Pintura botánica con marcador de pincel: flores sueltas y en capas

1. ¡Hola! : Los marcadores de pincel son una de las formas más fáciles lograr un aspecto pictórico sin mucha configuración Con solo presión, trazos, dirección y un poco de estratificación, puedes construir mucha profundidad y textura mucho más rápido de lo que cabría esperar Cuando los usas para pinturas botánicas es especialmente satisfactorio. O al menos me parece. En pocas capas, los pétalos y las hojas comienzan a sentirse llenos de luz y volumen, y el proceso en sí puede ser muy relajante. Soy Silvia Spina, soy artista diseñadora y educadora radicada en Barcelona Trabajé durante años como diseñador de patrones de superficie, y los botánicos siempre han sido una gran parte de mi práctica creativa Los he pintado en murales, trabajado con acuarelas, y he usado mis activos para crear patrones repetitivos, decorar diseños y, en general, crear gráficos para diferentes proyectos visuales En esta clase, pintaremos flores botánicas juntas, y te enseñaré cómo lograr profundidad con solo unas pocas capas y una paleta de colores limitada. Comenzaremos con ejercicios simples de calentamiento para que se sienta seguro usando la presión, dirección del trazo y la estratificación. Y también te mostraré cómo trabajo con una paleta de colores limitada para que tus ilustraciones se sientan cohesivas e intencionales Entonces empezaremos a pintar. Comenzaremos con Natalia para poner en práctica los ejercicios del marcador de pincel, la presión, la dirección del trazo y dejar espacios ligeros para el volumen. Luego pasaremos a flores más pequeñas y complejas, donde te mostraré cómo dibujar y pintar flores desde diferentes ángulos y generar confianza a través de calentamientos, pequeñas pruebas y capas suaves Entonces me verás aplicar los mismos conceptos en tres demos de pintura donde podrás ver el proceso completo y pintar a mi lado si quieres. Aunque las pinturas de esta clase pueden parecer avanzadas, esta clase es amigable para principiantes, y la he diseñado para que se sienta tranquila y práctica. Es ideal para artistas y aficionados que quieren pintar botánicos con menos presión, diseñadores que crean ensayos pintados a mano para productos digitales, patrones y composiciones y cualquiera que desee un poco de tiempo de pintura lejos de las pantallas Todo lo que necesitas para tomar esta clase son unos marcadores de pincel de diferentes tonos. Idealmente, un par de tonos claros y oscuros, un lápiz, una goma de borrar y cualquier papel que quieras Ojalá, algo bastante asequible para que puedas practicar todo lo que quieras y disposición a experimentar y divertirte. He agregado un libro para colorear imprimible con mis flores dibujadas a mano que puedes imprimir en casa y colorear con rotuladores de pincel para un poco de práctica e inspiración extra Si quieres mantenerte en contacto, asegúrate de seguirme aquí en Skillshare Me gusta conectarme con mis seguidores para anunciar nuevos sorteos, obsequios ocasionales y tutoriales Y si te gustan más recursos creativos y tutoriales, también puedes encontrarme a través de los enlaces de mi perfil, incluyendo un sitio web, canal de YouTube, Instagram, newsletter, suscripción, y todas esas cosas. Muy bien, prepara tus materiales y véalo en clase. 2. Tu proyecto: Proyectas para esta clase es crear una, dos o tantas ilustraciones botánicas como quieras usando marcadores de pincel. El objetivo de este proyecto no es crear algo perfecto, sino entender la técnica. Y quiero invitarte a trabajar desde disfrute y no solo enfocándote en los resultados. Mi objetivo es ayudarte a sentirte más seguro creando volumen y profundidad, usando solo unos pocos colores, capas y usando pinceladas expresivas A lo largo de la clase, te mostraré mis referencias botánicas directamente en pantalla. No voy a proporcionar referencias descargables, ya que muchas de estas están corporativas Pero cualquier flor que te inspire es más que bienvenida. Para esta clase, te recomiendo trabajar en un cuaderno de bocetos o sketchpad que no te importe usar gratis Es mucho mejor usar más papel que menos. Una vez que te sientas cómodo con la técnica y hayas practicado los ejercicios, siempre podrás pasar a un mejor papel para tus piezas finales. Tu proyecto final, me encantaría ver fotos de tus ejercicios de pincel junto con una o más ilustraciones florales terminadas. Si usaste una paleta de colores específica y quieres mostrarme cómo la diseñaste, también puedes subir esa página. Además, si hiciste algún boceto a lápiz para explorar formas o posiciones de flores, siéntete libre de incluir esos dos Disfruto mucho viendo todas las partes del proceso. Como bono para esta clase, he incluido tres demos de pintura donde simplemente grabo el proceso de pintar diferentes flores sin explicar cada paso. Estos están pensados para que observes cómo aplico los conceptos de esta clase de una manera más intuitiva, en tiempo real. Si hay una flor específica que te encantaría ver pintada en el futuro, no dudes en dejar un comentario. Me encantaría grabar más demos y posiblemente agregarlas a la clase. Encontrarás un libro de trabajo descargable en la sección de proyectos y recursos con algunas páginas para colorear y fotografías que he tomado yo mismo En general, esta clase está diseñada para sentirse tranquilo, accesible y relajante La configuración es intencionalmente simple, por lo que puede concentrarse en generar confianza y disfrutar del proceso. Una vez que termines tu proyecto, por favor súbelo a la galería de proyectos de esta clase ya que no puedo esperar a ver lo que creas. En la siguiente lección, te voy a mostrar las herramientas que necesitarás para esta clase. 3. Herramientas y materiales: Ahora, hablemos de los materiales que necesitarás para esta clase. Empecemos por el tipo de papel que necesitarás. De veras quiero que puedas usar lo que tengas en casa. El papel blanco para impresora está absolutamente bien. Y si tienes un cuaderno de bocetos que te guste, úsalo también. He usado papel acuarela de prensa fría en el pasado, y me ha funcionado bien. Pero para esta clase, en realidad voy a pintar en este cuaderno de bocetos de papel reciclado Si ya me conoces, sabes lo mucho me encanta usar herramientas asequibles, sobre todo a la hora de aprender una nueva técnica. Entonces, al usar este bloc de dibujo de papel reciclado, no me importará usar tantas páginas como necesite para estudios de color, paletas de colores y ejercicios de marcadores de pincel Aunque creo que muchos papeles pueden funcionar con esta técnica, hay algo que quiero compartir con ustedes. Mientras grababa una de las demos, me di cuenta de algo importante. Algunos papeles funcionan mejor con marcadores de pincel que otros. Cuando le agregué esta línea marrón oscuro a esta pequeña flor, la tinta empezó a sangrar en los colores más claros que estaban junto a ella, lo cual era muy molesto. Eso pasó porque ya había aplicado dos o tres capas debajo, así que esa zona estaba un poco húmeda y la tinta más oscura se difuminó y se extendió Así que aquí tienes una prueba rápida que puedes hacer antes de comprometerte a pintar una pieza completa. Diferentes papeles tienen diferentes fibras, y absorben el pigmento de diferentes maneras. Pinta dos bloques de color, uno horizontal y otro vertical, para que puedas crear un pequeño cuadrado en el medio donde las capas se superponen. Esa zona central será más opaca y un poco más húmeda. Después toma un marcador más oscuro y dibuja una línea diagonal a través de él. Puedes hacer esto a través de tres o cuatro tipos de papeles que encuentres en casa. Aquí estoy usando papel de acuarela, papel de imprenta regular , papel reciclado, y este cuarto, que es parte de un cuaderno de bocetos tenía donde pinté mi flor Los colores que estoy usando aquí son muy contrastantes. Normalmente no pintarías así, pero es una gran prueba para ver cómo se comporta tu papel En este primer papel, la línea oscura parece bastante limpia. Este segundo se llama papel acuarela de prensa, y también sostiene bien la tinta. Este tercero es papel de impresora normal, y sorprendentemente, el color está mayormente contenido. Y en esta cuarta muestra donde el papel está más húmedo, la tinta oscura comienza a sangrar bastante en las zonas claras No lo pienses demasiado. Esto es solo una prueba rápida para que elijas el papel que se siente más fácil de controlar. Ahora hablemos de marcadores. no voy a mencionar colores específicos Todavía no voy a mencionar colores específicos porque lo haremos en la siguiente lección. Pero en general, cualquier rotulador de pincel o rotulador de rotulación puede funcionar muy bien Lo principal a buscar es una punta suave y flexible, una que te permita crear marcas más gruesas cuando aplicas más presión y líneas finas cuando aplicas menos presión. Algunos marcadores tienen una punta más dura, e incluso si presionas, realmente no puedes obtener líneas gruesas. Se puede lograr alguna variedad, pero para esta clase, queremos marcadores que puedan comportarse como un pincel. Entonces, siempre y cuando tus marcadores tengan una punta de pincel suave, estás listo para ir. La marca no importa. Dicho esto, hay algunas marcas que son mejores que otras. Por ejemplo, estos son marcadores de tumbo. Los usé mucho cuando trabajaba como diseñador de patrones de superficie en Londres, y todavía me quedan muchos colores. No son los más baratos, pero son muy duraderos. También vienen con una punta doble, una punta de cepillo más gruesa en un extremo y una punta fina en el otro. La punta del cepillo es ideal para cubrir áreas más grandes, y la punta fina se puede usar para detalles, aunque personalmente no la uso tan a menudo. Este de aquí es un castillo faber. La punta se ve delgada, pero es muy suave. Entonces, si presiono, puedo crear trazos más gruesos o usar un toque ligero para líneas finas. Muchos rotuladores de pincel son así, así que si ya tienes alguno en casa, creo que funcionarán maravillosamente Y esta es una marca de Colombia llamada Pelican. Aunque sean realmente buenos, tengo que decir que no son tan duraderos como un tumbo, pero aún así los amo. Una vez más, dependiendo de la cantidad de presión puedo lograr líneas gruesas o delgadas. También necesitarás un lápiz para tus bocetos iniciales. Recomiendo usar un lápiz suave. He aquí por qué. Un lápiz más duro como este H se mantiene muy ligero, así que terminas presionando más fuerte para verlo, y eso puede abollar el papel. Un lápiz más suave como HB o dos B te da líneas más oscuras con menos presión, por lo que es más fácil de dibujar y más fácil de borrar más tarde. HB o a B es perfecto. Cualquier cosa más suave que eso también está bien, pero si vas muy suave como cuatro B y superiores, puede comenzar a manchar el papel. Entonces HB o dos B es un gran punto dulce. También querrás una goma de borrar limpia. El mío está un poco sucio porque lleva años acostado en mi estuche, pero funciona muy bien. Uno es un Stetler. Algunas gomas de borrar son honestamente terribles. Se engreían, dejan atrás el color, y apenas borran en absoluto Entonces un consejo rápido, prueba tu borrador antes de comenzar. Un sacapuntas también es útil. En la siguiente lección, vamos a hablar sobre paletas de colores y el tipo de tonos que querrás para esta clase, que puedas elegir tus colores con confianza 4. Búsqueda de inspiración: En esta lección, te voy a mostrar mis dos o tres fuentes principales de inspiración a la hora de pintar obras de arte botánico. Voy a empezar por el más accesible, y es la naturaleza. La naturaleza está en todas partes. Puedes salir en prácticamente cualquier época del año. Y cuando veas una flor o cualquier planta que capte tu atención, recuerda sacar tu teléfono y tomar una fotografía. A lo largo de los años, he estado construyendo para mí una carpeta en la galería de la cámara de mi teléfono. Guardo fotografías de flores, hojas, libras. Algunas de estas fotografías han sido tomadas en jardines botánicos. Este es un día que fuimos a visitar un hermoso jardín botánico mientras viajábamos. Sin embargo, no he actualizado esa carpeta en años. Entonces a veces solo busco la palabra flores, y luego mi iPad o teléfono reúne todas las fotografías y obras de arte que contienen flores Actualmente, tengo más de 1,300 fotos florales en mi galería, lo cual es bastante divertido Probablemente también hay algunas pinturas ahí. Tengo prisa, por lo general solo tomo una fotografía y luego me voy. Pero cuando tengo un poco de tiempo, esto suele ser lo que me gusta hacer. Empiezo tomando una fotografía más frontal donde puedo ver claramente todos los detalles, el centro de la flor, la forma de los pétalos, y cómo se estructura todo. Si veo otra flor frontal, también me gusta fotografiarla para que tenga un poco más de variedad. Entonces me gusta tomar algunas fotos más de la misma planta desde diferentes ángulos. Especialmente interesado en ver cómo se ve la flor en diferentes posiciones, algunas mirando hacia adelante, otras de lado, y también algunos capullos florales, si los hay. Tener esa variedad me da mucha más información para trabajar más tarde. Por ejemplo, tomé estas fotografías de rosas en Londres porque las encontré tan hermosas. Fotografié el capullo la flor completamente abierta, la flor por un lado, y también las hojas Incluso tomé algunas tomas de la misma rosa desde diferentes ángulos. De esa manera, si alguna vez quiero pintar o diseñar algo con estas rosas, ya tengo referencias que muestran cómo se ve la planta desde múltiples perspectivas. Esto es básicamente lo que hago cuando recojo inspiración. Simplemente toma tu teléfono, y cada vez que veas una flor que te guste, toma algunas fotos desde diferentes direcciones, guárdalas juntas en una carpeta, y con el tiempo, construirás una biblioteca de referencias realmente hermosa. Y muchas veces también traerán de vuelta algunos recuerdos de donde los llevaste. Bien, voy a dejar mi iPad a un lado y pasar a mi segunda fuente de inspiración favorita , que son los libros. Al preparar esta clase, en realidad me di cuenta de cuántos libros tengo. Creo que mientras vivía en Londres, trabajaba mucho en la industria del diseño de patrones de superficie, y me volví bastante adicto a comprar libros florales Una vez me obsequié con este hermoso conjunto de postales comisariadas e ilustradas por Katie Scott y Kathy Willis, y solía decorar mi estudio con estas postales y a veces utilizarlas como inspiración postales comisariadas e ilustradas por Katie Scott y Kathy Willis, y solía decorar mi estudio con estas postales y a veces utilizarlas como inspiración a la hora de representar ciertas flores Y luego tengo todos estos libros. Recogí bastantes de ellos mientras vivía en Londres, y me encanta volver a ellos en busca de inspiración. La mayoría de estas ilustraciones se hicieron antes de que la fotografía fuera realmente una cosa. Entonces artistas y botánicos estaban literalmente sentados con las plantas, observándolas cuidadosamente, y luego pintándolas Lo que realmente me parece interesante es que estos dibujos no estaban destinados a ser decorativos en la forma en que pensamos hoy en día la ilustración del COVI Eran una forma de estudiar y entender las plantas. Incluso con ese propósito, todavía se sienten realmente expresivos y hermosos. Cuando uso libros como este, no estoy tratando de copiar una planta exactamente. Me interesa más mirar las formas, la forma en que se componen las cosas en la página y cómo se usa el color. Se trata más de dejar que estas referencias informen mi ojo en lugar de sentir que quiero reproducir exactamente lo que veo. En realidad, cuando busco inspiración, prefiero centrarme en las placas más pequeñas o ilustraciones en miniatura Ver la obra de arte a menor escala me ayuda a dar un paso atrás y simplemente asimilar la composición general y las formas principales sin quedar demasiado atrapada en los pequeños detalles. También me facilita no copiar las cosas exactamente como están representadas. En cambio, puedo absorber la estructura y la sensación de la ilustración, la composición y los colores, y luego traducirlo a mi propio estilo de una manera mucho más natural. Y claro, Internet también es un gran lugar para buscar inspiración, sobre todo para plantas que no tengo en mi propia fototeca ni en mis libros. A menudo uso sitios como Pinterest o Pexels para encontrar rápidamente referencias, y he reunido un pequeño tablero de inspiración que puedes descargar y usar como punto de partida para esta clase si quieres 5. Definición de una paleta de colores: Bien, ahora hablemos de los tonos. Para crear sombras en tus flores, es muy importante tener unos tonos del mismo Entonces algunas más claras y otras más oscuras. Muchos de estos paquetes vienen con colores muy saturados y fuertes, pero es clave tener una variedad entre un tono muy claro y un tono más oscuro del mismo color. Entonces, por ejemplo, voy a agarrar este color menta, este verde claro, y aplicando algo de presión en la punta, pinte esta zona. Entonces ese sería el color claro, el tono claro, y luego voy a agarrar este verde, y este sería el color que usaría para comenzar a darle volumen y sombras a mis elementos botánicos. El color en realidad es bastante contrastante, así que voy a probar otro verde, que también es oscuro, pero podría ser un poco más claro. Creo que prefiero este. Entonces, por ejemplo, si vas a estar dibujando una hoja, usas el color más claro para la base, y luego usas un tono más oscuro para crear algunas sombras y volumen en la parte superior. Ahora pasemos a hablar de la paleta de colores. No necesitas 1 millón de colores para este vaso. Si tienes dos o tres colores para tus flores y uno para tus hojas, entonces estarás bien para ir. En mi caso, quiero tener que entregar un amarillo claro, un rosa claro, y un azul claro para mis flores, y voy a usar este color menta para mis hojas. Para seleccionar los tonos más oscuros, voy a usar una nueva página y mostrarte un buen ejercicio que puedes hacer para comenzar a probar si te gustan las combinaciones de colores. Voy a empezar creando cuatro rectángulos usando los cuatro colores claros que quiero usar para esta clase Como puedes ver, es muy fácil cubrir grandes áreas cuando aplicas presión a la punta de este tipo de rotuladores de pincel. En casa, puedes comenzar seleccionando cuatro colores claros y cuatro tonos más oscuros del mismo color. Entonces voy a empezar con el amarillo, probando éste. Está un poco más saturado, pero no es lo suficientemente oscuro como para crear sombreados o volumen. Entonces voy a seguir adelante y probar este ocre superponiendo una línea encima del rectángulo Este color, a pesar de ser bastante oscuro, funcionará mucho mejor para saludar a los sombreados y También tengo este tono melocotón, que también se ve bien cuando lo pongo en capa al amarillo. Creo que cualquiera de estos dos colores podría funcionar muy bien para el sombreado, y los voy a poner aquí mismo y pasar a probar el rosa Voy a ver como el color melocotón se superpone con este rosa No creo que sea lo suficientemente contrastante, y cambia el tono del rosa. Entonces voy a descartarlo. Aquí tengo este otro rosa más oscuro, que creo que podría funcionar muy bien. Y también agarré este rojo más oscuro de mi tumbo pack, pero siento que este es demasiado oscuro, es un poco frío, y crea demasiado contraste También tengo este naranja oscuro, que es un poco más cálido, no tan frío como este rojo, y creo que funciona muy bien con el resto del tono. Así que guárdala también. Pasando al azul, tengo este tono oscuro, desaturado, que es muy bonito, o tengo este azul más saturado y brillante También es muy agradable, pero para mi gusto, hoy está un poco saturado, y me estoy inclinando más hacia los colores desaturados Entonces voy a usar el primer azul. Bien, por último, me voy a mudar al green y ver qué tengo. Este verde es bonito, pero siento que una vez más está un poco demasiado oscuro. Entonces voy a probar este otro y ver si me gusta. También es muy oscuro, pero siento que tiene algo de calidez que podría combinar muy bien con el resto de los tonos. Entonces voy a seleccionar este segundo sin pensarlo demasiado Bien, ahora, finalmente, aquí en la parte inferior de mi página, voy a crear cuatro muestras usando los colores más claros y poner las más oscuras a continuación. A la hora de elegir colores, realmente te animo a que sigas tu intuición. no hay combinaciones correctas o incorrectas Aquí no hay combinaciones correctas o incorrectas y no hay necesidad de pensarlo demasiado Tómate un momento para mirar tus marcadores y lápices y notar qué colores te atraen naturalmente. Qué tonos te llaman la atención primero. Qué combinaciones se sienten agradables o emocionantes de probar. Confía en esa respuesta, ya es parte de tu lenguaje visual. Lo único que recomiendo es tener al menos un tono más claro y un tono más oscuro para cada color que elijas. Esto le dará suficiente rango a una profundidad, estratificación y contraste sin necesidad de muchos materiales Y recuerda que nada está arreglado. Si a mitad de la clase, te das cuenta de que un color no se siente bien, siempre puedes cambiarlo por otro Esta flexibilidad es parte del proceso. Al hacer estas pequeñas elecciones intuitivas y permitirte cambiar de opinión, no solo estás aprendiendo la técnica también estás desarrollando lentamente tu propio estilo. En la siguiente lección, vamos a empezar a hacer algunos ejercicios que empieces a acostumbrarte a la técnica de sombreado y dar volumen 6. Calentamiento: presión, velocidad y capas: Antes de comenzar a pintar flores, vamos a hacer algunos ejercicios rápidos para ponernos cómodos con los marcadores de pincel. Piense en estos ejercicios como un calentamiento relajante. Explorarás la presión, la velocidad y la estratificación. Vamos a comenzar con algunos ejercicios simples para ayudarte a familiarizarte con cómo funcionan los marcadores de pincel. Primero, veamos cómo sostener el pincel. Para crear marcas más gruesas, intente sujetar el marcador un poco más lejos de la punta y aplicar una presión suave. Por lo general aplicar presión apoyando mi mano sobre la mesa y presionando ligeramente hacia abajo. Esto ayuda a liberar la tensión de mis dedos y codo y me da mucho más control. En lugar de dibujar una línea gruesa de principio a fin, prueba esto. Aplique presión al comienzo de la carrera y luego levante la pluma a medida que avanza. Esto crea una variación natural en el grosor. Voy a cambiar de color ahora solo para mantener las cosas juguetonas y repetir el mismo ejercicio. Esta vez, comenzando desde abajo y moviéndose hacia arriba, nuevamente, aplique presión al inicio del trazo y luego levante la pluma a medida que se mueve hacia arriba. Es muy importante que tu mano permanezca apoyada sobre la mesa mientras haces esto. No estoy dibujando con la mano en el aire porque eso haría que fuera mucho más difícil controlar el pincel. Apoya la mano sobre el papel, aplique presión y luego levante a medida que se mueve. Para la siguiente fila, comenzaremos a agregar algunas curvas. Intente realizar trazos de curva en una dirección y luego cambie de dirección. El principio sigue siendo el mismo. Presión al principio, levante el cepillo a medida que avanza. Puedes repetir este ejercicio comenzando desde abajo y moviéndote hacia arriba también. No necesitas muchos golpes. Hasta tres o cuatro a la vez es suficiente. Todo bien. Ahora pasemos a la estratificación. Voy a introducir un segundo color y repetir el mismo tipo de trazos. Pero esta vez, variaré un poco más la dirección y grosor. Algunos trazos pueden ser más anchos, otros más delgados. Con este color más oscuro, trata de no cubrir completamente la primera capa. Deja que el color inicial se vea a través. Es así como empezamos a crear sombreado y volumen, sobre todo a la hora de pintar pétalos y hojas Para un tercer color, puedes mezclar direcciones aún más. Así que trazos de arriba a abajo, otros de abajo hacia arriba y mantenerlos un poco más ligeros. Para el último set, intenta aplicar menos presión en general. Aún así comienza el trazo más grueso y levanta el bate de pluma suavemente. Este ejercicio se trata realmente de probar cuánta presión y ver cómo interactúan las diferentes capas. Ya puedes ver cuánto volumen puedes crear usando solo dos colores. Aguanta. Ahora probemos algo ligeramente diferente. Esta vez, sostenga el marcador más cerca de la punta. Nuevamente, apoye la mano sobre la mesa para mantenerla relajada. En lugar de usar presión, concéntrese más en la velocidad. Trazos rápidos de luz para crear líneas más delgadas y textura sutil. Puedes experimentar con diferentes colores aquí o incluso introducir un tercer color como este naranja. El objetivo es simplemente explorar cómo diferentes agarres, presiones y velocidades afectan tus marcas. Observa lo diferente que se siente cuando sostienes el bolígrafo más cerca de la punta versus más atrás y cómo eso cambia la textura y el tono que creas. Antes de seguir adelante, recuerda que puedes practicar estos ejercicios tanto como quieras. No hay límite, y honestamente, esta es una de esas cosas que se vuelve fácil y más capaz que más lo repites. Personalmente me encanta hacer este tipo de calentamiento. Intento estar presente mientras lo hago, sintiendo la textura del papel, escuchando el sonido de las pinceladas y notando cómo se comporta el marcador cuando cambio la presión o la velocidad Es una práctica muy sencilla, pero puede ser sorprendentemente relajante. Y también es un gran lugar para probar colores. Incluso si dos marcadores se ven similares en la caja, pueden sentirse completamente diferentes en el papel. Entonces estas pequeñas muestras te enseñan mucho muy rápido. En la siguiente lección, tomaremos todo lo que hemos practicado aquí y lo aplicaremos directamente a los pétalos y hojas para que puedas comenzar a usar estos trazos de una manera más botánica. 7. Práctica: pintura de pétalos y hojas.mp4: La práctica de Et pintando algunos pétalos y hojas. Vamos a empezar dibujando algunas cosas para usar como guías Voy a dibujar una gota invertida ovalada o esto ya podría ser un pétalo. Y para el tercero, sólo vamos a estar usando una línea como guía. Para las hojas, dibujemos una hoja larga. Y entonces tal vez tres líneas que se unen a continuación. Y entonces podemos dibujar un tallo en la parte inferior. Recuerda que esto es un ejercicio. No tiene que ser perfecto y no hay bien o mal. Para el primer pétalo, básicamente vamos a repetir este ejercicio pero quedarnos dentro de este óvalo. Entonces voy a comenzar aplicando presión a mi marcador y luego levantando el marcador a medida que baje. No importa si sobrepasas la marca del lápiz, y luego subes Para el segundo, voy a empezar por aplicar presión al principio. Intenta variar la presión y mantente dentro de las marcas de lápiz. Y luego desde abajo, solo dibuja algunas líneas que van a la cima. Y entonces para ésta, sólo voy a estar tomando esto como referencia. Entonces voy a tratar de emular lo que hice aquí, pero sin marcas de lápiz Antes de hacer el sombreado, voy a borrar esta primera marca Entonces esto es para mostrarles que aunque haya usado un lápiz suave para esto, todavía puedo borrarlo una vez que haya pintado con mis rotuladores de pincel. Y ahora voy a usar el segundo color refinar la forma del pétalo. Voy a empezar desde arriba. No voy a cubrir la capa de abajo, sino aplicar algunos sombreados en la parte superior y en la parte inferior y definir la forma del pétalo Yo voy a hacer lo mismo con éste. Voy a empezar por borrar la marca de lápiz y empezar a usar el color de contraste para agregar algunos matices Este color tiene mucho más contraste y podría ponerte más nervioso. Pero esto es solo un ejercicio de práctica, y es bueno comenzar a probar cómo se ven las cosas. Por lo general, cuando los colores son más oscuros, tiendo a usarlos un poco menos, y también soy un poco más cuidadosa a la hora de aplicar la segunda capa. También puedes empezar a jugar con diferentes texturas para suavizar las transiciones de un color a otro No hago esto muy a menudo, lo de los puntos, pero es agradable intentarlo. Y ahora para esta tercera, voy a empezar a hacer lo mismo. Antes de pasar a las hojas, solo quiero mostrarte cómo puedes usar el lápiz para comenzar también a agregar algunos matices a tus elementos botánicos Al usar colores claros y mis flores, a veces uso el lápiz para dar algunos matices. Si tienes curiosidad más adelante, puedes probarlos también. Y si lo haces en voz baja, lo mejor es que si no te gusta, solo puedes borrarlo Bien, pasemos a las hojas. Esta hoja, vamos a usar algunos trazos más delgados y más largos que irán desde la parte superior de la hoja hasta el fondo. Y los voy a hacer más delgados en la parte superior e inferior y tratar de espesar la línea hacia la mitad de la hoja Puedes ver que con estos ejercicios con pincel, no solo estamos practicando cómo usar el pincel, sino también cómo empezar a lograr volumen. Empiezas delgado aplicando menos presión y hacia el medio, comienzas a aplicar más presión. Pasemos a la segunda hoja. En este caso, vamos a empezar de lado y pasar al centro usando curvas. Aplicando poca presión al principio y engrosando el pincel a medida que me muevo hacia el centro y luego repito el mismo ejercicio en el otro lado. Ahora, siempre encuentro un lado más duro que el otro por alguna razón. Creo que es por la posición de mi mano. Me verás rotando mi papel cuando pinte mis plantas. Con estos marcadores de pincel, puedes comenzar a crear un poco de sombreado dando segundas capas Se puede ver que cuando superpongo estos nuevos trazos, al instante estoy creando algo de volumen oscureciendo algunas de las áreas de la hoja Bien, pasemos a practicar cómo agregar volumen usando un tono más oscuro. Vamos a hacer algo parecido a los pétalos, pero usando el pincel en diferentes direcciones, siguiendo lo que ya hemos hecho en la primera capa. Entonces para esta primera hoja, voy a empezar a moverme desde abajo, subir, aplicando muy poca presión al principio, y luego tratando de levantar mi pluma a medida que subo. haré un lado de la hoja Primero haré un lado de la hoja y luego me muevo al otro lado. Es muy importante no cubrir completamente la primera capa. Intenta variar la forma en que usas tu rotulador de pincel con cada hoja. Usa más velocidad, menos presión. Levanta tu pluma. Se pueden oscurecer algunas hojas más que otras. Para el segundo, voy a empezar por el centro. Apliqué muy poca presión en esa vena central y agarrando mi marcador de pincel más cerca la punta porque quiero tener más control Entonces estoy aplicando presión en mi mano hacia la mesa para que mis dedos puedan manejar el pincel de una manera más controlada. Para agregar algo de interés visual y lograr aún más volumen, se pueden oscurecer algunas áreas de la hoja más que otras Y por último, vamos a estar usando estas líneas como guías. Voy a redibujar esta segunda para verla mejor e imaginar que era una vena central de mi hoja Me gusta mucho hacer estos ejercicios sin dibujar todo con un lápiz primero porque eso te dará confianza para pintar realmente con tu pincel en lugar de colorear siempre formas pre dibujadas. Como estas hojas son bastante largas, voy a volver al sombreado desde arriba y por abajo y no desde los lados Y por último, voy a practicar el dibujo de este tallo. Con estas líneas más largas, tendrás que practicar usando tu muñeca y todo tu brazo para poder dibujarlos de una sola vez. Voy a borrar las marcas de lápiz. Sé que esto es un ejercicio, por lo que no es necesario hacerlo. Pero a veces me gusta escanear estos pétalos y hojas y manipularlos digitalmente para crear composiciones ya sea en Procrit o Tómate tu tiempo con estos ejercicios ya que realmente te ayudarán a entender cómo usar tus marcadores de pincel. Y una vez que te sientas seguro, encuéntrame en la siguiente lección donde vamos a empezar a bosquejar la composición sobre la primera flor 8. Dalia: boceto de la composición: Para esta primera flor, voy a usar uno de mis hermosos libros, y sin pensarlo demasiado, voy a elegir una de estas flores para pintar En términos de simplicidad y composición, siento que esta podría ser una buena opción porque es sólo una flor. Este de aquí también me está captando la atención. Voy a seguir adelante con esta referencia. Es una flor grande, y luego tiene algunas hojas en diferentes posiciones. Este rectángulo tiene una relación un poco diferente a esta página mía, pero no importa. Va a comenzar dibujando algunas líneas, dejando una distancia similar en cada uno de los lados. También puedo agregar algunos en estos rincones, y esto me ayudará a respetar este borde y crear una composición más equilibrada. Bien, ahora voy a empezar a crear algunas formas básicas para determinar el tamaño de cada uno de mis elementos, empezando por dibujar un círculo para la flor amarilla. Por el momento, estoy dibujando súper suavemente en mi papel para evitar dejar marcas porque solo estoy trabajando en dónde estarán mis elementos Entonces hay una gran flor aquí arriba. Después hay un tallo que viene como una curva. Hay un segundo tallo porque uno de estos tallos va detrás de la flor, pero aquí no voy a tener mucho espacio para poner esta flor. Pero debido a la proporción del papel que estoy usando, tengo menos espacio ahí dentro. Es importante no obsesionarse demasiado con copiar la composición, sino usarla como guía para colocar los elementos principales Puedo ver que aquí hay una hoja grande, así que la voy a colocar en mi papel, y luego está esta otra rama que viene al otro lado con unas hojas más pequeñas que salen de este tallo principal. Y luego hay otro tallo aquí, así que voy a hacer esto mucho más pequeño y tener menos hojas. Entonces como pueden ver, ya estoy cambiando mucho, el tamaño de cada elemento y adaptando todo a mi papel. Esta composición es buena tal como es, pero quería probar cosas diferentes y terminé complicándola un poco demasiado Puedes mantenerlo tan simple como quieras, pero como es tu composición, entonces puedes probar las cosas tanto como quieras. Voy a colocar el resto del video a mayor velocidad para que veas la transición de una composición a otra. Básicamente estaba tratando de encajar en el lecho de flores, que al final ni siquiera pinté. Pero esto es parte del proceso creativo, y por eso es bueno comenzar colocando primero tus elementos con el lápiz antes de pasar a los marcadores de pincel. Bien, ahora voy a mostrarte cómo desarrollo la flor. Entonces empiezo dibujando un círculo más grande, que ya tengo, y luego coloco el centro de la flor, que en este caso, está en medio del círculo exterior Y luego dibujo algunas marcas usando estas líneas curvas que me ayudarán a colocar cada uno de los pétalos Entonces usaré mis rotuladores de pincel para completarlos. Entiendo que esto requiere un poco más de práctica y confianza. Entonces, si te sientes mejor, puedes dibujar todo el pétalo. En la siguiente lección, vamos a empezar a pintar nuestra flor. 9. Dalia: pintar la capa de color base: No tengo un dibujo muy detallado debajo, y lo estoy haciendo a propósito. Me gusta mantener el boceto bastante suelto porque me da más libertad para ajustar formas mientras trabajo con los marcadores de pincel. Voy a comenzar con la flor, y antes de pintar, voy a introducir algunos tonos amarillos diferentes en mi paleta. Esto me da más variedad entre el centro y los pétalos. Los pétalos permanecerán más amarillos y el centro se inclinará un poco más hacia el tono ocre Tener esta pequeña gama de colores preparada de manera avanzada realmente puede ayudar a la hora de tomar decisiones a medida que desarrolla sus pinturas. Empezaré pintando los pétalos. Al igual que practicamos en la lección de ejercicios, estoy comenzando desde el borde exterior del pétalo y luego levantando mi pluma mientras me muevo hacia adentro Todavía puedes ver algunas de mis líneas de lápiz aquí. Entonces antes de continuar con el resto de la flor, voy a limpiarlas suavemente. Apenas me gusta ver el boceto debajo. Me da suficiente estructura para seguir, pero también deja espacio para que los marcadores de pincel hagan lo suyo. Estoy manteniendo la foto de referencia bastante pequeña a propósito. No quiero que te concentres en copiar la flor exactamente como aparece. En cambio, quiero que la tengas como guía suelta, principalmente por la forma y el color generales. Mientras pinto, fíjate como estoy dejando pequeños espacios en blanco entre mis trazos. Esto es realmente importante. Esas áreas blancas crean luz y volumen, y una vez que están cubiertas, es casi imposible traerlas de vuelta. Así que siempre es mejor ser un poco conservador en esta primera capa. También estoy haciendo los pétalos un poco más apuntando que la referencia. Este es uno de esos momentos en los que puedes empezar a hacer la harina tuya, ajustando las formas de una manera que te sienta natural. Ahora voy a pasar al centro de la harina. Estoy tocando el papel con el marcador en lugar de usar trazos largos, lo que ayuda a sugerir textura y volumen. Estoy cambiando a un tono de tono para que haya un claro contraste entre los pétalos y el centro. De nuevo, estoy dejando mucho espacio en blanco aquí. En la segunda capa, voy a decidir cuánto más oscuro quiero ir. Pero por ahora, prefiero quedarme las cosas tarde. Siempre es más fácil añadir un poco más de profundidad después que quitarla. Eso es todo para la primera capa de la harina. A continuación, pasaré a construir el color base para las hojas y el tallo, manteniendo todo suave y flexible en esta etapa. Como ya hicimos los ejercicios de rotulador de pincel antes en esta clase, espero que empieces a sentirte más seguro a la hora de pintar las diferentes partes de esta dalia Recuerda, esta primera capa es solo una base. No necesita ser perfecto. Recuerda rotar tu papel si te resulta difícil crear estas curvas. Como dije, siempre encuentro pintar uno de los lados de las hojas más fácil que el otro por alguna razón. Notarás que tampoco estoy siguiendo el dibujo a lápiz exactamente como lo dibujé primero Realmente solo lo estoy usando como una referencia suelta. Esto me da la libertad de ajustar las formas a medida que avanzo y responder al marcador de pincel en lugar de intentar controlarlo demasiado. Si en algún momento sientes que estás luchando, no dudes en hacer una pausa y pasar a otra página. Siempre puedes crear algunos ejercicios extra, por ejemplo, llenando una página solo con hojas y otra con pétalos de diferentes formas. Este tipo de repetición es increíblemente útil y quita mucha presión al sorteo final. Otra opción es seguir adelante y terminar la harina en la que estás trabajando ahora, confiando en que la segunda capa te dará la oportunidad de refinar las formas, agregar profundidad y mejorar lo que ya está ahí La capa base no necesita ser perfecta. Es sólo un punto de partida. Y si al final, no te encanta el resultado, eso está completamente bien. Lo que realmente importa es que hayas practicado. Has terminado la pieza, y has pasado tiempo conociendo cómo se comportan estos marcadores de pincel. Cada página que completes te ayuda a encontrar confianza y mejorar en general. Por último, voy a pasar a pintar el tallo. Es curioso cómo terminé cambiando toda la composición para encajar en un capullo que al final no voy a estar pintando. Pero ¿sabes qué? Así es. Lo mejor de pintar para practicar o para divertirnos es que lleguemos a elegir estas cosas. Así que elige lo que te parezca correcto. En la siguiente lección, vamos a desarrollar el volumen y el contraste agregando una segunda capa con colores más oscuros. 10. Dalia: añadir volumen y profundidad: Acabo de darme cuenta de que no presioné grabar al hacer la segunda capa para mi flor, lo cual es muy molesto. Pero voy a guiarte a través de lo hice para que puedas alcanzarme. Básicamente oscurecí un poco el centro usando el amarillo inicial porque aquí había dejado demasiadas áreas blancas Así que sólo oscurecí esa zona. Siempre asegurándose de dejar algunas líneas blancas entre los pétalos porque esa luz realmente da mucho volumen. Después desarrollé el centro usando el tono ocre. Analicé un poco la referencia, observando el centro, por ejemplo, que tiene un área más oscura hacia el centro, y luego tiene un anillo de manchas más oscuras hacia la parte exterior del círculo. Entonces recién comencé a tocar estas áreas, teniendo cuidado con la cantidad de presión que aplico sobre mi pincel. Bien, voy a agarrar otra página para mostrarte exactamente lo que hice con los pétalos. Entonces tenía la base en este color amarillo. Y luego usé este color melocotón que había probado aquí porque me di cuenta que al sombrear solo con el ocre, la harina se habría vuelto demasiado oscura. Entonces, superponiendo otro color claro, puedo lograr sombreados mucho más suaves Como te mostré al hacer los ejercicios, empecé de arriba a abajo y luego hice algunas líneas de abajo hacia arriba. Y por último, utilizo el color ocre para dibujar algunas líneas muy, muy finas Si quieres, puedes practicar este pétalo antes de pintar tu flor. Esta es una de las razones por las que me encanta este bloc de bocetos muy asequible porque no me importa usar varias páginas para practicar a la hora de aprender una nueva técnica Entonces ahora voy a volver a la flor y terminar aplicar esta tercera capa con el color ocre Mira que solo estoy usando este color para agregar unas pequeñas líneas en el centro, en los lados del pétalo, y en el extremo del pétalo, líneas muy finas. Y ahora, voy a empezar a desarrollar las partes verdes de mi planta. Al mirar la referencia, veo que solo hay unas pocas áreas más oscuras y tienden a ir hacia el centro de las hojas. Algunos tallos son más oscuros que otros, y eso realmente le da mucho volumen a la planta. Pero en general, las hojas son muy suaves y no tienen mucho contraste. Entonces con eso en mente, voy a seguir adelante y tratar de interpretar esas cosas a mi manera. Voy a estar desarrollando esta segunda capa muy, muy suavemente Muy suavemente. En lugar de líneas gruesas, voy a estar usando unas muy delgadas, agarrando el marcador de pincel más cerca de la punta, poniendo presión mi mano sobre la mesa para que pueda desarrollar este tipo de movimiento de velocidad Entonces no estoy presionando a la pluma, sino solo liberando mis dedos para hacer este tipo de gesto con la mano Voy a dejar aquí la foto de referencia por si quieres verla también. Entonces voy a oscurecer esa parte de la hoja un poco más que la otra Me verás desarrollando las áreas más oscuras a veces desde el centro, pero a veces voy a estar dibujando más desde los lados hacia el centro. Y si te sientes incómodo, simplemente gira tu papel. Bien, eso es suficiente para esta hoja. Va a oscurecer la zona que va detrás la flor así que eso me permitirá crear algo de volumen ahí, y luego tal vez decidir cuál de estos tallos va a ir arriba Me parece que desarrollar las hojas un poco más duro que los pétalos, y no sé por qué, pero siempre hay una dirección que se siente más fácil. Así que subir me resulta un poco más difícil que bajar. A veces sí subo, pero el gesto de bajar se siente más natural. Y por eso roto tanto mi papel. En este caso, por ejemplo, si estuviera desarrollando las sombras de las hojas, comenzando desde la vena central hacia afuera, esta rotación del papel se sentiría cómoda. Pero en este caso, por ejemplo, que quiero estar desarrollando las sombras, comenzando desde la parte exterior, moviéndome hacia adentro, entonces esta posición sería mucho más cómoda porque estoy sombreando de arriba a abajo del No sé si estás entendiendo lo que estoy tratando de decir, pero esa es una especie de lógica de rotar tanto mi papel. Y hay hojas que naturalmente haré más oscuras que otras. Si tienes un tumbo o uno de estos marcadores que tienen dos puntas, hacia el final, puedes usar la punta más delgada para agregar algunos detalles más como venas laterales sin exagerar. Entonces solo unos pocos. Y lo mismo con la flor, puedes agregar solo algunos detalles finales si quieres. Tómate tu tiempo desarrollando tu flor y no la apresures. Si ya terminaste un piso, este es un momento realmente agradable para pausa y subirlo a tu proyecto de clase. No hace falta esperar hasta que todo esté terminado o perfecto. Tu proyecto puede crecer con el tiempo, y puedes actualizarlo en cualquier momento. Siempre puedes volver más tarde y actualizarlo con nuevas flores a medida que las creas. Al compartir temprano, puedo comenzar a darte comentarios a medida que avanzas, y también puedes mirar hacia atrás y ver cómo evolucionan tus drogas de confianza y cepillo. Piensa en tu proyecto como un lugar para documentar tu proceso, tu progreso y no solo tus resultados finales. Así que cuando estés listo, sube lo que tienes al proyecto y después de eso, vuelve a la clase para que podamos seguir pintando. Mm. 11. Práctica: bocetar flores de forma sencilla: La flor que estamos usando como referencia aquí se llama num grandi pleum, que es un nombre un poco largo y difícil Y como no pretendemos copiarlo exactamente como aparece, voy a referirlos simplemente como flores pequeñas. vamos a estar viendo de una manera muy accesible y sencilla Empezaremos dibujándolos usando formas básicas y luego agregaremos un poco de color manteniendo todo suelto y flexible Va a comenzar mostrándote la flor que es frontal. Empecemos dibujando dos círculos. Si la flor estuviera completamente frontal, el centro estaría en el centro exacto. Esta flor, sin embargo, no es exactamente frontal y su centro está en alguna parte de aquí. Entonces es un poco más bajo que el centro de la flor frontal. Tiene cinco pétalos. En este caso, debido a que la flor está ligeramente angulada, puedo hacer estas líneas, pero un poco curvilínea Estas líneas serían el centro de nuestros pétalos. Si marco el medio, aquí es donde comenzará el pétalo. Y una vez que tienes esas marcas en su lugar, entonces dibujar los pétalos se vuelve realmente fácil. Y para la segunda flor, el círculo exterior puede ayudar mucho, sobre todo con estos pétalos que están a cada lado. Mira cómo estoy respetando el borde del círculo y utilizándolo como guía para dibujar mi pétalo angulado, igualmente para el de aquí en la parte inferior. Ahora dibujemos una flor que esté aún más angulada. Para que estos ejercicios sean variados, voy a dibujar este óvalo de manera diagonal. Podría ser más fácil si comienzas dibujando la línea diagonal y luego dibujando el óvalo en la parte superior. Ahora, no voy a estar colocando el centro recto en el medio, sino por debajo de la línea. Entonces va a estar en el centro de esta distancia. Va a ser un óvalo en ángulo por debajo de la línea que está separando el óvalo más grande en dos mitades. Y ahora voy a marcar las guías para los cinco pétalos. Marcando el centro de cada uno de estos espacios. Y a partir de ahí, usaré el círculo exterior para completar los pétalos. Como este pétalo está en el fondo, probablemente va a estar un poco superando al centro Ahora sigamos adelante y dibujemos una de estas flores que están mirando hacia arriba. Voy a empezar haciendo una línea que va a marcar la dirección de esta flor. El centro estaría aquí escondido, y luego los pétalos van a ir hacia este círculo. No voy a dibujar todo el círculo, sino la porción que está marcando donde termina la flor. Esta flor tiene un receptáculo muy grande, y luego voy a marcar algunos pétalos. Y luego a partir de ahí, va a ser muy fácil seguir definiendo la forma de esta flor. Y por último, practiquemos dibujando algunos capullos florales. Los de estas flores podrían representarse como tazas. Y luego uno que está completamente cerrado y tiene las hojas en la parte superior. O estos son ejercicios que puedes crear o no, pero me gusta enseñarles porque te permitirán empezar a acostumbrarte a representar flores en diferentes posiciones. Y lo mejor es que si limpias un poco estos dibujos, puedes seguir practicando tus habilidades de rotulador de pincel e incluso elegir colores para tu siguiente pintura. Estaba dibujando bastante duro propósito para que pudieras ver las líneas con claridad, pero suelo hacer mis dibujos mucho más suaves para que no esté marcando el papel. Después de crear el ejercicio, puedes seguir adelante y colorear estas flores como una forma de poner en práctica tus habilidades de marcador de pincel e incluso usar diferentes colores. Es con estos ejercicios que mejorarás y ganarás más confianza. Puedes probar diferentes colores base para tus flores y luego superponer otros colores que tal vez no elegiste en tu paleta de colores inicial Tal vez encuentres una combinación de colores realmente genial que te haga sentir muy segura y feliz, y puedes aplicarla para nuestro próximo cuadro. Mi objetivo para esta clase es que juegues con diferentes colores, diferentes formas y aprendas a representar diferentes tipos de flores. No estamos apuntando una flor realista o a copiar un espécimen específico, sino tomarla como inspiración. Así que usa esta lección para experimentar y jugar tanto como quieras, prueba diferentes colores, capa tres o cuatro a la vez si eso es lo que quieres. Y si descubres que te gusta más una cierta combinación de colores, tráela a la lección donde pintaremos nuestra próxima flor. 12. Flores pequeñas: boceto de la composición: En esta lección, nos vamos a centrar en bosquejar la composición usando la referencia como guía en lugar de algo para reproducir perfectamente Veremos cómo las flores se asientan en el tallo, cómo están espaciadas y nos enfocaremos en las direcciones de las flores. Espero que después de la práctica que hicimos en la última sesión, empieces a sentirte un poco más seguro acercándote a estas formas florales sofocadas Como hicimos al iniciar nuestra composición anterior, voy a dibujar estas marcas para asegurarme dejar un borde como una forma de asegurar una composición equilibrada desde el principio. Va a comenzar dibujando algunas formas simples muy suaves de donde va a ir cada flor. Se puede ver que estoy usando óvalos y círculos, poniendo en práctica lo que vimos en la lección anterior Ahora voy a dibujar algunas líneas para los tallos. Estoy usando la referencia como inspiración para la dirección y longitud de los tallos, pero estoy tratando de no obsesionarme demasiado con copiarlos exactamente. Puedo ver que aquí hay un largo brote floral, que me gusta mucho, y luego voy a dibujar esta rama. No voy a dibujar las hojas porque las haré directamente con los marcadores de pincel. Con esa composición en mente, puedo borrar mis marcas y comenzar a definir las direcciones de las flores de una manera más definida. Entonces voy a comenzar con esta de la esquina y seguir pensando en estas flores en términos de formas muy simples. Es muy útil saber dónde se van a colocar, y luego no me importa borrar la forma inicial para desarrollar la flor de una manera más definida Puedo dibujar una línea para donde va a ir el tallo y luego dibujar una línea horizontal perpendicular para definir a dónde va a ir el centro. A partir de ahí, puedo empezar marcar dónde van a ir los pétalos con estas líneas y seguir lo que hicimos en la lección de ejercicios. Voy a pasar a este de aquí que tiene el receptáculo bastante largo. Espero que esté diciendo bien esa palabra. Generalmente estoy tratando de mantener las formas muy simples en esta etapa. Para este, también voy a comenzar marcando el tallo, luego dibujar el receptáculo, y luego marcar el círculo donde se van a colocar los pétalos. Se puede ver que a medida que estoy desarrollando mis flores, también estoy tratando de borrar las guías que ya no estoy usando para mantener limpia la composición. Ahora voy a desarrollar esta flor frontal, que está ligeramente angulada. Voy a comenzar marcando por donde va a ir el tallo, dibujar el óvalo para el centro de la flor y marcar donde van a ir los pétalos con líneas ligeramente curvadas. A partir de ahí, puedo completar la flor. Bien, ahora que todas mis flores están bien colocadas y definidas, voy a seguir limpiando y ordenando esta composición para que se vea un poco más definida y terminada Tómate tu tiempo desarrollando tu composición y dibujando tus flores. Y cuando termines, encuéntrame en la siguiente lección. Vamos a empezar a agregarles la primera capa de color. 13. Flores pequeñas: estudios de color: Bien, entonces ahora he trabajado en mi composición, pero para ser sinceros, mirar estas flores rojas me ha hecho un poco insegura en qué colores usar Realmente no lo esperaba porque ya habíamos creado una paleta de colores antes, pero honestamente, esta es una parte muy normal del proceso creativo. Entonces, en lugar de forzarlo, voy a hacer una pausa aquí y hacer una prueba de color extra rápida. Esto suele ser lo que hago en mi propio trabajo cuando me siento incierto antes de comprometerme con el color. Y además, pensé que solo tenía uno rojo, pero mirando mi caja de marcadores, resulta que en realidad tengo bastantes tonos rojos. Entonces voy a probar un par de combinaciones y ver cuáles me dan la riqueza y profundidad que quiero antes de seguir adelante Una de las cosas que me encanta usar este bloc de bocetos muy asequible es que no me importa usar otra página para seguir haciendo estos estudios de color. A veces lo mejor que podemos hacer antes de comenzar una pieza final es simplemente probar. Hacer estos pequeños estudios de color con herramientas asequibles como estos marcadores, lápices y bloc de dibujo, quita mucha presión. Te recuerda que se te permite experimentar y que nada es permanente todavía. Y lo cierto es que cuanto más practicas con una herramienta, más la entiendes. En este caso, cómo agarrar tus bolígrafos de pincel, cuánta presión o velocidad usar y qué colores te atraen más. Así también es como poco a poco comienzas a definir tu estilo. Te das cuenta a qué combinaciones de colores sigues volviendo, qué contrasta te gusta y qué te parece más natural Entonces, aunque parezca un simple calentimiento, esta es en realidad una parte muy importante para mejorar. Después de hacer este estudio de color, he decidido que voy a usar el rojo más oscuro para la base de mis flores, y voy a mantener el centro azul. Tómate tu tiempo definiendo tus colores, y una vez que estés seguro de lo que quieres usar, encuéntrame en la siguiente lección donde vamos a empezar a pintar la capa base sobre flores pequeñas. 14. Flores pequeñas: pintar la capa base: Si hiciste un estudio de color, espero que estés listo para comenzar la capa base. Hacer uno definitivamente me ha ayudado a sentirme mucho más segura y relajada al comenzar mi planta. Esta capa se trata de colocar luz y estructura. Aún no estamos tratando de terminar nada. Solo estamos creando una base blanda en la que podremos trabajar más adelante. Entonces, si te cuesta, trata de confiar en que al aplicar la segunda y tercera capa, podrás refinar lo que aplicas en esta lección. Comenzaré con este rojo medio y pintaré cada pequeña flor usando el mismo movimiento que practicamos antes. Empiezo en el borde exterior del pétalo, aplico un poco más de presión al inicio y luego levanto la pluma a medida que me muevo hacia el centro. Estoy manteniendo mis trazos bastante ligeros y dejando pequeños huecos blancos en el medio. Esos espacios blancos son importantes. Automáticamente crean la sensación de volumen y luz, y nos dan espacio para construir los valores más tarde de claro a oscuro sin la harina se vuelva plana o con exceso Siempre podemos agregar más color, pero una vez que los blancos se han ido, es muy difícil traerlos de vuelta. Mientras trabajas, trata de mantener esta capa base ligera. Y si no estás seguro, deja más blanco de lo que crees que necesitas Tendremos muchas posibilidades de profundizar las sombras y agregar riqueza en la siguiente capa Una vez hecha esta capa base, tendremos una base realmente sólida, y la segunda capa se vuelve mucho más fácil porque toda la estructura ya está ahí. En este punto, voy a entrar con una goma de borrar y suavizar las marcas de lápiz Me gusta mantener el boceto apenas visible lo suficiente como para guiarme, pero no tanto como para que sienta que tengo que seguirlo perfectamente. Para mí, quitar algunas de esas líneas hace que la pintura se sienta mucho más relajada y me ayuda a mantenerme en un flujo más intuitivo mientras sigo estratificando con los marcadores Te darás cuenta de que no dibujé todas las hojas en detalle, y eso es intencional. Estas hojas son cortas, curvas y un poco dispersas alrededor del tallo. Entonces prefiero mantener esa parte suelta y dibujarla directamente con los marcadores de pincel. Me da más libertad para ajustar la dirección, el espaciado y el movimiento a medida que avanzo. Otra cosa que me gusta mucho de tener una página extra como esta es que en cualquier momento me siento un poco insegura, puedo volver a ella y practicar antes de comprometerme con la pieza final Me quita la presión porque me recuerda que siempre puedo volver a calentar. En este caso, lo estoy usando para practicar los gestos de pincel para las hojas pequeñas, pintando primero un lado, luego el otro y probando cómo se siente tirar del trazo en diferentes direcciones. Yo no dibujé las hojas. Lo que hice bosquejo son los tallos principales porque tener esa estructura me ayuda a colocar todo. Si no estás seguro, lo que puedes hacer es dibujar algunas líneas curvas y usarlas como guías para pintar tus hojas Al pintar con rotuladores de pincel, realmente ayuda pensar en ordenar qué elementos se sientan al frente y cuáles pertenecen en la parte posterior. En este caso, la mayoría de las hojas se asientan frente a los tallos, así que me gusta pintar primero las hojas. Una vez que las hojas están en su lugar, vuelvo y pinto las partes de los tallos que se sientan detrás de ellas usando el boceto a lápiz como referencia. La razón de esto es que los marcadores de pincel son transparentes. Si primero pintara los tallos y luego pintara las hojas en la parte superior, los tallos se mostrarían a través de las hojas, y eso generalmente no se ve muy natural. Al pintar primero las hojas, puedo enfocarme en obtener su forma correcta y luego cuidadosamente en los tallos solo donde son visibles. Es un pequeño turno en orden, pero hace una gran diferencia en el resultado final. Estaba tentado a escupir esta parte del video, pero decidí no hacerlo Esta clase no se trata de apresurarse. Se trata de disfrutar del proceso, ralentizar y permanecer con lo que estás haciendo También creo que es importante mostrarte el verdadero momento. Cuánto tiempo me lleva pintar estas flores y el tiempo que realmente tardo en dibujar cada trazo. Realmente me gusta tomarme mi tiempo a la hora de pintar este tipo de obras de arte, y eso es parte de lo que lo hace tan relajante. Lo bueno de esta técnica es que incluso cuando trabajas despacio, aún puedes crear algo que parezca terminado bastante rápido sin mucho esfuerzo y sin ensuciarte Como ya hemos mencionado, marcadores de pincel son naturalmente transparentes. Debido a eso, una vez que haya terminado su primera capa, puede comenzar a pintar sobre áreas específicas para comenzar a construir profundidad. Esto suele significar oscurecer las partes que se asientan detrás de otros elementos, como tallos que desaparecen detrás de las hojas u otras flores o el centro de algunas hojas y pétalos Al colocar de nuevo el mismo color, notarás que el volumen comienza a aparecer casi de inmediato Esta es una manera realmente efectiva de crear profundidad antes de introducir un color más contrastante. La acumulación gradual ayuda a mantener la ilustración suave y cohesiva vez que le da dimensión. Por último, voy a pintar el centro de las flores usando este color azul claro. La referencia original se ve un poco diferente, pero eso es parte de la belleza de pintar nuestras propias flores. Somos libres de tomar nuestras propias decisiones. Como ya hice un estudio de color, he tomado algunas de estas decisiones por adelantado. Esto me da la confianza para confiar en ellos ahora y seguir adelante sin pensarlo demasiado Una vez que hayas terminado de pintar tu primera capa, encuéntrame en la siguiente lección. 15. Flores pequeñas: agregar volumen y profundidad: Oh. Ahora es el momento de comenzar a desarrollar nuestra segunda capa. Una vez más, si en algún momento te sientes inseguro, realmente te recomiendo usar tu hoja de práctica para probar primero tus colores También puedes usarlo para practicar el sombreado pétalos antes de pasar a tu pieza principal Comenzando con un rojo más profundo, voy a construir volumen lenta y cuidadosamente. La clave aquí es no cubrir completamente la primera capa. Es importante dejar algunas áreas pequeñas blancas o más claras, aunque sean mínimas, porque aportan luz a los pétalos y los ayudan a sentirse vivos. Para esta capa, estoy sosteniendo mi marcador de pincel más cerca de la punta y aplicando menos presión. También estoy trabajando con más velocidad que presión, presionando ligeramente al inicio de cada golpe y luego levantando a medida que avanzo. Notarás que los pétalos que se sientan detrás de otros, en este caso, los pétalos laterales tienden a ser más oscuros. Al mantener el pétalo central más ligero, naturalmente se siente como si se estuviera adelantando. Yo suelo oscurecer las áreas que están más cerca del centro de la flor y ligeramente hacia los bordes Mientras pinto, también estoy siguiendo la curva natural de los pétalos con mis trazos. Esto me ayuda a crear volumen, no solo a través del color, sino a través del movimiento y la dirección. Una cosa que me encanta de pintar con marcadores de pincel es que alguna manera te animan a comenzar a usar una paleta de colores limitada. Estás trabajando con un pequeño conjunto de tonos, y esa limitación instantáneamente hace que tu pieza se sienta más cohesionada También crea un aspecto ligeramente vintage, en mi opinión. Y al pasar algún tiempo haciendo estudios de color, entonces los colores naturalmente se sienten un poco más curados y atemporales Ahora voy a pasar a agregar algunos toques más oscuros usando este tono burdeos. A pesar de que quiero que estas flores se sientan más rojas que rosadas, necesito tener cuidado aquí. El rojo es un color muy intenso. Y si me pongo demasiado rápido, las flores se oscurecerán rápido y perderán su interés Al usar colores más fuertes, agregar tu segunda y tercera capa lentamente es clave. Mira cómo en su mayoría estoy agregando este tercer color más oscuro hacia el borde interior y exterior de cada pétalo. Bien, una vez que hayas terminado con tu pétalo, sigamos adelante y pasemos a nuestros tallos y hojas. Usando un verde más oscuro, me voy a centrar en oscurecer solo las áreas que se sientan detrás de otros elementos Por ejemplo, en este capullo, simple oscurecimiento de la sección inferior agrega instantáneamente profundidad y volumen Debido a que estos tallos son bastante delgados y la pintura es de tamaño mediano, estoy cambiando a la punta más pequeña de mi rotulador de pincel aquí. No lo uso a menudo. Me encanta la flojedad de la punta más gruesa, pero en este caso, me da más control Nuevamente, fíjate como el oscurecimiento, solo las partes del tallo que se sientan detrás las hojas inmediatamente empujan las hojas hacia adelante Ahora voy a desarrollar las hojas usando la punta gruesa de mi pincel. Al desarrollar las hojas, suelo oscurecer solo la mitad de cada hoja, comenzando por la vena central No cubro toda la superficie, solo la zona media. Esta simple elección ya crea una fuerte sensación de profundidad y estructura. No estoy siguiendo estrictamente dónde está la fuente de luz y trabajando de manera más intuitiva Oscurecer solo un lado del centro de la hoja suele ser suficiente para que se sienta dimensional Con la punta más fina, también puedes agregar un poco de textura extra como refinar la vena central o dibujar las venas laterales para sugerir hacia dónde se enfrenta la hoja Por último, probaré algunos tonos azules para decidir cómo quiero oscurecer los centros florales Estoy siguiendo un enfoque similar a la flor anterior, oscureciendo el centro y luego agregando un suave anillo de puntos alrededor de ella para sugerir polen Para terminar, usaré este marrón más oscuro para agregar algunos detalles muy finos a los pétalos y a los centros florales, uniendo todo suavemente. En. Esta clase no se trata de apresurarse. Se trata de disfrutar del proceso, ralentizar y permanecer con lo que estás haciendo También creo que es importante mostrarte el tiempo real cuánto tiempo me lleva pintar estas flores y qué tan lentamente construyo cada trazo. Realmente me gusta tomarme mi tiempo al pintar este tipo de obras de arte, y eso es parte de lo que la hace tan relajante. Lo bueno de esta técnica es que incluso cuando trabajas despacio, aún puedes crear algo que parezca terminado bastante rápido sin mucho esfuerzo y sin ensuciarte Los marcadores de pincel son muy limpios y directos, por lo que puedes obtener esa sensación de pintura satisfactoria, pero con mucha menos configuración y limpieza que otros medios Cuando termino un cuadro que se ha hecho de referencia, veces me gusta colocar los dos uno al lado del otro y observar lo similares o diferentes que se han vuelto. En este caso, mi planta claramente se ha inspirado en esta ilustración, pero he tomado varias decisiones conscientes en el camino. Por ejemplo, cambié el centro floral, y también usé una técnica diferente para desarrollar la pieza. Algunas decisiones por sí solas ya le dan al resultado final un aspecto y una sensación muy diferentes. Como mencioné en la lección de inspiración recopilatoria, esta ilustración de referencia fue creada hace mucho tiempo por eso y debido a que he infundido mi propio estilo, decisiones de color y técnica en esta pieza, me siento cómodo usándola como inspiración sin preocupaciones sobre los derechos de autor. En mi propia práctica, tengo cuidado de no copiar ilustraciones de artistas contemporáneos. Cuando trabajo a partir de referencias, prefiero ilustraciones antiguas, fotografías o múltiples fuentes combinadas entre sí. Me ayuda a aprender de lo que veo mientras sigo desarrollando un trabajo que se siente personal, original y fiel a mi propio lenguaje visual. Tómate tu tiempo para terminar tu planta. Si ya terminaste un piso, este es un momento realmente agradable para pausa y subirlo a tu proyecto de clase. Tu proyecto puede crecer con el tiempo y puedes actualizarlo en cualquier momento. Piensa en tu proyecto como un lugar para documentar tu proceso, tu progreso y no solo tus resultados finales. Así que cuando estés listo, sube lo que tienes al proyecto y después de eso, vuelve a la clase para que podamos seguir pintando. 16. Introducción a las demostraciones de pintura: Bien. Antes de pasar a las demostraciones de pintura, quiero compartir una nota rápida sobre por qué las incluí en esta clase y por qué son un poco diferentes de las otras lecciones. Hasta ahora, nos hemos centrado en comprender las herramientas y sentirnos cómodos con las capas y las opciones de color Esa estructura es muy importante porque te da confianza y claridad. Pero cuando se trata de pintar, especialmente botánicos, también hay mucho valor en simplemente ver el proceso de pintura Entonces en las próximas lecciones, no voy a estar explicando cada paso. Se puede pensar en estas demostraciones como una invitación a observar y notar cómo se construyen las capas, cómo represento luces y sombras. Cómo utilizo el blanco del papel para crear volumen. En estas demostraciones de pintura, me he desafiado a mí mismo a usar solo tres o cuatro colores. Estos marcadores son un poco transparentes. Entonces, al ponerlas en capas, puedes lograr nuevos tonos con los que ya tienes Voy a acelerar mis videos que no tarden tanto, pero solo para que sepas, no puedo pintar tan rápido. Eres bienvenido a pintar conmigo, pausar el video, rebobinar o simplemente verlo a una velocidad más lenta No hay una forma correcta de usar estas demostraciones, y puedes verlas o no verlas en absoluto y pasar a la lección de pensamientos finales. Bien, entonces con eso en mente, pasemos a las demostraciones de pintura. Espero que los disfrutes. 17. Demostración de pintura: flor cosmos: [Sin discurso] 18. Demostración de pintura: margarita lila africana: [Sin discurso] 19. Demostración de pintura: tulipán: Co. No. 20. Reflexiones finales: Muchas gracias por acompañarme en esta clase. Realmente espero que hayas disfrutado desacelerando, trabajando con marcadores de pincel y explorando cómo con solo unas pocas capas y una paleta de colores limitada, puedes crear tanta profundidad y hermosas flores Si después de ver la clase, disfrutaste y aprendiste algo nuevo, por favor revísalo. Significaría mucho para mí ya críticas me ayudan a saber lo que estoy haciendo bien, qué puedo hacer mejor en el futuro, y también lo que más disfrutan mis alumnos. Estás buscando aún más recursos para seguir aprendiendo, asegúrate de revisar mi canal de YouTube. Me gusta publicar tutoriales más cortos, blogs de arte, entre bastidores y fragmentos de mi proceso creativo que podrían inspirarte a experimentar con más ideas y técnicas Si quieres mantenerte en contacto, asegúrate de seguirme aquí en Skillshare para mantenerte actualizado sobre nuevas clases, regalos un anfitrión y cosas así. Y me encanta mantenerme en contacto con la gente a través de correos electrónicos. Me encanta compartir noticias detrás de escena de proyectos en los que estoy trabajando. Escucharás sobre nuevas clases, tendrás acceso a descuentos en mis productos digitales, escucharás sobre los sorteos y lo que viene después Si quieres revisar mis otros proyectos personales, que incluyen patrones, murales, pinturas sobre diferentes técnicas o simplemente detrás de escena, encantaría que me siguieras en Instagram en ilspina Ha sido un verdadero placer pintar contigo. No puedo esperar a ver tus ilustraciones botánicas y lo que construyes tu confianza usando marcadores de pincel. Que tengas un día encantador dondequiera que estés y te veo en mi próxima clase.