Teoría del diseño gráfico: espacio

1. Introducción: Diseñador gráfico, la mayoría de los diseños en los que trabajas terminarán siendo planos. No en el sentido de que no van a quedar bien, sino en el sentido literal. Se imprimirán en hojas de papel, tela o se mostrarán en pantallas planas de televisores, monitores y dispositivos móviles. Entonces tal vez te estés preguntando, ¿cómo podemos siquiera hablar de espacio sin tres dimensiones, pero podemos. Además de la anchura y altura de su obra de arte, para crear diseños convincentes, también necesitarás implicar profundidad. En este curso, cubriremos superposición, superposición, perspectiva, espacio negativo, proximidad, forma, forma y todo lo demás que pueda ayudarte a hacer que tus diseños sean atractivos, atractivos y espaciosos. También analizaremos cientos de diseños increíbles de todas las áreas del diseño gráfico para ayudarlo a visualizar y comprender fácilmente todos los términos y reglas que se cubren en este curso. Junto con el emocionante proyecto de clase que espero que completes al final del curso, también tienes la hoja de trabajo de análisis y el glosario de términos para ayudarte a practicar todo lo que has aprendido Espero que estés tan emocionado como yo de comenzar y sumergirte en el mar del conocimiento y hermosos ejemplos de diseño gráfico. 2. Espacio: Espacios como una mercancía en diseño gráfico, manera similar a comprar una parcela de terreno y luego tienen su casa construida sobre ella. Como diseñador gráfico, se obtiene un lienzo con una orientación específica y relación de aspecto. Y depende de ti cómo lo llenas con los elementos que estarás usando en tu composición. Cuando tienes mucha información que necesitas mostrar en una sola página, por ejemplo, en una revista o en una sola página de un sitio web. Tendrás que averiguar cómo equilibrar todo, asegurándote de que tu diseño acabe buscando desordenada, confusa, y puede ser igualmente desafiante si no tienes muchos elementos para usar en InDesign, podrías sentir que tu diseño terminará buscando vacío y poco profesional. Es un error muy común entre los diseñadores que apenas están empezando que el pack demasiadas cosas en un diseño que trataron de llenar todo el espacio disponible de elementos, sin dejar ninguna espacio negativo. Y ese es también un término importante que estaremos discutiendo con mucho más detalle. Pero en general, consideramos cualquier elemento que coloques en positivo cualquier elemento que coloques en tu espacio de diseño, mientras que cualquier cosa que quede vacía, aunque no sea del todo blanco, consideraríamos un negativo espacio, o a veces también nos referimos a él como espacios en blanco. En especialmente cuando hablamos de diseño de impresión, donde el blanco es obviamente el color del papel. En el próximo par de videos, nos sumergiremos más profundamente y aprenderemos sobre todos los diversos principios y métodos de diseño que puedes usar para mejorar el espacio en tus composiciones. Pero primero en este video, hay un par de términos generales importantes sobre el espacio que me gustaría discutir y también mostrarles algunos ejemplos creativos de estas reglas en acción. Por lo que normalmente, cuando hablaremos de espacio, nos referimos a un volumen que tiene altura, anchura, pero también profundidad. Pero aquí hay una contradicción porque como diseñador gráfico, casi todo el tiempo, trabajarías en planos bidimensionales. Así que ya sea una página impresa o una pantalla, siempre es solo ancho y alto. No obstante, existen muchas formas y métodos diferentes que puedes implicar la profundidad en tu diseño y hacer que parezca más tridimensional. Y eso es crucial porque quieres que tus espectadores sientan pueden entrar en ese espacio que creas en tu lienzo. Quieres atraerlos a tus composiciones y quieres mantenerlas ahí tiempo posible haciendo que tu diseño sea atractivo y cautivador. Echemos un vistazo a un par de técnicas para implicar profundidad o espacio. En primer lugar, puedes usar talla. Aquí tenemos dos grandes ejemplos de esto, el cartel de ocho océanos y el logotipo de la Fundación Barnes de pentagrama. En ambos ejemplos, podemos ver que todo lo que parece ser más grande en escala se siente más cerca de nosotros. Este es un hecho simple que vemos también en la vida real. Dondequiera que haya perspectiva, las cosas que están más lejos en la distancia son cada vez más pequeñas. Es decir, por ejemplo, por qué estos dos kayaks aquí en primer plano de esta ilustración son casi del mismo tamaño que esta montaña de fondo. O ocupan la misma cantidad de espacio dentro de la composición. Pero sabemos por experiencia que aquí hay perspectiva y que montaña de fondo es en realidad más grandes que estos dos coyotes en primer plano? Pero volviendo de nuevo a estos dos ejemplos aquí a la derecha, la persona de la izquierda, que creo que es Sandra Bullock, es la más cercana a nosotros. Entonces por eso parece ser la más alta por esta persona aquí a la derecha, parece ser la más corta, pero por supuesto, entendemos de inmediato que está más atrás en el espacio. Aquí está sucediendo lo mismo con el logo de la Fundación Barnes, donde la palabra principal marca en la parte superior se divide en estas cinco formas rectangulares. Y algunos de ellos son más grandes que los otros. Y de inmediato los que son más pequeños se sienten como si estuvieran más atrás en el espacio. Y esto es en realidad intencional porque estas cinco formas supuestamente representan la estructura del edificio de la Fundación Barnes. Este es un gran ejemplo de muchos otros principios de diseño también en uso como espacio negativo, pero también ritmo alterno, donde tenemos formas más grandes y más pequeñas alternando entre sí y muchos otros principios como simplicidad, el encuadre y la consistencia. Otra técnica común para implicar espacio o profundidad en tu composición es confiar en la intensidad de los colores. Y significa que los colores más vibrantes, saturados y especialmente los colores cálidos, tienden a estar más cerca de nosotros o sentirse más cerca de nosotros. Compara dos colores con menos intensidad y tonos más fríos. Esto también tiene algo que ver con el mundo físico y cómo aprendemos a ver cosas como paisajes donde tenemos mucha distancia que podemos ver todos a la vez. Y hay un término llamado perspectiva atmosférica, que también estaremos hablando con más detalle una vez que lleguemos a hablar de perspectiva. Pero esencialmente lo que significa es que cuanto más lejos esté algo, más fresco y lavado se vuelven sus colores debido al gran volumen de aire o cielo entre nosotros y ese objeto. Entonces para simplificar lo que acabo de decir, cuanto más lejos se pone algo, más comienza a mezclarse con cualquiera que sea el color del cielo. Y podemos ver esto en acción aquí en la ilustración donde los colores de primer plano son más oscuros, más saturados y más cálidos mientras nos estamos lavando más, apareciendo estos colores saturados más en el fondo y también se están acercando más a los colores en el cielo. Pero incluso en este diseño aquí, podemos ver que el espacio está implícito al tener los colores más vibrantes y saturados en primer plano o el frente de esta forma cilíndrica. Si bien estamos teniendo colores más suaves y más lavados en la parte posterior de estas cintas formando el cilindro. 3. Técnicas para aprovechar el espacio en el diseño: Un método muy potente y directo de implicar espacio y sobre todo profundidad, es utilizar la superposición entre formas, como en este caso, de inmediato podemos ver que esta hoja es muy probablemente la más cercana a nosotros, mientras que la persona aquí está la más alejada. Entonces, al poner las cosas encima de la otra e indicando profundidad con sutiles sombras o efectos fuera de límites, podemos rápida y eficazmente profundidad establecida. Y se puede lograr la misma técnica, por supuesto, incluso sin usar sombras. En este caso, tenemos una superposición pasando entre el tipo y la imagen. Entonces esta carta se siente como si estuviera detrás de la imagen. Por éste, por ejemplo, está frente a él. E incluso solo confiando en la aparición de estas dos letras del título, el diseñador logró ya crear una composición interesante. Pero además de nosotros, los espectadores experimentando profundidad, también tenemos que trabajar un poco más duro comparación con tener este título de aventura escrito en una sola línea colocada encima de una imagen que sería tan más aburrido de lo que podemos ver aquí. Esta portada de la elegante revista es también un gran ejemplo de implicar profundidad. Tener a este atleta saltando sobre el cabezón. Pero además de la profundidad aquí, también implicamos altura al tener mucho espacio vacío o negativo aquí en el medio. Para que de inmediato haga que esto se sienta mucho más alto que si la parte central de la composición se llenara de texto o imágenes. Y lo más probable es que la razón por la que decidieron no hacer este texto más grande de lo que aparece en este momento, es que porque hay otra cosa que puede ayudar a implicar espacio. Dondequiera que coloque, más cerca de la parte superior de su marco siempre se siente un poco más lejos que lo que esté en la parte inferior. Ahora esto vuelve a volver a cómo vemos paisajes. Por lo general, lo que está en la parte inferior está más cerca de nosotros. Ese es el primer plano. Y a medida que avanzamos más arriba en la composición o marco, veríamos cosas que están más lejos. Solo recuerda la ilustración con los kayaks en primer plano y las montañas en la parte trasera. Por lo que a pesar de que no hay indicios de si estos textos aquí en la parte inferior están más cerca o más lejos en comparación con lo que vemos aquí en la parte superior. Y a pesar de que los detalles están en la parte superior, parecen más grandes que lo que tenemos en la parte inferior debido al posicionamiento del texto alto volador en la parte inferior, todavía se siente como si estuviera en primer plano. Creo que por eso no era necesario hacer eso más grande de lo que es en este momento. Este cartel también está utilizando con confianza este entendimiento de que dondequiera que esté más cerca de la parte superior alimenta más lejos. Pero por supuesto también se basa en la perspectiva. Por lo que podemos ver que las líneas paralelas están llevando todas a un punto de fuga en la distancia. Y probablemente se pueda imaginar que se sentiría raro si fuera la forma opuesta, teniendo los textos en la parte superior se sienten más cerca nosotros y luego el resto volviendo más lejos en el espacio, aún podría funcionar. Simplemente no se sentiría tan equilibrado y tan natural como lo que tenemos en este cartel. También hay otra forma importante de categorizar espacio o pensar en el espacio cada vez que estés diseñando, puedes crear espacios abiertos o cerrados. Y cada uno de estos tendrá un efecto importante en cómo su diseño es percibido por nuestros espectadores. Los espacios abiertos suelen ser más acogedores. Por qué los espacios cerrados pueden contener y mantener la información unida más rígidamente. Hay un par de grandes ejemplos de espacio abierto que se está utilizando en este tablero, como el Parque Nacional de los Arcos de Utah y la composición de Zurich, Suiza, donde las letras flotantes, teniendo sólo un muy sutil sombra paralela, establecer un gran espacio en blanco abierto que es completamente frontera menos. Por lo que se siente como si pudiéramos entrar este espacio desde cualquier dirección. Si bien aquí con la revista New York Magazine, tenemos un límite muy fuerte, este marco que cierra todo, creando este espacio cerrado. Así que no pienses que esto sea menos atractivo o atractivo de mirar, pero definitivamente se ha establecido un tono diferente de comunicación visual. Otro ejemplo donde tenemos estos marcos muy rígidos sosteniendo y agrupando el impuesto y la mayor parte de la ilustración juntos, la composición general aún no se siente demasiado cerca por lo pequeño que están saliendo de los marcos. Al igual que esta persona aquí, las aves volando a través estos marcos e incluso esta planta aquí saliendo por el lado derecho. Entonces en este caso, este efecto superpuesto o fuera de límites fuera de marco realmente ayuda a abrir la composición que habría terminado siendo mucho más cerrada sin ellos. Y por último pero no menos importante, otro término que vale la pena mencionar es Fengshui, que en realidad se utiliza para el diseño de interiores y los arreglos de mobiliario en el espacio. También me gusta pensar en ello como algo que se puede utilizar para composiciones en diseño gráfico, que establece que cada objeto en el espacio existe en relación entre sí y con su entorno. Y esta es una explicación perfecta cómo se necesita pensar en el espacio en sus composiciones. Lo que coloques en tu lienzo o lo que dejes fuera tendrá un efecto en todos los componentes con los que estás trabajando. 4. Profundidad: En el video anterior, ya establecimos lo importante que es establecer profundidad en tus composiciones porque esa es la propiedad faltante que no tenemos en un plano bidimensional cada vez que nuestro trabajo sea a aparecer en un trozo de papel o una pantalla. Entonces si bien nuestro Lienzo siempre tendrá altura y anchura, no tendríamos la profundidad. Entonces eso es algo que sólo podemos implicar. Y a pesar de que ya aprendimos un par de formas de hacerlo, ahora en este video, veremos un par de ejemplos creativos adicionales y métodos que vale la pena discutir y recordando siempre que tengas que crear profundidad en tus propias composiciones. Entonces empecemos con algo muy sencillo. Esta vista isométrica de un cubo, que también se puede referir como el cubo Necker, que es un gran ejemplo de estabilidad multi, donde podemos decidir si estamos mirando el frente de este objeto aquí o aquí en la parte superior. Entonces si consideras que esta parte aquí está más cerca de nosotros, entonces eso significa que estamos mirando este cubo desde abajo. Si bien si consideramos que esto está más cerca de nosotros, se siente como si estuviéramos mirando el cubo desde arriba. Esto es algo que cubrimos con mucho más detalle en la sección de psicología del diseño cuando pasamos o los principios Gestalt. Pero la razón por la que lo estoy mostrando aquí también es porque es una forma muy común que representamos profundidad en la ilustración. Y veremos más dibujos isométricos más adelante. Pero por ahora, lo que quería llamar la atención es a pesar de que establecimos profundidad en esta composición, todavía no está claro qué está más cerca y más lejos de nosotros. Y eso se debe a la falta de información visual. Ahora, una vez que empiezas a introducir formas de campo, colores y gradientes están sombreando. Entender el volumen y la profundidad se vuelve mucho más fácil. Entonces aquí, nadie estará luchando por entender que estos detalles son los más cercanos a nosotros, mientras que este detalle aquí es el más lejano. Pero incluso cuando estás usando colores y sombreado, a veces aún puedes confundir a tus espectadores, ya sea intencionalmente o no. Entonces, por ejemplo, imagina solo mirar esta pequeña sección aquí. Y cuando veas esto por sí solo, en realidad podrías ver un cubo que está al revés, pesar de que en la composición actual, se supone que este es un área vacía. Y queda claro cuando miramos juntos toda la composición. Pero una vez más, al extraerlo, podemos confundir fácilmente al espectador confiando en el principio Gestalt llamado cierre. También puedes crear diseños interesantes como este donde no hay sombreado, solo se usa un solo color, negro. Y estas formas de cono como triangulares ni siquiera están conectadas entre sí. Pero aún así nuestra mente se siente inmediatamente en ese espacio vacío en el medio. Y nos imaginamos que para ser no sólo un círculo, sino una esfera real, que una vez más tiene volumen. Por lo tanto no sólo altura y anchura, sino también profundidad. Y la razón principal por la que lo vemos así es porque estos picos aquí son más pequeños que sentimos que están más lejos de nosotros. Mientras que los conos aquí en el frente o más grande, pero también tienen estas formas elípticas para ellos que describen que es libre recordar espacio vacío. Así que a veces indicios muy sutiles como estos pueden ayudar a tus espectadores a entender lo que realmente, incluso en una forma abstracta como esta. Y en caso de que no seas bueno dibujando o no has pasado tiempo estudiando cómo dibujar foros tridimensionales, recomiendo encarecidamente pasar algún tiempo haciendo justamente eso. Porque créeme, te va a ayudar mucho poder representar profundidad en tus composiciones, incluso sin depender realmente de dibujos o ilustración. Ahora cuando se trata de composiciones reales, mostrar o implicar profundidad no tiene que ser abrumador. Entonces no tienes que exagerarlo. Y como la mayoría de las veces, menos es más. Entonces cuanto más sutil puedas ser, pero aún así lograste la profundidad, mejor. Y el bello ejemplo de esa moderación en acción es esta portada de la novela de Zelda Fitzgerald, donde el único detalle que implica profundidad es esta pequeña sección aquí del rostro. Entonces en lugar de tener más detalles saliendo del formulario de carta, esto ya logra ese sentido de profundidad. Y esta es una gran opción porque esto naturalmente va a ser un punto focal. Siempre nos sentimos atraídos por mirar las caras, aunque las veamos desde un costado. Aquí hay una composición similar, de nuevo, retrato y una forma de letra combinadas entre sí, pero de una manera completamente diferente. Aquí podemos ver la imagen completa y la letra V está enclavando el retratar, teniendo el lado aquí la izquierda yendo detrás del rostro y volviéndose interrumpido por los labios y la barbilla. Y luego al otro lado de la carta, Viene claramente delante del cuerpo, pero luego otra vez yendo ligeramente detrás de la cabeza. Por lo que esta acción de venir del fondo al primer plano y luego volver de nuevo al fondo crea una increíble sensación de profundidad. Pero de nuevo, como antes, de una manera muy sutil. 5. Curvas, líneas y sombras: También me encanta este ejemplo donde tenemos esta espesa línea curvy blanca entrelazada, nuevo, el modelo en la composición. Y lo estoy mostrando de nuevo por su sutileza porque a pesar de que tenemos aquí una sombra muy sutil aquí en esta zona, lo que ayuda a separar esta curva de la curva detrás de ella. Todavía no tenemos más indicios de si esta curva o esa curva está más cerca o más lejos de nosotros. Y la razón por la que eso no era necesario es por otro principio Gestalt estar en uso llamado continuidad, que establece que el espectador podrá continuar los detalles aun cuando no lo sean completamente visible. Entonces podemos seguir a lo largo de esta forma, que claramente es la más cercana a nosotros porque está frente al modelo y luego va detrás de la persona. Pero podemos conectarlo de inmediato a esta otra sección aquí. Entonces si lo rastreamos a lo largo, podremos decir que esta sección continúa aquí y luego va más lejos. Y lo más probable, ya que esta forma está comenzando en primer plano y yendo más atrás en el espacio que esta sección estaría más cerca de nosotros y la otra forma iría por debajo de ella. Entonces si hubiera sombreado, me imaginaría que para aparecer aquí, estas forma arrojando su sombra en la otra forma. Y además del principio de contigüidad, esto significa que también está en uso el principio de simplicidad, lo que significa que sólo se introducen los detalles muy necesarios en la composición y todo lo demás es sacado. Se podría recordar que hablé perspectiva atmosférica en el video anterior. Esos detalles más cercanos a nosotros tienden a sentirse más cálidos y vibrantes en sus colores. Y aquí hay un ejemplo perfecto, solo para recordarte eso, donde podemos ver que estos son los colores principalmente en uso en primer plano sobre los personajes, mientras que estos más fríos y menos saturados colores utilizados en el fondo. Así que una vez más, en la montaña, el cielo, e incluso estos detalles aquí en el fondo. Y a pesar de que esto es más importante para la ilustración, todavía se puede utilizar en sus composiciones de diseño gráfico. Otra forma inteligente que puedes lograr profundidad en tus composiciones es el uso de la textura. En este caso, tenemos estos agujeros de bala, lo que implicaría que hay una ventana de vidrio o pantalla frente a la portada de esta revista y se dispararon disparos y ese vidrio se rompió. Pero además de esa textura estableciendo algo que es lo más cercano a nosotros, aún más profundidad creada dentro la composición al tener al personaje principal, Daniel Craig, James Bond, de pie frente al masthead, que es una técnica muy común con revistas. Y luego tener líneas cubiertas y el resto de la topografía e imágenes de soporte en la parte superior o frente al personaje principal en la composición. Entonces incluso sin los agujeros de bala, hay tres planos o capas distintos aquí hay tres planos o capas distintos uno encima del otro. Y esa capa de textura adicional está agregando cuarta encima de ella. Aquí hay otro gran ejemplo de implicar profundidad con textura. En este caso, además la perspectiva obvia que podemos ver en las letras estableciendo detalles yendo más lejos en el espacio. También tenemos esa sensación de que estas letras están de pie en el agua y eso se logra con esta textura distorsionada sobre estos detalles reflejados para cada una de las formas de letra. Entonces a pesar de que aquí no hay detalles superpuestos y tampoco ningún uso de sombreado en absoluto, seguimos sintiendo que hay distancia en la composición, pero también que hay un plano o una superficie de agua. Me encantan las soluciones simples como esta porque son tan efectivas. Entonces, en lugar de usar más reflejos y sombreado en el agua, simplemente implicaba tener esas ondulaciones o textura en los detalles reflejados. Y por último pero no menos importante, aquí hay otro ejemplo de textura utilizada para crear profundidad. Pero de nuevo, se siente como si hubiera una ventana o una pantalla que es semitransparente y los detalles que están más lejos de nosotros se están desdibujando. Si bien la cara que se siente más cercana a nosotros está más cercana a esa pantalla semitransparente es más clara o más enfocada. Es una solución genial para hacer que el rostro realmente destaque del resto de los detalles y también permitir que la tipografía sea legible encima de esta imagen. Una vez que todos los detalles además de la cara están borrosas, es fácil colocar texto encima de ellos porque ahora interfieren mucho menos debido a que ahora hay baja frecuencia en cuanto a un carga visual. Y además de implicar profundidad, textura puede realmente ser utilizada por muchas razones diferentes en el diseño gráfico. Y por eso vamos a volver a ella y hablar más de ello en otro video. 6. Superposición y superposición: La superposición o superposición de imágenes y tipografía en tus composiciones puede ayudar también a lograr profundidad. Y también se puede utilizar para enfatizar otras cosas como el movimiento y las escritas. En algunos casos, también se puede utilizar este enfoque para comprimir más información visual en una sola composición que de otro modo no sería posible. técnica más importante en la que confiamos cuando estamos utilizando aplicaciones de diseño para poder crear superposiciones y superposiciones entre nuestros elementos es el uso de capas. Son fundamentales para cada proyecto de diseño gráfico. Es casi imposible trabajar sin ellos ya. En el pasado, antes la era digital y la autoedición, por supuesto, era mucho más difícil hacer esto porque simplemente no eran capas. Y la única forma en que los diseñadores gráficos serían capaces de hacer esto literalmente cortando las cosas y colocando las cosas uno encima del otro. Por supuesto, este es un método muy limitado porque realmente no se puede ajustar la opacidad de estos componentes. Y también hay nuevos modos de mezcla que pueden ayudar a crear interacciones interesantes entre tus capas. Por lo que definitivamente hemos recorrido un largo camino desde entonces. Y se debe principalmente a la sencillez o a la facilidad de poder trabajar con capas que se muestran en muchos proyectos de diseño gráfico. Y el uso común de la transparencia siendo utilizado como parte integral de las composiciones. Porque si lo piensas, tanto la superposición como la superposición basa en la visibilidad o la transparencia, que puede convertirse en un elemento de diseño activo, igual que el color, el texto y las imágenes. Entonces como siempre en este video, estaremos viendo algunos usos creativos de superposiciones y superposiciones. A pesar de que hemos visto algunos ejemplos de esto en los videos anteriores, aquí hay mucho más que descubrir y mucha más inspiración juntos que podrán aplicar en sus proyectos. Mencioné modos de mezcla o mezcla de capas ya al inicio de este video. Y eso es algo que podemos ver que se utiliza en muchos de estos ejemplos. No obstante, la mezcla no siempre es necesaria. También podemos simplemente usar la transparencia, lo que hace que ciertos elementos más vistos que otros. Entonces, por ejemplo, el logotipo de las cintas PG y también el logotipo de MasterCard se basa más en la fusión que en la transparencia. Y en caso de que estés usando Modos de Mezcla a menudo en aplicaciones como Photoshop, desarrollarás un ojo de incluso poder decir qué modo de mezcla se está utilizando. En este caso, para las cintas PG, creo que se multiplica mientras que en MasterCard esto se parece más a superposición. Definitivamente es una buena idea familiarizarse con estos modos de mezcla. Pero no sientas que tienes que aprenderlas todas. Porque dependiendo de qué imágenes o componentes estés planeando fusionar, siempre crearán un resultado ligeramente diferente. Así que incluso después de un año de usarlos, sigo experimentando y a veces paso a través de todos ellos antes de decidir cuál es el que mejor funciona en mi composición. Lo genial de mezclar en lugar de usar transparencia es que ambos elementos que estás mezclando seguirán siendo totalmente opacos o visibles. Y aquí hay un gran ejemplo de esto. Una vez más, tenemos la ilustración del scat y también tenemos el tipo encima de él. Y recuerda lo que dije, a veces estamos utilizando esta técnica de superposición o superposición para poder comprimir más información visual en nuestro lienzo. En este caso, mediante el uso de la técnica de superposición, fue posible maximizar el tamaño tanto de la ilustración como de la topografía. Por lo que ambos están llenando completamente el lienzo. Y debido al uso inteligente de la superposición, todavía podemos ver a ambos. También es como un reto que mandas a tus espectadores cuando haces este tipo de cosas. Por lo que tienen que trabajar un poco más duro para dar sentido a lo que están viendo. Porque por supuesto, esto no es tan claro como tener estos dos detalles uno al lado del otro, pero mientras haya suficiente diferencia en los colores de los detalles que se mezclan, no será molestar o confundir a tus espectadores. En cambio, será más intrigante y atractivo. Observe que en realidad hay una pequeña pista o ayuda visual aquí en el lado izquierdo de este cartel diciendo hecho en Japón, que es exactamente los mismos textos que se superponen en la composición. Pero estos textos aquí es mucho más fácil de leer. Por lo que aunque solo vislumemos eso por una fracción de segundo, nos ayudará a identificar lo que podemos ver en la topografía principal de mayor tamaño. Y en este caso, no es sólo la superposición la que dificulta la lectura del texto, ya que la legibilidad se reduce o disminuye aún más al tener las tres palabras hechas en Japón fusionados físicamente entre sí. Entonces, por ejemplo, la letra a, que podemos ver aquí se usa tanto para la palabra hecha como también para Japón aquí en la parte inferior. Pero ten en cuenta que incluso la palabra en está conectada con el otro carácter final en la palabra Japón. Y si esto no fuera suficiente, hay incluso otro pequeño detalle interesante aquí. El personaje E en la palabra made realidad tiene dos barras en lugar de solo uno. Y no estoy seguro por qué eso fuera necesario, sobre todo porque estas brechas aquí no son iguales. Entonces el que está en el medio es más ancho que los otros dos. Lo único que puedo pensar es que sin estas dos barras, eso habría sido un poco demasiado espacio negativo aquí en la parte superior comparado con el resto de la composición. Por lo que probablemente fue necesario lograr el equilibrio visual correcto. Volviendo a la mezcla, creo de nuevo, esto se multiplica o podría ser luz dura, o tal vez incluso superposición, no un 100% seguro. No obstante, tener estos colores gratuitos superpuestos uno encima del otro realmente nos ayuda a separar las dos capas que estamos viendo una encima de la otra, las cosas pueden conseguir aún más interesante una vez que empieces a combinar, superponer y superponer en una sola composición. Entonces en este caso es una combinación muy similar. Incluso los colores son similares. Y podemos ver que la mezcla está sucediendo en ciertas áreas, como aquí, aquí, allá, y así sucesivamente. Dondequiera que veas ese color azul más oscuro, ahí es donde ambas palabras altas y cinco son visibles al mismo tiempo debido a la superposición o mezcla. Pero ten en cuenta que también hay superposición pasando aquí porque en algunas partes las dos palabras realidad se están encubriendo entre sí. Al igual que en este caso aquí, el texto azul está desapareciendo detrás del rojo. Lo mismo pasa aquí. Una vez más, el texto azul está detrás del rojo. Y si pasas un poco más de tiempo analizando todos los detalles entrelazados aquí, te darás cuenta de que cada vez el texto azul viene al frente, se va a mezclar con el rojo texto. Si bien el texto rojo es totalmente opaco y no se mezcla con los textos azules cada vez que eso va en el fondo. Por lo que es importante si se trabajando con múltiples efectos, en este caso, superposiciones y superposiciones, que se adhiera a una regla específica. En este caso, mantener una palabra opaca y sólo la otra siendo utilizada para mezclar. De lo contrario, si no hay sistema, podría resultar confuso y podrías perder los intereses de tus espectadores. 7. Delante o detrás: Aquí hay otro gran ejemplo de superponer cosas una encima del otro. En este caso, la mezcla no fue necesaria principalmente por la diferencia en las dos cosas que están encima de la otra. Entonces hay un enorme contraste entre este arte de línea delgada del perezoso y la tipografía blanca espesa detrás de él. Y en realidad no está claro lo que hay al frente y qué hay detrás. Principalmente, consideraría que esto está en primer plano porque es más grande. Y si recuerdas, cuando pensamos en el espacio, lo que sea más grande, siempre se siente más cerca de nosotros. Ahora hay una cosa que realmente tienes que prestar atención una vez que empieces a superponer o solapar cosas uno encima del otro. Y esas son las tangentes en tu composición. Y esta es en realidad un área que estaremos cubriendo con mucho más detalle en ese tema. Pero esencialmente lo que esto significa es que hay que evitar detalles de diferentes elementos que choquen entre sí o que sus bordes se reúnan exactamente en la misma posición. Porque eso puede terminar siendo confuso y distraer, sin saber lo que en realidad está más cerca y más lejos de nosotros. Entonces en este caso, por el alto contraste entre los dos elementos que se encuentran uno encima del otro. Realmente no tenemos que pensar demasiado en tangentes. Pero aún así, creo que esta zona aquí se acerca un poco demasiado el uno del otro. Por lo que la parte superior de la O está perfectamente alineada. Dos características importantes de los perezosos, como la nariz y los ojos. Entonces si fuera por mí, habría movido el perezoso apenas nunca tan ligeramente más alto para que estos detalles no estén chocando con esa línea de la o in pudo haber sido una decisión intencional para colocarlo exactamente ahí. No obstante, esto ya se consideraría sutil pero aún perceptible tangente. Si fuera muy exigente y crítico, diría que aquí hay otra pequeña tangente. Una vez más, la línea que se encuentra con la esquina de esta carta exactamente en ese punto. E incluso esta pequeña línea aquí está casi siguiendo exactamente el final o coordinador de esta carta aquí a la izquierda. Y lo mismo está pasando aquí y aquí. Una vez más, la línea es perfectamente tangente a las curvas de la tipografía. Entonces, por ejemplo, echa un vistazo a esta ilustración aquí. La forma en que estas verduras se superponen entre sí y de nuevo, mezcladas entre sí les permite robar todos sean visibles y reconocibles, incluso en este altamente estilizado o abstracto versión. Pero para asegurarse de que quede claro que se encuentran uno encima del otro, pesar de que podamos ver a través de ellos, el diseñador o ilustrador se aseguró de que no haya tangentes en esta composición. Entonces, por ejemplo, la zanahoria y la cebolla en este lugar aquí tiene una superposición obvia. Bueno, imagina si la zanahoria fue empujada un poco hacia la izquierda y ahí hubo una tensión. Entonces de inmediato perderíamos esa sensación de profundidad y las cosas comenzarían a parecer demasiado planas. Entonces usted está confiando únicamente en la superposición y no superposición de cosas. Entonces aún puedes introducir algunos efectos sutiles como sombras paralelas para indicar espacio y profundidad. En este caso, tenemos la herramienta de tipo conjunto en perfecto ancho aparte de aquella letra en la parte posterior, que está ambientada en rojo. Pero ten en cuenta que algunas de estas letras tienen algún sombreado sutil en ellas. Es más notable aquí en el w, también se puede ver un poco aquí en el rojo, y tal vez solo cada vez tan ligeramente aquí en el M. De nuevo, cuando estés introduciendo efectos como este, asegúrate de que eres muy sutil con ella. Entonces usa la menor cantidad necesaria. Entonces digamos que tienes una capa creada para la sombra que se establece en 100% de opacidad. Volvería todo el camino hacia abajo al 0%, aumentando lentamente hasta que ya sea suficiente para ser notable. La primera vez que puedas empezar a verlo va a ser suficiente comparado con ir del 100 por ciento hacia abajo lentamente hasta pensar o creer que se volvió lo suficientemente sutil. Así que vaya de 0% hacia arriba lentamente en lugar de hacerlo al revés. Recuerda, al principio mencioné que se puede lograr movimiento superponiendo o superponiendo cosas una encima del otro. Y en este caso, es un ejemplo brillante de la misma imagen. Usa tres veces en diferentes colores mezclados. Y simplemente por tenerlos rotados dentro de la composición, siempre simula tan levemente ese movimiento que esperaríamos ver cuando estamos mirando al ciclista subiendo una colina y luchando, inclinándose izquierda y derecha. Este tipo de composición funciona bien cuando se está prestando atención a los detalles repetidos, en este caso, el banco está cerca uno del otro. Entonces tenemos un ancla visual en la composición y las cosas no se volverán demasiado confusas. Aquí tenemos otro ejemplo brillante de cuatro imágenes completamente diferentes utilizando diferentes colores mezclados entre sí. Y estos colores son en realidad los colores de tinta utilizados en la impresión. Cian, magenta, amarillo y negro. Y lo que hace que esta composición realmente atractiva, creo, es que tenemos la imagen principal puesta en negro, que se siente la más fuerte o que tiene el peso más visual, siendo muy estática y centrada por las otras tres imágenes son mucho más dinámicas. Y hay incluso en trayectoria aquí que podemos notar. Por lo que casi se siente como que la composición tiene un movimiento de izquierda a derecha. Estoy seguro de que has visto ejemplos de este tipo de composiciones donde tienes dos cosas completamente diferentes expuestas una encima de la otra. Esto en realidad se llama exposición multi en la fotografía. No obstante, se convirtió en una tendencia en el diseño gráfico. Y ahora hay tantos usos creativos diferentes que puedes encontrar este método en particular. Y realmente me gusta este ejemplo porque en primer lugar, usa el rostro de una mujer, que siempre es una gran manera de captar la atención de la gente. Pero entonces también tiene los libros que se relacionan con el tema. En este caso, ustedes lo hicieron. Se trata de leer. Para lograr este tipo de efectos, no es necesario utilizar modos de mezcla. Simplemente tienes que alinear las dos capas una encima de la otra y usar máscaras de capa para mostrar y ocultar ciertas partes de cada una de tus capas. Por lo que en caso de cambiar la opacidad de cada capa, hay que reducir gradualmente la visibilidad de los ítems. Entonces mientras el rostro es totalmente visible en el lado izquierdo y los libros son totalmente visibles en el lado derecho. Se están alimentando lentamente el uno del otro. Pero esta transición no es como un gradiente lineal porque podemos ver los libros más en la parte superior, mientras que en la parte inferior, están desapareciendo mucho más rápido. Volviendo a mezclar y al efecto de superposición, también puedes ser extremadamente inteligente y creativo en la forma en que lo usas en tus composiciones. Al igual que en el caso de este cartel del Club de Lucha. Pero el perfil de los dos actores principales se mezclan entre sí. Y la mezcla resultante aquí en el medio en realidad forma la silueta o la fase del tercer personaje de la película fue interpretada por Helena bone y Carter. Algo como esto, por supuesto, es muy difícil de sacar porque hay que encontrar realmente las imágenes adecuadas para que este tipo de composición funcione. Pero cuando lo hace, crea un diseño muy llamativo y convincente. 8. Forma y forma: Todo diseñador gráfico debe aprender a trabajar y aprovechar al máximo las formas y formas en sus composiciones. En este video, cubriremos un par de términos importantes con los que debes estar familiarizado. Pero también veremos algunos ejemplos sorprendentes y creativos. tanto que las formas y las formas juegan un papel importante. Entonces, en primer lugar, la diferencia entre forma y forma es que estamos hablando de formas cuando son bidimensionales, círculos, rectángulos, triángulos, e incluso líneas. Mientras que las formas son objetos tridimensionales como cubos, esferas, cilindros, conos, etcétera y así sucesivamente. Me encanta este proyecto donde podemos ver la fotografía original y composición aquí en la esquina superior izquierda. Y luego aquí del lado derecho vemos una estilizada versión abstracta que utiliza foros. Y luego en la parte inferior, una versión más abstracta, que se basa únicamente en las formas. En las formas y formas de la vida real son muy diferentes unas de otras. Mientras que en el diseño gráfico, tanto las formas como las formas siguen representadas en un plano bidimensional, la página impresa o una pantalla. Y tenemos que confiar en cosas como el sombreado y perspectiva para asegurarnos de que la forma todavía se vea tridimensional. Y esto es algo de lo que ya hablamos. Esto implica espacio o implica los foros tridimensionales. Pero incluso cuando estás trabajando con formas, aún puedes implicar profundidad. Por ejemplo, de nuevo, mediante el uso de sombreado o incluso textura en caso de esta composición. Otro término importante que vale la pena recordar cuando hablamos de formas es si algo es una forma positiva o negativa. La forma más fácil de explicar esto es que cuando miras formas positivas, tienen detalles dentro de ellas, mientras que una forma negativa solo tiene un contorno. Entonces en caso de esta composición, por ejemplo, vemos un par de formas positivas como ese triángulo negro o estos triángulos con las imágenes de personas dentro de ellos. Y estos se combinan con todos estos triángulos superpuestos encima de ellos, que solo están utilizando un contorno delgado. Y estas son las que llamaríamos formas negativas. En el video anterior, discutimos superposición de unos objetos superpuestos uno encima del otro. Y aquí se puede ver un gran ejemplo de nuevo, de solapar formas tanto positivas como negativas una encima de la otra puede crear una composición muy intrigante y equilibrada. Por supuesto, no tienes que combinar formas negativas y positivas todo el tiempo. También puedes simplemente confiar en formas negativas y aún así crear una composición interesante como en este caso, nuevo, solo vemos los contornos de esta forma y todos los demás detalles a su alrededor. Y lo que hace que esto sea aún más interesante es que también podemos ver el contorno y ser un círculo perfecto, pesar de que no hay una línea real sosteniendo las cosas juntas. Entonces en cierto sentido, ese círculo que ni siquiera está ahí, sólo estamos imaginando que ni siquiera es una forma negativa. Es menos que eso. Se puede considerar una forma oculta. Y recuerda, el cierre es uno de los principios de la Gestalt que pueden hacer interesantes los diseños. Nuevamente, confiamos en nuestro espectador para imaginar esos detalles faltantes y conectar los elementos que ven. Tanto las formas como las formas pueden clasificarse como orgánicas o geométricas, lo que en ocasiones también se conoce como inorgánico. Y en esta composición podemos ver un gran emparejamiento tanto de forma S como de foros. Entonces tenemos aquí este círculo, que es una forma, y luego tenemos estas formas líquidas tridimensionales. Y si bien el círculo en el fondo es una forma geométrica, este líquido aquí en primer plano es una forma orgánica. Cualquier cosa puede considerarse orgánica, eso es más que la combinación de las formas geométricas simples o formas geométricas. Pero otro atributo muy común que asociaríamos con formas y formas orgánicas es que su contorno está compuesto principalmente por curvas. Y aunque tengan esquinas, suelen ser redondeadas. Aquí tenemos otro bonito ejemplo de nuevo, una combinación de formas geométricas y orgánicas. Estos círculos y las líneas, todas formas geométricas. Si bien aquí tenemos una forma orgánica. Esto también se considera una forma orgánica. Nuevamente, a pesar de que no tiene un contorno, todavía veríamos esto como una forma. Y luego también hay otra forma orgánica aquí en la parte superior izquierda, equilibrando muy bien lo que tenemos aquí a la derecha, y también ayudando a crear esta composición diagonal. Ahora, incluso cuando estamos mirando fotografías como en este caso, esta señora de aquí o las flores detrás de ella. También podemos considerar estas formas orgánicas. Por lo que estos términos aún se aplican incluso cuando estamos pensando en tres dimensiones. 9. Primitivas o compuestos: Otra forma importante en la que puedes categorizar formas es que ya sean primitivas o simples formas geométricas, una vez más, círculos, triángulos, cuadrados, o las formas compuestas formadas por múltiples formas se fusionan. Entonces en caso de este cartel, por ejemplo, vemos muchos triángulos uno encima del otro, pero estos aún serían considerados todos individualmente como primitivos o formas simples. Si bien la topografía y las letras ya se pueden considerar individualmente como formas compuestas. Por ejemplo, la letra e puede estar compuesta por cuatro rectángulos, 123 y cuatro. Para que puedas imaginar esta y todas las demás letras formadas a partir de formas simples. Y hay algunos grandes ejemplos en diseño de logotipos donde se pueden crear interesantes formas compuestas simplemente simplemente insinuándolas, colocando un par de formas simples o primitivas una al lado de la otra . En este caso, tenemos estos rectángulos mostrados en una simetría radial y forman un interesante espacio negativo que en realidad se está convirtiendo en otra forma, esta estrella, que por defecto sería considerada una forma compuesta. Aquí hay otro ejemplo que es más tridimensional gracias a estos gradientes y al sombreado. Pero si solo consideras que esto es como una línea simple, gruesa que estaba torcida y doblada en sí misma. Entonces, una vez más, teníamos originalmente una forma tan simple que luego creó una forma compuesta en la forma final o compuesta, si pensamos en esto como tridimensional. Y aquí hay otro gran ejemplo de logotipo. Bueno, podemos ver que incluso dentro de un objeto individual, podemos transitar a la perfección entre una forma geométrica y orgánica. Por lo que podemos considerar que esto es una esfera si imaginamos que está cerrada. Pero también podemos ver esta espiral líquida que sigue subiendo y envolviendo alrededor de esa esfera invisible. Por lo que para ahora ya se puede ver el patrón de que se pueden lograr intereses visuales, generalmente combinando cosas contrastantes, si son formas negativas y positivas, formas orgánicas y geométricas, o formas simples y compuestas. Y otro término que vale la pena recordar, sobre todo si te interesa diseñar iconos, es formas abstractas, que de nuevo, es una forma de formas compuestas. O específicamente para crear una representación simplificada de formas o formas de la vida real y símbolos como estos signos de baño son ejemplos perfectos de formas abstractas. Por lo que a pesar de que son extremadamente simplificados en comparación con lo que están representando, se pueden reconocer sello. Y la ventaja de este proceso de simplificación es que se vuelven mucho más universales. Por lo que sólo podemos asociarnos a los géneros de estos dos personajes, pero no podemos ver su edad, su etnia, ni ningún otro atributos. Y por último, es importante mencionar que en realidad hay psicología de las formas. Entonces todas las formas primitivas tienen sentimientos asociados conectados a ellas. Y el mejor ejemplo para entender esto es si piensas de adentro hacia afuera la película de Pixar, donde todos los personajes tienen rasgos y personalidades muy distintos. Pero cuando nos fijamos en su diseño, se puede ver que también están conformados las formas por encima de ellos. Entonces la ira casi parece un cuadrado simple, mientras que la tristeza parece un círculo o elipse, disgusto es posavasos probablemente a un triángulo, principalmente debido a la falda que lleva puesto. Si bien la Alegría y el miedo se componen más de formas y asociaciones un poco más complejas. Entonces se parece más a un signo de interrogación. Entonces podemos ver esa forma anterior, tanto en su cuerpo sino incluso en su cabello. Tenemos ese tipo de signo de interrogación tipo, forma. Y la alegría suele verse como historia, sobre todo cuando está extendiendo sus brazos y piernas, siendo emocionada todo el tiempo. En este tablero, tengo una lista de los atributos o rasgos más comúnmente asociados que pensaríamos cuando estamos mirando primitivas específicas. Y se puede ver que incluso hay una gran diferencia entre ver líneas horizontales y verticales. Entonces, si bien una línea horizontal puede significar moverse a través del tiempo, una línea vertical se siente más estable o estática y puede significar compromiso. Por ejemplo, los círculos y las formas redondas tienen ambiente emocional generalmente positivo para ellos, y es por eso que se usan tan comúnmente en ilustraciones para niños. Así que una vez más, podemos ver incluso desde estas formas muy simples, todavía podemos reconocer a estos animales. Y también tenemos este gran ejemplo de la ballena formada dentro de un círculo. Entonces en este caso, estas formas redondas están ayudando a que todo se vea más lindo y amable o acogedor. E incluso con tipografía, se puede hacer uso de estas connotaciones o asociaciones a los rasgos que mencioné anteriormente. En este caso, las largas líneas verticales y también el ángulo agudo aquí en la parte inferior hacen que esta composición sea bastante dramática. Y esta forma puede simbolizar la fuerza, el poder o la valentía. Por este diseño, compuesto completamente de tipografía, se siente mucho más sólido, estático, y equilibrado, principalmente gracias a que forma un cuadrado perfecto, pero también las sutiles esquinas redondas ayudan a hacer esto un poco más cercano en comparación con el diseño anterior. Y una última cosa que quería mencionar es que también puedes usar yuxtaposición cuando estás mostrando ciertos artículos con los que estamos familiarizados de una manera completamente diferente, como este cráneo o la pelota de golf se convirtió en un cubo o un cuadrado. Crear versiones inusuales de objetos familiares siempre puede crear un gran valor de choque, lo que definitivamente atraerá la atención de sus espectadores. 10. Textura: Es fácil pasar por alto la textura como elemento de diseño. No obstante, cuando se usa hábilmente en composiciones, puede crear contraste y profundidad e incluso evocar emociones de nuestros espectadores. Ahora, al igual que todo lo demás en diseño, nunca debes usar textura solo por el bien de ella. Siempre debe reforzar y apoyar el mensaje de tu composición porque no nos usamos correctamente, las texturas pueden llegar fácilmente a distraerse. Lo que realmente me gusta las texturas y la razón por la que me gusta usarlas en mi trabajo es que normalmente sólo podemos confiar en la visión de nuestros espectadores. Entonces la gente mira el diseño que creamos. Ese es el único sentido que están usando. No obstante, una vez que introduzcas textura, ya sea física o virtual, estarás confiando en su sensación de tacto. Y en la vida real, ahora solo podemos sentir las cosas con las manos, pero cualquier cosa que toque nuestra piel, reaccionaremos ante esa sensación es increíblemente sensible. Incluso puedes sentir un solo cabello cayendo en tu mano, por ejemplo. Por lo que incluso cuando solo estés mostrando o insinuando texturas en tus composiciones, la experiencia pasada de tu espectador recordarála experiencia pasada de tu espectadorde interactuar con esas texturas. Y su experiencia visual de mirar tu diseño se enriquecerá con la sensación de tacto que están imaginando en su cabeza. Ahora mencioné que en diseño gráfico, las texturas pueden ser también táctiles y físicas y sólo son virtuales. Entonces esto es algo que realmente pueden experimentar y tocar. Un buen ejemplo de esto, una técnica especial de impresión es un jefe. Y el jefe cuando se tienen ciertos detalles como topografía presionada en el papel o perforado. Y esto incluso se puede combinar con tintas especiales utilizadas en las mismas zonas, que de nuevo pueden aumentar el contraste como en este ejemplo donde tenemos el cartón rugoso junto a estos divorciados o prensados tipografía cubierta en esta tinta metálica especial en el tema de diseño de impresión, hablaremos mucho más de estas y diversas otras técnicas de impresión que pueden ayudar a que tu composición sea más y atractivo en comparación con texturas táctiles y físicas para las que tenemos que confiar en estas técnicas especiales de impresión. También puedes usar texturas digitales donde solo estás insinuando ciertos materiales. Esto vuelve a ser similar a implicar profundidad con todas esas técnicas que ya cubrimos. Y ciertas texturas como esta cortina de plástico también pueden agregar profundidad a la composición. Siempre que estés decidiendo usar una textura en tu composición, siempre debes pensar en sus cualidades. En este caso, la textura es muy reflectante y va a recoger cualquier luz en el entorno. Y en realidad está funcionando increíblemente bien en este caso, porque podemos ver esa luz púrpura reflejada que de otro modo no será visible porque no hay nada más en el fondo que se indica lo contrario. Es una práctica muy común para los anuncios, sobre todo para bebidas y jugos, que veríamos alguna forma de líquido también utilizada como textura en la composición. Como aquí, tenemos todas estas encantadoras gotas junto a las rebanadas de naranjas. Y en este caso, no sólo las gotas pueden considerarse texturas, sino incluso las propias naranjas. Y en estos casos, además de la sensación de visión y tacto, también estamos desencadenando la sensación de gusto. Así que mostrar comida deliciosa o incluso ingredientes de una bebida es siempre una gran manera de llamar atención de tus espectadores y hacerlos sedientos o hambrientos. 11. Líquidos: Aquí podemos ver un par de texturas virtuales realmente geniales aplicadas a la topografía. La mayoría de ellos están simulando líquidos. Al igual que en este caso, tenemos una representación bidimensional de líquido. Si bien aquí tenemos un render 3D que muestra esta forma orgánica abstracta de algún tipo de líquido. Se parece más a aceite. Entonces tenemos aquí otro rotulación digital genial de la mano, que simula la pintura que gotea. Y muy similar a esto, esta composición que dice sucio es una combinación muy cool de algo que es completamente digital, que es el rotulación manual, pero combinado con un real de una mano ensuciándose, hace que toda la composición mucho más poderosa e impactante. Los renders 3d también se usan comúnmente para introducir texturas en el trabajo, puedes encontrar montones de diferentes ejemplos de esto, como este peludo y por ciento aquí a la derecha, que se ve tan suave y solo quieren cortar el plomo como un osito de peluche. Y de nuevo, para aumentar los intereses visuales, siempre se pueden combinar texturas completamente diferentes y contrastantes como aquí tenemos esta textura muy suave en uno de los foros. Por el otro se ve mucho más nítido, más rígido, y más frío. Aquí hay otra composición interesante que muestra que ni siquiera necesitas introducir dos texturas diferentes para crear contraste. Porque al aplicar la textura solo en una sección, en este caso, 1.5 de la composición, inmediatamente creamos un gran contraste entre los dos lados. Y como tenemos algo de topografía en este cartel, también vale la pena mencionar que hasta el texto forma textura en tu trabajo, que normalmente no pensarías porque todo el mundo está, primer lugar, leyendo el impuesto que se coloca en una composición. Pero cuando los textos se distorsionan o incluso giran 90 grados como aquí, es más fácil concentrarse en la calidad textural del texto, que se basa principalmente en la tipografía que se utiliza en su trabajo. Y también cosas como el rastreo o el espaciado entre letras, el espaciado de líneas o de línea, y por supuesto, el color, escala e incluso la posición del texto dentro de la composición. En este caso particular, creo que el diseñador eligió intencionalmente esta tipografía audaz y voluminosa, que giró 90 grados a un costado, sigue leyendo perfectamente en alemán, la lengua que está configurando. No obstante, por su grosor y orientación, también puede recordarnos a los caracteres japoneses que se escriben verticalmente en lugar de horizontalmente. Apenas trató de entrecerrar los ojos y lo más probable es que pueda imaginar a los personajes japoneses. La textura virtual también es algo que se usa muy comúnmente en ilustración digital para simular medios tradicionales como pintura o lápices de colores sobre Lienzo. Entonces por ejemplo, aquí podemos ver una ilustración sin ninguna textura. Y luego una vez introducimos la textura se vuelve mucho más interesante y se siente más natural. Puede ayudar a reducir la rigidez y estructura de las ilustraciones vectoriales. Aquí hay otro buen ejemplo de una ilustración que se basa en gran medida en texturas. Y me encanta que el área central se convierta en el punto focal, no sólo por tenerla puesta en un color contrastante con el entorno, sino también por no tener ninguna textura en ella. Entonces a pesar de que vemos textura por todas partes, esta parte central aquí está completamente limpia. Y a pesar de que las texturas son completamente virtuales y todo está en formato digital, todavía nos da la misma sensación cuando estamos tocando diferentes texturas en un formato impreso. último pero no menos importante, también vale la pena mencionar otro término útil que podrías escuchar, especialmente si te metes en diseño web o diseño de UX. Es skeuomorfismo, que es una técnica utilizada para simular objetos de la vida real. Hubo una gran tendencia donde se crearon todos los iconos con esto. Y aquí podemos ver una comparación de los viejos iconos usando skeuomorfismo fuera de cada uno. Probablemente los más realistas son los nodos y el nuevo estándar, que ambos mostraron estos objetos en 3D, pesar de que están restringidos en este pequeño formato cuadrado. Pero lo más importante, también implicaban texturas de los objetos originales. En este caso, el papel por aquí es el voto del que está hecha la estantería y compararla con esta dirección completamente diferente es el diseño plano donde se eliminan todos estos detalles skeuomórficos. Tendencias en diseño gráfico vienen y van igual que en la moda. Por lo que no debes ignorar algo solo porque actualmente no se está utilizando o no estar de moda. Y la mayoría de las veces cuando algo se siente anticuado, eventualmente volverá y volverá a ponerse de moda, tal vez con la combinación de otro estilo. 12. Perspectiva: Perspectiva es un término que la mayoría de las veces se escucharía mencionado en el contexto de la arquitectura, dibujo, la ilustración, o la fotografía. No obstante, también juega un papel muy crucial en el diseño gráfico. También es una forma en que podemos simular profundidad que experimentamos en la vida real en nuestras composiciones. Pero también puede agregar mucho dinamismo e impulso a nuestros diseños para entender la perspectiva, primer lugar, necesitamos entender el término punto de fuga, que es un punto en el espacio. Todas las líneas paralelas retrocedidas parecen converger. Entonces para dar sentido a eso, en caso de esta primera composición aquí, el cartel de la culpa, tendríamos un punto de fuga en algún lugar por aquí, cerca de este punto focal en la composición que los hombres de pie en la puerta. Pero lo importante aquí es que si conectamos estas dos líneas que se supone que son paralelas entre sí, dondequiera que se encuentren, en algún lugar de la distancia, ese va a ser un punto de fuga. Ahora cuando estás usando perspectiva en tus diseños, puedes decidir cuántos puntos de fuga no querrías usar. Un solo punto de fuga ya es suficiente para hacer que las cosas se sientan realistas. En caso de estas fotografías aquí en el lado izquierdo, se verá principalmente el punto de fuga en el medio, pero todas las líneas paralelas retrocedidas están convergiendo a. Por lo que podemos ver estas líneas todas señalando ahí. Por lo que los de la derecha e incluso los árboles sienten que están apuntando todos a la misma posición. Lo mismo que podemos ver aquí, un evidente punto de fuga o así alineado al horizonte. Pero incluso cuando estamos mirando hacia arriba a los rascacielos, podremos encontrar ese punto de fuga una vez más, todas estas líneas paralelas estarían convergiendo a. Y por último, una fotografía más donde de nuevo, podrás encontrar el punto de fuga de esta perspectiva de un punto muy fácilmente para ayudarte a imaginar cómo funcionan los puntos de fuga, aquí hay un par de ejemplos simples. Entonces, en primer lugar, podemos ver la perspectiva de un punto, nuevamente, el punto de fuga que está en el medio, seguido de la perspectiva de dos puntos, donde tenemos un punto de fuga en la izquierda y otra a la derecha. Entonces en comparación con la perspectiva de un punto, donde las líneas horizontales seguían siendo completamente rectas. Aquí, las líneas paralelas horizontales también comienzan a retroceder al espacio en ambas direcciones. Pero observa cómo las líneas verticales siguen siendo rectas. No obstante, una vez introducimos un tercer punto de fuga, como en este caso, tenemos dos y luego está el tercero. Incluso las líneas verticales comenzarán a retroceder y converger en el espacio. Usar la perspectiva de tres puntos es una gran manera de enfatizar la altura. Y dependiendo de si coloques tu tercer punto de fuga por debajo del nivel del horizonte o arriba, podrás crear aquí un punto de vista completamente diferente, cuando el tercer punto de fuga se coloca por encima de la línea del horizonte, obtendríamos la vista del ojo de la rana cuando estamos mirando hacia arriba hacia las cosas. Y aunque no sean objetos totales, si tienes los puntos de fuga cerca uno del otro, obtendrías una distorsión extrema, obtendrías una distorsión extrema que podría hacer que las cosas se vean mucho más altas de lo que en realidad son. Y por otro lado, si colocas tu tercer punto de fuga por debajo de la línea del horizonte, obtendrías la vista de pájaro cuando estás mirando hacia abajo las cosas, esto se puede usar si quieres mostrar muchas cosas y quieres asegurarte de que todas encajen en tu composición. Y este es probablemente el mejor tipo de vista en perspectiva, que puede cubrir la distancia más grande dentro de una composición. Ahora en caso de que quieras hacer las cosas aún más complicadas, incluso puedes ir más allá de tres puntos de fuga dentro una composición como este dibujo aquí en realidad utiliza una vista en perspectiva de cinco puntos, donde tenemos los cuatro puntos de fuga aquí en los bordes de esta esfera. Y entonces el quinto estaría aquí en medio. Y si quieres ver estas perspectivas más complejas en acción, te recomiendo encarecidamente que echa un vistazo a la obra del increíble artista coreano llamado Kim UMG. Aquí se pueden ver dos de sus dibujos increíblemente complejos. Y lo increíble de él es que está dibujando todo esto completamente de su imaginación y sin bocetos. Por lo que tiene todo ya planeado en su cabeza cuando comenzó a dibujar. Y la mayoría de las veces en realidad está dibujando con tinta. Por lo que ni siquiera está usando un borrador. 13. Líneas que desaparecen: Pero como este curso se trata de diseño gráfico, volvamos a un par de ejemplos muy creativos de nuevo, la perspectiva que se está utilizando. Al igual que con este cartel del Tour de Francia, podemos ver claramente esas líneas paralelas. En este caso, estas son en realidad líneas de movimiento exageradas. Podemos ver aquí, lo que realmente enfatiza la velocidad y el poder del ciclista. Y lo bueno esta composición es que el punto de fuga de nuevo, se coloca cerca de estos hitos, la Torre Eiffel y el Arco del Triunfo. En este tablero, encontrarás muchos otros grandes ejemplos dondela otros grandes ejemplos donde perspectiva se utiliza principalmente para enfatizar el movimiento y la velocidad. Al igual que con el cartel de los autos, una vez más, tenemos una distorsión muy extrema, amplificada aún más por el hecho de que el auto está tan cerca de nosotros. Y cuando lleguemos a la jerarquía del Tema, hablaremos mucho sobre dominancia y énfasis. Este es en realidad un ejemplo perfecto de mostrar dominio dentro una composición donde la característica dominante las vistas de neumáticos y perspectiva, sobre todo donde los puntos de fuga están cerca entre sí, pueden resultar en estas distorsiones extremas que pueden ayudar a encajar más información en una composición y realmente resaltar el detalle específico como este. Lo mismo podemos ver aquí en este cartel. Pero además de tener el punto de fuga, nuevamente, en un fuerte punto focal donde está el sol, también tenemos todas estas líneas de movimiento amplificando el efecto de la perspectiva. Y al colocar este detalle sobre la discapacidad de este personaje tan cerca de nosotros dentro de esta distorsión extrema lo hace mucho más grande de lo que aparecería normalmente cuando se utiliza una fuerte distorsión como esta . También es importante aprender otro término llamado escorzo, que explica las diferencias en proporciones y nos ayuda a entender lo que estamos mirando. No siempre tienes que confiar en las ilustraciones. Si quieres introducir perspectiva en tus composiciones. pueden ver algunos ejemplos aquí donde es principalmente la topografía la que crea la perspectiva, como en este cartel, tenemos estos simples textos de contorno en 3D utilizando una perspectiva de dos puntos. Y porque estamos viendo a estos personajes desde abajo, significa que la línea del horizonte debe estar en algún lugar debajo de ellos. Y luego otra técnica utilizada aquí que también puede hacer más interesantes composiciones como esta es que en realidad la línea del horizonte está probablemente en un ángulo. Yo diría algo como esto. Y la forma en que puedo decir eso es porque las líneas verticales que se supone que son rectas también están en ángulo. Ahora no estoy 100% seguro, pero podría incluso haber un tercer punto de fuga aquí. Entonces si fuéramos a conectar todas estas líneas verticales, y si parecen retroceder en el espacio, en realidad podríamos encontrar un tercer punto de fuga en algún lugar por aquí arriba, que de nuevo, como recuerdan, puede ayudar a que las cosas se sientan mucho más grandes que el arte, sobre todo desde este ángulo, mirándolas desde abajo, hablaremos más de puntos de vista una vez que lleguemos al tema del equilibrio. Pero por ahora, solo echemos un vistazo a algunos otros ejemplos como este. Una vez más, confiando principalmente en la tipografía para lograr perspectiva o este diseño con el texto amplificar utilizando una distorsión extrema. E incluso en el diseño de logotipos, perspectiva se puede utilizar como con ésta, construcciones imagen. Y me encanta lo inteligente que es este diseño. Porque no sólo podemos ver que hay estos cubos en perspectiva y teniendo de nuevo, un punto de fuga en algún lugar aquí en el espacio. Pero también se basa en el principio de diseño de cierre porque estos detalles no están conectados. Es sólo nuestra mente la que conecta los detalles que faltan. Pero lo más importante, y lo que hace que esto sea realmente inteligente es que también consigamos estos números aquí. Número uno, que es lo que lo conecta con la marca real uno, construcciones. Ahora bien, si bien la perspectiva puede ayudarnos a simular el espacio tridimensional, vistas axonométricas se consideran algunas cosas más similares a las dimensiones 2.5. Es algo que no es completamente natural. No es algo que se vería en la vida real, pero aún los entendemos representando altura, anchura y profundidad, incluso más fácil que las composiciones usando perspectiva, se puede pensar en axonométricos proyecciones como versión simplificada de perspectiva. Y lo que hace que estos puntos de vista sean únicos es que no hay distorsiones en absoluto. Entonces no hay líneas de retroceso ni puntos de fuga, lo que significa que los objetos a medida que se alejan más lejos en el espacio en realidad no se hacen más pequeños. Entonces aquí hay un buen ejemplo de una proyección axonométrica donde tenemos las cuatro letras siendo exactamente del mismo tamaño, pesar de que parece que T está más lejos de nosotros, sigue siendo exactamente del mismo tamaño como la letra E al frente. Y esta es en realidad la proyección axonométrica más común. que llamamos vista isométrica, donde los ángulos para mostrar los tres lados, izquierda, derecha y superior son iguales. Entonces aquí hay una simple comparación de los diferentes tipos de proyecciones axonométricas. Y éste es el isométrico donde, como se puede ver aquí, se encuentra el ángulo de 30 grados utilizado para mostrar el lado izquierdo del objeto. Y este ángulo sería igual, eso volvería a ser de 30 grados. Pero para vistas isométricas, también hay que asegurarse de que la misma longitud verticalmente va a ser igual a los otros dos lados del cubo. Por lo que todos los lados serán exactamente la misma longitud Por comparado con esto. En vista diamétrica, la altura no va a ser de la misma longitud. Entonces ya hay una distorsión sutil, pero aún así no hay líneas de retroceso. Entonces esto no introduce perspectiva, solo cambia el punto de vista de la proyección. Y por último, en proyecciones trigométricas, axonométricas, tendrías todos los lados del cubo ligeramente diferentes en longitud. Por lo que este borde aquí no es igual al borde vertical, y además no son iguales al borde del lado derecho. Aquí hay otro ejemplo comparando las tres opciones de proyección axonométrica que puedes usar de las cuales la más común tiene que ser la vista isométrica. Esto es lo que verías la mayor parte del tiempo en diseño gráfico e ilustración. Uno de mis ejemplos favoritos para la vista isométrica tiene que ser el juego móvil llamado Monument Valley. En realidad hay dos de estos al momento de grabar este video. Y la razón por la que me gusta este juego porque muestra y utiliza la extraña ilusión óptica de que una línea que nos sentimos conectados como esta plataforma aquí, empieza a estar en la parte inferior de esta torre. Pero al final, sin realmente mostrar ningún aumento en altitud o altura, termina conectándose con el centro de la torre. Por lo que de alguna manera logra subir tanto, una vez más sin mostrar ningún cambio de altura, incluso este pequeño detalle aquí, esta columna parece que está descansando sobre esa plataforma, pero este personaje en el juego en realidad puede caminar a través de él y pisarlo desde ese lado. A pesar de que lógicamente este punto aquí debería ser mucho más alto que esta plataforma. Aquí hay otra ilustración genial que juega con esta extraña sensación óptica que tenemos cuando miramos ilustraciones isométricas. Por lo que en este caso tenemos dos letras colocadas una encima de la otra, tú y P, que representa hasta. Y a pesar de que no hay indicios de espacio, normalmente sentiríamos que este detalle está más cerca de nosotros. Este de aquí en la parte superior. Pero al tener estas letras y líneas de conexión, podemos entender que en realidad están por encima de la otra. Pero al igual que con la perspectiva, cuando se quiere usar isométricas u otras vistas axonométricas, no tiene que confiar en ilustraciones. También puedes recrear la misma experiencia simplemente confiando en la tipografía. Y este cartel es un ejemplo brillante, pero también encontrarás otros en este tablero, como este de aquí, también otro cartel a la derecha, e incluso éste donde una línea de tiempo con sus leyendas se crean en una proyección isométrica. 14. Líneas principales: Y cooperar líneas de liderazgo en tu composición puede ser otra gran manera de ayudar a tus espectadores y dirigir sus ojos a ciertas partes dentro de tu diseño. La mejor manera de utilizarlos es que apunten a un punto focal dentro de la composición o que indiquen una dirección o movimiento específico. Al principio, se podría pensar que las líneas de liderazgo y la perspectiva es lo mismo, pero en realidad son bastante diferentes porque se pueden usar líneas de liderazgo incluso sin perspectiva. Entonces aquí hay un gran ejemplo. Este cartel retro de Nueva York tiene todas estas coloridas líneas indicando una dirección de izquierda a derecha, principalmente porque no podemos ver dónde empiezan aquí por el lado izquierdo, pero podemos ver ese fin puntos a la derecha. Y el ilustrador o diseñador introduciendo estas líneas en la composición logró un par de cosas diferentes. En primer lugar, ayuda a enfocarse en la Estatua de Libertad porque todas estas líneas apuntan hacia esa parte del diseño, pero también se utilizan para establecer profundidad, como algunas de estas líneas, como se puede ver, están llegando frente al Edificio Chrysler en primer plano. Bio, algunas de las líneas van detrás de ella. Y lo mismo sucede aquí con la Estatua de la Libertad. De nuevo, tenemos una línea que va detrás ella y otra línea que viene delante de ella. La variación de profundidad en estas líneas, pero también la variación en su grosor y color también ayuda a agregar ritmo visual en la composición. Y el ritmo es un principio muy importante que discutimos mucho más detalle en el tema de unidad y armonía. Aquí hay otra ilustración que muestra que en realidad no necesitamos perspectiva para que las líneas de liderazgo funcionen. En este caso, el punto de vista se coloca por encima de estos corredores y estas líneas diagonales aquí que representa la pista en la que están corriendo se pueden considerar líneas de liderazgo, ayudando de nuevo para establecer el movimiento de avance de los deportistas. Ahora claro, no tienes que evitar la perspectiva. Si quieres crear o introducir líneas de liderazgo en tu composición, quieren dinero en efectivo. En realidad pueden trabajar muy bien de la mano. En este caso, consideraría las curvas de la playa como las líneas de vanguardia. Y obviamente crean este gran sentido de perspectiva ya que todos se están acercando el uno al otro aquí en la distancia. Y estas líneas también nos ayudan y dirigen nuestra atención a esta área de punto focal aquí, que es el avión de este brillante cartel para la película Dune que se estrenó en 2021. También tenemos una curva muy fuerte, la punta de este junio en el mundo desértico de los iraquíes que conecta el título y este personaje aquí en la parte inferior. Pero lo sorprendente de esta composición es que la misma curva que vemos aquí también forma como sección de algo que podemos imaginar siendo un planeta. Y como se trata de una historia de ciencia ficción ambientada en el futuro, en el espacio, los planetas juegan un papel muy importante. Pero además de eso, también puede considerarse como la primera letra de la palabra junio. Y realmente admiro al diseñador que se le ocurrió esta composición porque hay tantos significados ocultos llenos en este diseño extremadamente simplista. Es un gran ejemplo de lo menos es más regla en acción, pero también mostrando el poder y la fuerza de la simplicidad. Principio Gestalt. Continuando, aquí hay otra ilustración brillante donde las líneas principales son realmente indicadas por la luz y la sombra. Podría ser difícil notar en este tamaño. Pero hay un personaje aquí en el fondo donde el caballo y también liderando otro caballo. Y a pesar de que estos personajes son diminutos, gracias a las líneas principales, eventualmente casi todos los notarían. Y las líneas principales en este caso, como dije, son creadas por la luz y la sombra. Por lo que estas líneas, y también estas líneas apuntan aquí abajo alrededor esta sección donde tenemos los personajes. Y lo que hace que esta ilustración aún más interesante es que en lugar de tener solo líneas paralelas utilizadas como líneas de liderazgo, aquí, casi se forman como flechas. Para que podamos ver aquí la punta de esta flecha y ahí están los dos lados de la misma. Y lo mismo aquí. De nuevo, me parece una flecha. lo que este es solo otro ejemplo magistral de cómo puedes usar líneas de liderazgo para dirigir la atención de tus espectadores a detalles importantes en tu composición. 15. Espacio negativo: Si te interesa el diseño gráfico a término, más probable es que ya te hayas encontrado tiene que ser espacio negativo o espacio en blanco. En este video, les voy a mostrar muchos ejemplos de por qué es tan importante usar y utilizar el espacio negativo en sus composiciones. Y vamos a aprender diferentes formas de usarlo, ya sea para crear un cierto tipo de estética o estado de ánimo, o para agregar algunos significados ocultos a sus diseños. Entonces, en primer lugar, ¿por qué se llama espacio negativo? El motivo de eso es porque todos los elementos que colocamos en nuestras composiciones consideramos para ocupar un espacio positivo para que los espacios vacíos circundantes puedan considerarse negativos. Ahora probablemente adivinaste que el espacio negativo puede ser tan importante como el espacio positivo en tus composiciones. Y encontrar un equilibrio entre estos dos es una tarea clave y crucial para cada diseñador gráfico, la mejor manera de recordar la importancia y la relación entre estos dos tipos de espacios en tus composiciones es pensar en respirar. Algo que todos tenemos que hacer constantemente a lo largo de toda nuestra vida, la mayoría de las veces, incluso sin pensarlo. Y usted pensaría que respirar es lo importante en este proceso. No obstante, sin antes despejar los pulmones y respirar, nunca serías capaz de respirar. Por lo que se puede considerar que el espacio positivo en diseño gráfico sea la cría en parte, y el espacio negativo para ser el respiro. Uno no puede existir sin el otro. Y eso tiene que ser también un buen equilibrio entre respirar y salir o espacio positivo y negativo. Y puedes encontrar muchas otras analogías son formas de entender cómo funciona esta relación. Al igual que en la música, por ejemplo, sin tener algún descanso o pausa entre sonidos, no podremos disfrutar de la música porque acabaría siendo un ruido constante. E incluso en la música pop, generalmente la parte más impactante de una canción es justo después de una pausa más larga, y por lo general sucede justo antes del coro, vuelve la parte repetida en la canción. Se puede ver la pausa en la música o el espacio negativo en diseño está reservada para el detalle más importante o impactante. Entonces si nos fijamos en este diseño por ejemplo, podemos ver que estos serían considerados espacios positivos. Y también obviamente toda la tipografía que podemos ver aquí en el medio, también en la parte superior, y también aquí en la parte inferior. Pero ya entre estos, tenemos espacio negativo aquí o así aquí y aquí. Pero cuanto más notables son estas áreas más grandes donde de nuevo, no tenemos nada, sólo un fondo blanco. Y específicamente en la impresión donde el papel es blanco, nos referiríamos a esto como espacio en blanco. También existe una forma útil de categorizar el espacio negativo. Puedes usarlo en un nivel micro o macro. Y en este caso, estas áreas más grandes serían espacios macro negativos, mientras que los espacios más pequeños entre letras, por ejemplo, en la topografía, se considerarían espacios micro negativos. Y los espacios entre personajes también se pueden considerar espacio negativo pasivo, mientras que los espacios que intencionalmente dejas en blanco, como todas estas áreas más grandes, puedes considerar espacios negativos activos. Y en la mayoría de las composiciones, siempre tendrás una combinación de micro y macro, o espacios negativos pasivos y activos. Ya que estamos hablando de música, aquí hay un gran ejemplo de un festival de música clásica donde ahora solo vemos una manera brillante de utilizar el espacio negativo. Pero también un gran ejemplo del principio Gestalt suelo figura, que es un método que puede ayudar a tu espectador a ver múltiples significados diferentes en el mismo diseño. Por lo que en este caso, se puede considerar que estos dos violines son los sujetos colocados frente a este telón de fondo blanco, que encienden el telón de fondo blanco, serían el suelo y la violencia sería la figura. No obstante, si te concentras en el contorno o contorno, ajeno por los violines, se ve como un rostro y sobre todo más enfatizado por esta pajarita. Entonces lo estamos mirando desde este punto. Este espacio vacío se convierte en persona y la figura en la composición y la violencia se convierten en el suelo o el telón de fondo. Y la mayoría de las veces, si quieres usar la regla de suelo de la figura en tu trabajo, tendrías que usar espacio negativo para sugerir significados adicionales. Y se pueden ver muchos otros ejemplos de esto en este tablero, como la bombilla aquí que también está formando un puente, el humo que también está formando el contorno de la fase Sherlock Holmes. Estos dos niños juegan al fútbol aquí. Pero entre ellos también podemos ver el contorno de África, o este brillante cartel creado por Olly Moss, por los acantilados y las montañas también están formando el contorno de un árbol. 16. Significados ocultos: Si te interesa ver otros grandes ejemplos de espacio negativo usado en ilustraciones, te recomiendo encarecidamente echa un vistazo a todos los musgos trabajos o composiciones del legendario diseñador Paul Rand. espacio negativo también se puede utilizar en el diseño de logotipos. Y estoy bastante seguro de que también te has encontrado este ejemplo del logotipo de FedEx donde la razón de este estrecho seguimiento o espaciado estrecho de letras fue crear esta pequeña flecha aquí entre la E y la x. Y esta es una solución brillante para esta empresa porque esa flecha está sugiriendo la velocidad de entrega. Pero además de utilizar el espacio negativo para lograr este tipo de significados ocultos, también podemos confiar en él para introducir tensión en nuestra composición o incluso para lograr un estado de ánimo o estética específica. En el diseño editorial, especialmente para diseños en revistas, grandes áreas de espacio negativo logra un fracaso más lujoso, sofisticado. Y eso generalmente se reduce al hecho de que si tienes mucho espacio vacío, entonces eso significa que tendrás que tener más páginas dentro de tu revista, lo que llevaría al costo de fabricación impresión e incluso entrega para aumentar. Aquí hay un estudio muy interesante realizado por Sally Lin Meyer, quien reconoció que cuanto más espacio negativo tienes en una revista, mayor será el ingreso promedio de los hogares de sus lectores. Por lo que aquí podemos ver algunos de los spreads simplificados para mostrar los espacios positivos en negro y los espacios negativos en blanco. Entonces está claro que por ejemplo, la revista New York Times Time tiene mucho espacio negativo en comparación con la revista ok, que está casi completamente llena de espacio positivo hasta un punto que la mayoría probable que en algunos casos incluso pueda sentirse desordenado. Y por qué el ingreso promedio de los hogares de los lectores de esta revista es de alrededor de los 150 mil dólares anuales. El lector de revistas OK está más cerca de solo $40 mil al año. Entonces cuando miramos la revista difundida como ésta, inmediato podemos detectar la gran cantidad de espacio negativo que se está utilizando aquí en el lado derecho. Y además de la sensación de sofisticación, también podemos obtener una sensación de calma, que enfatiza perfectamente el tema de este artículo, que trata de la naturaleza de un lugar. Usar grandes cantidades de espacio negativo en los anuncios también puede ayudar a captar la atención de los espectadores, porque aquí se aplica la misma regla. mayoría de los anunciantes les gusta poner tanta información como sea posible en una composición. Y polémico, estas son las que muy probablemente ignoraríamos. No obstante, un anuncio como este en una revista o en la calle llamaría inmediatamente nuestra atención. Pero asegúrate de que cada vez que uses cantidad extrema de espacio negativo como este, siempre debería haber una razón para ello. Entonces en este caso, de nuevo, está ayudando no sólo a captar la atención de la gente, sino también a enfatizar la pequeña escala de este retoño de un árbol de Navidad, que es una forma perfecta de visualmente implican la venta temprana de Navidad. Básicamente, se trata de indicar que la venta es tan temprana que el árbol de Navidad sigue siendo sólo un pequeño retoño en el suelo. Y la forma en que el diseñador aseguró que podemos decir de inmediato que se trata de un pequeño árbol pequeño, es que aquí tenemos un objeto muy reconocible, esta burbuja roja que establece las proporciones. Y aquí hay otro anuncio donde en lugar de utilizar el espacio negativo para crear esa yuxtaposición entre grandes y pequeños. Aquí se usa más para lograr esa sensación de lujo que de nuevo, está funcionando perfectamente bien con el producto que se está anunciando. Y sería una pena no mencionar los anuncios de Apple cuando estamos hablando de espacio negativo, porque es una marca que claramente lo utiliza en casi todo lo que hacen e innovan. Lo convirtieron en un elemento distintivo o componente de su marca. Por lo que se puede ver que están utilizando mucho espacio negativo, ya sea una instantánea de una de sus páginas web o de una de sus grandes vallas publicitarias. Y es de nuevo, un uso inteligente del espacio negativo porque obviamente el producto en este caso es iPad Mini. Y la forma en que mantuvieron todo libre aquí, y solo usar un pequeño área aquí en el lado derecho indica cuán pequeño es este producto, incluso cuando se exhibe en una cartelera masiva como esta uno. Entonces al usar este espacio tanto negativo, podrían crear este juego de palabras visual. Pero recuerda, también es una gran manera de captar la atención del espectador porque no estamos acostumbrados a ver estas vallas publicitarias en blanco, sino solo una pequeña pequeña información escondida en los dos lados de la misma. 17. Proximidad: La proximidad es un principio de diseño y también un principio gestalt que establece que los objetos que se colocan más cerca uno del otro se sienten más relacionados que los objetos más alejados unos de otros. Es muy similar a la técnica de agrupación en diseño gráfico, que cubriremos con más detalle en el tema de unidad y armonía, pero proximamente es un poco más complejo que solo agrupar las cosas juntas. Y en este video, estaremos viendo algunos ejemplos muy creativos de utilizar la proximidad y jugar con ella. A partir de esta inusual portada de libro, que se basa únicamente en la tipografía, pero también utiliza estos extraños grandes huecos entre ciertas letras. Esto es algo que llamaríamos kerning cuando estás ajustando individualmente el espaciado entre caracteres, y en este caso, actualmente, no se utiliza para crear una composición visualmente equilibrada. Al contrario, crea más de un valor de choque. Y aunque no he leído el libro, supongo que está sugiriendo que las grandes ciudades deben tener más espacio en ellas para hacerlas más habitables. Pero lo que es más importante, esta cobertura en realidad va en contra de la regla de proximidad. Porque para que las palabras se lean como una, normalmente querríamos tener los personajes cerca unos otros y tener un espaciado equilibrado o igual entre ellos. Si bien aquí los personajes que se supone que deben estar cerca uno del otro son empujados o se alejan más, disminuyendo su proximidad. Y es importante recordar que como diseñador gráfico, una vez que aprendas y entiendes una regla, siempre puedes darle la vuelta y usarla manera opuesta que la mayoría de la gente esperaría. De esta manera, puedes estar seguro de que atraparás la atención de tus espectadores y se sentirán intrigados por descubrir por qué te fuiste contra de algo que se sentiría más natural, más información o opciones que tienes que mostrar en tus diseños, más importante se vuelve utilizar la proximidad. En caso de un sitio web, por ejemplo, se deben colocar opciones similares entre sí. Al igual que todas las páginas se pueden acceder desde la misma zona. Además, los botones más importantes se colocan lado a lado, pero también se colocan cerca del título principal y el eslabón dentro del sitio. Pero también hay otro uso muy creativo de la proximidad al tener este globo naranja justo frente a esta forma blanca, inmediatamente asociamos a un huevo o una tortilla. Por lo que la proximidad del globo a esta forma fue necesaria para introducir este significado oculto. Y de igual manera a esto, también tenemos este muy inteligente post de McDonald's en sus redes sociales. Tenemos estas dos zapatillas colocadas una al lado del otro forman el icónico logotipo de la marca o este Toyota Edward, donde las tres raquetas de tenis, por favor juntas forma el logotipo de la marca. Y también en estos Lego Edwards, proximidad juega un papel muy importante en cada uno de estos, las sombras están indicando la imaginación de los niños que jugarían con estos bloques. Por lo que incluso unos simples bloques unidos entre sí ya pueden ayudar a los niños a imaginar cosas como un tanque o un barco o un dinosaurio. Y todas estas composiciones dependen principalmente de la cercanía o proximidad de las sombras y los bloques de Lego. Y a pesar de que sabemos que estas dos cosas en realidad no se pertenecen entre sí, situarlas tan cerca el uno del otro todavía nos hace creer que están conectadas. También me gustó mucho este cartel de la melodía dorada de las palabras por una vez más, podemos ver la proximidad usada de un par de maneras diferentes. En primer lugar, tenemos el modelo realmente cerca de nosotros, y en realidad con su espalda hacia nosotros, eso ya pone el ánimo para esta composición y también llama nuestra atención. Pero se amplifica aún más por la topografía, que una vez más no está tratando de lograr una buena legibilidad, en cambio se utiliza para hacer más dinámico este diseño. Por lo que la proximidad de estas letras es una vez más inusual y de nuevo ayuda a que toda la composición sea más interesante. Y solo para quedarnos con ejemplos tipográficos, ya hemos visto que el kerning extremo o el espaciado de celosía se pueden utilizar para enfatizar ciertas cosas en una composición. Para esta portada particular, los espacios entre palabras se eliminan por completo y los espectadores se ven desafiados a poder dar sentido a lo que ven aquí. Porque la legibilidad obviamente sufre mucho una vez que eliminas los espacios entre palabras. Entonces este es solo otro gran ejemplo de cómo puedes ser creativo en la forma en que utilizas la proximidad en tu trabajo. 18. Conclusión: Enhorabuena por completar este curso de la serie de teoría del diseño gráfico. Espero que lo hayas encontrado útil e inspirador. No olvides pasar por el glosario de términos PDF, revisar todo lo que cubrimos, y si te sientes listo, toma el quiz para poner a prueba tus conocimientos. Vuelve en cualquier momento a las referencias en los tableros mileniales que usamos en este curso para ayudarte a recordar las cosas de las que hablamos o definir inspiración para tu próximo proyecto de diseño, por favor háganoslo saber si sintió que faltaba algo este curso o si tiene alguna sugerencia sobre cómo podemos mejorarlo, envíenos un correo electrónico a info en la asignación designer.com, y nos pondremos en cuenta en cuanto posible. Realmente agradecemos su aportación y ayuda. Ahora, es hora de que elijas tu próximo tema y te sumerjas en otro curso de teoría del diseño gráfico. Recuerda, no hay orden correcto o incorrecto para completar esta serie. Todas las reglas que cubrimos son igualmente importantes y todo está relacionado. Pero lo más importante es conseguir una buena comprensión de estas reglas y aplicarlas en tus proyectos. Estoy seguro de que usarás lo que has aprendido para crear algo increíble. Y no puedo esperar a verla.