GarageBand para Mac: producción musical para principiantes

1. Bienvenida y lo que aprenderás: Ahí, y bienvenidos a esta clase de GarageBand donde aprenderás a usar GarageBand para Mac para producir tu propia Ya sea que seas nuevo en la producción musical o hayas estado usando la banda de garage por un tiempo, esta clase te enseñará esencial y más ayudándote a usar con confianza esta estación de trabajo de audio digital para producir tu propia música En esta clase, aprenderás a grabar los instrumentos virtuales y editar información multimedia en el piano roll, así como a grabar y editar audio y también a usar una función de batería crear ritmos para tus propias canciones Luego te mostraré cómo organizar diferentes temas y regiones para construir una canción completa. También aprendes a mezclar música, incluido el equilibrio de niveles, el paneo y el uso de efectos esenciales como EQ, compresión, reverberación, retardo, distorsión, efectos de modulación y también automatización Después de esto, te mostraré cómo exportar tu mezcla y también los conceptos básicos de masterización para que tus canciones estén listas para ser lanzadas Entonces, si eres Mcuser y quieres aprender a usar la banda de garage, recomiendan acompañarme en esta clase 2. Recorrido por la interfaz de GarageBand: Ahí, y bienvenidos a este video. Vamos a hacer un recorrido por GarageBand. Entonces en este video, voy a mostrar rápidamente las áreas de esta estación de trabajo de audio digital para que puedas comenzar a entender el flujo de trabajo de la banda de garage. Aún no vamos a crear música, pero no te preocupes. Estaremos buscando crear y grabar música muy pronto. Bien, así que comencemos. Barra de menús ubicada en la parte superior. Aquí es donde los usuarios acceden a diferentes menús, como archivo, edición y visualización. Las funciones incluyen la creación de nuevos proyectos, guardado, la importación, la exportación y el ajuste de preferencias. Barra de control ubicada en la parte superior central. Incluye herramientas esenciales de reproducción y grabación. Botón Reproducir, Detener. Esto inicia y detiene la reproducción. Botón Grabar. Esto activa la grabación. Botón de ciclo. Esto recorre una parte seleccionada de la pista para su edición, grabación o reproducción. Metrónomo. Esto activa o desactiva un clic. Sintonizador. Esto te permite afinar cualquier instrumento que tengas conectado a GarageBand Conteo. Esto proporciona un conteo corto del metrónomo antes de que comience la grabación, dándote tiempo para prepararte y tocar en sincronía con el tempo Entonces por aquí tenemos el tempo, la compás y la firma clave. Sin embargo, más sobre esto más adelante en la lección. Entonces tenemos el volumen maestro por aquí, que controla el volumen de salida. Antes de continuar con el recorrido, necesitamos entender los dos tipos principales de pistas que se utilizan en todas las puertas. Hablemos primero de pistas MIDI. Estos contienen datos de rendimiento como tono de nota, duración y velocidad. Estos se pueden utilizar para controlar instrumentos virtuales, lo que permite editar y manipular los sonidos incluso después de la grabación. Esto también le permite programar piezas en lugar de realizarlas. Simplemente agregaré rápidamente un bucle para que puedan ver esto ahora. Pero veremos a Apple Loops en detalle más adelante. Entonces podemos agregar un bucle presionando este botón aquí, y los bucles MIDI son los bucles verdes. Así que vamos a hacer clic y arrastrar esto a nuestra pista. En esta pista, tenemos mini datos. El otro tipo de pista es una pista de audio. Solo voy a arrastrar esto a continuación para crear una nueva pista para que puedas ver las ondas de audio. Los clips de audio almacenan grabaciones de sonido reales como voces o instrumentos y se basan en datos de forma de onda, lo que los hace menos flexibles para la edición detallada, pero ideales para capturar actuaciones de audio reales Bien, ahora continuemos con el recorrido. El área de pistas. Aquí es donde se muestran y editan todas las pistas. Cada pista tiene su propio encabezado de pista con controles como silencio, solo y volumen. Silenciar es el icono del altavoz con una línea a través de él. Si habilitamos esto, entonces esto silenciará la pista para que no puedas oírla. Usar esto puede ser útil si quieres escuchar el resto de tu mezcla sin esa pista específica. Solo. Este es este icono de auriculares. Cuando esto aísla la pista, silenciando toda la pista para que puedas oírla por sí sola Esto te ayuda a enfocar y afinar pistas individuales sin interferencias de los demás. Regiones, estos son pequeños bloques que representan eventos de audio o medios grabados. Se pueden almacenar varias regiones en una sola pista. Por ejemplo, vamos a arrastrar esto. Y ya puedes ver que tenemos dos regiones en esta pista, cada una con diferente información MIDI. Cabezal de reproducción. El cabezal de reproducción en la banda de garaje es la línea vertical que se mueve a través de la línea de tiempo, indicando su posición actual en la reproducción o grabación del dibujo del proyecto Regla, la regla en GarageBand es la línea de tiempo horizontal en la parte superior del espacio de trabajo que muestra la estructura musical de un proyecto, incluyendo medidas, ritmos y tiempo, lo que te permite navegar y organizar tus regiones de audio y midi fácilmente Ventana del editor. acceder a la ventana del Editor presionando E en el teclado de tu computadora o presionando el ícono del lápiz aquí arriba. Esto abre y cierra la ventana baja de la interfaz, que se utiliza para la edición detallada de las pistas y regiones individuales. Las opciones en la ventana Editor dependen si tiene seleccionada una región MIDI o de audio. Cuando se selecciona una región de audio en la ventana del editor de GarageBand, puede realizar tareas de edición detalladas como cortar, recortar y mover También puede ajustar los problemas de sincronización, aplicar corrección de tono para corregir notas clave y editar la forma de onda visualmente para afinar la actuación. Además, puedes controlar el fade in, fade outs, ajustar la ganancia de región y las secciones de bucle para una edición más refinada de tu pista de audio. Veremos esto con más detalle más adelante en el curso. Cuando se selecciona la región midi en la ventana del editor de bandas de garaje, puede ajustar las notas individuales con gran detalle. Puede cambiar el tono, la longitud, la velocidad y el tiempo de la nota . El editor también permite agregar o eliminar notas y aplicar efectos midi como la arpegiación Esto le da un control total sobre el rendimiento y permite una edición precisa para perfeccionar la pista MIDI. Veremos esto con más detalle más adelante en el curso. El navegador de bucle. Hemos mirado esto brevemente. Esta es una biblioteca de bucles por aquí en el lado derecho. Podemos mostrar y ocultar el navegador loop pulsando este botón aquí o usando el comando de teclado, Oh. Entonces esta es una biblioteca de Apple Loops pregrabados. Aquí podrás buscar y filtrar bucles por instrumento, gamre y descriptores veremos esto en detalle Sin embargo, veremos esto en detalle más adelante en el curso. Por ahora, aunque vamos a cerrar la biblioteca de Apple Loop para que tengamos un poco más de espacio. La biblioteca. Podemos mostrar cómo la biblioteca pulsando este botón aquí o usando el comando de teclado Y. La biblioteca permite a los usuarios elegir diferentes sonidos de instrumento y presets de pista Las opciones variarán dependiendo de si tienes seleccionada una pista midi o de audio. Por ahora, sin embargo, vamos a cerrar la biblioteca presionando Y, así tenemos un poco más de espacio de nuevo. Panel de Controles Inteligentes. Puede acceder a esta ventana pulsando B o el icono de marcado en la parte superior izquierda de la ventana principal. Aquí puede ajustar ajustes específicos para cada pista, como EQ, compresión, reverberación y otros efectos Voy a mostrar esto con mayor detalle más adelante en el curso. Bien, hablemos ahora de notas. Podemos acceder a las notas pulsando el icono del bloc de notas, que se encuentra en la parte superior derecha junto al icono de bucles Aquí puedes escribir cualquier nota que puedas tener para tu proyecto. Por ejemplo, tal vez quieras escribir una lista de tareas pendientes, la causa de tu proyecto, letras o simplemente anotar ideas Bien, entonces echemos ahora un vistazo a algunos más de los controles de transporte. Entonces solo unos pocos más para mencionar es rebobinar y avanzar rápido. Para que podamos tocar esto para saltar hacia atrás o hacia adelante. Y podemos ir al inicio o inicio del proyecto con este botón aquí. También podemos usar el comando de tecla Enter para esto. Por cierto, también tenemos un comando de teclado para jugar, que es Barra espaciadora, y tenemos un comando de teclado para grabar, que es, Y tenemos un comando de teclado para la región del ciclo, que es C. Así que eso es solo unos pocos comandos de teclado básicos para recordar. Por cierto, cuando tengamos habilitada la región del ciclo, ésta simplemente dará vueltas y vueltas a esta área. Así puedes arrastrar sobre esta área para moverla a otra parte, y puedes recortar para hacerla más larga o más corta. Pero recuerden, solo va a dar vueltas en bicicleta por esta zona. El ciclo también se utiliza para crear una sección de la exportación de tractores, que veremos más adelante en el curso. Hablemos ahora de zoom y desplazamiento. Así que puedes usar una diapositiva de Zoom en la parte superior derecha por aquí. Si arrastramos esto hacia la derecha, se acercará, y si lo arrastramos hacia la izquierda, se alejará. El zoom horizontal es ideal para trabajar en ediciones precisas con una sección pequeña, como recortar regiones de audio o ajustar Para navegar por diferentes secciones de tu canción, puedes usar un gesto de deslizar dos dedos en tu trackpad o la rueda de desplazamiento del mouse. O alternativamente, puede arrastrar la pequeña barra en la parte inferior del área de pistas. Bien, entonces ese es un recorrido realmente rápido por GarageBand Interface. No te preocupes. Estaremos buscando crear música muy pronto. Solo quería mostrar rápidamente la interfaz de GarageBand para que puedas entender el flujo de trabajo de esta estación de trabajo de audio digital Bien, entonces a continuación vamos a ver creación de un nuevo proyecto y Plantillas de Proyecto, que veremos en el siguiente video. Entonces, gracias por mirar, y te veré ahí. 3. Creación de una nueva pista y plantillas de proyecto: Entonces ahora veamos la creación de un nuevo proyecto. Así podemos crear un nuevo proyecto yendo a archivo y luego nuevo. También podemos usar el comando de teclas Comando N. Así que cuando hagamos esto, aparecerá esta nueva ventana del proyecto. Entonces aquí podemos ver que tengo mis proyectos recientes, pero vamos a dar click en Nuevo Proyecto, que está arriba aquí. Para que puedan ver aquí abajo tenemos esta área de detalles. Si no puedes ver esto, puedes mostrar esto presionando este botón de flecha. Así que esto podemos seleccionar el tempo del proyecto, firma clave, la firma de tiempo y los dispositivos de entrada y salida. Todos estos ajustes se pueden cambiar más adelante en el proyecto, pero generalmente es bueno establecer el tempo, firma clave y la firma de tiempo principio del proceso, ya que estas son las bases musicales de tu música. Los exploraremos en detalle en breve. Por ahora, sin embargo, vamos a seleccionar elegir. Al iniciar un nuevo proyecto vacío, la primera ventana que se abrirá te preguntará con qué pista quieres comenzar. Entonces aquí tenemos una mini pista para software o instrumentos virtuales. Después hay una pista de baterista, que es un baterista que toca junto con tu lo discutiremos en detalle Sin embargo, lo discutiremos en detalle más adelante en el curso. Entonces tenemos dos pistas de audio, que te dan presets ligeramente diferentes para una pista de audio El primero es para grabar un micrófono o línea, y el otro es para grabar, una guitarra o un bajo, lo que te da amplificadores virtuales y efectos de pedal. Nuevamente, lo discutiremos con más detalle más adelante. Para este ejemplo, seleccionemos una pista midi y presionemos Crear. Una vez que hayas creado una nueva pista, puedes agregar más pistas presionando el ícono más en la parte superior del área de encabezado de la pista. También puedes usar la opción clave Comando N. Vamos a cancelar esto por ahora, sin embargo, y hablemos de las plantillas de proyecto. Al iniciar un nuevo proyecto, también tienes la opción de elegir entre una variedad de plantillas de proyecto. Así que ahora vamos a crear un nuevo proyecto yendo a archivo y Nuevo para este ejemplo, no voy a guardar esto, y ahora tenemos esta ventana aparecer de nuevo. No dejado aquí, podemos seleccionar plantillas de proyecto. Así que aquí tenemos una serie de plantillas diferentes. Cada plantilla ofrece una selección de temas preestablecidos que mejor se adaptan al drama o estrella que seleccionaste. Por ejemplo, la plantilla de colección Amp comienza con una selección de pistas de audio, cada una con un simulador de Amp diferente. Veremos las simulaciones de Amp más adelante. Pero para este ejemplo, vamos a elegir. Simplemente cerremos este proyecto presionando el botón X en la parte superior izquierda, y esto nos lleva de vuelta al pop up. Echemos un vistazo a otra plantilla de proyecto. Seleccionemos electrónico y presionemos elegir. Este tiene una pista de baterista y pistas de instrumentos midi o de software que tienen diferentes presets de sintetizador Podemos reproducir esto presionando Barra espaciadora. Nuevamente, cerremos este proyecto presionando el botón X en la parte superior izquierda. Siéntase libre de elegir una plantilla basada en el tipo de proyecto que planea crear. Esta puede ser una buena manera de iniciar un proyecto con algunas pistas interesantes. Si quieres mejorar tus habilidades de encuadernación de puertas y garajes, te recomiendo comenzar proyectos desde cero y configurar las pistas manualmente. Esto te ayudará a conocer el diseño y explorar opciones para la creatividad. Entonces para esto, hagamos clic en Nuevo Proyecto y seleccionemos elegir. Nuevamente, solo seleccionemos una mini pista para este ejemplo. Bien, así que ese es el final de este video. Hemos analizado la creación de nuevas plantillas de pista y proyecto. En el siguiente video, vamos a ver alguna información musical básica. Entonces, gracias por mirar, y te veré ahí. 4. Conocimientos musicales básicos para principiantes: Ahora echemos un vistazo a algunos conocimientos básicos de música para que comiences. No necesitas saber mucho sobre teoría musical para ser un buen productor musical, pero comprender los fundamentos te ayudará a navegar través de una banda de garage y un proceso de producción musical en general Bien, entonces comencemos. Tempo. El tempo medido en latidos por minuto o BPM se refiere a la velocidad o ritmo de una canción Determina qué tan rápido o lento se tocan los beats. Un BPM más alto, por ejemplo, 120 BPM significa un tempo más rápido, lo que resulta en un ritmo más rápido y una sensación más optimista Por el contrario, un BPM más bajo, por ejemplo, 60 BPM, crea un ritmo más lento y más relajado En la banda de garage, ajustar el tempo cambia la velocidad general del proyecto, impactando la rapidez con la que se reproducen los loops, los instrumentos y el audio grabado los instrumentos y el audio grabado en relación entre sí El tempo es crucial para dar forma al estado de ánimo y la energía de las canciones. Entonces solo para este ejemplo, voy a agregar un loop de Apple para que puedas escuchar los cambios de tempo. Así que vayamos a los Apple Loops de aquí , y luego vayamos al instrumento. Y para esto, voy a elegir un bucle de batería. Bien, este está bien. 80 pop beat 20. Así que vamos a arrastrar esto a nuestro proyecto. Vamos a hacer un bucle de esto encendiendo la región del ciclo tocando aquí arriba o presionando el comando de tecla C. Así que ahora mismo esto está en 120 latidos por minuto. Volvamos a golpearnos a 120 BPM. Así podremos hacer click y arrastrar este número para cambiar el tempo. Arrastremos a 80 BPM y nos devolvamos el golpe. También podemos hacer clic y arrastrar hacia arriba para hacerlo más rápido. Vamos a probar 170 BPM. Para ello, escojamos 120 de nuevo. Bien, hablemos ahora de bares y beats. La música se divide en compases y beats. Un cierto número de beats entra en un bar, y esto depende de la compás, que veremos en un momento. En cualquier puerta, la música se organiza en una línea de tiempo que se divide en compases y ritmos. Cada barra se muestra como un segmento en la regla en la parte superior del espacio de trabajo. Y las pistas están alineadas con estos compases y beats para mantener todo a tiempo. Este sistema le permite colocar con precisión notas, loops y regiones de audio como puntos específicos en la canción, asegurando que los elementos musicales permanezcan alineados rítmicamente La línea de tiempo hace que sea más fácil organizar y editar música mientras se mantiene sincronizado con el tempo y la firma de tiempo de la canción. Puedes ver los compases y beats en un display aquí arriba. Bien, ahora hablemos de compás. Una firma de tiempo define la estructura rítmica de una canción especificando cuántos ritmos hay en cada compás o barra y qué tipo de nota obtiene un El compás más común es 44, lo que significa que hay cuatro tiempos en cada compás, y cada compás es una nota de cuarto. En 34, hay tres ritmos en cada compás, creando típicamente una sensación de vals, mientras que seis, ocho grupos de ritmo en seis octavos notas por compás, a menudo utilizados para ritmos más fluyentes o compuestos La firma de tiempo da forma al ritmo y pulso de la canción, influyendo en cómo se siente y cómo se tocan los instrumentos sincronizados Exploremos algunos ejemplos de diferentes firmas de tiempo usando Apple Loops. Bien, entonces fuera de la pantalla, acabo de hacer rápidamente algunos bucles y diferentes firmas de tiempo, para que puedas golpear una diferencia Jugaré sobre estos diferentes bucles y explicaré cómo son diferentes. Entonces para estos, estoy usando el kit de batería electrónica eight oh eight flex. Yo sólo voy a esconder la biblioteca por ahora, sin embargo, así que tenemos un poco más de espacio. Entonces el primer bucle aquí está en 44. Entonces, cada cuatro latidos o cuatro cuartos, tengo un bombo. Y cada latido o cada cuarto de nota, tengo un sombrero alto cerrado. solo voy a hacer solo esta pista Ahora solo voy a hacer solo esta pista presionando este ícono de auriculares, y vamos a hacer un bucle en esta región, así que tiene 4 barras de longitud. Podemos recorrer flotando sobre la parte superior derecha de la región y arrastrando hacia la derecha. Bien, oigamos esto ahora. Entonces deberías escuchar cada cuatro latidos escuchamos una patada, y cada latido escuchamos un sombrero alto cerrado y también el metrónomo Bien, así que eso es 44. Veamos ahora los cuatro libres. Entonces cambiemos la señal de tiempo que estás aquí para liberar a cuatro. Por lo que las medidas coinciden con la región. Vamos a dar un bucle al segundo ahora para que sea 4 barras también. Entonces ahora se puede ver que la regla ha cambiado. Vamos a recorrer su segunda región ahora así que tiene 4 barras de longitud. Y nuevamente, vamos a solo esto presionando el ícono de los auriculares por aquí. Para que puedas ver todos los beats libres, hay una patada y cada latido, hay un sombrero alto cerrado y también el metrónomo Voy a reproducir esto ahora para que oigas una diferencia. También puedes contar dibujar y reproducir, también. Uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres. Veamos ahora 54. Otra vez, cambiemos la hora de cantar que estás aquí a 54. Y vamos a bucle esto, así que son 4 barras. Entonces cambiemos también la región del ciclo haciendo clic y arrastrando hacia arriba aquí Entonces son 4 barras. Entonces para 54, tenemos una patada cada cinco latidos, y tenemos un sombrero alto, cada latido. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, cinco. Vamos a jugar esto ahora mismo. Así que vamos a solo esto presionando el ícono de los auriculares y reproduzcamos esto ahora mismo. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, cinco. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, uno, dos, tres, cuatro, cinco. Bien, así que da un tipo diferente de sensación. Ahora echemos un vistazo al 68. Nuevamente, cambiemos el keysing que estás aquí arriba, y vamos a cambiarlo a 68 Ahora, las divisiones beat están en octavos y no en cuartos. Nuevamente, cambiemos esto así que son 4 barras. Así que vamos a recorrer esta región de dos barras, así que tiene 4 barras de longitud. Entonces ahora tenemos seis notas octavas. Entonces tenemos una patada cada seis octavos notas. Y luego tenemos uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, octavos, también. Así que cuando toque esto y cuente, te darás cuenta, estaré contando mucho más rápido porque estaré contando octavos en lugar de cuartos. Así que vamos a solo esto y retoquemos esto. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, 12, tres, cuatro, cinco, seis, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis. Obviamente, estos son ritmos muy, muy simples, pero solo quería hacerlo muy simple para que puedas escuchar la diferencia. Entonces te das cuenta que también tenemos otras opciones. Tenemos siete, ocho, 12, ocho, 138, y custom donde podemos escribir varios beats, y también podemos elegir el valor de la nota. Una vez que selecciones un nuevo compás, GarageBand ajustará automáticamente estructura rítmica del proyecto en función de la nueva marca de tiempo Por ahora, sin embargo, volvamos a 44 ya que este es el compás más común. Sin embargo, de vez en cuando, es posible que desee utilizar una de estas firmas de tiempo más inusuales. Bien, hablemos ahora de la firma de claves. De pantalla, he eliminado lo que teníamos anteriormente y he añadido un nuevo loop. Así que fui a la Biblioteca Apple Loop. Después bajo la tablatura del instrumento, seleccioné Piano y encontré este aquí llamado Latin Roja piano seven. También apagué el metrónomo y cambié la región del ciclo, así que tiene 2 barras de Entonces ahora mismo esto es en Do mayor, y podemos ver que dice C mayor aquí arriba en la pantalla. Volvamos a jugar esto en Do mayor. Podemos hacer clic en las claves que estás aquí, y aparecerá esta lista desplegable. La mitad superior nos dará claves mayores, y la mitad inferior nos dará llaves menores. Por lo que la firma clave establece el centro tonal de la canción, define y qué notas y acordes sonarán más armoniosos Una canción en clave mayor tiende a tener una sensación brillante edificante mientras que una tecla menor crea un tono oscuro y más emocional La firma clave guía el contenido melódico y armónico, asegurando que todos los elementos musicales como instrumentos, voces y armonías estén alineados alrededor del mismo tono central o hogar tonal Proporciona la base para el estado de ánimo y el carácter de la canción, influencia en los acordes, las escalas y la dirección musical general Bien, entonces para este ejemplo, escojamos otra clave. Cambiémoslo a G mayor. Tenga en cuenta que cambiar la firma clave tiene poco impacto en las otras funciones de la banda de garage, a diferencia de los cambios en el tempo o la firma de tiempo. El único aspecto importante que esto afecta es la corrección de tono vocal en la banda garage, que veremos más adelante en el curso. Todavía es útil ver cuál es la clave de la pista, ya que esto ayudará a guiar las decisiones musicales hora de revisar el proyecto Bien, entonces escuchemos ahora este bucle en sol mayor. Intentemos con otra llave. Vamos a probar D mayor. Y podemos ver las mini notas aquí cambiar a la clave diferente. Por lo que te recomiendo agregar tus propios loops y partes musicales y cambiar la clave para que puedas escuchar una diferencia. Y al final de este video. Hemos analizado información musical básica, incluyendo tempo, compás y firma clave. Entonces espero que este video les resulte útil, y voy a ver en el siguiente. 5. Introducción a los bucles de Apple: Hola, y bienvenidos a esta lección donde exploraremos cómo usar la biblioteca de bucles de Garage bands , loops personalizados y cómo usarlos en tu música. Los bucles de Apple son archivos de audio y midi libres de derechos prefabricados , que cubren varios géneros. Son geniales para inspiración instantánea o para componer canciones Abra el navegador de bucle en la parte superior derecha de la pantalla o presione O en el teclado de su computadora. Se pueden buscar loops por instrumento, damra y descriptores de vibra como relajado o alegre, por ejemplo Podemos restablecer la búsqueda pulsando el botón X en la parte superior izquierda. El corazón al lado del bucle son los favoritos. Cuando al menos un bucle sea favorito, podrás filtrar tus favoritos, así como los instrumentos, goma y descriptor haciendo clic en este icono de corazón aquí arriba Puedes audicionar loops simplemente haciendo clic en ellos. Podemos desplazarnos hacia abajo en la lista para ver los bucles, y podemos audicionarlos simplemente haciendo clic en ellos. Puede volver a hacer clic en el bucle para detener la reproducción del bucle, o puede detener la reproducción presionando altavoz en la parte inferior izquierda de la ventana de bucle. Por cierto, el icono del altavoz de aquí abajo se iluminará en verde cuando se reproduzca el bucle. Puede importar un bucle a su proyecto simplemente haciendo clic y arrastrándolo a la ventana de disposición Los bucles de audio en azul deben arrastrarse a una pista de audio, y los bucles Mi en verde deben arrastrarse a una pista de instrumento de software Al arrastrar los bucles al espacio en blanco debajo las pistas enumeradas, se creará automáticamente la pista apropiada para el bucle Entonces para este ejemplo, vamos arrastrar este bucle midi a esta pista. Y ahora esto ha cambiado el instrumento para que coincida con el bucle. Notarás que cuando intente arrastrar este bucle de audio a esta pista midi, no nos lo permite. Se puede ver que dice, arrastre los bucles de manzana verde aquí. Arrastre bucles azules a una pista de audio. O podemos arrastrar abajo, y va a crear una nueva pista de audio. Bien, vamos a reproducir esto, y deberías poder escuchar el bucle de audio y el mini loop. En la biblioteca de bucles, también se puede ver cuánto tiempo se mide cada bucle en latidos. Esto es útil a la hora de organizar tus bucles. Entonces, por ejemplo, aquí, podemos ver el bucle midi tiene 4 barras de largo, y el bucle de audio es de 8 barras de largo. Siempre podemos pasar el cursor sobre la parte superior derecha del bucle y arrastrar hacia la derecha para hacer bucle esto o podemos usar el comando de tecla L, y esto realmente hará un bucle y desbucle la región seleccionada También podemos pasar el mouse hacia la mitad inferior de la región, y esto nos permite recortar la longitud del bucle También podemos ver cuánto tiempo se mide cada bucle en latidos. Los loops vienen en una variedad de tempos para proporcionar una amplia selección disponible para todos los dramas musicales Lo inteligente de los bucles de Apple es que automáticamente cambiarán el tempo de tu proyecto cuando los importes. Esto significa que no estás limitado a la elección de los loops, y puedes mantener sincronizados todos los elementos musicales de tu pista. Categorías de bucle. Además de audio y mini loops, tenemos loops de baterista amarillos Los veremos con más detalle más adelante en este curso, pero siéntete libre de usar los loops de baterista en tus pistas arrastrándolos a su espacio vacío debajo de la lista de pistas También podemos rellenar los bucles pulsando este icono aquí. Así podemos mostrar todos los loops o podemos hacer click aquí para simplemente mostrar los loops del baterista Vamos a previsualizar algunos de estos ahora. Como dije, podemos arrastrar estos al espacio vacío debajo de la lista de pistas, y esto creará un instrumento baterista Sólo voy a silenciar el bucle de audio que agregamos previamente presionando este botón de silencio, y vamos a presionar Enter para ir al inicio y la barra espaciadora para reproducir esto. Entonces este bucle baterista es de 32 beats. Entonces, si queremos que esta sección sea tan larga, tendremos que pasar el cursor sobre la parte superior de este mini loop y arrastrarlo hacia la derecha para que tenga la misma longitud Así que ahora cuando vuelva a tocar, notarán que podemos escuchar este bucle de guitarra y este bucle de baterista El beneficio de usar Mi loops sobre loops de audio es que puedes hacer cambios en los loops una vez que los tengas en tu arreglo. Hablemos ahora de loops de audio versus Mi loops. El beneficio de usar Mi loops sobre loops de audio es que puedes hacer cambios en el loop una vez que los tengas en tu arreglo. Puedes hacer esto haciendo clic en el bucle Mi y luego presionando E o este ícono aquí arriba para abrir el editor. Esto abrirá el rollo de piano, que veremos con más detalle más adelante. Así podemos cambiar esta información MIDI en el piano roll si así lo deseas. Entonces, por ejemplo, vamos a cambiar estos aquí abajo para que puedas escuchar la diferencia. Deberías escuchar ahora, sonará diferente. Sólo voy a deshacer los cambios que hice presionando Comando ed algunas veces. Ahora escuchemos cómo era antes. Esto no es posible hacer para los loops de audio, sin embargo, ya que la información musical se imprime dentro del bucle mismo. Entonces, si quieres poder personalizar rápidamente tus loops, te recomiendo usar Mini loops sobre loops de audio. 6. Personalizar bucles de Apple: Bien, ahora veamos la personalización de bucles. Primero echemos un vistazo a las regiones de recorte. Por lo tanto, puede modificar fácilmente regiones y bucles para que se adapten a su disposición recortándolos, lo que le permite usar solo una parte específica de un bucle Esto es útil cuando se quiere hacer una variación más corta o alterada del bucle para diferentes secciones de canciones como versos y coros Déjame mostrarte ahora cómo recortar un bucle. miramos esto antes, te voy a mostrar cómo recortar para que solo tengas cierta sección que puedas bucle. Por ahora, silenciemos esta pista de baterista y dessilenciemos la pista de batería, y ahora recortemos esta región de audio Vamos a acercar usando este control deslizante aquí. Entonces para este ejemplo, solo usemos la segunda barra. Así que pasemos el cursor sobre la mitad inferior de la región y recortemos esto de nuevo a la barra tres Y luego también podemos recortar el inicio del bucle. Así que vamos a recortar esto de nuevo para que esté en la barra dos. Y ahora podemos hacer clic y arrastrar esto hasta el inicio y me pongo el cursor sobre la parte superior derecha del bucle y arrastra esto hacia la derecha, así que tiene 8 barras de longitud Solo alejemos ahora y reproduzcamos esto, y deberías poder notar que ahora estamos haciendo bucle solo esta sección del bucle También puedes copiar y pegar versiones de recorte en diferentes áreas de tu proyecto, crear variaciones, ayudando a construir dinámicas interesantes en diferentes secciones de tu canción. Puedes hacer esto con el Comando C y el Comando V. Así que copiemos este bucle de audio presionando Comando C, y movemos la regla del cabezal de reproducción ahora al compás nueve y asegurémonos de que tenemos la pista correcta seleccionada y presionemos Comando V. Hablemos ahora de familias de bucles No todos los bucles tendrán esto, pero si tienes este botón de flecha aquí, te mostrará otro bucle en una familia de bucles. Entonces este será otro loop o varios loops que suenan muy similares. Entonces puedes ver aquí que cuando hice clic en este botón de flecha, tenemos este otro bucle aquí Así que ahora vamos a seleccionar esto. Se puede ver que esto no está recortado Entonces, si quieres recortar esto, necesitarás recortar este nuevo bucle. Vamos a pasar por encima de este bucle de guitarra ahora. Ahora vamos a reproducir esto para que podamos escucharlo desde el viejo loop al nuevo loop. Por cierto, la reproducción de dibujo, puedes ver el movimiento del proyecto si no quieres esto y quieres que el proyecto se quede quieto dibujando la reproducción. Simplemente deseleccione este botón de aquí arriba. Bien, ahora hablemos de revertir bucles. Los bucles de inversión pueden crear un giro único e inesperado en su arreglo, agregando textura y efectos creativos. La función inversa en la banda de garaje te permite reproducir fácilmente cualquier bucle hacia atrás. Sin embargo, esto solo es posible para loops de audio y no para bucles midi. Aquí te explicamos cómo hacerlo. Abre el editor para el bucle de audio, y esto nos mostrará el editor de forma de onda aquí abajo. Asegúrese de que la pestaña de región esté seleccionada en el editor de formas de onda y, a continuación, compruebe la reproducción inversa. Ahora vamos a escuchar este bucle de batería inversa. Entonces para este ejemplo, voy a recortar esto de nuevo, así que sólo tiene 1 barra de longitud, y ahora voy a copiar y pegar este bucle, lo que podemos hacer pulsando Comando C y Comando V. O podemos duplicar manteniendo pulsada opción botón y haciendo clic y arrastrando Ahora voy a hacer un bucle de este bucle de 1 bar. En este momento, voy a desmarcar la reproducción inversa. Entonces deberías poder escuchar ahora que del compás nueve al compás diez, tenemos el loop invertido y luego del compás diez al compás 17, tenemos el loop jugando hacia adelante. Escuchemos esto ahora. Revertir una región puede ser excelente para crear elevadores, caídas y efectos ambientales, y otra producción creativa También puedes combinar bucles inversos con bucles estándar para agregar contraste e interés a partes específicas de tu tracto, especialmente para transiciones. 7. Capas de bucles de Apple: Bien, ahora hablemos de bucles de capas. Poner en capas diferentes tipos de bucles juntos es una manera poderosa de crear una disposición más completa y rica Al combinar loops, como ritmos de batería, líneas de bajo, elementos melódicos, puedes mejorar el ritmo y la profundidad de tus canciones A continuación, le mostramos cómo colocar bucles en capas. Así que ahora agreguemos otro bucle a este surco. Entonces solo para este ejemplo, voy a ciclo de la barra 13 a la barra 17, y ahora busquemos otro bucle para agregar a este groove. En la biblioteca de bucles, vamos a seleccionar instrumento, y junto al nombre, voy a hacer clic aquí y cambiar los tipos de bucle a todos los bucles. Para este ejemplo, agreguemos una parte de percusión. Entonces en el instrumento, voy a seleccionar percusión. Y ahora en el género, voy a elegir rock blues. Ahora vamos a reproducir esta región de ciclo atrás y dibujar la reproducción. Voy a previsualizar algunos de estos bucles para ver si encajan con nuestro groove. Bien, hagámoslo ahora. Bien, como este de aquí llamado funky strut Shaker. Ahora hagamos clic y arrastremos esto a continuación para crear esta nueva pista. Ahora vamos a bucle esto, así que tiene 4 barras de longitud. Bien, ahora vamos a reproducir esto y dibujar reproducción o simplemente los controles de volumen de cada pista para equilibrar los bucles. Por cierto, también podemos hacer clic y arrastrar en cada encabezado de pista aquí para cambiar el orden de las pistas. Entonces pongamos esta pista de percusión por encima de esta pista de baterista silenciada Bien, vamos a jugar esto ahora mismo. Bien, dibujando reproducción, solo bajé bastante el volumen de la percusión y bajé ligeramente el volumen de la pista de guitarra Bien, entonces esa es una introducción a Apple Loops. A continuación, seguimos viendo las diferentes características y funciones de GarageBand Gracias viendo, y te veré ahí. 8. MIDI and Virtual Instruments: Hola, y bienvenidos a esta lección donde vamos a sumergirnos en el mundo del MIDI, que significa interfaz digital de instrumentos musicales y bandas de garage construidas en instrumentos virtuales. Al final de esta sección, sabrás cómo crear, editar y manipular datos MIDI, usar instrumentos virtuales y conectar controladores MIDI. Entonces, ¿qué es MIDI? MIDI es un protocolo que permite los instrumentos musicales electrónicos, computadoras y otro hardware comunicarse y controlar notas musicales y datos de interpretación sin contener sonido real. MIDI y banda de garage controlan instrumentos de software mediante el envío datos que representan notas musicales en lugar de audio real. Cuando grabas usando un controlador MIDI o el teclado virtual, la información capturada incluye el tono de la nota, su duración, que es cuánto tiempo se mantiene, y la velocidad, que es lo duro que se reproduce la nota. Esto permite mucha flexibilidad, ya que puedes editar datos MIDI después grabar sin volver a grabar la actuación. Puedes ajustar notas individuales, cambiar su tiempo o ajustar la longitud y la velocidad en el editor de piano roll Esta flexibilidad hace que MDIideal para refinar actuaciones, crear variaciones o incluso dibujar notas manualmente A diferencia del audio, que capta ondas sonoras, los datos MIDI actúan como partituras digitales, controlando cómo se comportan los instrumentos de software. Bandas de garaje construidas en instrumentos. Ahora echemos un vistazo a la visión general nuestros instrumentos virtuales. Garage Band viene con una amplia gama de instrumentos virtuales como pianos, batería, symps, guitarras, bajos y Estos instrumentos pueden ser tocados y manipulados usando datos MIDI Usando la biblioteca. En banda de garage, puedes acceder a una amplia gama de instrumentos virtuales para usar en tu proyecto. Aquí te mostramos cómo navegar, previsualizar y seleccionar instrumentos. Haga clic en el icono de la biblioteca en la esquina superior izquierda para abrir el navegador de instrumentos o presione Y en su teclado. Se pueden ver diferentes categorías como teclados, guitarras, batería y más Desplácese por los instrumentos disponibles dentro de cada categoría. Por ejemplo, debajo de los teclados, podrías encontrar opciones para pianos eléctricos, simppads Y hay muchos otros también. Haga clic en el instrumento conocido para previsualizar el sonido. Puedes tocarlo usando un mini Controller, del que hablaremos en un momento o función de mecanografía musical de Garage bands, que puedes acceder presionando Comando K para abrir el teclado en pantalla Por lo que puede hacer clic en estas teclas aquí o puede escribir las letras correspondientes en el teclado de su computadora. Por ejemplo, ahora voy a presionar A, D, G y K. Después de seleccionar tu instrumento, presiona B para abrir los controles inteligentes, o puedes presionar como icono uppear Estos son los parámetros ajustables únicos para cada instrumento. Para este ejemplo, puedo modificar el tono, delay y reverberación Al explorar diferentes instrumentos y usar controles inteligentes, puedes personalizar los sonidos para que se ajusten a tu proyecto. Te permite elegir otro sonido de instrumento ahora. Y te darás cuenta si hacemos cambios, aparecerá este pop up. Esta ventana emergente dice que has realizado cambios la configuración actual del instrumento o instrumento, por lo que puedes guardar tus cambios presionando Guardar como, o puedes descartar estos cambios presionando Continuar Por ahora, voy a descartar esto, así que voy a presionar Continuar Bien, aquí hay otro instrumento virtual, y deberías notar que suena muy diferente. Nuevamente, podemos cambiar estos controles aquí abajo si así lo desean. Entonces para este ejemplo, voy a cambiar el coro, eco, y cambiemos también el impulso Bien, escojamos uno más. Presionemos Continuar de nuevo. Y escucha esto. Para que puedas ver aquí abajo tenemos este Xpipad para que podamos click y arrastrar aquí abajo para cambiar el sonido 9. Uso y configuración de un controlador MIDI: Hablemos ahora del uso de un controlador MIDI. Entonces, ¿qué es un controlador MIDI? Un controlador MIDI es un tipo de teclado electrónico que envía datos MIDI a software o hardware de música. A diferencia de los teclados tradicionales que producen sonido por sí mismos, mini teclados no generan En cambio, controlan instrumentos virtuales u otros dispositivos compatibles con midi. Los teclados Mi suelen tener un diseño de piano familiar, lo que facilita a los principiantes entender y reproducir música Pero si no tienes un teclado MIDI, está bien. Puedes usar mecanografía musical o simplemente puedes agregar notas a la rom de piano. Pero personalmente, creo que es más fácil y conveniente escribir música con un mini teclado. Hablemos ahora de conectar un teclado MIDI. Conectar un teclado midi externo a la banda de garage te permite tocar y controlar los instrumentos virtuales de manera más intuitiva Aquí te explicamos cómo conectar USB. Conecta el teclado, usando un cable USB para conectar tu teclado Mi a tu computadora. La mayoría de los teclados Mi modernos utilizan una conexión USBB, mientras que su MAC puede tener un puerto USBC o USB A dependiendo del modelo Es posible que se necesite un adaptador para conectar su dispositivo MIDI a su MAC. Una vez conectada, la banda garage debería reconocer automáticamente el dispositivo MIDI. Abrir banda de garage y crear un nuevo proyecto o abrir uno existente. Luego elige un instrumento de software de la biblioteca, y ahora podrás tocar tu instrumento usando tu teclado MiI Bien, entonces ahora mismo, tengo un teclado midi configurado frente a mí, y podrás notar que puedo tocar mucho más en un mini teclado que lo que puedo hacer en mecanografía musical. Bien, así que eso terminó esta lección. Como dije, no es esencial que uses un teclado midi, pero puede ser muy útil. En la siguiente lección, exploraremos cómo grabar en una pista de instrumentos de software. Te veré ahí. 10. Grabación en una pista de instrumento de software: Bien, ahora veamos la grabación en una pista de instrumentos de software. Entonces, una vez que hayas seleccionado el instrumento de la biblioteca y hayas conectado tu teclado midi, sigue estos pasos para grabar tu interpretación en una pista de instrumentos de software. Alternativamente, si no tienes un teclado midi, puedes usar mecanografía musical. Pero como tengo un teclado midi frente a mí, voy a cerrar la mecanografía musical y grabar con mi teclado midi. Yo ante todo, recomiendo tocar algunas notas en tu teclado midi para asegurarte de que puedas escucharlo. Si no tienes una pista de batería, recomiendo tener el metrónomo habilitado para que puedas presionar un clic de reproducción de dibujo para mantenerte a También te recomiendo habilitar el conteo para que te dé una barra o cuatro beats antes de grabar para que puedas tener una idea del tempo y sepas cuándo empezar a tocar. Luego asegúrate de que la regla del cabezal de reproducción esté en la posición correcta, y luego presiona un botón circular aquí arriba para grabar o puedes usar un comando de tecla R. Así que cuando presionas este botón de grabación, banda de garage grabará qué notas tocas, su duración y la velocidad, que es lo difícil que presionas las teclas Esto permite una edición detallada más adelante. Bien, grabemos algo ahora. Presiona la barra espaciadora para detener la grabación, y tu interpretación aparecerá ahora como una región midi en la línea de tiempo Las notas individuales se pueden ver y editar en un editor de piano roll, lo que voy a explicar en breve. Bien, así es como grabar en una pista de instrumentos de software. A continuación, nos sumergimos en el rollo de piano, que veremos en el siguiente video. Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 11. Herramienta de rollo de piano y lápiz: Bien, entonces ahora vamos a sumergirnos en algunos detalles del piano roll. Para que puedas mostrar el rollo de piano asegurándote de que nuestra pista midi esté seleccionada y luego presionando el botón Editor aquí arriba o presionando el comando de tecla E. Hagamos un poco más de espacio cerrando la biblioteca presionando este botón aquí arriba, o usando el comando de tecla Y. Bien, entonces ahora vamos a sumergirnos en algunos detalles del rollo de piano. En el rollo de piano, cada nota se representa como una barra horizontal. La posición de estas barras a lo largo del eje vertical corresponde a tonos musicales específicos. La representación visual te ayuda a identificar fácilmente las notas que se tocan y un tono relativo. Esta capa imita la disposición de un teclado de piano, donde las notas de tono más alto se ubican hacia la derecha Solo piensa en esto como un teclado de piano volteado de lado Cuanto más alta se posicione una barra, mayor será el tono de la nota. Por ejemplo, puedo cambiar esta primera nota, que está en la E tres, hacerla más baja, moverla hacia abajo a C libre, o hacerla más alta, moverla hasta C cuatro. Voy a hacer estos cambios ahora presionando ComandSE. Entonces es de vuelta a E tres. La longitud de cada barra horizontal en el rollo de piano indica la duración de la nota. Esto es crucial para definir cuánto tiempo es un infierno cada nota durante la reproducción. Las barras cortas representan duraciones de nota más cortas, como notas 16 o notas octavas Las barras largas indican duraciones más largas, como notas de cuarto o notas enteras La longitud de la barra permite una clara diferenciación visual entre diferentes lámparas de nota. Vamos a acercarnos con este control aquí. Y vamos a reproducir esto desde el principio. Te das cuenta que en realidad no podemos escuchar la primera nota porque se activa antes del compás uno. Entonces aquí arriba están los números de compás. Así que vamos a hacer clic y mover esto para que comience en la barra uno. Escuchemos esto otra vez. Ahora vamos a alargar esta primera nota haciendo clic y arrastrando hacia la derecha Hablemos ahora de solapamiento de notas. Se puede ver cuando las notas se superponen, se tocan simultáneamente. Esto es particularmente útil para tocar acordes o armonías, ya que puedes evaluar rápidamente cómo interactúan las notas Hagamos esto un poco más obvio. Entonces tenemos que tocar ambas notas al mismo tiempo. Ahora notarás que es un acorde porque está tocando más de una nota al mismo tiempo. Nuevamente, hagámoslo con el Comando zed. Así que es muy fácil mover y arrastrar notas en el piano o Editor. ¿Correcto? Literalmente puedes simplemente hacer clic y arrastrar notas y moverlas a donde quieras. Puede arrastrar notas hacia arriba o hacia abajo para cambiar el tono y estirarlas o acortarlas para modificar la duración Esta flexibilidad es clave para refinar melodías y armonías Ahora hablemos de capacidades de edición en el piano roll. El piano roll y la banda de garage ofrecen capacidades de edición robustas que permiten un control preciso sobre las mini actuaciones. Aquí hay algunas características clave que aún no hemos mirado. Puede copiar y pegar notas seleccionando la nota, presionando Comando C, y luego moviendo el rodillo del cabezal de reproducción a donde desea pegar, y luego presionar Comando V. También puede seleccionar una nota y luego mantener presionada la opción y hacer clic y arrastrar para copiar también Escuchemos esto ahora mismo. Duplicar así es útil para estratificar rápidamente sonidos o crear variaciones Nuevamente, podemos duplicar así si queremos crear acordes. Nuevamente, hagamos esto con Comandos. También recomiendo ajustar notas a la cuadrícula. Al asegurarse de que sus notas comiencen y terminen en la cuadrícula, puede crear actuaciones más estructuradas y ajustadas Para que se vea en el rollo de piano, sí tenemos una grilla. Si las notas no están en la cuadrícula, puede que no lleguen perfectamente a tiempo. Para algunos estilos de música como el jazz, puede que no quieras que sea perfectamente a tiempo, pero para mucha música electrónica, querrás que las notas estén perfectamente en la parrilla así que está perfectamente a tiempo. También podemos escribir en partes en el rollo de piano. Esto lo podemos hacer con la herramienta lápiz. La herramienta lápiz y el piano roll de bandas de garage ofrecen una poderosa alternativa a la grabación en vivo, lo que le permite ingresar manualmente notas musicales y crear composiciones con precisión. Así es como funciona y por qué suele preferirse para escribir música. Para activar la herramienta lápiz, mantén presionado el comando y tu cursor cambiará a lápiz. Esta herramienta permite dibujar notas directamente sobre la cuadrícula. Haga clic en la cuadrícula donde desee colocar una nota. Cada clic creará una nota de longitud y tono predeterminados en función de su posición vertical. También puede hacer clic mientras mantiene presionado el comando para cambiar la longitud de la nota. Puedes dibujar varias notas para construir melodías o acordes Después de colocar una nota, puede editar la posición o longitud como se mencionó. Haga clic y arrastre la nota hacia arriba o hacia abajo para ajustar sus tonos necesarios, facilitando la experimentación con diferentes melodías Y por supuesto, también podemos recortar la longitud de la nota. Bien, ahora vamos a devolver el golpe. Y si cometiste un error o si quieres regresar, siempre puedes presionar Comando ed. Por lo tanto, la herramienta de lápiz permite la colocación precisa de las notas, lo que la hace ideal para componer piezas intrincadas sin las limitaciones de la presentación en vivo Puede corregir errores rápidamente eliminando o ajustando notas sin preocuparse por los errores de tiempo que pueden ocurrir durante la grabación en vivo. Este método te permite reorganizar o modificar fácilmente secciones de tu composición sin necesidad de volver a grabar Muchos músicos y productores prefieren usar la herramienta lápiz para componer porque ofrece un mayor nivel de detalle y flexibilidad Ya sea que estés elaborando arreglos complejos o melodías simples, la capacidad de visualizar y manipular notas directamente en el piano roll puede hacer que el proceso de escritura más efectivo y creativo Los mejores músicos y productores, sin embargo, utilizarán una combinación de programación midi y actuación en vivo en sus producciones. Bien, así que ese es el final de este video donde hemos explorado el piano roll y la herramienta Lápiz. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 12. Cómo configurar un micrófono en GarageBand.: Allí y bienvenido a esta lección, o aprenderás a grabar audio y banda de garage, incluida la configuración de micrófonos e instrumentos y la configuración de pistas de audio Al final de la lección, podrás configurar una sesión de grabación y entender cómo monitorear, editar y mejorar tus grabaciones de audio. Bien, así que comencemos. Para grabar audio y banda de garage, necesitarás conectar un micrófono a tu Mac. Estas son las tres formas principales de hacer esto dependiendo del tipo de micrófono que estés usando. La primera forma es usar una interfaz de audio. Conecte su micrófono a una interfaz de audio mediante un cable ELA. Una interfaz de audio convierte la señal analógica del micrófono en una señal digital que tu Mac puede leer. Conecta tu interfaz de audio a tu Mac a través de USB o Thunderbolt Asegúrese de que su interfaz de audio esté encendida. En GarageBand, selecciona tu interfaz de audio como fuente de entrada Puedes hacer esto yendo a GarageBand en la parte superior izquierda y luego ir a ajustes Y ahora bajo la pestaña audio Midi, puedes seleccionar tu dispositivo de entrada. Entonces para este ejemplo, voy a seleccionar mi interfaz de audio, que es esta de aquí, Claret para pre USB Lo siguiente es usar un micrófono USB. Si usas un micrófono USB, conéctalo a tu Mac a través de un cable USB. Muchos micrófonos USB son plug and play, lo que significa que no requieren una interfaz de audio. Entonces, si conectas tu micrófono USB, deberías poder encontrarlo aquí en dispositivos de entrada. Y lo siguiente es usar tu micrófono incorporado MAX. Si no tienes un micrófono externo, puedes usar tu micrófono incorporado MAX. Si bien puede que no ofrezca la más alta calidad, aún puede funcionar bien para grabar ideas de demostración. También deberías poder encontrar tu Mac integrada en los dispositivos de entrada. Puedes ver aquí para mí, dice MacBook Pro Microphone. Pero como tengo un micrófono enchufado a una interfaz de audio, voy a asegurarme de tener mi interfaz de audio seleccionada aquí Configuración de instrumentos para grabar guitarras eléctricas, bajos o teclados, puede conectar su instrumento directamente a una interfaz de audio usando un cable de cuarto de pulgada, también conocido como cable de instrumento Visión general de la cadena de señales. Independientemente de la configuración, esta es la cadena de señal básica. Entonces pasa del micrófono o instrumento a la interfaz de audio si corresponde, luego a Mac, luego a GarageBand Este flujo de señal asegura que el audio de su micrófono se graba con precisión en GarageBand para su edición, mezcla y procesamiento Configuración de los ajustes de entrada de pista. Ahora, GarageBand sabe desde qué dispositivo grabar. Sin embargo, muchos dispositivos de grabación tienen múltiples entradas para grabar múltiples fuentes al mismo tiempo. Ahora necesitamos decirle a la pista en la que estás grabando, qué entrada en tu dispositivo grabar. En primer lugar, crear una nueva pista. Podemos hacer esto presionando el botón más op aquí o usando el comando de opción de comando de tecla N. Para este ejemplo, seleccionemos la línea MCO Y ahora asegúrate de que el área de Smart Controls de aquí abajo esté abierta. Si no lo es, puedes presionar este botón aquí arriba para abrirlo o usar una tecla Comando B. Debajo de la pestaña de pista, ve a entrada y selecciona el canal de entrada que corresponde a tu micrófono o instrumento conectado. Entonces para este ejemplo, tengo mi micrófono enchufado a la Entrada dos La cantidad de opciones de entrada aquí dependerá cuántas entradas tenga disponibles en su interfaz. Y ahora puedes ver el nivel aquí cuando hablo. Su pista ya está lista para grabar desde la entrada correcta. Monitorizarte a ti mismo. El monitoreo por software le permite escucharse a sí mismo o a su instrumento a través sus altavoces o auriculares mientras graba. Esto es útil para garantizar que tu rendimiento suene como lo deseas en tiempo real, cómo activar el monitoreo de entrada. En primer lugar, selecciona la pista en la que quieres grabar. Entonces para este ejemplo, voy a seleccionar uno de audio. Ahora asegúrate de que el área de control inteligente esté abierta y ahora busca el ícono de monitoreo de entrada. Se trata de un pequeño dardo con dos líneas curvas debajo él ubicado en el encabezado de pista del panel Smart Control. Al hacer clic en este icono para habilitar el monitoreo, lo que le permite escuchar su audio mientras reproduce o graba. Este icono también está disponible en cada pista. Si no es un clic derecho en la pista, vaya a Configurar encabezado de pista y asegúrese de verificar el monitoreo de entrada. Evitar problemas de retroalimentación. Si estás usando altavoces en lugar de auriculares, el micrófono puede captar el sonido del altavoz causando un bucle de audio conocido como retroalimentación. Para evitar esto, use auriculares mientras graba para aislar el sonido y evitar el bucle de audio También recomiendo mantener el volumen de monitoreo a un nivel cómodo para reducir la posibilidad de retroalimentación. Activar el monitoreo de entrada te ayuda a mantenerte en tono o sincronizado, pero siempre ten cuidado con el uso de los altavoces para evitar problemas de ruido desagradables Configuración de grabación, ajuste de ajustes de entrada. ganancia o ganancia de entrada es un nivel de una señal que entra en un dispositivo de audio. El volumen o la salida es un nivel de una señal que sale de un dispositivo de audio. Al grabar, puede ajustar la ganancia de entrada desde su interfaz. Esto normalmente será una perilla o dial en tu interfaz de audio que podrás ajustar para aumentar o disminuir el nivel de ganancia. ganancia de entrada adecuada garantiza que sus grabaciones estén limpias y libres de distorsión o recorte, lo que ocurre cuando la señal es demasiado alta y excede la capacidad del sistema de grabación Cómo ajustar la ganancia de entrada. La mayoría de las interfaces de audio tienen una perilla de ganancia para cada entrada. Mientras toca tu instrumento o canta en el micrófono, gira la perilla mientras ves el medidor de señal en tu pista y banda de garaje. Apunta a mantener el nivel en la zona verde. Si llega a la zona roja, su señal es demasiado fuerte y puede cortarse. Esto es lo que debe hacer si su interfaz no tiene una perilla de ganancia o si está usando un micrófono incorporado o un micrófono USB. Selecciona tu pista, presiona B para abrir los controles inteligentes y ajustar el nivel de grabación en una pestaña de pista. Observe el medidor de entrada y evite que la señal se oiga hacia el rojo Así que permítanme mostrarle esto ahora. Permítanme cambiar de mi interfaz de audio al micrófono incorporado. Entonces vamos a GarageBand en la parte superior izquierda y luego vamos a ajustes, y debajo de la pestaña audio Midi, voy a cambiar el dispositivo de entrada al micrófono mi MacBook Pro Así que puedes ver ahora podemos ajustar este dial de nivel de grabación. Permítanme simplemente dar clic en la entrada aquí y cambiar esto a input one. Como este micrófono incorporado MacBook solo tiene una entrada. Ahora habilitemos el monitoreo, y aumentemos esto, y voy a cambiar ahora a este micrófono incorporado. Y deberías poder notar que no suena tan bien como el micrófono externo que estaba usando anteriormente. Así que acabo de desmarcar el monitoreo ahí. Entonces, este micrófono incorporado podría estar bien para ideas de demostración, pero idealmente, es mejor usar un micrófono externo. Bien, déjame cambiar de nuevo a mi micrófono externo. Así que volvamos a la configuración de la banda de garage, y luego necesito seleccionar mi interfaz de audio. Entonces a los dispositivos de entrada, voy a elegir mi interfaz de audio, que es collect para pre USB. Y luego bajo entrada, voy a elegir Entrada dos, que es este micrófono del que estoy hablando ahora mismo. El nivel aquí es un poco alto, así que voy a poner esto a cero DB para asegurar que no entre en rojo o clip. Esta diapositiva de volumen aquí no ajustará el nivel de grabación, solo lo que reproduciremos. Bien, entonces eso nos lleva al final de esta lección. Cubrimos la configuración de un micrófono. A continuación, veamos la grabación de audio, que veremos en la siguiente lección. Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 13. Flujo de trabajo básico de grabación de audio: Ahí y bienvenidos a este video donde vamos a ver la grabación de audio. Repasemos ahora el flujo de trabajo básico de grabación. En primer lugar, configure la pista de audio con la entrada correcta y luego habilite la grabación para la pista. Si esto no es visible, entonces puede hacer clic con el botón derecho en la pista y luego ir al encabezado Configurar pista y luego verificar la habilitación de registro. Ahora podemos presionar esto para que se encienda, lo que significa que está habilitado para grabar. Entonces presiona el botón de grabación aquí arriba o presiona R en el teclado. Esta es una prueba. Luego presiona la barra espaciadora para detener la grabación. Y luego podremos volver a escuchar la grabación. Esta es una prueba. Hablemos ahora de grabación multipista. La grabación multipista en banda de garage permite grabar varias partes por separado o al mismo tiempo, como voces e instrumentos. Cada instrumento o parte vocal se graba en su propia pista, dándote más control sobre la edición y mezcla. Para grabar partes por separado, basta con añadir una nueva pista para cada instrumento o vocal y grabarlas una a la vez. Para grabaciones simultáneas, conecte múltiples micrófonos o instrumentos a una interfaz de audio de múltiples entradas y grabe cada uno en una pista separada Asegúrese de grabar y habilitar cada pista individualmente antes de grabar. Aunque pistas específicas no grabarán. Entonces digamos, por ejemplo, quieres cantar y tocar la guitarra, grabar la guitarra y la voz por separado te permite ajustar cada pista individualmente para una mezcla más limpia y una mezcla final más pulida. Sin embargo, aún es posible que el sonido de la guitarra capte en el micrófono, por lo que a menudo es mejor grabar cada pista por separado. Sin embargo, ahora te voy a mostrar cómo grabar múltiples pistas de audio. Así que solo voy a dar click en esta región de ejemplo aquí y eliminar esta. Y ahora agreguemos otra pista. Entonces, vamos a presionar el botón más aquí arriba. Y luego agregar otra pista de audio. Para ello, voy a conectar mi piano eléctrico a mi interfaz de audio. Voy a agregar esto como entrada de línea. Entonces voy a seleccionar la línea Michael y luego presionar Crear. Ahora donde dice Audio dos, voy a hacer doble clic sobre esto y teclear las teclas y presionar Enter, así sé que las pistas son diferentes. Para ello, tengo mi piano eléctrico enchufado a la entrada uno Y si quieres escucharte a ti mismo, asegúrate de habilitar el monitoreo de entrada. Y si presiono grabar ahora, notarás que solo va a grabar audio uno, no la pista clave porque no hemos hecho clic Activar grabación. Entonces déjame mostrarte ahora. Si presiono grabar, notarás que solo va a grabar Audio uno. Permítanme simplemente eliminar esto presionando el botón de borrar. Y ahora presionemos grabar habilitar para la parte de teclas también. Vamos a mover la regla del cabezal de reproducción de nuevo al inicio o podemos usar un comando de teclado Enter para ir al inicio Y ahora voy a grabar esto y tocar algunos acordes en mi teclado eléctrico Antes de grabar, me voy a asegurar que el nivel de ganancia esté configurado correctamente para piano eléctrico. Eso parece acertado. No va a entrar en rojo ni recortar, y todavía tenemos una buena cantidad de ganancia Bien, voy a reproducir esto. Yo sólo hablaré por el micrófono. No voy a cantar para este ejemplo, pero tocaré algunos acordes en mi piano eléctrico al mismo tiempo Así que vamos a presionar este botón de grabación aquí, o usar un KikManR y luego me va a dar 1 bar contando, y también tendrá el metro o click durante la grabación para mantenerme Bien, hagámoslo ahora. Este es un ejemplo de mí hablando. Bien, presionemos a Ender para ir al inicio, escuchemos esto de nuevo. Este es un ejemplo de mí hablando. Bien, así es como puedes grabar múltiples pistas al mismo tiempo. Entonces esta pista de aquí es solo el micrófono. Así que vamos a solo esto. Este es un ejemplo de mí hablando. Este piano eléctrico sí tiene altavoces, por lo que está captando en este micrófono. Sin embargo, si solamos la parte de las teclas, notarás que no podemos golpear el micrófono solo la parte de las teclas. Bien, así que ese es el final de este video que hemos mirado grabando audio. Espero que este video te haya resultado útil, y te veré en el siguiente. 14. Cómo usar la grabación de perforación: Bien, ahora hablemos de entrar y salir de puñetazos. Punch and recording in garage band te permite corregir errores volviendo grabar solo una sección específica de la pista en lugar de tener que rehacer toda la toma Esta característica es especialmente útil cuando has realizado bien la mayor parte de la pista, pero quieres corregir un pequeño error. Déjame mostrarte cómo hacer esto ahora. Así que sí toqué los acordes tres y cuatro bastante fuertes, así que volvamos a grabar estos y los tocaré un poco más suaves Entonces, antes que nada, configura el cabezal de reproducción en la sección que quieras arreglar Entonces si presiono grabar ahora, obtendremos contabilidad de 1 bar, y luego podremos grabar solo estas 2 barras aquí. Solo voy a silenciar Audio uno ya esto fue solo un ejemplo de mí hablando, y deseleccionemos la habilitación de grabación haciendo clic nuevamente en él para que no se encienda Bien, entonces ahora cuando presionemos grabar, solo grabará en la parte de teclas desde barra libre. Después de tocar esta nueva parte, voy a detener la reproducción presionando la barra espaciadora. Hagámoslo ahora. Recuerdo presionar la barra espaciadora para detener la grabación. Así que vamos a acercarnos ahora y echemos un vistazo a esto. Se puede ver que no es perfecto porque anteriormente jugábamos un poco temprano. Vamos a ver cuantificar más adelante. Pero una solución fácil para esto es simplemente arrastrar esta primera región hacia atrás y una segunda región sobre. Bien, oigamos esto ahora. Bien, genial. Ahora se encuentran en un nivel más similar. perforadora y la grabación y la banda de garage también se pueden hacer con la herramienta de región de ciclo, que le permite volver a grabar solo una sección específica de una pista. Bien, aquí te explicamos cómo hacerlo. Entonces, antes que nada, necesitamos habilitar la región del ciclo. En la parte superior de la ventana de la banda del garaje, haz clic en esta área de grado aquí en la región para habilitar el ciclismo, o puedes presionar el botón de ciclo aquí arriba para habilitarlo. También puede usar el comando de tecla C para habilitar y deshabilitar la región del ciclo. Por lo que esto permite establecer una región que se repetirá durante la reproducción o grabación. Entonces solo para este ejemplo, vamos a repetir las barras tres a cuatro. Puede ajustar los puntos inicial y final de la región del ciclo arrastrando los bordes de la barra amarilla Ahora puedes usar el ciclo como punzón y guía. Con la región del ciclo establecida, presione R para grabar, y la banda de garage solo grabará sobre la sección resaltada. Entonces para este ejemplo, voy a volver a grabar el micrófono, y esta vez, voy a usar un agitador de huevos. Así que vamos a dessilenciar esto Vamos a grabar habilitar Audio uno, y vamos a desactivar el nable de grabación para la parte de teclas De hecho, eliminemos la región de audio que teníamos anteriormente, porque ese era solo un ejemplo de mí hablando. Entonces ahora con la región del ciclo, comprimo R para grabar, y la banda de garage solo grabará sobre la sección resaltada. Por lo que la función de ciclo asegura que la grabación comience y se detenga en los puntos exactos que haya seleccionado, facilitando la corrección de errores sin afectar al resto de la pista. Además, una vez que el cabezal reproductor haya llegado al final del ciclo, grabará otra toma sobre la misma sección, lo que le permitirá grabar múltiples tomas sin tener que restablecer los parámetros de grabación Entonces puedes habilitar el monitoreo de entrada si lo deseas, pero esta coctelera de huevos es bastante ruidosa, así que no voy a habilitar esto. Bien, ahora presionemos grabar y voy a grabar en unas cuantas tomas diferentes. 15. La compensación de los gastos: Ahora hablemos de tomas de comping. Entonces, comping es un término de producción que implica grabar múltiples tomas de una actuación y elegir las mejores partes de cada toma para crear una versión final Es perfecto para refinar o grabar, especialmente cuando ciertas secciones de una actuación son mejores en una toma que en otra. Entonces, ¿cómo funciona el comping en banda de garage? Entonces, cuando tiene habilitada la región de ciclo y graba varias veces en las mismas secciones, banda de garaje almacena automáticamente cada actuación como una toma separada en una carpeta de tomas. Después de grabar, notarás que aparecen varias tomas en la parte superior de la región. Entonces para este ejemplo, tenemos cuatro. Ahora puede hacer clic en este número para abrir la carpeta T. Así que aquí puedes ver una lista desplegable con todas las diferentes tomas. Así que ahora puedo hacer clic en cada toma individualmente para escuchar las diferentes tomas. Hagámoslo ahora. Entonces esta fue la cinta uno. Esta fue la Cinta dos. Toma tres. Y Cinta Cuatro. Para crear una versión final, puedes seleccionar las mejores secciones de cada toma. Podemos hacer esto dividiendo la región y eligiendo cada toma de las regiones divididas. Puedes dividir regiones moviendo el cabezal de reproducción al punto que quieras dividir y presionando Comando Así que vamos a dividirnos del compás cuatro Y ahora presionemos Comando T para dividir. Y ahora cambiemos la segunda región para tomar una. Entonces ahora barra tres, tocaremos la primera mitad de Tape cuatro y barra cuatro tocaremos la segunda mitad de Te uno. Escuchemos esto ahora. Si esa toma cierta no funciona , siempre puedes probar otra. Vamos a tratar Toma dos para este ejemplo. Por lo que puede tomar algo de prueba y error, pero comping te permite usar lo mejor de cada toma 16. Importar e invertir audio: Bien, hablemos ahora de importar audio. Garage Band le permite ingresar fácilmente archivos de audio a su proyecto. Esto podría ser una pista pregrabada, una muestra o un efecto de sonido. Aquí te explicamos cómo importar audio a Garage Band. En primer lugar, abre tu buscador y localiza el archivo de audio que quieres importar. Garage Band admite formatos como NB free, WAF y AIFF. Entonces para este ejemplo, tengo una muestra de audio en mi escritorio. Después simplemente arrastra el archivo desde el buscador al área de pistas de la banda de garage. Puede arrastrarlo directamente a una pista de audio, o puede arrastrar el archivo de audio debajo de las pistas, y la banda de garage creará automáticamente una nueva pista para el audio importado. Esto es bastante ruidoso, así que vamos a bajar el volumen para esto. Y ahora vamos a dar vuelta a la región del ciclo haciendo clic en la barra amarilla o usando el comando de tecla C o presionando el botón de región de ciclo aquí. Vamos a devolver esto ahora, y deberías poder escuchar la muestra de audio que acabo de arrastrar Una vez importado, puedes tratar el audio como cualquier pista y banda de garage, para que puedas cortar, recortar, bucle o aplicar ex. Esta característica es particularmente útil para incorporar bucles pre hechos, grabaciones externas o muestras en su proyecto. Apenas para este ejemplo, voy a recortar este archivo de audio así que tiene 4 barras de largo, y voy a duplicar esto manteniendo pulsada la opción y arrastrando Ahora coloquemos esto en la barra cinco. Y en realidad quiero revertir esta muestra. Entonces hagamos doble clic en esta región para abrir el editor. Ahora en la pestaña de región, seleccionemos la reproducción inversa. Entonces voy a mover esta región de audio, así comienza en la barra uno, y vamos a hacer que esta otra región de audio comience en la barra cinco, para que podamos hacer clic y arrastrarlas así. Entonces ahora se acumula y luego se bloquea. Entonces, escuchemos esto ahora desde el compás tres. Así que hemos invertido esta región aquí, así que se levanta, y luego la segunda región se estrella abajo. Bien, entonces ese es solo un ejemplo rápido de importar audiófilos a la banda de garage Entonces, si tiene alguna muestra de sitios de terceros como Splice, puede ingresarlos en la banda de garaje, si lo desea. Bien, así que eso terminó este video. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 17. Cuantización de MIDI: Ahí, y bienvenidos a este video donde vamos a ver cuantificar MIDI Ya toqué esto brevemente antes. En este video, vamos a entrar en muchos más detalles. La cuantificación es un proceso que utiliza todas las puertas que ajusta las notas midi a la cuadrícula más cercana, ayudando a corregir los problemas de sincronización alineando las notas con el ritmo de la canción Esta característica es especialmente útil para limpiar actuaciones y hacer que tu música suene más apretada y cohesiva Estos son los pasos para aplicar cuantificación a MIDI y al piano roll En primer lugar, abre el rollo de piano haciendo doble clic en la región MIDI que quieres editar, o simplemente puedes hacer clic en esta una vez si ya tienes abierto el editor. Él puede ver las notas individuales en su cuadrícula que representan el momento de su actuación. Vamos a cerrar una biblioteca presionando Y, así tenemos un poco más de espacio. A continuación, es necesario seleccionar las notas que desea cuantificar. Puede hacerlo haciendo clic y arrastrando un espacio vacío para seleccionar las notas que desea cuantificar o haciendo clic en una nota individual y manteniendo presionada la tecla Mayús para seleccionar O puedes seleccionar todas las notas de la región pulsando Comando A. Debajo de la configuración de la región, encontrarás el menú de cuantización. Esa es esta área de aquí. Después elige un valor cuantificador que se adapte al ritmo de tu pieza Las notas octavas harán que las notas se ajusten a las octavas más cercanas en la cuadrícula, ideales para patrones más lentos y constantes. Las notas 16 son excelentes para ritmos más rápidos con más notas, como rellenos de batería o melodías intrincadas Y puedes elegir las notas de cuarto si solo tienes una nota en cada latido. Entonces, cada cuatro de estos es una nota de cuarto. Cada dos de ellos es una nota octava, y cada una de ellas es una nota 16. Entonces, si buscamos nuestro patrón aquí, esto debería estar bien cuantificando a una octava nota. Así que vamos a seleccionar esto. Se puede ver de inmediato algunas de las notas se han movido, y ahora están perfectamente en la cuadrícula. Y esto es lo mismo para todas estas notas. Si presiono Comando E, puedes ver cómo se mueven las notas. Y si presiono rehacer presionando Shift Command ed, puedes verlos volver a ajustar a la cuadrícula Volveré a alejar el zoom y hacer esto una vez más. notarás en las opciones de cuantización de tiempo, tenemos opciones de triplete y swing La mayoría de las veces, quieres elegir uno de los valores rectos en un primer cuadro aquí, pero hay más opciones para trillizos y surcos de swing que tienen diferentes campos rítmicos Entonces ahora he cuantificado esto y he tomado una nota a la octava nota más cercana La actuación debe sonar más ajustada y tener un ritmo más limpio Bien, ahora vamos a devolver el golpe. Simplemente voy a deshacer esto para que podamos escuchar esto como era antes. Entonces no estaba realmente fuera de tiempo antes, pero ahora como está cuantificando, es más ajustado y suena Debido a que la cuantificación ajusta las notas al valor más cercano seleccionado, el proceso puede no ser perfecto dependiendo de qué tan precisa se realizó la pieza y qué valor de cuantificación elija Por lo tanto, es posible que deba revisar y corregir manualmente algunas de estas notas. Digamos, por ejemplo, jugué esto un poco fuera de tiempo, y en realidad estaba más cerca de esta octava nota. Por lo que GarageBand lo encajará a esta octava nota, a pesar de que la quiero aquí. Por lo tanto, es posible que deba revisar y cambiar manualmente algunas de estas notas si no se ha ajustado al lugar que desea Pero para esta parte, se tocó en el tiempo bastante bien, así que las notas se han saltado a donde las quiero. Pero es importante tocar siempre las notas cuantificadoras para comprobar si es correcta Y entonces, como dije, se pueden hacer cambios manuales a partir de ahí. Por cierto, las notas seleccionadas deben cambiar a la configuración de cuantificación de tiempo que haya seleccionado aquí Pero si no parece cambiar, puedes presionar este botón de cuantización de C aquí Bien, así es como puedes cuantificar Midi GarageBand. A continuación, vamos a mirar la cuantificación del audio, que veremos en el siguiente video Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 18. Cuantización del audio y uso de Flex Time: Bien, ahora echemos un vistazo a flextime y cuantificar Cuantificar audio es un proceso mucho más difícil que cuantificar MIDI Esta es una potente característica de GarageBand que te permite ajustar el tiempo del audio grabado sin necesidad de cortar y mover secciones manualmente FLEXT es la herramienta que utiliza la banda de garage para hacer esto a los archivos de audio En lugar de editar por corte, flextime le permite estirar o comprimir partes específicas dentro de la región de audio, lo que permite problemas de sincronización precisos directamente en la pista Bien, déjame ahora mostrarte cómo usar FlexTi. En primer lugar, abra el editor de archivos de audio haciendo doble clic en el archivo de audio que desea cuantificar O si ya tienes el editor abierto, simplemente puedes hacer clic en el archivo de audio. Ahora activemos el flex time. Podemos hacer esto haciendo clic en el icono de flex en la parte superior izquierda del editor de archivos. Parece un reloj de arena en su costado. Esto activa el flex para la pista seleccionada. Una vez que el tiempo de flexión está habilitado, puede elegir si cuantificar manual o automáticamente Para cuantificar automáticamente, el proceso es similar a cuantificar un mini archivo Vaya al menú desplegable de cuantización en el editor de archivos y seleccione también el valor que desea cuantificar Entonces en este momento solo estamos tocando un acorde, cada barra. Por lo que puedes cambiar el monto de cuantización de tiempo a 1/1 nota, que lo cuantificará a cada barra Ahora si movemos aquí la regla del cabezal de reproducción y acercamos el zoom, podemos ver que el audio comienza en la barra Esto no ha ajustado esta región aquí ya que no tenemos esta seleccionada. Pero cuantifiquemos esta región manualmente. Entonces, ahora seleccionemos esta región aquí, y puedes ver que la cuantificación del tiempo está desactivada. Entonces, para cuantificar manualmente, puede hacer clic en las líneas de trazos que marcan la fugacidad de la forma de onda para crear marcadores flexibles Estos marcadores flexibles sirven como el punto que se moverá en el tiempo con una cuadrícula de proyecto. Ajuste el tiempo arrastrando estos marcadores hacia la izquierda o hacia la derecha para corregir los problemas de sincronización de notas o ritmos dentro de la región de audio Así que vamos a mover la regla del cabezal de reproducción al compás cuatro. Y podemos ver aquí este acorde no se toca perfectamente en el tiempo, pero podemos hacer clic y arrastrar esto hacia la derecha, y ahora está perfectamente a tiempo. Hagamos lo mismo para el acorde en barra libre. Así que podemos romper esto para que sea perfectamente a tiempo. Bien, ahora volvamos a tocar esta parte de piano, y deberías notar ahora los acordes tocan perfectamente en cada barra Bien, en realidad hagamos lo mismo con la parte de la coctelera también. Entonces nuevamente, activemos el flex time presionando este botón aquí. Y ahora vamos a acercar y echar un vistazo a estos picos o transitorios de audio Para esta primera región, intentemos cambiar esto a notas octavas. Bien, vamos a volver a jugar esto. Siempre podemos entrar manualmente y cambiar algunos de estos si lo desea. Bien, vamos a la cabeza ahora. Incluso puedes hacer algunos cambios creativos con esto, también. Entonces no se trata sólo de corregir problemas. También puedes cambiar el ritmo de la parte, si lo deseas. Para que lo oigas. Yo hago avanzar esa parte. Y podemos hacer doble clic para eliminar un marcador transitorio y hacer clic para dibujar uno. Hagamos esto, sin embargo, presionando el Comando Z. Para esto, en realidad no quiero este último transitorio Entonces lo que voy a hacer, voy a acercar la región y simplemente recortar esto ligeramente. Y ahora se puede ver que hemos eliminado esto. Bien, vamos a devolverle esto. Ahora hagamos lo mismo para esta próxima región. Así que vamos a vender esto. Asegúrate de tener habilitado el tiempo flexible y cambiemos la cantidad de cuantización de tiempo a notas 16, ya que la segunda región tiene una sacudida que se reproduce mucho Bien, oigamos esto ahora. Entonces no es perfecto, así que voy a entrar manualmente y cuantificar esto yo mismo Entonces, volvamos a cambiar la cantidad de cuantización de tiempo a off. No hay que cuantificar todo. Por ejemplo, se puede reproducir algún audio sin cuantificar, pero podría haber solo algunas partes en el audio que necesiten endurecerse. Así que vamos a solo esta parte aquí presionando el icono de solo. Y vamos a escuchar esto de nuevo con un clic. Entonces para esto, suena como que el papel se tocó a tiempo, pero hay un poco de retraso de grabación. No deberías experimentar esto, pero esto es porque estaba grabando el video al mismo tiempo, y sí agrega un poco de latencia o retraso a la grabación de audio. No obstante, ahora voy a mostrar rápidamente cómo solucionar esto. Así que vamos a acercar la región en el arreglo, y vamos a arrastrar esto ligeramente hacia atrás. Y ahora lo que quiero es que este primer transitorio comience en la barra cuatro. Acerquemos aún más y solo arrástrelo ligeramente hacia atrás. Bien, sobre eso. Y ahora vamos a dividir este archivo de audio aquí pulsando Comando y T. Y ahora vamos a eliminar este archivo de audio aquí. Bien, ahora si escuchamos esto con un clic, debería ser más a tiempo. Digamos esto una vez más. Para que veas que los transitorios coinciden con el ritmo un poco más cerca Sin embargo, voy a pasar manualmente y corregir algo de esto también. Así que vamos a moverlas ahora. Bien, escuchemos esto ahora mismo. Para esta parte, me gusta el primer tiempo, pero no el segundo tiempo. Entonces, lo que realmente podemos hacer es recortar esto y luego simplemente hacer un bucle esto, así que es solo la primera mitad. Bien, oigamos esto ahora. Bien, eso me suena mejor ahora. Entonces, si estás obteniendo alguna latencia o retraso de grabación, puedes simplemente mover el archivo de audio de nuevo para compensar esto. Con audio, al igual que MIDI, también podemos recortar y bucle de secciones. Bien, así que eso es flex time y cuantificar audio. No tienes que cuantificar todo el audio. A veces un poco de imperfección puede sonar bien en tu pista Bien, vamos a deshacer solo esta pista ahora, y ahora vamos a tener una lección vuelta a la canción que tenemos hasta ahora Bien, entonces estamos empezando a construir un poco más de una canción ahora. Recuerda, no tienes que cuantificar todo. Algunos géneros de música como el jazz y el blues, tal vez no deseen tener cuantificadas todas las partes Sin embargo, para mucha música electrónica, es posible que desee cuantificar sus partes Bien, entonces eso te manda este video. Espero que te haya resultado útil, y te veré en la siguiente. 19. La herramienta de corrección de tono: Bien, ahora echemos un vistazo a corrección de tono GarageBand Esta es una manera rápida y efectiva ajustar las notas de tono automáticamente, haciéndolo especialmente útil para pistas vocales. Esta característica ayuda a suavizar cualquier inconsistencia de tono y puede mejorar el sonido general de una interpretación vocal Entonces para este ejemplo, voy a agregar un loop vocal a esta canción. Entonces abramos los Apple Loops presionando este botón aquí o usando el comando de teclado, Oh. Sé el nombre del bucle que quiero usar y se llama Byron Lyric one Entonces en la búsqueda, voy a escribir la letra de Byron. Ahí está este de aquí, Byron Lyric uno. Así que hagamos clic y arrastremos esto debajo de nuestras pistas, y esto creará una nueva pista. También voy a bucle esto, así que son 4 barras y longitud. También activemos la región del ciclo haciendo clic aquí arriba o usando el comando de tecla C. Y arrastremos esto hacia la izquierda, así que son 4 barras y longitud. Bien, ahora cerremos los Apple Loops presionando O, y volvamos a escuchar las voces con este ritmo. Vamos. Vamos. Ven. Vamos, vamos. Bien, ahora echemos un vistazo a cómo usar la herramienta de corrección de tono. En primer lugar, seleccione la pista que desea corregir, y luego abra el editor presionando este botón aquí o usando el comando de teclado E. En un panel Editor de archivos, seleccione la pestaña de pista. Y puedes ver aquí abajo tenemos este deslizador de corrección de tono. Podemos ajustar el control deslizante para controlar la fuerza de corrección de tono con valores más altos, dando un efecto más fuerte. Los ajustes sutiles pueden retener un sonido natural, mientras que los ajustes más altos pueden crear una salida perfecta de tono más pulido. Esto acerca el tono de la nota a la nota más cercana que detecta, pero esta no es necesariamente la nota correcta. Entonces digamos, por ejemplo, cantas realmente fuera de tono y te ajustas como control de tono, en realidad puede pasar a una nota que no es la nota correcta porque las voces estaban tan desentonadas Bien, así que vamos a solo la pista presionando este ícono aquí. Y ahora vamos a volver a jugar esto. Y reproducción de dibujo, voy a ajustar como deslizador de corrección de tono para que puedas escuchar una diferencia. También apagaré el metrónomo presionando K para que no oigamos un sonido de clic Ven, marca el marlin. Ven a marcarlos, mamá. Ven a marcar el marlin. Ven marca m mamá en. Ven a marcar el marlin. Ven mark m monje en. Ven marca y marlin. Entonces a los 100, sí pensé que el efecto era un poco demasiado fuerte, así que bajé esto a 36. También puede tomar el límite a keybox para mover solo las notas a las que están en la clave seleccionada en la ventana de transporte En la teoría musical, una clave se refiere al fundamento tonal de una pieza definida por una escala específica de notas, ejemplo, Do mayor o La menor La clave determina qué notas y acordes suenan armoniosos juntos. En la corrección de tono vocal, la tecla sirve como guía para ajustar las notas de tono para que se alineen con la escala, asegurando que las voces correctivas coincidan la estructura armónica pretendida de la canción Usar la tecla incorrecta y la corrección de tono puede hacer que el sonido vocal sea antinatural o desintonizado con la música Así que volvamos a reproducir esto y esta vez has comprobado la tecla limitada, y volveré a ajustar como deslizador de corrección de tono. Ven a burlarse de marlin. Ven, mon, vamos. Ven a burlarse de marlin. Ven, mon, vamos. Ven a burlarse de marlin. Ven, mon, vamos. Ven a burlarse de marlin Ven, mon, vamos. Ven a burlarse de marlin. Ven, mon, vamos. Nuevamente, cuando estaba a los 100, no sonaba muy natural, y las notas fluctuaban bastante Entonces para este ejemplo, de nuevo, pienso alrededor de 36 sonidos más adecuados. Esta herramienta es bastante básica, pero puede ser útil para vocalistas, buscando una grabación limpia y puede ser una excelente manera de agregar pulido a cualquier toma vocal Bien, así que ese es el final de este video. Gracias por mirar, y te veré en la siguiente. 20. Cómo agregar una pista de batería: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a la pista del baterista. Entonces, primero que nada, creemos una nueva pista presionando este botón más aquí. Y ahora seleccionemos baterista y presionemos Crear. Entonces, ¿qué es la pista del drumer? La pista de baterista de GarageBand es un baterista virtual integrado que puede tocar automáticamente junto con tu proyecto, creando patrones de batería realistas y surcos que coinciden con el estilo de la música en la que estás trabajando La pista de baterista está diseñada para agregar tambores dinámicos de sonido profesional a tu canción sin necesidad de programar cada ritmo manualmente Así que vamos a deshacer la pista vocal que vimos anteriormente, y él puede ver que ha creado una región baterista Así que vamos a reproducir esto para que podamos escuchar cómo suenan los tambores predeterminados. Vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Así que enseguida, se oye que suena bastante bien. Entonces puedes ver aquí es abrir la biblioteca. Y en la parte superior aquí, tenemos una lista de diferentes gramres incluyendo rock, alternativa, compositor, R&B, hip hop electrónico, y Entonces para cada género, tienes diferentes estilos o bateristas. Cada baterista virtual tiene características únicas y sonidos de batería, lo que te permite elegir uno que mejor complemente tu proyecto Esto hace que la pista del baterista una herramienta valiosa para construir rápidamente la columna vertebral de tu canción con una interpretación de batería realista que se adapta al estilo y tempo de tu proyecto Ahora escojamos un drama y baterista diferentes, y volveré a reproducir esto para que podamos marcar la diferencia Entonces para esto, escojamos el hip hop, y escojamos el hip hop moderno. Bien, vamos a devolverle esto ahora. Vamos. Vamos. Para que oigas que usa una batería electrónica. Vamos a probar con otro. Probemos R&B, y probemos Motown moderno. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Ven. Por ahora, silenciemos la pista de audio Shaker para que podamos escuchar la batería un poco más clara. Bien, probemos alternativa, y probemos la discoteca Indie. Bien, oigamos esto de vuelta. Ven. Vamos. Vamos. Vamos, vamos. Entonces puedes escuchar que diferentes dramas y bateristas sí crean un sonido muy diferente Pero para este ejemplo, volvamos al primero, que era rock y pop rock. Vamos, vamos. Entonces podemos usar estos estilos de baterista, pero podemos elegir diferentes kits de batería, si lo deseas Por ejemplo, este está usando el kit de batería Soul kl, pero cambiemos esto a otro kit de batería. Cambiemos esto a la batería Manchester. Entonces ya pueden ver que no podemos ver nuestros controles de baterista. Pero si hacemos doble clic en la región, podemos recuperar esto. Bien, ahora escuchemos a la estrella con la batería Manchester. América, vamos, vamos Marcom América en Marco Y dibujando la reproducción allá atrás, cambié a algunas otras baterías para que puedas escuchar la diferencia Pero sí creo que el predeterminado que teníamos antes funciona bien con esta pista. Bien, volvamos a hacer doble clic en esta región para lograr este editor baterista, y hablemos de estos diferentes controles aquí Entonces, antes que nada, tenemos estos presets de beat a la izquierda aquí, y esto ajustará estos controles aquí a la derecha Así que volvamos a reproducir esto y revisaré algunos de estos diferentes presets de ritmo Bien. Venga, vamos. Venga, vamos. Vamos, vamos, vamos. Sin embargo, podemos ajustar esto manualmente, por lo que no tenemos que depender de los presets Y ahora echemos un vistazo a este pad XY aquí. Si hacemos clic y arrastramos sobre este círculo amarillo y nos movemos hacia arriba, el ritmo será más fuerte Y si arrastramos hacia abajo, el ritmo será más suave. Vamos a reproducir esto, y voy a ajustar esto ahora. Ven, y más. Vamos, vamos, vamos, vamos, y más. Vamos. Entonces, cuando ajustemos esto, en realidad activará otras muestras. Así se puede escuchar que cuando lo mueven hacia abajo a suave, estamos recibiendo más grifos de llanta. Entonces aquí es donde el baterista toca el aro y no suena tan fuerte como golpear completamente la trampa Y si lo movemos hacia la izquierda, obtendríamos un patrón más simple, y si lo movemos hacia la derecha, obtendríamos un patrón más complejo. Entonces, por ejemplo, si movemos esto a la parte superior izquierda, obtendríamos un patrón simple y ruidoso. Venga, M. Vamos y vamos. Y si lo movemos hacia abajo a la derecha, obtendríamos un patrón suave y complejo. Vamos, M y M. Vamos y vamos. Y arriba a la derecha, obtendríamos un patrón ruidoso y complejo. Ven, M y vamos. Y abajo a la izquierda, obtendríamos un patrón suave y sencillo. Ven y. Regresa y caliente. Y en cualquier lugar intermedio. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Bien, hablemos ahora de personalizar elementos de batería individuales la derecha del baterista aquí, verás iconos para diferentes piezas de batería, como patada, trampa, toms, sombrero alto, platillo Podemos hacer clic en estos para activarlos o desactivarlos. Y notarás que solo podemos elegir un instrumento de percusión Podemos optar por tener tanto la patada como la trampa, cualquiera de ellos dentro o ambos apagados. También solo podemos optar por tener los Toms, hi hat o platillos No podemos tenerlos todos . Sólo podemos alternar en uno de estos elementos de tambor. Entonces, una vez que se selecciona un elemento, puedes elegir entre una serie de surcos, cada uno ofreciendo una sensación ligeramente diferente. Entonces, por ejemplo, aquí tenemos ocho surcos diferentes para el kick y snare De hecho, vamos a solo esta pista para que podamos darle un poco más claro a esto. Y reproduzcamos esto y dibujemos y reproduzcamos. Me moveré entre estos diferentes surcos de patada y trampa para que puedas golpear una diferencia También tenemos aquí este botón de seguimiento. Entonces para esto, podemos hacer que la patada y la caja sigan otra pista Ahora mismo, no tenemos una parte de bajo, pero si tuvieras una parte de bajo, podrías tener la patada y trampa seguir el bajo Esto podría ser útil ya que a menudo tendrás que la batería siga la parte del bajo. Pero para este ejemplo, hagamos que los tambores sigan la parte de las claves. Así que tal vez recuerdes las llaves tocadas en cada barra. Así que también acabo de poner en solitario las teclas, y volvamos a reproducir esto, y deberías poder escuchar la patada y la trampa seguir la parte de las teclas Entonces esto funciona para pistas de audio y mini pistas. Por ahora, desmarquemos seguir y desmarquemos solo para la parte de claves Como dije, esto podría ser útil para una parte de bajo, pero por ahora, voy a usar uno de los patrones de patada y trampa que nos proporciona la banda de garage También tenemos diferentes patrones para el sombrero alto. Nuevamente, vamos a reproducir esto, y me moveré entre estos diferentes patrones para que puedas golpear una diferencia. Así se puede escuchar que el patrón cuatro es muy diferente. También podemos ver la actualización de la región cuando nos movemos entre estos diferentes patrones. Cambiemos ahora a Tom's. Y para ello, tenemos tres patrones diferentes. Nuevamente, volvamos a reproducir esto y voy a intercambiar entre estos diferentes patrones. Ahora cambiemos a símbolos. Entonces estos son los símbolos de paseo y choque. Una cosa importante a mencionar cuando estás ajustando tu parte de batería, es importante escuchar esto en la mezcla. Por lo que no recomiendo solo en esta pista todo el tiempo. Es importante golpear con los demás instrumentos. Así que vamos a deshacer esto y escuchar esto con las otras pistas. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Ven, ven. Regresa, vamos, vamos. Entonces dibujando la reproducción, me cambié al sombrero alto, ya que sí pensé que ese sonido es más apropiado que los platillos Entonces tenemos tres patrones diferentes para la percusión. Podemos elegir pandereta, coctelera o aplaudir. Sólo voy a solo esto para que podamos golpear un poco más claro. Y voy a reproducir esto e intercambiar entre los diferentes instrumentos de percusión y los diferentes patrones para que puedas escuchar una diferencia Bien, comencemos con la pandereta. Entonces el que me gusta ahí fue el Shaker en el patrón número dos. Pero oigamos esto con el resto de las pistas para ver si funciona. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Pero esto estaba un poco ocupado para lo que quiero. De hecho voy a percusión de túnel, así que solo estamos usando el sombrero alto, patada y trampa Bien, ahora echemos un vistazo a los rellenos y el control de swing por aquí a la derecha. Empecemos con los rellenos. Los rellenos son transiciones de batería cortas que agregan variedad y emoción, típicamente al final de una frase. Podemos usar la muñeca de rellenos para controlar la frecuencia con la que son intensos los rellenos. ajustes más bajos hacen que los rellenos sean mínimos o ningún relleno en absoluto, creando una ranura más consistente. ajustes más altos hacen que los rellenos sean más frecuentes y elaborados para agregar engy Bien, entonces volvamos a reproducir esto en nuestra muñeca llena de justicia, para que puedas escuchar una diferencia. Co ellos. Vamos a la pelota. C de ellos. Vamos, en la pelota. Co ellos. Vamos, en la pelota. Co ellos. Vamos, en la pelota. Vamos, en la pelota. C ellos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Entonces para este patrón, sí me gusta tener algunos rellenos. Pero cuando esto establecerá la altura, había demasiados rellenos para mi comparación, así que bajé esto a alrededor del 20% o Hablemos ahora del dial swing aquí. swing agrega un groove al ritmo al retrasar ligeramente ciertos ritmos, creando una sensación humana relajada Se usa comúnmente en dramas como el jazz, el funk y el hip hop Si establecemos esto en 66%, esto creará un swing perfecto. También tenemos dos escenarios diferentes. Podemos elegir columpios de octava nota o columpios de nota 16. Generalmente, las notas octavas tienen una sensación de swing más lento, mientras que las notas 16 ofrecen un swing más apretado y rápido Bien, vamos a reproducir esto y voy a cambiar entre octava nota y el swing de la nota 16 para que puedas escuchar una diferencia. Vamos, vamos, vamos. Ven. Vamos, vamos, vamos. Ven. Vamos, vamos, vamos. Ven. Vamos, vamos, vamos. Pero para esta canción, no quiero tener ningún swing, así que apaguemos esto, juego de palabras bajándolo al 50% Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. También tenemos estos iconos de candado aquí, y esto bloqueará la configuración para que no podamos hacer ningún cambio accidentalmente Entonces, si estás contento con tus rellenos y ajustes de columpio, puedes bloquearlos aquí con estos iconos de candado Hablemos ahora de consejos prácticos para usar la pista de baterista La pista de baterista y la banda de garage son una gran herramienta para crear rápidamente patrones de batería sin programar manualmente los tambores midi Es perfecto para dibujar ideas o construir una base rítmica Se puede ajustar el campo para que se adapte a diferentes secciones, como un simple grupo de versos y un patrón más dinámico para coros Controles como rellenos y columpios añaden variedad y movimiento a tu pista. Si bien el baterista es excelente para establecer una vibra, no ofrece la precisión de programar tus propios mini tambores Si necesitas un control total, considera recrear el groove de los bateristas en el piano roll Pero para muchos proyectos, el baterista es una opción fácil y efectiva Si pasamos el cursor sobre la derecha de la región del baterista, se puede ver este botón amarillo más los muelles Si hacemos clic en esto, entonces esto hará una nueva región baterista Esta en realidad será una región única. Así que puedes ajustar estos ajustes, y no va a ajustar la otra región. Entonces para esta segunda región, voy a apagar los hola sombreros. Entonces la primera región aquí tiene sombreros altos, y la segunda región no da ejemplo, la primera sección podría ser una sección de coro donde quieras que los sombreros altos agreguen un poco más de energía, y la segunda sección podría ser una sección de verso que no tenga sombreros altos, por lo que se sentirá como que tiene menos energía, lo que puede ser más adecuado para una sección de verso Bien, vamos a reproducir esto para que puedas escuchar una diferencia entre estas dos regiones. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Bien, entonces esa es una pista de baterista y banda de garage. Te recomiendo probar esto con los diferentes bateristas y ajustar la configuración para que puedas escuchar una diferencia Entonces gracias por ver este video, y voy a ver en el siguiente. 21. Grabación de una parte de bajo MIDI: Bien, entonces ahora sigamos construyendo la canción. Y ahora agreguemos una parte de bajo. Entonces ahora mismo tenemos esta parte de sintetizador. Entonces esa es una especie de parte de bloque de plomo. Tenemos la parte Shaker, que actualmente está silenciada. Tenemos esta parte claves tocando cuatro acordes diferentes. Tenemos este efecto barrido. Tenemos esta muestra vocal. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Y tenemos esta trompeta. Escuchémoslo todo junto. Vamos. Vamos, vamos. Entonces, en mi opinión, lo que realmente le falta a esto ahora es una parte de bajo. Entonces, ahora vamos a crear una parte de bajo. Entonces, antes que nada, agreguemos una nueva pista. Así que vamos a presionar un botón más aquí. Y para esto, agreguemos una pista midi. Si tienes un bajo eléctrico, siempre puedes elegir guitarra o bajo y grabar en la parte de bajo. Pero para esto, voy a grabar en una parte midi en mi teclado midi. Así que asegurémonos de que tenemos midi seleccionado y presionemos Crear. Entonces tengo mi teclado midi frente a mí aquí. Y se puede escuchar que tenemos este sonido por defecto de un piano eléctrico clásico. Entonces tenemos aquí una categoría de bajo que tiene diferentes bases virtuales. Y también tenemos distintos bajos sintetizadores. Podemos acceder a las bases SNF haciendo clic en sintetizador y luego Para este ejemplo, sin embargo, quiero usar una base eléctrica virtual. Entonces vamos a hacer clic en Base y el que quiero usar, se llama Stinger base Entonces a la hora de llegar a las partes de bajo, creo que es una buena idea tocar sobre el groove y tratar de tener una idea de la parte de bajo. También me imagino que estoy tocando un bajo eléctrico y también escucho la batería y sobre todo el bombo y trato de llegar a algo que sea rítmico, pero que también siga Estos acordes aquí son A menor, C, G y F. Así que solo voy a tocar las notas raíz para esto, que es A, C, G y F. Si eres nuevo en la escritura de música y teoría musical, recomiendo simplemente mantenerlo lo más simple posible y solo usar las notas raíz Entonces estas son las notas más bajas del acorde. Entonces, por ejemplo, en un acorde de Do mayor, tenemos las notas C, E y G. La nota raíz es la C. Bien, así que voy a encender la región psicópata dando click aquí arriba o usando el comando de tecla C. Y solo voy a reproducir esto algunas veces antes de un disco para tratar de llegar a un groove que coincida con la batería y siga los acordes Ven. Regresa, vamos. Ven. Vamos. Regresa, vamos. Vamos. Regresa, vamos, vamos. Regresa, vamos. Regresa, vamos, vamos. Vamos, vamos. Bien, creo que ya tengo una idea. Así que ahora vamos a asegurarnos de que nuestra pista esté habilitada pulsando este botón aquí. Y ahora grabemos presionando este botón o usando el comando de teclado. Y debido a que tenemos habilitado el conteo, tendremos un conteo de 1 bar. Y por ahora, no creo que necesitemos un metrónomo habilitado ya que tenemos la pista de batería, que nos está dando el ritmo Bien, entonces grabemos esto en. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Bien, creo que juego eso en bastante bien. Vamos a hacer doble clic en una región para abrir inmediatamente Editor, y ya podemos ver el momento de las notas. No es perfecto, pero es bastante bueno. Ahora vamos a cuantificar esto. Entonces, seleccionemos todas las notas aquí presionando Comando y A. Y ahora pasemos a cuantizar Y cambiemos solo las notas octavas. Como no creo que haya jugado nada más rápido que la octava nota. Bien, para que veas que todas las notas están chasqueadas a la cuadrícula Y ahora vamos a reproducir esto. Vamos, vamos. Regresa, vamos, vamos, vamos. Regresa, vamos, vamos, vamos. Regresa, vamos, vamos, vamos. Regresa, vamos, vamos. Bien, creo que suena bien. Si no tienes un teclado middy o no te sientes cómodo grabando, siempre puedes escribir notas en el editor de piano roll Recuerda que si mantienes pulsado el comando, aparecerá el icono del lápiz, y podrás hacer clic en la cuadrícula donde quieras colocar una nota. Y, por supuesto, se puede cambiar la longitud y el tono y el editor de piano, también. Mmm Como dije, creo que es mucho más rápido si solo puedes grabarlo en el teclado inmediato Pero como dije, puedes escribir las notas en si lo prefieres. Bien, ahora hagamos un poco más de espacio en el proyecto. Entonces cerremos la biblioteca presionando Y, y cerremos al Editor presionando E. Así que ahora tenemos los fundamentos centrales de nuestra canción Tenemos una parte principal, tenemos una parte de bajo. Tenemos llaves. Tenemos efectos, voces y una parte de batería A continuación, vamos a ver organizar esto en más de una canción. Entonces espero que este video te haya resultado útil, y puedas aplicarlo a la creación de tus propias partes. 22. Marcadores de arreglo: Hola, y bienvenidos a este video donde vamos a ver cómo van nuestras pistas. Esto incluye la organización y estructura de la pista . Bien, entonces comencemos. Entonces una estructura de canción es la forma en que se organizan sus secciones, dándole un flujo que los oyentes pueden seguir Las secciones comunes incluyen una introducción, por lo que esto establece el ambiente y conduce a la canción Primero, esto cuenta la historia o desarrolla la idea principal. Coro, la parte principal a menudo repetida de la canción con la melodía más pegadiza. Puente, una sección en contraste ofrece variedad, outtro. Esta es la parte de cierre que termina la canción. Una canción bien estructurada ayuda a atraer a los oyentes al proporcionar un sentido de dirección e impulso Mantiene la canción cohesiva y evita que se sienta repetitiva o Organizar tus pistas en secciones claras ayuda a transmitir tus ideas musicales de manera efectiva y le da a un oyente algo familiar a lo que regresar, como el Huk en el coro. Arreglando tu canción. Puedes dividir tu proyecto en secciones usando marcadores de disposición de bandas de garaje para activar la pestaña de arreglo, ir a pista, mostrar pista de arreglo, o usar el comando de tecla Shift Comando A. Para agregar una nueva sección, haz clic en el botón más encima de las pistas. Entonces, si pasas el cursor sobre donde dice Introducción, aparecerán estos botones de flecha Y si damos click sobre esto, podemos elegir un nombre diferente. Por ejemplo, verso, coro o puente, y también podemos renombrarle este si así lo desea Para este ejemplo, sin embargo, dejemos esto en la introducción. Ahora agreguemos otro marcador, así que volvamos a presionar el botón más. Y para esto, dejemos esto en verso. Ahora la introducción, es de 4 barras, y un verso es de 8 barras Ahora agreguemos el coro. Así que vamos a presionar de nuevo el botón más y se puede ver allí automáticamente dice coro, pero en realidad vamos a hacer esto 4 barras de largo Entonces hagamos clic y cambiemos el tamaño de esto. Volvamos a hacer clic en el botón más y agreguemos otro verso. Se puede ver que dice puente, pero vamos a hacer clic en este botón de flecha aquí y cambiarlo a verso. En realidad quiero cambiar esto, entonces dice versículo dos. Entonces, hagamos clic en esto nuevamente y vayamos a renombrar y renombrar este verso dos. Bien, entonces quiero tener otro coro, volvamos a hacer clic en el botón más Esta vez, volvamos a hacer 4 barras. Y de nuevo, quiero renombrar esto, y cambiemos esto a coro. Bien, volvamos a hacer clic en el botón . Ahora quiero tener un puente. Dejemos esto como 8 compases, y luego quiero tener un coro más Y esta vez, quiero tener un coro doble. Entonces el coro va a ser de 8 barras longitud en lugar de 4 barras Así que vamos a hacer clic en este botón de flecha aquí, renombremos esto. Llamemos libre a este coro. Y luego al final, quiero añadir un Outro. Así que vamos a hacer clic en este botón más aquí. Y se puede ver que dice Otro, pero vamos a tener el outtro de 4 bares de largo Bien, entonces aún no hemos arreglado la canción, pero tenemos una estructura en mente. Entonces tenemos dos versos y tres coros, pero sí recomiendo agregar variedad entre estas diferentes secciones, ya que esto ayudará a mantener interesante la canción En términos generales, la canción se acumulará más hacia el final, pero no siempre es así. 23. Etiquetar y organizar tu proyecto: Antes de que empecemos a organizar nuestra canción, en realidad organicemos esto un poco más porque si las pistas no están debidamente nombradas y organizadas, puede llegar a ser bastante desordenada Empecemos por etiquetar los nombres de las pistas. Etiquetar tus pistas correctamente garantiza que puedas identificarlas y administrarlas rápidamente. Los nombres claros evitan confusiones, especialmente cuando se trabaja con sonidos o efectos similares. Sé a veces que cuando creas música, solo quieres ser creativo y no quieres organizar o etiquetar cosas, pero realmente puede ayudar, sobre todo cuando estás arreglando tu canción. Entonces, para etiquetar tu pista, haz doble clic en el nombre de la pista en el encabezado de la pista y escribe un nuevo nombre que describa claramente el papel de una pista. Evite los nombres genéricos como la pista uno o el audio dos, que hace que sea más difícil navegar. Entonces, si aquí hay una primera parte, cambiemos esto a Syplet También podemos cambiar el nombre de las regiones, si lo desea. Ahora hagamos lo mismo para la parte del bajo. Cambiemos el nombre de esto a bajo. Audio uno aquí, tal vez recuerden que esta fue la parte Shaker. Así que cambiemos el nombre de esto a Shaker. Entonces tenemos la parte de las llaves. Dejemos esto como está. Entonces tenemos efectos Dulce. Cambiemos el nombre de esto a Effects Noise. Entonces tenemos las voces. Cambiemos el nombre esto a voces, y luego tenemos la batería También podemos hacer clic y arrastrar sobre las pistas para reorganizarlas Puedes reorganizarlos como quieras, pero generalmente, me gusta tener el tipo de instrumentos juntos Entonces normalmente tendré los symps juntos, luego los bajos juntos, y la percusión o la Entonces, para este ejemplo, pongamos las voces en la parte superior. Entonces voy a tener el plomo syn, luego voy a tener las llaves Entonces ve a tener el bajo, luego la batería, luego la coctelera, y luego el ruido. Puedes arreglar esto como desees, pero normalmente así es como me gusta tenerlo. Tengo la parte más principal en la parte superior, bajando a los simps luego a las teclas, luego al bajo, luego a la batería, percusión y a los efectos de sonido momento no estamos usando la parte shaker, así que o bien movería esta pista hacia abajo al fondo del proyecto en caso de que quiera volver a ella, o si estoy seguro de que no quiero usarla en mi canción, eliminaría esto. Entonces, para este ejemplo, vamos a eliminar esta pista. Podemos hacer esto seleccionando la pista y haciendo clic en retroceso o eliminar Si presionamos eliminar una vez, eliminará las regiones, y si la presionamos de nuevo, eliminará la pista. 24. Arreglo de una canción en GarageBand: Bien, entonces ahora comencemos a arreglar esta canción. Empecemos con las voces. Entonces para este ejemplo, solo quiero tener la voz en el coro Entonces hagamos clic y arrastremos esto y movamos esto solo al coro. Recuerde, podemos mantener pulsada la opción y hacer clic y arrastrar para duplicar. Recuerda que chorus free es un coro doble, así que hagamos este bucle Así que vamos a pasar el cursor sobre la parte superior derecha de la región y hacer clic y arrastrar para hacer esto 8 barras de largo Bien, entonces tenemos el symp lead. Entonces quiero agregarlo a la segunda mitad del verso para agregar algo de ímpetu. Entonces también quiero tener esto para el coro y el verso dos, y también el coro Entonces para el puente, solo quiero tener esta jugada en los últimos 2 compases. Entonces dupliquemos esta parte y recortemos esta parte de nuevo, así que son solo las últimas 2 barras. Y luego para el coro, quiero volver a tener esta parte. Entonces nuevamente, hagamos clic, mantengamos presionado Alt y arrastremos, y luego soltemos esto para el coro. Nuevamente, este es un coro doble, así que hagamos un bucle a esto. Y también quiero tener esto para el outtro. Así que volvamos a hacer un bucle de nuevo. Entonces tenemos la parte de las llaves. Sólo voy a recortar esto de nuevo, así que es exactamente de 8 barras de longitud. Y para ello, quiero tener esta obra a lo largo de la canción. Así que vamos a hacer un bucle todo el camino hasta el final de la canción. La parte baja no quiero tener para la intro, quiero tener el inicio del verso Quiero que la canción Build up in momentum, así que no tengamos demasiado para la intro Voy a hacer un bucle todo el camino hasta el puente. Y luego vamos a tener 4 barras de silencio y que el bajo entre en la barra 33. Entonces, volvamos a duplicar esto. Y entonces quiero tener esto para el coro, todo el camino hasta el final Así que vamos a arrastrar este bucle todo el camino de regreso. Entonces tenemos los efectos. tener esta acumulación en el verso, y luego esta región aquí tocará cuando comience el coro. Así que vamos a arrastrar esto. Por lo que esta región inicia en el coro. Mantengamos pulsada la opción y hagamos esto para el coro dos. Y también para coro gratis. Entonces tenemos los tambores. Arreglar los tambores puede ser muy importante para tu canción. Así que tal vez recuerden aquí tenemos esta parte de tambor. Esta es nuestra parte del tambor del coro, así que hagamos clic y arrastremos esto al coro Vamos a dar la vuelta a la región del ciclo por el presente C, y vamos a tener una escucha de los tambores del verso. Entonces lo que queremos hacer ahí es tener la primera mitad del verso más escasa que la segunda mitad Entonces, hagamos clic derecho en esta región y hagamos clic en dividir en la cabeza de reproducción Ahora hagamos doble clic en esta primera región. Y en realidad voy a quitar el bombo. Así que vamos a darle un toque a la patada aquí para que solo tengamos el juego de la snare Bien, oigamos esto ahora. Entonces la intro no tiene batería La primera mitad del verso solo tiene la encrucijada. La segunda mitad del verso tiene la patada y la snare, y luego el coro tiene la snare kick, y el Vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos. Bien, genial. Incluso podríamos intentar simplemente tener una patada en la primera mitad del verso. Entonces, apagemos la snare y alternemos en la patada. Escuchemos esto ahora. Bien, creo que eso es más adecuado. Entonces, al organizar, es posible que deba experimentar con diferentes ideas y probar las cosas, ya que puede que no sea perfecto de inmediato Vamos a cerrar aquí a este editor pulsando E para que tengamos un poco más de espacio, y sigamos trabajando en la batería. Bien, ahora vamos a copiar los tambores para el Verso dos. Así que mantengamos pulsada la opción y haga clic y arrastre. Ahora para el Verso dos, agreguemos un poco más de movimiento. Esta vez, agreguemos una pandereta. Entonces, alternemos en la pandereta y retomemos esto y golpeemos esto con el patrón de pandereta Bien, genial. Así que el segundo patrón Tamburne fue un poco más sencillo que el tercer patrón tambourin Así que sólo recordemos eso. Ahora mantengamos pulsada la opción y hagamos clic y arrastremos sobre esto. Y ahora abramos esto y cambiemos la segunda mitad del Verso dos a TamburnePattern Por lo que acumula un poco más de impulso. Ahora tenemos los estrios de coro. Mantengamos pulsada la Alt y hagamos clic y arrastremos sobre esto. Y nuevamente, agreguemos el Tamburin on Pattern free. Por lo que los dos primeros tendrán el snare kick y el patrón Tamburne con patrón número dos para la primera mitad, la segunda mitad patrón Y para el coro, tendrá patrón número tres, y tendrá el alto calor agregado Bien, ahora escuchemos esto desde el principio para que puedas escuchar que se va acumulando lentamente. Ven. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, w, vamos. Oh. Vamos, vamos, vamos, vamos. Bien, estamos empezando a llegar a alguna parte. Entonces algunas cosas voy a cambiar ahora. De hecho quiero tener percusión dos para la segunda mitad del verso, voy a agregar los sombreros altos Entonces esto agregará un poco más de movimiento. Entonces cuando entre el coro, cambiará a patrón libre y debería agregar algo más de impulso, pero será un poco más sutil También creo que la primera mitad del verso está un poco desnuda sin la parte del sintetizador Así que vamos a hacer clic y arrastrar sobre esto para hacer un bucle esto y realmente queremos eliminar la parte base aquí. Desafortunadamente, no podemos arrastrar desde la izquierda para eliminar esta parte aquí, pero podemos acortar el bucle de dos barras y luego arrastrar esta hacia atrás. Bien, entonces tenemos la sección del puente para el puente, quiero que empiece siendo muy escasa y luego se acumule. Así que mantengamos pulsada la opción y arrastremos sobre nuestras partes de tambor, pero solo haz que esto entre en la barra 31. Entonces las primeras 2 barras aquí no tienen batería. Hagamos también de esta región solo 1 bar y longitud. Y veamos esto y hagamos esto más sencillo. Entonces para esto, solo quiero tener la patada. Y ahora vamos a aferrarnos a la opción, copiar esto de nuevo. Y ahora vamos a tener la patada. Tenemos el sombrero alto. Ahora vamos a copiar esto de nuevo. Y ahora vamos a tener la patada, el sombrero alto y el lazo. Bien, escuchemos ahora este puente. Bien, entonces tenemos el coro final. De hecho, vamos a acercarnos un poco aquí, y quiero tener un poco de silencio antes de que entre el coro final Así que vamos a recortar los tambores nuevo un latido. Y oigamos esto ahora. Bien, así que tener esa pequeña cantidad de espacio en la batería ahí puede hacer que el coro golpee mucho más cuando entra Ahora agreguemos los tambores para el coro. Mantengamos pulsada la opción y arrastremos sobre los tambores que teníamos antes. Y vamos a cambiar esto para que esto sea un poco diferente. Entonces, vamos a cambiar el patrón de altura para esto. Así que hagamos un bucle de esta sección aquí y hagamos una escucha a la parte alta para encontrar algo de un poco más de energía. Vamos. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Bien, entonces el patrón número cuatro parece tener un poco más de energía. Escuchemos este solo. Anteriormente, era esto. Bien, genial. Entonces usemos el patrón número cuatro. Vamos a deshacer solo esto, y vamos a darle un bucle a esto Entonces tenemos el Otro, ¿dónde vamos a tener ninguna batería? Bien, ahora escuchemos esto desde el puente hasta el final de la canción. Vamos. Vamos, vamos, vamos. Ven. Regresa, vamos, vamos. Regresa, vamos, vamos. Regresa, vamos. Bien, genial. En realidad no quiero tener el bajo para el outtro, así que vamos a recortar esta lupa Y también quiero tener estos efectos al final del coro entrando en el Outro Así que vamos a copiar estos también. Bien, entonces ese es un arreglo muy rápido de esta canción. Hay mucho más que podemos hacer. Pero vamos a escuchar esto de principio a fin. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Vamos, fondo de. Ven, boom. Vamos, y, abajo. Vamos, y, fondo de. , vamos, abajo. Bien, entonces para un arreglo muy rápido, no creo que eso suene muy mal. 25. Pistas para colorear: Hablemos ahora de pistas de codificación de color. La codificación por color le permite identificar rápidamente diferentes instrumentos, secciones o pistas vocales de un vistazo. Esto es especialmente útil cuando se utiliza una gran cantidad de pistas en el proyecto. Para colorear tu pista, haz clic derecho en una pista en un encabezado de pista y selecciona un color de pista sinusoidal. Entonces hagamos esto primero para las voces. Hagamos clic derecho sobre esto, y luego vayamos a asignar color de pista. Para este ejemplo, cambiemos esto a este color rosa. Recomiendo elegir diferentes colores para cada grupo de instrumentos. Por ejemplo, todas las baterías en azul, las voces en rosa y las guitarras en rojo Esta organización visual te ayuda a mantenerte enfocado y separar fácilmente elementos específicos de edición de dibujos. Entonces se nota aquí el bajo y el Seth para los mismos colores. Entonces cambiemos el color de la parte Senth. Entonces, hagamos clic derecho en un encabezado de pista y luego vayamos a asignar color de pista. Para ello, escojamos un color que aún no hayamos usado. Escojamos el rojo, pero esto es bastante parecido al rosa. Así que vamos a elegir este color marrón rojizo más oscuro. Entonces tenemos las claves y el ruido de efectos es del mismo color. Para este ejemplo, cambiemos el color del ruido de los efectos. Así que vamos a hacer clic derecho sobre esto, vamos a asignar color de pista, y vamos a elegir otro color que no hayamos usado. Vamos a probar este morado oscuro. Bien, entonces ahora puedes ver cada pista tiene un color diferente. Cuando se trata de un proyecto pequeño como este, puede que no necesariamente tengas que hacer esto, pero para proyectos grandes, definitivamente te ayudará. Bien, así que ese es el final de este video donde hemos mirado el seguimiento, la organización, la estructura y el ordenar tu proyecto Espero que este video sea útil, y los veré en el siguiente. 26. Cómo equilibrar los niveles de volumen y el paneo: Hola, y bienvenidos a este video, donde vamos a ver Foy Methads y panning. Primero comencemos con un fader de voume. El fader es esencial para controlar el nivel de volumen de cada pista, ayudándote a equilibrar los sonidos dentro de una mezcla Al ajustar los faders voume, puedes asegurarte de que los elementos clave como la voz o los instrumentos principales, destaquen mientras soportan elementos de fondo como armonías de fondo o capas rítmicas puedes asegurarte de que los elementos clave como la voz o los instrumentos principales, se destaquen mientras soportan elementos de fondo como armonías de fondo o capas rítmicas , se complementan en lugar de dominar. Equilibrar tu pista usando faders es una de las herramientas más poderosas para crear una producción profesional y pulida Una pista bien equilibrada permite que cada instrumento se asiente claramente en su propio espacio, mejorando la claridad y haciendo que la canción sea más fácil y agradable de escuchar. El uso adecuado de los faders también puede influir en la dinámica y la energía general de una pista, ayudando a crear énfasis, estado de ánimo y flujo a través de secciones de una canción El fader de volumen para cada pista se puede ver en el área de pistas y la ventana principal por aquí Entonces al configurar el volumen para los diferentes instrumentos, recomiendo arrastrar todos estos faders hacia abajo hacia la izquierda Donna recomienda andar en bicicleta por la zona donde juega todo. Por ejemplo, hagamos un bucle de estas 8 barras aquí para coros gratis. Donna recomienda fijar primero el volumen para los instrumentos más potentes. Entonces estos serán la batería y el bajo. Estos normalmente forman la base de la mayoría de las pistas, especialmente en dramas como el rock, pop o la música electrónica. Entonces hagámoslo ahora. Empecemos con los tambores. Entonces aumentemos este control deslizante de volumen. También queremos tener algo de espacio aquí. No lo queremos demasiado alto o puede recortar y puede arruinar la canción. Bien, ahora agreguemos el bajo. Entonces creo que hay sobre adecuado. Entonces recomiendo pasar a elementos armónicos. Entonces esta podría ser la guitarra sep o partes del teclado. Entonces, a continuación, agreguemos la parte de claves. Creo que hay razón. Ahora agreguemos el Sen huyó. Ahora agreguemos los efectos. Ahora, agreguemos las voces. Las voces suelen ser la parte vocal de la canción, y normalmente se sientan encima de la mezcla Pero también queremos asegurarnos de que se mezclen de forma natural con los demás instrumentos. Vamos, vamos. Vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos. Entonces necesitamos seguir escuchando y hacer cualquier ajuste menor para hacer una mezcla equilibrada. Por lo que sí recomiendo usar los medidores aquí para asegurarnos de evitar cualquier recorte. También recomiendo estar atento al fader maestro para asegurarse de que la mezcla no esté recortando Entonces, si esto se está poniendo en rojo, entonces esto puede recortar y distorsionar la canción Y si es así, recomiendo bajar el volumen de las pistas. Vamos, vamos, vamos, vamos. En. Vamos, vamos, vamos. Se puede ver que ahí tenemos mucho espacio y no está ni cerca de recortar. Por ahora, creo que los faders del vacío están a punto en el lugar correcto Siempre puedes pasar y hacer ajustes menores cuando sea necesario. Bien, ahora hablemos de panning. paneo es un proceso de colocar elementos de la pista a través del estereomaje de La imagen estéreo se refiere al ancho de izquierda a derecha. Puede desplazar pistas duras a la izquierda, central, derecha dura o en cualquier lugar intermedio. Entonces, para este ejemplo, vamos a solo la parte principal del sintetizador y voy a reproducir esto y ajustar este pan Dal aquí para que puedas escucharlo entrando en el canal izquierdo, canal derecho, y en cualquier lugar intermedio Empecemos por ello en el centro, aunque. Entonces cuando está en cero, está en el centro. Entonces deberías escuchar esto ahora en tu auricular izquierdo o altavoz izquierdo, y luego en el auricular derecho o en el altavoz derecho. Y coloquemos esto en algún lugar intermedio. Hay algunas razones por las que quizás quieras planear un elemento para tu canción, y ahora veamos algunas. Panning para un efecto. El panning puede agregar un efecto creativo inmersivo. Imagina una voz pecaminosa girando de izquierda a derecha, creando una sensación Usar panning de forma creativa puede agregar profundidad e interés, haciendo que los elementos individuales se sientan más dinámicos y atractivos con su música Esto se puede hacer con la automatización, que veremos en breve. Panning para ancho El paneo también crea ancho en tu pista, haciéndola sonar y expansiva en lugar de estrecha y plana Al desplazar instrumentos de soporte como guitarras, percusión o coros lejos del centro, abres el campo estéreo y permites que tu mezcla se llene y permites que tu mezcla La ubicación espacial mejora el sentido de la dimensión y hace que una mezcla de sonido sea equilibrada a través los altavoces. Panning para separación El paneo ayuda a lograr claridad y separación al dar a cada instrumento su propio espacio Por ejemplo, panear la guitarra ligeramente a la izquierda o a la derecha, manteniendo centrados el bajo y la voz evita que los elementos compitan por el mismo espacio en tu mezcla Al planear estratégicamente diferentes sonidos, crea una mezcla más limpia y definida, mientras que cada instrumento o vocal se puede escuchar sin enmascarar a los demás, asegurando que cada parte de la canción destaque como se pretende Entonces, para este ejemplo de canción, planeemos ahora algunos de los instrumentos. Intentemos panear el simp ligeramente hacia la izquierda. También vamos a desplazar el ruido a la derecha. Entonces esto debería agregar un poco más de ancho a la mezcla. Escuchemos esto ahora. Ven. Ven ba. Ven, ven. Ven ba, vamos, ven, vuelve. Ven ba, ven, ven. Ven ba, vamos. Después de que hagamos un pan, es posible que también necesitemos ajustar el volumen de cada pista. Entonces para este imp, voy a hacer esto un poco más fuerte. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Esta canción es bastante limitada ahora, pero si tuviéramos más pistas o instrumentos, entonces estaba considerando panear mucho más En términos generales, los instrumentos de tono más bajo como el bombo y el bajo, saldrías en el centro y no harías pan, y los instrumentos de tono más alto como sintetizadores o algunos efectos, podrías hacer Bien, entonces eso es equilibrar los niveles y el paneo. Espero que este video te haya resultado útil, y voy a ver el siguiente. 27. MIDI Velocity: Ahí, y bienvenidos a esta lección donde vamos a hablar de velocidad. La velocidad MIDI se usa en todas las puertas y se refiere a lo duro o suave que se toca una nota en un teclado midi. velocidad no controla directamente el tono de la nota, sino que afecta la dinámica y expresión del sonido. Por ejemplo, si golpeas fuerte una nota, sonará más fuerte y más intensa Si presionas suavemente, sonará más silencioso y más suave. Aunque la velocidad cambia principalmente el volumen, es importante entender que velocidad impacta en la señal de entrada, lo que significa que determina qué tan fuerte se activa la nota cuando se reproduce. Por otro lado, el volumen controla la señal de salida, lo que define qué tan fuerte se reproduce el sonido a través de altavoces o auriculares. Algunos instrumentos virtuales en banda de garage responden a la velocidad, no solo cambiando el volumen, sino activando diferentes características tonales Por ejemplo, golpear más fuerte una tecla de piano podría producir un sonido más brillante y contundente, mientras que un toque más suave puede hacer que la misma nota sea más delicada Esto le da más profundidad desde realismo al variar la intensidad de cada nota. Entonces, ahora echemos un vistazo a cómo ajustar la velocidad. Para este ejemplo, ajustemos la velocidad para la parte de graves. Entonces, para ajustar la velocidad de las notas midi en la banda de garage, abre el piano o Editor haciendo doble clic en la región midi. Entonces, para este ejemplo, hagamos doble clic en esta primera región base. Ahora vamos a desplazarnos hasta la barra nueve para que podamos ver esta primera región. Si hacemos clic en una nota, podemos ver esta diapositiva de velocidad aparecer aquí. Notarás con cantidades de baja velocidad, tenemos una línea más pequeña aquí. Y con mayores cantidades de velocidad, tenemos una línea más grande aquí. También se puede escuchar cómo la nota suena diferente con alta velocidad en comparación con baja velocidad. También podemos hacer clic y arrastrar sobre varias notas y ajustar la velocidad de todas estas. Si mostramos la automatización presionando este botón aquí o usando el comando de tecla A, notarás que podemos ver estas barras de velocidad debajo de las notas, así que podemos hacer clic y arrastrar sobre estas barras aquí para ajustar la velocidad también. También podemos hacer clic y arrastrar sobre varias notas para ajustar la velocidad. Entonces solo para este ejemplo, vamos a tener el aumento de velocidad para esta primera barra. Entonces, apaguemos la región del ciclo presionando C, y pongamos la regla del cabezal de reproducción en un compás nueve y hagamos solo la parte del bajo para que podamos escuchar esto Entonces deberías haber escuchado esa sonda más suave y luego se hizo más fuerte aquí arriba. Hagamos algo un poco más extremo para que sea más fácil de escuchar. Nuevamente, vamos del bar nueve. Para que puedas escuchar cantidades de alta velocidad. Suena mucho más contundente. Entonces para este ejemplo, quiero tener todas las notas alrededor de 80. Entonces hagamos clic y dibujemos una línea, y debería estar alrededor de una cantidad similar. Bien, oigamos esto ahora. Y si lo deseamos, podemos arrastrar todos estos hacia abajo. O podemos arrastrarlos hacia arriba. Y la velocidad media va de uno todo el camino a 127. Entonces si hay parte de bajo, creo que suena un poco demasiado contundente con altas velocidades, así que solo voy a arrastrarlo hacia Y esta vez, probémoslo alrededor de los 60. Y luego con la segunda región de bajos aquí, notarás que tenemos cantidades de alta velocidad. Sin embargo, estoy bien con las cantidades de alta velocidad para la segunda región, ya que sí quiero que la canción se acumule, así que dejemos esto como está. Bien, hablemos ahora de usos creativos de la velocidad. La velocidad es una herramienta que se puede utilizar por cuatro razones principales. Número uno, expresión dinámica. La velocidad es esencial para agregar dinámica natural a las mini actuaciones. Al ajustar qué tan fuerte o suave se toca cada nota, puedes imitar los sutiles cambios se encuentran en los instrumentos en vivo Por ejemplo, tocar ciertas notas fuerte con alta velocidad y otras más suaves crea una actuación más expresiva y emocionalmente atractiva Es especialmente importante para instrumentos como pianos, tambores o cuerdas donde dinámica es clave para su sonido natural Entonces, para este ejemplo aquí, ajustemos la velocidad para algunas de estas notas. Mm hmm. Y vamos a tener también la primera nota de cada barra, tener una velocidad ligeramente alta. Bien, vamos a escuchar esto. Ahora bien, esto va a ser muy sutil, pero debería sonar más como un instrumento en vivo. Hablemos ahora de la segunda razón principal por que la velocidad puede ser útil, y eso son los acentos y el énfasis. Entonces para la barra de bajo aquí, quería enfatizar cada barra, razón por la cual aumento la velocidad para la primera nota de cada barra. Hablemos ahora de la tercera razón, y eso es crear actuaciones realistas. En las actuaciones del mundo real, los músicos no tocan todas las notas con la intensidad exacta. Velocidad uniforme en sonidos midi robóticos y sin vida. Al variar la velocidad de cada nota incluso ligeramente, se puede crear un rendimiento más humano y natural. Por ejemplo, si estás programando un relleno de batería o un riff de piano, ajustar ligeramente la velocidad de cada nota hará que suene más como una persona real la tocó, agregando autenticidad y riqueza a la música Y ahora hablemos de la cuarta razón, que es groove and feel. En instrumentos más rítmicos como patrones de batería o percusión, ajustar la velocidad de los golpes individuales puede crear un groove más dinámico Al variar sutilmente la velocidad de ciertos golpes, puedes cambiar la sensación y respuesta emotiva del surco Por ejemplo, en un patrón de sombrero alto, alternar golpes más suaves y fuertes puede hacer que el oyente quiera bailar o sentirse más impulsado dependiendo de dónde acentres los éxitos Entonces ahora mismo estamos usando el instrumento baterista para nuestra batería Y con esto, no podemos ajustar la velocidad, pero los patrones de batería virtuales en realidad incluyen mucha variación de velocidad diferente, lo que hace que suene como un baterista real Bien, entonces ahora vamos a ajustar la velocidad para la introducción y la primera mitad del verso de la parte sinfónica Entonces esto es del bar uno al bar nueve. Así que vamos a desplazarnos hasta la barra uno, o recordemos que solo va al compás cinco, y luego está en bucle. Así que vamos a hacer clic y arrastrarlo sobre todas estas notas. Y vamos a usar este deslizador de velocidad aquí para derribarlos a todos. Entonces esto debería sonar más suave, y desde el compás nueve, debería sonar un poco más goloso. Así que vamos a solo esto y toquemos esto desde el compás cinco para que puedas escuchar una diferencia. Unsolo esto y oigamos esto en la mezcla con el resto de los instrumentos Es bastante sutil, pero ojalá puedas escuchar la diferencia. Entonces, cuando la snare entra en la barra nueve y los tambores empiezan a patear, tenemos la cantidad de alta velocidad para el plomo del symp, lo que ayuda a agregar energía a la canción Bien, así que ese es el final de este video donde hemos mirado a la velocidad Midi. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 28. Introducción a las mezclas y los efectos: Bienvenido a la siguiente sección donde aprenderás los fundamentos de la mezcla en la banda de garage, enfocándote en usar efectos como EQ, compresión, reverberación y delay para mejorar tus pistas También aprendes a equilibrar y realizar un seguimiento de Pan, asegurando que la mezcla sea clara, dinámica y atractiva. Hablemos ahora del uso creativo de los efectos enchufables y la banda de garage. Usando los efectos plug in y GarageBand puedes agregar texturas únicas y energía creativa a tu Efectos como reverberación, delay, distorsión y modulación pueden transformar el tono, espacio o incluso el carácter de un instrumento o voz Por ejemplo, la reverberación puede hacer un sonido vocal como si estuviera en una sala grande, agregando profundidad y atmósfera Delay puede agregar partes de eco a la melodía, creando efectos rítmicos o espaciosos La distorsión puede agregar arena e intensidad a una guitarra o sintetizador Cuando se usan efectos creativamente, el objetivo suele ser experimentar y mejorar el impacto emocional de la canción, no necesariamente refinar el sonido para mayor claridad o equilibrio Hablemos ahora del propósito de mezclar y producir música. mezcla es el proceso de mezclar todos los elementos de una canción para que suene cohesiva, equilibrada y pulida Al mezclar, los efectos plug in se utilizan más con fines funcionales. Por ejemplo, la ECU o ecualización ajusta las frecuencias para asegurar que cada instrumento tenga su espacio compresión ayuda a controlar la dinámica, equilibrar en partes ruidosas y blandas para un sonido más uniforme. reverberación y el retardo se utilizan sutilmente para agregar espacio y profundidad sin abrumar la mezcla También vamos a estar viendo estos efectos en detalle en los próximos videos. Si bien hay cierta superposición, los efectos creativos ayudan a dar forma a la sensación artística mientras que la mezcla se centra en la claridad, el equilibrio y la creación de un sonido profesional, por lo que cada parte funciona bien en conjunto en la pista general. Antes de alcanzar un plug in, al mezclar, panning y balancear faders son herramientas fundamentales que ayudan a crear una mezcla clara y bien definida Estos son pasos esenciales para completar antes de agregar efectos. Panning distribuye el sonido a través del campo estéreo, creando ancho y separación Al colocar los instrumentos a la izquierda, al centro o a la derecha, evitas que compitan por el espacio y ayudas a los oyentes a distinguir cada sonido Por ejemplo, hacer paneo de guitarras a un lado mientras se mantiene el centro vocal hace que cada parte sea más distinta balance y los faders ajustan los niveles de volumen de cada pista, estableciendo una buena base para la mezcla Bajar o elevar los faders asegura que cada sonido sea audible sin sobrecargar Este paso aporta cohesión a la mezcla, dándole un sonido equilibrado y pulido. Juntos, el panning y el balance de fader crean una estructura mixta sólida Son la clave para lograr claridad y profundidad antes de alcanzar efectos, debemos mejorar no reemplazar estos elementos centrales. Entonces en este curso, hasta ahora, ya hemos mirado en ajustar el nivel de volumen y panning, y a continuación vamos a ver cómo agregar efectos, y luego vamos a ver algunos efectos clave como EQ, compresión, reverberación y delay, que cubriremos en los próximos videos 29. Acceder a los complementos de efectos: Bien, entonces ahora echemos un vistazo al acceso y los efectos. Los efectos y la banda de garaje se aplican a cada pista individualmente. Ahora echemos un vistazo a cómo podemos agregar efectos a las pistas. En primer lugar, selecciona la pista a la que quieres añadir el efecto o edita el efecto. Para este ejemplo, vamos a elegir la pista base, y ahora necesitamos abrir los controles inteligentes presionando este botón aquí o usando el comando de tecla B. Algunos parámetros generales que son fáciles agarrar en la pestaña de controles en el medio de la ventana. Para todos los complementos en la pista, vaya al menú desplegable de complementos de la izquierda. Esto te muestra una lista de plugins en orden de procesamiento de arriba a abajo. Esto se conoce como la cadena de efectos. Si el plugin está atenuado así, significa que se ha pasado por alto Y si haces clic a la izquierda, puedes activar esto. Haga clic en el medio para abrir el parámetro plug in donde podrá realizar cambios y haga clic en el lado derecho para cambiar el complemento. Puedes ver aquí tenemos todas estas diferentes categorías de plugins. Entonces solo por un ejemplo, cambiemos esto a otro plug in. Pero no lo vamos a usar por ahora, así que vamos a pasar por alto esto. Bien, así es como puedes acceder a los plugins. A continuación, vamos a ver algunos complementos esenciales, empezando por EQ o ecualización, que veremos en el siguiente video Entonces, gracias por mirar, y te veré ahí. 30. Uso de ecualización en GarageBand: Bien, ahora hablemos de ecualización o ecualización. Esta es una herramienta utilizada para ajustar el balance de frecuencias dentro de un sonido. EQ le permite aumentar o cortar rangos de frecuencia específicos, dando forma a las características tonales de pistas individuales o la mezcla general Te darás cuenta en los controles inteligentes en la pestaña de pista, tenemos esta pestaña de ecualización aquí. Entonces este es el efecto del plugin EQ. ecualizador divide el espectro audible en bandas de frecuencia, que van desde frecuencias base o bajas hasta frecuencias agudas o altas Entonces las frecuencias de la izquierda son frecuencias más bajas, y las frecuencias de la derecha son las frecuencias más altas. Cada banda representa un rango específico de frecuencias, por ejemplo, base, media y agudos. Entonces este de aquí es un ecualizador paramétrico. Si volvemos a nuestra pestaña Control aquí, puedes ver ahora que hemos agregado un ecualizador de canal. Entonces, si hacemos clic en esto, podemos ver este enchufe con más detalle. También tenemos esta área de vista aquí para que podamos hacer que este complemento sea más grande si lo desea. Para este ejemplo, volvamos a poner esto al 100%, y hablemos de los controles este ecualizador paramétrico En GarageBand, esto se llama EQ de canal, pero este es un EQ paramétrico ecualizador divide el espectro audible en bandas de frecuencia, que van desde frecuencias base o bajas hasta frecuencias agudas o altas Las bandas inferiores están a la izquierda y las bandas superiores están a la derecha. También tenemos aquí esta forma, que se llama estante, y esta forma aquí, que se llama filtro. Tenemos esto para las frecuencias más altas y más bajas. En GarageBand, EQ tiene tres controles principales, que son frecuencia, ganancia y Q. Permítanme explicarlos ahora Hablemos primero de ganancia. Esto ajusta el nivel de la banda de frecuencia selectiva le permite aumentar o reducir el volumen de frecuencias dentro de ese rango. Entonces, si pasas el cursor sobre esta bola de aquí, que corresponde a esta banda de frecuencia, podemos arrastrarla hacia arriba para aumentar la ganancia o arrastrarla hacia abajo para disminuir la ganancia Déjame solo la parte base y el área de ciclismo y reproduzca esto para que puedas escuchar una diferencia. Entonces dibujando reproducción, voy a ajustar esta cantidad de ganancia. Entonces, con valores bajos, deberías poder escuchar esta frecuencia sacada y con valores más altos, deberías poder escuchar esta frecuencia Hablemos ahora de frecuencia. Esto selecciona la frecuencia central de la banda seleccionada determinando qué frecuencias se ven afectadas por el ajuste de EQ. Si arrastramos esto hacia la derecha, la banda afectará a las frecuencias altas. Y si la arrastramos hacia la izquierda, la banda afectará a frecuencias más bajas. Así que voy a reproducir esto otra vez y barrer este control de frecuencia para que puedas escuchar una diferencia. Entonces, cuando esté hacia la izquierda, notará que aumentará frecuencias más bajas, y cuando esté hacia la derecha, notará que aumentará frecuencias más altas. Ahora vamos a disminuir la ganancia para que cortará las frecuencias. También tenemos el analizador de espectro aquí abajo. Entonces te habrías dado cuenta cuando ajusté las frecuencias alrededor de esta zona, realidad no estaba cambiando mucho porque la base no está reproduciendo frecuencias tan altas. No obstante, si ajustamos el control de ganancia e instrumentos con frecuencias más altas como el piano, podrás golpear la diferencia. Bien, ahora echemos un vistazo al control Q. El control Q o ancho de banda controla el ancho de la banda de frecuencia afectada por el ajuste de EQ. Un valor Q alto reduce el ancho de banda, enfocando el efecto ECU en un rango de frecuencias más pequeño Podemos arrastrarlo hacia adentro para conseguir una cola más apretada. Esto se centrará en un rango de frecuencias más estrecho, o podemos arrastrarlo hacia afuera para obtener una cola más amplia, lo que afectará a un rango más amplio de frecuencias Nuevamente, volvamos a reproducir esto en nuestro control de la justicia. Y podemos activar y desactivar el plugin pulsando este botón aquí. Bien, ahora echemos un vistazo a las técnicas comunes de EQ, y vamos a demostrar esto en la pista vocal. Entonces seleccionemos aquí la pista vocal de la izquierda. Y ahora bajo plugins, vamos a seleccionar canal EQ. Si el canal EQ no aparece, podemos dar click en EQ aquí. Y ahora si volvemos a la pestaña Control, aparecerá un plugin de ecualización de canal, o podemos agregar uno haciendo clic en el espacio vacío de abajo y luego yendo a EQ Channel EQ. Pero para este ejemplo, abramos este ecualizador aquí. Bien, la primera técnica común de EQ es el equilibrio de frecuencia. El ecualizador se usa comúnmente para equilibrar el espectro de frecuencia de pistas individuales o la mezcla general. Por ejemplo, aumentar las frecuencias base de un bombo puede agregar peso e impacto, mientras que cortar las bajas frecuencias de una pista vocal puede reducir la enturbiamiento y mejorar la claridad Así que vamos a solo esta pista vocal ahora y retoquemos esto, y vamos a reducir algunas de las frecuencias bajas para reducir la enturbiamiento. Por cierto, tenemos tres formas diferentes en este ecualizador paramétrico Contamos con cuatro bandas que permiten reducir bandas específicas de frecuencias. Entonces tenemos dos estantes, uno para las frecuencias más altas, y otro para las frecuencias más bajas. También podemos encender y apagar todos estos, si así lo desea. Vamos a encender aquí la repisa de baja frecuencia. Para que veas que no es una banda. Voy a subir a una frecuencia específica, y continuará para las frecuencias bajas. Podemos controlar la pendiente aquí, y luego la frecuencia continuará cortando o aumentando dependiendo de la cantidad de ganancia. Entonces, para la repisa baja, aumentará o cortará las frecuencias bajas, y para la repisa alta, aumentará o cortará las frecuencias altas. Entonces tenemos los filtros. Entonces este filtro de corte bajo aquí, también conocido como filtro de paso alto, ya que esto permite que pasen las frecuencias altas y corta las frecuencias bajas. Y con configuraciones de Q altas, esto creará un impulso antes del punto de corte de frecuencia Y lo mismo para el filtro de corte alto. Esto también se conoce como filtro de paso bajo, ya que esto permite que pasen frecuencias bajas y corta las frecuencias altas. Un juego de altas cantidades de Q creará un impulso justo antes de los puntos de corte del filtro Esta pista vocal, en realidad vamos a filtrar algunas de las frecuencias bajas para reducir el enturbiamiento y mejorar la claridad Ven marca y hombre. Vamos, vamos. Vamos, vamos. Vamos a encender también el analizador aquí para que podamos ver las frecuencias que nos pueden ayudar a EQ. Ven marca mal. Venga señor, venga. Vamos, vamos, vamos. Ven a burlarse de mal. Vamos, monje, vamos. Ven a burlarse de marlin. Ven, M, mon vamos. Ven a burlarse de mal. Vamos, vamos. De hecho, agregué el impulso allí antes del punto de corte del filtro, y hablemos ahora de la siguiente técnica común de iku Y eso es la escultura sonora creativa. EKU se puede utilizar creativamente para dar forma al carácter y la textura de los sonidos Experimente configuraciones de CI extremo , como aumentar o cortar rangos de frecuencia específicos para crear texturas y efectos sónicos únicos. También vamos a encender esta banda de frecuencias aquí, e intentemos impulsar algunas de las frecuencias medias altas, y vamos a escuchar cómo suena. Ven a burlarte. Vamos, vamos. Ven a burlarte. Ven, vamos, vamos. Ven a burlarte. Ven mamá vamos. Te recomiendo comenzar con un ajuste extremo, para que puedas escuchar claramente la diferencia, y luego cariño hasta algo más realista. Escuchemos ahora esto en la mezcla. Y M vamos. Ven. Mm en. Bien, la siguiente técnica de ecualización común es la escultura de sonido creativa ecualizador se puede usar creativamente para dar forma al carácter y la textura de los sonidos Experimente con ajustes de ecualización extremos , como aumentar o cortar rangos de frecuencia específicos para crear texturas y efectos sónicos únicos. El efecto telefónico se usa a menudo en las voces, por ejemplo, y usa EQ para eliminar las frecuencias altas y bajas mientras que también aumenta en el rango medio Así que, en realidad, mantengamos lo que hemos creado aquí. Así que vamos a pasar por alto este plugin de EQ. Y ahora agreguemos otro plugin de EQ. Así que hagamos clic en esta ranura aquí y luego vayamos a EQ Channel EQ. Entonces solo para este ejemplo, vamos a crear un efecto telefónico. Vamos a solo las voces por ahora, encendamos el filtro y arrastremos esto hasta el fondo. Y hagamos que la pendiente sea un poco más pronunciada, y creemos también un impulso justo antes del punto de corte del filtro Bien, oigamos esto ahora. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Si queremos que esto sea un poco más extremo, aquí también podemos crear botas para estas bandas de filtro. Vamos, vamos. Pero para este ejemplo, vamos a eliminar este plugin. Así que hagamos clic en el plugin y vayamos a ningún plugin. Y vamos a habilitar el ecualizador que estamos usando antes. Así que no tienes que poner un efecto EQ en cada pista. Pero si sientes que alguna de las frecuencias puede ser potenciada o cortada, entonces te recomiendo agregar un plugin de EQ y ajustar algunas de las frecuencias para intentar mejorar el sonido Bien, entonces ese es EQ. A continuación, vamos a ver la compresión, que veremos en el siguiente video. 31. Conceptos básicos de compresión: Bien, entonces ahora echemos un vistazo a la compresión. La compresión es una herramienta dinámica de procesamiento de audio utilizada para controlar el rango dinámico de las señales de audio. Reduce el volumen de las partes más fuertes de la señal al tiempo que deja partes más silenciosas sin afectar, lo que resulta en un sonido más consistente y equilibrado En general, las pistas de audio requieren más compresión debido a su rango dinámico natural y variaciones de volumen. instrumentos virtuales o mini instrumentos suelen ser más consistentes en volumen y dinámica, y estos generalmente necesitan menos compresión en comparación con los instrumentos reales. Entonces, para este ejemplo, agreguemos un compresor a nuestra pista de teclado mientras grababa el audio de mi piano eléctrico. Entonces seleccionemos aquí la pista de teclas, y luego la pista, agreguemos un compresor. Puedes ver en los plugins aquí, ya tenemos un compresor, pero solo vamos a agregar otro ahora, que puedas ver dónde encontrar el plugin compresor. Así que vamos a hacer clic en este botón de flecha a la derecha para que podamos cambiar el plugin. Entonces podemos encontrar el compresor en la dinámica. Ya puedes ver que es bypass, pero si activamos esto, puedes ver que se ilumina aquí. Bien, ahora hagamos clic en la mitad del enchufe para abrir esto. Este compresor es bastante básico en comparación con otros compresores que puede encontrar en otras estaciones de trabajo de audio digital como LodgerP No obstante, todavía tiene los controles esenciales, que voy a hablar ahora. Hablemos primero de Umbral del compresor. Umbral determina el nivel en el que la compresión comienza a actuar. Solo se comprimirá la señal por encima de -14 dB. Pero si bajamos esto para decir -50 dB, comprimirá cualquier señal por encima de 50 dB Entonces esto básicamente comprimirá todo el audio pero a -14 dB, solo comprimirá las partes más fuertes de la señal Vamos a solo la pista clave y retomemos esto. Entonces en este momento solo está comprimiendo la señal que está por encima de -14 dB Pero bajemos todo el camino a -50 dB, y está comprimiendo mucho más de la señal Y se puede ver esta luz arriba en los controles aquí. Entonces esta es la reducción de ganancia. Esto es lo mucho que se está comprimiendo. Y si aumentamos esto, se puede ver que no se enciende tanto porque no se está comprimiendo tanto. Pero por ahora, pongamos esto a una ronda de -30 dB, y echemos un vistazo a la siguiente configuración que es la relación Ratio establece la cantidad de compresión aplicada a la señal. Por ejemplo, una relación de cuatro a uno significa que cada cuatro dB la señal de entrada supera el umbral, el nivel de salida solo aumentará en un dB. Entonces, básicamente, el compresor reduce el volumen por encima del umbral en un factor de cuatro, lo que hace que la señal sea más consistente y controlada. Entonces para más compresión, puedes aumentar esto. Solo retomemos esto y usaré algunos ajustes extremos de umbral y relación para que puedas marcar claramente una diferencia. B Al aplicar efectos, es importante evitar el plug in para que puedas golpear una diferencia con el efecto y sin el efecto. A veces cuando estamos agregando efectos, pensamos que suena mejor con el efecto, pero a veces, puede ser mejor sin el efecto. Por lo que sí recomiendo usar el botón de bypass para escuchar cómo suena con y sin el efecto. Bien, hablemos ahora de ganancia. Esto también se conoce como ganancia de maquillaje. Esto compensa la reducción general de ganancia causada por la compresión, lo que le permite aumentar el nivel de la señal comprimida para que coincida con el nivel original Entonces, cuando estás agregando compresión, estás reduciendo el nivel, y podemos aumentar el nivel con la ganancia de maquillaje. Tenga cuidado de no aumentar esto demasiado alto ya que se cortará o distorsionará Algunos compresores sí tienen una función de ganancia automática, pero desafortunadamente en la banda de garaje, tenemos que configurarlo manualmente. La razón por la que quieres ajustar la ganancia es cuando te saltas el enchufe, quieres que esté al mismo nivel porque muchas veces si algo suena más fuerte, puede sonar mejor Así que idealmente, queremos igualar el nivel con un plug in aplicado y pasado por alto. Así que vamos a hacer esto ahora. Entonces para esto, alrededor de dos dB es correcto. Así que siempre puedes reproducir esto y pasar por alto y activar el plugin y ajustar este control para que coincida con la ganancia. Entonces, la relación umbral y la ganancia son los controles más importantes en el compresor, pero hablemos también del ajuste de ataque. El ataque controla la rapidez con la que se aplica la compresión después de que la señal excede el umbral. Un tiempo de ataque lento generalmente proporciona más impacto, lo que puede ser útil para los tambores. En tanto que un ataque rápido suavizará el inicio de un sonido. Entonces este control es un poco más sutil que los otros ajustes, pero recomiendan reproducirlo y ajustar este control para que puedas escuchar una diferencia. Muchos compresores también tienen un control de liberación, y esto determina qué tan rápido se detiene la compresión una vez que una señal cae por debajo del umbral. Por lo tanto, un tiempo de liberación más rápido da como resultado un compresor de sonido más sensible y agresivo, compresor de sonido más sensible y agresivo, mientras que un tiempo de liberación más lento proporciona un efecto de compresión más suave y transparente Sin embargo, para este compresor, no tenemos un ajuste de liberación, pero si usas un compresor en otra puerta como Logic Pro, entonces este tendrá un ajuste de liberación. Bien, entonces ese es un efecto compresor. Ahora vamos a ajustar esto para el baterista. Entonces si hacemos click en la pista del baterista, podemos ver por defecto, ya tenemos este efecto compresor Así que vamos a solo esto y reproducirlo y dibujar y reproducir. Voy a ajustar estos controles de compresión aquí. Entonces tengo configuraciones bastante extremas como esa, suena muy poco realista Entonces para este ejemplo, elegiría algo un poco más natural. Entonces creo que estos ajustes suenan bastante bien para esta parte, y agregar compresión a la batería iguala el nivel de volumen, mejora el golpe y crea un sonido más cohesivo Reduce el volumen de algunos de los golpes más fuertes y ayuda a batería suene más consistente en la mezcla Ahora unslo los tambores y toquemos esto con el resto de las pistas y luego bypass y habilitemos el enchufe de compresión para que puedas escuchar la diferencia Ven, ven, vamos. Venga, venga, venga, venga, venga. Ven, vamos, vamos. Ven, habla y bar Vamos, vamos, ven. Ven, vamos, vamos. Vuelve, y bar. Ven, vamos, vamos. Así que agregar compresión a los tambores realmente les ayuda a sentarse mejor en la mezcla y mejora el punzón. Bien, así que eso es compresión. A continuación vamos a ver el efecto de reverberación, que veremos en el siguiente video Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 32. Uso de la reverb: Bien, entonces ahora hablemos de reverberación. La reverberación es un efecto crucial utilizado para simular la reverberación natural de Añade profundidad, dimensión y realismo a las grabaciones de audio emulando los reflejos y la decadencia de los sonidos en diferentes entornos. reverberación es creada por los reflejos de las ondas sonoras superficies y espacios acústicos como paredes, pisos y techos Estas reflexiones se combinaron con el sonido original para crear un patrón complejo de ecos y reverberaciones En la producción de audio digital, la reverberación se genera utilizando algoritmos que simulan el comportamiento de los espacios acústicos Estos algoritmos modelan parámetros como el tamaño de la habitación, la forma y el material de la superficie para recrear las características de reverberación deseadas En GarageBand, hay cuatro plugins de reverberación, cada uno de los cuales ofrece diferentes texturas y características Experimenta con diferentes plugins de reverberación para encontrar lo que mejor se adapte a tu música diferentes complementos de reverberación pueden tener parámetros ligeramente diferentes, pero aquí hay algunos generales que debe esperar y la mayoría de los complementos de reverberación Para este siguiente ejemplo, agreguemos reverberación a la pista vocal Así que vamos a seleccionar el encabezado de la pista de voz. Y ahora la pista, agreguemos un efecto de reverberación. Tenemos aquí este control maestro de reverberación, pero para este ejemplo, agreguemos un efecto de reverberación a esta pista Así que hagamos clic en una ranura de plugin vacía y vayamos a reverberar Entonces puedes ver aquí tenemos cuatro reverberaciones diferentes, verbo, verbo platino, verbo plata, y diseñador espacial Enverb and garage band te permite controlar qué tan rápido comienza la reverberación y cuánto tiempo permanece, ideal para hacer efectos de reverberación artificial o cerrada El verbo platino proporciona ajustes detallados para las reflexiones tempranas y la reverberación te, lo que lo hace útil para una sala creativa, realista y sonidos de salón El verbo plateado es una reverberación directa que agrega un eco natural y sentido del espacio a las pistas Y luego el diseñador espacial utiliza muestras grabadas de espacios reales para crear efectos de reverberación realistas, perfectos para hacer que los sonidos se sientan como si estuvieran en habitaciones o entornos reales Para este ejemplo, usemos verbo plata. Esta es una reverberación bastante básica, pero aún así suena genial. Diferentes complementos de reverberación pueden tener diferentes configuraciones, pero ahora voy a repasar estos esenciales para verbo plateado En primer lugar, tenemos el tamaño de la habitación. Esto determina el tamaño percibido del espacio virtual en el que se produce una reverberación Los tamaños de habitación más grandes dan como resultado tiempos de decaimiento más largos y reverberación más amplia Así que vamos a solo las voces ahora y escuchemos esto de vuelta. Ven Ma marlin. Ven, vamos, vamos. Ven moo principal. Ven, vamos, vamos. Ahora probemos un tamaño de habitación más pequeño. Ven moo principal. Ven, mo, vamos, vamos. Ven moo principal. Vamos, M, vamos, mome. Intentemos esto en algún lugar intermedio. Ven mou maling. Ven M comem vamos. Ven mo principal. Ven, vamos, M, vamos. Ven ahora hablemos de densidad y tiempo. El control de densidad y tiempo en verbo plateado ajusta la textura y duración de la cola de reverberación La densidad influye en cuán compactos o difusos están impactando los ecos en la suavidad de la reverberación, y el tiempo establece la duración de la decadencia de la reverberación y el tiempo establece la duración de la decadencia de la Esto controla cuánto tiempo persiste el sonido después de que termina la fuente Por lo tanto, ajustar esto ayuda a dar forma al ambiente general y al espacio del efecto de reverberación ajustes de tiempo de decaimiento altos hacen que el sonido de reverberación sea más suave y dure más, mientras que los ajustes más bajos producen una textura más granulada con un decaimiento más corto, por lo que se desvanecerá Reproduzcamos esto de nuevo y dibujemos la reproducción. Ajustaré este deslizador de tiempo de decaimiento para que puedas escuchar una diferencia. Ven mamá. Ven motor MoTumo Ven mamá. Ven motor MoTumo Ven mamá. Ven motor MoTumo Vamos moo. Ven motor MoTumo Vamos motor encendido. Ven motor MoTumo Ven mamá. Ven motor MoTumo Hablemos ahora de los controles secos y húmedos aquí. Con dry, podemos establecer la cantidad de la señal original, y wet nos permite establecer la cantidad del efecto de reverberación Entonces con una cantidad seca alta y una cantidad húmeda baja, tendremos más de la señal original y menos de la reverberación Y con una cantidad seca baja y una cantidad húmeda alta, tendremos menos de la señal original y más de la reverberación Y vamos a volver a reproducir esto y ajustar estos ajustes para intentar conseguir algo adecuado para esta parte. Dibujando reproducción, también, voy a pasar por alto y activar este plug in, y voy a deshacer solo esto para que podamos escuchar esto con el resto de la canción. Bien, hagámoslo ahora. Vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Vamos y vamos. Vamos, vamos, vamos. Monje y principal. Ven, ven, motútelos. Ven a burlarse del centro comercial y. Vamos, vamos ellos. Ven a burlarse del centro comercial y. Ven, ven motárselos. Ven Monk Mall. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos. Vamos, m. vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Ven ellos. Vamos, vamos arriba. Ven más, sube. Ven del bot. Vamos, vamos arriba. Ven más, sube. Ven de ellos. Vamos, vamos, vamos. Vamos con ellos. Ven más, vamos, ho arriba. Vamos con ellos. Vamos, vamos, vamos. Ven más, sube. Ven de ellos. Vamos, vamos, vamos. Entonces agregar reverberación a esta pista vocal realmente agrega una sensación de espacio y profundidad a la parte También hice que la pista fuera más fuerte ajustando el control deslizante de voume para mantener la claridad y el equilibrio en la mezcla También puedes hacerlo más fuerte usando el deslizador seco y húmedo, pero me resulta más rápido ajustar el deslizador voume de pistas En la banda de garage, sí tenemos los otros efectos de reverberación gratuitos que recomiendo echar un vistazo, pero así es como puedes usar el verbo plateado Bien, así que ese es el final de este video. Hemos mirado la reverberación. Entonces no sólo hay que sumar esto a las voces. También puedes agregar esto a muchos tipos diferentes de instrumentos. Por ejemplo, es posible que desee agregar reverberación a un sintetizador o caja para agregar espacio y profundidad a su pieza Bien, así que ese es el final de este video. A continuación, vamos a seguir buscando más efectos. 33. Cómo usar el retardo: Bien, entonces ahora echemos un vistazo al efecto de retraso. Delay es un efecto de audio que produce distintas repeticiones del sonido original, creando ecos y patrones rítmicos Funciona capturando la señal de entrada, retrasándola por una cantidad de tiempo especificada y luego alimentándola de nuevo a la mezcla En GarageBand, hay cinco plugins de delay, cada uno de los cuales ofrece diferentes texturas y características Te recomiendo experimentar con estos diferentes plugins para encontrar uno que mejor se adapte a tu música Parámetros de retardo. Diferentes plugins de retardo pueden tener diferentes parámetros. Entonces, para este ejemplo, agreguemos un efecto de retardo a la parte de simplead Así que hagamos clic en la pista Simple, y ahora bajo pista, agreguemos un plugin de retardo. Entonces, busquemos una ranura vacía aquí. Y ahora vamos a la demora. Así que puedes ver aquí tenemos cinco diferentes plugins de delay. Para este ejemplo, voy a demostrar el efecto echo, pero sí recomiendo revisar los otros plugins de delay y probarlos para que veas la diferencia. Así que los diferentes plugins de retardo pueden tener parámetros ligeramente diferentes, pero este efecto de eco tiene lo esencial, que voy a cubrir ahora. Hablemos primero de tiempo o tiempo de retraso. Esto determina la cantidad de tiempo entre cada repetición de la señal retardada. tiempos de retardo cortos producen ecos rítmicos rápidos, mientras que los tiempos de retardo largos crean amplios efectos ambientales Ahora vamos a solo esta parte de gripe enviada y voy a reproducir esta espalda y dibujar la reproducción, voy a ajustar el tiempo de retardo para que puedas golpear una diferencia. Empecemos con una octava nota. Ven más, ven el balón Cb el Ven llevó el venir, vamos. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Ven, ven. Y dibujando reproducción unsolo esto para que pudiéramos escuchar esto con el resto de las pistas Entonces, al agregar efectos, necesitarás escuchar tu parte en la mezcla, no solo en solitario. Pero para este ejemplo, creo que el tiempo de retraso de un 16 suena bien. Hablemos ahora de repeticiones. Esto también se conoce como retroalimentación. Esta configuración controla una serie de repeticiones o ecos generados por el efecto de retardo Al aumentar esto se crean más repeticiones, lo que resulta en un efecto de retardo más denso y pronunciado Nuevamente, retomemos esto y ajustemos este control. Tiernos templos de Cubo de Cderto de ven más, ven Bien, creo que alrededor del 50% suena bien. Entonces tenemos el control de color. Esto modifica la calidad tonal de las repeticiones de eco, lo que permite hacer que el eco suene más brillante o más oscuro Por lo que los valores más altos harán que el eco suene más brillante y los valores más bajos harán que el eco suene más oscuro. Por cierto, cuando usas ajustes más extremos para el control de color, el volumen sí se reduce bastante. Entonces no voy a poner el nivel demasiado alto o demasiado bajo, o si reduce el volumen significativamente. Bien, vamos a reproducir esto y durante la reproducción. También voy a disminuir la cantidad seca, ya que es bastante difícil golpear una diferencia cuando la cantidad seca se mezcla con una cantidad húmeda. Y voy a usar configuraciones más extremas ahora, y notas que el volumen disminuye bastante. Así que realmente no recomiendo dejar caer esto por debajo -70 o por encima alrededor de 70, o puede ser bastante difícil de golpear Ahora mezclemos en la cantidad seca. Bien, entonces tenemos las cantidades secas y mojadas. Entonces con estos controles, podemos ajustar el equilibrio entre la señal seca original y la señal húmeda retardada. Una mayor cantidad húmeda enfatiza el efecto de retardo, mientras que la cantidad húmeda baja mantiene más de la señal original. Solo reproduzcamos esto y voy a ajustar como control húmedo para que podamos escuchar una diferencia. Ven de abajo hacia arriba todos vienen. Ven abajo arriba todos los vienen el bo vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Entonces creo que por aquí suena bien. No quiero tener demasiada de la señal de retardo, pero lo suficiente como para que todavía podamos oírla. Algunos plugins de retardo ofrecen opciones de filtrado para dar forma al tono de la señal retardada. Los filtros de paso alto y paso bajo se pueden usar para eliminar frecuencias no deseadas o agregar calidez y textura al efecto de retardo. Hablemos ahora de algunas técnicas de retardo comunes. Al igual que la reverberación, el delay se puede utilizar para mejorar la sensación de espacio de las grabaciones de audio, creando una sensación de profundidad y dimensión en la mezcla Al panear señales retardadas a diferentes posiciones en el campo estéreo, puede agregar ancho para el movimiento a su mezcla, haciéndola sonar más inmersiva y expansiva Delay se puede utilizar para crear patrones rítmicos y ritmos y música interesantes Al sincronizar el tempo delay con el tempo de tu canción, puedes crear ecos rítmicos que complementen el groove y agreguen interés a la Delay se puede utilizar para crear exuberantes texturas ambientales y paisajes sonoros Al combinar múltiples señales de retardo con diferentes tiempos de retardo y ajustes de retroalimentación, puede construir texturas complejas en evolución que agregan profundidad y atmósfera a sus composiciones retardo también se puede usar creativamente para agregar carácter e interés a las grabaciones de audio Experimenta con ajustes de retardo poco convencionales como tiempos de retardo extremos, ajustes de retroalimentación y efectos de modulación para crear sonidos únicos e inesperados que agregan intriga y emoción a tu música Bien, entonces ese es el efecto de retraso. Recomiendo revisar también los otros efectos de retraso. Pero por ahora, sigamos adelante, y a continuación vamos a ver la modulación, que vamos a ver en el siguiente video. Entonces, gracias por mirar, y te veré ahí. 34. Conceptos básicos del efecto coro: Bien, entonces ahora hablemos de los efectos de modulación. La modulación abarca efectos como Corus, trémolo y phaser, cada uno de los cuales ofrece distintas transformaciones sónicas alterando las señales de audio Aquí hay una exploración detallada de estos efectos y sus aplicaciones creativas. Hablemos primero del coro. En este siguiente ejemplo, voy a agregar los efectos de modulación en la parte de claves. Entonces seleccionemos la pista aquí, y luego en la ventana de control inteligente debajo de la pista, agreguemos un efecto de coro Entonces, hagamos clic en una ranura de efecto vacía aquí abajo. Y ahora vamos a la modulación, y escojamos Corus. Entonces el coro duplica la señal de entrada, alterando ligeramente el tono y la sincronización del duplicado, y luego la mezcla con el original Este proceso crea un sonido grueso y rico, similar a múltiples intérpretes tocando o cantando juntos Chorus es ideal para agregar profundidad y calidez a voces, guitarras y Demasiado coro, sin embargo, y las cosas pueden empezar a sonar fuera de tono Solo echemos un vistazo a estos controles para el efecto de coro. En primer lugar, tenemos el control mixto, y esto nos permite ajustar el equilibrio entre el sonido original y el sonido modulado de proceso. Entonces al 100%, solo podemos escuchar el efecto de coro. Vamos a solo la parte de las teclas y reproduzcamos esto. Entonces, si esto se establece en 100%, entonces solo se escucha el sonido modulado completamente procesado sin señal seca. Sin embargo, si bajamos esto al 0%, solo podremos escuchar la señal seca y ninguno del efecto de coro Vamos a mezclar parte del efecto de coro con la señal seca Hablemos ahora del control de intensidad. Este control nos permite ajustar la profundidad o fuerza para el desintonizado ajustes más altos aumentan la profundidad de la modulación de tono, haciendo que el sonido sea más desafinado y crea un efecto de remolino más rico y dramático Y los ajustes más bajos producen una modulación de sonido más natural de desafinación más sutil Entonces tenemos el control de velocidad, y esto cambia la rapidez con la que ocurren las variaciones de tono. configuración más alta acelera la modulación de tono, y esto crea un movimiento más rápido y más vibrato, mientras que los ajustes de velocidad más bajos producen cambios de tono más lentos y graduales Bien, entonces ese es el efecto coro. Ahora echemos un vistazo al efecto trémolo. 35. Uso de Tremolo: Echemos un vistazo a otro efecto de modulación común. Entonces, hagamos clic a la derecha del enchufe del coro, y cambiemos esto a trémolo Entonces, lo que hace el trémolo es que modula el volumen de la señal de audio a un ritmo regular, dando como resultado fluctuaciones rítmicas Produce un efecto pulsante que agrega movimiento y dinámica al sonido El trémolo puede inyectar energía y ritmo en instrumentos como guitarras, teclados A menudo se emplea para crear vibraciones vintage o para agregar una textura pulsante a simps y pads, mejorando la ranura y la atmósfera de Bien, vamos a reproducir esto para que puedas escuchar la parte de las teclas con el efecto trémolo antes de explicar los ajustes Entonces deberías escuchar el sonido yendo del canal izquierdo al derecho. En primer lugar, tenemos el control de profundidad. Con esto, podemos elegir qué tan intensos queremos que sean los cambios de volumen. Con ajustes más bajos, podemos hacer que el efecto suene más sutil o más pronunciado de ajustes más altos. Entonces tenemos el control de tarifas. La tasa nos permite ajustar la velocidad del efecto pulsante, permitiéndole elegir qué tan rápidas o lentas son las fluctuaciones de volumen Así podemos golpear pulsando a las notas de un cuarto. Pero si aumentamos esto a una nota 16, podemos escucharlo pasar del canal izquierdo al derecho mucho más rápido. Y si bajamos esto a 1 bar, notarás que la tarifa será mucho más lenta. Y si movemos esto a la derecha, podemos tener una rata y Hertz. Más bien las divisiones de ritmo musical que están sincronizadas con el tempo. Hablemos ahora del control de fase estéreo. Con esto, podemos cambiar la forma en que se mueve el volumen entre los altavoces izquierdo y derecho. Si tenemos esto en cero, entonces mantendrá el efecto centrado sin arremolinar ni rebotar entre izquierda y derecha Y con ajustes más altos, tendremos más remolinos o rebotes entre los altavoces izquierdo y derecho También podemos usar números menos, por lo que está completamente desfasado, por lo que primero va al otro canal. Bien, vamos a reproducir esto para que oigas la diferencia. Bien, entonces ese es el efecto trémolo. Ahora echemos un vistazo a un efecto de modulación más común, y veamos phaser 36. Cómo usar Phaser: Phaser modula la relación fáser de la señal para crear un efecto de barrido remolino Phaser es versátil y en profundidad de movimiento para guitarras, simps y tambores Se favorece por efectos psicodélicos o para infundir pistas con sentido de movimiento y espacio Phaser puede variar desde una coloración sutil hasta efectos dramáticos de hinchazón, dependiendo de los ajustes de parámetros y contextos musicales. Bien, ahora vamos a reproducir esto para que podamos darle al efecto phaser en la parte keys, y luego voy a pasar por los diferentes ajustes Bien, primero hablemos del control de retroalimentación. Esto nos permite controlar cuánto del sonido del proceso se retroalimenta al efecto. Los ajustes más altos sonarán más intensos y resonantes cuanto más alto se establezca, y los ajustes más bajos sonarán más sutiles. Bien, vamos a volver a jugar esto. Entonces tenemos el techo de barrido. Esto nos permite establecer la frecuencia más alta que alcanza el efecto de barrido. Entonces esto podemos controlar qué tan alto tono o brillante se pone el sonido swooshing. Nuevamente, vamos a reproducir esto e idjust este control. ajustes más bajos hacen que el efecto phaser suene más suave y los ajustes altos hacen que suene más brillante y nítido Bien, entonces tenemos este control de piso de barrido. Y esto nos permite establecer qué tan bajo va el sonido del fáser. ajustes más bajos nos permiten tener un sonido y un efecto phaser más bajos o básicos, o los ajustes altos hacen que suene menos bajo y Bien, otra vez, vamos a reproducir esto y ajustar esto. Por lo tanto, observe que el techo de barrido debe estar por encima del control del piso de barrido. Esto es para que podamos crear un rango para que el fáser lo atraviese De lo contrario, no habrá ningún movimiento en absoluto. Bien, ahora echemos un vistazo a las etapas. Esto nos permite establecer qué tan grueso o delgado suena el fáser. Más escenarios hace que suene lleno y menos escenarios lo hace sonar más simple Por cierto, también podemos usar estas flechas aquí para ajustar la configuración o podemos usar un deslizador. De nuevo, eso es reproducirnos para que puedas escuchar una diferencia. Entonces tenemos tasa Elep uno, esto nos permite establecer qué tan rápido se mueve el primer oscilador de baja frecuencia Entonces, básicamente, esto nos permite controlar qué rápido se mueve el sonido de barrido hacia arriba y hacia abajo en tono. Nuevamente, vamos a reproducir esto y ajustar este control para que puedas escuchar una diferencia. Y entonces tenemos tasa dos LFO. Esto nos permite controlar la velocidad del segundo LFO. Así que tener dos LFO te permite crear movimientos más complejos en capas Al establecerlos a diferentes velocidades, puedes crear sonidos más interesantes, haciendo que el efecto se sienta más vivo y dinámico. Así que vamos a reproducir esto y ajustar LFO dos para que puedas escuchar una diferencia Entonces tenemos aquí el control de mezcla Elepho, lo que nos permite mezclar Efo uno y ELFO Al bajar la mezcla de Efo, te permite escuchar más de LFO one, y subirlo, te permite escuchar más de Elefo Nuevamente, vamos a reproducir esto y ajustar este control para que puedas escuchar una diferencia. Bien, entonces ese es el fáser. Entonces gracias por ver este video, y voy a ver en el siguiente. 37. Técnicas de modulación creativa: Hablemos ahora de algunas técnicas creativas de modulación. Experimente con la automatización de parámetros de efecto de modulación lo largo del tiempo para crear texturas y transiciones en evolución Estaremos viendo la automatización más adelante en este curso. Para el coro, por ejemplo, los ajustes dinámicos a la tasa de profundidad y la retroalimentación pueden crear fascinantes viajes sónicos dentro Combina múltiples efectos de modulación para construir intrincados paisajes sonoros Por ejemplo, mezclar coro con trémolo puede producir texturas pulsantes brillantes, o el fáser emparejado con trémolo puede evocar atmósferas rítmicas arremolinadas trémolo puede producir texturas pulsantes brillantes, o el fáser emparejado con trémolo puede evocar atmósferas rítmicas arremolinadas. Entonces no hemos mirado todos los diferentes efectos de modulación, pero sí te recomiendo que prueben estos para que puedas escuchar la diferencia. Pero para esta parte claves, agreguemos un estribillo. Así que voy a tocar este bate ahora y ajustar estos ajustes de coro. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Bien, agreguemos también el trémolo. Entonces en la modulación, agreguemos el trémolo. Nuevamente, reproduzcamos esto en Yo ajusto estos ajustes. Vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos. Ven , vamos. Vamos más, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos más, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos, vamos, vamos. Vamos más, vamos, vamos. Por último ahora, aquí la parte de introducción, así que solo tenemos las claves y la parte de sintetizador Bien, entonces creo que agregar algunos efectos de modulación aquí hace que esta parte de claves sea un poco más interesante. Si queremos un sonido de piano que suene más natural, entonces puede que no necesariamente necesitemos estos efectos de modulación, pero para esta parte, creo que lo mejora Bien, así que eso es modulación. A continuación, vamos a mirar la distorsión, que vamos a ver en el siguiente video. Entonces gracias por mirar y te veré ahí. 38. Distortion Overview: Bien, ahora hablemos de distorsión. La distorsión es un audio que altera intencionalmente la forma de onda de la señal de audio, introduciendo armónicos y saturación para crear un sonido arenoso, vanguardista Comúnmente se asocia con amplificadores de guitarra empujados a sus límites, pero también se usa ampliamente en producción de música electrónica para agregar carácter y textura a diversas fuentes de sonido Hay muchos tipos diferentes de distorsión, incluyendo overdrive, fuzz y saturación, cada uno produciendo características sonoras únicas Overdrive produce una distorsión cálida y suave al recortar suavemente la señal, mientras que la pelusa crea una distorsión bulliciosa más agresiva fuertemente la forma de onda La saturación agrega sutil calidez y coloración a la señal. En la banda de garaje, hay seis tipos diferentes de enchufes de distorsión, cada uno de sus propias características y parámetros sónicos. Para este siguiente ejemplo, agreguemos un efecto de distorsión a la parte de combustión syn Entonces te das cuenta aquí tenemos un efecto eco. En la mayoría de los casos, es mejor poner distorsión antes del eco o retraso en la cadena de señal. En la mayoría de los casos, es mejor poner distorsión antes del retraso en una cadena de señal. Esto es para que el eco se mantenga limpio. Si pones distorsión tras retraso, los ecos se distorsionarán, lo que puede hacer que la repetición suene turbia y Así que vamos a arrastrar el efecto de eco hacia abajo, y pongamos el efecto de distorsión antes. Entonces, hagamos clic a la derecha de esta ranura de enchufe vacía, y vayamos a la distorsión. Como dije, hay seis plugins de distorsión diferentes y banda de garage. Pero para este ejemplo, solo usemos el efecto llamado distorsión. Si bien los parámetros pueden cambiar en diferentes efectos de distorsión, mayoría de las distorsiones tendrán un control de unidad, tono o salida Hablemos primero del control de la unidad. Esto también se puede llamar entrada o ganancia. Esto controla la cantidad de señal enviada al efecto de distorsión. Al aumentar esto se agrega más intensidad a la distorsión, haciéndola sonar más pesada o más agresiva. Solo reproduzcamos esto y ajustemos este control para que pueda golpear una diferencia. Entonces tenemos el control de tono. Esto ajusta el brillo u oscuridad del sonido distorsionado ajustes de tono más altos enfatizan frecuencias más altas para un efecto más nítido, mientras que los ajustes más bajos reducen las frecuencias altas, dando un tono más cálido y tenue Nuevamente, reproduzcamos esto y ajustemos esta configuración para que podamos escuchar una diferencia. Entonces tenemos aquí el control de salida, y esto nos permite ajustar el volumen general después de que se distorsiona el sonido Entonces esto podemos ajustar el volumen sin cambiar el tono. Y dibujando reproducción, voy a bypass y desbpass el plug in, y también voy a unsolo esto para que pueda golpear esto en Bien, hagámoslo ahora. Mme Ven Ven Ven, ven, vamos, vamos, vamos. Vamos, vamos, vamos. Eso es ahora golpear esto desde el principio. Entonces los ajustes aquí son bastante sutiles, pero ha agregado algo de arenilla y carácter a la parte Bien, ahora hablemos de algunos usos creativos de la distorsión La distorsión se puede utilizar para agregar carácter y personalidad a las grabaciones de audio, haciéndolas destacar en la mezcla. Es particularmente efectivo en instrumentos como guitarras, bajos y simps donde puedes agregar borde de grano y morder La distorsión se puede utilizar para mejorar la dinámica y el punch de las señales de audio. Al conducir ciertos elementos de una mezcla en distorsión, puedes hacer que corten la mezcla de manera más efectiva, agregando energía e intensidad al sonido general. La distorsión se puede utilizar para crear interesantes efectos texturales en la producción musical Al aplicar distorsión a fuentes de sonido no convencionales o usar configuraciones extremas, puedes crear texturas únicas y experimentales que agregan profundidad y dimensión a tus composiciones distorsión se puede utilizar para dar forma al timbre y el tono de las señales de audio, lo que le permite esculpir el sonido para que se ajuste al estado de ánimo y estilo de su Al ajustar los parámetros, puede adaptar el efecto de distorsión para lograr las características sonoras deseadas. Por lo que sí recomiendo echar un vistazo a algunos de los otros efectos de distorsión aquí y ver como suena en algunas de sus pistas. Cuando se trata del procesamiento de efectos, es importante entender que la forma en que se crea el sonido no es tan importante como cómo suena. Experimenta y sé creativo. 39. Preselecciones de FX: No hablemos de presets de efectos. Así puedes cambiar manualmente la configuración de los efectos, o puedes usar un preset. Esta es una configuración guardada para un efecto que te da un sonido específico al instante. Entonces echemos un vistazo a algunos de los presets de efectos ahora. Entonces abramos de nuevo el enchufe de distorsión para la parte Synple Si hacemos click en esta lista desplegable aquí, puedes ver que tenemos estos diferentes presets Seleccionemos el primero aquí llamado crunch distortion. Entonces puedes ver ahí los ajustes han cambiado. Vamos a devolverle esto. Y probemos algunos de los otros. Vamos a hacer un bucle en la región del ciclo, y vamos a reproducir esto y ajustar estos ajustes. Venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga, venga. En. De hecho, también podemos guardar nuestros propios ajustes preestablecidos. Entonces, si estás trabajando en otra canción o para otra pista, puedes recordar tus propios presets Para ello, haz clic en esta lista desplegable aquí, y luego ve a Guardar como. Voy a llamar a esto distorsión cálida. Y puedes ver en nuestra lista desplegable aquí, tenemos el preset que acabamos de nombrar Sin embargo, todavía podemos acceder a los presets de antes. Van a bajar a sets en presets. Así que hay muchos ajustes preestablecidos diferentes que puedes explorar. Tenga en cuenta que los ajustes preestablecidos suelen ser un buen punto de partida. Deberíamos adaptar el ajuste del efecto para que se adapte a tu música. Bien, así que esa es Cindy este video. Hemos mirado los ajustes preestablecidos de efectos. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 40. Uso de la automatización: Bien, entonces ahora hablemos de automatización. Entonces, ¿qué es la automatización? La automatización en cualquier puerta le permite crear cambios dinámicos dentro de la mezcla a lo largo del tiempo, haciendo que su pista se sienta expresiva y atractiva. Con la automatización, puedes ajustar aspectos como volumen, paneo o efectos como reverberación o retraso para evolucionar gradualmente o cambiar en puntos específicos de la pista Por ejemplo, podrías aumentar el volumen de una sección para que se destaque o ajustar el paneo para mover un instrumento de izquierda a derecha para una experiencia más inmersiva La automatización es una herramienta poderosa para ayudar a que su mezcla se sienta más dinámica y pulida al agregar movimiento y variación a diferentes elementos. Ahora echemos un vistazo a cómo configurar la automatización en la banda de garage. Para habilitar el modo de automatización, vaya a mezclar en la barra de menús y luego muestre la automatización. O puede usar un comando de tecla A. Esto revelará las líneas de automatización en cada pista, lo que le permitirá controlar varios parámetros a lo largo del tiempo. Ahora vamos a crear un punto de automatización. Primero, selecciona qué parámetro quieres ajustar en la pista que quieres automatizar. Entonces, para este ejemplo, automatizemos el volumen para la parte principal de SyPH Haga clic en la línea de automatización para agregar un punto. Agrega múltiples puntos que sirvan como momentos donde cambia el volumen. Por ejemplo, vamos a tener un punto de automatización en Br dos y barra uno. A continuación, arrastre los puntos hacia arriba o hacia abajo para aumentar o disminuir el valor en este momento en la pista. Entonces, para este ejemplo, hagamos que el volumen aumente gradualmente al inicio. Simplemente apaguemos la región del ciclo presionando C. Vamos a escuchar esto de nuevo. Podemos hacer esto más extremo arrastrando más abajo. Entonces ahora el volumen estará completamente apagado, y luego gradualmente aumentamos. Pero vamos a tener algún punto intermedio, por aquí. Bien, ahora escuchemos esto con otras pistas. Entonces, no vendamos esta parte y repongamos esta parte. A Tenga en cuenta que una vez que haya trazado los puntos de automatización, pierde el control sobre ese parámetro Por ejemplo, cuando creamos automatización de volumen, el fader de volumen ya no controlará el nivel ya que siempre leerá la curva de automatización Entonces, por ejemplo, si aumento este volumen aquí y toco esto desde el principio, se puede ver que el fader salta de nuevo hacia abajo Lo mismo para el paneo. Si automatizamos el paneo, los potes panorámicos en la pista ya no controlarán el paneo Entonces, para este ejemplo, cambiemos el panning también, para que podamos agregar otra línea de automatización Así que vamos a hacer clic en esta lista desplegable aquí. Y ahora vamos a desplazarnos hacia arriba y luego ir a Pan. Por encima del centro quedará a la izquierda, y por debajo del centro estará a la derecha. Entonces solo para este ejemplo, hagamos que la sartén vaya de derecha a izquierda. Esto será más obvio de golpear si llevas auriculares, pero vamos a volver a jugar esto. Y cuando movemos la posición del cabezal de reproducción, podemos ver este movimiento de DL de pan Bien, ahora agreguemos un poco más automatización olvidé esta canción. Entonces para los tambores en el puente, quiero que esto aumente gradualmente de volumen. Así que vamos a acercar aquí y luego asegurarnos de que tenemos seleccionada la automatización de volumen. Y quiero que termine en el mismo nivel en el que está ahora. Entonces hagamos clic para agregar un punto aquí. Y hagamos clic para Agregar un punto antes porque no quiero que esto cambie el nivel de la batería anteriormente. Y ahora hagamos clic y arrastremos esto hacia abajo. Y ahora los tambores irán aumentando poco a poco. Vamos a reproducir esto desde el bar 31 para que puedas escuchar una diferencia. B Hagamos esto un poco más extremo, así es más fácil de escuchar. Solo aumentemos esto un poco más, así que es un poco más sutil. A menudo, los cambios sutiles pueden ser más apropiados que los más extremos. Entonces no es solo el volumen y el panning lo que podemos automatizar También podemos automatizar los efectos. Así que vamos a automatizar en realidad el efecto de distorsión en la parte SypFLED. Así que tal vez recuerdes que agregamos un efecto de distorsión anteriormente, y ahora debajo de la lista desplegable de automatización , seleccionemos distorsión Y puedes ver que está aquí bajo plugins. Para ello, quiero automatizar la unidad. Entonces en el puente, quiero aumentar el impulso. Así que agreguemos un punto de automatización aquí y uno aquí también, y vamos a arrastrar hacia arriba. Y ahora deberías escuchar el aumento de la unidad de barra 35 a 37. No obstante, a partir de la barra 37, quiero disminuir la unidad. Yo sólo quiero que se acumule para esa sección. Entonces nuevamente, agreguemos otro punto aquí y arrastremos esto hacia abajo a por aquí. Y ahora vamos a devolverle esto. Entonces para la segunda mitad del coro C tres, quiero aumentar también el impulso Entonces aumentemos esto aquí. Entonces esto poco a poco se acumula. Y luego para el outtro, quiero que la cantidad de distorsión disminuya gradualmente Bien, volvamos a golpear solo y luego lo volveremos a escuchar en la mezcla. Sólo voy a disminuir aún más la unidad para el outtro Y vamos a hacer que vaya aún más abajo. Bien, sobre eso. Entonces esto solo agrega un poco más movimiento y variación para la parte. Oigamos ahora esto con el resto de las pistas. Más, vamos, vamos. Ven más, vamos. Bienvenida, bienvenida. Bien, genial. A medida que vamos agregando más impulso, estamos haciendo que la parte sea un poco más fuerte Así que volvamos a la automatización del volumen, y solo voy a dejar esto ligeramente desde el puente hasta el final de la canción. Como dije, no se trata sólo de volumen y panning. Hay muchas cosas diferentes que puedes automatizar. Entonces, ¿recomiendas probar esto y encontrar diferentes cosas para automatizar para agregar un poco más variación y movimiento a tus canciones También puedes activar y desactivar la automatización para cada pista pulsando este botón aquí. Y podemos cerrar la automatización presionando este botón aquí arriba o usando el comando de tecla A. La automatización seguirá sucediendo. Simplemente ocultamos la automatización para que tengamos un poco más de espacio en nuestro proyecto. Entonces reproduciré esto desde el principio, e incluso cuando ocultemos la automatización aquí, notarán que tenemos el aumento de volumen para la parte principal del SIP. Así que una vez que hayas terminado de automatizar tus parámetros, siempre puedes ocultar la automatización aquí Bien, entonces vamos a agregar un ejemplo más. Entonces volvamos a mostrar la automatización haciendo clic en esta parte inferior o pulsando A. Y ahora vamos a automatizar la reverberación para la parte symp Entonces el final aquí, quiero tener un sonido de reverberación realmente grande, y se puede ver en nuestro SEP aquí, tenemos este dial de reverberación. Así que vamos a automatizar esto. Entonces en la lista desplegable otra vez, vayamos a donde dice reverberación Entonces puedes ver en la sección de automatización aquí, tenemos reverberación Pero para esto, quiero automatizar la reverberación, eso está en los controles inteligentes Entonces en la lista desplegable de Smart Controls aquí, voy a seleccionar reverberación Y agreguemos el punto de automatización al final y de barra 47 a la barra 49, aumentemos la reverberación Se puede ver cuando muevo la regla de la cabeza de reproducción aquí y aumentar esto, la reverberación ahora se mueve Empecemos con algún ajuste extremo para que podamos escuchar claramente la diferencia, y luego lo bajaré a algo más adecuado. Bien, bonito, así que el final de la canción tiene un gran sonido reverberado. Una cosa que noté al final de la canción es que tuvimos un poco de clic, creo que eso es por la parte de las teclas. Así que vamos a solo esto y retoquemos esto. Entonces entonces voy a agregar algo de automatización de volumen para ocultar el clic y el sonido. Entonces, hagamos clic en esto y arrastremos esto hacia abajo. Y ahora vamos a volver a jugar esto. Y ahora vamos a hola esto en la mezcla, y no deberíamos poder escuchar el clic y el sonido ahora. Bien, ahora hablemos de algunos buenos ejemplos de dónde podrías usar la automatización en tu pista. El primero es la automatización de volumen para fade ins y fade outs. Esto aumenta suavemente el volumen al comienzo de una pista para un fade in gradual, o lo disminuye al final para un fade out. Esta es una forma sencilla pero poderosa hacer la transición dentro y fuera de una canción. Intensidad de construcción en el coro. Aumenta ligeramente el volumen en ciertas pistas como batería, bajo o simps a medida que te acercas a una sección de coro o pico Esto puede crear una sensación de acumulación e impacto. Automatizar efectos para momentos dramáticos. Utilice la automatización de reverberación o retardo para agregar eco adicional a una palabra o frase específica en una voz o aumentar la reverberación en un solo de guitarra para que suene más espacioso durante ciertas partes Automatización de panoramización para movimiento estéreo. Poco a poco los instrumentos como simps, efectos de sonido o coros de izquierda a derecha para crear movimiento a través del campo estéreo, agregando profundidad y ancho a la mezcla Automatizar los efectos de filtro. Abra o cierre lentamente un filtro en una pista de symp para que suene como si se estuviera abriendo gradualmente o volviéndose más brillante Esto puede agregar energía y anticipación, especialmente conduciendo a una gota o coro Pato otras pistas para voces. Baje el volumen de los instrumentos de acompañamiento cuando las voces estén presentes para garantizar la claridad y el enfoque Se puede automatizar el volumen a versos ligeramente reducidos u otras partes vocales, permitiendo que las voces destaquen La automatización puede agregar mejoras sutiles o efectos dramáticos, y experimentar con ella puede ayudarte a construir la mejor manera de apoyar la dinámica de tu canción La automatización se puede utilizar tanto para técnicas de producción creativa como para mezclar. Bien, así que eso es automatización. Como dije, te recomiendo experimentar esto con tus temas para agregar alguna variación y movimiento a tus canciones Entonces gracias por ver este video, y te veré en el siguiente. 41. Descripción del diseñador de amplificadores de guitarra: Ahí, y bienvenidos a este video donde vamos a estar viendo la simulación de amplificador de guitarra y bajo. GarageBand proporciona simuladores de amplificador de guitarra y base que te permiten grabar directamente en tu guitarra o bajo en el software y luego aplicar una variedad de amplificadores virtuales, gabinetes Esto significa que no necesitas un amplificador físico o pedales effec para lograr diferentes tonos Estos simuladores de amplificador imitan el sonido de los amplificadores clásicos y modernos, ofreciendo controles para ajustar la ganancia, tono y otros ajustes para dar forma a su También puedes agregar efectos como reverberación, delay y distorsión, tal como lo harías con el equipo físico Esta característica te permite experimentar con diferentes tonos y texturas, lo que facilita explorar nuevos sonidos o refinar tu estilo único directamente dentro de la banda de garage. Bien, entonces ahora agreguemos un diseñador de amplificadores. Para este siguiente ejemplo, en realidad voy a agregar un bucle de Apple. Entonces voy a agregar Apple loop, tener un sonido limpio de guitarra. Si tienes una guitarra eléctrica, este es el mismo proceso, pero si no tienes una guitarra eléctrica, también puedes agregar el diseño Amp en loops y también instrumentos virtuales. Entonces para este ejemplo, voy a escribir guitarra limpia. Y voy a usar esta muestra aquí llamada guitarra eléctrica limpia. Solo arrastremos esto por debajo del final de nuestro proyecto, y podrás ver que este bucle ha aparecido. Ahora, cerremos la biblioteca de Apple Loop presionando O, así que tenemos un poco más de espacio, y vamos a rodear esta región aquí. Ahora en los controles inteligentes, podemos agregar el diseño Amp para enchufar. Como este compresor está atenuado, reemplacemos esto. Entonces, hagamos clic en flechas aquí, y luego vayamos a amplificadores y pedales. Entonces aquí puedes ver que tenemos diseñador de amplificador, diseñador amplificador de bajo, y booard de pedal Para este ejemplo, usemos Amp Designer. Con esto, podemos explorar una amplia gama de ajustes para dar forma a tu tono de guitarra para que se ajuste a tu proyecto. Primero echemos un vistazo a algunos de estos presets. Entonces, si hacemos clic aquí arriba, podemos elegir otro preset. Entonces tenemos diferentes presets para limpio, crunch y Primero echemos un vistazo a algunos de los limpios. Como puedes ver, tenemos muchos presets diferentes. Vamos a probar esta primera , reverberación de país limpio. Entonces puedes ver que está agregando reverberación. Y por supuesto, podemos ajustar estos ajustes aquí. Por ejemplo, ajustemos la reverberación y retomemos esto. Vamos a probar otro de estos presets. Vamos a probar uno de los sonidos crujidos. Intentemos el combo de otoño. Algunos de estos presets pueden ser bastante ruidosos, así que si lo son, recomiendo rechazar el control maestro Intentemos con otro. Vamos a probar el ritmo crudo. Sólo voy a ajustar algunos de estos ajustes dibujando la reproducción. Bien, probemos algunos de los presets distorsionados. Vamos a probar Glam Drive. Intentemos con otro. Vamos a probar el rock moderno gratis. Bien, ahora volvamos a uno de los presets limpios. Vamos a probar este llamado Cheap frills. Y echemos un vistazo a algunos de estos controles aquí abajo. En primer lugar, tenemos el modelo Amp. Y puedes ver cuando elegimos diferentes, el Amp real cambia. Entonces estos emulan diferentes amplificadores. Entonces ahí para que podamos elegir diferentes modelos de Amp, luego podemos elegir el amplificador. Y luego podemos elegir el gabinete. Entonces ese es el gabinete de altavoces de aquí. Los gabinetes de amplificador en el contexto de los amplificadores de guitarra son altavoces y ropa que amplifican y proyectan el sonido proveniente del amphad Diferentes tamaños de gabinete, tipos de altavoces y diseños influyen en el tono, agregando carácter al sonido. Y configuraciones virtuales como banda de garaje, elegir gabinetes virtuales te permite dar forma a la plenitud, calidez y claridad de tu tono de guitarra para adaptarse a diferentes estilos y géneros Para que veas cuando elegimos una configuración diferente, tenemos un gabinete diferente. También podemos dar click aquí para cambiar la ubicación del micrófono. Oh. Experimenta con diferentes gabinetes para encontrar uno que complemente tu modelo de amplificador de guitarra y el sonido deseado, e incluso podemos elegir el tipo de micrófono. Am designer le permite seleccionar un micrófono simulado y ajustar su ubicación en relación con el gabinete. Elige entre diferentes tipos de micrófono, cada uno de los cuales ofrece un sonido único. Algunos pueden ser más brillantes, mientras que otros pueden ser más pesados en la base. Este de aquí está emulando la voz electro RE 20, que es el micrófono real del que estoy hablando ahora mismo Mueva el micrófono más cerca o más lejos del gabinete para diferentes efectos de emulación tonal y de habitación Una posición más cercana del micrófono captura más detalle e intensidad, mientras que una posición adicional agrega más sonido ambiental. Y luego, claro, aquí tenemos la salida. Asegúrate de no tener esto demasiado alto, o puedes acortar o distorsionar tu pista Cada amplificador proporciona diferentes características tonales adecuadas para varios géneros, desde tonos cálidos y suaves hasta sonidos arenosos y potentes 42. Descripción del diseñador de amplificadores de bajo: Bien, ahora echemos un vistazo al amplificador base. Entonces, para este ejemplo, eliminemos este bucle y rastreemos. Y ahora agreguemos un bucle de guitarra base. El que quiero usar aquí se llama deep funk base Guitar Es éste de aquí. Nuevamente, hagamos clic y arrastremos esto hasta el final de nuestro proyecto. Y vamos a darle un bucle a esto. Tiene 4 barras de largo. Nuevamente, en los controles inteligentes, podemos agregar un Amp virtual. Entonces reemplacemos este enchufe aquí y luego vayamos a amplificadores y pedales. Y ahora vamos a elegir el diseñador de amplificador base. Entonces como puedes ver aquí, el set top es muy similar al amplificador de guitarra. Entonces tenemos diferentes presets. Esta vez, no están en categorías, solo tenemos una gran lista de presets Vamos a jugar a través de algunos de estos ahora. Y podemos elegir los diferentes modelos, Amp moderno, clásico, flip top, y un rep box o DI box. Para esto, volvamos a lo moderno, y luego podemos elegir el amplificador y luego los gabinetes. Notarás que para la mayoría de estos, la imagen no cambia, pero el micrófono se moverá a otro altavoz. Y luego podemos elegir el micrófono. Y de nuevo, voy a reproducir esto y ajustar estos ajustes aquí para que puedas escuchar una diferencia. También tenemos este deslizador aquí donde podemos movernos entre una caja DI y un amplificador. Entonces una caja DI convierte la señal base en una salida balanceada. Esto es para reducir el ruido y le permite conectar su base a una interfaz de audio. Por lo que una caja DI puede dar un sonido más limpio sin la coloración de un amplificador base, lo que puede hacer que suene más directo y pulido. Para que podamos obtener una mezcla entre el amplificador y la caja DI, si lo deseas. Y luego otra vez, escuchemos los diferentes micrófonos. Y, por supuesto, podemos ajustar los ajustes en el Amp si lo deseas. Mmm. Entonces te recomiendo probar esto, también, sobre todo si tocas bajo eléctrico. 43. Cómo crear una parte virtual de guitarra: Bien, otra vez, solo eliminemos esto. Y cerremos la biblioteca de bucles presionando O, y apaguemos la región del ciclo presionando C. Así que ahora voy a agregar una guitarra virtual y agregar el diseñador Amp a esto. Así que ahora vamos a crear una nueva pista. Así que vamos a presionar el botón más aquí arriba, y voy a elegir un instrumento MIDI o software. Ahora vamos a elegir un instrumento en la biblioteca. Entonces vamos a Guitar, y escojamos Roots Rock. Bien, oigamos esto ahora. Así que hagamos un bucle al primer estribillo. Y voy a volver a tocar esto y tocar algunos arpegios de acordes Entonces nuestros peggios son donde tocas notas individuales del acorde Entonces, por ejemplo, este primer acorde es un acorde A menor, que es este. Y nuestro peggio solo toca notas individuales del acorde. Por cada acorde, voy a tocar dos notas. Bien, entonces grabemos esto ahora mismo. Asegurémonos de que esta pista esté habilitada para grabar pulsando este botón aquí. Y ahora grabemos esto presionando record. Estamos usando el comando de tecla R. Bien, ahora vamos a abrir el rollo de piano haciendo doble clic en esta región. Y ahora vamos a cuantificar esto. Así que no toqué nada más rápido que un cuarto de nota. Entonces, seleccionemos todas las notas presionando el Comando A, y hagamos clic en la lista desplegable de cuantización aquí y cambiemos esto a nota de trimestre Bien, genial. Eso ya está perfectamente a tiempo. Ahora nos devolvamos el golpe. Ven Ahora vamos a cerrar la biblioteca presionando Y, y vamos a abrir los controles inteligentes presionando este botón aquí arriba o usando el comando de teclado B. Así que puedes ver aquí que este instrumento virtual ya tiene el plugin Amp designer. Entonces, hagamos clic en esto y ajustemos esto ahora. Bien, entonces dibujando reproducción. Voy a elegir un sonido preestablecido diferente y luego ajustar algunos de estos ajustes. Hagámoslo ahora. Bien, creo que este br set suena adecuado. Ahora vamos a ajustar algunos de estos ajustes aquí abajo para que podamos escuchar la diferencia. Ven Ven Ven, ven, vamos. Vamos. Ven, vamos, vamos. Vamos. Bien, creo que eso suena como adecuado ahora en la mezcla. Así que voy a mantener presionada la opción, y vamos a duplicar esto así que tenemos esto para cada coro. Y vamos a bucle esto para el último coro. Como el último coro es doble de longitud. Ahora tenemos otra parte para el coro. Deberíamos darle al coro un poco más de variación y energía 44. Descripción del panel de pedaleros: Bien, ahora echemos un vistazo a la pedalbard. Estos simulan una gama de efectos de caja de muñón como distorsión, delay, coro y reverberación que guitarristas utilizan tradicionalmente Al agregar efectos a tu pedalera, puedes experimentar con diferentes tonos, texturas y atmósferas para mejorar tu juego En una configuración típica de guitarra, los efectos de pedalera se colocan antes de la amplificación en la cadena de señal Eso significa que los efectos procesan el sonido antes de que llegue al amplificador, dando forma al tono que el amplificador luego amplifica y colorea aún más El mismo concepto se aplica en banda de garage. Puedes colocar efectos en la pedalera antes del simulador de Amp para crear un sonido auténtico más natural. Este enfoque permite que efectos como distorsión o delay interactúen con el modelo Amp, produciendo un resultado más cercano a lo que obtienes con una guitarra real. Muchos de los presets de guitarra que se encuentran en la biblioteca ya tendrán una pedalera en una cadena de complementos Ahora abramos este efecto pedalbard dando click sobre él aquí. Desde aquí, puedes arrastrar una gama de pedales a la ventana principal y experimentar con una gama de efectos y tonos para tu guitarra Antes de continuar, sólo voy a apagar el nab discográfico para esta pista de guitarra Y ahora agreguemos un efecto de coro. Entonces tenemos dos aquí, el retrocoro y el coro celestial. Probemos estribillo retro. Bien, reproduzcamos esto y ajustemos estos ajustes para que puedas escuchar una diferencia. Regresa. Regresa, ven. Regresa, vamos. Vamos. Bien, creo que eso suena bastante bien. Ahora agreguemos este de aquí llamado Tripper de Fase. Entonces esto emula un efecto fáser. Ven Ven Ven Ven Ven. Obviamente, esto no es una guitarra real. Es una guitarra virtual, pero ahora suena bastante realista. Ahora reproduzcamos esto de nuevo y ajustemos este control deslizante de volumen aquí para que encaje mejor en la mezcla. Ven oh, Ven Ven, ven Ven, ven, ven. Regresa, vamos. Escuchemos ahora esta canción desde la segunda mitad del puente hasta el último coro. Vamos, vamos. Ven Ven, ven, ven. Ahora solo voy a agregar algo de automatización. Quiero hacer que la parte de la guitarra sea un poco más fuerte para el último coro, así que agrega un poco más de energía a medida que la canción se acumula Ven. Bien, así que ese es el diseñador de Amp y la pedalera. Te recomiendo probar esto, sobre todo si tienes una guitarra eléctrica o bajo eléctrico que les gusta agregar a tus canciones. Como dije, también se puede utilizar esto para instrumentos virtuales y loops. Así que ahora estamos al final de este video. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 45. Arpeggiator de efectos MIDI: Bien, ahora hablemos del efecto arpegiador midi. Los efectos midi y la banda de garage son herramientas que procesan los datos midi antes de que lleguen a un instrumento virtual. Esto permite modificar creativamente las notas midi sin alterar los datos midi en el propio piano roll En la producción musical, arpegiador significa tocar las notas de un acorde una tras otra en un orden establecido en lugar de tocarlas Esta técnica es comúnmente utilizada en la síntesis y música electrónica para crear movimiento e interés rítmico dentro de un acorde Nuestros peggios se pueden tocar en varios patrones como ascendente, descendente o aleatorio y pueden abarcar múltiples octavas Este efecto es ampliamente utilizado para crear texturas vivas, rítmicas y patrones dinámicos Antes de hacer esto, sólo voy a escribir en una nueva parte. Así que ahora vamos a crear una nueva pista presionando un botón más aquí arriba, y vamos a elegir un instrumento de software medio. Y escojamos un sintetizador y un sonido plug. Para este ejemplo aquí, quiero usar este llamado Enchufe de himno liso De hecho, vamos a dibujar esto en lugar de grabar esto en. Entonces presionemos al comanche y luego lo dibujemos en una nueva región Voy a hacer esto 4 barras de largo, así que vamos a hacer clic y arrastrar para cambiar el tamaño de esto Y hagamos doble clic en esto para abrir el piano roll. Ahora vamos a cerrar la biblioteca presionando Y, así tenemos un poco más de espacio. Entonces los acordes que tenemos para esta canción son A menor, C, G y F. Así que vamos a dibujar esto ahora mismo Dibujemos en la primera nota, que es una A. Y la siguiente es una C. Y la siguiente es una E. Ahora para el siguiente compás, dibujemos en el acorde C. Voy a invertir este siguiente acorde, lo que significa cambiar el orden de las notas. Entonces voy a comenzar con la nota G aquí. Entonces la C, y luego la E. Si la tenemos en posición raíz, lo que significa que comenzaremos con la C, entonces la G estará hasta aquí y saltará más entre los acordes Si tenemos esta G y octava más baja, debería sonar más suave yendo entre los acordes Eso es porque hay menos movimiento. Bien, continuemos. Ahora agreguemos el acorde G, así tenemos aquí de nuevo la nota G. Entonces tenemos una B. Entonces tenemos una D. Y ahora agreguemos la F. Para este ejemplo, quería sonar como si estuviera bajando, así que en realidad vamos a tener esta F inferior aquí. Podríamos poner la F arriba octava, pero me gusta aquí abajo. Bien, eso se llama progresión. Escuchemos que ya está de vuelta. Ahora, hagamos un bucle de esto para toda la canción. Bien, ahora, vamos a aplicar el efecto arpegiador a esta Primero que nada, asegurémonos de tener esta pista seleccionada y luego abrir los Smart Controls presionando este botón aquí o usando el comando de teclado B. Ahora vamos a encontrar el símbolo del arpegiador, que está en el lado derecho de la ventana de Smart Por lo que podemos dar click sobre esto para encender el arpegiador. Ahora para las reproducciones, oirás la pejación. Simplemente rechacemos esto ya que es bastante ruidoso. Entonces deberías haber escuchado ahí que no tocaba acordes. Toqué notas individuales como patrón. Ahora echemos un vistazo a cambiar los parámetros para el arpegiador Entonces, si haces clic en esta lista desplegable aquí, puedes ver aquí los presets de Audi Mason Pero si bajas a los ajustes preestablecidos de aplicaciones, tenemos todos estos diferentes presets de arpegiador Pero antes de mirar los presets, veamos ninguna tasa de pedido y rango de octava Empecemos con orden de notas. Esto controla cómo se tocan las notas en relación entre sí, ya sea que se reproduzcan hacia arriba y hacia abajo en un patrón más complejo como al azar. Si seleccionamos arriba para el orden de notas, entonces esto tocaremos primero la nota más baja, y luego subiremos a la nota más alta y luego repetiremos. Seleccionemos esto y nos devolvamos el golpe. Ahora miremos hacia abajo. Para un patrón de arpegio descendente, las notas se tocan de la más alta a la más baja y luego se repiten Entonces tenemos UPDWnF arriba abajo, las notas tocarán de la más baja a la más alta, y luego de vuelta hacia abajo a la más baja, y luego repetiremos Y luego afuera adentro, en el exterior en patrón de arpegio, las notas parten de lo más bajo y más alto y se mueven hacia el medio y luego Entonces tenemos al azar, que tocará las notas en orden aleatorio. Entonces tenemos como jugados. Con esto, las notas se repiten en el orden las has jugado o en el orden en que están escritas. Para este ejemplo, sin embargo, vamos a seleccionar hacia arriba. Bien, entonces tenemos tarifa. Esto controla qué tan rápido o lento se tocan las notas. Entonces aquí podemos elegir divisiones de ritmo musical. Puedes cambiar esto para crear arpegios rápidos, frenéticos o atmosféricos lentos dependiendo de la vibra a la que vayas Ahora mismo está en las notas 16. Pero si cambiamos esto a notas octavas, será la mitad de la velocidad a lo que acabamos de escuchar. Ahora escojamos 32, y la tasa será el doble de rápida que las notas 16. Y también tenemos Tripler y ritmos punteados también. Triplete toca tres notas en el espacio de dos, creando un ritmo de balanceo sincopado, mientras que punteado reproduce cada nota 1.5 veces más, creando una sensación de rebote Entonces probemos un 16 punteado, y lo cambiarán por un triplete 16 para que oigas una diferencia Bueno, cambiemos esto de nuevo a uno 16. Bien, entonces tenemos rango de octava. Se puede ajustar el rango de octavas para controlar cuántas octavas hay tramos peggio Entonces en este momento se está reproduciendo dentro de una octava, o podríamos seleccionar varias octavas para agregar más ancho y profundidad al sonido Así que de nuevo, voy a reproducir esto y elegiré diferentes rangos de octavas para que podamos escuchar la diferencia Bien, ahora vamos a escuchar algunos de los presets. Así que voy a reproducir esto desde el principio y seleccionar algunos de estos diferentes presets para que puedas escuchar una diferencia Bien, creo que este suena bastante bien. Ciclo Groovy también. Siempre podemos ajustarnos a los presets también si lo deseas Por ejemplo, sólo voy a cambiar esto a una octava. Escuchemos esto ahora. Pero sí pensé que sonaba mejor con dos octavas, así que volvamos a cambiar esto a dos Bien, ahora vamos a reproducir esto, y voy a ajustar el nivel de volumen para esta pista. No. Ven. Intentemos también hacer panoramizar esto a la derecha. El plomo parte más hacia la izquierda, y ahora este arpegiador estar más hacia la Sí me gustan las notas más altas de este patrón de arpegio, pero sí suenan un poco duras Entonces voy a agregar EQ a esta parte de vez cuando reducir la ganancia de algunas de las frecuencias más altas. Así que vamos a hacer clic en el plug in slot aquí, y luego ir a EQ y luego canal EQ. Bien, ahora vamos a reproducir esto y voy a ecualizar esta parte. Entonces puedes ver aquí las frecuencias. Entonces por aquí, solo quiero dar propina. Así que estamos fuera. Bien, creo que eso suena bastante bien, y así es como usar el arpegiador Antes de terminar este video, sólo voy a hacer algo de organización. Así que cambiemos el nombre de esto a Synth por arpegio. Y cambiemos el nombre de la parte de guitarra a guitarra. Ahora cambiemos el color de estas pistas para mantener las cosas organizadas, y de un vistazo, sabremos rápidamente qué pistas son. Entonces, hagamos clic derecho en una cabecera de pista de guitarra y vayamos a un color de pista de letrero. Y vamos a elegir un color diferente para esto. Vamos a elegir este color naranja. Y para el sintetizador, escojamos este color púrpura. Bien, entonces ahora nuestra canción empieza a unirse, y ese es el arpegiador, que puede ayudarte a agregar algo de movimiento e interés rítmico interés Entonces gracias por ver este video, y te veré en el siguiente. 46. Cómo exportar tu pista: Bien, ahora echemos un vistazo a la exportación. Por lo que esta lección cubrirá los pasos esenciales necesarios para exportar su proyecto terminado. Aprenderás a mezclar las pistas en un solo archivo de audio y a explorar varios formatos de exportación. Bien, entonces comencemos. Entonces, ¿qué es una mezcla? Una mezcla es el proceso de combinar todas las pistas individuales de un proyecto musical en una sola estereopla La mezcla final sirve como base para la masterización. Hablemos primero de algunos formatos de audio que se utilizan comúnmente en el mundo de la producción musical. MP tres. Este formato comprimido es ideal para compartir y almacenar en línea debido a su pequeño tamaño de archivo. Sin embargo, la compresión reduce la calidad del audio, haciéndolo menos adecuado para aplicaciones profesionales. WAV o onda. Como formato sin comprimir, WAV ofrece la más alta calidad de sonido, capturando todos los detalles de tu mezcla Es perfecto para uso profesional, pero el gran tamaño de archivo puede hacer que almacenamiento y el uso compartido sean más desafiantes. AIFF. Esto también es formato de archivo de audio sin comprimir AIFF fue desarrollado por Apple, y proporciona un sonido de alta calidad similar a los archivos Wb Recomiendo elegir Web para obtener el soporte de plataforma más amplio, pero podrías elegir AIFF si estás trabajando en dispositivos Apple y necesitas funciones de metadatos como títulos de pista e ilustraciones Entonces tenemos AAC. Comúnmente utilizado por los dispositivos Apple, AAC es otro formato de archivo comprimido que ofrece una mejor calidad de sonido que MP tres en tamaños de archivo similares. Si bien es ampliamente compatible con los productos Apple, es posible que no funcione de la misma manera con dispositivos que no Entonces, si esta es tu mezcla final, generalmente exportaría como WAV. Pero si solo quieres enviar esto en línea para mostrar amigos o familiares, te recomiendo exportar como MP tres, ya que tiene un tamaño de archivo pequeño. Bien, ahora vamos a exportar este proyecto. Para exportar tus proyectos en GarageBand, sigue estos pasos En primer lugar, accede a la opción Exportar. Ve al menú para compartir en la parte superior de la pantalla y selecciona Exportar canción al disco. Esto abrirá entonces la ventana de configuración de exportación. Después elige dónde quieres guardar tu archivo. Para ello, voy a elegir mi escritorio. Después elige tu formato. Así que podrías elegir Wave, AIFF, MP tres o AAC Para este ejemplo, escojamos ola. Entonces podemos elegir un nivel de calidad. Dependiendo del formato que hayas elegido, puedes ajustar el nivel de calidad. Los niveles de calidad más altos dan como resultado un mejor sonido, pero tienen tamaños de archivo más grandes. Entonces, para este ejemplo, escojamos 24 bit sin comprimir. Por lo que esto exportará todo el proyecto. GarageBand renderizará el audio completo incluyendo cualquier efecto de reverberación, retardo u otros efectos basados en el tiempo, asegurando que se conserve la decadencia natural Entonces al final de la canción, donde tengamos esta decadencia, ésta lo preservará. Así que no sólo va a parar al final de la canción aquí. Voy a darnos unos segundos más para que podamos escuchar que el audio se desvanece gradualmente. Ahora vamos a nombrar nuestro archivo. La nomenclatura adecuada de los archivos es esencial para mantenerse organizado. Puedes etiquetarlo como quieras, pero asegúrate de que haya un sistema claro y consistente para tu etiquetado. Un buen ejemplo de un archivo bien etiquetado podría incluir el nombre del proyecto, número de versión y la fecha y el nombre del archivo. Por ejemplo, aquí, ejemplo 39, V uno para la versión uno, y luego tenemos la fecha. No necesariamente necesitamos una hora aquí, pero si exportas varias veces en el día, la hora puede ser útil. Bien, ahora hagamos clic en Exportar. Esto puede llevar algunos momentos. Bien, ahora pasemos a nuestro escritorio, y vamos a escuchar nuestra exportación. Más comable. Ven más compacto. Ven más compat. Ven más compaable ven más compat. Bien, genial. Para que puedas escuchar al final. No corta los instrumentos. Permite que se kay o se desvanezcan poco a poco. También puede utilizar la región de ciclo para exportar. Entonces, por ejemplo, si enciendo la región del ciclo aquí y luego voy a compartir, exportar al disco, entonces solo exportará la región del ciclo. Entonces, para este ejemplo, pongamos esto en nuestro escritorio. Y digamos que queremos compartir esto en línea, así que solo queremos mostrarle a uno de nuestros amigos una parte de una canción. Así que seleccionemos MP free, y seleccionemos aquí la más alta calidad. Entonces tenemos que asegurarnos de marcar esta casilla que dice área del ciclo de exportación o longitud de las regiones seleccionadas. Entonces esto significa que solo exportará el área de ciclo. Si esto no está marcado, GarageBand exportará todo el proyecto Ahora vamos a presionar Exportar. Ahora vayamos a nuestro escritorio y escuchemos esto de nuevo. Cable, y más contactable. Copacable más computable. Para que oigas que es solo el coro o la zona en la que giramos. Una cosa a mencionar, si nos fijamos en el tamaño del archivo WOW es de 27.6 megabytes Y si nos fijamos en el MP tres que exportamos, es mucho más pequeño. Por supuesto, acabamos de exportar el estribillo. Pero aunque sea una canción completa, un archivo libre MP será alrededor de diez veces más pequeño que un WAV. Entonces solo quería mencionarlo. Entonces, si quieres compartir tus canciones en línea a través de Instant Messenger o correo electrónico, puede ser demasiado grande como un WAV, pero debería estar bien ya que P gratis. Así que solo quería mostrarte la diferencia entre los tamaños de archivo MP free y WOW. Bien, así es como exportar y GarageBand. A continuación, vamos a mirar la masterización, que es la etapa final de la producción de audio, que veremos en el siguiente video Así que gracias viendo, y te veré ahí. 47. Conceptos básicos de la dominación: Bien, ahora hablemos de masterización. masterización es la etapa final de la producción de audio, donde se pule la pista mixta Por lo tanto, puede usar procesamiento como ecualización, compresión y limitación para asegurarse de que suene equilibrado y listo para escuchar en múltiples dispositivos. Así podemos crear un nuevo proyecto de banda de garage y masterizar ahí Pero personalmente, me gusta importar la mezcla al proyecto en el que estoy trabajando actualmente. Eso es porque cuando estoy masterizando, si quiero hacer algunos cambios a la mezcla, puedo hacerlo fácilmente en el proyecto aquí, exportar de nuevo, luego importar el mixdown final en lugar de tener que abrir múltiples proyectos de banda de garage para hacer algunos ajustes Bien, entonces ahora vamos a importar el mix abajo. Exportamos en el video anterior. Así que tal vez recuerden que guardo esto en mi escritorio, y es este archivo aquí. Así que hagamos clic y arrastremos esto debajo de todas las pistas. Y puedes ver aquí tenemos nuestra exportación todo mezclado. Ahora, vamos a solo esto, y escuchemos esto de nuevo. Vamos, vamos, vamos. Ven. Vamos, vamos, vamos. Ahora dejemos esta sección de coro ciclada, y hablemos de agregar algunos efectos para el maestro Entonces en los Controles Inteligentes, tenemos aquí esta pestaña maestra. Y por defecto, tenemos algunos plugins de masterización configurados aquí Así que solo para que puedas escuchar la diferencia, encendamos todos estos y reproduzcamos esto. Vamos, vamos, vamos. Ven, ven. Vamos, vamos, vamos. Para que puedas escuchar al instante, es mucho más fuerte. Solo para mantener las cosas simples, solo voy a usar EQ, compresión y limitador para dominar Entonces abramos primero el EQ. Entonces para esto, me gustaría sacar algunas de las frecuencias más bajas. Entonces estas son solo frecuencias que no estamos usando en la canción. Estas frecuencias son tan bajas, es más solo ruido que elementos musicales. Y lo mismo para un filtro alto aquí. Sólo voy a sacar muchas de las frecuencias altas. Entonces nuevamente, esto es solo ruido o silbido en lugar de cualquiera de los elementos musicales Entonces necesitamos reproducir esto y escuchar toda la canción así que haz una escucha y mira si necesita algún corte o impulso en el espectro de frecuencias. Esto puede requerir algo de práctica y, a menudo, una pista de referencia puede ser útil. Entonces aquí es donde tienes otra pista donde te gusta el sonido de la mezcla, y escuchas esa canción e intentas dominar similar a esa. Pero para este ejemplo, vamos a escuchar de nuevo, y voy a hacer algunos ajustes sobre la marcha. Comp. Ven compat, ven. Ven compable comp. Ven compbb comp ab. Entonces solo para un ejemplo rápido ahí, he reducido el bajo ligeramente, ya que sí creo que la parte del bajo puede ser un poco demasiado fuerte y un impulso los medios agudos ahí solo para que suene un poco más brillante También tenemos algunos presets de masterización que también podemos usar Entonces, si haces clic en la lista desplegable de presets aquí, podemos ir a masterización y aquí tenemos algunos presets diferentes Entonces para este ejemplo, probemos el Mx Pop final. Y vamos a jugar esto de nuevo. Vamos, vamos, vamos. No estoy seguro si eso fue mejor de lo que acabamos de tener, pero vamos a escuchar a otro. Vamos a probar el baile Mix final. C. A menos que estés presionando constantemente Guardar como, no hay ningún botón de retroceso, así que tendremos que reconstruir esta configuración de ecualización nuevamente. Podemos ir a más y luego seguir recordando default. Y vamos a construir lo que teníamos anteriormente. Entonces filtré algunos de los máximos y algunos de los bajos. Entonces tuvimos el impulso para los máximos medios por aquí. Entonces corté algunos de los bajos por aquí. Vamos a escuchar y ajustar esto de nuevo. Al masterizar, necesitarás escuchar tu pista muchas veces solo para hacer pequeños ajustes Tomará práctica y ensayo y error. Vamos. Vamos . Bien, pienso que eso suena bien. Ahora veamos el compresor. Entonces, nuevamente, tenemos presets para el compresor, pero no realmente ninguno para masterizar Así que comencemos con algunas configuraciones extremas y luego lo domesticemos de nuevo a algo más utilizable. Vamos. Vamos. Yo no comp C aparte. Vamos, ven a tomar un bob no flex C aparte. Vamos, ven tomar un bob no comp C aparte. Vamos, ven a tomar un bob no flex C aparte. Vamos, ven, toma un Vuelve a subir. Ven a maquillarte. Vuelva a subir. Ven a maquillarte. Suba. Suba. Suba. Suba. Entonces, cuando estás dominando, realmente se trata de cambios sutiles. Entonces no quieres que suene demasiado extremo o que tenga demasiada compresión, o puede arruinar una canción. Creo que eso suena bastante bien, pero sólo voy a reducir ligeramente la relación. Sin embargo, como regla general para la masterización, quieres tener la relación en torno a 1.5 a uno a dos a uno Esto controlará suavemente la dinámica, apuntando a alrededor de uno a dos dB de reducción de ganancia, lo que aún conservará la sensación natural de las pistas y el golpe. Para el umbral, recomiendo establecer esto, por lo que solo comprime los picos más fuertes Con este garaje de compresión atado, es bastante difícil ver dónde están los picos más fuertes, pero te recomiendo reproducirlo y usar tu oreja y pasar por alto y encerrar el enchufe para golpear Entonces, para este ejemplo, los ajustes por aquí deberían ser acertados. Hacer un make a make a come. Pero de nuevo, es bastante sutil, pero sí recomiendo probar esto usted mismo. Bien, ahora echemos un vistazo al limitador. Un limitador es una herramienta de audio que controla el volumen máximo de la pista Por lo que esto te permite hacer más fuerte la canción sin recortar ni distorsionar la pista Entonces aquí tenemos la ganancia, así podemos hacer más fuerte la pista, y luego tenemos el nivel de salida Este es el volumen máximo que puede alcanzar un sonido, así que podemos asegurarnos de que nunca vaya por encima cero DB con el control deslizante aquí. Para masterizar, recomiendo dejar esto en -0.1 dB para una sonoridad máxima al tiempo que Si desea garantizar la máxima compatibilidad de reproducción en todos los dispositivos, podría poner esto a menos un dB. Pero generalmente, -0.1 dB está bien. Desafortunadamente, GarageBand no tiene un medidor de sonoridad incorporado Puertas más avanzadas como Logic Pro hacen. Pero en GarageBand, tendrás que usar un enchufe de terceros si quieres un medidor de sonoridad Un medidor de sonoridad mide la sonoridad percibida del audio Esto ayuda a asegurar que tengamos la canción en el nivel correcto. Pero en la banda de garage, solo tenemos que reproducirla y usar nuestras orejas. Así que vamos a reproducirlo ahora y aumentemos nuevo para tener este nivel más adecuado. Entonces sí tenemos un medidor para la pista, pero este será el nivel antes de que se apliquen los límites. Entonces tendremos que mirar el nivel maestro aquí arriba. Pero como dije, no tenemos un medidor de sonoridad, que no es realmente ideal para dominar, pero intentemos establecer este nivel de Ven, haz una. ¡Vamos! C. C. Un bub. Vamos, vuelve un bub. C. Vamos, ven, toma un bub. Vamos, vuelve ab. Vamos, ven, toma un bub. Vamos, vuelve ab. Vamos, ven a tomar un bub. Vamos, vuelve un bob. C. C, venga. Ven, ven. Ven, ven, ven. Entonces piensa en esto correcto. No parecía que lo empujaran demasiado fuerte, pero era mucho más fuerte Ahora retomemos esto y alto el compresor y limitador EKU Vamos, vamos. Ven Ven. Ahora, volvamos a encenderlos para que oigan la diferencia. Ven, ven, a casa. Ven, ven. C. Ven ven una reproducción de Dibujo, solo reduzco la ganancia del Limitador a 60 B. A medida que masterizamos, necesitarás escuchar la pista muchas veces y hacer pequeños ajustes Bien, ahora fijemos los puntos de inicio y fin para la canción. Primero fijemos el punto de inicio. Así que vamos a tener un poquito de silencio al principio antes de que entre. Para ello, tengamos alrededor de diez a 50 milisegundos. Empezar instantáneamente puede sonar un poco repentino, pero demasiado silencio puede distraer un poco Así que vamos a arrastrar ligeramente este audio hacia adelante. Ahí tenemos una pequeña cantidad de silencio. Desafortunadamente, en GarageBand, no podemos arrastrar la región del ciclo En otras puertas como Logic Pro, podemos. Pero para compensar esto, podemos simplemente mover la pista ligeramente hacia adelante. Bien, ahora vamos a establecer el punto final. Entonces, al final, queremos dejar suficiente espacio para cualquier cuento de reverberación o desvanecimiento, pero no queremos tener demasiado silencio Normalmente alrededor de uno a 2 segundos. Así que reproduzcamos desde el final e intentemos encontrar un lugar natural para que termine la canción. Entonces pienso por aquí, volvamos a tener una lección de nuevo. Entonces por ahí me suena bien , así que vamos a hacer que termine ahí. Y vamos a arrastrar esto al inicio. Bien, ahora vamos a exportar a nuestro Maestro. Así que hagamos clic en Compartir y luego vayamos a Exportar canción al disco. Bien, vamos a exportar esto como un WAV. Tengamos esto como 24 bit sin comprimir ya que este será de la más alta calidad Y cambiemos el nombre de este maestro. Y para este ejemplo, guardemos esto en nuestro escritorio. Asegurémonos de que el área del ciclo de exportación esté marcada y presionemos Exportar. Nuevamente, esto tomará unos instantes. Entonces hay más que podemos hacer para masterizar, pero esa es solo una forma rápida de dominar en GarageBand Bien, ahora pasemos a nuestro escritorio y hagamos una escucha a nuestro maestro. Ven más compacto. Suba. Ven compa Ven mas compacto C. Vamos, compat. Soy más compaable soy más compaable Soy más compaable Soy más completable Bien, entonces creo que suena bastante bien. Pero si quieres hacer algún cambio, siempre puedes volver a GarageBand y hacer algunos cambios en los plugins maestros aquí O si quieres volver atrás y ajustar la mezcla, puedes eliminar esta pista maestra aquí y exportar nuevamente e importar el nuevo mix hacia abajo y hacer algunos cambios de masterización a eso Por lo que sí recomiendo pasar algún tiempo masterizando. que escuche a su maestro en diferentes dispositivos, incluidos auriculares, altavoces y en su teléfono, para asegurarse de que suene bien en todos los dispositivos. Bien, así que muchas gracias por ver este video. Espero que te haya resultado útil, y te veré en la siguiente. 48. Abrir proyectos de GarageBand en Logic Pro: Bien, ahora hablemos de exportar tu proyecto a Logit Pro Los proyectos de GarageBand se pueden exportar a Logic Pro para su posterior edición, lo que le brinda acceso a funciones avanzadas no están disponibles en Logic Pro ofrece altos recuentos de pistas, efectos más sofisticados y herramientas profesionales de masterización de granos que pueden elevar sus producciones al siguiente nivel Así que déjame ahora mostrarte cómo exportar de GarageBand a Logic Pro Para ello, necesitarás tener Logic Pro, pero la forma más fácil de hacerlo es hacer clic derecho en tu proyecto de GarageBand y luego seguir abierto con y luego seleccionar Logic Para este ejemplo, solo guardemos esto en un escritorio y llamemos a este ejemplo Proyecto. Y ahora esto se abrirá en Logic Pro. Vamos a silenciar el mixdown y reproducir esto de nuevo para que podamos escuchar nuestra canción Como dije, Logic Pro es mucho más avanzado. Nosotros sí tenemos este mezclador aquí y tenemos muchos más plugins de efectos, pero esto está listo para otro curso. Por lo tanto, todas tus pistas, regiones y efectos se transferirán sin problemas, lo que te permitirá continuar construyendo sobre tu trabajo existente sin comenzar de cero. Esto es especialmente útil si buscas una mezcla de calidad profesional pulida o necesitas características como mezcla de sonido envolvente, automatización avanzada o mini edición detallada. Si bien la banda de garaje es gratuita para los usuarios de macOS, actualizar a Logic Pro tiene un costo. Bien, así es como puedes exportar a Logic Pro. Como dije, sí ofrece más funciones, pero no es una aplicación gratuita como GarageBand Trabajar con banda de garage sigue estando bien, pero Logic Pro es mucho más profesional. Bien, así que eso terminó este video. Gracias por mirar, y voy a ver en la siguiente. 49. Proyecto de clase y conclusión: Bien, entonces ya llegamos al final de esta clase. Muchas gracias por ver y espero que le haya resultado útil. Para tu proyecto de clase, quiero que crees tu propia canción y banda de garage. Tu canción debe tener al menos 1 minuto de duración y debe incluir al menos un verso, un coro y un puente También quiero que incluyas al menos tres instrumentos diferentes. Esto podría ser tal vez una parte de batería, parte de bajo, parte de teclas, o parte vocal o de salto, pero siéntete libre de elegir cualquier instrumento que se adapte a tu estilo. También quiero que equilibren los niveles de su pista y apliquen algunos efectos básicos de mezcla para mejorar su sonido. Una vez que hayas completado tu canción, toma una captura de pantalla del proyecto de tu banda de garage y luego escribe un breve párrafo explicando cómo hiciste tu canción y las decisiones creativas que tomaste y por qué. Después publique esto como su proyecto de clase, para que pueda ver exactamente lo que hizo. Así que gracias de nuevo por ver esta clase, y ojalá te vea otra clase pronto.