Nieve pacífica en acuarela: pinta brillo, sombra y profundidad

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un luminoso paisaje de nieve en acuarela. La nieve es una maestra excelente en tono, bordes y temperatura de color. No es sólo una temporada. Es una forma de ver la luz. Simplificaremos la escena en grandes formas. Reserve papel limpio para brillar y deje que los gradientes suaves lleven la vista hacia un horizonte brillante y un Incluso si simplemente miras, presenciar la secuencia de elecciones es esclarecedor en cualquier nivel El objetivo es la claridad y la calma, no la complejidad. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón de seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y exploremos cómo vive la luz sobre la nieve. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse hoy a esta clase. Este proyecto te invita a disfrutar de claridad, blancos generosos, una paleta modesta y bordes pensados que dejan respirar la luz. Piense en la nieve como luz coloreada en lugar de pigmento blanco, notando cambios cálidos y fríos que se mueven por el suelo, troncos y árboles distantes Deje que la corriente actúe como un camino a través del diseño con reflejos mantenidos como formas tranquilas y legibles. Mantenga el ambiente espacioso y sin prisas, favoreciendo la sugerencia sobre la descripción. Ya sea que pintes o simplemente veas, verás cómo algunas elecciones bien ubicadas hacen que las escenas complejas se sientan muy simples y serenas En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la Galería de Proyectos del estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitará para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul ultramarino, azul cobalto, azul cerúleo, lavanda, púrpura, viridiana, negra, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente utilizo las pinturas Daniel Smith, Winsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se arrugada fácilmente y es muy implacable, no permitiéndote Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás para pintar en la clase de hoy. Salgamos adelante y comencemos el dibujo. 4. Preparación de la composición: A la hora de dibujar paisajes, hay que buscar ritmos La primera forma es básicamente la línea del horizonte, así que estamos agregando esa línea horizontal para comenzar con eso. Entonces estoy buscando cualquier patrón. Aunque estas líneas no existan en la escena real, estoy viendo la forma general de los árboles, el arroyo, el contorno de los arbustos, los troncos de los árboles, y simplemente bajándolos como simples formas geométricas para empezar Todo se ve muy abstracto, pero solo estoy configurando la compostura la composición de una manera sencilla Y entonces podemos construir sobre ello. E incluso si no coincide con las referencias o la escena que en realidad estamos tratando de pintar, al menos tiene su propio flujo inherente a ella. Funciona dentro de sí mismo. Entonces hay más armonía, hay más ritmo. Orienta el ojo. Es más fácil a la vista de alguna manera, puede ser más agradable a la vista que la referencia porque lo estás dibujando tú mismo y arreglando estos elementos de una manera que es más estéticamente agradable Para que podamos pasar por diferentes etapas de detalle, comenzar con formas orgánicas, trabajar en el detalle, y luego encontrar el detalle. 5. Comenzar con el cielo: Empezando por el cielo, primero queremos mojar el papel, y puedes tomarte todo el tiempo que necesites para que sea agradable y reluciente Sin embargo, tampoco queremos sobrecargarlo con agua. Brillante pero no inundado. Ahora estoy creando dos piscinas separadas en mi paleta, dos mezclas separadas de frío y luego cálido. Siempre uso el azul cerúleo como base para mis enfriamientos en Tengo eso preparado y listo para ir en mi paleta diluida. Incluso antes de comenzar con este amarillo amarillo cadmio. Empiezo muy ligero, amarillo cadmio puro, y lo estamos haciendo muy ligero para que podamos crear una agradable transición uniforme porque mezclar amarillo y azul obviamente hace verde, y no queremos que haya un verde obvio en el cielo Entonces vamos a tener que hacer esto poco a poco. Y estoy siendo muy cauteloso aquí con los dos troncos de árboles a la izquierda Estoy tratando de pintar alrededor de ellos. Así que mantuve esa zona seca. Para que haya calor viniendo a través de esos árboles. Pero no tenemos que ser demasiado quisquillosos al respecto, de verdad. El cielo principal en el medio es en lo que nos estamos enfocando, y estamos pintando sobre los otros bits. Así que asegúrate de enfocarte en el medio aquí, y luego agregar un poco de rojo cadmio Apenas es perceptible, pero lo estoy haciendo de nuevo, porque no quiero que haya un verde obvio cuando mezclo la zona cálida del cielo, que es amarilla y azul. Entonces ya estoy creando una transición con este amarillo. Es más fuerte en la parte inferior y se desvanece al blanco del papel en la parte superior Y lo hago incluso antes de agregar este azul. Mientras tengamos el papel mojado, no manchará el papel, así que siempre podemos fregar si cometemos errores. Déjame darte algunos otros consejos que te ayudarán a pintar un cielo de lavado tan grande como este. Si nuestro azul es demasiado fuerte, dominará la mezcla, y luego se pondrá verde. Así que ten cuidado con tus blues como yo y ve poco a poco, mantenlos muy ligeros, y luego poco a poco agrega más en la parte superior. Además, queremos no mezclar el azul y el amarillo en una pata compartida. Queremos que se reúnan en voz baja en el medio. Entonces a pesar de que es un solo lavado, lo estoy imaginando en mi ojo como dos lavados separados combinados. Entonces me estoy desvaneciendo el amarillo a nada a medida que sube y desvaneciendo el azul a nada a medida que baja Y es casi como un gris en el medio. 6. Construcción en el cielo: Entonces ahora estamos trabajando en ello, nuevamente, agregando más pigmento. Ahora que hemos mezclado bien eso y podemos ver que no es verde, podemos agregar un poco más de azul en la parte superior y trabajar en la transición en este momento, la transición no es tan suave Es bastante repentino. Pasa de un azul profundo a un amarillo en la parte inferior. Entonces vamos a tener que suavizar eso. Observe, en esta etapa, en las esquinas izquierda y derecha, realidad estoy agregando un poco de azul ultramarino en ahí porque hace que parezca aún más frío ya que se aleja más de esa puesta de sol en el horizonte, en los Estoy tratando de completar el cielo, este lavado en una capa uniforme de humedad. No quiero que algunas secciones estén casi secas y otras áreas empapadas porque entonces habrá bordes duros y no será lisa. Entonces, si me encuentro teniendo que agregar más pigmento a otra sección y la hace más húmeda, entonces tengo que compensar eso y hacer que otras áreas sean igualmente húmedas y agregarles más humedad para que quede parejo Porque mientras esté húmedo y uniforme, se secará, agradable y suave, y las transiciones estarán limpias. Mientras todavía está húmedo, también, estoy usando un pañuelo, un tejido enrollado para recoger algo del pigmento donde están los troncos de los árboles, donde estará la nieve en los árboles porque quiero pintar ese azul porque va a ser la nieve y la sombra Y si es amarillo, y claro, el azul encima de ese amarillo se volverá verde. No es esencial recuperar la blancura pura del papel. Simplemente quitando algo de esa amarillez porque el azul que usaremos más tarde es azul bastante profundo, por lo que no se verá verde si el amarillo es claro Mientras hago esto, estoy consciente del secado del papel en el cielo y cuando está 80% seco, así que todavía húmedo pero no completamente seco, voy a usar algunos colores cálidos, algunos alizarina carmesí Y un poco de siena quemada para pintar algunos árboles distantes que tipo de derretirse en el cielo Así que están un poco desenfocados y se mezclan con el cielo. Y para conseguir esa buena mezcla, el papel tiene que estar ligeramente húmedo. Entonces se trata de cronometrar. No quiere ser césped y mojado y no quiere estar completamente seco, solo 80 a 90% seco para que mantenga su forma, pero no tenemos un borde duro Y de hecho conectaremos esto a los árboles de fondo al final, el último paso de la pintura. Pero con la acuarela, siempre pensamos con el final en mente. Entonces tenemos que pintar esta sección ahora para lograr ese borde húmedo sobre húmedo suave con el cielo. Aunque la forma junto a ella, no pintamos hasta el final. Entonces, en el lado izquierdo de esta forma, va a mezclarse con el cielo, y luego en el lado derecho, se va a mezclar con los árboles de fondo azul. Entonces, de hecho, no necesitamos preocuparnos realmente por cómo se ve en el lado derecho porque lo superpondremos más adelante. Añadiendo un poco de púrpura ahí también. 7. Árboles del fondo izquierdo: Así que he usado un secador de pelo para secarlo completamente. Así que no tengo que preocuparme de que mis manos lo toquen porque ahora el cielo está completamente seco y puede pasar a la siguiente etapa, que es comenzar de izquierda a derecha, pintando algunos árboles de fondo. Y estos pueden ser bastante abstractos, y no quiero que sea de un color vibrante. Entonces estoy usando alizarin carmesí y cualquier azul que puedas usar. He usado cobalto. Y mezclar estos dos juntos crea un púrpura, pero no un púrpura vibrante, una especie de púrpura grisáceo Y eso es lo que estoy buscando. He pintado algunas formas de contorno de rocas. Y con un pincel de tamaño pequeño a mediano, voy subiendo y llenando esta área de una manera bastante abstracta. No quiero que este sea el centro de interés. Solo quiero divertirme con algunas texturas, así que estoy jugando mientras lo hago. Esta roca que estoy pintando ahora está un poco más cerca del primer plano, por lo que le tiene un poco más de vitalidad Pero incluso estas cosas realmente no importan. Sólo me estoy divirtiendo jugando. No es el centro de interés, así que no va a afectar tan fuertemente a la composición. Solo estoy dejando un pequeño hueco blanco en la parte superior para indicar un chispeante de nieve en la parte superior y dejando caer poco de agua pura y otros pigmentos aleatorios. Como el papel se está secando, solo para fomentar algo de textura. Porque al agregar esta textura etérea al fondo, estamos siendo muy sugerentes y fomenta la imaginación en el espectador Les hace participar en la pintura, y aunque sea subconsciente, hace que sea más interesante para ellos hacerlo Y como este lavado abstracto llega a la cima, estoy usando el Tift my brush para implicar algún tipo de ramas giratorias Tinches ramas que han perdido sus hojas en invierno. Observe cómo usé ese morado silenciado como lavado de base. Y luego me caí un poco azul para crear algunos toques de frescor dentro eso y algunos toques de siena quemada para crear algo de calor dentro Y luego parpadeo el agua y pigmento de vez en cuando se seca para aumentar esa textura Y luego tendido sobre esas ramas delgadas, usando la punta misma de mi cepillo. 8. Crear profundidad: Ahora podemos empezar a trabajar desde el fondo hasta el primer plano Y a medida que lo hacemos, tenemos que ser más fuertes con nuestro pigmento porque la atmósfera y el aire se disipan a medida que se acerca Entonces las formas son un poco más sólidas. Así que hacemos una especie de transición de ramas abstractas y formas y texturas a formas que son un poco más comprensibles. Pero el fondo aún no está completamente mojado. Entonces cuando aplico estos trazos ahora, sangran un poco y crean algo de suavidad. Incluso estoy usando el borde de mi pincel para crear algunas marcas de pincel seco. Solo para crear un poco de ruido porque esta sección que estamos pintando ahora es el contraste con la suave nieve que estaremos pintando más tarde. La mayor parte de esta pintura será nieve blanca con transiciones suaves en las sombras. E irónicamente, la nieve es el blanco del papel, así que en realidad no pintamos la nieve Entonces alrededor de un tercio de todo este cuadro en realidad no tenemos que pintar. Esta zona ahora, solo nos estamos divirtiendo creando textura y muchas de ellas son líneas verticales. Se puede ver que aquí hay un énfasis para ir vertical. No todo es perfectamente vertical y las ramas son un poco onduladas, no las estoy manteniendo perfectamente rectas, pero crea un flujo, tu ojo baja de estas ramas hasta los troncos de los árboles y luego va directo por la sombra hacia el arroyo que luego estaremos pintando y luego retrocediendo el árbol del otro lado Entonces dondequiera que tu ojo aterrice en esta pintura, tiene un lugar adonde ir. No se va a perder el ojo. No es confuso, y tiene una sensación de tranquilidad porque nuestro ojo se guía de esa manera Entonces agregando un poco más de pigmento a medida que nos acercamos. Así que bastante al azar, y muchas veces son estas formas aleatorias las que pueden tomar un poco más de tiempo porque es difícil trabajar al azar como humanos, tratamos de ser lógicos y resolver las cosas para que tengan sentido. Entonces, crear algo que no parezca forzado a veces puede ser un reto. Pero la idea básica es de izquierda a derecha en esta sección, vamos de troncos delgados a troncos más gruesos Creo que hay alrededor de cinco o seis de ellos, y estamos creando un poco de variación en el tono, cada vez más oscuro a medida que se presenta. Algunos de ellos tienen un poco más de calidez, un poco más de siena quemada, algunos de ellos son un poco más azules o morados 9. Capa inferior de árboles en el fondo izquierdo: Ahora podemos empezar a trabajar en el árbol principal, el tipo de punto de enfoque llamativo. Y vamos a comenzar con las ramas que se conectan a él y podemos usar cualquier color azul que queramos todo el camino desde un azul ish púrpura hasta un azul turquiso Empecé con una especie de azul púrpura más profundo en el borde ahí, y luego en esta rama principal, el tipo central de tronco de la misma, estoy jugando con azules más claros, azules morados, todo dentro de ese mismo lavado, básicamente porque está todo conectado o y queremos pintar lo suficiente para que tenga suficiente contraste contra el fondo. No queremos que sea más ligero que el fondo. Y luego tenemos que tener en cuenta, si nos fijamos en el cuadro final que estamos pintando el lado izquierdo como nieve a la sombra. Eso es lo que estamos pintando ahora mismo. Y luego más adelante, iremos por encima de esto en el lado derecho como la rama de madera, el tronco de madera, la madera real del árbol, la corteza. Bien. Entonces no necesitamos que este morado sea súper oscuro porque aunque se siente extraño pintar azul como nieve, en realidad esta es nieve a la sombra. Se puede ver como este azul se ve ligeramente verde. Pero como es de un amarillo muy claro de fondo, no es un verde muy vibrante. Es más como un verde turquesa, aún agradable y encaja con la armonía de la pintura Entonces puede parecer un poco caótico, imagino, pintar un árbol, saber dónde están las ramas Pero si puedes ver, tenemos el tronco principal y sólo hay cuatro ramas que salen de él. Y el tipo de regla es que el tronco se vuelve más delgado a medida que subes , claro, pero siempre es igual en partes. Así que cada rama que se desprende quita de ese grosor. Entonces tienes que resolver si estas ramas se armaran, todas serían del mismo grosor. Esa es la regla general. No tienes que seguirlo exactamente. No tienes que sacar una cinta métrica. Ahora lo estamos conectando al siguiente árbol a lo largo del que está en el borde, y todo lo que necesitamos son unas cuatro o cinco ramas que salen de él, y luego usaremos la punta de nuestro pincel más adelante para agregar cargas de pequeñas ramas de una sola línea más pequeñas para volver a crear un flujo y un ritmo, pero llegaremos a eso un poco más tarde. Por el momento, solo estamos conectando estas sucursales. Cuando sea posible, es una buena idea conectar tus formas para que nada quede completamente aislado porque crea una sensación de cohesión y todo se siente un poco más estable. Entonces estoy jugando con violeta azul cerúleo. También puedes mezclar tu propia violeta con Alsuan carmesí Un bonito tono medio. Todo un lavado parejo. 10. Ramas delgadas: Ahora podemos empezar a pensar en esas diminutas ramitas. Y en la parte inferior, son bastante horizontales. Y luego a medida que van subiendo, se curvan un poco más alrededor. Y estamos empezando agradables y ligeros y poniéndolos en capas. Aquí es donde es importante tener un cepillo. Tenemos una buena propina. No quieres estar usando un cepillo enorme para esto porque no obtendrás una punta delgada. Pero al mismo tiempo, no quieres usar un pincel muy, muy pequeño porque terminarás teniendo que ir y venir entre tu paleta tantas veces porque los pinceles pequeños no contienen tanta agua. Así que intenta ir por un pincel lo más grande que puedas que todavía tenga una punta y del que aún sientas el control porque, claro, tienes que tocar el papel justo en la punta. Puedes usar tu dedo como una especie de ancla al hacer esto, si quieres, también. Y es más fácil si sostienes el pincel completamente vertical porque la punta está en el mismo borde. Trato de inclinar mi mano al filmar esto para que no cubra la pintura para que veas lo que está pasando. Pero es mucho más fácil sostener tu pincel vertical. Así que ya ves que hemos agregado todas esas pequeñas ramas, y las estamos estratificando tal manera que simplemente se siente como una textura afilada, y nos estamos volviendo gradualmente más y más oscuros a medida que avanza Y eventualmente, más adelante, una vez que hayamos elaborado nuestros valores tonales, haremos algunos de ellos en negro Pero aún no queremos llegar a esa etapa. No queremos que sean demasiado oscuros. Queremos mantenerlos todos valores y tonos similares por el momento. Ahora, ahora mismo, quiero extender esta sombra azul hacia el suelo nevado de abajo, pero quiero que haga la transición al blanco Así que voy a bajar el lavado, y luego voy a limpiar mi cepillo y poco a poco lo voy a desvanecer. Entonces llenando el área que quiero pintar para empezar, como estoy en este momento, y esto es una especie de azul cobalto. Después lavo mi pincel y lo extiendo y pinto toda esa zona más allá donde quiero que vaya con agua limpia. Y luego solo lo toco y lo agito solo un poco para que se desangre. 11. Pintar la corteza: Ahora podemos empezar a pintar la corteza del árbol. Y quiero un marrón neutro para eso, así que estoy usando un poco de siena quemada con negro e incluso un poco de azul ultramarino para neutralizarlo Entonces es una especie de color gris, de verdad. Al menos eso es con lo que empiezo. También es una consistencia bastante espesa. Entonces es lo suficientemente gruesa como para que no corra en la paleta, pero sigue siendo muy maleable con mi pincel Y solo estoy tocando algunas áreas para comenzar. Y luego una vez que está en el papel, solo puedo usar ese pigmento que está en mi papel para llenarlo, así no tengo que ir y venir a mi paladar frecuentemente. Y si está demasiado oscuro, entonces podemos levantarlo más tarde. Pero por el momento, estoy usando el pigmento que está en mi papel, y una vez que esté extendido, se aclarará Entonces parece negro para empezar, pero verás cómo va más claro después una vez que lo extendamos, el marrón comienza a mostrarse y cómo pintando estos pequeños toques de marrón, realidad crea la ilusión de nieve en el árbol. Pintura en el lado derecho del árbol. Formas muy orgánicas, bastante aleatorias. Por suerte, puedo ver mis marcas de lápiz en el dibujo de abajo, así que tengo una buena guía a seguir. Ahí vamos. Ahora podemos volver a la paleta para ajustar el valor para hacerla un poco oscura en algunas zonas. Usando la punta de mi pincel para crear el contorno de la forma y luego usar más presión para llenar el espacio intermedio. Es por eso que extendí el azul del tronco a las sombras de la nieve de abajo porque sabía que iba a pintar esta zona de tronco marrón oscuro encima de ella. Entonces, aunque no esté listo para pintar la totalidad de las sombras en el suelo, tuve que por lo menos pintar esta parte. Por eso creé una transición para poder volver a ella más tarde y crear una perfecta. Así que no va a ser notable que en realidad pinté las sombras del suelo en dos partes porque quiero pasar un poco más de tiempo para averigarlas más tarde. 12. Terminar los árboles de la izquierda: Ahora sabemos qué colores y valores hemos utilizado para el tronco principal. Podemos usar este color para pintar todas las mini ramas delgadas que se desprenden de él. Estamos agregando otra capa a esa textura en el fondo. Nuevamente, estamos usando estas ramas para crear una sensación de flujo y ritmo. Ahí es donde hay que tener en cuenta, mientras estás pintando este flujo y ritmo y dirigiendo el ojo, ¿a dónde quieres que vaya la dirección del ojo? Hay que pensar también dónde se superponen algunas de estas ramas. Entonces hay que tener este tipo de ilusión de espacio. Y mientras lo estás pintando, tienes que pensar en la profundidad. Hay una o dos ramas que van en parte superior del árbol debajo de él más atrás. Para que veas como cuando estoy pintando esta rama, en realidad estoy dejando un pequeño hueco y luego conectándolo por debajo para que parezca que la nieve va por encima, pero en realidad solo hemos pintado las partes entre ellas. La punta misma del pincel. Vamos a crear estas pequeñas ramas tensas y curvilíneas. Realmente no queremos que estas sean marcas gruesas. De lo contrario arruinará la ilusión. Puede llevar un poco de tiempo, pero es una gran práctica para la versatilidad de las manos y la memoria muscular. Nuevamente, mantener el pincel vertical perpendicular al papel hace que esto sea mucho más fácil. Lo estoy inclinando ligeramente para que me veas pintándolo. Pero si estuviera pintando esto solo sin cámara, mantendría completamente vertical, lo que tiene sentido porque la punta debería estar apuntando hacia abajo. Si lo sostienes en ángulo y tocas el papel, no será tan puntizado. 13. Nieve en primer plano: Bien. Ahora hemos terminado los árboles más o menos a la izquierda, y podemos empezar a trabajar en las sombras de nieve, la orilla en primer plano Y estoy pre mojando toda esa sección para empezar. Y puedes elegir qué color azul quieres para la nieve. Esa es la magia de pintar esto. Sólo hay que mantenerlo fresco. Puedes tener púrpura, azul, incluso un poco de verde, pero no demasiado verde, un azul que está influenciado por el verde Y mojando primero el papel, podemos crear estas bonitas masas suaves, comenzando bastante oscuras, yendo hasta la esquina para que cuando quitemos la cinta, haya un bonito borde limpio, y se desvanezca Tengo algunas líneas de lápiz para marcar aproximadamente dónde quiero que haya algo de sombreado Y este sombreado no es nada particular es solo para agregar un poco de interés para que no sea solo blanco puro del papel Le da un poco de forma. Puede ayudar a suavizar algunas áreas si no se está difuminando por sí mismo lo suficientemente rápido Cuanto más húmedo esté el papel, más suaves serán las transiciones Entonces, si quieres que haya transiciones más duras, espera un poco hasta que se seque un poco más Estos solo tienen que ser sutiles porque volveremos en el siguiente paso una vez que esto esté completamente seco, y crearemos algunos bordes duros para acompañarlo. Entonces por el momento, son agradables y suaves. Pero crear esa dinámica de algunos bordes suaves, algunos bordes duros es lo que hace que una composición sea agradable. Entonces ahora estamos conectando la fiera de sombras que pintamos antes, y estamos haciendo exactamente lo mismo que hicimos al pintar en primer lugar. Llenándolo y luego pasándolo a ese lavado de abajo Y porque creamos esa transición, es perfecta. Parece que está todo pintado al mismo tiempo. Entonces aquí es donde vamos a empezar a pintar algunos bordes más duros en las sombras, teniendo ese rango entre bordes duros y bordes suaves. Y estas sombras también, como las ramas, conducen el ojo, le dan dirección. Se pueden ver las sombras apuntando hacia adentro hacia la composición E incluso esas sombras suaves en primer plano son horizontales y están siguiendo esa línea de dirección del río o arroyo Aquí no voy a añadir líneas verticales. Ya tenemos líneas verticales en los árboles de arriba, y es una herramienta compositiva común tener verticales y horizontales en paisajes, formas de búho, se les conoce como 14. Variar los bordes: Sigo jugando con formas horizontales perdidas y encontradas, formas orgánicas de diferentes tamaños. No muchas líneas rectas, manteniéndolas suaves y fluidas. Y de este lado, las sombras van a desembocar en la orilla del río. Así que estoy pre mojando algunas secciones y luego dejando caer algún pigmento azul, pequeños puntitos porque de nuevo, es contraste. Esos dos pequeños puntitos, contrastan con las grandes formas que tenemos a su alrededor. Y esa variedad crea interés. Por supuesto, sin esos dos puntos, no haría mucha diferencia. Pero son estas pequeñas cosas sutiles las que podemos jugar con un experimento. Además de estas dos formas, estos pequeños agujeros que estamos haciendo en esta zona de primer plano, conducen la composición alrededor si miras a la mitad de la pintura, tenemos ese arroyo que baja y se mueve hacia el lado derecho, esquina derecha Entonces si miramos el árbol de la izquierda, eso está bajando y estos pequeños agujeros en la nieve siguen ese camino. Cuando pensamos en ello en nuestra mente, podríamos dibujar estas líneas principales, aunque estas líneas no existan en la pintura, son líneas implícitas, líneas de dirección implícitas. Eso es lo que son estas pequeñas marcas de pincel que estoy haciendo en el mismo borde de este banco de aquí. Son puramente para guiar el ojo. Hace que sea satisfactorio verlo, y también es satisfactorio pintar. Estoy dejando un pequeño hueco blanco en el borde de esta orilla aquí junto a estas líneas azules. Entonces cuando pintamos el arroyo , muestra el labio del borde de esta orilla. Entonces no todo es azul. 15. Bancos distantes: Se puede ver el procedimiento que estoy siguiendo. Empiezo con el cielo porque es la capa base. Entonces estoy trabajando de izquierda a derecha, comenzando desde arriba bajando. Entonces hicimos los árboles de fondo, luego las sombras de primer plano, y ahora nos estamos moviendo hacia el medio Entonces, comenzando por las sombras distantes, hay algunas rocas ahí que estoy manteniendo muy monótonas porque van a ser menos vibrantes que la distancia se suma a la ilusión de profundidad. Eso es un poco demasiado azul, así que voy a ablandarlo un poco, quitarle algo de ese azul, tal vez agregar un poco más Así que ahí hay un poco de alizarina carmesí. Y esta roca básicamente define el horizonte un poco mejor porque el blanco de la nieve es tan similar a la ligereza del cielo tonalmente, que necesitamos algo para señalarlo un poco más Entonces agrega un poco más de contraste en el horizonte. Ahora podemos empezar a pintar las sombras de la orilla del lado izquierdo. Así que estoy usando el azul cobalto como color base, y luego podemos empezar a meterse con otros tonos mientras lo hacemos Entonces agregándole un poco de alizarina carmesí para darle un poco Así que sigue siendo un color fresco, pero estamos agregando un poco de calidez a ese color fresco. Hace una especie de púrpura, realmente, una especie de color violeta. Esta calidez agrega un poco de comodidad porque de lo contrario sería demasiado escalofriante. Parecería demasiado frío. Por supuesto, la nieve es fría, pero tener ese elemento cálido con ella es lo que la hace sentir bien, equilibrada y reconfortante. Por supuesto, en la realidad, no habría rojo en esta sombra. Pero ahí es donde podemos usar nuestra licencia artística. Entonces, comenzando con un poco de azul cobalto audaz, y como hicimos con los otros elementos, podemos usar el pigmento que hay en nuestro papel para llenar el resto de las sombras. Fusionándolo a la izquierda, usando agua pura para mezclarlo ahí Observe también cómo he dejado algunas diminutas marcas blancas ahí del papel de abajo, y voy a tratar de conservarlas. Esos pequeños reflejos trabajan para implicar el borde o la forma de este montículo, aunque esté en la sombra Una vez que decidas un color para tus sombras de nieve, trata de quedarte con él y solo usa otros colores solo para agregar sutilmente un poco de variación, no para hacerlo completamente diferente porque de lo contrario no será identificable como lo mismo Si tuviera que hacer las sombras en primer plano moradas y la otra verde, realmente no tendría sentido 16. Desarrollar sombras: Lo que podemos hacer es transitar gradualmente el color de la sombra de nieve al color cálido en el fondo porque si está conectado, podemos relacionarnos con él y va a tener sentido. Pero si uno sombrea cálido y una sombra es fría, será difícil entenderlo como lo mismo. Así que poco a poco podemos mezclarlo en esta cálida sombra a medida que retrocede en la distancia Y no queremos pintar en el agua. Entonces tenemos que pensar en cómo queremos que sean las rocas. Por supuesto, las rocas también estarán cubiertas de nieve. Así que podemos simplemente bloquearlo como un simple tipo de forma. mejor queremos ablandarlo para que haga la transición al agua Una vez que todo esté más o menos lleno así, entonces podremos empezar a jugar con valores y a crear un poco más de profundidad y capas Porque no todo es un terreno plano. Tenemos diferentes montículos escondidos detrás de otros montículos encima de otros Entonces podemos agregar un poco más de pigmento para diferenciar dónde están estos montículos Siento que no es lo suficientemente oscuro, así que estoy agregando un poco más de pigmento aquí. Para aumentar la profundidad de todo, luego limpiando mi cepillo para que pueda crear una transición perfecta ahí dentro. Y aunque todavía está húmedo, puedo dejar caer más pigmentado hasta que sienta que está bien Lo bueno de pintar las cosas a la sombra es que, al menos con acuarela, puedes ser un poco más esquivo con los detalles Entonces básicamente es solo bloquear las formas. Realmente no necesitamos detallar lo que está pasando dentro de las sombras. Y luego este último pequeño montículo en la parte de atrás, estoy pintando un poco más oscuro Así es como podemos crear un poco de diferencia oscuro y luego claro y luego oscuro otra vez. Añadiendo un poco más de alizarina carmesí para el calor que hay ahí dentro. Este es un buen ejemplo de cómo podemos romper las reglas y cómo no siempre tenemos que seguir la realidad exacta de las cosas. Entonces generalmente pensamos en los colores fríos como retrocediendo en la distancia y los colores cálidos que están de cerca. Pero aquí puedes ver cómo en realidad lo he hecho más cálido y más rojo en la distancia que en primer plano Sin embargo, todavía tiene sentido, y es una pintura legible. Es una escena plausible. Añadiendo aquí esta pequeña tira que también es una sombra, pero es más una herramienta compositiva para conectar las cosas de nuevo Y estas pequeñas marcas que no son demasiado difíciles de hacer esta pequeña raya azul, agrega un poco de detalle sin que sea demasiado complicada. Es una ilusión de detalle. 17. Sombras de la orilla derecha: Ahora que la orilla izquierda está terminada, podemos pintar la orilla derecha, y por supuesto, no va a quedar completamente a la sombra como la orilla izquierda. Entonces vamos a tener que abordarlo de otra manera. El sol viene ligeramente de la izquierda. Entonces va a estar parcialmente en la sombra. Va a estar rozando las copas de las rocas en la superficie de la nieve, así que va a haber un poco más Jugando con esa idea de contraste. Sombras suaves en el lado izquierdo y sombras texturizadas en el lado derecho. Manteniendo las líneas delgadas en el flujo direccional quiero que sean. Entonces se están curvando desde el agua y aplanándose a medida que llegan a esa línea del horizonte Y mi cepillo es un cepillo bastante sediento. No es un pincel completo, y eso es lo que crea la textura. No me sale tan fácilmente de mi cepillo. Entonces está rozando el diente del papel, creando un poco más Solo estoy usando tonos claros a medios aquí al pintar las sombras de nieve. Nunca quiero que estén demasiado oscuros porque entonces no van a parecer nieve. La nieve solo está en el rango de la luz a la gama media. Podemos dejar que algunos acentos más oscuros hagan algo pesado más adelante, pero para esta etapa, solo los estamos manteniendo en tonos medios. Si todo está sombreado, la nieve deja de sentirse como nieve Entonces claro, tenemos que permitir que se conserve el blanco del papel, la mayor parte. Y estamos pintando dirección. Entonces tenemos que pensar en la forma. Eso es lo que ayuda a trabajarlo en nuestras mentes. También es la nieve la que revela la calidad de la luz. Entonces, si fuera un día nublado, no estaríamos pintando esta nieve tan azul y vibrante como es. Estamos como contrastando esa calidez del atardecer. Y además, si estuviera nublado, no habría tantas sombras duras. No creo que sea fácil pintar nieve en días nublados porque no habría nada que nos informara sobre la forma de la nieve porque no habría sombras. Tienes que pensar en dónde están las crestas , las pequeñas pendientes, y cómo son suaves cambios de planos o ángulos, y cómo eso afecta a la luz Las formas de sombra limpia son mucho más importantes que toda la textura. Entonces es por eso que los bloqueamos primero, y ahora podemos comenzar a fregar y suavizar algunas áreas y crear esa textura emocionante encima de ella 18. Capa inferior de árboles en primer plano derecho: El lado derecho de la pintura se hará de manera diferente al lado izquierdo. Entonces tenemos mucha textura y ramas nevadas en el lado izquierdo, mientras que en el lado derecho, vamos a tener algunos árboles de primer plano, pero el fondo será un suave lavado de árboles pero el fondo será de Comenzaremos pintando el lado nevado de estos árboles principales, color similar a las otras sombras de nieve que hemos pintado. Manteniendo el azul alineado con el resto de los azules que he usado, que es un azul cobalto. Pero eres bienvenido a experimentar con diferentes blues. Se puede utilizar serllium o ultramarino. Pero incluso conmigo seleccionando este azul cobalto, no lo voy a mantener plano. Estoy dejando caer un poco de alizarina carmesí para darle un poco de tinte púrpura Y a lo mejor voy a añadir algo de cerrillano también. A lo mejor estoy iluminando algunas áreas ahora. Estoy haciendo un pincel sediento para que esté chupando algo del pigmento, creando un poco de variedad nuevamente Añadiendo un poco de violeta ahí. No necesitamos ser demasiado precarios para llenar esta área porque vamos a venir sobre porque vamos a venir esta área con el marrón como lo hicimos en los otros árboles, y estaremos llenando ambos lados con un lavado más oscuro para los árboles de fondo Así que no necesitamos preocuparnos demasiado por pintar sobre el borde. Por supuesto, ayuda a ser lo más precisos que podamos, pero no queremos que limite nuestra expresión y nuestra diversión. Dos. Y se puede ver la misma manera que usamos la sombra del árbol para atraernos a la pintura del lado izquierdo, lo hemos hecho aquí también. Entonces la sombra en la parte inferior del árbol funciona como una línea direccional para que inconscientemente nos dibuje hacia el centro de la pintura Si pones el dedo en el medio, podrías ver todas las líneas sutiles que lo están enfrentando desde las sombras hasta el arroyo hasta las hasta el arroyo hasta diminutas ramas delgadas que se curvan alrededor y hacia él 19. Preparación de la transmisión: Así que ya lo he secado completamente, y vamos a empezar a pintar el arroyo. Antes de hacer el lavado principal del arroyo, voy a pintar las rocas del lado que se funden con el arroyo. Básicamente estoy pintando las rocas y los reflejos de estas rocas en el agua usando pigmento oscuro. Este pigmento oscuro será más oscuro que el arroyo que estamos pintando porque realmente el agua es un reflejo del cielo, no del agua misma. Y si pinto estos reflejos encima del lavado que estaremos pintando para el arroyo, entonces lo agitaremos y no estará tan limpio Entonces pintando estas reflexiones antemano como lo estamos haciendo ahora, podemos conectarlas sin problemas al lavado único que haremos para la corriente en un poco. Como dije, el agua es básicamente el reflejo del cielo. Pero cada vez que el agua está en la sombra, realidad vemos a través del agua misma en lugar del reflejo. Entonces en la parte de atrás donde están las crestas y las orillas, eso va a estar creando una sombra en el agua Entonces quiero que el agua esté bastante oscura ahí. Y de igual manera, estas partes donde estoy pintando el contorno de las rocas. Estaremos viendo el agua a través del reflejo. Así que con cuidado solo estoy pintando el contorno de donde la nieve se encuentra con el agua. Y luego quiero hacer la transición hacia fuera al blanco del periódico. Como palabras, estoy bloqueando la forma general usando un pigmento azul grueso. Cuando es tan espeso así y concentrado, parece negro, pero en realidad es azul oscuro. Es un color azul oscuro apagado que estoy usando. De hecho, para obtener este color, he ido a la misma sección de mi paleta, el mismo marrón que usé para los árboles, pero he añadido un poco de azul ultramar Y se puede ver cómo se crea este azul silenciado. No es vibrante en absoluto. Es una especie de turbio color azul. Una especie de trabajo para bajar a través de estas crestas. Están usando agua pura para que se realice una transición sin problemas. Ahora, para prepararme para el lavado principal del arroyo, estoy prehumedeciendo toda el área, teniendo cuidado solo de subir a la zona en la que quiero coloreada. Entonces quiero dejar un poquito de blanco en el borde en la parte inferior aquí. Y voy a usar la punta de mi pincel para asegurarme de definir cuidadosamente el borde en la parte superior del lado aquí, dejando un poco de espacio en blanco del borde sobresaliente. 20. Comenzar con el agua: Quiero comenzar con un bonito resplandor en la parte superior. Entonces estoy usando ocre amarillo, dejándolo caer en el papel mojado Y eso va a empezar a mezclarse por sí mismo, pero voy a usar ese pigmento oscuro arriba para conectarlo. Entonces voy a agitarlo, frotar mi pincel alrededor para que se mezcle ahí y haga la transición hacia el arroyo Me gusta una gradación. Entonces ese tipo de amarillo dorado es como un espejo al cielo. Y ahora podemos empezar a conectar y pintar el resto del arroyo. No quiero que haya líneas duras en el arroyo. Entonces, por el momento, estoy usando el verde viridiano, usando el azul de mi paleta para hacerla un poco más turquesa Algún azul cerúleo dentro de allí también. Estoy mezclando todos mis blues jugando, sin proporciones específicas, teniendo una sensación Estos son todos los colores que utilizo en cada cuadro. Entonces solo tengo un sentido de lo que me gusta. Entonces estoy usando un poco de serleon un poco de ultramarino y un poco de cobalto, donde siento que se siente en forma de usarlos Y eso es parte de tu práctica experimental que es única para ti jugando para tener una idea de lo que te gusta. Oscureciéndola en las esquinas ahí. Debido a que está mojado sobre mojado, no necesitamos preocuparnos por ningún borde duro. El único borde duro que queremos es donde llegue a la orilla del río. Dejando caer mucho pigmento, extendiéndolo hacia abajo. A medida que el arroyo se acerca a nosotros, pasará del cielo al color del agua. Y se va a oscurecer también. Entonces estoy mezclando un azul muy oscuro aquí y eligiendo cuidadosamente hasta dónde quiero que baje el arroyo. Entonces estoy confiando en mi marca de lápiz aquí, dejando ahí un pequeño labio del papel blanco Mezclando quiero que sea audaz aquí, así que estoy mezclando un verde más sólido. Puedo extenderlo. Todavía no estoy haciendo todos los pedacitos complicados. Solo estoy bloqueando el color principal para empezar y trabajando mi camino hacia abajo. 21. Oscureciéndose: Ponerse agradable y oscuro a medida que se acerca a nosotros. Hay una agradable transición del ocre amarillo. Entonces se vuelve más claro, y luego va al verde ultramarino, y luego un poco neutraliza, se vuelve más oscuro, pero es de un color más Todavía un poco verde en la parte inferior ahí. Entonces podemos agregar más pigmento oscuro para aumentar el contraste porque es este pigmento oscuro en el agua lo que realmente hace que el blanco de la nieve destaque. Sin esta característica de agua, se vería bastante plana. Necesitarías algo. mejor podrías hacer un camino en lugar de agua, pero siempre me gusta pintar agua cuando puedo porque es una excusa para usar más color. Ahora que hemos llenado la mayor parte del área, podemos empezar a meterse con el borde de la misma Si tuviéramos que juguetear con estos detalles al principio, la mitad del lavado terminaría incluso antes de que lo llenáramos completamente, y crearía bordes duros, y se vería desconectado en lugar de un solo lavado Pero al menos si lo cubres todo para empezar, puedes ir y venir y mantener el lavado incluso húmedo para que se seque parejo y todo esté conectado en un flujo armónico Añadiendo y dejando caer más pigmento más cerca los bordes porque me estoy imaginando piedras y guijarros más oscuros en el agua que está más cerca de la superficie en el A medida que profundizas, las partículas en el agua la hacen un poco más ligera. En el lado derecho, parece un poco como que la nieve está flotando ahí en lugar de estar realmente conectada a ella. Entonces voy a dejar caer un poco más de pigmento en la parte de atrás solo para ayudar a darle un poco más de forma, poco de sombra, un poco de reflexión para que se sienta como si estuviera conectado a tierra y conectado a él. Unas pocas líneas horizontales mientras aún está húmedo para dar la ilusión de ondulaciones Y nuevamente, ese contraste horizontal entre los árboles verticales y las líneas horizontales. Siempre y cuando tus pigmentos estén muy manchados y los mantengas constantemente mojados, puedes dar y tomar casi todo el tiempo que quieras. Si está demasiado oscuro, puedes sacar pigmento, si es demasiado ligero, puedes agregar más, siempre y cuando seas capaz de mantenerlo húmedo. Por supuesto, idealmente, no quieres seguir yendo y viniendo para siempre, pero nadie puede esperar hacerlo bien primero dar la vuelta. Al hacerlo de esta manera de mantener todo constantemente mojado, nos da espacio y tiempo para pensarlo. 22. Arrancar los árboles adecuados para el fondo: Así que ahora estamos acabando con el agua, y estamos agregando algunas pequeñas lecturas o pastos que están asomando a través de la nieve en la orilla Y son estos pequeños acentos agudos, pequeños toques diminutos los que le dan la ilusión de detalle. Es detalle, pero no es difícil realismo. Entonces son algunos toques estas pequeñas marcas negras aleatorias. Y del otro lado, podemos hacer algunos pastos, tal vez un poco más. Esta vez, marrón. Entonces tenemos ramas azules arriba y marrón lee abajo. Y ese juego de cálido y fresco continúa. Estos también son direccionales. Mira cómo esos rojos del lado izquierdo también están apuntando hacia el centro. Son estos conceptos los que pueden guiar tu pensamiento a la hora pintar tus propios cuadros. Pero ahora estamos pintando los árboles de fondo en el lado derecho, y mojé previamente el papel, como siempre, para crear una transición suave de los naranjos a los azules. Como ya sabrás, el naranja y el azul son colores complementarios. Entonces cuando se mezclan, hacen gris o al menos una especie de color fangoso Eso no es necesariamente malo, en realidad, sobre todo en la distancia donde va a estar más silenciado de todos modos Pero eso no es en realidad a lo que voy a buscar. Quiero que haya calor, calor en estos árboles que brillan por el sol que viene de detrás de ellos. Entonces, para salvarlo de ser demasiado gris, me he caído un poco de carmesí alizarina donde este azul pasa Para que sea una transición más limpia, transición más colorida. Pintar todo el camino hacia abajo, pintar negativamente ese horizonte o al menos donde la nieve se encuentra con esos árboles. Ahí tiene un bonito borde duro. Entonces estoy pintando al borde de este árbol principal a la derecha, lo suficientemente oscuro como para que haya una clara distinción entre los árboles de fondo y ese árbol de primer plano Estoy usando un bonito azul cerúleo en este momento. M 23. Temperatura variable: Mezclar la siena quemada con un carmesí alizarina mientras todavía está muy húmeda en el papel, Este pigmento tibio se mezcla con el lavado frío de abajo, y estamos permitiendo que la acuarela se mezcle sola Todo lo que estoy haciendo es dejarlo caer, tocar el papel, y dejar que la succión extraigan el pigmento hacia ese lavado y permitir que haga lo suyo. Por supuesto, estoy eligiendo más o menos a dónde van esas gotas, y elijo hacerlo cuando el papel está en su cierta humedad, cuando es bonito y brillante Pero aparte de eso, ya no lo voy a tocar. Y si lo toco, será porque estoy tratando de fomentar más textura. Pero si no quiero textura, voy a permitir que se alise. Entonces, a pesar de que estamos permitiendo que el pigmento haga lo suyo, estamos eligiendo manipularlo como lo queremos. Entonces hay algún elemento de imprevisibilidad para ello. Pero al mismo tiempo, a través la práctica y la experimentación, casi podemos predecir la imprevisibilidad en ella Podemos predecir los efectos que se lograrán sin conocer con certeza el desenlace. Si tuvieras que cortar esta sección, estos árboles distantes al fondo, al mirarlos aislados, nunca pensarías que son árboles. Simplemente pensarías que es una mezcla abstracta rara de naranja a azul. Pero dentro del contexto de la pintura, nuestro ojo llena el vacío. Nuestra imaginación le da sentido. Así que no hay necesidad de dibujar todos los detalles para estas cosas. Dibujamos detalles para los temas principales, los puntos focales destacados, los árboles, los árboles de primer plano , es decir Pero todo lo demás es más esquivo. Y por eso, es más etéreo. Entonces ahora estoy pintando esa sección media, y tengo que mezclar y combinar los colores. A pesar de que estoy empezando con el ultramarino, tengo que hacer la alusión que todo es parte de la misma Entonces estoy recogiendo algo de ese color y dejándolo caer del otro lado, y de igual manera, estoy recogiendo algo de ese color en el otro lado y dejándolo caer en el medio 24. Conectar el fondo: Voy a caer un poco de marrón, un gris muy neutro como el marrón, en realidad, sólo porque ahí es un poco demasiado vibrante. No quiero que sea un azul plano. Y fíjate en la parte superior, estoy usando la punta de mi pincel para crear esa textura de ramas delgadas o hojas arremolinadas al viento Volteándolo con agua pura para crear un poco más de textura, incluso dejando caer algo Y cuando haces eso, el efecto es un instante. Tarda dos o 3 minutos en aparecer. El cuadro esta pequeña sección por encima de eso otra vez, necesita parecer que está conectado, pero en realidad no está conectado por el mismo lavado. Entonces tienes que mezclar y combinar los colores agregando un poco de cribsd lagarto en el borde porque del otro lado de esa rama, hay una cribsid lagarto Entonces podemos comenzar por el lado derecho, usando, nuevamente, ultramarino agregando un poco de cribsd lagarto en el borde porque del otro lado de esa rama, hay una cribsid lagarto Entonces podemos comenzar por el lado derecho, usando, nuevamente, ultramarino para comenzar con en la parte inferior. Y entonces podemos empezar a jugar con colores cálidos ya que se mezcla hacia arriba. Creando un bonito borde duro y asegurándose que el borde de la línea de nieve coincida con el mismo nivel que el otro lado del árbol. El tono es muy importante aquí porque básicamente es del mismo color que el árbol, así que tenemos que hacerlo más oscuro para poder destacar. Añadiendo una agradable y cálida siena quemada en la parte superior y una franja oscura de ultramar en Y mira cómo se mezcla hacia arriba porque está mojado sobre húmedo, agregando algo de negro puro, en realidad. Se ve tan audaz y oscuro en este momento, pero a medida que se seque, se aclarará, sobre todo a medida que lo extendimos, también Empezando a mezclarlo en el cielo. Pero en realidad no quiero que sea una mezcla completa y suave. No hay problema con eso, en realidad, pero creo que voy a experimentar un poco más con las pinceladas finas. Siempre voy de ida y vuelta entre colores fríos y colores cálidos hasta que se sienta bien. Entonces ahora estoy mezclando marrón, que técnicamente es de un color cálido porque es como una naranja quemada. Y estoy agregando esas finas líneas en la parte superior donde están las ramas. No estoy seguro de qué tipo de árboles hay, tal vez sean pinos o simplemente árboles peludos en general, modo que esta transición suave en realidad se convierte en pequeños bordes bastante afilados al final Y todos básicamente están siguiendo la misma dirección que si una ráfaga de viento los estuviera soplando de esa manera 25. Textura diferente: Creo que aún puede oscurecerse un poco. Así que voy a mezclar un poco de seriliu blue y dejar caer eso. Me gusta seriliu porque las partículas son bastante gruesas. Entonces a medida que el papel se seca y las partículas se asientan sobre el papel, ahí se ve bastante textura. A veces cuando estás aplicando consistencia espesa como esta, es bastante terco y no quiere desprenderse del pincel, así que tengo que girar y tipo de exprimirlo de mi cepillo usando bastante presión No estoy siendo demasiado preciosa sobre dónde va ese pigmento oscuro, siempre y cuando esté en la parte inferior y poco a poco se desvanezca en la parte superior, porque está mojado, va a ser agradable y suave de todos modos Entonces mientras todavía está húmedo, estoy mezclando un blanco muy diluido. Parece que es un blanco sólido porque está húmedo. Pero en realidad, una vez que esto esté seco, verás que se desvanece. Y sobre todo porque el papel sigue húmedo en esta sección, se dispersará y casi parecerá que no es blanco. Pareceré como si solo estuviera extendido el pigmento. Pero agrega un poco más de atmósfera, un poco más de textura. Es un poco como rociar sal ahí, pero encuentro que la sal puede ser muy impredecible para mí. Así que he añadido un poco de gouache blanco mojado sobre mojado en su lugar 26. Terminar los árboles adecuados: Entonces ahora que esa área está completamente seca, podemos ir por encima del árbol para crear ese efecto de corteza de rama. Pero de este lado, es opuesto al otro lado en que la corteza estará en el lado izquierdo y no en el lado derecho. Entonces solo una delgada línea de marrón en la parte inferior puede crear esa alusión de forma de nieve asentándose en la rama Y tampoco le guardo una tira limpia de marrón. Es ondulante, muy orgánico, y tal vez haya pocas crestas en la corteza, algunas ramas rotas que crean un poco de textura Después usando un segundo pincel para llenarlo un poco más. Nuevamente, se ve negro cuando está concentrado, pero cuando le agregas agua y la extiendes, va de un color marrón más claro. Y este marrón cálido contrasta bastante bien con esos árboles distantes azules Son una pareja natural para mantener juntas. Entonces, a medida que llegamos al final de esta pintura, hay algunas cosas a considerar al pintar la tuya a lo largo de todo el proceso, pero específicamente al final para ver si hay alguna corrección que necesites hacer. Algo que preguntarse ¿está claro mi plan de gran valor? Entonces tienes nieve ligera, estructuras de tono medio y algunas anclas oscuras Se puede ver que los oscuros son muy limitados en esta pintura, pero dan vida a todo el espectro tonal Y ¿estás protegiendo las luces más brillantes, básicamente, las blancas, para que la nieve permanezca luminosa ¿Y tus sombras de nieve están organizadas en formas limpias y simples en lugar de muchos fragmentos rotos? Entonces tienes que pensar tu temperatura de colores. ¿Cómo afecta tu luz cálida a la escena y las sombras frías son complementarias a los elementos cálidos de tu pintura? ¿Qué sutiles cambios de colores estás agregando a tus lavados ¿Es solo un bloque de azul o vas a tener un toque de colores vecinos dentro de ahí Entonces, por ejemplo, en los árboles de fondo, tenemos azul, pero tenemos verde mezclado ahí. Y en las sombras en las orillas, tenemos azul con rojo mezclado ahí para crear una especie de púrpura. A pesar de que visualmente está sucediendo bastante en la escena, realidad se puede descomponer y simplificar en algunas masas fuertes porque esos árboles de la izquierda, aunque están llenos de líneas en detalle, realidad cuenta como un tipo de forma. Lo he hecho de una manera que tiene un bonito tipo de forma circular por ahí. Entonces, a pesar de que hay, como, una multitud de árboles ahí, funciona como una cuadra. Se simplifica en una sección. 27. Cómo lograr que se destaque: En este árbol de la mano derecha, podemos agregar algunas ramas delgadas como hicimos en el otro lado. No tantos, sin embargo, solo para crear un poco de dirección. Para que incremente esa influencia para mirar hacia la mitad de la pintura. Además, agregando estas pequeñas líneas afiladas en primer plano, agregan profundidad porque las cosas que son más nítidas en primer plano y las cosas que son más suaves en la distancia aumentan esa perspectiva, esa sensación de profundidad, el espacio, esa inmersión en la escena, por eso hemos mantenido los árboles detrás en la distancia suaves si hay demasiadas ramas afiladas agregan profundidad porque las cosas que son más nítidas en primer plano y las cosas que son más suaves en la distancia aumentan esa perspectiva, esa sensación de profundidad, el espacio, esa inmersión en la escena, por eso hemos mantenido los árboles detrás en la distancia suaves si hay demasiadas ramas afiladas, aplanaría las profundidad. Y también hay peligro en sobredescribir otros elementos. Si hay demasiada oscuridad en la nieve, mataría la luz. Por eso ese pequeño banco del lado izquierdo, todavía lo he mantenido como de tono medio. No es una oscuridad sólida ahí. Ahora estoy usando gh blanco grueso y pintando sobre la parte superior en algunas áreas clave donde puede agregar más profundidad. Entonces va a superponerse algunas áreas y pensar esto como una pizca de nieve pura que está golpeando la luz Entonces no estamos cubriendo grandes áreas. Solo estamos resaltando algunas secciones, tal vez algunas ondas en el agua que reflejaban el cielo brillante O algunas ramas delgadas que se superponen a una zona oscura. Debido a que algunas de estas áreas, las pequeñas áreas blancas habrían sido imposibles mantener sin poner en peligro el lavado expresivo que acabamos de pintar, especialmente sobre esta área arbórea de fondo ahora Mantuvo el pigmento bastante grueso en esta sección para que logre un tipo de textura de pincel seco. Si también está demasiado diluido, no será un blanco sólido. Simplemente se volvería gris y perderíamos ese efecto. Así que empieza a tratar de usar este lavado blanco lo más grueso que puedas hasta que no se pueda pintar Si no se puede pintar, entonces claro, diluirlo un poco. Pero llega a ese punto dulce donde solo puedes pintar con él antes de que se vuelva demasiado grueso. Si el ojo alguna vez se siente perdido, compara todo con el ritmo o el tronco más cercano y piensa, ¿Somos más claros o más oscuros que esos puntos de anclaje, esos puntos focales? Y entonces la simplicidad vuelve a eso. Siempre teniendo en cuenta el ritmo, especialmente al agregar estas marcas blancas aquí. Hay un cierto flujo que da sentido a todo el caos que trae la acuarela. 28. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar esta clase de acuarela sobre la pintura de un paisaje nevado Exploramos un plan de valores claro, la fuerza del papel reservado y cómo los sutiles cambios de temperatura hacen que la nieve sea luminosa en lugar de plana. Los bordes suaves y firmes dieron forma a árboles y bancos, mientras que los reflejos se manejaron como formas silenciosas y creíbles Las mismas ideas se aplican durante todo el año a las playas, los campos brillantes y las mañanas brumosas Una escena donde la luz y el espacio cuentan la historia. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras únicas de acuarela Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes avisarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento arriba para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos Espero que salgas de esta clase con un ojo más agudo para el valor y un toque más ligero para la luz Esperando verte en futuras clases hasta entonces adiós por ahora.