Producción musical: conceptos melódicos explicados

1. Introduccion: Hola, y bienvenidos a mi curso Conceptos Melódicos en la producción musical largo de los años he tenido muchos alumnos que vienen a mí, preguntándome, ¿Cómo creo una melodía? Soy genial creando beats o tal vez líneas de base. Pero cuando se trata de algunas de las funciones armónicas y melodía más técnicas, algunas de las cosas más cargadas de teoría, ahí es donde muchos estudiantes necesitan un poco más de ayuda. Entonces por eso he creado este curso para asegurarme de que tengas un buen entendimiento de cómo crear una melodía pegadiza que va a funcionar dentro de tus producciones Si bien vamos a hablar algunos conceptos melódicos que están más basados en la producción, como cómo aplicar el swing o mantener un ritmo recto, mayor parte de esto en realidad está un poco yuxtapuesto al curso de armonía que creé, donde se trataba más de técnicas de producción alrededor de algunos conceptos melódicos que están más basados en la producción, como cómo aplicar el swing o mantener un ritmo recto, la mayor parte de esto en realidad está un poco yuxtapuesto al curso de armonía que creé, donde se trataba más de técnicas de producción alrededor de la armonía. Esto va a ser un poco más sobre la teoría de crear una melodía y trabajarla en tus producciones. Estaremos hablando de tema melódico densidad rítmica, melodías anchas versus estrechas, melodías anchas versus estrechas La idea es asegurarse de que si tienes una producción que tiene prácticamente de todo menos una melodía convincente, voy a poder darte un conjunto de pasos para que entiendas cómo encajarla estilísticamente en lo que deberías estar haciendo para estilísticamente en lo que deberías estar acercarte a las notas y ritmos correctos dentro de tu melodía y generalmente solo asegúrate de masajearla en su lugar para que te ayude completar ese sonido producido por completo. Ahora, hay muchos estilos por ahí. Hay muchas formas diferentes de abordar estas cosas. Voy a intentar darte algo que sea universal que puedas usar en el futuro, aunque quisieras explorar algo piano clásico o crear una melodía para un cantante pop o crear una melodía chip tune o un ostinato para un ritmo de hip hop Sea lo que sea, quiero asegurarme de que lo que te estoy dando no solo sea atemporal, sino que también va a poder encajar su camino en cualquier estilo que estés produciendo. Ahora, va a haber un proyecto de clase dentro de este curso. Así que asegúrate de revisar la clase que te da todos los detalles para ese proyecto. La idea es que vayas a tomar una melodía que hayas creado y desglosarla discutiendo cómo los diferentes consejos y trucos que te he dado dentro de este curso se aplican a la melodía que has creado. Pero claro, echa un vistazo a la clase que describe todos los detalles para que pueda adentrarme en las malas hierbas de la descripción de este proyecto. Entonces, si estás tratando de mejorar tu escritura de melodía como productor, entonces este curso es totalmente para ti. Asegúrate de estar listo para aplicar estas técnicas dentro de tus propias producciones y realmente entrar en esa práctica que necesitas para hacer de estos conceptos una segunda naturaleza. Tengo muchas ganas de comenzar esto contigo. Te atraparé en primera clase. 2. Proyecto de clase: Para este proyecto de clase, vas a tomar algo preexistente y vas a ver cómo se descompone el material de dentro de este curso dentro de algo que ya has creado. Entonces digamos que tienes una canción en la que estás trabajando que ya tiene melodía. Quiero que solo la melodía. Tal vez puedas ir melodía y armonía, pero no estamos pensando en la producción de big picture en este momento. Estamos pensando en la teoría de tu melodía. Quiero que tomes esa melodía y rompas los diferentes conceptos melódicos que te he dado y cómo se usan dentro de esa melodía en particular Entonces, por ejemplo, tal vez la densidad rítmica cambie Hacia el final, estás usando algo de cromatismo, y también estás tomando nota de cómo estás usando cosas como vecinos pasando tonos, etcétera. Estás analizando tu propia melodía para que en el final de la línea, tengas la capacidad de hacer esto con las melodías de otros artistas Si siempre te ha gustado mucho cómo Chopin crea melodías o cómo Hans Zimmer crea melodías, después de este curso y después de este proyecto específicamente, tendrás las herramientas para poder analizar lo que ha hecho otra persona para analizar lo que ha hecho otra persona que esencialmente puedas recrear esas mismas técnicas Nuevamente, para que podamos crear nuestro propio estilo, necesitamos identificar lo que nos gusta de otros artistas y encontrar pequeñas formas de robar esencialmente esas técnicas y fusionarlas con otras técnicas de artistas para que al final del día, creamos nuestro propio estilo. Ahora, puntos extra para este proyecto es si tomas la melodía que ya has creado y tomas dos de las técnicas de este curso que no has aplicado dentro esa melodía e intentas aplicarla. Entonces digamos dentro de tu melodía, no hay cromatismo y tienes curiosidad por probarlo y ver cómo eso puede o no mejorar tu melodía, entonces volverías a grabar la melodía usando algún cromatismo y posiblemente alguna otra técnica de este curso, también, también Así que tomar la melodía preexistente, expandirla y ver cómo agregar algunas de estas otras técnicas ha cambiado tu melodía. Una vez que tengas las cosas grabadas y exportadas preferentemente como MP threes, vas a enviarme un enlace público ya sea a través de SoundCloud, a través de YouTube , usa un fondo negro, a través de Google Drive, sea lo que sea que quieras usar como tu medio para compartir conmigo, solo asegúrate de que estás compartiendo un enlace público para que pueda acceder fácilmente a tu proyecto A partir de ahí, te voy a dar algunos comentarios sobre lo que creo que mejor hiciste y áreas de mejora. Ahora, tómate tu tiempo con esto. No está destinado a ser apresurado. Quiero asegurarme de que estés contento con lo que estás presentando, pero al final del día, no tiene que ser una obra maestra. Así que encuentra ese punto dulce de que he puesto algo de trabajo en esto, pero estoy lo suficientemente feliz sabiendo que no es perfecto y luego envíelo. Por supuesto, si tiene alguna pregunta en el camino, no dude en comunicarse y preguntar. Espero que te diviertas con este proyecto, y te pillaré en la siguiente clase. 3. Metal e imanes: Bien, al salir de la puerta, vamos a hablar de metal e imanes, cómo se relacionan los acordes y la melodía en un escenario producido . Vamos a echarle un vistazo. Tan directo por la puerta, quiero mencionar que tengo una parte de batería y una progresión básica de acordes. Puedes ver nuestros tres elementos principales aquí son batería, los acordes y la melodía Melody con la que aún no hemos trabajado porque eso es lo que hoy vamos a crear juntos. Pero lo que tengo hasta ahora es, como, una casa disco básica Kana ish drumbeat Y entonces la progresión de acordes es G menor siete, Mi bemol mayor siete, Do menor siete. Entonces estamos en la clave de G menor. Se trata de un uno plano 64. Ahora sé que estoy en sol menor porque esa es la progresión de acordes que creé. Podríamos haber elegido cualquier tecla, pero vamos a querer asegurarnos de que nuestro modo de escala aquí arriba esté configurado en Sol menor. Esto va a ayudar a los principiantes que están tomando este curso en particular porque nos va a ayudar a resaltar ciertos nodos que son importantes dentro de nuestra clave. Así que nos hemos montado en sol menor. Vamos a darle una escucha al bucle que tenemos. Además, como recordatorio amigable, puedes cambiar el clic en algunos canales en Ableton, y cuando haces clic derecho asigna color de pista a los clips ahora puedes ver que nuestros clips son amarillos en el carril amarillo, morados en el carril morado Basta de platicar. Así es como suena. Bien, entonces ese es nuestro bucle básico. Vamos a destacar esta área. Podríamos tocar algo en, como, podríamos presionar el botón de grabar aquí arriba, y luego podríamos tocar en una melodía de algún tipo. Por ahora, voy a hacer un Control Shift M en esta zona. Si estás en Mac, es Command Shift M. Y ahora tenemos esta área midi para poder trabajar dentro, ya sea que queramos escribir notas o si queremos tocarlas en ambas nuestras opciones ahora. Lo que es realmente genial de esto es que una vez tenemos una melodía que hemos creado, podemos controlar, hacer clic en la armonía para ver cómo se relacionan los dos. Esto es muy importante en cosas como partituras orquestales, y ves este tipo de flujo de trabajo Es muy frecuente en lógica y base de cue. Y si haces este control click entre múltiples clips, entonces en Ableton, tienes acceso a eso, también Entonces, ¿qué quiero decir con metal e imanes? Quiero que pienses en la armonía como un montón de imanes para tu melodía. Y tu melodía es como pequeñas piezas de metal que quieren moverse hacia esos imanes. Entonces mi primer acorde que mencioné fue G menor siete. Creo que técnicamente G menor nueve. Entonces nuestras notas son G, D, F, A y B bemol, lo que termina sonando así Entonces cualquiera de estas notas, si tuviera que tocarla arriba y octava o abajo y octava, debería sonar bastante bien con este conjunto original de notas porque son las mismas notas simplemente desplazadas hacia arriba o hacia abajo y Entonces si los estoy tocando aquí y suena bien y los toco aquí, suena igual, solo más alto, y luego aquí, suena igual, más bajo. Cuando digo que suena igual, no me refiero tonalmente o textualmente , solo en términos Entonces, si un grupo de notas suena bien y puedo moverlo hacia abajo o hacia arriba en octava, y suena bien, ¿y si solo selecciono una de esas notas de ese cúmulo Seguramente eso sonaría bien, ¿verdad? Es muy seguro, en todo caso, y podemos tomar esa nota única de ese cúmulo y representarla como nuestra melodía. Como versión más sencilla, si tengo un acorde en Do mayor, mira el pequeño teclado midi justo debajo de mí aquí. Aquí está nuestro acorde en Do mayor, CEG. Si toco un acorde en Do mayor aquí, todavía suena bien. Así que cualquiera de estas tres notas de la derecha, que son las mismas que mis notas de la izquierda, podría tocar. Entonces, ya sea C, E o G, va a sonar genial. Entonces esa es la melodía aterrizando en uno de los imanes. Está aterrizando en una de las notas de acorde. Y cuando digo notas de acorde, me refiero entre todo el teclado. Si mi acorde es C mayor y tengo CEG, entonces todas las Cs, todas las Es, todas las Gs podrían funcionar Pero ten en cuenta, una melodía tiende a querer estar a la altura del alcance de la voz humana, donde nuestros oídos son un poco más sensibles. Entonces no estoy diciendo tocar tu melodía abajo en la parte más baja del piano, generalmente quieres serlo si estás sentado en el piano, tu hombro derecho va a representar un gran rango para tu melodía. Es algo así como en medio de la clave de agudos. Pero dicho eso, de nuevo, estas notas CEG sí funcionan en todas partes con tu armonía Entonces te darás cuenta si sabemos en qué clave estamos, y ahora mismo solo estamos representando en Do mayor. Pero si sabemos en qué clave estamos, y conoces todas las notas en esa clave o sabes, en otras palabras, la escala para esa clave, entonces conoces las notas que están disponibles. Entonces está tocando CEG, así que CE o G serían grandes notas de melodía D, F, A y B son las otras cuatro notas de esta escala de C mayor. Entonces tenemos que considerar si toco una D, suena más colorido, y va a querer pasar a uno de los imanes, ya sea C. Ahora suena resuelto o tenemos este sonido colorido. Hasta la E, otro imán. Lo mismo con F. F no está en nuestro cordón. Hay un poco más de tensión, y quiere tirar a uno de los imanes. Se puede tirar hacia abajo o en este caso, hacia arriba. Ahora, A es, de nuevo, no un imán. Va a querer tirar a G. Podría pasar a la siguiente C, pero eso sería un salto, lo cual está bien, o simplemente podemos hacer una especie de trabajo subiendo un nodo a la vez hasta llegar a ese punto. Es lo mismo con la B, el último nodo. B no está en nuestro ord, así que va a querer pasar a un tono de cable, uno de los imanes, y tal vez subir a C sería una buena opción, pero también bajar un par de notas podría funcionar también, también. Ahora bien, hay ciertos movimientos que que considerar que ocurren con más frecuencia. Como esta D bajaría dos semitonos a C o subiendo dos semitonos a E. En otras palabras, es mover un tono para resolver a cualquiera Pero algo así como F está a solo un semitono de E. También está a un tono lejos de G. Así que está más cerca de la E. Pensando en esta analogía con el metal y los imanes, claro, la F quiere tirar a la E un Dos tercios del tiempo, va a querer pasar a la nota más cercana, pero alrededor de un tercio del tiempo podría pasar a la otra nota igual de bien. Ahora bien, habiendo dicho todo eso, el B arriba también va a querer pasar a C porque está significativamente más cerca de C que de G. ¿ Debería subir un semitono o bajar cuatro Incluso si nos abrimos camino bajando, todavía está bastante lejos de ese destino. Entonces esto es todo reglas ligeras. Puedes romper todas las reglas medida que te sientes cómodo con ellas, pero es un gran punto de partida. Y lo último que diré antes de sumergirnos en nuestra melodía aquí es que puedes saltar bastante por estas notas de acorde y salirte con la tuya con un sonido decente. Como mucha música militar vieja y llamadas de corneta, como trompetas tempranas Incluso las partituras de John Williams están influenciadas por este tipo de sonido. Esas son sólo notas de acorde. Son solo imanes, y sin embargo suena bien. Entonces hagamos un pequeño experimento. Voy a crear un poco de melodía, y luego vamos a echar un vistazo a cómo se relacionan la armonía y la melodía y luego discutirlo en este tipo de atmósfera de metal e imán. Vamos a darle una oportunidad. En, uno, dos, tres, cuatro. Por lo que estamos haciendo por ahora, eso debería funcionar. Voy a hacer un Control A para seleccionar O, Control U para cuantizar Entonces todo está un poco más en la parrilla. Entonces verás a lo que me refiero cuando seleccione este clip MIDI, nuevamente, selecciono el área de la barra superior por aquí, y luego voy a controlar haga clic en la armonía. Y se puede empezar a ver la melodía y la armonía y cómo se relacionan. Como puede ver, la melodía se representa como notas azules, y la armonía está representada por estas notas moradas. Nuevamente, los colores que hemos seleccionado para esos canales individuales. Entonces Ableton es bastante inteligente al mostrarnos esa información. Ahora, parte del tema es que algunas de las notas están bloqueadas. Al igual que, notarás que esta nota de armonía está bloqueada sobre esta nota de melodía. Entonces, si me desplazo hasta donde está esta melodía línea azul. Me muestra todas las notas melódicas, y sólo voy a hacer click en eso para que ahora estén mostrando sobre la información armónica. Algo que vale la pena mencionar es que todas las llaves moradas de la izquierda aquí, esas son las notas que están dentro de Sol menor. ¿Recuerdas cuando seleccionamos G menor arriba en nuestro modo de escala? Bueno, todas estas notas moradas van a ser notas que funcionan dentro de la clave. Y te darás cuenta que no elegí ninguna nota que no sea morada. El morado se extiende hasta abajo a través de la llave, así que mira esto. Morado, morado, morado, morado. Todo es morado. Si seleccioné una nota que no fuera morada, una, podría sonar un poco demasiado aventurera, pero solo trata de que tire a una de las notas moradas, sobre todo si es una de las notas de acorde Así que justo por la puerta, sólo voy a moverme por aquí para que veas las cosas un poco mejor. Pero notarás que aquí tenemos estas cuatro notas armónicas, y la melodía en realidad está justo sobre esta nota de armonía, y esta se superpone, y esta se superpone Se puede ver que estoy empezando con estos imanes. Ahora bien, el acorde es un poco jazzy. Pero si estás agregando algunas notas de jazz a un acorde, esas ahora se convierten en imanes disponibles Entonces no importa si es un acorde básico mayor o menor o menor nueve o dominante como un acorde alter dominante o algo elegante como eso. No importa. Todas las notas del acorde están disponibles como imanes. Ahora, te darás cuenta de que lo jugué muy seguro. Todo es morado. Cada una de mis notas melódicas es morada. Sin embargo, no todas las notas de melodía están en una nota armónica o en una de las opciones de nota de acorde. Entonces este piso E es un gran ejemplo aquí. Notarás que está en una nota morada. Está dentro de nuestra clave, pero no está en una de estas notas de acorde de aquí. Entonces, ¿qué he hecho? Poco después, he tirado de esta E abajo a una D, abajo a una de las elecciones de notas armónicas. Claro, lo hago retroceder para crear un poco de tensión. Entonces bajamos a esta C, que parece a primera vista como que no está aterrizando en una nota de acorde. Pero eso es sólo para este registro. Si me desplazo hacia abajo, veremos que en realidad hay una C dentro del acorde. Es en definitiva un acorde en Do menor. En realidad hay un par de Cs aquí. Aquí hay uno. Aquí hay uno. Es solo que en esta octava, no hay C, pero la nota de melodía funciona muy segura en este punto Y luego resolvemos un poco de salto ciertamente, pero resolvemos a una de las notas dentro de nuestro acorde A partir de ahí, salto a otra nota de acorde. Nos escabullimos a otra nota morada. No está en nuestro acorde, pero luego nuevamente nos conformamos a terminar en una de nuestras notas de acorde. Entonces empezamos con una nota de acorde. Terminamos con una nota de acorde, y una, dos, tres, cuatro notas no formaban parte del acorde que sucedía en el momento, sino que eran notas moradas. Estaban dentro de la clave, y en algún momento, bastante brevemente después se asentaron en una nota apropiada. Así suena la melodía una vez más con toda esa información en mente. Sí, la cuantificación hizo el ritmo un poco sucio. Creo que lo toqué con un poco más tipo de groove o flare inicialmente. Sólo voy a entrar ahí y arreglarlo porque podríamos estar trabajando un poco más con esa melodía. Entonces escuchémoslo una vez más, solo para mostrarte cómo limpiaría una cosa rítmica como Eso debería estar aquí. Entonces es como ¿Eso es esto? No. A lo mejor esto. Aquí vamos. Algo como esto. Ahí vamos. Bien, entonces esto es, creo que la melodía que tenía en mente cuando la toqué una vez más desde arriba, solo una especie de cuadrar un poco las cosas Ahora, notarás que todo está bastante conectado hasta este punto, y luego hay un poco de pausa, y luego terminamos con esta pequeña frase aquí. Vamos a hablar de fraseo más adelante. Pero lo que voy a decir es que las pequeñas pausas en tu melodía no son algo malo si tu melodía va por, por ejemplo, como ocho beats o 16 beats Entonces, ¿hemos hablado de ser muy conocedores de lo que toca el acorde en este momento El acorde cambiará a lo largo de todo. Eso es parte de la progresión de acordes. Do mayor G mayor, A menor F. Hay cuatro acordes básicos En el momento en que estoy tocando mi melodía, cuál de esos acordes está pasando es lo que nos queremos preguntar Y sean cuales sean las notas en ese acorde, esas se vuelven disponibles como los imanes hacia los que nuestra melodía quiere avanzar. Cuando no estamos en una nota magnética, ni una de las notas del acorde, decir, queremos estar en una de las notas moradas, una de las notas que está dentro de la clave. En este caso, estamos en sol menor, así que queremos al menos estar jugando en esa clave o escala de G menor. Si no estamos tocando una nota de acorde, queremos finalmente jalar a una de las notas de acorde, y también queremos ser conocedores y pensar en, ¿ estoy a un semitono lejos de una nota de acorde estoy a un semitono lejos de una ¿Se siente tenso o soy un toneaway? ¿Es un poco más colorido? Entonces esos son los conceptos básicos que quería cubrir dentro de esta clase. Lo que vamos a hacer a continuación es hablar tonos vecinos y tonos de paso. Ya están un poco horneados en este pequeño ejemplo melódico, así que vamos a seguir adelante. Lo desglosaremos más, y te veré en esa próxima clase. 4. Notas de vecinos y notas de paso: Bueno. A continuación, hablemos de tonos vecinos y tonos de paso. Los tonos vecinos son una especie de paso al margen de una nota que no está relacionada con acordes y luego de vuelta a una nota de acorde y pasando notas comenzando en un lugar seguro, una de las notas de acorde y pasando por una nota no tan segura a la siguiente nota segura Entonces nota de acorde, nota no acorde a otra nota de acorde. Notas de vecino, notas de paso. Estamos hablando de ambos. Vamos a saltar. Por ahora, sólo voy a mantener mi pantalla arriba por aquí. Creo que se queda fuera del camino de la información MIDI, y ojalá después no haya nada en el lado derecho que necesite mostrar con gran detalle, pero por ahora, esto se siente seguro. Entonces como se explicó brevemente en la intro, una nota de vecino es básicamente como si fueras a la casa de tu vecino y regresaras Digamos que soy una nota de melodía y estoy empezando por un tono de acorde seguro. Entonces el acorde es Do mayor, CEG, y mi melodía nota, yo, soy C. Estoy en un lugar seguro Bueno, podría querer moverme un poco fuera de la zona de seguridad, tal vez hasta la siguiente nota en la escala, que es D, o tal vez hacia abajo una nota en la escala, que es una B. Puedo moverme de cualquier manera, puedo moverme hacia arriba o puedo bajar, pero el punto es que vuelvo a mi nota de seguridad, la misma que empecé. nota de vecino superior se movería a la D y B. Una nota de vecino inferior funcionaría hasta la B y la espalda. Entonces en este ejemplo de aquí, se puede ver que estamos empezando en un tono de acorde. Bajamos a un vecino y regresamos. Este vecinos realmente seguro porque este primer acorde tiene tanto color. Hay opciones de notas adicionales disponibles, pero la misma idea. En realidad consideraría que esta es una nota más estable en sol menor. Esta es una de las tres notas principales de un acorde en sol menor. Esto se conoce como un dos o un nueve. Fue en el acorde que toqué, pero tiende a ser un poco más de un color. Esa es una especie de su función. Entonces estabilidad, nota de vecino inferior, y luego retrocede. Lo mismo es cierto aquí, pero ahora es algo inverso. Mi acorde en este momento no tiene un bemol E. De hecho, estoy empezando en un momento de tensión, bajando a un momento de resolución y luego retrocediendo a la tensión antes de resolverme a esta C. Ahora, en realidad, me equivoqué en la última clase Dije que esto era más color. Cuando lo detuve, mostré que no hay C. Aquí hay una C. Entonces fue un poco más calculado en el momento en que me di crédito. Porque este Mi bemol está anticipando el sonido del acorde en Do menor No estoy pensando en este piso E en el momento de la G, y notarás que el acorde G también tiene algo de espacio. Así que realmente no hay conflicto pasando ahí, pero estoy anticipando que este E flat entre en el siguiente acorde Notarás que mi bemol es una de las notas de nuestro acorde en Do menor. Entonces tenemos a este tipo de vecino extraño pasando aquí, E de plano a un momento de resolución y retrocediendo a lo que podríamos llamar tensión. Pero eso es sólo en relación con este cordón de aquí, el acorde G. Nuevamente, lo estoy pensando como una anticipación para este siguiente acorde Entonces, el punto aquí es realmente mostrarte que puedes tener un tono de vecino tradicional donde comienzas a la estabilidad, pasando al color y regresando. También puedes comenzar inestabilidad y bajar a una de tus notas de acorde y luego volver. Eso en última instancia es mejor que simplemente sostener una nota que esté tensa todo el tiempo, porque no vas a obtener ese alivio o al menos alivio temporal de pasar a una nota que funcione con el cordón antes de regresar. Entonces, honestamente, el 80, 90% de las veces, estarás haciendo este primer método donde empiezas a salvo, te sumerges en el peligro, te sumerges en el color, quieras llamarlo, y luego regresas. También puedes probarlo de otra manera, pero tal vez encuentres que se necesita un poco de prueba y error y experimentación. Esto funcionó en particular, creo, por este piso E que estaba anticipando esta C aquí Entonces esos son dos ejemplos de notas vecinas o tonos vecinos, términos intercambiables. También teníamos notas pasajeras, y podemos ver en algún lugar de aquí está sucediendo una nota pasajera. ¿Lo puedes encontrar? ¿Está aquí? ¿Está aquí? Pero pero Bingo. Está por aquí. Entonces estamos comenzando con una nota estable, una de las notas en nuestro acorde, luego nos estamos moviendo a una nota más colorida, que todavía está en el carril púrpura. Sigue siendo parte de nuestra clave de Sol menor. Y luego me estoy moviendo hacia abajo a otra nota estable. En este caso, G, que también forma parte de nuestro acorde. Y nuevamente, realmente quieres considerar si tienes una nota melodía en particular y no sabes si está en el acorde y no la ves alineada perfectamente con una de estas notas de acorde, asegúrate de desplazarte hacia abajo y verificar si hay otras notas disponibles. Los hay, entonces está perfectamente bien estar tocando esa nota de melodía mientras ese acorde está sucediendo, y se sentirá como esa experiencia de imán. Será estable, se sentirá asentado. Ahora bien, otra cosa a considerar es que esta bemol con la nota que pasa abajo a G, también podríamos haber subido a la siguiente nota de acorde disponible. Entonces desde la bemol B, estoy pasando por otra nota morada, otra nota dentro de la clave, hasta la siguiente nota de acorde. Suena así. Y eso sigue funcionando, ¿verdad? Ahora, voy a devolverlo a donde estaba justo para que mantengamos intacta nuestra melodía inicial. Entonces, ya sea que estés haciendo una nota de paso hacia abajo o una nota de paso hacia arriba, ambas sonarán perfectamente aceptables, pero algo a considerar es que a veces estarás en una nota que no solo pasará por una nota para llegar a la siguiente nota estable. Aquí un ejemplo, C, E y G. Podemos ver en el pequeño teclado debajo de mí que hay una nota entre cada una de estas notas resaltadas en azul. Pero y si agrego mi siguiente C, y solo voy a cambiar el sonido del parche aquí. Entonces ahí está nuestro top C. La siguiente nota dentro de ese acorde, como si hago otro acorde aquí arriba, notarán que esta G a la C tiene dos notas en el medio. Entonces a veces podrías tener que hacer una nota de doble paso donde estás pasando por dos notas moradas que no son un tono de acorde hasta que golpeas ese siguiente tono de acorde. Entonces, como ejemplo, si tengo este acorde en Do mayor y G está en mi melodía, tal vez quiera pasar por dos notas antes de aterrizar en mi siguiente tono estable. Lo mismo funciona para C bajando, tengo dos notas por las que tengo que pasar. Antes de llegar a la G. Así que solo algo a tener en cuenta es que de vez en cuando obtienes estos tonos de doble paso, y eso es desde el quinto hasta la raíz del cordón o la raíz hasta el quinto si solo estás trabajando con acordes básicos mayores y menores En este ejemplo que te he dado aquí, G es el quinto de nuestro acorde. C es la raíz, pero notarás que B flat ha sido agregado como una de las notas de acorde. A esto se le llama el séptimo. Es una gran forma poco jazzy y colorida de colorear los acordes Entonces porque eso está disponible, no tendría que hacer estos tonos de doble paso. Es como si hubiera una pequeña parada de descanso en el camino que está disponible. Entonces otra vez, para recapitular, tonos vecinos, estás empezando con una nota de acorde Estás empezando con un imán. Estás a la altura de una nota morada y vuelta o abajo a una nota morada y de vuelta. Siendo las notas moradas una nota dentro de tu clave que, en este caso, no es una nota de acorde. Ahora, también puedes comenzar con la nota morada que no es una nota de acorde y sumergirte en una nota de acorde y volver. Y posiblemente, eso es mejor la mayor parte del tiempo que simplemente sostener la tensión de la nota no acorde por el bien de melodías pop y para las personas que no tienen oídos muy aventureros con armonía, vas a querer asegurarte de acomodarlos a veces para que te sumerjas en alguna resolución antes de tocar con cuánta tensión usted agrega. Vas a querer asegurarte de acomodarlos sumergiéndote a veces en momentos de resolución, para que no solo mantengas la tensión todo el tiempo Para nuestras notas pasajeras, yo diría, no empieces en una nota que no sea acorde como hicimos con tonos vecinos. Incluso eso es bastante raro. Pero con tonos pasajeros, yo diría comenzar con una nota de acorde segura, trabajar a través de una nota en tu clave, una nota morada, hasta la siguiente nota de acorde. Puedes moverte hacia arriba, puedes moverte hacia abajo. Tenemos vecinos superiores, vecinos inferiores, paso superior, paso inferior y recordando que a veces obtendrás estas notas de doble paso entre la quinta y la raíz superior. Todo esto es contextual. ¿Cuántas notas hay en el acorde? Qué colorido de sonido buscas armónicamente. Eso va a abrir más notas que estén disponibles dentro de tu melodía. También, tal vez quieras tener tensión. Quizás quieras tener un acorde en Do mayor con F en la melodía. Eso está bien. Si te gusta la tensión y vas por algo un poco más aventurero, entonces esa es totalmente una opción Mi trabajo aquí, creo, es darte un enfoque seguro, y a partir de ahí, puedes elegir experimentar tanto como quieras. Entonces eso es todo para esta clase de notas de vecino y notas de paso, en nuestra próxima clase, vamos a hablar de fraseo. Te veré ahí. 5. Fraseo: Esta próxima clase va a ser todo acerca del fraseo Va a ser una clase más corta porque fraseo es un concepto relativamente simple Quería discutir el fraseo temprano dentro de este curso porque es un concepto muy importante que creo que muchos principiantes pasan por alto Pero nuevamente, esta será una clase un poco más corta porque el concepto en sí no es tan difícil. Hablemos de fraseo. Vamos a saltar. En definitiva, el fraseo es básicamente la longitud de tu oración melódica, por así decirlo Piensa en cómo rompemos el lenguaje. Es en una especie de ráfagas de información. Y luego nos dijeron de niños que cuando hay un periodo, es un breve momento para hacer una pausa antes de entrar en el siguiente punto. Todos hemos escuchado a esa persona que habla consistentemente sin descansos, y en algún momento, simplemente se siente como este lavado de información, no tenemos ningún tipo de indulto o ruptura entre sus pensamientos, y termina diluyendo lo que sea que estén tratando de diluyendo lo que sea que estén tratando Es lo mismo en la música. Si estás divagando, si solo estás jugando por todas partes sin descansos, en algún momento, quiero decir, al principio, eso puede sonar genial, pero en algún momento, va a ser como, Bien, realmente no tienen ideas Es solo un montón de cosas todas conectadas entre sí. Queremos mostrar nuestras ideas melódicas en ráfagas de información con algún espacio intermedio Y tal vez recuerdes antes de que yo estaba hablando de cómo en esta melodía, intencionalmente dejé algo de espacio aquí. Todas estas notas azules aquí serían una frase un poco más larga. Esta de aquí es una frase más corta. No todas las frases tienen que ser de la misma longitud. Pero generalmente, notarás una, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, ocho notas. Digamos por ahora, por regla general, trata de mantener tus frases alrededor de 12 notas o más cortas y en el extremo corto, tres notas o más largas. Vamos a escuchar la melodía una vez más solo para mantenerla fresca en nuestra mente. Para que oigas que hay casi este momento de un respiro en la melodía sucediendo aquí mismo. Y si piensas en cantantes y bocinas, necesitan tomar aliento Así que una especie de punto de descanso natural realmente bueno dentro tus melodías es cuando de todos modos tendrías que tomar un respiro Ahora bien, podría sonar bien si todo esto fuera una frase, pero queremos asegurarnos de limitar nuestra propia escritura de melodía, ya sea en piano o guitarra o en producción musical al mismo tipo de restricciones que la gente tendría si están usando la respiración para crear esa melodía. Entonces si canto a través de este da da da di dee da da dum. Hay como este aliento natural que necesito tomar en ese momento. De todas formas. Parte de la razón por la que esta frase es más corta es porque la estaba pensando como una frase larga, pero sí me permití un poco aliento antes de tocar esas notas finales. Podría haber sostenido esta nota y tomar un respiro aquí, pero vamos a escuchar cómo suena eso. Se siente como cuando un niño te está hablando, y están como, Oye, ¿te dije el otro día que había esto? Y respiran en los puntos más raros como a mitad de frase. Quieres pensar en el flujo, en este caso, de que la melodía se mueve hacia arriba y luego hacia abajo, tomamos un respiro, y luego una especie de mini bache arriba y abajo. Estamos arriba. Estamos abajo. La frase está terminada. La segunda frase es mucho más pequeña. Y nuevamente, está bien que la segunda frase sea más pequeña. A lo mejor las frases, Oye, ¿te dije que el otro día fui a la casa de empeño y terminé comprando unas cuchillas enrollables? Fue una gran oferta. Así que no siempre tiene que ser en el caso del lenguaje que cada vez tenemos oraciones medio-largas o largas. En este caso, al igual que el fraseo, podemos tener medios, cortos y largos todos combinados Ahora, te animaría a que confíes en tu instinto natural con el fraseo hasta cierto punto Todos hemos escuchado toneladas de música, y terminamos escuchando una y otra vez donde estas frases se resuelven de forma natural o donde naturalmente toman sus descansos. Podría pasar y ponerle un respiro a esta nota. Podría darle un respiro a esta nota, y te prometo, todas ellas sonarían raras. Simplemente está esta inclinación natural a tomar un descanso después del contorno de este arriba y abajo antes de dar otro salto más alto que parecía un lugar natural para hacer esto. Pero si estoy siendo honesto, no estaba considerando el fraseo cuando escribí esto He hecho suficiente trabajo como pianista como para saber cómo debería sentirse naturalmente el fraseo Entonces, si no eres cantante y quieres pasar por y preguntar, es mi frase una longitud apropiada o es demasiado larga? Si te preocupa que sea demasiado largo, quiero que exhales naturalmente durante la frase No como donde estás exhalando todo el aire rápidamente, o, como, donde estás siendo muy lento al respecto, sino simplemente algo natural Como, tal vez algo así donde tenemos algo de tensión, alguna resistencia para el flujo de aire, pero no se siente realmente significativo. Intentemos eso mientras estamos jugando a través de esta frase. Vaya, me quedé sin aliento justo en la época en que G golpeó. Nuevamente, esto es un poco subjetivo. ¿Cuánta presión de aire debe tener? Yo diría sobre una cantidad media de presión de aire, similar a cuando estás hablando esa misma cantidad de flujo de aire. Pero escucharás esto en, como, solos de jazz, especialmente alguien que no está tocando, como, instrumento que requiere aire, lo escucharás mucho con bajistas verticales cuando estén Será bilis hecha, hazlo. Ve, haz, haz, abucheo, yo sí. Y las escucharás entre frases en estas viejas grabaciones. Qué gran manera de sentir naturalmente la longitud de la frase que sería apropiada. Nos estamos limitando en términos de flujo de aire de la misma manera que lo haríamos si fuéramos cantantes Entonces, para cualquiera por ahí que lea partituras, nuestras marcas de frases son las mismas que las ligaduras de legato Son este tipo de arcoíris negros arriba o un pequeño smiley abajo debajo de un conjunto de notas No sólo tocamos esas notas suaves y conectadas, sino al final de esa pequeña sonrisa o arcoíris o cualquier forma que tengamos, que representa tomar un pequeño respiro, un pequeño descanso. Aunque al final de esa frase, tengo una nota de un latido seguida de otra nota de un latido para comenzar la siguiente frase, seguiría engañando un poco a esa nota de latido, tal vez por un cuarto o incluso la mitad de su valor para crear el espacio para iniciar la siguiente frase. Se trata de compartimentalizar tus ideas melódicas, así que no estás divagando, pero tampoco estás creando un montón Quieres asegurarte de que al igual que el lenguaje, melodía y el fraseo de la melodía fluyen naturalmente pero de nuevo, confía en tus instintos naturales Has escuchado toneladas de música. Tendrás una inclinación bastante buena por lo que se siente como una frase demasiado larga o demasiado corta. Si te sientes atascado, sigue mis consejos, intenta exhalar, y solo asegúrate de tener un descanso en tu melodía en algún momento si es una melodía un poco más larga. Entonces eso es todo para esta clase de fraseo para nuestra próxima clase, vamos a hablar de temas melódicos Te atraparé en esa clase. 6. Conceptos melódicos: Bueno. Bien, hablemos de conceptos melódicos Vamos a hablar de tres formas diferentes, pasando por preguntas y respuestas, llamada y respuesta, y tema y variación. Se trata de tres enfoques melódicos súper populares. Vamos a hablar de ellos. Vamos a saltar. Entonces hablemos primero de pregunta y respuesta, como concepto melódico Vamos a utilizar la Oda a la Alegría de Beethoven como nuestra fuente de análisis La melodía suena algo así. Notarás que hay dos tipos de partes distintas da da, da, da, d, d, d, d, d, d, d, d, d, d, d ahí está nuestra pregunta. Pero, y, bi, bi, nosotros, mordemos, abucheo. Ahí está nuestra respuesta. Pero, ¿qué hace que uno sea una pregunta y qué hace que el otro sea una respuesta? Bueno, tenemos que considerar en qué clave estamos. Estaba tocando esta melodía en clave de Do mayor. Y así hemos hablado de cómo C, E y G, cuando tocamos un acorde en Do mayor, son notas muy importantes. Esos son nuestros imanes, pero la nota más importante sería la C. Estamos en Do mayor. C es la base de operaciones. Es la estrella del espectáculo. Es la nota más importante. Como tal, terminar una frase en C se siente como esa respuesta. Se siente muy determinado y seguro y finalizado. Pero terminar en una pregunta es terminar tal vez en una de las notas al lado de la C, como una B o una D. Ambas son de la clave de C mayor, y residen lo suficientemente cerca de la C como para que haya un poco de tensión. Y luego cuando repetimos nuestra frase, podemos terminar en la C como respuesta. Ahora bien, no tiene que ser la B y la D. Estas son solo opciones de nota segura. Pero la idea es que probablemente sería alguna ligera tensión o color para terminar la primera frase y una resolución para terminar la segunda frase. Entonces si escuchamos, Si lo termino ahí, no se siente finalizado. Se siente como que esta pregunta persiste. Ahora cuando voy al Mar, puede escuchar incluso sólo para terminar esa frase con el Mar ahora se siente finalizada. Para juntar a esos dos, escúchalo. Se siente terminado. Entonces esta idea de pregunta y respuesta realmente tiene que ver con tener dos frases que son similares. El primero termina con un poco de color o tensión, y el segundo termina con más de una resolución. Ahora bien, es muy común terminar la pregunta, no en el primer acorde. Entonces estamos en la clave de Do mayor. Este Este D, no está considerando un acorde en Do mayor durante ese momento. Voy a cambiar los sonidos por el bien de agregar más armonía. Pero aquí está nuestra pregunta. Esta D no está destinada a estar sucediendo con un señor de Do mayor. Está pasando con una de las cuerdas que sí tiene una D. Entonces por derecho propio, se resuelve en ese momento, pero está jugando con una cuerda que representa una especie de tensión en sí misma. Este acorde de cinco, CDEFG el quinto acorde de Do mayor, es un gran cordón para representar la tensión. Es una gravedad. Se está demorando, y quiere tirar hacia abajo. Entonces G siendo acorde más tenso y C siendo el acorde más resuelto. Lo interesante es que puedes salirte con la tuya solo con esos dos acordes para toda esta pregunta y respuesta dentro de esta canción Así que solo mira el pequeño teclado debajo de mí. Nuestro acorde C aquí es nuestra resolución. Nuestro acorde G aquí es nuestra tensión. Entonces ahí está nuestro acorde tenso con una nota que funciona con él, estamos sosteniendo una D y nuestro acorde G tiene una D. Ahora, estamos terminando en el acorde C y terminando en una C. Podría sumergirme demasiado en el agujero de gusano de armonía alrededor de este punto, pero lo que quiero mencionar es que con pregunta y respuesta como tu enfoque melódico, siempre y cuando tengas algo con una nota que funciona con él, estamos sosteniendo una D y nuestro acorde G tiene una D. Ahora, estamos terminando en el acorde C y terminando en una C. Podría sumergirme demasiado en el agujero de gusano de armonía alrededor de este punto, pero lo que quiero mencionar es que con pregunta y respuesta como tu enfoque melódico, siempre y cuando tengas algo de tensión al final de la primera frase y una resolución al final de la segunda, estás en el estadio correcto Hay formas de hacer esto mal. Hay formas de hacer que suene fantástico. Pero como concepto general, es importante reconocer que no cada vez que terminas una frase, debe sonar finalizada. Hay algo agradable en esta pregunta y respuesta. Rompe las cosas para que no todo esté siempre resuelto. Y si piensas en algunas de las mejores historias, incluso espectáculos infantiles, va a haber algo de tensión. Hay un tipo malo. Hay algo de confusión. Hay algunos errores. Y generalmente al final, las cosas se rectifican. El malo va a la cárcel, los errores fueron inventados, cualquiera que sea. Las frases funcionan de la misma manera. Es agradable tener un poco de tensión y luego algo de esa resolución. Y de la misma manera nuestro fraseo y melodía funciona con tensión y resolución Como mencioné, los acordes también lo hacen. C, en este caso, siendo un acorde de resolución y G siendo un ord de tensión. Es una tensión leve. Todavía funciona bien. Pero en el mundo de la armonía, ese acorde de cinco, en este caso, G mayor funciona muy bien como lugar de descanso para alguna ligera tensión antes resolverse de nuevo al acorde único, en este caso, Do mayor. Entonces esa es pregunta y respuesta, pero ¿qué es llamada y respuesta? Suena un poco similar. Bueno, si consideramos esta idea de que los cantantes de blues muy a menudo cantarán una línea y luego harán que la gente le responda, así que algo como ir al mercado, ir al mercado Voy a comprar algunas manzanas. Vas a comprar algunas manzanas, ¿verdad? Este es el llamado y la respuesta. Este es un enfoque fantástico si estás riffing un poco más Al igual que, uso este enfoque un poco más si estoy usando escalas pentatónicas o blues Digamos que estoy en Do menor y mi progresión de acordes es de Do menor a F menor. Podría tener algo así como, No son exactamente las mismas notas, pero verás que se siente como una respuesta a la primera llamada, da, da, da, da, da, da, da, da, da, y luego da da, da, da, da, da. Rítmicamente, es lo mismo. Entonces llamaríamos a esto un motivo rítmico. Estoy usando el mismo ritmo, pero lo estoy cambiando a otro conjunto de notas. También podría tocar con el mismo conjunto de notas, pero cambiar un poco el ritmo. A lo mejor algo así como Así retrasarlo un poco y luego pasar por la frase completa Estas son dos grandes formas de hacer una llamada y respuesta. Un motivo rítmico o un motivo melódico. ¿Estoy manteniendo el ritmo igual o mantengo la melodía igual? Incluso podrías hacer ambas cosas, pero con cambios de registro generalmente, algo así como Así puedes ver que estoy tocando las mismas notas, pero solo bajando una octava Entonces llamada y respuesta generalmente se trata de tener una frase más corta a la que se responde con un ritmo similar, notas similares en cuanto a la melodía, o todo es exactamente igual con un turno de registro. Si no cambias el registro, sigue funcionando. Sigue siendo técnicamente llamada y respuesta. Es sólo que es un poco más aburrido, creo. Suena así. De veras, eso es solo una frase pequeña y corta repetida. A mi, no se siente como el clásico llamado y respuesta donde hemos hecho algo con ella. Incluso en los campos donde los trabajadores se estarían cantando entre sí, tendrías una persona llamando y generalmente algunas personas respondiendo. Bien, entonces esa es una diferencia. Tenemos una sola voz a múltiples voces. El llamado y la respuesta generalmente quiere algún tipo de diferencia en la respuesta, pero también quiere vincularse a la llamada rítmica o melódicamente, Entonces, si tu fuerza es el ritmo, entonces yo diría, mantén el mismo conjunto de notas y toca con variación rítmica Si tu fuerza son notas melódicas, y quiero decir, estás tomando este curso, así que me imagino que necesitas ayuda con Pero digamos que tu fuerza son las notas melódicas, entonces cambiarías el conjunto de notas por tu respuesta, pero mantendrías el mismo ritmo porque estoy asumiendo que no quieres ser demasiado aventurero rítmicamente, así que solo cambia el conjunto de notas con las Así que vamos a duplicar nuestro canal de melodía aquí, y voy a silenciar el de arriba, y vamos a crear una nueva melodía usando llamada y respuesta. Bien, entonces tenemos echando un vistazo, voy a hacer un Control A, seleccionar todos, controlar U para cuantizar Da da, da, da, da, notas cambiantes. Da, da, da, da, da, entonces volvemos. Da da, da, da, da, da, y luego D D, D D de profundidad. Ahora bien, ¿por qué no mantuve este ritmo fuera de solo repetirlo aquí y aquí, por qué no lo mantuve al final? Bueno, a mi me pareció una buena respuesta. Si consideramos que esta es la pregunta, tenemos una buena cancioncilla realmente resuelta do, dy do realmente tocando con las notas de acorde. Este acorde es Do menor. E flat y C son parte de ese acorde. Entonces la mayor parte de la información aquí está muy resuelta sobre ese acorde. También podríamos considerar esta parte del tema y variación, que hablaremos a continuación. Pero lo principal es que no quieres ser demasiado redundante al repetir cosas. Tenemos Bien. Oh, hay una respuesta a ello. Volvemos a la primera idea, y luego una especie de cerrar la idea, mostrando que la melodía está llegando a su fin variando algo Al final del día, a la gente le gusta sentirse inteligente. A ellos les gusta saber, como que están escuchando música. Oh, esto se siente como el final de esa frase, el final de esa melodía, el final de esa frase, como quieras ver. Pero quieren ser capaces de anticiparse a las cosas con la extraña sorpresa. Sí, nos gusta que nos sorprendan un poco, pero también queremos sentirnos un poco inteligentes saber a dónde iba algo dentro de la música. Entonces, si te dijera algo así como, Oh, Dios mío, lo más loco que pasó hoy, no creerías lo que pasó en Fue lo más loco de la historia. ¿Estás listo? Al final, eso, ¿estás listo? Esa es una especie de configuración de dije lo mismo Ish tres veces. Esa cosa más loca pasó hoy. No creerías lo que pasó en el almuerzo. Oh, Dios mío, fue una locura. Realmente no he dicho nada más allá ese punto inicial, pero ¿estás listo? Algo así te hace ir como oyente. Oh, aquí viene. Soy inteligente en este momento sabiendo que la historia está por suceder ahora. Entonces, tal vez sea una analogía un poco oscura, pero pensando en esta melodía en particular y en cómo se relaciona con el lenguaje, así es como me imaginaría este pequeño cierre de la No estás obligado a mantener exactamente el mismo ritmo cada vez. Tuvimos nuestro llamado, tuvimos nuestra respuesta. Tuvimos nuestra llamada inicial regresada y luego un cierre de la idea melódica Entonces eso es esencialmente llamada y respuesta. Eso es usar un motivo rítmico. Vamos a probarlo una vez más con un motivo melódico. Vamos a por ello. Uno, dos, tres, cuatro. Entonces, tenemos las mismas tres notas. Dum, boom, boom, pero , um, pero, uh, m. y luego, de nuevo, hice alguna variación al final para cerrar la idea. Algo así como una pregunta más larga y una respuesta final. Aunque sí terminé con algún color, así que es una respuesta un poco colorida, por así decirlo, pero dicho eso, escucha de nuevo, tenemos nuestro ritmo inicial. El ritmo cambia, vuelve a cambiar, pero he guardado las mismas tres notas. Nuevamente, cuantificaremos. Vamos a darle una escucha. Ahora bien, esto tiende a sonar mejor cuando estás agregando palabras porque simplemente siente que algunas cosas llegan tarde, pero es intencional, y el ritmo todavía tiene bastante sentido para que no se sienta mal. Pero con palabras, podrías decir algo así como, fui al club, y yo estaba buscando esa D especial, pero, boom, boom, sea lo que sea. Pero con palabras, todo este pequeño conjunto repetido de notas con cambio rítmico se siente mucho más natural Entonces algo a considerar es que al crear una melodía para una parte de instrumento y para una parte vocal, hay algunas diferencias sutiles. Yo lo haría de la misma manera, pero cuando estás trabajando con letras o palabras, hay algo más que distrae al oyente Están escuchando la historia. Entonces la idea de la simplicidad de estas tres notas se repiten se envuelve un poco con esta idea de que, Oh, también estoy escuchando esta otra dimensión de la melodía, las palabras Un saxofonista, un guitarrista, un pianista, no tenemos ahora tal vez un saxofonista gruñirá en algunas notas o un guitarrista podría golpear un pedal de distorsión o golpear Encontramos formas de agregar más intriga e interés a nuestras melodías básicas, ya que no estamos trabajando con cosas tan complejas como las Y finalmente, llegamos a tema y variación. El tema y la variación es muy similar a la llamada y la respuesta. Tenemos algún tipo de tema donde se juega una pepita de información y luego se varia Tal vez esa variación sea variación rítmica. Simplemente hicimos eso, o tal vez es variación melódica. A lo mejor estamos cambiando las notas pero manteniendo el mismo ritmo. Y eso también lo hicimos. Se puede ver llamada y respuesta y tema y variación son muy similares. Pero el tema y la variación pueden llegar a ser un poco más profundos. ¿Y si cogí la melodía y la volteé boca abajo? Y si invirtiera el ritmo, así que la nota larga al final es ahora la nota larga al principio. Eso no se siente como una llamada y respuesta naturales. Se siente un poco más teórico y profundo. Entonces, para mí, el tema y la variación tiene mucha superposición con la llamada y la respuesta, pero puede ir mucho más profundo donde realmente estás trabajando con lápiz y papel y viendo cómo puedo hacer diferentes variaciones a este tema que son únicas e interesantes. Y creo que el mejor ejemplo de esto es la Quinta Sinfonía de Beethoven Bump up, bum, bump up, up, bum, escucha eso y mira cuántas maneras fue capaz de variar el tema Trabaja con diferentes velocidades. Inicialmente tiene el tema moviéndose hacia abajo. ¿Lo hizo? ¿Lo hizo? Pero después, D da da da da da doo da da da do do do. Se está moviendo hacia arriba. Entonces ha pensado en todas estas formas de tomar una frase muy corta o un tema y variarlo Ahora bien, en la clase de fraseo, hablé de que no queremos tener muchas ráfagas cortas de Sería como hablar así todo el tiempo. Pero cuando empiezas a hacer algo tan interesante como tema y variación, las cosas se sienten lo suficientemente intencionales y conectan para que todavía se sientan como una frase melódica adecuada Piensa en esto como di da dum. Esa es la mini frase principal, pero realmente data ta da da da dum. Eso se siente como la frase completa que se cantaría. Para que puedas tener este tipo de pequeñas dentro de estas frases más grandes Siempre y cuando se sienta natural y tu oyente se sienta cómodo escuchando estas pequeñas frases dentro de este ambiente, entonces estás totalmente bien No estoy diciendo que nunca puedas tocar frases pequeñas, pero si lo haces, trata de ponerte un poco creativo con ellas usando algo como tema y variación. Entonces, si bien pienso que nuestro último ejemplo funciona como dentro de este tema y atmósfera de variación, veamos si puedo tocar algo más que funcione también bastante bien en términos de tema y variación. Vamos a por ello. En, uno, dos, tres, cuatro. Bien, entonces esto, creo, funciona bien. Entonces tenemos nuestro tema inicial, que es una nota, arriba, arriba , abajo una repetición de salto. Esto lo hemos hecho en un registro diferente, comenzando con una nota diferente. Lo hemos invertido. Hemos bajado abajo arriba un salto en lugar de arriba arriba, abajo un salto, y luego ralentizamos el ritmo hacia el final Estos están todos en diferentes registros, pero todo el tiempo estuve considerando el acorde en ese momento. En este momento aquí, nuestro acorde es sol menor. Los planos Gs y B son notas seguras. Son imanes, y tenemos una nota pasajera. El siguiente acorde es Mi bemol mayor. Nuevamente, se puede ver que tengo E bemol y G, que están en el acorde y una nota pasajera. Después vamos a Do menor. Aquí estoy pensando en C menor siete. Entonces tenemos el siete, que es B bemol pasando por A abajo a una G. Estas notas aquí están todas en el acorde y tenemos una nota pasajera adecuada. Y luego para terminar, tenemos C menor, C, pasando por D a E plana. Todas estas son notas de acorde. Así que tres de nuestras cuatro notas son notas de acorde con una nota de paso. Entonces, en el momento de idear temas y variaciones y considerando los acordes que estás tocando, algo de esto proviene de la experiencia en términos de tocarlo en el acto Tuve suerte de que esta fuera mi primera vez, y te di un ejemplo decente. Pero generalmente con tema y variación, consideraría más un enfoque de lápiz y papel o trabajar con información MIDI y experimentar hasta que estés contento con las variaciones que te han ocurrido El tema es posible que se te ocurra muy rápidamente, pero las variaciones pueden ser un poco difíciles de explorar en el momento a menos que tengas mucha experiencia en el instrumento. Entonces eso es todo. Cubrimos preguntas y respuestas, llamada y respuesta, y tema y variación. Quiero hacer un pequeño ajuste. Cuando dije en el cuarto acorde que estábamos contestando, realmente no es ahí donde respondes. Por lo general, es cuando estás retrocedido para vencer a uno. Y luego como un bucle se repite de nuevo para batir uno, es como, ese último tipo de acorde. Generalmente ahí es donde obtienes tu respuesta. Pero de lo que estaba hablando con la llamada y la respuesta, siendo esa cuarta frase un poco diferente, es que funciona de manera similar a una respuesta en que se siente resuelta en ese momento después de un poco de especie de tensión retorcida. Si quieres una verdadera pregunta y respuesta, realmente investiga los fundamentos de las cadencias perfectas, uno acordes y cinco acordes y melodías terminando en una nota no resuelta, que sería con los cinco acordes, y la segunda vez terminando en una nota resuelta, que sería Todo esto está un poco fuera de contexto para este curso en particular, pero quería asegurarme de que estaba cubriendo todas mis bases tanto como fuera posible. Tengo muchos otros cursos que se sumergen profundamente en la armonía. Entonces te recomendaría si eso es algo que te interesa, mira acordes y progresiones de acordes 101-20-1301, eso te llevará muy lejos a través este agujero de gusano de armonía para que cuando vuelvas a estos conceptos melódicos, tengas un mejor marco para tengas eso es algo que te interesa, mira acordes y progresiones de acordes 101-20-1301, eso te llevará muy lejos a través de este agujero de gusano de armonía para que cuando vuelvas a estos conceptos melódicos, tengas un mejor marco para trabajar armónicamente. En nuestra próxima clase, vamos a hablar tu melodía que se adapta al estilo de música que estás tocando Te veré en esa próxima clase. 7. Estilo de trajes melodicos: Bueno. A continuación, hablemos de que tu melodía se adapte al estilo de música que estás produciendo Hasta el momento, los conceptos fundamentales que te he estado dando derivan de música clásica occidental y muy a menudo encuentran su camino hacia la música pop moderna. Pero algunos estilos de música toman enfoques ligeramente diferentes cuando se trata de cómo crean sus melodías Vamos a hablar de dos estilos específicos porque en definitiva, no puedo cubrir todos los estilos dentro de este curso, pero vamos a hablar de funk y trance, así que vamos a sumergirnos Entonces con la música funk y también con dubstep, utilizan una técnica llamada Hoccket y un Hockett es básicamente un par de notas cortas de cada instrumento melódico, y juntas, y Entonces podría ser tan simple como crear una melodía como la que tuvimos en la última clase y delegar las primeras notas a una guitarra, las segundas notas a un cuerno, como trompeta Las siguientes notas podrían hacerse con un scat vocal o una parte de bajo Hay muchas opciones diferentes. Pero voy a tocar algo fresco, y voy a sacar algunos sonidos nuevos por completo. Vamos a ponernos un poco más impulsados por sintetizadores y llevemos suero. Voy a eliminar la llamada en respuesta y las cosas de tema y variación que hicimos de la última vez. Estoy manteniendo intacta mi melodía inicial, pero la voy a silenciar por ahora. Y ahora, entonces sé que no puedes ver mucho de lo que está pasando detrás de mi video aquí, pero acabo de crear tres nuevas instancias de suero, y voy a repasar por cada y encontrar un sonido que me guste. Así que dame un momento, e informaré de nuevo. Bien, entonces tengo tres sonidos. No todos están nivelados. Probablemente tendría que crear el corvejón al principio y luego reelaborar un poco los niveles , pero suenan así El segundo es mucho, mucho, mucho más fuerte. Voy a bajarlo como 5 decibelios. Y el último bajará dos apenas como breve punto de partida. Ahora, en realidad voy a duplicar esta parte inicial del acorde para que tenga acceso a tocar algunos acordes encima de lo que ya tenemos Y esto es muy común incluso en funk escuchar, como, De de, de Bob, chuk chuk cap. Bit d punto. Esa pequeña charla chicka de pollo en la guitarra, esa pequeña parte de guitarra funk se convierte en parte de la Como lo estás volviendo a cantar en tu cabeza, estás haciendo esa pequeña chukacha de chía en tu Entonces voy a comenzar con la creación una pequeña puñalada de acorde en el tercer acorde, digamos Entonces entraremos en uno, dos, tres, cuatro. Nada demasiado loco. Apenas apuñalando con un par de acordes. Podrías llamar a eso una puñalada de acorde. Voy a limpiar el tiempo sólo un poquito. Y ahora bajemos a nuestro primer sintetizador y creamos una parte de una melodía Bien, entonces tenemos algunas notas aquí. Vamos a bajar a nuestro siguiente sintetizador. Bien, ya puedes empezar a ver cómo se está uniendo esto . Tercer pecado. No quiero superponer demasiado los acordes. Honestamente quiero volver a escuchar eso. que funcionó muy bien con el, de nuevo, call en respuesta a esa pequeña parte extra que agregué. Entonces aquí está nuestra llamada respuesta, llamada, respuesta. Entonces termina sonando así. Entonces este es una especie de enfoque de hocket. Ahora bien, si estoy usando sonidos de sintetizador, especialmente si son como sonidos de sintetizador web con LFOs pesados, vas a obtener una especie de enfoque de dub No tengo una guitarra conectada en este momento para mostrarte el enfoque más funkier, pero funciona de la misma Como, tendrías, digamos, saxofón, y luego aquí tienes trompeta, y luego aquí tienes una guitarra tal vez segundo guitarrista tocando un ritmo funky y un guitarrista principal tocando una pieza de una melodía Sea lo que sea, la instrumentación es lo único que ha cambiado. El concepto básico de lo que es un Hoccket todavía está muy bajo control Mi uso favorito de un Hoccket en dubstep es la canción Vancouver Beat Down de Zomboe ZOMBOY . Echa un vistazo a esa canción. Mientras escucho la gota, siempre puedo tocarla a través de mi cabeza como una melodía completa, pero hay tantos instrumentos diferentes que componen esa caída general que es un gran ejemplo de un hocket dentro del dubstep En cuanto al funk, puedes echar un vistazo a casi cualquier cosa de James Brown Apuesto a que incluso la primera canción que escuches de él tendría algún uso de una técnica de Hoccket Entonces, a continuación, hablemos del trance. Vamos a llegar a una parte de sintetizador de trance realmente simple Entonces en suero, tenemos un preset inicializado. Apenas con algunas ondas de dientes de sierra, voy a deslinarlas pesadamente. Y ya, estamos en ese tipo de ambiente transy. Un par de cosas que podemos hacer es que podemos considerar que la sensibilidad a la velocidad, lo duro que toco la nota puede afectar al filtro. Entonces voy a seguir adelante y bajar la velocidad hasta el punto de corte. Entonces, si juego a la ligera, versus en voz alta, el filtro se abrirá más Entonces quiero un punto de partida inicial donde cuando toco a la ligera, lo podamos escuchar a la ligera, y cuando lo toco más fuerte, oiga que las frecuencias se abran más Encima de eso, podríamos agregar un poco de reverberación. Tal vez algún retraso. Y con el retraso, vamos a eliminar esa retroalimentación. También voy a cambiar las cosas a octavos tanto en los altavoces izquierdo como en el derecho y bajar la mezcla. Algo realmente corto. Así que un poco de retraso, un poco de reverberación, poco de desafinación en una onda de Es un punto de partida para un sintetizador trance. Con lo que vamos a trabajar aquí es algo que se llama ritmo homofónico Voy a estar delineando los acordes que ya teníamos. Así que G menor, E bemol a la C, y yo también voy a estar tocando el mismo ritmo para la melodía. Entonces sea cual sea mi ritmo, digamos que es da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, estaría tocando algo así como Así mis acordes están apuñalando, y la melodía de arriba es tocar un ritmo homofónico, el mismo ritmo que los Por ahora, vamos a silenciar todas las partes antiguas que teníamos un trance es un género sonoro muy específico No quiero los viejos 80 retro ni una especie de sonidos Wurlitzer Entonces estamos un poco más cerca de ese sonido trance. A pesar de que no tenemos un ritmo de tambor trance, nos acerca un poco más Entonces vamos a darle una oportunidad. Suena así. Ahora, tal vez quiera considerar después de haber cuantificado esa configuración de todo en gatto para que todo sea fluido y conectado Está un poco demasiado suavizado, así que una vez que tengo todo tocando, puedes crear una sutil cantidad de separación Y entonces realmente quiero lanzar un filtro automático y simplemente abrir poco a poco ese filtro con el tiempo. Entonces probemos algo como esto, boom, boom, subir un poco de drive. Ahora, esa es la idea básica. Y debo mencionar que no soy específicamente productor de trance. He sumergido mis dedos de los pies un poco en trance y citrance Entonces mi diseño de sonido en este sintetizador era bastante elemental, nada demasiado loco. Y la parte real en sí, me gustaría trabajar un poco más con el tiempo. Pero lo principal aquí para mostrarte es que los acordes y la melodía tienen exactamente el mismo ritmo Entonces podrías cambiarte a otras notas moradas, y simplemente ni siquiera sé cómo va a sonar esto. Vamos a movernos a algunas notas moradas diferentes. Aún suena bastante bien, ¿verdad? Así que las notas moradas son tu amiga. Es el mismo ritmo que la armonía. Y luego tratar de considerar cuáles son las notas que suceden en mi acorde, y mi melodía debería estar delineando esas notas con bastante frecuencia Entonces esos son dos ejemplos de tener un enfoque específico de tu melodía basado en el estilo que estás produciendo. Lo mejor que puedes hacer ahora mismo es salir a escuchar mucho del estilo que intentas producir y preguntarte ¿qué está haciendo la melodía? ¿Cómo se relaciona con la armonía? ¿Cómo funcionan todos los instrumentos individuales en conjunto? En otras palabras, ¿qué pasa con la melodía y cómo puedo recrear eso Por lo general, son uno o dos trucos simples, y una vez que los entiendes, realmente puedes marcar a ese género en particular. No es que vaya a cambiar cada canción a menos que sea algo muy aventurero, como neoclásico o algo así Pero en su mayor parte, vas a poder captar un par de técnicas melódicas simples como hokets y ritmos homofónicos y poder aplicar eso avanzando para que tu un par de técnicas melódicas simples como hokets y ritmos homofónicos y poder aplicar eso avanzando para que tu estilo suene más convincentemente preciso. Entonces eso es todo para esta clase al hacer coincidir tu melodía con el estilo que estás produciendo. En nuestra próxima clase, vamos a hablar rítmica. Te veré ahí. 8. Densidad rítmica: Bueno. En esta clase, vamos a estar hablando de densidad rítmica Es solo un término divertido básicamente diciendo ¿qué tan rápidos son los ritmos Qué tan rápido es el ritmo en el verso versus el ritmo en el coro en cuanto a lo que está haciendo tu melodía ¿Qué tan rápido toca el resto de la banda? Si es mi trabajo crear una melodía, ¿qué tan rápido debería ser mi melodía con respecto al resto de la banda? Estos son los tipos de conceptos de los que vamos a estar hablando. Vamos a saltar. Entonces antes que nada, voy a extender nuestra mini pequeña canción en dos secciones. El ritmo de tambor por ahora se mantendrá igual. Probablemente cambiaría entre secciones, pero ahora mismo es sobre todo la armonía y la melodía y su relación en la que estamos enfocados. Entonces en la segunda parte de la canción, voy a cambiar ligeramente la progresión, y también voy a cambiar su densidad rítmica Escucha la armonía aquí. Todo se mueve muy despacio, ¿verdad? Al igual que, tenemos estos acordes realmente aguantando. Lo que voy a hacer en esta segunda sección, y ahora se puede decir que esto quiere repetir. Se trata de secciones muy cortas. En la segunda sección, voy a crear acordes ligeramente diferentes, y voy a tocar algo un poco más pulsado Entonces la densidad rítmica ha cambiado para la armonía. Entonces probémoslo. Algo así como uno, dos, tres, cuatro. Bien, entonces hay un poco de pulso. Estamos creando cierto interés rítmico. Control A, control para cuantificar toda esta información. Ahora, cual es nuestra melodía, me voy a deshacer de este hacket de antes Lo que nuestra melodía está haciendo en relación a esta armonía es como las cosas son más fluídas y largas, muy a menudo eso nos da un poco más de espacio para ser más rítmicamente densas, para agregar Pero hay un umbral para esto. Si la gente está tocando acordes ligeros de balada y estás tocando una balada, seguro que puedes tocar un seguro que puedes tocar un poco más Pero, ¿hasta dónde podrías llegar antes de que haya demasiada energía para una balada Así que de nuevo, todo esto es específico de estilo, pero todo lo que digo si una banda está haciendo mucho rítmicamente y tu melodía está haciendo mucho rítmicamente, es un poco demasiado Si estás haciendo un ritmo homofónico con el resto de la banda, como el ejemplo trance de la última clase, eso podría funcionar bien, pero hay que poder finizar Ahora, lento con lento sí funciona. Rápido con rápido funciona, pero si te preocupa abarrotar una canción, prueba Si la banda está tocando las partes de armonía más lentas, entonces tu melodía tiene un poco más de espacio para ser melódica, rítmicamente densa Así que volviendo al tipo de sonido de los 80 aquí, digamos que tenemos algo como W, dos, tres, cuatro. Ahora, para la siguiente sección podríamos tener Ahora, se puede ver en ambas mitades de este ejemplo, la densidad rítmica más rápida, la densidad rítmica más lenta está contrastando lo que sea que esté haciendo la armonía Vamos a escucharlo sin la batería. Suena así. Entonces hay dos cosas clave que te estoy mostrando aquí. Una es ese contraste. ¿Qué hace la banda en cuanto a su densidad rítmica Y mi trabajo como escritor melódico es básicamente hacer una versión sutil de No todas las veces, es solo un enfoque bastante seguro. Y luego a medida que vamos pasando por diferentes secciones, si realmente quieres definir las diferentes secciones, cambia la densidad rítmica de las Comienza con tu sección rítmica como batería y bajo. Acordes también pueden seguir esto, y tu melodía suele ir a ella da un gran contraste entre secciones Entonces la gente no se pregunta, ¿es esto una variación del verso? En cambio, van, Oh, no, esto suena como un pre coro. Es muy diferente a lo que acabamos escuchar en el verso, pero está en la misma clave. Está siguiendo algunos motivos rítmicos y melódicos. Se siente conectado en cuanto a que esté en la misma canción, pero se siente diferente en términos de la sección. Entonces, en serio, eso es todo. Es una clase corta. Ahí están los dos ángulos a la densidad rítmica. En cualquier sección dada, un poco de contraste puede ser algo bueno, y entre secciones, un contraste puede ser algo bueno. Dentro de una sección, escucha lo que está haciendo la banda y haz una versión sutil de lo contrario en términos de densidad rítmica Si tienes esa sección dispuesta y estás listo para pasar a otra sección, pero no sabes qué hacer en términos de esa densidad rítmica, intenta contrastarla y mira cómo suena eso Entonces este no era nuestro concepto más intenso. Es relativamente simple, pero es algo que creo que se pasa por alto con bastante frecuencia Considera lo que está haciendo tu densidad rítmica en cualquier sección dada y entre secciones, y como resultado, tus partes melódicas y tus secciones van a salir mucho más Entonces eso es todo para esta clase de densidad rítmica. En nuestra siguiente clase, vamos a empezar a tocar las notas no moradas, las notas entre las notas de nuestra escala o nuestra clave. Esto se representa con la palabra cromatismo. Vamos a hablar de cromatismo en nuestra próxima clase. Te veré ahí. 9. Cromatismo: Bien, hablemos de cromatismo. Tocando notas entre las notas de tu escala. Va a sonar un poco más colorido, un poco más aventurero Vamos a saltar. Bien, así que retomemos donde lo dejamos. Estábamos haciendo un contraste rítmico de densidad entre secciones y entre Terminó sonando algo así. Estoy tratando de pensar que sí, como pueden ver, no hay una sola nota en esta melodía que no esté en un carril de notas moradas. Es decir, cada nota que elegí estaba dentro de la clave de G menor. Y podemos ver que nuestra clave principal aquí arriba es Sol menor, y cada una de estas notas está en el carril púrpura. Entonces eso significa que nada de esto es realmente cromático. cromática va a ser representada por estas notas negras, no necesariamente las teclas negras del piano, sino estas líneas negras que podemos ver permeando a través de toda la información MIDI Podríamos simplemente apartar cualquiera de estas notas a una nota negra y ver cómo suena, pero te prometo que sonará mal. Voy a comprobarlo. Muy inquietante. Los acordes y la melodía no están funcionando juntos. No podemos decir en qué centro clave estamos, reducir en qué escala estamos usando Entonces hay ciertas formas en las que queremos acercarnos a tocar estas notas que no están en clave. No son las notas moradas. Ahora bien, lo primero que quiero mencionar es que el movimiento cromático funciona mejor en upbeats Cuando estamos contando uno y dos, y tres y cuatro. Tenemos nuestros principales downbeats, uno, dos, tres, cuatro, y los upbeats y y y y poner estas notas cromáticas al final va a funcionar un poco mejor porque son, después de todo, las notas más Por lo que ponerlos en el ritmo menos estable significa que el ritmo estable uno y el estable beat dos, esos están consiguiendo notas más estables. El optimismo permite cierto espacio para la experimentación dentro del cromatismo Entonces eso es solo una especie de nota al margen que quiero que consideres. Pero de lo que vamos a hablar cromáticas vecinas y las notas cromáticas de paso, una continuación de lo que hablamos antes Ahora bien, no estoy seguro de que en esta clase, haya sacado a colación el término diatónico, pero diatónico significa fiel Significa que estás tocando todas las notas moradas y todos los acordes que estás tocando son notas adecuadas dentro de esa clave Entonces hay diatónico, fiel a una clave, y cromático. Todas las notas pueden ser consideradas. El enfoque que estamos tomando aquí va a ser diatónico con cierto cromatismo, alguna experimentación cromática con algunas de estas notas que, de nuevo, aterrizan sobre estas líneas negras en Comenzando con tonos cromáticos vecinos, tomemos una de las notas que está en una nota morada, y vamos a moverla hacia arriba a una nota negra y hacia atrás Entonces este es un tono vecino superior, y es cromático porque no está cayendo sobre una de las notas moradas en clave. Vamos a darle una escucha. Bien, un poco aventurero. No suena terrible, pero no necesariamente es genial. Tienes que ver realmente donde usas el cromatismo en cuanto Si estás haciendo algo como neo-soul, funk, hip hop, RMB, vas a poder salirte un poco más con el cromatismo Cualquier cosa inspirada en el jazz, realmente. Si estás tocando algo más recto, como una canción como esta, como una melodía electrónica o pop, va a ser un poco más difícil hacer estas notas funcionen a los oídos que quieren escuchar ese estilo. Alguien con ganas de escuchar música pop no necesariamente va a estar listo para toneladas de cromatismo Pero otra vez, yo estoy desviando. Quería mostrarte que podrías empezar con una nota, por ejemplo, que sea púrpura. Está en clave, muévete hacia arriba o hacia abajo a un tono vecino, nota quieras llamarlo a una nota no diatónica, una nota no en Aquí está el ejemplo de un tono de vecino más bajo. Bien, tan aventurera para esta canción en particular. Pero en realidad hay una buena oportunidad para que hablemos de un tono de paso cromático, y eso es aquí o aquí En cualquier momento, realmente, vamos de una nota morada a otra nota morada con una negra en el medio. Esto es cierto a la clave. Este de aquí no lo es. Esto es cierto a la clave. Entonces me gustaría intentar experimentar con esta parte aquí y poner una nota de paso cromática. Vamos a darle una escucha. Bien, entonces eso empieza a sonar un poco más apropiado. Suena un poco videojuego, también, también. Mucha de la música en el videojuego Mario, que tipo de configurar mucha otra música de videojuegos fue muy influencia jazz que utilizó bastante cromatismo Entonces, a medida que te acerques a esto, vas a sentir que estás recibiendo un poco menos de EDM o una especie de música electrónica estándar y sumergiendo los dedos de los pies un poco más hacia los estilos de videojuegos electrónicos Ahora bien, esto se puede exagerar rápidamente. Empecemos a rellenar un montón de estas notas con notas de paso cromáticas Parece que siempre va a ser el caso de que esté moviendo más abajo en esta sección. Aquí en esta siguiente sección, sí tenemos la oportunidad de hacer una nota de paso cromática superior Entonces, vamos a escuchar todo esto. No va a sonar perfecto, pero esta es la idea básica. Esto me gustó más. Creo que funcionó mejor como una especie de tono de paso cromático más lento, una vez más Entonces este es un extremo, dos extremos, tres extremos, cuatro extremos. Es un extremo, dos, tres d. Así que aquí está nuestro tres final de este ritmo en particular, y podemos ver que la nota cromática está sucediendo al final Parte de la razón por la que esto sonaba bastante apropiado. Todo por aquí estaba en las notas 16. Fue un poco rápido y frenético. Nada malo en rápido y frenético, como el vuelo del abejorro, por ejemplo, por ejemplo, Es muy rápido y frenético. Pero hay que experimentar un poco y explorar para asegurarse de que estas notas cromáticas sean, una, no caigan en los ritmos principales, sobre todo con demasiada frecuencia Y dos, que simplemente suena bien. A veces esto parece que va a funcionar y no suena fantástico. cromatismo puede ser bastante sensible en cuanto lo que lo hace funcionar y lo que lo hace desafiar demasiado al oído Así que volvamos y deshagamos un montón de lo que acabo de hacer todas estas locas cosas extra. Whoop, demasiado lejos. Y yo diría, mantengamos en esta pequeña nota aquí solo por diversión, solo por un poco de sabor extra Así que ten en cuenta que aún puedes tener notas de vecino superior, vecino inferior o de paso superior, de paso inferior. Pero en este caso, no estás pasando de púrpura a púrpura a otra nota morada. No nos quedaremos en la llave. Vamos de púrpura a una nota que no es púrpura a otra nota morada. Entonces estamos pasando de estar en clave, no en clave temporalmente a en clave. Y eso no en clave temporalmente nota debería aterrizar preferiblemente en un optimista en un de un latido ¿Por qué no creo algo totalmente fresco? Y voy a tratar de incorporar más cromatismo. Y para mí, este será un proceso muy natural porque he tocado mucho piano jazz, pero luego podemos descomponerlo un poco. Vamos a darle una escucha. Podría sonar algo así en uno, dos, tres, cuatro. Bien, entonces ahí está para nuestra primera sección. Es más cromático de lo que normalmente tocaría para este estilo, pero obtendrás la idea básica Entonces ya estoy rompiendo una regla aquí. Es uno y dos, y estoy justo en esos dos, ese principal downbeat de B dos, y soy cromática Pero esta es, por lo que entiendo, una de las notas cromáticas más seguras para poder tocar En realidad estaba pensando en la escala de blues en sol menor, y esa nota que estaba tocando era la nota azul. Entonces es una D flat o C sharp, conocida como la nota azul. Ese podría ser un momento en el que podrías ponerlo en un ritmo bajista, pero yo advertiría trabajar con este tipo de cromatismo en un Pero también, esto llega a mostrarte que puede sonar bien, y puede funcionar. Ahora, hacia la segunda mitad, tenemos. Bien. Así que de nuevo, estoy rompiendo algunas reglas en este piso D aquí está, nuevo, en un downbeat Pero de nuevo, es, creo, la nota cromática más segura para tocar Tengo otra nota cromática pasando por aquí. Esto es algo que podrías llamar recinto. Básicamente estoy tratando de aterrizar en esta nota segura, y lo estoy haciendo rodeando ese tono. Tenemos una nota estable, una carcasa cromática que nos lleva a otra nota diatónica o segura Pero esta vez estoy al final del ritmo. Entonces si esto es uno y dos y tres, y cuatro y uno, y estoy al final de ese segundo beat uno, en este caso. Entonces, si vas a poner notas cromáticas en downbeats, trata de escoger las que sean seguras, como las que ya existen en escalas Por ejemplo, las escalas B Bop y las escalas azules fuera del contexto de este curso, pero siéntete libre de investigarlas. Hay pequeños momentos dos semitonos suceden espalda con espalda, y ese pequeño semitono en el medio puede ser una nota cromática con la que juegas También nos sumergimos un poco en recintos, esta idea de tener una nota objetivo y rodearla, una nota arriba de una nota abajo y luego llegar A veces podría ser una nota debajo una nota arriba y luego llegar. Incluso puedes comenzar a poner dos notas sobre las porciones anteriores o las siguientes. Hay muchas formas diferentes en que los recintos se pueden formar mucho fuera del contexto de este curso Sería para, como, improvisación de jazz. He traído recintos en mi curso de trucos de piano de jazz, pero siéntete libre de comprobarlo. No tienes que hacerlo. Es sólo si realmente quieres aprender más en particular sobre recintos, que es una gran parte de ese sonido de jazz Entonces algo a considerar es en la música barroca, tuvimos bastante cromatismo No había acordes completos necesariamente sucediendo con otras notas Había mucho contrapunto. Así que las líneas de una sola nota y otras líneas de una sola nota suceden generalmente como un clavecín Piénsalo, JS Bach, por ejemplo. Si miras su música, es justo lo que parece una melodía muy intensa y otra melodía muy intensa y algunas pequeñas notas que se meten entre lo que podríamos llamar líder de voz interior Pero las cosas realmente se pusieron bastante cromáticas. De hecho descubrí que una vez que llegó la música clásica, cromatismo, se sentía como que había menos Y no sé si eso es porque se estaba introduciendo la armonía bloqueada , y el roce de una nota contra la armonía se sintió un poco más. Pero como que dio un paso atrás del cromatismo. Y luego en la era romántica, hombre, ¿alguna vez trajeron de vuelta colores y cromatismo y un montón de formas de experimentar juntos con los sonidos de la melodía y Avance rápido, te adentras un poco más en el piano contemporáneo y el piano de jazz, y el cromatismo estaba completamente disponible en ese momento Un pequeño truco cromático que voy a intentar para animarte a que pruebes, y me sale esto de como Chopin y otros compositores románticos Entonces tocarás un acorde, y esto funciona muy bien con sonidos menores. Digamos que estamos jugando A menor. Y en la mano derecha, jugarás la Quinta. Así que esa nota superior del acorde. Puedes jugar con semitonos ambos lados de este quinto, y es un gran lugar para experimentar con cromáticos vecinos. Entonces suena así. Simplemente suena un poco siniestro, un poco espeluciante. Es un área muy divertida para jugar. ¿Correcto? Me recuerda un poco a Chopin, pero también a Danny Elfman acercándose hacia ese lado más oscuro Y se hace a través del cromatismo. Ahora bien, honestamente, la nota por encima de la quinta. Entonces por encima de esta E, tenemos una F, un semitono arriba. Eso no es cromático. En realidad es parte de la escala. Pero cuando vamos un semitono por debajo del quinto, esa es la nota cromática En realidad es la misma nota que me estaba poniendo para vencer a uno en el ejemplo de antes. Pero todo esto es decir, hay ciertos puntos donde este cromatismo va a funcionar mejor Quieres saber cómo funciona el cromatismo dentro del género que estás tratando de crear ¿Está siquiera permitido? ¿Se prefiere incluso? Y si lo es, ¿está alrededor de cierto tono? Se usa con frecuencia o con poca frecuencia, este es el tipo de preguntas que quieres empezar a hacerte Entonces eso es básicamente cromatismo la vista de tu información midi Estamos tocando las notas entre las notas moradas, y estamos siendo cautelosos en cuanto a cómo lo hacemos Estamos tratando de poner las notas cromáticas en upbeats, que es el y entre nuestros ritmos principales A menos que sea una nota cromática en la que te sientas muy seguro sonará bien en un ritmo bajista Hemos hablado de tonos cromáticos vecinos arriba o abajo, tonos cromáticos de paso arriba o abajo, e incluso sumergidos un poco en Entonces eso es todo para esta clase. En la siguiente, vamos a hablar de tener una melodía ancha versus una estrecha. Te veré ahí. 10. Ancho vs. estrecho: Dos. Bien, a continuación, vamos a hablar de melodías anchas versus estrechas Cuando no movemos mucho nuestra melodía en cuanto a los saltos entre notas, esa sería una melodía más estrecha. Pero cuando estoy saltando algo un cuarto, un quinto o más, eso se consideraría una melodía más amplia Nos gusta equilibrar lo estrecho y lo ancho, y hay ciertas formas de hacerlo. Hablemos de ello. Así que he creado aquí una melodía que va junto con las dos partes que habíamos creado antes. Empiezo con más densidad rítmica porque la armonía está haciendo algunas cosas simples, y estoy terminando con menos densidad rítmica porque la armonía Es decir, cuando la armonía está haciendo más cosas rítmicas, la melodía está haciendo menos cosas rítmicas Además, notarás que hay muchas secciones estrechas dentro de esta melodía, moviéndose por pasos, tal vez por saltos Y luego están estos saltos impares, estos grandes saltos entre notas, como esta A a esta F. Pero en general, notarás que estrecho es el ganador. Piensa en esto. Si toco una melodía como esta, es muy estrecha, pero funciona. Es muy cantable Ahora bien, si esta vez pruebo una melodía muy amplia , buena suerte cantando eso. Eso va a ser muy duro. Tan estrecho es el ganador al final del día. Entonces queremos decir, Bien, ¿cómo puedo ser como 80 a 90% estrecho y usar algunos saltos anchos apropiadamente Entonces, después de haber saltado, ¿qué he hecho? He entrado en un pasaje más estrecho, y he regresado hacia el medio para que este salto se llene un poco. Eso también sucede aquí, ya que es una especie de versión repetida de la frase. Entonces la primera mitad suena así. Para que puedan ver, de nuevo, después de esos grandes saltos, estamos jalando, y en realidad solo hay un gran salto dentro de esta sección Ahora, más adelante en la sección más lenta, estamos saltando un poco más Los saltos son un poco más indulgente cuando no somos tan rítmicamente densos. Piensa en esto. ¿Quieres estar saltando entre notas a menudo? Probablemente no. ¿Quieres hacerlo a un ritmo rápido? Probablemente no. Para que puedas salirte con la tuya con algunos saltos más o una melodía más amplia en los momentos en los que estés tocando la melodía un poco más lento En otras palabras, hay menos densidad rítmica. La segunda mitad de nuestra melodía suena así. Ahora, también se puede escuchar el cromatismo que está sucediendo en esta pequeña zona Esta pequeña C aguda, como pueden ver, está en una de estas notas negras no diatónicas Aquí no está pasando justo en esta línea. No está sucediendo en ese downbeat tanto como es más una nota de recogida o un upbeat Entonces, nuevamente, esta es esa quinta parte de la clave, que es un semitono D por encima del semitono abajo, esa especie de truco chopinsque Estos saltos aquí, por ejemplo, A, abajo a D, D es el quinto de la clave, y G es la raíz de la clave Así que estoy realmente anclado alrededor algunas notas seguras dentro de esa clave, a pesar de que estoy saltando un poco más de lo habitual, y no es Cuando lo piensas, estoy saltando aquí abajo, me voy de aquí arriba, y luego me voy de nuevo abajo entre estos dos Entonces tres saltos, pero con notas más seguras y en un ambiente donde las cosas son lo suficientemente lentas como para que los saltos aún puedan ser más Todo el asunto juntos suena así. Entonces otra cosa a considerar es que este salto de esta nota a esta nota entre las secciones es bastante grande. Pero hay tanto tiempo entre eso vocalmente o en nuestro instrumento Tenemos este tiempo para prepararnos para ese tono alto, ya sea con tensión de labios y enfocarnos en la trompeta o ya sea con tensión vocal como cantante Esta clase no tiene que ser particularmente larga. Mantén tus melodías más estrechas. ¿Por qué? Entonces son más cantables. Si vas a ser más rítmicamente denso, es decir, más notas atascadas en un espacio, esto es extra importante porque a menos que tengas un cantante que sea muy ágil y pueda dar toneladas de saltos a un ritmo muy rápido, va a ser difícil ser rápido y saltado a rápido y saltado En términos de agregar ancho a tus melodías, generalmente, se intercalará entre algunas secciones más estrechas Parte fácil de cantar, un poco de agilidad como vocalista volviendo a una parte fácilmente cantable Además, cuando saltas hacia arriba, generalmente, rellenarás un poco hacia abajo, y cuando saltes hacia abajo, rellenarás un poco hacia arriba, generalmente con pasos o saltos, algo un poco más amable y fácil de cantar Ahora bien, esto es todo si estás tratando de crear una melodía cantable te puede gustar el sonido de Algo así ¿Lo llamamos melodía? Yo no necesariamente, pero si buscas una especie de parte melódicamente influenciada y estás dispuesto a hacerla muy saltada, solo diría, considera hacerlo en música instrumental y no consideres hacerlo en música instrumental y que tu cantante va a poder seguir el ritmo de una melodía Entonces eso es todo para esta clase en melodías estrechas versus anchas. Es una simple. Te he dado un gran marco para trabajar dentro. Si por alguna razón, tu melodía no es trabajo echa un vistazo a lo estrecha que es y qué tan amplia es y con qué frecuencia estás haciendo estos saltos y qué tan rápido están sonando tus notas Estas son todas las cosas a considerar. Y aunque es un concepto simple, recomendaría pasar por esta clase un par de veces extra porque creo que esto es algo que se desliza por las grietas, y muchos escritores de melodía principiantes podrían pasar por alto En nuestra próxima clase, vamos a hablar de melodías heterosexuales versus oscilantes. Te veré ahí. 11. Recta vs. inclinada: Bien, hablemos de melodías heterosexuales versus oscilantes En primer lugar, ¿sabes lo que es un ritmo recto? ¿Sabes lo que es un ritmo oscilado? Y si lo haces, ¿ sabes qué estilos generalmente se deben tocar rectos y cuáles deben tocarse oscilantes Estas son las cosas de las que vamos a hablar en esta clase. Vamos a saltar. Entonces, si no sabes lo que es un ritmo recto versus un ritmo oscilado, permítame demostrarme de una de las formas más fáciles con aplaudir Un ritmo recto sería algo así como uno y dos, y tres y cuatro terminan. Observe que los números son más fuertes que el s uno y dos y tres y cuatro terminan Cuando nos balanceamos, alargamos los números y acortamos los s. La relación es básicamente de dos tercios a un tercio, pero el swing se puede ajustar en consecuencia a partir de ahí Entonces terminamos obteniendo algo como uno y dos, y tres y cuatro y. También fíjese que los ands son más fuertes que los números uno y dos, y tres y cuatro, y Estas dos cosas el ajuste rítmico y la forma en que acentuamos, qué notas se tocan más fuerte, conforman los fundamentos de lo que es el Ahora, en términos de aplicar groove o swing con Ableton, hay toneladas de variaciones Podemos hacer que el Jdilla borracho golpee una especie de sentir el swing de MPE. Pero al final del día, estamos hablando de melodías y de cómo puedes sentirte cómodo tocando o programando en esas melodías También vamos a jugar con la piscina de groove, pero quería asegurarme mencionarlo directamente por la puerta. También vamos a jugar con el groove pool, pero no es algo con lo que vamos a empezar. Ahora bien, si tu melodía debe ser recta o balanceada depende del estilo Por ejemplo, en el jazz, el tambor late. Se balancea. Por lo que queremos asegurarnos de que todos los demás elementos instrumentales también se balanceen Sonará bastante mal si tu ritmo de batería se balancea, pero estás tocando una melodía recta o viceversa Entonces, es como que se acordó que toda la banda está tocando junta ya sea en un ritmo recto o en un ritmo oscilante Ahora bien, si tienes swing pesado o columpio ligero, cuánto ajustas esos dos tercios, un tercio. Otra vez, eso es algo en lo que toda la banda se encerraría. Si es algo así como uno y dos, y tres, y cuatro, y eso es un swing bastante pesado. Alternativamente, podrías tener algo como uno y dos, y tres, y cuatro y. Ese es un columpio bastante ligero. Son casi 50 50. Pero generalmente, quieres estar pensando como, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, donde el uno, dos es ligero, y el tres es más pesado. Uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres. Así que aquí vamos a entrar en los océanos profundos. Vamos a crear una melodía que empiece en una G. Y voy a despegar el modo de escala. No queremos ver ningún morado por ahora mismo. Estamos empezando a tener un poco más de confianza, ojalá, con nuestras opciones de notas. No estoy diciendo que al final de este curso o para este punto debas estarlo, pero digamos que llevas un rato haciendo esto y te estás poniendo más confianza, apágalos lo antes posible. Es como una muleta No querrás usar muleta después de que tu pierna haya sanado. Ponlos en el clóset, construye la fuerza. En este caso, la fuerza de la que estoy hablando es tu teoría musical, el conocimiento. Entonces por ahora, lo que voy a hacer es crear una melodía que utilice un ritmo recto. Esta melodía no va a ser nada fantástica. En su mayoría solo va a trabajar arriba y abajo a través de las notas dentro de nuestra escala, tal vez con una nota sosteniendo un poco. Entonces tenemos algo así como, nan dos, tres, y cuatro, y uno. Ahora bien, algo a tener en cuenta es que no estás jugando heterosexual o balanceado si solo estás jugando downbeats Así, uno, dos, tres, cuatro. Aunque suene bastante recto, todo es muy igual. El columpio pasa en la s, ¿verdad? Entonces, si nuestro ritmo de batería es solo boom, boom, boom. Podrías tocar octavos rectos sobre eso o balancear octavos notas Entonces lo que voy a hacer es que es un poco astuto, pero solo voy a hacerlo y no necesariamente lo recomendaría, pero voy a silenciar esta pequeña parte aquí, que es algo así como en la cuarta nota 16 Y como resultado de eso, vamos a terminar recibiendo una especie de baterista mucho más recto, y lo haremos por esta mitad trasera, también Ahora, la batería suena así. Bien, todavía hay un sonido extra pequeño ahí dentro. Así que de nuevo, podríamos incluso querer ser más granulares, solo para asegurarnos realmente de que conduzco el punto a casa de que si tus tambores son rectos, tu melodía debería ser recta. Si tus tambores son balanceados, tu melodía debe ser balanceada. Nos estamos deshaciendo de cualquier elemento recto o columpio de la batería para que pueda demostrar la melodía oscilante en este tipo de reino Entonces suena así. Bien. Sólo una patada. Eso está bien por ahora. Simplemente no quería darte un ritmo de batería directo y tocar una melodía balanceada sobre la parte superior Sería un poco hipócrita si lo hiciera. Entonces, qué vamos a hacer ahora para que esta melodía se balancee fuera de si pudieras tocarla, como, si pudieras tocar algo así como Entonces, genial. Juega se balanceó. Pero por ahora, supongamos que no tienes ninguna habilidad de teclado y esperas programar todo con el lápiz. Lo que yo recomendaría es que vayas a la grilla tripleta. Vas a hacer clic derecho e ir a la cuadrícula de Triplete, y luego vas a configurar Es difícil de ver, pero está arriba de esta manera. Así que echa un vistazo. Vas a poner este triplete de 64 notas a tripletes de octava nota Y mira cuánto eso hace que esta grilla sea mucho más gruesa. Podemos ver los dos tercios y el tercio muy claramente en este spot. Boom, boom, y luego está nuestra siguiente nota. Lo mismo aquí. Vamos a ajustar, lo mismo aquí. Y eso lo haremos por cada una de estas notas. Y luego después ya se puede decir que esto va a oscilar. Vamos a comprobarlo. Está bastante balanceado, ¿verdad? Pero puedes tomar esto y ajustarlo, así que es un poco apagado o un poco tarde en este extremo para crear algún swing bastante extremo. Y este swing más extremo es en realidad bastante común desde, como, música de baile de los 90 que tick tick tick tack titi tack tick, tick tack Algo así como, guardar por la campana y no sé, como simplemente muy viejo 80 y en los 90 Muy sobrepronunciado, tal vez un poco de retroceso al swing más básico del jazz Pero puedes ver aquí estamos pensando en dos tercios de un latido, un tercio de un latido. Si quisieras ser más precisos, también sacarías esto y ser un poco más fuerte Ahora bien, este sintetizador en particular no es sensible a la velocidad. No importa qué tan alto o bajo ponga estos, siempre será el mismo volumen. Pero si estás trabajando con algo como un Wurlitzer o Rhodes, todas estas notas cortas, todas estas notas cortas, y puedes simplemente mantener presionada la tecla Shift y seleccionarlas Si mantienes Alt sobre uno de ellos, vas a hacer clic y arrastrar hacia arriba, y luego puedes ajustar esos s, esos offbeats, para que sean un poco más fuertes Si las principales son demasiado ruidosas, nuevamente, selecciona todas estas notas largas y pedalosas Haga clic Mayús, mantenga pulsada la opción Alt y, a continuación, podrá arrastrar hacia abajo. Pero nuevamente, este sintetizador no es sensible a la velocidad, por lo que no funciona del todo con esto Si lo subo a acordes, tendríamos, realmente se puede escuchar ese columpio pesado Entonces, a partir de ahí, es posible que desee ajustar en consecuencia y encontrar ese punto dulce que funcione para usted. Entonces algo como jazz, soul, neo-soul, hip hop, estos van a ser estilos que tradicionalmente van a ser balanceados Algo así como disco o funk, podrías suponer que se balancea porque es bastante maravilloso, pero el swing Cuando te metes en la música pop, es mayormente heterosexual, pero a veces está lo suficientemente influenciada por otro género oscilante como para que sea un poco oscilante El rock va a ser heterosexual casi el 100% del tiempo, música clásica, mismo tipo de idea. Entonces, ¿quieres asegurarte de que estás considerando qué estilo estoy tratando de componer Produce? ¿Y se balanceó? Si es así, ¿qué tan pesado se siente ese columpio? Incluso algo así como la escala pentatónica, algo así como si toco esto directo versus columpio, quiero que me digas, ¿puedes decir la nacionalidad para ambos Como, ¿cómo está cambiando en términos de la región de la música que estás pensando en tu mente? Compruébalo, algo así como. Vamos a probarlo un poco diferente con el swing esta vez. La primera forma suena un poco más a la música tradicional asiática, mientras que la segunda forma se va a sentir un poco más como una jig irlandesa Así que incluso con el mismo conjunto de notas, ya sea que estés balanceando o no va a determinar el estilo que estás tocando. Ahora bien, no estoy diciendo que no puedas tocar hip hop heterosexual, y no estoy diciendo que no puedas tomar un enfoque clásico que se siente un poco más balanceado De hecho, en la música clásica, cuando te metes en 68, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, ahora estás en una grilla que podría funcionar bastante bien para swing o para emular swing Pero la gran diferencia aquí es que balancearse es cuando estás viendo dos octavos, no los estás leyendo como iguales. Entonces, por lo general, cuando ves dos octavos, es uno y dos, y tres y cuatro en pequeñas parejas. Un extremo, dos extremos, tres, cuatro extremos. Esto lo sabrías si fueras músico de jazz, pero cuando ves dos octavos emparejados una y otra vez en el jazz, no lees a la una y a la dos. Lo leíste uno y dos. Entonces el swing está implícito dentro de esas octavas notas. Mientras que este ejemplo clásico en el 68, técnicamente no se balancea Es literalmente uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, en términos de cómo están pensando de esos ritmos Además, los alegres, los As no se acentúan. En lo clásico, seguiría acentuando los más En este caso, uno y cuatro, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis. El equivalente en jazz o un género swung sería uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis El tercer beat de cada uno de esos grupos más pequeños de tres sería el beat acentuado Entonces ahora que nuestros tambores son bastante neutrales. Entonces ahora que nuestra batería es bastante neutra, vamos a llegar a una parte recta y otra oscilante en esta primera mitad de la canción No funciona en la segunda mitad porque no estoy balanceando estas notas cuando estoy tocando este inchin gen chin chin chin chin chin En los acordes, si lo configuro en modo triplete, ahora podría ajustar Suena así. ¿Verdad? Entonces va a ser un poco más balanceado Pero aquí no estamos tratando de desarrollar una canción completa. De nuevo, sólo estoy dando ejemplos. Entonces vamos a trabajar con la primera mitad donde solo estamos sosteniendo acordes. Toquemos una melodía recta, que ya he hecho de sobra, pero haré una melodía recta, y luego haré una melodía swing. Bien, échale un vistazo. Algo así en uno, dos, tres, cuatro. Bastante recto. Yo uso la escala pentatónica, similar a lo que hice en la jig irlandesa tipo de ejemplo de antes Aquí hay un buen ejemplo de una pregunta y una respuesta, así que ahí está la pregunta, y ahí está la respuesta un poco más resuelta. Si tuviera que tomar ese mismo tipo de concepto, tal vez no exactamente las mismas notas, sino que tocara osciló, sonaría así en uno, dos, tres, cuatro Nuevamente, notas diferentes, pero misma escala, la escala pentatónica en sol menor, y ahora suena así El columpio podría limpiarse un poco. No vayas a cuantificar enseguida porque puedes ver que cada latido se divide en cuartos Queremos dividirlo en tercios, que es, de nuevo, la grilla de tripletes. Y en general te recomiendo que estés en cuadrilla de tripletes de octava nota si tu melodía no es súper rápida Entonces, si quieres corregir las cosas a mano, así es como lo harías dentro de esta vista. Pero claro, si vas a hacer clic derecho a cuantizar ajustes o simplemente vas a la sección de transformación del lado izquierdo de aquí, también puedes configurar la cuadrícula de tripletes con este pequeño botón, trillizos de octava nota Ahora, cuando voy a seleccionar todo y cuantizar, es cuantificar a esa grilla Vamos a darle una escucha. Entonces, ¿ cuál te gustó más? ¿Prefieres la melodía recta o la melodía oscilante? Eso podría decirte qué tipo de estilos podrías querer investigar más a fondo en términos de los estilos que quizás quieras producir. Si te gusta más la melodía swung, echa un vistazo al hip hop. Echa un vistazo al jazz, echa un vistazo a R&B y Soul. Si te gusta más la versión recta, tal vez el pop, el rock o la clásica sea más para ti. Por último, lo que vamos a hacer es usar la piscina de ranura para crear algún swing. En realidad solo voy a editar deshacer hasta que volvamos a la versión recta. Voy a resetear la cuantificación. Entonces es en las notas 16 y no en el triplete. Suena así. Ahora apliquemos algo de swing a estas notas. Primero lo vamos a hacer en el back end, y luego lo vamos a hacer en el front end donde se puede ver visualmente el swing. Permíteme explicarte. Así que puedes subir al lado izquierdo aquí, y vas a estar buscando surcos. Y cuando selecciones surcos, te voy a recomendar la mayor parte del tiempo que vayas con surcos MPC Se puede ver justo aquí arriba, dice MPC swing y lo que estamos balanceando en este momento es una cuadrícula de octava nota ¿Ves que esto, por ejemplo, es uno EN. Es nuestro ritmo principal partido en cuatro, pero normalmente no estamos tocando ninguna nota en este segundo o en este cuarto cuadrito. Siempre son los dos primeros o los dos últimos, el uno o el o en este caso, los cuatro y el, cualquiera que sea el ritmo en el que estés. Entonces, en serio, queremos estar pensando en esto como octavos en términos de swing porque sólo estamos tocando octavos. Por qué esto es importante es mirar hacia el lado izquierdo, notarás que hay swing MPC octavo y swing MPC 16th Uno EN a dos ENa tres ENa cuatro Eanda, uno y dos, y tres y cuatro final Entonces vamos a tomar 64, lo que va a tener algún efecto bastante sólido. Piensa en 54 como el swing menos y piensa en cuál es nuestro 74 más alto como el más swing. 64 está en algún lugar en el medio pero bastante notable. Ahora, hay tres puntos principales en los que puedes hacer tu groove o en este caso, balancearte una vez que hayas encontrado el con el que quieres jugar. De nuevo, puedes sentirte libre de hacer clic en ellos y simplemente escuchar el swing hasta que se sienta como si estuviera balanceándose de la manera que querías. Se puede arrastrar a la propia información MIDI. Puede arrastrarlo hacia abajo hasta el área del surco, que está a lo largo del lado izquierdo de la información MIDI. Y una vez que la hayas arrastrado a cualquiera de esos dos puntos, si no pudiste ver ya esta piscina de groove , ahora está disponible, pero normalmente podrás ver esto Y ese es otro lugar donde puedes arrastrar tus surcos también. Puede tener múltiples surcos y luego seleccionar entre ellos para ver cuál te gusta más. O si encontraste uno que te gusta, y luego decides que te gusta otro más, simplemente arrastra el otro sobre ese primero, y reemplazará cualquier elemento dentro de tu canción que utilice ese groove. Entonces, en este caso, hemos traído MPC 3,864. Nuevamente, un swing bastante notable. Escuchemos esta melodía con el swing ahora aplicado. Para que puedas escuchar en estas octavas notas que están pasando, no son heterosexuales. No es da, da, da, da, es d, d, d, d, ¿verdad? Tenemos ese swing sucediendo. Pero ¿estamos viendo el swing en la información MIDI? No, solo lo estamos escuchando en la parte de atrás. Se está jugando como si estuviera oscilado, pero lo estamos viendo bien. Es así como funciona ese ejemplo de partituras que mencioné anteriormente. Ves octavos rectos en la página, pero los tocas balanceados en base a alguna instrucción que te darán en la página Como, van a decir, toca tus octavas notas balanceadas , ese tipo de idea Ahora, lo que es realmente genial es que también puedes ver estos cambios si justo por encima de esta pequeña área de surco, seleccionas esta flecha. Este es el botón Commit, y cuando haces clic en él, quiero que veas lo que pasa con toda esta información MIDI aquí. Voy a darle click y boom, hay algunos ajustes. Mira esto. Esto se ajustó un poco. Este se ajustó un poco, así que no está justo en esa grilla. Ahora bien, si enciendo la grilla triplete, échale un vistazo. ¿Esto está exactamente en la línea del triplete? No, no lo es. Entonces eso me dice que 64 todavía no es tan oscilado como una grilla de tripletes estándar Ahora, algo a tener en cuenta es que una vez que cometas la ranura, notarás que está fuera de esta pequeña herramienta de selección de surco en este punto porque no quieren que agregues swing en la parte superior del columpio en la parte superior del columpio. Se vuelve confuso. Siempre asegúrate comenzar desde un punto de ritmo recto, y luego intenta aplicar diferentes columpios a ese ritmo recto Si el swing no funciona, deshazlo y prueba otro diferente. Si eso no funciona, deshaga y pruebe uno diferente. Pero lo que notarás es que incluso en la cuadrícula de tripletes, estas notas que se están balanceando no están perfectamente en la Entonces, en otras palabras, 64 como surco no está perfectamente en una rejilla triplete en términos de swing. Es un poco más ligero. Vamos a deshacer para que tengamos nuestro swing disponible de nuevo, e intentemos 68 y luego intentemos aplicarlo. Ooh, el 68 es un poco exagerado. Pero de nuevo, se trata de esas dos terceras partes del camino a través del tipo de marca beat. mí me gusta que uno esté al frente un poquito, uno detrás un poco, porque es fácil para mí hacerlo a mano para que todo quede justo en la parrilla. Pero como humanos, no somos perfectos. Por lo que es bastante común que juguemos de un lado o del otro lado de ese ritmo, a diferencia de perfectamente en la parrilla. Así que has aprendido que los ritmos rectos, uno y dos, y tres y cuatro y los ritmos de acento hacia abajo, y todo se divide en medias de compás El swing es generalmente uno y dos y tres, y cuatro y. Estamos acentuando los ands o los upbeats, y estamos jugando cerca de dos tercios de un beat, un tercio de Lo que elijas en términos de columpio o recto dependerá del estilo Entonces quieres asegurarte de que antes de empezar a producir, tienes una idea si quieres balancear tu ritmo. Ahora, otra cosa que quiero mencionar es que volvamos a nuestro baterista básico que teníamos antes, entendiendo que suena casi un poco balanceado No sé que técnicamente lo sea. Ahora, como punto final, una vez más. Vamos a volver a subir a un baterista completo. Esta vez se balancea. Dale una escucha. Jack, chip, Jack, chick, jack, chi, jack, check, Jack, chick chat. No es un ritmo de tambor perfectamente recto. Se puede ver con bastante frecuencia, se pueden ver algunas de estas notas o estas se pueden ver algunos de estos golpes de batería no están perfectamente cuadrados al ritmo Algunos de ellos son como nuestros principales downbeats, pero es un poco balanceado Es un poco groovy. Entonces lo que voy a hacer es extraer el groove de este ritmo de tambor. Puedes hacerlo haciendo clic aquí abajo dentro de este tipo de versión disecada del drumbeat o arriba a lo largo de esta barra amarilla, en este caso, esta parte superior del clip, haz clic derecho en cualquiera de esos spots, y vas a A partir de ahí, va a analizar el bucle y decir: ¿Está ocurriendo algún swing? Y si es así, ¿cómo se presenta el columpio? Boom, ahora tenemos un nuevo algoritmo por aquí que podemos aplicar a nuestra melodía. Podríamos probarlo en la armonía, también, también. No creo que vaya a hacer mucho, pero ahí podemos aplicarlo. Y entonces podemos aplicarlo por aquí también, también. Y nuevamente, estamos buscando esta zona de surco y bajando a esta HKDRM 125 Ese es el nombre del ritmo de tambor por si no te diste cuenta. Ahora, debería sonar bastante encerrado con la melodía y armonía porque todo está funcionando en el mismo groove. Entonces, si tienes un loop y hay un groove integrado en él y estás como, no estoy seguro de qué algoritmo debo elegir de mis algoritmos de swing, simplemente extraer el groove del propio beat y luego aplicarlo a las otras partes. Suena algo así. Ahora bien, el columpio es muy ligero, pero puedo decir que las cosas se sienten bastante encerradas. Entonces esto es algo con lo que puedes tocar dependiendo de la cantidad de groove que tengas dentro de tu ritmo de batería. Si ni siquiera estás seguro de si tu ritmo de batería se balancea o no, extrae el surco de todos modos. Aplícalo a tus datos MIDI rectos. Si no hubo swing, no aplicará ninguno. Si la hubo, entonces lo hará. Entonces es algo así como las apuestas muy bajas, una forma u otra, extraen el surco y siéntete libre de usar ese surco. Donde quieres usar el groove pool o los algoritmos de swing en Ableton es si estás haciendo todo a mano, digamos que eres tú quien crea estos bucles, entonces seguirías adelante y probarías las cosas que Generalmente con columpio, no recomiendo ponerle todo a lápizcas Yo diría que o jugarlo con swing o jugarlo en línea recta y luego aplicar algún tipo de surco a eso. Además, también, si vas a los grooves una vez más, también notarás que hay un botón de género arriba en la parte superior, dance hall, disco, funk, hip hop Entonces, dependiendo del estilo que estés creando, va a haber algunos algoritmos de swing asociados a esos géneros. Mencioné que disco y funk no siempre se balancean mucho, pero sí pueden Son algo versátiles de esa manera, especialmente disco. La discoteca suele ser recta, pero sí se sumerge bastante en algún territorio de swing , también, también. Eso es todo para esta clase de melodías rectas versus oscilantes, considera el género al que estás aplicando todo esto Asegúrate de entender la idea de que los ritmos rectos tendrán downbeats acentuados , uno, dos, tres, cuatro, y los ritmos oscilantes generalmente tendrán upbeats acentuados, los de uno, dos, Straight es como medio latido, medio latido. Swung es alrededor de dos tercios, un tercio, pero eso se puede ajustar en función de lo oscilante que quieras que se sienta Cada vez más de estos días, me encuentro aplicando swing, incluso un poquito a mis producciones. Tienden a agregar un poco más de groove y un poco más de una especie de sensación humanizada. Espero que te hayas divertido en esta clase. En nuestra próxima clase, vamos a hablar una melodía basada en astonado. Te veré ahí. 12. Melodías basadas en Ostinato: A continuación, hablemos de crear una melodía basada en astonato Un astonato que puedes pensar como una especie de parte de bajo en música latina es muy a menudo de donde viene esto Yo como que hago, do amigo, dd do perro, do do do do do do dog doo. Funciona como una melodía, pero también funciona un poco como un riff Es cantable, pero es muy lupable y repetido. Es como coros que tienen un canto repetido. ¿Es un ostinato? ¿Es más solo un fraseo corto en un coro? Se vuelve un poco gris de cualquier manera, vamos a hablar de crear una melodía basada en astonato Ahora bien, estas son algunas de mis melodías favoritas para crear porque son muy lupb y funcionan muy bien en la música electrónica Digamos que tomo un sintetizador y creo una melodía basada en astonato Podría sonar algo así en, uno, dos, tres, cuatro. Y podría simplemente ser así de repetido. Podríamos aplicar filtrado u otras cosas a lo largo del tiempo para que terminemos obteniendo algo así, pero podemos encontrar formas de dar forma a la melodía o en este caso, al ostinato ¿Se puede cantar? Claro, es cantable Sin embargo, no tiene que ser cantable. O sonados también pueden dar un salto bastante, y también se puede jugar con las cosas de esa manera, también , porque se repite tanto, aunque es difícil para nosotros cantarlo en la cabeza Si sucede suficientes veces, se vuelve un poco más fácil. Quizá algo así, uno, dos, tres, cuatro. Entonces dupliquemos eso, y nuevamente, usaremos nuestro pequeño truco de filtrado para que suene algo así. Entonces puedes pensarlo como un si, y funciona muy bien en la música electrónica, pero no tiene que ser necesariamente estrecha. También puedes ser bastante amplio con estas melodías. Por supuesto, los ostinatos también pueden ser rectos o balanceados. Podríamos tomar el mismo surco que tenemos aquí, y en la última clase, realidad extraemos ese surco, este HK DRM 125 Vamos a aplicarlo y ver si podemos escuchar mucha diferencia. Pero primero, quiero cuantificar la información que tengo para que el swing se aplique correctamente a esta información midi limpiada Suena así. El swing es muy sutil, lo que sea que saquemos de este ritmo de tambor en cuanto a extraer ese groove. Pero podemos escuchar que la batería y esta parte instrumental se traban muy bien. Ahora, todo lo que he jugado en su mayor parte ha sido como valores iguales de nota. No es necesario tener todos los valores de nota iguales. Podrías tener algo así, tres, cuatro. Te darás cuenta al final, volví a cambiar las cosas. Es muy común en la música tener una idea, repetirla, repetirla y luego cambiarla. De nuevo, vamos a cuantificar, Bush, y agregaremos el groove. Vamos a comprobarlo. Esta última parte probablemente va a sonar un poco loca, pero vamos a darle una oportunidad. Incluso con los saltos, suena bien porque realmente lo que estamos escuchando es boom, boom, boom, boom, boom Boom, boom, boom. Dee. ¿Verdad? Estas notas bajas aquí abajo se sienten más como una parte de bajo. Se sienten un poco desconectados de la melodía. Aquí arriba, tenemos lo que se siente como pequeños fragmentos melódicos, pero todo es una especie de trabajo conjunto Es como si la parte del bajo y las notas altas estuvieran trabajando juntas. Ahora bien, si quieres agregar una parte de bajo a esto, debes asegurarte de que tu ostinato deje espacio para A lo mejor filtras algunas frecuencias bajas o tal vez haces algo como tomar todas estas notas bajas y sacarlas a colación en octava Va a sonar diferente, pero podría funcionar. Suena así. Ahora, notarás que esta nota de aquí quedó eliminada. Es porque a medida que esta nota se levanta , se superpone ligeramente Entonces tal vez tengas que limpiar las cosas un poco para asegurarte de que no estás obteniendo esas superposiciones antes de seguir adelante, tomar la información y traerla a la octava Así que solo sé cascioso que no estés superponiendo el midi de tal manera que se deshaga de algunas notas Se. Es una melodía basada en ostinato Hay realmente quiero decir, es la caja de Pandora. Está abierto de par en par. Cualquier cosa va su mayor parte con la música electrónica, sobre todo cuando estás repitiendo estos pequeños bucles de cuatro tiempos u ocho tiempos, aunque no sean fantásticos, los repites lo suficiente. Eventualmente, legitima el sonido de ese bucle. Podrían ser sonidos láser. Podría ser simplemente basura distorsionada, sea lo que sea. Por cierto, me encantan las piezas tipo de basura distorsionadas. Cualquier cosa mugrienta con mucha distorsión. Eso me encanta. Pero dicho eso, puedes salirte con la tuya mucho cuando se trata de estos ostinatos Así que no siempre estamos tratando de crear la siguiente melodía de Phantom of the Opera o lo que sea que sea. A veces solo quiere ser simple. No siempre tiene que ser complejo. Estas son algunas de mis cosas favoritas para jugar porque solo llego a dar rifas y jugar en las teclas Y dependiendo del tipo de preset que elijas, cambiará el tipo de Ostenato que juegues Cuando golpeo una tecla, ¿ escucho sonido de inmediato? Si es así, puedo ser ágil con la forma en que juego mi Astanato. Pero si el sonido evoluciona lentamente con el tiempo, entonces me veo obligado a tocar partes más lentas Si toco demasiado rápido, ningún sonido llega a evolucionar lo suficiente como para siquiera ser escuchado. Así puedes dejar que el preset que elijas o el diseño de sonido que hayas hecho dicten como que el astonao va a funcionar mejor Entonces eso es todo para esta clase de melodías de estilo astonao. En nuestra próxima clase, vamos a hablar crear una melodía dentro de tu zona de confort. Hemos repasado muchas técnicas diferentes, muchos conceptos diferentes. Quiero asegurarme de que lo que sea que aplique al final del día sea algo en lo que pueda trabajar de inmediato, algo con lo que se sienta cómodo, vamos a tener una clase entera sobre eso Te veré ahí. 13. Zona de confort melódico: Para esta última clase, sólo vamos a hablar así. No necesitamos estar en Abelton ahora mismo porque vamos a hablar de que compones dentro de tu zona de confort melódico En primer lugar, yo preguntaría, ¿ Eres un buen jugador de llaves? Si lo eres, trata de tocar más de tus melodías en las teclas y aléjate de escribir todo en. La razón principal por la que digo esto tiene que ver con el tacto, lo fuerte que tocas cada nota. Cuando estás dibujando en información midi, todo va a ser la misma velocidad, el mismo volumen Y puedes cambiar las velocidades. Para tener el conocimiento intuitivo de cómo cambiarlos y cuál debería ser ruidoso y cuál debería ser silencioso, probablemente va a crear mucha prueba y error de tu parte. Así que intenta tocar algunas melodías en el piano. Si no eres un buen pianista o teclista, entonces manténgalos simples y haz que con el tiempo sea tu objetivo ampliar la complejidad de tus melodías Déjate influenciar por otros tecladistas, otros cantantes, otros saxofonistas, quienquiera que sea, alguien en quien estés influenciado por su escritura melodía e intenta lentamente con el paso del tiempo, ya sea transcribir o Al transcribir, quiero decir, literalmente escribir sus solos e intentar tocarlos de la misma manera Y por emular, quiero decir, solo escucha y haz tu mejor esfuerzo para copiar su estilo Entonces, en definitiva, mantén tus melodías simples, pero practica fuera de tu zona de confort para que cuando vuelvas a una producción, puedas aplicar algo de lo que has practicado Ahora, con el tiempo, tu complejidad melódica puede crecer, pero no tiene que hacerlo No hay razón para jugar rápido y llamativo. Si quieres que sea sencillo, mantenlo simple. Pero tus dedos en las llaves, cuanto más juegues, más ágiles van a ser y podrás tocar algunos pasajes más rápidos o más anchos tipo de arpegios o saltos, si Pero nuevamente, tu complejidad puede tener el potencial de crecer, pero depende del estilo que elijas producir y si incluso quieres crecer esa complejidad. Para mí, como que tenía una curva de campana de empecé como un jugador sencillo. Me puse demasiado complejo, y luego lo volví a marcar Si hubiera sabido entonces lo que sé ahora, quizás hubiera mantenido mis melodías un poco más simples y enfocado en mejorar otras áreas de mi producción Pero al final del día, no sabía que no quería complejas hasta que empecé a tocar melodías más complejas A mí me gustan los astonados. Me gustan los bucles. Funcionan bien en la música electrónica y el hip hop, que son dos de los estilos que me gusta producir. Pero cuando estoy haciendo un pasaje orquestal y necesito un violín para estar haciendo algo llamativo atropellado, algo tipo de base melódica, estoy feliz de poder aprovechar algo de esa melodía más compleja escribir aquí y allá cuando necesito usarla Así que averigua qué estilo quieres realizar. Escribe la melodía escribiendo sobre diez en términos de complejidad y trata de encontrar tu propio juego dentro de ese punto dulce. Si se trata de un ocho de diez o un siete de diez, pero eres un jugador de tres de diez, practica para que amplíes cada vez más tu nivel hacia cualquier nivel de complejidad que sea al que estés apuntando. En otras palabras, produce en tu zona de confort melódico, pero practica ligeramente fuera de ella para ayudarte a mejorar en el ambiente de bajas apuestas de tu Entonces eso es todo para este curso Conceptos melódicos y producción musical Vamos a tener un video outtro donde te voy a dar un adiós adecuado, pero solo quiero decir si llegaste hasta aquí, enhorabuena Espero que tu escritura melodía mejore y que hayas recogido toneladas de pequeñas cositas de información que te ayudarán a avanzar como productor Ha sido un placer como siempre. Te pillaré en el video de outtro. 14. Conclusión: Gracias por tomar este curso sobre Conceptos melódicos dentro de la producción musical A estas alturas, deberías tener una idea bastante fuerte sobre qué enfoque quieres tomar cuando estás creando melodías para tus propias producciones Nuevamente, estas técnicas deberían abarcarse por muchos estilos diferentes. Así que asegúrate de estar escuchando mucho del estilo que quieres producir y mira cómo se están implementando estas técnicas dentro de ese estilo. Aplicar cada una de estas técnicas muchas veces para que se convierta en segunda naturaleza. Y no estás pensando tanto en densidad rítmica o saltos anchos versus estrechos o rectos versus oscilantes, sino que tienes una buena comprensión de lo se necesita para esa producción en particular, y no estás pensando demasiado en la teoría, solo estás sintiendo la melodía, que es donde creo que todos queremos llegar como productores o como Pero al final del día, se necesita práctica y, por supuesto, alguna buena instrucción para ayudarte a llegar ahí. No olvides que hay un proyecto de clase para este curso. Todos los detalles se describen dentro de la clase para este proyecto. Así que asegúrate de comprobarlo, asegúrate de enviar un proyecto para que podamos conectarnos un poco, y puedo darte algunos comentarios sobre no solo cómo te fue con el proyecto, sino también darte una fuerte comprensión qué tipo de trucos y técnicas estás usando dentro de tu propia escritura melódica para ayudarte a ver cuál es tu estilo de escritura melódica como productor Además, te mereces una gran enhorabuena por superar este curso. No era necesariamente sencillo. Había mucha teoría en el camino. Pero incluso solo al tomar este curso, te estás demostrando que te estás tomando muy en serio la producción musical y realmente tratando voltear cada rock en el camino para asegurarte de que entiendes todos los componentes que se necesitan para convertirte en un gran productor. Así que siéntete libre de examinar los cursos que he creado, ver si algún otro resuena contigo y luego mejorar lentamente esos bloques de construcción que te ayudarán a destacar como músico Una vez más, quiero darle las gracias por tomar este curso, y nuevamente, felicitaciones. Si tienes alguna sugerencia de curso, pégame, avísame. Esto fue un placer. Te atraparé en el siguiente curso.