Transcripciones
1. Introducción: Descubrí mi amor por dibujar mujeres cuando trabajaba en el proyecto de bailarines. Bailarines es una serie de ilustraciones con personajes femeninos en poses dinámicas. Mi nombre es Yifat, soy artista e ilustrador. El mayor reto para dibujar personas no es sólo dibujar personajes relables, sino darle estilo a cada uno como individuo. En esta clase, aprenderás a dibujar poses de danza dinámica y encontrarás tu propio estilo de ilustración con el proyecto de clase final. En la clase sigue una serie de lecciones y ejercicios diseñados para construir
gradualmente confianza y habilidades para tu proyecto final de bailarín. Empezaremos con crear una base de dibujo de poses energéticas a partir de la observación. Aprenderás a ilustrar diferentes formas corporales, exagerar gestos dinámicos, diseñar personajes relables, dibujar telas y patrones sueltos. Ayuda tener una visión amplia de tu proyecto. Vi a mis bailarinas como imágenes alegres, empoderadoras de mujeres en grandes murales, mujeres haciendo lo suyo y amándolo. Creo que las mujeres en autoexpresión positiva son una imagen poderosa. Eso me parece inspirador. Si quieres tener confianza en dibujar personas, si deseas descubrir tu propio estilo de ilustración, esta clase es para ti. Agarra tu lápiz y empecemos.
2. El proyecto de clase: Para tu proyecto de clase, ilustrarás a un bailarín en una pose dinámica. Podrás ir más allá y explorar tu estilo con únete al grupo de bailarines o a una serie ilustrativa de bailarines individuales para tu proyecto. Es posible que desee agregar fondos atrayentes que cuenten una historia. Tómate el tiempo para que sea tuyo. Podrá utilizar cualquier medio de dibujo de su elección. Estaré compartiendo consejos y estrategias de dibujo con Procreate a lo largo de la clase. El curso se estructura como una serie de lecciones seguidas con ejercicios de diseño para construir gradualmente tu confianza y habilidades de ilustrar a las personas. Te invito a que te tomes el tiempo para practicar cada paso junto conmigo. La ilustración trata de comunicar ideas y conceptos. Requiere una mezcla de pensamiento crítico y creativo. Es una mezcla de arte y diseño. La ilustración exige un sentido del estilo. Esto es algo que descubrirás a través de esta clase. Nos vemos en la primera lección. Empecemos a dibujar.
3. Fundamentos de las posas de captura: Lo divertido de trabajar con Procreate es que ahora podemos sacar una foto de referencia y colocarla directamente en el Canvas a nuestro lado, y realmente puedo colocarla dentro de esta minúscula ventana que está flotando alrededor del Canvas. Lo que quiero mostrarles ahora son algunas tácticas y consejos de cómo capturar la pose. Un buen consejo y esto es algo que hacemos en el arte, es medimos las cosas con nuestros lápices, estoy sosteniendo el lápiz y luego estoy estirando el gesto. Yo sí quiero conseguir la pista porque creo que las posiciones de los dedos son muy, muy interesantes para trabajar con eso es más o menos. Puedo empezar a agregar detalles, pero por ahora, solo
quiero que entiendas los conceptos básicos de trabajar con figuras de palo. Esta pierna, no es realmente horizontal, está ligeramente inclinada, y medirla con un lápiz te ayudará a entender los ángulos en los que se colocan todas las partes del cuerpo en proporción entre sí. Ahora tengo la forma básica para que pueda agregarle un poco. Ahí está la cabeza por aquí en algún lugar. El brazo es realmente horizontal. Esto va a ser bastante fácil. Estos son los fundamentos para capturar la figura y la pose en la página, ya sea que estés trabajando con papel o usando una tableta o un iPad para dibujar tu imagen básica. Lo que estamos tratando de captar en la primera etapa es solo lo básico de la pose. Probemos otra. Nuevamente, para esta imagen, hay un arco en el torso y luego todo lo demás parece bastante sencillo. Pero, ¿esta pierna es realmente recta? A ver. Si lo mido con mi lápiz, puedo afirmar el hecho de que en realidad está ligeramente inclinado, aproximadamente a mitad de camino entre la rótula y el talón, posicionaremos la punta del pie. Las caderas están ligeramente inclinadas, puedes medirlo. Medimos esta pierna. Si esa es la rodilla y este es el talón, así que esta pierna va a tocar el suelo aquí, tal vez aquí incluso. Después tenemos la curva del torso y la línea del hombro está realmente inclinada, realmente diagonal y la cabeza está ligeramente inclinada hacia atrás en un perfil. Al dibujar la cabeza, voy a continuar la línea que dibujé para el arco que representa la columna vertebral la forma en que ese cuerpo se dobla al final mismo de ella, vamos a encontrar la mano. Este tensor se inclina hacia un lado por lo que ese lado que se dobla va a ser más corto que el que se estira. De ahí tenemos el brazo que está descansando sobre su rodilla. Creo que tengo lo básico de la pose todo dibujado aquí. Puedo volver atrás y agregar más detalles, cosas a las que estamos prestando atención son marcadores. Podemos usar el ombligo como referencia a la dirección que el cuerpo está mirando. Podemos usar los senos para mostrar movimientos. Uno estará arriba y el otro bajará cuando el bailarín se incline. Dibujar las líneas de los hombros y las piernas realmente ayudan a anclar el gesto. En esta etapa, realmente no queremos entrar en muchos detalles, nuevamente, el gesto aplicado tienden a tener la sensación de que capturamos la esencia de la pose. Lo siguiente que vamos a practicar, se prepara para unirme a mí con bailarines de dibujo.
4. Ejercicio 1: dibujo de figura de práctica: En este ejercicio, estarás practicando el dibujo de figuras. Base tus bocetos en las imágenes que recogiste o para las que estoy usando para bosquejar para figuras. Cada arco debe tardar entre 30 segundos y un minuto. Los bocetos son rápidos. No queremos entrar en muchos detalles, solo captar la esencia del gesto. Pausa el video si necesitas más tiempo para dibujar. ¿ Estás listo para empezar a dibujar? Empecemos.
5. Ejercicio 2: cambia las formas corporal: En esta lección, seguirás trabajando con las figuras desde el primer ejercicio, creando variaciones de una pose, dibujarás tres formas corporales diferentes basadas en una sola postura. Practicar para este ejercicio te ayudará a ganar la libertad de
dibujar cualquier forma corporal a partir de tus bocetos iniciales. Ahora aprenderemos a cambiar y crear diferentes formas corporales, en
base a la postura original. Podrás descargar esta imagen de los recursos de la clase o utilizar un póster que hayas creado en el ejercicio anterior. Me gustaría empezar con dos formas básicas basadas en el mismo post, podemos dibujar ya sea forma masculina o femenina. Me gustaría que prestaran atención a las curvas mientras el esqueleto se va a quedar básicamente igual, la forma general va a ser diferente. El dorso se va a curvar muy bien pero cuando dibujamos las caderas y los glúteos, la forma masculina va a tender a ser más angular, mientras que la forma femenina va a ser más curvada mientras que los ilustradores, no
estamos aspirando a dibujar perfecto macho o femeninas pero sí queremos dar sugerencias y de ahí a las formas generales para que podamos exagerar y podamos simplificar, no
estamos apuntando a esa representación precisa de forma masculina o femenina. La forma femenina va a ser más curvilínea. Queremos ver pechos redondeados y vientres más suaves. tanto que para la forma masculina, iré con más líneas rectas y pecho plano. El cuello para una bailarina femenina será más estrecho que el cuello para bailarín masculino. Por supuesto, podemos jugar con el cabello, pero realmente no necesitamos meternos en esos detalles ahora mismo. Cuando dibujemos músculos femeninos van a ser más pequeños que los que
dibujamos para los machos a menos que estés dibujando una hembra muy musculosa, eso está bien. Esta es una de las cosas que me encanta de dibujar bailarines es que tienen hermosas formas musculares pronunciadas. Para los machos, probablemente exageraré los hombros, mostraré las trampas, que son los músculos que conectan el cuello y la espalda, que son los músculos que conectan el cuello y la espalda,
serán más angulares y visibles, sus bíceps van a ser más redondeados y para las hembras, tal vez dibuje formas más largas, formas más suaves, formas redondeadas. Vamos a usar las posturas que creaste en el primer ejercicio y construir sobre ellas. Construiremos las formas musculares, construiremos las curvas y recordaremos que las proporciones se van a quedar aproximadamente las mismas proporciones que el esqueleto que creaste en tu primer ejercicio. Simplemente vamos a darle más cuerpo. Lo siguiente que vamos a hacer es que vamos a correr con este ejercicio, darte la libertad de explorar diferentes formas, jugar con las posturas que dibujaste en el primer ejercicio y crear diferentes formas corporales. Por cada forma básica que creaste en el primer ejercicio, puedes elegir qué cuerpo se va a construir alrededor de él. Puede ser un bailarín masculino usando estos principios que te estoy mostrando aquí o podría ser una bailarina femenina. bailarina femenina puede ser delgada y larga, pero también puedes crear una forma corporal pesada cuando exageras las caderas y los muslos las las crean más grandes y más pesadas mientras siguen dibujadas en el mismo esqueleto básico. Disfruto dibujando a mis bailarines con el pincel grande muy rugoso y siempre puedo entrar y refinar los detalles con el borrador. Basta con marcar el espacio negativo en lugar de dibujar líneas pero
también puedo agregar otra capa y luego muy áspero con la tinta negra, dibujar los detalles más finos de mi bailarina. Esta bailarina es bastante similar a la de la imagen, es una bailarina femenina larga y delgada. Pero me gustaría jugar con esta forma de cuerpo y probar diferentes versiones. En la siguiente sección, te
mostraré cómo creo bailarín de set pesado y un bailarín masculino con la misma pose básica.
6. Crear diversos cuerpos: Continuemos este ejercicio con la creación de una bailarina de conjunto pesada, basada en la misma postura básica. Cuando quiera crear bailarín pesado, empezaré con caderas pesadas. Dibujaré esta línea mucho más hacia un lado, que cuando dibuje la bailarina delgada. Piensa en ello que una persona de conjunto pesada desde el interior, tiene la misma forma básica que una persona delgada. Lo que quieres hacer cuando creas un bailarín de set pesado, es darle solo una forma más amplia, pero mantener las proporciones generales de la misma manera que lo haces con una forma más delgada. Podríamos querer exagerar con los pechos, y darle al bailarín muslos muy gruesos. Tengo que decir que realmente me gusta dibujar esta bailarina porque encuentro que es más expresivo, puedo jugar con ésta. Cuando estás dibujando este ejercicio, es mucho más fácil comenzar con solo colocar el color, dibujar la forma rugosa, y luego repasar eso en una nueva capa e intentar encontrar la forma en unas líneas más refinadas. Recuerda que este es un ejercicio que aún no vamos a entrar en estilo, vamos a hacer esto en la siguiente lección. Por ahora, me gustaría que se centraran en la forma, se centraran en crear diferentes formas corporales con la misma postura. Date espacio para explorar y crear diferentes bailarines en la misma pose. Dibuja este ejercicio. Te veré en la siguiente lección. [ MÚSICA]
7. Estilo de estilo: tomar tus elecciones creativas: Ahora que has practicado dibujar personas usando tus habilidades observacionales, tu siguiente paso sería
considerar en qué estilo te gustaría ilustrar a tus bailarines. Una de las preguntas que normalmente me hago antes de iniciar un nuevo trabajo es, ¿cuál es mi estrategia de dibujo? ¿ Qué tipo de enfoque quiero traer a esta pieza? Si empiezo a trabajar sin punteros de estilo, podría crear un trabajo con el que realmente no me conecto, que luce enfoque, que de alguna manera le faltan componentes esenciales. Creo que es mejor tomarse el tiempo e invertir el tiempo para descubrir qué te hace chispear, qué aparece para ti, qué te da alegría en tu trabajo, en el trabajo de otras personas. Trata de purificar todos esos insights y tenerlos muy claros delante de tus ojos, y en tu mente, y en tu corazón antes de empezar a trabajar. Porque una vez que esa hoja de ruta a tu estilo es clara, se convierte en la base de todo lo que haces. El estilo es muy dinámico, y es natural que crezca y cambie. Quieres prestar atención a las cosas que te gusta hacer, cosas que te vienen de forma natural. También quieres prestar atención a tus puntos frágiles a tus debilidades. Se desea prestar atención a sus deseos y deseos. Ilustrar a la gente es algo que llevo tiempo queriendo hacer. Porque sacar a la gente de observación es algo que ya he hecho antes en la universidad, donde trabajo hacia una licenciatura en diseño industrial. Dibujé modelos en vivo en clase de arte. Después fui a la escuela de arte por dos años más. dibujo de la observación me viene fácilmente. Es una habilidad. Entrenar las manos y los ojos para trabajar juntos es una habilidad. Es una práctica. Entonces podemos hacer lo mismo cuando queremos ilustrar. Con ilustraciones, diseñamos, tomamos decisiones conscientes, y luego tratamos de repetir esas elecciones, y eso se convierte en tu estilo reconocible, la forma en que dibujas las cosas. Para desarrollar tu estilo, quieres
convertirte en un mejor oyente de ti mismo, lo
que disfrutas del trabajo de otras personas. Estamos constantemente expuestos a la creatividad. Nos llena y nos inspira. Te influye cuando miras otras obras de artista de una manera que estimula tu creatividad. Recordemos esa inspiración que llamamos a eso en uso, es como un impulso de hacer algo porque te gusta, porque lo disfrutas. En ese sentido, sí queremos convertirnos en mejores oyentes porque nos gustaría escuchar todos esos deseos secretos, todos esos pequeños deseos, todos estos momentos wow. Cuando dices, oye esto es hermoso. Es así como se deben hacer las cosas. Esto es lo que me gustaría hacer a continuación. Vamos a explorar juntos el estilo. Identificarás los elementos de una ilustración que te gusten, e intentarás identificar esos componentes de las ilustraciones que llamamos estilo. En la siguiente lección, veremos las ilustraciones que se publicaron en Pinterest, Instagram, y Behance, y descubriremos todos aquellos componentes que crean un estilo que disfrutas y quieres incorporar en tu trabajo. Me gustaría que también revisen su trabajo, miren la ilustración que han creado en el pasado, y traten de captar los momentos en que dicen, oye, esto es algo que me gusta. Esto es algo que hice bien y quiero repetir esto. Ten en cuenta, esta será tu hoja de ruta a tu estilo.
8. Identificar los componentes de estilo: [ MÚSICA] Para identificar componentes de estilo, vamos a estar mirando la ilustración publicada en redes sociales. El primero que hay que destacar en un dibujo son los colores. Vamos a preguntar, ¿cuáles fueron las opciones de color de los ilustradores? ¿ Funcionaron con paleta limitada que consiste sólo en pocos colores elegidos? ¿ Los colores son vibrantes, saturados, están apagados? La pregunta que te haces aquí es, ¿qué colores tomas una y otra vez? Los colores que utilizas con frecuencia serán tu paleta única. Otra cosa a observar en una ilustración son las texturas. ¿ Notas alguna textura o la ilustración está hecha con formas lisas? Si hay texturas, ¿dónde se utilizan en la ilustración? ¿ Qué tipo de texturas ves? Quizás quieras preguntarte si te gusta usar texturas, si quieres aprender a dibujar más texturas en tu trabajo, o tal vez estás dibujando ilustraciones más demasiado planas con ninguna o muy pocas texturas. Otra cosa que vamos a ver es el sombreado. Quizás quieras preguntarte, ¿cómo usa el artista el sombreado en la ilustración? ¿ Sombrear es algo que apela a tu gusto? No todos los ilustradores los usan. Si la respuesta es sí, intenta ver qué tipo de técnica de sombreado te atraen. Otra cosa que observamos son las formas. Queremos ver si las formas son detalladas, o son abstractas, simplificadas. Algunos ilustradores utilizan el mismo tipo de forma a lo largo de su trabajo de ilustración, se convierte en su lenguaje. Te quieres preguntar, ¿te atraen ciertas formas? ¿ Vuelves a dibujar ilustraciones botánicas, plantas, flores? ¿ Te sientes más atraído por dibujar animales y personas? ¿ Te gustan las formas claras más definidas en tu trabajo? O estás trabajando para simplificar formas en tus ilustraciones? Líneas es algo que realmente amplifica el trabajo. ¿ Te gusta dibujar líneas finas? ¿ Disfruta trayendo detalles en tu ilustración? ¿ Te gusta eso del trabajo de otras personas? Podemos usar líneas en contornos o podemos usar línea para dibujar ciertos elementos de la obra que no está definida por grandes formas. A lo mejor te gustan las ilustraciones que no tienen líneas en absoluto. Piensa en cualquier otro detalle que hayas notado en tu trabajo, y en la ilustración que estaremos viendo a continuación. Tengo la costumbre de ahorrar puestos que realmente me hablan. Si fuera a repasar esos puestos, estoy seguro de poder identificar en
ellos elementos que se aplican también a mis ilustraciones. Exploremos algunos ejemplos de Behance en Instagram y veamos cómo diferentes ilustradores crean su estilo con paletas de colores, trabajo de
línea, abstracto, versus formas corporales complejas, y proporciones. Buscaremos texturas y técnicas de sombreado. Esta ilustración de Kelly Kwok. Kelly estilizó a su gente con contornos y sin texturas creando pesadas piernas y brazos largos, torso
corto, y pequeñas cabezas diminutas. Ahora está compartiendo detalles desde detrás de bambalinas. Ella muestra las proporciones de los personajes que son diferentes a sus tradicionales de una cabeza, cuatro cabezas para el torso y cuatro cabezas para las piernas. Aquí está la gente feliz de Jessica Flores. Los colores son bastante neutros, pero aún lo suficientemente vibrantes como para crear una imagen alegre. Quiero que notes los elementos, las hojas y
el cabello que sopla detrás de la mujer. Ella utiliza estos para sugerir movimiento. En esta ilustración vemos personajes que en realidad están bailando, y ahora es así como omitió los codos y las rodillas. Es todo curvas y piernas y brazos doblados. Esto es big girls big world by Ken Van. Los colores son básicos y escasos. El ilustrador dibujó dentro del cabello de la mujer creando interesantes telones de fondo y agregando personajes y detalles a estas mujeres. Me gustan mucho las poses, muestran personalidad. Ahora repasemos esta publicación de Instagram. Este de Peachy Hanna tiene esta formas gráficas muy simplificadas y usa el espacio negativo muy hábilmente. En realidad borra líneas a los detalles, a las plantas y su sombreado se hace con el cepillo de ruido. Este ilustrador crea una escena muy vívida con pequeños detalles. Mira todas las plantas que están colgando del techo. Utilizan líneas para agregar detalles a las plantas ahí en las hojas no tanto en el exterior de las hojas. Los personajes son casi de dibujos animados como muy planos. Lo que me encanta de esta pieza es el uso de bloques de colores y líneas. Sé que también estoy usando esto en mi trabajo y esa es probablemente una razón para guardar esta ilustración. Los brazos y otros detalles se dibujan en líneas, algunos son líneas negras, algunos son blancas. Me encantan las texturas sutiles que parece que todo fue dibujado en acuarelas. Estas ilustraciones de Sofía Bonati. Crea caras muy realistas. Podemos ver que hay algunos contornos, contornos muy suaves en las plantas, y si notas que el baño tiene una textura muy sutil en él lo que crea sombreados y agrega intereses, también el cabello de nube es espacio completamente negativo como lo define la sombra que lo rodea. Esta señora tiene un vestido y el vestido está hecho de flores. Yo diría que hay un ligero movimiento que creó por la inclinación de su cabeza hacia un lado y luego su vestido fluye hacia el otro sentido. Ahora esta ilustradora mantiene la misma paleta de colores a lo largo de su trabajo. Son las mismas naranjas y verdes, morados y rosados. Este es un gran ejemplo de cómo agregar carácter a través del cartel, la mujer está posando hacia nosotros, su cabeza está ligeramente inclinada hacia nosotros. Los rasgos faciales son bastante realistas aunque son abstractos por los colores, porque los ojos son solo un círculo rojo. Basta con mirar el patrón que el ilustrador creó en la camisa. Agrega algo de dulzura al personaje. Este nos da espacio negativo para agregar detalles. Creamos espacio negativo eliminando líneas en lugar de agregar líneas, o podemos usar máscaras. Hay un patrón interesante en el pantalón. Me encanta el pelo azul y creo que estas son las razones por las que guardé esta ilustración.
9. Ejercicio 3: tu hoja de ruta de estilo: En este ejercicio, crearás tu hoja de ruta de estilo. Quizás quieras buscar en Pinterest, Instagram, y Behance, libros y revistas, cualquier lugar donde puedas encontrar imágenes que te hablen. Crea tu hoja de ruta de estilo en papel o un lienzo grande en Procreate. Podrás descargar la plantilla que estoy usando de recursos de clase. medida que avanzas por las ilustraciones que has seleccionado, haz lo posible para responder a estos puntos. Las paletas de colores están siendo silenciadas, vibrantes, consistentes. ¿ Qué pasa con las texturas, qué tipo de texturas ves? ¿ Cómo usa el artista en la ilustración el sombreado? ¿ Qué tipo de técnicas están utilizando? ¿ Se detallan o simplifican las formas en general? ¿ El artista está usando líneas o contornos? Si es así, ¿de qué manera? Cualquier otro detalle que te destaque. Realmente tómate el tiempo para identificar y entender tus elecciones artísticas. Este podría ser un buen lugar para estar probando pinceles, texturas, jugar con diferentes trazos de línea y guardar colores para futuras paletas. Anota notas y haz listas de texturas que te gusten, formas que te gustaría crear. Técnicas que te hablan, detallan y bosquejan cualquier cosa que atraiga tu atención. Vuelve a visitar tus propias ilustraciones para identificar las cosas que funcionan bien en tus ilustraciones, descubre patrones en las elecciones artísticas que has hecho en el pasado para obtener una visión y comprensión claras de tu estilo.
10. Dibujar un bailarín: Ahora que tienes una mejor comprensión de tu estilo de ilustración, vamos a aplicar en la práctica las características de estilo que
identificaste con tu hoja de ruta de estilo. A lo largo de esta lección, prueba diferentes
enfoques de ilustración hasta que encuentres el con el que te conectas. Permítete tiempo para explorar y lograr un dibujo estilizado. Aquí están mis bocetos preliminares. Son bastante detallados. Elegí el del medio para desarrollar a mi primer bailarín. Ahora bien, me gustaría darles una visión general del proceso. Entonces aquí están las capas que he usado para crear esta bailarina. Tengo capas separadas para el cabello, los rasgos faciales, y por supuesto, el atuendo tiene bastantes capas propias. Quiero que veas la diferencia entre el boceto inicial y el bailarín final. Observe cómo cambia la proporción a medida que el bailarín azul tiene piernas más largas
y brazos más largos, y es esbelto que la primera ilustración. Empecemos con un nuevo lienzo. Quiero mostrarte cómo estoy configurando mi lienzo mientras trabajo. Normalmente trabajo con 11 pulgadas más de 14 pulgadas, y mi DPI, que es la resolución, debería ser de 300. Este es mi lienzo estándar go-to para mi trabajo de impresión. Trescientos es una resolución bastante detallada si
quieres imprimir tus ilustraciones más adelante. Vamos a abrir un nuevo lienzo y configurar nuestro color de fondo. Traigamos uno de los bocetos con los que queremos trabajar. Sé que quiero trabajar con este boceto. Ya copié esa capa de mi lienzo de bocetos y la voy a pegar con este gesto de tres dedos. Se trata de un gesto rápido para pegar imágenes en tu lienzo. Cuando coloques por primera vez tu boceto en el lienzo, tómate el tiempo para colocarlo más o menos donde quieras que esté. Puedes distorsionarlo, estirarlo, asegurarte de que tienes algo que disfrutes y quieres seguir trabajando. Ahora, voy a bajar la opacidad y bloquear esta capa para que no cree accidentalmente toda mi ilustración en esta capa. Esta es sólo una capa de referencia para la obra. Vamos a añadir una nueva capa y empezar a dibujar al bailarín. Para mis ilustraciones de bailarín, trabajé con un pincel Blackburn. Me gusta porque tiene una textura hermosa, sutil a los bordes del pincel así como el lado de pintura del pincel para que tengas textura sutil con la que trabajar. Por supuesto, siéntete libre de probar diferentes pinceles y escoger el que resuena contigo, que más estás conectando para este proyecto. Despejemos la capa rápidamente. Si tocas la capa, tienes un pequeño menú desplegable y puedes elegir Borrar, y eso aclararía todo en esa capa. Ahora que tienes todo configurado, puedes empezar a dibujar a tu bailarina. Voy a dejar correr la música y parar de vez en cuando para darte algunos punteros. Los principales puntos clave que me gustaría que tomaran de este ejercicio es hacer esto a su manera. A medida que dibujas a tu bailarina, intenta referirte frecuentemente a tu hoja de ruta de estilo. Si tienes alguna pregunta para ti mismo, como cuál es la forma en que quieres dibujar a tu bailarina, obviamente, tienes tu propia manera. Esta es justamente la forma en que me gusta hacer las cosas. Encuentra tu forma de dibujar a tus bailarines porque tu proyecto debe ser único tuyo. Me gusta trabajar con un color de fondo bastante silenciado. Siempre puedo cambiarlo, aunque los colores suelen funcionar relativamente
al color de fondo que elijas al principio,
así que ten en cuenta adónde vas con tu trabajo. Cuando estoy dibujando las manos, trato de no dar todos los detalles muy finos por tipo de indicio de dónde está el pulgar y dónde están los dedos. Entonces si notan la forma en que lo estoy dibujando, los trazos de pincel son realmente ásperos en la mano abierta, pero aún se puede ver el gesto. Aquí es a donde voy con eso. Los pies son una historia diferente porque creo que los pies
del bailarín realmente ayudan a realzar el movimiento y el gesto. Por lo que trataré de saturar el gesto donde los dedos apuntan con el arco
del pie y todos estos pequeños detalles de las piernas solo para realzar el movimiento del bailarín a través de sus piernas. El modo en que funciona mi estilo es que me gusta trabajar con espacio negativo y dejar algunas líneas abiertas y borradas en lugar de
ir realmente y dibujarlas más adelante con otro pincel. Por ejemplo, la línea entre el hombro y la cabeza va a ser un espacio negativo. Básicamente, es una línea que se borra del gran trozo de forma que es el bailarín. Ahora, la mano se posiciona mucho atrás, mucho más atrás que el boceto inicial, y la razón de ello es exagerar, para realzar el gesto y los movimientos del bailarín mientras se doblan hacia atrás. Por lo que exageraría la curva de la espalda y la inclinación de la cabeza. Aquí tienes un consejo para ti, configura tu borrador como el mismo pincel que has usado para dibujar la forma real para que cuando estés borrando partes, cuando estés borrando, la textura permanezca igual, tu contorno seguirá teniendo la misma textura que el pincel que has usado para dibujar el cuerpo. Vamos a hablar más de crear el rostro y los detalles del rostro en la lección dedicada al diseño de personajes. Pero por ahora, así es como creo la cara. Dibujo algunos y los borro. Dejo el rasgo facial bastante general y áspero. Cuando tengas tu forma de bailarín lista, podemos desmarcar la capa de boceto, ya no
es útil, añadir una nueva capa y decidir qué queremos hacer a continuación. Si estás dibujando el estilo exige dibujar en detalles en líneas o dibujar en algunos detalles con líneas, este es un momento para agregarlas en una nueva capa. Probemos un pincel que pudiera funcionar bien para ese propósito. En ocasiones ayuda agregar la foto de referencia que usaste para dibujar la pose inicial solo para comprobar cómo funcionan algunos detalles en el mundo real en las fotos de referencia. Por ejemplo, miraría hacia atrás a la bailarina para ver cómo se posicionan sus pies,
cómo se posicionan los dedos de los pies. Esto me dará una buena idea de cómo voy a
sumar en los detalles si quiero volver a dibujarlos. Hemos visto una forma de agregar detalles a primera capa del cuerpo. Ya que no estoy trabajando con contornos, voy a eliminar este trabajo y simplemente configurarlo como ejemplo para algo que puedas elegir hacer en tu trabajo. En nuestra siguiente lección, vamos a ver una forma de agregar sombreado a nuestra forma de bailarín.
11. Técnicas de sombreado con máscaras: Empecemos a añadir sombras a nuestra bailarina. Para ello, añadiremos una nueva capa y la configuraremos como máscara de recorte. Para configurar una máscara de recorte de capas, simplemente elige del menú desplegable de capas pequeñas. A continuación queremos escoger un color brillante, regla general las sombras no necesariamente tienen que ser negras, pueden ser coloridas, y de esa forma potenciarán tus ilustraciones. La capa de máscara está restringida a los límites de las capas para las que está asignada. Cualquier marca de pincel que hagas caerá sobre la forma exacta de tu bailarina. Para tu pincel, elige cualquier pincel con el que te guste trabajar, para esta demostración inicial, estoy usando el acrílico húmedo para crear estas sombras. Estos son los principios básicos de dibujar sombras con máscara de recorte. Mi técnica para dibujar sombras es
usar pincel de texturas pesadamente de su menú artístico. Esta es realmente una elección personal, te sugeriría que pruebes unos pinceles hasta que encuentres el con el que realmente te gusta trabajar. A mí me gusta hacer algunos retoques de sombras, no tanto para dibujarlas. Utilizo las sombras como forma de amplificar la forma y agregar algunos detalles más a mi bailarina. Ahora cuando queremos eliminar partes de la capa de sombras, tenemos que asegurarnos, de nuevo, que estamos configurando el borrador el mismo pincel que solíamos dibujar en la textura para las sombras. Aquí un ejemplo de hacer un cambio en el cuerpo del bailarín. Ahora que estamos trabajando con capas, los cambios deben hacerse en la capa correcta. Con solo tocar la capa, puedo elegirla y luego eliminar cualquier capa y ajustar la forma bailarina. Intenta mantener tu espacio de trabajo organizado agrupando capas del mismo tema. Todas mis capas bailarinas se agruparán en, y todas las telas se agruparán en otro grupo. A continuación, vamos a hacer ajustes a la ilustración
potenciando el gesto con la herramienta de transformación.
12. Transformación y manipulación de Poses: Podemos potenciar el movimiento del bailarín y exagerar la pose mediante el uso de herramientas Procreate. Vamos a recoger la transformación y configurarla en distorsión. Ahora podemos jugar con la pose. Podemos inclinar al bailarín hacia arriba para exagerar el movimiento, podemos escoger uniforme para agrandar toda la ilustración, podemos rotar la forma usando el mango verde. En esta etapa, te aconsejo que hagas cambios muy sutiles que realmente no exageres demasiado con el fino trabajo que has hecho hasta ahora en tu ilustración. Elige una opción de warp para transformar secciones de tu ilustración. Por ejemplo, puedo elegir levantar un
poco el pecho y realzar el arco en la parte posterior del personaje. Eso realmente ayuda con la dinámica de la pose a medida que se ve el bailarín hay subiendo más hacia arriba. Aquí es donde el uso de capas de grupos realmente es útil. Todos los cambios que estamos haciendo ahora se hacen a ambas capas simultáneamente eligiendo la capa de grupo en lugar de capas individuales para crear todos estos cambios. También puedes seleccionar rutas de tu ilustración y editarlas. Si estiro ese brazo hacia atrás, esto potenciará el movimiento y se sumará a la dinámica de esta pose. Por último, quieres repasar los cambios que has realizado y revisar cómo están conectadas las diferentes partes del cuerpo. Por ejemplo, si hice cambios en el brazo, quiero volver atrás y ver que no he distorsionado nada y que está conectado al cuerpo de una manera suave. Siempre podemos usar el borrador para cambiar y ajustar los cambios que hemos hecho antes. A continuación, vamos a pasar al diseño de personajes, y vamos a aprender a agregar carácter y personalidad a los bailarines.
13. Diseño de personajes Relatable: El diseño de personajes es mucho más que dibujar las expresiones faciales. Considera el conjunto completo de poses y expresiones
faciales que están relacionadas de manera única con tu personaje ilustrado. Ayuda si te tomas el tiempo de pensar en una gran historia para tu personaje, ¿cómo es su personalidad? ¿ Son un tipo de persona suave? ¿ Son serios, son divertidos? ¿ Cuál es su estilo de vestir? En realidad nombré a cada uno de mi personaje en su propio nombre único y hay una razón para cada nombre que elegí. En ocasiones solo tienes la sensación de quién
es tu personaje solo de pasar por todas las etapas preliminares de dibujo. Podrías tener un buen sentido de quién es tu personaje a estas alturas. Hay algunas formas de dibujar una cara. Una es mostrar al personaje desde un perfil. Aquí podemos crear diferentes perfiles, por ejemplo, esta bailarina puede tener una cara más áspera o una cara más suave con una nariz más pequeña. El modo en que dibujas el rasgo facial realmente refleja en la personalidad de tu personaje. Si dibujas rasgos ásperos o rasgos muy suaves y pequeños, realmente tiene un efecto de la apariencia de tu personaje. Agrega círculos para las mejillas, y luego los ojos y las cejas son otro elemento que agrego a la cara de mi bailarina. Veamos el mismo personaje, pero esta vez desde el frente. Aquí, tenemos varias opciones y varias formas que podemos elegir para dibujar una cara. Puedes usar el borrador y luego el pincel. Algunas líneas se pueden dibujar y algunas líneas se pueden borrar de la cara. Una vez más, utilizamos un espacio negativo. Se puede dibujar la nariz en diferentes estilos. Veamos algunos ejemplos. Los ojos pueden estar abiertos o cerrados. Cuando están cerca, si la línea del ojo se curva hacia arriba, la expresión es más alegre. Cuando los ojos cerrados se curvan hacia abajo, la expresión es más relajada, más serena. Se pueden dibujar cejas muy pronunciadas y eso realmente agrega más carácter en mi opinión, o elegir no dibujar cejas. Eventualmente, mi elección personal es mezclar espacio negativo como en usar mi borrador y mi pincel para dibujar la cara y me gusta mantenerla muy simple y un poco áspera. Déjame mostrarte otro ejemplo esta vez sobre la bailarina morada. Ella está en un perfil. Nuevamente, hay varias formas de dibujar los ojos. Podemos optar por mantener los ojos abiertos o dibujarlos cerrados. Hay varias formas de hacer
eso, todo depende de la que prefieras, la que se sienta adecuada para ti, la que te conectes mejor. Prueba diferentes opciones para tu personaje hasta que
sientas que has dibujado algo que disfrutas y realmente quieres conservar. En la siguiente lección, vamos a pasar a más opción de estilo para diseñar tu personaje. Podemos mirar el cabello y otras formas de agregar individualidad y personalidad a tu personaje.
14. Estilar de personajes individuales: En esta lección, exploraremos algunas formas de darle estilo a un personaje único. Se puede cambiar el color de la piel para definir una identidad separada a cada personaje u otras características como gafas, elementos botánicos
naturales y cierre y más. También puedes nombrar a tu personaje y escribir sobre la historia en tu proyecto de clase. Demostraré en esta lección algunas formas de dibujar
aquí para que puedas explorar la forma en que
disfrutas dibujando el cabello y agregando accesorios a tus personajes con el fin de peinarlos a tu manera única. Estaré demostrando en negro, pero puedes mantener las opciones de color para el cabello realmente vibrantes y coloridas. Agregar gafas, aretes y joyas a tus personajes realmente puede ayudar a definir una identidad única para ellos. También puede ayudar a determinar la dirección del movimiento del personaje. Esta también es una gran manera de agregar más ilustraciones en color, ya sea que estés decorando los pelos con cintas de colores o agregando joyas. Empecemos con una forma muy sencilla pero efectiva de dibujar el cabello. Estamos usando el mismo pincel que he usado para dibujar el cuerpo. Dibujar el cabello en la dirección opuesta muestra movimientos. El cabello fluye después de que el personaje se mueve, y ayuda a realzar la sensación de energía del movimiento, y ahora hacen una pose. Puedo dibujar una forma más estilizada para el cabello y luego llenarlo con sólo arrastrar y soltar la muestra de color en la forma que he dibujado. Para ello, en realidad tenemos que dibujar una forma cerrada con el fin de arrastrar y soltar color en ella. De lo contrario, tu gota de color llenará todo el lienzo. Ahora esta es una forma más dramática para el cabello porque equilibra la forma del bailarín. Por lo que tenemos una forma grande para el cabello y una forma grande para el bailarín. Pero incluso podemos hacerlo más complicado y añadir una nueva capa y crearla como máscara de recorte. Entonces podemos dibujar dentro del cabello. Es solo otra forma divertida de estilizar tu personaje. En este ejemplo, podemos crear más formas de control para el cabello, más estilizadas. Para hacerlo más interesante, podemos añadir una nueva capa. Con un color nuevo y abstracto, puedo agregar una nueva forma. Ahora tengo la forma azul y las líneas controladas, y todas crean forma muy estilizada y controlada para el cabello. Este cabello es menos natural, pero un cabello más diseñado. Aquí está la forma en que he elegido para dibujar el pelo para mis personajes. Utilizo una capa de color claro y luego una capa de color
negro con este pincel texturizado para dibujar el cabello. Con cada personaje que he creado, dibujé un peinado ligeramente diferente, pero uso el mismo método de una capa bajo que es blanca y luego sobre capa que tiene toda la textura. Si quiero borrar con este peinado, me aseguraría de que mi borrador esté configurado para el mismo pincel que he usado para dibujar. Hemos explorado algunas formas de dibujar peinados para tu personaje. A continuación vamos a pasar a un ejercicio donde creamos diferentes variaciones de un bailarín.
15. Ejercicio 4: variaciones de personajes de diseño: En este ejercicio, crearás tres variaciones de un personaje. Puedes dibujar un personaje en tres poses diferentes, o puedes dibujar tres personajes diferentes en tres poses diferentes. Al final, tendrás tres bailarines para tu ejercicio. Asegúrate de incluir al menos una vista del perfil y una vista frontal completa de tu personaje. Este es un gran lugar para estar probando ideas para tu diseño, opciones de
color, para tu proyecto y diferentes peinados. Este podría ser el inicio de tu proyecto o solo un ejercicio más en tu galería. Empecemos a dibujar.
16. Pintura de tejidos del fluir: Vestir a un personaje se suma a su personalidad y potencia su movimiento. Si recuerdas en el ejemplo de ilustraciones que comprobamos al inicio de esta clase, los ilustradores usaban pelo soplando en el viento y ropa que se estiraba detrás un personaje como forma de comunicar la dirección y velocidad de un personaje. Dibujar un sentido de dirección en el atuendo del personaje también se suma a la dinámica de la imagen. Veamos algunas formas en las que puedes aplicar al vestir a tu personaje. Añadamos una nueva capa, y diríjase a la herramienta Seleccionar. Asegúrese de que la herramienta Seleccionar una configuración a mano alzada. Me encanta usar este método para acercarme. De esta manera, podemos dibujar versiones simplificadas de telas y cualquier artículo de clavo que quisieras agregar a tu personaje. Una vez que la forma esté cerrada y la capa de máscara esté lista, pasemos al menú Pincel y escojamos un buen pincel para unir la tela. Ahora, me encanta usar unos acrílicos húmedos o el acrílico, te
da una textura de color agua muy agradable. Puedes seguir adelante y usar el pincel que estoy usando o escoger un pincel con el que te encanta trabajar. El único es que asegúrate de que el pincel esté bastante alto para que tengas el pincel grande con el que trabajar. Cuando trabajes con un pincel, asegúrate de trabajar a la ligera y no presionar con fuerza sobre tu lápiz óptico. Si presionas con fuerza, obtendrás un paquete de pinceladas. Si quieres mantener la forma transparente y las capas de pincel suaves, asegúrate de trabajar muy a la ligera al aplicar capas tus pinceladas. Este es un buen comienzo. A partir de aquí, podemos agregar una nueva capa o trabajar directamente en la misma capa. Voy a, de nuevo, seleccionar formas usando la herramienta Seleccionar y llenarlas de color. De esta forma, puedo crear pliegues y pliegues en la tela. Asegúrate de cambiar los colores que estás usando. Algunos de los colores serían más claros que el color básico de la tela, y algunos deberían ser más oscuros. El último que podemos hacer es dirigirnos a la capa y deslizar a la derecha con dos dedos para configurarla en Alpha Lock. Alpha Lock crea la máscara de capa sobre la capa como opuesta a máscara de
recorte que es una capa adicional que funciona como máscara. A mí me gusta trabajar con Alpha Lock porque es una forma muy rápida de enmascarar y trabajar. Ahora que la capa está bloqueada en una máscara, podemos agregar algo de sombreado con un color más oscuro solo para acentuar algunas áreas de la tela. Crea tela más dinámica, agrega algo de sombreado, y en general, creo que hace que los pantalones sean más interesantes. El siguiente paso, me gustaría mostrarles una forma más complicada de crear pliegues de tela en un vestido. Aquí hay otra forma más intrincada de crear pliegues de tela. Este es un proceso de arte real desde mi enfoque de bailarines. He creado un diseño o un diseño básico de donde quiero que los pliegues estén cayendo sobre el vestido. Ahora, voy a seleccionar estas áreas y llenarlas de colores. Una vez más, estoy trabajando con el pincel acrílico y pintando en
muy, muy ligeramente no para bloquear toda la sección con color, sino para mantenerla transparente y transparente nuestras tiras de tela. Voy a repetir el proceso para cada pieza de la tela, luego cambiar los colores y hacer algunas manipulaciones con esas formas de tela. Para cada forma, estoy usando una nueva capa porque estoy planeando adelante en mi proceso de arco para lo que quiero hacer más adelante. Sé que me gustaría editar los colores y jugar un poco con ellos. Este es un proceso un poco más intrincado y necesitas algo de planeación por delante. Pero sí quiero que veas cómo está abajo el proceso para que tengas la opción de elegirlo si te gusta trabajar de manera similar. Cuando todas las piezas del vestido estén listas, podemos seguir adelante y seleccionar “Capa”, luego ajustar el brillo de la capa para crear cambios en los pliegues de tela. Es mucho más interesante ver cambios en los colores que tener toda
la tela en exactamente el mismo tono y los mismos tonos. También me gusta mucho cómo juegan
juntas todas las diferentes piezas y crean un vestido dinámico que sigue el movimiento del bailarín y lo realza. Toques finales a este vestido sería usar el borrador para agregar más textura a los bordes de la tela, borrar partes que cubra el brazo de los bailarines, y finalmente, agregar la transformación en los ajustes de Warps para ayudar al vestido encaja mejor al cuerpo del bailarín. En la siguiente lección, comenzaremos a agregar patrones a nuestra tela. Empezaremos con un patrón fácil de dibujar, y pasaremos a un diseño de patrón más complicado.
17. Crear patrones sueltos: En esta lección, me gustaría mostrarles dos formas de dibujar patrones. Estos son patrones sueltos que dibujas por duplicado. Empezaremos con el más fácil, pero ambos funcionan usando el mismo método. Cualquier forma funcionará para dibujar un patrón, incluso una forma cuadrada muy simple. Voy a colocar la plaza en el punto de inicio de mi patrón. Entonces vayamos al menú Capa y duplicemos, esa capa. Crearemos una ligera variación en la forma girándola ligeramente y moviéndola a través de la tela. Después iremos al menú Capa y duplicaremos esa capa y crearemos otra manipulación. La práctica básica es duplicar una capa, moverla por la tela y manipularla un poco, ya sea girándola o volteándola. No escalaré la forma hacia abajo o hacia arriba en este punto porque me gustaría que este patrón repita la misma forma exacta en ligeras variaciones. Ahora sigamos adelante y creamos algunas variaciones más de esta forma a través ese pantalón hasta que cubramos toda la tela con patrones. Cuando el patrón esté listo, podemos fusionar todas las capas que crean el patrón en una sola. Con este gesto, estamos recogiendo toda la capa y fusionándolas en un solo veloz sobre la mano. Este es un gesto muy divertido de usar. Por supuesto, puedes fusionar todas las capas individualmente eligiendo fusionar desde el menú desplegable de cada capa. El último que queremos hacer es incrustar el patrón en el pantalón. Vamos a elegir máscara de recorte para nuestra capa de patrones. Básicamente, mi capa de patrón está lista. Pero en este caso, es blanco y los pantalones son transparentes y así el patrón se sale muy descolorido. Podemos seguir adelante y duplicar la capa de patrón para que destaque más contra los pantalones transparentes. Para el siguiente patrón, creé dos formas básicas. Una de una flor de hibisco y la otra es una hoja. Voy a usarlos ambos para crear el patrón. Usando el mismo principio que en el patrón más simple anterior, crearemos variación volteando la flor, y luego moviéndola y cambiando el tamaño muy ligeramente. Este diseño puede tardar un poco más porque querrías mover los elementos hasta que sientas que encajan con la posición correcta. Voy dejando una flor para cubrir a la bailarina, y la segunda flor va a funcionar en una máscara de recorte con la tela del vestido real. De esta manera el patrón funciona a la perfección con el vestido. Al trabajar con elementos coloridos, podría mejorar el diseño si usamos los modos de
mezcla de capas para asegurarnos de que los elementos se mezclan bien con la tela que hay debajo. Podemos probar algunos modos de fusión hasta encontrar el
que mejor funcione para el diseño que hemos creado. Para este ejemplo, trabajar con un modo de mezcla de capas aligerar funciona mejor para mi diseño. Ahora que lo he configurado, estoy listo para seguir duplicando los elementos del patrón y puedo deshacerme del grupo de capas que he creado inicialmente para colocar mis elementos. Voy a dejar uno fuera porque está cubriendo
lo más denso más allá de los límites de la dirección, y todos los demás elementos van a caer en las capas de máscara de recorte. Sigamos duplicando y manipulando los elementos para crear el patrón completo. Un factor clave para crear este diseño es tu gusto. Estoy usando algunas de las hojas como elementos de sombreado. Por ejemplo, coloqué una hoja detrás la pierna del bailarín porque creo que crea un efecto de sombreado, y colocaría las hojas más en los bordes exteriores de la tela por la misma razón, y le daré a las flores un papel más central en el patrón. Lo siguiente que vamos a hacer es aprender a dibujar ropa sencilla y fácil para tu personaje.
18. Dressing y fácil: En esta lección, me gusta mostrarles una forma de dibujar ropa que es realmente rápida y fácil. También es muy divertido. En realidad puedes empezar con este método, y luego pasar a dibujar telas y patrones más intrincados, y por supuesto, puedes combinarlo con diferentes métodos de dibujo de ropa. Veamos algunos ejemplos de cómo uso esta técnica en mis ilustraciones. Se trata de Urban Bea, y me gustaría que prestara atención a sus pantalones y la forma en que trabajan con su camisa. El pantalón está ajustado, y la camisa está fluyendo, y la interacción entre ellos es realmente interesante. Se trata de Mid Step Kelly, y sus pantalones tienen un patrón suelto. El contraste entre los pantalones ajustados y las camisas fluidas funciona realmente bien para crear un diseño más interesante. En esta ilustración, creé el vestido y los calcetines en el mismo método; añadí detalles a los calcetines y patrón vibrante suelto al vestido. Volvamos a América Tiptoes, mi bailarina verde, y demostraré cómo dibujé su blusa. Lo primero que haremos es agregar una capa encima de la capa bailarina, y configurarla en una máscara de recorte. A continuación, vamos a recoger un pincel. A mí me gusta trabajar con un acrílico húmedo. Empezaremos a pintar directamente sobre el cuerpo del bailarín. Ya que estamos trabajando en máscara de recorte, todo lo que
dibujamos de esta manera, crearemos una prenda muy ajustada que se ajuste perfectamente con la forma del cuerpo del bailarín. El artículo de ropa que dibujes será tan transparente o tan opaco como la presión que aplique en su lápiz óptico. A mí me gusta mantenerlo en algún lugar en el medio. Ahora, podemos agregar más detalles al diseño en una nueva capa. Si queremos dibujar sin la máscara de recorte, podemos agregar líneas y decoraciones al pantalón o a la camisa que dibujamos. Puedes agregar a este diseño dibujando más detalles en el artículo de ropa. Añadamos una nueva capa y configurarla como una máscara de recorte y dibujemos un botón suelto directamente sobre la camisa. Esta es una gran manera de agregar color y más interés a tus diseños. También es realmente divertido y creativo. Realmente no planeé con anticipación lo que estaba haciendo con esta bailarina. Yo sólo estaba dibujando, seguí dibujando, y este diseño simplemente salió a medida que trabajaba. Esto es realmente lo agradable de todo proceso creativo.
19. Demostración de ilustración de proyectos: Estas imágenes. De acuerdo, vamos a llegar con esta idea. Está bien. Está bien. Sí. Con respecto a cada 15 segundos. Está bien. Está bien. Está bien. Y el maestro. A ver. Está bien. Está bien. Está bien.
20. Reflexiones finales: Enhorabuena por completar la clase. Empezamos con la comprensión de la dinámica de movimiento, practicamos nuestro dibujo de figura. Cubrimos todo, desde cambiar las formas del cuerpo hasta jugar con proporciones y fuiste más profundo en busca de tu estilo de ilustración único. Espero que ahora tengas más confianza en tu capacidad para ilustrar a personas relables en poses dinámicas. Comparte tu progreso, ejercicios junto con tu proyecto final. Hacer la galería de proyectos en la página de la clase para que todos podamos echar un vistazo. Recuerda dejar que tu estilo brille a través de tus ilustraciones. Sé aventurero, explora y prueba en tus estrategias de dibujo. Creo que creamos nuestro mejor trabajo cuando nos dejamos salir y hacer lo nuestro. Gracias por acompañarme en esta clase. Por favor, manténgase en contacto. Puedes encontrarme en Instagram y seguirme aquí en Skillshare. Te veré en la siguiente clase.
21. Videos de tempel de proceso de baile: Hacemos estas sentencias. Bueno, en este caso, ¿verdad? Eso fue todo. Exactamente. Y hay una diferencia. Eso es todo. Está bien. Está bien. Correcto. Está bien.
Yifat Fishman, Artist & Illustrator
