Caballo salvaje en acuarela: pinta siluetas, reflejos y luz calma

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un caballo salvaje en tranquilos humedales. Esta escena es una lección de moderación, siluetas claras, y la poesía de la reflexión, usaremos una paleta limitada de marrones terrosos y verdes azules, dejando que las gradaciones suaves cambien la forma mientras el papel guardado y algunos oscurecidos decisivos anclan las piernas y el hocico anclan El horizonte se mantiene suave, el agua amplia y tranquila, por lo que el reflejo puede llevar el diseño. Incluso si simplemente miras, ver como pocos movimientos bien elegidos es muy valioso ver como pocos movimientos bien elegidos construyen la pintura. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Entonces, comencemos e invitemos a la quietud a la página. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse a esta clase. Estoy muy contenta de que hoy estés aquí pintando conmigo. Nuestro objetivo es capturar regalos más que descripción. Mantenga el caballo como una silueta clara y elegante. Deje que el color se desplace cálidamente por la espalda y se enfríe en el vientre sombreado y permita que la amplia piscina permanezca abierta y espaciosa El reflejo refleja las formas principales, suavizadas, por lo que los bordes se sienten ligeramente retrasados Una paleta limitada mantiene la armonía alta mientras que las pequeñas ondas añaden vida sin desorden Piense en el equilibrio, la respiración y la luz tranquila que se mueve a través del agua. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la pestaña de proyectos y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la Galería de Proyectos del estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con esta pintura de caballos, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar en esta clase. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, bidian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton, o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un gotero de agua para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás seguir en la clase de hoy. Pero te animo a usar cualquier herramienta a la que estés acostumbrado o incluso a experimentar con las herramientas que quieras probar. Vamos a seguir adelante y esbozar esta escena antes de pintarla. 4. Preparación de la composición: Esta pintura es una pintura bastante mínima porque realmente, lo único que tenemos que dibujar es el caballo, y teníamos algunas otras líneas solo para indicar dónde está el horizonte. Pero estamos creando esa ilusión de toda una escena, pero sin apenas ningún detalle en absoluto, el caballo es básicamente una silueta. Entonces solo tenemos que enfocarnos en acertar al caballo en este dibujo y trabajar todo alrededor de eso. Y empezamos bloqueando las formas con un lápiz áspero. Y luego poco a poco construyendo encima de ella. Y una vez que sentimos que la forma general del caballo es correcta, entonces podemos entrar con un lápiz fino como este y enfocarnos en esa silueta. No estoy pensando en los detalles dentro de ella. Sólo estoy consiguiendo la silueta correcta. Y entonces cuando se trata de la pintura más adelante, entonces podemos empezar a pensar en los detalles porque la parte más importante del dibujo es acertar esa estructura fundacional porque no importa o ninguna cantidad de pigmento arreglará un mal dibujo Por supuesto, puedes usar la plantilla que te he proporcionado en la sección de recursos para ayudarte a obtenerla lo más precisa posible. Estoy agregando algunas líneas dentro de la silueta ahora solo para que me ayuden a guiarme, pero solo van a ser pequeñas influencias sutiles. Nada demasiado estricto que voy a seguir. Y luego para la reflexión, es una forma muy abstracta que sólo voy a sugerir sutilmente e implicar que se hará puramente con un pigmento más adelante 5. Prehumectación del cielo: Ahora, vamos a comenzar con la parte más fácil de toda la pintura, y eso es simplemente humedecer previamente el papel por encima de la línea del horizonte. Entonces ojalá hayas marcado con tu lápiz ligeramente dónde está la línea del horizonte, y solo vamos a llenar esa área con agua pura. Estoy usando este cepillo para trapeador porque puede contener mucha agua y tiene un buen borde limpio. Puedes, por supuesto, hacerlo con cualquier pincel que quieras, pero tardará más tiempo con un pincel más pequeño. Esa es la única razón por la que estoy usando una grande. Y la razón por la que estamos llenando esta zona con agua para empezar es porque a la hora de agregar el pigmento, queremos un bonito lavado limpio para el cielo sin bordes duros porque esta va a ser una pintura muy minimalizada Y estoy usando azul cerrillano. Ese es mi color favorito para los cielos y el agua. A lo mejor un toque ridiano. 6. Pintar el cielo: Entonces voy a seguir usando este cepillo para trapeador porque, de nuevo, contiene tanta agua y pigmento que no tengo que interferir demasiado con él. Acabo de dejar que el pigmento caiga sobre esta página por encima de esa línea del horizonte. Y debido a que este es un pigmento tan ligero, no me importa pintar encima de este caballo porque vamos a usar pigmento marrón fuerte para el caballo. Entonces, cuando pintemos sobre él, ni siquiera veremos el caballo en absoluto o más bien el azul del cielo en el caballo Si está demasiado húmedo, utilizo la esponja para equilibrar la humedad así que no hay piscinas. A veces el papel se arruga. Estoy seguro de que la mía también lo hará con toda esta agua, pero mientras intentemos no alentar a que las piscinas pasen aplicando demasiada agua, habrá un cielo suave y agradable. Añadiendo un poco de ocre amarillo ahí, solo una sutil cantidad diluida No queremos que se ponga verde, pero le quita la monotonía de tener un solo color puro Y curiosamente, a pesar de que es tan mínimo, agrega una sensación de realismo Ahora me estoy quitando algo del pigmento, para que puedan ver lo ligero que es. Tal vez agregue un poco más en la parte superior, y se puede ver que no es absolutamente sod y húmedo para que no se produzca ningún agrupamiento de agua porque ahí es cuando ocurren las desnivelaciones y se seca con floraciones y Queremos que el cielo sea agradable y suave. Sólo me gusta decir que el ocre amarillo realidad no es necesario A veces solo tengo sentimientos e impulsos para agregar pigmentos a veces Pero no hay ninguna razón para que lo hagas si no quieres arriesgarte a interferir con un simple lavado. Si bien todavía está mojado ahora, estoy usando un cepillo más pequeño porque quiero un poco más de precisión. Estoy aplicando un poco más de este azul serlean en la parte inferior para ayudar a definir esa línea del horizonte Y debido a que el lavado aún está húmedo, será una agradable transición suave hacia arriba. Este es otro ejemplo de cómo podemos hacer pequeños retoques para hacer algo un poco más interesante a la vez que lo mantenemos bastante simple Entonces agregar este poco extra de pigmento en la parte inferior le da un poco más de profundidad, un poco más de realismo, lo hace un poco más intrigante. Pero la clave es asegurarse de que el lavado aún esté húmedo. No quisiéramos hacer esto si ya estuviera a medio secado porque crearía desniveles y no se mezclaría poco a poco 7. Prehumectación del agua: Ahora, si quieres, puedes conseguir un pañuelo como yo ahora y simplemente desmentir al caballo para que esta línea azul no sea tan fuerte Esto, de nuevo, no es súper esencial porque volveremos con pigmento profundo, pero solo por tranquilidad, apenas se nota, en realidad, porque mi azul serlean tiene manchas bastante altas, así que es bastante difícil sacar el pigmento para levantarlo Pero eso es algo que también puedes hacer en otras pinturas. Es una técnica útil para practicar, aunque no sea tan necesaria. Ahora, yo secé completamente el cielo, y vamos a empezar a pintar el agua ahora, el humedal Hay múltiples formas de pintar esta pintura. A lo mejor podríamos haber pintado el fondo primero por debajo la línea del horizonte y luego pintar el cielo arriba. Pero la idea sigue siendo la misma. Estoy mojando previamente esta zona, y estoy teniendo mucho cuidado de no tocar el cielo porque quiero que esa línea de horizonte limpia esté ahí. Creo que por cierto solo lo codazo con mi cepillo ahí. Y estos errores ocurren, pero por eso me aseguré el cielo estuviera completamente seco con un secador de pelo de antemano que si tuviera que salpicar agua ahí, no lo agitara y creara una floración de coliflor A pesar de que no estamos tocando el cielo, podría haberse quedado mojado, pero habría creado una marca. Entonces sólo voy a dejar ese pequeño chapoteo que hice en el cielo ahí. Apenas se percibe. Pero si empezaste a tocarte o usas un pañuelo para tratar de sacar esa agua, entonces te llevarías pigmento con ella, y sería demasiado obvio. Entonces voy a seguir mojando previamente toda esta zona para que podamos empezar a pintar el agua. 8. Cómo empezar el agua: Voy a usar básicamente los mismos colores que el cielo, pero con énfasis en el verde, voy a agregar un poco más ridian a este color Entonces comenzando por la parte superior, nota que no estoy usando mi cepillo de trapeador. Solo lo uso para llenarlo con agua. Llevándolo justo a la parte superior y debido a que las zonas ya mojadas con agua, ya empujará el pigmento hasta el borde. Entonces no necesito pintar todo el camino hasta la parte superior, pero no importa particularmente si algunas áreas lo tocan. No hace falta que sea tan preciso. Porque si piensas a veces cuando miras el horizonte, a veces es indistinguible el mar o el agua al cielo Entonces algunas áreas, estoy tratando de igualar el tono. Entonces áreas quiero que sea más claro y algunas áreas quiero que sea más oscuro. Entonces quiero jugar un poco con la dinámica de esta línea del horizonte. Y es un buen ejercicio para que practiques donde el mar puede ser más ligero que el cielo o el cielo puede ser más ligero que el mar o tratando de igualarlo de nuevo. Y luego lo aligeré un poco entre el horizonte y el caballo Pero donde las patas del caballo se encuentran con el agua, a propósito me estoy oscureciendo un poco ahí, pero manteniéndola mojada sobre mojada para que haya bonitas formas suaves pasando Y todas mis pinceladas son horizontales. Tratando de limitar mis pinceladas verticales o no usar ninguna en absoluto para crear esa sensación de ondulaciones Entonces estoy usando colores puros. Básicamente, usé serian arriba, y ahora estoy usando viridian, y ellos mismos van a mezclar en el papel Así que no necesito realmente usar mi paleta en absoluto para mezclar estos colores. Y solo lo estoy construyendo poco a poco. Por supuesto, cuando el papel está muy húmedo como lo está ahora, van a extenderse y volverse súper suaves, y muchas de estas pinceladas en pocos minutos el tiempo se perderá por completo y extenderá para que ni siquiera los puedas ver. Pero vamos a agregarlos poco a poco para que haya una buena gama de suavidad completa para finalmente completar la dureza. Y nos estamos volviendo cada vez más oscuros a medida que bajamos más abajo. Entonces podemos ir un poco más fuertes en la parte inferior y luego usar qué pigmento tenemos en el papel y usar estos trazos horizontales nuevamente para agitarlos hacia arriba. Y esos garabatos verticales, acabo de agregar que hay, de nuevo, solo para mover el pigmento por ahí porque el papel ya está tan mojado en este momento Esos trazos verticales sólo van a extenderse hacia afuera y no los verás en absoluto No estoy aplicando trazos por cómo quiero verlos ahora. Estoy aplicando trazos a lo que imagino que serán en 5 minutos una vez que el mortero y el pigmento se hayan movido un poco más. Algunos parches son un poco más serles y azules, y algunos parches son un poco más verdes viridianos. No hay orden ni regla que esté siguiendo. 9. Transiciones del agua: Ahora la parte superior de este lavado, esta sección de agua, estamos pintando ha tenido un poco más de tiempo para secarse porque no hemos estado trabajando en ello, y ahí no hay pigmento, solo agua pura. Cuando aplique trazos en esa área en la parte superior, mantendrán sus formas un poco más. Debido a que hemos estado trabajando en la mitad inferior y estamos agregando más pigmento y agua, queda un poco más húmeda que la parte superior. Y muchas veces, como acabo de hacer ahí, solo aplico uno o dos trazos solo para ver y sentir el nivel de humedad antes de comprometerme con algo un poco más fuerte Y todavía estaba un poco húmedo y húmedo para mí. Entonces voy a seguir trabajando en el bit inferior hasta que los bits superiores estén un poco más secos Ahora estoy incorporando un poco de púrpura. Y cuando lo ves por primera vez ahí en el papel, se ve bastante fuerte y disparente Pero al final de este cuadro, no lo verás. Yo me habré mezclado. Y aunque todavía influye en el color, no veremos esa zona de la pintura y pensaremos, Oh, ahí hay una marca de pincel púrpura. Y puedes experimentar con esto a tu manera con el color que quieras. Aplicando pequeñas influencias de colores que no son perceptibles pero que tienen Ahora voy un poco más audaz. Y de igual manera, con el papel cada vez más seco, cuanto más grueso sea el pigmento, más probable es que el trazo mantenga su forma Así se puede ver que he creado un poco de brecha entre estos trazos, permitiendo un poco de ligereza entre ellos. Y no son perfectamente heterosexuales. Están un poco inclinadas, al igual que las ondulaciones estarían en primer lugar Y ahora estoy agregando trazos más delgados, usando el mismo pincel, pero como estoy usando una presión diferente, se está volviendo un poco más delgada. Estoy siendo un poco más juguetón, como pueden ver, agregando algunos trazos arbitrarios aleatorios que podrían parecer extraños en esta etapa, pero puedo decir que los papeles se mojaron lo suficiente como para salirse con la suya. Entonces todas estas marcas abstractas se van a mezclar y suavizar en un poco, y es solo una forma divertida y lúdica de pintar, liberarme un poco, sintiéndome un poco menos valioso al respecto Construye tu confianza un poco más y te permite sentir un poco más de libertad. Vea cómo los púrpuras se están disolviendo ahí dentro y haciéndose menos visibles No me importa tener un poco más de textura en el fondo, también, porque esto no es agua profunda, así que tal vez haya arena o tierra debajo ahí a la que necesitamos agregar un poco más de textura. Esta agua no es algo en lo que particularmente quiera mucha atención. Así que no necesito que sea agradable y audaz o detallado, sacudiendo algunas salpicaduras ahí para aumentar esa sensación de textura Haciéndolo sentir un poco más etéreo. Hay algunos pequeños pigmentos que se concentran que solo estoy agitando para aflojar un Se puede ver cómo hay una transición de la blancura de arriba a los pigmentos de color púrpura azulado frío pigmentos de color púrpura azulado Pero no está limpio. No he tratado de mantenerlo en una agradable transición suave , manteniéndola juguetona. 10. Ondas distantes: Así que he dejado que vuelva a secarse completamente. Y ese es básicamente el lavado principal para el agua. Ahora podemos agregar algunos detalles mínimos para que sea un poco más convincente. Ondulaciones tan duras, algunas pequeñas líneas duras que tal vez puedan implicar algunas orillas de tierra o simplemente pequeñas ondulaciones en la distancia Entonces estoy usando los mismos colores, pero un poco más concentrado. Ese azul cerlan, verde viridio, y un poco de mi violeta púrpura, pero puedes mezclarlo usando un zarin carmesí y un azul serlean Este es un detalle muy sencillo que estoy agregando ahora, pero tiene mucho impacto porque estoy aplicando esta ondulación o línea horizontal, pero dejando a propósito un hueco donde estará el caballo, pero continuándolo por el otro lado Pequeños elementos como este le dan una sensación un poco más realista, pero también ancla la pieza, le da un poco más de profundidad Podemos extender esta línea y hacer lo mismo detrás de la cabeza también, pintando hasta la cabeza y luego continuándola del otro lado. No queremos pintar sobre la parte superior del caballo para éste porque está un poco demasiado oscuro, a diferencia del cielo donde podríamos salirnos con la suya y el agua. Estas ondulaciones o bancos de tierra, serían un poco demasiado obvios. propósito, mantengo esta línea un poco dentado y se acerca poco a poco a la línea del horizonte, pero en realidad no toca Entonces está esta poca ligereza del papel de abajo entre esta zona y el cielo. Se trata de una pintura muy minimalista porque no sólo hay básicamente un elemento claro, el caballo, sino colores muy limitados, una paleta limitada Solo estamos usando básicamente serlean y verdes con algunos toques de púrpura, pero el morado es obvio, apenas perceptivo Entonces dos colores para el agua y el cielo y luego para el caballo solo va a ser la siena quemada y el negro Así que no hay muchos colores en absoluto. Y si quisieras simplificarlo aún más, probablemente podrías quitarte el verde viridio y simplemente dejarlo azul y marrón Composicionalmente, esta línea horizontal acabamos de pintar ahora, ayuda a dirigir el ojo A pesar de que es muy delgado, hay una especie de elemento zig zag para que el ojo siga, como un camino a través de la pintura, que podamos ir de izquierda a derecha, y luego conectaremos con el caballo. Ahí habrá otra ondulación. Entonces conecta la pintura. 11. Ondas debajo del caballo: Ahora voy a agregar algunas ondas donde las patas del caballo se encuentran con el agua porque, claro, ahí habrá algo de agitación con el caballo moviéndose suavemente, pero solo ondulaciones sutiles Y realmente, esto también funciona como una herramienta compositiva. Como decía antes, es casi como una flecha. Entonces esta forma que estoy pintando ahora, si la sigues por el camino de tu ojo, sube al otro lado de la pintura. Lleva tu ojo a través y en lugar de simplemente bloquear esta área, estoy agregando pequeñas tiras o pequeños huecos del papel de abajo. Así que no solo lo estoy bloqueando completamente, y mira cómo uso un pañuelo ahí para borrarlo en algunas áreas para que haya áreas más claras y áreas más oscuras. Usando un pincel más pequeño para esto porque, nuevo, quiero pequeñas líneas finas en algunas áreas. Especialmente alrededor de la zona de la boca porque a lo mejor las piernas están bastante quietas, pero la boca donde está tomando un sorbo, un poco de trago. Unos anillos, ondulaciones ahí. La idea general de esta pintura, lo que queremos transmitir es la quietud pura, un solo caballo, un horizonte amplio, y un suave reflejo del caballo Al mirar por primera vez la pintura, se siente como el caballo es el tema principal, que, por supuesto, al final del día lo es, pero realmente es el espacio el que es el sujeto real, esa sensación de paz e inmensidad Y ese sentimiento viene de la moderación. En esta pintura, nada está tratando de impresionar. No hay nada ruidoso. Todo está permitiendo que el espectador se asiente, lo que sería una impresión bastante relajante. La mayor parte de la imagen es suave. Es un espacio abierto de azules y verdes pálidos. Y ese espacio abierto es el evento principal. Y el caballo se vuelve poderoso porque hay muy poca competencia a su alrededor. Y es un recordatorio de que el vacío también puede ser una herramienta compositiva, no solo un problema a resolver, porque muchas veces me incluyo, así como los estudiantes pueden sentir que tenemos que llenar toda la página de las cosas Pero como puedes ver, no pasa mucho en el cielo, no pasa mucho en el agua. El horizonte es suave y alto, y divide esta composición o este mundo que estamos pintando en aire y agua sin ningún drama Y como el horizonte es tranquilo, el caballo lee como el único ancla firme, y eso crea una sensación de soledad y paz porque el caballo en sí no está en una pose de acción, también está en una pose muy relajada 12. Capa inferior del caballo: Ahora es el momento de pintar el caballo y podemos mantenerlo lo más simple posible. Puede haber algunos pequeños detalles que pintamos más tarde, pero es más una ilusión de detalle en lugar de tomarse el tiempo para pintar el detalle. Vamos a descomponerlo en un proceso muy sencillo. Entonces me he mezclado bien, he diluido, no necesariamente mezclado algún ocre amarillo para esta capa inferior Y luego tengo un poco de siena quemada también. Y esto es solo para llenar la zona con algo de calidez y mojar la zona. Realmente no importa en esta etapa, ya sea demasiado ocre amarillo o demasiada siena quemada Solo queremos pensar esa clara silueta del caballo para empezar. Y como pueden ver, estoy usando un pincel de tamaño mediano, ni siquiera un pincel pequeño. Pero con mis marcas de lápiz, tengo claro cómo es la silueta porque, nuevamente, como dije antes, si tu dibujo a lápiz no es correcto, la pintura no lo corregirá. Entonces tienes que estar súper seguro de que estás contento con tu dibujo primero. Es la estructura. Es el esqueleto de la pintura para la que todo lo demás está construido en la parte superior. Así que en realidad no he agregado mucho más pigmento que esa pincelada inicial, y estoy usando agua solo para llenar esta área. Y si siento que se pone un poco demasiado ligero, entonces puedo volver a mi paladar y dejar caer un poco más de pigmento. No necesariamente me estoy apresurando, pero sí quiero llenar esta área sin líneas duras No voy a usar este lavado sobre la cola, pero voy a empezar a pintar sobre esta zona de las piernas en la parte posterior. 13. Extender el lavado: Observe cómo tipo de giro entre los bordes para que un área, un lado no se seque antes de que esté listo. Así que voy a pasar un poco de tiempo trabajando en la cabeza en el área, pero luego estoy consciente de que también tengo las dos piernas con bordes duros. Entonces en unos segundos, voy a pasar al siguiente y luego con el tiempo, tendrás esta conciencia automática para hacer eso, así que no hay bordes duros no deseados. Y los veo como puntos de control para que incluso si me pasa a olvidar o ocurre alguna emergencia aleatoria donde tengo que dejar de pintar, lo he pintado hasta un punto en la zona de las piernas donde podría corregirlo fácilmente o suavizarlo Nuevamente, esto es solo una capa inferior. Entonces no es tan importante de todos modos. Ya puedes ver cómo no era tan importante evitar pintar azul sobre la parte superior de este caballo al hacer el fondo porque este marrón ya es lo suficientemente oscuro como para esconder ese azul, y luego luego iremos aún más oscuros de todos modos. Oído, no me he molestado en pintar porque eso va a ser negro puro de todos modos Entonces esta es solo el área principal y poco a poco podemos construir sobre más y más textura usando la técnica húmeda sobre húmeda, volviendo sobre la zona que iniciamos porque ya estaba empezando a secarse. Solo estoy tocando el pincel para permitir que ese pigmento se caiga de mi cepillo. No lo estoy acariciando. Estoy permitiendo que se caiga sobre el papel y algo haga lo suyo. Queremos mantener esta silueta fuerte posible para que sea fácil de leer. Y por supuesto, ahí hay detalles, y el resultado final puede parecer algo realista, pero incluso dentro de ese realismo, es mínimo porque es solo una silueta. 14. Cómo formar los tonos: Ahora, mientras todavía está mojado, voy a agregar algunos oscuros ahí y ver cómo no voy a usar el negro, al menos no de inmediato Voy a mezclar mis oscuros usando azul y siena quemada. Entonces puedes usar el ultramarino como yo estoy usando porque ese es el azul más oscuro Y junto con la sienna quemada, es más o menos tan oscura como se puede conseguir o al menos tan oscura como necesitamos para esta pintura A veces sólo voy al negro solo para ahorrar algo de tiempo. Pero cuando puedo evitarlo, solo mezclo algunos colores complementarios para crear ese tono neutro. En esta etapa, parece que estoy pintando de manera bastante específica tratando cuero cabelludo hacia fuera las formas. Pero si miras el cuadro final, puedes ver cómo en realidad repaso este pedacito y lo simplifico. Lo que realmente estoy haciendo en este momento en mi mente, es pensar en cómo pintar el resto de este caballo, no necesariamente solo la zona que estoy haciendo en este momento. Estoy pensando en qué área pintar a continuación mientras estoy pintando esto. Estoy tomando todo tipo de decisiones o explorando diferentes pensamientos como lo oscuro que debería ir. Por eso me estoy tomando mi tiempo. No es tanto que esté tratando de acertar la anatomía. Estoy empezando poco a poco construyendo un poco más de tono. Así que ya ves ahora me voy mucho más oscuro. Y esto es puro ultramarino, pero debido a que está encima del marrón, casi se ve Y para mí, eso hace que se vea un poco más emocionante. Entonces en la parte trasera del caballo aquí, estoy evitando pintar la cola en este momento y las patas porque sé que no hay mucha transición en esta zona, así que simplemente puedo volver a ella más tarde con el mismo tono oscuro y volver a conectarlo sin problemas, casi como un punto de control Pero quiero aprovechar al máximo las zonas húmedas en este lavado, así que sigo moviéndome a través este caballo para conseguir esas transiciones mojadas y mojadas donde importa. De nuevo, estoy evaluando los tonos. Podría oscurecerme, pero por el momento, estoy reteniendo el gas, por así decirlo, en lugar de llenarme en la oscuridad de inmediato, poco a poco voy construyendo Aunque finalmente termine mucho más oscuro, me ayuda a evaluar los tonos con mayor precisión. Porque esta zona de la pintura de este caballo no es la parte abstracta. Pero eso no quiere decir que tengamos que confiar en los detalles pesados. Todavía quiero que sea esquivo e inmersivo. Pero al mismo tiempo, tenga sentido. 15. Pigmento más oscuro: Porque incluso dentro de una silueta, todavía habrá alguna influencia o forma ahí dentro. Yo personalmente he ido con Brown por este caballo. Pero sería interesante ver sus interpretaciones. Tal vez puedas quitarle el color por completo y pintar un caballo negro sólido con solo unos sutiles reflejos brillantes. O tal vez puedas tomarlo un poco más claro, aún usar escala de grises y pintar una especie de caballo monótona gris turquino, no necesariamente blanco porque necesitamos ese contraste, pero aún puedes jugar con tonos usando un color gris más claro O tal vez puedas probar una especie de moteado que pasa de gris o blanco por un lado a marrón por el El mensaje que me gustaría transmitir es que este no es necesariamente un tema que necesita ser copiado exactamente para tener éxito. Este es un tipo de pintura que basa en el sentimiento, el juicio, la atmósfera, por lo que, naturalmente, cada versin será un poco diferente De hecho, si cada virsina pareciera idéntica, perderíamos la parte más emocionante de esta pintura, que es ver cómo cada persona interpreta el mismo tema Entonces el objetivo no es realmente reproducir mi pintura a la perfección, aunque puedas, si eso es lo que te hace sentir más cómodo o eso es lo que más te ayuda a aprender. Pero podemos usar este tema como una forma de explorar lo que significa ser o expresar calma, simplicidad, reflexión y expresión personal porque no hay una sola manera correcta de pintar esta escena. Sólo formas más o menos convincentes de expresar tu propia respuesta a ella. A lo mejor el cielo puede ser un poco diferente. A lo mejor quieres agregar un cielo cálido y un caballo fresco. Empezando a indicar la cola con trazos ligeros, trazos muy finos solo para tipo de mapa fuera donde quiero que esté la cola, y luego rellenando donde sé que se bloqueará. Y luego poco a poco conectarlo al resto del lavado, como dije, como una especie de marca de verificación antes de que podamos volver a conectarlo Y donde quiera que esté oscuro, solo uso el blues de mi paleta en lugar del negro. Así que en realidad no he tocado el negro todavía. Entonces la cola va todo el camino hasta el fondo, y es bastante grueso el pigmento porque el pigmento se secó en mi paladar. Por lo que crea una especie de textura de pincel seco, lo que también ayuda con ese detalle porque esta área específicamente en este momento, la cola es la más especie de área áspera, afilada porque en todas partes es muy lisa. Pero esta es la zona de mayor movimiento. Estas líneas finas que están todas concentradas y superpuestas. Poco a poco se puede construir eso. Y claro, cuanto más cerca juntan los pelos y las hebras, más grueso se vuelve hasta que finalmente se convierte en el cuerpo, la parte posterior de las piernas. 16. Pintura de la melena: Solo quiero explicarte o tranquilizarte que esta pintura no tiene por qué parecerse a mía porque cuando estaba empezando a aprender, y conozco que muchos alumnos al seguir mis clases apuntan a pintar algo que se parezca a mi pintura Y quiero que sepas que en lugar de ser el éxito ¿mi pintura se parece a la tuya? Puedes redefinirlo como, ¿Creaste una pintura que se siente tranquila, espaciosa e intencional Porque la acuarela es tan impredecible, y podemos variar tantos aspectos de ella dentro de nuestro control y también fuera de nuestro control que aunque volviera a pintar esto, no necesariamente se vería igual. Entonces, solo porque no se vea igual no significa que haya un derecho o una insensatez en ello Aún puedes crear tu propia pintura única que transmita calma, amplitud y ambiente sin ella, terminando pareciéndose Puedes hacerte preguntas que sean un poco más útiles para ti. Al igual que, ¿simplificaste con confianza? ¿Tomaste decisiones reflexivas sobre las mezclas o las ondas o reflejos ¿Trabajé demasiado en el cielo porque el cielo parece una parte muy simple de la pintura, pero sí agregamos ese poco de pigmento extra en la parte inferior que se mezcla hacia arriba, que podría ser fácilmente sobrecargada ¿Y dejaste que la pintura se convirtiera en tuya? Hubo momentos en los que podrías haberle agregado tu propia influencia, pero elegiste estar más seguro y seguir lo que yo estaba haciendo, cual, de nuevo, no lo soy, no tengo un juicio personal al respecto. Estás perfectamente feliz. Estoy perfectamente feliz de que sigas exactamente lo que hago. Pero para permitirte construir tu propia confianza, a veces explorando tu propia dirección, sea cual sea el costo, cualquiera que sea el resultado puede ser una manera más exitosa o al menos una mejor manera de determinar tu éxito en una pintura a la hora de desarrollar habilidades y visión. Y a veces puede ser difícil. Podemos mirar una escena como esta, y podría tomar un tiempo pensar cómo podemos interpretarla de manera diferente o agregarle nuestra propia influencia. Incluso si todos partimos de la misma referencia, cada uno nota cosas ligeramente diferentes. Algunos de nosotros podríamos centrarnos en la quietud, algunos en la reflexión, algunos en la calidez del caballo contra la frescura del agua Y muchas veces viene a través del proceso de pintar en sí. Simplemente se le ocurre. A lo mejor ocurre un feliz accidente o simplemente ligeras alteraciones diferentes en la pincelada cambian la dirección y le agregan una singularidad que, de nuevo, no está equivocada ni correcta Es personal, y esa personalidad es lo que la hace especial. Esa diferencia es lo que trae la magia. Posiblemente, tal vez quieras dejar más espacio que yo y alejar aún más y hacer que el caballo más pequeño o al revés, tal vez no quieras tanto espacio. A lo mejor te acercas y te enfocas un poco más en el caballo. Y tenemos algunos detalles pasando en el hombre del caballo ahí donde la luz está captando algún extraño tipo de sombras secas y cepilladas que suceden ahí Tal vez quieras olvidarte de eso y solo agregar una silueta pura. 17. Cómo pintar la cabeza: Es muy fácil mirar mi trabajo o el trabajo de un instructor, cualquier profesor aquí en Skillshare para mirar su pintura terminada y sentir que el tuyo de alguna manera debería llegar al mismo lugar Pero en realidad no es así como funciona la pintura, sobre todo con acuarela, porque la acuarela es sensible, fluida y llena de pequeñas variaciones. Así que cada pintura desarrolla de forma natural su propio carácter. Si tu reflejo está un poco más roto, si tus colores son un poco más fríos o tu caballo está un poco más simplificado, eso no quiere decir que sea peor. Simplemente significa que es tuyo. Y a veces las mismas cualidades que preocupan a los estudiantes son las que realmente hacen que su trabajo se sienta más personal y vivo. Y muy a menudo, es difícil verlo dentro de nosotros mismos. Muchas de mis pinturas favoritas no han sido realmente emocionantes para otras personas, pero muchas de las pinturas que no me gustaban tanto, algunas personas se sintieron atraídas por alguna razón. Entonces no es ni siquiera si pintamos nuestra pintura nuestras cerdas, eso no quiere decir que las otras personas que la ven tengan los mismos juicios que nosotros. Entonces una pintura no tiene que imitar a otra pintura para tener éxito En esta pintura, no hay muchas partes móviles, lo que significa que incluso un pequeño cambio en la colocación, el color, suavidad o el estado de ánimo pueden crear una diferencia notable en el efecto emocional y la atmósfera. Y eso es bastante emocionante porque nos demuestra que no estamos atrapados dentro de un resultado correcto. Al final del día, no sólo estamos tratando de copiar un caballo en el agua, estamos interpretando un estado de ánimo Entonces esto significa que podemos preguntarnos, ¿quiero que el mío se sienta más fresco y silencioso o más cálido y más fuerte A lo mejor un poco más iluminado por el sol. ¿Quiero que se sienta brumoso y onírico? ¿Quiero que se sienta un poco más crujiente o costero? Y eso abre la pintura. Sé que hay muchos estudiantes que están acostumbrados a pintar un poco más detallados y hay algunos a los que también les gusta ser un poco más flojos Así podrás elegir si quieres ser un poco más descriptivo de tu caballo o un poco más simplificado. A lo mejor puedas encontrar tu propia referencia y tener una pose diferente para el caballo. A lo mejor puedas suavizar la anatomía y enfocarte más en la silueta O cuando se trata de pintar el reflejo, puedes hacerlo más abstracto. A lo mejor puedas reducir el horizonte a casi nada. O como puedes ver con el agua, ya que nos vamos poniendo un poco más oscuros a medida que bajamos, tal vez podamos exagerar ese contraste y hacer que el agua sea aún más profunda o de un color diferente, una temperatura diferente A lo mejor sería tener una especie de tinte amanecedor rosado más suave en el cielo o al revés, una paleta costera más gris plateada en lugar Si pones tu mentalidad en un espacio de exploración en lugar de presión, todo el proceso de pintura será mucho más suave y indulgente Y también, aprendes mucho más rápido con ese enfoque también. Así que avanzando, en lugar de preguntarse si su pintura coincide con la mía, intente preguntar si se siente fiel a sus propias elecciones. 18. Patas delanteras: He colocado a propósito el caballo a la izquierda del centro, lo que le da a la pintura un poco más de espacio para respirar en el lado derecho Y ese espacio vacío no está en uso. Es parte del diseño y parte de ese sentimiento. Entonces el reflejo que luego pintaremos crea una segunda forma grande debajo del caballo, dando equilibrio y peso a la coosición Y la línea del horizonte es muy alta, pero es bastante sutil. Lo que mantiene el agua dominante y otra vez, refuerza esa amplitud En cuanto a la estructura de valores de esta pintura, es una pintura clave muy alta con una silueta clara. Entonces el caballo es la familia de valor más oscuro obviamente. Y el reflejo, es más de un tono medio. Es un poco más ligero, más suave, lo que lo hace creíble Y también le impide competir con el caballo también, porque si estaba igual de oscuro, entonces será un poco discorante para los ojos Y si fuera demasiado ligero, no le daría esa sensación de finalización. Y entonces, por supuesto, el agua, el cielo permanecen muy pálidos con suaves desplazamientos en lugar de fuertes contrastes Entonces toda la pintura realmente depende de esa sensación de moderación, sobre todo con valores, valores muy ligeros o valores muy minimalizados Hay mucho minimalismo en todo tipo de elementos de esta pintura Los colores minimalizados. la energía, se minimizan los tonos. Tenemos un contraste, pero es un contraste simple. Por eso un caballo ligero no necesariamente tendría sentido en esta pintura, a menos que hicieras que el cielo y el agua fueran mucho más oscuros, claro. Necesitamos al caballo lo suficientemente oscuro como para anclar la escena. Nuevamente, el caballo está pintado con cálidas notas terrosas, siennas quemadas, ocre amarillo Y hemos usado en vez de negro, no creo que todavía no hayamos tocado el negro en absoluto. Estamos usando el azul ultramarino como neutro para obtener esas áreas de sombra Con el reflejo de este caballo, habrá algún color del caballo ahí dentro. Pero en vez de pintarlo de color marrón, sólo vamos a sacar un poco más el frescor del agua Entonces el reflejo no será azul, sino verde porque el verde tiene un poco más de calor que azul en su interior. Por lo que ayuda a sentirse un poco más integrado, y ayuda a hacer la transición del caballo y el agua en cuanto al color. 19. La cola: En cada pintura, tiene que haber algún tipo de orden de atención o jerarquía focal. Entonces el área focal es la cabeza y el cuello del caballo. Eso es lo que llama la mayor parte de la atención y donde más probablemente vaya primero tu ojo, no sólo porque está en el centro de la imagen, sino ahí es realmente donde vive el gesto. Entonces el cuerpo del caballo es secundario. Apoya la postura principal. Y entonces la reflexión es el tercer punto focal. Es esencial para el diseño, pero no lo primero que debemos mirar. Entonces por eso aclaramos un poco el tono para esa reflexión Y entonces el cielo acuático y horizonte es el elemento más silencioso de todos Es algo raro porque lo hemos pintado, pero no se nota realmente, pesar de que es una parte principal de la imagen. Por eso el minimalismo es un concepto bastante interesante porque esta pintura funciona porque está dispuesta a dejar tanto sin Porque el agua vacía no es blankness, es atmósfera, luz y Así que temas mínimos como este dependen de la confianza porque cada nota extra importa porque en realidad hay muy pocos de ellos. Dentro de este caballo, quiero que todo sea suave que no haya líneas duras dentro de este caballo. Apenas el borde, la silueta es lo que es fuerte a la hora de pintar a este caballo. Al pintar esta cola y los pelos a su alrededor, quiero crear este tipo de ilusión de que esté enrollada o enrollada en espiral Entonces las sombras van a ayudar con esa ilusión. Entonces solo unos pocos trazos que se doblan diagonalmente hacia arriba, le dan esa sensación de torcerse y moverse en el viento A pesar de que he pintado este caballo en diferentes secciones, estoy tratando de no romper el caballo con demasiados detalles internos porque, nuevo, la silueta lleva la identidad y el sentimiento principales. Si la forma exterior se lee bien, podemos darnos el lujo de ser un poco más expresivos por dentro y esquivos Mira cómo estos marrones más cálidos del caballo se sienten aún más cálidos porque todo a su alrededor es tan fresco y pálido La frescura del cielo y del agua ayuda a contrastar y empujar el calor del caballo 20. Patas traseras: Entonces, mientras estás pintando el caballo en particular, deberías estar preguntando, ¿Estás pintando ese estado de ánimo de quietud, o accidentalmente lo estás sobretrabajando Porque es muy fácil trabajar en exceso. Este es el tipo de tema que depende de la calma. A menos que quieras hacer tu propia interpretación, y claro, si estás pintando un caballo en una pose diferente con un poco más de actividad, entonces esto no aplica tanto. Pero si estás siguiendo exactamente como yo, la pose es relajada y sin prisas Entonces, si nuestro trabajo con pincel se vuelve demasiado ocupado o correctivo, por así decirlo, la pintura puede perder esa calidad Si se siente tranquilo, entonces queremos proteger ese sentimiento. Pero si estás en una etapa de la pintura donde no está realmente, entonces tal vez sea porque hemos agregado demasiadas marcas extra en el agua o estamos molestando con la silueta del caballo o reforzando bordes que en realidad no necesitan ser tan fuertes dentro del caballo Una pintura silenciosa a menudo mejora cuando quitamos energía en lugar de agregarle. Así que todavía puede tomar un poco de tiempo suavizar las cosas. No significa necesariamente que sea más rápido, pero podemos preguntarnos si cada nuevo trazo soporta el silencio de la escena o interrumpe ese silencio Y puedes preguntarte, ¿el caballo es claramente la forma más oscura y sólida de la pintura Porque el sujeto principal lleva el rango de valor más profundo. Entonces, si el ambiente se mantiene pálido y espacioso, el caballo proporciona ese ancla. Pero si hemos perdido ese foco o está flotando aparte, tal vez el agua o el primer plano se vuelve demasiado oscuro o el reflejo es tan oscuro como el caballo mismo, o el horizonte se fortalece demasiado Si aclaramos o ablandamos las áreas circundantes en lugar de oscurecer al caballo sin cesar, habrá un mejor 21. Terminar el caballo: Una de las razones por las que este tipo de pintura se siente mínima es porque la lógica del color es sencilla Tenemos un tema muy sencillo, cálido contra un ambiente fresco. Entonces puedes preguntarte, ¿mi relación de color se siente simple y armoniosa? Y si la respuesta es sí, la pintura se sentirá unificada y natural. Pero si la respuesta es no, tal vez haya demasiados colores no relacionados arrastrándose en el agua Sí agregamos ese morado, recuerden, pero eso fue muy sutil. Es imbecibible en este momento, pesar de que sí tiene algún tipo de influencia sobre Como ya he dicho, muchas veces esta pintura está transmitiendo esta sensación de quietud y soledad, pero tal vez puedas agregarle otros elementos para cambiar eso A lo mejor algunas aves en el cielo. Sólo unos pocos pequeños pueden dar una sensación de libertad o apertura. Pueden levantar un poco la pintura, darle un poco más de ánimo esperanzador, o tal vez algunos barcos distantes pueden darle una sensación de nostalgia Hace que sea un poco más motivado por la historia o reflexivo. A lo mejor puedas agregar algunas olas o rayas de viento o algunas nubes más para darle más energía y clima Eso lo hace sentir un poco más dramático. Y como dije antes, tal vez quieras agregar un poco más de calor al cielo, agregar ese tinte rosado, rojizo Y entonces el caballo se convierte en una silueta dentro de ese resplandor, y eso lo hace un poco más poético Entonces, aunque he estado hablando de cómo podemos crear una pintura que transmita quietud, no significa que tengas que seguirla Todavía podemos tener una sensación general de quietud, pero agregar otros elementos para alterarlo ligeramente Realmente no hay una manera correcta o incorrecta a la hora de explorar tu propia visión en esto. 22. Reflejos en ondas: Ahora vamos a empezar a pintar el reflejo del caballo, y para empezar, sólo voy a usar un poco de azul serlean Y donde ya tenemos algo de esa agua ondulante, solo voy a conectar la parte marrón de la pierna hacia abajo al borde de las ondulaciones solo para hacerla un poco más oscura Nada demasiado técnico, bloqueando esa zona. Para crear esa ilusión de reflexión. Y puedes experimentar. No tienes que usar azul cerlan si no quieres Estoy mezclando un poco de ridian green ahí dentro. Se puede utilizar azul ultramarino, azul cobalto. Básicamente, cualquier color fresco que quieras. No tendría sentido pintarlo de color marrón en esta etapa porque es solo el reflejo que estamos pintando. Pero es bastante ambiguo. Estoy tratando de igualar el tono de la pierna arriba lo suficientemente cerca. Nada demasiado preciso. Por ejemplo, esa pierna central de la pierna del lado derecho es básicamente de un negro puro, así que estoy haciendo ese reflejo un poco más oscuro que en el lado izquierdo donde es un marrón más claro en la pierna. Entonces lo estoy haciendo un poco más ligero ahí, justo aquí. Y es bastante no es realmente una transición. Es todo un contraste. En realidad no lo estoy mezclando tanto. Pero de nuevo, no tiene por qué ser tan específico. Simplemente está recortando los detalles, y es bastante insignificante Todos estos pequeños parches son bastante fáciles de hacer individualmente, pero se convierten en algo bastante dramático. 23. Reflejos de caballo: Ahora voy a empezar a pintar las principales reflexiones sobre el agua, y estoy pre mezclando mucho de este pigmento para empezar, en primer lugar, con el verde viridio, y después poniendo ahí un poco de ocre amarillo Para alegrarlo un poco. Pero entonces también quiero mezclar este ocre amarillo con un poco azul para hacer un poco de un verde de aspecto más natural E incluso usé parte del color ya en mi paleta para hacer una especie de que es un amarillo apagado, realmente, un ocre amarillo apagado, pero parece una especie de verde apagado cuando se baja un poco así cuando está así cuando está Y sólo tengo líneas de lápiz ásperas ahí solo como sugerencia. No voy a seguirlos tan directamente. No voy a ser absolutamente leal a ellos. La clave para pintar un buen reflejo es asegurarse de que todo sea básicamente un lavado y que todo esté conectado. Si empezamos a pintar una sección y se seca y pintamos otra, y hay bordes duros y no hay unión suave. Se verá extraño y desconectado. Entonces, al mantener todo prácticamente el mismo tono y transiciones suaves conectadas entre sí, entonces será un poco más creíble Pero realmente, una reflexión suele tratarse como un problema técnico, algo para acertar, por lo que la escena se siente realista. Pero en una pintura como esta, la reflexión no es tanto un efecto secundario. En realidad es una segunda presencia, básicamente. Tiene su propia voz, su propia suavidad, su propio tipo de temperamento Porque el caballo de arriba, por supuesto, es real, el verdadero sujeto sólido. Tiene peso para ello y está viviendo al aire libre. Pero el reflejo es el tipo de otro yo del caballo, no físicamente separado, pero tiene esta cualidad emocional, esta distinción emocional al respecto Es más tranquilo, tal vez un poco más frágil, menos seguro. Se siente como el caballo traducido al agua. Casi se puede pensar en ello un poco místico, como un recuerdo en la atmósfera Y cuando se piensa en ello de esta manera, el reflejo deja de ser una imagen especular y se convierte en algo un poco más poético un eco, una sombra, un pensamiento Entonces un eco repite la forma esencial, pero no la intensidad completa. Lleva la identidad pero llega con menos fuerza. Y eso es lo que hace una reflexión convincente en una escena tranquila como esta No se permite la reflexión. Repite la silueta, no con autoridad. Y los colores están apagados, y el gesto es un poco más distorsionado y esquivo, también Esta menor fuerza lo hace un poco más creíble. 24. Consejos de reflexión: Una reflexión se siente casi como una virgen del sujeto que no puede aferrarse del todo a sí mismo porque el propio caballo se mantiene firme en el mundo, mientras que la reflexión se escapa constantemente de la certeza Y se puede ver como voy bajando esta reflexión, lo estoy conectando todo, pero estoy haciendo la transición de los colores Entonces en la parte superior donde se conecta a los pies, las líneas son un poco más duras porque está un poco más cerca del tema Es un poco más oscuro, y luego hace una transición, se vuelve un poco más claro y un poco más distorsionado a medida que llega al fondo Entonces ese ocre amarillo, ese verde entra, y eventualmente el azul entra en el fondo, también. Por eso las reflexiones pueden sentirse tan emocionales porque se asemejan a la memoria. Tienen el mismo tipo de rasgos. Es información incompleta. Así se puede ver lo suficiente como para reconocer, pero no lo suficiente como para poseer, por así decirlo, y la forma está presente, pero siempre está abstracta Las transiciones suaves e incluso los bordes están rotas. No son bordes limpios definidos debido a las ondulaciones. Estoy agregando a propósito la punta de mi pincel para romper esos bordes, agregar esa distorsión Creando ese contraste dinámico por encima del agua está el caballo y debajo del agua está esa sensación expresiva del caballo, esa inmersiva disolviéndose abajo Es un mecanismo importante en esta pintura que la mitad superior sea real y la mitad inferior se disuelva. Crea ese tipo de filosofía visual de las gradas de caballos en el mundo y la reflexión pertenece al tiempo y es inminente o El agua siempre se mueve incluso cuando se ve quieta. Entonces la reflexión está siempre en ese borde de desaparecer. Por eso se siente tan vivo, no porque tenga detalles, sino porque tiene inestabilidad. Y tenemos que expresar esa inestabilidad, esa tensión, ese contraste como calma porque así es la vida. Ahí está esta presencia, y luego está pasando. Y cuanto más bajemos, menos aguantará el agua. Para que una vez que lleguemos al fondo, sea casi irreconocible Pero en la parte superior, como puedes ver, está un poco más definido, un poco más como un espejo. Pero sólo estoy usando líneas horizontales, líneas horizontales onduladas para agitarlo a medida que bajamos No hay líneas verticales en absoluto. Estoy permitiendo que pequeños huecos blancos o áreas del papel abajo pasen y rompan ligeramente el lavado, pero todo está conectado. Entonces como todavía está húmedo, podemos dejar caer más pigmento en las áreas que creemos que necesitan un poco más de profundidad, no necesariamente coincidentes con los tonos del caballo de arriba. Pero solo indicar esta es la parte de la pintura que absolutamente requiere expresión en lugar de pensar demasiado porque no se puede planificar en absoluto Y si volviera a pintar esto 100 veces diferentes, van a ser diferentes todas esas veces. 25. Agregar texturas: Ahora quiero hacer esta reflexión un poco más etérea. Así que voy a salpicar algo de agua sobre allí, agua pura para crear a propósito algunas flores y coliflor, por así decirlo, dependiendo de cómo las A menudo con pinturas detalladas, esto es algo que queremos evitar, pero como estamos creando sentimiento y expresión, estoy creando a propósito más textura y aprovechando al máximo lo que es posible con el medio Algunos de estos blues están un poco demasiado concentrados, así que los estoy aflojando un poco Por supuesto, esta reflexión está aprovechando la idea de simetría, que si se usa correctamente, puede ser un elemento muy satisfactorio en una pintura. Esto es una simetría un poco distorsionada, pero aún así da ese sentido de orden, como una habitación ordenada o un sentido de resolución Esta pintura se inclina hacia esa satisfacción. Está casi perfectamente alineado en términos de peso. Pero se niega a ser perfecto. Entonces ese rechazo es el tipo de defecto humano que crea ese sentimiento real de autenticidad, esa pequeña imperfección, esa verdad que impide que la imagen se convierta en algo un poco genérico porque todo lo demás es bastante mínimo y preciso, por así decirlo Entonces este elemento de romper esa limpieza como ese sentimiento más profundo. Todavía no es una reflexión loca, abstracta porque esta agua todavía está muy quieta, y toda la pintura está tratando de crear una sensación general de calma. No es como un arroyo de balsa blanca. Es un humedal muy tranquilo, quieto. Ese caballo solitario en un espacio abierto de aire y agua, pide serenidad, no teatro dramático Entonces un arreglo casi espejo apoya ese estado de ánimo antes de que realmente se lea cualquier detalle. Y luego usamos estas ondas para crear un piso que lo mantenga vivo. Las pequeñas desviaciones, pequeños cambios en la reflexión, ligeras roturas en el agua, pequeñas interrupciones en los bordes de las formas Ahora que la pintura está seca, voy a repasar con algún guash blanco para extender la blancura de esas ondulaciones porque hubiera sido casi imposible hacerlo durante la etapa expresiva Usando la punta fina, podemos crear aún más esa ilusión de ondulación. Y estas ondas crean esa sensación de movimiento, en realidad Movimiento, tiempo, movimiento. Guarda la escena de la decoración porque la decoración tiende a ir hacia la repetición perfecta, pero no hay mucha repetición perfecta. Hay patrones, pero hay un flujo hacia ello. Hay una forma rota. Pero a pesar de esta expresión, no queremos sobretrabajarla. Así que siempre queremos contenernos. Y si nos cuesta preguntarnos qué hacer a continuación, eso significa que está hecho. 26. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar esta clase de acuarela sobre la pintura de un caballo salvaje en tranquilos humedales. Exploramos cómo una silueta clara, paleta limitada y bordes pensados pueden contener una escena grande y pacífica, cómo los reflejos se leen como formas antes que los detalles y cómo el papel blanco generoso permite que la luz haga el trabajo. Las mismas prioridades se traducen maravillosamente en aves zancudas, ganado en aguas poco profundas y cualquier tema donde el agua sin gas y el ritmo tranquilo conducen Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que esta clase te anime a usar la simplicidad y el diseño para el impacto. Espero verlos a todos en futuras clases hasta entonces Bye por ahora y Happy Painting.