Práctica de ilustración conceptual: ¡convierte tus miedos en una criatura de miedo Surreal!

1. ¡Hola!: Hola a todos. Bienvenido a otra clase de Skillshare. Mi nombre es Giovanna. Soy artista visual e ilustrador. hoy te voy a mostrar cómo dibujar una criatura muy fantástica y mágica con una inspiración surrealista. Una de mis mayores luchas cuando empecé a dibujar, era llegar a ideas sobre qué dibujar. Hoy encuentro mucha inspiración en mis sueños y en todos mundos imaginarios y surrealistas que podemos crear en nuestras mentes. Todos tenemos la capacidad de soñar y crear algo que sea único para nosotros. En esta clase, te voy a ayudar a encontrar un camino para descubrir y explorar esos mundos imaginarios que viven en tu cabeza y que se están muriendo por salir en tus obras de arte. Literalmente, cualquier cosa puede ser inspiración para este tipo de dibujos surrealistas. Pero como Halloween está a la vuelta de la esquina, vamos a ponernos espeluznantes y crear una criatura aterradora a partir de la imaginación. Esto es lo que puedes esperar de esta clase. En primer lugar, vamos a retroceder un poco en el tiempo y entender cómo este movimiento de realismo puede ser inspiración para nuestro proyecto de hoy. Después vamos a hacer un ejercicio de escritura automática para conectarnos con tu imaginación y despertar creatividad. A partir de ahí, diseñaremos una criatura surrealista, fantástica que es completamente única y original. Te voy a mostrar varias técnicas de entintado diferentes y cómo puedes combinarlas en tu ilustración y aprenderás a crear las texturas, profundidad, y contraste que quieras en tu dibujo con bolígrafos de tinta de línea fina. Por fin, solo para agregar un pequeño reto, vamos a explorar capas de color usando medios mixtos, lo que significa literalmente cualquier material que tengas en casa para agregar color a tu dibujo. Vas a aprender a usar colores para agregar mucha complejidad e información a tu ilustración y luego poder contar realmente una historia a través de tu dibujo. Esta clase no sólo te ayudará a mejorar tus habilidades de dibujo, sino que también traerá algunas reflexiones muy importantes sobre tu trabajo como artista y qué mensaje estás tratando de enviar con tu arte. Las ilustraciones son herramientas realmente poderosas para contar historias. actualidad, vas a aprender a hacer eso mediante el uso de texturas, iluminación y color. Ahora agarra tus materiales de arte, algún bonito papel de dibujo, y por supuesto lo más importante, que es tu bebida favorita. Empecemos. Antes de que te vayas, no olvides seguirme aquí en Skillshare, que puedas ser el primero en saberlo cada vez que publique una nueva clase y no quiero que te pierdas. Basta con hacer clic en este botón aquí mismo. Nos vemos pronto. 2. MATERIALES: Hola a todos. Los principales materiales que vas a utilizar para esta clase son: bolígrafos de tinta, un lápiz de bocetos y una goma de borrar, y algún buen papel de dibujo. Para la parte colorante, vamos a utilizar medios mixtos para esta clase, lo que significa cualquier material que tengas a tu disposición. Te voy a mostrar un poco de los materiales que voy a usar, pero no te preocupes, si no tienes ninguno de ellos, usa lo que esté disponible para ti. Estos son mis bolígrafos de tinta. Voy a usar un rango desde 003-01, que es una punta muy fina. Eso es porque realmente disfruto creando pequeños detalles y ese delicado efecto en mi dibujo. Cuanto más delgada sea la línea de tu bolígrafo de tinta, más delicado y detallado será tu resultado al final, pero normalmente consume un poco más de tiempo. Si apenas estás empezando con bolígrafos de tinta, te sugiero totalmente que empieces con una punta más gruesa, como un 03 o tal vez un 05, y podrás tener grandes resultados como ese. También, por supuesto, voy a estar usando un lápiz de bocetos y un borrador de plástico. Como siempre les digo chicos que bosquejen, hay que elegir un lápiz duro. Eso lo vas a saber viendo el número en la parte trasera del lápiz. El mío es un 4H y los lápices duros van desde el HB hasta como un 8H o 9H. Cuanto mayor sea el número junto a la H, más difícil será. Esto es bueno porque el lápiz no manchará demasiado en el papel y va a ser realmente fácil de borrar, para que puedas bosquejar tanto como quieras y tu papel va a estar limpio al final. Ahora, algunos de los materiales que voy a utilizar para colorear mi dibujo; el primero es tinta de caligrafía. Voy a usar tinta de caligrafía en blanco y negro. Estas las vas a usar con un pincel redondo diminuto como pinceles de acuarela. Digamos que necesitas agregar algunos detalles en el borde o agregar algo de luz, la tinta de caligrafía blanca es lo que suelo usar para hacer eso. También voy a usar este fresco marcadores a base de agua. Son muy simples. Los puedes conseguir en cualquier tienda de arte. Voy a usar unos colores y luego te voy a mostrar los colores que voy a usar. Se trata de un bolígrafo de gel blanco, que también es muy útil cuando se quiere arreglar pequeñas cosas aquí y allá y agregar pequeños detalles al final. También voy a estar usando lápices de colores a base de cera. Tengo esta paleta de colores de tono tierra y tono de piel realmente fresco. A mí me encanta. Por supuesto, también voy a estar usando acuarelas. Vamos a utilizar técnicas súper básicas en acuarelas. Si nunca antes has usado colores de agua, esta clase estará totalmente bien para ti. Ahora bien, si estás usando acuarelas, por supuesto, necesitas un pequeño recipiente con agua para regar tu tinta y para limpiar tus pinceles, una pequeña toalla de papel o un trozo de tela, y por supuesto, unos cepillos redondos suaves como este. mí me gusta tener unos tamaños diferentes para poder crear diferentes efectos en mi dibujo. Por último, pero muy importante es nuestro papel. Para elegir el papel adecuado para ti, quieres mirar el grosor del papel. papel de acuarela suele ser de 300 gramos y es un papel muy absorbente. Esto es genial si estás usando acuarelas, pero no tan genial si solo estás usando bolígrafos de tinta, van a absorber mucha tinta de tus bolígrafos de tinta y tus bolígrafos simplemente no durarán tanto. Te sugiero que solo uses papeles de acuarela si realmente necesitas absorber tanta agua, como si realmente estás usando acuarelas. Si no vas a usar acuarelas, si solo estás usando marcadores y lápices de colores y tus bolígrafos de tinta y tu tinta de caligrafía, ve por papel bristol o papel medio mixto, esos van a ser mucho mejores para usted. Esto es lo que estoy usando hoy. No te abrumes por la cantidad de cosas que tengo aquí para mí. Literalmente, cualquier material que tengas disponible para ti será genial. Te mostraré cómo capas tus colores para que puedas obtener resultados increíbles sin importar el medio que estés usando. Ahora cuando estés listo, encuéntrame en la siguiente lección para que podamos empezar. 3. Inspiración del surrealismo y proyecto: ¿ Qué es el surrealismo? surrealismo fue un movimiento que comenzó en París en 1924 y exploró totalmente nuevas formas de hacer arte. Se trató de acceder a algo que estaba más allá de la realidad o surrealista, de ahí viene el nombre. Todos sabemos cómo se supone que funcionan o se ven las cosas en la vida real, pero en nuestras mentes, absolutamente todo es posible. Todos teníamos sueños locos donde nada tenía sentido, por ejemplo, tal vez en nuestros sueños pudiéramos volar o una otra cosa transformadora o tal vez veías criaturas o situaciones que realmente nunca sucederían en la realidad. El hecho de que seamos capaces de crear todos los escenarios en nuestras mentes conscientemente o no, fue la mayor inspiración para los artistas en ese momento. Básicamente, creen que nuestros sueños fueron una expresión directa de nuestros verdaderos pensamientos y sentimientos como nuestra verdadera naturaleza, lo cual es un poco aterrador. Artistas famosos como Salvador Dalí, Rene Magritte o Frida Kahlo crearían estas escenas muy irracionales y locas con la mezcla de objetos y criaturas que tenían un significado simbólico pero no tenían nada que ver con cada otro en la realidad. Es claramente cosas que sólo podríamos ver en nuestra imaginación o en nuestros sueños, pero nunca en la vida real. En esta clase, ahora vamos a tratar de entender cualquier símbolos o significados detrás de nuestros dibujos. Solo vamos a explorar el potencial creativo y ojalá desencadene nuevas ideas y nuevas formas de ilustrar esas ideas. Nos vamos a inspirar este movimiento súper fascinante y en nuestros propios mundos imaginarios. Ya que todas mis clases tienen un poco de enfoque de autoconciencia, hoy nos vamos a inspirar en nuestros miedos, claro, porque es Halloween y es octubre, ¿por qué no trabajar en algo aterrador? Pensé que podríamos trabajar en nuestros miedos y de nuevo, no vamos a adentrarnos en nuestros miedos ni nada por el estilo, sólo lo vamos a usar como inspiración. A mí me gusta crear estos pequeños retos para nosotros porque cuanto más practiquemos traducir sentimientos y pensamientos en elementos visuales, mejor nos convertiremos en un relato narrativo a través nuestras ilustraciones y creando arte significativo. Esta es una habilidad valiosa si quieres convertirte ilustrador editorial o por ejemplo si fuiste a ilustrar libros. En esas carreras, no estás simplemente haciendo arte, sino en realidad tratando de enviar un mensaje o en realidad ilustrando una historia. También elegí el elemento del miedo para la inspiración de esta clase porque realmente tendemos a temer lo desconocido o lo que es diferente, lo que está fuera de la norma, y esto es una protección natural de nuestro sistema. Al igual que nuestro cerebro siempre preferirá los caminos seguros y familiares que ya has cruzado antes. Cada vez que haces algo nuevo o haces algo de una manera nueva, tu cerebro va a estar más alerta ante el peligro. Pero el camino seguro y la rutina y hacer siempre las mismas cosas de la misma manera es la dirección totalmente opuesta de la creatividad. Para despertar nuestra creatividad y mover nuestras opciones creativas y para realmente despertar nuevas ideas y nuevas soluciones para cualquier cosa, para nuestras artes, para la vida, necesitamos desafiarnos para salir de la caja. Tenemos que desafiarnos a crear nuevos caminos y a hacer las cosas, tal vez las mismas cosas que hacemos todos los días, pero hacerlo de una manera diferente. Si te retas a hacer las cosas de una manera diferente, vas a mantener tu cerebro en el estado que es el mejor ambiente para la creatividad. Dicho esto, el miedo tiene todo que ver con esto. Mucho, si no todos nuestros miedos se basan en escenarios imaginarios que creamos en nuestras cabezas, muy a menudo no están relacionados con la realidad en absoluto. Al explorar el universo surrealista que tienes en tu mente, podrías encontrarte con símbolos y escenarios que están directamente relacionados con tus miedos. A veces tenemos miedo o miedo de hacer las cosas de una manera diferente o de tal vez cambiar nuestras vidas o estar experimentando algo que siempre hemos experimentado de una manera completamente diferente. Pensé que hoy podríamos agarrar todos esos miedos y transformar eso en una criatura mágica súper cool y fantástica. Como dije, vamos a utilizar una influencia surrealista con un enfoque moderno. Si estás pensando como “Oh, no quiero mirar mis miedos ahora mismo”. No te preocupes, este es un espacio seguro y solo vamos a tocarlos e inspirarnos para luego transformar eso en una criatura súper cool, divertida y ojalá te hagas dar cuenta de que tus miedos no tienen poder sobre ti y que estás en control. Espero que estés emocionado por unirte a mí en este proyecto. Ahora únete a mí en el siguiente video para que finalmente podamos comenzar nuestro ejercicio de escritura. Nos vemos ahí. 4. Ejercicio de escritura automática: Cuando me convertí en artista, una de mis mayores luchas fue encontrar qué dibujar. En algún momento, presentaré dos escrituras automáticas para llegar a ideas y ahí fue cuando encontré una gran pasión por explorar los mundos imaginarios que pude crear en mi mente. Este proceso se convirtió en mi mayor inspiración para crear arte y mi arte comenzó a sentirme auténtico y más original para mí. Esta clase está realmente diseñada para ayudarte a acceder a tus mundos imaginarios para que puedas traducir eso a tu arte. Este es un ejercicio muy sencillo. Todo lo que necesitas hacer es agarrar un trozo de papel y un bolígrafo y empezaremos escribiendo una lista de nuestros miedos y dejando algo de espacio entre cada miedo. Por supuesto, puedes hacer esto con cualquier otro tema que te gusten pero yo nos estoy dando un pequeño reto y es por eso que estamos eligiendo miedos. Podrían ser cosas pequeñas como un miedo a las arañas o un miedo a las alturas, o incluso temores emocionales como el miedo a la soledad o el miedo a perder a alguien, el miedo al rechazo, el miedo a fallar, esos son muy comunes el miedo es con el que luchamos muchos. No pienses demasiado en esto. Es solo un divertido ejercicio de autoconciencia para inspirar nuestra ilustración para hoy. Una vez que tengas una buena lista de miedos, quiero que escribas junto a cada miedo, cada palabra que te viene a la mente cuando piensas en ese miedo. Lo que estás tratando de hacer aquí es encontrar elementos visuales que podrían formar parte de tu obra de arte. Aquí la idea es expresar tus pensamientos sin control de la mente. Sin juicio y sin filtro, nada es válido. Nadie va a ver esto y se puede quemar totalmente este pedazo de papel más tarde. Esto es sólo entre tú y tú y aquí está la regla más importante. No tiene que tener ningún sentido. Sé lo más aleatorio que puedas. Empecemos por trabajar en nuestro primer miedo. Visualiza tu primer miedo y ahora empieza a escribir junto a él cualquier cosa y todo lo que te venga a la mente. Podría ser un objeto, una situación, una persona específica, un animal, una planta, o un color o forma, algo abstracto, realmente, cualquier cosa que venga a la mente como válida. Deja que tu mente fluya libremente y escríbalo sin tratar de controlar el resultado. Haz esto con todos los miedos de tu lista hasta tener 5-10 elementos por miedo. Una vez terminada esta parte del ejercicio, mira todo lo que pones en papel y circula los artículos que te interesan dibujar. No olvides que estás tratando de crear una criatura surrealista. Trata de empezar a imaginar cómo algunos de estos elementos podrían transformarse tal vez en una criatura. Además, quería encontrar un equilibrio entre las cosas que disfrutas dibujando y las cosas nuevas que son un reto para ti. Circula los artículos que te parezcan interesantes, aunque no sepas cómo o por qué quieres circunscribirlos, solo tienes que seleccionar algunos elementos que consideres que podrían ser elementos interesantes en tu obra de arte. Por ejemplo, en mi caso, tengo una serpiente y me encantan las formas curvadas que tiene una serpiente, así que voy a hacer un círculo de eso. La luna también es un elemento cool así que voy a hacer círculo eso también. Simplemente voy a dar vueltas a algunos otros elementos que me gustan por alguna razón y luego más adelante trataremos de llegar a una composición que incluya algunos de estos ítems. Ahora tienes algunos artículos con los que trabajar? Quiero que agarres otro pedazo de papel en tu cuaderno de bocetos que empecemos a bosquejar ideas para tu proyecto final. Nos vemos en la siguiente lección. 5. Composición y primeros borradores: En esta lección, finalmente vamos a crear una criatura con algunos de los elementos que encontramos en nuestro último ejercicio. Con un lápiz de bocetos, quiero que redactes algunas ideas que tengas para tu composición. Podría ser una criatura completamente aleatoria desde cero que se asemeja a nada que hayas visto antes, o podrías usar la inspiración de criaturas que has visto antes, como animales o criaturas que has visto en películas, por ejemplo. Si eliges una criatura que ya existe como base, intenta que sea surrealista agregando algo que solo podrías ver en un sueño o haciendo que ese animal sea único de alguna manera. A lo mejor quieres combinar dos animales, como una cabeza de pájaro con un cuerpo de caballo. No lo sé. Después, te voy a ayudar a que te pongas aún más creativa sobre cómo hacer que tu criatura luzca fantástica y surrealista. Pero por ahora, solo concéntrate en el concepto para tu dibujo. La composición de chicos es clave. Este tipo funciona como un storyboarding para una película. Vamos a bosquejar más o menos ideas para ver la escena que representa todos esos interferencias que pudiste dar la bienvenida a esta clase. A partir de esto, realmente no hay reglas y puedes sentirte libre de crear lo que te venga a la mente. No juzgues tus ideas, y no te sientas atascado en solo crear una criatura. Podrías dibujar cosas que rodean a tu criatura también. No todo necesita ser parte de la criatura misma. El escenario en el que la criatura está también en materia. En realidad se supone que este tipo es muy rápido. Se quiere hacer un dibujo muy rápido con cero preocupación por lo bien que se ve. Apenas se te acerca la forma de tu dibujo, la posición de las cosas, dónde deberían estar sobre el papel y cómo se relacionan entre sí. Como pueden ver, estoy haciendo más de un borrador hasta que estoy contento con mi idea. Empecé a esbozar algunas cosas que me vinieron a la mente, pero sentí que aún no estaba del todo ahí. Sí, si no te gusta tu primer borrador, no te preocupes, solo empieza de nuevo hasta que estés contento con tu idea. Recuerda que el surrealismo era todo sobre la mente subconsciente. Encuentro que cuanto más dibujo, más relajado me siento, y esto me ayuda a tener más ideas y acceder a más información dentro de mi mente. Esto podría estar pasando a ti también. Si comienzas a tener nuevas ideas en este punto, siéntete libre de dibujarlas. No te pegues al ejercicio de escritura. Todo lo que se me venga a la mente en este punto es bienvenido. En mi caso, estoy tratando de incorporar la serpiente con el todo en el suelo que tengo para mi ejercicio de escritura. Tengo esta idea de la cabeza de la serpiente para tener ojos grandes o más de dos ojos, por lo que parece más aterrador. También quiero agregar a una personita sola para obtener una mejor noción de tamaño de nuestra criatura, porque quiero que se vea enorme. Si añadí un poco humano solitario, eso lo hará parecer lo suficientemente grande, creo. Al convertir nuestros bloques internos, miedos, e incluso malos pensamientos y recuerdos en arte, estamos reconociendo inconscientemente que esos son solo pensamientos y bloques y no son parte de nosotros. Solo son visitantes temporales y eventualmente pueden irse. Cuando tenemos un problema en nuestras vidas, por lo general parece mucho más grande, más huimos de él. Cuando finalmente decidimos abordarlo y mirarlo, el problema se vuelve mucho más pequeño. Lo que estamos haciendo aquí en esta clase es solo una forma divertida y creativa de trabajar en esos bloques subconscientes. Espero que te sientas empoderado y relajado cuanto más trabajes hoy en este proyecto. Todavía no estoy súper contento con mis bocetos. Si tú tampoco, eso está totalmente bien. Ojalá el dibujo se junte una vez que tengamos listas nuestras referencias. Una vez que tengas listas tus primeras ideas, únete a mí en la siguiente lección para que podamos reunir algunas referencias y empezar a dibujar nuestra pieza final. Nos vemos ahí. 6. Recopilación de referencias: Ahora que tienes una idea aproximada de cómo se verá dibujando. Vamos a buscar referencias que nos ayuden a crear las formas, texturas, e iluminación adecuadas para nuestra criatura. En mi caso, el cuerpo de mi criatura está inspirado en una serpiente. Voy a buscar serpientes y tratar de encontrar algunas imágenes con la posición y formas que quiero. Recuerda que eres tú quien decide cómo se va a quedar tu dibujo y no tu referencia. Esta es una gran manera si estás empezando a dibujar de la imaginación, porque a veces necesitamos referencias para pequeñas cosas aquí y allá, pero no necesitas copiar una foto de referencia completa. Trata de encontrar referencias que te puedan apoyar en lo que tienes en tu mente y es posible que no encuentres exactamente las posiciones que deseas. Trata de encontrar cosas que sean similares a tus ideas de alguna manera. Yo por ejemplo no sé dibujar piel de serpiente y quiero incorporar la piel de serpiente en mi dibujo así que estoy tratando de encontrar serpientes que tengan esa posición similar en mi idea y que también tengan la textura que quiero para mi criatura. También me gusta esta vibra de dragones o lagartos. Creo que tienen una textura muy interesante. Voy a tratar de incorporar eso en algún lugar de mi dibujo. Así es realmente como empiezas a dibujar desde la imaginación. Podrás mezclar diferentes referencias para poder crear tu propia obra de arte única. Eventualmente una vez que te vuelves súper confiado y súper familiarizado con los temas que te gusta dibujar, tal vez eventualmente no necesites referencias, pero si estás dibujando algo que tal vez sea tu primera o segunda vez, o tal vez lo has hecho un millón veces y aún quieres que busques en una referencia. No hay ningún problema en absoluto. Una vez que tengas una buena cantidad de referencias, manténgalas accesibles para que puedas volver a ellas siempre que estés listo para dibujar y necesites algún apoyo. En la siguiente lección, vamos a utilizar esas referencias para empezar a dibujar nuestro proyecto final. Nos vemos ahí. 7. Bocetos a partir de la imaginación: En esta lección, vamos a tomar algunas decisiones sobre nuestro proyecto final. Quiero que agarres tu papel de dibujo y dibujen tu criatura surrealista tomando tu tiempo esta vez. Para empezar, siempre marco algunas líneas de cuadrícula primero y esas dependerán de tus ideas. Por ejemplo, mi dibujo está bastante centrado en el papel. Quiero dibujar una línea central y una línea que marque dónde está el suelo para poder asegurarme de que mi dibujo esté equilibrado al final. Puedes hacer esto a ojo o usar una regla si quieres ser más preciso. Como dije en lecciones anteriores, si usas un lápiz duro como este y menos un borde de cuatro por cierto, podrás bosquejar todo lo que quieras sin ensuciar demasiado tu papel. Empieza a agregar los elementos principales en el papel y empieza por donde estás más seguro. Si te sientes seguro acerca de una parte específica de tu dibujo, empieza a dibujar esa parte. Todavía no estoy tan seguro de cómo hacer la cabeza de mi criatura así que voy a dejar eso por listas. No olvides usar tus referencias como base si lo necesitas y siéntete libre de buscar más referencias a medida que te das cuenta de que lo necesitas. Siempre tengo mi computadora o mi teléfono a mi lado mientras dibujo porque siempre que lo necesite, puedo volver a mis referencias. Una vez que tengas un buen boceto a lápiz, puedes empezar a delinear tu dibujo con un bolígrafo de tinta y estaré usando un lapicero 01 para este paso porque quiero una línea muy fina en este punto y luego después añadiremos texturas y contraste con la tinta antes de agregar color. Simplemente delinea tu dibujo con la mano segura y empieza por donde te quede claro. De nuevo, empieza por donde tengas confianza porque cuanto más dibujas, tu confianza crecerá y luego podrás abordar las pequeñas partes de las que aún no estás tan seguro. También recuerda delinear sin agregar ningún detalle aún, solo quieres tener las formas principales abajo en papel. Una vez que hayas terminado con tu contorno, estás listo para borrar cualquier marca de lápiz que aún tengas en papel. Ahora únete a mí en la siguiente lección para que podamos agregar texturas a tu dibujo con tinta. 8. Patrones y texturas: Este es uno de mis pasos favoritos en cualquier ilustración, las texturas. Con líneas y puntos, somos capaces de crear cierta sensación a un dibujo. Esto te ayudará totalmente a crear el estado de ánimo de tu obra de arte. Ahora es el momento de mirar tus elementos y pensar, ¿qué textura tiene esto? ¿ Es pegajoso? ¿Es un brillante? ¿ Es puntiaguda y rayada? ¿ O tal vez es suave y suave? ¿ Está mojado o seco? ¿ Es peludo? ¿ Qué texturas tiene tu criatura? Nuevamente, si necesitas, ve a buscar referencias para esas texturas, si quieres representarlas en tu dibujo. Ya que quiero que esta criatura se sienta como un reptil de clase, quiero ese lagarto, textura serpiente. Con mi lápiz, voy a marcar algunas de las texturas que estoy imaginando para esta criatura. Recuerda que la textura es como la tela que cubre un elemento. Con la tinta, te estás enfocando en linework. En la dirección y la longitud de tus líneas se mostrará el movimiento de tu criatura y el estilo de esa textura. Este es el momento de hacerle esas preguntas. ¿ Por qué quiero que se vea así? ¿ Qué quiero que se sienta? Si toco a este animal ¿cómo se supone que me sienta? Las texturas llevan esta información. Para mí, ya que no tengo mucha experiencia en dibujar serpientes o dragones, ni nada por el estilo. Necesito una referencia que me guíe en dónde y en qué dirección deben estar esas líneas. Puedes volver a usar tu lápiz para marcar algunas de esas líneas para ayudarte cuando empieces a añadir los detalles de los patrones en caso de que no seas demasiado confidencial como para empezar a usar los bolígrafos de tinta. Esta es una parte creativa del proceso. No hay manual sobre cómo hacer cada textura. Básicamente tienes que descubrirte cómo se puede retratar una textura con líneas y puntos y usando los materiales que estamos usando hoy en día. A veces con sólo mirar una foto de referencia, es difícil imaginar cómo se vería eso en realidad en un dibujo. Otra forma en que puedes hacerlo es buscando los dibujos de otros artistas y observando cómo lo hacen. Con más experiencia, podrás descubrir cómo dibujar cierta textura de la imaginación. Pero realmente no hay nada malo para inspirarse y aprender de otros artistas sólo observando su arte y ver cómo retrataron algún tipo de textura que crees que es interesante. Si esto aún no es fácil para ti, eso está totalmente bien. En realidad es difícil para mí también, y se necesita mucha práctica. Nuevamente, cuando estés listo, puedes empezar a usar los bolígrafos de tinta para crear esos patrones con más detalle. Voy a empezar a agregar algunas líneas para crear esta textura fluida en estas aletas que dibujé en mi criatura y quiero que se asemeje a las aletas de un pez betta. Busqué peces betta en línea para usar sus aletas como referencia y básicamente tengo que dibujar las líneas en la dirección que quiero mostrar el movimiento de las multas. Se ve fluida y ondulada así. Estoy dibujando este patrón de escamas para parecerse a la piel de la serpiente. Estoy haciendo puntiagudas así porque eso me recuerda más a una criatura dragón y no sé, las cosas puntiagudas son más aterradoras tal vez así que estoy tratando de hacer algo aterrador, chicos. Tengo un poco inseguro para dibujar esto, pero decidí hacer esto de todos modos para mostrarte que está bien no estar seguro de que está bien si no sabemos cómo se va a quedar o si se va a quedar bien en absoluto. Esto significa que te estás desafiando y así es vivir una aventura creativa. Esto es bueno para impulsar tu creatividad y acceder a nuevas capas de tu potencial creativo. Cuanto más salgas de la caja y dibujas cosas nuevas de nuevas maneras, más seguro serás como artista y más podrás crear ilustraciones originales y auténticas. Una vez que tengas tu contorno de texturas, únete a mí en la siguiente lección donde creamos profundidad dirigiendo la luz a tu criatura de la manera correcta. 9. Luz y profundidad: En esta lección, vamos a hacer que nuestra criatura salga totalmente del papel agregando sombras. Para agregar profundidad, contraste y sombras, necesitamos entender de dónde viene la luz. El luz tiene una forma súper poderosa de enviar un mensaje al espectador. Cada ilustración tiene su propia historia, y aunque no pretendas que tenga una, una persona que mire tu obra sentirá algo o pensará en algo, y esta es una historia en sí misma. Incluso si no hay ningún elemento que cree luz en la escena que estás creando, podría estar viniendo de un elemento oculto. En mi caso, quiero que las luces provengan de debajo de la criatura como si viniera de la luna. También podría tener un significado oculto de que la luz viene de la oscuridad de este agujero en el suelo, lo que podría significar que la luz proviene de lo desconocido. Creo que puedo crear mucho significado en mi ilustración haciendo que la luz venga de debajo de mi pequeño dragón serpiente. A lo mejor en tu dibujo, tienes un elemento que podría estar creando luz. Ya que esta es una verdadera ilustración las cosas realmente no tienen que tener ningún sentido. A lo mejor hay un elemento importante en tu ilustración que podría ser la fuente de luz, por ejemplo. En este caso, entonces puedes pretender que la luz viene de este elemento, y eso podría tener algún significado, o tal vez quieras que estos elementos sean brillantes con muchas luces hacia él. Sólo recuerda que la luz dirige el ojo del espectador. Dondequiera que esté la luz, es donde básicamente vamos a ver primero. Esta es una forma en la que puedes empezar a jugar con la narración de tu ilustración. Es realmente tu elección y realmente no tiene que tener un significado. Pero puede ser divertido gustarle empezar a tener estas reflexiones. Quién sabe, tal vez esto evolucione hacia una serie real de ilustraciones o se convierta en un proyecto más grande. Sea lo que sea que decidas, una vez que escojas la dirección en la que la luz golpeará a tu criatura, empieza a marcar con un lápiz algunas de esas sombras solo para obtener la sensación de ello. Básicamente te vas a preguntar, así que si la luz viene de aquí y golpeando a mi criatura o golpeando a este elemento en este ángulo, ¿dónde estarían las sombras? Entonces, una vez que estés listo, empieza a añadir la tinta a las partes de sombra. Esto mejorará cuanto más utilices tu observación. Si eres inseguro para crear luz y sombra desde tu imaginación, siéntete libre de usar tus referencias y copiar la dirección de la luz de una foto de referencia. Hice mucho de eso en el inicio de mi carrera de dibujo. Esto es súper útil para que realmente entiendas la luz. En mi caso, ya que la luz viene de abajo y se dirige hacia arriba, las sombras van a estar en la parte superior del cuerpo de la criatura. Empieza a añadir tinta donde deben estar las sombras en tu ilustración y empieza donde más confias. Normalmente me gusta empezar las sombras en la parte más oscura de mi dibujo porque si cometo un error, está bien porque se supone que está oscuro de todos modos, así que incluso puedo añadir más tinta para arreglarlo. Normalmente empiezo a añadir sombras desde las partes más oscuras de mi dibujo a las más ligeras. Ahora te voy a mostrar algunas técnicas diferentes que son tan versátiles y tan útiles para crear diferentes texturas en tu dibujo. Por supuesto, no tienes que usarlos todos, pero quiero mostrarte las diferentes formas en que puedes usar tus bolígrafos de tinta en una ilustración para mostrar los diferentes efectos que puedes crear. La primera técnica que voy a utilizar es agregar negro sólido a las escamas de la serpiente como lo estoy haciendo ahora mismo. Básicamente en medio de cada escala, estoy agregando tinta y siempre volviendo a esa pregunta, si la luz viene de este ángulo y golpeando a esta pequeña escala aquí mismo, ¿cómo serían las sombras? En ocasiones hay que levantar la cabeza y volver a la pregunta porque es fácil distraerse y empezar a agregar sombras donde no se supone que estén. Agregar negro sólido a tu ilustración te ayudará a crear una sombra muy oscura en tu dibujo. Elige sabiamente dónde quieres agregar eso. Un consejo que tengo para ti, después de mirar tus proyectos y todas las increíbles obras de arte que chicos estáis creando con mis clases, es tomarte realmente tu tiempo en este paso. Sé que este tipo de dibujo consume mucho tiempo y quiero que lo mires casi como una meditación. A lo mejor necesitas poner algo de música en segundo plano, lo mejor necesitas un podcast, lo mejor necesitas algo para distraerte. Personalmente siempre tengo algo en segundo plano para distraerme mientras estoy dibujando, que no te aburras ni te canses porque si te apuras o si simplemente no estás sintiendo la vibra de hacer este tipo de trabajos delicados que lleva tanto y es tan repetitivo, es realmente fácil que se vea tal vez un poco desordenado o no tan preciso como podría ser. Honestamente, cualquiera puede hacer este trabajo. De verdad se reduce a la paciencia y a la atención al detalle. La segunda técnica que voy a utilizar es la eclosión. Hay varias formas de utilizar esta técnica, y les voy a mostrar algunas de ellas. Estos son pequeños detalles en la parte posterior de mi serpiente que quería crear una textura casi como las aletas de un pez. Muy fluida y ondulada. Para ello, voy a eclosionar en formas onduladas siguiendo el movimiento de cada aleta. Si utilizas esta técnica, podrás crear hermosas sombras como esta moviendo siempre de sombra a luz. Empiezas con tu bolígrafo en la parte de la sombra y con un movimiento rápido como este en la forma que quieras, te mueves en la dirección de la luz. Cuanto más cómodo estés con esta técnica, más podrás jugar con ella. Si quieres añadir aún más oscuridad, añade otra capa de líneas donde quieras que estén las sombras. También puedes usar bolígrafos antiguos si quieres crear unos resultados más suaves y delicados o plumas nuevas si quieres que las líneas sean más claras y visibles. Cuanto más practiques, más descubrirás tu propia preferencia sobre cómo usar esta técnica y qué estilos realmente te gusta crear en line art. Honestamente, hablando desde mi experiencia, una vez que realmente empieces a poner mucho tiempo y energía en estos dibujos, verás tal diferencia en los resultados, como si te vas a estar tan motivado cuando veas lo que eres capaz de crear simplemente permitiéndote relajarte y tomarte tu tiempo. A pesar de que, sé que estamos viviendo en este tiempo donde nuestros tramos de atención son realmente casi inexistentes. Este es un tipo de trabajo muy manual, y es hermoso que estés aquí viendo esta clase y permitiéndote conectarte con esa parte de ti que no tiene prisa. Esa parte de ti que realmente quiere hacer un trabajo bien hecho manualmente, vieja escuela manera de hacer las cosas. Esto es realmente, realmente hermoso y admirable. Estoy muy feliz de que estés aquí y de verdad quiero que estés impresionado contigo mismo, impresionado con lo que eres capaz de crear. Este es mi consejo para ti. Relájate, respira hondo. Si comienzas a molestarte, cansado, aburrido, solo cierra tu cuaderno de bocetos para hoy, tal vez sea hora de ir a dar un paseo. A lo mejor es el momento de tomar un refrigerio, beber un poco de agua, volver a él más tarde cuando te sientas listo. El trabajo de puntos también es una gran manera de agregar sombras. Yo uso mucho esta técnica. Si quieres crear una especie de textura crujiente o más áspera, puedes usar una punta más gruesa como una 03. Si quieres un resultado más suave, puedes usar una línea muy delgada, como un 005. Voy a usar esto al lado inferior de mi serpiente y la quiero en algún lugar del medio. En cuanto a suavidad, voy a usar la pluma 01. Esto consume bastante tiempo en comparación con las otras texturas que te voy a mostrar. Elige en qué partes de tu dibujo realmente quieres pasar la mayor parte del tiempo. Lo que básicamente vas a hacer es colocar un montón de puntos moviéndose de la sombra a la luz. Donde quieras que estén las sombras, vas a poner mucho más puntos y desvanecerte con cada vez menos puntos hacia la luz. De nuevo, esto lleva un tiempo pero crea esta sombra realmente suave, delicada que personalmente me encanta. Con esta técnica, les voy a dar esta misma sugerencia que les di antes. Si lo haces demasiado rápido, tus puntos van a empezar a parecer golpes. Van a empezar a parecer una pequeña línea diminuta. Tómate tu tiempo, respira hondo y hazlo despacio, si tienes que hacerlo despacio. Con la práctica, vas a poder llegar más rápido y rápido con un trabajo de tinta muy preciso. Vas a conseguir hermosas sombras del trabajo de puntos. Esta es otra forma de eclosión llamada crosshatching. En este caso, se quiere crear varias líneas cortas en varias direcciones para crear esta textura rugosa que creo que es perfecta para representar el suelo o roca que se está formando en esta parte de mi dibujo. Es totalmente diferente a la otra eclosión donde estás eclosionando en un solo ángulo. Estás siguiendo como una curva, estás siguiendo la luz. En este caso, básicamente vas encima de cada línea. vuelta a tu papel para obtener los mejores ángulos para que tu mano cree las líneas. Después de algún tiempo obtendrás un resultado como este. También puedes jugar con las sombras agregando más líneas donde es más oscuro y menos líneas donde es más claro. Como de costumbre, las plumas viejas tendrán resultados más suaves y ligeros y las plumas nuevas caerán mucha tinta, haciendo que todo sea un poco oscuro. Además, las líneas delgadas harán, por supuesto, que tu textura sea más ligera que las líneas más gruesas. Dependiendo de lo oscuro que quieras que sea tu dibujo, puedes elegir qué bolígrafos vas a usar. Te sugiero totalmente que practiques en un poco de papel lateral si aún no tienes tanta confianza. Esto es inaceptable. Oficialmente es un ambiente de trabajo hostil. Otra técnica que puedes utilizar es la eclosión en líneas anguladas. Esto es un poco más abstracto, pero todavía realmente interesante para mí. Básicamente vas a dibujar líneas paralelas cortas en filas [inaudible] Es delicado y crear algo de textura y añadir un poco de contraste en relación con el fondo, y simplemente me encanta. Es un buen patrón para agregar a lugares donde no estás tan seguro de cómo rellenar tu dibujo o qué texturas tienen, esta es una gran opción. Es fácil, es rápido, y se ve realmente bien. Esta es mi ilustración con texturas y sombras. Espero que te guste. Ahora, únete a mí en la siguiente lección para que podamos explorar colores y formas de hacer que tu criatura se vea aún más interesante. Nos vemos ahí. 10. Explorar colores y tus materiales: Ahora llevemos nuestra ilustración al siguiente nivel agregándole colores. Vamos a utilizar medios mixtos con el fin de crear un resultado muy único y hermoso. Cualquiera que sea el material que tengas en casa son bienvenidos. Marcadores, lápices de colores, lápices de colores, pasteles, acuarelas, todo es bienvenido. Siéntete libre de usar lo que quieras podría ser una exploración creativa para ti en cuanto a colores. Para calentar nuestros zumos creativos, toma un trozo de papel para solo probar algunos de tus materiales. Quiero crear una pequeña muestra de cada color que quizá quieras usar solo para ver cómo se sienten cuando los pones en papel. Notarás que te sentirás más atraído por algunos colores más que otros, algunas texturas más que otras. A lo mejor tienes azul y dos materiales diferentes por ejemplo, pero uno de ellos es más divertido de usar que el otro. Al igual que por ejemplo, tengo este tono de azul que es casi el mismo tono de azul en lápiz de colores y marcadores, pero es mucho más divertido usar los marcadores. Entonces probablemente estaré usando eso en lugar de los lápices de colores y tal vez en realidad se complementan entre sí. Al hacer este experimento, comenzarás a entender mejor tus materiales y a familiarizarte con ellos. También puedes intentar agregar un color encima del otro, solo ve cómo se transforman y se mezclan. Entonces por ejemplo, estoy usando unos lápices de colores a base de cera, y acuarelas. Esos dos materiales por lo general no van demasiado bien porque la cera creará una capa sobre el papel que evita que el papel absorba el agua de los colores del agua adecuadamente. Por lo que ya sé evitar pintar con lápices de colores antes de usar las acuarelas porque entonces cancelaré la conexión entre las acuarelas y mi papel de acuarela, lo cual es muy importante. Pero de la forma contraria funciona increíble. Si lo pinto con acuarelas y luego cuando esté seco, utilizo los lápices de colores encima para agregar algo de sombra o para agregar algunos detalles. Funciona perfectamente, y sólo hay una forma de averiguarlas. Es intentándolo. Entonces por eso te estoy dando esta oportunidad ahora mismo para simplemente experimentar realmente con lo que tienes, ponerlos encima uno del otro, mezclarlos solo para ver cómo se combinarán. Sigue experimentando con tus colores hasta que te sientas listo para elegir algunos de ellos para trabajar. Una vez que tengas algunos favoritos, intenta imagínate cómo se verían bien juntos para crear un esquema de color para tu ilustración. Personalmente me gustan mucho los rosados y me gusta el azul y el color dorado con él. Solo estoy haciendo una pequeña muestra aquí en la parte inferior para ver cómo se verían juntos y no tienes que sentirte limitado por ella. Esto es más un punto de partida para colorear tu obra de arte y no vamos a adentrarnos en la teoría del color ni nada por el estilo. De verdad solo voy con nuestra intuición aquí y lo que te sienta bien. Una vez que decidas algunos de tus colores favoritos para el proyecto de hoy, únete a mí en la siguiente lección donde te voy a enseñar a capas los colores para alcanzar el efecto que quieras en tu ilustración. Nos vemos ahí. 11. Capas de colores: ¿ Estás listo para agregar algo de color a tu obra de arte? Bueno, sé que esto puede ser un poco abrumador, pero podemos hacerlo. En lo primero que debes pensar es que algunos materiales cubren la tinta negra y algunos no. Lápices de colores, por ejemplo, y marcadores, dejarán el negro de tus bolígrafos de tinta, súper negros. Pero las acuarelas pueden cubrir un poco tu tinta, cuanto más agua agregues, menos cubrirá la tinta, y cuanto más pigmento tengas de tus acuarelas, más cubrirá tu tinta negra. Ya que no queremos cubrir la tinta y solo queremos agregar algo de color, tenemos que tener en cuenta los materiales que utilizamos y cómo los usamos. El segundo punto a tener en mente es que vamos a crear colores complejos mediante capas de ellos. Esto significa que puedes usar muchos colores diferentes y muchos materiales diferentes para crear nuevos tonos para tu criatura. Para empezar, escojamos un elemento de tu dibujo y añadamos color a la parte de sombra del mismo. Voy a usar el dorso de la serpiente y añadir un poco de azul al lado oscuro de la misma. Yo le estoy agregando un poco de agua primero para que el azul esté menos saturado y solo para agregar un poco de sombra de azul. Ahora cuando hayas terminado de añadir tu primer color, elige otro elemento y elige ya sea el lado oscuro o el lado claro para añadir otro color. Estoy agregando un rosa claro a las aletas de la serpiente. Ahora para agregar una nueva capa, esta orada-naranja a las partes claras de las aletas. Aviso Estoy siguiendo el movimiento de las líneas que hicimos con nuestros bolígrafos de tinta. En el proceso de capas de color, no estoy agregando un color encima del otro. Estoy eligiendo partes de mi dibujo en base a las sombras que hice antes para agregar los colores en la parte superior de cada plano tonal. Va a haber un color para la sombra, un color para la luz, para cada elemento, y tal vez un color para un tono medio, y cuando veas en la naturaleza, cuando observas la vida y la luz a tu alrededor, las cosas cambian colores. Se puede tener un objeto blanco bajo el sol y tal vez va a haber un tinte de rosa y tal vez un tinte de verde, y esto se va a basar en las sombras y cómo la luz está golpeando a cada objeto. Esto es una especie de lo que estamos tratando de crear con el proceso de capas de color. Ahora voy a añadir otra capa y voy a añadir un poco de azul claro a las aletas y cuerpo de la serpiente. Como puedes ver, cuantas más capas creamos, más tridimensional se vuelve nuestra criatura. Ahora, traté de agregar un poco de verde, lo cual fue un error total. Sabía desde el principio que no quería agregar verde y no tengo idea de por qué lo hice, pero a veces haces esto, y realmente odio cómo se ve. Esta es una parte importante de crear una ilustración por chicos de mano. Habrá pequeños errores aquí y allá y van a haber momentos en los que solo desearías haber hecho diferente, pero es parte del proceso. Tratemos de arreglar esto. Con el color, por lo general eres capaz de arreglar o al menos mejorar mucho un error de color usando el color opuesto en la rueda de color o un color que está justo al lado. Si van a los Recursos, les adjunto una rueda de color para ustedes chicos que pueden usar como referencia y podrán cancelar o al menos ocultar un poco un color que no les gusta usando el color opuesto. En mi caso, desde que fui a alto grado, opté por agregar más rosados y rojos justo al lado y encima del verde, agregué un poco más azul. Eso está justo al lado del verde en la rueda de color y ahora apenas lo puedes ver. Ahora como puedes ver, todavía estoy un poco apegado a hacer esta idea de verde. Oh Dios mío, estoy siendo tan valiente ahora mismo y sí, acabo de añadir más verde, pero un tono diferente de verde que en realidad creo que contrasta bien con el rojo. No odio tanto este y sólo lo voy a dejar. No me arrepiento de nada. El final. Déjame darte otro gran consejo para ti. Digamos que necesitas agregar un poco de blanco a tu dibujo. A lo mejor necesitas arreglar algo, o tal vez necesitas agregar algunas luces o agregar un poco de detalle blanco encima de los colores oscuros y por supuesto, si usas una acuarela blanca o un marcador blanco, no vas a poder tienen esos resultados y un lápiz de color blanco podría funcionar, pero podría estar un poco manchado. Si quieres un detalle muy preciso y diminuto en blanco, quizá quieras usar ya sea un bolígrafo de gel blanco o un pequeño pincel redondo con pintura acrílica o gouache o la tinta de caligrafía, que es lo que voy a usar. Esos materiales también pueden cubrir tu tinta y color. Si necesitas agregar un poco de blanco para tal vez hacer que algo pop desde el fondo oscuro, puedes hacerlo usando esos materiales. Con la tinta de caligrafía o con el bolígrafo de gel blanco, sea lo que elijas, puedes agregar algunos toques ligeros que van a ayudar a tu criatura a salir del papel. Esto lo hará mucho más 3D y creará otra capa de profundidad que es súper interesante para mí. En mi caso, por ejemplo, estoy agregando luz debajo de cada escala. Ya que mi fuente de luz es la luna y viene de abajo, estoy agregando luces a cada pequeña escala y al lado inferior de la misma y como puedes ver, las escalas están empezando a reventar desde el fondo. Entonces más tarde con el bolígrafo de tinta, incluso puedo añadir el lado oscuro de cada escala para hacerla pop aún más, para agregar ese contraste y esa oscuridad del otro lado de cada escala. Ahora para el fondo, quiero crear una sensación nocturna y quiero hacer que el lado oscuro de la parte inferior contrasta con la luna y se desvanezca hasta la parte superior. Creo que esto creará un buen contraste con toda la pieza. Observe que mientras está mojado, todavía se puede jugar con donde descansará el color sobre papel, y para que esto sea el efecto de desvanecimiento, voy a agregar mucho más negro al fondo y luego regarlo hacia abajo hacia arriba parte de mi ponencia. Es así como se crea un efecto de desvanecimiento. Ahora, este es mi arte final para ustedes chicos. Espero que te haya gustado y espero que esta clase te haya desafiado como lo hizo por mí y que seas capaz de crear unas hermosas y únicas criaturas fantásticas inspiradas en el surrealismo. Ahora únete a mí en la siguiente lección para poder mostrarles mis pensamientos finales y agradecerles por estar aquí. 12. Reflexiones finales: Oigan a todos. Muchas gracias por participar en esta clase. Espero que te hayas divertido y que te hayas relajado y que hayas descubierto cosas nuevas sobre tus mundos imaginarios. Deberíamos solo tomarnos un momento y apreciar lo afortunados que somos. Siento que cuanto más practicamos este tipo de ejercicios que tocan ese nivel subconsciente o de sueño, realmente llegamos a conocer un poco más de nosotros mismos. Realmente creo que cuanto más nos conocemos, más podemos crear arte original. Espero que este haya sido un gran paso en tu viaje artístico. Si te apetece, déjame una reseña ahí abajo para que pueda saber lo que pensabas de esta clase. Si tienes alguna idea para futuras clases que te gustaría que yo cubriera, me encantaría escuchar tus ideas. Además, si quieres publicar tu proyecto en redes sociales, puedes etiquetarme y me aseguraré de compartir tu obra en mi plataforma también. Por supuesto, si quieres, no tienes que hacerlo, pero puedes seguirme aquí en Skillshare. Se puede escuchar de mis nuevas clases cada vez que suban y se puede escuchar sorteo y prefiero estar enviándote correos electrónicos y esas cosas. Pero a veces, te enviaré un email aquí y allá para que sepas de las nuevas cosas cool que está pasando. Está bien. Pero sólo porque suplicaste. Cosas que creo que te interesarían. No voy a estar tirando cosas en tu cara. Sí, creo que eso es todo, chicos. Ya terminamos por hoy. Por dilación, por lo que los exhorto de esta clase. No sé por qué. Creo que es por miedos. Tan gracioso. Ah, lo más importante, publica tu proyecto Si quieres. De nuevo, no tienes que hacerlo, pero me encanta ver los proyectos. A la gente le encanta ver los proyectos. Te conectarás con la gente y crearás una comunidad. ¿ Nos acabamos de convertir en mejores amigos? Sí. Es realmente impresionante. Yo comento todos los proyectos, soy super. Tan pronto como alguien publique un proyecto, estoy tan emocionado. ¿ No debería mostrarle a mi novio? No creo que haya un problema. Le muestro a mi novio porque estoy tan emocionado de mostrarle. Oh, Dios mío. Mira esta increíble obra de arte que alguien creó con mi clase. Cada proyecto hace mi día. Publica tu proyecto, haz mi día. Puede que deje de hablar ahora. Adiós. Odio las sonrisas más incómodas al final. Ah, bueno.