Teoría del diseño gráfico: diseño de impresión

1. Introducción: ¿Te encanta el olor a páginas de libros y tocas la portada de revistas para sentir la textura de barnices y otros adornos especiales ¿Te gusta trabajar en diseños que terminen como productos físicos táctiles Si ese es el caso, te va a encantar este curso. El diseño de impresión es un subconjunto del campo más amplio del diseño gráfico, centrándose en producir diseños impresos sobre superficies tangibles y productos? En este curso, cubriremos todo lo que necesita saber sobre técnicas y procesos de impresión, manejo del color, métodos de encuadernación, tipos y tamaños de papel, resolución, y mucho más. También profundizaremos en todas las áreas especializadas dentro de este campo, como diseño de logotipos, diseño de empaque, diseño editorial, diseño ambiental, carteles, folletos, tarjetas de presentación, papelería y libros Analizaremos cientos de proyectos de diseño de impresión para brindarle una comprensión sólida de las reglas y términos importantes con los que necesita estar familiarizado como diseñador de impresión. Junto con el emocionante proyecto de clase que espero que completes al final del curso, también tienes la hoja de trabajo de análisis y el glosario de términos para ayudarte a practicar todo lo que has aprendido Espero que estés tan emocionado como yo de comenzar y sumergirte en el mar del conocimiento y hermosos ejemplos de diseño gráfico. 2. Términos básicos: El diseño de impresión es un subconjunto del campo más amplio del diseño gráfico y la forma más fácil de explicar cómo difiere de otros tipos de áreas de diseño gráfico es que en general o en la mayoría de los casos imprimimos diseño, obtendrías un producto tangible al final de un proyecto, ya sea un libro, una tarjeta de visita, o incluso una gorra con una impresión en él. Los proyectos de diseño de impresión varían en tamaño y complejidad. Podrías estar diseñando una pequeña pegatina, pero también puedes trabajar en la marca completa de una aerolínea y todos los diseños que eventualmente terminarán en aviones reales. Ahora por supuesto, hay mucho solapamiento entre el diseño digital o web y diseño gráfico porque podrías estar trabajando en proyectos para clientes donde se te requiere hacer un poco de ambas cosas. Pero si estás planeando estar especializado en diseño de impresión o si esto es solo algo que también quieres tener en tu conjunto de habilidades. Hay muchos aspectos y cosas importantes para saber cómo se puede preparar eficazmente su trabajo para la impresión. Y eso es exactamente lo que estaremos cubriendo en este tema. Entonces empecemos con la más esencial. ¿ Qué significa estampado de cuatro colores? Bueno, significa usar tintas cian, magenta, amarillas y negras. Y al negro se le conoce como el color clave que estamos utilizando, k en la abreviatura. Y CMYK también se conoce como modo de color, manera similar al RGB o rojo, verde, azul que utilizan la mayoría de la pantalla y los dispositivos. Y la gestión del color es un tema que vamos a entrar con mucho más detalle más adelante. Pero eso esencialmente significa es el proceso en el que puedes garantizar que los colores que estás viendo en tu pantalla, terminaremos buscando lo más cerca posible en el producto impreso final. Como diseñador de impresión, es crucial estar al tanto de las limitaciones de este modo de color y de las formas en que se puede lograr colores más ricos siempre que sea necesario. Nuevamente, esto es algo que entraremos en mucho más detalle más adelante. Pero hay otro término que vale la pena recordar, y es la separación del color, que es el proceso de convertir una fotografía o imagen digital a todo color y separarla en los cuatro componentes de color de los que ya hablamos. Entonces en este caso, podemos ver la imagen real aquí en la parte inferior. Y una vez que ocurra esta separación de color, permitirá que la impresión final se construya a partir de estos componentes. Nuevamente, estaremos discutiendo todos los diferentes tipos de más detalle todos los diferentes tipos deprocesos de impresión. Pero en este caso particular, estamos mirando una impresora offset en vista de detalle donde podemos ver el roster o los pequeños puntos de estos cuatro colores diferentes que están utilizando para diferentes placas impresas uno encima del otro sobre papel para que se vea similar a la imagen en color original que hemos visto en nuestra pantalla. También hay otro término al que muchas veces se referirían las impresoras, y es parte del proceso de prensa PRE. Es RIP o RIP, que significa procesador de imágenes ráster. Y es esencialmente el proceso donde todas las imágenes digitales, incluyendo Vector Graphics, se convierten en el formato final con el que podrán trabajar las máquinas de impresión reales. Y en caso de que se pregunte, la plantilla en RIP viene del proceso de rasterización donde todos los detalles vectoriales, incluido el tipo, se convirtieron en rásteres, que son esencialmente estos pequeños que veremos en la impresión final. La calidad de la impresión tiene mucho que ver con la resolución original y la resolución utilizada durante el proceso de impresión. Pero esto es otra vez algo que tenemos que discutir con más detalle en el siguiente video. Ya que ya establecimos que en el diseño impreso, estamos trabajando para conseguir un producto tangible al final. De igual forma a lo importante que es conseguir los colores correctos, también es importante conseguir una impresión de aspecto profesional. Y uno de los signos obvios de un proyecto de impresión de baja calidad o barato es cuando ni siquiera has sangrado en un folleto o un póster. ¿ Qué significa un sangrado correcto utilizado en un proyecto de diseño gráfico? Esencialmente lo que significa es que el producto al final no tendrá bordes blancos visibles, es la imagen impresa cubre completamente el trozo de papel. Y la forma en que puedes lograr esto es usando un pedazo de papel un poco más grande o una hoja e imprimir un formato ligeramente más grande que lo que quieres terminar como el producto final. Y luego una vez que la impresión está lista, estás recortando o cortando ese exceso de parte para lograr el tamaño real que se necesitaba. Y la razón por la que se llama la hemorragia es porque en este caso, la imagen es un sangrado del borde del papel. Entonces aquí hay otro ejemplo rápido donde tenemos una tarjeta de visita ya configurada con el sangrado. Podemos ver que el logotipo no necesita ningún sangrado. Si bien esta forma en la parte inferior para asegurar que se va a imprimir todo el camino a los bordes ya se incrementa ligeramente en tamaño. Y una vez que se recorten esos detalles adicionales, obtendremos la tarjeta de visita recortada final, que estamos garantizados para no tener vacíos blancos por aquí. Y se asegurarán de que el color rojo esté sangrando de los bordes del papel. Lo siento si las cosas empiezan a sonar un poco más quirúrgicas teniendo una hemorragia roja y cortando en una frase para entender mejor cómo configurar sangrado en tus documentos y cómo se se relaciona con todas las demás áreas. Aquí hay una explicación sencilla donde podemos ver que el tamaño final de impresión, al que también nos referimos como tamaño de recorte, suele indicarse con un contorno negro. Entonces ese va a ser el borde del producto final tras el sangrado que se corta. Y de inmediato alrededor del tren tenemos el sangrado generalmente representado con este rectángulo rojo. Y las señales más comunes que usaríamos para esta zona tres milímetros en todos los bordes son de 1 octava de pulgada. No obstante, en algunas partes del mundo, creo que en Australia, normalmente serían de cinco milímetros, pero el tamaño de la hemorragia siempre es mejor comprobar con su impresora. Y va a ser tú o la impresora quien va a incluir las marcas de recorte las cuales indicarán dónde se va a recortar el borde de sangrado. Es importante que estas marcas de recorte nunca se superpongan con el área de recorte real de lo contrario entonces terminarán mostrando en la impresión final estos perfectamente finos para que se superpongan el borde de sangrado porque eso es sólo una impresión de acceso. En realidad no lo necesitamos al final. Y normalmente también se superponen otra área que está justo fuera de su sangrado, que se llama babosa. Y esto puede ser ya sea en un borde o en todos los bordes, nuevo, fuera de la hemorragia. Y por lo general esto se indica con la línea azul. Se trata de un área donde puede agregar información adicional de impresión incluye marcas de registro, gráficos de consistencia de color e instrucciones adicionales para la impresora cuando sea necesario. Y por último pero no menos importante, hay otra área donde está hablando de ellos. Esos son los márgenes, que generalmente se representa con línea púrpura dentro de tu sueño. Y eso es por supuesto, un detalle no imprimible. Por lo que es una guía invisible que te ayuda a alinear el contenido y asegurar una distancia mínima desde el borde de la página por todos los lados. Y a veces los márgenes pueden ser diferentes en cada uno de los lados. Y son principalmente importantes cuando se trata de texto. Por lo que no querrías terminar teniendo textos demasiado cerca de los bordes de la página. Se puede pensar en ambos márgenes y sangrar como una precaución de seguridad para compensar la inexactitud ocasional es que obtendrá en una impresión final. Por lo que puede suceder fácilmente que el recorte esté ligeramente desplazado, pero siempre y cuando haya sangrado y también una generosa cantidad de margen, puedes estar seguro de que ninguno del texto será cortado. Y tampoco tendrás bordes blancos alrededor de los bordes. 3. Términos básicos en acción: Ahora saltando a InDesign, solo quería mostrarte estos dos términos en acción. Y también vamos a ver un par de otras definiciones aquí. Entonces, en primer lugar, cuando acerco a uno de los puntos de esquina, podemos ver que el borde negro, que como recuerdas es el borde y luego el borde rojo es el sangrado. Si presiono W en mi teclado que pueda previsualizar rápidamente cómo va a verse el producto final sin ese sangrado de acceso. Y también podemos ver los márgenes. Entonces las líneas púrpuras, que se utilizan para alinear el texto, especialmente visibles cuando tenemos texto justificante o texto alineado a la derecha. Ahora en cuanto a la importancia del sangrado, podemos ver un mejor ejemplo con una imagen real. Como se puede ver, esta imagen no está alineada al borde sino que se mueve un poco más allá de ella. Y eso es lo que garantiza que en la impresión final, tendremos los colores sangrando del borde a partir de esta imagen. Y la mayoría de las veces, no será un problema y puedes sacrificar fácilmente algunos detalles desde los bordes de una imagen. Se puede ver, por ejemplo, aquí en la parte inferior en este diseño, realidad tengo aún más detalle para la imagen de tres milímetros. Por lo que se extiende aún más allá del borde de sangrado. Pero eso realmente no hace ninguna diferencia. No obstante, si lo desea en InDesign, obviamente puede alinear siempre el marco de imagen para que se ajuste perfectamente al borde de sangrado. Pero el sangrado no solo se usa para imágenes o colores de fondo, también se puede utilizar para elementos de diseño simples, como esta línea aquí en la parte inferior, que se utiliza en combinación con el número de página. Por lo que una vez más, podemos ver la impresión final se verá así, pero para asegurarnos de que esta línea blanca se muestre correctamente e imprimirla nuevamente tiene que ser incluida también en la sección de sangrado. En caso de que te preguntes en InDesign, cada vez que inicies un nuevo documento, siempre podrás configurar todos los ajustes, incluidos los márgenes, el sangrado y los detalles de babosas aquí a la derecha lado. Y mientras tengas esta opción de vista previa aquí en la parte inferior, también podrás ver estas actualizaciones en vivo. Entonces cuando empiezo a aumentar el sangrado, por ejemplo, inmediato podemos ver aparecer aquí en segundo plano. Y por si ya iniciaste el documento y olvidaste configurar el sangrado. Siempre puedes ir al menú Archivo. Y luego desde la configuración de documentos, podrás encontrar las mismas opciones aquí. Ahora hay un par de términos rápidos y sencillos que quería mostrarte aquí también. Es posible que haya visto la abreviatura NFP o en algunos proyectos de diseño de impresión. Eso significa sólo para la posición, lo que esencialmente significa que es sólo una imagen de marcador de posición. Puede que no termine en el producto de impresión final y en el caso de los textos, siempre que la copia real aún no esté disponible, pero el diseñador tiene que armar un layout. Generalmente nos referimos a la copia de marcador de posición como Lorem Ipsum, que es un lenguaje inventado. Es similar al latín, pero en realidad no significa nada. Y eso es exactamente lo que puedes ver aquí en este diseño también. Y es algo que puedes encontrar en el menú de tipos en InDesign, rellenar con texto de marcador de posición siempre será capaz generar texto que rellenará un marco seleccionado. Lo bueno de trabajar con imágenes y textos de marcador es que puedes refinar el estilo y el formato. Y a la hora de recibir el contenido final, solo tendrás que intercambiar cosas simplemente, pero el formato y la configuración podrán mantenerse iguales. El rey griego es otro término que podrías encontrar en el diseño impreso. Y sobre todo en InDesign, es un ajuste que puedes ajustar. Esencialmente lo que significa es que al alejar esta distancia particular, si los textos se vuelven demasiado pequeños para mostrarse correctamente, se convierte en estos bloques simplificados que podemos ver en todos estos ejemplos aquí. Y observa cómo volverán a mostrar la copia real. En cuanto acerque el zoom o si me acerco más hacia fuera, veremos más del crujido apareciendo. Y esto es algo que puedes personalizar en las preferencias. Encontrarás algunas opciones de rey griego bajo interfaz alrededor de la configuración de la herramienta manual. Entonces, dependiendo del rendimiento de tu máquina, es posible que necesites usar algún rey griego, incluso cuando solo te estás moviendo o navegando dentro del documento usando la herramienta manual. Pero lo más importante, en Rendimiento de visualización, encontrará la opción de tipo griego a continuación. Normalmente, configuré esto en torno a cuatro o cinco puntos. Pero sólo para demostrar cómo funciona, lo aumento aquí a diez puntos. Entonces sólo para mostrarte si lo pongo a cinco puntos. Ahora cuando regrese y aleje el zoom, no va a aparecer a menos que acerque muy lejos. En InDesign, esto es en realidad sucede con bastante frecuencia que tendrías que mirar tu documento desde la distancia cuando tengas varias páginas en la revista y folleto o catálogo, tal vez quieras mira varias páginas a la vez. Hay otro término que puedes encontrar y vale la pena recordar. Entonces con solo mirar este ejemplo, se puede ver que esta es una impresión de tres arriba, lo que esencialmente significa que habrá tres versiones del mismo diseño impresas en una sola pieza de papel o una hoja. Esta técnica se utiliza principalmente para ahorrar costo y tiempo durante el proceso de impresión. Por lo que ahora sabrás lo que significa la impresora cuando se refieran a una plantilla de dos arriba, tres, o cuatro arriba que están planeando usar. Y por último pero no menos importante, solo quería hablar un poco sobre el modelo print on demand, que se está volviendo muy popular en estos días, ya que es bastante diferente a las técnicas que estaremos pasando en el resto de los videos. Entonces esencialmente lo que significa impresión bajo demanda, o p o d es que el consumidor realiza un pedido y el producto impreso sólo se está fabricando a petición suya. Y el envío directo es algo con lo que se suele combinar la impresión bajo demanda. Lo que significa que el proveedor no sólo está haciendo la fabricación e impresión, sino también la entrega o envío del producto final al cliente. Esencialmente, lo que esto significa para un diseñador de impresión es que puedes tener tus productos en línea, ya sea tu propia tienda o un sitio impreso bajo demanda. Y puedes ganar dinero sin preocuparte por los aspectos de fabricación y envío. Un par de sitios populares POD donde también puedes vender tu propio trabajo, incluye reflexivo, burbuja roja, y la sociedad seis, iremos a través de estos sitios con más detalle y también cómo tú puede ejecutar un negocio de impresión bajo demanda. Una vez llegamos a las áreas particulares dentro del diseño de impresión, como un diseño de papelería. Ahora ojalá esta rápida introducción al mundo del diseño de impresión no fuera demasiado abrumador. No te preocupes, todo empezará a tener más sentido. Cuanto más hablamos los diversos aspectos del diseño de impresión en el resto de este tema. Y a pesar de que estaremos cubriendo bastantes términos adicionales en caso de que alguna vez te encuentres con un término de impresión que no hemos cubierto en este curso? Lo más probable es que pueda encontrarlo en este sitio llamado print V key. No obstante, no recomiendo revisarlo ahora mismo porque solo te asustarás al ver cuántos términos diferentes hay. Quédate conmigo y me aseguraré de que te faciliten aprender sobre el diseño de impresión. 4. Resolución: Todo diseñador de impresión tiene que estar familiarizado con la resolución de imagen porque este es uno de los factores limitantes más importantes a la hora de decidir el tamaño y la calidad de una impresión. Y esencialmente lo que significa es que cuánto detalle puede contener una imagen. Cuando nos referimos a imágenes de mayor resolución, significa que hay más detalle en ellas en comparación con las imágenes de baja resolución. Es importante diferenciar ya al principio que cuando se trata de imágenes digitales, las dividimos en dos categorías principales. Las imágenes y fotografías de pixel o ráster también caerían en esta categoría. Y gráficos vectoriales, que la mayoría de las veces serían ilustración o tipo. Ahora generalmente en proyectos de diseño gráfico, estarás utilizando una combinación de imágenes en píxeles y gráficos vectoriales. Pero el enlace más débil en términos de resolución y calidad de impresión siempre será la lista de píxeles, o a veces también referida como imágenes de mapa de bits, para comprender mejor la diferencia entre píxeles y listas. Aquí hay una mirada muy cercana de una fotografía que muestra un ojo y magnifica una imagen ráster. Esto revelará los bloques de construcción reales, los píxeles o las listas, que mirando esto de cerca hace que parezca que se trata de un mosaico estaba haciendo zoom hacia atrás. Vamos a empezar a ver esto como un continuo inmediato sin ninguna pixelación. Lo bueno de los píxeles, sobre todo cuando tienes muchos de ellos, es que puedes capturar una información visual realmente compleja. Y también permite mucha sutileza que quizá no puedas recrear con vectores. La mayor ventaja de los vectores es que la resolución independiente, lo que significa que pueden ser de cualquier tamaño que quieras que sean sin perder ninguna calidad. Y para demostrarte esto a ti. Aquí estamos en Illustrator con una ilustración sencilla, y no importa cuánto lo acerque, nunca veremos pixelación. Por lo que estas curvas que se utilizan como los bloques de construcción en un gráfico vectorial en comparación con una imagen de píxel se componen todos pequeños puntos de anclaje. Entonces todo se describe matemáticamente en lugar de confiar en esa lista que hemos visto antes, o en las columnas y filas de píxeles. Y si muevo uno de estos puntos de anclaje alrededor, todo lo que tiene que ser registrado o registrado es la nueva ubicación real de este punto de anclaje. Y eso son simplemente estas dos coordenadas que podemos ver aquí. Y la computadora será muy fácilmente capaz de conectar dos puntos de anclaje con una línea recta lineal. Pero también puede conectar puntos de anclaje como estos dos con una curva. Y para poder describir la curva en sí, todo lo que es necesario es este mango que estoy arrastrando alrededor y es una distancia relativa del punto de anclaje original. Este método de visualización de gráficos vectoriales y formas en general es a lo que nos referimos como curvas de Bezier. Lleva el nombre del matemático que inventó este método. Otra ventaja importante de los gráficos vectoriales, aparte de que sean independientes de resolución, es que el tamaño del archivo también es más pequeño en comparación con las imágenes ráster. Pero lo que es claramente un inconveniente para ellos es que es muy difícil hacer que las cosas se vean fotorrealistas. Y es por eso que seguimos confiando tanto en píxeles como en vectores en nuestro trabajo. Para que como se puede ver, ambos tienen sus fortalezas y debilidades y su uso en proyecto de diseño gráfico. Ahora hay un par de formas en que se puede medir la resolución. Y es posible que haya oído hablar de algunas de estas unidades como DPI, como lo podemos ver en este ejemplo, 300 DPI serían como un estándar. Estaremos considerando una imagen de alta resolución o una impresión de alta resolución. Y DPI significa puntos por pulgada, que se refiere al número de puntos de tinta en la imagen impresa. Pero cuando se trata de la fase de diseño, por lo que incluso antes de que terminemos creando algo que esté listo para imprimir, normalmente mediremos la lista de imágenes de píxeles en PPI o píxeles por pulgada. Y lo bueno de esta comparación es cómo muestra que la resolución por sí sola no importa realmente. Lo que importa es la cantidad de píxeles en combinación con la resolución. Entonces cuando tengas mucha información de pixel grabada en tu imagen digital, podrás imprimir y mantener imagen de alta resolución incluso en un formato grande como un 0, podemos ver el tamaño de esta en milímetros aquí. Por lo que este es un póster de tamaño bastante grande en comparación con el que cuando tienes menos píxeles con los que trabajar, aún puedes tener una impresión de alta calidad, pero solo podrás usar un tamaño de impresión mucho menor. Pixel por pulgada. Nuevamente, simplemente significa cuánto de esos píxeles de la imagen se imprimirán a una distancia de una pulgada. Y cuanto mayor sea la resolución, más comprimidos obtendrán esos píxeles en la imagen impresa, lo que resultará en una impresión de mayor calidad. 5. Característica de tamaño de imagen: La mejor manera de entender la relación entre la cantidad de píxeles, la resolución y el tamaño de impresión es utilizar la función Tamaño de imagen dentro de Photoshop. Entonces en este caso, podemos ver que esta es la cantidad original de píxeles con los que estamos trabajando. Entonces alrededor de 3 mil píxeles de ancho y 4 mil píxeles de altura, que es aproximadamente alrededor de 12 millones de píxeles o megapíxeles. Y no quiero confundirte, pero en caso de que quieras ser específico. Y el megapíxel es en realidad poco más de un millón de píxeles. En realidad es dos en la potencia de 20 píxeles, que es de 1.048,576 píxeles. Pero para mantener las cosas simples, un megapíxel se puede pensar como 1 millón de píxeles. Tomé esta foto con un iPhone, que tiene 12 megapíxeles aproximadamente. Y por eso obtenemos este tamaño de imagen. Pero observe cómo las dimensiones de píxeles se emparejan automáticamente con la resolución, que por defecto se establece en 300 PPI o píxeles por pulgada. Pero, ¿y si cambio? Y para poder ver el tamaño de impresión, todo lo que tengo que hacer es cambiar los píxeles a pulgadas o a una de estas otras unidades de medida. Pero vamos primero con pulgadas. Por lo que podemos ver que se puede imprimir en el estándar de alta resolución, 300 ppi con el tamaño de aproximadamente diez por 13 pulgadas. Y que en caso de que te estés preguntando, es entre un tamaño de papel A4 y luego A3. Así que a pesar de que es una imagen de doce megapíxeles, todavía no nos dará un tamaño enorme a la hora de imprimirla con 300 ppi. Pero lo que también es muy importante de entender, y esto en realidad se discute muy raramente, es que los requisitos de calidad de una impresión también dependen de la distancia de visualización. Por lo que estrictamente hablando, 300 PPI o DPI es algo que se requiere cuando se está produciendo una impresión que va a tener gente como folletos, revistas, libros, tarjetas de visita, así sucesivamente y así sucesivamente. Pero en comparación con eso, una gran pancarta donde gente solo estará caminando o tal vez incluso verla desde mucho más lejos cuando se exhiban en la parte superior de un edificio o al lado de una autopista, la resolución de impresión requerida será mucho, mucho menor que 300 ppi. Y aquí hay una gran comparación donde podemos ver la distancia de visión a la izquierda y la resolución requerida para ello a la derecha. Y se puede ver que incluso cuando se muestra una impresión a un metro de distancia del espectador, ya puede bajar a un 180 PPI, que es casi la mitad del requisito original. Pero a medida que te estás alejando más del espectador, como a cinco metros de distancia, eso ya da como resultado el requisito bajando todo el camino a 35 PPI, que es alrededor de diez veces menor que lo empezamos con. Ahora no creo que alguna vez tendrías que diseñar algo que se mostrará a 200 metros distancia de la gente aparte de si estás haciendo diseño de exposiciones y es una enorme sala de exposiciones. Pero en esos casos, la resolución podría incluso estar hasta llegar a un PPI. Ahora claro, ese es un escenario bastante extremo, pero no olvides que la resolución mínima requerida siempre depende de la distancia de visualización en caso de que alguna vez la necesites. También existe una fórmula para calcular la resolución mínima en función de la distancia de visualización. Pero para asegurarse de que la relación entre tamaño de impresión y la resolución tenga sentido. Volviendo a nuestro ejemplo anterior en Photoshop, cuando apago el re-muestreo, lo que significa que no estamos planeando cambiar el tamaño de la imagen. Entonces no estamos introduciendo nuevos píxeles en absoluto. Si ahora empiezo a bajar la resolución al mismo tiempo, como se puede ver, el tamaño de impresión va en aumento. Entonces lo que esto significa es que solo estamos distribuyendo la información original del pixel y se imprimirá menos densamente en el papel. Y por ejemplo, si bajo a una resolución de 150 ppi, eso nos dará exactamente el doble del tamaño de una impresión en comparación con cuando estábamos a punto de imprimir esto con 300 ppi. Y por supuesto, de igual manera, si fuéramos a ir por encima de 300 PPI, que la mayoría de las veces no sería necesario. Pero sólo por el bien de la discusión, si voy más alto y volvemos a revisar, el tamaño ya sea en centímetros o pulgadas, por supuesto, va a seguir cayendo. Porque una vez más, todo lo que estamos haciendo es condensar todas esas dimensiones de píxel originales en un espacio más pequeño. Ahora además de PPI y DPI, es posible que también haya oído hablar de SPI y LPI. De cada uno, SPI se refiere principalmente a los escáneres y a la alta resolución que pueden escanear imágenes. Y es sinónimo de las muestras tomadas en una pulgada lineal por LPI o líneas por pulgada se utiliza principalmente en la impresión comercial, que describió la distancia entre las líneas impresas de puntos. Para mantener las cosas simples, como diseñador gráfico, principalmente tienes que preocuparte PPI o píxeles por pulgada porque eso es algo con lo que estarás trabajando en la mayor parte del diseño aplicaciones. 6. Solapamiento: Ahora otro término que lo más probable es que te encuentres es el aliasing, que es más notable en el tipo. Cuando la resolución sea demasiado baja, comenzaremos a ver estos bordes duros en la curva, detalles sobre tipo, que también se conoce como escalonamiento. Y el método de antialiasing es lo que nos puede ayudar a mejorar esto promediando los colores en los bordes y alisándolos. Aquí hay otro look de primer plano que muestra este escalón perfectamente incluso parece una escalera en este caso. Y el resultado del antialiasing y cómo puede suavizarlo incluso en esta vista de primer plano. Cuando estés trabajando con tipo en Photoshop, por ejemplo, verás que el antialiasing se aplica automáticamente, pero por supuesto es algo que puedes despegar si selecciono este texto aquí y cambiar el tipo de antialiasing del valor por defecto agudo a ninguno. Podemos ver el resultado de inmediato. E incluso desde la distancia, esto será notable. Pero si acerco un poco más cerca, probablemente podamos verlo aún mejor. Entonces esto es sin y vid anti-aliasing sin y con. Probablemente notaste que en realidad no hay aliasing pasando, en las líneas horizontales. Y en algunos casos, tampoco se mostraría en las líneas verticales. Y eso se debe a que estos detalles pueden alinearse perfectamente con la cuadrícula de píxeles. Entonces para ellos, no hay necesidad de antialiasing. Y solo puedo mostrarte esto si acerco más, eventualmente, comenzaremos a ver la cuadrícula de píxeles y podemos decir que este borde horizontal afilado no necesita ningún alisado. Ya se ve perfecto como está. Y por último pero no menos importante, solo quiero mencionar que hay una nueva área muy interesante en la imagen digital donde se usa o se utiliza la inteligencia artificial para aumentar la resolución de las imágenes ráster. Y Photoshop tiene su propio filtro neuronal llamado super zoom, que es alimentado por la inteligencia artificial de Adobe Sensei. Y con esto, se puede aumentar el tamaño de una imagen, creo, hasta nueve veces más grande como es originalmente, mientras que al mismo tiempo se pueden mejorar los detalles de la imagen, eliminar artefactos JPEG, introducidos reducción de ruido y afilado, e incluso mejorar específicamente los detalles de fase. Y para darte un ejemplo, incluso un aumento cuatro veces de tamaño significaría tanta diferencia entre la imagen original y la que pasó por el filtro neuronal. Y para ver los detalles, sólo voy a acercar un poco más. Entonces alrededor del 100% de vista o vista real de tamaño de píxel, que mostró la calidad de imagen original. Y si saltamos a la versión redimensionada con la misma relación de zoom, esto es lo que veremos. Esta tecnología esencialmente está adivinando la información que falta en el original y trata de componer nuevos píxeles. De todas las herramientas de IA utilizadas para cambiar el tamaño de las imágenes. El más efectivo, en mi opinión, es vamos a potenciar para lo cual el enlace que puedes encontrar en el tablero. Aquí puedes ver una comparación de la imagen original de la izquierda, resultado del filtro neuronal que hemos visto en Photoshop en el medio. Y el resultado de la, vamos a mejorar la IA. la derecha, se puede ver cuánto mejor está la claridad en esa versión y cuánto detalles se recuperaron o añadieron a áreas como los ojos y los labios. Predigo que este tipo de tecnologías en un par de años, haremos que las imágenes de la lista también se sientan independientes de la resolución como los gráficos vectoriales. Pero hasta entonces, sigue revisando la resolución de cada imagen que estés utilizando en tus proyectos de diseño gráfico. 7. Impresión en offset: De todos los métodos de impresión disponibles, los dos con los que definitivamente debes estar familiarizado como diseñador gráfico son impresión offset y la impresión digital. Ahora también la impresión es la más tradicional y sigue siendo utilizada ampliamente, sobre todo en la impresión comercial. Así que pasemos un poco de tiempo entendiendo cómo funciona. Y voy a hacer todo lo posible para no entrar en detalle porque eligió este curso para convertirse en diseñador gráfico y técnico de impresión. Dicho esto, las cosas que vamos a cubrir aquí serán de suma utilidad para que usted comprenda y aprecie lo que sucede al final después de enviar sus archivos a las impresoras. Antes de hablar de la impresión offset y otra cosa que vale la pena mencionar es que normalmente dividiríamos todo el proceso de impresión en tres etapas separadas y distintas. En primer lugar, se inicia con pre prensa, que se puede ver aquí en el lado izquierdo de esta ilustración. Entonces cualquier cosa que suceda antes del proceso real se considera pre prensa, que incluye el propio proceso de diseño gráfico real , luego pruebas, atrapamiento, separación de color, la preparación de portadores de imagen o placas, y también la planeación. La segunda etapa del proceso de impresión es la propia prensa, que estaremos cubriendo con más detalle en este video. Y la tercera etapa sería referida como post prensa, que es todas las tareas adicionales que podemos ver aquí en el resto de la ilustración, principalmente incluyendo encuadernación y otras operaciones de acabado. Estaremos cubriendo estos más adelante, pero por ahora, solo concentrémonos en el escenario de prensa. Y en esta ilustración podemos ver en realidad una impresora offset, que más comúnmente consistiría en cuatro de estas torres o de otra manera llamadas unidades de prensa. Y cada uno de estos imprimiendo un color particular, normalmente la secuencia de lay down o color comienza con el negro, seguido del cian, magenta y amarillo. No obstante, este pedido se puede cambiar acuerdo a los requisitos. Pero en caso de un trabajo de impresión en el que necesite imprimir a ambos lados del papel, la cantidad de unidades de prensa podría ser en realidad el doble. Por lo que tendrías cuatro unidades para empezar e imprimir en un lado del papel, entonces esa sería una máquina que voltea el papel alrededor. Y luego el resto de las otras cuatro unidades estarían imprimiendo al otro lado de la hoja. Ahora bien, esta ilustración muestra muy bien que cada una de estas unidades de impresión o torres dependería también de los embalses de tinta. Esto es similar a una impresora de inyección de tinta que tienes en casa y que tiene esos pequeños cartílagos molestos que constantemente se quedan sin tinta. Pero por supuesto, en caso de una prensa offset, estas albercas de tinta son más grandes como puedes imaginar. Pero probablemente lo más importante para que una prensa offset funcione son las placas o portadores de imágenes, que generalmente están hechas de caucho, plástico o aluminio. Y estos generalmente se fabrican en prensa PRE. Y el proceso de separación de color que discutimos anteriormente también está directamente conectado a la computadora para reproducirlo método o CTP, que es cuando cada uno de los componentes de color de CMYK están físicamente convertido en estas placas que se utilizan en la prensa offset. Una vez que las placas están listas y se colocan dentro de las unidades de prensa. Lo siguiente a entender es cómo se usan en realidad. Siempre va a haber un cilindro llamado el cilindro de la placa, que tendrá la placa envuelta a su alrededor. Y esto va a recibir votante y tinta, que luego se transfiere al cilindro offset o manta, el nombre de la manta de goma que se cubre en. Y desde aquí, la tinta que viajaba hacia abajo, finalmente llegaremos al periódico que está pasando por toda la prensa. Estos son el cilindro aquí en la parte inferior llamado cilindro de impresión. Sólo está ahí para empujar el papel contra el cilindro compensado. Por el nombre impresión offset lleva el nombre de este cilindro offset e innovar. Este es probablemente uno de los componentes más cruciales de nuestra unidad de prensa porque aquí es donde ocurre la magia real. Aquí es donde la tinta golpea el papel. Ahora, es posible que haya escuchado otro término, litografía, que también se refiere a la impresión offset. Y esencialmente lo que significa es que estas placas metálicas se utilizan para transferir una imagen al papel. Pero offset es también un tipo de método de impresión de plano o gráfico, lo que significa que las áreas de impresión y no impresión están en el mismo nivel. Y la forma en que se logra es con este cilindro de manta donde la goma tendrá áreas de impresión y no impresión. Esencialmente, este método utiliza la propiedad de que el agua no se mezclará con el aceite. Las áreas de impresión donde aparece la tinta en el cilindro son todas l fílico o tinta aceptando y las áreas de no impresión son Inc repelente o permiten fóbicas. Y creo que este es el momento perfecto para dejar de ir más profundo. Porque como se puede ver, puede llegar rápidamente a científico y complicado. Pero hay una cosa más importante que tenemos que discutir sobre la impresión offset, y ese es el resultado de los puntos de tinta que obtenemos en el papel. Esto es lo que verás si echas un vistazo de cerca a algo que salió de una prensa offset. Y al igual que cuando estamos mirando un primer plano de imagen de pixel en Photoshop y comenzando a ver la cuadrícula de píxeles en impresión, comenzaremos a ver las cuadrículas de semitono. En caso del proceso de impresión a cuatro colores, tendrías cuatro de estas rejillas colocadas una encima de la otra. Negro, cian, magenta y amarillo. Nuevamente, es un poco técnico y algo de lo que las impresoras tendrán que preocuparse. Pero para evitar un resultado desagradable en la impresión, estas rejillas también suelen rotarlo para que no estén alineadas de la misma manera. Y supongo que se puede imaginar que en caso de que estuvieran perfectamente alineados, todos los puntos caerían exactamente uno encima del otro. Entonces eso es algo que querrías evitar para que los colores sientan como si se están mezclando cuando estás mirando la imagen desde la distancia. Pero hay un arte para elegir la rotación correcta con el fin de evitar también algo llamado efecto paludismo. Y sabrás que tienes la rotación correcta de estas cuadrículas de semitono. Cuando empieces a ver estas rosetas o patrón de Rosetta en tu impresión final, esencialmente, los puntos estarán formando estos pequeños círculos y creando este patrón especial. Entonces efecto María es lo que estamos evitando y el patrón Rosa es lo que estamos buscando. Supongo que es bastante obvio, pero hasta el tipo tendrá que estar hecho de puntos en impresión offset. Así que cuando lo eches un vistazo de cerca, verás esos puntos de los que está compuesto. Y otra cosa obvia es que el blanco no tiene que imprimirse como simplemente el papel que queda sin tinta alguna. Y en caso de imágenes coloreadas donde haya más intensidad de saturación y tonos, obtendremos más de las tintas de las cuatro placas por las áreas más brillantes de la impresión tendrán menos concentración de puntos, la densidad de los puntos de tinta también se conoce como cobertura. Si te intriga saber más sobre la impresión offset, siéntete libre de echar un vistazo a la placa de melanoma donde encontrarás algunos términos e información adicionales. Y además recomiendo ver los videos que se incluyen, cuales mostrarán el proceso completo con más detalle. 8. Impresión digital: Además también de la impresión, la otra técnica más utilizada es la impresión digital, que se está volviendo cada vez más popular debido a los avances en la tecnología, 40 por ciento de los trabajos de impresión estaban utilizando impresión offset y aproximadamente alrededor del 20% estaba utilizando la impresión digital. A pesar de que actualmente también la impresión sigue haciendo el doble de los trabajos de flecos. La impresión digital está en aumento. popularidad está aumentando cada año y lentamente pero seguramente se está apoderando de la industria de las otras técnicas de impresión analógica como la impresión offset. Y lo más seguro que nunca reemplazará por completo la impresión offset y otros métodos de impresión. Como diseñador gráfico, ya es muy importante saber en qué tipo de impresión se adapta mejor un proyecto en el que estás trabajando. Por lo que en este video, además de hablar de impresión digital, nos concentraremos principalmente en los pros y los contras que lo comparan con la impresión offset. Ahora la diferencia más importante es que impresión digital no requiere placas. Por lo que es un tipo de método de impresión sin impacto comparado con los métodos de impresión convencionales o indirectos como offset, donde tenemos esos portadores de imagen o placas, los dos tipos principales o categorías de máquinas de impresión digital, o las impresoras de inyección de tinta y las impresoras basadas en tóner, de las cuales las más comunes son las impresoras láser. Al mirar un diagrama simplificado de una impresora de inyección de tinta, se puede ver cuánto más simple es comparado con la impresión offset. Entonces aquí la tinta va más o menos directamente al papel en lugar de pasar por varias revoluciones en varios cilindros a la hora de elegir entre la impresión digital y offset, directamente al papel en lugar de pasar por varias revoluciones en varios cilindros a la hora de elegir entre la impresión digital y offset, por lo general se reduce a lo cual uno es más rentable. Y este gráfico simplificado lo muestra muy bien que en caso de tener cantidades más pequeñas, por lo que en cualquier lugar por debajo de 500 a mil copias. En estos casos, la impresión digital siempre será más barata. Si bien si estás empezando a imprimir en volúmenes más altos que la impresión offset va a ser la opción más viable. Una de las principales razones por las que la impresión digital puede ser mejor para la impresión de bajo volumen, porque apenas requiere preparación, sobre todo cuando se compara con la impresión offset. La velocidad real de impresión suele ser más rápida en una impresora offset. Pero lo que hace que el cambio sea más rápido con la impresión digital, especialmente para la impresión de menor volumen, es que difícilmente requiere tiempo de secado. Es muy fácil hacer pre carreras, carreras prueba, y pruebas. último, pero no por ello menos importante, otra ventaja importante es que es más amigable con el medio ambiente porque el proceso de impresión digital requiere menos químicos y también produce menos residuos. Ya que estamos hablando de la velocidad de impresión, pesar de que las impresoras offset siguen siendo más rápidas en general, hay algunas máquinas de impresión digital asombrosas como esta en polar tres Swiss Q, que pueden alcanzar un nivel máximo de productividad de un sprint de 180 metros cuadrados en una hora. La impresión de datos variables es otra gran ventaja de la impresión digital, lo que significa que puedes imprimir fácilmente artículos personalizados como estos. Las tarjetas de invitación por los nombres son todas diferentes en cada una de las piezas. Un buen ejemplo de impresión de datos variables fue la exitosa campaña Share a Coke de Coca-Cola, que tiene una gran variedad de nombres en las etiquetas. Y en generar tanto aumento en las ventas interacción del consumidor con la marca y el producto. Pero además de las diversas ventajas de la impresión digital, también hay un par de las áreas grises, como si no tuvieras la misma cantidad de variedad de existencias o tipos de papel o así la mayor parte del tiempo, pluma no se soportarán los colores de tono. Y las opciones de acabado que vamos a cubrir más adelante en este curso también están limitadas en comparación con la impresión offset. Pero no te preocupes, como diseñador gráfico, rara vez es tu tarea decidir qué opción es mejor para un proyecto de impresión. Normalmente es tarea de un estimador de impresión que podrá calcular el costo para usted y hacerle saber si debe ir digital o offset. 9. Impresión de pantalla: serigrafía, o la mayoría de las veces conocida como serigrafía, es otro método de impresión muy popular, más comúnmente utilizado para imprimir en productos de ropa como camisetas, jerséis, bolsas de mano. Pero también se usa a menudo en productos de papelería como en unas tarjetas de regalo y también para carteles de edición limitada. La singularidad de la serigrafía es que se basa en una plantilla que está en la propia pantalla. Y la pantalla generalmente se estira sobre un marco. Y la forma en que la tinta puede pasar a través de esa plantilla hacia la imagen impresa apretándola usando una herramienta llamada rasqueta. Ahora hay varias técnicas de enlace tallos, pero probablemente la más utilizada y la más profesional es la emulsión fotográfica, o emulsión sensible a la luz. Y aunque podría sonar un poco complicado, pero en realidad solo requiere un par de pasos. Por lo que primero, el diseño en sí deberá imprimirse en esta película transparente de acetato. Y esto en realidad no es tan complicado. La mayoría de las impresoras de escritorio podrán hacer esto. Pero lo que hay que tener en cuenta es que hay que tener una película separada para cada uno de los colores. De igual manera, cómo necesitábamos placas separadas en la impresión offset. Este es exactamente el caso de estas películas patrimoniales. Y entonces cada una de estas firmas tiene que ser transferida a las mallas. Lo que de nuevo significa que para una impresión de cuatro colores , por ejemplo, necesitarás unas mallas separadas, y es fácil ver que la pintura quiere, se utiliza la escotilla, será capaz de pasar por estos zonas más brillantes. Entonces, por ejemplo, esta malla se utiliza para el color del cabello, mientras que esta se utiliza para los tonos de piel. Y una vez que se usaron los cuatro colores y las mallas de forma, así es como se ve la impresión final. Aquí hay otro ejemplo de una impresión de dos colores. En este caso, tenemos un rojo y azul, nuevamente usando dos mallas separadas. Y aquí está el resultado de estos dos colores impresos uno encima del otro. Un factor importante que hay que decidir que el comienzo mismo de un proyecto de serigrafía es la finura de la propia malla, que depende principalmente de la complejidad del diseño y el tipo de material en el que está imprimiendo. Aquí hay una hermosa para la serigrafía en color que el quinto color es dado por el color del papel en sí. Al mirar esta impresión de los estudios d, k, y g de cerca, podemos apreciar algunas de las ventajas de la serigrafía. Una es que puede producir colores realmente vivos y ricos, incluso en telas más oscuras. Y al tener los colores en capas uno encima del otro, se obtiene esta increíble sensación táctil al final. Y lo importante a tener en cuenta con serigrafía es que dado que la pintura está en capas encima de la otra como ya establecimos, en lugar de mezclarse de cuatro tintas como CMYK, transiciones sutiles en colores como gradientes en este caso, tienen que crearse con el uso de patrones de semitono. Entonces como ejemplo sencillo, si tienes un degradado blanco y negro en Photoshop, lo que puedes hacer es ir al modo desde el menú Imagen y primero elegir una escala de grises, luego volver de nuevo al modo y elige bitmap, que tendrá que aplanar las capas una vez que haga clic en Vale, es donde podrás elegir el método que la mayoría de las veces querrías mantener en pantalla de medios tonos. Y la resolución puede ser cualquier cosa que usted requiera, pero sólo voy a mantenerla tal como está. Y luego aquí, de nuevo, dependiendo de lo que quieras lograr, puedes encontrarte en la configuración. Pero en general, si usas 50 líneas por pulgada para la frecuencia, 45 grados para el ángulo, y elipse para la forma, obtendrás un resultado tranquilo y agradable. Y como se puede ver cuando acercamos más, es una imagen de mapa de bits, lo que significa que está compuesta por dos colores, blanco y negro. Por lo que no hay tonos de gris. Ningún anti-aliasing es simplemente estos dos colores e innovar esto ya empezando a parecer una malla. Pero por supuesto para poder conseguir estos hermosos estampados, se requiere un alto nivel de habilidad, tanto configurando los diseños en la computadora, sino también para asegurarse de que todos los colores estén perfectamente alineados en la impresión final. Por lo que en comparación con otros métodos de impresión, la serigrafía es definitivamente un proceso lento y meticuloso, y puede ser costoso para tiradas de impresión más pequeñas, un estudio de serigrafía profesional y especializado utilizaría dispositivos como éste, que cuenta con las seis mallas para los seis colores ya configurados en este sistema rotativo. Por lo que estas mallas pueden girar alrededor y las hojas de papel o los productos en los que terminará la impresión se pueden colocar en estas cuatro estaciones. Y a pesar de que la serigrafía puede considerarse más de un nicho en comparación con la impresión offset y digital. Como diseñador gráfico, sigue siendo importante estar al tanto de ello, sobre todo cuando se están preparando diseños para imprimirse sobre tela. 10. Impresión 3D: De todos los métodos de impresión, impresión 3D suena probablemente la más futurista, y es la que menos probable que te involucres como diseñador gráfico. No obstante, como se está volviendo cada vez más ampliamente utilizado, pensé que es peor, aún mencionándolo en este curso. Por lo que una impresora 3D funciona de manera muy similar a una impresora de inyección de tinta, pero en este caso, en lugar de tener la tinta permaneciendo bidimensional, por lo que permanecer plana en la superficie del papel, el material plástico que se utiliza en lugar de tinta se construye capa por capa, dando como resultado un objeto tridimensional al final. Por lo que la boquilla tiene que moverse no sólo en las direcciones x e y o ejes, sino también en los ejes z. Por lo que suele empezar a imprimir en la parte inferior, que es la base del objeto, y luego se abre camino hacia arriba. Aquí hay un buen ejemplo que muestra las etapas del proceso de impresión, comenzando por estos pilares, que está formando la base de la impresión. Y luego podemos ver cómo se está construyendo capa por capa. Aquí hay otra instantánea genial de un proceso de impresión 3D, que también muestra que hoy en día también puedes hacer impresiones 3D multicolores con encontrar gradientes. Por lo que se está acercando a los métodos tradicionales de impresión a cuatro colores. Los objetos impresos 3d son ampliamente utilizados hoy en día en la atención de la salud. Y es un hecho interesante que fue en 1999 cuando se el primer Oregon impreso en 3D utilizó el primer Oregon impreso en 3Dpara una cirugía de trasplante. Podrás encontrar muchos ejemplos de muebles y esculturas impresas en 3D, por supuesto. Pero también hay ejemplos de casas impresas en 3D. Echa un vistazo al enlace para este proyecto denominado Ley Taq en el tablero de carga. Si quieres saber más sobre esto. 11. Colores planos: Ya discutimos que en la mayoría escenarios de impresión digital y offset, estaremos confiando principalmente en los colores CMYK y la combinación de estos resultaría en la impresión de cuatro colores. No obstante, para garantizar un color muy específico para aparecer en tu impresión y para asegurarse de que va a ser consistente donde y cuando se va a imprimir. En lugar de confiar en la mezcla de los colores CMYK, debe estar usando colores planos en su lugar. Estos son colores premezclados que tendrás que elegir específicamente para tu diseño. Y uno de los sistemas más comunes que utilizan a nivel mundial es el sistema de emparejamiento Pantone, o PMS. Se trata de una enorme biblioteca de colores a la que se puede acceder y utilizar en cualquier trabajo de impresión. Pero es importante tener en cuenta que agregarcolores puntuales lo más probable esque aumente colores puntuales lo más probable es el costo de la carrera de impresión. Normalmente es trabajo de diseñador gráfico igualar los colores en la pantalla y seleccionar qué muestra están más cerca de ti de estos libros Pantone. Pero por supuesto, también puedes trabajar al revés. El cliente podría ya haber elegido o estado usando un color puntual específico. Entonces eso significa que cuando estás trabajando en tu diseño, solo tienes que asegurarte de seleccionar esa muestra. Así que aquí hay un ejemplo rápido. Digamos que necesito usar un color puntual particular para este marco alrededor de este pequeño zorro. Todo lo que tengo que hacer es ir al panel de muestras y bajo los libros a color, podré encontrar todas las opciones de la herramienta Pluma. Estos son todos los diferentes tipos de libros. Digamos que necesitamos la categoría recubierta sólida para la que tengo el libro en mi mano. Y sólo voy a escribir el código para una de estas muestras. Entonces son de tres a 52, que es este hermoso color turquesa. Sólo puedo seleccionarlo. Ya se suma a mi panel de muestras y podemos ver cómo se ve en la ilustración. Vale la pena mencionar que es fácil ver un color Pantone en tu panel de muestras porque va a haber un pequeño punto en la miniatura. Al hacer doble clic en una muestra de color Pantone, verás que el modo de color es en realidad color de libro, confiando en los valores de LAB. Y es un modelo de color completamente diferente en comparación con CMYK o RGB. Pero en caso de que quieras cambiar a cualquiera de estos, puedes comprobar cuál es el más cercano al color spot original. Pero recuerda, mezclar colores nunca va a resultar en la misma riqueza y precisión que un color mancha puede lograr si no estás convencido. Aquí hay algunos ejemplos, comparaciones de un color Pantone impreso a la izquierda y el mismo color intentaron imprimirse con los cuatro colores CMYK y el aspecto de primer plano del texto coloreado usando el color del proceso en comparación con el color puntual. De nuevo, podemos ver la enorme diferencia en claridad. Y aunque es un poco exagerado, pero aún así muestra bien la diferencia entre la impresión con dos colores Pantone en comparación el uso de los colores CMYK de la izquierda. También hay categorías especiales de colores pantone, como los revestidos metálicos o pedestales y neones, que todos se consideran colores puntuales premium. Y estos se pueden utilizar para un efecto especial o para hacer que la impresión sea más única o lujosa. Y estaremos cubriendo todos estos con más detalle junto con otras técnicas especiales de impresión en el próximo par de videos. 12. Materiales metálicos: Ya establecimos que existen tres etapas principales del proceso de impresión. Y principalmente hablamos la etapa actual de prensa cuando está sucediendo la impresión. Pero para la mayoría de los productos impresos que lejos de ser el final de la historia. Porque lo que sucede en Postgres es la mayor parte del tiempo crucial para que el producto funcione o para que destaque. Las dos categorías principales de tareas que se realizan en la etapa post-compra en un binario, la adición de adornos, binario se refiere principalmente a la encuadernación, pero también incluye el plegado, que se refiere al plegado de una hoja impresa grande en un club de libros o folleto más pequeño. Y aunque la mayoría de las veces binario es el último paso en todo el proceso de impresión, es importante planear precisamente ya al principio porque necesitarás conocer esos especificaciones y necesitarás poder trabajar con tu impresora para asegurarte de que obtienes el resultado que buscas. Ahora aquí se puede ver un ejemplo de los dos métodos de encuadernación más utilizados, el encuadernado perfecto y la costura de sillín. Pero este es un tema mucho más amplio por lo que entraremos en más detalle más adelante. Pero por ahora, me gustaría centrarme principalmente en los tipos de adornos en el próximo par de videos, comenzando con tintas metálicas y tableros. Pero como se puede ver, también estaremos cubriendo para estampar recubrimientos de barniz spot, laminaciones UV y de película, y también mi favorito y jactancia y el busing. Empecemos con las tintas metálicas y tableros. ¿ Por qué querrías usar esto en tus proyectos de diseño gráfico? Es posible que haya escuchado este término antes. Que sea brillante. Es algo que a los clientes les encanta decir y no hay mejor manera de hacer brillante un producto impreso que usar tintas metálicas o material metálico que usted está imprimiendo, que nosotros suelen referirse como tableros metálicos. Entonces recuerda que hablamos colores puntuales y del sistema de emparejamiento Pantone. Y para las tintas metálicas tienen dos libros separados. Por lo que hay mucha variedad y opciones entre las que puedes elegir. Y la forma en que funcionan estas cosas es que están formuladas con diminutos copos metálicos dentro de la tinta misma. Y debido a que son más ligeros en peso en comparación con la tinta, cuando llegan a la superficie impresa, en realidad van a elevarse a la superficie, haciendo que la tinta se vea realmente brillante. Así que a pesar de que cuando usas tintas metálicas, casi parece que estás imprimiendo con oro. Por supuesto, solo hay una pequeña porción de material metálico dentro del campamento. Y para mantener estas tintas asequibles, se utilizan copos de aluminio para crear el efecto de plata y los copos de bronce se utilizan para crear el efecto del oro. Aquí hay otro look de primer plano que muestra plata, oro, y Rose llamadas tintas en particular. Y además de la brillantez, también estamos hace que esto se sienta más lujoso es que también se sienten más táctiles. Nuevamente, es gracias a esos pequeños copos que se encuentran dentro de la tinta lo que produce esta fina textura. Ahora es importante mencionar que tintas metálicas se usan mejor con papel revestido porque en caso de que se utilicen en material sin recubrimiento o superficies rugosas, esos pequeños copos metálicos no podrán se elevan a la superficie de la tinta tanto porque estarán pegados en el material en el que se imprimen. Por lo que acabas perdiendo la mayor parte del efecto metálico cuando hablas con las impresoras, hay un término que les gusta usar cuando trabajamos con tintas metálicas. Se llama hojear. Eso en realidad se refiere es cómo estos pequeños copos metálicos se agruparían o se aferrarían unos otros y se elevarían a la superficie de la tinta. Aquí hay un hermoso ejemplo de una tarjeta de visita, que se ve extremadamente lujosa porque está impresa en una placa metálica dorada usando tinta dorada para el tipo y las decoraciones. Y también se combina con el busing, que es el prensado en la superficie que estaremos cubriendo más adelante. La impresión en tableros metálicos, por supuesto, va a ser siempre costoso. Pero sin duda, el producto final se sentirá siempre un lujoso y se destacará. Imagina que se le entregue una tarjeta de visita que se sienta hecha de oro y en realidad es pesada debido al tablero metálico en el que se imprime. Así que en cualquier momento que su cliente desee mostrar o resaltar realmente exclusividad, calidad premium, y alto valor en general, tanto tintas metálicas como tableros o la combinación de estos dos puede darle la fórmula ganadora. Solo asegúrate de comprobar primero si tu cliente podrá pagar y pagar la imprenta. Y por último pero no menos importante, aquí hay un ejemplo loco que probablemente agota la cantidad de oro que puedes usar en un producto impreso. Entonces, en primer lugar, tenemos tinta dorada tono pan utilizada para los detalles en el logo principal. Entonces toda la carcasa en sí está hecha de tableros metálicos dorados. Y por último, el estampado de lámina de oro combinado con emboscada se utiliza en todas estas decoraciones y también en el tipo. Y la razón por la que salieron todos e incluyeron todo tipo de oro posible en la impresión porque era un rango de edición limitada para este arriesgado. Ahora ya que mencionamos y vimos aquí un ejemplo de estampación de papel de aluminio, vamos a discutir eso con más detalle en el siguiente video. 13. Estampación en lámina: estampado de papel de aluminio, o también conocido como estampado en caliente, puede crear un efecto realmente intenso para su impresión final. Y una vez más, similar a los materiales metálicos, también ayudará a que se destaque. El nombre estampado en caliente en realidad explica perfectamente cómo funciona todo el procedimiento. Entonces, antes que nada, tienes un sello que está presionando la lámina sobre el papel o a los medios con los que estás trabajando. Y para asegurarse de que el uso completo se va a pegar en tu material y que también se corta en la forma correcta y entra en los detalles correctos. También tenemos un tinte calentado unido al sello. Existen cuatro categorías principales o tipos de láminas que puedes usar. Las láminas metálicas son muy populares y podemos ver un par de ejemplos de estos usos aquí a la derecha. Y de manera similar a las tintas metálicas, tendrás muchas opciones para elegir, como el oro, plata, el cobre y el bronce, otra categoría ampliamente utilizada o las láminas holográficas. Nuevamente, tienes muchas opciones y looks diferentes entre los que puedes elegir. Y la forma más fácil de describir el efecto es que se ven como un arco iris o algo muy similar a lo que verías en la parte posterior de un DVD o disco Blu-ray. O si tienes la edad suficiente para recordar un disco compacto o CD. Aquí hay un hermoso ejemplo de lámina holográfica aplicada sobre la carcasa de un libro. Y para enfatizar o realzar el efecto de la lámina, realidad se imprime en toda la caja, por lo que lo vemos en la parte posterior, en la columna vertebral, y también en la parte delantera. Lo inteligente de este diseño es que realmente seduce al espectador o al lector a dar la vuelta a la caja y apreciar realmente el efecto holográfico de la lámina. Otra categoría son las láminas Perl, que son láminas transparentes o translúcidas con sol de Perla. Lo bueno de estos es que se pueden mezclar con cualquier color que se usara en la propia impresión, ya que son ligeramente transparentes. Y luego finalmente, tienes también las láminas de pigmento, que se pueden utilizar, por ejemplo, cuando estás imprimiendo sobre material oscuro o negro. Y es necesario agregar texto blanco o decoraciones. Pero por supuesto no sería posible confiando en la tinta. Por lo que ahora que estás familiarizado con el muestreo de láminas y los diferentes tipos que puedes usar en tu proyecto. La siguiente gran categoría de adornos de los que tenemos que hablar son los recubrimientos. Y eso es lo que vamos a cubrir en el siguiente video. 14. Recubrimientos: Hay una gran variedad de recubrimientos que puedes aplicar a tus proyectos de impresión. Y además de hacerlos sentir y lucir más de calidad premium y destacarse de otros diseños, también se suelen utilizar para resistir las huellas dactilares y otros problemas o impurezas durante el manejo de los productos. El único inconveniente para la mayoría de los tipos de recubrimientos es que evitarán poder escribir en la superficie o en el material del producto. Pero como puedes ver en algunos de estos ejemplos aquí, puedes ser extremadamente creativo cómo usas recubrimientos en tus proyectos. El recubrimiento acuoso es algo que siempre se aplica en toda la superficie de un producto. Se trata de un recubrimiento transparente, de secado rápido, a base de agua, que se utiliza principalmente para la protección de un producto impreso, ya sea un folleto o empaque, ya que es a base de agua, es más respetuoso con el medio ambiente que los otros tipos de recubrimientos como el barniz spot. Y además proporciona uno de los más altos niveles de resistencia contra arañazos y marcas de huellas dactilares cuando se utiliza en piezas más pequeñas como un folleto, también es útil para mantener la forma de el producto ya que evita que el papel se arrugue y se encrezca. Ahora, un barniz es un tipo líquido de recubrimiento, y dependiendo del tipo, puede generar todo tipo de efectos desde la estera brillante, sentada en incluso neutro. El tipo más común es el barniz UV spot que también se aplica en forma líquida y luego se expone a luz ultravioleta o a la luz UV, se seca inmediatamente. Y la razón por la que se llama barniz spot es porque mayoría de las veces se aplica en detalles más pequeños, no en toda la superficie de un diseño. En caso de esta tarjeta de visita, se utiliza para resaltar todos los detalles tipográficos, pero el material real en sí no está cubierto por ella, pero en caso de que se usara en toda la superficie, lo llamaríamos un barniz de inundación. Ahora la mayoría de las veces ponen un nicho se ve mejor en materiales más oscuros, incluso en superficies negras. No obstante, también se puede utilizar en superficies blancas más brillantes e incluso, lo que resultará en un efecto mucho más sutil. Y eso es bueno porque en este caso, se imprime o edita encima de la topografía. Y en caso de una tarjeta de visita, definitivamente queremos asegurarnos que la gente pueda robar, leer este texto sin distraerse de un adorno. Ahora aquí hay un ejemplo brillante donde se usa spot UV sobre una superficie negra. Entonces este es texto negro sobre un material negro y no podríamos leerlo ni verlo a menos que se resalte con el barniz. Y este es un ejemplo perfecto de esa regla general que menos es más en el diseño gráfico. Entonces en lugar de usar un adorno para hacer que algo destaque que ya era prominente en el diseño. Se utiliza de una manera más minimalista. Pero al combinar esto con una herramienta de pluma muy vívida y saturada y tinta en esa palabra construir. También crea un contraste asombroso y poderoso. No olvides cualquier tipo de recubrimientos o incluso adornos que estés utilizando en general, siempre debes pensar en usos creativos y qué propósito sirve el adorno. Y siempre puedes evitar ser sobreindulgencia y aplicar moderación en cómo estás trabajando con este tipo de efectos. Y por último pero no menos importante, solo quería mencionar también los tipos de laminaciones que puedes usar en tus proyectos. Nuevamente, el propósito principal de estos es proteger la pieza impresa, sobre todo haciéndola resistente al agua. No obstante, recuerda que va a hacer tu impresión funcione más cara y también podría tardar más tiempo porque la laminación suele ser un proceso bastante lento. 15. Gofrado: Embossing and Depot diciendo está creando un efecto tridimensional en tus impresiones levantando o bajando ciertos detalles. Y en general el procedimiento de esto es similar al estampado de papel de aluminio. Una vez más, aplicamos presión usando un tinte, que suele ser un metal, y presionamos el papel o el material que estás usando para tu impresión en un troquel de mostrador. Por lo que siempre tendrás unas formas positivas y negativas. Y estos presionados juntos resultarán en el cuero cabelludo o la forma tridimensional que estás creando en caso de que estés interesado por repujar el contador dy sería la parte masculina porque eso es el que es positivo o sobresaliente. La pieza metálica sería el dado femenino. Y en caso del bossing, cuando usted está presionando detalles en la impresión, las partes hembra y macho se cambiarían alrededor cuando se graba en relieve o se usa la cuerda del bowstring en combinación con otros ornamentos como para estampado, lo llamaríamos un ébolo registrado porque tiene que tener una coincidencia perfecta con el otro detalle que se agregó mientras que en caso de que se utilice por sí solo. E incluso sin tener tinta alguna en el material, nos referiríamos a él como émbolos ciegos o ciegos al jefe. Y este es de nuevo un ejemplo perfecto de cómo se puede introducir sutileza incluso cuando esté utilizando ornamentos. Otra técnica interesante que puedes usar se llama emboscación multinivel, donde la superficie que sobresale del papel no es completamente plana, sino que le tiene forma. Y esto puede hacer que el campo de gofrado sea aún más tridimensional. Entonces en comparación con un repujado plano o redondo o el busing, así es como se vería un multinivel y ambos y así es como se vería como se usaría para el busing. Y en caso de que seas dy sería aún más complejo. Nos referiríamos a él como un esculpido y bossing o el busing. Aquí hay un ejemplo de un dy esculpido altamente detallado. En este caso, se utiliza como jefe de extremo ciego para algo como esto, el tinte suele estar hecho de latón. Ahora ya que estos tienen que ser usualmente esculpidos a mano por alguien, va a hacer que tu impresión sea muy cara. Otra cosa importante a tener en cuenta, sobre todo cuando estás planeando usar tintes esculpidos, es que siempre debes encontrar un buen equilibrio entre la complejidad del tinte y la complejidad de el diseño impreso. Entonces en general, para una impresión compleja y detallada, debes usar una técnica más simple y jefe o la de jefe. Y en caso de un busing muy detallado y complejo y bossing o D, probablemente deberías ir por la opción ciega como en este caso. Por lo que en realidad no hay ningún detalle impreso en absoluto. En general, la emboscada y el busing D podrían parecer que deja una gran sangría en el papel. En realidad es una pequeña transformación. Y la profundidad máxima que normalmente usamos es de 25 micras, que es de solo 25 milésimas de pulgada, dependiendo de los ángulos de los biseles alrededor de los bordes. También puedes obtener resultados ligeramente diferentes. Como se puede ver, por ejemplo, todas estas letras usaban gofrado con la misma cantidad de profundidad, pero el ángulo de los biseles está aumentando desde 30 grados, 60 grados. Entonces eso significa que vamos de un cambio más abrupto en la profundidad a algo que tiene más pendiente. Y aquí está solo por el bien de la comparación, un par de primer plano mira los tipos de burbujas que puedes usar. Para que puedas tener el bisel normal que podemos ver aquí en la parte superior. Después tenemos el cincel o techo y autobús para que ya vimos un ejemplo en esta topografía nocturna. Y eso es algo que llamaríamos redondos o émbolos de cúpula puede crear este aspecto muy bonito, suave y curvo. Y por último pero no menos importante, como con todo en diseño gráfico, puedes ser muy creativo en la forma en que estás utilizando este método. Incluso puedes combinar el estampado en relieve y bossing D dentro de la misma impresión. Y ni siquiera tienen que usar el mismo perfil, como en este ejemplo. Uno de ellos podría ser multinivel mientras que el otro podría ser plano. Por ejemplo. Ahora que hemos cubierto todos los tipos importantes de ornamentos, en el siguiente video, te voy a mostrar cómo configurar tus archivos, incluidos los detalles de adorno, listos para imprimir. 16. Configuración de archivos para impresión: Estoy seguro de ver todas estas técnicas geniales y los hechos por ahora estás ansioso por descubrir cómo configurarlas en tus archivos de diseño. Y eso es exactamente lo que te voy a mostrar ahora en Adobe Illustrator, pesar de que este flujo de trabajo también se puede repetir en InDesign o incluso Photoshop. Illustrator suele ser la mejor herramienta para tener todos estos adornos configurados y guardados con precisión y precisión en archivos PDF separados. Y sí, ese es uno de los pasos más importantes que tendrá su impresión real guardada como archivo PDF. Pero en caso de cualquier otro efecto o adornos, tendría que tener archivos PDF separados, incluyendo información sólo para el efecto deseado. Entonces en caso de esta tarjeta de visita, lo que me gustaría lograr es antes que nada, tener una tinta metálica utilizada para estas secciones aquí. Entonces estas dos manchas, me gustaría que parezca oro. Y también este pequeño detalle aquí. Además de eso, me gustaría tener el texto en el logo relieve y para todos los detalles florales que tenemos aquí. Por lo que estas tres ramas más oscuras, me gustaría usar barniz UV spot. Ahora para el color puntual metálico que vamos a utilizar no requiere un archivo separado. Se puede almacenar y guardar en el mismo PDF que tendrá el resto del diseño para el repujado y el barniz UV spot, tendremos que tener dos archivos PDF separados generados. Pero empecemos con ese color mancha. Entonces voy a usar la opción de la biblioteca en el panel de muestras. A partir de aquí, seleccionaré Libros de color. Y en este caso, voy a utilizar la categoría recubierta metálica tono pluma. Y aquí podemos escribir el código del color que estamos buscando referenciado desde el libro de color Pantone. Y en este caso es 8943. Entonces ahí tenemos la muestra. Simplemente pinchamos sobre él e inmediatamente se va a sumar a nuestras muestras. Por lo que está apareciendo aquí mismo, pero aún no se aplica al diseño en sí. Por lo que el siguiente paso es seleccionar todo donde nos gustaría aplicar este color. Y en este caso, voy a usar la herramienta mágica con la que puedo dar click en una de estas formas. Y como todos son muy similares en color, lo seleccionará todo por defecto. Pero si hago doble clic en la varita mágica, puedo reducir la tolerancia de esta herramienta hasta tal vez siete. Después podemos intentar hacer clic primero para desseleccionar todo, y luego hacer clic en el mismo objeto una vez más. Y como se puede ver, ahora, con esta menor tolerancia en logró seleccionar, resaltar sólo los ítems sobre los que quería usar esta muestra metálica. Ahora que todos están seleccionados, simplemente puedo hacer click en nuestra muestra Pantone e inmediatamente se les aplica. Ahora también puedo ver que hay un poquito de brecha aquí en el borde. Pero eso no es un tema porque esa parte ya está en la sangría y el área real de recorte termina aquí. Por lo que todos estos detalles serán recortados. Al final. Podrías estar pensando que es una vergüenza y un jarrón de usar un color mancha en una zona que se recortará al final. Pero desgraciadamente, esa es la única forma en que podemos lograrlo. El color puntual se imprimirá todo el camino hasta el borde. Ahora, la buena noticia es que tenemos que hacer sólo un paso adicional para que estos cinco estén listos para su impresión. Y eso es esbozar todo el texto. Y es importante mencionar que siempre debes guardar tu archivo de trabajo con texto editable. Para que ese sería su archivo de proyecto que pueda volver a ellos, hacer cambios, actualizar el nombre y todo el resto de la información para otros empleados, por ejemplo. Y lo que recomendaría para una precaución extra de seguridad es realmente, en este punto antes convertir todos los textos en contornos, guardar su archivo como duplicado, lo cual se puede hacer con el una opción Copiar en Illustrator. Y sólo voy a escribir en delineado en el nombre del archivo también. Por lo que sigue siendo un archivo de Illustrator y guardar click. De acuerdo, y luego voy a ir a la función de abrir archivo y seleccionar el archivo de contorno Illustrator, donde ahora puedo sentirme a gusto sabiendo que todavía tengo la versión de texto editable original. Pero aquí puedo usar el comando o controlar un atajo de teclado para seleccionarlo todo y luego ir al menú Tipo y elegir Crear contornos. O puedes recordar el atajo Comando o Control Shift O. Entonces esto va a convertir todo en formas. El texto ya no es editable. Y si uso la vista de contorno, que es Comando o Control Y, puedo ver que todo se convierte en formas. Y si utilizo la herramienta de selección directa, incluso puedo seleccionar estos puntos de anclaje y empezar a moverlos. Pero voy a presionar Comando Y para volver a la vista normal y ver mis dos tableros de arte. Y ahora es el momento de guardar esto como PDF. Primero, sólo voy a guardar los cambios. Por lo que definitivamente es esbozar ahora como el nombre indica, y luego volver a Archivo, Guardar como, y luego cambiar el formato a PDF. Ahora ya que necesitaremos ambos lados de la tarjeta de visita, voy a mantener seleccionada la opción all. Pero lo más importante, en el nombre del archivo, quiero asegurarme de que se especifique que esta es la obra de arte y normalmente escribo esto con mayúsculas. Entonces realmente se destaca y de inmediato puedo ver cuál es rico o cuál es el propósito de este PDF? Entonces una vez que esté ahí, puedo hacer click en Guardar. Y luego aquí en lugar de la opción predeterminada del ilustrador, normalmente iría por el PDF X1 2001, que es un formato altamente compatible y la mayoría de las impresoras podrían trabajar con. Ahora, dado que se trata de una tarjeta de visita, normalmente querría incluir también marcas de recorte y ajustes de sangrado. No obstante, esto podría ser algo de lo que la impresora podrá encargarse. Solo tienes que decirles el tamaño de la hemorragia con la que trabajaste. Entonces en este caso en realidad no voy a incluir nada. Simplemente haga clic en Guardar PDF. Ahora solo para volver a comprobar que el color spot se guardó correctamente, siempre me gusta abrir el PDF de nuevo en Illustrator. Por lo que voy a seleccionar el archivo PDF de la obra , dar click en Abrir, y voy a elegir todo. Me gustaría ver los dos tableros de arte y hacer click, Ok. Y entonces podemos ver el mismo diseño exacto. Pero lo más importante dentro de las muestras, podemos ver que nuestro color spot fue efectivamente guardado en el PDF. 17. Preparación de obras de arte para técnicas de impresión especiales: Ahora saltando de nuevo a nuestro archivo de contorno de Illustrator, voy a crear el PDF para el gofrado. como acordamos, esto se aplicará los textos en el logo y solo tenga en cuenta cada vez que esté imprimiendo por ambos lados y utilizando una técnica como el estampado en relieve o el busing, también se mostrará en el otro lado de la tarjeta. Y es por eso que intencionalmente dejé este espacio vacío. Entonces no va a ser un tema para que aparezca aquí. No obstante, recuerda que el texto se va a revertir. Así que sólo para demostrarle esto, si selecciono la copia y la pego aquí del otro lado y la pongo en negro para que podamos verlo. En realidad se verá así. Entonces, aunque no se superponga, los textos de este lado de la tarjeta de visita aún no son ideales porque se lee como una palabra completamente diferente. Entonces en lugar de M inferior, se lee la médula. Ahora por esta realización en ésta es posible que desee reconsiderar y en lugar de usar el busing o el estampado, posible que desee usar otro tipo esposible que desee usar otro tipo de adorno que no va a interferir con el otro lado de la tarjeta. Entonces quizá en su lugar podamos usar estampación de papel de aluminio. Sólo voy a eliminar esto de aquí. Vuelve a la otra página. Y en realidad voy a seleccionar una vez más este texto y cambiarlo a negro. Eso es en realidad algo que siempre debes hacer porque los archivos que preparas para adornos solo deben tener detalles en blanco o negro en ellos, sin información de color en absoluto. Ahora, ya que no hay otros detalles que me gustaría utilizar para este tipo particular de efecto. Voy a eliminar todo lo demás. Entonces, por qué tener el texto seleccionado, puedo ir al menú Seleccionar y elegir inverso que seleccionará todo lo demás en ese tablero de arte y luego presionar Eliminar o Retroceso en el teclado. Puedo borrar todo en el otro lado de la tarjeta, aunque solo quiero usar el efecto en un lado de la tarjeta todavía se recomienda guardar ambos lados en tus PDFs exactamente de la misma manera que tú lo tenía en el archivo de la obra de arte. Eso de nuevo, para asegurarse de que estén perfectamente registrados y alineados unos con otros. Por lo que en este punto, siempre solo compruebo doble que mi texto esté esbozado en el que debería ser como ya lo hemos hecho antes. Y entonces voy a guardar esto como un PDF, una vez más, Archivo Guardar Como elegir Adobe PDF usando todos los tableros de arte y cambiar el nombre en este caso por sello foil, como acordamos, en lugar de usar gofrado, esta es la técnica que decidimos. Por lo que voy a hacer click en Guardar. Una vez más, estoy usando el PDF en un preset 2001 y realidad no tengo que hacer nada más, así que solo puedo presionar Guardar PDF. Entonces cuando abres este PDF en Acrobat, esto es todo lo que deberías estar viendo dentro de ese archivo. Y entonces ya que también queremos que use barniz UV spot en las decoraciones florales. Voy a, de nuevo empezar desde el archivo de esquema. Y aquí voy a usar la herramienta varita mágica para seleccionar estas ramas e ir a Seleccionar, elegir Inverso, eliminar todo. Luego usando Comando o Control a para volver a seleccionar las ramas y establecer ese color en negro. Por lo que ahora que tenemos esta configurada, podemos volver a ir al menú Archivo, Guardar Como como antes, elige PDF y en el nombre del archivo, y voy a asegurarme de que diga spot, UV, guardar todos los mesas de trabajo en este caso es muy importante porque tenemos los detalles a ambos lados de la tarjeta. Nuevamente, usando el mismo preset, solo podemos presionar Guardar PDF. Y así este es un lado y ahí está el otro lado. Entonces para resumir, estos son los tres PDFs que estarás proporcionando a tu impresora. La obra de arte con todos los colores, incluido el color de la mancha, el sello de lámina que muestra dónde te gustaría aplicarlo, y el UV dividido con los detalles en ambos lados de la tarjeta. Siempre vale la pena hacer doble comprobación con tu impresora, las especificaciones, y cómo te gustaría que se hiciera la tarjeta de visita. Pero en general, si sigues estos pasos con cuidado, no deberías tener ningún problema conseguir un producto final impresionante. 18. Encuadernación: Antes podemos terminar hablando la etapa post-compra del proceso de impresión. Quería pasar un poco más de tiempo hablando de binarios y de los métodos de unión. Para que como se puede ver en este tablero, hay bastantes formas diferentes de vincular páginas juntas. Pero antes de que podamos pasar por cada uno de ellos y las diferencias entre ellos, hay un término con el que debes estar familiarizado y esa es la firma. Ahora así es como se vería la firma de 16 páginas. Y podría recordar que hemos hablado múltiples ops en caso de imprimir el mismo diseño varias veces en una sola hoja para ahorrar costos. Lo mismo exacto sucede cuando estás imprimiendo revistas o libros, cualquier documento de varias páginas para ahorrar costos, nuevamente, tendríamos varias páginas dispuestas en la misma hoja. Y una configuración muy común sería este diseño de 16 páginas o firma donde la hoja se imprimiría en ambos lados. Entonces este sería el frente y eso sería el reverso si volteas la vaina alrededor. Y lo que sucede con estas firmas después de que salen de la prensa es que se doblan y recortan usando un diseño como este hace mucho más fácil tenerlas dispuestas ya en el orden correcto, listo para la vinculación. Esta ilustración muestra muy bien que dentro un libro tendrías múltiples firmas. Entonces cuando los miras más de cerca, así es como se veían, doblados. Y en este caso, al igual que en el ejemplo anterior, es el formato estándar de firma de 16 páginas. Y para que puedas imaginar fácilmente, aquí hay una marca de registro que muestra que el reverso de la página uno sería la página dos, cual obviamente tiene sentido porque eso es lo quieres ver cuando están girando las páginas. Y luego de nuevo, si te imaginas otra cruz aquí en la página tres, el reverso de eso se pagaría y así sucesivamente y así sucesivamente. Que dependiendo de la longitud del documento, usted será capaz de utilizar ciertos tipos de fijaciones. Entonces, por ejemplo, con la enseñanza sutiles costuras o grapado, puedes unir eficientemente cualquier cosa hasta 36 páginas. Y si excedes eso, podría ser más difícil mantener todas las páginas juntas. Entonces este método definitivamente tiene una limitación y eso está bien. Se usa para revistas de corto plazo , folletos o folletos. La costura en bucle es un método muy similar, pero en este caso, tendrías un detalle semicircular que sale de la columna vertebral. Y esto es útil en caso de que el documento deba colocarse en un aglutinante. Ahora también puedes usar encuadernación viral o espiral, pero los agujeros se perforan uniformemente a lo largo del costado de todas las páginas y luego la espiral continua o alambre mantendrá las páginas juntas. Aquí tienes un look de primer plano que muestra que las espirales pueden coincidir con el diseño de tu documento y pueden convertirse fácilmente en una característica. Y de manera similar a esto, si estás utilizando hilo cosido encuadernación, nuevo es algo que se expone y se ve desde el exterior, lo que puede resultar en este look más artesanal o artesanal. Ahora cuando se trata de documentos más largos como libros, lo más probable es que use uno de los siguientes métodos de enlace para mantener las páginas o firmas juntas. En primer lugar, usted tiene la encuadernación EVA, que significa acetato de etileno vinilo, que es el tipo de pegamento que se utiliza en este caso. En comparación con esto, el PUR, pegamento se mantiene más fuerte, lo que significa un reactivo polieuteriano. Y este tipo de encuadernación que normalmente nos referiríamos como yacía plana porque permite que los libros puedan extenderse por completo y colocarse en plano sobre un escritorio u otras superficies de lectura. Aquí podemos ver un ejemplo de encuadernación PUR y notar cómo la portada del libro o el caso en la columna vertebral no está pegada a las páginas para que puedan moverse por separado. Y eso es otra vez algo que ayuda a mantener el libro tirado plano. Pero en caso de que quieras saber más sobre portadas de libros y cómo diseñarlas. En realidad vamos a un video separado que estaremos cubriendo más adelante en este curso. Entonces lo que verías en la mayoría de los casos con los libros es que las firmas se mantienen juntas ya sea por encuadernación perfecta o cosidas juntas, y luego todo está encerrado en una cubierta dura o blanda. La cubierta generalmente se prepara completamente por separado ya que está hecha de un material diferente y dependiendo del aspecto y la sensación que buscas, las opciones de carcasa más comunes son el estuche redondo, donde verías esta forma redonda alrededor la columna vertebral y el caso plano o cuadrado, que una vez más es autoexplicativo. Ahora puede venir a través también de encuadernación de cinta, donde las hojas están unidas junto con una tira externa de cinta o tela. Ahora este tipo de encuadernación ya no es tan común porque el método de encuadernación perfecto es más duradero además del aspecto y la sensación de una unión que son otros factores que hay que considerar cuando elegir el adecuado para su proyecto, que incluye, como ya discutimos, durabilidad, costo, recuento de páginas y comportamiento de apertura. Por lo tanto, ten en cuenta todos estos y trate de planear el enlace correcto desde el principio. Porque como puedes ver, incluso el número de páginas se ve afectado por los métodos binarios y las firmas requeridas para tu proyecto. 19. Tamaño de papel: De igual forma a lo importante que es elegir el método de encuadernación correcto, también hay que entender cómo elegir el tipo de papel adecuado para sus proyectos. Suena como una pregunta tan elemental o básica y simple. Créeme, en realidad son bastantes cosas a tomar en consideración sin tratar de abrumarte. Sólo voy a concentrarme en los aspectos más importantes, como el tamaño, la forma y el peso del papel. Pero además de estos tres atributos principales, algunos de los otros incluyen suavidad, que puede ir desde lo real, que es el más difícil, hasta ultra suave. Y la técnica para aumentar la suavidad del papel se llama calandrado en caso de que te interese, la formación del papel es otro atributo que se refiere a la distribución de fibras dentro de la hoja. El tono es bastante obvio, Es el color de los papeles. E incluso entre los papeles blancos, verá una ligera diferencia si son tonos más cálidos o más fríos. La opacidad es otra obvia. Algunos papeles translúcidos y se puede ver a través de ellos mientras que otros son completamente opacos, no dejar pasar ninguna luz. Este es un atributo importante también a tener en cuenta cuando se está imprimiendo en ambos lados del papel. En cored out está la capacidad del papel para mantener la tinta en la superficie en lugar de dejar que se hunda en su material. brillo es el atributo que decide cuánta luz se refleja en el papel. Y no confundas esto con la sombra, que simplemente establece el color. Pero puedes tener, por ejemplo, un tono más oscuro que en realidad es más brillante que otro papel que tiene el mismo tono exacto. Por lo que una vez más, el brillo es la calidad reflectante de un papel. último pero no menos importante, es la consistencia de lado a lado es lo que decide cuán similares son las dos caras del papel entre sí. Y por lo general el papel más costoso y de mejor calidad tendría una mayor consistencia de sitio a sitio. Y en caso de que te preguntes hay incluso términos usados para las dos caras del papel. Ese es el comprador y el lado de fieltro. Y la vía es la que entra en contacto con el virus en la máquina de hacer papel. Ahora que hemos discutido estos otros atributos, concentrémonos en el tamaño del papel. Existen varios tipos de estándares ISO con los que debes estar familiarizado. Pero de todos estos, la serie a es probablemente la más utilizada. Y la forma en que funcionan todas estas ciencias estándar es que siempre tomas la más grande como punto de partida, que en caso de la una serie sería el tamaño de un 0. Y al dividir eso a la mitad, obtendrías el siguiente tamaño, que es A1. Una vez más, dividir eso a la mitad te daría un dos, que podemos ver aquí arriba. Dividiendo eso en la mitad, se obtiene un tres. Dividir eso en la mitad otra vez es un cuatro. Y luego así sucesivamente y así sucesivamente. Se puede ir todo el camino hasta un diez. No obstante, eso se usa muy raramente porque sería un tamaño de uno por 1.5 pulgadas o 26 por 37 milímetros. Lo bueno de estas normas ISO es que funcionan realmente bien en combinación también. Entonces, por ejemplo, y una impresión en serie encajaría perfectamente bien en un sobre de CSeries. Y podemos ver un ejemplo aquí. Así que ya sea tener una página A4 doblada una vez o una página A5 se puede colocar fácilmente en un sobre C5 porque es un poco más grande en tamaño. Cuando comparas las series a, b, y c entre sí. Una serie es en realidad la más pequeña. Entonces cSeries es la siguiente. Y extrañamente la serie B es la más grande. Otra cosa importante a tener en cuenta es que un papel de tamaño a es 0 es en realidad exactamente un metro cuadrado en área. Y debido a ese A4, que es probablemente el tamaño más comúnmente utilizado en la serie, es exactamente uno 16 de metros cuadrados en área. Ahora esto es lo que está más cerca de un papel de tamaño carta, que es un tamaño de papel común de nosotros. Y además de esto, los otros dos más utilizados en EU serían los legales y el tamaño del tabloide lo es. Ahora la principal diferencia entre las normas ISO y estos tamaños estadounidenses es por eso que las normas ISO están utilizando siempre la misma relación de aspecto exacta en caso de los tamaños estadounidenses, como se puede ver, la relación de aspecto cambia todo el tiempo. Entonces de alguna manera, puede ser un poco más complicado trabajar con esto, pero solo realmente depende de lo que estés acostumbrado y de lo que esté disponible donde estés basado. 20. Brillo del papel: Como probablemente sepas, el papel está hecho de fibras de madera que se empapan en agua para ablandarlas. A continuación, se rocía la pulpa resultante sobre una malla para eliminar la mayor parte del agua. Y luego hizo los rodillos se utilizan para secarlos y para alisar su superficie. Entonces, dependiendo del brillo del papel, los categorizaríamos entre papel recubierto y sin recubrimiento y sin recubrimiento, como su nombre ya lo indica, es el tipo que se mantiene en su estado crudo. Así que al igual que se seca y sale de la máquina de hacer papel, mientras es papel recubierto, se usa arcilla blanca para llenar los diminutos huecos o grietas en la superficie. Y luego dependiendo del efecto deseado, ya sea que desee obtener acabado mat, seda o brillo, se utilizarían diferentes tipos de rodillos de alta presión. Ya que con papel estucado se tiene esta etapa secundaria o adicional de usar los rodillos. Generalmente significa que el papel recubierto se vuelve más denso y delgado en comparación con el papel sin recubrimiento hecho del mismo peso de pulpa. En este ejemplo, se puede ver una gran comparación de las mismas muestras Pantone para papel recubierto sin recubrimiento. Y vale la pena recordar que la C en el código de nuestra muestra Pantone significa citado por la U, significa sin recubrimiento. Ahora las acciones cotizadas en general son mejores para sostener el detalle y hacer que las imágenes se sientan ligeramente más nítidas. Y eso se debe principalmente a la tinta sentada en la superficie del papel en lugar de que se hunde más profundamente. Por la ventaja de stock sin recubrimiento dice que son más fáciles de leer porque esa superficie está loca en comparación con la superficie brillante y reflectante de las existencias recubiertas. Por lo que en caso de textos que tengan publicaciones, especialmente libros, siempre es una mejor opción ir con papel sin estucar. Otra ventaja del papel estucado, sin embargo, que debes tener en cuenta es que suelen ser más resistentes. Por lo general hay una mejor opción para cosas como menús en restaurantes o mapas. Cuando compares los diferentes tipos de acabados y los pones uno al lado del otro así, podrás ver que cuanto más recubrimiento aplicado, más brillante se pone el papel. Por lo que en este caso, a partir de 0 por ciento de recubrimiento, ir hasta un 25 por ciento con Matt que el brillo sería de alrededor del 50 por ciento. brillo Uv sería el 100 por ciento o cantidad máxima de recubrimiento. Ahora aquí del lado izquierdo también se puede ver un par de ejemplos de que se introduce textura al papel, que no debe confundirse con la suavidad porque en realidad es un tipo de efecto que se suma a el papel con un método similar al gofrado. Y por supuesto, hay una gran variedad de efectos para elegir, dependiendo del tipo de experiencia táctil y visual que quieras lograr en tu producto. 21. Peso del papel: Otro aspecto muy importante de elegir el stock de papel adecuado para su proyecto es decidir sobre el peso del papel. ¿ Y por qué es eso? Bueno, principalmente porque puede impactar los costos de producción y distribución e incluso afectar el tipo de encuadernación con la que se puede trabajar. Ahora hay dos formas principales de medir el apapapeles. Y la mayoría de las veces estos ambos se mostrarían como en este caso, podemos ver primero los 80£, que es el estándar estadounidense o estadounidense para medir el peso del papel. Y además de eso, podemos ver el peso en gramos por metros cuadrados, que generalmente se usa en todas partes fuera de Estados Unidos. Aquí se puede ver una gran comparación de los diferentes tipos de peso de papel que se utilizan en los artículos de papel más comunes, comenzando con pañuelos o papel higiénico, yendo todo el camino hasta las tarjetas de visita más gruesas, la edad gramo o gramos por metro cuadrado de los proyectos de diseño gráfico más comunes caerían entre ciento veinte, doscientos diez. Entonces esto se usaría para folletos, volantes, carteles, revistas, etcétera y así sucesivamente. Ahora en caso de que te preguntes cómo se miden los dos tipos diferentes de unidades, el peso del papel en libras se determina midiendo 500 hojas de papel, a las que nos referimos como resma. El daño está determinado por el peso de un metro cuadrado de un tipo particular de papel. Y debido a estas dos formas diferentes de medir el peso, podemos ver que tenemos dos tipos diferentes de papeles. Entonces en este caso, el papel de dibujo en serie y este huevo, diverso papel acuarela que tiene el mismo peso en libras como se puede ver, £80, ambos, pero tendrán una imagen de cuadrícula diferente. Entonces, por qué el papel de dibujo es de sólo 130 gramos por metro cuadrado. Este papel de acuarela es en realidad un 170 gramos por metro cuadrado. Pero debido a que estas mediciones y unidades pueden ser confusas, puedes encontrar herramientas en línea brillantes como esta para las que el enlace está incluido en el tablero del ánodo metálico, que realmente te puede ayudar a estimar el peso final de un producto como un libro o revista, pero también aspectos adicionales de una carrera de impresión. Entonces, por ejemplo, si seleccionamos A4 como nuestro tamaño y configuramos la imagen a tal vez un 110, manteniendo la hoja en una, ya nos dice exactamente cuál será el tamaño. Al aumentar el número de hojas, podemos ver cómo va subiendo el peso total y luego más abajo podemos sumar peso adicional. Podría ser cualquier cosa, desde embellecimientos hasta encuadernación. Así que solo agreguemos algo ahí también. Entonces si hacemos clic en print run, eso significaría cuántas copias de esto estaremos produciendo menos. Apenas establecer eso hasta 3 mil por ejemplo. Y de inmediato obtenemos el peso total de todo este proyecto, que va a ser importante a la hora de almacenarlo y enviarlo. Y por ahora, probablemente puedas ver cuán compleja puede ser la decisión elegir el papel adecuado para tus proyectos. Pero no te preocupes, no tienes que convertirte en un experto de esto. Y porque siempre puedes confiar en las impresoras para ayudarte a elegir los materiales adecuados para tu imprenta. 22. Formatos de archivo de uso común: De igual manera para ser conscientes de las diferencias en los tipos de papel, también es importante destacar las diferencias entre los formatos de archivo que normalmente utilizaríamos en un proyecto de diseño de impresión. Ahora, podría ser un poco complicado categorizar los formatos de archivo, pero esencialmente estarían cayendo en tres grupos principales. En primer lugar son los archivos de trabajo o proyecto que le permiten volver atrás y hacer cambios en un diseño. Entonces para Photoshop, sería el documento PSD o Photoshop. Para Illustrator, será ai, y para InDesign, será en el IND, el formato de archivo o documento de InDesign. La siguiente categoría son los activos que utilizarías en un proyecto de diseño. Y estos serían predominantemente formatos de archivo de imagen, incluyendo tanto imágenes en píxeles o ráster como vectoriales. Pero eso puede ser también archivos de texto o archivos de Excel en caso de un catálogo, por ejemplo. Y por último pero no menos importante, la categoría final serían los archivos listos para imprimir. Y la mayoría de las veces estos serían archivos PDF o EPS. Ahora no voy a pasar demasiado tiempo comparando estos unos con otros porque solo puedes usar este gráfico del tablero del melanoma para eso. Entonces en cambio solo voy a resaltar algunas cosas o consejos importantes que debes tener en cuenta cuando se trata de formatos de archivo de imagen, hay que estar al tanto de compresión y de la pérdida en calidad. Eso es especialmente importante cuando se trabaja con imágenes JPEG. Y es algo que mejor puedes entender cuando estás usando la exportación como característica en Photoshop. Por lo que en este caso, podemos ver un detalle desde un diseño en el lado izquierdo y derecho. Y por el momento, estoy usando la misma configuración, pero solo voy a cambiar a JPEG para ambos. Y voy a cambiar la calidad. Entonces aquí en el tamaño correcto, voy a ponerlo a muy pobre. Si bien en el lado izquierdo me aseguraré de que se ajuste a la opción de más alta calidad, lo cual es genial. Si acerco aún más cerca, podrás ver los artefactos aún mejor. Así que estoy seguro de que puedes ver todos estos píxeles desordenados aquí en el lado derecho. Entonces eso se debe a la compresión JPEG, y esto es lo que llamaríamos artefactos de compresión. La ventaja de usar jpegs de menor calidad es que su tamaño de archivo será menor. Entonces si bien este de aquí en el lado izquierdo es de alrededor de 350 kilobytes, el de la derecha con el ajuste de menor calidad, solo alrededor de 50 kilobytes. Por lo que considerablemente más pequeños, la mayoría de los formatos de archivo de imagen, incluido JPEG, también admite la incrustación de perfiles de Y esto es algo que siempre debes asegurarte de incluir para un flujo de trabajo correctamente administrado por color. Y la gestión del color es en realidad nuestro próximo tema que estaremos cubriendo con más detalle. Ahora, además de JPEG, otro formato de archivo de imagen muy comúnmente utilizado sería P y G, que tiene la ventaja en comparación con JPEG de que también puede contener detalles de transparencia. Entonces esto es algo que puedes volver a desactivar o mantenerlo encendido aquí en la esquina superior derecha. Y la profundidad de bits de los archivos PNG por defecto es de 24 bits, pero siempre se puede reducir el tamaño del archivo si elige la versión de 8 bits. Png y profundidad de bit es una forma de medir la cantidad de colores que puedes usar en un formato de archivo. Entonces 8-bit, por ejemplo, significa dos en la potencia de ocho, que es de 256 colores, comparación con que el otro formato, de 24 bits, en realidad significaría ocho bits para cada uno de los canales de color, R, G, y B. Y eso también se aplica a las imágenes JPEG. Pero también hay otro formato de archivo, gif, que también puede incluir animación. Pero la principal limitación de este formato de archivo es que no puede ir más allá de ocho bits de profundidad. Por lo que la cantidad máxima de colores es de 256. Para ver mejor lo que eso significa, en lugar de usar el comando Exportar como, voy a elegir Exportar Guardar para Web, donde para el formato de archivo GIF, también obtenemos la tabla de colores. Y aquí podemos realmente reducir la cantidad de colores. Si bajo tal vez a cuatro colores en caso de este diseño, no marcaría mucha diferencia porque usa ya una paleta de colores muy limitada. Pero al usar menos colores en el archivo, por supuesto, tendrá un tamaño de archivo más pequeño. Y el tamaño del archivo en general no hace mucha diferencia en los proyectos impresos, es más importante para el diseño web y móvil. 23. Tipos de archivos adicionales y sus beneficios: Ahora en caso de que te estés preguntando dónde puedes encontrar el otro tipo de formatos de archivo. Los encontrará en Archivo, Guardar, Como en la mayoría de las aplicaciones de diseño. Y en la última versión de Photoshop, por ejemplo, solo te mostrará una lista muy limitada al principio. Y sólo se pueden ver los cinco formatos adicionales si opta por guardar una opción de copia. Entonces, una vez que hagas esto, verás una lista mucho más grande. Y aquí en realidad se pueden encontrar todos los formatos que normalmente sería capaz de guardar de las funciones Exportar como o Guardar para Web, pero acompañados de muchos formatos de archivo especializados adicionales, que la mayoría de las veces no necesitarás en tu trabajo. Otra forma común en la que podemos categorizar formatos de archivo de imagen es si son roster o basados en vectores. Entonces JPEG, PNG, GIF son todos basados en ráster, mientras que los formatos de archivo vectoriales más comunes serían EPS y SVG, de estos dos, EPS se usa principalmente en impresión, mientras que SVG es un archivo vector que está diseñado para ser utilizado en la web, y es una abreviatura de Gráficos vectoriales escalables. Ahora, hay otro formato de archivo importante que vale la pena mencionar. Y a pesar de que como diseñador gráfico, la mayor parte del tiempo no se te requerirá trabajar con esto, pero sigue siendo bueno estar al tanto. Y es el formato Camera Raw. Ahora esto es algo con lo que la mayoría de los fotógrafos estarán familiarizados. La fila de nombres proviene del hecho de que esta es la información no procesada que registra la cámara. Y esta simple comparación muestra muy bien cómo puede ser diferente o mejor que una imagen JPEG. Entonces si tienes tus cámaras configuradas para grabar jpegs, eso significa que la cámara comprimirá y procesará automáticamente la información y la convertirá en una imagen plana. En comparación con ese archivo de fila grabará y mantendrá todas estas capas de datos sin procesar le permitirá acceder a todas esas capas más adelante cuando esté desarrollando las imágenes. Y es por eso que un archivo Camera Raw, siempre será mucho más grande en tamaño en comparación con una clavija J, pero te va a dar mucha más libertad a la hora de editar imágenes. Y la mayor diferencia que notarás en el rango tonal, que es el rango entre los detalles más oscuros y ligeros de una imagen. Por lo que en caso de un archivo sin procesar, tendría un rango tonal mucho más amplio, permitiendo que se capturaran más detalles en las áreas más brillantes y también en las zonas más oscuras de la imagen. En caso de un archivo JPEG, estos más brillantes u oscuros como detalles serán completamente lavados o quemados, se volverán completamente correctos o completamente negros, lo que significa que no habrá cualquier información útil del color registrada. Entonces, cuando intentes hacer ajustes, vas a empezar a introducir mucho más ruido en tus imágenes en comparación con desarrollar una fotografía real. Y en caso de que te preguntes, la mejor manera de mostrar el rango tonal de una imagen es usando un histograma que enumera el número de píxeles en cada región tonal desde los negros más oscuros hasta los más brillantes blancos. Leer un histograma es en realidad muy fácil. Al mirar estos tres ejemplos en la parte inferior, se puede ver una imagen subexpuesta tendría la mayoría de los valores más cerca de la izquierda por una imagen sobreexpuesta tendría mayoría de los detalles en el histograma en el lado derecho. Y si ves un pico en el borde más derecho, eso significa que tendrás recorte en los detalles más brillantes, y lo mismo puede pasar con la oscuridad tiene detalles. Una vez más, si ves un pico ahí, tampoco es algo bueno. Y en general, el tipo de imágenes más fácil con el que trabajar y que más información aportarán son estas exposiciones neutras donde se tiene mayoría de los detalles en el rango de tonos medios. Y solo para que puedas ver y apreciar la diferencia que puedes lograr desarrollando una foto de fila. Aquí está la original, y aquí está la versión refinada y desarrollada. Y realmente se puede ver la cantidad de detalles que logramos recuperar tanto en las zonas más oscuras como en las más brillantes, una vez más, en antes. Y esto es después. En cuanto a manejo de incendios o cómo debe organizarlos para sus proyectos de diseño gráfico, puede encontrar más información en el proceso de tema de diseño. 24. Espacios de color de uso común: El objetivo final de la gestión del color es igualar los colores que puedes ver en tu pantalla con los colores del producto impreso final. En un flujo de trabajo ideal de gestión del color, tendría todos los dispositivos que participan en el proceso de diseño e impresión para hablar el mismo idioma, lo que resultará en predecibles y resultados precisos del color. Uno de los componentes más importantes de un flujo de trabajo administrado por color es el uso de perfiles de color ICC. Como podemos ver, todo comienza con el diseñador teniendo un perfil de color creado para el monitor que están utilizando. Posteriormente hablaremos también de la calibración del monitor porque eso también es importante. Pero entonces para el resto del proceso, siempre va a haber un perfil de color adjunto a los archivos de los diseñadores. Por lo que no importa dónde aparezcan, la información original del color debe llevarse a lo largo, evitando cualquier transiciones no deseadas y cambios en los colores en el perfil de color es esencialmente la descripción de la espacio de color, gama y comportamiento de un dispositivo calibrado. Las impresoras tendrán ambos. Son prensas offset y digitales calibradas. Y podrán suministrarle al diseñador gráfico ese perfil de color ICC. Icc en realidad significa International Color Consortium, fue establecida en 1993 y es la arquitectura multiplataforma aceptada internacionalmente y el sistema para la gestión del color. En el tema de color, ya hablamos de las diferencias entre modos de color RGB y CMYK y mencionamos que la principal diferencia entre los dos es cómo se combinan los colores. Entonces mientras que en CMYK que utilizamos para imprimir, estamos trabajando en un modelo de color sustractivo, lo que significa que el negro es el color más intensivo en caso de RGB o en pantalla, si estamos utilizando el modelo aditivo donde blanco es el color más intenso. Si bien con CMYK, cuando estás combinando colores, se están oscureciendo. Es lo contrario con RGB. A medida que estás combinando los colores, se están volviendo más brillantes. Pero la razón principal por la que verás un cambio en los colores de RGB a CMYK no es porque describen los colores de una manera diferente, es porque tienen una gama de colores diferente. Entonces cada espacio de color, y en este caso podemos ver cuatro de ellos aquí en la parte superior derecha tendrán su propia gama de colores, que es esencialmente el subconjunto de colores que pueden ser representados por ese espacio de color . Como se puede ver, sRGB representado con el triángulo verde, tiene el área más pequeña cubierta, lo que significa que ofrece la gama de colores más pequeña en comparación con el espacio de color CMYK estándar es ligeramente más grande, y es este polígono que podemos ver aquí con un contorno rosa. Entonces a pesar de que estas dos gamut de colores se superponen, todavía hay bastante diferencia entre ellos, sobre todo a medida que te estás metiendo en estos colores más vívidos y saturados. Estos no se pueden traducir correctamente a CMYK, pero el espacio de color sRGB está realmente más diseñado para Vab de Adobe. Rgb, que es una gama de colores mucho más amplia, es el estándar que usaríamos para el diseño de impresión. Ahora lo puedes ver aquí en el diagrama que es un triángulo mucho más grande que el SRGB, lo que significa que cubre mucho más colores. Y la gama de colores más grande en este gráfico es la pro photo RGB, que se utiliza principalmente en flujos de trabajo de fotografía profesional. Es posible que hayas notado que cuando estás usando el selector de color en Photoshop, a veces cuando seleccionas un color, obtienes una advertencia aquí a la derecha. Ahora esto realmente significa fuera de gama para la impresión. Por lo que podemos ver que el color que seleccioné se describe de muchas maneras diferentes, incluyendo RGB y CMYK y también LAB que discutiremos en breve. Pero para ver el color más cercano a esto que en realidad se puede imprimir con los cuatro colores CMYK, solo podemos hacer click en esta pequeña advertencia y el selector de color salta inmediatamente a el color real que se describió con los valores CMYK. Por lo que una vez más, si hago clic en algún lugar aquí arriba, podemos ver que estos son los valores para el 301000. Y si hago clic en el icono de advertencia, pesar de que la muestra de color cambió bastante, los valores CMYK no cambiaron. Y eso se debe a que esencialmente todos estos colores muy vibrantes no pueden representarse con tinta. Y eso por supuesto, no sólo se aplica a los tonos verdes, tendrías el mismo tema con la mayor parte del otro uso. Por ejemplo, si subo en algún lugar, digamos aquí, de nuevo, moviéndose a la esquina superior derecha donde tenemos los colores más intensos, puedo dar click en la advertencia. Y una vez más, tendremos un cambio enorme que muestra el color más cercano posible que se puede lograr en la impresión. Una vez más, de aquí, todo el camino allá abajo. Desafortunadamente, no hay ninguna fórmula mágica o característica que te salvará de lidiar con esta diferencia entre RGB y CMYK. Pero al seguir un flujo de trabajo de Color Manage, puedes estar mejor equipado y trabajar y ver los colores correctos lo largo de todo el proceso que a lo largo de todo el proceso que eventualmente será posible imprimir. 25. Espacio de color LAB y sincronización de la configuración de color: Ya mencionamos que los perfiles ICC son importantes para esto, pero también tenemos que tener calibración y pruebas de color, que voy a cubrir en el siguiente video. Pero antes de que hagamos eso, sólo una cosa final que quería mencionar, y esa es el LAB color mood o Lab Color Mode, del que tal vez hayas oído hablar. O tal vez solo preguntándose cómo eso es diferente de RGB y CMYK. Entonces la ventaja de este modo de color es que es completamente independiente del dispositivo y es la representación más cercana de la visión humana. Para entender mejor cómo funciona, lo mejor es imaginar este modelo de color como una esfera. Por lo que es una representación tridimensional de todos los colores que se pueden describir. Donde L significa luminosidad o ligereza, que se mide en una escala de 0 a una 100, que es del negro al blanco. Y esto se puede imaginar como el eje vertical o eje z en este sistema de coordenadas de color. Mientras que los otros dos ejes son a y b, en los que a va del verde al rojo. rojo es el valor positivo, y el verde siendo el negativo. Y el eje b va de azul a amarillo, nuevamente, siendo el azul el negativo y el amarillo siendo el valor positivo. Ahora, volviendo a Photoshop, tengo una de mis fotografías abierta y se puede ver dentro del panel de canales, cuando miramos RGB, modo de color va a consistir en estos tres canales de color, rojo, verde y azul. Y cada una de estas son imágenes a escala gris de ocho bits con 256 variaciones de valores tonales referentes a la intensidad de cada uno de estos colores individuales. En el caso del canal azul, la razón por la que vemos que la flor está completamente negra porque no hay ningún componente azul en ella en absoluto. En cambio, está hecho de verde y rojo, dando como resultado este color amarillo. Al final, si te concentras en la hierba, puedes ver que es más brillante en el canal verde, la bilis. Es mucho más oscuro en el canal rojo y azul. Ahora veamos qué pasa si cambio al modo de color LAB. En primer lugar, solo vuelvo al canal RGB compuesto y luego cambiando a la opción de color LAB desde el Modo Imagen, verás que no hay nada realmente cambie en la imagen. Simplemente puedo deshacer este cambio, ir y venir. Y como se puede ver, a pesar los canales están cambiando a la derecha, nada va a verse afectado en la imagen misma. Pero cuando miramos estos canales, podemos ver que tenemos el canal l o ligereza y luego los canales a y los B. Se podría recordar que el canal B era en realidad la diferencia entre los colores azul y amarillo. Y por eso estamos viendo detalles más brillantes aquí para este canal, por todas las flores amarillas en la imagen. El principal motivo por el que mencioné el modo de color de laboratorio porque hay muchos profesionales que trabajarían en esto en lugar de usar RGB. Y aunque definitivamente vale pena explorarlo y ser consciente de sus ventajas utilizando el modo de color RGB en su lugar, siempre y cuando prestes atención a la gestión del color, aún se puede trabajar en RGB, sobre todo cuando se trata de editar imágenes. Ahora a pesar de que estás usando imágenes RGB en Photoshop, Illustrator e InDesign al final, cuando estás creando PDFs, la mayoría de estas aplicaciones convertirían automáticamente estos colores a CMYK para imprenta. Antes de discutir el resto de los componentes de color gestionar el flujo de trabajo, solo quería mostrarte una cosa más importante única para configurar en las aplicaciones de Adobe. Y eso es algo que puedes encontrar en la opción Ajustes de color. Esto es algo que puedes encontrar en el menú Editar en mayoría de las aplicaciones de Adobe Design. Y en este caso, estamos en Photoshop. Y se puede ver que mi configuración para las políticas de gestión del color es preservar los perfiles de color incrustados para todos los modelos de color. Esta es definitivamente una buena política de usar. Y una cosa que tengo diferente de la configuración predeterminada es que uso Adobe RGB en lugar de sRGB para el espacio de trabajo RGB. Pero ten en cuenta que aquí hay una pequeña advertencia diciendo que mis aplicaciones de Creative Cloud no están sincronizadas entre sí. Entonces esto es en realidad algo que puedes hacer desde otra aplicación, Adobe Bridge, que puedes acceder rápidamente desde mayoría de las aplicaciones de Adobe, solo tienes que ir al menú Archivo y elige navegar en puente. Y luego una vez que se abra la aplicación, simplemente vaya al menú Editar de nuevo y elija Configuración de color. Y aquí podrás encontrar todos los ajustes utilizados por las otras aplicaciones de Adobe. Y fíjate que hay uno aquí en la parte superior llamado Custom. Ahora eso es porque no guardé mi configuración de Photoshop. Así que sólo dice disfraz aquí en la parte superior. Pero en cuanto haga clic en Guardar, sólo voy a llamarlo Martin, y luego guardarlo. Podría agregar algunos comentarios al respecto también, pero haga clic en OK. Y bien otra vez, ahora desplázate hacia abajo, podré ver la configuración. Y si hago clic en aplicar, ahora se va a sincronizar entre todas las aplicaciones de Adobe. Entonces por ejemplo, si vengo a Illustrator y verifico la opción de ajustes de color, podré ver exactamente los mismos ajustes aplicados gracias a esa sincronización que logramos usando Bridge. 26. Calibración y pruebas: Además de tener la configuración de color adecuada en las aplicaciones de Adobe y obviamente usar perfiles ICC a lo largo de tu flujo de trabajo para obtener colores precisos que coincidan de pantalla a impresión, también tienes que lidiar con calibración y pruebas. Como diseñador gráfico, más importante es tener calibrado tu monitor o monitor. Esto se puede lograr con el dispositivo calorímetro, como la araña de color de datos X Pro, que vendría con su propio software de calibración que estaría utilizando para calibrar sus pantallas. El proceso de calibración cuando lo haces primero toma hasta alrededor de diez a 15 minutos. Y luego habíamos la mayoría de estos dispositivos, se aconseja repetir el procedimiento y actualizar tu perfil de color una o dos veces al año. Definitivamente se recomienda volver a calibrar sus pantallas cada vez que las mueva a una nueva ubicación, o en caso de que la condición de iluminación o la configuración de iluminación cambien radicalmente en su entorno de trabajo. No importa si tienes un monitor profesional caro o uno más barato. Aún debes tenerlo calibrado porque siempre va a haber diferencias entre en monitores calibrados. Y estas diferencias suelen descender a los componentes utilizados en los monitores, incluyendo el filtro de color de retroiluminación, la capa LLC, el tipo de deslumbramiento y el polarizador, pero también la variación de producción en masa contribuye a estos turnos. Entonces las diferencias en los colores. Por lo que incluso entre dos monitores que son exactamente el mismo modelo usando la misma configuración, es posible que vea una cantidad justa de diferencia en cómo representan los colores a menos que estén calibrados. Obviamente, además de los dispositivos que utilizamos para calibrar monitores, también hay otra calibración, todos los dispositivos como esta captura de tono de lápiz, que pueden escanear con precisión y coincidir con cualquier color de cualquier superficie, tela o material. Lo bueno de ello es que te dará el color Pantone equivalente o el más cercano al color que escaneaste. Ahora cuando lleguemos al punto donde podemos empezar a comparar lo que hemos visto en pantalla y lo que termina en impresión, llegaríamos a la etapa de pruebas del proceso de prensa PRE. Y las pruebas se pueden hacer ya sea con pruebas blandas o duras. La prueba suave significa esencialmente que estás simulando en los colores de las impresoras en la pantalla de tu computadora. Entonces por ejemplo, en Photoshop, podemos ir al menú Ver y elegir Colores de prueba o presionar Comando o Control Y en el teclado. Y en este caso, por defecto, la configuración de prueba está configurada para mostrar o simular los colores CMYK de trabajo. Y también lo puedes ver en la pestaña del documento que pesar de que estamos en modo de color RGB, actualmente estamos simulando colores CMYK. Entonces este es un tipo de pruebas suaves y puedo usar el atajo solo para cambiar de ida y vuelta y ver ese cambio sutil en los colores. Entonces CMYK, como ya discutimos esto antes, los colores serán un poco más lavados. Entonces eso es RGB. Ese es el suave probado CMYK. Pero en caso de que tu impresora te proporcione un perfil ICC específico que utilizan para imprimir, deberías poder instalarlo en tu computadora. Y luego desde la configuración de prueba personalizada, podrás encontrar ese perfil ICC de la lista de ellos aquí. Y así, por ejemplo, tengo uno que sólo voy a mostrarte rápidamente. Si selecciono esto, también puedo decidir simular el color del papel. Y de esta manera, podré volver a comparar con los colores RGB originales y volver a la prueba suave. Ahora cuando en realidad se trata de imprimir algo que verías y comparar con lo que has visto en la pantalla. Llamaríamos a esto una prueba dura. Y en caso de que sea algo que ordenaste a las impresoras y te lo mandan. Se consideraría una prueba de prensa o un strike off o prueba de prueba, pero esto puede ser costoso porque ya requiere que se fabriquen las placas y también el uso de tinta innecesaria y que se especificó para el proyecto. Habiendo dicho eso, oprimir prueba es la estimación más cercana de lo que obtendrías en el producto final. Pero la mayoría de las impresoras también podrán proporcionarte una opción más barata, a la que normalmente nos referiríamos como la prueba PDF, que también es un tipo de prueba blanda o prueba digital que puedes consultar en su propio ordenador. Y entornos de impresión profesionales. Por lo general, las cajas de luz se utilizan para comprobar las pruebas del corazón, pero se recomienda incluso para diseñadores gráficos, para mejorar las condiciones de iluminación en su entorno de trabajo, si está trabajando en un estudio o trabajar en casa, y tanto para comprobar una prueba dura o prueba suave en su computadora. Lo que definitivamente quieres evitar es luz solar directa en tu pantalla e idealmente tener paredes de color gris neutro oscuro y sin muebles blancos o de colores, sobre todo no tener nada alrededor usted con materiales reflectantes. Ahora en caso de que seas un diseñador freelance trabajando desde casa. No te preocupes si no puedes lograr todo esto al principio. Pero tanto tener un dispositivo de calibración buenas condiciones de visualización pueden mejorar y hacer que su trabajo sea más profesional. 27. Sobreimpresión: En la etapa final de tus proyectos de diseño, cuando estás preparando las cosas para imprimir, hay algunas cosas que tener en cuenta que pueden causar problemas en el producto impreso final. La mayoría de estos términos que cubriremos en este video y el próximo con el que debes estar familiarizado como diseñador. No obstante, afortunadamente, la mayoría de estas cosas son en realidad la tarea de impresoras para comprobar y arreglar o recomendar formas de arreglarlo. Y también la mayoría de las aplicaciones de Adobe Design proporcionarían automáticamente soluciones para estos temas por defecto. Entonces no quiero que te estreses demasiado sobre estas cosas, pero al saber qué significan estos términos, estarás mucho más seguro discutiendo cualquier problema potencial con tus impresoras. Entonces uno de los primeros términos con los que debes estar familiarizado es la sobreimpresión, que se refiere a dos tintas que se imprimen una encima de la otra y generalmente la tinta en la parte superior es transparente. Entonces en este ejemplo, si te concentras en la parte superior o fuera de los detalles de esta estrella de mar, en realidad es exactamente el mismo color. Pero cuando no hay uso de sobreimpresión, las tintas no se mezclan. Y esto es a lo que nos referiríamos como nocaut, que es lo contrario a la sobreimpresión. Si bien aquí del lado derecho donde se habilita la sobreimpresión, podemos ver que las tintas ya se están mezclando entre sí. Es casi como usar el modo de mezcla Multiplicar entre capas en Photoshop. Recuerda en la impresión, cuando estás mezclando tintas juntas, siempre van a resultar en colores más oscuros. Esta comparación lo muestra muy bien. Si tienes un carácter amarillo que estás planeando imprimir sobre un fondo azul. En caso de sobreimpresión, esto es lo que va a pasar. Por lo que el color amarillo se mezclará con el fondo azul. Si bien en caso de nocaut, no comenzarías a inundar el papel con color azul en cambio mantendría vacía la posición del personaje. Y sólo una vez que se imprima el color azul, ese espacio vacío o GAAP se llenaría con la otra tinta, en este caso amarilla. Esto por supuesto, resultaría en el color exacto que originalmente planeabas usar y no una mezcla o una mezcla de las dos tintas. Pero, ¿significa esto que siempre debemos usar la técnica knockout en lugar de sobreimprimir? Bueno, no necesariamente si las placas están todas perfectamente alineadas y están en registro, no deberías tener ningún problema con el uso de la técnica knockout. No obstante, incluso con un ligero registro de faltas entre las placas podría provocar que aparezcan brechas blancas no deseadas en caso de que estés utilizando la técnica de knockout. Ahora, una solución para arreglar estos huecos blancos sin usar la sobreimpresión sería atrapar, lo que voy a explicar con más detalle más adelante. Pero por ahora, sólo me gustaría que se concentrara en la primera columna y en la última. Entonces cuando se está utilizando knockout, podemos ver cómo estas dos placas, el cian y el magenta, se combinarían con un registro perfecto. Y como mencioné antes, cuando te hayas faltado registro, por con sobreimpresión, tomarías una de las tintas y la tendrías que inundar completamente la zona y luego imprimir el detalle con el otro tinta encima de eso. De esta manera no importa si tienes un registro bueno o malo. El resultado nunca mostrará esos huecos blancos. Pero por supuesto, los colores de las dos tinta se mezclarán. Y eso es sólo algo de lo que hay que tener en cuenta. Y esto es en realidad algo que puedes simular en la mayoría de las aplicaciones de Adobe. Entonces aquí estamos en InDesign, y tengo en primer lugar, este texto amarillo en el círculo magenta en el menú Ventana en la salida, podrás encontrar este panel llamado atributos, que tú será necesario para aplicar la sobreimpresión en objetos seleccionados. Entonces en este caso tengo el texto seleccionado y cuando elijo relleno de sobreimpresión, al principio no verás ninguna diferencia. Pero una vez que entras en el menú Ver, puedes elegir sobreimpresión, vista previa, e inmediatamente verá las dos tintas mezclando. Entonces esto es cuando estás forzando al diseño a no usar la técnica knockout, que sería el comportamiento predeterminado en la mayoría de las aplicaciones de Adobe. 28. Técnica de reventado: Recuerda, habíamos mencionado el atrapamiento como una forma de evitar la sobreimpresión, pero también evitando problemas cuando hay un ligero registro de faltas entre las placas. Y lo que significa atrapar en pocas palabras es que estás agregando una ligera superposición entre los dos colores adyacentes, que sería tan pequeño que sería casi imposible ver en la impresión final, pero bastaría con compensar cualquier registro de faltas y garantizará no ver vacíos blancos. Entonces mientras aquí del lado izquierdo, vemos el hueco blanco sin el atrapamiento, con atrapamiento aplicado, no tendremos ese tema. Aquí hay otro ejemplo de nuevo, cuando no estamos usando el trampado y del lado derecho podemos ver qué pasa cuando hay mal registro. Y lo mismo abajo. Podemos ver que hay ese ligero solapamiento entre los dos colores, lo que asegurará que incluso con mal registro, no vamos a ver ningún hueco blanco en la impresión. Y en caso de que no me creas, aquí hay un ejemplo real de una impresión donde por falta registro y la falta de atrapamiento, podemos empezar a ver esos huecos blancos alrededor de la imagen, incluso aquí en el lado derecho, e incluso alrededor de la hoja, y más arriba aquí a la derecha también. Entonces de vuelta en InDesign, déjame mostrarte cómo puedes aplicar el trapping manualmente. Es una técnica rápida y sencilla y te voy a mostrar con texto y esta forma también. Entonces para que esta técnica funcione, antes que nada, debes asegurarte de que tu texto esté delineado, lo cual puedes hacer desde la opción Menú Tipo Crear contornos. Y luego en general, lo que quieres hacer es agregar el mismo color un trazo que estás usando para el campo. En este caso, voy a seleccionar amarillo y ponerlo 0.3 milímetros o 0.85 puntos. Déjame hacer lo mismo por la forma. Una vez más, selecciono el mismo color para el trazo y pongo el tamaño en 0.3 milímetros. A continuación, voy a elegir la opción Sobreimpresión Trazo tanto para la forma como para el texto. Y cuando se seleccionen estas dos opciones y la vista previa de sobreimpresión esté activada, podrás ver el resultado real de la impresión donde esa ligera superposición será completamente invisible ya que nuestro telón de fondo es completamente negro. La tinta negra, de alguna manera, neutraliza los detalles superpuestos. Pero en caso de que cambie el color a algo diferente como el azul oscuro, podremos acercar más y ver la superposición y la mezcla de las tintas simuladas en esta vista previa especial de sobreimpresión. Una cosa a tener en cuenta es que siempre debes usar el trapping cada vez que estés combinando un color puntual Pantone, colores CMYK. El motivo de eso, por supuesto, es porque yo color Pantone también se imprimiría siempre como una placa separada, lo que introduce otro factor de riesgo en ese leve registro de faltas que hemos visto antes. último pero no menos importante, cuando se trata de superponer cosas una encima del otro, vale la pena mencionar a través de las cosas. ¿ Qué es un grupo nocaut y qué está haciendo el adulador de transparencia? Entonces primero, un grupo knockout es algo que puedes usar en la mayoría de las aplicaciones de Adobe. Y es una forma diferente de manejar la transparencia en comparación con el comportamiento predeterminado. Por lo que tengo tres círculos, tanto aquí en el lado izquierdo como en el lado derecho. Y cada uno de ellos está usando 50% de opacidad. Ahora podemos ver como estos círculos se superponen entre sí, están aumentando en opacidad. Entonces el color se está volviendo más opaco. En caso de que quiera asegurarme que estas formas en realidad estén mostrando consistentemente 50 por ciento de opacidad y no se estén mezclando entre sí. En ese caso, deben agruparse, lo que se puede hacer pulsando Comando o Control G en el teclado, y luego haciendo clic en la opción Opacidad aquí en la parte superior, se puede selecciona esta característica llamada Grupo Knockout. Entonces una vez que selecciono eso y haga clic de distancia, ahora podemos ver que las tres formas están mostrando una opacidad uniforme del 50%. Esta es una técnica con la que puedes alterar la forma en que se comporta la transparencia cuando estás combinando múltiples objetos transparentes. Pero también hay otra cosa que debes asegurarte siempre cada vez que estés usando objetos transparentes en tu diseño es que cuando estás guardando tu PDF final, necesitas asegurar que el calidad de estos detalles transparentes van a ser suficientemente alta resolución. Entonces déjame mostrarte cómo hacer esto yendo al menú Archivo en Illustrator, podemos elegir Guardar como y luego seleccionar la opción PDF. Una vez que presioné Guardar en la configuración, primero debes asegurarte de seleccionar el PDF X1, un preset de 2001, que volverá a establecer la compatibilidad a Acrobat para. Y esto significa que bajo los ajustes avanzados podrás elegir la calidad de la opción de aplanador de transparencia. Entonces por defecto se establece una resolución demasiado alta, pero siempre se puede entrar en personalizar esto y elegir la configuración que prefiera o lo que la impresora esté sugiriendo. Entonces esencialmente, de lo que se trata el aplanamiento de transparencia es que todos los detalles transparentes están rasterizados. Ahora en caso de que tu impresora pueda soportar algo por encima de los cinco estándares de Acrobat, eso significa que no tienes que preocuparte por aplanamiento de la transparencia porque todas estas versiones más nuevas de Acrobat lo harán ser capaz preservar detalles transparentes incluso en objetos vectoriales. Por lo que no se necesita rasterización. 29. Color del texto: Un malentendido general entre los diseñadores gráficos es que puedes usar cualquier color que desees para tu texto. No obstante, esto es casi cierto. Hay un par de cosas importantes a las que debes prestar atención. En primer lugar, hay que recordar que todo lo que va a imprimir se recreará mediante el uso de las tintas CMYK. Y en la impresión tradicional, cada una de estas se configurará una placas separadas que generarán todos individualmente la cantidad necesaria de puntos pequeños. Ahora, por ejemplo, aquí, podemos ver que hubo una ligera desalineación entre estas placas. Y por eso podemos ver los puntos desplazados ligeramente, pero es una gran manera de entender cómo se imprimen las cuatro placas una encima de la otra. Y la razón por la que esto es importante es porque te puedes imaginar si no estás usando una de las placas al 100%, tus textos pueden terminar fácilmente siendo borrosas o borrosas, especialmente en textos más pequeños como copia del cuerpo. Entonces, cuando elijas color para tu impuesto, no importa si se trata de título, título o copia corporal, asegúrate de que al menos uno de los valores CMYK esté establecido en 100 por ciento. Y en la mayoría de los casos ese sería el valor K, que significa negro o el color clave. Y podemos ver lo bien que resultó en la impresión. Por otro lado, si no estás usando al menos una de las placas en un 100%, entonces terminarás produciendo esta impresión impositiva difusa o borrosa, aunque no haya desalineación entre las placas. Entonces estamos aquí en Illustrator y tengo mi paleta de colores a la derecha. Y para estos textos, por ejemplo, me gustaría usar un color como este. O tal vez podamos usar el cuentagotas y recoger uno de estos otros colores. Ahora se puede ver que estos valores son necesarios para recrear ese color en impresión. Pero como ninguno de estos está en un 100%, estás arriesgando, de nuevo creando un impuesto difuso en impresión. Pero por supuesto, si el texto seleccionado es un título grande, por lo que es lo suficientemente grande, será menos probable que cause problemas. Y similar a esto, hay otra cosa que muchos diseñadores se equivocan. Y empiezan a usar negro rico en copia corporal. Eso es otra vez algo que querrías evitar porque como en el ejemplo anterior o en éste, se puede ver si tienes varias placas imprimiendo el mismo texto, sobre todo en textos pequeños, incluso la más mínima desalineación entre las placas resultará en esa fuzziness que mencioné anteriormente. Así que no me malinterpretes. Usar el negro rico es una gran cosa para crear realmente el negro intenso completo en impresión, pero no es algo que usaría en mi copia corporal. acaso no estás familiarizado con el negro rico. Déjame mostrarte la diferencia aquí en Illustrator, tenemos este objeto y todos los demás objetos aquí usando solo negro normal, o a veces referido al verdadero negro, que simplemente se compone de Tinta 100% negra y nada de los otros tres colores. Si bien llegar atrás puede ser algo como esto, donde se introduce tinta adicional encima del negro. Entonces aquí tenemos 40 por ciento cian, magenta y amarillo junto con el 100% negro. Y se podría pensar que esta forma y los otros detalles aquí se ven iguales. Te sorprenderá cuando los mueva uno encima del otro que realmente puedas decir la diferencia entre ellos. Ahora esto es por defecto no algo que verás en Illustrator, pero hay una opción llamada apariencia de negro, que una vez que dijiste que se mostrara con precisión. Entonces en lugar de mostrar o negro dice rico negro, tienes los todos los negros con precisión encendidos. Podrás ver estos incluso en pantalla. Entonces uno solo en realidad hace una diferencia en la impresión. Existen varias variaciones diferentes sobre el negro rico, por lo que puedes hacerlo un poco más cálido o más fresco, dependiendo de cómo balancees el cian, magenta y amarillo junto con el negro. Pero también hay una cosa importante que no debes olvidar no ir más del 300 por ciento con la cobertura total de tinta. Porque si excedes esa cobertura máxima de tinta, esa es una posibilidad de que no toda esa tinta sea absorbida adecuadamente por el papel. Por lo que terminarás teniendo, de nuevo, detalles borrosas o incluso manchas. Esta es en realidad una característica que puedes encontrar en InDesign. Si vas al menú Ventana en la vista previa de separaciones de salida, puedes optar por ver el límite de tinta, pero puedes ver que por defecto está establecido en 300 por ciento. Pero dependiendo del tipo de papel que utilice, por ejemplo, papel revestido, en realidad debería bajar al 280 por ciento. Cualquier área resaltada en rojo en el diseño puede potencialmente causar problemas. Además, no olvides que puedes probar tus diseños para el daltonismo, tanto en Photoshop como en Illustrator entrando en el menú Ver y en Configuración de prueba, elige qué tipo de daltonismo tú quieren simular. Voy a usar protones OPIA en este caso. Y luego simplemente usando el atajo de teclado Comando o Control Y, puedo cambiar entre la vista simulada de daltonismo y la vista normal. Entonces aquí podemos ver que esta combinación verde y magenta definitivamente no va a funcionar bien. Entonces la gente con ese tipo particular de daltonismo podría ni siquiera ver la palabra bootcamp apareciendo aquí. Así que mientras estoy en esta configuración de colores prueba, puedo saltar aquí y tal vez mover esto un poco y encontrar más contraste que saltar atrás. Puedo ver los colores reales. Si se ve bien en ambos puntos de vista, entonces lo más probable es que funcione en la otra opción de daltonismo también. Y mientras haya suficiente contraste, de nuevo, están en el texto y elementos importantes. Entonces puedes seguir trabajando con esa paleta de colores seleccionada. 30. Preflight: El objetivo final para un diseñador gráfico que trabaje en un proyecto es conseguir los diseños listos para imprimir. Este es un término que usamos para esos archivos PDF que guardamos al final de un proyecto y que está listo para imprimir y no necesita correcciones ni ajustes. Entonces tu trabajo como diseñador gráfico es suministrar el mejor archivo posible a la impresora. Y en este video, te voy a caminar a través los problemas más comunes que podrías necesitar solucionar en esta etapa tan final justo antes de enviar tu archivo fuera a las impresoras. Entonces para entender los temas más comunes que surgen en esta etapa, podemos echar un vistazo a estas estadísticas donde podemos ver que los cinco temas principales son cosas que ya platicamos sobre en este curso. En primer lugar es que las fuentes no estaban incrustadas en el PDF. Ahora, esto podría solucionarse fácilmente esbozando cualquier texto en tus diseños o en caso de que quieras mantener el texto editable en el PDF, tienes que asegurarte de que todas las fuentes estén incrustadas. Y esto es algo que puedes hacer con mayoría de los presets de Adobe PDF, incluyendo el estándar ISO PDF X1 a 2001, donde bajo la pestaña avanzada, podrás encontrar la sección de fuentes. Y por defecto, se establece en un 100%, lo que significa que todas las fuentes estarán completamente incrustadas. Y en general, no querrías cambiar esta configuración, pero siempre vale la pena doble comprobación de la impresora de video, ya sea que prefieran si estás aplicando el impuesto, o si simplemente te aseguras de que todos los las fuentes están incrustadas en el PDF. El siguiente número con el que la mayoría de las impresoras tienen problemas es que hay imágenes de baja resolución en el PDF final. Y esto es algo que puedes filtrar fácilmente en InDesign mediante el uso de la función de verificación previa. El menú preferido es algo que puedes encontrar aquí en la parte inferior. Y en este caso con este documento, tengo 22 errores. Entonces si hago doble clic en esto, abriré el panel y dentro de eso, puedo ver exactamente dónde están estos temas en el documento. Por lo que todas son anulaciones de estilo, lo que significa que he cambiado parte del formato en el texto donde originalmente estaban usando un estilo específico. Esto puede significar inconsistencias en el documento, lo que por eso se puede incluir en la configuración de verificación previa. No obstante, si cambio al perfil básico de pre-vuelo, el documento no mostrará errores. El perfil básico esencialmente como bueno para encontrar cualquier imagen faltante, faltan fuentes, pero no busca imágenes de baja resolución, por ejemplo. Entonces si volvemos a este otro documento que solo tiene este único spread, veamos cómo podemos comprobar si todas las imágenes son lo suficientemente alta resolución o no para imprimir. Entonces lo que normalmente tendrías que hacer es definir un nuevo perfil. Vienes al menú del panel, selecciona esta opción. Haga clic en el signo Plus aquí para crear una nueva opción de pre-vuelo. Y sólo voy a llamar a esta resolución check. Y luego bajo las imágenes y los objetos, voy a entrar en la opción de resolución de imagen y encenderla. Y en estos ajustes, también podemos especificar exactamente cuál es la resolución mínima requerida para diversos tipos de imágenes. Entonces para las imágenes en color, podemos decir que el mínimo que queremos este 300 para imágenes en escala de grises, usaría lo mismo. Y para las imágenes de mapa de bits, la resolución mínima es normalmente alta porque se ven más pixeladas en 300 PPI o cualquier cosa en el 800 ppi. Sólo voy a golpear Guardar y luego, Ok, y ahora si cambiamos a esta nueva resolución de perfil, verifica que acabamos de crear. De inmediato, podemos ver que en realidad hay un tema aquí. Y si hago clic en este número, me llevará a esa imagen e incluso seleccionada en el documento y dentro del panel de enlaces, también se debe resaltar la imagen. Y una vez que haga clic en la información Mostrar Ocultar Enlace, podrá ver tanto la resolución real como la efectiva. De estos dos, el importante es en realidad el PPI efectivo, o resolución efectiva, que se basa en el tamaño de la imagen en su composición. Entonces en este caso, cuando empiezo a cambiar el tamaño de esta imagen manteniendo pulsadas las teclas Comando y Mayús para el tamaño y mantener las proporciones iguales. Verás en cuanto haga más pequeña la imagen, la resolución efectiva va en aumento. Para que pueda volver a bajar por debajo de 300 ppi. Pero cuando hago la imagen más pequeña, puedo llegar a 306 PPI en este caso. Y de inmediato se puede ver que el error del panel de verificación previa ya se ha ido. Una vez más, si hago esto más grande, de nuevo, PPI efectivo cayendo por debajo de 300, reaparece el error en el panel de verificación previa. Ahora en caso de que te gustaría tener el panel de enlaces abierto mientras trabajas en InDesign, realidad hay una configuración muy útil que recomendaría hacer, a que puedes acceder desde las opciones del panel. Y dentro de ahí, puedes apagar el PPI efectivo para que sea visible como una columna separada dentro del panel de enlaces. Entonces una vez que haga clic en OK, ahora verás que justo al lado de los números de página, obtendré la resolución efectiva. Así que incluso con solo vislumbrar esto muy rápidamente, podremos detectar si hay algo en el PPI 300. Y si veo algo aquí, solo puedo hacer click en el número, una vez más, tener seleccionada la imagen, y luego escalarla dentro del diseño hasta obtener la resolución mínima requerida. Ahora volviendo un paso atrás y teniendo el error apareciendo aquí en el panel de verificación previa, solo quería mencionar que a pesar de que está mostrando un error, aún le permitirá exportar un PDF sin decirte de nuevo que hay un problema a menos que te falten imágenes o falten fuentes para un documento, recomiendo encarecidamente usar el panel de verificación previa y personalizar un perfil para los requisitos específicos con los que estás trabajando y deja que te ayuden en el proceso de arreglar todos los problemas antes que estés enviando tu archivo a las impresoras. Los siguientes tres problemas se pueden solucionar usando de nuevo, la configuración correcta al exportar su PDF. Por lo que tenemos que asegurarnos de que no haya imágenes RGB utilizadas. Los ajustes de sangrado están incluidos en el PDF y que también la transparencia se maneja de la manera correcta. Así que saltando de nuevo a InDesign, lo primero que siempre debes comprobar es si estás usando el preset que la impresora está pidiendo. Después vaya a la configuración de marcas y sangramientos, active la configuración de sangrado del documento de uso y en caso de que la impresora lo solicite, también puede incluir las marcas de recorte o recorte. Si hay instrucciones adicionales, lo agrega al área de babosas. También puedes incluir eso. Por lo que esto se ocupa del problema del sangrado. Pasando al siguiente paso, verás que por defecto, todo se convertirá a CMYK. Ahora de nuevo, si la impresora tiene un perfil específico que te pidieron que utilizaras, puedes volver a encontrar que desde aquí siempre y cuando te lo enviaran y lo instalaras en tu computadora. Y por cierto, también es buena idea simplemente revisar dos veces al gestor de tinta, ya sea que solo tengas los cuatro colores CMYK, o si tienes colores planos adicionales aquí en caso de que encuentres algún spot y no estás planeando usarlos, tendría que volver al panel de muestras y eliminarlos. Y de esa manera InDesign reemplazará automáticamente esos colores utilizados en el documento por CMYK. último pero no menos importante, bajo la configuración avanzada, siempre y cuando esté utilizando el PDF X1, un preset 2001. También podrás elegir el tipo de opción de aplanador de transparencia para la que siempre recomendaría usar la función de alta resolución. Ya discutimos esto en un video anterior. Solo quería recordarte que en caso de que la configuración de compatibilidad pueda ser mayor que Acrobat para, entonces no tendrás que preocuparte por el aplanamiento de la transparencia porque estos más nuevos versiones de PDFs 1.5 para rasterizar detalles de transparencia. 31. Cosas adicionales que debes verificar antes de imprimir: Por lo que siempre y cuando use la opción de verificación previa y preste atención a la configuración cuando esté exportando su PDF. La mayoría de estos temas enumerados aquí ya se resolverán. Ahora por supuesto, hay otros aspectos del diseño que pueden salir mal y eso en realidad no es algo de lo que las impresoras te avisarán. Más comúnmente se trata de errores ortográficos o errores tipográficos para los que puedes usar la revisión ortográfica, que puedes encontrar en todas las aplicaciones de Adobe. Así que sólo ve al menú Editar, ortografía, chequear ortografía. Pero además de usar esta característica, siempre se aconseja que un corrector profesional pase por la copia que no sólo pueda advertirte sobre errores ortográficos, sino también errores gramáticos y también errores estilísticos en la copia en caso de documentos de varias páginas, revistas y libros. Otra cosa a la que también debes prestar atención es el llamado salto de canalón o correr a través son crossover que se refiere a cualquier elemento de diseño que cruza de una página a otra. Esto, por supuesto, solo puede suceder cuando estás usando páginas enfrentadas o spreads. Y en caso de esta publicación, no tengo nada de qué preocuparme porque ninguno de los elementos está cruzando a la otra página. Y también estoy usando una cantidad justa de margen, que una vez más se asegura de que el texto siga siendo legible incluso si se trata de un documento largo. Ahora cuando tienes muchas páginas en tu publicación, es posible que deba aumentarse el margen para evitar la fluencia, lo que hace referencia a que los textos se pierdan en el centro donde está el encuadernación. Y aquí hay un ejemplo donde se puede ver esto sucediendo. Entonces donde tengas textos que se suponía que eran legibles va a ser irreconocible por los personajes perdidos en el centro. Y en general estos son los lineamientos que debes seguir para evitar cualquier problema con gotta jump. Entonces la imagen a muestra cómo todo se vería en tu pantalla en InDesign, y B muestra cómo resultaría en impresión definitivamente no fue una buena idea, es colocar caracteres o textos exactamente en el centro, teniendo la canaleta literalmente corriendo a través de ella. En caso de que necesites tener textos corriendo a través de las dos páginas, asegúrate de que el canalón esté entre palabras. Y tal vez incluso puedas aumentar ese espacio un poco más para asegurarte de que no lean como una palabra al final una vez que se hace la encuadernación, otra cosa que quieres evitar es tener un enfrentar exactamente otra vez en el centro porque eso puede verse realmente mal en el resultado final, sobre todo si hay un cambio sutil entre las dos páginas. Entonces en caso de que tengas que usar una imagen que recorra ambas páginas, deberías tener siempre detalles menos importantes alineados a la canaleta, lo que no causará ningún problema en el resultado final una vez se añade el encuadernación. Entonces, por supuesto, hay bastantes cosas a las que usted como diseñador gráfico tiene que prestar atención. Pero es importante mencionar también que también puede haber temas sucediendo en la impresión que no es tu culpa. Puede ser la falla de los técnicos que estaba haciendo la carrera de impresión o las máquinas utilizadas para la impresión. Y es por eso que es tan importante hacer una prueba de carrera o una prueba dura que recibes de la impresora donde puedes comprobar la calidad de la impresión y puedes dividir cosas como el registro de cama. Para que eso podría verse así en caso de una imagen y se reduce a las placas no correctamente alineadas entre sí. Aunque esto es algo que rara vez te encontrarías porque mayoría de las impresoras ya lo arreglarían antes de que te enviaran la prueba. Pero sigue siendo bueno estar atento a ello. Y también cuando se echa un vistazo de cerca a los textos, especialmente Body Copy. Por lo que las letras más pequeñas comprueban si están perfectamente claras o no. En caso de que estén ligeramente borrosas, podría ser causada por la mezcla o duplicación. sordo puede ocurrir tanto en dirección vertical como horizontal. Y en comparación con una buena impresión, es como se vería para ambos de este tipo de sorteo y duplicación es similar a cómo se ve el registro off, pero también podría suceder con un sola placa. Para que puedas tener color negro en el texto, pero con un pequeño doble, casi sombra como contorno. Y por último, otra cosa a la que puedes prestar atención, nuestros bullseyes o Hickey's in print. Se trata de pequeñas imperfecciones que aparecen en la impresión que puedes detectar fácilmente en este fondo de un solo color, especialmente sobre fondo negro. Pero también pueden ocurrir en imágenes donde podrían ser menos notables, pero pueden ser aún más distraentes. Por lo que todos estos son problemas de calidad y cuestiones con la impresión o la prueba que has visto. Y definitivamente debes marcar esto e informar de nuevo a tu impresora que las necesitas corregidas. Solo recuerda, no juegues al juego de culpas. En cambio, trabaja con su impresora como equipo. Puede ser una gran colaboración si se respeta mutuamente el trabajo del otro. Y en caso de que sientas que no puedes llevarte bien con una impresora en particular, simplemente deberías encontrar a alguien más con quien puedas sentir que puedes hablar y discutir todo en detalle y generalmente sentirse cómodo trabajando con. 32. Tipos de logotipos: El diseño de logotipos es uno de los temas más comúnmente discutidos en el diseño gráfico. Y eso se debe principalmente a que la mayoría de las personas, ya sean diseñadores o no, están bastante opinionadas sobre las marcas que les gustan y las que no lo hacen. Y el logotipo, de alguna manera es la esencia visual de una marca o de una empresa. Es por eso que como diseñador gráfico, si alguna vez diseñas un logotipo para una empresa, realmente estás asumiendo un trabajo altamente responsable porque estarás definiendo esta herramienta crucial de comunicación visual para el cliente. Y aunque el logotipo en sí solo forma parte de la identidad visual de una empresa, identidad de marca sigue siendo el elemento más importante de la misma porque es el que más verá la gente. Entonces, en primer lugar, ¿cómo podemos categorizar los tipos de logotipos que vemos? Para ello, hay siete categorías principales de las que podemos hablar fuera de fase. Los tres más comunes son marcas de palabras, marcas pictóricas y marcas de letras. Una marca de palabras o de otra manera también llamada tipo de logotipo está en tipo logo base que la mayoría de las veces solo tiene el nombre de la empresa. Y tal vez un eslabón adicional. pictórica o marca de marca o símbolo de logotipo es un icono o logotipo de base gráfica sin ninguna topografía y dejar que las marcas o los logotipos de monograma suelen ser las iniciales del nombre de una empresa. Por lo que esencialmente son logotipos que consisten letras sin deletrear y nombre real. Ahora las otras cuatro categorías también son obviamente muy populares, y estas son combinaciones de las tres primeras que ya discutimos, comenzando con una marca de combinación que probablemente sea la el más fácil de entender. Es una combinación de una marca de letra, una marca de palabra y una marca pictórica. Por lo que tendría tanto topografía como detalles ilustrativos. Y la marca abstracta es muy similar a una marca pictórica. Pero la principal diferencia aquí es que se trata de una forma abstracta, generalmente una forma geométrica abstracta. Entonces no es una imagen reconocible en comparación con la marca pictórica. Y el punto de referencia M es más como un banco que tendría un contenedor la mayor parte del tiempo que mantiene unida tipografía y detalles ilustrativos adicionales. Este tipo de logotipos se originan a partir de las crestas que fueron utilizadas por casas nobles en el pasado, y eventualmente también por artesanos. Y por último pero no menos importante, los logotipos de mascotas son estos tipos únicos de logotipos donde tendrías un carácter muy reconocible que se hizo equivalente a la propia marca. Dependiendo del sector en el que la marca sea para que estés diseñando un logotipo puede tener un gran impacto en cuál de estas categorías funcionará mejor. Por lo que se puede ver con marcas de alta moda, es principalmente marcas de palabras o marcas de letras que he usado. Y aunque hay un par de marcas de combinación, la mayoría de ellas dependerán únicamente de la tipografía. Ya que estamos hablando de tipografía, también es interesante mencionar que la mayoría de las marcas, ya sean intactas o de moda, en el último par de años, se alejan de caras de tipo más decoradas incluyendo serif y script a fuentes sans-serif más simples. En el caso de Burberry, no sólo cambiaron la fuente, sino que también se deshicieron del detalle pictórico en el logotipo. Y en general, cuando miras el lado izquierdo y derecho en cada una de estas columnas, los cambios más destacados que todos estos logos se volvieron mucho más legibles. Se pueden ver y reconocer desde más lejos, incluso cuando se usan en formato pequeño. Entonces, por ejemplo, incluso en este tamaño, cuando intentes comparar estos logotipos, podrás decir que los del lado derecho son definitivamente mucho más fáciles de leer. Ahora otra cosa importante de los logotipos es que se supone que son originales, únicos, y algo que se destaca del resto de las marcas. Y aunque este debería ser un objetivo que siempre debes tener en cuenta cada vez que estés diseñando logotipos, aceptar también el hecho que no hay nada nuevo bajo el sol. Y casi todo tipo de combinación ya se ha hecho de una manera u otra. Por lo que sólo algunos ejemplos. Estoy seguro de que estás familiarizado con el logotipo de Beats, pero es casi una estafa directa de este logo de inicio de 1971. Incluso las proporciones son muy similares, pero Beats no fue el primero en copiar este diseño. Hasta gran arreglo tenía algo muy parecido. Y aunque está al revés, el logotipo de estacionamiento prioritario también es muy, muy similar. Otro buen ejemplo es este par de Logos, Son y Colombia. Pero probablemente recientemente el logotipo más controvertido tiene que ser las empresas de Facebook nuevo nombre y su logo materia que es extremadamente similar a muchos otros logos como este aquí arriba de él. Siempre que estés diseñando logotipos, solo recuerda hacer alguna investigación antes de comprometerte con un diseño. Y si encuentras algo muy parecido a la idea que tienes, sobre todo entre los competidores de tu cliente, entonces realmente deberías volver al tablero de dibujo y refinar tu concepto o tal vez llegar a algo diferente. Ahora que hemos cubierto lo básico en el siguiente video, hablaremos de consejos útiles a la hora de diseñar logotipos y también algunas tendencias con las que debes estar familiarizado. 33. Técnicas de diseño de logotipos: Una buena práctica para diseñar un logotipo es comenzar siempre en un blanco y negro. Así que no introduzcas colores en el principio. Y siempre debes empezar a hacer bocetos después de que recogieras algunas referencias e inspiración. Y estos bocetos pueden ser inicialmente más sueltos y luego puedes seleccionar los más fuertes y puedes refinarlos más hasta llegar a un punto en el que tanto tú como el cliente estén contentos. Y luego puedes convertir tu boceto en un diseño vectorial, preferiblemente usando Adobe Illustrator. Ahora la razón por la cual el logotipo siempre debe ser base vectorial porque necesitan poder escalar desde el tamaño de una pegatina o una tarjeta de visita hasta el tamaño de un avión. Una buena manera de probar si tu logo funciona en tamaños pequeños simplemente acercándote y mirándolo desde la distancia. Entonces, por ejemplo, este logotipo de aquí mismo, que tiene muchos detalles a la hora de bajar la escala, será muy difícil reconocer lo que realmente está pasando. Tener muchos detalles en un logotipo no sólo va a afectar la visibilidad y reconocibilidad del mismo, sino que también va a hacer más difícil que la gente lo recuerde. Ahora para un memorable van a ir, quieres tener significado asociado con el diseño o incluso mejor, múltiples significados. Y estos pueden ser significados ocultos como con identidad de la campaña presidencial 2008 de Barack Obama, donde todas estas cosas resaltadas en rojo son las cosas a las que nos referiríamos como proposiciones profundas. Sus detalles visuales se refieren a ciertas cosas sin hacerlas demasiado obvias. Y en caso de los elementos, los bloques de construcción reales que utilizarías en un diseño de logotipo se denominarían proposiciones superficiales como este círculo azul o las líneas rojas y blancas. Y la densidad proposicional es un término que utilizamos, especialmente para el diseño de logotipos, para medir y comparar la cantidad de estas proposiciones profundas y superficiales entre sí. Los mejores logotipos suelen tener una alta densidad proposicional, lo que significa que tienen más las proposiciones y luego proposiciones superficiales. Entonces significados más ocultos que los elementos reales utilizados. Y eso nos lleva al consejo más importante que te puedo dar cada vez que estés diseñando logotipos, manténgalo sencillo, incluso cuando estés mirando el logo de Starbucks, todavía estamos considerados un diseño bastante complejo. Se puede decir cómo con el tiempo evolucionó y se hizo más simple. Y verías una tendencia similar con las marcas más famosas que su logo acaba de ser más simple y más simple con el tiempo. Por cierto, la densidad proposicional es algo que hablamos un poco más en detalle en el tema jerárquico en este curso. Aquí también hay una lista interesante que muestra las 100 mejores empresas del mundo y sus logotipos clasificados por su valor de marca. Por lo que los cinco primeros son Coca-Cola, Apple, IBM, y Google y Microsoft. Y aunque de estos cinco, para nuestras empresas tecnológicas, el resto de la lista incluye marcas de casi todos los sectores. Entonces, tan interesante que el 21% de los logos usaría formas circulares. El círculo se percibe como la forma geométrica perfecta y más equilibrada. Entonces esa es una razón por la que muchas marcas lo usarían. 45% de estas marcas utilizan tipo sans-serif. Y eso es algo que ya discutimos, es claro y más fácil de leer incluso desde la distancia. Y también curiosamente, 34% de estas marcas utilizan el color rojo. Y eso tiene sentido porque el rojo es probablemente el color más poderoso. Y en realidad es algo que entro en mucho más detalle en el tema de color dentro de este curso. Nuevamente, si te interesa conocer más sobre esto, asegúrate de revisar esa parte del curso. Logos animados como los que puedes ver aquí, también se usan muy comúnmente hoy en día. Y pueden abarcar desde simples efectos dinámicos hasta presentaciones de video cortas enteras. Y convertir un logotipo en una animación, de nuevo, siempre es más fácil cuando se tiene un diseño más simple para poder crear este tipo de animaciones y convertir un logotipo estático en algo más dinámico. Necesitarías habilidad y experiencia en diseño de movimiento, y lo más probable es poder trabajar en After Effects o algo similar a eso. Esta área definitivamente va más allá del alcance de lo que se espera que haga un diseñador de impresión. Y el diseño de movimiento es en realidad algo que entramos en mucho más detalle, el tema de diseño web y digital en este curso. Así que de nuevo, si esto es algo en lo que te gustaría entrar, asegúrate de echar un vistazo a ese tema cuando se trata de diferentes versiones del logo, más esencial que siempre debes considerar y el diseño son estas cuatro versiones. Entonces teniendo una versión a todo color sobre fondo blanco y negro, y luego una versión monocromática también sobre fondo blanco y negro. Tener estas variaciones definidas ya va a dar cierta flexibilidad como se puede utilizar la identidad. Pero muchas marcas son en realidad ahora utilizan logotipos variables o logotipos dinámicos, lo que significa que se pueden adaptar, el formato, y el entorno en el que se utilizan. Por lo que podemos ver algunos ejemplos aquí donde soy un poco más complejo. logotipo puede simplificarse aún más dependiendo del tamaño y contextos en los que aparecería. Pero además de la variabilidad funcional, también hay variabilidad estilística que algunas marcas aplicarían. Al igual que con Apple, que en realidad son muchas variaciones, pero seguirías reconociendo la marca, gracias, de nuevo, a la simplicidad de la forma original. Pero cuando busques ejemplos de logotipos variables, encontrarás muchas soluciones creativas donde el logotipo podría incluso convertirse en un pequeño bloque de construcción que de nuevo, puede cambiar dependiendo del formato se utiliza. Ahora mencioné al principio cuando empezamos a hablar de logotipos es que forman parte del diseño de identidad de una marca. Entonces, a pesar de que es el elemento más importante, sigue siendo sólo parte de una colección de elementos que la empresa crea para retratar la imagen correcta a los consumidores. Una identidad de marca incluiría cada forma en la que se va a representar la marca, ya sea impresa o digital. Pero en caso de diseño de impresión específicamente, se puede pensar en tarjetas de visita y papelería es empaque, ropa, carteles, volantes, folletos, y así sucesivamente. Ahora discutiremos muchos de estos, como tarjetas de visita, papelería es, y carteles en videos separados. Pero antes de seguir adelante, es importante hablar también de guías de marca, que es algo que voy a discutir con más detalle en el siguiente video. Y después de eso, también echaremos un vistazo a un concurso de diseño de logotipos de crowdsourcing, que te ayudará a ver cuántas formas creativas y diferentes se puede abordar un breve diseño de logotipos. 34. Tarjetas de presentación: Las tarjetas de visita pueden considerarse parte del diseño de identidad, ya que la mayoría de los elementos definidos en una guía de marca, incluyendo el logotipo de la empresa, la paleta de colores, topografía todos serán utilizados en una tarjeta. No obstante, es un producto impreso tan sobresaliente y característico que vale la pena hablar de ello por separado. Tiene una larga tradición que data todo el camino de regreso al siglo XV, originalmente se llamaban tarjetas de visita y luego en tarjetas de intercambio. Pero en comparación con esto, los tamaños estándar que usamos hoy en día son mucho más pequeños. Y los avances en las tecnologías de impresión permiten mucha más libertad creativa a la hora de diseñarlas. Los dos formatos más comunes para los que podemos ver algunos ejemplos aquí en el tablero, nuestro paisaje, como estos dos aquí mismo y retratar para los que también podemos ver algunos ejemplos. Esto descarta de todos los productos de impresión tienden a imprimirse en el papel más pesado o grueso. Esto es para asegurarse de que sean duraderas y puedan manejar el desgaste a además del grosor del papel para una protección adicional, la laminación casi siempre se usa ya sea met o brillo. Y en caso de que una tarjeta de visita necesite destacar, todas las técnicas de las que hemos hablado se pueden aplicar como estampado de papel de aluminio y bossing. Aquí podemos ver un buen ejemplo. El nombre de la marca o el logotipo es imparcial y en realidad aparece en la parte posterior, al reverso del texto. Esto es en realidad algo que mencioné anteriormente en otro video que solo tienes que tener esto en cuenta cada vez que estés usando una producción impresa tanto por parte delantera trasera va a ser visto y usado. Pero como siempre, no se trata sólo los métodos especiales de impresión que pueden hacer que una tarjeta de visita se destaque, depende principalmente de la creatividad de los diseñadores. Y podemos ver incluso un diseño completamente minimalista puede funcionar muy bien. Y en este caso, también parece que se trata de papel sin recubrimiento que se utilizó para hacerlo aún más puro, simple y natural. Y en caso de una tarjeta de visita que en realidad puede ser una ventaja porque eso permitirá a la gente escribir en ella. Y si alguna vez has estado en una Exposición de exportación donde conocistea Exposición de exportación donde conociste mucha gente y empresas y tienes tantos autos de ellos. Es posible que también hayas intentado apuntar algunas notas en sus autos solo para recordar algo específico que te mencionaron. Entonces en caso de un papel sin recubrimiento, eso es mucho más fácil de hacer. Y también en caso de un diseño minimalista como este, casi te invita a tomar algunas notas aquí en este marco vacío. Otra cosa que vale la pena tener en cuenta con las tarjetas de visita es que al frente, se quiere reducir la cantidad de elementos y eso puede ser un poco más decorativo. Mientras que la parte posterior de la tarjeta es donde se tiene toda la inflamación. Y como esto va a ser un poco más ocupado, se puede reducir la cantidad de decoración aquí. Y en general también es una buena idea mantener una de las cuatro esquinas casi vacía. Entonces esa es una buena proporción de espacio negativo dentro de una tarjeta. Y lo que también quieres asegurarte es que tengas suficiente margen para que el impuesto no se acerque demasiado al borde. Yo diría que esto está casi un poco demasiado cerca de los bordes, pero aún funciona. Ahora también hay un par de términos que las impresoras dirían a la hora de imprimir tarjetas de visita. Estas cartas, por ejemplo, serían una por una, lo que significa un color en el frente, un color en la parte posterior, que es negro. En este caso, si no tiene nada en una de las señales que serían 0. Y en caso de que esté utilizando para imprimir en color por un lado y solo negro en el otro lado. Eso sería para slash un frente a todo color, un color en la parte posterior. Por cierto, este es también un buen ejemplo de una tarjeta de presentación de formato retratar, que funciona muy bien con este logotipo vertical que se puede escalar por este formato, se puede mantener el información mínima en una tarjeta de visita. Por lo que acaba de tener el nombre, el título laboral o profesión, y algún detalle de contacto. Pero en caso de que esté incluyendo más información, aún no debe exceder los siete elementos estándar, que serían el logotipo y el nombre de la marca o el eslabón, el nombre completo de la persona y el título del puesto, que en este caso en realidad faltan contacto incluyendo dirección, dirección correo electrónico, sitio web y mangos sociales. Y otra cosa obvia que mayoría de las tarjetas de visita utilizarían es tener algún tipo de interacción entre el frente y el reverso de la tarjeta. Por lo que querrías vincular los dos lados entre sí ya sea usando los mismos colores, elementos similares o topografía similar. O puedes incluir elementos como en este caso, esta pintura azul trazos que casi sentirían como continuar de un lado a otro cuando alguien la está dando vuelta y adelante en la mano. El tamaño estándar para tarjetas de visita en Estados Unidos sería de 3.75 pulgadas por 2.25 pulgadas con 1 octava de una hemorragia a su alrededor. Y por ejemplo, en el Reino Unido, el tamaño estándar sería de 85 milímetros o 3.35 pulgadas por 55 milímetros o 2.17 pulgadas. Y de nuevo, el tamaño del sangrado alrededor todos los bordes sería de tres milímetros. Y al comparar estos dos tamaños, podemos ver que el estándar estadounidense es más grande, por lo que es un poco más ancho pero también más alto. Pero cada vez que estés diseñando tarjetas de visita para una empresa internacional, posible que realmente necesites crear múltiples versiones para los diferentes sitios de todo el mundo. Ahora, antes de la pandemia del COVID-19, aproximadamente 7 mil millones de tarjetas cada año se imprimieron aproximadamente 7 mil millones de tarjetasde visita en todo el mundo. Y durante el primer año de la pandemia, se estima que el archivo mundial de producción de tarjetas de visita alrededor del 70 por ciento. Es una enorme gota. Por supuesto que es comprensible porque mayoría de la gente no se conoció en persona. No obstante, las ventas en 2021 ya volvieron a casi los números originales de antes de la pandemia. Y por último pero no menos importante, quería mostrar un ejemplo de una empresa de impresión bajo demanda que hace tarjetas de visita excepcionalmente buenas. Es moo.com, que está disponible en varios países de todo el mundo. Y la razón principal por la que lo estoy mostrando es porque tiene una muy buena visión general de los diferentes tipos de tarjetas de visita que se pueden imprimir. Por lo que de manera directa, tenemos estas categorías para las tarjetas de presentación de formato estándar dentro de las cuales ya podemos hacer una distinción introduciendo materiales especiales como lámina dorada, levantada, spot, gloss, tarjeta de visita hasta tipografía. Pero también ofrecen visita cuadradas e incluso mini tarjetas, que son diminutas tarjetas de visita. Y este es el formato que están utilizando. Entonces es una tarjeta de 70 por 28 milímetros. Y se puede ver, como mencioné, la tasa de papel, incluso para el formato original o predeterminado que están utilizando es bastante pesada. 350 gramos por metro cuadrado por su adición lux serían de 600 gramos por metro cuadrado. Este papel grueso es realmente bonito. Esto es lo que también usamos en nuestra tarjeta de visita. Y en caso de que estés planeando usar una impresión en el lado de la demanda como mu, siempre podrás encontrar y descargar que estas lindas pautas, pero puedes usar en tu computadora. Normalmente recomendaría usar Illustrator o InDesign. Y al igual que cubrimos en la sección de técnicas especiales de impresión, siempre que quieras utilizar alguno de estos acabados especiales, necesitarías suministrar dos archivos separados, uno para la propia obra y uno para el acabado especial. 35. Diseño de folletos: Un folleto es un pedazo de papel que se dobla para crear múltiples páginas y se distribuye con fines publicitarios y promocionales. Se pueden entregar en persona, dejarse afuera para que las personas los recojan o envíen directamente por correo a los clientes. Ahora las dos categorías principales de folletos de los que normalmente hablamos son los plegados y desplegados. Y aquí se puede ver una lista de todas las diferentes formas de doblar folletos. Pero cuando se trata de folletos no plegables, estos normalmente nos referiríamos como folletos o volantes. Este es un buen formato cuando tienes menos información que necesitas presentar. Y aunque las definiciones, folletos y volantes no están perfectamente definidas, normalmente, a lo que me referiría como volante es cuando solo se imprime un lado y luego se imprimen ambos lados. Eso es lo que yo llamaría folleto. En caso de folletos plegados en general, también hay un par de términos como dejar atrás, que se referirían a esas impresiones que tomas dos reuniones y se lo das a tus clientes. folletos de correo directo serían los que se envían vía post punto de venta. folletos son los que están tratando de llamar la atención de los clientes potenciales. Y estos se usan muy a menudo en exposiciones, pero también en tiendas. Y panfleto es otro término que vale la pena recordar. Por lo que si bien en general, folletos se utilizan con fines comerciales, se utilizaría un folleto con fines educativos u otros fines no comerciales. Ahora aquí en este tablero puedes ver también un par de ejemplos creativos mostrando la variedad de ideas que puedes usar para tu folleto destaque y hacerlos más memorables. Y recuerda la mayor parte del tiempo con este tipo de producto de impresión, quieres que los clientes mantengan los folletos. Entonces además de ser informativos, también deben ser interesantes o divertidos y tal vez incluso juguetones en algunos casos. Toma este ejemplo creativo donde un sobre lo dobla hacia fuera, se convierte en el folleto real o este folleto para un evento TEDx donde se puede ver a través de todas las páginas, a través de estas dicots, círculos todo el camino desde el frente de la portada. Podemos ordenar esto. Consulte la última página, este punto rojo. Y así es, por ejemplo, como se ve la primera propagación con el círculo dicot y los detalles que podemos ver atrás. Simplemente recuerda cada vez que estés introduciendo este tipo de cortes o pliegues creativos, siempre deben tener un propósito o razón y deben funcionar bien con la información y el diseño del folleto. En este caso, por ejemplo, podemos ver qué tan bien se seleccionó la imagen para trabajar con ese círculo en el medio. Y de igual manera, el tema de los círculos también funciona muy bien aquí del lado izquierdo con todas esas estadísticas, los folletos de la Universidad de las Artes, Londres también son muy creativos. Aquí, estos detalles plegados parecen burbujas de habla que una vez abiertas se convierte en f solapa en el lateral. Pero al igual que con el ejemplo de pestaña, esta configuración con la solapa en realidad continúa y aparece en el resto de la composición en el folleto. Otro ejemplo realmente bonito es el folleto del Museo del Diseño, donde podemos ver todas las páginas con diferentes colores. Pero al tener cada una de las páginas ligeramente diferente, hace que sea fácil acceder a ellas y rápidamente saltó a una página específica. Y por dentro, así es como se vería la propagación. Pero también me gusta aquí es que en lugar de usar una impresión en color, en realidad es una sola impresión en color sobre papel de color. Pero incluso sin depender tintes y recortes especiales en las páginas, aún puedes ser creativo con un diseño simple plegado como este. Pero en lugar de que las páginas se plieguen lateralmente, horizontalmente, tenerlas plegadas verticalmente también permitirá que este lado se lea verticalmente, lo que una vez más hace que este folleto único y más memorable. 36. Diseño de papelería: Diseñar productos de papelería y especialmente tarjetas de regalo, puede ser un área supervisada pero altamente lucrativa dentro del diseño de impresión. Apenas en el Reino Unido, por ejemplo, en 2021, las ventas totales de tarjetas regalo superaron 1.200 millones de libras cuando hablamos de productos de papelería, a veces también referidos como productos de impresión de oficina, además de saludar y tarjetas de invitación, también incluiría impresiones artísticas, cuadernos, papel de envolver , calendarios, revistas, diarios, bolígrafos y lápiz, y mucho más en este tablero, hay algunos artistas que recogido cuyo trabajo te recomiendo para veas si esta es una zona en la que te interesa entrar, lo más importante, asegúrate de echar un vistazo a su diseño well.com, que es del lado de mi esposa. También le gusta diseñar productos de papelería y tiene sus propias colecciones que se venden en varios sitios impresos bajo demanda basados en su experiencia y diseñadores de estacionarios más exitosos, la clave del éxito es la originalidad, y es por eso que tanto las ilustraciones tradicionales como digitales y los dibujos o pinturas funcionan extremadamente bien porque pueden ser realmente únicos y mostrar mucho personaje para encontrar inspiración y estar al tanto de las tendencias en productos de papelería se recomienda consultar sitios como Paper Chase, caroline Gardner, Rifle Paper cool, y por supuesto imprimir bajo demanda sitios como reflexivo, burbuja roja y sociedad seis, donde también puedes empezar a vender tus propios diseños. Lo mejor de estos tamaños que no tienes que invertir dinero en impresiones reales y almacenarlas son entregándolas. Todo lo manejan estas empresas a cambio de los recortes que obtienen de cada venta. Pero lo bueno es que tú como diseñador puedes concentrarte en lo creativo que viene con los diseños y esos. Así que tal vez desarrolle sus propias gamas o colecciones. 37. Términos de diseño de portada de revistas: El diseño editorial se refiere al diseño para periódicos, revistas, libros y publicaciones en línea. En primer lugar, echaremos un vistazo de cerca a todos los términos y definiciones con los que debe estar familiarizado cuando se trata de revistas. Y luego pasaremos a hablar de libros. El detalle más prominente y probablemente más importante en una portada de revista tiene que ser la cabeza de masthead, que es abreviatura de maestro tenía. Y este es el título, diseño o nombre de la publicación, que se encuentra aquí en el tercio superior de la portada. Y la mayoría de las veces, esto se crea con una fuente personalizada y se mantiene consistente a lo largo de todos los temas que salen. A veces tal vez el color cambia o la posición ligeramente, pero generalmente la fuente y el estilo van a ser consistentes. La frase masa en realidad había terminado siendo utilizada también en el diseño web. Eso de nuevo, representa el logotipo o la imagen principal de marca que suele estar en la esquina superior izquierda del sitio. Ahora la mayoría de las veces, la cabeza de masthead ocupa todo el ancho de la portada de la revista. Pero si es más corto que eso, como con Computer Arts o GQ, entonces suele estar en la esquina superior izquierda. Ahora, esto se debe principalmente a que cuando vas a un agente de noticias o a una tienda y las revistas se colocan encima de la otra, entonces este tercio izquierdo es la única parte visible. Por lo que aún deberías poder identificar el nombre de la revista con solo ver esa sección de la portada, el tipo de fuente, el color y el tamaño, e incluso el kerning del mampostería realmente te ayuda a establecer el público objetivo, nuestro mercado objetivo para tu revista. Y se puede ver claramente eso con el ejemplo aquí en Empire, que es un poco más masculino y audaz en comparación con los estilistas, por ejemplo, que es mucho más femenino. El siguiente elemento que normalmente tenemos al lado del masthead se llama tagline, o también se puede referir como línea celular, línea correa, o incluso Revista atrás. Esta suele ser una forma inteligente que VT de definir de qué se trata la revista. Al igual que GQ, su aspecto agudo, levanta, inteligente, o Esquire. Son hombres en su mejor momento o leen Artes de la Computación, inspiración, técnica, gran diseño. Para que como se puede ver, el eslabón suele ser una declaración poderosa, efectiva que puede ayudar a especificar el tema o categoría de la revista y otros elementos similares al eslabón se llama skyline o también referido a veces como banner o tira, que de nuevo suele colocarse en la parte superior o en la parte inferior de la cubierta. Y de nuevo, es tan amplia como las revistas, por lo que ocupa todo el ancho. Y estas dos cosas pueden ser muy similares. Pero la mayoría de las veces el skyline en realidad incluye títulos de artículos o incluso nombres que son relevantes para artículos específicos en la revista. Entonces es casi como el extracto de contenido, como una mini tabla de contenido en cierto sentido. Entonces sólo para quedar claro, qué preseleccionero como ejemplo, esto, consideraría un skyline por su posición y por la forma en que promueve las diferentes categorías o géneros que es cubriendo. Pero también funciona como eslabón al mismo tiempo. Ya que tenemos este ejemplo, también podemos ver que generalmente hay una línea de fecha, nuevo, muy cerca del mamón. En este caso, cada jueves es muy pequeño porque es una revista semanal. Pero si fuera mensual, entonces otra vez, especificaría esa deuda o trimestral, una vez más, y normalmente también obtendría el número de emisión cerca de esta línea de fecha. No obstante, aquí tenemos una colocación vertical en el lado izquierdo. Aquí podemos ver que es el número 507 y también la fecha real en que fue publicada. Observe que también tenemos una URL, el sitio web de esta revista que de nuevo suele colocarse cerca la pestaña de masa, en algún lugar alrededor de ahí. O también puede estar cerca del código de barras, que suele estar en el botón. Ahora es preseleccionaria. No tenemos precio porque es una revista gratuita. En lugar de eso, tenemos algo que se llama pug. Ahora, esto está indicando que es una revista gratuita. Y específicamente llamamos a estas cosas pugs cuando están en la esquina o unidos al costado de la cubierta, estos elementos siempre deben usar color fuerte y alto contraste. Así que asegúrate de que destaquen del resto de la portada y estén ahí para promover los emocionantes incentivos o promociones de noticias . Entonces el hecho de que esta revista sea gratuita es obviamente un incentivo para que la recojas y la leas. Entonces en caso de esta revista, consideraría que esta pegatina está haciendo lo mismo exacto, lo que acabamos de describir. Pero en estos casos, en lugar de llamarlo pug, lo llamaría camino. O también puedes usar el término calificador o carne. Y en realidad el efecto pegatina es de uso muy común. Así que un poco de sombra paralela y quizás contornos más fuertes o incluso como una estrella con forma de estallido es un muy comúnmente utilizado en portadas de revistas. Los ejemplos que tengo en este tablero son muy elegantes y muy bien diseñados. Pero si buscas publicaciones más baratas, probablemente encontrarías muchas de estas bocanadas y pugs y elementos de carne que realmente quieren que recojas la revista y realmente intente una célula cardíaca. Por lo que hay que tener cuidado de no usar en exceso este tipo de cosas. Porque al igual que todo en diseño menos es más y un look más limpio y ordenado, por lo general se ve más elegante y se siente más profesional. Ahora vale la pena mencionar que no siempre necesitas un contenedor o una caja delimitadora alrededor de un hojaldre. También puedes simplemente tener textos como aquí, como símbolo pequeño, como en este caso ese asterisco. Entonces esto es otra vez, algo que realmente te hace querer recoger esta revista y realmente te atraiga a leer sobre las cosas contenidas en la revista. Entonces, en lugar de esto relacionado con un artículo específico, esto es más como un pitch general de ventas para este tema en particular. 38. Ejemplos de portada de revistas: Ahora a pesar de que en esta portada además de la masa aquí, este es en realidad el mayor impuesto. Esta no es la línea principal de portada, la línea cubierta principal, Eso es algo que directamente está conectado a la imagen principal. Por lo que en este caso, llamaría a toda esta sección aquí la línea de la historia principal o titular, a veces también referido como splash o como mencioné antes, línea de portada principal. Y dentro del titular, también se pueden tener elementos adicionales como el crédito modelo, donde en realidad vemos el nombre de la persona en imagen de dominio. Y además del impuesto principal, que en este caso es la música que importa, tendríamos este texto o subtextos más pequeños, que normalmente llamamos texto de anclaje o línea de correa o la mayoría de portadas, también obtendrías líneas de cubierta de apoyo adicionales, como en este caso es parte de informe especial aquí en la parte inferior izquierda. Y estos se relacionan con artículos adicionales dentro la revista que no están conectados a la imagen principal. Estos suelen ser el mejor lugar a los bordes, asegurándose de que no cubran demasiado de la imagen principal solo para evitar la confusión y asegurarse de que no se equivoquen al estar conectados a la imagen principal. Es bastante común con estas líneas de cubierta de apoyo que se obtendrían algunas palabras de moda. Y aquí es un ejemplo perfecto, este informe especial, pero esto también podría ser algo así como exclusivo o plus o incluso más cosas como esa. Ahora cuando cada portada, el detalle más importante y más grande que verías es la imagen principal. Y esto ocupa generalmente la mayor parte de la portada. Entonces en este caso tenemos a Daniel Craig como James Bond. Y nota que también hay algunos efectos geniales aquí con estos disparos que también de una manera parte de esa imagen principal. Pero la mayoría de las veces, estas imágenes tendrían una persona que está mirando directamente a la cámara. Esa es una manera de captar realmente tu atención. Porque cuando vemos a alguien mirándonos, eso es sólo realmente nos pone atraídos en, en este caso, una revista. Y estas fotos de gente usualmente tengo un tiro medio como este de aquí. O también pueden ser un primer plano con un cultivo fuerte en este caso. Pero algunas revistas usarían imágenes principales de una manera más creativa, como con los estilistas, tenemos a este personaje principal saltando sobre el cabezal, lo cual es bastante cool. Pero lo que si crea también es un espacio negativo masivo aquí en el medio. Ahora eso también es bastante común con estas imágenes principales, que el fondo esté bastante vacío o al menos fuera de foco o no demasiado ocupado para asegurarse de que el personaje principal o el tema principal de la foto sea resaltado. Pero porque una vez más, en este ejemplo, el personaje está todo el camino en la parte superior. Simplemente abre ese espacio vacío en blanco en el medio. Este es un diseño de portada único e inteligente, que realmente demuestra el punto de que una vez que entiendes las reglas, puedes romperlas. Y ahí es cuando puedes crear diseños muy efectivos. Vale la pena mencionar que la imagen principal no necesariamente tiene que ser una fotografía de una persona. También puede ser una ilustración como esta. Y la mayoría de las veces, por cierto, puede superponerse al SAT matemático siempre y cuando lo mantenga aún legible o reconocible. Pero también puede ser una ilustración aún más compleja como aquí, donde realmente ocupa toda la portada. O puede ser menos complejo y simplemente usar tipografía. Por lo que en caso de este tema cableado, los tres logotipos cerrados serían considerados la imagen principal. Además de la imagen principal, a veces también tendrías imágenes secundarias como estas, que a veces también se denominan imágenes en miniatura. Incluso estos en la parte inferior se considerarían imágenes en miniatura o secundarias. En esta portada, también podemos ver el código de barras aquí a la derecha, que se requiere si la revista se vende en agente de noticias o show, pero no es necesario si la revista es enviada a un suscriptor o obviamente para una versión digital. Y por último pero no menos importante, también puedes tener marcos como el icónico marco amarillo del National Geographic o el marco rojo de Time Magazine, igual que una pintura de marco o una fotografía en una pared. Estos también ayudan a que la revista destaque cuando está en el stand de los agentes de noticias. Y también ayuda a crear un margen visual muy claro. Pero es sacrifica el tamaño de la imagen principal, toda la información adicional dentro de ella. Entonces todo tiene que ser probablemente 10, 15% más pequeño de lo que sería sin el marco. Y la mayoría de los elementos por los que pasé en este video se utilizarían generalmente de manera consistente a lo largo de los números para una revista en particular, probablemente tiempo aparte del cabezal y el marco, que será también colocación de ciertas cosas como la línea de fecha y el precio, que la mayor parte del tiempo no se moverá entre estos zapatos. Entonces la consistencia realmente ayuda a los lectores a descubrir rápidamente el último número de la revista. Pero también aprenderán dónde encontrar la información relevante una vez que hayan estado leyendo esa revista por un tiempo. 39. Términos de diseño editorial: Entonces ahora que cubrimos portadas de revistas, podemos pasar a hablar de lo que hay dentro de esas revistas y pasar por todos los términos y definiciones con los que deberías estar familiarizado. Antes de hacer eso, sólo detengamos un momento para apreciar lo mal que son estos tienen que saltar. Recuerda que hablamos para evitar colocar cualquier detalle o letra importante en el centro exacto de un diseño de página de cara. Ahora, es exactamente por eso que debes evitar hacer eso, especialmente cuando estás usando estos caracteres condensados y estrechos, como en este caso. Entonces, ante todo, hay que pensar siempre la difusión completa cuando estás diseñando algo para una revista. Entonces, en lugar de prestar atención a las páginas individuales, siempre se considera la propagación completa. Entonces, cuando un lector abra la revista, mirarán ambas páginas aproximadamente al mismo tiempo. Por lo que sus ojos escanea muy rápidamente. E incluso si la propagación tiene un artículo por un lado y un anuncio por el otro lado, eso debería ser todavía alguna forma de armonía o consistencia entre ellos. Ahora claro, cuando se trata de un artículo real, el primero orgulloso del artículo es la invitación para que el lector empiece a leer eso. Y hay que hacer realmente un buen trabajo combinar esas dos partes del spread. Entonces hay tres factores principales con los que puedes captar la atención de alguien por tu propagación. El primero es el diseño o la composición del spread. El segundo es la imagen que usas son la imagen principal. Y luego el tercero es el titular. Estos tres están obviamente muy relacionados entre sí. Por lo que tu composición se basa en una buena colocación de la imagen y del titular, o en una buena combinación de ellos. Pero de todos los elementos textuales, el titular es definitivamente el más crucial en tu propagación. Es bastante común que los titulares usen el tipo de visualización, que no es solo una sola fuente, sino que suele ser una fuente diseñada a medida o letras a mano que realmente se adapte al tema del artículo. El emplazamiento del titular suele estar en el lado superior izquierdo, pero también puede estar a la derecha. Y algunos casos también puede ser en la parte inferior o en el extremo izquierdo o en el extremo derecho. El motivo por el que es bueno colocarlo en el lado izquierdo es porque naturalmente estamos empezando a escanear el spread de izquierda a derecha, comenzando de arriba a izquierda a abajo derecha. Eso obviamente puede ser diferente. Cuando tengas tu revista Arabic, probablemente la tendrías espejada y tendrías cosas empezando por la derecha. Los titulares suelen ser realmente grandes. Entonces en términos de la jerarquía dentro de la composición, deberían ser realmente el elemento dominante, definitivamente más grande y más robusto en comparación con los otros elementos textuales dentro de la propagación. Ahora en algunos casos, el titular en sí puede estar usando un formato diferente, como aquí, la primera palabra es bastante diferente a pesar de que está usando la misma familia de fuentes al resto del titular. Pero esto aún forma una sola unidad cuando está montada. Cuando se tiene unos textos cortos que tanto el titular, normalmente nos referimos a eso como el pateador. Por lo que de nuevo aquí, este sería el pateador, mientras que por debajo, este es el titular. Y en este ejemplo se puede ver que un emparejamiento de fuentes también puede funcionar para un titular. Así también, fuentes diferentes muy contrastantes combinadas juntas todavía foros, una buena unidad sólida que puede funcionar como titular. Ahora normalmente justo debajo de los titulares. Entonces en este caso, esta sección aquí es lo que llamamos primer stand de intro o cubierta. Y esto suele cubrir en pocas palabras lo que vas a leer el balance dentro del artículo. Por lo que realmente te separa empezar a leer, pero también actúa como un puente entre el titular y la copia del cuerpo. Entonces aquí hay otro ejemplo del pateador. El titular y debajo de él, la intro, de pie primero o ataque. Ahora, recuerda cuando dije que los dos lados de tu propagación deben ser considerados como una sola unidad. A pesar de que aquí tenemos un lado izquierdo y derecho muy distinto, todavía hay mucha repetición que ayuda a unirlos. Y la unidad InDesign es muy importante. Entonces aquí obviamente vemos que el color se usa a la izquierda y el lado derecho que la misma fuente se repite de nuevo. Y también en general, las formas aquí del lado izquierdo son bastante bloqueadas y cuadriculadas, que de nuevo se repite aquí en el lado derecho. Ahora generalmente hay un elemento que viene justo después o unido a la intro. Eso es lo que llamamos el byline, es simplemente por y luego el nombre del autor. 40. Elementos de una publicación de revista: Ahora estos elementos que ya cubrimos son muy comunes, pero eso no quiere decir que a veces se pueda tener que dejar a uno de ellos fuera. Al igual que en este diseño, diría que este es el pateador. Este es el titular. Ahí está nuestro byline, pero no hay intro real. Podemos considerar esta sección aquí, la intro, pero se siente más como parte de la copia del cuerpo. Y como estamos hablando de copia corporal, ese es el mayor elemento textual dentro de su artículo. Y aquí, la legibilidad es crucial. Por lo que hay que prestar atención a la longitud de la línea para asegurarse de que sea cómodo leer el texto. Por lo que las líneas demasiado largas o dos cortas no son ideales. Probablemente quieras configurarlo alrededor de 45 a 80 caracteres en cada línea. Y eso ya es con los espacios incluidos. Ahora, cuando no hay intro, el primer párrafo puede ser considerado el liderato. Y observe cómo eso se enfatiza con el formateo de la junta. Entonces queríamos autos voladores. Eso realmente te lleva a leer el resto de la copia. Ahora otro término que se podría escuchar mencionado cuando se trata del primer párrafo o incluso el plomo de un artículo no es gráfico o no gráfico, que es una jerga editorial para una frase que resume el resto del artículo sin dar demasiados detalles. Entonces es casi como la tesis de lo que vas a leer. Y algunos pueden argumentar que el plomo y el gráfico son exactamente lo mismo. Algunas personas dirían que es diferente. Pero generalmente dentro tu primer párrafo en la copia del cuerpo, puedes incluir algo que es, de nuevo, un poco más elevado que el resto de la copia del cuerpo. Ahora otra cosa importante que debes tener en cuenta cuando trabajas con copia corporal es que debes tener una línea base estandarizada a lo largo de toda la propagación, que significa que las líneas, aunque estén en diferentes columnas, deben coincidir con la posición por lo que deben estar alineados entre sí. Aquí hay otro ejemplo, pesar de que tenemos un hueco aquí en esta primera columna. Entonces ahí está la brecha entre los párrafos. Todavía tenemos la alineación entre las líneas del lado izquierdo y en el lado derecho. que la alineación sea gracias a la cuadrícula de línea base, esta es una característica en InDesign que se puede activar dentro un marco fiscal individual o incluso para todo el documento. Ahora, el siguiente elemento textual en términos de jerarquía sería el subhead, que suele estar dentro de la copia del cuerpo, columnas o marcos. Y estos ayudan a romper grandes trozos o bloques de texto. Entonces aquí, el ejercicio por ejemplo, la dieta, qué tan rápido se considerarían subcabezas, pero eso puede ser muchos niveles de subcabezas. Por lo que hasta tus 20 podrían ser uno. Si el artículo continúa entonces y nos muestran sus treinta y cuarenta, pero eso puede incluso ser el tercer, cuarto nivel de subencabezados como estos, nuevo, sirve al mismo propósito, dividiendo o rompiendo gran trozo de textos, pero nuevamente, crear divisiones más pequeñas dentro ya de una unidad que fue creada por el segundo nivel de estructura de subpatrón y jerarquía es extremadamente importante con Revista diseño porque hay tantos elementos, tanta información, realmente necesitas guiar a tu lector por el spread para asegurarte que puedan encontrar la información relevante. Porque, créanme, la mayoría de los lectores no están leyendo en el orden en que quieres que lean. Saltan por ahí. Pero al tener estos subencabezados, por ejemplo, realmente les das puntos de entrada a diferentes áreas donde pueden ir. Y en realidad podrían leer eventualmente todo el artículo, pero tal vez no en el orden en que se configurara para ser rojo. Ahora otro elemento textual distinto muy importante dentro de un spread es el código de pool, que podemos ver dos ejemplos de en este spread. Estos suelen ser recogidos de la copia del cuerpo y se destacan como lecturas esenciales de la historia y algo que realmente es emocionante e interesante. Una vez más, estos son para llamar la atención sobre el artículo. Por lo que a veces podrías voltear a través la revista y ves un código de alberca que te lleva al artículo. No siempre tienen que ser cotizaciones, así que no tiene que ser que alguien esté triste. Puede ser sólo el resumen o como un hecho interesante. Por lo que realmente depende de ti como diseñador decidir qué debe destacarse en cotizaciones pobres. Aquí hay otro código de alberca muy elegante ubicado dentro del centro de la página. Y aquí hay otro código de tirón muy llamativo, fuerte y audaz dentro de la propagación. Y por supuesto, el mal rumbo no siempre tiene que romper la estructura de la copia corporal. En realidad pueden ser independencia, por lo que pueden estar de lado como aquí, una forma muy sofisticada y sutil de colocar el código de la piscina en la parte inferior izquierda. Ahora otra parte importante para dar estructura a la revista dentro de un spread sería el encabezado y pie de página en el encabezado, normalmente jugarías algo sobre el artículo, ya sea un parte recurrente de la revista y eso indica que este artículo actual cae en esa categoría. O puede ser algo más específico como digamos el nombre de las celebridades, quien está cubierto dentro de ese artículo. Esto es especialmente útil si tienes múltiples sprints y quieres asegurarte de que el lector sepa que todavía están leyendo sobre lo mismo. El pie de página normalmente tiene un poco más de información. Uno de los elementos cruciales es el número de folio o página, que normalmente querría colocar en ambos lados. Pero si solo lo coloca en un lado, es mejor usar el lado derecho dentro del spread, el pie de página puede contener información adicional como el sitio web de URL, o también puede ser la fecha, y que incluso pueden ser Notas y referencias colocadas aquí. Ahora en algunos casos, ser juguetón con ciertos elementos de tu diseño puede marcar el tono del artículo o incluso de toda la revista. Shortlist es una revista realmente genial aquí en el Reino Unido, y se puede ver cómo son VT con URL. Por lo que en este caso, el pie está casi completamente cubierto. No hay número de página visible y también se lee el icono de URL. No obstante, este es un elemento que se repite en los otros spreads y no siempre tiene que ser completamente visible. Pero una vez más, se trata de romper las reglas cuando conoces las reglas. Otro término que se podría escuchar a veces es correr ganado corriendo pies. Una vez más, este es un elemento que continúa a lo largo un par de páginas para indicar un capítulo o sección dentro de la revista. Por lo que aquí en este caso, que podría considerar una cabeza corriendo, porque a medida que avanzamos y vamos a la otra página, nuevamente tenemos el mismo diseño ahí. 41. Imágenes en publicaciones de revista: Siempre que coloques en imágenes, hay dos cosas importantes que debes recordar. En primer lugar, es tener una leyenda para ellos y acreditar a los artistas, ya sea un fotógrafo o un ilustrador. En algunos casos, se verían leyendas individualmente para cada imagen, pero la práctica común sería también combinarlas y simplemente referirse a imágenes como izquierda, derecha, inferior. Entonces en este texto que tenemos todo escrito en un bloque de texto para simplificar los créditos en caso de que todas las fotos fueran tomadas para un artículo por el mismo fotógrafo. También puede incluir el nombre al principio dentro de la sección de byline. Entonces aquí por ejemplo, tenemos palabras, que es el artículo escrito por una persona. Y, pero luego inmediatamente después de eso está el crédito para el fotógrafo. Es bastante común que otros colaboradores también sean nombrados en la sección de byline. Entonces aquí por ejemplo, al lado del autor, tenemos nuevamente al fotógrafo, pero también al estilista del lado derecho. Ahora, hay muchas formas diferentes de sumar los títulos. Pueden ser cajas que se superponen a una imagen, o pueden escribirse sobre las imágenes. Y en estos casos generalmente debe ser en la parte inferior donde está escrito no en la parte superior porque puede resultar confuso si mueve los títulos por ahí. Es otra vez, bueno tener un sistema para ellos. Pero esta es otra vez una regla que se puede romper si tiene sentido. En este ejemplo, tenemos los textos en la parte superior izquierda de esa imagen. Pero eso se debe principalmente a que la imagen en la esquina extrema derecha del spread donde no hay nada más encima de ella. Por lo que es obvio que este título se refiere a esta imagen. Y la razón por la que ahí se colocó este texto, porque ese era el mejor espacio negativo dentro de la imagen. Por lo que habría sido difícil leerlo en cualquier otro lugar. Y eso es solo otro buen ejemplo de entender las reglas no significa que siempre tengas que seguirlas a todas. Se trata de ser flexible y adaptar las reglas a la situación real que tienes en un spread. Si hubiera otra imagen encima de esto, probablemente evitaría agregar el título aquí en la esquina superior izquierda. Hay otro término bastante importante para aprender en diseño de impresión. Es el sangrado, que suele ser importante cuando colocas imágenes en tu propagación, ya sean imágenes más pequeñas o estén cubriendo toda la propagación, lo más probable es que quieras que se vayan todo el camino hasta el borde. Entonces como esta imagen aquí va todo el camino hasta el borde en la parte superior, o esta imagen va todo el borde del camino a la derecha. Y aquí es donde necesitas asegurarte de que has sangrado. El sangrado suele ser adicionalmente tres milímetros fuera del tamaño final de impresión, que luego se recorta. Y cada vez que configuras las imágenes en InDesign, solo tienes que asegurarte de que el límite real o el borde de la imagen vaya hasta el borde de la hemorragia para que sean tres milímetros sacrificado para asegurarte de que obtienes un borde perfectamente impreso. Por supuesto, el sangrado no es sólo para las imágenes, también es para el resto de la propagación. Al igual que en este caso, tenemos un color azul muy sutil en el fondo, lo que significa que necesitas sangrar a lo largo de toda la propagación. Y hay una gran variedad de imágenes que puedes usar, ya sean ilustraciones, infografías, o fotografía, e incluso puede ser una combinación de éstas. No obstante, una vez que escojas cierto estilo, digamos un estilo de ilustración, como en este caso, Eso debe llevar adelante en todo el artículo. Por lo que es común si hay una comisión ilustradora para trabajar en un artículo, estarían cubriendo todos los elementos gráficos necesarios. Una vez más, esto está a punto de asegurar la repetición y unidad dentro de tu diseño, que definitivamente es una de las cosas más importantes para que se vea profesional ahora para imágenes que atraviesan un extendido, por lo que cubre ambos lados. Normalmente los llamamos camión doble o corremos por ahí. Y aquí hay un buen ejemplo para eso. O aquí hay otro que se puede ver. No significa necesariamente que sea una imagen en el fondo y luego pongas texto encima de ella que pueden ser formas ingenieras de integrar tu tipo detrás y delante y crear un poco más perspectiva o profundidad dentro de su propagación. Y eso es otra vez, un objetivo muy importante para ti como diseñador. Porque si se puede hacer un plano bidimensional, que es la revista se extendió en algo que se siente más tridimensional. Tus lectores se sentirán más atraídos a entrar en ese espacio que creaste. Y hay un término más sobre imágenes que vale la pena mencionar. Y eso es paquete fotográfico, que generalmente se refiere a un clúster de imágenes combinadas juntas en una columna o incluso a una sola fila, o incluso cuando se superponen y se apilan una encima de la otra como aquí. Ahora cuando nos referimos a la zona segura dentro del diseño, normalmente nos referimos a todo dentro de los márgenes. Los márgenes son esos bordes exteriores invisibles. Eso asegura que los textos no se acerquen demasiado al borde. Una vez más, eso puede ser excepciones como la cabeza corriendo en este caso, y el pie de página en la parte inferior con los folios. Pero aparte de los márgenes exteriores, hay que prestar también atención a los márgenes interiores, a los que normalmente nos referimos como el arrastramiento. Y aquí es donde tendrías la encuadernación o la columna vertebral de la revista. Entonces, aparte de mantener las cosas alejadas de los bordes, probablemente sea aún más importante no colocar nada importante en esta sección central de la propagación. Y eso se aplica tanto a los elementos textuales como a las imágenes. Entonces nota cómo aquí hábilmente, los cuatro personajes dentro la ilustración se colocan en el lado izquierdo y derecho, pero nadie está en el centro. Es por ello que la planeación es tan importante y el editor debe comunicarse siempre con el ilustrador que se encarga de trabajar en el mismo artículo. Ahora por supuesto, no siempre se puede evitar tener ningún detalle importante alrededor de la columna vertebral o fluencia. Por lo que en este caso, esta camioneta doble tendría algunos detalles que cae en esa sección de columna vertebral. Pero aún así, se puede ver que el diseñador prestó atención para no tener el texto en el arrastramiento. Es tanto aquí a la izquierda como a la derecha. Todavía va a ser legible una vez que la impresión final salga con este ejemplo de nuevo, porque la imagen cubre toda la extensión, es imposible evitar que los detalles terminen cerca de la columna vertebral o dentro de la fluencia. No obstante, todos los elementos textuales siguen siendo seguros y lejos del arrastramiento. 42. Detalles y términos adicionales del diseño editorial: Ahora, podrías recordar que mencioné en la primera parte de este video que el principal elemento textural dentro tu spread siempre va a ser la copia corporal. Aquí es donde la legibilidad es el aspecto más importante de tu diseño. Por lo que terminarías normalmente usando columnas para dividir el texto, asegurándote de que la longitud de tu línea no sea demasiado larga. Y cuando se trata de crear columnas, terminarías teniendo también una canaleta o LE, que es el espacio negativo dentro de las columnas. El tamaño para esto realmente depende del tamaño del texto y de la longitud de la línea también. Pero esencialmente lo que quieres asegurar es haya suficiente diferencia visual entre los dos lados. Por lo que tus lectores no terminarán saltando de un lado a otro accidentalmente. En algunos casos, puedes empujar un poco los límites y usar unas columnas muy estrechas como esta. No es realmente cómodo de leer. Una vez más, es un poco demasiado corto de una longitud de línea. Pero porque hay uso de justificación, lo que crea un borde muy afilado a la derecha en lugar de tener unas líneas desigual. Por lo que en estos casos, también podría ser capaz de reducir el tamaño de la canaleta o callejón entre las columnas. Recuerda, la legibilidad debe ser tu prioridad número uno y no el formato estilístico de gravado. Cuando se trata de dividir columnas, también se podría usar una regla descendente, que sería un elemento gráfico que dividiera las columnas. Entonces en este caso, estas son solo líneas simples, pero también puedes ser un poco más sutiles descargas de video como aquí tenemos estas vagas líneas punteadas corriendo hacia abajo al final de cada columna. Entonces al lado derecho de cada columna. Ahora, hay otro elemento muy común dentro un spread de revista que tiene varios nombres diferentes. Esto es de lo que estoy hablando cuando tienes un pequeño artículo adicional leyendo el artículo, es como una historia paralela que se relaciona con el artículo en sí. Hay muchos nombres para esto, lo que se puede llamar panel, copia de caja de libros, barra lateral y también cobertura secundaria. Existen ligeras diferencias entre todos estos, pero esencialmente todos se relacionan con estos detalles adicionales separados o aislados que generalmente ayuda a contar una historia completa además del cuerpo principal copia. Ahora estos deben separarse visualmente y diferir del resto de la copia del cuerpo y el resto de la revista se extendió. Entonces eso es sólo para asegurarse de que el lector sepa exactamente cuándo leer, que puedan decidir leerlo primero antes que terminen leyendo la copia del cuerpo o después, depende completamente de ellos. Pero tú como diseñadora, solo tienes que asegurarte de que esté aislado. Eso puede ser mediante el uso de una fuente diferente, un color de fondo, y realmente puede variar en tamaño. A veces incluso puede ocupar la mitad de la página. No obstante, la colocación más común para estos elementos sería en el borde derecho de la propagación. Por lo que esta es una colocación ideal para una barra lateral. panelistas también pueden ser más gráficos en lugar de solo confiar en texto como aquí tenemos más como una pequeña infografía, pero aún así sería considerado un panel. Y aunque aquí en el lado izquierdo, no tenemos un color de fondo distinto, este detalle sigue siendo lo suficientemente aislado al tener aquí esos simples elementos gráficos, creando un pequeño marco y una vez otra vez, ayudando o asegurando que esto sea lo suficientemente aislado como para convertirse en un panel o caja fuera. Ya que estamos hablando de marcos, líneas, por supuesto, también son elementos importantes dentro de una revista difundida. Pueden ayudar a guiar al lector y dirigir su atención a ciertos detalles. Aquí tenemos una regla, por ejemplo, justo debajo del titular o una aquí tenemos una línea de ojos, que normalmente llamamos cuando una línea corre por toda la propagación. Esta es otra forma de unificar visualmente las dos páginas. Y recuerda cuando hablé de profundidad aquí, hay un hermoso ejemplo de integrar la imagen que está en el fondo con esa línea de ojos que parece estar detrás de la imagen. Así que a pesar de que la mayor parte del texto se coloca encima de él, todavía hay otro elemento que se siente como si estuviera corriendo detrás de la imagen. Entonces esa es una forma inteligente de usar técnicas de enmascaramiento para establecer más profundidad y perspectiva en el diseño. Y por último pero no menos importante, tenemos que hablar de espacios en blanco o espacio negativo, que es todas las áreas vacías dentro de tu revista difundida. Estos son tan cruciales como todos los demás elementos de los que ya hablamos. Porque sin un buen equilibrio entre el espacio negativo y positivo, terminarías teniendo un diseño desordenado y claustrofóbico. Por lo que hasta esta gorra de caída masiva que tenemos aquí la izquierda define un espacio negativo bastante grande. Y por cierto, drop cap es otro término que se utiliza para definir estos primeros personajes grandes que pueden volver a funcionar como un buen punto de entrada o un punto focal en el diseño. Y si te interesa conocer más sobre ellas, tengo un video separado en el canal, cómo usar Photoshop e InDesign para crear tapas de caída emocionantes y atractivas. Pero volver al espacio negativo al tener mucho de él realmente intensifica el resto de los elementos y da un poco más de espacio para respirar. Por lo general cuanto más uses espacio negativo, más elegante y lujoso se extendió tu revista. Nos sentiremos como a pesar de que con esta fotografía tenemos un color en la parte posterior porque no hay detalles reales. También consideraría ese espacio negativo. 43. Diseño de libros: términos de portada: Permítanme cubrirlo encuadernación antes en este curso, ya tocamos el diseño del libro, pero hay muchos términos adicionales que tenemos que discutir. Y también pasaremos algún tiempo específicamente hablando del propósito de una portada de libro y algunas mejores prácticas sobre cómo diseñar cubiertas de libros esa celda. Empecemos con lo básico y estos son términos más o menos obvios. Si abres un libro y lo depositas, verás la portada derecha y la contraportada a la izquierda. En el medio, verá la columna vertebral. Y para mantener las cosas simples, todas las páginas dentro nos referiríamos como páginas interiores. Ahora en términos de numeración de páginas, vale la pena tener en cuenta que la mayoría de las veces, la portada con el recuento como página número uno, el interior de la portada sería la página número dos, y la real el contenido normalmente sólo comienza en la página número tres. No obstante, aún podría haber tabla de contenidos hacia adelante y otras cosas por el estilo antes de que comience el contenido real. Entonces, en algunos casos, el primer capítulo del libro podría comenzar fácilmente en la página 20, por ejemplo, otro término que podrías escuchar es el bloque de libros, que nuevamente se refiere a todas las páginas de visión juntas sin la portada, el lado opuesto de la columna vertebral, que verás cuando voltees el libro y echas un vistazo a las páginas reales en el interior, nos referiríamos a como para edge. Entonces esto es lo que llamamos para edge, y aquí es donde están conectadas las páginas. Los márgenes interiores juntos. Puedo ver ahí que el creep o sheng ling y el mismo término también se usa para revistas. Y la mayoría de las veces, las imprentas tendrían gráficos para calcular el tamaño correcto de fluencia o márgenes interiores dependiendo de la longitud del libro y el stock de papel particular que va a ser utilizado para la impresión. Al mirar un libro desde arriba, nos referiríamos como el, el jefe del libro. Y cuando lo miras desde abajo, esa sería la cola de un libro, que podemos ver muy bien en estos ejemplos. El motivo por el cual estos términos también son importantes porque es posible que desee referirse a que se les imprima en un color particular. Al igual que en estos casos, el color real del papel, por supuesto, no es de color verde oscuro. Solo es visible desde el exterior y se utiliza como una característica estilística. El lomo en sí puede contener diversa información, mientras que la mayoría de las veces sería el autor y el título, y a veces también el nombre o logotipo del editor en la portada, lo haría normalmente tienen el nombre del autor, el título de la publicación, algún tipo de ilustración o fotografía, y luego el eslabón o un subtítulo. Y la mayor parte del tiempo en la parte posterior tendrías un resumen de libro aval tal vez por alguien, y luego también el código de barras y el precio. Esas son también dos categorías principales dependiendo del tipo de portada que tenga el libro. Pueden ser de cubierta blanda como estos o bien conocidos como encuadernados de papel, que esencialmente solo significa que puedes doblar la portada mientras que en comparación con esto, los libros de tapa dura están enlazados en rígidos materiales para que no puedas doblarlos fácilmente dependiendo de donde estés basado en el mundo. También podrían ser referidos como llaves encuadernadas o libros de tapa dura. Ahora, dependiendo de la relación entre las páginas interiores y la portada misma, bien tienes un libro de portada autogobernante o un plus. Autorgobernado significa que la cubierta en sí es del mismo material o mismo stock que las páginas interiores. Y plus cover significa que la cubierta en sí está hecha de stock más pesado o material más pesado que las páginas interiores. Los libros de tapa dura muy a menudo también vienen v, la sobrecubierta o envoltura de caso, que suele ser un material más delgado y más glossiso que la propia cubierta, que hace que sea más fácil de usar varios especiales técnicas de impresión y embellecedores utilizados como primer apisonamiento spot barniz UE, y todo el resto que cubrimos anteriormente en el curso. Cuando tienes una sobrecubierta, también puede albergar información adicional. Y por lo general esto es algo que se utiliza para promocionar el libro y hacer que sea más fácil venderlo. Y aunque realmente varía entre libros, pero la mayoría de las veces tendrías una breve biografía del autor, ya sea aquí en la solapa trasera interior de la sobrecubierta o la solapa frontal interior . Pero esta área generalmente se mantiene para el resumen de la historia del libro, a veces referida como copia de panel. 44. Diseño de libros: términos adicionales: En cuanto a las páginas internas o de visión, También hay un par de términos adicionales con los que debes estar familiarizado. Al igual que dos páginas juntas, que podemos llamar spreads en revistas. En el caso de los libros, nos referiríamos principalmente a ellos como una hoja. Y una página sería considerada una de las caras de la hoja. La primera página dentro de una hoja sería referida como una reversión. Y el segundo sería rectal. Y en caso de leer dirección que va de derecha a izquierda en lugar de izquierda a derecha, entonces estos dos obviamente intercambiarían y tendríamos peor a la derecha y rectal a la izquierda. No quiero confundirte. En la mayoría de los casos, será verso seguido de rectal. Ahora cuando hablábamos de métodos vinculantes, ya discutimos qué es una firma. Pero en el caso de los libros, realidad hay un par de términos específicos que vale la pena recordar. Esta comparación lo muestra muy bien y explica lo que significan cada uno de estos. Por lo que hay folio y octogonal en el orden de aumentar los números de página. Pero lo que es común con todos estos es que todos comiencen con una sola hoja de papel. Por lo que en caso de un folio, esa sola hoja de papel se imprimiría en ambos lados. Y habrá un solo pliegue en el medio, lo que resultaría en cuatro páginas. Ahora podría recordar el término hoja. En este caso, obtendríamos dos hojas, lado a y lado B. de lado a y lado B. Y ambas tendrían el lado verso y recto en ellas. Subiendo en términos de números de página, cuando has adquirido a través, la principal diferencia en este caso es que tendrías dos pliegues, y uno de estos pliegues en realidad también se corta o recorta. Entonces todos los números con un cuarto serían el doble de lo que hemos visto con Folio. Entonces aquí tendríamos ocho páginas impresas, lo que significa que tenemos cuatro hojas. Y al pasar a octogonal, de nuevo, todos los números se duplicarían. Por lo que aquí serían 16 páginas y ocho hojas, logradas al tener tres pliegues y dos cortes. Y prometí que el último término quiero mencionar es una reunión, que son múltiples folios insertados entre sí y cosidos juntos en su pliegue central antes de la unión real del libro . Y una vez que todas las reuniones o firmas se apilan una encima de la otra en el orden correcto. Se colocan junto con todos los elementos o componentes adicionales del real cubierto en sí mismo, que por supuesto dependería del método de unión que se seleccionó para el proyecto. Hay varios tamaños estándar para libros en el Reino Unido y para el resto de Europa, tendrías los libros de formato a y b, pero también hay demi y royal. Mientras que en Estados Unidos, los tamaños más populares o su tamaño de bolsillo, el digest, el comercio estadounidense, y la tapa dura, que puede oscilar entre seis por nueve pulgadas a 8.5 por 11 pulgadas. Decidir el tamaño de página o las dimensiones de un libro es importante, por supuesto, porque afectará muchas cosas como el envío, almacenamiento, pero también puede influir en la audiencia a la que estás apuntando. Al igual que por ejemplo, las personas que viajan mucho preferirían libros de menor tamaño. Ahora aquí hay una comparación interesante que nos muestra, dependiendo del tamaño que elijas, ¿cuál es el porcentaje real de papel utilizable para el conocimiento? Esto se debe a la relación de aspecto única de estos libros, pero también lo que es más importante, el tamaño de los márgenes. Y hay una gran diferencia entre un formato de libro A5 y luego A4. Entonces, ¿por qué un cinco, solo tienes un 60% de papel utilizable con A4? Es casi el 80 por ciento. Eso puede marcar una gran diferencia para un libro de formato largo. Y realmente puede cambiar la cantidad de páginas requeridas para el proyecto. Pero además de conocer todos los tecnicismos del diseño de libros en cuanto a lo que hará que la gente quiera recoger un libro y leerlo, lo más crucial tiene que ser la portada. Y como diseñador gráfico, diseñar la portada es probablemente la tarea más importante. De igual forma a diseñar el logotipo fuera de todos los demás elementos una guía de marca o diseño de identidad, un libro bien diseñado debe comunicar de inmediato el género del libro. También debe insinuar la trama, potencialmente también establecer una conexión con los protagonistas mediante el los colores y topografía correctos. También puede establecer un tono particular. Y al igual que con otros diseños, tener significados inteligentemente ocultos en una portada también puede hacer que la gente esté más interesada en echar un vistazo más de cerca lo que hay dentro. De igual forma a cualquier otro proyecto de diseño gráfico, si estás diseñando la portada de un libro, siempre debes llegar a múltiples variaciones en la etapa de exploración temprana. Y este es un ejemplo de uno de nuestros estudiantes pro miembros, gene bowman, quien creó estos bocetos y los presentó al cliente. Aquí también están los tres conceptos o bocetos originales para la portada del libro que ya vimos anteriormente, de los cuales uno de ellos fue seleccionado y refinado aún más con todos los detalles adicionales que podemos ver aquí. 45. Diseño de pósters: Los carteles son los productos promocionales más comunes en diseño impreso, existen muchas categorías y tipos diferentes dependiendo del tema promocional. Las categorías principales son carteles de películas, carteles publicitarios, carteles sensibilización, y carteles de eventos. Lo más importante de los potenciadores es que necesitan ser llamativos y atractivas. Quieres que la gente que camina por la calle detenga y mire tu posterior por lo menos un par de segundos hasta que encuentren la información relevante que están buscando. Al igual que cuando sale una película, cuándo y dónde está sucediendo un evento, por qué deben comprar un producto o servicio que se anuncia o cuál es el mensaje principal en caso de un cartel de sensibilización. Ahora, típicamente los carteles usan una combinación de tipografía e imágenes o ilustración. En algunos casos, uno de estos elementos puede ser más dominante que otros, como en el caso de estos carteles aquí, algunos de ellos utilizan principalmente la tipografía. Mientras que en otros ejemplos, como algunos de estos carteles de películas de superhéroes, ¿dónde está la imagen que toma el centro del escenario en este tablero? Podrás encontrar muchos ejemplos organizados temáticamente, y una parte de estos ejemplos que analizamos más a fondo en las otras partes de este curso. Pero hay un par de cosas generales que puedes notar mirarlas desde esta distancia es que la mayoría de veces los encuestadores serían retratar formato, aunque la relación de aspecto puede variar ligeramente, este es probablemente el formato más exitoso en diseño de carteles. No obstante, a la hora de anunciarse en revistas, por ejemplo, pueden tomar dos páginas o un spread completo, y en este caso, serían más formato de paisaje. Y aunque estos son anuncios dentro de las revistas, todavía se pueden considerar como carteles porque son muy similares en formato. Y en caso de vallas publicitarias que tienen las impresiones de formato más grande para el diseño de carteles, estarás trabajando en esta relación de aspecto horizontal panorámica. Y otra cosa común que se puede ver en la mayoría de estos posteriores es que utilizan contraste, ya sea por color o contraste tonal. Y algunos ejemplos que realmente destacan serían este cartel aquí u otro cartel aquí mismo, u otro en la categoría Conciencia. Esencialmente carteles que usan blanco y negro serían los más altos en contraste. Y recuerda, el objetivo principal de un cartel es captar la atención de la gente. Entonces este es uno de los métodos que puedes utilizar, o si es mediante el uso de contraste u otros métodos, una buena manera de probar tu diseño y si es efectivo o no es realmente mirarlo de esta distancia. Esto es lo que normalmente llamaríamos un tamaño de miniatura. Por lo que incluso en este tamaño, tu cartel debería funcionar. Por supuesto, no podrás leer los detalles, pero deberías poder entender de qué se trata el cartel y tener una sensación general al respecto. Verás que algunos de estos carteles, incluso desde esta distancia, siguen teniendo éxito en transmitir el mensaje principal, ya sea mediante el uso de gran topografía, alto contraste o imágenes grandes. Pero otra cosa importante a tener en cuenta es que aunque estás tratando de poner tanta información en un cartel, nunca debes sentir por completo todo el espacio disponible. Así que asegúrate de dejar que tu diseño y respire incluyendo espacio negativo o espacios en blanco. Y para esto, podemos volver a ver algunos ejemplos sorprendentes de estas versiones ilustradas de la Trilogía original de Star Wars por toda la misa o los carteles de bañera para los Oscar en 2016 por 112 sub l. Pero incluso los carteles de animación comúnmente utilizarían espacio negativo en los diseños, lo que ayuda a dar una lectura mucho más clara y rápida de la composición, que probablemente sea aún más importante para el público más joven, donde el lapso de atención es aún menor que el de un adulto. Una buena técnica cada vez que estás diseñando carteles es comenzar realmente en este pequeño tamaño de miniatura y llegar a varias ideas antes de comprometerte con una y refinarla en la final versión detallada. Esta interesante y divertida serie de Gobi carrier muestra cómo algunos de los icónicos carteles de películas pueden incluso ser reconocidos simplificarlos excesivamente en estos diseños extremadamente minimalistas. Trata de tiempo para ver qué tan rápido puedes reconocer todos estos carteles. Y en caso de que no puedas averiguar cuáles son, siempre puedes consultar el enlace aquí en la pizarra. Podrás encontrar estos Ilustración y también otra obra del artista. Es posible que ya hayan visto estos ejemplos, pero este es también un gran ejemplo de mostrar cómo cierta composición está funcionando realmente bien para carteles, en este caso, para carteles de películas. Por lo que estos son los clichés muy comúnmente vistos, como la silueta de una persona desde atrás, ya sea que estén mirando hacia fuera o tal vez mirando hacia nosotros, o viendo gente de lado de pie de regreso a -back, muy comúnmente utilizado para rom coms. El uso de negro, blanco y rojo o naranja para películas de acción principalmente. Y cerrar vista de los principales actores en una película teniendo grandes cabezas en la parte superior y luego playas en la parte inferior. Esto también es interesante, eso es muy comúnmente utilizado para categoría drama, nuevo, que involucra romance. Y muestra que la costa es una gran metáfora del anhelo. Inscripciones. 46. Diseño de envases: El diseño de empaque es otro sector especializado dentro del diseño de impresión, cualquier producto que te encuentres tendría al menos un empaque primario, que es el que protege, conserva, y contener los contenidos, pero también informa al cliente. La mayoría de las veces, la tarea de los diseñadores gráficos no es llegar a la forma real del empaque, pero ¿qué se imprimirá en el empaque? Principalmente tienes que preocuparte por el aspecto informativo del diseño de envases. Pero para poder trabajar en este sector y poder producir con éxito productos de empaque, tendrás que aprender muchos términos específicos de los cuales unos cuantos voy a cubrir en este video. Ahora probablemente una de las cosas más importantes para entender que se aplicaría a prácticamente cualquier tipo de empaque es el corte ****, donde el tinte hace referencia a estas finas cuchillas de acero afiladas y afiladas que se forman en una forma y diseño específicos. Puedes pensar en ellos como cortadores de galletas sobredimensionados y sofisticados. Y troquelado es el método real de presionar estas cuchillas sobre el sustrato o papel, lo que resulta en el acero de envasado final en forma plana. Pero durante el proceso de corte de tinte, no se trata de cortar porque dependiendo del tipo de cuchillas utilizadas en el troquel, también puedes aplicar puntuación, que puede crear pliegue, pliegue o puntaje líneas. Esencialmente, estas son las que están preparadas para ser dobladas o bandas para el empaque final. Y en caso de que te preguntes, estas son todas hojas de sierra pero tienen borde opaco en comparación con las que se utilizan para cortar. Las perforaciones también se pueden usar cuando se están cortando pequeños agujeros en el papel o sustrato, que lo prepara para un fácil desgarro. Se puede utilizar para cosas como estas estantería leer el empaque. El empaque causa generalmente múltiples productos interior y después de ser entregado a una tienda, se puede reutilizar y utilizar como una unidad de visualización que puede ir directamente en estantes, similar a las otras áreas discutimos en diseño impreso. A pesar de que con el diseño de empaque, usted está produciendo al final, producto tridimensional, todavía comienza en una vista bidimensional. Esto es a lo que nos referiríamos como un dibujo de línea clave o una guía de corte, que incluiría la impresión real o la obra de arte. Y luego encima de ella en una capa separada, varios tipos de líneas que indican los tintes, posición, forma y funciones. Por ejemplo, el corte completo generalmente se refiere con una línea sólida plegado o pliegue normalmente sería líneas punteadas y las perforaciones serían líneas discontinuas. Ahora siempre vale la pena comprobar con tu impresora qué tipo de indicaciones prefieren usar y configurar tu archivo Illustrator en consecuencia, o asegúrate de incluir una leyenda así en la parte inferior, que explica cuáles son los tipos de líneas que estás usando están indicando solo para evitar confusiones porque definitivamente no quieres que las líneas de plegado se confundan con perforaciones. Por ejemplo, utillaje es otro término que podrías escuchar, que nuevamente se refiere a estos bloques de corte o los tintes utilizados en el proceso de fabricación. Nuevamente, como diseñador gráfico, realmente no tienes que preocuparte por estos la mayor parte del tiempo, siempre y cuando estés utilizando las guías de corte correctas que coincidan perfectamente con estos tintes. Entonces estoy seguro que lo adivinaste como diseñador gráfico, es muy importante trabajar con precisión. Es extremadamente importante en cuanto a empaques porque una vez más, en comparación con la mayoría de los otros diseños recuperados, que termina siendo plano. Aquí, estás creando objetos tridimensionales que necesitan ser ensamblados durante la producción o en la etapa de cumplimiento. Y al igual que una nota al margen, troquelado en realidad no solo es uso para producir empaques, también se usa para crear pegatinas o incluso tarjetas de visita con forma personalizada. Y en caso de pegatinas, pena mencionar la diferencia entre una pegatina troquelada, que ya sale recortada sin ningún exceso de papel comparado con el beso consiguió pegatinas donde todavía tienen el respaldo de papel original intacto y troquelado de madera solo parcialmente cortado a través del material para crear este contorno fácil de pelar alrededor del diseño de la pegatina. Cuando hablamos de folletos, mostré algunos ejemplos donde de nuevo, era necesario troquelar. Y tiene otro gran ejemplo donde la portada tiene esta tipografía que se ha recortado creando este look muy único. Nuevamente, para algo como esto, se requeriría un tinte que necesita ser fabricado. Y por supuesto, esto siempre aumentaría el precio del proyecto. Pero lo bueno es, siempre y cuando estés usando la misma impresora en caso que tengas que imprimir otra versión del mismo folleto, que usaría la misma portada por ejemplo, eso significa que no tienen que pagar extra para que se produzca otro tinte. Suministrar un archivo separado para la propia impresión. Pero el proceso de corte de tinte seguiría siendo el mismo. Cuando se tienen múltiples versiones del mismo empaque, por ejemplo, diferentes sabores en una gama de productos en términos de empaque que se denominarán adaptación variante en términos de composición, lo que debes tener en cuenta como diseñador gráfico es que la mayoría de las veces estas varianza se mostrarían uno al lado del otro en los estantes de las tiendas. Siempre es bueno mantenerlos similares entre sí lo suficiente como para los clientes reconozcan que es el mismo tipo de producto, pero asegúrate de usar suficiente contraste de color entre ellos para que nadie se va a confundir entre los sabores son las opciones que tienen. Entonces como podemos ver en este ejemplo, todo está prácticamente configurado de la misma manera. Por lo que tenemos información del lado izquierdo y derecho de esta etiqueta envolvente alrededor, y es exactamente lo mismo aquí en la otra versión. Y por lo general además del color, por supuesto, querrías indicar también el sabor real, que en este caso, y en la mayoría de los casos, va aquí en el centro donde es fácil para el clientes a spot para todo tipo de productos. Tendrías que incluir mucha información en el empaque. Pero sobre todo para los productos alimenticios, hay muchos hechos nutricionales que debes incluir. Y por supuesto para esto, puedes encontrar los reglamentos y estándares que debes seguir. Y además de esto, también necesitarías un código de barras, que en la mayoría de los casos se llamaría bien SKU o UPC. Así que la unidad de mantenimiento de existencias o un código de producto único. Nuevamente, que nuestras herramientas en línea. Por lo que podrías obtener estos de tu cliente en formato vectorial que necesitas incluir en tu diseño de empaque final. Y ya mencionamos la guía del cortador, pero solo quería mostrarte un ejemplo rápido aquí en Illustrator. Algunas cosas que siempre debes tener en cuenta cuando preparas estas. Entonces una cosa que probablemente sea obvia que todas las líneas de la guía de corte tiene que estar en formato vectorial, incluso si tienes algunos detalles de la lista en la propia obra de arte, la guía de corte tiene que ser totalmente vector. Siempre es bueno tener la obra de arte colocada en una capa separada y mantener las guías de corte bloqueadas en una capa por encima de ella. Normalmente debe establecerse en negro puro o un color puntual que especifique a sus impresoras. Y también es una buena idea ponerlo a sobreimprimir para que no se vea fuera de los gráficos. Una última cosa que vale la pena mencionar es que en algunos casos tendrías impresión en ambos lados de tu empaque. Por ejemplo, en caso de una caja que reciban los clientes puede tener alguna información básica en el exterior, y puede incluir mucho más una vez que abran el empaque. Incluso puede tener instrucciones dentro de lo que se supone que deben hacer con el producto o cómo montarlo. Y estas impresiones dentro del embalaje también se pueden colocar en las solapas y probablemente harán que los clientes aprecien el esfuerzo real que se involucró en diseñar el propio embalaje. Como diseñadora de empaques, uno de los mejores cumplidos que puedes obtener es cuando ves a la gente guardando una caja de mucho tiempo después de que usaran lo que había dentro de ella. 47. Diseño ambiental: El Diseño Ambiental es probablemente una de las áreas más versátiles y complejas dentro del diseño impreso, que de nuevo combina múltiples disciplinas, entre ellas economía, arquitectura, interior, industrial , y diseño paisajístico. Ahora por supuesto, no tienes que ser arquitecto o diseñador de interiores para poder trabajar en proyectos de diseño ambiental. No obstante, cualquier conocimiento de estas profesiones te ayudará. Una de las áreas más grandes dentro del diseño ambiental es vey finding, lo que ayuda a conectar visualmente a las personas con lugares mejorando su experiencia general, haciendo que este espacio sea más memorable, interesante, informativo, y más fácil de navegar. Gran parte de la señalización wayfinding, como este gran ejemplo de un sistema de búsqueda de caminos zoológico. Pero también incluye murales tanto en interiores como en exteriores. Y al igual que con todo en diseño gráfico, puedes ser muy creativo en cómo usas los murales. Se pueden utilizar como en este ejemplo, donde desde un ángulo específico podrás ver los números de las habitaciones. Pero cuando te acerques a ellos, en realidad terminarán luciendo así. Entonces es un juego inteligente en perspectiva o ángulo de visión. Pero incluso con la colocación de murales, puedes ser creativo y usar, por ejemplo, el espacio de piso para la navegación. El motivo por el que normalmente nos referimos a wayfinding como un sistema es porque todos los componentes que se utilizan para la navegación deben relacionarse entre sí o sentir que forman parte de la misma familia. Esto ayuda a las personas a acostumbrarse y reconocer rápidamente los bits de información que pueden ver en todo el espacio específico. Por lo que la consistencia en este tipo de diseño es extremadamente importante. Cuando estás diseñando señalización, debes tener una directriz muy clara para cada bit de información, tamaño de cada elemento, y su posición debe ser siempre consistente. El impuesto debe ser siempre legible incluso a distancia. Y los iconos también deben ser muy fáciles de reconocer. En los sistemas wayfinding, los colores también se relacionan normalmente con algo que nos referimos a algo que siempre debe ser una guía de color o código de color que explique lo que significan cada uno de estos colores. Pero en caso de signos bien diseñados, los colores tendrían sentido casi de inmediato para todos. Entonces, en general, la gente no debería tener que confiar en instrucciones sobre cómo usar un seno. Recuerda al inicio de este video mencioné la ergonomía. Eso es en realidad algo que es muy importante cuando se trata del hallazgo. Porque casi todos los diseños que terminarán en un espacio tendrán que funcionar bien con cómo se comportaría la gente en ese entorno. Entonces, por ejemplo, si sabes que la gente va a caminar por algo, los diseñadores siempre deben estar cerca ese nivel de los ojos o ser claramente visibles al conducir diseñando para eventos, conferencias, ferias comerciales y exposiciones también es una gran parte del diseño ambiental. Y en este caso, como diseñador gráfico, normalmente trabajaría y produciría artículos de visualización. Y aquí en este tablero encontrarás algunos ejemplos y sus nombres como banners de rodillos, consigue el mostrador y los puestos de banner de Zhi Bo, mostradores de mostrador o exhibiciones de punto de venta. Y al igual que con todos los demás tipos de composiciones de diseño gráfico. Con estos, de nuevo, lo más importante es captar la atención de la gente. Y una vez que tenga su atención forma rápida y efectiva, mostrar la información que están buscando en comparación con el diseño wayfinding aquí, el propósito de estos elementos de visualización es más sobre mercadotecnia , promoción y venta de productos o servicios. Y por último pero no menos importante, infografía y la visualización de datos también es algo que normalmente colocaría bajo diseño ambiental. Incluso si estos terminaran en una revista o en una diapositiva de presentación, siguen sirviendo al propósito principal, mostrando información comparada con las unidades de visualización donde se trataba de vender cosas. La visualización de datos la mayor parte del tiempo se utiliza con fines educativos. Y creo que probablemente hayas adivinado que en esta área, mayoría de los diseños se crearían en Adobe Illustrator, a veces quizá también usando Adobe InDesign y para la visualización de datos específicamente, en realidad hay un plugin muy útil que se puede utilizar en Illustrator que te voy a mostrar en el siguiente video. 48. Conclusión: Enhorabuena por completar este curso de la serie de teoría del diseño gráfico. Espero que lo hayas encontrado útil e inspirador. No olvides pasar por el glosario de términos PDF, revisar todo lo que cubrimos, y si te sientes listo, toma el quiz para poner a prueba tus conocimientos. Vuelve en cualquier momento a las referencias en los tableros mileniales que usamos en este curso para ayudarte a recordar las cosas de las que hablamos o definir inspiración para tu próximo proyecto de diseño, por favor háganoslo saber si sintió que faltaba algo este curso o si tiene alguna sugerencia sobre cómo podemos mejorarlo, envíenos un correo electrónico a info en la asignación designer.com, y nos pondremos en cuenta en cuanto posible. Realmente agradecemos su aportación y ayuda. Ahora, es hora de que elijas tu próximo tema y te sumerjas en otro curso de teoría del diseño gráfico. Recuerda, no hay orden correcto o incorrecto para completar esta serie. Todas las reglas que cubrimos son igualmente importantes y todo está relacionado. Pero lo más importante es conseguir una buena comprensión de estas reglas y aplicarlas en tus proyectos. Estoy seguro de que usarás lo que has aprendido para crear algo increíble. Y no puedo esperar a verla.