Florales expresivos en acuarela: color suave, ritmo y luz.

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un arreglo floral que se mueve entre suavidad y fuerza. En lugar de tratar cada flor por igual, estaremos creando un ritmo visual suave, permitiendo que algunas flores emerjan con claridad mientras que otras permanecen casi como fantasmas Los pétalos pálidos, las formas de sombra azul, los verdes terrosos y los toques de naranja cálido crean una paleta moderada pero expresiva. También exploraremos cómo las formas superpuestas y las áreas irregulares de detalle pueden guiar el ojo de forma natural a través de la composición. Esto se trata menos de hacer frente a las flores individuales y más a organizar la luz, el color y el movimiento. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International watercolor Society, la Masters of watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y pintemos una pintura floral que se sienta espontánea, juguetona y llena de vida. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse hoy a esta clase. Te agradezco mucho que estés aquí. Este estudio floral tiene que ver con el color suave, colocación reflexiva y los detalles selectivos y ver cómo pueden trabajar juntos. Con un equilibrio de formas positivas y formas negativas, la gran flor central proporciona un punto focal claro, mientras que las flores circundantes se superponen, se desvanecen y se funden en el fondo Los azules fríos rebotan con toques de durazno, óxido y amarillo dorado Tenemos unos olivos tranquilos que sostienen todo junto. papel blanco juega un papel importante, dando luz entre pétalos y dando a la composición espacio para respirar. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante debajo de la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con esta pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitará seguir en la clase de hoy. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton, o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás seguir en la clase de hoy. Te animo a explorar los colores o materiales con los que quieras experimentar. Pero ahora sigamos adelante y dibujemos esta pintura. 4. Preparación de la composición: Entonces antes de meternos en la pintura, solo quiero dedicarme un poco de tiempo al dibujo porque con una pieza floral como esta, el boceto está realmente ahí para organizar la pintura en lugar de describir cada pétalo y hoja. puede ver cómo lo estoy dividiendo en simples círculos sólo para empezar, porque por sí mismas, las flores pueden parecer complicadas. Y muy rápidamente, podemos enfocarnos fácilmente en todas las partes individuales porque hay pequeños pétalos superpuestos entre sí, pequeños centros, tallos moviéndose en diferentes direcciones, posiblemente hojas, desapareciendo detrás flores y todo tipo de pequeñas formas diferentes tejiendo dentro y fuera Entonces esta etapa, deliberadamente estoy tratando de no dejarme meter en nada de eso. Empiezo con círculos simples con un lápiz suave, y ahora puedo empezar a entrar en esos círculos y dibujar aproximadamente pétalos. Aún así, es una etapa difícil en este momento. Quiero que el dibujo sea bastante ligero y sencillo y bastante relajado. Lo primero que realmente estoy buscando es la huella general del arreglo. ¿Dónde se asienta la masa floral principal en el papel? ¿Qué tan lejos se extiende a la izquierda y a la derecha? Y ¿dónde se siente un poco más denso y dónde quiero que se vaya? Más de la ponencia abierta. Así que eso es mucho más importante para mí que un pétalo en particular esté perfectamente moldeado porque solo podemos organizarlo. Y una vez que lo tenga todo dibujado, voy a usar la goma para aligerarlo aún más para que podamos ser flexibles y tal vez cambiar el diseño a mitad de la pintura porque tal vez no queramos comprometernos esta línea de lápiz durante las 5. La flor más clara: Así que como siempre, tenemos acuarela. Voy a empezar de claro a oscuro, y estoy usando ocre amarillo para empezar, pero un toque de negro solo para silenciarlo un poco porque no lo quiero vibrante La paleta básica de colores de toda esta pintura es verde, azul y rojo. Y tenemos algunos toques de otros colores como este ocre amarillo, pero es muy silenciado, sutil No es el foco principal. Entonces así es como me gusta tratar con la mayoría de las pinturas. Tengo una paleta limitada, tal vez dos o tres colores principales, y luego solo pequeños colores sutiles como este. Sé que estamos empezando con eso, pero este, como dije, es uno de los tonos más claros que estaremos pintando en este cuadro, empezando por de claro a oscuro Entonces no va a llamar demasiada atención, y quita la presión muy fácilmente al principio. Entonces no necesitas ir pesado en absoluto. De hecho, una vez que esto se seque, será aún más ligero, en realidad. Por último basta, agregar un poco de negro o gris, solo apagarlo un poco hace que este amarillo sea un poco más cremoso porque si no lo metí ahí, ve demasiado vibrante Y eso no es lo que voy a buscar. Todos los colores quedarán bastante apagados en esta pintura, en realidad, incluyendo los azules, los verdes y los rojos No voy a usar las versiones más vibrantes de esos colores. Voy a bajarlos a todos y mantenerlos en armonía porque se vería bastante extraño tener algunos colores muy vibrantes y algunos apagados de una manera desorganizada Entonces estoy manteniendo todo el mismo tipo de nivel de saturación y vitalidad. Pero puedes explorar con tus propias preferencias. Si generalmente prefieres pinturas más brillantes, tal vez puedas afinar todo con una pieza más vibrante y no silenciar estos colores, sin agregar esos toques de negro o gris Tocando un poco de siena quemada en esta mezcla. 6. Comienza la flor principal: Ahora voy a empezar a incorporar algo de azul a esta composición, que como dije, es uno de los colores principales de esta pieza, empezando por agradable y ligera. Realmente no importa qué azul uses. Tengo tres azules principales en mi paleta, cobalto Cerlean y ultramar, y creo que uso un pequeño toque de cada uno de ellos al azar solo escogiéndolos inconscientemente en lo que se sienta bien, en lugar de algo Y entonces se puede ver que la he silenciado un poco, así que no es un azul vibrante de todos modos Y esta será la flor central principal, los pétalos. Pero este azul es en realidad las sombras del pétalo, de verdad. Y si nos fijamos en la pintura de referencia, la referencia de la pintura final terminada, quiero decir, verás que estoy dejando algunos pequeños huecos de blanco. No voy a pintar todo el asunto. Y estoy jugando con una transición de azul a marrón. Puedes ver en mi paleta que tengo una mezcla de ese ocre azul apagado y amarillo con siena quemada Las puntas de estos pétalos son más azuladas y el centro tiene ese resplandor Nuevamente, la mezcla es bastante aleatoria. No estoy siendo overctroll. Hago algunos trazos del azul por un lado y algunos trazos del marrón cálido por el otro, y luego dejo que se mezcle. Voy a tener un pañuelo en la mano para corregir cualquier error. Tratando de mantenerlo bastante suave, sin embargo. Estoy seguro que algunos de ustedes han visto muchas de mis otras clases, pero probablemente también haya algunos de ustedes esta es su primera clase. Solo quiero decir que hay tantas formas diferentes de abordar una pintura, especialmente en acuarela y todas mis clases, que tienen diferentes temas, todas tienen un proceso diferente. La forma en que estamos pintando hoy no es necesariamente el mismo proceso o estrategia que tomaría con retratos o un paisaje o un animal. Con esta pintura en particular, estoy descomponiendo en diferentes secciones. Entonces es como todas mis clases, está muy orientado paso a paso Pero no estamos haciendo grandes lavados en esta clase como lo haríamos en un paisaje, como un enorme lavado de cielo o incluso un retrato, haciendo un lavado sobre toda la cara para empezar Estamos pintando esto en muchas secciones diferentes, un poco como pintar por números, pero aún así lo mantenemos armonizado y creando un sentido de unidad al mantener la paleta de colores limitada Así que no estoy tratando de usar todos los colores disponibles. Y si voy a usar un cierto azul como el que tengo aquí, voy a tratar de mantener ese azul para el resto de mi pintura ahora en lugar de usar cinco tipos diferentes de blues. Los mantendré equilibrados juntos. 7. Capa inferior de la flor principal: Pensar en una paleta limitada antes de comenzar siempre es una estrategia muy importante, y no tiene que ser la misma que la mía. Podemos cambiar diferentes colores para su propia preferencia. Tampoco tienen que ser científicamente complementarios porque la naturaleza de una paleta limitada construye automáticamente una relación entre ellos. Y ayuda mucho con una pintura floral. Por supuesto, podemos hacerlo con retratos o animales o paisajes. Pero muchas veces con esos temas, tenemos que ser un poco más fieles a los colores en el tema. Con florales como este, podemos inventar colores y torcerlos a nuestra propia voluntad y una vez que tengamos mucha más flexibilidad con los colores que queremos usar Y en ese sentido, hace pintura floral sea mucho más fácil con un número limitado de colores que te permites usar. Inicialmente, eso sí suena bastante restrictivo. Pero en realidad encuentro que sucede lo contrario porque cuando hay menos colores en una paleta, paso menos tiempo preguntándome a qué pigmento alcanzar y más tiempo pensando en las relaciones que realmente importan. Si tengo 20 colores disponibles, hay una tentación de encontrar un pigmento separado para cada pequeña variación que veo, tal vez un verde ligeramente diferente obtiene un verde completamente diferente, o una flor más cálida obtiene otro rojo o una sombra más fresca, un azul diferente. Y muy rápidamente, la pintura puede comenzar a sentirse fragmentada porque cada área se ha mezclado de forma independiente o con diferentes colores Pero con una paleta limitada los colores se ven obligados a interactuar. Entonces el mismo azul que aparece en esta flor, también podría influir en un verde o rojo. Los colores están trabajando juntos. El mismo color tierra que calienta un pétalo podría neutralizar un azul en otro lugar. 8. Comenzar con la flor azul: Entonces ese pétalo izquierdo ya está prácticamente hecho, el pétalo central, y se puede ver que han dejado pequeños huecos blancos entre los pétalos, y eso tendrá más sentido después. Ahora pasando a la segunda flor más grande la izquierda a la derecha, más bien. Nuevamente, usando el mismo tipo de colores. Comienza luciendo más brillante cuando está mojado así antes de agregar cualquier otro color, pero es la misma familia de azules. Una vez que se seque, quedará un poco más silenciado, sobre todo al caer también en este marrón amarillento Es la misma familia de tonalidad. Debido a que las mezclas comparten los ingredientes, naturalmente comenzarán a pertenecer juntas. Es una manera útil de pensar en la armonía del color, entendiendo ese elemento de la pintura porque la armonía no necesariamente viene de planear cuidadosamente un esquema de color perfecto. A veces simplemente viene de repetir y usar la misma pequeña familia de pigmentos. Aún podrías crear una enorme gama a partir de sorprendentemente pocos colores. Puedes ver que tengo clases que usan puramente colores primarios y el potencial de esos tres colores, una clase diferente sobre el uso de colores secundarios. Básicamente estamos haciendo lo mismo aquí con tres colores diferentes. Simplemente no los estoy definiendo como colores primarios o secundarios. Ellos son su propia familia. 9. Fondo complementario: Así que he usado el secador de pelo para secar completamente lo que hemos hecho hasta ahora porque voy a mezclar este ligero color rojo apagado para simplemente pintar alrededor de los pétalos en la parte superior aquí Se puede mezclar. Hay tantas maneras de mezclar este rojo apagado Estoy usando rojo cadmio y luego usando un poco de ese negro para apagarlo, pero no tienes que Puedes usar un poco de siena quemada porque eso también te deshará de la vitalidad Incluso el verde, que es el extremo opuesto del espectro lo neutralizará porque son colores complementarios El verde es un color interesante porque no uso un verde pre mezclado de un tubo. Tengo Varidian ahí, pero me parece que es un color bastante artificial Entonces podría usarlo como base, pero siempre tengo que adaptarlo yo mismo, tal vez mezclando ahí un poco de amarillo, ocre amarillo, un poco de rojo A veces ni siquiera toco ese verde varidiano en absoluto. Simplemente voy directo a mis azules y amarillos para mezclar un verde de aspecto más natural Por eso también tener una paleta limitada te enseña sobre los colores porque si siempre alcanzas un verde premezclado, quizás nunca aprendas realmente cómo interactúan tu azul y amarillo. Pero si haces tus propios greens repetidamente, comienzas a reconocer muy rápidamente cuánto azul crea una sombra fresca verde y cuánto amarillo crea un verde brillante y fresco, cómo un poco de color rojo o tierra también puede calmar todo el asunto. Así que una paleta limitada no es solo una opción estilística, también es una herramienta de entrenamiento fantástica, una que puedes explorar en esta clase a medida que la vas haciendo Y si alguna vez te sientes abrumado por el color, una de las cosas más simples que puedes hacer es usar menos pigmentos, pensar en las relaciones de los colores y explorar más opciones de mezcla con los colores que ya has elegido Y muchas veces crea una pintura mucho más unificada. En esta esquina inferior, estoy creando un verde, pero casi parece un amarillo sucio. A menudo cuando mezclas negro con amarillo cadmio, crea un amarillo muy apagado, pero da la impresión de un verde Entonces eso es lo que he mezclado en mi paleta, y luego estoy creando algunas marcas abstractas aquí abajo porque todavía estamos pintando las partes ligeras de la pintura para empezar. Nada demasiado oscuro. Entonces vamos a ponerle capas encima de esto y solo será el lado más expresivo de la pintura. Podemos divertirnos con nuestro pincel haciendo algunas lamas aquí y allá, creando texturas emocionantes 10. Elementos de fondo abstractos: Estoy mezclando más de este ocre amarillo y siena quemada y garabateando con la punta Fíjate como no es un pequeño pincel. Es un cepillo de tamaño mediano que tiene una buena punta fina. Estoy usando un poco de viridiana en la parte superior, pero lo estoy dejando caer en esta mezcla marrón, así que no es viridiana pura Agitándolo un poco sobre el papel con agua. Me gusta crear áreas de expresión al tener charcos de agua y secciones de pigmento de consistencia fuerte y luego fusionar los dos y permitir que se mezclen sobre el papel sin que yo interfiera demasiado Porque ese contraste entre una sección acuosa muy húmeda y una sección de pigmento más fuerte crea una especie de reacción que es imposible de controlar o saber exactamente cómo resulta. Pero ese es el aspecto mágico de la acuarela. Eso es lo que buscamos ese efecto que es tan único. Podemos controlar un poco dónde está eligiendo qué áreas queremos estar mojadas y qué áreas queremos que tengan una consistencia fuerte. Entonces puede ser algo predecible hasta cierto punto, pero no sabemos exactamente cuál será la textura. Donde terminarán los gránulos exactos y la pigmentación. Entonces como hicimos en la parte superior, con eso, ese rojo silenciado Aquí abajo, en la parte inferior, estoy usando este tipo de color amarillo verdoso apagado Es una especie rara de verde oliva. Se puede decir que bordea entre el verde y el amarillo. Y esto realmente conecta las dos flores, las dos flores grandes principales, la del centro y la de la derecha. Hay que tener en cuenta que esto sigue siendo una capa inferior. Volveré más tarde con un pigmento más fuerte, pero solo quería asegurarme de que tengo un poco de color establecido para empezar, porque vamos a usar un pigmento muy oscuro, grueso, casi negro más tarde. Así que quería agregar un poco de color debajo de él. Con una pintura como esta, es bastante útil mirar mi pintura terminada en la sección de recursos, tal vez en un dispositivo diferente o puedes imprimirla incluso, lo que sea más fácil para ti Pero a veces estoy hablando de cosas o planeando cosas con la pintura como un andelare que sólo tiene relevancia después Es difícil explicar o ver lo que estoy haciendo o tratando de hacer en esta etapa. Pero puedes compararlo con el final, pintura final, y eso te ayudará a entender mi mentalidad Especialmente si estás siguiendo mientras pintas. Podrías estar viendo lo que estoy pintando aquí y no saber realmente qué es. ¿Es una hoja? Es un tallo. La verdad es que la cosa en sí no importa. De hecho estoy pintando negativamente la flor principal arriba. Estoy tratando de pintar la silueta de ese pétalo, el principal pétalo azul claro. Y luego crear marcas abstractas que podrían ser hojas, podrían ser tallos debajo, formas orgánicas y mezclar y fusionar ese color verde y marrón porque ya lo hemos usado alrededor de la composición Entonces a pesar de que es un poco más fuerte, ahora es un poco más oscuro, sigue siendo del mismo color. 11. Introducción a los tonos oscuros: Simplemente formas muy ambiguas se parecen un poco a hojas, se ven un poco como cogollos, y voy a volver a mi paleta usando los mismos colores, pero mezclándola un poco A lo mejor es un poco más amarillo , a lo mejor es un poco más de siena quemada, o me llevo un poco más del verde que tengo en esa sartén superior Debido a que está mojado sobre mojado, todos estos colores emergen por sí mismos. Puede ser bastante raro mirar una sección que es tan abstracta y que no tiene mucho sentido porque en realidad no hay ningún alto detalle aquí. Mi principal concentración es asegurarme que estas formas abstractas tengan algo de sentido. No distraen demasiado. Pueden ser muy desordenados, pero tengo que equilibrar este desorden con un poco de detalle más adelante Entonces mientras estoy pintando, estoy pensando, ¿hasta dónde llevo esta parte abstracta? Y entonces, ¿cuándo tengo que conectarlo a algo que tenga claro sentido? Entonces ahora en realidad estoy mezclando un pigmento oscuro, puedes ver, usando mucho verde vidian y luego siena quemada para que sea un poco más marrón o un poco más natural Varidians no es un color muy natural color muy natural Y ahora me he cambiado a un pincel pequeño. Comenzando por la izquierda y yendo en sentido antihorario durante todo el día alrededor de la flor, los pétalos Estoy agregando un pigmento concentrado muy espeso. Esto es lo que hace que ese medio para el pop. Si usamos un pigmento diluido muy ligero, no tendría ese efecto. Si bien todavía está un poco húmedo debajo, estoy usando la punta de mi pincel para pintar el contorno de este pétalo. Entonces tenemos que mezclarlo un poco. Entonces, en el ojo de mi mente, ya estoy consciente de lo lejos que quiero que llegue este lavado. Entonces pinto, empiezo por el borde, y luego poco a poco agrego más agua porque ya es un pigmento muy espeso, así que solo puedo usar agua para esparcirlo y diluirlo si quiero. No tengo que hacer la pintura en mi paleta, la consistencia perfecta que quiero para la pintura. Yo también puedo controlar mucho de eso en el papel. Sobre todo en esta zona donde aparte del contorno, no necesitamos poner mucho detalle. Estoy bien con las marcas abstractas expresivas en esta sección. Tendremos algunos bolsillos de detalle al final, como las cabezas de las flores, las partes medias, la clara silueta de las flores, pero todo lo demás con lo que podemos divertirnos un poco más. Ahora voy a dejar caer esa agua para aclararla. Y suavizando esa línea porque parecía una línea cuando estaba pintando las afueras de ese pétalo, pero no quiero que sea una línea dura, así que tengo que agitarla 12. Incorporación de colores frescos: Ahora es el momento de pintar la tercera flor, y esta va a ser mucho más abstracta porque está debajo de las otras flores, y no queremos que cada flor sea igualmente detallada. Queremos el principal, el centro de atención en el medio, y luego los que están al lado, un poco menos detallados y los próximos a eso, aún más abstractos. Entonces en la parte superior, tenemos una forma de pétalo definida. Y luego en la parte inferior, simplemente se mezcla y se convierte en marcas abstractas muy sueltas. Y esto continúa esa paleta limitada porque estamos usando ese mismo azul. A pesar de que se ve bastante vibrante en esta etapa, comparación con el resto, se ve bastante llamativo. Voy a incorporarle colores para bajarlo un poco para neutralizarlo y silenciarlo Entonces este morado ayuda a que por supuesto, cuando piensas en púrpura, inicialmente no tiene sentido. No es parte de la paleta de colores limitada, pero solo estoy usando un poco como acento, y se está fusionando con ese azul, así que no es súper llamativo ni discorante. De alguna manera tiene sentido. Y luego usando esa sienna quemada y la punta misma de la cabeza de flor, el centro de la cabeza de flor más bien Observe que acabo de agregar un gran chapoteo de esa siena quemada en medio de esa flor Esa es la única parte hasta ahora que es pura siena quemada en la composición Pero eso no quiere decir que no lo hayamos usado. De hecho, a pesar de que ese es el único pedacito puro de siena quemada, cada otro color ha tenido un poco ahí Usamos sienna quemada en los greens. Usamos un poco de siena quemada en las pequeñas flores que transitan hacia el área azul Incluso ese ocre amarillo muy claro en la parte superior, esa flor muy tenue en la parte superior tiene un poco de siena quemada, así que no necesitamos usar colores en su forma pura todo Podemos considerar usarlos para influir en los otros colores en ellos. En realidad diría que la siena quemada es uno de los colores principales de esta pintura, a pesar de no ser utilizada en su forma pura, estamos usando como factor de influencia 13. Tallos abstractos: Para que veas como esa flor que acabamos de pintar es incluso cuestionable como flor, tan abstracta, pero está bien. Si hiciéramos de eso una flor muy clara, en realidad sería muy distrayente para el espectador porque no habrá centro de interés Competiría con los demás elementos. Entonces tenemos que mantenerlo un poco más abstracto y desordenado, y eso también quita la presión Pero nuevamente, lo complicado de la abstracción y de hacer secciones casi desordenadas es intentar hacerlo desordenado de una manera que se vea estéticamente agradable y Ahí es donde se necesita un poco de concentración porque tenemos secciones realistas. Simplemente puedes intentar copiar mayor precisión posible lo que estás viendo, pero cuando estás siendo abstracto, estás usando tu propia imagen mental para resolver algo sin tener una referencia directa. Por lo que en realidad puede tomar un poco más de energía mental para pintar abstracto que para pintar las secciones más detalladas. Regresando con este rojo parduzco. Entonces es rojo Camm mezclado con siena quemada otra vez. Y a ver he añadido trazos de azul justo al lado. Y debido a que está mojado sobre mojado, estas secciones azules y rojas van a fusionarse suavemente en sí mismas. Eventualmente extenderé esto hasta la esquina superior derecha. Dejando caer un poco de ocre amarillo puro. A veces tomo colores puros de mi paleta y voy directamente a la pintura sin siquiera tocar o mezclar otros colores en mi paleta pero debido a que ya hay colores preexistentes en el papel, se mezcla con esos colores para crear su propia mezcla orgánica natural. Por lo que es bastante aceptable mezclar colores en la paleta directamente, especialmente con pintura húmeda sobre húmeda porque obviamente la naturaleza de húmedo y húmedo es que combinan y asientan los pigmentos, interactúan juntos en el papel a su manera interesante. Pero, de igual manera, también puedes hacerlo seco. Puedes ponerla en capas. Puedes pintar una determinada sección un color, esperar a que se seque y luego dejar caer otro color directamente sobre ella para crear un color completamente nuevo. Entonces agregando algunas pequeñas marcas de tallo tensas ahí. Solo lo estoy tocando, tocándolo con el dedo para ver qué tan seco está, si está listo para pasar a la siguiente etapa. Usando el lado de mi pincel para crear un poco de una marca de pincel seco. Simplemente explorando libremente marcas abstractas que se sienten como plantas y florales. 14. La oscuridad más oscura: Tomando algún trint negro o neutro y haciendo algo similar a lo que hicimos abajo Usando un pigmento muy concentrado, usando la punta de mi pincel para crear ese contraste entre el oscuro más oscuro y el blanco del papel Entonces estas áreas ahora técnicamente no son tan difíciles de pintar. Simplemente estamos pintando literalmente en una sección muy obvia, el borde del pétalo. Todavía no hay transición, solo un color negro sólido en este momento Pero tener este borde limpio en cierta área de la pintura, el punto focal, es muy efectivo porque contrasta con el área suelta que pintamos a continuación, y da la ilusión de que hay más detalle o detalle más complicado de lo más detalle o detalle que realmente hay Al acercarse a una sección como esta, hay que pensar en lo grande es el lavado, dónde va a terminar. Y donde sí termina, ¿ va a ser un borde duro o se va a desvanecer? Entonces mientras estoy trabajando a través, puedo ver este pétalo azul de la flor de abajo también necesita ser pintado. Y ya me he quedado sin pigmento, así que necesito mezclar un poco más. Pero es tan oscuro, de todos modos , en realidad no importa. He hecho este un poco más verde. Entonces cuando lo diluimos, algo de ese verdor se mostrará, pero como es en este momento, es tan grueso, simplemente se ve negro Lo cual está bien. Es por ello que agregué esa capa inferior verde debajo Entonces, cuando después le infundamos un poco de agua pura, algunas áreas estarán muy diluidas y algunas áreas mantendrán ese pigmento concentrado, y los trozos que estén un poco más diluidos mostrarán ese verdor debajo. Pero como no sé exactamente dónde van a aparecer esas áreas porque estoy permitiendo que la acuarela lo haga por mí, tuve que agregar esa capa inferior verde para empezar Permitiendo algunas áreas completamente intacta para permitir que esa capa inferior verde también se muestre Estoy usando un color más diluido por la parte superior aquí, y se puede ver que estoy empezando a hacer la transición algo de él, aclarar algunas secciones Para que no todo sea un negro sólido. Y cuando esté seca, esa zona negra también se verá más clara. Golpeándolo con un pañuelo para crear algunas marcas orgánicas. 15. Capas abstractas: Ahora voy a mezclar otro verde usando ese azul y amarillo cadmio Ni siquiera he tocado el isarin carmesí. Es un verde puramente orgánico, y luego trabajar desde la parte superior del pétalo hasta el fondo, conectándolo a esa sección de abajo. Todo esto es pintura negativa. Estamos experimentando con formas positivas y formas negativas en esta pintura Creo que las flores blancas conducen naturalmente a una idea más grande, que es que en acuarela, a menudo creamos luz indirectamente. En realidad no pintamos la luz. Podríamos pintar las sombras sutiles, el azul y el amarillo. Pero en serio, tratamos de proteger la luz. Nosotros lo rodeamos. Permitimos pasajes más oscuros o más ricos como este junto a él para que sea visible Y esto está sucediendo a lo largo de toda esta pieza floral. Los pétalos más brillantes se sienten brillantes por el azul y el verde oscuro que los rodea Por el momento, ese patrón central principal solo tiene un lado pintado. Para que puedas ver el lado izquierdo, no se ve tan vibrante porque todavía tiene el blanco del papel que lo cubre a la izquierda. Pero ahora que hemos pintado el lado oscuro, puedes ver la derecha cuánto está apareciendo realmente con ese contraste Pequeños fragmentos de papel intacto brillan porque están rodeados de pigmentos más fuertes La luz tiene esa relación, ese contexto con los valores. Si algo no se siente lo suficientemente brillante, nuestro primer instinto podría ser agregar guash blanco o intentar aligerar el Pero a veces una mejor solución es fortalecer lo que le rodea. Si una flor pálida se asienta contra otro lavado pálido, el contraste podría no ser suficiente. Así que coloca una forma oscura detrás de ella y de pronto esa flor crece y nada realmente cambió dentro de la flor misma. Esa es una idea bastante poderosa de que puedas pasar a todos los diferentes tipos de pinturas porque nos da una forma mucho más inteligente de controlar la luz, tonos y los valores en lugar de preguntar constantemente, ¿cómo hago que esta cosa sea más brillante? Puedo preguntar, ¿ Qué valor necesita esto al lado de él? Entonces, sí, eso aplica a los paisajes, si estás pintando una montaña lejana o algo que quiera hacer estallar en los retratos de antaño, naturaleza muerta, casi cualquier cosa, realmente Y sobre todo con la acuarela por la ligereza del papel. 16. Pintura de flores en negativo.: Y eso es exactamente lo que voy a hacer con esta harina de arriba a la derecha. Ahora por el momento, se ve bastante oscuro en comparación con la blancura del papel de abajo Pero ahora estoy mezclando este azul oscuro silenciado, mezclando lo suficiente también para que podamos llenar toda el área No queremos seguir remezclando a camino si nos quedamos sin pigmento. Soy consciente de lo grande que es esta zona, así que estoy mezclando lo suficiente lo que creo que es suficiente. Porque si estás a la mitad de tu lavado y necesitas mezclar más de ese color, entonces se va a secar en tu papel así y crear un borde duro, y volverá a fragmentarse, aunque sea exactamente del mismo Entonces como estás pintando un área como esta, tienes que tener casi marcas de verificación. Pintas una pequeña sección y tienes que volver al borde para llenarla un poco más, entonces puedes trabajar un poco más hacia abajo y luego volver y expandirla uniformemente lugar de trabajar constantemente desde una sección hacia abajo hasta la parte inferior, hacia abajo, y más abajo, tienes que ir y venir uniformemente para que no haya una línea dura que se seque. Ahora estoy incorporando ese rojo, pero es un rojo muy silenciado Casi parece marrón y añadiendo unas gotas ahí dentro. Estoy trabajando rápidamente en este momento, lo que en realidad ayuda con esa sensación espontánea y anima a la acuarela a crear marcas emocionantes y únicas porque no lo estoy pensando demasiado Y está al borde de la composición, así que no tiene que ser y creo obvio, es solo una mezcla aleatoria de colores, bastante del mismo tono y valor, y está haciendo que esa flor destaque más importante. Entonces las flores de este lado son básicamente todas descritas por lo que hay debajo de ellas, pintando negativamente las flores. Pero en el lado izquierdo, vamos a pintar formas positivas, lo que significa que en realidad vamos a pintar las flores ellos mismos, y va a ser un fondo blanco. Entonces es agradable tener esa mezcla, la dinámica de tener luz sobre oscuridad y oscuridad sobre luz. Podemos practicar ambas Y no estoy diciendo que no podamos usar ninguna pintura blanca en absoluto. De hecho, al final, usaré un poco de white wash solo para escoger algunos reflejos que inevitablemente se han cubierto porque por ejemplo, en este bit, estoy más entusiasmado este lavado y por crear hermosas texturas, efectos espontáneos que no se pueden poner en peligro salvando unos preciosos Entonces en pequeñas secciones como esta, puedo esperar al final para restaurarlas. Pero no tiendo a usar squash para lavados enormes o secciones enormes Porque la pintura blanca opaq como gouache y el papel intacto tienen diferentes cualidades Guash, por supuesto, se sienta encima, pero el papel parece brillar a través del color que lo rodea. No estoy tratando de proteger cada pequeña luz desde el principio porque eso haría que la pintura fuera demasiado cautelosa Pero vale la pena pensar en las importantes luces grandes. Creo que esta idea cambia nuestra relación con el papel en blanco también porque el papel en blanco puede resultar muy intimidante al principio 17. Luz sobre oscuridad: Ahora podemos movernos nuevamente a la flor central y pintar la mitad superior, que va a ser ese rojo tenue fuerte Aquí es donde esa flor se transforma completamente en la suya. Por el momento, todavía hay bastante blanco vacío. Pero una vez que nos damos cuenta de que el papel es realmente uno de nuestros colores, dejamos de verlo como vacío Se convierte en parte de la paleta, y se convierte en la luz. Entonces ese es un cambio bastante útil para tener en tu mente porque luego dejar algo intacto se convierte en una decisión activa Puedo sentirme un poco raro, casi como un fracaso dejando algo intacto Pero no es una falta de pintura, es una decisión. Y me parece que la confianza para dejar las cosas en paz es una de las cosas que hace que la acuarela se sienta fresca, sobre todo cuando se pone a los extremos superiores como este donde tienes los pigmentos más oscuros en el papel, los más concentrados directamente al lado de la parte más blanca clara del papel sin transición, solo una línea dura Y me estoy asegurando de contraste es sólo en esta flor principal. Todas las demás flores, a pesar de que siguen siendo claras sobre oscuras, no son de color blanco puro. Esa flor de la derecha que mi mano estaba cubriendo no es un blanco puro, mientras que la flor en el centro tiene un pequeño hueco de blanco en el borde de los pétalos, se puede ver que realmente realza ese contraste. Otra observación que puedes hacer es que las flores en las que pinto negativamente pintando el fondo son flores más frescas. Y estos contrastan con las flores que luego estaremos pintando en el lado izquierdo, que son más cálidas de color naranja tipo de flores Porque las flores azules crearán una sensación diferente a las cálidas, obviamente, y contrastarán juntas. Traen esa frescura al arreglo. Eso es muy importante porque sin ese frescor, el azulado, puede sentirse fácilmente abrumadoramente Tenemos centros cálidos de estas flores, estoy empezando a añadir ahora un poco de ocre amarillo, un poco de óxido, por así decirlo, ese tipo de Entonces tenemos los verdes terrosos, también. Y unos blancos cremosos. Recuerda esa primera flor que pintamos en la parte superior izquierda. Se ve muy débil ahora con todo ese otro pigmento que hemos agregado No quiero que estas áreas centrales de las flores estén simplemente pegadas. Entonces, partes de ella, solo estoy difuminando usando puras pinceladas de agua que gradualmente harán la transición. A veces me estoy ablandando con el dedo, rascándose un poco con la uña Intenta fusionarlo ahí en lugar de simplemente pegarlo encima. 18. Unos pocos brotes: Vale la pena explorar cómo conectar las cosas para mantenerla unificada porque una de las trampas más fáciles con una pintura floral es comenzar inmediatamente a pensar flor por flor o hoja por hoja. Vemos una flor blanca o una flor azul, una flor de naranja, un pequeño capullito, y luego de repente la pintura se convierte en una colección de objetos separados que todos necesitan ser resueltos individualmente. Y es especialmente tentador a la hora de pintar este estilo donde estamos haciendo poco a poco, sección por sección, una idea muy, como, paso a paso enfocada Pero ahí es donde tenemos que hacerlo a pesar que estamos pintando estas diferentes secciones una por una, estamos pensando en todo el arreglo como un diseño grande. Al menos eso es lo que está pasando en mi mente y por qué podría editar algunas cosas, por qué voy a volver a esta flor principal ahora para agregar algunos azules oscuros más. No sólo los azules oscuros. Estoy agregando un poco más de esa siena quemada ocre amarilla Es principalmente para aumentar ese contraste de los contornos blancos de los pétalos nuevamente para hacer estallar un poco más de ese blanco del papel. Y también, esa es la flor principal en el centro. Entonces agregando algunos detalles y líneas más nítidas construye esa atención el medio, el punto focal Si entrecerré los ojos ante esta pintura, especialmente porque estamos a más de la mitad de ahora, trato de no ver pétalos individuales, sino las amplias formas de luz que recorren las masas centrales y azules más frías que la rodean Y luego a medida que avancemos, las notas ocres oxidadas más cálidas de la izquierda tendrán su parte que jugar Estos verdes más profundos que son la parte más oscura de la pintura Lo tejo todo junto. Esa es realmente la estructura debajo de las flores. Es una manera tan importante de acercarse a los florales y a la naturaleza muerta. Realmente, cada pintura, incluso un paisaje, hay que pensar en el arreglo mayor en su conjunto. Pero particularmente con temas como las flores, es una forma importante de abordarlo porque naturalmente son bastante complicados. Tienen decenas de pétalos, hojas superpuestas, tallos, centros, pequeños huecos o bordes irregulares. Si tratamos de dar cuenta de cada una de estas cosas de inmediato, puede llegar a ser muy rápidamente abrumadora. En cambio, trato de simplificar ¿dónde están las formas de luz más grandes? ¿Dónde están las masas más oscuras? Donde están los acentos de color más fuertes. ¿Dónde se siente densa la composición y dónde se siente abierta? ¿Dónde se abre? Y eso me da algo mucho más manejable y me da una dirección directa Y me permite ser abstracto donde siento que puede estar y donde quiero enfocar un poco más de detalle. 19. Flores abstractas: Todavía tengo que pintar el lado izquierdo de esta flor o lo que hay debajo del lado izquierdo de esta flor. Pero antes de hacer eso, voy a pintar alguna pequeña marca abstracta del tallo. Ahora estoy usando un pincel más pequeño y mezclando un verde apagado muy parecido a los greens apagados que ya hemos usado Estoy tratando de mantenerlo bastante similar a eso para que no sea solo un verde nuevo bastante discortante y que distraiga Usar ese amarillo ocre amarillo cadmio y solo poner un poco de azul ahí está bien Es un bonito color verde apagado que funciona bien. A pesar de que algunos tallos aleatorios parecen algo fácil de hacer, todavía tengo que plantar y pensar en dónde tienen sentido. También estoy usando un pañuelo para espesar este pigmento o al menos sacar algo del líquido de él para que sea una textura de marca seca Las direcciones de estos tallos están orientadas hacia el medio aproximadamente. No están, por supuesto, perfectamente orientados hacia adentro como el brazo de un reloj, pero no están completamente opuestos al centro Estas son líneas principales. Estoy tratando de ver estos tallos para ayudar a dirigir el ojo hacia adentro hacia el medio Y luego algunos de ellos voy a difuminar y tener bordes suaves. Entonces lo he secado completamente ahora, y ahora podemos rematar el contorno de la flor principal en el centro usando ese fuerte azul silenciado nuevamente Los tallos que acabamos de pintar son muy sutiles y para el espectador promedio, puede que ni siquiera los noten conscientemente, pero definitivamente tienen sus placas porque estoy tratando de crear esta sensación de movimiento. Si miras la imagen final, ojalá exista esa sensación de movimiento desde el lado izquierdo más suave y abierto hasta un lado derecho más denso y fresco que flor más grande en el medio Actúa como puente entre las dos áreas. Porque a su alrededor, las flores azules crean ese peso más fresco, mientras que en el lado izquierdo, más adelante, vamos a pintar algunas formas de pico oxidadas anaranjadas que traen ráfagas de Y entonces, como ya he dicho antes, ese follaje oscuro es especialmente importante porque mantiene todo unido. Algunas personas evitan usar los pigmentos oscuros puros como casi negros porque se siente demasiado potente y potente. Pero cuando se usa en el área correcta, realmente agrega mucha profundidad a una pintura. Sin esas formas más oscuras, entre todo el arreglo podría comenzar a sentirse como pétalos separados flotando sobre papel blanco. Entonces los oscuros actúan casi como costuras. Conectan todas las flores individuales en un ramo. Este azul, solo estoy tratando de crear algún tipo de forma orgánica, peti inspirada ahí. Bordes tan suaves. Algunos bordes duros también. Más oscuro, por supuesto, donde toca esa flor central y luego se desvanece gradualmente. A pesar de que estamos pintando flores, queremos pensar más allá de las flores. Estoy pensando en la forma de las cosas, en el equilibrio, el ritmo, donde entra el ojo y donde descansa. Quiero pensar en dónde no necesito decir tanto también? Porque hay muchas áreas que están deliberadamente abiertas. Mucho del lado izquierdo será puro papel blanco. 20. Flor en fresco y relajado: Muchos pétalos también están sin resolver. Se disuelven en el papel. Apenas se les sugiere también. Y esa incompletitud es parte del diseño y útil porque significa que obviamente no tenemos que terminar todo con alto detalle Creo que los florales son especialmente hermosos cuando tienen ese sentido de apertura Entonces, si cada pétalo está delineado y cada hoja terminada o cada tallo seguido de un extremo a otro, la pintura puede llegar a ser muy descriptiva. Por eso puedes ver las marcas de lápiz del dibujo, he usado una goma de borrar para hacerlas muy ligeras para que aunque elijo no pintarlas, no sean tan visibles Si usas una línea de lápiz muy pesada, no te da la posibilidad cambiar tu composición a mitad de camino o dejar algunos pétalos sin resolver Como dije, estoy agregando algunas flores oxidadas, algunas flores rojas apagadas en el lado izquierdo, pero no puedo simplemente hacer un lado completamente rojo y el otro lado completamente azul, así que tengo que arreglarlas de una manera estéticamente algo Entonces esta flor de la izquierda, me quedo con un azul muy silenciado Es casi como un azul gris, y sigue el camino de las otras flores azules dando la vuelta al fondo de la misma, y luego va a tener una flor de naranja profundo bastante potente entre esta y la flor central porque tenemos bolsillos de rojo en el lado derecho que no son necesariamente flores. En la flor de la derecha, se puede ver que tenemos un fondo rojo, se usa mucho color rojo, aunque no está claro de qué se trata. Entonces tenemos que equilibrar ese rojo del otro lado, también. De lo contrario, por un lado parecerá demasiado cálido. Y desequilibrado por el otro. Pero aún así, estas flores que estamos pintando ahora son muy sueltas y no muy detalladas en comparación con lo que hemos hecho. Por supuesto, estas son las primeras flores que están pintadas positivamente, así que estamos usando ese fondo claro ahora usando el pigmento para describir la forma interior en lugar de pintar alrededor del exterior. 21. Flor cálida suelta: Quiero que las flores se sientan como si estuvieran emergiendo del pigmento del agua en lugar de ser cortadas y colocadas sobre el papel. Entonces eso significa que necesito seguir volviendo al conjunto. Y si ahora me paso unos minutos trabajando en una flor, doy un paso atrás y tengo que pensar, ¿cómo se sienta esto con la que está al lado? ¿El valor es demasiado fuerte? ¿Necesita fundirse en un lavado circundante? Este que estoy pintando ahora necesita un gran pop de naranja de ese color oxidado Pero estoy pensando en el valor. ¿Es demasiado fuerte? ¿Es demasiado débil? ¿Ese pétalo es realmente importante o la pintura realmente sería más fuerte si la dejara solo un poco? La complejidad no tiene que resolverse pintando más. Muy a menudo, la complejidad se vuelve más manejable cuando la agrupamos en ideas visuales más grandes Una masa ligera, una masa fría. Aquí estamos agregando ese fuerte acento cálido. Estamos usando esta flor como herramienta para crear esa calidez, ese acento, una forma oscura que conecta. Y luego desde dentro de esas grandes ideas, podemos introducir la información justa para que el espectador entienda las flores. Lo interesante es que el espectador en realidad necesita mucha menos información de la que pensamos. Apenas unos pétalos, el centro, un cambio de dirección, algunos bordes rotos. Ni siquiera la flor principal, que es un centro de interés, no está completamente resuelta. No he pintado al 100% en todo el contorno. En esas zonas donde he guardado el blanco como fondo, he oscurecido un poco el pétalo. Se puede ver que la parte superior de esa flor central es ligeramente más oscura porque contrasta con el blanco debajo. De pronto, la mente dice flor, pesar de que no estamos agregando detalles intrincados, y eso nos da una enorme libertad porque no tenemos que explicar todo Sólo tenemos que dar lo suficiente. Aparte de la flor muy central y la de arriba a la derecha, el resto de ellas son siluetas muy simples, casi abstractas De hecho, si los miras individualmente, incluso son cuestionablemente flores Realmente no se ven como flores, sino porque están en el contexto del resto de la pintura, tienen sentido. En cuanto añadimos el centro de las flores, no sé el nombre científico, pero al caer en los centros oscuros, se completa la ilusión. Incluso con esta flor de naranja donde solo estoy experimentando con diferentes tonos y texturas, unas gotas de amarillo, unas gotas de ese pigmento oxidado Siento que esta flor ligera en la parte superior necesita algunos acentos diminutos. Es un poco desmayado. Necesito conectarlo a la composición de alguna manera. Añadiendo un pequeño tallo ahí y luego difuminándolo en el medio Justo en la parte inferior de esa flor, agregando algunos pedacitos de sombra. 22. Medio de las flores: Ahora voy a mezclar un poco de azul fuerte. Yo uso un poco de ultramar y cualquier pigmento oscuro que quede en mi paleta para silenciarlo un Solo lo estoy dejando caer en muchos puntos, concentrando esos puntos en el centro, tal vez unos garabatos Y tal vez diluirlo un poco más que ya se parece un poco más a una flor, pesar de que es una versión muy simplificada de una. Ahora voy a empezar a agregar los centros al resto de las flores ahora usando toda una variedad. Acabamos de hacer azul para esa. El de arriba a la derecha, era más pardusco con toques oscuros Este de la izquierda, vamos a hacer un poco más verde. Sólo para crear esa variedad. Idea similar de agregar pequeños puntos concentrados en el medio, tal vez la línea de remolinos ocasionales y luego usar agua pura para ablandar algunos de los bordes variedad Edge es una de las cosas que puede hacer que una pintura floral se sienta increíblemente viva, y podrías estar haciéndolo sin siquiera darte cuenta, pero es algo que definitivamente tendrás que incorporar a tus propias composiciones porque las flores están llenas de formas suaves, pero eso no significa que cada borde deba ser suave. Algunos pétalos captan una luz muy clara y simplemente destacan muy agudamente sobre fondo oscuro, pero otros se disuelven por completo y desaparecen en otra flor pálida. También con hojas, tal vez lado tenga un borde duro y el otro lado se disuelva en un lavado y esa variedad crea profundidad y ayuda a cantrol también la atención, porque un borde duro atrae naturalmente la atención y un ojo suave es mucho más silencioso y un borde perdido permite que dos formas 23. Terminar la flor principal: Entonces, si quiero que una flor se sienta más importante, le puedo dar unos bordes más claros. Y si quiero que otra flor se siente más atrás, puedo suavizar algunos bordes, difuminar o difuminar para reducir ese contraste Y esto suele ser mucho más efectivo que agregar detalles. Los bordes pueden hacer el trabajo de detalle. No siempre necesitamos líneas extra. A veces solo necesitamos un borde para ser un poco más firme o un borde para desaparecer, y eso por sí solo puede alterar completamente la sensación del espacio Especialmente me gustan los bordes perdidos en las flores blancas. Porque si dos pétalos blancos se superponen y los valores son casi idénticos, a lo mejor no necesito separarlos. El espectador aún puede entender la flor. Y esa poca ambigüedad se siente natural y no forzada y bastante elegante De igual manera, si una flor azul se desvanece en un lavado de fondo oscuro o frío, puedo dejar que esa parte desaparezca, y hace que la pintura se sienta más integrada Y luego, cuando un pequeño borde duro aparece en otro lugar, repente se siente más significativo además de eso. Entonces es un principio muy útil. Y entonces si todo es agudo, nitidez no tiene sentido Así que siempre tiene que haber contraste. Si todo es suave, la suavidad no tiene contraste. Entonces necesitamos ambos. Las pinturas más interesantes suelen contener un espectro completo de los bordes más nítidos hasta los más suaves apenas visibles o completamente perdidos, volvieron a encontrar y ese movimiento mantiene el ojo ocupado. Por supuesto, con esta flor central siendo el punto focal, voy a pasar un poco más de tiempo en el centro que las otras. Empiezo con ese anillo anaranjado a su alrededor, y luego dentro, dejando caer un amarillo ligeramente verdoso No es amarillo puro. Y luego integrarlo en esa naranja agregando unas líneas orgánicas tensas, pocos toques de oscuridad para volver a aumentar ese contraste A medida que el agua y el papel empiezan a asentarse en seco, puedo caer en un tono aún más oscuro para darle más profundidad. Entonces estoy mezclando algunos viridianos y mezclarlo con el color naranja para neutralizarlo un No quiero que sea de color verde brillante, es bastante fuerte por el momento. Entonces lo estoy considerando. Hay que hacer algo. Voy a buscar mi pañuelo y a tocarlo un poco para sacar algo de ese pigmento 24. Unos últimos retoques: Como la pintura se está uniendo ahora, se puede ver cómo se ha desplegado la composición Y me gusta que esta composición no sea simétrica. El cúmulo principal se asienta mucho más pesado hacia la derecha y el lado izquierdo se abre en mucho más espacio en blanco. Y tenemos oscuros más fuertes en un lado y pasajes más ligeros, más suaves en el otro, sin embargo, se siente natural Las flores rara vez se arreglan en un equilibrio perfectamente geométrico. Incluso al organizarlos nosotros mismos, un poco de asimetría suele crear más vida. Lo importante es que la asimetría aún necesita equilibrio y no son opuestos porque el equilibrio no significa que ambos lados sean iguales Significa que el peso visual se siente estable. Una flor azul oscuro en un lado puede equilibrar varias flores pálidas en el otro. Una forma pequeña de naranja saturada puede equilibrar un lavado neutro mucho más grande. También un denso racimo de follaje puede equilibrarse con papel blanco abierto. Entonces pienso en términos de peso visual más que cantidad física real porque la oscuridad tiene peso, la saturación tiene peso. También lo hacen los bordes duros, los detalles y las formas grandes. E incluso el espacio en blanco puede tener peso dependiendo de su forma y colocación. Entonces, una vez que empezamos a pensar de esta manera sobre la composición, se vuelve mucho más flexible. No necesitamos sentirnos obligados a poner otra flor en alguna parte simplemente porque un lado se ve más vacío A lo mejor ese vacío es exactamente lo que equilibra la densidad del otro lado Eso es lo que está pasando aquí. El área abierta le da al ramo espacio para respirar. Si llenara más flores en el lado izquierdo, podría hacer la composición más pareja, pero probablemente la haría menos interesante. Se puede ver que apenas hemos usado ninguna pintura blanca pintura blanca de lavado. Solo lo usamos para unos pequeños toques encima de algunos de los lavados. El cuadro básicamente está hecho. Simplemente siento que necesito oscurecer estos pétalos un poco No es del todo necesario, pero a veces tienes estos impulsos solo de jugar por ahí, y eso es una señal para mí de que las pinturas se hicieron Si estoy jugueteando con cosas sin sentido, y llamar a la pintura hecha 25. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo, y felicitaciones por completar esta clase de pintar una composición floral suelta. Exploramos cómo el contraste puede guiar la atención, cómo los colores repetidos pueden conectar áreas separadas y cómo las formas inacabadas pueden hacer que una pintura se sienta más natural en lugar de incompleta Las flores pálidas se hicieron más fuertes debido a las formas más oscuras que las rodeaban. Mientras que las notas cálidas dispersas agregaron movimiento e impidieron que la paleta fría se sintiera plana. Estos principios se pueden aplicar a ramos de flores, escenas de jardín y muchos otros temas expresivos. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes avisarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos Espero que esta clase te haya demostrado cuánto carácter puede provenir de la moderación, variación y la colocación reflexiva. Espero verte en mi futura clase hasta entonces Bye por ahora en Happy painting.