Mejora tu nivel en el piano: crea tus propios arreglos musicales

1. INTRODUCCIÓN: Me encanta tocar el piano por las infinitas posibilidades de expresión e inspirar a otros a tocar sus canciones favoritas y componer es algo que me apasiona mucho. Hola, soy Alicia Fox, pianista, productora y compositora. Llevo 18 años tocando el piano y he actuado internacionalmente y producido con artistas como tape McCrae, colegial Q en música, hijo único. Si te emociona aprender diferentes enfoques para tocar tus canciones favoritas en la creación de arreglos. Esta clase es para ti. Vamos a ver formas de crear patrones avanzados de acompañamiento que funcionarán para canciones preescritas o al escribir música original. También veremos grabar y lanzar música original y diferentes enfoques para estos, necesitarás ya sea un piano o un teclado e idealmente un pedal sostenido. Al final de esta clase, podrás tomar una simple progresión de acordes y convertirla en un arreglo avanzado con numerosas técnicas. Únete a mí mientras aprendemos algunos fundamentos de la creación de arreglos. 2. Comencemos: Muchos de los PNS y teclistas más demandados son aquellos que son capaces de crear un arreglo efectivo a de una simple progresión de acordes. Cuando toco con artistas en vivo, muchos de ellos me miraron para tomar la versión grabada de su canción y transferirla a un arreglo de piano o algo que funcione bien con una banda en vivo. mini canciones tienen progresiones de acordes similares en poder transformarlas en agregar tu propia voz es una excelente manera de destacar como pianista practicando conceptos sobre múltiples canciones, fortalecemos nuestra capacidad para acercarse a nuevos materiales, lo cual es útil para la composición de canciones, trabajo de estudio y la presentación en vivo. En esta clase, exploraremos patrones de acompañamiento más avanzados, diferentes voces para acordes extendidos, como las voces novena y undécima. Cómo usar acordes alterados para crear tensión, y cómo usar el desplazamiento rítmico para crear emoción al crear un arreglo. También discutiremos la liberación de música original en diferentes estrategias sobre cómo hacer que tu música sea escuchada por un público más amplio. Únete a mí mientras nos sumergimos en algunos conceptos avanzados de arreglo. 3. Técnicas de práctica: En esta lección, vamos a estar viendo técnicas de práctica de diferentes maneras en las que puedes aplicar los conceptos para convertirte en un pianista y compositor más completo. Dado que gran parte de esta clase se basa en conceptos, es importante aplicarlos de tantas maneras como sea posible para que podamos convertirnos en tantas maneras como sea posible para que podamos convertirnos un jugador más completo y tener más opciones a la hora acercarnos a nuevos material para establecer una rutina de práctica efectiva, es importante averiguar a qué hora te sientes más inspirado y qué hora es mejor para tu creatividad. Personalmente, me siento más inspirado por la mañana. Así que he desarrollado una rutina matutina en la que me despierto, una taza de café y leo el periódico antes de tocar el piano durante una hora sin mirar mi teléfono ni introducir distracciones adicionales. Pienso en ello casi como una sesión de meditación o diario en la que estoy dejando fluir las ideas y ponerme cómodo con el instrumento esta rutina matutina es la base de mi día y es importante para mí que empiece de esta manera. Es posible que encuentres que te sientes más inspirado por la noche y eso también está bien. Es importante probar diferentes métodos de práctica para ver qué funciona mejor para ti. Como mucho piano está visualizando diferentes formas y acordes, me gustaría introducir una técnica de práctica para agrupar acordes por cómo aparecen. Para ello, vamos a sumergirnos en los acordes séptimos. Empezaremos por mirar los acordes séptimos mayores. C mayor siete. F mayor séptimo son similares en que ambos utilizan todas las teclas blancas. De esta manera, podemos clasificar o agrupar estos acordes juntos. D mayor séptima, E mayor séptima en una séptima mayor son similares y todas empiezan con una tecla blanca, seguida de una tecla negra, seguida de una tecla blanca, seguida de otra tecla negra. En mi mente, visualizo estos acordes de la misma manera porque son maquetados en el piano se ven igual. En el mismo método, D menor siete, E menor siete, y un séptimo menor, todos utilizan todas las teclas blancas. Mientras que F menor siete, G menor siete, y C menor séptima inician con una tecla blanca, seguida de una tecla negra, seguida de una tecla blanca, seguida de otra tecla negra. Es útil agrupar estos acordes para que podamos acostumbrarnos a visualizarlos y tenerlos a visualizarlos y tenerlos al alcance de la mano más rápido. Hay un par de acordes que son únicos en su composición, como el séptimo dominante B, que es una tecla blanca seguida dos teclas negras seguidas de una tecla blanca. Por lo que es importante recordar estos valores atípicos y acostumbrarse a reconocerlos para que los cordones estén al alcance de nuestra mano. Y en cuanto vemos un símbolo de acorde, es casi como ver un color en el que no tenemos que pensar, Oh, eso es verde o rojo, pero al instante sabemos que es este acorde. Entonces quieres practicar hasta un punto en el que se convierta en segunda naturaleza. Para que puedas leer fácilmente las tablas centrales viendo un acorde y haciendo que tu mano sepa instantáneamente qué tocar. Otra parte importante de desarrollar tu propio sonido en el piano es cada vez que se te ocurra algo que te guste, es muy importante transponerlo a las 12 teclas para que luego lo tengas como opción para cualquier canción o firma clave. Pero primero, permítanme explicar de nuevo qué es la transposición. Si recuerdas, miramos el Círculo de Quintas, lo que demuestra que hay 12 claves únicas. Puedes tocar cualquier frase o melodía en todas estas teclas. Y es importante acostumbrarse a transponer algo en caso que estés actuando con un cantante que está acostumbrado a cantar una canción en una clave diferente. Para este ejemplo, voy a mirar una frase corta y luego transponerla a través de las 12 claves. Voy a tocar una voz 11 menor, comenzando en re menor en mover una voz interior con tercios. Entonces digamos que estaba tocando y descubrí esto y oh, me gusta la forma en que suena. Entonces en vez de tener eso como opción en re menor, voy a moverlo a través de todas las llaves. Entonces voy a subir cada nodo un medio paso a mi bemol menor. Entonces ahora estoy jugando la misma relación, pero está en una nueva clave. Voy a seguir moviéndolo por el piano. Entonces ahora lo tengo en mi menor, subir a F menor. Después lo moveré a F-sharp, seguido de Sol menor, A bemol menor. Si esto es mucho, sólo tengan paciencia conmigo. A menor, Si bemol menor, Si menor, Do menor, C agudo Menor. Y finalmente volvemos a re menor, donde empezamos. Ahora estoy visualizando esto porque estoy muy familiarizado con la escala cromática, que es todos los semitonos. Así que cada vez que estoy moviendo el acorde hacia arriba, estoy moviendo un semitono en una dirección. De esta manera, si ahora tengo este concepto, que es un tercer rollo en un acorde menor de nueve. Entonces empecé en re menor, pero si hay una canción y F menor, ahora puedo aplicar esto a cualquier canción porque la he aprendido en cada clave. Entonces digamos que me acercaba a una canción que era Fa menor a Do menor. Si quieres, puedes improvisar sobre esto usando la escala Do menor o la escala de blues marino, que es C, E-bemol, F, F sostenido, G, B bemol y C. Así que ahora voy a intentar demostrar esta técnica sobre estos acordes, que es Fa menor a Do menor. Entonces ahora estoy tomando un concepto simple y lo estoy convirtiendo en más de una canción completa o arreglo simplemente moviendo ese concepto a través de claves. Muchas veces cuando estoy tocando piano como parte de mi rutina matutina, simplemente estoy moviendo un concepto en diferentes claves como ejercicio. Pero luego de vez en cuando, me va a gustar y quiero convertirlo en una composición completa. Para concluir, hemos analizado la importancia de establecer una rutina para practicar. Y me gustaría recalcar nuevamente que una práctica diaria, incluso por diez o 15 min, dará mejores resultados que practicar durante 4 h una vez y luego dejarla sola cuando comienzas al piano, puede ser abrumador porque está introduciendo todo un mundo de conceptos. De esta manera, aprender piano puede ser similar a aprender a andar en bicicleta, en el que se trata de una curva de aprendizaje un poco empinada. Pero una vez que te pones en marcha, recuerdas estas habilidades de por vida. En conclusión, es fundamental aplicar estos conceptos de tantas maneras como sea posible. En cualquier momento se te ocurre algo que resuene contigo para transponerlo a las 12 teclas para que puedas tenerlo efectivamente como una herramienta a tu disposición. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos en algunos patrones de acompañamiento más avanzados que pueden ayudar a fortalecer tus habilidades al acercarte una nueva progresión de acordes o estructura de canción. 4. Patrones de acompañamiento: Ahora que ya hemos hablado de hábitos de práctica, saltemos a algunos patrones de acompañamiento que pueden ayudar a dar vida a una simple progresión de acordes. Hay mucha libertad y creatividad que viene con la creación de un patrón. En cualquier momento que se te ocurra un patrón que te guste, es importante aplicarlo a tantas canciones o progresiones de acordes como sea posible. Para que puedas interiorizar ese patrón y tenerlo a tu disposición al acercarte a la nueva música. Para comenzar, me gustaría comenzar con un patrón intermedio sobre la progresión de acordes, Do mayor, Mi menor, una menor y F mayor. Para este patrón, solo usaremos tríadas. Entonces, primero toquemos los acordes con nuestra mano derecha. Tenemos Do mayor, mi menor, una menor y F mayor. Para este patrón, voy a comenzar tocando las dos notas superiores, la tercera y la quinta de la tríada, y luego bajando a la primera nota. Una vez que estés cómodo con eso, podemos agregar en nuestra mano izquierda jugando los nodos raíz. Entonces este es un ejemplo de un patrón básico que luego se puede aplicar a cualquier progresión de acordes. Si alguien nos diera la progresión de acordes, D menor a sol mayor, podríamos tomar el mismo patrón y aplicarlo ahí, que sería que puedes idear tus propios patrones o encontrar patrones en canciones populares o música clásica. Otra gran técnica para idear patrones de acompañamiento o herramientas compositivas, es usar un tono común, también conocido como tono de pedal. En este caso, se nos una progresión de acordes que puede tener tres o cuatro acordes, todos comparten un nodo común, que pedaleamos en la parte superior. Para este ejemplo, voy a usar el tono de pedal F, que seguirá siendo la nota más alta en todos estos acordes, aunque se muevan por diferentes teclas, comenzaré con un acorde, en sol menor. Después bajaré a la bemol mayor siete, que está en una clave diferente, pero todavía usa f, seguido de f menor, y luego seguido por mi bemol menor, que también usa f. ahora un pedal, ese tono, que ata los cordones entre sí. Entonces, a pesar de que los acordes en esta progresión vinieron de múltiples teclas, el tono f o pedal ayudó como pegamento a unirlos, dando al oyente algo a lo que aferrarse. Ahora, voy a tomar una nueva progresión y mirar formas de usar inversiones para darle vida. Esta nueva progresión va a incluir los acordes, una bemol mayor siete, D bemol siete, C menor séptima. En un séptimo dominante, plano cinco. Voy a tocar esa progresión ahora y experimentar con algunos patrones de acompañamiento diferentes usando inversiones o reordenamientos del mismo agrupamiento de notas. Podrías notar que de vez en cuando estoy tocando un patrón, repito una nota como lo hice para el ejercicio de tono guía. En este caso, estaba tocando en un acorde de siete bemol mayor y repitiendo la nota G, porque eso actúa como tono de pedal entre todas las canchas. Observa de nuevo mientras pedaleé G a lo largo de la progresión. Podemos usar ejercicios de tono de pedal o tono común al acercarnos a una nueva progresión para agregar una nota que pueda vincular las canchas, conectándolas para el oyente. Ahora que hemos mirado algunos patrones de acompañamiento más avanzados, me gustaría volver a nuestra primera progresión y invitarlos a practicar eso. Una vez más, esa progresión fue Do mayor, Mi menor, una menor, y F. Y empezamos tocando la tercera y quinta de las voces, luego bajando a la raíz. Así. Si quieres otro patrón de acompañamiento, podemos tomar la misma progresión de acordes, pero aplicando arpegio comenzando desde la parte superior del acorde y bajando. Para ambos ejemplos, estaba usando la misma tríada en la cancha, pero encontrando dos patrones de acompañamiento diferentes o diferentes variaciones de tocar los acordes. Ahora bien, esto puede requerir algo de práctica, y es importante recordar que este es un viaje continuo. En la siguiente lección, vamos a seguir adelante mirando algunas voces de extensión superior novena y undécima que podemos aplicar a los acordes séptimos mayores y menores preexistentes que ya aprendimos. Te veré ahí. 5. Acordes de 9ª y 11ª: En esta lección, vamos a ver cómo puedes usar extensiones superiores novena y undécima para agregar color a nuestros acordes séptimos menores y mayores preexistentes. Comencemos tomando el ejemplo de un acorde de séptimo en D menor, que incluye las notas DFA, y veamos, si recordamos, la séptima nota de este acorde fue referida como séptima porque es la séptima nota de la escala correspondiente. De la misma manera cuando sumamos nuestro noveno, que es e. Se llama el noveno porque son nueve notas arriba de la raíz original, 123-45-6789. Entonces un noveno acorde en D menor incluiría las notas D, F, a, C y E. Si lo piensas, este cordón en realidad incluye dos acordes que ya hemos mirado. Cuenta con una F mayor siete, así como una D menor siete. Por lo que se puede pensar en una D menor novena como primo de F mayor siete. Ahora vamos a familiarizarnos con un par de otros noveno acordes menores. Entonces, para comenzar, veremos en G menor séptimo, que incluiría las notas G, B-bemol, D y F. Al sumar el 9, podemos pensarlo como el segundo nodo de la escala correspondiente, que en este caso sería un escalón entero superior a g, o dos semitonos más altos que la raíz g. Así que para G menor noveno, tendríamos G, B-bemol, D, F y a. esta cancha también incluye una B-bemol séptima mayor, así como la G menor. Podemos decir que el noveno menor tiene un sonido un poco más característico. No solo es feliz o triste, sino que tiene un poco más de dimensión. Ahora vamos a practicar el cambio entre D menor noveno. En sol menor noveno. Añadiendo un poco de variación melódica. Excelente. Después de familiarizarte y sentirte cómodo con esos dos acordes, Veamos un ejemplo más, Do menor nueve. Para ello, comenzaremos con C menor séptimo, que sabemos incluye las notas C, E bemol, G y B bemol. Y luego agregaremos D en la parte superior, ya que esta es la segunda o novena nota de la escala correspondiente. Para estos noveno acordes, recomendaría usar ambas manos. Tu mano izquierda puede tocar la tríada, y tu mano derecha puede tocar las extensiones superiores. Si quieres. Es importante pasar por la posición raíz noveno acorde pasando por cada nota de la escala cromática, lo demostraré ahora brevemente. Si empezáramos con D menor noveno, se movería hacia arriba medio paso a mi bemol menor noveno, seguido de E menor noveno, seguido de F menor noveno, seguido de F agudo menor nueve, seguido de G menor nueve, seguido de un noveno menor plano, seguido de un noveno menor, luego si bemol, luego B, y C, luego C-sostenido. Y luego volvemos a D. Una vez que te hayas familiarizado más con el concepto de novenos menores, agreguemos el 11 menor. Volvamos a D menor noveno, D F-A-C-E. y veamos sumar el día 11, que en este caso sería G. Un acorde D menor 11 tiene cinco notas, D, F, a, C, E, G. Y puedes ver que incluye una tríada en Do mayor y una tríada menor en la tríada F mayor y una tríada D menor. Entonces es un acorde muy denso con un sonido muy abierto porque tiene muchos acordes mayores y menores dándole un carácter complejo. Veamos ahora sol menor 11, que sería G, B bemol, D, F, a, C. En la práctica ahora, moviéndose entre estos dos acordes. Entonces tenemos de D a G. Si quieres, puedes probar los arpegios de estos acordes, lo que sería como otra forma de familiarizarte con ellos. Ahora, hablemos de los acordes novenos mayores. Echemos un vistazo a C mayor séptimo. Para sumar una novena a esto, iríamos a la segunda o novena nota de la escala mayor. Ya que hay siete notas, estas terminan siendo la misma nota, que sería d. Entonces un C Mayor nueve incluiría las notas C, E, G, B y D. Ahora veamos la F Mayor nueve, que sería incluyen F-A-C-E. y luego la novena nota, que sería g. Se puede decir que para estos acordes, siempre estamos dejando una tecla blanca apagada al tocar la siguiente nota. Subir en tercios. De la misma manera, para crear un acorde 11 mayor, añadiríamos una nota más. Para una F, Esto sería b. por lo que esto se considera un acorde 11o agudo en fa mayor siete sharp 11, que incluye muchas tríadas también. Mi menor, Do mayor, un menor. Y estos acordes tienen una cualidad muy agridulce para ellos y pueden ser muy útiles a la hora de crear progresiones efectivas de acordes. Para recapitular, miramos cómo podríamos crear una novena menor y una undécima menor agregando esas extensiones superiores de la escala correspondiente. Y también cómo podemos crear un noveno mayor o un undécimo mayor. Estos noveno acordes menores se volverán muy útiles a medida que pasemos a nuestra siguiente lección, introduciendo acordes alterados, que pueden ser utilizados para resolver a los novenos menores, creando tensión antes del lanzamiento. En la siguiente lección, espero que se unan a mí mientras discutimos tribunales alterados. 6. Acordes alterados: Ahora que hemos descubierto cómo encontrar acordes menores noveno y undécimo, me gustaría discutir un nuevo tema en introducir cortes alterados. Los acordes alterados son excelentes para crear tensión antes de la liberación de entrar en una úlcera menor del noveno acorde. canchas también se pueden usar para ampliar una progresión básica de acordes y agregarle más profundidad en la trama de la historia. Ante todo, veamos qué es un acorde alterado. Empezaremos tomando un séptimo acorde dominante. En este caso, comenzaré con el séptimo dominante, que incluye las notas a, C-sharp, E y G. En acorde alterado se encuentra una séptima dominante con una quinta levantada y una novena levantada. Entonces elevaríamos el grado de quinta escala y moveríamos la e hasta F. Y también agregaríamos un cuchillo afilado, que también se conoce como un tercio menor sumando ver en la parte superior. Entonces, para un acorde alterado, tendríamos un C-sharp, E, F, G y C. Ahora bien, esto es muy disonante en sonido abierto y se puede utilizar para crear tensión antes de resolver de nuevo a la novena menor. Imaginemos que tenemos una progresión básica de D menor novena a una novena menor. Podemos pensar en estos como r a bases de operaciones. Ambos son sonidos constantes que son bonitos. Entonces para el noveno D menor, tenemos D, F, a, C, E, y el noveno menor, tenemos un CBGB. Podemos pensar en esto como una hoja de ruta, y estos son nuestros dos destinos. Ahora, vamos a ampliar esta progresión colocando un acorde alterado frente a cada uno de los novenos menores para potenciarlo y darnos algún lugar para resolver dos. Cada vez que tengas un noveno acorde menor, puedes colocar un acorde alterado delante de él y encontrar el acorde alterado basado en el quinto que se resolvería en ese nueve menor correspondiente. Entonces estamos empezando con D menor nueve. Y sabemos que vamos a entrar en una novena menor. Algo así como encontrar el acorde alterado que iría antes de eso. Yo miraría el quinto de un noveno menor, que es e. entonces ahora encontremos e alterado. Empezaremos por encontrar el séptimo acorde dominante E, que es E, G-sostenido, B y D. Y luego subiremos el quinto, moviéndonos para estar arriba para ver un anuncio en una G en la parte superior, dándonos E, G-sostenido, C, D, y Esta es una e alterada. Entonces ahora voy a tratar de tocar la D menor. Y en lugar de ir directo a la menor, voy a tocar la E alterada antes, lo que aumentará la tensión, haciendo que la resolución sea aún más dulce. Entonces ahora tenemos D menor. Entonces e alteró a un menor. Así que todavía, ayuda a configurar el rellano para que lleguemos a un menor. Ahora, antes de volver a re menor, ya que se trata de una progresión de loops, habrá que encontrar el acorde alterado fuera del cinco de D, que en este caso sería un. y ya aprendimos un acorde alterado. Pero una vez más, empezaríamos con el séptimo acorde dominante. Entonces subiríamos el quinto a F sharp, el noveno, que es C, dándonos un C-sharp, E, F, G y C. Así que ahora hemos convertido una progresión de dos acordes en esencialmente una progresión de cuatro acordes. Todavía estamos aterrizando en nuestra base de casa de D menor noveno y un noveno menor. Pero estamos colocando un acorde alterado ante ellos para aumentar la tensión antes de la resolución. Tocaré solo los noveno acordes menores, y luego agregaré los acordes alterados para que veas cómo suena y cómo esto es básicamente una mejora a la progresión preexistente. Empezaremos con sólo D menor a a. derecha. Sólo estoy rodando las canchas. Ahora agregaremos en los tribunales alternos el ADN alterado. Por lo que agrega un poco más de trama de historia. D, e alterado, un alterado, lleva de vuelta a D. Luego él también luego a. De nuevo. Veamos un ejemplo más y cómo podemos aplicar los tres acordes. Digamos para este ejemplo, tenemos una progresión en Do menor, que comienza con una Do menor nueve, luego baja a una si bemol, luego baja a una a bemol y una F menor. Entonces, una vez más, nuestra progresión original es C, B bemol, una plana, luego F menor. Entonces sabemos que si vamos a volver a conducir a Do menor, podemos colocar un acorde alterado saliendo de la quinta de esa clave. De Do menor sería G. Así que vamos a encontrar un acorde G alterado. Entonces comenzaremos con un séptimo G dominante. Entonces levantaremos el quinto, el medio paso, y agregaremos el agudo nueve, o tercio menor de esa llave, dándonos GB agudo, F, B-bemol. Ahora intentaré colocar ese acorde alterado antes del Do menor para agregar alguna dimensión a la progresión. G. Alternativamente, se puede improvisar sobre esto con la escala de blues del mar. Ella se alteró, terminó con un arpegio. Para recapitular, los acordes alterados son una herramienta efectiva para aumentar la tensión al agregar al contorno de una progresión. Cada vez que tengas un noveno acorde menor, puedes colocar un acorde alterado antes de que salga de la quinta de la novena menor en la que está conduciendo. En la siguiente lección, vamos a ver cómo podemos usar desplazamiento rítmico para aumentar la emoción a la hora de crear un arreglo. 7. Desplazamiento rítmico: En esta lección, vamos a estar viendo cómo podemos usar desplazamiento rítmico para aumentar la emoción al agregar variación a nuestros arreglos. En la música más popular, el compás común es 44, lo que significa que hay cuatro ritmos en cada compás. En este siguiente ejemplo, veremos formas de sumar diferentes subdivisiones de tiempo para implicar diferentes firmas de tiempo mientras aún nos quedamos adentro para, para, para el primer ejemplo, Me gustaría tomar dos acordes sencillos e imaginar que tenemos ocho beats. Voy a estar moviéndome entre una D menor nueve y un acorde G7. Empezaré tocando cuatro latidos de cada acorde. Tengo 1234, 1234, 1234, 1234. Entonces una forma básica de agregar variación a esto se definirían dos números impares que aún suman ocho, pero nos dan la ilusión de otras firmas de tiempo. Para este ejemplo, usaré cinco beats y luego tres beats. Así que todavía estaremos en 44 tiempo, pero vamos a estar cambiando al segundo acorde un poco más tarde. Ahora voy a demostrar 123-451-2345. Entonces, en lugar de tocar cuatro beats de cada uno, ahora hemos agregado alguna variación al tocar el primer acorde para cinco tiempos y el segundo para tres. Tomemos otra progresión. Ya hemos mirado, Do mayor, E menor a menor a F. Y voy a tocar cinco beats de la C, tres beats de E menor, cinco beats de a en cinco beats de f1234512, 12345123. Puedes agregar un poco de variación a cualquier progresión en lugar de hacer cuatro para agregar 5.3. Ahora otra subdivisión de 44 serían 16 notas cuatro por cuatro es 16. Entonces, para el próximo ejercicio, vamos a ir más avanzados y mirar una frase de 16 notas. Para este ejemplo, voy a usar dos acordes que usamos en una lección anterior, menor de nueve a re menor nueve. Comenzaré tocando cuatro agrupaciones de cuatro por cada acorde, sumando hasta 16. Para este ejercicio, estaremos usando arpegios. Uno, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro, uno, dos El objetivo con este próximo ejercicio es tomar subdivisiones de 16, pero usar números impares que sumarán hasta 16, pero nos darán la impresión de otras firmas de tiempo. Se puede pensar en qué números sumarían hasta 16. Y es genial usar números como 57.9. Podríamos usar 556, lo que sumaría 16, manteniéndonos en 44 tiempo, pero implicando un cinco. Entonces para estas progresiones, usaré un arpegio de cinco notas, 12345. Entonces haré un patrón de 51, patrón de cinco y luego un patrón de seis. Entonces nos quedamos en 44 tiempo, pero implicando otro tiempo se siente 123-45-1234, 512-34-5612, 1234 5123 4512 3456 1234 5123 4512, 3456, 1234, 5123, 4512, 3456. Veamos otro ejemplo. Estoy pensando en números que sumarán hasta 16. Y sé que cinco séptimos y nueves son números impares, por lo que crean un buen sentido del campo de tiempo. Para este ejemplo, voy a hacer 754, que también suma 16. Este ejercicio de desplazamiento rítmico es una excelente manera de crear emoción y variaciones con nuestras frases agregando números impares mientras se sigue aplicando para el tiempo común. Para este siguiente ejemplo, usaré un patrón de nueve y luego un patrón de siete, que sumará hasta 16. Voy a usar los mismos dos acordes, un menor noveno a re menor nueve. Un patrón de nueve también se puede considerar como tres patrones de tres. Entonces voy a estar usando eso aquí. Uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos-tres, uno-dos Este concepto es similar a programar hi-hats cuando estás produciendo, en el que puedes usar diferentes variaciones para implicar otros campos de tiempo sin dejar de permanecer en 44. Es importante recordar que el piano es un instrumento de cuerda de percusión. Y podemos tomar muchos conceptos de la batería y aplicarlos al piano. Para concluir, en este ejercicio, analizamos formas en las que puedes crear diferentes subdivisiones que aún sumarán 16 u ocho. Así que permanecemos en el tiempo común, pero implicamos diferentes campos de tiempo. En la siguiente lección, vamos a ver cómo puedes usar arpegios o corridas de notas repetidas para crear variaciones cuando te acercas a una canción original o a un arreglo de una canción. Te veré ahí. 8. Arpegios con nota repetida: En esta lección, vamos a ver cómo puedes usar arpegios o corridas de notas repetidas para crear una textura agradable para un arreglo o como vehículo para una composición original. Los arpegios o corridas de notas repetidas tratan con el uso de un par de notas repetidas para crear una textura que se mueve a través del piano. Cada vez que se te ocurra un arpegio de nota repetida que te guste, te animo a que lo pruebes. Todo 12 llaves para que puedas tenerlo a tu disposición. Empezaremos por llegar a una frase de sexta nota sobre el acorde D menor siete. Dado que D menor proviene de la escala CTL en Do mayor, estaré usando la escala C mayor cuando esté pensando en qué notas usar para mi arpegio. Para esta, voy a estar llegando con una frase de sexta nota, o dos frases repetidas de tres notas. Voy a empezar en la nota E, y voy a ir E, F , C, G, a G. Es importante recordar con estos, queremos terminar la frase cerca de donde empezamos en octava más alta para que podamos repetirla a través de la octava. Entonces para esto voy a hacer EFC GAG, que me alinea respaldo a E, E fc. Así que voy a tratar de jugar eso ahora. También podría volver a bajar comenzando en la GAG y luego en la CFE. Entonces, aunque solo se repitan seis notas, suena como una frase mucho más larga porque nos estamos moviendo a través de la octava. Si me gusta esta frase, entonces la probaré en cada clave para que pueda sacarle el máximo provecho. Ahora voy a mover esta misma frase hasta F menor. Entonces para esto, comenzaría en G y lo probaría en esta clave. Ahora intentaremos tocar de re menor a fa menor a su vez esto en una composición básica. Volver a D. El abajo. Muchas veces cuando estoy practicando piano por la mañana, estoy recorriendo diferentes frases al tratar de aplicarlas de tantas maneras como sea posible, al ver qué acordes trabajan como compositivo herramienta. Ahora, vamos a llegar a una frase de octava nota sobre otro acorde. Para este ejemplo, voy a llegar a una frase sobre el acorde G menor noveno, G, Si bemol, D, F. Y como este es un acorde que sale de la escala de F mayor, estaré usando esa escala cuando venga arriba con opciones para mi melodía, voy a comenzar en la nota C y llegar una frase de octava nota que terminará cerca de la C, una octava más alta para que pueda repetirse. Entonces solo se me ocurrió, ver, a, B-Flat, C, D, F, B-bemol, que me aterriza cerca del mar en octava más alta, para poder tocarlo a través de las octavas. Aquí vamos así. Entonces lo repetimos moviéndose a través del piano. Lo intentaré de nuevo lentamente comenzando a bajar. Es importante a la hora de practicar estas frases comenzar lentamente y luego aumentar gradualmente el tempo usando un metrónomo en línea o uno físico. Voy a empezar a practicarlo un poco más rápido y a ver si puedo moverme a través de él. Si me gusta esto, voy a tratar de moverlo a otra llave. Hagamos si bemol menor. Entonces básicamente, tomé un concepto y luego para conseguir que saliera en mi juego, lo he movido en diferentes claves. Entonces, si estoy jugando con amigos y alguien tiene una composición que necesita un final en si bemol menor, puedo usar la misma frase que se me ocurrió en sol menor y tener múltiples opciones. Voy a seguir practicando de esta manera para que cada vez vea un acorde y quiera llegar a una frase repetida. Me he movido a través de decenas de variaciones para que tenga muchas cosas a las que puedo ir y no estoy encerrado en una sola opción. Estas frases de notas repetidas son geniales para terminar canciones, pero también se pueden utilizar en solistas o improvisar y como herramienta compositiva. Ahora, me gustaría que intentaras crear tu propia frase de seis notas sobre el cordón, mi menor noveno. Para ello, se puede utilizar la clave de D mayor ya E menor es un cordón que sale de la escala CTL para D mayor. En nuestra siguiente lección, vamos a ver cómo puedes tomar dos voces para tomar una melodía preexistente y realmente hacerla cantar. 9. Entonación avanzada: En esta lección, vamos a ver cómo podemos usar las voces de drop two para tomar una melodía preexistente y convertirla en un patrón cordal. Drop-two voicings se refiere a un concepto en el que se utilizan dos acordes, un acorde en C mayor y un B disminuido. Y alternamos entre las inversiones de estos acordes, creando una escala CTL. Este es un gran método para desarrollar melodías coralinas porque podemos tomar cualquier melodía y aplicarle voces drop-two, lo que le damos vida al agregarle otra dimensión. Este es un concepto similar a cómo los directores de coro o arreglistas tomarían una melodía y la organizarían para cuatro voces. En este ejemplo, vamos a estar usando la clave de Do mayor, y voy a explicar cómo se pueden encontrar voces de caída de dos en esta clave, vamos a estar comenzando con un sexto acorde en C mayor, que incluye las notas C, E, G y a. A es la sexta nota de esta escala. Empezaremos por recorrer todas las inversiones de este acorde. Entonces tenemos a CGA. Entonces moveremos esta C hacia arriba una octava, dándonos e GAAC. Mover la e hacia arriba una octava, dándonos g ACE, y luego volver a subir, dándonos ACG, que es similar a un séptimo menor, antes de finalmente aterrizar en la misma cancha en octava superior. Para este ejercicio, siempre se estará jugando en inversión de c mayor seis, o una B disminuida séptima. Ahora veamos eso. Ser disminuido séptimo, que incluye las notas B, D, F, y un bemol. Pasemos por las inversiones de este acorde. Entonces moveremos el b hacia arriba, dándonos D, F, un piso, y B. Volveremos a mover la nota inferior hacia arriba, dándonos F, un piso, B y D. Y luego volveremos a subir, dándonos un piso, B, D y F antes de regresar al mismo acorde, una octava más alta, F y una bemol, comenzaremos con la C, E, G, un acorde. Después pasaremos a la siguiente versión de B disminuida, que es D, F, una B. plana Antes de pasar a la siguiente versión del acorde C6, nuevamente, E GAAC, antes de pasar a la siguiente versión de B disminuida, F, una BD plana. Antes de pasar a la siguiente versión es C6, GAAC. A la siguiente versión de B disminuida, a-bemol, B, D, F. La siguiente versión es C6, a, C, E, G. Y luego la siguiente, la versión final de B disminuyó B, D, F, A-bemol. Entonces, una vez más, esto se ve así con la mano derecha. Entonces, sea cual sea la nota que tengamos en la parte superior, podemos aplicar esa voz, ya sea una C mayor seis o una B disminuida, y rellenar el acorde debajo, voy a tomar una melodía básica en Do mayor y demostrar cómo se puede jugar con estas canchas. Es importante recordar que el acorde B disminuido siempre resuelve de nuevo a la Do mayor seis. Entonces esta técnica crea una tensión y resolución intrínsecas, potenciando así el sonido de esta progresión. Tomaré una melodía básica como Mary Had a Little Lamb. Y pruébalo con estas voces drop-two. Cada vez que haya una nota, C, E, G, o a, usaré alguna versión del sexto acorde en Do mayor. Cada vez que la nota de la melodía es D, F, un bemol o B, usaré alguna inversión del acorde B disminuido. Entonces desde que empezamos en e, rellené por debajo con E, C, a G. Para la siguiente nota, D, me di cuenta de que esta era la B disminuida, así que rellené con dB, una F plana, seguida de C, a, G. Así que pude tomar una melodía y darle vida. Tomemos otro ejemplo de una melodía, por ejemplo esta G, F, E, C, D, con voces de caída dos, eso sonaría así. Así se puede ver que estamos tomando una melodía simple y luego aplicando estas voces, ya sea una inversión de la Do mayor seis o la B Disminuida. Esta puede ser una gran técnica para dar vida a las melodías si estamos jugando con nuestra mano izquierda. Y también para crear sustituciones para progresiones de acordes preexistentes. Volveré a tocar esa melodía con un patrón de zancada con mi mano izquierda. Ahora podemos traer nuestra mano izquierda. Y estas se llaman voicings drop-two porque puedes tomar la segunda nota desde arriba y la mano derecha está tocando y bajarla por la octava. Para nuestra mano izquierda. Para demostrarlo, comenzaremos con este acorde, E GAAC. Podemos tomar la segunda nota desde arriba, que es a, y moverla hacia abajo con nuestra mano izquierda, dándonos ahora patrón. Estas son formas que los directores de coro usarán mucho a la hora de organizar la voz, ya que hay un movimiento natural entre los nodos. En una vez más, estoy explicando el concepto de voicing drop-two en Do mayor, pero puedes usarlo en cualquier tecla usando la raíz mayor y el acorde siete disminuido. Ahora voy a tomar una progresión simple y mostrar cómo se puede expandir mediante el uso de voces drop-two. Para este ejemplo, usaré una progresión que hemos visto antes, un menor siete, D menor siete. Dado que un menor es la clave relativa de C mayor, usaré los dos de caída en C mayor que acabamos de aprender para crear una sustitución de pasar de un menor a D menor. Sabemos que vamos de una a D. Así que voy a agregar una gota a Melody en el medio, creando más tensión y más movimiento antes de llegar a nuestra base de operaciones. Entonces, en vez de solo ir hoy, ahora me voy a ir. Voy a hacer otro ejemplo. Todavía estamos aterrizando en D, pero hemos creado todo un mundo de llegar allí al movernos a través de las dos voces de caída. Hagamos otro ejemplo. Puedes notar esa vez que toqué en un acorde alterado antes de la re menor, muchas veces es más fácil visualizarlo anotando todas las notas de los dos acordes que estás usando. Para que puedas tener eso como referencia a la hora de crear una melodía cordal. Cada vez que tengas una melodía, puedes usar estas voces de caída dos para alternar entre los seis mayores y los siete disminuidos y darle vida a la melodía con un arreglo completo de CTL. Como tarea, me gustaría que tomaras una melodía en Do mayor en orquestado, dados los drop twos que acabamos de repasar, después de que hayas hecho eso, puedes subirla a la galería del proyecto. Y espero con ansias ver lo que creas. 10. Práctica de entonación: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a estar viendo cómo puedes usar las voces internas para crear más movimiento dentro de tus canchas. Las voces internas se refieren a un concepto en el que se mueven las notas dentro del cordón mientras que las voces externas siguen siendo las mismas. En esta lección, voy a demostrar múltiples conceptos que puedes aplicar para las voces internas sobre un séptimo acorde en re menor. Al crear voces internas, es genial usar intervalos como tercios o seis, que son intervalos consonantes en sonido bueno para armonías. Veamos un ejemplo de un noveno acorde D menor, en cuyo caso tendremos D, F, a, C con la mano izquierda, y AGC con mi mano derecha. La nota C se va a quedar en la cima, pero voy a mover estos tercios en el medio para pivotar de E y G a F y una vuelta a E y G. Así que como podemos ver, el cordón se queda igual, pero hay un movimiento de voz interior moviéndose de E a G, arriba a FNA y de vuelta hacia abajo. O si encuentro una voz interior que me gusta, moveré y la transpondré a diferentes claves. Voy a transponer esto alrededor, moviéndolo hasta F menor. Ahora, veamos otro ejemplo de una voz interior, y podríamos usar sobre un séptimo acorde de F mayor. Para este acorde, comencemos con esta voicing, C, G, y luego la mano derecha tocará a y E. El intervalo entre la nota alta en ambas manos es una sexta, es decir, que podemos mover esto alrededor y sonará como una gran armonía. Así que voy a subir a jugar. Mi mano derecha está tocando EDC, mientras que mi mano izquierda toca G, F, E. Así que una vez más, es así que esta voz interior se mueve mientras las voces externas permanecen igual. Eso lo demostraré, moviéndolo a un par de llaves. Cada vez que se me ocurre una voz interior diciendo que me resuena, traté de aplicarla de tantas maneras como fuera posible. Entonces lo tengo como otro concepto al que puedo ir. Veamos un ejemplo más de una voz interna. Esta vez sobre un acorde noveno en Do menor. Para ello, estaré jugando C, E bemol, y G, La tríada con mi mano izquierda y B-bemol, D y F con mi mano derecha. Voy a estar pivotando entre si bemol y D, y C y E plano. Entonces probemos eso ahora. Estoy cambiando entre si bemol y D, y C y E plano y luego me muevo de nuevo a b bemol y d. Así que la F en la parte superior se queda igual, pero la voz se mueve dentro del acorde. Una canción que escribí, Gran Cañón usa este concepto. Va así. Se puede ver que las notas exteriores permanecen igual mientras el movimiento está dentro del acorde, creando una textura muy agradable. Escucha otra vez. Para concluir. Las voces internas son un gran concepto para crear movimiento dentro de los acordes mientras se conserva la estructura exterior. Cada vez que se te ocurre un patrón de voz interior que te guste, te animo a transponerlo a las 12 teclas para que puedas tenerlo al alcance de tu mano al acercarte a nuevo material. En la siguiente lección, vamos a ver cómo podemos tomar algunos de los conceptos que hemos aprendido en el piano y aplicarlos hacia producción con una estación de trabajo de audio digital. Espero que se unan a mí. Va a ser muy divertido. 11. Producción y grabación: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a estar aprendiendo cómo podemos usar algunos de los conceptos que hemos aprendido en el piano y transferirlos a contextos de producción. Para este ejemplo, estaré usando Ableton Live, que es una estación de trabajo DAW o Digital Audio. Hay muchas otras opciones de Dawes que puedes usar como GarageBand, Logic Pro o Fruity loops, todas las cuales hacen cosas similares. Para esta lección, tengo un teclado midi, que está enchufado a mi computadora, lo que significa que todos los sonidos que toco en el teclado pueden entonces controlar los sonidos en la computadora y grabar ellos en el proyecto. Al comenzar a producir, me gusta llegar primero a una progresión de acordes, luego agregar una melodía de línea base en elementos adicionales como batería y otras cosas. Para este ejemplo, voy a comenzar grabando en una progresión de acordes en clave de Do mayor. Voy a empezar poniendo mi tempo a 83 latidos por minuto y asegurarme de tener mi metrónomo puesto para poder tocar a tiempo. Ahora grabaré la progresión básica del acorde, que es F mayor siete, E menor siete, D menor siete acordes de la escala CTL en Do mayor. Voy a contar y luego empezaremos. Ahora que tenemos la progresión de acordes, voy a sumar en una línea base. Entonces voy a cambiar a un instrumento de bajo y usar las técnicas que aprendimos sobre líneas base, tocando los nodos raíz, y usando otras partes de la escala C mayor para rellenar. Ahora que tengo la línea base, voy a añadir algunos arpegios adicionales en un sonido de carretera, que es un instrumento de los setenta. En este caso, estoy usando un modelo de uno. Entonces aquí vamos. Ahora que tengo mi línea base, voy a agregar algunas drogas. Estaré tocando la batería en el teclado. Entonces esta es a veces una tarea difícil, pero voy a hacer lo mejor que pueda. Ahora que tengo un esquema básico, voy a improvisar usando un Synth Lead, y voy a estar solista usando la escala pentatónica C. Aquí vamos. Ahora que tengo los elementos básicos, empecé con una progresión de acordes. Encontré una línea de base que funcionaba tocando las notas de raíz al introducir otras notas en el medio, luego agregué arpegios en las carreteras. Yo no la toqué en una parte de batería. Y luego terminé añadiendo en una improvisación pentatónica o una melodía usando la escala pentatónica C. Ahora que tengo algunos elementos básicos de mi canción, puedo afinarla desde aquí. El objetivo de esta demostración era mostrarte que muchas de las posibilidades y conceptos del piano también se pueden aplicar en un contexto de producción o composición de canciones. Si tienes una estación de trabajo de audio digital, te animo a que intentes usar algunos de los conceptos que aprendimos al escribir y producir tu propia música original. Me encantaría que subas tu música original a la galería del proyecto. No puedo esperar a escuchar lo que creas. En la siguiente lección, vamos a estar viendo algunos métodos para lanzar música original para que puedas hacer que otros de todo el mundo la escuchen. 12. Lanzamiento de música: Ahora que hemos mirado cómo podemos tomar algunos de los conceptos sobre piano y aplicarlos hacia la producción de música. Es hora de hablar de lanzar música para que otros alrededor del mundo puedan escuchar nuestras composiciones. Una de las cosas emocionantes la edad en la que vivimos es que nunca ha sido tan fácil grabar tu propia música y lanzarla para que otros puedan oírla y compartirla en todo el mundo. Hay muchas plataformas geniales como TuneCore, destroy kid, stem in muchas más, donde puedes tomar una final como canción y luego lanzarla en Spotify, apple Music, y en otras plataformas de streaming. Muchas veces los músicos pondrán mucho trabajo para crear su música, pero luego se quedan cortos cuando pensar en una estrategia de lanzamiento son diferentes formas de comercializar su música con las redes sociales como Instagram, TikTok y Facebook. Hay un montón de recursos para que puedas tomar una canción grabada y sacarla ahí fuera. Una de las cosas que más me emociona de hacer música es lo infinitamente colaborativo que es. Podemos usar las habilidades que aprendimos en el piano para amplificar un acento, voces de otras personas y sus mensajes, el conjunto de habilidades de tocar el piano puede abrir infinitas posibilidades y puede conducir a colaboraciones con vocalistas, instrumentistas en raperos. Me ha llevado a actuar en todo el mundo y poder trabajar en el estudio con muchos artistas como colegial, Q, BJ, the Chicago kid, y Tom Mish. Estas clases son meramente una introducción o abriendo la puerta a todo un mundo de posibilidades con el piano en colaboración en los recursos de la clase, proporcioné una guía con algunos útiles consejos para lanzar tu propia música. 13. Reflexiones finales: Enhorabuena, hemos llegado hasta el final de la clase. Si has estado conmigo desde el inicio del viaje, ya sabes, hemos cubierto un montón de temas que involucran muchos conceptos diferentes. En este momento, hemos combinado todos los elementos de las clases anteriores para finalmente poder lanzar música original al mundo. Es mi esperanza con esta clase que te sientas inspirado en nuevas posibilidades se abrirán que podrás utilizar a la hora de tocar tus canciones favoritas o crear composiciones originales o improvisar. Ha sido un placer y un honor ser tu maestro a lo largo de este proceso. Y tengo muchas ganas de ver lo que aportas al mundo de la música hasta la próxima vez.