Transcripciones
1. Introducción: Hola y bienvenidos. En esta clase ilustramos una configuración dinámica de retratos en un mágico jardín de medianoche. Aprendes a crear una pose energética, capas
impares de personalidad y complejidad a tu ilustración. Completar una escena que cuenta una historia. Soy ilustrador de fuentes y artista con sede en el norte de Texas, creo todas mis ilustraciones en el iPad, y me encantó dibujar en Procreate. En mi clase de ilustración de personajes, te
he mostrado cómo dibujar poses y gestos y encontrar tu estilo de ilustración individual. En esta clase, desmitificamos el proceso completo de ilustración. La clase requiere algún conocimiento previo de dibujar en procreate, pero es amigable para principiantes, ya que estás invitado a dibujar junto a mí en pasos fáciles de seguir. Para los ilustradores más experimentados, me
mirarías por encima del hombro, por así decirlo, compartiendo el estilo y las técnicas de dibujo que se utilizan a diario al crear mi
arte, obtendrás una visión de mi flujo de trabajo que podrías aplicar a cualquier futuro proyectos. Además, te mostraré cómo generar maquetas con tu propio proyecto de arte. Al final de clase, podrás ilustrar con habilidad y facilidad una escena completa alrededor de
un retrato dinámico. Tengo muchas ganas de verte en clase. Empecemos.
2. El proyecto: Para tu proyecto de clase, dibujarás un más denso en el jardín de medianoche. A lo largo de la clase, ilustraremos un retrato dinámico que puede ser alguien que conozcas, incluso a ti mismo o un personaje imaginario. El escenario se ambienta a medianoche en un jardín encantado. Ahora tenemos el quién, el cuándo, y el dónde. Tenemos nuestro breve creativo, así que agarra tus lápices y empecemos a dibujar.
3. Fundamentos de posición dinámico: Bienvenido a una nueva clase. Esta clase va a ser todo sobre el proceso de arte con muchos consejos y trucos que te ayudarán a desarrollar buenas prácticas en tu iPad. Me gusta trabajar con un juego de lona de 11"x14" a 300 DPI, que es un ajuste de alta resolución para imprimir tu trabajo. Vamos a golpear la herramienta de llave y ayúdanos a una foto de referencia. Puedes sacar una de tus propias fotos, tal vez tomarte una foto de ti mismo bailando y utilizarla como tu foto de referencia para tu retrato. Estoy usando uno que estoy compartiendo con ustedes en los recursos de la clase. Voy a usarlo para empezar a esbozar el personaje. Saltemos directo al proceso de dibujo. Empecemos a dibujar una línea diagonal. Las líneas diagonales en lugar de las horizontales son simplemente más dinámicas y crean movimiento inmediato. A partir de ahí vamos a seguir dibujando figura de palo muy básica. Piensa en tu figura de palo como el esqueleto sobre el que vas a vestir tu cuerpo. Vamos a empezar a bosquejar al personaje usando formas,
líneas, círculos y óvalos muy básicos . Te prometo que al final de este proceso, vas a tener una figura humana bailando en tu lienzo. Estoy dibujando un brazo estirándose hacia arriba y el otro brazo hacia abajo y marcando la dirección por la que está buscando mi personaje con la pista para la nariz. A partir de ahí podemos entrar un poco más de detalles con alguna mención de los dedos e intentar tener una idea de cómo se coloca nuestro personaje en el lienzo. Ahora puedo empezar a meterme un poco más de detalles y añadir volumen a mi figura. En realidad estoy dibujando una figura femenina, así que estoy colocando algunos óvalos para marcar hacia abajo donde están los senos, un óvalo más grande para las caderas. Mi personaje femenino, va a tener un tipo de cuerpo de reloj de arena, que es más lleno y redondeado, pero estoy tomando prestada la energía de la foto de referencia. Me inspira a obtener esa sensación de energía en el movimiento
dinámico que tiene la bailarina cuando dibujo mi propio personaje. La figura que estoy dibujando va a ser muy diferente a la bailarina masculina, pero me encanta la energía en su baile, y así la estoy tomando prestada y usándola en mi propia ilustración. Le estoy dando a mi bailarina unos labios para marcar dónde están sus pechos y labios más grandes para sus caderas. Estoy revisando mi foto de referencia para ver cómo están los músculos en el bailarín masculino y estoy tratando de traducir eso en mi trabajo. Cuando dibujes tu retrato dinámico, realmente tómate el tiempo para colocar al personaje en tu lienzo porque esto va a ser la base de tu ilustración y el punto focal. No estamos tratando de ser muy precisos, estamos tratando de captar pose y realmente
enfocarnos en la energía del personaje que estamos dibujando. Estamos tratando de comunicar una sensación de movimiento en nuestro dibujo. Podemos hacerlo con líneas diagonales y con toda la pose del bailarín. Esto sólo se va a acumular a medida que pasemos por este trabajo de ilustración y añadimos más capas y elementos a nuestra pintura. Para mi personaje, quiero asegurarme de que dibuje curvas, pinte en algunos músculos. Esto es algo que realmente me encanta de los bailarines, tienen estos cuerpos sanos y músculos pronunciados, así que quiero demostrarlo en mi trabajo. Mi bailarina está bailando en sus puntillas y creo que le suma más dinámica al movimiento. A medida que dibujo, poco a poco color en el cuerpo. En esta etapa de nuestro trabajo, estamos tratando de crear una forma muy rugosa y poco a poco vamos a
refinar y ajustar nuestra ilustración y meternos en más detalles como los dedos de los pies, los dedos y la cara. Una vez que tengas todas las formas básicas en su lugar, puedes pasar a refinar tu trabajo. Me gusta usar el borrador para agregar detalles. Asegúrate de que el borrador esté configurado en el mismo pincel que utilizas para dibujar. Si te gusta trabajar con contornos, puedes recoger un nuevo color y una nueva capa tal vez y dibujar en algunos detalles y más líneas. A mí me gusta realmente borrar esos detalles y este es mi estilo. En lugar de separar las piernas con una línea, solo
voy a borrar ese espacio y crear esta línea que está ahí con sólo borrarla. ¿ Cuáles son en realidad los fundamentos de crear un personaje dinámico? El personaje está colocando un pie delante del otro y eso crea de inmediato una sensación de movimiento. El cuerpo se inclina hacia atrás en líneas diagonales. Los brazos se estiran hacia arriba y hacia abajo, manteniendo el equilibrio con una línea diagonal de los brazos. La mirada de mi personaje está a un costado, a la dirección opuesta por la que se mueve. Crea una tensión entre los movimientos opuestos y se suma a la dinámica de la postura. Todas estas dinámicas crean una postura interesante que transmite movimiento. Dibuja tu personaje y encuéntrame en la siguiente lección donde empezamos a agregar sombreado a nuestro personaje y más detalles.
4. Sombreado: Dibujemos algún sombreado para que el personaje agregue volumen e interés a la ilustración. Lo vamos a hacer en una nueva capa. Me dirijo a la rueda de color y escojo un color más oscuro que el que usé para el cuerpo. También puedes escoger un color completamente diferente para dibujar el sombreado. Es realmente difícil sombrear exactamente en el lugar que necesitas el color para ser. Siempre irá más allá de las piernas o caderas del bailarín o lo que sea, por lo que la mejor manera de trabajar con ella es establecer la capa de sombreado como máscara de recorte. De esa forma, estás manteniendo todo el color dentro de la forma de la capa debajo. El pincel que estoy usando es muy texturizado, pero también es bastante transparente. Aunque si usamos algo más de presión en el lápiz, obtendremos más color y coloración más opaca. Queremos dibujar con suavidad. Trataremos de establecer la presión que aplicamos sobre el lápiz en medio de presión muy ligera y muy pesada. El modo en que me gusta dibujar en esas texturas de sombreado es empujarlas con mi pincel. Estoy aplicando el sombreado en puntos empujando las texturas con mi lápiz. Me gusta mantener mi sombreado muy ligero, y usarlo para agregar interés y textura a la ilustración. Yo lo dibujaría en puntos donde caerá la sombra sobre el personaje, pero no en todas partes. Si piensas en la fuente de luz que viene de arriba del personaje, el sombreado estará debajo; debajo de los senos, debajo de los brazos, y sobre todo en los costados del cuerpo. Mira lo que pasa cuando agrego un poco de sombreado a la parte posterior del cuello, hace que toda la cabeza se vea más redondeada y menos plana. Ahora que tenemos eso en su lugar, podemos avanzar con algunos ajustes. Si recuerdas en la primera lección, te dije, no lo toques todo ahora mismo, solo dibuja, porque el tiempo para hacer la corrección está más allá. Quieres tener tu dibujo fluyendo y avanzando y no vistazo a cada pequeño detalle cuando estás tratando de formar una forma. Ahora que tienes la forma y tienes el sombreado, podemos retocar la capa básica,
la que dibujamos el cuerpo y refinar todos los detalles; las yemas de los dedos, la cara, y cualquier otro detalle que quieras corregir antes de seguir adelante. Ahora que tenemos nuestro sombreado adentro, únete a mí en la siguiente lección donde
estaremos agregando más detalles dibujando la cara de nuestro personaje.
5. Diseño de personajes: Me gusta mucho dibujar las caras en esta etapa. Creo que dibujar la cara te ayuda a conectarte con tu personaje. Pasemos a las capas y en la capa justo encima de la capa de sombreado. Ahora, podemos dirigirnos y recoger nuestro pincel de dibujo y el color negro. Si tocamos en la parte inferior derecha de la rueda de color, Procreate establecerá el color para completar el negro, y me parece que el negro es un buen color neutro para dibujar los ojos. Vamos a configurar el pincel para bastante delgado. Quieres una línea que verás, pero quieres que las líneas para que los ojos y las cejas sean gentiles. Me gusta mucho la textura con este pincel y así quiero ver esa textura pronunciada con los ojos. A mí me gusta dibujar estos ojos cerrados pero también podemos dibujar un círculo y otro tipo de ojos para tu personaje. A mí me gusta dibujar estos ojos cerrados que pueden mostrar tal vez un introspecto o mostrar que el personaje está mirando hacia abajo. Es solo cuestión de mantener el equilibrio en toda la composición. Ahora también es un buen momento para reajustar la expresión facial, ajustar todos los pequeños detalles, y asegurarte de que realmente disfrutes el rostro que dibujaste. Me gustaría crear un retrato
áspero, pero no demasiado áspero. Quiero afinar un poco los rasgos faciales antes de seguir adelante. Lo siguiente que me gustaría hacer es agregar algo de rubor y labios al personaje, y esto es lo que me encanta hacer. Me gusta trabajar con un pincel más amplio. Voy a seguir adelante y recoger el pincel que he usado para mi sombreado. Voy a dibujar sólo el labio inferior y luego puedo borrar un poco y jugar con una sonrisa. Creo que una sonrisa agrega mucha personalidad al personaje. Si pongo esta capa como máscara de recorte, me aseguro de no dibujar más allá de los límites de la cara. Podemos profundizar las sombras de los labios y luego podemos escoger otro color para el rubor. Esto agrega un poco más de definición a la cara, y creo que endulza un poco el personaje. A continuación, vamos a dibujar un poco de pelo.
6. Dibujar con pincel borrador: Ahí tantas formas de dibujar el pelo del personaje. Te mostraré una que estoy usando mucho en mis ilustraciones. Empecemos con agregar una nueva capa y colocarla debajo de todas las capas que dibujamos hasta ahora. Esto va a ser un trasfondo del personaje. Agregaremos definición al cabello en esta capa. Voy a escoger un color muy claro y dibujar la forma del cabello. Observe que estoy dibujando una forma muy fluida que se aleja
del personaje en la dirección opuesta al movimiento del personaje. De esta manera, creamos una tensión entre el paso adelante y el cabello que fluye detrás del personaje. Ahora agreguemos una nueva capa y ésta va a estar por encima de todas las demás capas que dibujamos hasta ahora. Estoy escogiendo el color negro y voy a poner mi pincel para dibujar muy pequeño porque voy a empezar con agregar en los detalles. Si mi pelo de personaje es este pelo ondulado, ligeramente rizado, puedo dibujar algunos de estos finos detalles en esta etapa. El cabello agrega mucha energía y movimiento, por lo que trataré de expresarlo con mis pinceladas. Puedo agregar una nueva capa y colocarla debajo del cuerpo del personaje y seguir dibujando sin temor a que esté dibujando sobre mi personaje. No quiero bloquear completamente el cabello con colores, así que trataré de asegurarme de que la textura del pincel aparezca en el cabello que dibujo. Si sientes que has bloqueado demasiado de tu cabello con color y no ves la textura distinta del pincel, siempre
puedes volver al borrador, asegúrate de que esté configurado en el mismo pincel que has usado para colorear y añadir algo de espacio libre en el cabello. Básicamente podemos usar el borrador más o menos ya que usamos el cepillo para dibujar el cabello. Puedo dibujar el cabello que fluye con mi borrador y ayuda a abrir la forma, asegurándome de que no tenga un bloque de color. De esta forma agrega mucho movimiento y volumen al cabello. Cuando dibujo el cabello, me gusta jugar con él, agregar algo de color y borraré algo de color hasta sentir que he creado justo equilibrio entre espacios de colores y espacios borrados. Quiero ver movimientos y dinámicas en el cabello tanto como me gusta verlo en el personaje. A continuación, estaremos dibujando ropa. Acompáñame en la siguiente lección cuando empecemos a vestir al personaje.
7. Concurso en capas: Empecemos a sumar más complejidad e interés a la ilustración, con vestir al personaje. A mí me gusta hacerlo en varias capas para crear un diseño
más interesante y agregar elementos a medida que voy. Empecemos agrupando todas las capas para
el bailarín y agregamos una nueva capa para la ropa. Quiero presentar un nuevo pincel. Se trata de un pincel nativo Procreate. Es el acrílico húmedo. A mí me encanta. Es muy grande. Es bastante amplio para dibujar con. Es bueno para cubrir áreas grandes y tiene una textura sutil. Pero la cosa es que este pincel es transparente y si no presionamos demasiado en el lápiz conseguiremos esta sutil textura que se asemeja a trabajar con acuarelas. No estamos recogiendo este pincel por su precisión, así que para dibujar una forma controlada, usaría una nueva herramienta, y esa será la herramienta selecta. Ahora bien, esto es algo divertido del selecto, no solo
es bueno para cambiar y ajustar elementos en tu ilustración, también
es genial para crear un área enmascarada en la que podamos pintar libremente. Empecemos a delinear la primera capa para el vestido. Dibujo con la herramienta selecta más o menos como lo haría con un pincel. Puedo levantar la mano del lienzo, Procreate mantendrá intacta mi línea punteada. Entonces puedo seguir dibujando. Básicamente, puedes tomarte tu tiempo dibujando tu forma, dibujando a tu propio ritmo hasta cerrar la forma. Una vez cerrada la forma, veremos que la máscara se forma sobre nuestro lienzo. Ahora que tengo mi forma lista, puedo empezar a llenarla de color. Me gusta trabajar con grandes ajustes del pincel acrílico húmedo y dibujar muy ligeramente. No es como colorear en un libro para colorear. Queremos mantener la presión en el lápiz muy ligera. Queremos poder ver la textura del pincel. Trataré de hacer que mis trazos de pincel varíen o a veces presionaré un poco más, y a veces solo retocaré en lugares que
ya coloreé solo para agregar algo más de textura e interés. Ahora veamos de nuevo este proceso desde arriba. Ahora agregaremos una nueva capa y continuaremos dibujando el vestido. Para esta capa, trataré de solapar las otras formas. En cierto modo, estoy tratando de cubrir el cuerpo del bailarín sin cubrir demasiado. Cuanto más avance el trabajo en el vestido más cubriré el cuerpo de la bailarina hasta que ya no esté desnuda. Todo es un juego de capas transparentes jugando juntas para cubrir gradualmente al bailarín. Espero que me estés siguiendo con tus propias ilustraciones y sí pruebes este método. Es maravilloso, y lo uso a menudo, y únete a mí en la siguiente lección donde
agregamos más detalles y dibujamos un patrón suelto sobre el vestido.
8. Patrones de pintura: En esta lección, me gustaría mostrarles una forma rápida y divertida de dibujar patrones sueltos sobre sus diseños. Empecemos con una capa fresca y levantemos el pincel de dibujo. Intento ser consistente con los pinceles que utilizo para cada ilustración. Alternaré los pinceles. Vuelvo al pincel de Blackburn, es realmente uno de mis favoritos, y empecemos a dibujar una forma muy simple básicamente. Se trata de ramas y hojas que salen de esas ramas. Ahora, una cosa a la que prestar atención es que cuando dibujo, trato de mantener visible la textura del pincel. Al dibujar la forma de la hoja, no la
estoy coloreando por completo, sí
dejo algunas partes sin color para que la coloración de la hoja sea áspera y podamos ver esa textura entrando, y eso le sumará mucho interés a la obra. La forma que dibujas en esta sesión puede ser muy, muy sencilla. No tienen que ser intrincados. Estamos usando la textura del pincel como una forma de agregar interés, y la forma en que he posicionado estos elementos es algo que es importante. Estas ramas que estoy dibujando son formas que fluyen con el cuerpo de la bailarina. A veces las uso para cubrir partes íntimas, y a veces las uso para realzar la pose del bailarín. Estas ramas y estas hojas muy simples están fluyendo con mi bailarina. Agregan belleza al vestido, y también ayudan a realzar la pose que he creado. Dibujo estas formas y estas sueltas patrón dondequiera que piense que el vestido necesita algún embellecimiento, dondequiera que piense que tengo demasiado espacio que es desatendido,
ahí es donde voy a añadir un poco de detalles. Ahora que tenemos los elementos básicos del vestido en su lugar, podemos empezar a jugar y a retocar las cosas y ver qué funciona y qué no. Una forma de probar es trabajar con los modos de fusión de capas y ver si queremos cambiar eso. Estoy eligiendo mantener las capas del vestido en el estado normal y jugar con la capa de patrón porque me
gustaría que mi patrón se mezclara con la textura debajo. Puedo cambiar la opacidad de esa capa para hacer eso. Encuentro que una mejor manera de ayudar a que el patrón se mezcla es usar los modos de mezcla de capas de la parte inferior. Elige uno que se sienta bien. Aquí no hay elección correcta. Ahí está el que sientes que mejor funciona con tu ilustración. Juega con modos de fusión y elige el que mejor funcione para tu obra de arte. A continuación, vamos a seguir dibujando y agregando más detalles al vestido.
9. Agregar detalles delicados: En esta lección, me gustaría mostrarles cómo agrego detalles
al vestido y finalizar esta ilustración de vista seccional. Una vez más, estoy usando el mismo pincel que antes. Yo sólo lo voy a bajar. Mantengo mi escala de colores en el lado frío de la rueda de color. Si dibujo con azul, escogeré otro color similar, que es verde y funcionará bien para complementar los rojos. Estos verde frío y el azul son ambos colores fríos, por lo que se complementan bastante bien. A mí me gusta mantener mis líneas ligeras y caprichosas. En esta etapa, puedes ir tan detallado o como freestyle como quieras. Estaba tratando de complementar la forma del vestido y agregar un poco al más denso sin hacerlo demasiado pesado o demasiado. Realmente depende de tu estilo y de tu acercamiento a la ilustración. A continuación, empecemos a retocar y ajustarnos un poco y finalicemos el vestido. Voy a escoger un cepillo muy pesado para la goma de borrar y trabajar alrededor de los bordes de la tela. A mí me gusta hacer esto porque agrega algo más de textura e interés a la tela y la abre un poco. Echemos un vistazo más de cerca a este proceso. Esta es una buena etapa para hacer ajuste y refinar tu ilustración. Acompáñame en la siguiente lección mientras empezamos a crear la escena para esta ilustración.
10. Pintura de colores mediano: En esta lección, comenzaremos a dibujar en la escena de Midnight Garden. En primer lugar, agrupemos todas las capas juntas. Me aseguro de tener un grupo de capas para el bailarín y otro grupo de capas para el vestido. Añadamos una nueva capa y empecemos a dibujar la noche mágica en la que esta bailarina está bailando. Estoy dibujando una luna sobre su cabello y agregando algunas estrellas. uso de este color amarillo claro agrega elemento claro y divertido a esta ilustración ya que realmente no están arriba en el cielo, pero las estrellas brillan desde dentro del pelo del bailarín. Siempre es buena idea crear grupos de elementos. En lugar de colocar una estrella aquí o allá, trato de crear grupos de tres o dos estrellas y esparcirlos alrededor del personaje. Cuando dibujo las estrellas, trato de mantenerlas frescas e irregulares para crear más interés. Trato de no trabajar demasiado estas formas. Siempre podemos volver atrás y reajustar las ilustraciones. Quiero cambiar el tamaño de mis estrellas y siento que dos estrellas son demasiado similares en su tamaño, así que sigamos adelante y reduzcamos el tamaño de una de las estrellas. Lo siguiente que quiero hacer es empezar a construir los ajustes. Voy a trabajar con formas muy simples. A lo que me gustaría que prestaras atención son
los colores que estoy eligiendo para dibujar en el jardín nocturno. Ya que la escena es oscura, trataré de ir con sombra más oscura y verdes más fríos. Siempre puedo ir y reajustar mis colores solo para asegurarme de que el verde no sea demasiado amarillo, que esté más en el lado azulado de la rueda de color. Ahora agreguemos una nueva capa y añadamos más elementos a la ilustración. Voy a imitar el diseño de patrón que he creado para el vestido de mi bailarina en las plantas que estoy dibujando a su alrededor. Las formas son hojas que salen de una rama central. Estoy tratando de mantener visible mi textura del pincel. Siempre puedo volver atrás y reajustar la textura con mi borrador. Esto es algo que realmente me encanta hacer, agregar más textura con el borrador, desbaste un poco para abrir la forma. Para equilibrar la composición de color, añadiré algunas más de estas ramas del otro lado de mi más denso. Siento que agregan peso con el color oscuro y las formas grandes, robustas. Siempre puedo entrar y añadir elementos más suaves después, pero quiero empezar por anclar la escena con estas grandes formas audaces. Observe que son muy simples de dibujar. Realmente no tienes que entrar en muchos detalles. Estoy apuntando a crear movimiento e interés y poco a poco añadir más capas y más elementos a la escena, para hacerla más compleja e interesante. Algo que está en mi mente cuando estoy trabajando son colores. Trabajo con tonos más oscuros de verde y tonos más oscuros de azul, solo para configurar la composición y crear interés en el espacio. He usado las dos esquinas para crear las formas básicas del jardín, y voy a construir sobre eso. Aquí estoy usando un pincel que puedes descargar de los recursos de la clase. Es solo un pequeño pincel divertido que crea esta línea punteada para agregar una textura más controlada a la hoja. De verdad me encantan los elementos gráficos. Acompáñame en la siguiente lección donde empezamos a agregar más capas al jardín y construir más de la escena nocturna.
11. Dibujo y ajuste de plantas de jardín: Añadamos la nueva capa y elijamos un color más brillante para crear ramas suaves y agregar movimiento a la ilustración. Te quiero mostrar una rama muy sencilla que puedes dibujar. El elemento principal es una línea que está creciendo desde el perímetro de la página y se dobla hacia la escena, y solo estoy agregando pequeñas hojas a esa línea para crear una rama muy sencilla. Creo que estas coloridas ramas añaden color e interés a la escena. Se puede entrar en muchos detalles al crear una escena detallada para el jardín. Pero siento que para mí, estoy apuntando a agregar color y movimiento a mi ilustración, y realmente no me estoy centrando en las formas botánicas en este momento. Este no es el punto focal de esta ilustración. Puedes usar elementos que ya hayas dibujado y duplicarlos y usarlos en otras partes de tu ilustración. Ayuda con la creación de consistencia porque estás usando elementos que ya están ahí. También te ahorra tiempo y a veces es más fácil empezar a ilustrar con algo que ya está ahí y solo puedes construir sobre él a medida que avanzas. Entonces para estas ramas simples, he usado dos colores básicos y son variaciones del mismo color. He elegido colores azules para ellos porque la escena es en la noche, y quiero mantener todos los colores del jardín en el fondo de mi bailarina. El jardín está hecho de tonalidades de azul y eso ayuda a ponerlo en el fondo, mientras que, el bailarín se crea con tonos cálidos como rosados y rojos. Ahí está el amarillo de la luna y eso ayuda a llevar
adelante al bailarín y lleva el jardín al fondo de la escena. Para agregar más interés y capas a la ilustración, quiero agregar algunas flores. Ya que es de noche, elijo usar un tono de colores que ya he usado para el jardín. Entonces estoy usando este verde para esta flor. Ahora imagina si uso un amarillo o una naranja o rosa, competirá con mi bailarina. Tomará mucha atención del bailarín al jardín, y estoy tratando de mantener el jardín al fondo. Por lo que he elegido un color que forma parte de la paleta de colores del jardín, lugar de un color que va a competir con mi bailarina, que quiero mantener como punto focal. Siempre puedes elegir seleccionar un elemento y duplicarlo y usarlo de nuevo. A veces lo hago sólo para probar mi composición, y a veces lo hago sólo porque me ahorra tiempo cuando dibujo. Podemos agregar más complejidad con solo traer detalles simples, y estoy usando los mismos colores. No estoy inventando más colores para estas flores. Estoy pidiendo prestado un color de una de las ramas que solía agregar más detalles a estas flores. De nuevo, esto ayuda a atarlos al fondo. El último que queremos hacer es hacer algunos ajustes finales antes de seguir adelante. Me gustaría fusionar capas de los mismos elementos. Si duplico esta flor, manipulo, y la muevo alrededor, fusionaré esa capa hacia abajo con la capa de abajo que tiene todas las flores en ella. Te veré en la siguiente lección donde completamos la escena del jardín nocturno.
12. Dibujar aves nocturnas: En esta lección, agregaremos el elemento final a la escena del jardín. Pero antes de eso, quiero mover a mi bailarina para hacer un poco más de espacio para ello. Podemos ir al menú Capa y elegir grupos de
capas para luego moverlos a todos a su nueva posición. Siempre puedo elegir cambiar el tamaño de mi personaje, inclinarlo y girarlo un poco sobre el lienzo en esta etapa. Reajustemos la posición de la escena nocturna para asegurarnos de que todos estamos listos para seguir adelante. A mí me gusta hacer todos estos ajustes finales antes de pasar a la siguiente etapa. Básicamente estoy haciendo algún espacio que cierta área de la ilustración donde quiero agregar un par de búhos. Por supuesto, elegiré dibujar los búhos en una nueva capa. Quiero asegurarme de que cada elemento esté separado de los otros elementos porque ayuda a moverlo y cambiarlo, y ajustarlo, si quieres hacerlo después. Para dibujar en los nuevos elementos, estoy recogiendo color del lienzo. Una vez más, no estoy eligiendo usar un nuevo color, sino un color que ya está ahí para dibujar un nuevo elemento. Ayuda a que se integre y lo mantenga en segundo plano en lugar de que le preste más atención al bailarín. Siento que esto es particularmente importante porque no quiero que mi búho tome más de la atención de la bailarina. La forma de búho es bastante simple, y lo siguiente que quiero hacer es agregar algunos detalles. Por supuesto, puedes agregar detalles con un esquema. Me gusta agregar detalles con mi borrador. Utilizo el borrador básicamente tanto como los pinceles, y usaría el borrador para dibujar en el detalle del búho, que son las alas, los ojos, el pico, y algunas menciones de plumas. La pregunta principal que me estoy haciendo aquí es, ¿cómo empate juntos en todos los elementos de una ilustración? ¿ Cómo me aseguro de que el búho se dibuje en el mismo estilo que he dibujado en el otro elemento, como el bailarín, por ejemplo. Esta es una pregunta que debe estar en tu mente cuando dibujas. No quieres entrar y dibujar otro elemento con estilos completamente diferentes, como meterte en muchos detalles de las plumas y la forma animal. Estoy usando el mismo pincel que he usado para la bailarina. Trato de mantener mis trazos y líneas de pincel muy ligeras. Ahora siento que solo un búho no es suficiente y quiero añadir otro búho en otro color. Creo que eso va a complementar realmente bien la escena. He usado los colores de las ramas para dibujar en mis búhos. Eso ayuda a atarlos con toda la escena del jardín. Para simplificar las formas de los búhos, me pregunto ¿qué hace de un búho un búho un búho? Esto me ayuda a saber lo poco o lo extenso que quiero ir con detallar la forma. Para mí creo que lo que hace al búho lo que es, son los ojos grandes, el pequeño triángulo para el pico, alguna mención de las alas, y la textura de las plumas. De esa manera puedo dibujar un simple búho sin entrar en muchos detalles y añadir estos dos pájaros a la escena nocturna. Con eso, amigo mío, se hace la ilustración. Acompáñame en la siguiente lección mientras creamos una maqueta con nuestra obra de arte.
13. Crear maquetas de tu arte: maquetas son una forma visualmente atractiva de presentar tu trabajo como aparecería en la vida real en diversos estampados y productos. En esta lección, estaré usando fotos que están libres de derechos de autor y puedes encontrar enlaces a estas fotos en los recursos de la clase. Insertemos una foto y la ajustemos al tamaño de nuestro lienzo. Esta imagen en particular tiene mucho espacio vacío alrededor del tema de la foto, y así quiero dibujar más enfoque en el papel. Estoy ampliando un poco la imagen para que se ajuste a mi diseño. Lo siguiente que quiero hacer es importar mi obra final a este archivo. Necesito reducir un poco mi ilustración para que quepa en el papel que hay debajo. Me dirijo al menú Capa y reviso el modo de mezcla para la capa. Escogeré Multiplicar. Multiplicar ayuda a que la imagen se mezcla con el fondo debajo de ella. Traerá parte de la textura de papel en la que estoy colocando mi imagen. A continuación, quiero reajustar la posición de mi imagen en el papel. Estoy tratando de crear la ilusión de que esto es una impresión, así que estoy dejando algunos bordes alrededor de mi imagen, como un marco del papel blanco, y tal vez necesite ajustar un poco mi obra de arte. Queremos hacer estos cambios muy,
muy sutiles para que no distorsionemos nuestra imagen solo para que la quepa en el papel de abajo. Probemos otro enfoque para crear una maqueta. Una vez más, estoy importando una imagen a mi lienzo y voy a reajustar su escala. En ocasiones queremos cambiar la dimensión de la foto que estábamos usando para crear la maqueta, y en ocasiones puede que queramos cambiar la configuración del lienzo para que se ajuste a la obra. Vamos al menú superior y escojamos “Lienzo”. A partir de ahí, elegimos “Recortar” y redimensionar el lienzo, y luego solo podemos arrastrar los bordes del lienzo para que se ajusten a la imagen. Ahora voy a importar mi ilustración a este lienzo y cambiar el tamaño. Usar la opción “Uniforme “con la herramienta “Seleccionar”, en lugar de la mano libre, me
ayuda a mantener las dimensiones de mi obra a medida que cambio su tamaño, por lo que no crearé distorsión de la imagen. Cuando mi imagen está más o menos donde necesito
que esté, es cuando elijo la opción “Distorsionar” y crearé cambios
muy sutiles en su dimensión para ajustarla al papel de abajo. Algo que me gusta mucho de esta imagen maqueta en particular son las sombras de las ramas de palma en el papel y me
gustaría reflejar eso en la maqueta que creo. Voy a dirigirme al menú “Capa” y elegir el modo “Mezcla” que ayuda a que mi imagen se mezcla con la imagen de abajo. Si miro más de cerca, se
puede ver cómo las sombras están cubriendo ahora mi ilustración así como el papel. Ahora podemos seguir adelante y exportarlo y compartirlo con amigos en nuestras cuentas de redes sociales. Realmente estoy deseando ver lo que creas.
14. Reflexiones finales: Enhorabuena por completar la clase. Seguimos el proceso creativo desde el boceto de dibujos animados en bruto hasta
el diseño de dibujos animados desde encontrar los elementos básicos de las poses energéticas hasta ilustrar una escena imaginaria mientras pintamos el jardín en colores de medianoche. Tengo ganas de ver lo que creas con la clase. Comparte tu proyecto en la galería de proyectos de la página de la clase para que todos podamos echar un vistazo. Gracias por acompañarme hoy. Por favor, manténgase en contacto. Encuéntrame en Instagram y sígueme aquí en Skillshare. Te veré en la siguiente clase. Adiós por ahora.
15. Trailer: ilustrar personajes bailados: Descubrí mi amor por dibujar mujeres cuando trabajaba en el proyecto de bailarines. Bailarines es una serie de ilustraciones con personajes femeninos en poses dinámicas. Mi nombre es Yifat, soy artista e ilustrador. El mayor reto para dibujar personas no es sólo dibujar personajes relables, sino darle estilo a cada uno como individuo. En esta clase, aprenderás a dibujar poses de danza dinámica y encontrarás tu propio estilo de ilustración con el proyecto de clase final. En la clase sigue una serie de lecciones y ejercicios diseñados para construir
gradualmente confianza y habilidades para tu proyecto final de bailarín. Empezaremos con crear una base de dibujo de poses energéticas a partir de la observación. Aprenderás a ilustrar diferentes formas corporales, exagerar gestos dinámicos, diseñar personajes relables, dibujar telas y patrones sueltos. Ayuda tener una visión amplia de tu proyecto. Vi a mis bailarines como imágenes alegres, empoderadoras de mujeres en grandes murales. Mujeres haciendo lo suyo y amándolo. Creo que las mujeres en autoexpresión positiva son una imagen poderosa. Eso me parece inspirador. Si quieres tener confianza en dibujar personas, si deseas descubrir tu propio estilo de ilustración, esta clase es para ti. Agarra tu lápiz y empecemos.
Yifat Fishman, Artist & Illustrator
