Transcripciones
1. Presentación: Hola a todos y bienvenidos a la pintura digital y Procreate para Principiantes. Mi nombre es Maurizio De Angelis, y soy ilustrador e instructor de pintura con sede en Londres, Reino Unido. He publicado varios cursos hasta el momento, pero éste está diseñado específicamente para principiantes y nuevos entrantes que quieran aprender los fundamentos de la pintura digital. En esta clase, vamos a explorar seis técnicas de pintura simples utilizando como tema principal un dibujo de un hongo. Si no eres fan de las setas, puedes elegir un tema diferente de la plantilla proporcionada en los Recursos para esta clase. Si ves mis otros cursos ya sabes que siempre
hay proporcionar a los alumnos un dibujo. Y esto se debe a que puede ser extremadamente desafiante y un poco frustrante para los principiantes seguir sin plantilla. Entonces echemos un vistazo a qué se trata esta clase. En lugar de partir de una ilustración básica y terminar con una pieza más realista, el objetivo de este curso es aprender una variedad de estilos y entender cómo ponerlos en práctica. Imaginemos que tienes un tema ya dibujado y ahora necesitas
elegir un estilo para tu siguiente ilustración. ¿Qué estilo usarías? Podrías ir por un simple dibujo de línea que se asemeje a algunas ilustraciones entintadas, o tal vez te guste más un
look de sombreado plano porque quieres crear algunas pegatinas, o quieres agregar 2 o 3 tonos de color para obtener un efecto Toon Shading. Más allá de esto, si quieres crear algo más realista, puedes usar la Técnica de mezcla suave o dura. En estas dos lecciones En particular, demostraré cómo obtener resultados
idénticos utilizando dos técnicas muy diferentes. Es una gran manera de mostrarte que no
sólo hay una manera de lograr algo en la pintura, sino que hay varias. Por lo que algunos de ustedes podrían sentirse más cómodos usando una técnica u otra, y aún así obtienen el mismo resultado. Entonces para los estudiantes que estén interesados en la pintura realista y quieran aprender a empujar el nivel de descripción a la siguiente etapa, podrías ir por esta técnica muy detallada, que no es la taza de té de todos o tal vez lo sea. Entonces averigüemos juntos qué te gusta, tienes que encontrar tu propio estilo y necesitas tiempo y práctica para entender lo que funciona para ti. Correlacioné cada estilo con muestras de mis propias ilustraciones o pinturas para darte una mejor comprensión de las técnicas que expliqué. Mi consejo para ti es ver todas las clases y aprender cada técnica una a la vez. Si eres principiante, esta clase te enseñará los fundamentos de la pintura
digital y te dará la confianza para embarcarte en un viaje artístico. Pintar no se trata del pincel que usas ni del software en el que estás trabajando. La pintura es sobre práctica y dedicación. Entonces, empecemos.
2. Configuración del lienzo: El primero que queremos hacer antes de empezar a pintar es importar
el dibujo del hongo que puse a disposición en la sección de proyectos y recursos. Entonces si nos desplazamos hacia abajo y hacemos clic en proyectos y recursos, aquí
podemos encontrar dos archivos. Uno es el hongo, y esto es lo que vamos a estar usando. El segundo dibujo es para tu proyecto de clase al final de esta clase. Por lo que si quieres descargar el dibujo del hongo, haces clic en un, haces clic en Descargar. Después puedes ver estos descargando el archivo, entonces es bastante rápido. Es muy pequeño. Se hace cinco y 12, se va a guardar en la carpeta de descargas de tu iCloud Drive. Por lo que en este vínculo se puede lanzar procreate. Y una vez en la galería, puedes hacer clic en Importar y navegar hasta la carpeta de descargas. Y el expediente va a ser importante. Si abrimos la paleta Capas ahora podemos ver el fondo aquí y el dibujo en una capa diferente. Antes de pasar a la primera técnica de esta clase, solo
quiero hacerte saber que si vas a mi página web, puedes descargar gratis una colección de
52 ponencias de fondo que pueden ser muy útiles para tus proyectos. Por lo que si vas a mi sitio web o a mi cuenta de Instagram, puedes seleccionar cursos de enseñanza en línea y luego dar click en Descarga Gratis. Una vez que estés aquí, puedes descargar este tipo de documentos de antecedentes. Y aquí puedes ver algunos ejemplos. Si no recibes el esquema de link de descarga y en menos de cinco minutos dale algo de tiempo y llegarás. Eso se lo prometí. Entonces, habiendo dicho eso, vamos a sumergirnos en la primera técnica.
3. entintado: De acuerdo, vamos a empezar con este cuarto mucho. El primero que queremos hacer es abrir la biblioteca inca y luego seleccionar la pluma técnica. Entonces si hacemos clic en el bolígrafo técnico, nos metemos en el estudio de pinceles y podemos seleccionar resent ajustes de pincel antiguos. Entonces estamos seguros de que todos estamos empezando desde el mismo punto. Entonces tenemos algo como esto. Lo que queremos hacer ahora es bajar a la pestaña de lápiz de Apple. Y ahí dijimos flujo a 0. Tenemos algo como esto. Ahora queremos ir a la trayectoria del trazo y posiblemente podamos aumentar el valor de la racionalización para estar alrededor del 15 por ciento. Por lo que tenemos más de una línea curvilínea. Superamos el estudio de pinceles y creamos una nueva capa. Por lo que esta es la capa de dibujo de lápiz de setas. Si queremos renombrarlo, podemos hacer click en la miniatura y seleccionar Renombrar, y podemos renombrarlo en dibujo. Por el momento, tenemos este tipo de huelga. Queremos reducir el tamaño del pincel a alrededor del 15 por ciento. Ahora tenemos algo como esto, estos pinceles sensibles a la presión. Entonces si presionamos más, tenemos un trazo raro. Y si sueltas, la línea se adelgaza y esto es exactamente lo que estamos buscando. Por lo que podemos eliminar estos seleccionando la capa familiar y hacer Claire. Ahora estamos listos para tinta este hongo. Voy a empezar por este lado. Y lo que quiero hacer es modular la presión de acuerdo a las características del hongo. Por lo que quiero presionar y soltar sola al dibujo. Lo que no queremos es una línea compacta estable, pero algo más dinámico alineado con algún personaje. Para que podamos presionar y soltar. Y prensa y liberación. Tengo otro curso que solo se trata de entintar. Entonces si te interesa, puedes buscar este curso en mi cuenta. Voy a definir lo que se llama la tapa del hongo. Se puede ver que presiono y suelto. No quiero hacer una línea continua, pero estoy contento con la línea de ser un poco belicioso con alguna variación de grosor. Entonces ese es el objetivo de este proceso. Por lo que sigo con mi trabajo de línea modulando el trazo según curvas y cavidades. Aquí hay un poco de inserción. Por lo que quiero conseguir como una línea orgánica. Entonces puedo finalizar el tallo, también llamado el tallo. Ahora quiero tinta el margen,
el borde que separa la tapa de las branquias. Las branquias son las clases de un papel de aleta es estructura, muy frágil. Están bajo la gorra. Cuando no vas a convencer de algo que puedes deshacer tocando con dos dedos y rehacer, tocando con tres dedos. Ahora quiero pasar a la vulva, que es esta estructura de gorra en la base del hongo. Y hay parcial o completamente enterrado en el suelo. Por lo que esperamos que esa parte sea un poco áspera. ¿Verdad? Creo que esto se hace. Podemos crear una nueva capa, disminuir el tamaño del pincel a la mitad, más o menos, algo alrededor del 6%, probablemente. A lo mejor un poco más, ocho, probablemente un por ciento. Haremos el trabajo. Ellos quieren en las branquias. Para dar la ilusión de diferentes celos. Puedes hacer que las líneas se rompan. Entonces no va a ser una línea continua. También en este caso. Se puede ver claramente la diferencia de look entre las branquias y la copa. Los gremios son más dinámicos y ligeros, mientras que la gorra está muy presente en la misma. Cuando dibujas, pagar algo siempre es muy importante
pensar en lo real, el verdadero tema. Al mirar estos, me imaginaría las branquias, se
están irradiando desde el centro. Habría un poco inflado. Por lo que tienen este tipo de curvatura. Obviamente esto es una ilustración, por lo que es una interpretación del mundo real. No estamos tras algo foto-realista, así que tenemos algo de libertad y representamos a este Marshall como nos gusta. Por lo que sigo con este proceso hasta el final. Puedo saltar de este lado. Entonces el motivo que tiendo a hacer, luego vuelvo. Es decir, es un poco de ida y vuelta y eso es algo bueno puedas diferenciar al Luke o lo que estás haciendo. Entonces finalizo los rendimientos. Tenemos algo como esto. Podemos pasar a esta parte que se llama el anillo. Es una especie de pieza rota. Por lo que queremos hacer esta línea. Podemos presionar y soltar, presionar y soltar, y agregar algún tipo de líneas cortas para simular una superficie de chaqueta. Podemos hacer lo mismo aquí. Son estas líneas cortas para dar la ilusión de que algo está pasando aquí. Nuevamente, esta es una interpretación. Podemos imaginar trozos y piezas provenientes de la textura superficial, pero también del suelo. Quizás alguna hierba o algunas partículas pequeñas estén adheridas a la base del hongo. A lo mejor ha sido sólo la pintura sigue mojada. Podemos agregar algunas líneas a lo largo de las retenciones de tallo. Y como mencioné antes, es bueno alejar el pensamiento y la reabsorción. Por lo que este tallo tiene esta forma cilíndrica. Por último ronda herramientas la base y quiero seguir este pez. Dicho esto, también es importante encontrar un equilibrio y no demasiados, Jesús. A lo mejor para un
principiante, podría ser difícil encontrar este equilibrio. Y eso contará con tiempo y práctica, y es parte del proceso. Entonces no se desesperen. Y de nuevo, probablemente pueda hacer algo a lo largo de esta línea en la tapa de este hongo. Por lo que se puede ver que
hay algunas líneas en eso, sobre todo porque aquí es cuando las etiquetas, por lo que queremos enfatizar este aspecto. Ahora puedo ocultar el dibujo para poder verlo mejor. A lo mejor algo como tal vez pueda borrar estos y tener más como un círculo. De nuevo, no quiero hacer demasiado, así que creo que eso podría ser suficiente. Y ahora se hace la primera obra de arte. En la siguiente lección, vamos a explorar algunas ilustraciones hechas con el estilo de entintado.
4. Muñenas de entintado: De acuerdo, Ahora que hemos terminado de entintar nuestro hongo, quiero mostrarles algunos tipos de obras de arte hechas con la técnica de entintado. Vamos a empezar a mirar este 1 primero. He hecho esto para otro curso que se llama Procreate aprender 15 técnicas de pintura fácil. Se puede ver que he hecho el dibujo primero, y aquí hay un video de lapso de tiempo muy rápido. Entonces yo, en el dibujo, aquí se pueden ver todos los diferentes tipos de plantas y flores que hice, siguiendo más o menos la misma técnica explicada para el hongo. Por lo que tenemos una línea más gruesa como contorno y una línea más delgada para los detalles internos. Nuevamente, un poco de lapso de tiempo. Si quieres aprender una variedad de técnicas en Procreate, ve y consulta estos curso ya que está lleno de personal de Procreate. Ahora tenemos estos, que es una tira que forma parte de otro curso que
publiqué hace algún tiempo llamado Inc. un adorno medieval en Procreate 5 x. nuevamente, hice el dibujo rápido. Entonces esto es un lápiz y dibujo. Y luego siguiendo la Técnica explicando esa causa
conocí primero la silueta y todos los detalles relevantes. Entonces si quieres entender cómo lo hice, entonces
puedes echarle un vistazo a eso. Ahora podemos ver otro estilo de entintado. Esto es más artístico y como más personaje y se requiere algo de práctica. Se trata de un caballo griego del Partenón en asiáticos, probablemente una de las esculturas de mármol que sobrevivieron de esa época. Se puede ver este tipo de esculturas en muchos de los principales museos de la ciudad, como el Museo Británico de Londres o el Museo Metropolitano de Nueva York, y obviamente en el Museo Arqueológico Nacional de agentes. Ahora tenemos esta técnica totalmente diferente. Yo diría que este estilo era muy famoso en los años ochenta y noventa, su mayoría antes del arte digital. Si quieres explorar más sobre esta técnica, puedes buscar pizarra de rayado y verás muchos resultados que vienen. Se puede ver que se puede tinta en negro, pero luego se rasca la superficie y se quita la tinta, experimentando el papel debajo. Y dentro del escenario digital, simplemente
puedes pintar en blanco. Utilice la herramienta de borrador. Entonces las líneas blancas, si están pintadas, no
están ahí fuera para simular las luces. Entonces todo se trata de equilibrar las rayas en blanco y negro. Y eso es lo que hace que estas técnicas sean particularmente difíciles. Pero de nuevo, la práctica constante facilita las cosas. Entonces tenemos estos, tenemos algunos antecedentes aquí. Pero si escondo el fondo, básicamente
vamos a perder la tinta blanca. Y si lo vuelvo a encender, podemos apreciar el trabajo que he hecho en blanco. Este es un dibujo un poco complejo, diría yo. Pero si nos
acercamos, en realidad podemos ver que no hay tan detallado. Entonces todo se trata de encontrar un efecto que pueda funcionar. De acuerdo, Ahora nos metemos en las obras del auto de dibujo de líneas. Hice esto por un libro para colorear en el que se suponía que debía trabajar, pero luego el editor cambia de opinión, lo cual es muy común en este negocio. Estos son de Villa fantasía 9 crecer, que es una hermosa villa en el corazón del centro de la ciudad. Si bien hay algunos rifles, frescos y otros artistas italianos importantes, se
trata de un joven Rafael mismo. Este es mercurio con un poco de un patrón afrutado en la parte trasera que hice. Se puede ver que esta técnica funciona perfectamente bien para el arte de línea muy simple y directo. Y hablando de line art, publiqué un libro para colorear sobre Roma que se llama los colores de Roma, que se puede encontrar en Amazon, Reino Unido, o en Italia si te interesa. Echo de menos el CD donde nací y crecí y en mi opinión, es una de las ciudades más bellas del mundo, para ser honesto. Aquí se pueden ver todos los famosos lugares romanos como palanquilla o amoníaco. Algunos cuadros de Caravaggio en la iglesia de Santa María del Popolo. Se trata de la fuente Travis o Fontana, la tumba en Italiano. Se pueden ver las viejas monedas de liras italianas, que era la moneda nacional que luego fue sustituida por el euro, créanlo o no. Pero hay un promedio de 25 mil Euros tirados a la semana del par de fuentes. Sí, Bear Lake. Esto sigue siendo relevante. Tina, que es famosa por la presencia de gatos. Y también hay muchos otros lugares y monumentos famosos como el libro en una pestaña de biblioteca. Nuevamente, este es un estilo muy sencillo el cual es Pat para si quieres crear algún line art. Y luego nuestra ilustración tradicional que se hizo con algo de tinta real. Son ocho estilos diferentes. Aquí hay algunos cruces,
un efecto de semitono, típicamente en los medios impresos. Estos a algún puntillismo y esa diferente versión de eclosión que no está cruzando esta vez. Y está siguiendo más de los volúmenes y algún efecto de recorte. Entonces esa fue la historia sobre el entintado. Para que veas que hay una gran variedad de estilos y técnicas. Y ahora depende de ti entender cuál te gusta, pero lo más importante practicar. En la siguiente lección, vamos a explorar la técnica de sombreado plano.
5. Sombreado plano: Correcto, Así que ahora tenemos este hongo, tenemos dos capas, los detalles interiores y el contorno. En este punto podemos renombrar estas dos capas, pero cambiar el nombre lleva un poco tiempo porque vamos a tener muchas, muchas capas. Una alternativa es deslizar, ¿verdad? Y los tenemos a ambos seleccionados. Y podemos agruparlos. Ahora puedes abrir y cerrar el grupo usando la flecha aquí. Después haces clic en la familia y selecciona Cambiar nombre. Aquí podemos llamar a esta tinta de capa. Vamos a utilizar esta ilustración como punto de partida para la siguiente. Podemos deslizar a la izquierda esta vez y dar click en duplicar. Esta función obviamente duplica el grupo POR no lo puedes ver ahora porque están sentados uno encima de la ADA para moverlo, queremos seleccionar la herramienta de movimiento. Podemos activar chasping y magneticos que constreñen el movimiento. Y luego puedes moverlo a la derecha. Ahora para evitar confusiones, tienes sentido cambiar el nombre del grupo y lo que podemos escribir colores planos o simplemente planos. Dentro de este grupo, queremos crear una nueva capa, presionada y moverla hacia abajo. Si la capa se escapa del grupo, como en este caso, simplemente
puedes arrastrarla de nuevo dentro y colocarla donde quieras. Ahora es el momento de crear una paleta en varios colores. Queremos empezar desde el campamento. Por lo que elegimos un color naranja rojizo. Aquí. Queremos estar alrededor de esta zona. Por lo que no es demasiado saturado, no demasiado ancho, ni neutro o no a negro. Estamos en el color del área del tono medio. Por lo que probablemente queremos ir algo alrededor de este valor. A lo mejor un poco más rojo. Esta vez podemos cambiar a un cepillo duro. Haga clic en el Pincel, restablezca la configuración por lo que estamos empezando desde el mismo punto. Nuevamente, reduzca la flor a 0. Si en cambio dijiste este valor al máximo y la huelga está influenciada por la presión. Y eso no es algo que queremos. Queremos un trazo plano opaco completo. Por lo que volver a 0. Con este pincel y color seleccionado, bajamos la primera muestra. Ahora queremos pensar en los rendimientos color normalmente para reflejar su delicadeza. rendimientos son bastante pálidos, bastante brillantes. Por lo que no mentiría hacia el espectro amarillo e iría por un color brillante y no demasiado saturado, lo que significa no demasiado intenso para no llegar en color. Y en la misma capa, podemos bajar este color. Ahora, aquí de nuevo, normalmente podemos encontrar ese color brillante cerca del espectro más amplio. Por lo que probablemente cambiaría el espacio calloso, animado similar. Entonces queremos crear la muestra para el anillo. En este caso, podemos optar por algo tiempo de entrega, tal vez algo así. Podemos ver que hay muy similar al color de la gorra, pero nuestro toque más brillante. Entonces finalmente, el color de la base, que me imaginaba ser bastante oscuro, similar al color del suelo. Por lo que a partir de aquí, primero
nos vamos a centrar en el tope, voy a crear una nueva capa. Seleccione el color presionando y manteniendo pulsado. Y volveré a cambiar al bolígrafo técnico e incrementaré el tamaño del pincel. Y lo que puedo hacer es hacer el perímetro rápido. También podrías hacer esto con un cepillo de aire. No tiene que ser un bolígrafo técnico. Pero la principal diferencia entre estos dos cepillos es que la cinta técnica de la pluma está apagada de acuerdo a la presión y el cepillo de aire no. Por lo que va a ser más fácil usar el bolígrafo técnico cuando necesitas un tamaño más pequeño y no quieres reducir físicamente el tamaño del pincel. Entonces esa es realmente la principal diferencia. Por ejemplo, aquí, pintar con el segundo bolígrafo de grupo es bastante útil ya que el trazo se vuelve más delgado al reducir la presión que aplicas. Y tienes menos posibilidades de que el color sangre los márgenes. Entonces cierro la forma. Puedo arrastrar y soltar la muestra de color en el perímetro cerrado y sin soltar nueva diapositiva a la derecha y activar el umbral de caída de color, si es como demasiado, se llenará todo
el documento. Pero al mismo tiempo, si no activo el umbral de caída de color, podría
haber posibilidades de que la sensación deje algunos píxeles vacíos. Por lo que es bueno usar esta función cada vez. Por lo que estás seguro de que tienes un área completamente llena, entonces obviamente puedes retocar aquí dentro si lo necesitas. Ahora queremos crear una nueva capa. En realidad colóquelo debajo de esto. Ahora seleccionamos el segundo color. Porque puse esta nueva capa debajo de la tapa. Básicamente puedo pintar sin preocuparme demasiado por los márgenes. Pero entonces cuando llego al tallo, tengo que tener cuidado. Obviamente. Cuando se trata de relleno, se
puede crear un perímetro como lo hicimos antes, o en realidad se puede pintar manualmente. Y esto es porque tal vez disfrutas pintar o te relaja. Cosas realmente puestas en piedra. De hecho, en realidad te animo a que encuentres tu propio camino. Algo importante a tener en cuenta, y esto normalmente es algo que digo mitosis es que no necesitas apresurarte. No es necesario encontrar necesariamente la forma más rápida posible de hacer algo. A lo mejor ves videos de algunos artistas realmente experimentados haciendo algo súper rápido y súper inteligente, pero vas a llegar con el tiempo. Entonces tómate tu tiempo. Probablemente estás aquí para aprender. Entonces no seas duro contigo mismo porque a veces en realidad la mayoría de las veces, pintar es un ser molesto y puedes frustrarte fácilmente. Y esto es lo mismo incluso para artistas experimentados. Ahora, aquí, quiero prestar especial atención a los rincones y cavidades. Por lo que quiero ser bastante preciso. Y de nuevo, puedes caer de color si lo
prefieres . Una nueva capa. Selecciona el tercer color. Esta vez puedo crear el perímetro y luego gota de color para hacer las cosas más rápidas, cual no es una contradicción con lo que dije antes, sino porque no quiero que esta lección sea demasiado larga ya que una pensión pueda bajar rápidamente. Siento que quiero que este spot sea un poco más brillante. Entonces lo que puedo hacer es usar los terneros que están en los ajustes. Selecciono la capa y la fina con el auto de alrededor de la media a, y la pongo alrededor. Se puede ver que se vuelve más brillante. Ahora, quiero seleccionar este color y reemplazar el que está en la paleta. Una vez más, nueva capa, seleccione el cuarto color, hará primero el perímetro, y luego colateral. Haz la gota de color, activa el umbral de caída de color y luego toca. En realidad puedo ver y estar más sangrando aquí. Por lo que puedo usar rápidamente la herramienta de borrador y arreglarlas. Por último, la última capa para el elemento en la base del hongo, voy a seleccionar el color más oscuro. Para que se pueda ver que esto es bastante oscuro. De nuevo, puedes pagar hasta que puedas usar la gota de color o ambas. Nuevamente, siento que esto es un poco demasiado oscuro, así que puedo usar las pantorrillas y Amanda Sharp, que por defecto es una línea diagonal recta, también conocida como lineal. Y si arrastro la curva hacia arriba o hacia abajo y tengo una más brillante u oscura, cambiar de color es muy común. Puedes crear un conjunto de colores, pero luego te das cuenta de que quieres cambiarlos. Y tal vez cuando cambies un color, quieres modificar el elemento que está junto a él. Y por último, el color de los vendajes. Yo quería hacerlos más brillantes por lo que seguimos los mismos pasos. Para que puedas modificar los colores hasta que hayas estado. Porque ahora el único cambio que podemos deshacernos del paladar se puso y recrear. Por lo que L1 para renombrar esta capa en piloto. Y esto es todo. Este estilo es de hecho un estilo de ilustración y contorno de tinta y un color plano. Puedes ser extremadamente creativo solo con estos dos sencillos ingredientes. Pero la mayoría de las veces, algo que sea visualmente simple
no significa que sean fáciles de hacer todo lo contrario, Billy. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo algunas ilustraciones hechas con una técnica de sombreado plano.
6. Mucha sombreado: De acuerdo, Ahora es el momento de las muestras planas de sombreado. Tenemos aquí, la misma tira allá que viste en la lección anterior. Y en este caso simplemente podemos agregar un fondo de color. Y también podemos añadir algo de textura si quieres. Se puede tratar de agregar un segundo color. Y podemos ver estos, ¿verdad? Y al estar al lado de este tipo de color amarillo pálido, crema,
ya verás, puedes ver que una ilustración a color plano, aunque utilicemos alguna textura o podemos invertir los colores. Entonces lo que está vacío ahora se llena, es como una forma negativa. Por lo que definitivamente puedes jugar y ver qué se te ocurre. Otro ejemplo es este adorno. Hice esto con un bolígrafo sobre papel. Después lo escaneé o puedes tomar una foto con tu teléfono y luego un color estos arriba en procreate. Si te gustan este tipo de adornos, puedes buscar a William Morris, que era un artista y grabador británico muy famoso. Y descubres todo un universo o hermosos adornos y fondos de pantalla. Por lo que este es un diseño muy sencillo y se pueden ver algunos colores oscuros al lado de la luz del sol a la vez. Una vez que tengas un diseño como este, puedes intentar usar solo un color pero con tonos diferentes, como en este caso. Y también tocaré algo de textura acuarela, efecto papel. El mismo principio para este dibujo aquí. La única diferencia es que los hice en Procreate y saber en papel. Se puede ver un lapso de tiempo aquí usando la función Procreate para grabar la pantalla. Para ser honesto, normalmente tiendo a hacer un dibujo sobre papel porque soy un gran fan del lápiz y luego lo digitalizo. Y esta es mi forma de trabajar. Y no tengas miedo de mezclar los flujos de trabajo ya que tienes que encontrar tu propio camino. Una vez que tengas un dibujo como este, puedes usar la técnica de sombreado plano. Se puede conseguir algo como esto. Puedes ser creativo y jugar con colores. Nos quedamos usando la técnica de entintado explicada antes, y luego podemos aplicar diferentes colores. Podemos entonces cambiar el color usando el matiz y la saturación. Es decir, entonces depende de ti y trata de hacer lo que tienes en mente. Y de nuevo, una vez que tengas esto, puedes crear un módulo para un patrón, como en este caso. Puedes crear un fondo de pantalla, pero también si ves mi curso, aprendes tres técnicas de acuarela en Procreate, hay una lección que se trata de crear algunos productos físicos con el diseño que creamos. Así como puedes crear almohadas y cojines y tazas y diarios. Y también puedes aprender a lograr obras de arte de acuarela convincentes después de todo. Ahora algo de arte tradicional, puedes ver a este tipo aquí. Esto es algo que ID con un lápiz en un poco de papel Fieger. Y luego uso un bolígrafo negro y pinté el fondo con algo de color acrílico. Se puede ver la fecha aquí, algo que hice, sí. Cuando hacer hace uno años, creo que sigue siendo relevante en términos de estilo puede ser algo que hiciste ayer o hace diez meses, o hace 10, 20 años. Al final del día, seguimos estudiando piezas masivas. Hay 500 años de edad, si no mayores. Para que se pueda ver el lápiz aquí. Después hice el dibujo de la pluma, pinté a
mano el fondo con unas gotas de fuerza. Ella. A este dibujo se le aplica lo mismo. Esto es un poco más que una copia de una pintura clásica de ajedrez o un desastre, que fue uno del disco lunar, lo que significa que fue un artista fuertemente influenciado por Leonardo da Vinci. El cuadro se llama el plomo h01 tú, o plomo II y jurado. Y este fue un tema recurrente durante el Renacimiento italiano. Lo mismo que antes, donde hice un dibujo a lápiz primero y luego son el contorno de figura con un lápiz negro con un fondo de color para lograr un look plano. Y los colores acrílicos son probablemente los mejores colores si quieres conseguir un fondo como este, correcto, así que eso fue una visión general de la técnica de sombreado plano. En la siguiente lección, vamos a implementar algunos colores adicionales y obtener lo que se llama un efecto de sombreado de tono.
7. Sombreado de Toon: De acuerdo, Ahora nos vamos a centrar en esta paleta aquí. Seleccionamos el primer color. Y queremos pasar del blanco al negro. Pero queremos movernos por una curva, algo a lo largo de esta línea aquí. Queremos crear algo más oscuro. Entonces bajaría un poco aquí. Son de estos colores. Nuevamente, no demasiado oscuro, atrás considerablemente más oscuro. Entonces estoy reeleccionar el color del tono medio. Y esta vez quiero ir a la derecha, algo así. Y otra vez, no demasiado ancho, atrás, considerablemente más brillante. Ahora puedo hacer lo mismo. Entonces quiero oscurecerme. Y de nuevo, no tiene que estar exactamente en la misma región, sino aproximadamente alrededor de la misma intensidad. Por lo que seleccionamos nuevamente la muestra. Aquí tenemos t ya es de color bastante brillante. Por lo que aquí es muy brillante. Podemos ver que estos son muy similares, pero no lo mismo. Entonces puedo oscurecerme. Es muy similar, casi lo mismo que todavía un poco diferente. Entonces otra vez haciéndolo más brillante. Y el último pie de Scala, esto es algo muy cercano al blanco. Ahora estos, queremos oscurecernos. Esto ya está empezando desde un punto de partida oscuro y tranquilo. Otra vez. Ahora premio tener em de nuevo. Y luego la última tarima. En cuanto a la cámara anterior, ya
tenemos un tono oscuro para empezar. Entonces bajamos esto. Esto es casi negro. Y de nuevo, estos entonces por último este color. Ahora solo quiero reorganizar el paladar y estar mejor para poder usar rápidamente la herramienta de selección. Puedo apagar los magneticos y chasquear, de lo contrario ser descarado. Ahora puedo cambiar al negro y etiquetar los colores. Podemos fijar el medio plazo 2, 3, este 1221, y luego 45. Entonces el centro número tres es la columna en el medio y es la primera que bajamos. De acuerdo, ahora quiero mover la paleta en un mejor lugar. A lo mejor aquí, selecciono la capa plana, deslizar a la izquierda y duplicar. Puedo reactivar magneticos y chasquear. Oye, mueve el grupo por aquí. Entonces tenemos 1, 2, y 3. Vamos a renombrar esta capa en vector, que en realidad no es un nombre correcto para eso, pero el estilo que vamos a usar para esta ilustración se asemeja a un estilo vectorial. En este punto, puedes renombrarlos si quieres. Pero para mí es un poco una pérdida de tiempo. Pero si eres principiante, habrá posibilidades de que te sientas abrumado por el número de capas. Entonces si eso haría las cosas más astutas, siéntete libre de cambiar el nombre de las capas, ¿verdad? Quiero crear una nueva capa encima de cada elemento. A continuación, selecciona la familia y haz la máscara de recorte. Verás una flecha apuntando hacia abajo. El máscara de recorte es una de las funciones más útiles en la pintura digital. Y les voy a mostrar por qué. Básicamente una camarilla, ninguna masa no permite que encuentres fuera de la forma debajo, como puedes ver. De hecho, si desabro la máscara, ves que la capa de pintura real se enciende que
cortas todo lo que no está contenido por la capa debajo. Y podemos aclarar esto. También quiero mover la paleta. Y esconder la versión plana para que podamos concentrarnos enteramente en lo que hacemos. De acuerdo, abre el grupo, selecciona la primera capa de máscara de recorte relacionada con la cabina, y selecciona el color número cuatro. Por lo que queremos oscurecer. En este punto. Queremos pensar de manera tridimensional. Por lo que quiero oscurecer el costado. Entonces tenemos que imaginar que la luz viene del lado superior izquierdo, viene de aquí. Entonces vamos a tener la luz de este lado y la sombra del otro lado. En fotografía, esto se denomina iluminación Rembrandt, que es una técnica de iluminación estándar y muy popular. De acuerdo con este principio, básicamente
puedo hacer esto. Probablemente aumente el tamaño del pincel y la muesca. Quiero seguir la forma esférica de la gorra y crear una forma cerrada. Lo que estoy haciendo no es visible porque estoy pintando fuera de la forma de copa. Pero si deshaces clic en la capa, la verías, entonces puedo llamarla soltar esto con este color. También quiero pintar el margen de la tapa. Mencioné que necesitamos pensar de manera tridimensional. Tenemos que pensar en el hongo real. Y en una escena real, habríamos decidido girar un poco, curviéndose hacia las branquias y eso sería a la sombra. A lo mejor también estos va a ser en la oscuridad. Ahora podemos seleccionar la segunda máscara de recorte relacionada con las branquias y color rosa número cuatro. Con este color, quiero seguir la estructura branquial. Empezaría desde el centro. Por lo que desde la parte superior del tallo y los radios de una rueda de bicicleta, irradiarían y llegarían al borde exterior. Este poder será principalmente en la oscuridad para ser honesto. Pero no debemos olvidar que cualquier ilustración es interpretación de la realidad. Entonces tenemos algún tipo de libertad y también debemos considerar, después de algo foto-realista. Lo que queremos hacer es poco menos de la edad del auto, como si el borde prominente arrojara una sombra en las branquias. Estos también se pueden llamar sombra de contacto. Cuando esto se haga, de nuevo cuando irradiemos hacia el centro, pero dejaremos el camino medio y tareas para no nos estamos uniendo a los extremos. Y éstos darán un efecto de redondez. Llamamos al vector de estilo, pero sería más correcto renombrarlo en sombreado de celdas o afinar sombreado. sombreado celular o afinado proviene de los gráficos de computadora 3D, donde un gradiente de sombreado se reemplaza por colores planos. Entonces en lugar de tener un bonito y progresivo paso de pueblos, hay un claro paso de un color a otro. Y creo que esto es suficiente por ahora. Pero ahora seleccionamos la máscara de recorte se relacionan con el tallo. Elige el cuarto color. Aproximadamente a lo largo de la misma línea de la sombra gorra. Definimos esta zona para estar a la sombra. Entonces también se puede romper y simular un paso del tiempo. También quiero hacerlo un poco más oscuro aquí detrás del anillo ya que habría alguna especie de sombra de contacto de Castilla. Lo mismo alrededor de las branquias. Se vería raro si algo no pasara aquí. Si estaba 100 por ciento limpio, lo has hecho tiene sentido. Y también un poco aquí porque queremos
realzar el hecho de que esta es una forma cilíndrica. Por lo que las comas se utilizan para definir sombras, pero también para definir textura y detalles. Ahora podemos pintar la parte verde, la sanguina califa y la aplicación Cal increíblemente popular del Renacimiento italiano. Escribir seleccionar el cuarto color. Y otra vez, siguiendo esta línea y podemos bajar aquí y curvar ligeramente hacia el final. ¿Por qué es eso? Porque me estoy imaginando que esta parte sea sí, cilíndrica pero también un poco esférica cerca de la base. Una vez más, puedo romper esta línea y seguir un poco. A lo mejor las líneas que hicimos en Negro, Domingo, la textura Sol se mezclaron con algunas sombras. El objetivo es encontrar un equilibrio entre los elementos. Por ejemplo, no queremos poner demasiados detalles en las áreas más ligeras ya que aplanarías la obra. Y al mismo tiempo, tenemos que controlar la cantidad de sombras. Es cuestión de equilibrio y esto es algo que ganas con la experiencia y la práctica. Y puedo añadir algo de sombra proyectada sobre el anillo desde el ritmo. Como me imaginaba esto un poco de una extrusión. Hay una especie de paso o algún grosor, por lo que una sombra hará las cosas más claras y lógicas. Entonces el último bit, me aseguraré de seleccionar el nombre correcto ya que un error extremadamente común es pintar en la capa equivocada. Nuevamente, quiero seguir las zonas sombreadas, pero porque el spot es, quiero ir a eso. Voy a romper esta línea, tal vez siguiendo algunas características como elementos pesados z zoo provenientes de la imagen. Y creo que esto está bien. Lo que quiero hacer ahora es romper el color en la tapa del hongo. Por lo que puedo escoger el color directamente desde aquí. Asegúrate de que estás en la capa correcta. Y voy a empezar a hacer estas líneas no es muy diferente de lo que hemos hecho hasta ahora, verdad? Bueno, lo que queremos hacer ahora es ir al otro lado del espectro. Queremos ir más ligeros. Vamos a crear una nueva capa para cada elemento. Tan nueva capa, nueva capa. Al crear una nueva capa entre la capa utilizan select y una máscara de recorte. Se recorta automáticamente la nueva capa. Ahora seleccionamos el color número 2. Estamos en esta capa. Y aquí queremos mantener este color tiene la base neutral,
la base Tom de carne. Y queremos hacer una zona más ligera. Queremos hacer algunas ideas divertidas, un poco de imaginación. Se puede ver que el mismo gorro de hongo físico es algunos protuberancias y ofertas. Por lo que la línea sería a, b parpadeará. Podemos sumar de inmediato un poco de plantear. Y creo que esto está bien. Ahora podemos pasar a los rendimientos. Seleccionamos color número 2. Hagamos mucha luz aquí abajo, pero un poco, podemos enfocarnos en las áreas que dejamos sin pintar. No queremos hacer aquí porque es principalmente en la oscuridad. Eso está bien. Supongo. Ahora el tallo, selecciona el color. Y voy a hacer algunas líneas aquí. Probablemente necesitaría mover la capa para estar encima para poder pintar un B también en el color oscuro da mi increíblemente visible por ella lugares. También es importante tratar los elementos sub2 de una manera que también se logre el
equilibrio modulando pequeña diferencia en términos de valor. Ahora seleccionamos la máscara de recorte para el anillo, seleccionamos el color relacionado. Y de nuevo, quieres crear algunas líneas para simular el archivo. Ahí hay una zona más brillante. También queremos describir algún estado de superficie. En realidad puedo mover esta capa arriba también, y creo que tiene más sentido. Y por último, podemos seleccionar la capa de máscara de recorte correcta. Coloquemos esto aquí. Y aquí queremos enfocarnos principalmente en las líneas para vivir los detalles de la superficie. De nuevo, no queremos exagerar también, no
queremos poner este tipo de espera, no pertenece. Algo así, creo que está bien. Y hemos completado la segunda columna. Podemos ver que el color base. Ahora siento que quiero extender un poco más este tono oscuro, como mencioné antes, es cuestión de equilibrio. Y así se empieza a refinar, a volver. Como lo hicimos para la paleta. Lo mismo para el escáner. Procreate como límite de capa. Y el número de capas disponibles es diferente del iPad al híbrido, según los modelos de, pero también de acuerdo al tamaño y resolución de un documento. Ahora queremos crear un nuevo conjunto de capas para los colores más brillantes. Si te quedas sin capas disponibles, puedes ver el inicio de la siguiente lección para conocer los pasos y luego volver aquí. Por lo que creamos las capas de máscara de recorte. Seleccionamos el color más brillante para el gorro de hongo, y es codicioso para el color anterior, queremos crear un área regular NO Q considerando el baches de la superficie. Algo así está bien. Y luego alguna ruptura. Y también quieren agregar el tiempo de sprite a lo largo del borde de la copa ya que refuerzan la idea de que esta parte está volteando es giratoria. Ahora nos movemos a las branquias y aquí no hay, no realmente. Apenas unos pocos trazos para tener algunas variaciones de calibre, pero no demasiados, sólo un poquito. Ahora el tallo es casi imperceptible, pero sólo un pequeño chapoteo de luz no haría daño. El mismo trato que el anterior. Queremos estar alrededor de esta zona. A lo mejor el colon es, estaría captando algunos aspectos destacados. Y lo último es ser esto. Y una vez más, estas líneas muy cortas. Ahora podemos parar aquí. Algunos de ustedes quizás ya se hayan quedado sin capas, pero si no te sentías libre acelerar este proceso
a medida que empiezas a diferente de las etapas anteriores. Entonces lo haré tomando en cuenta la forma esférica de la misma. Al igual que lo hicimos para el primer morir, partimos desde el tallo y nos extendimos. Estaría en el interior y en los campos. Por último, la base. Siento que esto podría ser demasiado oscuro para mi gusto. Entonces en lugar de cambiar de color, estaremos usando las pantorrillas. Puedo reducir la opacidad de retardo y luego reemplazar el relacionado Kayla. Y esto es todo. Estoy bastante contento con el resultado. Es divertido, es ligero, es convincente. Entonces echemos un vistazo a alguna cera en este estilo.
8. Mucha de sombreado de Toon: De acuerdo, Ahora vamos a echar un vistazo a algunos ejemplos de sombreado sintonizado. Podemos partir de este plan aquí. Esto es de mi curso, Procreate aprender 15 técnicas de pintura fácil. Puedes ver un lapso de tiempo aquí en nuestra identidad por si quieres conocer más sobre esto, puedes encontrar estos puntajes en mi cuenta. Este es otro ejemplo, goo, bueno ser otro tipo de hongo o un auto o tentáculos como estructura. Es un poco más regular, similar al factor arte vectorial es un formato que viene de Illustrator. La afinidad más moderna. Entonces de nuevo, si escondo las líneas más delgadas, tienes una línea simple estas, y como de costumbre te toca si prefieres un método sobre el otro. Esta es otra ilustración que hice. Si escondo el fondo y el sombreado, se
puede ver el trabajo de la tinta. Por lo que no es muy diferente del hongo que hicimos. Podemos identificar tres veces la oscuridad, el medio tono, y el tono más claro. Entonces este es el esquema y los detalles. Y la ilustración se basa en un dibujo que hice en papel con un bolígrafo. Se puede ver un lapso de tiempo aquí que publico en mi cuenta de Instagram. Y como lo hicimos antes con la venganza de la guerra, una vez más, podemos crear un patrón a partir de un dibujo y jugar con colores para conseguir repeticiones. En esta ocasión, se puede ver que el resultado es más atractivo, es más colorido, y también se puede percibir un toque de volúmenes. También hay algunas sombras. Entonces puedes cambiar de color y crear algún producto físico para ti o incluso acomodarte con otros. Y la última muestra, nuestro cráneo, este estilo es muy similar al adoptado para nuestro hongo. Se puede ver que tenemos la tinta del cráneo. Puedes ocultar el fondo también y cambiar el color usando tonalidad y saturación y
diapositiva y elegir lo que te gusta o lo que les gusta a
tus clientes no es necesariamente lo que te gusta, en realidad no se trata de lo que te gusta. ¿ Verdad? Había una visión general del sombreado sintonizado. En la siguiente lección, vamos a crear algo más realista. Y verás que las cosas empiezan a ponerse un poco más complejas, pero no tengas miedo, te lo
voy a descomponer. Entonces vamos a sumergirnos en el sombreado suave.
9. Mezcla suave: De acuerdo, Ahora estamos listos para la cuarta ilustración. El primero que queremos hacer es ir a la información de Canvas y luego a la de Canvas. Aquí podemos ver cuántas capas tenemos. El máximo de capas según este tamaño es de 57. Usé 38, y tengo 19 capas disponibles, así que no son demasiadas. Por lo que queremos volver a la galería. Deslizo hacia la izquierda y golpeo Duplicar. Ahora tenemos una copia segura y eso es muy importante. Simplemente queremos renombrar el primer documento y podemos agregar original al título. Después abrimos el documento duplicado. Y queremos reutilizar este hongo aquí para esta lección. Por lo que simplemente podemos moverlo aquí usando la herramienta de movimiento. Aquí, podemos deshacernos de estos y deshacernos de la tinta ya que no los necesitamos. Entonces tenemos el dibujo. Y en realidad podemos eliminar todo esto. Y podemos renombrar el grupo en blended suave, que no es realmente el nombre de una técnica o un estilo, sino más el nombre de un pincel que vamos a usar. A partir de aquí. También podemos fusionar estas dos capas. Por lo que estamos más capas disponibles y queremos utilizar esta herramienta de emparejamiento, también llamada herramienta de mezcla. El instrumento de mezcla con una herramienta fenomenal, y se utiliza para mezclar colores juntos. Hay un montón de pinceles disponibles, pero vamos a empezar desde lo básico. Por lo que queremos usar la mezcla suave. Hacemos clic en el Pincel, restablecemos todos los ajustes cepillados, y ahora estamos bien para ir. ¿ Verdad? ¿Por qué esta herramienta de emparejamiento? Tengo muchos caballos donde muestro cómo usar esta herramienta. Entonces si creo una nueva capa y elijo un color puede ser de cualquier color. Me cambié al aerógrafo sólido. Entonces bajé este color y luego elijo otro. Puede ser en la misma capa o en una nueva. Usaría este margen para mezclar estos dos colores juntos. Entonces si selecciono el cepillo suave y reduzco probablemente el tamaño del pincel, básicamente
puedo pintar sobre este borde aquí. Pero en lugar de agregar color y mezclar, estoy difuminando y cambiando los píxeles. Aquí. No es la herramienta más fácil de usar, pero nada es realmente fácil a la hora de pintar. Entonces necesitamos aprender, necesitamos algo de práctica, y luego podemos mejorar en ello. Entonces no hay otra manera. Para que podamos eliminar estas capas. ¿Verdad? Selecciono la oscuridad es la capa cuatro, la tapa. Vuelvo a comprobar, he llamado a la mezcla suave para esta herramienta mágica. Siempre tiendo a mantener la opacidad del pincel por debajo del
100 por ciento sólo porque no había tanto control como fuera posible. Y entonces puedo empezar a manchar los márgenes. Vamos a usar algunos pequeños detalles aquí, pero está bien. Hay otra técnica para mantenerlos donde se quiere hacer es aplicar un grado de presión y poder modular estas presiones de acuerdo a la cantidad de mezcla que se desee. Ahora seleccionas el segundo oscuro como mezcla de capas llame a esta área. No puedo mostrarles que en cuanto se familiarice con la modulación de presión es extremadamente fácil gobernar estas herramienta. De nuevo, si es la primera vez que lo usas, no te molestes demasiado si estás luchando con ello, eso es completamente normal. Quieres intentarlo de nuevo en los siguientes días y tu cerebro probablemente diría, sí, En realidad, eso es fácil, puedo hacerlo. Y por cierto, esta es una herramienta muy importante para aprender. Si quieres meterte en la pintura digital. Ahora puedes seleccionar esta capa. Y luego finalmente aislo estas capas y estoy mezclando esto. Y de nuevo, puedo hacer esto. De acuerdo, entonces cuando todo esté hecho, lo que puedes hacer es fusionar las capas juntas. Por lo que los pellizcarías. Por lo que tienes el color base y las capas administradas. Cuando es de una sola manera solo puedes seguir mezclando. A lo mejor quieres aumentar el tamaño del pincel ya que podría ser más efectivo. De nuevo, hay que modular la presión. Pero creo que esto está bien. Esto podría ser suficiente para lo que quiero lograr, ¿verdad? Entonces tenemos la primera ahora, si mezclas cada capa individualmente, vas a hacer un mejor trabajo seguro. Así que aísla la oscuridad como capa de las branquias y empieza a mezclarse. Puedo reducir el tamaño del pincel para ser una pieza molar y luego básicamente tratar esta zona como lo hicimos para el carrito. Ahora puedo pasar a esta capa. A lo mejor es si sigo la dirección de las branquias. De acuerdo, intentemos ocultar esta capa. Si de verdad pasas un buen rato y dejas que todos los
trazos de pincel juntos se va a quedar realmente bien. Pero porque no quiero que la lección sea demasiado larga, solo
quiero explicarte el principio. Por otro lado, si planeas tener la capa de tinta como parte de la ilustración, tal vez
quieras mostrar esto como
quieres ver el producto final y cómo viene, si eso tiene sentido. Ahora, puedo rápidamente tanto estas huelgas. Para ser honesto, la mayor parte de la descripción está dada por el objetivo en lugar de comprar el color. Ahora puedo fusionar estas capas juntas pellizcándolas. Una es fusionar y mezclar de nuevo un poco. Entonces tienes algo como esto. Como dije antes, si pasas más tiempo en ello, vas a conseguir algo bastante bonito y suave y bien sombreado. Pero creo que esto podría ser suficiente. Ahora podemos pasar a la estampilla esta vez. Intentemos fusionar las capas al principio y ver si hay una gran diferencia. Entonces dejo de mezclar. Seguro va a ser más rápido. Pero en mi opinión, control
nuevo y moderno si se mezcla una capa a la vez, pero es bueno tener opciones sobre la mesa, n elegir 1 cuando quiere decir. De acuerdo, ahora solo quiero mostrarte un poco de trach y ¿qué es? Entonces tenemos estas capa base y luego tenemos estas capa oscura. Si seleccionas esto, puedes ir a ajustes. Y luego capa, luego en medio de la composición puedes sonreír, derecha, para aumentar el nivel de borrosidad. Entonces es el mismo principio del umbral de caída de color. Si vamos a cerrar como luz, ¿verdad? Se puede ver que esta zona se va a difuminar. Se puede controlar el nivel de borrosidad deslizándose hacia la izquierda y hacia la derecha. Para ser honesto, no uso esta técnica si quiero mezclar algo. Pero una vez más, es bueno tener algunas opciones. Por el bien de la consistencia, voy a aplicar este efecto a las capas restantes. Ahora, puedo fusionar estas capas juntas. De ahí que igualar un pico minormente no lastimaría a alguien puede argumentar que pierdes algunos detalles. Pero por otro lado, obtienes algo muy bien sombreado con algún tipo de mínimo esfuerzo, y todo depende de lo que busques. Por último, queremos intentar fusionar estas capas rápidamente, pellizcarlas sólidas. Y usando el Desenfoque Gaussiano, podemos exponer esto y ver si hay una diferencia sustancial. Y luego probablemente mezclar manualmente y B, cuando era mucho y mezclar colores juntos, se pierde un poco de los reflejos. Y esto se debe a que los píxeles más brillantes se mezclan con los menos brillantes, por lo que la luminosidad disminuye es viva. Una buena solución es crear una nueva capa encima de todo. Podemos usar el cepillo de aire, elegir tal vez algo blanquecino, y luego quiero pintar donde siento que serían los toboganes más fuertes. Entonces aquí, aquí, y tal vez aquí. En este punto puedes utilizar esta herramienta de emparejamiento o el filtro de desenfoque gaussiano. Entonces básicamente tenemos algo de luz en cascada aquí. No es demasiado evidente por su lugar. Y esto es todo. Tenemos ahora las cuarta ilustraciones abajo. En la siguiente lección, vamos a aprender a usar la técnica de mezcla cardiaca. Y al final de la misma, te mostraré ambas muestras para un estilo blending suave y duro.
10. Mezcla de duro: De acuerdo, ahora tenemos este hongo aquí y el resto de ellos allá. Podemos fusionarlos juntos ya que no tenemos suficientes capas disponibles. Entonces lo que queremos copiar este hongo en medio ahí y debajo lo hacemos. Por lo que hacemos click en este documento. Seleccionamos la capa de grupo plana, que es ésta. Abrimos el grupo y nos deslizamos para seleccionarlos todos. Los atrapas en medio del documento sin soltarlos. Con la otra mano, se da click en galería. Seleccionas el documento donde quieres mover esta capa es abrir la paleta Capas y las sueltas ahí. Por alguna razón no soy capaz de copiar todo el grupo siguiendo la misma técnica. Podrías probarlo. A lo mejor es solo un bicho para mí, pero no funciona. Y debido a esto, necesito volver a elegir cuanto más Cada crear un grupo. Yo quiero mover este grupo aquí en el quinto lugar. Y entonces podemos renombrar estos en duros mezclados. Nuevamente, este no es el nombre de un estilo o técnica, es más que nombre del pincel que vamos a usar. Por lo que el corazón se cepilla bajo aerografía. Y es éste de aquí. ¿ Y qué hace? Si creo una nueva capa encima de todo y selecciono un color, puede
ser de cualquier color. El cepillo de la licuadora de corazón se comporta como un aerógrafo normal del corazón, pero también como, tanto en cuando se aplica menos presión. Entonces estoy pintando, presionando bastante. Cuando suelto las herramientas, que es 2, esta herramienta munging, como se puede ver claramente aquí. Básicamente son dos herramientas en una. Es útil y tembloroso al mismo tiempo. Pero cuando te acostumbras, se vuelve extremadamente útil porque ahora
no estoy aplicando mucha presión y puedo mezclar esto. Pero entonces si aplico más presión, color estará fluyendo. De acuerdo, podemos deshacernos de esto. Vamos a mover la paleta aquí. Partimos de la CCAP como de costumbre, de la oscura Haskalah. Por lo que voy a crear un nuevo problema de molusco de capa y equilibrio para seguir la misma dinámica. Y además el resultado final no será demasiado diferente del hongo blended suave. Pero como hablamos de tener opciones, esta técnica es totalmente diferente a la anterior. Por lo que depende de ti si quieres usar una técnica u otra. Técnicas tan diferentes, mismos resultados. Entonces empiezo desde aquí y estoy aplicando una buena cantidad de presión, y luego voy a soltar y conseguir este gradiente aquí. De nuevo, podría ser un poco difícil rápido, pero te puedo tranquilizar no es tan difícil y puedes hacerlo. Ahora quiero hacer el borde de una manera y
presionar y volver
y soltar con la práctica de PO se va a controlar la fuerza que aplicas en la pantalla del iPad. Yo quiero que puedas controlar este pincel. Te das cuenta de que hay increíblemente útil y más rápido en comparación con los dos pasos, flujo de trabajo de
pintura y mezcla. Entonces puedo crear una nueva capa. Y gran color número 2. Entonces estamos en el espectro más brillante y yo soy este color. Poner presión y soltar. En realidad se puede ver lo rápido que A's. Entonces si quiero extender esta zona más brillante, solo
necesito aplicar algo de presión y luego soltar de nuevo. Ahora puedo agarrar el color más brillante para el campamento, crear una nueva capa y una máscara de recorte. Y luego quiero recrear el mismo efecto. Y yo simplemente hago esto. Habría notado que me salté un calendario de color antes, así que puedo crear rápidamente una nueva capa y luego pintar con este color. Y creo que está bien. Ahora podemos pasar a los rendimientos. Entonces iré a la capa correspondiente, crearé una nueva, la máscara de recorte. Seleccionaré la segunda columna y presionaré, presionando. Y ahora puedo manchar sólo un poquito de presión. Ahora puedo reducir el tamaño del pincel, está dispuesto a hacer lo que hice por los hongos anteriores. Yo quiero formular los rendimientos y ser más descriptivo. ¿ Verdad? Puedo crear una nueva capa y una máscara de recorte. Selecciona el tono más oscuro para las branquias. Y otra vez, nuevamente refuerzan esto. Es posible que experimentes alguna apreciación cuando
pagas como si disminuyes el brillo de la pantalla, como una luminosidad de compra. Y supongo que esto se debe a que la banda I puede estar llegando a advertir o exceso de trabajo. Creo que esto se hace. Puedo crear una nueva capa, elegir la Scala. Como dijimos antes, esto no es increíblemente razonable solo para ser consistente, queremos agregar solo unas pocas líneas. En esta etapa se puede ver que estos son bastante similares. Utilizamos dos cosas muy diferentes. Empiezo desde el muelle tiene lado y creo este tipo de vivaz en el otro lado. Y por último, justo detrás del feto. El doc tiene que hacer más o menos lo mismo. De acuerdo, pasemos a la nueva. Nueva máscara de recorte de capa. Quiero aumentar el tamaño del pincel. Empiezo por el lado más oscuro y luego suelto. Agradable y es importante. Nos movemos al muelle es marrón. Y otra vez, nueva máscara de recorte de capa. Quiero reducir el tamaño del pincel ya que los describiré con más cuidado. Y por último, el color más brillante para esta herramienta. Se puede ver que estoy un poco aplicando aleatoriamente diferentes cantidades de presión ya que quiero que la luz se esparza, fase y cree un poco de textura. Por último, la base del hongo, el Stein del número 4, el segundo color más oscuro. Y otra vez tengo estos tal vez aquí abajo. Nueva máscara de recorte de capa, tonos
reforzados y más oscuros de esta parte del hongo. Y luego la última columna, la más brillante. Aquí vamos. Esto es todo. Realmente no se puede ver mucha diferencia para ser honesto. Y una vez más, utilizamos un enfoque y una técnica totalmente diferentes. Y dentro de esa técnica no excluye otra. Entonces si fusiono estas capas juntas, puedo cambiar a la herramienta de manchas real y mezclar. Ahora, como lo hicimos antes para los reflejos, podemos crear una nueva capa. Probablemente pueda probar el color desde aquí. Y luego en estos y obtener el mismo efecto. Y también podemos usar un poco de gol. Si has visto que necesitas un HL7 general es la quinta ilustración. En la siguiente lección, vamos a explorar algunas ilustraciones hechas tanto con técnica suave como de mezcla.
11. Mezcla: De acuerdo, Las obras de arte que aquí se muestran incluyen muestras de aterrizaje blandas y duras. Y esto se debe a que como dijimos antes, estas dos técnicas son muy similares en cuanto a resultados. Por lo que quería juntarlas ya que normalmente intercambian las dos técnicas. Entonces es un poco difícil decir ¿qué es qué? Entonces, empecemos de esto. Estas son algunas ilustraciones médicas que hice por un par de trabajos hace algún tiempo, ilustración
médica es una parte muy grande de mi trabajo. Hice más de 3000 ilustración hasta el momento. Y el estilo aquí es muy justo. Se pueden leer bastante bien las ilustraciones. No es foto-realista, no es 3D. Y en la ilustración médica es muy importante que se
retraten cosas que representaban de manera muy clara y concisa. Aquí podemos ver los huesos de la muñeca. Esta es la articulación de la rodilla. Se puede ver la rótula, que es el latido en movimiento de tu rodilla que se voltea para mostrar el cartílago, algunas cuerdas espinales y los campos. Este es otro trabajo que hice por una conocida marca de productos dentales. Por lo que puedes ver aquí algún procedimiento para tener una correcta práctica de higiene bucal, lo cual es muy importante. Si queremos empujar un poco más el realismo, pero no demasiado. Aquí tenemos lo hablado, probablemente cazando algunas cosas pobres. Esto fue para una publicación de hace algunos años aquí en el Reino Unido. También tenemos esta mariposa. Se puede ver que los tonos están muy sombreados inconsistentemente. Se pueden leer bastante bien las ilustraciones sin ser demasiado realistas o incluso fotorrealistas. Para que veas que ella acaba de poner un huevo ahí. Entonces esto es mucho más sencillo. Este dibujo y el siguiente ambos vienen de Procreate aprender 15 técnica de pintura ECM. Aquí se puede ver la tinta y el suave sombreado. Esta es la primera lección de ese curso. Entonces si quieres saber más, lo puedes encontrar ahí. Si quieres empujarlo una descripción. Y cuanto más puedas pintar un ciego gordo como en este caso. Nuevamente, estos procesos explicados por completo en ahí 15 curso de técnicas de pintura fácil. Todavía podemos ver la tinta, pero esta vez el sombreado es más complejo y lleno de detalles superficiales. Y logré empujar el nivel de detalles hacia atrás, manteniendo una mirada no fotorrealista. Entonces un estilo más ilustrativo. Ahora otra flor. Estos como una mirada más realista en términos de renderizado, pero también en términos de carácter y aptitud. Se puede ver que hay un poco más grave que el anterior. Aquí puedes ver un video time-lapse que viene de mi cuenta de Instagram. Y también puedes revisar nuestra acumulación, esta ilustración. Ahora algunos retratos tengo estas fases. Yo la detuve de estos yo, y luego extendo la pintura a toda la fase. Nuevamente, puedes ver un video aquí. Jugué por ahí con un poco de claroscuro, y esta es una paleta de colores italiana muy clásica. Piensas en Caravaggio, nuestro gen de factura final u órganos INO. Como mencioné antes, nací y crecí en Roma y estudié arte entre allí y Florencia. Por lo que estaba literalmente rodeado de los más bellos y celebrados los nuestros. Y de hecho, el arte italiano se hace verdadera y profunda pasión. Lo mismo que antes. Este fue en realidad mi primer dibujo que hice con Procreate cuando compré el iPad. Nuevamente, esta es una imagen muy clásica. Se puede ver que primero hice un dibujo y luego lo pinté. Puedo ocultar el fondo. Recuerda que puedes descargar este tipo de papeles de mi sitio de trabajo de forma gratuita. Y en realidad trabaja también contra un fondo blanco. Otro ejemplo aquí, esta vez en blanco y negro. Y esto es para mostrarte que puedes conseguir un look diferente usando la misma técnica. El estilo es típico del dibujo de fundición de arena. Hay algunas escuelas de arte que enseñan específicamente el estilo, tan fuerte contraste y sombras. Y por último, esta postal vintage. Se puede ver que hay realista pero mantiene una mirada ilustrativa. Se puede ver un poco hasta aquí. Por lo que sólo unas pocas líneas en el lugar correcto que pueden dar la ilusión del realismo. Lo mismo para la flor, la concha. Y el par. Ahora, pasando a las obras de arte tradicionales, aquí
tenemos estas dos pinturas. Estas son las dos pinturas al óleo. Y se puede ver que los hice con una especie de claroscuro sombreado suave. Se trata de una mujer tibetana que las pinto en términos de índigo, que es una especie de soplado. Las pinturas que uso son Museveni, que son muy, muy altas Becarios de política, pero bastante caras. Este es otro ejemplo que forma parte de la misma pintura. Es una máscara tibetana. Y debido a que este tipo de máscaras se hacen esa palabra, quiero recrear tu superficie de madera con sus reflejos típicos cuando esté pulida. Entonces de nuevo, se puede ver que esto no es hiper-realista ya que no describo la superficie por su más en el lado realista al describir los volúmenes. Y luego está este tipo de fondo abstracto que hice con una estaca de inocencia grabando el extremo de una en el color y se hacen estos puntos. Y este es otro ejemplo y otra máscara tibetana, es un animal mítico. En este cuadro quería recrear la máscara. Es un óleo sobre lienzo. Probablemente puedas ver la textura del lienzo. Yo quería simular el reflejo de la luz contra la superficie tiene de nuevo, probablemente estaba brillando. Y esto es, se puede ver que hay una gran variedad de renderizado. Partimos de algo muy bien sombreado y aumentamos el nivel de descripción en algunos casos sin meternos en el look realista o foto-realista, nuestra técnica que se explicará en la siguiente lección.
12. Realista - parte 1: De acuerdo, En esta lección queremos crear un hongo realista y queremos colocarlo aquí. Entonces lo primero que queremos hacer es duplicar esto. Por lo que tenemos una copia segura, que siempre es una opción sabia. Para que podamos agarrar estos hongos y copiar al otro documento. Pero no podemos seleccionar grupo entero, sino sólo las capas. Entonces los movemos por aquí. Vuelve a la galería, selecciona el otro documento, abre la paleta Capas y suelta las capas aquí. En este punto, podemos crear un nuevo grupo Pasando al sexto. Entonces a partir de aquí, porque este hongo va a ser realista, no
necesitamos las líneas blacking. Podemos esconderlos con Embajador. Podemos eliminarlos para que podamos guardar algunas capas. Y debido a que ahora se han ido las líneas negras, necesitamos limpiar las formas para que podamos agarrar el color desde el interruptor de tapa hasta el bolígrafo técnico. Podemos aumentar la racionalización. Y queremos asegurarnos de que esa flor, está puesta en 0. Y siguiendo el mismo principio que
usamos antes, vamos a limpiar las partes individuales. Voy a acelerar este proceso como es muy sencillo. Entonces este va a ser nuestro punto de partida. Y lo que queremos usar para la ilustración 60 es una nueva técnica que llamo baja opacidad. Este no es un nombre formal, pero acabo de nombrar de esta manera. Y te voy a mostrar por qué dejame esconder esto va a mantener el paladar y aún tenemos la luz viniendo del mismo lugar. Entonces, ¿cuál es la técnica de capacidad? Básicamente, si creo una nueva capa y selecciono el pincel más básico en el pincel Galería, que es el pincel duro. Aquí se puede ver que la capacidad es realmente, realmente baja. Y si lo vuelvo a ajustar al 100 por ciento, se
puede ver la diferencia. Pero el objetivo de esta técnica es bajar al 25 por ciento o incluso menos. Y ahora como pueden ver, puedo crear algunos sombreados simplemente sumando los trazos de pintura uno encima de los otros. Y esa es una forma de construir tonos y colores. Ahora puedo cambiar de color y son el precio en tono y obtener un gradiente. Y este principio no es diferente. Si estuvieras usando alguna tradicional todas tus pinturas, acuarela, o incluso grúas. Se puede bajar incluso con usted pasarlo aún más para tener más control. En términos generales, este es el enfoque que vamos a estar tomando para esta última ilustración. Entonces podemos deshacernos de esto ahora. Nos vamos a centrar en la base del hongo. Quiero acercar un poco la paleta. Ahora creo una nueva capa con una máscara de recorte. Por lo que partimos desde el color número 5, que es el más oscuro. La opacidad del pincel es de alrededor del 15 por ciento. Y lo primero que quiero hacer es definir la sombra principal. Y debido a que la luz viene de este lado, esta es la zona que recibimos luz. Por lo que este lado sería a la sombra y más viejo a Kayla, hay
que soltar la pluma para que no esté colorando. Se puede ver que se puede ir una y otra vez sobre el mismo lugar muchas, muchas veces. Por lo que quiero oscurecerlo. Ahora voy a cambiar de color y vamos a trabajar en la misma capa. Entonces puedo saltar a la columna número dos y puedo en estos colores. Entonces lo haré más grande para ser más visible. Como puedes ver, estoy tocando en la pantalla y no puedo
aplicar aleatoriamente algunos trazos de pincel muy cortos como puntos de algo. Y lo sabía por varias razones. La superficie de esta parte del movimiento no está pulida, pero es muy esponjosa y RAF, por lo que la luz se dispersa alrededor. Y también estos topping tipo de técnica y de igual manera también la textura. Ahora puedo go.com seleccionando la columna número 4 y seguir adelante con este más oscuro. Quiero romper lo que he hecho hasta ahora y definir el margen entre las dos vainas. De nuevo, si ves una luminosidad es a veces es por el ojo. Eso puede ser molesto. Ahora cambié al color más brillante y agrego algunas partes más claras. Se desea ajustar el tamaño del pincel y usted de acuerdo a sus necesidades. Y voy a empezar a definir las zonas más ligeras, teniendo en cuenta que la luz viene del lado izquierdo. Por lo que esto podría ser suficiente de inicio sólido seguro. Obviamente, si te enchufaste para ver la ilustración, estas arcillas, es posible que necesites más descripción. Pero para lo que estamos haciendo aquí, creo que este nivel de descripción es suficiente. En este punto, podemos utilizar esta herramienta de emparejamiento o utilizar el filtro de desenfoque gaussiano. Pero intentemos duplicar esta capa y ocultar la capa debajo. Entonces, usemos el filtro de desenfoque gaussiano hasta cierto valor cuando se ve bien. Entonces podemos mostrar la capa, tal vez poniéndola encima y usar este margen para usar un pincel mediano y tres el área manualmente. Por lo que para lograr un buen grado de realismo, es importante combinar técnicas y elementos juntos para fusionarlos en algo orgánico y aleatorio. Al mismo tiempo, es ese hermoso equilibrio de caos y orden presente la naturaleza. O los magníficos patrones y motivos que caracterizan a la especie. Y algunos de ellos son verdaderamente impresionantes. Por lo que esto podría ser suficiente. Creo que he logrado ese nivel convincente de realismo. Ahora podemos pasar al tallo y vamos a pagar en esta parte siguiendo el mismo procedimiento. Parto desde el color número 4. Aumenta el tamaño del pincel y acércate a esta parte definiendo rápidamente la sombra principal, liberando el bolígrafo. De lo contrario, los colores no se adaptan. Algunas sombras aquí. Alrededor de esta zona aquí. Pasando a un color más brillante, no
seremos de un tipo de efecto de spray. Estoy eligiendo un oscuro y de nuevo, quieres seguir algunas características específicas. Al igual que en este tipo es que estoy definiendo una sombra de yeso contra el tallo. Por lo que seguimos definiendo el área de sombra principal. Reducir nuevamente. Y ahora me cambié a una universidad privada. Y de nuevo con el mismo método de almacenamiento en caché. Voy a describir esto. Y como mencioné temprano cuando nuevo dolor realista lo que ayuda mucho es imaginar tener en mente el verdadero tema, el verdadero tema que pintas. Entonces en este caso, me imaginaría un hongo claramente tratando de imaginar tocarlo. Por lo que probablemente la superficie sea rugosa. Podría haber algunas partículas pequeñas que se unen desde el suelo. Entonces de alguna manera quise traducir todos esos sentimientos en formas. Ahora volviendo a una oscuridad y quiero hacer lo mismo que acabo de hacer. Como se mencionó muchas veces. Entonces estoy tocando en la pantalla en lugar de colorear usando una línea continua. Ahora, como lo hicimos antes, podemos duplicar esta capa y se pueden ver días cada vez más visibles. Podemos esconder al máximo jugador. Seleccionamos la capa inferior, esta capa hasta que esté bien sangrada. Todavía vemos alguna descripción. Ahora podemos mostrar estas capas y como lo hicimos antes, podemos hacer el modo de fusión. Y lo hago hasta el final. Por lo que usar la técnica realista consume mucho tiempo y eso está absolutamente bien. No hay nada de malo en pasar mucho tiempo en una pieza. No necesariamente pretendemos encontrar la manera más rápida posible. Y si estás aquí para aprender, necesitas tiempo. ¿ Verdad? Entonces tenemos algo como esto. Ahora podemos sumar otra ronda de detalles, un montón de ida y vuelta entre la pintura y la mezcla. Por lo que estamos agregando colores cada vez. Y este flujo de trabajo aumenta el nivel de descripciones y la complejidad de la forma que pintamos. puedo usar esta herramienta munging. De acuerdo, ahora tenemos estas dos capas, 12 y ahora tenemos estas. En este punto, probablemente podamos
gestionarlos y crear una nueva capa y una máscara de recorte para ambos. En esta lección, sólo vamos a concentrarnos en estos dos elementos. Porque si también tuviéramos que hacer el hongo en su conjunto, será una clase extremadamente larga y agotadora, y ya es lo suficientemente larga. Ahora de nuevo, cambia de pincel y elige un cepillo suave, que es un pincel muy básico como el cepillo duro, pero con un borde más suave, puedo elegir un color más oscuro. Ajusta el tamaño del pincel y vuelve a bajar los pantalones. Y con este color, voy a reforzar las sombras de estas dos partes porque estoy en una capa separada. Es agradable y fácil en arte como la sombra. Podemos hacer exactamente lo mismo por el precio que puede estar en la misma línea que cambiamos a la otra capa y hacer lo mismo. Ahora estamos listos para una capa adicional de detalles. Podemos crear retrasos y la máscara de recorte como de costumbre. Y con el fin de mostrarte las técnicas más antiguas explicadas, yo de hecho, intercambiable, lo que significa que puedes mezclarlas y emparejarlas a medida que mientes. Si elijo un cepillo de mezcla medio sobre para agregar algunos puntos más oscuros sobre esta superficie. Por lo que pinto presionando y mezclando cuando suelto. En el lado más oscuro, que creo que ahora es increíblemente visible en la pantalla. Echa sombra aquí. Colegio y la luz viene de aquí. Por lo que queremos hacerlo más brillante en el lado opuesto. Entonces voy a mover descripción flores. Por lo que se puede ver que esto es realista, pero al mismo tiempo. Y eso es algo que yo aprecié, particularmente como estilo. Creo que definitivamente es un buen resultado para la baja fuerza de voluntad. Y vamos a usar exactamente el mismo método. Por lo que siempre se disuelve animado de lo contrario estas clases se hace demasiado tiempo. Por lo que añado el color más oscuro para las cavidades, pernos y brocas. Después cambié al color más brillante y voy alrededor de los márgenes en esas cavidades en base. Voy a seleccionar el oscuro es el estilo es casi negro. Y voy a reforzar algunas áreas. Ahora. Tenemos estas capas. Podemos jugar y estar con el desenfoque gaussiano para suavizar esto ligeramente. Y yo haré lo mismo por el tallo. Y ahora un poco de diversión. Podemos crear dos capas, recortar, enmascararlas, y establecerlas para que se multipliquen. Yo solo quiero mostrarte primero puedo bajar a las pinturas en aerosol y elegir gestos. Me encantó el cepillo flex. Los gestos crean algo como esto, que es realmente, realmente genial. Entonces quiero crear algo más pequeño, algo no transparente. Y podemos deshacernos de esto. Y aquí con nuestro color oscuro, que crea una especie de capa ruidosa, estos ideales para lo que estamos haciendo. Entonces haré lo mismo por estos yacía aquí. Y ahora el más brillante. Por lo que creo dos capas adicionales. Nos relacionamos una máscara de recorte, pero esta vez dijimos el modo de capa a pantalla. Y si escogemos uno de los colores más brillantes, puedes ir aún más brillante. Podemos empezar a pintar en el lado más claro del hongo. Como de costumbre, no queremos exagerar. Y es muy tentador ser honesto porque el uso de estos pinceles es muy satisfactorio. Podría estar desencadenando algo en nuestros cerebros. Tenemos que controlar el cepillo, no ser controlado por el cepillo. Ahora he estado sobre pintura en aerosol en la base del hongo también. Entonces puedo una vez más, Gaussiano desenfocar las pinturas en aerosol de B. No demasiado. Por lo que puedo hacer lo mismo para que el muelle es falso. Y ahora aplica algo de desenfoque gaussiano a las capas de pintura en aerosol base. Y esto es todo. Este podría ser nuestro hongo realista. Si ahora escondo el paladar y muestro el hongo mezclado corazón, se
puede ver claramente la diferencia. Obviamente puedes seguir haciendo, seguir agregando detalle y pintando un DU, contentos con el resultado que obtienes. Pero para el objetivo de esta clase, creo que este resultado es más que suficiente. En la siguiente lección de cama arriba, estaré pintando las partes restantes y completando el hongo. No voy a estar hablando del proceso como ya he explicado el proceso en esta lección. Una vez más, puedes verlo tan bajo como pd tipo gripe o incluso más rápido. Eso depende de ti.
13. Realista - parte 2: Esta es la segunda parte de la clase realista. Se trata de una versión de pintura acelerada de las partes restantes del hongo. Va el doble de rápido. Por lo que si quieres verlo y velocidad normal, puedes cambiar los ajustes de velocidad, haciendo clic en el botón de reproducción. La elección de tener este camino como lapso de tiempo es porque de lo contrario toda la clase sería extremadamente larga. Como expliqué ya fuera para acercarme y lograr una mirada realista. No voy a estar hablando del proceso para los bits restantes. Echa un vistazo a esto. Si quieres entender nuestro completo
el hongo y nos vemos en la siguiente lección donde exploramos algunas muestras realistas. Y esta es máquina realmente gruesa completada. Se puede ver que siguiendo esta técnica, los métodos anteriores, Se trata de agregar capas de color, una en la parte superior de las otras, también llamada acristalamiento en pinturas tradicionales. En la siguiente lección, vamos a hacer un vistazo general de algunas ilustraciones o pinturas realistas.
14. MUESTRas realistas: De acuerdo, Ahora vamos a echar un vistazo a algunas muestras realistas y también fotorrealistas. En algunos casos. Vamos a empezar con este cuadro aquí. Este es el resultado de un porque que publiqué llamado dolor, como un viejo maestro con Photoshop y Procreate. Se trata de un curso repleto de procreate y Photoshop tips donde
explico todo el proceso de crear algo como esto. Se puede ver que la descripción aquí es mucho mayor que las muestras anteriores. Se puede ver que la barba y todos los detalles en este curso, también
enseño a hacer un dibujo siguiendo tres técnicas principales. Aquí se puede ver un lapso de tiempo. Y y se llama la técnica de cuadrícula. Este es otro ejemplo de alguna pintura realista. En realidad se puede ver alguna textura proveniente del papel impuesto de ovario que usé. Hice esto en Photoshop. Pero una vez que aprendas un método, puedes usar cualquier software de pintura. Hice un curso sobre nuestro cabello percibido realista. Entonces si te interesa, puedes consultar mis llamadas llamadas aprende a pintar fácilmente el cabello en Photoshop. Y de nuevo, puedes verlo y luego simplemente adaptar lo que aprendes a procrear. Ahora, alguna ilustración de arquitectura, esta es una reconstrucción de un muro interno dentro del Coliseo en Roma. Obviamente hoy, si vas dentro de la vista universitaria, puedes ver algo de concreto desnudo, pero tiempo de respaldo, todo estaba pintado y decorado. Ahora algún elenco de estatuas. Se puede comparar esta ilustración y la siguiente con el capítulo anterior ensamblar y se puede ver claramente una diferencia de detalles. Para estas dos ilustraciones, me inspiré en una escultura del ANOVA de Antonio, el busto de Napoleón Canadá fue el más célebre artista neoclásico en Europa de su época, ya que era increíblemente talentoso. Se puede ver que hay algunos líderes de superficie. Y la diferencia entre pintura realista realista y
combatida está dada principalmente por la descripción de la superficie. Entonces no solo pagas en los volúmenes globales como hemos visto en la técnica anterior,
sino también, y sobre todo nosotros pagamos lo que está pasando sobre la superficie. A esto se aplica lo mismo. Si vamos realmente, muy cerca, se
puede ver que sí intenté emular la superficie de mármol. Ahora estos, esta es una misa japonesa del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. El original máscara está hecho de hierro por mi versión es encantador, más cálido y suave. Para que veas que hice un dibujo usando la codicia. Y aquí hay un lapso de tiempo rápido de este proceso. Solo pinté un lado de esta máscara es que usé la función de simetría dentro de procreate. Y ahora nos metemos en alguna ilustración naturalista. Se trata de un CT Ronnie independientemente o simplemente de una oruga para la mayoría de nosotros. Hice esta ilustración hace algunos años. Y se puede ver que sí traté de describir los detalles del esquema y la textura. También puedes ver los pasos aquí. Empecé de la cabeza y me muevo hacia abajo. Mantuve la hoja y pinté como quería que el foco estuviera solo en la oruga. Y lo mismo se aplica a esta pieza por aquí. Estas son probablemente las pinturas más fotorrealistas que he hecho. Esto no es un luchador que son 3D render. Se trata de una pintura digital fotorrealista. Y se puede ver que he logrado empujar mucho más
el realismo en comparación con las otras obras. Esta técnica consume mucho tiempo, pero si te gusta el federalismo, te puede dar mucha gratificación. También están jugando con un poco de borrosidad porque quería enfocarme para estar aquí donde hay este destello de luz.
15. PROYECTO DE CLASE: Correcto, Así que hemos completado esta clase y ahora hay un proyecto de clase donde puedes poner en práctica lo que aprendiste. El primero que queremos hacer es descargar e importante procrear la plantilla de dibujo del proyecto de cinco clases. Aquí tenemos una variedad de elementos. Por lo que la clase se trata de elegir una de las asignaturas que todos ellos, si quieres practicar, y también elegir una de las técnicas explicadas en el curso. Por ejemplo, puedes elegir esto ahora y usar la técnica de sombreado plano o el par e ir por el estilo realista. La elección es tuya. Ya sea que elijas uno de ellos o todos ellos. Siéntete libre de publicar tus obras de arte en la sesión de proyecto de clase para que pueda revisarlas. Y también pueden ser admirados y vividos por la comunidad. O si tienes Instagram, siéntete libre de etiquetarme para que pueda volver a publicarlos como me encantaría ver lo que se te ocurre. Y aquí estamos al final de esta clase, te
dejaré con un video time-lapse de la plantilla de dibujo que proporcioné. Y esto es solo por mostrarte la forma en que lo hice. Ahora es hora de que yo diga muchas gracias por unirse a la clase. Espero que lo encuentren interesante y útil y aprendan estas técnicas básicas que pueden ser una base sólida para su aprendizaje continuo. Siéntase libre de ponerse en contacto conmigo aquí en Skillshare. Asegúrate de publicar tus palabras en galería clásica. También puedes enviarme preguntas o ponerme en contacto en Instagram o Twitter. Te deseo todo lo mejor y nos vemos la próxima vez. Adiós.
16. Timelapse de plantilla de dibujo: Hola. Está bien. Hola.