Pinta flores expresivas en acuarela: atmósfera, color y reflejo

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando una expresiva escena de flores japonesas en acuarela. Este tema es un alegre equilibrio de opuestos. Las formas estructuradas de los templos y el puente contra la naturaleza orgánica suelta. Dejaremos que una paleta armoniosa haga el canto, como rosas y magentas en verdes azules fríos y Todo alrededor de un diseño con grandes formas legibles. Espere pinceladas y reflejos expresivos que se sientan sugerentes más que literales El objetivo es la atmósfera y el sentimiento, no la perfección o los detalles pesados. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International watercolor Society, la Masters of watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión abajo. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y pintemos una escena donde la estructura y la naturaleza canten juntas. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse a esta clase. Estoy muy contenta de que hoy estés aquí conmigo. Piensa en esta pintura como una conversación entre la forma y el florecimiento Deja que la arquitectura se mantenga tranquila y elegante. Siluetas simples, neutrales tranquilos, mientras que las flores llegan como gestos de color a la deriva y resonando en el agua de color a la deriva y resonando Elige una paleta limitada que te sienta musical, dejando que las notas cálidas y frías se entreguen a través de ramas, piedra y follaje y permita unos momentos nítidos para guiar la vista a través del puente, línea del techo y el árbol. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante debajo de la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de pintar esta escena de flores, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar en la clase de hoy. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, ridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton, o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato qwinkles fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel Arches porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás para pintar en la clase de hoy. Pero por favor, si quieres experimentar con otras herramientas o colores, eres bienvenido a probarlos. Vamos a bosquejar la escena. 4. Preparación de la composición: Por lo que esta pintura tiene un equilibrio de estructura y muchos elementos orgánicos. Entonces el hombre hizo estructuras como el puente, el templo, el pabellón, una especie de ancla o el caos que está pasando con los árboles orgánicos y los fondos brumoso y el agua Pero aún así empezamos con formas muy orgánicas con un lápiz suelto. Estoy repasando repetidamente las mismas líneas solo para mapearla, y luego cambiaré por un lápiz más fino más adelante Por supuesto, antes de que cualquier pintura baje, ayuda a entender lo que realmente está equilibrando la composición porque ese equilibrio es la razón por la que la escena se siente como lo hace. Tenemos dos mundos viviendo juntos en una misma página. Una son las flores orgánicas, el follaje, y la otra, por supuesto, los templos de los que estaba hablando Entonces, cuando esos dos mundos estén trazados, nos permitirá ser un poco más intencionales con la pintura. No estoy pensando en términos de dibujar cada detalle. Con las opciones hechas por el hombre, el tipo estructural de objetos como este templo, tengo que estar un poco más definido que los árboles, pero los árboles son simplemente muy orgánicos, marcados bastante rudamente porque son orgánicos, permitirán que la pintura haga la mayor parte del trabajo por nosotros, así que no necesitamos ser tan precisos con eso. Estas formas detienen que toda la imagen flote. Entonces hay un poco de ida y vuelta. Voy a tener que usar la goma para ablandarla y luego volver a refinarla un poco más Pero sigamos con la pintura. 5. Mezclar los colores: Así que comencemos premezclando algunos de los colores porque color es en realidad el elemento más importante en la escena. Es rosa vibrante y el contraste de los greens lo que realmente lo hace llamativo en primer lugar. Y hay una interacción interesante entre esta mezcla viridiana cobotle y la ópera rosa que voy a usar Sólo me gustaría agregar rápidamente que puse mi ópera rosa en la misma sartén que mi Alizarin carmesí, que es la segunda desde abajo a la izquierda Lo trato como la misma familia de colores, pero solo es realmente una apariencia invitada. Entonces lo agrego con mi isn y carmesí que siempre está ahí porque eventualmente, lo usaré todo y se mezclarán entre sí de manera orgánica Realmente no quiero tener una sartén separada solo para rosa ópera, y Alizarin carmesí es el color más cercano a ella, así que estoy bien Se puede ver qué ópera rosa estoy usando en la pantalla. Ni siquiera sé de qué marca es. Es solo esta barata al azar. Creo que fue el más barato que encontré en la tienda de arte, así que realmente no importa. Sé que Daniel Smith, posiblemente Windsor Newton también tienen sus equivalentes. Entonces, cualquiera que sea el que uses, está perfectamente bien. Yo de hecho, estoy mezclando Elizarin carmesí con ese rosa de ópera, así que no es un rosa de ópera puro porque es demasiado artificial Para un árbol en flor. Pero fíjate que este morado que acabo de mezclar está hecho de este rosa ópera y el verde viridio, cual siempre pienso que es muy extraño porque generalmente cuando pensamos en púrpura, pensamos en rojo y azul mezclados, no rosa y verde, pero pasa a funcionar perfectamente, y en realidad podemos usar ese azul purpúreo para los árboles distantes en el hecho de este rosa ópera y el verde viridio, lo cual siempre pienso que es muy extraño porque generalmente cuando pensamos en púrpura, pensamos en rojo y azul mezclados, no rosa y verde, pero pasa a funcionar perfectamente, y en realidad podemos usar ese azul purpúreo para los árboles distantes en el fondo, incluso aunque están compuestas de rosa y verde, se ven como un color diferente completamente nuevo. 6. Árboles blandos: Ahora tenemos los colores mezclados. Estoy humedeciendo previamente el área donde quiero que fluyan estos pigmentos. Básicamente, mantengo el cielo blanco, pero quiero que los árboles se mezclen con el cielo. Es por eso que solo estoy mojando previamente el papel para que les quede un borde suave y agradable. También quiero agregar eso como estoy usando la ópera rosa en el sarín carmesí, también estoy dentro de la sartén verde vidiana Estoy usando verde azulado cobalto de Daniel Smith, nuevamente, porque están en la misma familia de colores, y solo tienen una granulación y calidad ligeramente diferentes a Entonces creo que va a crear un efecto interesante, pero no es importante para la pintura. Si acabas de conseguir Varidian o si acabas bot blue, la pintura seguirá funcionando Es adaptable. Se puede experimentar y adaptar a tus gustos. Así que prácticamente estoy mojando todo el cielo. Puede haber algunos bordes alrededor de las sienes de los que quiero alejarme. Pero la primera aplicación de la pintura es muy ligera, apenas percibible, solo un poco de rosa ópera Porque como estaba diciendo, solo quiero que se mezcle con el blanco del papel y muy poco a papel y muy poco solo sacándole un pincel muy sobrecargado para que más bien succionando agua o líquido del papel, lo esté dejando caer Ahora podemos trabajar hasta donde marcamos los árboles con lápiz y dejamos caer esa mezcla varidiana verde azulado cobalto ahí con lápiz y dejamos caer esa mezcla varidiana verde azulado cobalto Si no tienes azul cobalto verde azulado, solo puedes usar Varidian y mezclar un poco de Cerlean Si miras mis cartas de colores, puedes ver cómo lograr cualquier color que quieras sin tener que comprar específicamente todas las pinturas. Ahora, estoy tomando este tipo de mezcla púrpura, y es un interesante púrpura, azulado tipo de púrpura Nuevamente, mezclado de ópera rosa y vidiano. Es interesante porque el ridian es un pigmento muy espeso Se diluye, pero los gránulos ahí dentro, las partículas son bastante grandes. Entonces aterrizan en los surcos del papel de una manera diferente a la rosa ópera porque el rosa de la ópera es tan fino, tan pequeño, ni siquiera se pueden ver los gránulos, la pigmentación ahí dentro Entonces, cuando se mezcla en la paleta, parece una especie sólida de color azul púrpura Pero verás cuando lo apliques sobre el papel cómo con el tiempo, la textura del papel crea un efecto único porque aterrizan uno encima del otro y crean ese efecto que solo se puede hacer con acuarela. No se puede hacer con acrílico o aceite. Entonces estoy aplicando estos trazos entre el verde que acabamos de hacer. Nada demasiado preciso, se desvanece con un bonito borde suave. 7. Capa inferior de la flor: Ahora bien, mientras que el área detrás del árbol, el árbol de flores sigue siendo papel húmedo húmedo, podemos comenzar a agregar este rosa al fondo, obteniendo bonitos bordes suaves porque no quiero que haya bordes duros todo el tiempo. Quiero que después haya unos cuantos bordes duros controlados. Pero para crear esa sensación de profundidad de forma, quiero que aquí haya algunos bordes suaves, y lo logramos aplicándolo sobre papel húmedo, húmedo sobre húmedo, como dicen. Y luego poco a poco a medida que el papel empiece a secarse, las formas serán un poco más firmes y podremos ir un poco más oscuras con el pigmento Puedes tomarte tu tiempo para mirar el templo de la izquierda y ver cómo no he pintado sobre el templo. He pintado a su alrededor, así que permití que el borde de eso permaneciera limpio. Permitiendo unos huecos blancos entre este rosa porque de nuevo, es solo una capa inferior para empezar Ahora hay un tipo diferente de verde que estamos usando en ascender aquí Empezó con aridian pero usé ocre amarillo para darle una especie de verde más cálido El verde turquesa es obviamente más fresco porque tiene turquesa adentro. La turquesa es un verde más fresco que el verde ocre amarillo. No hay mucho de ahí, solo una influencia. Mezclando más de ese tipo de gris purpúreo. Son este tipo de cosas las que requieren experimentación porque nunca hubiera adivinado que el verde y el rosa harían un color más morado porque generalmente son colores complementarios, que significaría un gris Así que el verde y el rojo sí hacen gris, pero supongo que porque el rosa es un rojo más fresco y el verde también es un verde más fresco. De alguna manera se mezclan para hacer morado. Y. 8. Árboles del fondo: Ahora voy a empezar a agregar un poco de ese verde ocre amarillo en el lado izquierdo solo para evitar que sea demasiado monótono, usando el mismo Pero todavía usa ese Vidian ahí dentro. Entonces, aunque parezca un color completamente nuevo, es como un primo. Sigue conectado porque todavía tiene ese verde ahí dentro que es el mismo verde en el otro verde y tiene esta armonía que no es obvia, pero no es como un color completamente aleatorio. Pintar bajo la curva de este templo. Ahora voy a empezar a añadir un verde más rico, más oscuro, de nuevo, mezclando el verde y el rosa para hacer ese morado Lo que me emociona esta pintura es que nos da la oportunidad combinar varias ideas realmente interesantes a la vez Entonces tenemos la arquitectura de estos templos, lo que nos da estructura y claridad anclando la escena, y luego tenemos las flores y el agua, lo que nos da suavidad, color y energía Y entonces cómo estas relaciones, estos dos opuestos de estructura y organismo, por así decirlo, se superponen Aprender a dejar que las grandes masas de color hagan la mayor parte del trabajo, especialmente cuando agregamos este rosa rico más adelante. Por el momento, solo estamos cincelando, pintando negativamente este templo, creando un poco de atmósfera, elusividad a él Y luego por supuesto, usaremos estos acentos estructurales más oscuros como la pagoda, el pabellón, el puente, hasta el tronco del árbol para anclarlo Entonces todas estas formas atmosféricas que estamos haciendo ahora que son bastante aleatorias y esquivas, tienen algo sólido contra lo que jugar Entonces aquí es donde deberíamos ser más juguetones en este momento, no estando tan definidos. Puede ser un poco más ligero, puede ser un poco más oscuro. Está perfectamente bien. 9. Pink Foliage: Ahora voy a empezar a agregar algunos arbustos rosados en el primer plano del frente, pero tienes que asegurarte de que el borde del arbusto verde arriba esté completamente seco o al menos no lo toques Permita un pequeño hueco porque no quiere que se contamine y se derrame. Queremos que haya un bonito borde duro en este arbusto. Así que solo estoy llenando el área, pero en vez de que sea un lavado plano, estoy dejando caer inconsistencias, así que diferentes espesores de pigmento, tal vez un poco más tarde, algo de agua pura, algo de agua pura, un poco de rojo cadmio en esa Sólo para que no sea un lavado aburrido. Se puede experimentar. A lo mejor quieres añadir un poco de morado ahí dentro. Hay diferentes opciones o formas de jugar con eso. Separando el borde en la parte inferior, también, permitiendo que algo del blanco del papel se quede. Y crear ese desnivel, como, crear un poco más de distorsión da la ilusión de detalle No es algo que esté planeando conscientemente, pero si fuera plano, simplemente se vería un poco extraño. Así que jugar con esas inconsistencias le da un poco de vida. Algo similar aquí con este arbusto en el medio. Tirarlo, y estoy tratando de no tocar el área de arriba que todavía está un poco mojada. Podrías, por supuesto, usar un secador de pelo para secarlo, pero lo estoy arriesgando en este momento Puedo ver que está siendo ligeramente contaminado. Está tocando la parte superior de la misma, y parte de la grisura se está derramando. Así que estoy al tanto de eso y podría tener que conseguir un pañuelo para secarlo por ese borde. Puedo usar el tejido para perturbar aún más las texturas de la izquierda, creando, nuevamente, las inconsistencias, las áreas que se están secando más rápido que las otras áreas, incluso cayendo en algo de ese viridio ahí dentro y se puede ver como no se ve verde. Se ve gris. Entonces variando un poco el tono. Este rosa ópera se ve mucho más vibrante cuando está mojado que cuando está seco, así que estoy contrarrestando eso también en Mezclando el borde un poco más allá. 10. Jugar con los bordes: Ahora voy a añadir un poco más de profundidad a la escena añadiendo algunas capas más, así que voy a oscurecer los árboles en la parte superior, sólo un poquito Usando un bonito verde de tono medio porque tenemos ese buen trabajo de pincel suave en el fondo que crea esa sensación de atmósfera. Y luego a medida que se acerca, se vuelve un poco más definido. Y mientras estamos pintando este poco, solo quería hablar un poco sobre cómo nunca quiero que nadie sienta una pintura es demasiado avanzada para ellos porque esto puede verse como una pintura bastante complicada y desanimar a mucha gente, pero no deberían sentir que necesitan esperar hasta que estén mejores antes de intentar algo que se sienta ambicioso porque si bien entiendo por qué existe el miedo, porque todos queremos que nuestras pinturas se vean bien y es fácil asumir que la dificultad equivale al fracaso, pero en realidad, me pareció lo contrario era cierto para mí, al menos, sobre todo al aprender porque las pinturas que más me enseñaban eran a menudo las que se sentían un poco fuera de alcance en su momento, las que parecían intimidantes y los que sabía que en realidad no serían un éxito completo, pero ellos son los que me hicieron pensar Y puede que no haya tenido idea de cómo voy a sacar esta pintura, pero por esas pinturas, fueron el tipo de pinturas que me obligaron a crecer porque no me permitieron quedarme cómoda. Exigieron que mirara con más cuidado, que me había vuelto más curioso. Y que desarrollo mi propia forma de resolver problemas en lugar de confiar en una rutina que sólo funciona cuando todo va bien. Cuando me estaba enseñando a mí mismo, en realidad no tenía a alguien a mi lado para preguntar, ¿qué hago aquí o por qué sucedió eso? ¿O cómo puedo arreglar esto? Tuve que aprender notando lo que salió mal y convirtiendo ese momento en una pregunta y luego persiguiendo una respuesta lo más honestamente que pude Y la verdad es que esas preguntas son donde vive la verdadera mejora en una pintura difícil, no solo pone a prueba tu técnica. Crea situaciones que no puedes ignorar. Te pone cara a cara con el borde exacto de tu comprensión. Por ejemplo, puedes lavarte y de repente obtener una floración no deseada. Y parece que el periódico te ha traicionado de alguna manera, el medio simplemente no está funcionando para ti Pero en lugar de ver eso como evidencia de que no eres bueno, puedes convertir ese momento en una pregunta útil. ¿Por qué ocurrió esa floración? ¿Fue una diferencia en la humedad? ¿Una zona se secaba más rápido? ¿Introduje pintura más húmeda en una superficie que ya había comenzado a fraguarse Y entonces cuando empiezas a hacerte estas preguntas, comienzas a ver la acuarela como algo que puedes entender, no algo que simplemente esperas que se comporte. Y a veces la pregunta va aún más allá porque te das cuenta de que lo que llamaste accidente en realidad podría ser un regalo si aprendes a invitarlo. Y ahí es cuando el trabajo se vuelve emocionante porque en lugar de tratar de preguntar cómo eliminar las floraciones por completo, empiezas a preguntar, ¿cómo puedo crearlas a propósito, y cómo puedo colocarlas para que se sientan como una atmósfera en lugar de un error ¿Cómo puede una floración convertirse en niebla en un paisaje, por ejemplo, este es el tipo de pensamiento que transforma tu pintura porque dejas ver la acuarela como una batalla contra accidentes y comienzas a verla como una forma de convertir incluso las partes desordenadas en algo significativo? 11. Creación de capas subyacentes: Ahora estoy usando un lavado muy ligero para pintar algunos de los tonos de capa inferior para los edificios y el puente Sólo una especie de marrón rosado claro, realmente, solo para quitarle la blancura del papel Para volver a lo que estaba hablando, mismo va para todos los demás retos que sólo aparecen cuando te empujas. Podrías intentar una escena con luz brillante y te das cuenta de que no puedes obtener el brillo que deseas puedes convertirlo en una pregunta ¿Tu luz está siendo robada por demasiados oscuros o por demasiados medios tonos, o le estás dando a la luz un lugar limpio para Por ejemplo, con esta pintura, necesitamos que el rosa brille. No podemos usar tonos oscuros con el rosa. Entonces para que brille, por eso agregué ese verde oscuro por encima del arbusto ahí, y por qué este edificio tendrá algunos tonos oscuros y el puente, e incluso el tronco del árbol más adelante realmente contrastará con el brillo de las hojas para hacerlas reventar. Podrías intentar esta escena y pensar que está bastante ocupada, y tal vez se vuelve demasiado caótica. Eso es algo bueno. Entonces puedes convertir eso en una pregunta, y puedes preguntarte, ¿pierdes la gran estructura de valor? ¿Permitiste demasiados acentos competidores? ¿Olvidaste simplificar todo en unos cuantos grupos claros? Una pintura difícil hace que estas preguntas sean bastante inevitables porque llegas a estos puntos donde tienes que aprender a hacerlas Empiezas a construir una habilidad que es mucho más valiosa que cualquier pintura individual. Construyes la capacidad de diagnosticar y resolver problemas. Y esa es la verdadera habilidad de pintar, no en realidad producir resultados perfectos cada vez, sino convertirme en un artista o alguien que pueda responder a lo que pase, especialmente con la acuarela cuando es tan impredecible y h. las cosas tienen que cambiar, o alguien que pueda responder a lo que pase, especialmente con la acuarela cuando es tan impredecible y h. las cosas tienen que cambiar, y podría decir una cosa de vez en cuando me contradice después porque la acuarela ha obligado a ese cambio Entonces por eso también soy tan creyente en dejarte intentar pinturas que están más allá de tu nivel actual porque el objetivo no es conseguir un resultado final impecable El objetivo es aprender algo real. Aunque tu pintura no resulte como te imaginaste, casi siempre descubrirás algo útil y ese descubrimiento se convierte en tu progreso. Es por eso que cuando doy retroalimentación a los estudiantes, aunque no estén contentos, en realidad veo sus resultados como un resultado más exitoso que si estuvieran contentos con él porque significa que realmente se han empujado y están haciendo algo que les resulta incómodo. Y en ese proceso, aunque no sean conscientes de ello, han aprendido algo en eso. Aunque no puedan ponerle su palabra, su intuición ha aprendido algo, y su próxima pintura será aún mejor Podría ser algo tan simple como darse cuenta de que en realidad puedes ser más flojo de lo que pensabas y aún así crear algo legible, o podría ser el momento en que notes que tus mejores pasajes o lavados sucedieron cuando dejas de intentar controlar cada borde Entonces esas lecciones no llegan cuando solo pintas lo que se siente seguro. Llegan cuando te das permiso para entrar en la incertidumbre. 12. Capa inferior de agua: Ahora estoy empezando a pintar la capa inferior del agua y los reflejos Cuando digo underlay, en realidad es solo lo principal porque solo volveremos con algunos detalles más tarde, tal vez algunas ondulaciones o sombras debajo de las Entonces estoy mojando previamente el papel primero y solo sutilmente reflejando los colores Entonces tenemos una especie de color ligeramente verdoso con los árboles de fondo en el medio Y luego agregaremos un poco de rosa en el lado derecho. Pero creo que te darás cuenta en esta clase, realidad no voy a entrar en cada detalle de lo que estoy haciendo. Y no es porque esté tratando de hacerte las cosas más difíciles o mantener algo oculto. Es porque generalmente creo que una de las habilidades más valiosas que puedes desarrollar es la capacidad notar lo que está sucediendo y convertirlo en una pregunta clara y luego explorar tu propio camino hacia una respuesta. Así es como me enseñé, y no tener esa solución rápida al llegar a un punto de confusión puede hacer que disminuyas la velocidad y pienses, ¿qué está pasando realmente aquí? ¿Por qué sucedió eso? ¿Por qué necesito cambiar, y qué pasa si intento lo contrario? Por supuesto, también puedes hacerme estas preguntas en la sección de discusión. Pero en realidad, muchas de las preguntas son bastante personales para tus propios gustos y visión. Entonces puedes preguntarte, ¿qué está pasando realmente aquí? ¿Por qué sucedió eso? ¿Por qué necesito cambiar eso o qué pasa si intento lo contrario o espero un poco más o uso un poco menos de agua o más agua? ¿Qué pasa si simplifizo un poco más esta forma? Ese proceso de cuestionamiento es lo que creó mi comprensión, y creo que también ayudará a mejorar tu comprensión. Y no quiero robarte esa misma oportunidad. Si narro cada pincelada o explico cada pequeño ajuste, sí, podrás copiar la pintura más fácilmente a corto plazo, pero no necesariamente obtendrás la habilidad más profunda que transfiere a cualquier otra pintura que hagas fuera de una clase Cuando aprendes a hacerte las preguntas correctas, te vuelves independiente. Te conviertes en alguien que pueda sentarse con cualquier referencia, cualquier tema, cualquier situación de iluminación, y eventualmente darle sentido. Y esto es lo que quiero para ti. Quiero que puedas pintar sin necesitarme y aún así te sientas enraizada y capaz. Especialmente en este lavado que estamos haciendo ahora mismo, que es muy aleatorio y personal. Al igual que, los colores no tienen tanto sentido. No estoy pensando conscientemente en ello. Es más intuición. He dejado este pequeño hueco blanco en el medio con algunas líneas onduladas, pero es de forma bastante orgánica 13. Reflexión de puente: Hay otra razón por la que estoy tomando este enfoque de hablar de algo más grande que la técnica. Una pintura como esta no es sólo un ejercicio técnico, sino una oportunidad para explorar la mentalidad y la toma de decisiones, porque en realidad es una pintura bastante suelta Tenemos algunos detalles para dar su estructura, pero muchas formas orgánicas, aleatorias, casi parece inconclusa al final Esta escena trata de equilibrar la estructura con suavidad, claridad con sugerencia y control con libertad, que son los principales aspectos de la acuarela y permitir que esa atmósfera exista y dejar que la pintura respire, aceptando que la acuarela está en su mejor momento cuando se le permite moverse y hablar. Y esas ideas son bastante difíciles de comunicar a hora de darte detalles adicionales sobre todas las diferentes acciones que estoy haciendo porque muchas de ellas son bastante repetitivas y necesitan ser observadas más que explicadas Entonces, para esta clase, me gustaría aprovechar parte del tiempo para ayudarte a ver cómo se mantiene unida la pintura y mientras se siente como lo hace y qué tipo de pensamiento crea ese resultado. Porque una vez que entiendes esa forma de pensar, realmente puedes aplicarla a cualquier cosa, no solo a estas flores y templos Aquí mismo estoy jugando. Ahora que hemos agregado el lavado, me estoy dejando caer agua pura así como gotas de rosa ópera, viendo como eso va a terminar no es algo necesariamente que tengas que hacer, pero puedes explorar eso. A lo mejor quieres usar un color diferente. A lo mejor puedes usar verde azulado cobalto o viridiana. Por supuesto, cuando hago clases que están dirigidas específicamente a principiantes, tiendo a hacer lo contrario. Me enfoco mucho más en los fundamentos y las técnicas prácticas paso a paso porque eso es lo que más necesitan los principiantes o quieren construir esa confianza, esa confianza inicial Necesitan pasos claros o definiciones claras y un camino sencillo a seguir para que no se vean abrumados Pero si estás viendo esta clase, sobre todo hasta este punto, es muy probable que ya tengas algo de fundamento. Ya entiendes cómo se comporta la acuarela en general. Tienes una sensación de sincronización, capas, cómo controlar un poco tu pincel, y lo más importante, ya tienes la capacidad de observar las cosas Para que puedas ver lo que está pasando en la página. Puedes notar cuando una forma se está volviendo demasiado ocupada, puedes saber cuándo hay que suavizar o simplificar algo, y puedes comenzar a tomar decisiones sin necesidad de que sobrescriba lo que estoy Puedes ver lo que estoy haciendo y como resolverlo con tu propia interpretación personal. Entonces, a medida que sigues, te animo a que lo veas de esa manera. 14. Pagoda: Si miras la pintura hasta el momento en esta etapa, puedes ver que básicamente se trata de tonos medios. Por supuesto, tenemos algunos blancos en el papel, pero vamos a pintar sobre eso excepto el cielo. Entonces ahora vamos a empezar a trabajar en el edificio y empezar a usar un tono un poco más oscuro. Entonces estoy usando un morado silenciado en este momento, pero lo más importante es que está silenciado No quiero que sea de un gran color deslumbrante en este momento. Es casi como un gris, pero con un poco más de vitalidad. No sé por qué elegí el morado, tal vez porque ya tenemos un poco de morado en la composición, pero podría ser un verde apagado, un rosa apagado De veras no me importa. Así que trabajando de arriba hacia abajo, Lo que estoy tratando resolver son los tonos más que el color porque tenemos algunas áreas donde hay luz detrás y algunas zonas donde está oscuro detrás. Si miras la sección superior del techo, en el lado izquierdo, es un fondo más oscuro, y en el lado derecho, es un techo más oscuro con un fondo más claro. Ahora trabajando en esa segunda capa de techo. Y he cambiado ligeramente el color ahí a una especie de color marrón, solo por un poco de variación. Muchas de estas decisiones no están puestas en piedra. Son simplemente un poco caprichosos. Son decisiones espontáneas. estoy usando un pincel más pequeño ya que he estado pintando este edificio porque tiene un buen punto. Las otras áreas eran formas bastante grandes. Estoy haciendo este lavado un poco variado. Así que tenemos un poco de púrpura en el lado izquierdo, y pasa a un marrón en el lado derecho. E incluso estoy rozando un poco de color azul turquesa en la parte superior ahí Incluso cuando se trata de pintar este edificio, que es una estructura hecha por el hombre, no tan orgánica, podemos sugerir detalles en lugar de pintarlo. Vamos a permitir que unos cuantos bordes duros lo apoyen. Pero incluso con los setos, esos setos rosados, se pueden ver esos bordes duros, Por lo que esta pintura tiene un contraste real en bordes suaves, ambiguos y bordes duros, también Pero todo es bastante ambiguo. Al igual que, especialmente en esta etapa, se puede ver que la mayor parte está bajo capa en este momento, y todo se está fusionando y fusionando Es casi una especie de ensueño. Quiero decir, en una especie de sentido surrealista, definitivamente está aprovechando al máximo nuestra licencia artística en esta pintura. Fregando ese pedacito ahí 15. Bits Arcitectural: Y ahora lo he secado completamente con un secador de pelo para que podamos volver a este edificio con un tono más oscuro porque como decía antes, mayor parte es de tono medio. Ni siquiera tenemos oscuros fuertes, tal vez justo encima de ese seto, ese seto rosa, en el lado izquierdo, tenemos un poco de oscuridad, pero ahora vamos a estar pintando partes leñadas del edificio y del puente Así que solo estoy usando una siena quemada para eso. Se puede ver que es mucho más grueso, mucho más rico. Y aquí es donde realmente confío en el dibujo porque todo lo demás es un poco ambiguo. Pero estas ventanas de aquí, este tipo de pequeño detalle de nitidez es lo que realmente lo ancla Y le da ese sentido de forma, algo así como que le da sentido. O sea, no tiene que ser exacto, pero solo tenemos que crear algunos detalles nítidos que tipo de darle estructura a la pieza. No queremos que todo sea completamente ondulado y aleatorio y orgánico. Pero antes incluso de llegar a pintar todos estos detalles arquitectónicos, es prudente dar un paso atrás y mirar la pintura como un conjunto de grandes relaciones porque realmente la fuerza de una escena como esta no está en los pequeños detalles. Es como las grandes formas hablan entre sí a lo largo de la página. Lo que estaba tratando de resolver en mis bocetos en miniatura y dibujos preliminares es el tipo de equilibrio de izquierda a derecha la izquierda, tenemos la pagoda, esta estructura de edificio que estamos haciendo ahora, que nos da este tipo de hermosa forma de estructura vertical Bien. Se siente algo elegante y estable. Entonces a la derecha, tenemos un gran dosel de flores. Y más adelante vamos a definir eso así como la masa oscura del tronco que ayudará a llevar el ojo a través, también, y se sentirá mucho más flojo y más orgánico Pero son igual de importantes visualmente. Entonces ya, hemos elaborado, al menos con la composición en mente, este contraste de lo arquitectónico y claro por un lado y algo más suave y abundante a su alrededor. Y ninguno de los lados, ojalá se sienta aislado. Lo conectamos, y por eso el puente es un elemento tan útil en el medio. Y es una forma importante porque aunque es más pequeña que la pagoda o el árbol floreciente, hace mucho trabajo tranquilo, sutil pero importante Enlaza los dos lados entre sí, lo que siempre es importante en la pintura para tener todo vinculado y conectado. Le da al ojo un camino natural a través de la pintura, y agrega una curva suave a una escena que de otra manera tiene muchas verticales y pasajes horizontales, así como el reflejo de la misma en el agua también Entonces el puente en realidad es más que un pequeño detalle. Es una bisagra compositiva. Realmente no funcionaría si se tratara un puente recto sólido. El hecho de que sea curva le añade este tipo de elemento que fluye. Y entonces podremos hablar un poco más sobre el agua cuando lleguemos a las ondulaciones más adelante 16. Cómo pintar el puente: Entonces ahora podemos pintar el pabellón de la izquierda y el puente. Y mientras hacemos eso, podemos pensar la diferencia o variedad en las formas que podemos incluir en esta pintura y cómo interactúan. Porque estamos pintando estos techos en este momento, y en un minuto el arco sobre el puente Pero luego van a contrastar con las flores suaves que vamos a agregar y los árboles distantes que se fusionan suavemente en el cielo El agua tiene una especie de elemento horizontal a la misma. Y cada una de estas formas pertenece a una familia visual diferente, por así decirlo. Y el tipo de pintura viene unido al dejar que esos se mantengan lo suficientemente distintos como para jugar unos con otros. Si hiciéramos todo suave, perderíamos la estructura. Y si hiciéramos todo agudo y definido, no nos quedaría ningún ambiente. Al pintar estos detalles de puente, no estoy siendo tan pulcro y preciso con todo ese detalle arquitectónico. De hecho, estoy tratando de lograr una especie de marca de pincel seco como suena, deshacerme de la humedad de mi cepillo y usar el diente o el papel para crear esa textura, también lo hice un poco en el pabellón. Puede que tengas que tener un poco de pañuelo si tus pigmentos están demasiado mojados y moqueados, o puedes usar una esponja como la que tengo en la esquina superior Pero a menudo tengo pintura que está seca en mi paleta y uso esa pintura seca para ayudar a secar la pintura que está en mi pincel para lograr ese efecto de pincel seco. Además, inclinar tu cepillo hacia un lado en lugar de hacia el punto, ayuda a lograr ese efecto de pincel seco también, porque no estamos empujando fuerte en los dientes del papel, los valles Sólo estamos tocando la superficie. Y esto sólo funciona en papel texturizado. 17. Dark Tones: Así que hemos hecho la capa inferior, y luego volvimos e hicimos esta capa marrón Y ahora vamos a volver por una tercera capa para agregar la oscuridad más oscura Entonces estoy usando el negro puro ahora. Y esto es realmente lo que va a hacer que destaque y le dé estructura. No voy a usar el negro en ningún otro lugar excepto los bits arquitectónicos que anclan la escena. A lo mejor del lado derecho de la pintura con la rama y el tronco del árbol, usaré algunos pigmentos oscuros, pero definitivamente no llenos sobre negro como aquí. Y aunque todavía no hemos pintado el árbol, creo que es útil notar que el centro de la pintura no está lleno de los objetos más pesados Había un poco más de ambiente y luz en el medio. Y esa elección de diseño es porque impide que el medio se obstruya Como mencioné antes, el puente funciona como un puente para conectar. Permite que el ojo se mueva a través de la escena en lugar de toparse con información sobrecargada Podemos ver esta pagoda en el lado izquierdo. Estoy usando pigmento espeso para empezar, y luego agua pura para llenar los huecos. Y luego permito que el pigmento y el agua reaccionen la manera que necesita reaccionar dentro de ese espacio. Y luego una vez que esté moqueado, solo puedo usar el pincel para rellenar los huecos en el papel No necesito volver a mi paleta tan a menudo porque ya está lo suficientemente mojada. Sólo puedo reutilizar la humedad que ya está en el papel y el pincel. Ahora en este segundo techo, volviendo a ese negro, y estoy usando la mezcla marrón que tengo en mi paleta. Y es solo rellenar ese espacio y luego conectarlo al marrón que ya pintamos abajo. Aquí es donde el valor es más importante que el color. Realmente no importa porque ahí ya tenemos el marrón, y luego el negro, veo más como tono que color. Una de las primeras cosas que quiero entender para una pintura es la estructura de valores, porque eso es lo que silenciosamente mantiene unidos todo el color y la atmósfera. Y en realidad es mucho más sencillo de lo que podría parecer el diseño de valor, mantenerlo simple es lo que lo hace fuerte. Quiero decir, claro, tenemos un poco de detalles aquí, pero eso no tiene que ver realmente con el diseño de valor. Tenemos las flores, por supuesto, para llegar después, en las que tenemos que pensar Pero estos edificios, el agua, todos estos pequeños eventos visuales suceden a lo largo de la pintura, en que suceden a lo largo de la pintura, en realidad es solo descansar en unas pocas familias de valor cuidadosamente organizadas. En realidad no es una pintura llena de alto contraste, pesar de que tenemos cierto contraste en algunas zonas. No depende de oscuros fuertes en todas partes. De hecho, yo diría, a pesar estamos pintando las zonas más oscuras en este momento, una de las razones por las que la pintura es lo que es por el énfasis de los tonos medios, cuánto de esta pintura es solo tonos medios Las flores también van a estar en medios tonos. Tenemos un puñado de acentos oscuros para darle estructura a esa escena. Pero una vez que reconocemos eso, el tema se vuelve mucho más fácil de manejar. 18. Sombras para puentes: Las formas más oscuras están haciendo un trabajo muy práctico. Y básicamente los hemos pintado ya en ese edificio de la izquierda. Estamos haciendo algunos más en el puente aquí y luego algunos en el pabellón a la derecha. Quizá también para el baúl después, pero tendré que usar mi juicio cuando llegue ese momento. Pero básicamente, estos acentos oscuros son los que le dan a la pintura suficiente peso y definición. Y sin ellos, Ah se sentiría un poco demasiado suave o un poco demasiado similar en tono. Con todas las pinturas, pero sobre todo una pintura como esta donde todo puede ser un poco expresivo. Encuentro que es útil seguir entrecerrando los ojos ante la escena, y eso ayuda a reducir todos los detalles y me permite ver si el patrón de mayor valor sigue funcionando Si todo empieza a colapsar en un tono medio general, entonces sé que probablemente necesito reagrupar la oscuridad o recuperar algunos Si todavía puedo ver claramente los anclajes principales o las masas de flores suaves o la atmósfera pálida, entonces la estructura probablemente todavía esté haciendo su trabajo, y entonces los pequeños detalles son solo fragmentos de complementos para ayudar a impulsar un poco más la escena, no la estructura principal Entonces es un buen tema para recordarnos que el color y el valor en realidad no son lo mismo porque una flor puede ser rosa brillante o magenta y aún se encuentra en el rango de valores más claros Añadiendo un poco de forma a este follaje. Que esta oscuridad de la sombra hace que el rosa destaque. Es una de las cosas que ayuda a que acuarela se mantenga luminosa usando ese contraste. Y podemos tener mucho color sin hacer que todo sea muy pesado. Entonces, mientras estoy trabajando con estos tonos oscuros, realmente estoy tratando de proteger esa jerarquía. Lo que quiero decir con eso es que la estructura de valores aquí es dar orden de pintura. Nos está ayudando a separar lo que hay que adelantar y lo que hay que decir más suave. 19. Uso de pigmento grueso: Sé que a muchos de ustedes les gusta explorar sus propias voces e interpretaciones únicas Entonces, en una escena como esta, hay muchas oportunidades para mezclarlo y experimentar. No es un tema que depende replicación exacta porque está construido a partir del estado de ánimo, armonía del color, la atmósfera suave, las masas agrupadas y algunos anclajes estructurales Pero esto significa que podemos tomar diferentes decisiones cada vez y aún así crear algo hermoso, convincente y completamente único para el tuyo Porque a medida que pasas por esta clase, no quiero que pienses que mi versión es la forma absoluta, definitiva, correcta. Es simplemente mi versión. Es una forma de arreglar las masas de flores, una forma de equilibrar la arquitectura o suavizar ciertas formas o lidiar con los reflejos o incluso qué estado de ánimo estoy creando con los colores para toda la escena. Naturalmente permite la variación por su expresividad y casi aleatoriedad en tantos de los lavados Podemos hacer que las flores sean más suaves o audaces. Podemos hacer que la arquitectura sea mucho más simple si queremos, o mucho más precisa si quieres dibujarla y tomarte más tiempo de ella. También puedes cambiar los colores. Podemos hacer que el agua sea un poco más reflexiva, como un espejo o incluso más abstracta y brumosa Entonces como con cada clase, quiero darte permiso para que tu pintura se convierta en la tuya. No es necesario que coincida exactamente con el mío. Ni siquiera necesitas usar los mismos colores o incluso el mismo rosa que yo uso. Digo esto porque es importante que los estudiantes sepan si alguna vez sienten desanimados cuando notas que tu pintura se está alejando de la demostración, es muy fácil en ese momento pensar que la mía va mal cuando en realidad puede que simplemente se esté volviendo diferente y diferente no es fracaso en absoluto De hecho, en una clase como esta, específicamente esta clase, diferencia suele ser una señal que estás respondiendo al tema tu manera porque se basa en esa intuición No se puede planear todo con esta pintura. Por eso a menudo hablo de principios más que técnicas específicas porque cuando entendemos un conjunto compartido de principios y permitimos que esos principios produzcan resultados diferentes en diferentes manos, creamos una galería de proyectos estudiantiles muy interesante y podemos aprender unos de otros. Veo cosas en el trabajo de los alumnos que me hacen pensar, ¿por qué no hice eso? Apenas pequeñas cosas que no se pueden planear y son muy mágicas. En cierto modo, es lo que hace que la acuarela sea tan emocionante. No es un medio que premie el control rígido en cada momento. A menudo recompensa la sensibilidad, la apertura y la voluntad responder a lo que está sucediendo en la página. Entonces, si uno de esos pasajes de flores florece un poco diferente o tu agua resulta ser un poco más fría o tu composición se siente un poco más abierta que la mía, eso no es algo por lo que entrar en pánico En realidad podría ser donde parte de ese encanto comienza. También pienso que hay algo liberador al darse cuenta de que la demostración no es la línea de meta, es puramente una guía y un compañero, un punto de partida 20. Pinta la rama: Ahora es el momento de pintar el elemento principal llamativo de la pintura, que es el árbol, el árbol principal en flor. Y vamos a empezar pintando las ramas del tronco, usando ese mismo tipo de color marrón que usamos para los edificios. Sólo para conseguir la estructura. Y estas ramas en realidad funcionan como líneas principales. Entonces este árbol está muy bien, la mayor parte de la pintura por varias razones. Y es la razón por la que la escena se siente tan rica y cohesionada En primer lugar, crea un fuerte peso visual en el lado derecho. Y sin eso, el edificio pagoda de la izquierda dominaría demasiado pesado y la pintura se inclinaría en una dirección Pero este árbol nos da un contrapeso, pero en un tipo de lenguaje muy diferente , una vibra diferente Como dije antes, el edificio de la izquierda está estructurado, pero esto es muy orgánico e irregular. Entonces no estamos equilibrando como con like, estamos equilibrando la forma clara hecha por el hombre con la masa natural suelta. Y ese contraste es lo que hace que la composición se sienta más interesante que predecible. 21. Pinta la flor: Entonces he agregado algunas salpicaduras de agua pura encima de estas ramas, y donde pintaremos las hojas verdes solo para crear esa impredecible Y cuando llego a esta zona de flores de pintura, una de las cosas más grandes que trato de recordarme es que no estoy pintando cientos de flores separadas. Estoy pintando masas de color y atmósfera que se lee como flor por cómo están todas agrupadas y cómo se sientan en la composición. Y cómo se comportan sus bordes porque hemos agregado ese rosa suave en el fondo, y ahora estamos agregando los bordes duros arriba. Y estoy usando la punta de mi pincel y simplemente girándolo de un lado a otro, tratando de crear ese pozo, imitando Entonces ese cambio en el pensamiento es realmente importante porque en el momento en que comenzamos a tratar cada flor como un pequeño objeto individual, la pintura puede volverse muy rígida muy rápidamente. Entonces, si alguna vez siento que me estoy endureciendo, a propósito me enloquezco un poco y salpique y hago algo loco solo para romper esa rigidez y volverme Y lo que pienso hace que las escenas de flores se vean tan intrigantes de otros artistas Y lo que estoy tratando de transmitir en esta no es esa precisión de cada flor y rama y de cada elemento. Es esa sensación de abundancia de suavidad, esa ligereza, el uso del rosa que realmente no puedes usar con tanta fuerza en otras pinturas y cómo todos se juntan en estos, como, pequeños racimos a la deriva Entonces, en lugar de preguntarme, ¿cómo pinto estas flores, me resulta mucho más útil preguntar, cuál es la forma general de esta masa? Y puedes obtener varias imágenes de referencia, y puedes entrecerrar los ojos para ver cómo se lee composicionalmente la masa en su conjunto, si está equilibrada, dónde es más densa, ¿dónde se suaviza? ¿Dónde se descompone en el aire? Casi piensa en ellos como formas de nube. Y fíjense dónde se asientan las áreas más grandes y donde los racimos de flores son más densos, donde se superponen ramas, donde se superponen entre sí Y cuando empiezan a fragmentarse hacia los bordes exteriores y se ponen un poco más detallados, ahora estoy usando salpicaduras para crear muchas flores básicamente, pero no estoy pintando las Sólo los estoy salpicando. un poco de tiempo y además lo mantiene orgánico. Realmente son una especie de caos organizado. Son regulares, están rotos. Tienen pequeñas brechas de vez en cuando, y cuanto más lo piensas demasiado, más se pierde esa naturaleza Es muy fácil de hacer. Pero el hecho que tengan esas brechas y algunas sean más suaves, otras más densas, eso es lo que los hace sentir vivos. Si las pintamos todas con la misma pequeña marca repetida y el mismo espaciado, se sentirán demasiado decorativas y planas. Entonces es mejor hacerlos más abstractos que demasiado apretados. Mantener mucha variación en ellos. Algunas zonas blandas, algunas zonas brumosas, casi solo una especie de bruma rosada, como pueden ver, la estoy suavizando. 22. Pintura del pabellón: Tenemos todos los elementos pintados ahora, básicamente. Sólo tenemos que apretarlo, oscurecer algunas áreas, suavizar algunas áreas, tal vez refinar, tal vez Y luego agregaremos el agua en un poco más tarde. Pero a estas alturas, ya se puede ver lo que tiene el peso visual. El edificio de pacoda de la izquierda tiene mucho peso porque está oscuro y es estructurado y Y entonces la flor de arriba tiene mucho peso por su tamaño, su color. Y más adelante, tal vez tengamos que oscurecer esa rama o agregarle un tronco fuerte. Entonces tenemos los dos anclajes principales uno a cada lado. Y luego, claro, como decía antes, el puente se sienta entre ellos para conectarlos. Porque cuando escuchas la palabra balanceada, podría significar o te puedes imaginar que todo necesita distribuirse de manera uniforme. Pero eso no es realmente lo que está pasando aquí. Se sienten diferentes, pero sostienen la misma cantidad de peso. 23. Algunas rocas: Ahora voy a hacer un poco de mezcla suave fluyendo con el agua usando ese pigmento espeso que nos pusimos antes. Voy a aplicar algunos pigmentos diferentes. Este es un viridiano en este momento y poner un poco en las rocas de arriba y luego usar agua pura para simplemente dejar que fluya hacia abajo por sí Y esta agua también está haciendo algo muy importante, composicionalmente, porque le está dando espacio a toda la escena para respirar Sin el agua, la pintura podría sentirse demasiado abarrotada porque ya tenemos flor, arquitectura, follaje, y mucha actividad de tono y color sucediendo en la mitad superior. Y es fácil sentir que debemos compensar eso en la parte inferior y emparejarlo un poco. Pero realmente vamos a mantenerlo quie abstracto y permitir que la acuarela haga lo que realmente quiera Realmente no se relaciona con lo que está arriba, abre todo. Y también crea este tipo de elemento de calma a la mitad inferior que refleja y suaviza lo que está arriba. No es como un espejo. Entonces, cuando miramos la composición, no solo estamos pensando en los objetos. Estamos pensando en dónde se pone el ojo a descansar, también. Que es algo extraño pensar, de verdad, porque cuando pintamos, queremos pintar cosas que sean interesantes y cautivadoras Pero a veces es agradable permitir un área con poco pasando, como, tratando de crear ese efecto calmante Entonces estoy esculpiendo muy rudo. Ni siquiera diría esculpir, solo cortando algunas rocas En la esquina inferior, muy abstracta. Simplemente usando el pigmento que ya teníamos a continuación y manteniendo el esquema de color algo relacionado con el resto. Quiero decir, tenemos este tipo de rojeces. Este tipo de es un rosa apagado, realmente, un tipo de color granate, junto con el morado El tipo de cosas azuladas. El azul va bien con el tipo de color marrón granate también Y este pigmento espeso que hemos aplicado en el lado izquierdo, me voy a mojar y estoy usando un pincel grande, y para empezar mojo toda la zona, y luego vuelvo a agitarla Entonces estoy permitiendo que el agua mueva el pigmento por sí mismo ahora. Puedo animarlo. Pero para conseguir esa sensación de reflexión con que no sea un espejo y permitiendo que esa suavidad llegue a través, realmente tengo que permitir que la acuarela lo haga por sí misma. Entonces podemos empezar a bajarlo todo el camino hasta el fondo. No me importa si hay un poco de textura. En realidad es solo jugar por ahí en esta etapa, divirtiéndose un poco. 24. Más sombras: He visto después de responder y hablar con tantos estudiantes que han compartido sus proyectos y escrito un poco sobre su proceso y experiencia del mismo, que están mucho más satisfechos con su pintura si ven primero todo el asunto y luego pintan después a su propia velocidad o luego su propia velocidad vuelven a pasar por el video, haciendo una pausa paso a paso Porque no quiero que esto se sienta como una secuencia de instrucciones que sólo funciona para esta única imagen. Quiero que entendamos los principios debajo de lo que estamos tratando de hacer, porque una vez que los entendemos, también podemos llevarlos a todo tipo de pinturas futuras. Entonces sí, claro, trato de tener algo de un elemento paso a paso a ello. Y visualmente, se puede ver todo lo que está pasando. Pero mientras estamos haciendo eso, quiero seguir haciendo una pregunta más profunda, ¿por qué esta elección funciona aquí o cuál es el principio detrás de ella? Por ejemplo, cuando agrupamos la flor en masas más grandes en lugar de pintar todas las flores individualmente, no solo estamos siguiendo un paso. Estamos aprendiendo algo más útil, que es que la abundancia suele leer más bellamente cuando se simplifica. En otras palabras, cómo las formas agrupadas a menudo se sienten más ricas que los detalles dispersos Ese es un principio que podemos utilizar una y otra vez, ya sea que estemos pintando flor, follaje, nubes, o incluso multitudes de figuras Y lo mismo ocurre cuando simplificamos edificio de la pagoda y el puente No los estamos simplificando solo porque es más rápido, los estamos simplificando porque en una pintura atmosférica como esta, una silueta fuerte y un diseño claro importan más que detalles excesivos Otro ejemplo, cuando ablandamos los reflejos en el agua, no es sólo un paso para copiar Es una forma de entender cómo se comportan las reflexiones en una pintura expresiva atmosférica. Suelen funcionar mejor cuando se sienten como ecos más suaves del mundo de arriba, no duplicados de espejo exactos Si entendemos ese principio, entonces más adelante en otra clase o en nuestra propia pintura, podemos aplicarlo a un río sobre un pavimento húmedo o un paisaje marino 25. Añadir algunas ondulaciones: Apenas unos ajustes más que hacer antes de que podamos llamar a esta pintura hecha. Creo que necesito oscurecer algo de este tronco y ramas. Unos cuantos más pequeños y tenues para conectar todo. Hablo de agregar tu propia interpretación a esto, que puede resultar muy abrumadora porque puedes mirar una pintura terminada y pensar, ¿Cómo puedo cambiarla o adaptarla a mi propia visión? Una de las mejores formas comenzar es cambiando el color o jugando con color porque puedo entender cómo es difícil cambiar el dibujo o la composición en su conjunto, especialmente si estás construyendo confianza. Pero el color se siente un poco más accesible. Te puedo dar una manera de hacer que la pintura se sienta como tuya sin necesidad de reinventar toda la escena Y con una especie de flor de sujeto de jardín como este, es una de las formas de experimentación más naturales u orgánicas porque simplemente podemos cambiar los colores. Por ejemplo, no necesitas rosa ópera para pintar esta pintura en absoluto. Simplemente puedes usar Alizarin carmesí o rojo cabium. De todos modos sí mezclé CamiumRD con esta ópera rosa. No es rosa ópera puro. Podrías hacer que la flor sea amarilla o más fresca. A lo mejor puedas hacerla un poco más lila o lavanda. Tal vez puedas, como, olvidar que es flor y simplemente pintarlo como un árbol normal, un tipo diferente de verde. Podrías crear una versión que sea más soleada, se sienta un poco más cálida, quizás más como tarde o temprano en la noche Y para ello, podríamos mover la flor hacia una especie de salmón durazno tipo rosa cálida de Tonos suaves de albaricoque, por así decirlo. La luz en la niebla podría tener un tenue calor dorado en lugar de este verde fresco en este momento Y entonces el agua puede recoger esa sensación ocre, esa calidez. Todavía podríamos tener notas más frías ahí, pero serían más un papel secundario suave en pero serían más lugar de las grandes y vastas pantallas que tenemos en este momento o la frescura en las rocas Esa es solo una forma en la que podríamos hacer que la escena sea completamente diferente simplemente cambiando los colores, haciéndola más brillante o radiante A lo mejor la arquitectura podría tener marrones más cálidos y ser un poco más roja que amarilla También podrías experimentar con una versión monocrona porque podría ser abrumadora todos estos colores A lo mejor solo usas el gris y el rosa. Esos son los dos únicos colores. Usas grasa gris, todo lo demás, los árboles distantes, el edificio, y usas rosa o Elazar y carmesí para los árboles y los reflejos 26. Algunos puntos destacados: Espero que a medida que termines esta pintura, ya que estás atando todo junto, no sientas que simplemente has seguido una secuencia de pasos. Espero que sienta que también ha entendido algunas de las ideas que hay debajo del proceso. Cosas que he tocado algunas veces ahora, agrupando las flores en una masa más grande, usando la arquitectura como ancla, usando la arquitectura como ancla equilibrando el color cálido y frío, y manteniendo el reflejo más suave que un mundo por encima de ellas. Esos son los tipos de principios que importan mucho más allá de esta clase, cosas con las que puedes experimentar sin que preocupe el resultado solo porque estamos aquí para aprender, y no importa si el resultado final no es una obra maestra. Estamos practicando los principios. Son las que nos ayudan a pasar de la imitación a la comprensión y de la comprensión luego a la confianza y la expresión personal. Como pueden ver en esta etapa, estoy agregando solo algunos reflejos blancos finales con quash blanco No hay muchos de ellos, y eso es bastante deliberado, porque en una pintura como esta, se vuelven importantes muy rápidamente Si uso demasiado, pueden empezar a sentirse decorativos o artificiales. Pero si los coloco con cuidado, realmente pueden ayudar a despertar la pintura y aportar un poco de claridad extra a algunas áreas clave. Como hábito, trato de dejar estos reflejos blancos hasta el final de la pintura. Eso es porque en este punto, puedo ver exactamente donde la pintura necesita un pequeño ascensor. No estoy usando el gouache para rescatar toda la pintura o redibujar Solo lo estoy usando para colocar algunos acentos controlados donde la luz captaría naturalmente, tal vez en el puente, algunas áreas que sobrepinté, un borde de techo, un pequeño destello reflejado en el agua O sólo unas cuantas notas de flor que necesitan un poco de separación de los pasajes más oscuros. Incluso he usado gouache blanco, dejé que se secara y luego volví con rosa para agregar algunos pops rosados en algunas áreas Es casi como la puntuación. Funciona mejor cuando es selectivo, pero es fácilmente exagerado 27. Reflexiones finales: Bienvenida de nuevo. Y enhorabuena por completar esta clase de acuarela sobre la pintura de una expresiva escena de flor japonesa. Exploramos cómo un diseño de gran valor y formas arquitectónicas simples pueden contener espacio para el follaje lírico suelto, cómo los bordes selectivos y los blancos salvados crean brillo y cómo conectar el agua, los árboles Las mismas ideas se traducen maravillosamente en patios de jardín, puentes junto al río y escenas de parques donde el color y la estructura Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento arriba para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que te sientas inspirado para pintar con más expresión en tus futuros paisajes. Espero volver a verlos a todos en futuras clases hasta entonces, feliz pintura y adiós por ahora.