también puede servir como portafolio creativo una vez que empieces a subir tu propio trabajo. Pero en cuanto a hacer tu investigación, siempre debes saltar a la pestaña de inspiración donde una vez más, puedes encontrar diferentes categorías. Y una vez que elijas el que está más cerca de lo que te interesa, podrás refinar aún más tus hallazgos haciendo clic en los filtros aquí en la parte superior derecha. Y de manera similar a Behance, se pueden definir etiquetas. Puedes elegir colores, seleccionar el marco de tiempo, las herramientas creativas que usan, e incluso si estos proyectos incluyen algunos archivos descargables como archivos de Illustrator, archivos de Photoshop y así sucesivamente, etc. En Dribble, también puedes empezar a recolectar ejemplos simplemente creando colecciones. Entonces al hacer clic en este icono aquí, puedo guardarlo en una colección existente o crear una nueva. Y aquí los proyectos en realidad se llaman tiros. Y la principal diferencia entre dribble y Behance es que mientras B por lo tanto suele ser una visión detallada de un proyecto, dribble generalmente muestra solo una o un par de imágenes de ese proyecto. Se está concentrando en detalles más que en el contexto general de los proyectos. Y depende completamente de ti, lo que prefieras. Algunos creativos prefirieron concentrarse en los detalles y trataron de inspirarse en esos. Mientras que otros también tratan de entender el flujo de trabajo detrás proyectos particulares y ver cómo eso puede ayudar con la investigación para el proyecto en el que están trabajando. No tienes que elegir una de estas plataformas por encima de la otra. Por supuesto, puedes usarlos ambos, y hay muchos otros que puedes encontrar similares a estos. Y en realidad hay una extensión realmente genial llamada Panda para Google Chrome, donde puedes enumerar todos los diferentes sitios de inspiración en un solo lugar. Y se puede ver un feed dentro del cual se puede desplazarse a través de manera muy rápida y fácil. que como pueden ver, tengo regatear aquí, tengo b manos, pero también hay estas otras señales que también me gusta referirme cada vez que estoy haciendo mi investigación y cada vez que sigo desplazando hacia abajo, va a seguir cargando nuevos ejemplos. Esta es una extensión gratuita y lo recomiendo encarecidamente. Y en realidad puedes configurarlo que cada nueva pestaña que abras en el navegador te presente de inmediato con todos estos proyectos inspiradores. Y por supuesto, puedes personalizar el tipo de sitios que deseas ver, pero incluso el diseño o el formato en el que te gustaría mostrar los diferentes feeds desde los lados. Pinterest también puede ser otro gran recurso para la inspiración. Y de nuevo, te da muchas formas de organizarlo. Entonces por ejemplo, este tablero que creé para mis investigaciones de monstruos y villanos, para un proyecto de ilustración, en realidad creé subcategorías o tableros más pequeños dentro del tablero original, agrupando las referencias que he encontrado en estas categorías, criaturas, alienígenas, dragones sobre eso, y villanos. Si saltamos a uno de estos, podemos ver lo que hay aquí adentro e incluso podemos moverlos por ahí si queríamos. Pero podemos volver a subir muy rápidamente un nivel y volver a ver todas las otras tablas o los otros pines que teníamos sin categorizar. Ahora cuando se trata de trabajar con otros mientras hace la investigación, siempre es bueno usar una herramienta que te permita la colaboración en tiempo real, aunque las personas no estén en la misma ubicación. Entonces todo el mundo está trabajando de forma remota. Y hay muchas herramientas populares diseñadas específicamente para la investigación, como el nodo Miro y Miller, que es nuestra herramienta preferida para usar en el diseñador de tareas. Esto es algo que llevo usando desde hace años y voy a mostrar en un video separado cómo se puede usar tanto para investigar como en general, organizar la inspiración, e incluso la gestión de proyectos creativos. Entonces saltando al melanoma, me gustaría mostrar sólo un par de interesantes ejemplos de moodboards. Y esto es algo que puedes armar una vez que tengas tu investigación. Entonces una vez que encontraste algunos ejemplos interesantes que crees que funcionarán muy bien para un breve en particular. Y en lugar de confiar en el tablero de humor en Behance o una colección de Dribble, o un tablero en Pinterest, armar tu propio moodboard directamente en melanoma podría darte incluso más flexibilidad y libertad. Porque aquí puedes incluso solapar imágenes y puedes incluir muestras de color y puedes crear algo mucho más flexible y más fácil de modificar. Y no olvides que el melanoma permite de nuevo tener colaboradores trabajando simultáneamente en vivo en el mismo tablero. Pero el tablero de humor puede ser en realidad mucho más que algo a lo que los diseñadores se están refiriendo de nuevo. También se puede utilizar para presentar ciertas direcciones a los clientes. Al igual que estos dos moodboards preparé hace muchos años para un proyecto. Y en realidad están respondiendo el mismo breve, pero mostrando dos dirección visual muy distinta. Se puede ver que en realidad diseñé cuidadosamente estos moodboards, armando las cosas, organizándolas en columnas específicas. En este caso, tenemos inspiración de hechos, detalles, iconos y logotipos, facilitando su presentación al cliente. Y una vez que se selecciona la dirección para poder utilizar este tablero para referirse nuevo a cada pequeño detalle muy rápida y fácilmente en caso de que estés planeando crear tus tableros de humor personalizados como este . Creo que la mejor herramienta para esto es Photoshop, pero para las tablas de humor con un diseño ligeramente menos complejo, también puedes usar InDesign. Y aquí hay un gran ejemplo para un tablero de humor para un proyecto de branding de panadería elaborado por uno de nuestros miembros, estudiantes, mediodía CIA, donde podemos ver que toda la inspiración está bien organizada de nuevo, comenzando con la paleta de colores preferida que el patrón y un par de iconos, seguido de ejemplo de empaque y algunas tomas de producto. Otra cosa común que puedes incluir en tu moodboard son las caras de tipo preferidas que crees que va a funcionar para ese breve. Y también tal vez un par de palabras clave o atributos que definen realmente bien la dirección o la estética, o el tema que buscas. 10. Ideación (parte 1): El escenario de ideación es sin duda la parte más creativa del proceso de diseño, y es la única. Personalmente, me gusta más. Estaremos cubriendo muchas técnicas diferentes en este video que puedes utilizar durante esta etapa para explorar nuevas ideas, llegar a diferentes direcciones que luego podrás desarrollar más adelante en el proceso de diseño. Y también vamos a echar un vistazo a un par de increíbles proyectos de diseño, solo para que puedas ver lo crucial que es conseguir que se grabe esa idea inicial, ya sea en un boceto, miniatura, en un mente-mapa, o un wireframe. Y obviamente también discutiremos todos estos términos diferentes y lo que significan. Una de las técnicas más comunes durante la etapa de ideación que debes usar es el boceto. Y no te preocupes si no eres bueno dibujando. Estas capturas, no tienen que ser demasiado detalladas. En realidad pueden ser realmente rudos o muy detallados, dependiendo de lo que funcione mejor para el proyecto y lo que sea que sea capaz de hacer. Y aquí se puede ver un ejemplo de los bocetos que fueron dibujados por el gen uno sobre r primeros miembros estudiante. Comenzó con esta exploración para el proyecto de diseño de logotipos del mercado de agricultores. Y se puede ver cómo rodeó las ideas que más prefería y que decidió desarrollar aún más, no importa en qué tipo de proyecto creativo estés trabajando, siempre debes llegar a tantas ideas como puedas en esta etapa inicial cuando aún no te estás concentrando en los detalles aquí, no tienes que ser perfeccionista y solo grabar las buenas ideas. Simplemente pon cualquier cosa en el papel que te venga a la mente y filtra los mejores al final una vez que tengas mucho para elegir. Si el boceto no te ayuda a llegar a ideas, y es simplemente generalmente no funciona para ti. Entonces también puedes usar un mente-mapa donde en lugar de dibujos estás grabando palabras que te vienen a la mente cuando estás leyendo el breve o mirando tu investigación, siempre debes primero en el medio y anotar el tema central o las palabras clave principales para el proyecto. Y este podría incluso ser el nombre del producto o servicio para el que estás preparando el diseño o el tema o pregunta que estás planeando contestar el trabajo de video, es muy importante elegir esta declaración central cuidadosamente porque es algo a lo que siempre te estarás refiriendo de nuevo. Y una vez que tengas este punto de partida el en su lugar, comenzaremos a sumar palabras adicionales en toda dirección, conectándolas con líneas. Y luego a partir de estas ideas, otras ideas van a sellar. Y luego solo sigues irradiando desde el centro del mente-mapa y sigues ramificándote, agregando nuevas palabras y trazando realmente el conocimiento que tienes del proyecto que estarás trabajando on. También se pueden combinar bocetos y mapeo mental, como en este ejemplo, donde de nuevo, podemos ver algunos bocetos ásperos ilustran aquellas palabras que se registran dentro del mapa mental. Y en lugar de una sola palabra clave aquí realmente tenemos una pregunta en el centro, ¿qué lleva la gente? Y luego desde el punto central, podemos ver que hay centros o subgrupos más pequeños claramente definidos como éste en la playa. Entonces todas estas palabras irradian de ese tema. Mientras que aquí a la derecha, por ejemplo, tenemos senderismo y todas las cosas que gente normalmente lleva con ellos cuando se va en un viaje de senderismo. Si prefieres hacer mapeo mental en un formato digital en lugar de escribir las cosas. Hay muchas herramientas en línea, como la mente Meister, para las que el enlace está en el tablero para que puedas encontrarlo desde aquí. Lo bueno de usar una herramienta como esta es que fácilmente podrás mover las cosas. Pero obviamente en el papel estás un poco más restringido y es posible que necesites borrar las cosas si quieres hacer cambios. Ya que estamos hablando de borrado, en realidad eso es algo que nunca debes hacer en esta etapa de ideación. Entonces, cuando te acercas a ideas, nunca debes ignorar ninguna de ellas. Por lo que no debes borrar ni eliminar ninguna idea. Tal vez puedas tacharlos. Pero recuerda, siempre es más fácil simplemente resaltar o rodear las buenas ideas. Y de esa manera sabrás que todos los demás no son tan fuertes. Porque créeme, me pasó muchas veces que ignoré una idea al principio, pero más adelante en el proceso, me di cuenta de que en realidad es una realmente buena y también resuena con el cliente. Por lo que fue sumamente útil que guardé todos mis bocetos iniciales. No los ignoraba, borraba ni borraba, y podía volver fácilmente a ellos y cambiar toda la dirección del proyecto. Ahora aquí hay otra linda combinación de nuevo de Gene, nuestros estudiantes, donde podemos ver en el lado derecho algunos bocetos y en el lado izquierdo un mapa mental. Pero en este caso es un formato ligeramente diferente. Entonces en lugar de tener una palabra central y el resto irradiando desde ese punto central, aquí tenemos dos columnas, las dos categorías principales para este proyecto. Entonces como éste es otro diseño de logotipo para un becerro llamado café cat, aquí en el lado izquierdo tenemos el término principal definido como café, y la otra columna es gato. Y todas las palabras enumeradas en cada una de estas columnas son las cosas que pensó nuestra estudiante Jane, como liga peluda de bacalao, curioso por gato y frijoles, taza, cuchara, mancha de café para la café. Y lo bueno de tener estas dos listas verticales uno al lado otro es que podrás conectar dos palabras juntas, incluso al azar. Y a veces puedes llegar a combinaciones que nunca has pensado sin tener este diseño de mapeo mental en primer lugar. 11. Ideación (parte 2): Otra forma o método para grabar tus ideas iniciales es hacer bocetos en miniatura. Y en comparación con diseños más simples, menos complejos como un logotipo, esto es mejor cuando se trata de diseñar un diseño completo, por ejemplo, para una revista o una portada de libro, póster de película o folleto, la mejor manera de hacer estas miniaturas es empezar siempre con un marco que rellenas con tu boceto. Y al tener estos marcos del mismo tamaño, vas a poder ver en relación entre sí los conceptos o ideas que te están planteando. Por lo que hará que sea mucho más fácil compararlos entre sí. Y aunque podría parecer una pérdida de tiempo ya que ya puedes empezar a hacer esto digitalmente, tal vez usando InDesign o Illustrator o Photoshop. Créeme, en realidadte va a ahorrar mucho tiempo porque una vez que termines te va a ahorrar mucho tiempo porque una usando alguna de estas herramientas, no podrás enfocarte en las ideas reales por sí mismas porque al mismo tiempo también vas a aplicar ciertas técnicas y flujos de trabajo que aprendiste en una herramienta en particular. Días por los que estas miniaturas aún deben hacerse como unos bocetos ásperos, ya sea con lápiz y papel o por supuesto, también las puedes hacer digitalmente, tal vez usando un iPad y usar una herramienta como Procreate. Pero no importa qué formato elijas, tradicional o digital para la etapa de bocetos, recuerda no concentrarte en los detalles. Entonces en lugar de crear dibujos increíbles, se trata más de la cantidad de ideas que se pueden llegar o la cantidad de ideas diferentes. Entonces en general, es cierto sobre el proceso de diseño que la calidad es más importante que la cantidad en esta etapa, realidad lo contrario es cierto. Otro término que puede haber escuchado es el storyboard, que podría parecer bastante similar al ejemplo anterior de las miniaturas. Pero por qué tener miniaturas que utilizamos principalmente para composiciones estáticas. Una vez más, al igual que un diseño de revista, storyboards son más apropiados para proyectos de animación, gráficos en movimiento y video. Aquí hay un gran ejemplo de un storyboard dentro del ánodo Mill, donde además de los bocetos para cada uno de los fotogramas o escenas dentro de este proyecto de animación también fue útil es que podemos verlos en el orden en la que aparecerían dentro de la animación con la simple explicación de lo que se trata cada escena. Y de nuevo, la ventaja de armar un storyboard y luego formato digital como este es que es muy fácil mover las escenas y tal vez cambiar el orden de las mismas si decides hacerlo. Aquí hay otro ejemplo de uno de nuestros otros estudiantes de miembros profesionales que dibujó este boceto inicial para un marco o visto desde un proyecto de animación en el que estaba trabajando. Y podemos ver cómo se renderizó completamente más adelante usando Illustrator y after effect. Aquí hay otro hermoso ejemplo de bocetos en miniatura altamente detallados nuestro gen estudiantil para un proyecto de diseño de portada de libro. Ahora a pesar de que estos bocetos son mucho más detallados que los otros que hemos visto antes sigue siendo una buena idea mantener las cosas monocromáticas y no introducir colores adicionales. Porque una vez que definas una paleta de colores, en realidad puede abrumar la idea original. Y a veces si, sobre todo si estás mostrando estos bocetos al cliente, podrían tener una preferencia y elegir no en base a las ideas reales, sino simplemente en base a su preferencia de la paleta de colores. Otra variación de los bocetos en miniatura es lo que llamamos un wireframe, que generalmente se utiliza en proyectos de diseño web y experiencia de usuario. Y estos son geniales para establecer la estructura básica de un sitio o app antes el contenido de diseño visual y se agreguen el contenido de diseño visual ydetalles adicionales en formato wireframe, normalmente indicaríamos imágenes con un rectángulo, con una cruz sobre. Entonces tendríamos líneas de copia como solo líneas simples horizontalmente y todos los demás elementos como radio, botones e iconos, también se pueden simplificar todos. Al igual que dije sobre bocetos, wireframing también es algo que puedes hacer en papel, o también puedes hacerlo digitalmente. Y entro en mucho más detalle sobre esto dentro del tema de diseño web y digital. 12. Ideación (parte 3): Otro término de ideación del que quizá hayas oído hablar es una pizarra, que por supuesto, simplemente significa que estás usando una pizarra blanca. Y esto se usa muy comúnmente en las agencias durante una sesión de lluvia de ideas donde estás junto con otros creativos y estás tratando de grabar ideas en colaboración entre sí. Y de igual manera al boceto, lo que hace que una sesión de lluvia de ideas o pizarra sea exitosa es que antes que nada, debes enfocarte en la cantidad y que no hay malas ideas. Por lo que deberías estar reteniendo críticas en esta etapa, realidad deberías dar la bienvenida y celebrar ideas inusuales o inesperadas tener muchas ideas dispuestas unas al lado del otro en la pizarra blanca. Las otras ventajas adicionales que será más fácil empezar a conectar algunas ideas y combinarlas juntas. He trabajado en agencias donde teníamos tableros anchos más pequeños como éste en la imagen. Pero también he estado en espacios de trabajo donde toda la pared era una gran pizarra blanca y literalmente se podía dibujar en cualquier lugar. Hay algo realmente cool e inspirador rodearte de ideas y que todos se unan en colaborar, no tener miedo de cometer errores. Recuerda lo que dijimos sobre el proceso creativo o la caída de la creatividad es cuando tienes miedo de cometer errores. Todas estas formas de llegar a ideas te están animando a no tener miedo de escribir o dibujar nada que te venga a la mente. Eso es lo más importante que hay que recordar sobre la ideación. Entonces graba cualquier idea que te venga a la mente sin filtrar y sin borrar ni ignorar nada que ya hayas grabado. Y solo para mostrarte algunos ejemplos inspiradores de cómo las ideas iniciales grabadas como bocetos estamos atendiendo a los diseños finales en pleno derecho. Aquí está en primer lugar, un diseño de portada de libro. Entonces este es el boceto inicial y este es el diseño final. Entonces volviendo al boceto y luego saltando al diseño, podemos ver que la mayoría de los elementos ya estaban ahí en el boceto original. No ha cambiado mucho. Y a pesar de que el artista lo más probable es que ya tenga una idea aproximada de la paleta de colores que no era necesaria para ser grabada en este boceto inicial. Se puede ver el mismo enfoque con otro hermoso boceto creado por uno de nuestros otros miembros pro nombre de estudiante para un proyecto de diseño de packaging, que posteriormente se convirtió en un completo ilustraciones vectoriales y también mostradas con una maqueta o visual mostrando el diseño final en contexto. Por último pero no menos importante, aquí están las etapas cruciales de un proyecto de animación. Nuevamente, comenzando con un simple boceto áspero, seguido de una versión más refinada del boceto. Por lo que una vez más, si cambio de ida y vuelta, se puede ver que la idea general ya estaba grabada en la etapa inicial, y fue simplemente más refinada en este segundo boceto. Y los colores sólo se introdujeron en esta siguiente etapa. Por lo que una vez aprobado el boceto refinado, se pudieron agregar los colores y detalles adicionales. Una vez más, cambiar de ida y vuelta, podemos ver que no mucho ha cambiado. Se trata principalmente de esos colores y algunos detalles de patrón que se añadieron. Y luego en este caso, porque no era un proyecto de animación tradicional, sino un laboratorio, combinan elementos 2D y 3D juntos. En realidad convirtieron la ilustración que hemos visto antes en un modelo 3D, primero renderizado sin ningún color y patrones. Después, en la siguiente etapa, se sumaron esos detalles. Y luego finalmente llegó la animación, que en este caso fue en realidad una animación 2D usando After Effects. Pero lo más importante a recordar es que para poder lograr algo realmente cool y sorprendente como este, comenzaron con un simple boceto áspero. Y cuando se piensa en ello, no ha cambiado mucho. Entonces si tienes una gran idea para empezar y puedes grabarla como un boceto. Se garantiza que al final vas a conseguir un gran resultado. Pero por otro lado, si tu boceto inicial, tu idea es semana, es casi como no tener fundamento para un edificio. Entonces no importa cuánto tiempo vayas a dedicar refinándolo y agregando detalles, simplemente no va a funcionar al final. Por lo que nunca subestimes la importancia de la etapa de ideación. 13. Presentación: Al final de la etapa de ideación, debes tener esos bocetos o ideas que lo grabes y clavas abajo como los que mejor funcionan para contestar debrief, estás listo para empezar y girar esas ideas en diseños de pleno derecho. Ahora, dependiendo del tipo de proyecto, en algunos casos, es posible que realmente desee presentar los bocetos que lo seleccione al cliente. Por supuesto, si es necesario, siempre debe ordenarlos y refinarlos, asegurándose de que el cliente pueda entender y de qué se trata estas ideas iniciales. Pero por qué este formato de presentación temprana puede funcionar con ciertos clientes. Pero la práctica más común es solo presentar al cliente quiere que en realidad tenga los diseños completamente refinados y detallados. Ahora, no importa la versión que prefieras, siempre debes recordar no pasar por el cliente con muchas opciones diferentes. E incluso si conviertes cinco o diez de estas ideas iniciales en composiciones de pleno derecho de Photoshop, Illustrator o InDesign, siempre debes tratar de reducir las direcciones que se van a presentar, 23. Y ese es realmente un número mágico para presentaciones. Sólo piénsalo. Si estás mostrando una dirección que es extremadamente restrictiva y no va a dar a los clientes y las opciones. Por lo que sólo tendrán que ir con lo que se les esté mostrando. Es casi como si ni siquiera te interesan sus comentarios al darles dos opciones que son distintas y diferentes entre sí. En la mayoría de los casos, les resultará difícil elegir porque es casi como una pregunta de sí o no donde hay más presión para decidir cuál es la respuesta correcta en comparación con cuando tener tres opciones para elegir, la mayoría de los clientes se sentirán más a gusto al elegir la dirección que más prefieren. Ahora, por otro lado, como dije antes, cualquier cosa más que tres direcciones puede llegar a ser abrumadora. Y puede volver a hacer que el proceso de selección sea mucho más largo y más tedioso. Una vez más, a veces el cliente ni siquiera podrá decidir qué dirección le gusta. El peor de los casos es que debido a esta incertidumbre, incluso podrían desconectar todo el proyecto. Entonces recuerda presentar tres direcciones o conceptos es probablemente el que mejor funcione en la mayoría de los casos. Y aquí hay un ejemplo de uno de nuestros estudiantes pro miembros, gene, presentando las tres variaciones para el proyecto de diseño de logotipo del mercado de agricultores, mostrando los diseños por su cuenta a la izquierda, y luego usando maquetas en contextos de la derecha. Estas maquetas son extremadamente útiles hora de presentar a los clientes porque les ayudan a visualizar tus diseños en contextos con los que están familiarizados. También puede combinar varios elementos en una sola diapositiva al presentar a un cliente. Al igual que en este caso, uno de nuestros otros estudiantes, Nia, está mostrando este logo de café gato como una marca en diversos artículos. Ahora una vez que tengas estos increíbles visuales y en general, el mazo de presentación listo para mostrar al cliente, es muy importante volver atrás y revisar dos veces el breve, asegurándote de que no te hayas perdido cualquier cosa importante. A los clientes les encanta ver todas las tareas que lo grabarán en el breve abordado en su presentación. Entonces eso es algo definitivamente a tener en cuenta. Y otra buena práctica en caso de que estés presentando en vivo, ya sea presencial o online, es hacer una práctica que recorra tu presentación y el tiempo tú mismo. Definitivamente no quieres que tu presentación sea demasiado larga, por lo que deberías poder llegar al punto con bastante rapidez. No obstante, en lugar de saltar directamente a los diseños reales que creaste, en realidad es bueno tener un poco de una sección de intro donde recuerdes al cliente el objetivo original de la proyecto. Y tal vez al revelar o mostrar algunos aspectos del flujo de trabajo creativo por el que pasaste, puedes construir un poco de anticipación antes de revelar los diseños finales que te inventaron. Cuando se trata de las tres direcciones que decidiste presentarles. De estos tres, lo más probable es que haya uno que sea tu favorito personal y que estés esperando que el cliente vaya a elegir. En mi experiencia. Y también esto es algo que escuché de muchos otros creativos. La idea favorita que tengas siempre debe mostrarse al final. Así que muéstrale primero las otras dos direcciones y mantén tu favorito para la última. Porque la mayoría de los clientes y la gente en general tienden a recordar lo que vieron en última instancia. Y esa es la que va a dejar una impresión duradera. Por lo que hay una gran probabilidad de que, esa es la dirección con la que van a ir. Otra buena práctica para diferenciar las tres direcciones que estás presentando es que una de ellas debe ser una opción segura que realmente siga el breve hasta el punto. Pero también tengo un concepto que realmente está empujando las limitaciones establecidas en el breve y va un poco más salvaje, algo que podría sorprender a tu cliente. Y por último pero no menos importante, un par de consejos adicionales que debes tener en cuenta durante tus presentaciones al cliente. Una es que siempre debes tomar notas a lo largo de toda la conversación. Esto realmente muestra que te importan sus comentarios. Y aunque no estés planeando implementar todo, tu cliente apreciará ver tu dedicación. Pero mientras grabas o tomas notas de todo lo que dicen, no significa que también tengas que estar de acuerdo con todo. Por lo que no debes tener miedo de defender realmente tus diseños o decisiones cada vez que sientas que el cliente no tiene razón. Recuerda, te contrataron por una razón y tú eres el profesional creativo. Entonces en ciertos casos, al explicar el pensamiento creativo detrás de cierto concepto, podrías ayudar a tu cliente a entender tu razonamiento. Y podrían ser capaces de ver que estás diseñando una luz diferente al final de tu presentación, siempre debes tener tiempo para acordar los siguientes pasos y lo que el cliente espera recibir de ti la próxima vez. Y también es buena práctica enviar un mazo de presentación completo a todos los participantes en esa reunión de presentación junto con algunos nodos de alto nivel que grabaste. Entonces para resumir, para una presentación exitosa, necesitarás dos cosas. En primer lugar, grandes diseños y direcciones que te enorgullece presentar al cliente, pero casi tan importante, necesitarás también un buen formato. La forma en que se comunica cómo se le ocurrió esos diseños. A pesar de que eres diseñador gráfico, cuando estás presentando tu trabajo de alguna manera, tienes que convertirte en vendedor porque estás vendiendo algunas ideas o conceptos a tu cliente. Y por eso es tan importante aprender teoría del diseño gráfico y estar al tanto de todos estos diferentes términos y técnicas que estamos cubriendo en este curso. Porque esto te va a dar confianza en lo que estás haciendo y te ayudará no solo a trabajar, sino también a sonar como un verdadero profesional creativo mientras estás presentando tu trabajo. 14. Comentarios: A menos que al final de tu presentación, el cliente dijera que les encanta lo que has hecho y no necesitan ningún cambio. Lo cual para ser honesto y muy rara vez sucede. Tendrás que volver al tablero de dibujo, mirar la retroalimentación que proporcionaron y trataron de implementar todo modificando y refinando tus conceptos iniciales. Esta es la etapa a la que normalmente nos referimos como la iteración. Y puede tener muchas etapas en algunos proyectos, podría ser sólo una o dos etapas. Dónde sigues yendo y adelante presentando los cambios al cliente. Pero recuerdo cuando trabajaba en una agencia creativa en algunos casos, terminamos teniendo de 40 a 50 etapas para algunos proyectos más complejos o simplemente clientes difíciles. Ahora, a menos que estés cobrando a tu cliente por hora o la cantidad de horas que pones en un proyecto. Esto también es otra cosa crítica que tienes que definir en el contrato al principio, si estás dispuesto a hacer cambios ilimitados para tu cliente, para un presupuesto acordado, o si esto es algo por lo que estás cobrando una tarifa extra, nunca debes permitir que tus clientes aprovechen tu generosidad. Por lo que no recomendaría nunca aceptar cambios ilimitados sin cargo adicional. Normalmente, lo que hago con mis clientes es que permito dos a tres rondas de cambios que está cubierto por mi cuota inicial, pero cualquier ronda de cambios después de eso, empezaré a cobrar a mi cliente. Adicionalmente, por limitado las rondas de retroalimentación gratuitas o incluidas, tu cliente también prestará más atención a lo que están diciendo y es menos probable que vayas a terminar en un situación de pesadilla donde un proyecto simplemente nunca termina y solo sigues corriendo en círculos, persiguiendo ese bucle de retroalimentación interminablemente tratando de complacer al cliente. Esta es una gran ilustración por tostadas quemadas. Diez espectáculos muy bien que en algunos casos, los clientes podrían terminar literalmente tomándose de las manos, tratando de tomar su lugar e ignorar completamente lo que les esté diciendo. Y esa es la situación de un cliente diseñador muy poco saludable que siempre se quiere evitar. Una vez más, cuanto más seguro esté en su trabajo y comprendiendo la teoría del diseño gráfico, más fácil será poder establecer límites. Y probablemente una de las cosas más importantes que nunca debes hacer es hacer algún cambio sea inmenso frente a tu cliente. Así que a veces mientras presentas podrías sentir el impulso de que dondequiera que estén pidiendo es en realidad algo muy simple. Es posible que solo quieran mover una la imagen un poco a la izquierda o a la derecha o dimensionar algo hacia arriba y hacia abajo. Pero aunque puedas hacer lo que están pidiendo en unos segundos, nunca debes hacerlo frente a ellos porque así es exactamente como empieza esta mano. Y una vez que estés en ella, será muy difícil salir de. Ahora ya que para la mayoría de los proyectos creativos, estarás pasando por este proceso de iteración y tendrás varias rondas. Y en cada ronda obtendrás retroalimentación. Es importante documentar todos estos y registrarlos de acuerdo a las etapas por las que estás pasando. Y es una buena práctica volver a leer todos los comentarios que obtuviste hasta ahora, incluyendo también las etapas anteriores, antes de cualquier reunión que tengas con tu cliente. Esto te ayudará a poder referirte no solo a la retroalimentación más reciente que te dieron, sino también a cosas que dijeron anteriormente en el proceso. Ahora algunos clientes serán realmente buenos en darle críticas constructivas. Algo que realmente te ayudará a hacer cambios y refinar y mejorar tu trabajo. Pero desgraciadamente, en muchos casos, tu cliente no podrá articular muy bien lo que quiere. Y podrían simplemente decir que simplemente no les gusta lo que has hecho. Este tipo de retroalimentación negativa puede ser realmente difícil de digerir y aceptar, y realmente puede arruinar motivación real para trabajar en el proyecto. Pero mientras tu cliente, al menos como una de las direcciones que les presentaste, no deberías estar demasiado molesto y no deberías sentirte mal dejando ir tal vez tu favorito dirección porque nadie conoce mejor su producto que su cliente. Entonces aunque no puedan explicar por qué no les gusta algo, más probable es que tengan un buen presentimiento sobre lo que va a funcionar para su marca. El peor de los casos es cuando dicen que no les gusta nada que se los presente y está completamente equivocado y no es nada lo que imaginaron. Lo que significa que mientras quieras apegarte a seguir trabajando en el proyecto, que tendrás que empezar desde cero. Y potencialmente podría incluso volver atrás y rehacer la investigación. Porque mientras uses eso para el proceso de diseño, lo más probable es que no estuviera en punto y no se alineó con lo que el cliente imaginaba Habiendo dicho eso, no olvides lo que mencioné en el video anterior. En algunos casos, en realidad tendrás que defender tus diseños y tus decisiones. Y si se puede articular y comunicar bien cómo llegó a esas decisiones, realidad podría ser capaz de convertir una retroalimentación muy negativa a algo más constructivo y otro horrible situación que también desea evitar a cualquier costo es lo que suele denominarse diseñado por comité. En la mayoría de los casos, simplemente se reduce al hecho de que hay demasiadas personas involucradas en darle retroalimentación, tanto el liderazgo directivo como la toma de decisiones es comprometida. Ya es difícil ya como es complacer a una persona que pueda ser el tomador de decisiones en un proyecto. Pero cuando tienes varias personas con ideas diferentes, puede ser situación de verdad y pesadilla. Hay un gran boceto llamado el proceso en este tablero que se puede ver donde se puede ver que el diseño original para un cartel de stop, convirtiéndose en esto, asumiendo todos los diversos retroalimentación que el pobre creativo está recibiendo de todos los diversos departamentos del cliente. Aquí hay otro diseño real de logo real que puedes encontrar en línea, que también es un ejemplo perfecto de lo que puede ser el resultado De diseñado por comité, donde está claro que todos los que participó en el proceso quería mostrar algo que se sintiera importante para ellos. Y el diseñador no tenía confianza suficiente para defender el diseño, que en resultado terminó siendo un Frankenstein de todo tipo de cosas diferentes en este tablero. También puedes encontrar algunos ejemplos hilarantes de cómo podría verse el diseño por comité, donde incluso una increíble pieza clásica de diseño gráfico puede ser desgarrada por tener demasiados personas involucradas en el proceso. 15. Repaso: Con actualizaciones recientes y nuevas características en aplicaciones de Creative Cloud como Illustrator, Photoshop e InDesign, cada vez es más fácil y fácil recopilar comentarios de clientes y otras partes interesadas. Y en este video, te voy a mostrar un par de cosas a tener en cuenta en caso de que estés planeando usar estas funciones. Entonces, ante todo, el cliente o las partes interesadas involucradas en el proceso de revisión en realidad no tendrán que tener una licencia de Creative Cloud pagada para ver tus diseños a los que estás enviando ellos y dejar comentarios al respecto. Entonces aquí hay un ejemplo de una nube ilustradora ese documento que compartí para su revisión. Y esto es en realidad lo que el cliente o el stakeholders obtendrían. Un enlace que pueden abrir en su navegador donde pueden ver la obra de arte y pueden dejar sus comentarios aquí en el lado derecho. Ahora se puede ver que agregué algunos comentarios e incluso uso esta herramienta de pin pequeño con la que estoy especificando donde quiero que se hagan esos cambios. Y lo sorprendente es que en realidad se pueden ver estos comentarios entrando en vivo dentro de Adobe Illustrator, dentro de la pestaña de comentarios. Por lo que incluso mientras trabajas en tus ilustraciones o diseños, podrás responder a las cosas que las partes interesadas están pidiendo. Ahora no olvides lo que dije en el video anterior que no quieres terminar estando en esa situación de mano donde pueden ver los cambios tan rápidamente que simplemente siguen preguntando interminablemente usted para hacer la vida de un hombre antes cuando hablamos de diseño por comité, aquí, lo mismo aplica que es mejor tener menos personas involucradas en la revisión si es posible, e idealmente invitar sólo a aquellos que en realidad puede proporcionar críticas constructivas y con quién se puede trabajar muy bien juntos. La otra característica genial que se introdujo en Creative Cloud es el historial de versiones con el que puedo hacer mis cambios y guardarlo como una nueva versión. Ya seguí adelante y respondí todos estos cambios con una nueva versión, en la que puedo cargar fácilmente desde la pestaña del historial de versiones. Por lo que sólo puedo decir volver a esta versión. Entonces, en lugar de tener un archivo separado seguro para cada etapa, ahora puedo mantener todo dentro del mismo documento de Illustrator Cloud. Y hasta puedo seguir adelante y marcar todos estos comentarios que se están resolviendo. Y al volver a la ventana del navegador, podemos ver que los cambios fueron así se reflejan aquí. Por lo que parece que no hay nuevos comentarios en este momento, pero solo voy a añadir uno en este momento usando la herramienta pin y pinche aquí, estoy escribiendo aumentar redondez del marco y reducir el grosor. Solo voy a presentar esto y aparece inmediato como un nuevo comando que aún no se ha resuelto. Y al volver a Illustrator después de unos segundos, el comentario ya apareció. Por lo que ahora sólo podemos seleccionar este rectángulo. Y con uno de los widgets de esquina, podemos aumentar rápidamente la redondez. Y luego con el atributo de trazo, podemos reducir el grosor. Ahora que he hecho mis cambios, de nuevo, acaba de despegar esta solicitud como un comando que ahora está resuelto. Y si siento que este es un hito o etapa importante dentro del proceso de diseño, puedo decidir guardarlo como una nueva versión, cual puedo hacer entrando en el más reciente guardado y haciendo click en el marcador. Puedo darle un nombre. Sólo voy a llamar a este nuevo marco. Y cuando llegue a las versiones mark, ahora, voy a tener tres de ellas. El original, el que tiene el marco, uno con el nuevo marco. Por lo que una vez más, original. El que tiene el marco y luego el con el nuevo marco que acabamos de guardar. Por lo que podemos ver rápidamente la diferencia ahí. Y lo grandioso es que esto también se refleja en la vista del navegador. Por lo que las partes interesadas también pueden ir a la pestaña Línea de tiempo aquí a la derecha donde podrán ver las versiones marcadas. Entonces ahí está el nuevo marco, pero también pueden saltar rápidamente de nuevo al estado anterior o incluso al original. Por lo que puedo cambiar muy rápidamente a través de todos estos y compararlos entre sí. Ahora para los documentos de Photoshop Cloud, tienes casi exactamente el mismo conjunto de funciones de flujo de trabajo disponible para pasar por el proceso de revisión. Mientras que para los documentos eje desde dentro de InDesign, tendrá un par de características adicionales a las que se puede acceder desde el navegador. Entonces además de colocar un bolígrafo o simplemente escribir un comentario en general, aquí, también podemos resaltar texto, golpear a través del texto, reemplazado x, o incluso dibujar una forma. Pero la opción de forma de dibujo es en realidad algo que está disponible también para Illustrator y Photoshop. Entonces con esto, podemos hacer fácilmente algunas marcas, establecer el color que queremos usar, y luego también en algún comando para ello aquí solo voy a decir turno título a todas las tapas y luego enviar este comando. Y lo bueno es que cada vez que pasa el cursor sobre este comando, también resalta donde puedo encontrar esto dentro del diseño o viceversa. Si vengo aquí y hago clic en él, se resalta el comentario del lado derecho. De igual manera a esto, si queremos cambiar algo en la copia, primero podemos simplemente resaltar el texto. Entonces elige la herramienta que queremos usar. Reemplaza texto en este caso, y luego solo pon la palabra que deseamos usar en su lugar, en lugar de viajar, digamos que queremos usar move. Una vez que presente eso, se va a aparecer aquí en el navegador. Pero lo que es más importante, el diseñador que tiene este archivo abierto en InDesign, podremos ver todos estos comentarios entrando en vivo. Y cada vez que seleccionen uno de ellos, se mostrará directamente aquí dentro del diseño, estas funciones creativas en la nube son extremadamente útiles para poder obtener respuestas de sus clientes en un base continua en lugar de confiar y esperar reuniones ocasionales. 16. Entrega (parte 1): La etapa final del proceso de diseño es la entrega. Cuando esté entregando impresión y verbo, lea los archivos al cliente e idealmente haciendo esto antes de la fecha límite que acordó con una región. Ahora en comparación con el fondo de investigación, ideación y etapa de diseño es la etapa de entrega implica mucha menos creatividad y se trata más meticulosamente pasar por cada archivo y doble cheque que todo es antes de que se entreguen los expedientes. Esta etapa también se conoce a veces como trabajo de arte, lo que simplemente significa ordenar y a veces, retrabajar los diseños creativos. Y en las agencias creativas y el error artístico suele ser también un rol designado. Trabajan mano a mano con diseñadores y directores creativos y generalmente los apoyan para que puedan concentrarse en las decisiones creativas. Y trabajador del arte es una raza especial de un diseñador gráfico que es realmente bueno en detectar errores y ¿a quién no le importa hacer tareas repetitivas? No necesariamente tienen que ser buenos en llegar a ideas únicas y creativas, pero tienen que tener habilidades técnicas muy fuertes en el uso de las aplicaciones creativas y también una sólida comprensión de cómo preparar archivos tanto para web como para imprimir. Ahora en caso de que seas diseñador freelance y seas una banda de un solo hombre, eso significa que tendrás que ser tanto diseñador gráfico como también trabajador del arte. Entonces a lo largo del proceso creativo, seguirás cambiando de sombreros. Por lo que ya mencionamos anteriormente que cuando estás presentando tu trabajo al cliente, tienes que convertirte casi como un vendedor. Si bien al final en la etapa de entrega, hay que convertirse en un trabajador del arte. Una forma en la que puedes hacer tu vida más fácil es trabajar ya de una manera muy organizada. Y eso se aplica tanto a la estructura de archivos o gestión de archivos de sus proyectos de diseño también a las Capas, Muestras y estilos guardados en sus archivos de trabajo. Así que aquí tienes un buen ejemplo de 99 diseños como puedes ser consistente en estructurar tus archivos y carpetas para cada proyecto donde tendrás un proyecto separado para cada cliente. Dentro de eso, tendrás sub carpetas para cada proyecto. Y dentro de una carpeta de proyecto, también organizarás todo en subgrupos como cliente, input, sense, design, and production. Entonces ya que estamos hablando de entrega que de la preparación de todos los archivos impresos y listos para la web. Eso es en realidad algo que caería más en la producción mientras que los archivos de trabajo originales. Por lo que los archivos y paquetes de Photoshop, Illustrator e InDesign irán dentro de la carpeta de diseño. Y recuerda, hemos hablado de esto antes que estos archivos de proyecto o archivos de trabajo es algo que normalmente no se proporciona al cliente, pero definitivamente fue una buena práctica es numerar las versiones de cada uno de los archivos del proyecto de acuerdo a las rondas de retroalimentación que usted está recibiendo del cliente. Por lo que estás empezando con el folleto 01, por ejemplo. Entonces el cliente te da retroalimentación. Guardarías una nueva versión, un archivo de trabajo duplicado, al que llamas folleto 02 y así sucesivamente y así sucesivamente. Sigues creando estas nuevas versiones hasta llegar al punto donde no hay más cambios necesarios. Y ese archivo de proyecto final se puede convertir en un PDF listo para imprimir o cualquier formato de archivo que sea necesario para producción o requerido por el cliente. Ahora podrías recordar en el video anterior que cuando se trata de cloud los documentos, en realidad no tienes que guardar duplicados o versiones separadas para poder tener un historial de versiones que tú puede volver a caer encendido. Pero en la mayoría de los casos, especialmente en un entorno de agencia creativa, todavía no dependerías de ese único archivo en la nube. Siempre es más seguro tener estos duplicados para cada una de las etapas del proceso de diseño, definitivamente ocupa más espacio en el disco duro, pero solo te da más seguridad además siendo consistente con la forma en que estás organizando tus archivos y carpetas para cada proyecto. También es importante apegarse a la misma convención de nomenclatura, que te ayudará a encontrar los archivos relevantes siempre que tengas que buscar algo. Por ejemplo, se puede definir un código corto para cada proyecto y también para cada cliente. Y estos códigos se pueden incluir en todos los nombres de archivo que está produciendo. Estas cosas simples pueden ahorrarte tanto tiempo a la larga. Pero también puede ser extremadamente útil si alguien más tiene que hacerse cargo de un proyecto de ti. En caso de que esté trabajando en equipo o en una agencia creativa. Pero en caso de que alguna vez tengas que entregar tu archivo de trabajo a otro creativo. También es mantener todo dentro de los archivos lo más ordenado posible, y eso incluye capas. Entonces, por ejemplo, siempre debes eliminar capas o capas vacías que ya no estás usando y crear grupos de capas y subgrupos para mantener las cosas mejor organizadas. Nombrar tus capas y grupos de capas también es extremadamente útil, ya sea para que sea fácil que otro creativo entienda lo que has hecho. Pero incluso para ti mismo en caso de que tengas que volver a visitar el archivo un par de meses después, la nomenclatura correcta te ahorrará mucho tiempo. Así que al igual que evitar nombres de archivos sin sentido o confusos como estos, también quieres hacer lo mismo por tus capas y cualquier presets que creas que también se almacenarán en los archivos de tu proyecto. Y eso puede incluir Carácter, estilos de párrafo , muestras, y cualquier otro preset que normalmente usaría. 17. Entrega (parte 1): Ahora cuando estás pensando en finalizar un proyecto y asegurarte de que un archivo esté listo para ser entregado al cliente. Otra parte muy importante de este proceso de entrega es asegurarse de que no haya errores ortográficos. Y para esto, se recomienda ejecutar una revisión ortográfica en todos sus archivos, que es una característica que está disponible en casi todas las aplicaciones de Adobe. Pero después de eso, si es posible, también debe tener un corrector pasando por la versión final del expediente. El que va a hacer la corrección no sólo va a buscar errores ortográficos, sino también comprobar la exactitud general y la gramática de la copia, que son igualmente importantes. Hay otro término, pre-vuelo, que se utiliza cuando se trata la preparación de expedientes para su impresión. Y en realidad es una característica que está en InDesign. Se trata de un panel separado donde se puede ejecutar una comprobación automatizada sobre el estado de un archivo de InDesign. Esto podrá avisarle automáticamente cada vez que falte una imagen o falta fuente, o dependiendo del perfil, perfil que estés utilizando. También puede advertirte si la resolución de una imagen es demasiado baja para las especificaciones que elijas. Ahora, aunque mantengas tus archivos organizados y no estás planeando proporcionar los archivos del proyecto a tu cliente. Todavía se aconseja guardar un paquete al final del proceso. Y esto se aplica principalmente a proyectos de InDesign donde casi cada vez que se va a requerir un paquete para asegurarse de que no vas a terminar teniendo enlaces faltantes o faltantes fuentes en caso de que tenga que volver a visitar el proyecto par de meses después. Pero el empaque de archivos de proyecto también se aplica a Photoshop e Illustrator en caso de que esté utilizando activos vinculados. Eso puede ser un Objeto Inteligente Vinculado en Photoshop o simplemente gráfico desvinculado en Illustrator. Entonces para guardar un paquete, es lo mismo en todas estas aplicaciones. Simplemente tienes que ir al menú Archivo y luego elegir paquete. Y antes de ir más allá aquí, ya puedes verificar si hay alguna advertencia o error. Por lo que podemos ver que no faltan imágenes o así, no faltan fuentes. Entonces todo parece estar bien. Y si hacemos click en Paquete, podremos especificar dónde queremos guardar esto en nuestro equipo. Y también tal vez adicionalmente elija algunas opciones como incluir diferentes formatos de archivo e incluso un PDF en la carpeta del paquete. Una vez que creamos el paquete, se va a exportar todo en esa carpeta seleccionada la cual tendrá el archivo real del proyecto, en este caso un formato IND d Phi. A su lado está el PDF que se generó. Pero lo que es más importante, tenemos todas las imágenes guardadas en una carpeta de enlaces. Entonces incluso si no estás planeando archivar y hacer copias de seguridad de todo lo que usas para el proyecto. El paquete definitivamente debe ser algo que verás para más adelante. En caso de que el cliente regrese a usted y requiera algunos cambios en el futuro. Y como estamos hablando de hacer copias de seguridad de sus expedientes, es algo que debes estar haciendo a lo largo todo el proceso y no esperes hasta el final. Así que no lo hagas solo durante la etapa de entrega porque los accidentes pueden ocurrir en cualquier momento. Y es una pesadilla de diseñadores gráficos cuando una computadora se bloquea y pierdes algo de tu trabajo. Me pasó un par de veces que unas horas de mi trabajo se perdía y tuve que recrear. Y aunque sabía lo que he hecho antes, todavía me tomó casi la misma cantidad de tiempo, si no más, porque estaba cansada que molesta por perder mi trabajo. Por lo que es muy recomendable utilizar una solución de copia de seguridad automatizada, ya sea fuera de línea, como la máquina del tiempo en una computadora Apple, o se trata de una solución de almacenamiento en la nube en línea como live drive. El comprueba constantemente cualquier cambio en las carpetas o discos duros seleccionados y se asegura de que esos cambios sean continuamente respaldados por usted. La configuración ideal para respaldar tu trabajo suele referirse a la estrategia de tres a uno, lo que significa que estás teniendo al menos tres copias de todo, dos de las cuales están almacenadas localmente pero en diferentes dispositivos. Y al menos una copia de lado, generalmente en un Cloud Storage. Mínimo tres copias a almacenadas localmente en un Cloud Storage o en algún lugar fuera del sitio. Y supongo que se puede imaginar por qué es importante tener al menos una de estas copias almacenadas fuera del sitio. Eso es porque si todas las copias se almacenan en la misma habitación, digamos que tu estudio. Y Dios no lo quiera si hay fuego o inundaciones o algo realmente malo pasa, podrías terminar perdiendo todo y no tendrás ninguna copia de seguridad disponible. Esa definitivamente no es una situación ideal. Por lo que vale la pena invertir en soluciones de backup. Y recuerda seguir respaldando todo mientras trabajas y no lo dejes hasta la etapa final o entrega del proyecto. 18. Entrega (parte 1): Ahora hay una última cosa que vale la pena mencionar, y que a veces es en esta etapa de entrega, posible que puedas automatizar algunas tareas y procesar por lotes algunos de los archivos que has producido. Esto podría incluir cambiar rápidamente el nombre de una gran cantidad de archivos al mismo tiempo, pero también cambiar su formato de archivo. Entonces, por ejemplo, guardar archivos PSD como JPEG, PNGs, o incluso PDF, e incluso redimensionarlos automáticamente durante este proceso por lotes. Y una de las mejores herramientas para procesamiento por lotes de archivos creativos es Adobe Bridge, que también forma parte de Creative Cloud, especialmente con la adición de la función de flujo de trabajo en la versión 2020s. Por lo que en este panel aquí de la izquierda, podrás crear un flujo de trabajo para el que podrás especificar las tareas que te gustaría que pasaran todos los archivos. Entonces podría, por ejemplo, comenzar con una opción de redimensionamiento, que se puede especificar aquí en el lado derecho. Por lo que podemos escalar a un cierto porcentaje, pero también a un tamaño específico. Pero entonces podemos agregar pasos adicionales en el panel de diagrama de tareas. Entonces, por ejemplo, podemos decir que también queremos cambiar el formato de estas imágenes. Y aquí a la derecha de nuevo, podemos definir el formato de salida. Puede ser JPEG, PNG, TIF, o negativo digital, que es el formato raw estándar de la cámara de Adobe. Y luego también podemos agregar cambios adicionales a los metadatos o incluso la opción de cambio de nombre por lotes con video. De nuevo, podemos precisar la convención de nomenclatura que nos gustaría aplicar a estos expedientes. Una vez que especifique todas las tareas para su flujo de trabajo, solo tiene que nombrarlo y guardarlo. Y entonces todo lo que necesitas hacer es seleccionar las imágenes son archivos que deseas usar y luego simplemente arrastrarlas y soltarlas en el flujo de trabajo que deseas iniciar. Si deseas ver el progreso de tu flujo de trabajo, siempre puedes hacer click en Ver Progreso aquí en la parte inferior izquierda. Pero lo mejor es que sucede en segundo plano. Para que puedas seguir haciendo otras cosas en la aplicación sin tener que esperar el procesamiento por lotes. Entonces, para resumir, la etapa de entrega se trata de triplicar todo, asegurándose de que las cosas estén organizadas y ordenadas y ordenadas. Y en general, si quieres pasar más tiempo diseñando y preocuparte menos por ello. Esta etapa final de refinamiento, mi mejor consejo es que ya debas empezar a trabajar desde el principio de manera organizada y estructurada. que eso no se va a convertir en una tarea desalentadora y agotadora que tienes que hacer al final de cada uno de tus proyectos. 19. Conclusión: Enhorabuena por completar este curso de la serie de teoría del diseño gráfico. Espero que lo hayas encontrado útil e inspirador. No olvides pasar por el glosario de términos PDF, revisar todo lo que cubrimos, y si te sientes listo, toma el quiz para poner a prueba tus conocimientos. Vuelve en cualquier momento a las referencias en los tableros mileniales que usamos en este curso para ayudarte a recordar las cosas de las que hablamos o definir inspiración para tu próximo proyecto de diseño, por favor háganoslo saber si sintió que faltaba algo este curso o si tiene alguna sugerencia sobre cómo podemos mejorarlo, envíenos un correo electrónico a info en la asignación designer.com, y nos pondremos en cuenta en cuanto posible. Realmente agradecemos su aportación y ayuda. Ahora, es hora de que elijas tu próximo tema y te sumerjas en otro curso de teoría del diseño gráfico. Recuerda, no hay orden correcto o incorrecto para completar esta serie. Todas las reglas que cubrimos son igualmente importantes y todo está relacionado. Pero lo más importante es conseguir una buena comprensión de estas reglas y aplicarlas en tus proyectos. Estoy seguro de que usarás lo que has aprendido para crear algo increíble. Y no puedo esperar a verla.