Mejora tu nivel en el piano: composición musical e improvisación

1. Introducción: Cuando toco el piano, siento que estoy hablando con mi mejor amigo y soy capaz de comunicar diferentes sentimientos que no pude expresar con el idioma inglés. Hola, soy Alicia Fox, productora y compositora de PNS. Y llevo 18 años tocando el piano, tiempo durante el cual he podido hacer giras internacionalmente y grabar con algunos de mis artistas favoritos, como MS Sago, DJ de Chicago kid en Tom Mish. Me encanta tocar el piano por las infinitas posibilidades del sonido. Si te emociona aprender a componer música original e improvisar sobre tus canciones favoritas. Esta clase te dará las habilidades fundamentales que necesitas para continuar ese viaje. En esta clase, vamos a estar viendo los fundamentos de la composición y la improvisación y aprendiendo a crear una progresión de acordes efectiva. Y también cómo convertir eso en un patrón de acompañamiento que podríamos usar para improvisar o al componer. Y aprende cómo puedes desarrollar un hábito de buenas prácticas para convertirte en un mejor compositor e improvisador. Después de este curso, comprenderás los fundamentos de la composición y la improvisación. Y poder escribir composiciones originales así como improvisar sobre estructuras de acordes existentes. Vamos a llegar a ello. 2. Comencemos: Bienvenidos a la clase de composición e improvisación. Cuando empecé el piano, inicialmente estaba tomando clases de clásica, pero me desanimé un poco por lo rígida que era la enseñanza y por que no había tanta libertad creativa involucrada con el música. Parecía que podía simplemente tocar la música bien o mal. Y yo solo estaba tocando las canciones de otra persona pero realmente no entendía lo que estaba tocando. Cuando tenía 11 años, hice la transición a un nuevo maestro, Tyson Rogers, quien introdujo un nuevo enfoque que realmente resonó conmigo. En este enfoque, me introdujo a la improvisación y el solismo, en los que pude elegir mis propias notas para elaborar una melodía. Y rápidamente me conecté con la libertad que este enfoque me permitió tener. Este enfoque me introdujo a la improvisación o composición espontánea, donde puedes elegir tus propias notas y crear un solo en el acto. La improvisación y la música es similar a hablar un idioma en el que podemos expresarnos a través de diferentes vocabulario y con declaraciones que aprendimos transcribiendo otros y ideando nuestras propias frases. Espero que esta clase ofrezca un vistazo a algunos de los sistemas que pueden ser útiles para aprender la composición y la improvisación. La improvisación es un viaje constante y espero aportar algunos de los fundamentos para que puedas seguir trabajando lo largo de tu viaje mientras practicas esto, es importante ser paciente contigo mismo y abrazar las posibilidades ya que no hay formas correctas o incorrectas de jugar. Espero ver qué clics y te inspira a crear tus propias improvisaciones y composiciones. Vamos a llegar a ello. 3. Cómo crear progresiones: En esta lección, vamos a analizar diferentes habilidades para crear una progresión de acordes efectiva que pueda transmitir la emoción correcta a la audiencia. Cuando elegimos pistas para una progresión de acordes, queremos elegir acordes basados en lo que resonará con la frecuencia emocional correcta de la canción o composición. Ya hemos hablado de cómo encontrar buenas posibilidades para acordes dada la escala CTL. En esta lección, voy a estar explicando algunos de esos conceptos para ayudarte a tomar una progresión básica y expandirla a través de sustituciones y con alteraciones, vamos a ampliar el conjunto de habilidades que tener aprendiendo algunas nuevas formas de crear sustituciones o alteraciones para mejorar nuestras progresiones de acordes. Primero, como actualización, volvamos a revisar la escala CTL, pero esta vez hagámosla en una clave diferente. Para este ejemplo, me gustaría mirar la clave de sol mayor, que tiene una aguda, F aguda. Para comenzar por encontrar la escala CTL, comenzaremos creando los acordes séptimos, comenzando en el séptimo sol mayor, que es G, B, D y F agudo. A medida que avanzamos a lo largo de la escala, encontraremos los nuevos acordes que son opciones en esta clave. Por lo que a continuación tendríamos un séptimo menor, seguido de B menor séptimo, seguido de C mayor siete, seguido de D dominante séptimo, seguido de E menor siete. Por último, F agudo menor siete bemol cinco, y luego de vuelta a G mayor siete. Todos estos acordes están en la clave de sol mayor. Pero a veces puede ser bueno sacar cordones de otras llaves, llaves relacionadas que son casi como un atisbo de otro mundo por un segundo. Antes de regresar a casa, voy a llegar a una progresión corta que tiene tres acordes en sol mayor y tira de un acorde de sol menor. Voy a comenzar con G mayor séptimo, el de esta clave. Entonces voy a pasar a un siete menor. Antes de pasar a B menor siete. Estos están todos en la clave de G mayor. Y luego voy a ir a C menor séptimo, que viene de G menor. Como podemos decir, este acorde es una especie de simboliza otro mundo casi o algo que se abre antes de regresar a casa a sol mayor. Entonces, una vez más, esta progresión fue G mayor siete, una menor, si menor, y luego C menor. Antes de regresar a casa a G-Major. Muchas veces al mirar una progresión de acordes, puedes ver que hay múltiples acordes que funcionarán de la misma manera. Es importante recordar el concepto de un acorde raíz, que siempre es el que está en cualquier clave dada. En este caso, nuestra ruta sería G mayor. Una progresión típica en el gran cancionero americano, en muchas canciones populares historia estadounidense incluye lo que se llama un 251. Lo que significa que comienzas en el grado de segunda escala de esta llave antes de pasar a la quinta, y luego finalmente a casa a la una. En sol mayor, un 251 sería un siete menor, D dominante siete. Antes finalmente resolvemos a G mayor siete. Resolver o resolver puede pensarse como volver a casa a donde empezamos. Y es importante que haya muchas resoluciones diferentes que se sientan de diferentes maneras. Y así a la hora de componer o improvisar, es importante elegir acordes en función del sentimiento que quieras transmitir. Comenzando con un séptimo menor, puedo ir a D7, que es un poco disonante, pero luego se resuelve de nuevo a G mayor siete. También podría hacer un siete menor, C menor siete. Y luego resolviendo el sol mayor a Do menor, una vez más, sacamos de la escala G menor. Entonces, significa casi otro mundo por un segundo antes de que volvamos a casa. En este caso, la C menor séptima y la D dominante séptima. A pesar de que son acordes diferentes, cumplen la misma función que resolver de nuevo a nuestra base de origen. Empezamos con un maniquí, fuimos a ver antes de resolver de nuevo a donde empezamos. Muchas veces se puede crear algo muy bonito y música al tener un sonido muy disonante que luego se resuelve a algo hermoso. Es casi como si disfrutaras más de una ducha después de haber tenido un largo recorrido por la lluvia. Y si tenemos algo que es muy disonante, cuando finalmente se resolvió, es una sensación más dulce. Para que podamos tocar con este contraste cuando se nos ocurran progresiones de acordes y desarrollamos acordes para nuestras canciones. Cada vez que se te ocurre una progresión de acordes que te guste, es muy importante moverla a las 12 teclas para que puedas entender cómo funciona en diferentes contextos y tenerla disponible como opción cuando estás componiendo en diferentes claves. Un gran lugar para comenzar es tomar una progresión de 251. El séptimo menor fuera de los dos, el séptimo dominante fuera de los cinco, y luego resolviendo al uno mayor siete. Podemos practicar esta progresión en cada tecla para volvernos más fluidos en el piano. Empecemos por revisitar la escala C mayor, en la que C es la indicada. Entonces D serían dos. Entonces comenzaríamos con D menor siete, seguido de G dominante séptimo, y luego resolviendo a C mayor siete. Si tuviéramos que mover esto a una clave diferente, la relación entre los acordes permanecería igual, pero los nombres de las notas cambiarían junto con la clave correspondiente. Tomemos un ejemplo y encontremos un 251 en una clave diferente. Esta vez, veamos la clave de un mayor, que incluye tres objetos punzantes, c-sharp, F-sharp, G sharp. Entonces, si estamos viendo un 251 y esta clave, primero tenemos que tocar la escala. Y notaremos que el grado de segunda escala sería B menor. Entonces comenzaremos con un séptimo B menor. Después de esto, iríamos al quinto grado de escala, que sería E. Así que íbamos a una séptima E dominante. Y luego sigue eso resolviendo de nuevo a un séptimo mayor. Se nota que la progresión de acordes tiene el mismo sonido, aunque esté en una clave diferente. Entonces tenemos B menor. Estamos en el primer ejemplo, teníamos D menor, G y C mayor siete. Puedes llevar esta progresión 251 en cada clave. Y creo que notarás que aparecerá en muchas de tus canciones favoritas. Experimenta con estas progresiones de acordes tratando de llegar a una progresión de acordes que use la escala CTL de una nueva clave con la que quizás estés menos familiarizado. Y entonces tal vez también toma prestados un par de acordes diferentes de una clave diferente. Para que puedas experimentar con cómo suena eso. Es importante jugar con técnicas de tensión y resolución. Para que puedas crear una trama de historia efectiva con tu progresión de acordes. En la siguiente lección, vamos a estar viendo algunos patrones de acompañamiento e inversiones más avanzados para ayudar a tomar una progresión de acordes simple y realmente llevarlo al siguiente nivel, tiempo a nivel arriba. 4. Patrones e inversiones: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a estar viendo cómo puedes usar las inversiones para crear patrones de acompañamiento más avanzados. Esta es una técnica que es increíblemente divertida de usar y es una excelente manera de desafiar una progresión simple y realmente llevarla a los siguientes pasos. Para este ejemplo, me gustaría saltar de inmediato, comenzando con las inversiones de un acorde de siete en fa mayor, que incluye la cara de notas F-A-C-E. Entonces comenzaremos tocando el acorde original de la posición de raíz F major seven con nuestra mano derecha. F-a-C-e. y ascendiendo a la siguiente inversión de ésta, que sería ACEF. Entonces subiremos la a, una octava más alta a la siguiente inversión. Ver EFA. Y luego la inversión final, EF, AAC. Ponte cómodo con todas estas inversiones a través del piano como diferentes versiones del mismo acorde. Porque a menudo querrás moverte al ajuste más cercano de un acorde y no solo al acorde de posición raíz. Así que vamos a mover este F mayor siete a través del piano lentamente. Y empezamos a escuchar los sonidos de todo ello. Moviéndose a través del teclado. Para este ejemplo, voy a demostrar pasar de una F mayor siete a una C mayor siete, de las cuales las notas son C, E, G y B. Pasemos ahora por las mismas inversiones para la séptima C mayor. Entonces empezaremos con CBGB, moveremos hasta E, G, B y C. Luego pasaremos un paso más a G BCE. Y luego finalmente BCG. Antes volvemos a donde empezamos una octava más alta con CBGB. Así que estamos pasando de nuestra progresión básica, que es F mayor siete, hacia abajo a C mayor siete. Es solo una progresión básica de dos acordes. Pero vamos a expandirla creando una melodía cordal con las inversiones de estos dos acordes. A veces puede ser útil escribir las notas en papel para que puedas ver todas tus opciones. Pero para este ejemplo, solo lo guardaremos con los acordes del piano. Entonces, lo que esencialmente vamos a hacer es idear una melodía usando las notas de estos dos acordes y luego tocarla con sus inversiones. Para la fa mayor siete, podemos elegir cualquiera de las notas del acorde para usar como nuestra melodía antes de resolvernos al do mayor siete, donde podemos elegir cualquiera de las notas de ese acorde para usar como nuestra melodía. Entonces para empezar, tenemos cualquiera de las opciones de cara, y luego vamos a cualquiera de las opciones de CBGB. Entonces voy a empezar con tal vez una melodía como esta. Entonces sí vi BCG. Entonces tengo mi melodía básica. Ahora lo que quiero hacer es rellenarlo usando la melodía como nota superior de la inversión. Entonces como empecé con E, C, a, C, voy a rellenar eso con esos acordes, que serían, y ahora pasaremos a la siguiente parte que fue BCG. Entonces voy a rellenar con esos acordes. Entonces en conjunto tendríamos, puedes continuar. Así sucesivamente así. Así que básicamente solo estamos barajando las mismas cuatro notas, pero somos capaces de crear una frase más larga que tenga un componente melódico y CTO. Demostremos un ejemplo más para ayudar a que esto se hunda. Se me ocurre otra melodía usando esas notas. Entonces esta vez voy a hacer e, f, c, a, b, g, e. Ver, así que el siguiente paso es, encontraré las inversiones que tienen esas notas en la parte superior. Y es útil ver esto por escrito a veces. Pero lo que eso sería, sería, como sigues practicando estas inversiones, llegas a un punto en el que puedes improvisar con ellas. Para que puedas escuchar una melodía en el acto. Y si estás tocando con otros instrumentos, puedes ayudar a apoyar lo que están tocando tocando una melodía cordal detrás de ellos. Así que ahora voy a demostrar el movimiento entre un par de acordes diferentes de F mayor a Do mayor y luego ocasionalmente F menor. F menor. Antes de regresar a casa a ver, puede estar haciendo un arpegio. Para cerrar la canción. Para recapitular. En este ejercicio, analizamos cómo tomar un acorde de cuatro notas y utilizando todas las inversiones, creamos una melodía cordal que luego podría convertirla en un patrón de acompañamiento efectivo. Ahora, me gustaría que tomaras los mismos dos acordes, Fa mayor siete y Do mayor siete, e intentaras crear primero tu propia melodía, usando las notas de esos acordes. Y luego intenta rellenar con las notas de las inversiones correspondientes. En la siguiente lección, vamos a introducir la improvisación a escala pentatónica. Eso nos va a dar muchos recursos diferentes para solistas e idear melodías para nuestras composiciones o improvisaciones. Estoy emocionado de que te unas a mí. Nos vemos ahí. 5. Improvisaciones pentatónicas: En esta lección, vamos a ver la escala pentatónica y cómo se puede utilizar para improvisación y la creación de melodía efectiva que puede trabajar sobre una progresión de acordes o patrón de acompañamiento. La escala pentatónica se deriva de la escala mayor, que ya deberías estar familiarizado. En este caso, vamos a comenzar por mirar la escala C pentatónica, que es una escala de cinco notas. La escala C pentatónica incluye las notas C, D, E, G y a. o en otras palabras, el primero, segundo, tercero, quinto y sexto grados de la escala C mayor. También se puede considerar como la escala de C mayor menos la F y la B, o el cuarto y séptimo grado. La escala pentatónica es una excelente escala para improvisar o a la hora de elegir notas para una gran melodía. Para comenzar, practiquemos la escala pentatónica, moviéndonos hacia arriba con nuestra mano derecha, comenzaremos con las digitaciones de uno-dos-tres que cruzando por debajo de 212, cruzando de nuevo por debajo para ver uno-dos-tres que cruzar bajo de nuevo a G. Así que tenemos C, D, E, G, a, C, T. Y volviendo a bajar, comenzaremos en C. Esta digitación es un poco complicada, así que voy a repasarla una vez más. Comenzamos con uno-dos-tres de 12, luego 12312123, y luego retrocedemos a 1 213-212-1321. Por lo que cualquiera de las notas de la escala pentatónica sonará muy bien sobre una progresión de acordes en esa clave correspondiente. Entonces, si se nos ocurre una progresión de acordes en Do mayor, por ejemplo, F mayor, E menor, re menor. Todos estos son acordes que salen de la escala Do mayor. Podemos utilizar esta escala pentatónica para improvisar sobre ella. Voy a demostrar un breve ejemplo. Puedo seguir y seguir. Pero ahora tomemos un patrón con esta escala. Entonces podemos comenzar practicando la escala pentatónica en agrupaciones de 34.5. Para los agrupamientos de tres, comenzaremos con el pulgar en C, y vamos a ir C, D, E, D E G, E G, un GAAC, a, C, D, y así sucesivamente. Entonces probemos eso. Y retroceda. Habríamos practicando en estos patrones nos puede ayudar cuando estamos improvisando, porque entonces tenemos formas extra de movernos. Y no solo nos movemos en la escala y terminamos siendo menos propensos a quedarnos atascados o nos quedamos sin ideas. Estos patrones también se pueden utilizar como un gran vehículo para solos o al componer, o usar como relleno para tocar entre acordes. Ahora veamos la agrupación de cuatro nodos. Entonces empezaremos en C y subiremos. Estamos jugando C, D E G, D, a, E G TAC, TAC. Entonces intentemos eso otra vez. Y también podemos volver a bajar. Entonces eso sería sería ahora que tenemos esos patrones de 3.4, intentaré insertar algunos en la progresión de acordes que estaba tocando para usar estos rellenos de improvisación. Un patrón de tres. Ahora un patrón de cuatro. Tres otra vez, cuatro. Así que podemos usar esos patrones cuando estamos solos o como poco rellenos para llenar los huecos entre los cables repitiendo. Ahora, los he practicado mucho y los he levantado usando un metrónomo a un tempo más rápido donde puedo tocarlos fluidamente. Es importante comenzar despacio y no golpearte si tienes problemas para jugar estos al principio. Ahora voy a demostrar esas mismas frases, pero un poco más despacio. Todas estas frases están saliendo todas de esta escala pentatónica, que es una escala de cinco notas. Para el siguiente ejercicio, me gusta practicarlo en los patrones de cinco. Entonces comenzaremos en C y subiremos usando los cinco dedos, C, D E G a D E G a C, E G, a, C, D, y así sucesivamente. Ahora voy a demostrar algunos patrones de cinco sobre la misma progresión. Puedes notar como estás usando la escala pentatónica para solo, que puedes predecir cómo va a sonar antes de tocar. Y esta es una de las partes esenciales de la improvisación a la hora de improvisar, quieres llegar a un lugar donde casi puedas predecir cómo va a sonar mientras estás tocando y ver que tu mano puede ser pensada como una extensión de tu mente o una melodía que cantarías. Ahora, voy a tocar la misma progresión de acordes y me gustaría que intentaras improvisar usando las notas de la escala pentatónica, C, D, E, G y a. también puedes intentar usar algunos de estos patrones de 34.5 para crear una melodía espontánea con tu improvisación. Recuerda, no hay Melody correcta o incorrecta. Y mientras estés tocando las notas de la escala pentatónica, vas a tener un gran comienzo. Aquí vamos. Excelente trabajo. Otra gran manera de practicar la improvisación es que puedes grabarte tocando los patrones de acompañamiento o progresiones de acordes, y luego tocar sobre él solando usando la escala pentatónica. Cada vez que estés aprendiendo una nueva canción, puedes encontrar en qué clave está la canción. Toma la escala mayor, y luego encuentra la escala pentatónica jugando la primera, segunda, tercera, quinta y sexta escala grado. También puedes sentirte cómodo tocando estos patrones de 34.5 que he demostrado en claves adicionales para obtener más fluido con la escala pentatónica en cada tecla. Así que cada vez que tengas una nueva canción, puedes averiguar en qué clave se encuentra, encontrar la mayor escala de esa clave. Y luego jugar el primero, segundo, tercero, quinto y sexto grado para encontrar la escala pentatónica. También puedes moverte por los patrones de 34.5 en la escala pentatónica en esas teclas correspondientes para familiarizarte más con ella a través del piano. Para recapitular, en esta lección, nos fijamos en la escala pentatónica, que es el primero, segundo, tercero , quinto y sexto grados de la escala mayor. Y cómo puedes usar esto como un recipiente para improvisar o idear tus propias melodías. Muchas veces a la hora de idear melodías, un gran lugar para comenzar puede ser el estilo libre o la improvisación, encontrar una melodía que te guste y refinarla para que finalmente sea segura. En la siguiente lección, vamos a estar viendo una técnica para llegar a frases o carreras repetidas de notas, que pueden ser excelentes vehículos para la improvisación o la composición. 6. Notas repetitivas: En esta lección, vamos a estar viendo cómo puedes usar frases de notas repetidas o carreras para crear texturas para la composición o improvisar. Una frase de nota repetida es una frase de seis u ocho notas que ins, cerca de donde comenzó en octava más alta, así se convierte en una frase fluida a través del piano. Eso es genial para improvisar como herramienta compositiva o como final. Para saltar, me gustaría comenzar creando una frase de sexta nota sobre cualquier acorde. Para el primer ejemplo, tomemos la Corte de D menor siete, D, F, a, y C. Vamos a llegar a una frase de nota repetida que podría trabajar sobre este acorde y terminará cerca de donde inicia en octava superior. Entonces se puede repetir a través de la octava. Voy a llegar a seis notas, y voy a tocarlas en trillizos, es decir, estoy tocando tres notas por cada cuarto de nota. Entonces es importante saber que al componer tu frase de nota repetida, sea cual sea el nodo en el que empiece, voy a querer terminar cerca de una octava más alta. La frase puede seguir tropezando en sí misma. Entonces tenemos D menor. Voy a comenzar mi frase en E, el tono de novena escala de esa clave. Entonces voy a comenzar con E, F, G, y luego cruzar bajo a ACG. Todas las cuales son notas en Do mayor, de las cuales D menor forma parte de la escala CTL. Entonces, hasta ahora tengo E, F, G, a, C, G. Y luego esto me prepara para estar al lado de la E, nuevamente en octava superior. Para que pueda tocar la misma frase repitiendo a lo largo de la octava. Voy a demostrar. Entonces ahora estoy tocando la misma frase, pero la estoy moviendo a través de la octava. Entonces suena como un patrón repetido. Voy a empezar de nuevo. Como tengo una frase de seis notas, también se puede dividir en dos grupos de tres, la e, f, g, y luego la ACG. Cuando estamos tocando cualquier frase, siempre me gusta sacar el mayor kilometraje de la frase. Entonces pienso en ello en diferentes secciones. En este caso, pensaríamos en esto como uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, que es el dedo que estoy haciendo. Pero también podríamos jugar 132, lo que lo convertiría en EGF. Ese también es un sonido agradable. También podríamos bajar. Entonces primero voy a ir tres a uno bajando, que sería GCA, GFP. Si quisiera crear otra variación con esta frase, podría hacer 231 en el camino hacia abajo, que sería CGA, PFGE. Entonces suena como una frase mucho más larga, pero es esencialmente el mismo patrón de seis notas repite a lo largo de la octava. Cada vez que se me ocurre una frase, me gusta, traté de aplicarla sobre cada clave. Entonces, si estoy tocando una canción en esa clave, puedo usar como final. Digamos que estoy tocando una canción en fa menor y estoy llegando a un final. Acabo de tocar la misma frase que escribí en re menor, pero la transpuse a F menor. Ahora veamos otra frase. Esta vez vamos a hacer una frase de 8 notas, es decir, todas las notas serán de 16 u 8 notas. Para esta siguiente frase de 8 notas, voy a crear una sobre la clave de un menor. Y voy a recordar que quiero terminar cerca de donde empecé en octava superior. Entonces la frase puede repetirse naturalmente. Para este ejemplo, voy a empezar en la nota B. Así que voy a hacer BCG y luego hacer D, E, D. Tengo. Y entonces eso me pone justo aquí de nuevo en B. Así que voy a verlo repetir. Una vez más. Tenemos BCG a, D, EDA. Si quisiéramos, podríamos dividir esta agrupación en dos grupos de cuatro en los que tenemos 12341234. Y podríamos intentar tocarlo en otras variaciones, tal vez 3421, que sería y llegar a otras frases usando las mismas notas. Para concluir esta lección. Puedes crear una frase de nota repetida sobre cualquier acorde con seis u ocho notas en el paso principal es que quieras terminar cerca de donde empezaste en octava superior. Entonces la frase vamos a repetir a través de la octava. Cada vez que se te ocurra una frase que te guste, te animo a probarla en tantas claves como sea posible para que luego cuando estés tocando una nueva canción, ya tengas toneladas de congelaciones en tus dedos que se puede improvisar con o utilizar en el arreglo. Ahora, me gustaría que trataras de idear tu propia frase de seis notas sobre la clave de Do menor. Y me emociona ver lo que se te ocurre. Puedes practicar esta técnica ideando tus propias frases sobre diferentes acordes y empezar a utilizarlas como herramienta compositiva o en tus improvisaciones. En la siguiente lección, vamos a estar viendo cómo podemos usar la escala de blues para crear un sonido más parecido a la guitarra en el piano. 7. Escala de Blues: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a ver cómo podemos usar la escala de blues y las notas azules para crear un sonido más lamer de guitarra en el piano. El blues es una forma de arte afroamericano que se originó en el sur americano, es la base de casi todos los géneros de música que conocemos ahora, del rock al country, al jazz, al RMB. Podemos usar la escala blues en muchos géneros. Y saber cómo usarlo de manera efectiva nos convierte en un mejor pianista y músico en general, en una guitarra, puedes doblar una cuerda en notas intercaladas para crear una textura realmente genial y azulada . Pero en el piano, una vez que tocamos una tecla, no tenemos opción de cambiar el sonido. Debido a las limitaciones del piano, la gente ha encontrado formas de crear un sonido más parecido a la guitarra usando la escala de blues y los nodos azules. Hoy voy a demostrar algunos de esos conceptos. Antes de saltar a la escala de blues, primero me gustaría ver una progresión típica del blues de 12 bares. En una progresión típica de blues de 12 barras, comenzarás con C7 para 4 bar, seguido de F7 para 2 bar, antes de regresar para ver por 2 bar. Y luego terminando con el cambio de g para 1 bar, f para 1 bar, y luego ver por un adicional de 2 bar, hay muchas formas de tocar un blues de 12 barras, pero ahora demostraré una progresión básica. Esa progresión demostró una forma de 12 barras que se repite y en cuyo caso puedes solitario o improvisar como mini cursos o tiempos a través del foro como quieras. Ahora que hemos mirado la progresión básica, veamos la escala de blues marino. La escala de blues marino es una escala de seis notas, que incluye las notas C, E bemol, F, F agudo, G, B bemol y C. Una vez más, eso es C, E-bemol, F, F agudo, G, B bemol, y C. que incluye las notas C, E bemol, F, F agudo, G, B bemol y C. Una vez más, eso es C, E-bemol, F, F agudo, G, B bemol, y C. digitación que normalmente hago para la escala de blues de mar es 123412. Y luego vuelves a cruzar si vas a subir otra octava, 123412. Así que probemos ahora eso a través de dos octavas, comenzando en C, E-bemol, F, F agudo, G, a, B-bemol, C, D-bemol, F agudo, G, B-bemol, y de vuelta hacia abajo. Antes de meternos en la improvisación a escala de blues, me gusta explicar ahora qué es una nota azul. Además de la escala de blues, podemos usar lo que se llaman notas azules para crear un sonido bluesy o más como guitarra en el piano. Una nota azul es cuando deslizas de una tecla a la siguiente. Demostremos esto con el F-sharp deslizándose hasta G y luego hacia abajo a F. Así que vas a comenzar con el mismo dedo tocando F sharp y deslizándote a G hacia abajo a F. Esto casi suena como una guitarra deslizándose entre teclas porque a pesar de que no escuchamos la curva exacta, casi está implícita en la música. Podemos usar esto para crear un sonido más lamer de guitarra en el piano. Entonces tomemos una frase simple y quiero que intentes tocarla con notas azules. Entonces voy a deslizarme de F sharp a G y luego bajar a F antes de jugar E-flat. Y mira, ahora me gustaría que lo intentaras. Se puede pensar en una nota azul como una especie de inflexión o una forma de sacar más sonido o carácter del piano. Ahora voy a tocar una frase sin notas azules, y luego otra vez con notas azules y ver si reconoces la diferencia. Eso es sin notas azules y notas azules de ancho. Se puede decir cuáles son las notas azules. Tiene un poco más de carácter, o se siente un poco menos recto o rígido en la forma en que se juega. Cada vez que se nos ocurre una frase usando la escala de blues que nos gusta, traté de guardarla en mi mente como una opción para improvisar. Para que entonces la próxima vez que estés tocando una canción en esa clave, puedas recordar las frases o vocabulario que se te ocurrieron para poder hablar de manera efectiva cuando estás solista. Podemos aprender mucho transcribiendo a otros músicos de blues y tomando sonidos de otros instrumentos e intentando transmitirlo al piano y viendo cómo se traduce. De la misma manera demostramos patrones de 34.5 con la escala pentatónica. También podemos mirar aquellos para la escala azul. Ahora voy a recorrer patrones de tres en la escala azul. C, E plano, E plano, F, F afilado, F afilado, G, F afilado G, B plano, G, B plano, C y hacia abajo. Podemos practicar estos patrones y luego usarlos en nuestro soloing. Ahora me gustaría invitarte a intentar improvisar usando la escala de blues marino mientras toco los acordes de acompañamiento de la forma de blues de 12 bares. Recuerda, no hay frases correctas o incorrectas para jugar. Pero cualquiera de estas notas trabajará sobre estos acordes. Y cada vez que encuentres algo que te guste, trata de recordarlo y guárdalo en tu mente como una opción para futuros solos. Bien, vamos a saltar en 121234. Excelente. Entonces, aunque esta pudo haber sido tu primera vez, podrías haber reconocido un par de veces cuando tocaste una frase que te gustaba. Y es muy importante recordar lo que te gustó de eso para guardarlo como algo que luego puedes tocar sobre otras canciones. Entonces, cuando estás improvisando, no se te ocurre exactamente todo desde cero, pero estás usando vocabulario preexistente para estructurar y formar una declaración cohesiva, es importante recordar que improvisar con la escala de blues es un viaje continuo. Y es importante ser paciente contigo mismo y empezar poco a poco a la hora de aprender. Familiarizarse con la báscula puede llevar tiempo, y es importante recordar las frases que te gusten. Para que puedas seguir construyendo añadiendo a tu vocabulario como improvisador. En nuestra siguiente lección, vamos a sumergirnos en algunos conceptos adicionales de improvisación que pueden ayudar a llevar nuestra improvisación al siguiente paso. 8. Improvisación de teclas: En esta lección, vamos a estar viendo algunos conceptos adicionales de improvisación y cómo podemos practicar eficazmente la improvisación. Algunos de los conceptos que vamos a repasar incluirán cerramientos, arpegios y ambientación de rango limitado en el piano al improvisar. Primero, echemos un vistazo a los recintos. El recinto es una técnica que se originó con la música bebop en la década de 1940 a través de pioneros como Charlie Parker y Thelonious Monk. Un ejemplo básico de un recinto es acercarse cromáticamente a una nota por ambos lados. ejemplo, si sé que quiero que aterrice en b, Por ejemplo, si sé que quiero que aterrice en b, me acercaría jugando C y luego B plano antes de aterrizar en b, pero aún golpeando estar en el ritmo bajista o el ritmo fuerte. Por ejemplo, si tuviera que tocar una frase con un recinto, entonces tocaría. Esencialmente estoy encerrando el deseo. Tenga en cuenta que me gusta jugar desde cualquiera de los dos lados. Veamos otro ejemplo. Si tuviera que tocar una tríada mayor, C, E y G, y adjuntara cada nota tocaría. Me estoy acercando a la c cromáticamente con C-Sharp y B, luego me acerco a la E con F y E plana, luego acercándome a la g con una plana y F afilada para conseguir. Podemos usar recintos para crear un sonido más cromático sin dejar de mantener nuestros tonos guía iguales. En este ejemplo, voy a explicar cómo usar recintos sobre un 251 en la clave de Do mayor. Como se puede decir como sonido muy cromático. Y podemos acostumbrarnos a tomar una frase simple y luego expandirla encerrando los tonos guía desde cualquier lado. Puedes tomar un coro en un blues o cualquier canción en la práctica, poner en algunos recintos y ver dónde te gustaría y dónde no funcionan. Mucha improvisación es prueba y error. Y en algunas situaciones, podrías tener suerte y descubrir algo que nunca supiste que podías jugar. A continuación, vamos a ver cómo puedes usar arpegios al soliar, comenzando con el acorde de séptimo D menor usaremos un arpegio o las notas del acorde para crear otra textura para cuando estamos solos. Empezaré con una D y demostraré. En este ejemplo, utilicé este arpegio para crear una frase lineal que se mueve a través del piano. También podemos usar arpegios es rutas de escape y movernos a otro rango cuando estamos improvisando. Voy a demostrar un ejemplo de ello. Al practicar la improvisación, un buen hábito puede ser establecer limitaciones enfocadas explícitamente en un concepto a la vez. Un buen lugar para comenzar puede ser limitarte a un cierto rango del piano y ver cuántas opciones puedes llegar a ese conjunto de limitaciones. Muchas veces el arte más grande se hace con limitaciones. Y puedes descubrir algo realmente impresionante poniéndote límites a ti mismo. Y entonces cuando vuelves a abrir esos límites, tienes nuevas formas de expresarte. Ahora voy a hacer una demostración de todos estos conceptos, recintos, arpegios y rango limitado en una progresión. Voy a usar la progresión de acordes, un siete menor, mi menor siete, re menor siete. Y como esto es un a menor, estaré usando la escala a Blues. Ahora voy a usar recintos. Ahora voy a usar arpegios. Ahora voy a usar rango limitado y sólo una octava. Y escala tónica. Normalmente usa notas azules. Entonces ese fue un ejemplo para demostrar cómo me estaba enfocando en cada concepto de improvisación uno a la vez. Para fortalecer eso, en lugar de simplemente practicar todo a la vez, es importante establecer estas limitaciones para que podamos ser muy prácticos y precisos a la hora de practicar un concepto abierto como la improvisación, que puede ser abrumadora al principio porque hay tantas posibilidades. En la siguiente lección, vamos a estar viendo cómo puedes tomar un patrón simple y usarlo como herramienta para composición. Empecemos a componer. 9. Patrones y composición: A menudo cuando estoy practicando un piano, lo que voy a hacer es tomar un patrón simple o hacer ejercicio moverlo de diferentes maneras y aplicarlo a través de diferentes teclas. Muchas veces un patrón simple o ejercicio puede convertirse entonces en una composición completa. Y hay un vínculo que mantiene unida la composición porque la gente puede decir hay un patrón o algo similar que actúa como pegamento para atarlo. Para demostrarlo, voy a usar mis canciones, Central Park West de mi disco, ciudad en el cielo para mostrar cómo uso un concepto o patrón y lo convertí en una composición completa. Cuando estaba escribiendo Central Park West, estaba usando un acorde, que era un acorde mayor cercado por octavas como esta. Se puede mover este acorde hacia arriba en la escala. En este caso, yo era D mayor, que tiene dos objetos punzantes, F-sharp y C-sharp. Y yo estaba practicando mover ese acorde a través del piano así. Y así sucesivamente. Entonces estoy tomando un concepto simple que es el mismo acorde y moviéndolo para tocar una melodía. Voy a demostrar justo la mano derecha. Me estoy moviendo a través de la escala D mayor, tomando la misma forma y utilizándola para tocar una melodía. Así que tengo, y así sucesivamente. También podría ampliar ese acorde en juego con arpegios, que sonarían así. El punto de esto es que muchas veces puedes tomar un patrón o motivo simple y convertirlo en una composición. Mostraré otro ejemplo de una composición original en mente, la ciudad en el cielo, en la que utilicé un patrón repetido de cuatro notas para crear la ilusión de que un rascacielos cruzara en una ciudad. En esta canción, estaba trabajando con dos frases de cuatro notas. Moviéndose entre Do menor. En Do mayor. Empecé con una frase en Do menor en la que estoy usando un patrón de cuatro notas y repitiéndolo. Y luego pasar a la porción C mayor. Así que juntos suena como. Entonces, aunque los acordes están en diferentes claves, hay un eslabón que lo une, que es el patrón de cuatro notas que se mueve a lo largo. Muchas veces, tener un patrón también puede actuar como una limitación en el sentido de que te obliga a pensar de diferentes maneras. Pero siempre hay un vínculo que ayuda a unir la composición. Te animo a que intentes explorar, jugar con un patrón y luego tal vez usarlo en tu propia composición, que puedes anotar usando MuseScore. Cada vez que se te ocurra un patrón que te guste, es importante aplicarlo a tantas claves en diferentes canciones como sea posible para que puedas obtener el máximo kilometraje del patrón y poder aplicarlo es para canciones ajenas o tus propias obras originales. Para esta tarea de clase, me gustaría que tomaras un patrón o una frase p denote y uses como vehículo para la composición, que luego puedes enviar a través de la galería del proyecto. En la siguiente lección, vamos a ver cómo puedes usar disposición y la dinámica para ayudar a llevar tu composición al siguiente nivel usando la gama completa de sonido disponible en el piano. 10. Arreglo musical: En esta lección, vamos a ver cómo podemos usar el arreglo y la dinámica para sacar a relucir toda la gama del piano. El piano es un instrumento extraordinario porque básicamente es como tener toda una orquesta al alcance de tu mano. El piano tiene un alcance mayor que cualquier otro instrumento. Tenemos bajos increíblemente bajos que imitan el contrabajo de la orquesta. Y máximos muy altos, que son similares a un piccolo o flauta. hora de pensar en componer en el piano, es importante pensar en el rango en el arreglo en el que estamos tocando para obtener el espectro completo de sonidos. Muchas veces, puede ser genial crear contraste jugando bajo, además de tocar alto. Y pensando en cómo quieres estructurar tu composición para sacar toda la técnica del piano. Al tocar el piano, es importante pensar estratégicamente sobre rango y también usar dinámicas. dinámica en el piano se refiere a lo alto o suave y a todos los diferentes niveles intermedios que podemos usar. La dinámica puede pensarse como tramas de historia en la escritura creativa. Y en lugar de mantener algo estancado o al mismo nivel, podemos usar reflujos y flujos para crear un viaje para nuestro oyente. Para demostrarlo, voy a tocar un pasaje sin dinámica y luego experimentar con dos opciones dinámicas diferentes. Comenzaré tocando una frase de una canción original, Gran Cañón, con dinámicas variables. Al practicar dinámicas, a menudo puedes pensar en arcos similares a una trama de historia al dibujar en tu composición, cómo quieres que tu dinámica suba para que haya subidas y caídas graduales, casi como un ola. En lugar de movimientos bruscos y dentados que podrían arrojar al oyente. Voy a demostrar otro ejemplo de dinámica sobre la misma progresión de acordes, pero teniendo la dinámica sube y baja en diferentes lugares. En el segundo ejemplo, mantuve los dos segundos acordes más silenciosos. Estamos en el primer ejemplo, esos acordes eran más fuertes. Ahora es cuestión de gustos en qué ejemplo me gusta más. Pero es importante practicar dinámicas en la práctica escribiendo en dinámicas para que podamos usar toda la gama de sonido en volumen en el piano. Una buena manera de practicar la dinámica es tomar una frase simple como una escala de C mayor en la práctica, aumentando en volumen y disminuyendo en volumen. Un buen ejemplo sería éste. Voy a empezar desde la C. más baja así que poco a poco voy aumentando de volumen y luego practicando volver a bajar. También puedes hacer ejercicios como este con un solo nodo tratando de obtener tantas dinámicas como sea posible mientras vas en un arco consistente. Puedes ver con qué suavidad puedes presionar mientras sigues creando un sonido. La dinámica es una herramienta muy poderosa y podemos utilizarlas a la hora componer para crear un arco en una trama de historia a nuestra composición. La dinámica también puede afectar la sensación de humor de la pieza y son muy importantes para transmitir la emoción correcta al público. En la siguiente lección, vamos a ver las técnicas compositivas y secciones. Para que puedas ayudar a estructurar de manera efectiva tu composición y llevarla al siguiente nivel. 11. Técnicas del compositor: En esta lección, vamos a estar viendo técnicas compositivas en secciones que se pueden usar para crear estructura al componer. El tipo de secciones que vamos a estar viendo se asocian más comúnmente con la composición pop e incluyen el verso, el coro, o gancho, el puente, la introducción y el outro. Estas funcionan creando impulso a lo largo de la canción para que las secciones familiares vuelvan, también crearemos una progresión natural para darle a esta canción un arco y una vida útil propia. Normalmente, las canciones, comenzaremos con una intro, que puede ser instrumental o configurar la clave o la progresión del acorde en la canción. Entonces generalmente se moverán hacia la aversión, que tendrá una melodía y suele ser instrumentación más escasa que el coro. Normalmente las canciones tendrán 123 Vs, y la melodía será la misma, pero la letra puede ser diferente. El coro o el anzuelo está destinado a enganchar al oyente repitiendo pegadizo como parte de lo pegadizo como parte de la canción para que haya algo contagioso y tengas que cantar o bailar al bridge, que suele ser posterior al segundo coro o al segundo verso, funcionará como una sección ligeramente diferente para proporcionar otra textura antes regresar a casa al coro. A menudo, los puentes se modularán en otra clave, a veces a una quinta parte de distancia. La llave original. El puente, es esencial para volver a montar el coro y ayudar a que se sienta como una canción totalmente cohesiva. Después del coro final, a veces habrá un outro, que puede ser una sección instrumental o una frase repetida canta el vocalista para continuar la canción a medida que se desvanece. Al trabajar con la composición pop, puedes tomar la misma progresión de acordes y expandirla usando variaciones, usando arpegios o inversiones para crear una nueva sección con más impulso para el coro, puente o outro, sin dejar mantener la misma progresión de acordes centrales. Muchas veces la canción puede tener una progresión de acordes, pero sus variaciones pueden conducir al coro y al gancho y conducir a desarrollos naturales a través de las técnicas que hemos repasado en esta clase, incluyendo inversiones, arpegios, en diferentes métodos de acompañamiento, en estructura de canciones tradicionales o canciones de los años 30, 40 y 50, como clásicos de Broadway o también conocido como gran cancionero americano. A menudo usarán la forma A-A-B-A, en la que la a puede pensarse como un coro o verso, que se repite dos veces. Y luego hay un puente y luego seguido por el mismo a otra vez, para que el a quede atascado en la mente del oyente. Ahora, voy a demostrar una composición original, luego usa el formulario AABA titulado Pasamos la noche en una estrella. Cuando escribí esta canción, tenía como objetivo hacerla sonar como una canción de la década de 1930 o 1940. Y así quise usar la forma tradicional de ese periodo de tiempo para que suene auténtica. Escucharás que la sección a se repite tres veces en las que hay diferentes letras, pero es la misma melodía. También serán un puente corto. Entonces escucharás un BA, escucharás las secciones repetidas a. Tienen letras distintas, pero es la misma melodía. Caminamos de regreso. Esta suave barra de gas azul claro. Ellos serían Dios mi corazón y no quiero parar. Las calles estaban cerca ahí dentro. Los campañeros cantando Buenas noches bajaron cielos nublados cuando pasamos la noche sobre una piedra, estamos averiguando cómo saltar. Sólo sé que van a ser tan altos. Y por la noche, el impuesto se paga como digamos, son luces centelleantes, pero pasamos la noche con esa canción. Se podía decir que la misma sección se repitió tres veces y la única sección diferente fue el puente. Esto es útil porque cuando estamos aprendiendo canciones del gran cancionero americano o canciones clásicas americanas para la década de 1940. Si aprendimos la sección a, ya hemos aprendido esencialmente tres cuartas partes de la canción, lo que significa que podemos aprender canciones más rápidamente centrándonos en una sección y en cómo se repetirá. En esta lección, analizamos cómo podemos usar diferentes secciones para composición pop y también diferentes foros para estructurar efectivamente nuestra composición. Es importante recordar estos conceptos a la hora de componer canciones, para darle a nuestras canciones el arco adecuado y hacer las más efectivas. 12. Reflexiones finales: Muy bien, hemos llegado hasta el final de la clase de composición e improvisación. Esta clase introdujo muchos sistemas que pueden ayudar a la hora componer música original o improvisar o escribir melodías. Comenzamos buscando formas en las que podemos crear progresiones de acordes para crear tensión y resolución y tirando de acordes de otras teclas. También analizamos la improvisación a escala pentatónica y cómo podemos usar esta escala para crear melodías efectivas. Y a la hora de solar. También vimos frases y corridas repetidas y cómo podemos usar una frase para movernos a través del piano para crear arreglos efectivos. Adicionalmente, miramos la escala de blues y cómo podemos usar notas azules para crear un sonido más lamer de guitarra en el piano a la hora de improvisar o componer. Dado que gran parte de lo que cubrimos es muy conceptual, importante aplicar estos conceptos de tantas maneras como sea posible para que realmente podamos arraigarlos en nuestro juego y no solo tenerlos en nuestra mente . Improvisar y componer es un viaje constante. Y esto es meramente una introducción que tiene como objetivo darte posibilidades de despertar la creatividad. Analizamos cómo puedes tomar un patrón y convertirlo en una composición. Y también cómo podemos usar la estructura y dinámica de la canción para crear una canción efectiva. Todos estos conceptos en sistemas pueden ser utilizados indistintamente. Y es importante practicarlos con una visión refinada para que no nos abrumen. Como tarea de clase, puedes tomar un patrón o frase de nota repetida y trabajarlo en una composición para que haya un vínculo que se mueva a lo largo de tu trabajo. Espero que puedas usar estos conceptos en tu propia improvisación y composición. Y únete a mí en mi próxima clase donde buscamos crear arreglos.