Logic Pro 11: aprende a usar los reproductores de sesión: batería, bajo, teclas y acordes

1. Bienvenido a esta clase: Hola y bienvenidos a esta clase, donde aprenderás a usar los reproductores de sesión y la pista de acordes en Logic Pro 11. Los reproductores de sesión son interpretaciones pregrabadas de patrones de batería, percusión, bajo eléctrico y partes de teclado de músicos virtuales que puedes usar para integrarse sin problemas en tus canciones Estos instrumentistas ofrecen actuaciones realistas en una variedad de estilos, haciéndolos perfectos para mejorar tus pistas con grupos similares a humanos. En esta clase, también te mostraré cómo usar una pista de acordes, una poderosa herramienta que permite al bajista de sesión y teclista seguir la estructura armónica de tu canción Aprenderás lo esencial de diferentes tipos de acordes que puedes usar en el udtrak incluyendo acordes mayores, menores, suspendidos, disminuidos, aumentados, así como acordes extendidos, como séptimo, noveno, undécimo como séptimo, noveno, Así que únete a mí en esta clase si eres un usuario de Logic Pro 11, y quieres desbloquear el potencial de los jugadores de sesión en la pista de acordes para elevar tus composiciones y producciones. 2. Descripción de los reproductores de sesión en Logic Pro 11: Ahí, y bienvenidos a esta sección, donde discutiremos los jugadores de sesión en Logic Pro. Estos fueron introducidos en Logic Pro 11. En versiones anteriores de Logic Pro, teníamos el instrumento baterista Y ahora en Logic Pro 11 y versiones posteriores, hay un baterista de sesión actualizado, un nuevo bajista y un teclista Para que veas que cuando creamos una nueva pista, podemos añadir un reproductor de sesión. En las próximas secciones, te mostraré en detalle cómo usar estos diferentes jugadores de sesión y personalizarlos. Creo que los jugadores de sesión pueden ser geniales para ayudarte a generar ideas, pero también creo que es una buena idea personalizarlas para que puedas hacer las partes más tuyas y tuitear y cambiar cualquier parte si lo deseas. Bien, así que eso es lo que vamos a cubrir en las próximas secciones. Empecemos por mirar los conceptos básicos del baterista de sesión, que cubriremos en el siguiente video 3. Estilos de tocar la batería: Bien, entonces ahora veamos los conceptos básicos del baterista de sesión, comenzando por los estilos de baterista Entonces, cuando creamos una nueva pista, obtendremos esta caja emergente. Ahora en el área de reproductor de sesión, seleccionemos baterista y presionemos Crear Ahora tenemos aquí abajo este editor de sesiones, que podemos abrir y cerrar con el botón Editor aquí arriba, o pulsando el comando de tecla E. Bien, entonces ahora vamos a echar un vistazo al estilo del baterista Podemos elegir nuestro estilo de baterista haciendo clic en esta área aquí Esto está actualmente en Pop Songwriter, pero también tenemos todos estos estilos diferentes Tenemos rock, compositor, alternativo y R&B, aunque volvamos a poner esto primero en el estilo de compositor pop primero en el estilo de compositor Bien, ahora vamos a elegir otro estilo para que oigas la diferencia. Ahora vamos a elegir un estilo rock. Escojamos el punk rock. Para que ahí se oiga. Ese es un estilo de juego muy diferente, y también tiene un instrumento de batería diferente. Entonces, si abro este instrumento aquí, pueden ver que tenemos al diseñador de batería con el kit Easy Bay. Y si cambiamos esto a otro estilo de baterista, por ejemplo, escojamos el rock psicodélico Se puede ver que estos tambores han cambiado. Y esta vez, estamos usando el kit de Manchester. Escuchemos esto de nuevo. Por cierto, si no quieres que el instrumento de batería cambie cuando cambias entre diferentes estilos de interpretación en el instrumento de batería, asegúrate de desmarcar cambiar Ahora bien, si vuelvo al estilo punk rock, sigue usando el kit Manchester. Sin embargo, por ahora, sin embargo, habilitaré change patch, ya que quería cambiar el parche de batería con los diferentes estilos, ya que Logic hace un trabajo bastante bueno seleccionando el tipo de sonido de batería adecuado para los diferentes estilos de juego. Bien, ahora escuchemos algunos estilos de juego más. Escojamos uno de los compositores aquí. Probemos Pop Brush. Por cierto, es posible que necesites descargar paquetes de sonido adicionales para usar algunos de estos estilos de reproducción. Si lo haces, recibirás un pop up que te avisará si necesitas descargarlos. Escuchemos ahora uno de estos estilos de juego alternativos. Probemos Indie Rock. Y probemos uno de los estilos de juego de R&B. Probemos el R&B moderno Para que puedas escuchar allí, tenemos una gran variedad de diferentes estilos de juego disponibles para que los usemos Entonces te recomiendo probar todos estos ornitorrales diferentes tú mismo, pero solo hay algunos, para que puedas escuchar la A continuación, echemos un vistazo a los deslizadores de complejidad e intensidad y también al botón de realizar de nuevo, que veremos en el siguiente video 4. Complejidad, intensidad y el botón Volver a ejecutar: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a la complejidad, intensidad, y el botón de realizar de nuevo. Entonces, para este ejemplo, usemos el estilo pop rock, y hablemos primero de la complejidad. Entonces, cuando levantemos el control deslizante de complejidad, tendremos un patrón mucho más complejo. Y cuando bajemos el deslizador, tendremos un patrón más sencillo. También podemos ver esta actualización aquí y en la región. Por lo que agrega más partes cuando es más complejo y menos partes cuando es más simple. Entonces tenemos el deslizador de intensidad. Entonces esta es la dinámica para tu parte de tambor. Si tiras esto hacia abajo, entonces la parte será más suave. Esto no solo baja el volumen de la reproducción. Al bajar el control deslizante de intensidad se activarán diferentes muestras cuando los tambores se toquen más fuerte o más suave. Entonces puedes escuchar ahí que cuando bajamos este deslizador, no es tocar la snare, es jugar un tiro de llanta Entonces aquí es donde el baterista golpea un palo en el borde de la batería, lo que crea un sonido, que a menudo se usa para estilos más suaves de Por lo que puede desencadenar diferentes muestras cuando ajustamos el control deslizante de intensidad. Ahora echemos un vistazo al botón de realizar de nuevo aquí. Esto nos permite variar el rendimiento del jugador de sesión sin cambiar la configuración. Entonces digamos que quieres cambiar ligeramente el patrón, puedes hacer esto aquí. Para que puedas ver este cambio de relleno cuando hagamos clic en el botón de realizar de nuevo. Déjame tocar aquí esta área de relleno. Y vamos a hacer clic en el botón de realizar de nuevo unas cuantas veces. Y se oye eso como Phil es diferente. Bien, así es la intensidad de la complejidad y el botón de realizar de nuevo. Te recomiendo pasar por los diferentes instrumentos de batería y ajustar estos deslizadores para golpear una diferencia tú mismo Bien, entonces a continuación vamos a ver la creación otra región de reproductor de sesión y también la selección de batería. 5. Crea una nueva región de jugador de sesión y una selección de batería: Bien. Así que ahora veamos la creación una nueva región de reproductor de sesión y selección de batería. Como cualquier otra región, podemos hacer un bucle la región del reproductor de sesión al el cursor sobre la parte superior derecha de la región, y aparecerá este icono de bucle Luego podemos hacer clic y arrastrar hacia la derecha, que recorrerá la región. Si vamos a la mitad de la región, obtenemos estos iconos de flecha, y con esto, podemos hacer clic y arrastrar para hacer que la región sea más pequeña o más grande. Puedes ver que cuando cambiemos el tamaño de la región, la región del reproductor de sesión se actualizará Por ahora, sin embargo, volvamos a poner esto a 8 barras. Prefiero hacer una nueva región para una nueva sección de la canción, por ejemplo, verso o coro. De esa manera, podemos cambiar fácilmente algunas de las partes. Por ejemplo, es posible que desee cambiar a un instrumento de batería diferente en otra sección o tener menos o más instrumentos de batería o más o menos complejidad o intensidad. Por ejemplo, si vas del verso al coro, tal vez quieras tener más intensidad en el coro en comparación con el Déjame mostrarte ahora cómo crear una nueva región de reproductor de sesiones. Todo lo que necesitas hacer es pasar el cursor sobre la derecha de la región aquí en el arreglo, y puedes ver que aparece este pequeño botón más Si hacemos clic en esto, podemos agregar otra región de reproductor de sesión. También podemos duplicar nuestra región haciendo clic en nuestra región de jugadores de sesión aquí, manteniendo presionada la tecla Alt y haciendo clic y arrastrando No obstante, por ahora voy a eliminar esta región. Bien, entonces ahora hemos creado esta región aquí. Cambiemos las partes entre estos dos patrones. Primero que nada, haga clic en esta primera región, y puede ver aquí podemos elegir hi hat, Ride, o Tom. Vamos a reproducir esto e intercambiar entre estos para que puedas escuchar la diferencia. Sin embargo, regresemos al sombrero alto por ahora. También tenemos la patada y la snare aquí abajo. Entonces digamos que quieres una intro sin tambor de snare, puedes desactivar la snare haciendo clic en ella aquí para que no se encienda Entonces, para este ejemplo, no tengamos ningún lazo para la primera región, y para la segunda región, vamos a tener el lazo Entonces voy a desactivar esto ahora para la primera región. Escuchemos esto de nuevo. Y ahí se oye que teníamos Snare en la segunda región, lo que creó alguna variación entre la primera y la segunda región Podrías tener una sección, digamos, un puente o una acumulación sin bombo Entonces puedes hacer lo mismo aquí, pero solo desactiva el bombo de patada. Así que pasemos el cursor sobre la derecha de la segunda región y hagamos clic en este botón más para crear una nueva región de reproductor de sesión Ahora en esta región, vamos a desactivar el bombo. Entonces pasemos ahora de la segunda región a la tercera región y notarás que no hay patada. También puedes ver aquí abajo no hay patada. Sí tenemos dos patadas en este patrón, pero en general, no hay patada Entonces, eliminemos esto seleccionando esta región y presionando el botón de eliminar. Volvamos a hacer clic en la primera región y, de hecho, llevemos el tambor de vuelta. Así que en realidad podemos crear diferentes patrones aquí para la patada y snare y también para el sombrero alto, paseo y toneladas Y vamos a estar viendo esto en el siguiente video. Bien, así es como crear una nueva región de reproductor de sesión y también selección de batería. Gracias por mirar, y te veré en la siguiente. 6. Patrones de batería: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a estos diferentes patrones de batería aquí. Empecemos con los patrones de patada y caja. Si hacemos click en este patrón aquí, podemos ver que nos da otros patrones que podemos elegir. Pasemos por algunos de estos ahora y escuchemos. También podemos hacer que el patrón de patada y snare siga el ritmo de otra pista o instrumento Sin embargo, veremos esto más adelante, cuando agreguemos otro instrumento a la canción. También podemos elegir un patrón manual. Déjame mostrarte esto ahora. Así que tenemos que ir aquí a la pestaña manual, y aquí podemos escribir nuestro propio patrón para la patada y la caja Entonces la fila inferior aquí es la patada, y la fila superior es la caja Empecemos con algo sencillo, así que la patada en Beat uno y venció a tres y la caja en Beat dos y venció a cuatro. Escuchemos esto ahora mismo. También podemos cambiar la longitud de este patrón manual. Estamos dando click aquí bajo longitud. Para este ejemplo, cambiemos esto a 2 barras. Entonces pueden ver aquí tenemos barra uno y Br dos. Entonces tuvimos la patada en los beats uno y tres, y el snare on beats dos y cuatro Ahora agreguemos algunas notas más. Entonces vamos a sumar la patada al final del beat uno y la snare al final del beat cuatro. Ahora oigamos esto de vuelta. Entonces este patrón es de 2 barras, y esta región aquí es de 8 barras. Entonces vamos a hacer un bucle en este patrón manual. Bien, en realidad volvamos a poner la longitud a 1 barra, y hagamos este patrón un poco más complejo. Bien, escuchemos esto ahora mismo. Si volvemos a la pestaña principal, notarás que dice patrón manual para la patada y la caja, pero también podemos volver a uno de estos patrones preestablecidos si lo deseas Por ahora, volvamos a uno de estos patrones preestablecidos, y escojamos Patrón cinco. También podemos elegir un patrón para el sombrero alto, paseo o Tom. Permítanme mostrarles estos diferentes ahora. Entonces esto es para los altos sombreros. Entonces puedes ver aquí que algunos de los puntos son más oscuros y algunos de los puntos son grises. Los puntos de tono más claro tendrán una velocidad más suave. Entonces puedes ver aquí que el patrón uno es más sencillo. Entonces el Patrón dos tiene estas notas grises entre las negras, lo que agrega notas de velocidad más ligeras o golpes entre estos golpes en cada latido. Entonces el patrón tres tiene una combinación de las notas de velocidad más suaves y las notas de velocidad más duras. Después el patrón cuatro, que tiene aciertos cada 16 notas. Entonces, para la primera nota 16 de la barra, tiene una nota de velocidad dura, y luego las otras notas 16 de la barra tienen velocidades más suaves También tenemos patrones para el símbolo de paseo y los Toms. Digamos los del símbolo Ride. Ahora vamos a escuchar los patrones para el tambor Tom. Para los Toms, tenemos menos presets de patrones, así que solo tres patrones en lugar cuatro como los que tenemos para los sombreros altos y Ride Por ahora, sin embargo, volvamos al patrón de sombrero hi, y volvamos al Patrón dos. Por cierto, no podemos oe un patrón manual para que el hi hat monte o Tums, pero más adelante en esta sección, te mostraré cómo convertir la región del reproductor de sesión en MDI y cómo ajustar y personalizar algunas de las notas MIDI Bien, así que esos son los patrones de la batería. En el siguiente video, vamos a ver el área de relleno y columpio. 7. Fill y swing: Bien, entonces ahora echemos un vistazo al área de relleno y columpio por aquí. Primero echemos un vistazo a la esfera de relleno y montaje. Con esto, podemos ajustar cuántos rellenos quieres escuchar en tu patrón. Entonces, si movemos el dial hacia la derecha, agregaremos más rellenos, y cuando lo movemos hacia la izquierda, agregaremos menos rellenos. Déjame mostrarte ahora. También podemos ajustar la complejidad de los rellenos con este control aquí. Entonces la complejidad determina cuántas notas hay en los rellenos y qué tan rápido se tocan los rellenos. Solo para este ejemplo, aumentemos la cantidad de llenado al 100% y la complejidad de llenado al 100%, para que podamos escucharlo claramente. Eso puede ser un poco demasiado extremo, sin embargo, ya que suena más como un solo de batería que como la ranura de tambor. Así que vamos a arrastrar la cantidad de relleno hacia atrás, y también vamos a arrastrar la complejidad de relleno hacia atrás. Bien, algo como esto es un poco más adecuado. Te darás cuenta aquí que tenemos este icono de candado al lado para llenarlos. Entonces, si haces clic en esto, bloqueará los ajustes de relleno, y no podrás cambiarlos a menos que desbloquees el candado dando clic nuevamente en él Entonces, si estás satisfecho con estos ajustes, puedes bloquearlos para que no los cambies accidentalmente. Bien, esa es la configuración de relleno. Ahora echemos un vistazo a los ajustes de swing por aquí. Con esta esfera oscilante, podemos agregar swing de octava nota a nuestra parte. También podemos agregar swing en la nota 16, si lo deseamos haciendo clic en la octava aquí, y cambiará a 16. el swing de la octava nota será Sin embargo, el swing de la octava nota será un poco más obvio. Entonces, si estás creando música jazz o blues, entonces quizás quieras agregar algo de swing o si solo quieres agregar algo de swing a tu parte de batería. También tenemos un icono de candado junto al columpio, donde, de nuevo, podemos bloquear los ajustes Pero para esta parte, no quiero agregar ningún swing, así que apaguemos esto bajando esto al 50%. Bien, eso es llenar y balancear. En el siguiente video, vamos a ver una pestaña Detalles. 8. Detalles: parte 1: Bien, ahora veamos la pestaña de detalles. Para que podamos acceder a esto pulsando la pestaña de detalles aquí. Esta zona cuenta con los escenarios para las notas fantasma, el sentir, la dinámica, la humanización y el tempo En este video de la primera parte, veremos las notas fantasma y los menús pop up para la caja, la percusión, el sombrero alto, el paseo y los toms Bien, hablemos primero de las notas fantasma. Se trata de notas sutiles muy suaves que se tocan en el tambor de la escalera Estas notas son tan suaves que son casi fantasmales, razón por la cual se les llama notas fantasma Así que podemos agregar o eliminar notas fantasma con este dial aquí. Pongamos esto en 0%, y escuchemos el groove sin notas fantasma. Ahora aumentemos esto al 100% para que podamos escuchar claramente la diferencia, y deberías poder escuchar algunos golpes adicionales de caja más suaves pudieras escuchar que cuando agregamos notas fantasma, agregaba algo de textura, dinámica y groove a la parte del tambor. Eso es demasiado para que yo quiera, sin embargo, así que voy a reducir esto al 50%. Escuchemos esto ahora mismo. Bien, eso es un poco más adecuado. Ahora echemos un vistazo a estos menús desplegables aquí. La primera opción es para la caja. Esto nos permite elegir qué tipo de snare hit queremos para nuestra actuación Puedes dejar esto en automático, pero echemos un vistazo a estas otras opciones de snare, que te permiten seleccionar el tipo exacto de snare hit para la actuación Centro golpeará la caja en el centro del tambor. Esto nos dará un golpe de caja que suena estándar. Escuchemos esto ahora. Entonces tenemos a Rim disparado. Aquí es donde el baterista golpea un palo en el borde de la caja de los tambores Podemos escuchar en este ejemplo, suena como que está golpeando el aro y el tambor al mismo tiempo Luego está el palo lateral, y este es un golpecito de llanta. Y luego tenemos a Tom. Esto reemplazará la caja con el tambor Tom Por ahora, sin embargo, voy a dejar esto en automático. Pero si hay un tipo específico de golpe de caja que tienes en mente, posible que quieras jugar por aquí y encontrar uno que esté más cerca de lo que tienes en mente Bien, ahora echemos un vistazo al pop up de percusión. Esto nos permite agregar algo de percusión a nuestra actuación. Tenemos panderetas, agitadores y aplausos. Entonces tenemos tres patrones diferentes para cada uno de estos. Repongamos esto e intercambiaré entre estos diferentes instrumentos de percusión para que oigan la diferencia Sólo voy a hacer un bucle de estas 8 barras aquí arriba con la región del ciclo. Podemos habilitar y deshabilitar la región del ciclo haciendo clic en esta barra gris de aquí arriba para que se vuelva amarilla o usando el comando de tecla C para encender y apagar la región del ciclo. Bien, vamos a volver a jugar esto. Entonces los patrones ahí son bastante diferentes. Entonces, si quieres agregar algo de percusión a tu parte de batería, puedes hacerlo aquí Por ahora, sin embargo, apaguemos esto. Ahora echemos un vistazo al siguiente pop up. Entonces esto es para sombreros altos. Pero si vuelves a la pestaña principal y cambias los sombreros altos a ya sea el paseo o los Toms, notas en los detalles, esto ha cambiado. Por ahora, sin embargo, veamos los sombreros altos, y puedes ver aquí podemos elegir diferentes formas en las que jugaron los máximos Contamos con automático, cerrado, medio cerrado, medio abierto, abierto y abierto de par en par. Entonces voy a reproducir esto ahora para que oigas una diferencia. Entonces esto es solo de diferentes maneras. El baterista tocará el sombrero alto con un pedal. Volvamos ahora a la pestaña principal y cambiemos esto para montar. Volvamos a los detalles. Y aquí se puede ver que no es sólo el paseo. También podemos cambiarlo a un choque. Así podemos tener Ride, ride bell, que es el centro o área de campanas del paseo. paseo se estrelló, así que están jugando el viaje más como un símbolo de choque, chocan uno y chocan dos Vamos a reproducir esto, y voy a intercambiar entre estos diferentes de aquí para que puedas acertar una diferencia. Ahora cambiemos esto por Tom's. Si volvemos a los detalles, puedes ver que podemos elegir automático, Tom Low, Tom Mid o Tom High. Con esto, podemos elegir el tipo de Tom's que quiere una actuación adron Obviamente, los Tom Low son más bajos, y los máximos de Tom son más altos Por ahora, sin embargo, volvamos a la pestaña principal y cambiemos esto de nuevo a sombreros altos. Bien, así que ese es el final de este video. A continuación, vamos a seguir mirando la pestaña de detalles donde vamos a ver la sensación, la dinámica, la humanización y el tempo 9. Detalles: parte 2: Bien, ahora sigamos mirando pestaña de detalles para el baterista de jugador de sesión Entonces ahora vamos a mirar el sentir, la dinámica, humanizar y el tempo Hablemos primero de sentir. Entonces, si movemos el dial hacia la derecha, esto empujará el campo hacia adelante, lo que podemos ver en la región. Si retomamos esto, deberías poder notar que las notas se apresuran un poco Y si movemos el dial hacia la izquierda, lo jalará hacia atrás. Y esto sonará como que las notas están algo retrasadas. Esto es simplemente un método para controlar cuánto quieres que la ranura del tambor esté por delante o detrás de los beats. Solo agreguemos la parte de bajo a la canción para que podamos escuchar esto un poco más claro. Vamos a ver al bajista de sesión un poco más adelante en la siguiente sección, pero por ahora, sólo voy a arrastrar sobre un bucle. Así que pasemos a Apple Loops. Uno que encontré anteriormente que me gusta el sonido de es este de aquí llamado acid noise base One. Así que vamos a arrastrar esto por debajo para que cree una nueva pista, y vamos a bucle esto para que tenga 8 barras de largo. Cerremos ahora la Biblioteca de Apple y escuchemos esto de nuevo. Bien, genial. Ahora volvamos al baterista de jugador de sesión Entonces voy a hacer doble clic en este dial, así vuelve al 0% y durante la reproducción, voy a ajustar este dial. Será bastante sutil, pero escucha para escuchar la diferencia. H. El heavy rock y estilos similares, tal vez quieras que tus transitorios destaquen un poco más por delante del bajo y las guitarras Para algo más recostado, es posible que desee mover el campo para empujar. Ahora silenciemos la pista base seleccionando la pista de bajo y presionando M. Y ahora hablemos del control dinámico de aquí. Por lo que este estilo dinámico nos permite controlar la cantidad de dinámica en nuestra batería. Esto va del 0% hasta el 200%. Si aumentamos la dinámica, habrá más variación dinámica y variación velocidad en los diferentes tambores, incluyendo las notas fantasma. Si tiramos esto hacia abajo, habrá menos dinámicas, y las velocidades tendrán menos variación Por lo que los golpes de caja sonarán muy similares, y los golpes de bombo serán muy similares, al igual que los otros instrumentos de batería en este patrón Entonces, si quieres una variación más dinámica en tu desempeño, te recomiendo aumentar esto. Pero si quieres que suene más uniforme, puedes disminuir esto. Entonces depende de lo que quieras para tu canción. Si quieres que algo suene más como una computadora tocando la batería, entonces puedes disminuir esto, y si quieres que suene un poco más como un humano tocaría con variación dinámica, entonces puedes aumentar esto. Hagamos doble clic para poner esto en un default del 100%. Esto me lleva al siguiente control, que es humaniza Por lo que humanizar afectará la sincronización de la parte del tambor. Si ponemos esto al 0%, entonces jugará esto perfectamente a tiempo. Y si aumentamos esto, moverá algunas de las notas por lo que están un poco fuera de tiempo. Eso es porque una persona real que toca la batería no puede tocarlos perfectamente a tiempo, pero en la computadora, podemos hacer sincronización de la batería sea perfecta. Para que veas que cuando movemos esta esfera, se mueve el timing de algunas de las notas. Nuevamente, depende de si quieres que esto suene como si una persona estuviera tocando la batería o si quieres que suene como si estuviera programado por computadora. Solo volvamos a activar el bajo seleccionando esta pista y presionando M, y bajemos los ojos humanos al 0% y retomemos esto Ahora pongamos esto al 100% y repongamos esto. La diferencia será sutil, pero debería sonar un poco menos robótica. Pero por ahora, volvamos a poner esto al valor por defecto, que es 20% haciendo doble clic. Ahora echemos un vistazo a este menú desplegable de tempo aquí abajo. Cambiar esto de estándar podría ser útil si has grabado la canción a doble o medio tempo, ya que el baterista seguirá el tempo del proyecto Ahora mismo, esto no es útil para la canción. Pero, por ejemplo, si has grabado la canción a 170 BPM, pero el groove está en realidad a 85 BPM, entonces podrías seleccionar Al revés también, si tu groove es en realidad 170 BPM, pero lo grabas a 85 BPM, entonces podrías seleccionar doble tiempo Además, si esto está en el modo automático, entonces el jugador de sesión jugará en doble tiempo o medio tiempo si el tempo del proyecto es muy diferente al tempo predeterminado del estilo Pero por ahora, sin embargo, dejemos esto en estándar. Bien, así que ese es el final de este video, hemos visto esta sección en la pestaña Detalles, que puede ayudarte a tirar o empujar tu groove y puede ayudarte a agregar variación dinámica y humanización si es necesario Y también hemos mirado el menú pop up de tempo. Así que gracias por mirar, y te veré en la siguiente donde veremos convertir nuestro patrón de baterista de sesión en una región midi y ajustar el patrón como midi 10. Conversión a una región MIDI: Bien, ahora veamos convertir nuestra región de reproductor de sesiones en una región midi. Si hacemos esto, podemos personalizar y cambiar nuestra parte. Antes de hacer esto, sin embargo, voy a duplicar la pista del reproductor de sesión seleccionando la pista y presionando el botón duplicar aquí arriba, o podemos usar un comando de tecla Comando D. Luego voy a seleccionar la región del baterista aquí y luego copiar esto a la nueva pista manteniendo presionada la opción y arrastrando hacia abajo Esto es solo para que obtenga una copia del reproductor de sesión en caso de que quiera volver a la región del reproductor de sesión, ya que podemos convertir un reproductor de sesión en una región midi, pero no podemos convertir una región midi en una región de reproductor de sesión. Bien, entonces voy a silenciar esta nueva pista para que no podamos oírla. También podemos ocultar la pista, también, si no quieres verla. Podemos hacer esto presionando H para mostrar el botón Ocultar encima de los encabezados de pista, y luego podemos seleccionar H en el encabezado de pista si quieres ocultar esta pista. Ahora podemos presionar H de nuevo y se puede ver que la pista está oculta. Entonces, cuando el botón H de aquí arriba es naranja, significa que las pistas que tienen habilitado el botón Ocultar estarán ocultas, y cuando esté verde, significa que las pistas son todas visibles. Bien, ahora convertiremos la región del reproductor de sesión en una región midi. Así que seleccione la región que desea convertir y luego haga clic derecho o Control Click y seleccione convertir a región midi. Podemos ver ahora esta es una región midi, y en el editor MIDI, podemos ver que los tambores se han convertido a información midi. Tenemos el teclado de piano a la izquierda con los diferentes nombres de batería. Podemos dar click sobre estas notas de piano para escuchar los diferentes golpes de batería. Vamos a silenciar la pista de bajo así que solo escuchamos la batería, y vamos a escuchar la batería ahora mismo. Ahora vamos a acercar el editor de medios seleccionando el editor y usando el comando de teclado flecha derecha para acercar. Bien, entonces aquí voy a ajustar ligeramente este relleno. Voy a añadir dos notas de caja más. Voy a copiar estos seleccionando una nota y manteniendo presionada la opción arrastrando. También quiero agregar otro bombo aquí. Entonces hagamos lo mismo. Seleccionemos esto y luego mantengamos presionada la opción para arrastrar. Vamos a apagar la región del ciclo presionando C, y vamos a escuchar compás ocho a compás nueve. Bien, genial. También podemos ajustar algunas de las velocidades si lo deseamos, así podemos ajustar lo fuerte que suena el tambor ha golpeado Ahora cambiemos la herramienta de clic de comando a la herramienta de velocidad en el Editor inmediato. Entonces, seleccionemos la herramienta de clic de comando aquí arriba y cambiémosla a la herramienta de velocidad. Para los golpes de caja aquí, voy a ajustar la velocidad, así suena como que la caja se acumula más. Entonces voy a mantener el comando para que aparezca la herramienta de velocidad, y luego voy a arrastrar hacia abajo en el primer golpe. Hagamos lo mismo para el siguiente, pero no voy a arrastrar tanto hacia abajo. Lo mismo para el siguiente. No voy a arrastrar tanto. Y lo mismo para el siguiente, también. Y los dos siguientes, en realidad voy a arrastrar Así que el golpe de caja debería comenzar sonando más suave y luego ponerse más duro, creando más de una acumulación Escuchemos esto ahora mismo. Bien, creo que esto acumula un poco más y cambia el sonido. Todavía hay mucho más que podemos hacer en el patrón, pero esa es solo una forma rápida de mostrarte cómo puedes empezar a personalizar tu ritmo de batería en el editor midi Bien, así que esos son todos los ajustes para el baterista acústico A continuación, veremos al baterista electrónico de sesión 11. Reproductor de sesión de batería electrónica: Bien, ahora echemos un vistazo al reproductor de sesión de drumer electrónico Los ajustes para este baterista son muy similares al baterista acústico que vimos anteriormente, pero exploraremos algunas diferencias en este video Bien, entonces silenciemos la pista de batería estábamos trabajando anteriormente, y ahora agreguemos una nueva pista presionando el botón Agregar pistas aquí arriba o puedes usar el comando de opción de comando de tecla N. Ahora bajo reproductor de sesión, seleccionemos baterista, y podemos hacer clic en la lista desplegable aquí para ver los estilos de baterista Entonces puedes ver aquí que tenemos bateristas acústicos, y abajo aquí, tenemos bateristas electrónicos y percusionistas Estaremos viendo al percusionista en el siguiente video Pero por ahora, escojamos uno de estos drumers electrónicos Para este ejemplo, escojamos Synthpop, y presionemos Crear Siempre podemos hacer click sobre este botón aquí en el Editor y elegir otro drumer electrónico si así lo deseamos Puedes ver aquí que los diferentes bateristas electrónicos están en distintas categorías, entre ellas electrónica, hip hop y alternativa Primero que nada, escuchemos de vuelta al baterista synthpop. Ahora hagamos un bucle del rango del ciclo presionando C, y dessilenciemos el bucle base que teníamos anteriormente y golpeemos nuestra batería con el bajo Entonces enseguida, creo que eso suena bastante bien. Pero ahora silenciemos la pista base y echemos un vistazo a los deslizadores de complejidad e intensidad aquí Estos hacen lo mismo que el baterista acústico. Con el control deslizante de complejidad, podemos hacer un patrón más complejo cuando arrastramos el deslizador hacia arriba y podemos hacer un patrón más simple cuando tiramos del deslizador hacia abajo. Entonces tenemos el deslizador de intensidad, que afecta la dinámica de la parte del tambor. Entonces, si arrastramos el deslizador hacia arriba, la parte será más fuerte, y si tiramos del deslizador hacia abajo, será más suave Entonces tenemos el área de patrones por aquí, que son muy similares al área de patrones de bateristas acústicos Entonces aquí tenemos algunos patrones predeterminados para los Tams y el cencerro Entonces, si quieres Tams y cencerro y un patrón, podemos dar click aquí para agregarlos al amarillo claro. Aquí tenemos cinco patrones diferentes que podemos elegir. Déjame mostrarte ahora. Así podemos tener ya sea al cowbart y Tom en el patrón o a ambos o a ninguno de ellos. Entonces tenemos lo mismo para el sombrero alto y la coctelera. Y también el ok, snare, y aplaude. Aquí tenemos seis patrones preestablecidos. Con este patrón, se puede ver seguir ritmo de acordes se comprueba Sin embargo, actualmente no tenemos acordes, pero seguirá los acordes si tenemos algunos, y esto está habilitado Entonces también podemos seguir la pista. Aquí podemos seguir los kits de batería y la pista de bajo, y también podemos seguir los tambores individuales para el baterista de sesión acústica que fueron convertidos en Editor inmediato antes Para este ejemplo, sin embargo, hagamos que siga la parte del bajo. Así que seleccionemos esto aquí y luego dessilenciemos el bajo y retoquemos esto. Entonces ahí se oye que el patrón de patadas sigue a la parte base, y podemos ver que estos nuevos patadas también se han agregado a la región También podemos escribir manualmente un patrón para la patada, la caja y la palmada Podemos hacer esto pasando a la pestaña manual, y cada cuatro cuadrados aquí es un latido. Entonces, si escribo una patada cada cuatro casillas, oirás que una patada jugará en cada latido o cada cuarto de nota. Vamos a silenciar de nuevo la pista base y escuchar esto de nuevo. Para este ejemplo, vamos a escribir un aplauso por cada una de estas casillas Entonces estas son las notas 16, y escucharemos cuatro aplausos cada latido Simplemente eliminemos estos, y podemos eliminarlos haciendo clic de nuevo sobre ellos. Bien, ahora hagamos un ritmo más apropiado. Así que vamos a jugar un aplauso y trazo en Beat two y beat four Y agreguemos un aplauso a andaba four, y agreguemos una patada por aquí, y agreguemos una patada on de Beat two Bien, escuchemos esto ahora mismo. Nuevamente, podemos elegir la longitud del latido por aquí, para que podamos tenerlo más de 1 bar si así lo deseamos. No obstante, para este ejemplo, usaré uno de los patrones preestablecidos que vimos antes y haré que esto siga la parte base. Así que volvamos a la pestaña principal y hagamos clic en el patrón aquí para las patadas ahora y aplaudimos Y voy a elegir uno de estos patrones preestablecidos. Escojamos patrón libre, y asegurémonos de que esto siga de nuevo a la base. Bien, genial. Al igual que el baterista de sesión acústica, tenemos la cantidad de llenado y complejo D. También podemos agregar algunos swing de nota 16 o octava nota con este estilo aquí Solo ajustemos estos, intentemos reproducirlos para golpear una diferencia. Sin embargo, no usemos swing para esta parte. Y podemos hacer esto haciendo doble clic en un dial oscilante, y esto girará nuestro swing ajustando esto de nuevo al 50%. Bien, pasemos ahora a la pestaña de detalles y hablemos de estos rangos de complejidad. Estos establecen un rango entre las cosas más complejas y las menos complejas para que toquen los instrumentos de batería. Como ves aquí, tenemos bombo, snare, clap, sombrero alto, shaker, Tom, y Entonces, si subimos este rango, será más complejo, y si lo mueves hacia abajo, será menos complejo. Veamos primero el bombo de patada. Entonces como pueden ver aquí en la región, cuando bajemos esto, habrá menos bombos de patada. Entonces cuando subamos esto, habrá más patadas y un patrón de patadas será más complejo También podemos tener un rango mayor, por lo que puede pasar de simple a complejo, o podemos tener un rango más pequeño. Entonces tal vez solo sea complejo o solo simple, o podamos tener algún lugar en el medio. Es lo mismo para la caja. este momento tenemos un amplio rango entre simple y complejo, o simplemente podemos tenerlo simple o simplemente tenerlo complejo si lo desea. Lo mismo se aplica a los demás instrumentos aquí también. Por lo que esto te permite personalizar tus partes de batería en aún más tus partes de batería en este reproductor de sesión eléctrico. Entonces tenemos el deslizador de variación de frase por aquí. Con esto, podemos ajustar cuánta variación rítmica ocurre sobre varias barras Entonces, si quieres que el patrón sea más repetitivo, entonces puedes bajar esto Pero si quieres que el patrón tenga más variación, entonces puedes aumentar su deslizador de variación de frase. Bien, entonces tenemos sentir, dinámica, humanizar y tempo, que es lo mismo que en el baterista de sesión acústica Voy a cubrir esto de nuevo brevemente como repaso, o en caso de que te hayas perdido el video sobre esto Con una esfera de tacto, podemos empujar o tirar de la sensación. Entonces, si movemos el dial hacia la derecha, podemos empujar la sensación. Para heavy rock y estilos similares, es posible que desee impulsar la sensación. Y si movemos el dial hacia la izquierda, lo jalará hacia atrás. O algo más tranquilo, es posible que desee tirar de la sensación. Entonces tenemos el estilo dinámico, que nos permite controlar la cantidad de dinámica en nuestra batería. Entonces, si movemos esto hacia la izquierda, entonces habrá menos dinámicas, y habrá menos variación de velocidad. Si movemos este dial hacia la derecha, habrá más dinámica, y habrá más variación de velocidad. Entonces es humanizar, lo que afectará la sincronización de la parte del tambor Si esto está al 0%, entonces se reproducirá perfectamente a tiempo. Si aumentamos esto, moverá algunas de las notas por lo que están un poco fuera de tiempo. Después está el tempo. Cambiar esto de estándar podría ser útil si has grabado la canción doble o la mitad del tempo, ya que un baterista seguirá el tempo del proyecto Otra cosa a mencionar para este baterista electrónico de sesión es el botón de realizar de nuevo aquí abajo en la parte inferior izquierda Esto nos dará una ligera variación del rendimiento de los bateristas sin cambiar los ajustes Nuevamente, como en el baterista de sesión acústica, podemos convertir esto a MIDI y luego ajustar algunos de los tambores en el editor midi Podemos hacer esto haciendo clic derecho sobre una región y seleccionando convertir a región MIDI si lo desea. Bien, entonces ese es el baterista electrónico de sesión. Por ahora, voy a borrar esta pista. Y a continuación veremos al jugador de la sesión de percusión. 12. Percusionista: Bien, ahora veamos al percusionista de sesión. Este es un jugador de sesión para percusión. Esto incluye agitadores, panderetas, maracas, aplausos Esto podría ser útil junto al baterista de sesión, o puedes usarlo con otros loops, samples o grabaciones de batería real Ahora vamos a crear una nueva pista presionando el botón Pista de anuncios aquí arriba, o usando el comando de opción de comando de teclado N para agregar una nueva pista. Bajo jugador de sesión, elijamos baterista, y en el menú desplegable estilo baterista, seleccionemos a uno de Tenemos latín, pop y compositor. Seleccionemos Pop y presionemos Crear. Ahora asegurémonos de que otras pistas estén silenciadas, y volvamos a reproducir esto y escuchar al percusionista Al igual que el baterista acústico y el baterista eléctrico, tenemos los controles de complejidad e intensidad Podemos hacer que el patrón sea más simple o complejo con el deslizador de complejidad, y podemos ajustar la dinámica para el patrón con el deslizador de intensidad para que podamos hacerlo más fuerte o más suave Voy a volver a reproducir esto y ajustar estos controles deslizantes para que puedas escuchar la diferencia Ahora echemos un vistazo a la pestaña principal. Nuevamente, como el baterista acústico y el baterista eléctrico, tenemos la cantidad de llenado, la complejidad de llenado y los controles de swing Podemos hacer clic aquí para elegir octava nota o swing de nota 16. Vamos a reproducir esto de nuevo y ajustar estos controles para que puedas golpear una diferencia. No obstante, volvamos a poner estos controles por defecto haciendo doble clic sobre ellos. Entonces por aquí tenemos los diferentes instrumentos de percusión que podemos activar o desactivar También tenemos los patrones que podemos elegir para ellos aquí también. Los instrumentos y patrones de percusión realmente cambian cuando elegimos un tipo diferente de percusionista Para que podamos ver estos cambios cuando intercambiamos entre pop, compositor y percusión latina Por ahora, sin embargo, volvamos al pop. Volvamos a reproducir esto, y elegiré diferentes instrumentos de percusión y patrones de dibujo y reproducción para que puedas escuchar la diferencia Empezaré con ninguno de ellos puesto, y luego gradualmente voy a agregar cada uno para que puedas escuchar diferentes instrumentos de percusión cuando se agreguen Como escuchaste, hay muchos instrumentos y patrones de percusión diferentes que podemos elegir Notarás que no hay área de ritmo de seguimiento para estos patrones, así que no podemos hacer que los patrones de percusión sigan algo más como con los bateristas acústicos y eléctricos de sesión También notarás que no hay pestaña manual, así que no podemos escribir manualmente el patrón para que el percusionista siga Pero sí tenemos la pestaña de detalles, y echemos un vistazo a esto ahora. Esto es en realidad lo mismo que el baterista eléctrico, y voy a repasar brevemente esto ahora Tenemos estos rangos de complejidad para los diferentes instrumentos de percusión Entonces, si estos, podemos tener un amplio rango entre simple y complejo, o podemos arrastrar el rango hacia abajo para hacerlo solo simple, y podemos arrastrarlo hacia arriba para hacerlo solo complejo. Entonces tenemos el deslizador de variación de fase, que vimos en el video anterior. Entonces, si quieres que tu patrón sea repetitivo, deslízalo hacia abajo. Y si quieres más variación en tu patrón, deslízalo hacia arriba. Entonces tenemos sensación de tirar o empujar para sentir. Entonces tenemos dinámica, así podemos mover este dial la izquierda para una variación menos dinámica, y podemos moverlo hacia la derecha para una variación más dinámica. Entonces tenemos humanizar, que podamos mover esta esfera hacia la derecha para agregar imperfecciones rítmicas como tocaría un humano, o podemos moverla hacia la izquierda para hacerla perfecta, Después está el tempo, que puedes usar si has grabado la canción a doble o medio tempo. Nuevamente, podemos convertir esto a midi haciendo clic derecho o comando haciendo clic en la región y seleccionando convertir a una región midi. Ahora puedes entrar en el editor midi y cambiar manualmente algunas de las notas midi si lo deseas. Bien, entonces ese es el percusionista de sesión. Como habrías notado, el baterista acústico de sesión, el baterista eléctrico y el percusionista son muy similares, y espero que ahora puedas usar estos para ayudarte a crear rápidamente ritmos y partes de percusión Por ahora, sin embargo, silenciemos esta pista de percusión. Y en los próximos videos, vamos a ver el bajista de sesión, el tecladista y la pista de acordes. Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 13. Bajista de sesión: parte 1: pestaña principal: Bien, entonces ahora echemos un vistazo al bajista de sesión y Logic pro. Por cierto, esto solo está disponible en Logic Pro 11 y superiores, así que esto no estará disponible si estás usando una versión anterior de Logic proro Así que vamos a crear una nueva pista pulsando el nuevo botón Pistas aquí arriba o usando la opción de comando de teclas Comando N. Ahora en Reproductor de sesión, vamos a elegir jugador base. Para el menú desplegable estilo bajista, tenemos ocho estilos de juego diferentes Para esto, sin embargo, escojamos pop rock y golpeemos Create. Se puede ver que el diseño del bajista de sesión es muy similar al del baterista de sesión Así que vamos a reproducir esto y escuchar cómo suena esto. Vamos a dessilenciar la batería y escuchar cómo suena esto con la batería. Mm. El bajista de sesión utiliza un instrumento de bajo de estudio, y podemos acceder a este haciendo clic en el instrumento de bajo en el inspector o mezclador. Podemos dar click en esta lista desplegable aquí donde dice Clásico, y podemos volver a tocar el patrón en otro instrumento bajo. Estos diferentes instrumentos de bajo emulan bajos populares. Por ejemplo, Classic es un guardabarros Precision bass. 60s está emulando lo que parece ser un bajo Hofner, similar a lo que tocó Paul McCartney de los Beatles. Vamos a devolverle esto. Veamos el siguiente, que es rock. Esto es emular un bajo Rickenbacker. Vamos a devolverle esto. Después hay una sesión. Esto parece que está emulando una base de Fender Jazz. Después está Modern, que parece que está emulando una base de mantarraya Ernie Ball Después está el vertical americano, que está emulando una base erguida Se puede escuchar que todas estas bases diferentes tienen tonos y sonidos bastante diferentes, y recomiendo probarlos usted mismo en diferentes líneas de base para escuchar una diferencia Por ahora, sin embargo, volvamos al instrumento de bajo clásico y cerremos el instrumento de bajo de estudio, y sigamos mirando al bajista de sesión. Si hacemos clic en el botón del reproductor de sesión, podemos elegir otro bastyle desde aquí Cuando elegimos otro estilo, puede cambiar el instrumento bajo, pero si desmarcamos cambiar parche, entonces no cambiará los instrumentos base Entonces digamos, por ejemplo, te gusta mucho el instrumento de bajo clásico. Puedes desmarcar esto y golpear las diferentes estrellas sin instrumentos Pero por ahora, voy a comprobar esto ya que Logic Pro hace un trabajo bastante bueno seleccionando el tipo adecuado de tono e instrumento base para los diferentes estilos de juego. Bien, vamos a reproducir esto y cambiar entre los diferentes estilos de juego para que pueda golpear una diferencia. También volvamos a mostrar el instrumento basado en estudio para que podamos ver que los diferentes instrumentos cambian a medida que avanzamos por los diferentes estilos de juego Vamos a cambiar el tamaño de esto y hacer esto un poco más pequeño y moverlo por aquí Repongamos esto y seleccionaré Rock Retro, y luego seleccionaré todos los diferentes estilos de juego. Yo y Así como puedes escuchar, los diferentes estilos de juego son muy diferentes notarás que estos diferentes estilos de juego tienen diferentes efectos, y podemos ver esto en el lote de efectos de aquí. Por esto, sin embargo, en realidad me gusta el sonido del rock retro. Así que vamos a seleccionar esta. Simplemente hagamos clic en esto para cerrar esta caja emergente, y también cerremos la base del estudio. Bien, entonces tenemos los deslizadores de complejidad e intensidad, que hacen lo mismo que el baterista de estudio, y ya los he cubierto varias veces, pero solo reproduciré esto y ajustaré estos para que oigan una diferencia Ahora echemos un vistazo a los controles para el grifo principal. Al igual que el baterista de estudio, tenemos la cantidad de llenado, la complejidad de llenado y los controles de swing De nuevo, vamos a reproducir esto, y voy a ajustar estos para que puedas escuchar la diferencia. Vamos a establecer estos de nuevo a los valores predeterminados, aunque haciendo doble clic. Bien, ahora echemos un vistazo a estos controles aquí en medio de la pestaña principal. Por aquí, tenemos melodía. Con esto, podemos elegir estos diferentes surcos o podemos elegir raíz solamente. Raíz es la nota raíz del acorde. Por ejemplo, la nota raíz de un acorde en Do mayor es C. Volvamos a tocar esto solo en root. Como dije, tenemos estos surcos diferentes. Como un Estas opciones cambiarán cuando escojamos otro estilo de bajista, aunque. Por ejemplo, si cambiamos esto a compositor pop, notarás que ahora dice root solo algunas notas, más notas y la mayoría de notas Con estos, podemos elegir la complejidad de las notas en la melodía de bajo. Entonces, si quieres una melodía más simple, puedes elegir root solamente. Pero si quieres una melodía más compleja, puedes probar otra de estas, que agregará algunas notas más adicionales a la melodía. Vamos a reproducir esto ahora y voy a intercambiar entre estos para que puedas escuchar una diferencia. También puedes elegir cuántas octavas quieres. Para que puedas quedarte en una octava seleccionando ninguna. En su mayoría podemos quedarnos en una octava seleccionando algunas. O puedes seleccionar más octavas, y escucharás más reproducción de dibujos de octavas ¡Oh! Entonces tenemos fraseo, así podemos tener notas más cortas o más staccato eligiendo O podemos elegir medio, lo que nos dará notas de longitud media, y esto es lo que teníamos anteriormente. O podemos tener frases más largas o notas más largas eligiendo largas. Y también podemos ver esta actualización en la región también. Mm. Por ahora, sin embargo, volvamos a la mediana. También podemos hacer que el bajista de sesión siga otro instrumento. Podemos hacer esto haciendo clic en el botón Patrones aquí y luego bajo pista, vamos a elegir nuestra batería, así que el bajo seguirá esto. Y nuestra batería es la primera aquí llamada SoCal. Y se puede ver esa región actualizada. Escuchemos esto de nuevo. Mm También tenemos estos otros patrones aquí que podemos elegir. También podemos habilitar este interruptor aquí, que enfatizará los cambios de acorde. Sin embargo, veremos esto con un poco más de detalle más adelante cuando veamos el reproductor de teclado de sesión y los cables. Como en estos momentos, sólo tenemos un acorde. Ahora echemos un vistazo a donde dice nota más baja. Entonces, en el bajo eléctrico de cuatro cuerdas y afinación estándar, la nota más baja será una E uno. Sin embargo, para mucha música rock o metal y también algunos otros dramas, también, posible que quieras usar drop D. Así que la nota más baja es D uno o incluso drop C, así que la nota más baja es C. Entonces si las guitarras de tu pista se afinan de esta manera, posible que quieras cambiar la nota más baja para el bajo. Esto en realidad va hasta B cero, ya que una base de cinco cadenas o seis cadenas en realidad tiene una cadena inferior, y esta es una nota B cero. No obstante, para este ejemplo, volvamos a poner esto a E uno. Bien, entonces a continuación, echemos un vistazo a los detalles y la pestaña manual, que veremos en el siguiente video. 14. Bajista de sesión: parte 2: detalles y pestaña de manual: Bien, así que ahora sigamos mirando al bajista de sesión, y echemos un vistazo a los detalles y la pestaña manual. Empecemos con una pestaña de detalles. Hablemos primero de notas muertas, que también se conocen como notas silenciadas o notas fantasma Podemos usar notas muertas para agregar textura rítmica y groove a nuestra Las notas muertas permiten al bajista crear ritmos más intrincados Pueden agregar un elemento de percusión a la pieza y pueden mejorar la ranura También se pueden usar para romper el espacio entre las notas y pueden agregar una sensación funky a la línea de base Si este dial está activado 0%, entonces se tocará cada nota y no se silenciará Notaremos cuando aumentemos esta esfera, escuchamos más notas muertas. Depende de lo que quieras por tu parte, pero para este ejemplo, vamos a tener algunas notas muertas. Entonces voy a dejar esto alrededor del 40%. Entonces tenemos este estilo de diapositiva, y esto le permite agregar más o menos diapositivas a su línea de base. Así que vamos a reproducir esto y voy a confiar este d. Para este ejemplo, me gusta bastante tener algunas diapositivas, pero si la parte tiene notas cortas de staccato, entonces tal vez no escuches algunas de estas diapositivas, pero para notas largas, deberías escucharlo deslizarse Entonces tenemos estos botones libres aquí abajo, que son golpes de recogida, silencio dinámico y una raíz de línea. Hablemos primero de los éxitos de pickup. Si habilitas esto, entonces es más probable que tenga golpes de recogida. Entonces estos son sonidos de percusión rítmicos murmullos que se crean cuando el bajista usa su dedo o pulgar para tocar las pastillas o cuerdas cercanas a la pastilla Estos pueden agregar elementos de percusión a una línea base y pueden enfatizar el surco y pueden hacer que la línea suene más Estos agregan más matices rítmicos a la parte del bajo y a menudo se usan en estilos musicales de jazz, funk y experimentales Mm. Después está el silencio dinámico. Si tiene esto habilitado, entonces esto le permite tener más notas silenciadas en su línea de base Después hay una raíz de línea. Cuando se habilita, la parte de bajo tocará intervalos más cercanos dibujando cambios de acorde, evitando grandes saltos en los intervalos dibujando cambios de acordes. Entonces, cuando la raíz de línea está deshabilitada, habrá intervalos más grandes entre los cambios de acorde, y cuando esté habilitada, habrá intervalos más pequeños entre los cambios de acorde. Por cierto, intervalos es solo un nombre musical para la distancia entre notas. Entonces en este momento, solo estamos usando un acorde, así que esto no hará la diferencia. Pero si tienes múltiples acordes en tu progresión y quieres que tu parte suene menos nervioso, entonces podrías considerar habilitarlo Bien, entonces tenemos paradas dobles y desplazamiento de silencio. Las paradas dobles son cuando se tocan dos notas juntas. Estos pueden agregar profundidad armónica y textura a una línea base. Con este control, podemos ajustar la probabilidad de reproducir dobles paradas. Entonces a cero o 0%, no habrá dobles paradas. Y si está en 100 o 100%, entonces habrá dobles paradas todo el tiempo. Déjame mostrarte ahora. Pero podemos elegir algún punto intermedio, digamos 50%, y en realidad podemos hacer doble clic en esto y escribir un número y presionar Enter en un número y presionar Enter lugar de arrastrar si lo desea Digamos esto ahora al 50%, y deberías poder escuchar eso alrededor de la mitad del tiempo, toca dos notas al mismo tiempo. Para esto, sin embargo, pongamos esto en 0%, ya que no quiero escuchar ninguna doble parada para esta parte. Entonces podemos elegir cuánto queremos que las notas se silencien con el control de desplazamiento de silencio, y esto va de -100 a 100 Entonces tal vez quieras silenciar la parte ya que te puede dar un sonido rítmico percusivo El silenciamiento también permite controlar el sustain de la nota Entonces, en lugar de dejar que cada nota suene completamente, silenciamiento te permite acortar las notas, lo que puede hacer que la parte del bajo sea más expresiva y dinámica Vamos a reproducir esto y voy a ajustar para silenciar la cantidad de compensación para que podamos escuchar una diferencia. Entonces por ahora, sin embargo, volvamos a poner el desplazamiento de silencio a cero. Bien, hablemos ahora de la pestaña manual. Esto es lo mismo que una pestaña manual para el baterista de sesión. Entonces esto podemos crear un patrón escribiendo uno. Así que podemos dar click en uno de estos escalones aquí abajo para crear un patrón y podemos volver a hacer clic en él para eliminar el patrón. Cada uno de estos pasos es una nota 16, y cada cuatro de estos es un beat, y cuatro de estos beats es un compás. Al cambiar la longitud aquí, podemos hacer que nuestro patrón manual más largo o más corto que la barra, si lo desea. Solo para este ejemplo, sin embargo, dejemos esto en 1 bar, y vamos a escribir el patrón. También podemos cambiar esta reproducción de dibujo de patrón . Bien, devolvamos esto. Notarás que si volvemos a la pestaña principal, dice que estamos usando el patrón manual, pero siempre podemos volver a uno de estos patrones aquí si lo deseas. Una cosa rápida de mencionar, como el baterista de sesión, tenemos el botón de tocar nuevamente aquí abajo Si presionamos esto, entonces esto agregará una ligera variación al patrón sin cambiar ninguna de las configuraciones. Bien, entonces ese es el bajista de sesión. Nuevamente, al igual que el baterista de sesión, podemos convertir el bajista de sesión a MIDI haciendo clic derecho o controlando el clic sobre la región y seleccionando convertir a región MIDI Es posible que desee duplicar su pista antes de convertir y básicamente hacer una copia de su reproductor de sesión ya que puede convertir del reproductor de sesión a MDI pero no de MIDI a un reproductor de sesión Entonces, si quieres volver al reproductor de sesión y retocar algunas cosas, no puedes, si lo conviertes a MIDI, por eso te recomiendo hacer una copia del reproductor de sesión Así puedes duplicar la pista con este botón aquí o usando el comando de teclado Comando D, y luego puedes opción hacer clic y arrastrar para hacer una copia. Ahora unsolo esto y silenciemos esto, y mostremos también las pistas ocultas Y luego podemos ocultar todas las pistas ocultas presionando el comando de tecla H. Por cierto, si no tienes este botón de ocultar Tracks, solo puedes presionar el comando de tecla H, y esto aparecerá. Personalmente me gusta tener un respaldo de mis instrumentos de jugador de sesión hasta que estoy completamente terminado y feliz de mis partes midi. Bien, entonces ese es el bajista de sesión. A continuación, veremos el reproductor de sesión de teclado, y después de eso, veremos la pista de acordes. Gracias viendo, y te veré ahí. 15. Reproductor de teclado de sesión: parte 1: estilos de tocar: Bien, ahora veamos el reproductor de sesión de teclado. En los próximos videos, te mostraré los controles para este reproductor de sesión. Después de esto, veremos la pista de acordes para que puedas agregar diferentes acordes. Por ahora, sin embargo, vamos a usar este acorde con el que hemos estado trabajando actualmente. Antes de crear un nuevo instrumento, solo voy a deshacer el bajo y silenciar esta pista, y también silenciar la pista de batería Ahora agreguemos un nuevo instrumento presionando el botón de nuevo instrumento o presionando la opción de comando de teclas Comando N. Ahora seleccionemos el reproductor de sesión del tecladista. Puedes ver aquí tenemos esta lista desplegable donde podemos elegir diferentes estilos de reproductor keybod Simplemente tenemos estos diferentes estilos. No tenemos dramres como los otros jugadores de sesión. Para este ejemplo, seleccionemos el primero, que es libremente, y presionemos Crear. Así que puedes ver aquí se ha creado esta región. Bien, ahora escuchemos esto de vuelta. Ahora echemos un vistazo al instrumento de piano de estudio. Podemos abrir este instrumento haciendo clic en la ranura del instrumento en el inspector o mezclador. Este estilo libremente usa el instrumento de micrófono studio grand one, y creo que este instrumento suena bien. Vamos, sin embargo, a probar el siguiente estilo. Así que vamos a hacer clic en este icono de teclado aquí y vamos a elegir el siguiente que es acordes rotos Así que puedes ver aquí el instrumento ha cambiado a vertical vintage. Escuchemos esto de vuelta. Este estilo nos da una sensación y un sonido diferentes. Vamos a probar el siguiente, que son los acordes de bloque. Esto nuevamente, usa el piano vertical vintage. Entonces tenemos el estilo arpegiado, que de nuevo, usa el instrumento studio grand one mic También podemos tocar estos estilos en otros instrumentos de piano de estudio. Por ejemplo, cambiemos este sonido de piano por el gran concierto. También probemos esto en un gran instrumento de estudio. Esta vez, se puede ver que tiene múltiples micrófonos. Y podemos encender los diferentes micrófonos seleccionando estos botones aquí abajo. Ahora podemos ajustar los niveles para estos micrófonos con estos controles. No tenemos que volver a escuchar esto solo en el instrumento de piano de estudio. También podemos elegir otro instrumento. Hagamos clic a la derecha de esta ranura para instrumentos aquí y cambiemos esto a otro instrumento. Por ejemplo, cambiemos esto al piano eléctrico vintage. Bien, oigamos esto de vuelta. Entonces tenemos un estilo muy diferente ahí, pero tiene el mismo estilo de juego y notas. Ahora echemos un vistazo al último estilo de juego, que es simple pad. Esto en realidad no usa el instrumento de piano de estudio. Utiliza el instrumento sintetizador retro con un sonido preestablecido pad. Escuchemos esto ahora. Ahora abramos el retrosintetizador haciendo clic en esta ranura de efectos, y podremos ajustar los controles para el sintetizador nos dará un sonido muy diferente Por ejemplo, retomemos esto y cambiemos el corte del filtro y la cantidad de resonancia y la reproducción del dibujo y escucharás cómo suena diferente Bien, así que esos son los diferentes estilos de juego para el reproductor de sesión de teclado. Antes de continuar, cambiemos realmente este estilo de juego. Vamos a elegir Bloquear Cordones de nuevo. Bien, a continuación vamos a ver los controles principales aquí abajo, que veremos en el siguiente video. Gracias por mirar, y te veré ahí. 16. Reproductor de teclado de sesión: parte 2: controles principales: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a los controles aquí abajo para la pestaña principal para el reproductor de sesión de teclado. Al igual que los otros jugadores de sesión que vimos antes, tenemos los deslizadores de complejidad e intensidad por aquí a la izquierda Así podemos cambiar la complejidad del rendimiento con este slider para que podamos hacerlo más complejo moviéndolo hacia arriba o más simple moviéndolo hacia abajo. Entonces el deslizador de intensidad nos permite ajustar la sonoridad de la actuación Así podemos moverlo hacia arriba para hacerlo más fuerte o podemos moverlo hacia abajo para hacerlo más suave Vamos a jugar esto de nuevo y voy a ajustar estos dos deslizadores para que puedas golpear una diferencia El control deslizante de complejidad no parece hacer demasiado por este estilo de juego. Cambiémoslo a arpegiado. Y otra vez, volvamos a reproducir esto. Bien, con ese estilo de juego, puedes escuchar la diferencia mucho más. Y luego, por supuesto, tenemos el monto de llenado, complejidad de llenado y el monto del swing. Esto nuevamente es lo mismo que otros jugadores de sesión. Así que de nuevo, voy a reproducir esto y ajustarlas para que oigas la diferencia. Bien, ahora echemos un vistazo a la sección media aquí, que nos da algunos ajustes para el patrón y también para las manos izquierda y derecha. Primero echemos un vistazo a los patrones. Esto de nuevo es lo mismo que los otros jugadores de sesión. Así podemos dar click aquí y elegir otro tipo de patrón. Escuchemos algunos de estos ahora. También tenemos aquí este interruptor, que nos permite seguir el ritmo de los acordes. vimos esto previamente en el bajista de sesión, pero cuando esto está habilitado, esto enfatizará los cambios de acorde. Entonces esto será más notorio cuando se esté tocando un nuevo acorde. Generalmente dejaría esto habilitado, por lo que enfatiza los cambios de acorde. También podemos hacer que el jugador de sesión de teclado siga otra pista, por ejemplo, la batería o el bajo. Entonces vamos a dar click en esto y hagamos que esto siga la batería, que es esta primera aquí llamada SoCal Solo unmute los tambores y golpeemos estos juntos. Ahora hagamos que esto siga a la base. Así que vamos a elegir este de aquí llamado Simple Foundation, que es la pista base. Vamos a dessilenciar el bajo ahora y escuchar esto con la batería y el bajo Entonces podemos hacer que esto siga otro instrumento, si así lo desea. Pero por ahora, voy a cambiar esto a off, y vamos a silenciar de nuevo el bajo y la batería. Y ahora echemos un vistazo a estos controles de mano izquierda y derecha de aquí abajo. Para que podamos encender y silenciar las manos izquierda y derecha presionando estos botones aquí. Sin embargo, dejemos estos dos puestos por ahora. Debajo de estos, tenemos estos deslizadores para la mano izquierda y derecha Estos permiten ajustar la colocación de la mano para las manos izquierda y derecha, que puedas acercar las manos para una posición más cerrada. Simplemente apaguemos la mano derecha y echemos un vistazo a esto para la mano izquierda. Entonces, cuando muevan su deslizador de la mano izquierda hacia la izquierda, tendremos un rango inferior, y tocará notas más bajas. Entonces, si quieres más notas en el extremo inferior o algún extremo inferior más, entonces puedes moverlo hacia abajo. Cuando lo movemos hacia la derecha, tendrá un rango más alto, y tocaremos notas más altas. Esto también es lo mismo para la mano derecha. Así que silenciemos la mano izquierda y unmute la mano derecha. Entonces cuando movemos este deslizador hacia la derecha, tendremos notas en el rango superior. Y cuando lo movemos hacia la izquierda, tendremos notas en el rango inferior. Bien, entonces tenemos estas opciones de estilo de voz y movimiento a continuación Primero echemos un vistazo a la voz para la mano izquierda. Así que vamos a silenciar la mano derecha y silenciar la mano izquierda. Entonces, en la voz ahora mismo, está en raíz solamente. Entonces, cuando tengamos esto seleccionado, solo tocará la raíz a la nota raíz del acorde. También podemos elegir raíz y octava. Entonces esto tocará la nota raíz y una octava arriba. Entonces tenemos raíz y quinta, así la raíz y la quinta nota del acorde. Y luego enraizar quinto noctiv. Generalmente elijo root only o root y octava, pero recomiendan probar esto por ti mismo y elegir que sea más adecuada para tu Entonces para esto, volvamos a enraizar solamente. Entonces a continuación, tenemos estilo. Con esto, podemos elegir diferentes complejidades para la mano izquierda Estos diferentes estilos cambiarán el ritmo y la longitud de las notas. Esto se encuentra actualmente solo en sustain, por lo que esto tocará notas largas y sostenidas. Luego está lo simple, que tocará muchas notas largas y tocaremos algunas notas cortas. Después hay moderado. Esto juega un patrón rítmico moderado. Después hay complejo. Esto juega un patrón más intrincado o complejo Dibuja y juega ahí atrás. Yo solo habilito la mano derecha para que podamos escuchar ambas manos juntas. Después tenemos seguir la mano derecha, que tocará acentos que seguirán a la mano derecha. Entonces tenemos ochos fijos, y esto tocará octavas rectas y estables. Para este patrón arpegiado, esto es lo mismo que seguir la mano derecha ya que una mano derecha también está tocando octavas Pero si cambias esto a otro estilo de juego, por ejemplo, los blotchords que notas seguir derecha serán diferentes a otro estilo de juego, por ejemplo, los blotchords que notas seguir a la derecha serán diferentes a los ochos estables. Vamos a escuchar esto de vuelta. Pero para este ejemplo, solo volvamos a sostener solamente. Bien, ahora silenciemos la mano izquierda y echemos un vistazo a los ajustes de voz y movimiento para la mano derecha Entonces esta configuración de sonoridad es un poco diferente a la de la mano izquierda Aquí puedes elegir la diferente cantidad de voces. Por lo que esto le permite seleccionar cuántas notas se pueden tocar. Ahora mismo, esto no va a hacer mucho porque estamos tocando un acorde C cinco, así que es solo un acorde de dos notas. Pero si abrimos los ajustes globales pulsando G y luego hacemos doble clic en este acorde aquí, podemos cambiar esto a un acorde con más notas. Entonces voy a cambiar esto a C mayor, y cambiemos esto también a C mayor siete. Entonces este es un acorde de cuatro notas. Por cierto, en uno de los siguientes videos, estaremos viendo cómo crear estos acordes en la pista de acordes Bien, vamos a cerrar de nuevo las pistas globales presionando este botón aquí arriba o usando el comando de teclado G. Ahora seleccionemos la región para el reproductor de sesión de teclado. Bien, volvamos a la voz para la mano derecha. Entonces ahora está en acorde completo. Por lo que esto tocará las cuatro notas que componen el acorde. Escuchemos esto ahora. También podemos cambiar esto a dos voces. Entonces esto significa que la mano derecha tocará un máximo de dos notas al mismo tiempo. También tenemos un intervalo fijo de dos voces, lo que significa que dos notas se tocan juntas, y el espacio entre ellas permanece igual a medida que te mueves a un acorde diferente. Entonces en este momento solo tenemos un acorde, pero volvamos a abrir las pistas globales. Así que vamos a arrastrar el bucle hacia atrás. Entonces voy a arrastrar esto hacia atrás, así que solo tiene 2 bares de largo. Después en la barra tres, voy a hacer clic derecho y seleccionar Crear Acorde. Entonces aquí quiero agregar otro acorde para demostrarlo. Entonces para esto, voy a cambiar esto a G y mayor y siete, que es un séptimo G dominante. Nuevamente, voy a repasar esto en detalle en uno de los siguientes videos. Y vamos a hacer clic en esto y vamos a arrastrar esto hacia atrás para que comience en el Br dos. Y vamos a recortar esto y cerrar las pistas globales y volver las pistas globales hacer clic en la región del reproductor de sesión de teclado. Entonces pongamos esto en dos voces, y se puede ver aquí en la región que ha cambiado. Volvamos a darle a esto otra vez. Entonces cambiemos esto a intervalo fijo. Como dije, el intervalo fijo de dos voces significa que las dos notas se tocan juntas, y el espacio entre ellas permanece igual a medida que te mueves a un acorde diferente. Entonces, oigamos esto con este ejemplo. Entonces, usar este tipo de voicing puede ayudarte a crear una estructura mínima y estable en tu arreglo Bien, entonces tenemos dos voces de tono común. Aquí es donde se tocan dos notas juntas, pero una nota permanece igual, o la otra cambia para crear un nuevo acorde. Esto le da a la música una sensación constante ya que una nota permanece constante. Escuchemos esto de nuevo con la mano izquierda, también, para que podamos decir que es un acorde diferente. También puedes elegir tono común de voz libre. Por lo que esta vez, una nota permanecerá igual, mientras que las otras dos cambian para crear un nuevo acorde. Entonces tenemos cuatro acordes, que ya hemos mirado, y luego tenemos cuatro acordes fijos en versión. Esto significa que estás tocando todas las notas del acorde, pero el orden en la versión ha cambiado y permanece fijo mientras tocas. La nota más baja para la mano derecha ya no es la nota raíz, sino que todas las notas del acorde siguen incluidas. O podemos elegir cuatro voces más, lo que podría ser útil si estás usando acordes extendidos, por ejemplo, séptimo, novenos, undécimo o O podemos elegir cuatro voces más fijas en versión. Entonces, como acorde completo fijo en versión, significa que estás tocando todas las notas del acorde, pero el orden o inversión ha cambiado y permanece fijo mientras tocas Nuevamente, la nota raíz para la mano derecha ya no será la más baja, sino que seguirán incluidas todas las notas del acorde. Para este ejemplo, sin embargo, volvamos a cuatro acordes. Entonces podemos elegir el movimiento. Con esto, podemos elegir el rango del movimiento para la mano derecha. este momento está en rango mínimo, que tendrá un movimiento más mínimo. Entonces esto tendrá más cordones invertidos, o se puede elegir un rango mayor, que tendrá saltos y bucles más grandes entre los diferentes cordones. O podemos elegir algo intermedio con rango pequeño y mediano. Pero para esto, volvamos al alcance mínimo. Bien, entonces esa es la pestaña principal. A continuación, veremos los detalles y la pestaña manual, que veremos en el siguiente video. Entonces, gracias por mirar, y te veré ahí. 17. Reproductor de teclado de sesión: parte 3: detalles y pestaña manual: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a los detalles y la pestaña manual este reproductor de sesión de teclado. Empecemos con los detalles. Entonces los ajustes en esta pestaña son bastante mínimos. Simplemente tenemos este control de notas de gracia. Por cierto, no tenemos esto para el simple estilo de juego pi. En realidad no tenemos ningún control de patrón para esto, y tampoco hay una pestaña manual. Pero volvamos a otro de estos estilos lisos y hablemos de notas de gracia. Para este ejemplo, escojamos libremente. Entonces volvamos a la pestaña de detalles y hablemos ahora de notas de gracia. notas de gracia en el piano son pequeñas notas rápidas tocadas justo antes de la nota principal. Se utilizan para agregar un poco decoración extra a la música. Sugiero no usar demasiadas notas de gracia ya que demasiadas pueden hacer que la música suene fuera de clave. Escuchemos esto sin notas de gracia, y luego volveré a tocar esto con las notas de gracia al 100%. Puedes agregar notas de gracia a tu piano o parte del teclado para hacer que la melodía sea más animada e interesante con toques decorativos rápidos. Pero como mencioné, lo mejor es no exagerar. Volvamos a poner esto a la cantidad predeterminada de 25% para este estilo de juego haciendo doble clic. Bien, entonces tenemos la pestaña manual, que es igual que la pestaña manual para los otros jugadores de sesión. Con esto, podemos escribir nuestro propio ritmo para que el tecladista lo siga. Así que vamos a escribir algo ahora para que puedas escuchar una diferencia. Entonces, como escuchaste allí, también podemos cambiar la reproducción manual del dibujo del patrón. También puedes ver que cuando volvamos a la pestaña principal en el área del patrón, dice patrón manual, pero podemos dar click aquí y elegir uno de estos patrones. Si prefieres usar uno de estos que el patrón manual. Bien, entonces ese es el reproductor de sesión de teclado. A continuación, vamos a mirar la pista de acordes. Gracias por mirar, y voy a ver ahí. 18. Chord ID (Logic Pro 12 Only): ID de acorde. En este video, quiero centrarme completamente en Cord ID, que se introdujo en Logic Pro 12. Voy a explicar por qué, en mi opinión, esta es una de las actualizaciones de flujo de trabajo más importantes que la lógica ha tenido en mucho tiempo. En la superficie, el ID de acorde parece simple. Analiza una región y te dice cuáles son los acordes, pero ese no es realmente el punto El verdadero valor es lo que sucede después de que la lógica entienda tu armonía. Chord ID convierte los sonidos en estructura, y esa estructura desbloquea rápidamente una forma completamente nueva de construir arreglos No se trata de reemplazar la teoría musical o la creatividad. Se trata de acelerar el camino de la idea al arreglo. ¿Qué acorde ID hace? A nivel básico, chord ID analiza el contenido armónico de una región y escribe esa información en la pista de acordes de Logic. Esto funciona con actuaciones de medicordio, grabaciones de audio armónicas como guitarra, piano, pads simpson, tallos extraídos y grabaciones de demostración en bruto Una cosa muy importante a entender es esto. Chord ID no cambia tu audio o MIDI. Crea datos de acordes en la pista de acordes que otras partes de la lógica pueden seguir. Tu audio original o MIDI siempre permanece exactamente como estaba. Esa separación es lo que hace que esta característica sea tan flexible. ¿Por qué importa esto? Antes de la ID de acorde, si arrastrabas un bucle o grababas a la lógica, básicamente tenías dos opciones O trabajaste los acordes manualmente o ignoraste la pista de acordes por completo Esto estuvo bien si escribiste todo tú mismo y ya sabías la armonía. Pero ralentizó las cosas, si trabajas con loops, colaboras con músicos, mandando demos, esbozas ideas rápidamente, o vuelves a visitar proyectos antiguos Chord ID resuelve esto al permitirte pasar del sonido a la armonía y a la herramienta de arreglo en segundos. Flujo de trabajo básico de ID de acordes. Veamos primero el flujo de trabajo básico. Empezaré por seleccionar una región que contenga armonía. En este caso, he grabado una parte retrosync tocando pasos de acordes Vamos a escuchar esto ahora mismo. Cerremos ahora el editor de piano roll presionando este botón aquí arriba o usando el comando de teclado E. Y ahora vamos abrir las pistas globales presionando este botón aquí, o presionando el comando de teclado G. Ahora todo lo que tenemos que hacer es arrastrar esta región al tracto del cordón. Así que simplemente hacemos clic y lo arrastramos aquí. lógica analiza la región y escribe la progresión de los acordes. Dependiendo de la longitud y complejidad de la pieza, esto puede llevar un momento. Esto ha hecho un buen trabajo, no es perfecto. Los acordes son en realidad A menos siete, C mayor siete, F mayor siete y E menos siete Puede que no sea perfecto para partes más complejas, pero ojalá esto cambie en la futura actualización de Logic Pro. Entonces, si miramos aquí la información de la mediana, podemos ver que el primer acorde es en realidad A menos siete porque tiene este Genote aquí Y el último acorde, el Mi menor, esto en realidad es E menos siete porque tiene esta nota aquí, que es una D. Así que en realidad podemos hacer click en un acorde aquí y cambiar esto si así lo deseas. Entonces cambiemos el primero a un A menos siete. Y el último aquí, cambiemos esto a una E menos siete. Como dije, no es perfecto, pero es bastante bueno. También verifica dónde comienza cada acorde y dónde termina cada acorde. Si un acorde comienza un poco antes o tarde, fíjelo manualmente. Piense en la ID de acorde como un punto de partida, no como una respuesta final. Bien, ahora echemos un vistazo a una demo con un bucle de audio. Así que ahora tenemos un proyecto Logic pro en blanco, y ahora vamos a abrir el navegador loop presionando este botón aquí o usando un comando de teclado, Oh. Entonces ahora quiero encontrar un bucle armónico, así que algo con acordes claros en lugar de solo ritmo Entonces la que encontré antes fue una parte de cadena llamada Cadenas Diesel Power. Así que solo voy a escribir la energía diesel en la búsqueda aquí. Y es ésta. Ahora hagamos clic y arrastremos esto a nuestro proyecto, y también voy a importar el tempo. Bien, ahora cerremos el navegador de bucle presionando O. Y ahora vamos a abrir las pistas globales presionando este botón aquí, o, nuevamente, usando un comando de tecla G. Y ahora vamos a arrastrar esto a la pista de acordes. Y ahora un zoom para que podamos ver los cables. Entonces aquí dice, A menor, F E menos D menor. Y también se le agregan los nombres de los cordones a la región. Así que de nuevo, sí recomiendo verificar la sincronización del cable y si algo necesita ajustarse. Los bucles suelen tener pastillas o sincopación, por lo que esta comprobación manual es especialmente importante Bien, ahora agreguemos una parte de base, y seguiré los cordones. Así que vamos a crear una nueva pista, y voy a elegir un mini instrumento de software. Y para esto, elegiré una base de estudio. Bien, armaremos esto para grabar. Y voy a grabar en algunas notas base ahora que siguen estos acordes para comprobar para ver si funciona con esta parte de cadena Bien, algo así. Simplemente toqué una parte simple basada en notas de raíz, y también agregué algunas notas extra de los acordes Entonces creo que eso suena bien, y es trabajo de acordes. Bien, silenciemos esta parte base por ahora. Y ahora agreguemos un bajista de sesión para ver si esto sigue a la pista de acordes, también. Así que vamos a crear una nueva pista, y vamos a elegir un bajista de sesión. Para este ejemplo, lo dejaré en el pop rock. Y voy a reducir la complejidad, así que es un poco más sencillo. Una cosa a tener en cuenta, a veces los jugadores de sesión pueden cortar la primera nota si empiezan exactamente en barra le gané a uno. Entonces por esa razón, no recomiendo que jueguen en el bar le gané a uno. Darles una ventaja corta les ayuda a bloquearse correctamente. Entonces, vamos a arrastrar esto por todas partes al Hno dos. Voy a cerrar Editor presionando E. Así que vamos a hacer clic y arrastrar sobre todas estas regiones y moverlo al Br dos. Notarás que la pista de acordes no se movió, pero podemos hacer clic y arrastrar esto al Br dos, también. Bien, vamos a darle a este bate ahora. Entonces deberías haber notado ahí que el bajista de sesión lleno de los acordes de la pista de acordes Apenas por este ejemplo, probemos con otro bajista. Vamos a probar el R&B moderno. Escuchemos esto ahora mismo Entonces, también, la parte del bajo estaba siguiendo las progresiones de acordes que venían del bucle de audio Esto puede ser increíblemente poderoso al iniciar una pista desde un bucle, y quieres que todo lo demás se ajuste musicalmente Ahora echemos un vistazo a otro ejemplo. Así que imagina que alguien te mande una grabación de demostración aproximada. Esto podría ser una grabación de guitarra, un boceto de piano, o incluso una grabación telefónica. Entonces para este ejemplo, tengo una grabación de audio de mí mismo tocando algunos acordes en una guitarra eléctrica Ahora nos devolvamos el golpe. Entonces no es el mejor desempeño, pero vamos a ver si lógica rota analizar causa correctamente. Entonces abramos las pistas globales y arrastremos este audio a la pista de acordes. Entonces puedes ver aquí dice que las llamadas son E menor, A, E menor, C, D, E menor. Eso es casi correcto. El segundo núcleo es en realidad una A menor. Entonces, hagamos doble clic sobre esto y cambiarlo de A mayor a A menor. Además, el decordo entra en la barra diez, que no es del todo justo aquí Entonces, acerquemos y hagamos clic y arrastremos esto al compás diez. Y este E menos debería entrar en la barra 11. Entonces hagamos lo mismo aquí. Bien, eso parece ahora mismo. No obstante, el primer acorde aquí dice que no hay acorde, y este debería ser un Mi menor. Entonces cambiemos la nota raíz a E y luego menor. Bien, esto debería ser correcto ahora. Con grabaciones como esta, es especialmente importante revisar los resultados cuidadosamente. Las actuaciones humanas a menudo pueden empujar o tirar de los tiempos, usar acordes de paso o desenfocar los límites de los cables. Podemos agregar jugadores de sesión o podemos agregar nuestros propios instrumentos. Entonces para este siguiente ejemplo, voy a grabarme tocando el bajo en mi teclado midi siguiendo estos acordes Así que vamos a crear una nueva pista. Y bajo MIDI vamos a elegir instrumento de software, y yo elegiré base de estudio. Vamos a cerrar una biblioteca para que tengamos un poco más de espacio, y grabemos ahora una parte. Bien, algo así. Acabo de seguir los acordes y el estilo de la grabación de audio Volvamos a escuchar esto de nuevo. De hecho, corta la primera nota, así que siempre podemos ir al piano roll y arreglar esto. También podemos silenciar el audio original y construir todo el arreglo usando reproductores de sesión o tus propios instrumentos siguiendo los mismos acordes Entonces para este ejemplo, silenciemos la grabación de guitarra y también la parte de bajo en la que acabo de grabar. Ahora agreguemos un bajista de jugador de sesión. Así que vamos a crear una nueva pista. Escojamos un bajista de sesión. Y para el estilo del jugador, escojamos el pop rock. Como mencioné anteriormente, a veces los jugadores de sesión pueden cortar la primera nota si empiezan exactamente en el beat 1 bar uno. Así que vamos a arrastrar esto, así empieza en la barra dos. Hagamos también lo mismo con la pista de acordes, y voy a arrastrar sobre estas partes silenciadas también por si acaso queremos usarlas en el futuro Entonces esto es en realidad un bucle de diez barras, así que voy a hacer clic y arrastrar esto, así que esta región tiene 10 barras de largo. Bien, ahora agreguemos un baterista. Así que vamos a gredge nueva pista, baterista de jugador de sesión. Y para el estilo baterista, elegiré synth pop. Sólo voy a arrastrar la cantidad de llenado hasta el fondo para que no tengamos ningún relleno. Y otra vez, voy a arrastrar esto para que empiece en la barra dos. Y voy a hacer clic y arrastrar esto, así que es un bucle de diez barras. Bien, vamos a darle ahora a esto. Bien, está empezando a sonar bien. Ahora agreguemos un reproductor de sesión de sintetizador de teclado. Así que volvamos a crear una nueva pista. Elija el reproductor de teclado debajo del reproductor de sesión. Y para el estilo de tecladista, voy a elegir el pad modulado SIP. Nuevamente, coloquemos esto para que comience en la barra dos. Y luego arrastra esto. Entonces es un bucle de diez barras. Bien, vamos a devolverle esto ahora. Bien, entonces está empezando a sonar muy bien, y eso se acaba de construir a partir de los acordes de esta grabación de guitarra Chord ID es especialmente poderoso si trabajas con loops, colaboras con otros músicos, construyes ideas rápidamente o sigues desarrollando confianza en la armonía. Hace que pases menos tiempo pensando en cuáles son los acordes y más tiempo arreglando y trabajando en tu canción Recuerda que la identificación de acordes no es mágica y es solo una herramienta estructural. Pero si se usa correctamente, puede acelerar dramáticamente la composición y la organización de canciones Entonces, cuando combinas chord ID con reproductores de sesión, el flujo de trabajo se siente menos como programación y más como bosquejar ideas en tiempo real Por lo que sí recomiendo probar acorde ID usted mismo. Entonces ese es el final de este video. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 19. Track de acordes: parte 1: características básicas: Bien, ahora echemos un vistazo a la pista de acordes. Esto permite crear progresiones de acordes que el bajista y teclista de sesión pueden seguir Se puede ver aquí arriba tenemos C mayor siete y G siete. Entonces ahora mismo el teclado y el bajo seguirán este acorde de siete en Do mayor y luego en la barra tres, seguiremos este acorde G siete. Podemos cambiar estos acordes y agregar más acordes yendo a la pista de acordes en las pistas globales Podemos mostrar ya sea en las pistas globales pulsando este botón aquí o usando el comando de tecla G. Así que podemos ver aquí tenemos la pista de acordes. En Br dos, agreguemos un nuevo acorde. Seleccionemos el primer acorde y recortemos esto de nuevo, así que solo tiene 1 barra de longitud. Agreguemos un nuevo acorde. Podemos agregar un nuevo acorde haciendo clic derecho o controlando haciendo clic en la pista de acordes y seleccionando gran acorde. Para este ejemplo, cambiemos este acorde a una A menor. Entonces, bajo nota raíz, cambiemos esto a una A, y cambiemos esto a un acorde menor. Ahora hagamos clic en esto para que podamos cerrar este cuadro emergente y reposicionarlo y arrastrar esto para que tenga 1 barra y longitud También quiero cambiar el primer acorde para que podamos hacer doble clic sobre esto para que aparezca el campo de acordes. Para este ejemplo, cambiemos la nota raíz a una D, y cambiemos también a un acorde menor. También podemos escribir el acorde aquí arriba si lo deseas. Si escribimos D, elegirá un acorde D menor. Ahora cambiemos el acorde por unas tres. Así que vamos a hacer clic en esto y podrás ver que ha sacado el campo del cordón. Si hay un tercer acorde, cambiemos esto a una C. Así que en realidad voy a escribir esto en este tiempo. Entonces voy a teclear C aquí y presionar Enter. Y esto ha cambiado esto a un acorde en Do mayor. Ahora hagamos clic en esto y recortemos esto de nuevo, así que es solo uno por y largo. En la barra cuatro, voy a hacer click derecho sobre la pista de acordes y voy a crear Acorde. Para ello, cambiemos esto a un acorde en sol mayor. Entonces cambiemos la nota raíz a G y la dejemos en mayor. Hagamos clic en esto ahora y reposicionemos y recortemos esto para que sea una B y longitud También volvamos a posicionar el rango de ciclo, por lo que hará un bucle de estas 4 barras Entonces como estamos en Do mayor, esto nos ha dado una progresión de dos, seis, 15 acordes. Permítanme cerrar este editor pulsando E, y dessilenciemos el bajista de sesión y la pista de batería que hicimos anteriormente Bien, vamos a devolver el golpe. Bien, los acordes están cambiando ahí, pero las partes están un poco desordenadas El hecho de que la parte del bajo y el teclado estén siguiendo estos acordes no significa necesariamente que las partes vayan a ser buenas Así que volvamos al jugador de sesión y cambiemos ligeramente. Cambiemos el estilo de juego a otro estilo. Escojamos este llamado Acordes rotos. También hagamos clic en el área del patrón aquí, y hagamos que el ritmo siga la batería. Cerremos el Editor presionando E, y hagamos doble clic en la región para el bajista de sesión. Vamos a elegir otro estilo de juego aquí, y de hecho voy a elegir el estilo de escritor de canciones pop de nuevo, pero volver a la configuración predeterminada. Y otra vez, vamos a hacer clic en el patrón aquí, y vamos a dar clic en la pista aquí, y se puede ver aquí de nuevo, estamos siguiendo la batería. Bien, volvamos a cerrar el editor. Y ojalá esto suene mejor y más organizado. Escuchemos esto ahora mismo. Bien, mucho mejor. Por cierto, podemos enroscar y recortar nuestros cables en la pista del cordón, al igual que una región. De hecho, hagamos esto de 8 barras largas ahora, así que copiemos estos cuatro cordones y peguémoslos en la barra cinco. Podemos hacer click y arrastrar hasta Seleccionar todos los cables, o bien podemos hacer click en donde dice Cord e ir a Selectall cords También podemos seleccionar todos los acordes que están en el rango de ciclo Entonces solo para este ejemplo, cambiemos el rango de ciclo para que sea solo barra uno y dos, y hagamos clic en mojado Says Cord nuevamente y vayamos a seleccionar todos los cables en el rango de ciclo. Y puedes ver aquí, solo se seleccionan los dos primeros acordes que están en el rango de ciclo También podemos hacer clic y mantener presionada la tecla Mayús. Si solo quieres seleccionar algunos de los acordes, no todos ellos. No obstante, para este ejemplo, quiero seleccionarlos todos, y como sólo hay unos pocos acordes, voy a hacer clic y arrastrar sobre ellos. Ahora podemos presionar Copiar con Comando C y pegar con Comando V o podemos mantener presionada la opción y arrastrar para copiar y pegar. Ahora cambiemos el rango de ciclo, entonces son 8 bares. Bien, ahora escuchemos esto de vuelta. Apenas para este ejemplo ahora, en realidad voy a añadir un acorde Mi menor, pero justo en el último compás. Así que vamos a acercarnos presionando Comando y la flecha derecha, y vamos a arrastrar esto hacia atrás un latido. Ahora en la barra ocho venció a cuatro. Hagamos click derecho sobre aquí y vayamos a crear Acorde. Esta vez, cambiemos esto a un acorde Mi menor. Entonces cambiemos la nota raíz a E y cambiemos esta a menor. Hagamos clic en esto y arrastremos esto hacia atrás y recortemos. Bien, vamos a devolverle el golpe a esto. También podemos cambiar la posición del acorde. No tenemos que hacer que las coords cambien en cada barra. Para este ejemplo, vamos a arrastrar esta A menor hacia atrás para que entre en Beat two de la barra seis. También podemos hacer un bucle este acorde D menor aquí también si lo desea. El acorde en D menor seguirá sonando, pero también podemos hacer un bucle aquí o arrastrar esto hacia atrás para que se vea un poco más ordenado. Bien, oigamos esto ahora. Creo que antes era mejor, así que vamos a presionar el Comando E unas cuantas veces, así que vuelve a lo que era. Cambiemos ahora a una nueva clave, y Logic Pro transpondrá los acordes en la pista de acordes a esta nueva Entonces cambiemos la llave en la pantalla LCD de aquí arriba. Ahora cambiemos esto a re mayor. Entonces esta es una clave con dos objetos puntiagudos. Entonces la F ahora será una F aguda, y la C ahora será una C aguda, y la clave enraizará alrededor del Dne en lugar de la nota C. Se puede ver que cuando hacemos esto, aparece esta transposición de cordones pop up Esto dice, ¿ Quieres transponer cordones en la pista de acordes y en la sesión regentes del jugador para seguir el cambio de firma clave Para ello, voy a seleccionar transposición. Así que puedes ver aquí nuestros acordes son diferentes, pero en realidad usan la misma progresión de acordes de 2615, pero ahora en re mayor O para la segunda mitad es 26153. Bien, vamos a devolver el golpe ahora. Por cierto, si eres nuevo en la furia musical y no estás seguro de qué acordes o progresiones de cable usar, entonces puedes usar entonces puedes usar la progresión de acordes que Entonces, para esto, eliminemos en realidad todos los acordes en los que escribimos anteriormente Así que vamos a arrastrar sobre estos y presionar eliminar. Y ahora agreguemos un nuevo acorde. En la barra uno, hagamos clic derecho en la pista de acordes y vayamos a crear acorde. Simplemente hagamos clic en esto y arrastremos esto hacia atrás. Entonces es de 8 barras de longitud. Ahora, todo lo que necesitas hacer es hacer clic derecho o Control hacer clic en este acorde en la pista de acordes, y luego ir a Progresiones de núcleo Aquí puedes ver que tenemos algunas progresiones centrales que podemos elegir Estos también estarán en la clave del proyecto, que por ahora es Dmjor Bien, probemos algunos de estos. Vamos a probar el primero, dos, 51. Bien, oigamos esto de vuelta. Intentemos con otro, así que hagamos clic derecho sobre esto nuevamente y vayamos a Progresiones del cordón Y escojamos el segundo, uno, cinco, seis, cuatro. Por cierto, cuando tenemos un número romano en mayúscula, significa que es un acorde mayor, y cuando tenemos un número romano minúscula , significa que es un Entonces el uno, cinco y cuatro serán acordes mayores, y el seis será un acorde menor Bien, oigamos esto de vuelta. Ahora volvamos a C mayor eligiendo C mayor en la pantalla LCD aquí arriba. Y si aparece esta caja emergente, escojamos Transpone. Así que puedes ver aquí tenemos esta progresión del cordón de 1564 en Do mayor ahora Bien, así que eso es lo esencial de la pista de acordes. A continuación, voy a adentrarme en los diferentes tipos de cordones que puedes elegir, cuales cubriré en el siguiente video. Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 20. Track de acordes: parte 2: acordes mayores y menores: Bien, entonces ahora voy a cubrir los diferentes tipos de acordes que ofrece la pista de acordes Entonces, si eres nuevo en la composición de canciones o la teoría musical, entonces te recomiendo ver este video ya que te expliqué la teoría de los acordes Si eres bastante competente en Music Theory, y ya conoces diferentes tipos de acordes, entonces te recomiendo saltarte estos siguientes cuatro videos sobre Bien, así que comencemos. Así que hagamos doble clic en este primer acorde para abrir la ventana emergente del cable, y echemos un vistazo a algunos de los ajustes aquí. Entonces podemos ver aquí que podemos elegir un acorde mayor o menor que miramos antes. Ahora expliquemos rápidamente las diferencias entre un acorde mayor y menor. Estos acordes son diferentes en la estructura y el estado de ánimo que transmiten Un acorde mayor suena feliz y edificante y un acorde menor suena triste y más oscuro Para demostrar estos diferentes acordes, voy a crear un nuevo instrumento para piano Así que vamos a presionar el botón más para crear un nuevo instrumento, y ahora voy a elegir un instrumento de software midi. Y voy a elegir el piano de estudio y golpear Create. Simplemente cerremos la biblioteca presionando este botón aquí o usando el comando de teclado Y. Y ahora vamos a traer a colación la mecanografía musical. Podemos hacer esto presionando Comando K. Y voy a presionar este botón aquí que podamos ver el teclado del piano. Vamos a cambiar el tamaño de esto un poco. Bien, ahora puedo mostrarte algunas de estas ideas en el teclado del piano. Bien, volvamos al primer acorde de la pista de acordes y echemos un vistazo a cómo crear un acorde mayor y menor. Un acorde mayor tiene una nota raíz, luego un tercio mayor, que está a cuatro semitonos o medios pasos de la raíz y un quinto perfecto, que está a siete semitonos o a medio pasos Entonces un acorde en Do mayor tiene una nota raíz de C. Y luego tiene un tercio mayor, que es cuatro semitonos por encima de C. Así que vamos a contar hasta cuatro, uno, dos, tres, Eso nos lleva a E, y luego tenemos un quinto perfecto, que es siete semitonos por encima de C o cuatro semitonos por encima C o cuatro semitonos Sin embargo, vamos a contar desde la raíz. Entonces vamos a contar hasta siete, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete. O tres semitonos por encima del tercero. Entonces esto nos da la nota C, E y G. También podemos escuchar cómo suena esto presionando un botón de vista previa aquí abajo, y esto tocará sobre el acorde en un instrumento de piano. Bien, hablemos ahora de un acorde menor. Un acorde menor tiene una nota raíz, luego un tercio menor, que es tres semitonos por encima de la raíz, y luego un quinto perfecto, que es siete semitonos Entonces, vamos a elaborar un acorde en Do menor. Entonces tenemos la nota raíz, que es una C. Y entonces necesitamos contar hasta tres semitonos por encima de la Uno, dos, tres, y este es un piso E. Esto suena igual que D agudo, pero es un bemol E ya que la clave de Do menor tiene planos no punzantes Entonces tenemos el quinto, que es cuatro semitonos por encima del tercero o siete semitonos del tercero o siete semitonos por encima de la raíz. Vamos a contar desde la raíz. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete. Entonces un triachordo en Do menor que significa un acorde de nota libre tiene una nota C, mi bemol y G. De nuevo, podemos previsualizar esto Entonces es la tercera nota que es una diferencia entre una tríada mayor y menor Ahora volvamos a tocar este groove con un acorde en Do mayor y luego lo volveré a tocar con un acorde en Do menor para que puedas escuchar la diferencia. Para que ahí se escuchen los acordes mayores sonaban felices y edificantes y los acordes menores sonaban Bien, así es como puedes crear acordes mayores y menores También tenemos otro tipo de acordes, que seguiremos viendo en los próximos videos Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 21. Pista de acordes: parte 3: sus, acordes aumentados y disminuidos: Bien, continuemos. Entonces tenemos otros tipos de acordes, como un acorde sus two, que es un segundo acorde suspendido. Si eliges este tipo de ord, entonces esto reemplazará la tercera nota del acorde con el segundo grado de escala o la segunda nota de la escala. Esto crea un sonido sin resolver más abierto. Por ejemplo, una tríada en C mayor tiene una nota C, E y G. Pero una tríada sus dos tiene una nota C, D y G. Sin tener una tercera nota en la tríada, le da al acorde un sonido suspendido Vamos a previsualizar esto aquí abajo también. Escuchemos también cómo suena con el groove. Bien, entonces tenemos un tipo sus cuatro cuerdas, que es un cuarto acorde suspendido. Por lo que esta vez, el tercero será sustituido por el cuarto. Entonces un C sus cuatro tendrá la nota C F y G. Ahora, vamos a previsualizar esto de nuevo y escuchar esto de nuevo con un groove. Sus cordones crean tensión, y suenan como si quisieran resolverse a un cable más estable, como un cable mayor o menor. Bien, entonces tenemos cinco cordones. Entonces este tipo de cordón solo tiene la raíz y el quinto. No incluye el tercero del cordón. Por ejemplo, C cinco sólo serán C y G a la raíz y la quinta. Escuchemos esto también con un surco. Estos también se conocen como acordes de poder, y solo con estas dos notas, no sabemos si el acorde es mayor o menor ya no hay suficiente información ya que necesitamos el tercero para determinarlo Este tipo de acordes pueden sonar sonando potentes y neutros y a menudo se tocan en guitarras eléctricas con distorsión y se utilizan en dramres de rock y metal Bien, echemos un vistazo al siguiente tipo de acorde. Echemos un vistazo a aumentada. Este tipo de acorde puede crear drama en la música y crea un sonido tenso y sin resolver Al ser aumentada en la quinta nota, crea una sensación de inestabilidad A C los acordes aumentados no tienen C, E y G agudos. Y puedes ver aquí la tienda cinco está resaltada porque el acorde incrementado tiene una quinta nota afilada Vamos a previsualizar esto aquí abajo también. Entonces este acorde no está en la clave de Do mayor, ya que C mayor no tiene una nota G aguda. En el uso de acordes aumentados, es más para agregar movimiento y color armónico en lugar de pertenecer estrictamente a una clave Nuevamente, vamos a darle un golpe a esto con una ranura. Después hay un acorde disminuido. Esto es esencialmente un acorde menor, donde la quinta nota es medio paso o un semitono inferior Este tipo de acorde crea un sonido tenso y disonante sin resolver Estos también se utilizan a menudo para crear tensión. Para este ejemplo, vamos a elaborar un acorde B disminuido. Si recuerdas, un acorde menor tiene un tercio menor, que es tres semitonos por encima de la raíz, y luego el quinto perfecto, que es siete semitonos Entonces, resolvamos primero el acorde B menor y cambiemos esto en un cable B disminuido Entonces la nota raíz será B. Y entonces necesitamos contar hasta tres semitonos, uno, dos, tres, a D, y luego la quinta nota es siete semitonos por encima de la raíz o cuatro semitonos por encima de la tercera y luego la quinta nota es siete semitonos por encima de la raíz o cuatro semitonos por encima de la Vamos a contar desde la raíz. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete. Así que recuerda, acorde disminuido tiene la quinta nota medio paso o un semitono Entonces en vez de esta F aguda, será una F. Así que B acorde disminuido, usaremos las notas B, D y F. Esto también está en la clave de Do mayor Como C mayor no tiene objetos punzantes ni planos, son solo las notas blancas en el teclado del piano Cambiemos esto también en la caja emergente del cordón. Entonces vamos a cambiarlo a B disminuido. Entonces puedes ver aquí tenemos los cinco planos porque la quinta nota está aplanada. Vamos a previsualizar esto de nuevo. Y oigamos esto con el groove. Entonces puedes escuchar eso, suena muy tenso. Ahora cambiemos esto de nuevo a nuestro acorde mayor, y cambiemos esto de nuevo a un acorde en Do mayor. Y notarás que aparecen seis. Entonces, si seleccionamos esto, esto lo convertirá en un acorde C six. Entonces esto agregará una sexta nota al acorde o hará de éste un acorde de cuatro notas. Por ejemplo, un acorde C seis tendrá la nota C. Entonces la raíz, E, la tercera, G, la quinta, y A, la sexta. Esto puede agregar riqueza a un ord básico. Escuchemos esto con el groove también. Bien, así que eso es sus cord, cinco acordes, aumentados, disminuidos, y En el siguiente video, vamos a ver los acordes séptimos. Te veré ahí. 22. Track de acordes: parte 4: 7º acordes: Bien, ahora echemos un vistazo a los acordes séptimos. Entonces desmarquemos seis y seleccionemos siete. Cuando se trata de un acorde de siete como este, hará del acorde un séptimo acorde dominante. Entonces esta es una tríada mayor con agregado menos séptimo. Entonces una tríada de C mayor usa una nota C, E y G. Así podemos encontrar el séptimo menos contando consiguió tres semitonos del quinto, uno, dos, Esto nos llevará a si bemol. Entonces un acorde de séptimo C siete o C dominante tiene una nota C, E, G y B plana. séptimo acorde dominante se usa a menudo para agregar tensión y color y a menudo se usa en jazz y blues. Para este ejemplo, cambiemos la nota raíz a una G, así tenemos un acorde G séptimo, ya que éste encaja en una clave de Do mayor, ya que usa un nos G, B, D y F. De nuevo, es una tríada mayor, entonces G, B y D, y luego tenemos un séptimo menos en la parte superior Entonces a partir de la quinta nota, podemos contar con tres semitonos para llegar a nuestro séptimo Uno, dos, tres. Y nuevamente, podemos previsualizar aquí abajo. Volvamos a tocar un groove con este acorde. Bien, echemos un vistazo a otro tipo de séptimo ahora. Veamos el séptimo mayor. Entonces este es un acorde mayor con un séptimo mayor agregado. Cambiemos la nota raíz a C. Así que vamos a elaborar un séptimo acorde en Do mayor. Entonces un acorde en Do mayor, usa la nota C, E y G. Y entonces necesitamos contar cuatro semitonos para llegar del quinto al séptimo Entonces uno, dos, tres, cuatro. Entonces un acorde de séptimo C mayor, usa la nota C, E, G y B. Y todos estos encajan en la clave de Do mayor. Nuevamente, volvamos a golpear con nuestro groove. Bien, entonces también tenemos un acorde menos séptimo. Entonces cambiemos esto de mayor a menor. Y cambiemos la nota raíz a D porque un acorde D menos séptimo encajará realmente en la clave de Do mayor. Una tríada D menor usa las notas D, F y A. Y luego necesitamos agregar un séptimo menos en la parte superior Entonces tenemos que contarlo tres del quinto al séptimo. Entonces a partir del quinto, necesitamos contar hasta tres semitonos. Entonces uno, dos, tres. Eso nos lleva a C. Así que un acorde D menos séptimo usa las notas D, F, A y C. De nuevo, volvamos a golpear con nuestro groove. Un acorde menos séptimo crea un sonido rico, ligeramente sombrío, y luego tenemos un acorde menor de siete mayores Este es un acorde menor con un séptimo mayor. Vamos a resolver este acorde D mayor menos siete. En primer lugar, tenemos una tríada D menor, que consiste en D, F y A. Luego necesitamos agregar un siete mayor en la parte superior Podemos resolverlo contando van cuatro semitonos del quinto Uno, dos, tres, cuatro, lo que nos dará una nota C aguda. Así que en realidad no usamos este tipo de acordes en una escala mayor. Esto se utiliza en realidad en una escala menor armónica o menor melódica Entonces aquí es donde se levanta la séptima nota. Por lo que este tipo de acordes crea un sonido dramático tenso y a menudo se usa en el jazz y la música cinematográfica para dar una sensación de misterio y tensión no resuelta Vamos a previsualizar esto aquí abajo. Escuchemos esto de nuevo con nuestro groove. Bien, así que son los acordes séptimos. En el siguiente video, vamos a ver acordes extendidos, que incluyen acordes noveno, acordes undécimo y acordes 13 Gracias por mirar, y te veré ahí. 23. Track de acordes: parte 5: acordes extendidos: Bien, ahora hablemos de estas otras extensiones de acordes, que son acordes noveno, 11 y 13 Cambiemos esto de nuevo a Do mayor, y comencemos con un noveno acorde. Para que veas que está resaltado el siete, también. Por lo que este noveno acorde incluye un séptimo dominante en C. Un noveno acorde incluye la raíz, tercero, el quinto y el noveno. Entonces una novena es octava más una segunda nota. Entonces, cuando seleccionamos aquí un noveno, podemos optar por tener esto como séptimo dominante o séptimo mayor. Para este ejemplo, escojamos un séptimo mayor ya que éste encajará en nuestra clave de Do mayor. Bien, vamos a resolver esto ahora. Entonces una tríada en C mayor consiste en las notas C, E y G. Y a partir de la G, podemos contar cuatro notas para encontrar la séptima mayor Entonces uno, dos, tres, cuatro. Entonces este es nuestro séptimo acorde mayor. Y el noveno es un segundo por encima de la octava, lo que nos dará una D. Vamos mover esto para que podamos ver esto un poco más claro Entonces este es nuestro noveno acorde. C, E, G, B y D. Vamos a previsualizar esto aquí abajo también. Y nos pegamos de nuevo con nuestro groove. Así que un noveno acorde puede sonar muy rico y exuberante y crea un sonido bastante jazzy Como dije, podemos tener un noveno acorde con un séptimo dominante. Entonces cambiemos esto a un g79 ya que esto encajará en nuestra clave. Entonces, vamos a resolver esto. Entonces tenemos una tríada G que consiste en G, B y D, y podemos contar tres semitonos partir de la quinta para encontrar una séptima dominante, que en este caso es una F. Y la segunda nota en G es una A. Así que tocamos esta octava arriba Entonces un séptimo dominante G consiste en G, B, D, F y A. Nuevamente, escuchemos esto con nuestro groove. También podemos afilar o aplanar el noveno. Sin embargo, veamos primero afilar el noveno. Por lo que esto puede agregar tensión y distancia y puede agregar un sabor y color azulados A veces se puede utilizar en géneros como el jazz, el blues y el rock. Entonces en este caso, tenemos nuestro séptimo G dominante , que consiste en G, B, D, F, y nuestro noveno afilado nos dará un afilado A. Nuevamente, oigamos esto con nuestro groove. Veamos ahora plano y noveno. Tengamos esto con el séptimo, también. Entonces nuevamente, tenemos un séptimo acorde dominante. Y aplanamos esta vez el noveno, lo que nos dará un piso A. Un noveno aplanado también agrega tensión y distancia y a menudo se usa para realzar los acordes dominantes del séptimo en géneros como el jazz, música clásica y la música flamenca Nuevamente, oigamos esto con nuestro groove. También podemos optar por tener un noveno aplanado y afilar desde el mismo cordón Esto agregará mucha disonancia y tensión y también puede agregar color a nuestro acorde. Vamos a previsualizar esto de nuevo. Entonces puedes aquí allá, hay mucha disonancia. También podemos tener un noveno acorde sin el séptimo. Entonces ahora va a ser un G add nueve. Entonces tenemos un cordón G mayor que consiste en G, B y D, y luego podemos agregar un noveno en la parte superior, que es una A. Y nuevamente, podemos tener peldaños con un séptimo mayor, y también tenemos cordones de peldaño menores, que recomiendo probar usted mismo Como dije, siempre se pueden probar estos cables presionando este botón de vista previa de aquí abajo. Para que puedas pasar, hacer clic en diferentes y escuchar cómo suenan. Bien, ahora echemos un vistazo a los acordes 11. Entonces esto tiene la raíz, tercera, quinta, séptima, novena y undécima. El undécimo es una octava, más la cuarta nota. Entonces en Do mayor, la cuarta nota es una F, uno, dos, tres, cuatro. Entonces es un noveno acorde, más esta F. Cambiemos la nota raíz a una C. Así que en Do mayor, la cuarta nota es una F, uno, dos, tres, cuatro. Entonces es un acorde C nueve, más un undécimo, que es una F. Así que las notas para este acorde serán C, E, G, B, flat, D y F. Vamos a previsualizar esto también. Y oigamos esto con nuestro groove. Eso no está en ub de nuestra canción, así que si quieres tener esto en Ku de nuestra canción, todos necesitamos cambiar esto a un séptimo mayor. Entonces una C mayor siete, noveno, undécimo, tendremos la nota C, E, G, B, que es la séptima mayor, D, que es una novena y F, que es la undécima. Esta vez, cabe en clave. Un acorde undécimo puede agregar riqueza armónica y puede usarse para crear suspenso Se puede utilizar en géneros como el jazz y R&B y se puede utilizar para mejorar tu música Entonces estos acordes se están volviendo bastante grandes ahora. Nuevamente, podemos tener diferentes combinaciones, así que podríamos tener un acorde menor con un siete mayor y un noveno más plano y un 11 más agudo Escuchemos esto. Esto puede sonar muy disonante Probemos otro, un acorde menor. Tenemos un séptimo dominante y un noveno y undécimo. Entonces, como puedes ver, podemos crear muchos acordes complejos diferentes, y hay tantas combinaciones diferentes que podemos elegir con esta caja emergente de acordes Bien, volvamos a un acorde en Do mayor. Bien, ahora echemos un vistazo a los acordes 13. Así que seleccionemos 13 aquí. Entonces esto tiene la raíz, tercera, quinta, séptima, novena, undécima, y 13ª o sexta nota y octava superior Entonces en Do mayor, la sexta nota, una, dos, tres, cuatro, cinco, seis es esta A. Entonces tendremos una nota A y una octava arriba El uso de un acorde 13 puede agregar profundidad y riqueza a nuestra armonía Por lo que este tipo de acordes podría ser útil para géneros que exploran la armonía extendida como el jazz y la fusión. Ahora vamos a trabajar en Do mayor siete, nueve, 11, 13 acorde. Entonces aquí tenemos la raíz, que es C, el tercio mayor, que es E, el quinto, que es G, el séptimo mayor, que es B, el noveno que es D, el undécimo, que es F, y el 13, que es A. Entonces es un acorde bastante grande. Vamos a previsualizar esto de nuevo y volvamos a golpearnos con nuestro groove. Así que podemos conseguir unos cordones bastante complejos, si así lo deseas. Vamos a cambiar esto de nuevo a un simple cable en C mayor. Bien, así que eso son cordones extendidos. A continuación, vamos a ver algunas otras opciones para esta caja emergente de cordón. Gracias por mirar, y te veré ahí. 24. Pista de acordes: parte 6: otros ajustes: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a algunas otras opciones para esta caja emergente de acordes. Veamos ahora el cambio de la nota base del acorde. Y podemos hacer esto con esta lista desplegable de notas base. Cambiar la nota base del acorde puede agregar variedad armónica y tensión y puede enfatizar un movimiento base específico en la progresión. Entonces cambiemos la nota base a una D. Así que ahora tocaremos un acorde en Do mayor, pero la nota base será una D. Así que tendremos una C mayor Troad Pero la nota base será una D. Otra vez, vamos a previsualizar esto y volvemos a golpearnos con nuestro groove. Por ahora, sin embargo, cambiemos esto de nuevo a ninguno, así que solo tocaremos el acorde en Do mayor. Veamos ahora el menú desplegable de la escala. Entonces esto, podemos elegir una determinada escala o modo. Una escala es una secuencia de notas, así que aquí podemos elegir diferentes escalas que podrían ayudarte a idear nuevas ideas y romper patrones familiares. Algunas de estas escalas pueden darle un sabor diferente a la música, así que recomiendo probarlas también. Entonces nuestra escala mayor es onian, pero tenemos todas estas otras escalas que podemos elegir también. Algunas de estas escalas pueden cambiar dependiendo del tipo de acorde que selecciones. Por ejemplo, si cambio esto a un acorde incrementado, tenemos menos y diferentes escalas para elegir Entonces, volvamos a poner esto a un acorde mayor. Y se puede ver que aquí tenemos diferentes escalas desde el acorde incrementado Bien, la siguiente característica es la entrada midi. Esto me parece muy útil si tienes un teclado midi y quieres saber el nombre del acorde que estás tocando. A veces puedes tocar un acorde agradable o interesante, pero quizás no necesariamente conozcas el nombre exacto del acorde. Entonces, si habilitas el botón de entrada midi y tocas un acorde en tu teclado midi, entonces te dirá el nombre del acorde aquí arriba. Tengo mi teclado midi frente a mí aquí, así que solo voy a tocar algunos acordes, que puedan ver ingresar el nombre del acorde cuando los toque. Bien, entonces voy a empezar tocando un acorde en Do menor, y ya ves que va a decir Do menor aquí arriba. Probemos algo un poco más complejo. Probemos un acorde A disminuido. Se puede ver que dice A DIM aquí arriba. Sólo por diversión, voy a jugar algo súper complejo y veamos qué dice. Voy a tocar montones de notas diferentes. Eso es un C -11, plano 13. Probemos con otro. Bien, entonces eso es un A bemol mayor siete, 913. Probemos uno más. Hagamos esto un poco más loco, y veamos qué dice. Bien, entonces eso dice si bemol, menos siete, mayor siete, piso, nueve, 913 Bien, entonces un cable como ese podría tardar un tiempo en funcionar, pero si tienes habilitada la entrada midi y tocas el acorde, te lo dirá aquí. Pero por ahora, volvamos a un acorde C agradable y sencillo. Una vez que hayamos terminado, podemos desactivar el botón de entrada midi presionándolo nuevamente. Y, por supuesto, tenemos el botón de vista previa aquí abajo. Y nuevamente, escuchemos nuestro groove una vez más. Bien, así que esos son los diferentes tipos de acordes en esta pista de acordes, y esos son todos los ajustes en este pop up de acordes Entonces espero que te hayan resultado útiles estos últimos videos, sobre todo si eres nuevo en la teoría musical, y espero que ahora entiendas los diferentes tipos de cables y puedas experimentar con estos diferentes cables en tu música. Entonces gracias por mirar, y te veré en la siguiente. 25. Synth Session Players - Brief Look and Introduction: En esta lección, quiero presentarles a los jugadores de sesión Synth que se agregaron en Logic Pro 12 No se trata solo de agregar nuevos sonidos o presets. Es una nueva forma de escribir partes de sintetizador dentro de Logit proro. Lo primero que hay que entender es que estas no son pistas de sintetizador independientes Los reproductores de sesión de sintetizador viven dentro reproductores de sesión de teclado y bajo existentes Esa elección de diseño es deliberada. Estos jugadores de sesión ya entienden la armonía, los roles musicales y cómo las partes suelen funcionar en una canción. Las versiones de sintetizador simplemente se conectan a ese mismo sistema. Otro punto clave es que los reproductores de sesión de sintetizador están construidos para trabajar de la mano con la pista de acordes Una vez que se establece la pista de acordes, estos jugadores ya saben qué tocar. Entonces, en lugar de comenzar desde una región midi en blanco, estás comenzando desde camilla Antes de ir más lejos, es importante aclarar algo. Estos no son presets de sintetizador tradicionales. Un preset normal principalmente te da un sonido. Si hay movimiento o ritmo, generalmente está horneado y no tienes mucha visibilidad de cómo funciona musicalmente Dado que los jugadores de sesión trabajan de manera diferente. Aquí no estás eligiendo un sonido, estás eligiendo un papel musical. Comportamiento sobre sonido. Dado que los jugadores de sesión generan patrones de notas, ritmo, articulación y modulación, y toda esta información se escribe directamente en la región. Eso significa que puedes ver lo que está pasando, editarlo, remodelarlo y convertirlo a MIDI Entonces, en lugar de elegir un preset y esperar que se ajuste a tu pista, estás decidiendo cómo se comporta el sintetizador desde Ese es un gran cambio conceptual. Por qué esto importa. Este enfoque le brinda una generación de ideas más rápida, clara intención musical y más control sin complejidad. Y verás descabadamente esta sección, el verdadero poder proviene de dar forma al movimiento, la sensación y la expresión en lugar de programar todo manualmente Empecemos dentro del reproductor de teclado de sesión. Aquí está viendo un nuevo estilo de enfoque symp diseñado específicamente para piezas de acordes Los dos nuevos en los que estamos enfocados son el pad de modulación y los acordes rítmicos También está el sencillo pad, que cubro en la lección de tecladista de sesión en otra parte del curso. Entonces aquí nos enfocamos en los otros dos. Empecemos con el pad de modulación. Vamos a escuchar esto ahora mismo. Esto está haciendo mucho más que mantener presionados los acordes de bloque. La lógica está generando voces de acordes, lemps de notas, movimientos dinámicos y modulación como cambios , movimientos dinámicos y modulación de filtro y envolvente Lo importante es que el movimiento no esté oculto. Está escrito directamente en la región. Eso significa que los datos son visibles, editables y convertibles a MIDI. Nada está encerrado. El pad de modulación se trata principalmente de ritmo y groove, lo que le permite agregar movimiento y sensación a la parte dando forma cómo evoluciona el sonido con el tiempo en lugar de cambiar las notas Piense en el pad de modulación como un control rítmico y de ranura Agrega movimiento y sensación musical sin cambiar las notas reales que se tocan. Ahora cambiemos a acordes rítmicos y escuchemos esto de vuelta. Aquí el foco está menos en el movimiento de evolución lenta y más ritmo y groove. La lógica genera patrones repetitivos que se adaptan automáticamente a medida que cambia la causa. Debido a que esto sigue la pista de acordes, puedes cambiar la armonía en cualquier momento, y el ritmo se actualiza instantáneamente. Esto hace que sea muy rápido bosquejar acordes basados en ideas sin programar manualmente cada ritmo Bien, a continuación, echemos un vistazo al bajo sintetizador de sesión. Entonces pasemos a los bajistas. Así que hagamos clic aquí y cambiemos de tipo a bajista. Aquí tenemos a estos tres bajistas sintetizadores. Estos son papeles de bajo basados en sintetizadores, y cada uno está diseñado para hacer un trabajo musical muy específico En lugar de pensar en términos de notas, ayuda pensar en lo que el bajo está destinado a hacer en la pista. Tengamos una escucha a la primera base de punp. La base de la bomba se centra en el surco, la repetición y la energía. Esto funciona bien en estilos electrónicos y de baile donde el bajo está ahí para impulsar impulso en lugar de tocar líneas melódicas detalladas Puedes enfocarte en la sensación y tono en lugar de programar cada nota. Bien, veamos ahora ocho a ocho bases. Esto se centra en notas sostenidas más largas, metro y movimiento de tono. Debido a que sigue la pista de acordes, el movimiento raíz se mantiene musical automáticamente. Esto es especialmente útil si quieres resultados rápidos, o estás trabajando en géneros modernos basados en bases. Espacio de secuencia. Esto crea patrones repetitivos que se bloquean al tempo del proyecto y se adaptan automáticamente a los cambios de acorde. Esto funciona bien para líneas de base arpegiadas y Al igual que con el estilo de teclado, aquí todo sigue siendo editable y convertible Bien, así que eso es una visión general rápida de los jugadores de sesión de sintetizador A continuación, vamos a profundizar en el Elfotab que veremos en la siguiente lección 26. Synth Session Players - LFO Tab: Part 1: Bien, ahora echemos un vistazo a la pestaña LFO en la sesión symph players De aquí viene gran parte del movimiento, pulso y surco en estas partes de symph A diferencia de editar el sonido symp en sí, el LFO aquí trata sobre cómo evoluciona la pieza Debido a que esta modulación está escrita directamente en la región, no estás trabajando a ciegas. En realidad puedes ver cómo está sucediendo el movimiento y tomar decisiones musicales basadas en lo que escuchas y ves. En el nivel básico, un LFO es una forma de modulación repetida Mueve un parámetro hacia arriba y hacia abajo con el tiempo. En el contexto de los reproductores de sintetizadores de sesión, el LFO controla el comportamiento del rendimiento No es sólo una sinfonía. pequeños cambios de LFO pueden cambiar completamente la sensación de una parte, incluso cuando la nota permanece igual Bien, ahora echemos un vistazo a los controles para el ElfoTab Para este siguiente ejemplo, quiero hacer demostración de esto en el reproductor de sintetizador de teclado Así que vamos a hacer clic por aquí y cambiar el tipo a reproductor de teclado. Y para este ejemplo, escojamos Modulation pad. Esto debería ser más obvio para aquí ya que tiene muchas notas sostenidas. Aquí, en la pestaña LFO, encontrarás controles como velocidad, cantidad y forma de forma de onda Cada uno de estos afecta directamente cómo se siente el movimiento. Primero echemos un vistazo a las formas de onda. Antes de hacer esto, sin embargo, solo voy a poner la cantidad al 100%, solo para que sea más obvio aquí. Bien, entonces tenemos estas cuatro formas de onda diferentes aquí, y estas afectan cómo se siente el movimiento, no solo lo notable que es. Cada forma de onda te da un tipo diferente de movimiento. Hablemos primero de onda triangular. La onda triangular crea un movimiento suave hacia arriba y hacia abajo. Debido a que la subida y la caída son simétricas, el movimiento se siente equilibrado y predecible. Esto funciona especialmente bien para almohadillas, cuerdas sostenidas y movimientos rítmicos suaves que no deberían distraerse A menudo es un buen punto de partida cuando quieres movimiento sin énfasis rítmico obvio Veamos ahora la siguiente forma, que es una onda sinusoidal. La onda sinusoidal es la opción más suave. No hay bordes afilados ni cambios repentinos, por lo que el movimiento se siente muy natural y fluido. Escuchemos esto ahora. Esto es ideal para modulación sutil, texturas de evolución lenta y partes de fondo que necesitan mantenerse fuera del camino. Bien, ahora veamos onda cuadrada. La onda cuadrada crea un movimiento abrupto de encendido y apagado. En lugar de simplemente subir y bajar suavemente, la modulación salta instantáneamente entre valores. Esto puede producir una sensación cerrada mucho más rítmica. Esto funciona bien para partes entrecortadas o pulsantes, fuerte énfasis rítmico o estilos más agresivos o electrónicos Si se usa sutilmente, puede agregar ranura, pero empujar más, rápidamente se vuelve muy obvio Estas formas de onda también cambiarán cuando veamos el control de simetría lo suficientemente pronto. Bien, entonces tenemos onda aleatoria, que crea un movimiento escalonado que no se repite. En lugar de ciclar en una forma predecible, el LFO salta a nuevos valores aleatorios a lo largo del tiempo Esto produce una sensación más impredecible y evolutiva. Esto es útil para agregar variación, romper la repetición mecánica y crear movimientos sutiles en sonidos sostenidos. Esto funciona mejor con ajustes de menor cantidad donde agrega interés sin sonar caótico Pero para los siguientes ejemplos, pongamos la cantidad al 100% para que sea más obvio escucharlo. Bien, hablemos ahora del control de fase aquí. Para este ejemplo, volvamos a la onda triangular. Entonces el control de fase establece el punto de partida de la forma de onda ELFO En términos musicales, esto determina cuándo comienza el movimiento relativo a la región. Esto es especialmente útil cuando el ELFO está sincronizado con la cuadrícula y desea que el movimiento se sienta más apretado o más relajado Así que voy a reproducir esto y ajustar el control de fase para que puedas escuchar una diferencia. Pero por ahora, volvamos a poner esto a cero. Bien, hablemos ahora del control de simetría aquí. Esto reconfigura la forma de onda seleccionada en lugar de cambiar su velocidad Ajustar la simetría cambia el tiempo que la onda permanece alta versus baja, lo que puede afectar dramáticamente el ritmo. Todo lo que hace depende de la forma de onda que estés usando. Si ha seleccionado triángulo, simetría convierte el triángulo en una forma de estilo de origen hacia arriba o hacia abajo. Para la onda sinusoidal, simetría cambia el ángulo de la onda sinusoidal. Esto inclina la forma de onda hacia la izquierda o hacia la derecha, creando un movimiento más parecido a una sierra mientras se mantiene suave. Nuevamente, reproduciré esto y ajustaré este control de simetría. Veamos ahora la simetría para la onda cuadrada. Con ondas cuadradas, la simetría actúa como un control de ancho de pulso. A cero, la ola es perfectamente cuadrada. Entonces para onda aleatoria, notarás que el control de simetría no está disponible. Eso es porque el movimiento no se basa en la forma repetitiva simétrica. Cada paso se genera aleatoriamente por lo que no hay equilibrio de forma de onda o ancho de pulso para remodelar simetría es uno de los controles más poderosos aquí porque te permite dar forma al énfasis sin cambiar la velocidad, agregar dirección de movimiento y crear patrones rítmicos más expresivos Los pequeños cambios suelen sonar más musicales que los extremos. Bien, así que ese es el final de este video. A continuación, seguimos mirando la pestaña LPO. 27. Synth Session Players - LFO Tab: Part 2: Bien, ahora echemos un vistazo a la tasa de LFO y la sincronización. Para este siguiente ejemplo, volvamos a la onda triangular. Empecemos con la tarifa. La velocidad controla la velocidad de los ciclos de LFO. En términos simples, esto controla rapidez con la que se repite el movimiento. Una velocidad más lenta crea un movimiento suave y evolutivo que funciona bien para almohadillas y piezas sostenidas. Déjame mostrarte ahora. Una velocidad más rápida crea un movimiento rítmico más obvio, que puede funcionar bien para símpago pulsante Lo clave a escuchar es si el movimiento soporta el surco o empieza a distraerse Bien, ahora echemos un vistazo a la sincronización. Esto decide si la modulación sigue la estructura musical, el ritmo o se comporta más libremente Puedes ver que tenemos varias opciones aquí. Primero echemos un vistazo a la región. Cuando esto se establece en región, el LFO se sincroniza con la longitud de la Por lo que el movimiento se estira o comprime para adaptarse a la región, lo que funciona bien para evolucionar frases y almohadillas. No cambiemos esto a cordón. Con cordón seleccionado, la Elefra restablece y se hunde cada vez que cambia el cordón. Esto mantiene el movimiento estrechamente vinculado al ritmo armónico y a menudo se siente muy musical para las partes basadas en acordes. Ahora escojamos beats. Beats hunde el lepo directamente a los proyectos Tempo usa divisiones musicales, y podemos elegir una división musical aquí arriba bajo tasa. Esto es ideal para el movimiento rítmico que necesita bloquearse firmemente con los tambores Entonces volveré a reproducir esto y esta vez, encenderé el metrónomo para que oigas esto con el clic Entonces tenemos el modo libre. Cuando se selecciona esto, el LFO se ejecuta independientemente del tempo El movimiento se siente más orgánico y menos predecible, lo que funciona bien para texturas de fondo y movimiento sutil. Aquí las ratas y Hertz. Y entonces el último modo es aleatorio. Esto genera valores impredecibles en lugar de repetir un ciclo regular. Esto también es útil para agregar variaciones e inestabilidad sutiles, especialmente en cantidades bajas. Una buena regla general es usar beats o acordes para el movimiento rítmico o Utilice la región para la evolución basada en frases y use libre o aleatorio para el movimiento orgánico o textural Para este ejemplo, sin embargo, pongamos esto en acorde. También apaguemos el metrónomo, y podemos hacerlo con una llave Bien, hablemos rápidamente de la cantidad de Epo. Entonces esto controla la fuerza con la que la Epo afecta al objetivo. Esto no cambia la velocidad del movimiento. Cambia hasta qué punto se está empujando y arrastrando el parámetro. Cantidades inferiores un movimiento sutil. A menudo te sientes más que aquí. Cantidades mayores hacen que el movimiento más obvio y pronunciado. En la mayoría de las situaciones musicales, lo mejor es comenzar con una cantidad baja y aumentarla gradualmente hasta que la parte se sienta viva en lugar de modularla obviamente Cómo funcionan juntos estos controles. Piénsalo así. Rate decide qué tan rápido ocurre el movimiento, Sync decide cuándo y cómo se relaciona el movimiento con la música, y el Monte decide qué tan notable es el movimiento. Una vez que entiendes esa relación, el LFO se vuelve muy intuitivo de usar Bien, así que ese es el final de este video. A continuación, vamos a seguir viendo estos controles de LFO 28. Synth Session Players - LFO Tab: Part 3: Bien, sigamos mirando la pestaña LFO. Podemos hacer clic en este botón Me puntos gratis aquí para revelar controles adicionales de modelado y asignación. Primero veamos la curva y la curva S. El control de curva agrega curvatura a la forma de onda. Esto suaviza o exagera las transiciones, hace que un movimiento se sienta más suave o más pronunciado Aumentemos esto ahora, y puedes ver esta actualización en la pantalla. También podemos usar números negativos. Hablemos ahora de la curva S. Si habilitamos esto, agrega una sutil respuesta en forma de S a la forma de onda. Esto hace que el movimiento se sienta más orgánico y menos lineal. Sin embargo, esto no tiene ningún efecto cuando la curva se establece en cero, por lo que es mejor usarla junto con los ajustes de curva. Bien, ahora echemos un vistazo a los controles de asignación aquí abajo. Entonces tenemos offset y objetivo CC. Primero echemos un vistazo al offset. Ofset desplaza toda la curva ALPO hacia arriba o hacia abajo. Por defecto, un EleFO generalmente se mueve por igual por encima y por debajo de un punto central Cuando aplica desfase, mueve ese punto central y puede ver esta actualización en la región. Si aplicamos algún desplazamiento, significa que la modulación ya no regresa de manera uniforme a su posición original. En cambio, el movimiento está sesgado en una dirección. Musicalmente, esto es útil cuando quieres un movimiento continuo, pero no quieres que el parámetro se restablezca por completo o retroceda a donde comenzó Por ejemplo, es posible que desee un filtro que siga abriéndose y cerrándose gradualmente pero que nunca se cierre completamente o movimiento de brillo que generalmente permanezca más alto o más bajo en general. Por lo tanto, el desplazamiento le permite mantener el movimiento mientras cambia el comportamiento general de la pieza. Bien, ahora echemos un vistazo al control de objetivos CC. Esto decide qué es lo que realmente está controlando el LFO. El LFO en sí solo está generando movimiento. Por sí solo, no hace nada hasta que se le asigna en algún lugar. El objetivo CC le dice a Logic Pro dónde enviar ese movimiento. Por defecto, el objetivo se envía a CC 74, que la lógica utiliza para el brillo. Es por eso que cuando habilitas por primera vez el LFO, escuchas movimientos de estrella de filtro de inmediato, aunque no hayas configurado nada qué manualmente Si hacemos click en este menú aquí, verás una lista de mini controles 0-127 Cada uno de estos representa un control MIDI diferente. Los CC MIDI pueden llegar a ser bastante profundos, y no vamos a sumergirnos en todo eso aquí Por ahora, solo quiero mostrarte algunos comunes para que entiendas cómo funciona el enrutamiento LFO Por ejemplo, algunos de uso común son CC 74, que se usa comúnmente para el brillo. Este es uno predeterminado que hemos estado usando hasta ahora y generalmente afecta el movimiento del estilo de filtro. También hay CC 11, que se usa comúnmente para la expresión. Esto puede cambiar lo fuerte o contenida que se siente la parte con el tiempo Y también CC seven, que controla el volumen. Esto es muy obvio, por lo que es mejor usarlo sutilmente cuando se modula por un LFO Puede notar que no todos los números CC producirán resultados inmediatamente, un CC es solo datos de control, por lo que hay que configurar algo para responder a Entonces, en lugar de un LFO que controla el brillo, podemos elegir un número CC diferente y hacer que el mismo movimiento afecte a otra cosa. No obstante, volvamos al valor por defecto, que es CC 74, que controla el brillo. Entonces lo importante aquí es entender que el movimiento no cambia. No estamos cambiando la forma, tasa o cantidad de LFO. Sólo estamos cambiando donde se está aplicando el movimiento. Es por ello que el ELFO se siente tan flexible dentro de los jugadores de sesión Puedes mantener el mismo ritmo o movimiento evolutivo, pero cambiar por completo cómo se comporta musicalmente cambiando el Una forma sencilla de pensarlo es esto. El LFO controla cómo se mueve algo, el objetivo CC controla lo que se mueve Una vez que separas esas dos ideas, este menú tiene mucho más sentido. Poniéndolo todo junto, el verdadero poder del ElfoTab proviene de combinar estos controles En lugar de depender de un solo ajuste, puede elegir una forma de onda para la sensación general, una tasa justa para el tiempo, comportamiento de la forma o la simetría, y refinar el movimiento de la curva y el desplazamiento. Lo clave a escuchar no es si la modulación suena impresionante por sí sola. Pregunte en su lugar, ¿ soporta la ranura? ¿Se ajusta al papel musical de la parte, y mejora el movimiento sin llamar la atención? En la mayoría de los casos, los ajustes sutiles suenan más musicales. Bien, así que esa es toda la configuración de esta pestaña de EleFO. Solo he demostrado esto para el pad de modulación, pero también tenemos los ajustes de Elepho para los acordes rítmicos Y también para la sesión jugadores basados en Synth. Ahora ajustemos la tasa y la cantidad para el LFO para los jugadores basados en Synth Por lo que recomiendo probar estos por aquí también. Y también tenemos este Elfotab para los acordes rítmicos, sintetizador de sesión de teclado. Y de nuevo, voy a reproducir esto y ajustar la tasa y la cantidad para que puedas golpear rápidamente una diferencia. Bien, entonces ese es el final de este video, y esos son todos los controles para esta pestaña LFO Recomiendo probar esto usted mismo. Así que gracias por ver, y voy a ver en el siguiente video. 29. Synth Session Players - Envelope Tab: Bien, ahora echemos un vistazo a la pestaña del sobre. Para esta causa rítmica sintetizador de teclado, no tenemos la Pero si haces clic aquí y cambias al pad de modulación y cambias el reproductor de sesión, puedes ver aquí tenemos la pestaña sobre. Además, solo ten en cuenta que los bajistas de Session synth no tienen esta tabulación Si el LFO se trata de repetir el movimiento, la pestaña del sobre trata de cómo evoluciona una pieza con Esto es especialmente útil para pads y partes de sintetizador sostenidas donde quieres movimiento y expresión sin ritmo obvio Una vez más, se trata de comportamiento, no de diseño de sonido tradicional. Antes de ver el ataque, la retención y la decadencia, echemos un vistazo a la complejidad y la cantidad por aquí. Empecemos con cantidad. Esto controla qué tan fuertemente la envolvente afecta el rendimiento. Los valores más bajos son sutiles y los valores superiores exageran el movimiento Para este siguiente ejemplo, dejemos la cantidad en otoño. Entonces tenemos complejidad. Esto influye en la variación que introduce el juego de sesión a medida que se desarrolla el sobre. Y podemos ver esta actualización en la región cuando ajustamos la complejidad. Reproduciré esto ahora y ajustaré este dial de complejidad para que puedas escuchar una diferencia. Bien, volvamos a reproducir esto y ajustemos la cantidad para que sea más sutil. Dejémoslo por ahí por ahora. Bien. Hablemos ahora de ataque, retención y decadencia. Estos controles dan forma a cómo responde el reproductor de sesión después de cada cambio de acorde. Empecemos con ataque. Esto controla la rapidez con la que la pieza se desvanece cuando se inicia un nuevo cable Y podemos dar click y arrastrar sobre estos números aquí. Haga doble clic y escriba un número en, o podemos hacer clic y arrastrar sobre estas notas. Un ataque más corto se siente más íntimo y presente. Escuchemos esto ahora. Y un ataque más largo crea un oleaje más lento, que funciona especialmente bien para almohadillas y partes atmosféricas. Entonces escuchemos esto ahora con un ataque más largo. Bien, ahora hablemos de espera. Esto controla cuánto tiempo permanece el sonido en su nivel máximo. Una sujeción más larga mantiene la energía sostenida a través del cordón. Y una sujeción más corta hace que la pieza se sienta más dinámica y menos estática. Esto es útil para dar forma a lo plena o restringida que se siente la progresión Pero por ahora, pongamos esto a alrededor de 50. Bien, ahora hablemos de decaimiento. Esto controla cómo el sonido se desvanece después del escenario de retención Un decaimiento más largo le da transiciones mezcladas suaves entre los cables. Un decaimiento más corto da como resultado cambios de acordes de título más limpios. Pero para esto, dejemos esto alrededor de los 60. Juntos, atacan la retención y la decadencia para encontrar el contorno general de la actuación. Un buen enfoque es establecer primero la forma del sobre, luego aumentar gradualmente la cantidad hasta que el movimiento se sienta musical en lugar de obvio. Entonces hagamos esto ahora. Entonces para este ejemplo, lo dejaré por aquí. Bien, ahora hablemos de estos controles de la derecha por aquí. Tenemos una línea y Chef Start. Empecemos con una línea. Esto determina cómo el sobre se alinea con la sincronización musical. Tenemos dos opciones, inicio en escalón o paso de pacana. Entonces ahora mismo está en el paso de Pecan. Y cuando se selecciona esta, la envolvente se forma de manera que el punto más alto se alinea con el acorde cambia. Esto crea una sensación de respiración más natural, especialmente para almohadillas y texturas en evolución. En muchas situaciones musicales, esto se siente menos mecánico y más expresivo. Hablemos ahora de empezar a paso. Cuando esto está habilitado, el sobre comienza exactamente en el cambio de acorde. Esto hace que el movimiento se sienta muy apretado y predecible. Funciona bien cuando quieres que el comportamiento del sobre se sienta claramente atado a la armonía. También tenemos aquí este botón de invertir, que invierte la forma del sobre Entonces, si presiono esto, verás esta forma invertida. Por lo que puede ser interesante escuchar cómo suena tu parte cuando tienes invertidos seleccionados Para esta demostración, sin embargo, no voy a tener invertidos seleccionados. Bien, ahora hablemos de Shift Start. El control de inicio Shift le permite desviar cuando la envolvente comienza en relación con el cambio de acorde. Esto le permite retrasar ligeramente el sobre para una sensación más relajada. También puedes darle un codazo antes para mayor urgencia. Vamos a ajustar esto ahora y verás esta actualización en la región. Este es un control sutil, pero es muy efectivo cuando quieres que el movimiento se sienta menos rígido. Para esta demo, sin embargo, hagamos doble clic y volvamos al valor por defecto del 0%. Hablemos ahora del menú de puntos gratuito, que puedes acceder por aquí. Entonces, cuando hacemos clic en esto, esto revela controles de envolvente adicionales. Estos no cambian la forma en sí. Cambian cómo se aplica el sobre. Hablemos primero de la configuración de la lámpara. Esto determina cuánto dura el sobre en relación con la música. En otras palabras, decide si el sobre se adapta musicalmente a tus acordes o sigue una forma de base de tiempo fija Por defecto, está en relativo. Cuando se establece en relativo, el sobre se adapta automáticamente a la longitud del cable o región. Esto significa que los acordes más largos obtienen movimientos de envolvente más largos y los acordes más cortos obtienen movimientos de envolvente más cortos. Esto mantiene el comportamiento musical, aunque posteriormente cambies la longitud o arreglo del acorde. Pero para la mayoría de las situaciones musicales, esta es la opción más segura y natural y la que probablemente más usarás. Bien, hablemos ahora de escala absoluta. Si tenemos este selectivo, el sobre sigue una forma de tiempo fija, pero aún se escala para encajar dentro del contexto musical. Esto le da un tiempo de envolvente más consistente vez que conserva la flexibilidad musical. Esto puede ser útil si quieres forma de envolvente más controlada, pero no quieres ignorar por completo la estructura musical. Y puedes ver actualización cuando cambiemos a esto. Hablemos del siguiente, que es absolutamente recortado. Con esto, el sobre corre a una longitud fija independientemente de la duración del cable. Si el cable es más corto que el sobre, el sobre se corta. Si el cable es más largo, el sobre se completa temprano y luego permanece plano. Esto puede sonar más mecánico, pero es útil para efectos estilizados, tiempos de envolvente muy deliberados y comportamiento electrónico más rígido Bien, entonces tenemos AD fijo absoluto. Esto bloquea el sobre a un tiempo fijo de ataque y decaimiento. Esto ignora la longitud del cable por completo y se comporta más como un sobre SIP tradicional Esto es útil si quieres un comportamiento de envolvente predecible, respuesta de estilo SIM más clásica o una conformación consistente independientemente de los cambios de armonía. Y podrás escuchar cuando escojamos diferentes ajustes de longitud, sí afecta el sonido. Si no estás seguro de cuál usar, te recomiendo comenzar con relative Mantiene las cosas musicales, flexibles y receptivas a los cambios de arreglo. Los otros modos están ahí cuando se quiere más control en lugar de adaptación. Bien, ahora hablemos del objetivo CC. Al igual que con el LFO, la envolvente se puede enrutar a un objetivo CC Por defecto, esto se establece en CC 74, lo que significa que la envolvente está influyendo en el comportamiento de brillo Esto permite que la envolvente dé forma a la intensidad o Tabre a lo largo del tiempo, en lugar de controlar directamente el volumen No es necesario cambiar esto para obtener excelentes resultados, pero es útil entender que el sobre está trabajando a través de datos de rendimiento. Bien, entonces tenemos compensación, y esto desplaza toda la respuesta del sobre hacia arriba y hacia abajo. En lugar de regresar uniformemente a un punto central, la envolvente se vuelve sesgada en una dirección. Esto es útil cuando quieres más movimiento que nunca se restablece por completo Por ejemplo, almohadillas que siempre permanecen ligeramente abiertas o texturas que nunca se desvanecen por completo. Usa sutilmente, esto como pulimento sin llamar la atención. Entonces solo para este ejemplo, cambiemos el desplazamiento a 50, y puedes ver esta actualización en la región aquí. Ahora, probemos -50. Intentemos algo un poco más sutil. Intentemos -15. Y probemos 15. Ahora, volvamos a poner esto al valor por defecto de cero. Bien, así que esos son todos los controles para este sobre. Recomiendo comenzar a dar forma al ataque, mantener la decadencia, y luego ajustar la cantidad hasta que se sienta bien. Después elige un modo de alineación para que se adapte a la pieza. Luego puede multar los inicios de Tomas Chef y explorar los controles adicionales si es necesario. Los pequeños ajustes suelen sonar mejor. Entonces, la pestaña del sobre trata de cómo se desarrolla una parte con el tiempo, no de cómo suena en un solo momento Le permite dar forma al movimiento, controlar dinámicas, suavizar las transiciones de acordes y agregar intención musical, todo mientras se mantiene flexible y no destructivo. En la siguiente lección, pasaremos a la pestaña de diapositivas y veremos cómo agregar un movimiento expresivo de tono. Entonces gracias viendo, y te veré ahí. 30. Synth Bass Session Players - Slide Tab: Bien, ahora centrémonos en la pestaña de diapositivas. Esta tablatura se usa con los bajistas de Synth Session, y realmente brilla con las partes de ocho a ocho bajos y bajo de sintetizador sostenido Así que vamos a hacer clic en este icono aquí y cambiar el tipo de tecladista a bajista. Y escojamos ocho a ocho base y presionemos cambiar Jugadores de Sesión. Ahora seleccionemos la pestaña de diapositivas aquí. Las diapositivas controlan cómo las notas se conectan entre sí, agregando movimiento y expresión de tono sin necesidad de dibujar manualmente pitch bend o automatización. ¿Qué hacen musicalmente las diapositivas? En esencia, el deslizamiento se trata de cómo una nota se mueve hacia la siguiente. En lugar de que cada nota de bajo comience limpiamente en su tono objetivo, diapositivas permiten que las notas se deslicen hasta el siguiente tono, se deslicen hacia abajo al siguiente tono y llenen más legato y Este tipo de movimiento es una gran parte de los estilos de bajos modernos, especialmente trap, hip hop, pop y música electrónica. Comportamiento, no edición de tono. Al igual que las otras pestañas del reproductor de sesión, no se trata de la edición tradicional. No estás dibujando curvas de tono a mano o automatizando el instrumento directamente En cambio, estás moldeando el comportamiento de rendimiento. El jugador de sesión decide cuándo y cómo ocurren las diapositivas en función del contexto musical y sus ajustes. Es por eso que los resultados suelen sentirse naturales más que exagerados o mecánicos Ahora echemos un vistazo al modo de diapositiva. Si haces clic en estos puntos libres aquí, verás la configuración del modo. Para ocho a ocho bases, esto generalmente se establece en pitch bend. Esto significa que la diapositiva se crea utilizando datos de pitch bend, lo cual es ideal para un movimiento suave y continuo de cabeceo. Otros modos pueden aparecer dependiendo del instrumento, pero para el sintetizador basado ocho a ocho, pitch bend es la opción más común y musical Bien, ahora echemos un vistazo a la configuración de inicio. Esto controla cuándo comienza la diapositiva en relación con la nota. La opción incluye hacia la siguiente nota en inicio de nota y auto. Hacia la siguiente nota, retrasa ligeramente el deslizamiento, por lo que el movimiento ocurre más cerca de la siguiente nota. Si seleccionamos en Inicio de Notas, la diapositiva comienza justo al inicio de la nota. Esto da diapositivas intencionales muy claras. Y Auto. Auto permite la lógica decida en función del contexto musical. Esto a menudo funciona muy bien al bosquejar ideas rápidamente ya que elige la sincronización de diapositivas que se sienten musicales sin necesidad de afinar Te darás cuenta aquí si seleccionamos Auto, es lo mismo que en Inicio de Notas. Bien, ahora echemos un vistazo a Legato y curva. El control de Legato determina qué tan conectadas se sienten las notas Los valores más altos hacen que las notas se superpongan más suavemente, lo que mejora el efecto de diapositiva. Solo aumentemos esto a 100. A valores más bajos crean más separación entre notas. Entonces, vamos a disminuir esto a diez. Pero para este ejemplo, escojamos 50. Luego tenemos el ajuste de curva, que da forma a cómo se mueve el tono durante la diapositiva. Una curva más suave se siente suave y vocal con movimientos de tono que suenan más oscilantes y Entonces, cambiemos esto a diez. Y como tiebace se siente más dramático y estilizado, cambiemos esto Para este ejemplo, dejémoslo al 100. Juntos, legato y curva definen el carácter de la diapositiva Bien, ahora veamos el tiempo y la cantidad de diapositivas por aquí. Primero echemos un vistazo al tiempo de las diapositivas. Esto controla el tiempo que tarda la diapositiva y se ajusta musicalmente en función del tempo y el espaciado de notas Podemos ver esta actualización cuando cambiemos la configuración. Escuchemos esto en cero. Y vamos a aumentar esto y puedes ver esta curva aquí. Hablemos ahora de montos. Esto controla qué tan fuerte se siente la diapositiva ajustando la cantidad de movimiento de tono que ocurre entre las notas. tiempos de deslizamiento cortos, crean movimientos sutiles rápidos y los tiempos de deslizamiento más largos crean deslizamientos expresivos dibujados Así que voy a reproducir esto y ajustar este control de cantidad para que puedas golpear una diferencia. Mm. Como siempre, los pequeños ajustes recorren un largo camino. Diapositivas sutiles versus obvias. La moderación importa aquí. Pequeñas cantidades de diapositivas pueden agregar ranura, agregar realismo y ayudar a que el bajo se asiente mejor con la batería. ajustes de deslizamiento más extremos funcionan bien para estilizados de ocho a ocho deslizamientos, efectos específicos de drama y movimientos de graves destacados Siempre escucha en contexto y decide si las diapositivas están apoyando la canción o alejando la atención. Las diapositivas tienden a funcionar mejor cuando las notas están juntas. La línea de bajo es relativamente simple y el ritmo deja espacio para el movimiento de tono. Son menos efectivos en partes de graves muy ocupadas donde definición de nota limpia importa más que la expresión. Diapositivas versus programación manual de Legato. Si estás acostumbrado a programar partes de graves manualmente, normalmente podrías superponer mini notas para crear diapositivas. Una pestaña de diapositivas te da un atajo musical. En lugar de administrar longitudes de notas y superposiciones, define el comportamiento y deja que el reproductor de sesión maneje las transiciones Esto mantiene su flujo de trabajo más rápido y consistente. También puedes ver otros estilos de base de sintetizador aquí, como bombear bass y base de secuencia Las diapositivas pueden funcionar con estos, pero tienden a ser más sutiles y dependientes del estilo. Para un comportamiento claro y expresivo de diapositivas, ocho a ocho bases es donde realmente brilla esta característica Bien, ahora hemos cubierto cómo se comportan musicalmente las diapositivas. Veamos brevemente un par de controles más profundos. No es necesario ajustarlos para obtener grandes resultados, pero son útiles de entender, especialmente para ocho a ocho bases, monomodo MIDI, al que podemos acceder haciendo clic en el botón Me aquí Esto asegura que la base se comporte como un verdadero instrumento monofónico Esto es importante para las diapositivas porque solo una nota debe estar activa a la vez. Sin las diapositivas pueden comportarse de manera impredecible. En la mayoría de los casos, dejar esto habilitado o es la elección correcta para la base. Veamos ahora el rango de pitch bend. Esto determina hasta qué punto se permite que el tono se deslice, y oscila entre 0 y 96 semitonos Los valores más bajos mantienen las diapositivas controladas y sutiles, y los valores más altos permiten diapositivas dramáticas amplias que son comunes en los estilos modernos de ocho a ocho Entonces solo para este ejemplo, cambiemos esto a dos para que puedas escuchar una diferencia. Como punto de partida general, los valores 12-48 funcionan bien en la mayoría de las situaciones musicales Entonces cambiemos esto a 48. Si tus diapositivas se sienten demasiado extremas o no lo suficientemente extremas, este suele ser el control para ajustar. Una de las cosas más importantes a entender de las diapositivas en los blares de sintetizador Session es que todavía siguen la pista de acordes Esto significa que los deslizadores se adaptan automáticamente cuando los cables cambian. El movimiento de tono se mantiene armónicamente correcto, y puedes cambiar la progresión más tarde sin romper la parte del bajo Esto es muy diferente de programar manualmente las curvas de tono, que a menudo necesitan ser arregladas cuando cambia la armonía Bien, para que nos envíen video. En la siguiente lección, pasaremos a la pestaña de detalles donde estamos afinados en la sensación, el tiempo y la intensidad. Gracias viendo, y te veré ahí. 31. Synth Sessions Players - Details Tab: Bien, ahora veamos la pestaña de detalles. Aquí es donde afinas cómo se siente una parte. Hasta este punto, hemos moldeado el movimiento, la evolución y la expresión usando herramientas como sobres, alópoes y diapositivas. La pestaña de detalles es donde todo eso se bloquea en la ranura y comienza a sentirse intencional. Lo que realmente es la pestaña detalles sobre la pestaña no cambia qué notas se están retocando. En cambio, controla cómo se realizan estas notas. Esto incluye cosas como lo duro que tocaron las notas, qué tan apretada o suelta se siente contra la parrilla, y cuánta energía o moderación tiene la actuación. Este suele ser el punto donde la parte se detiene para sentirse mecánica y comienza a sentirse musical. Los controles en la pestaña de detalles pueden verse ligeramente diferentes dependiendo de si estás usando un teclado o un reproductor de sesión de symp de bajo En las partes de graves, la pestaña de detalles tiene un gran impacto en la ranura y en cómo la base interactúa con el kick Por eso es una buena idea volver a visitar la pestaña de detalles una vez que tus tambores estén en su lugar En las partes del teclado, la pestaña de detalles a menudo afecta la precisión rítmica, articulación de acordes y lo ocupada o restringida que se siente la actuación No voy a repasar todos los ajustes de la pestaña de detalles ya que los ajustes pueden ser diferentes para cada jugador. Por ejemplo, si cambio al espacio de secuencia, puede ver que los ajustes son diferentes. Y si cambio a la base de la bomba, nuevo, se puede ver que es diferente. Por ahora, sin embargo, volvamos a la base ocho oh ocho. La pestaña de detalles no trata sobre configuraciones extremas. En la mayoría de los casos, los ajustes pequeños suenan mejor. Los cambios sutiles son realismo, y los valores extremos pueden sonar antinaturales Pero solo para este ejemplo, aumentemos este estilo de repetición. Esto le permite establecer el número de notas repetidas en la línea de base. Bien, vamos a devolverle esto con más repeticiones. Ahora cambiemos a uno de los reproductores de sesión Sim de teclado. Vamos a elegir pad modulado. Y aquí esta pestaña de detalles es un poco más sencilla. Hablemos de este control de strum aquí. Si aumentamos esto aquí, esto nos dará un efecto de strum. Por lo que esto le dará a cada nota del acorde un desplazamiento más largo. Vamos a reproducir esto y voy a ajustar este control para que oigas una diferencia. Nuevamente, los cambios sutiles normalmente sonarán mejor. Estos controles también cambiarán para diferentes jugadores. Como dije, aquí no voy a repasar todos estos controles, ya que hay demasiados para cubrir en este video, pero sí te recomiendo que los prueben tú mismo. Entonces este suele ser el paso final que hace que la parte generada sienta que pertenece a la canción. Bien, entonces eso es mandar este video. Así que gracias por ver y voy a ver en el siguiente video. 32. Synth Session Players - Convert to MIDI: En cualquier punto, puedes convertir una región de reproductor de sesión de sintetizador a MIDI Al hacer esto, todos los datos de notas permanecen, o los datos de modulación permanecen y no se pierde nada. No estás aplanando ni simplando la pieza. Sólo estás cambiando la forma en que se controla. Una vez convertido, tienes control manual completo. Puede editar notas individuales, cambiar voces, reescribir ritmos, ajustar la longitud de las notas y automatizar los parámetros de sintetizador directamente Esto es lo que hace que un reproductor de sesiones de sincronización sea tan potente. Su trabajo es un puente entre la inspiración y la precisión. Puedes esbozar ideas musicales rápidamente, dar forma al comportamiento y luego comprometerte cuando estés listo. Bien, entonces ahora veamos cómo convertir a MIDI, convertir un reproductor de sesiones a MIDI, hacer clic derecho sobre una región, y elegir convertir a MIDI. Eso es todo lo que hay para ello. Una cosa importante que hay que saber, este proceso es una manera. Puede convertir una región de reproductor de sesión a MIDI, pero no puede convertir una región midi nuevo en una región de reproductor de sesión. Entonces, una vez que lo hayas convertido, no podrás volver atrás y ajustar cosas como la complejidad, la intensidad, el comportamiento de Elepho o los ajustes de rendimiento Debido a eso, a menudo puede ser una buena idea mantener una copia de seguridad. Entonces lo que me gusta hacer antes de convertir a MIDI es duplicar la pista del reproductor de sesión y la región, y luego la silenciaré. Así que solo podemos presionar este botón aquí para duplicar la pista, y luego podemos hacer clic en la región y mantener presionada la opción y arrastrar para copiar esto. Ahora vamos a conocer esta pista. De esa manera, siempre tengo una versión a la que puedo volver si cambio de opinión después. Bien, entonces convertiremos la región del reproductor de sesión a MIDI ahora. Bien, así que eso es todo. Ahora puedes entrar al piano o editor y ajustar esta información MIDI, si lo deseas. Bien, así es como usar los reproductores de sintetizador Session. Así que solo recuerda que estos jugadores de sintetizadores son poderosos, pero no son mágicos No reemplazan la musicalidad, el juicio musical, las decisiones de arreglo o los conocimientos de diseño sonoro Usa bien, eliminan fricción y aceleran tu flujo de trabajo. Usar ciegamente, pueden sentirse genéricos. Algunas buenas prácticas son establecer la pista de acordes temprano, elegir estilos basados en roles musicales, no solo sonidos, se pequeños ajustes en lugar de extremos y convertirlos a midi una vez que estés listo para comprometerte. Así que los Simp Session Players y Logic Pro no se tratan de reemplazar la creatividad Se trata de eliminar la fricción. Te ayudan a escribir más rápido, experimentar más libremente y entender cómo se construyen las piezas viéndolas en acción. Cuando se combina con Chord ID, lógica comienza a sentirse menos como algo que programas y más como un instrumento con el que interactúas. Aquí es donde realmente brillan estas herramientas. Bien, entonces esa es esta lección y la sección. Gracias por mirar, y te veré en la siguiente. 33. Gracias y adiós + proyecto de clase: Bien, entonces ya hemos llegado al final de la clase. Espero que te resulte útil, y espero que ahora te sientas seguro usando los jugadores de sesión y la pista de acordes en lógica P 11. Para tu proyecto de clase, me gusta tomar lo que has aprendido y crear tu propio groove, incluir al baterista de sesión, bajista y teclista, y también escribir tu propia progresión de acordes usando la pista de acordes Cuando termines, toma una captura de pantalla de tu proyecto y escribe un breve párrafo explicando lo que hiciste y por qué. Esto me dará una mejor comprensión de tu proceso creativo y también de tu groove. Así que muchas gracias por ver esta clase, y ojalá la vea en la siguiente clase.