La clase de estilo: trabaja tu estilo de ilustración en un proyecto diario

1. Avance: ¿ Simplemente rodar justo en él? Sí. Está bien. ¿Cómo encuentras tu estilo de ilustración? Si alguna vez has hecho esta pregunta, esta clase es para ti. A lo mejor te has preguntado si deberías acostarte a un solo estilo o si está bien trabajar en muchos. A lo mejor luchas constantemente con sentirte confiado en los estilos que tienes ahora o tal vez estás buscando un estilo más original que se parezca menos a tus influencias. Si algo de esto suena familiar, bienvenido a la clase de estilo, hice esta clase para ti. Mi nombre es Tom Froese. Soy un ilustrador galardonado y profesor de enseñanza aquí en Skillshare, donde he ayudado a decenas de miles de personas creativas como tú, desbloquear el mundo de la ilustración comercial. largo de los años, he luchado con mi propio estilo, constantemente preguntándome cómo hacerlo más cohesivo y consistente, mientras constantemente dudo de mí mismo en el camino. Cuando me obsesiono demasiado con el estilo, me olvido de la alegría de crear que me inspiró a convertirme en ilustrador en primer lugar. Si bien el estilo es un tema difícil de hablar, sí creo que es importante, y creo que hay algunos pasos realmente prácticos podemos dar para sentirnos mejor con nuestro estilo. Esta clase está diseñada para ayudarte a navegar por el complejo y confuso mundo del estilo de ilustración. Empezaremos construyendo una comprensión de lo que significa el estilo y cómo puede funcionar para ti en la imprimación. A continuación, profundizaremos en algunos ejercicios rápidos para descubrir lo que más nos inspira y cómo tramar a partir de esa inspiración en nuestro propio trabajo. Después de eso, comienza el verdadero trabajo. Una inmersión profunda en un proyecto de ilustración de varios días, donde llegamos a resolver nuestras preguntas de estilo en una serie de 26 ilustraciones. Esto nos va a sacar de nuestras zonas de confort, pero creo que es la única manera de empezar realmente a trabajar nuestro auténtico estilo de ilustración. Esta clase trata de entender los problemas más profundos en torno al estilo, cómo se relaciona contigo y tu identidad, y cómo usar el estilo para resolver problemas visuales manera confiable y expresiva en tu ilustración comercial. No se trata de los componentes individuales del estilo ni de cómo utilizar herramientas y técnicas específicas. De verdad, el estilo puede parecer cualquier cosa, tu arte puede parecer cualquier cosa, y no quiero interponerme en el camino de eso. Mi trabajo es darte las herramientas para encontrar tu propio estilo de ilustración, que puedas hacer un mejor trabajo y disfrutarlo más en el camino. ¿ Cómo encuentras tu estilo de ilustración? Trabajemos juntos en la clase de estilo. 2. ACERCA DE ESTA CLASE: Esta clase se desglosa en tres partes; la imprimación, los ejercicios, y por supuesto, el proyecto final. El cebador es donde profundizaremos en las preguntas de encontrar tu estilo de ilustración. A través de una serie de mini-conferencias, estableceré algunas de mis ideas y principios clave para ayudarte a guiarte en los ejercicios, y proyectar, y por supuesto, en tu propio viaje. En los ejercicios se empieza a poner en acción toda esa teoría. Aquí, veremos lo que más nos inspira, y luego lo usaremos como trampolín para descubrir pistas sobre lo que queremos explorar y experimentar dentro del proyecto, y más allá. El proyecto es donde tuvo la oportunidad de poner a prueba todo lo que aprendimos en la imprimación y ejercicios. Un proyecto de ilustración de 26 días donde crearemos una serie de ilustraciones sobre un tema de tu elección, resolviendo cómo resolvemos los problemas visuales en una técnica de tu elección. ¿ Por qué 26 días? Porque estaremos ilustrando una lista alfabética de cosas e ideas bajo nuestro tema elegido de la A a la Z. Es mi proyecto de clase más ambicioso hasta ahora, pero no te preocupes, te guiaré en ello, y te configuraré con todo lo que necesites para conseguir yendo. Por supuesto, estaré compartiendo cómo pienso en el estilo mientras trabajo a través de mis propias ilustraciones en las demos. En cuanto a experiencia, esta clase es para cualquier persona que alguna vez se haya preguntado sobre cómo encontrar su estilo de ilustración, ya sea que tenga cero experiencia, o que haya estado ilustrando desde hace décadas. Esta clase cubre todos los rangos de experiencia, y habilidades, y da a todos la oportunidad de sumergirse en sus propias preguntas de estilo. Dicho eso, entre más experimentados cuestionamientos y elaborando tu propio estilo con el que entras a esta clase, más saldrás de ella. Esperemos que puedas seguir regresando a los principios esta clase a medida que te desarrollas en tu propio camino creativo. En cuanto a habilidades y equipos, por supuesto, alguna experiencia en medios de arte, y herramientas digitales serán útiles. Eso podría ser cualquier cosa, desde pintar en acuarela hasta incursionar un poco y procrear. En los ejercicios de clase, tendrás la oportunidad de averiguar qué técnicas reales de ilustración te gustaría usar o explorar. Estaré usando Procreate para bocetos, y los ejercicios, y Photoshop para mi proyecto de ilustración final. Porque sé lo que algunos de ustedes van a pedir, yo uso Astropad para usar mi iPad Pro como tableta gráfica para mi Mac. Ejecuto Photoshop en mi Mac, y luego Astropad me permite conectar mi iPad, y usarlo como tableta basada en pantalla. Los ejercicios no tardarán mucho. Creo que podrías hacer esto en una o dos horas, pero realmente podrías tomarte el tiempo que necesites. En cuanto al proyecto, estoy recomendando alrededor de 26 días en total. Te explicaré cómo esto se descompone más en el arranque del proyecto. Este es el más largo que he sugerido para un proyecto de clase en mis clases, pero realmente creo que un proyecto creativo de varios días es la forma más poderosa de descubrir pistas sobre tu estilo de ilustración. Estás por supuesto, animado a compartir cada ilustración a medida que avanza. Hacer algo regularmente es solo una parte de encontrar tu estilo, compartirlo con un público, y con la clase también es súper importante. Al tomar esta clase, obtendrás una comprensión más profunda de por qué es la ilustración, cómo funciona y cómo se relaciona con tu forma particular de creatividad y pensamiento. Aprenderás cómo el estilo puede comenzar como semilla, y crecer con el tiempo. Acerca de cómo se puede utilizar para resolver problemas en lugar de simplemente expresar tu propia identidad, también obtendrás una conexión más profunda con lo que te inspira, y aprenderás a canalizar toda esa energía hacia tu propio trabajo. Por último, el proyecto te dará una cantidad loca de práctica, y experiencia elaborando tu propio estilo de preguntas. Si te pegas a tu proyecto todo el camino de la A a la Z, no hay manera de que no puedas salir del otro lado un ilustrador más fuerte. Sigamos con el show. 3. Acerca del estilo: El estilo es uno de los temas más discutidos para los ilustradores, sobre todo al empezar. Vemos artistas establecidos y los admiramos por su estilo o la forma en que se ven sus ilustraciones, y nos hacen sentir. Si bien la búsqueda del estilo de uno es frecuentemente desestimada como una distracción, no hay manera de evitar que la gente todavía se obsesionará con ello. Si la gente está pensando tanto al respecto, ciertamente merece nuestra atención. Para mí la pregunta no es si preocuparnos por ello o no, sino preguntar por qué preocuparse o tal vez, ¿cómo debemos preocuparnos? Podemos encontrar que al final es mejor enfocarnos en otras cosas pero primero, debemos mirar más profundamente qué es exactamente el estilo de ilustración, y cómo funciona. ¿ Por qué es tan grande, y por qué quizá no debería serlo? ¿Qué es el estilo? En pocas palabras, el estilo es la forma en que se ve una ilustración, aparte de lo que sea el contenido de las imágenes; qué colores se utilizan, qué técnicas se utilizaron para hacerlo, ¿cuál es la calidad expresiva en la imagen? Al comparar dos ilustraciones de lo mismo, ¿qué hace una más convincente que la otra? El estilo es complicado porque es lo que más conocemos en la ilustración, pero lo menos capaz de describir. Pero creo que entendemos a nivel muy intuitivo, la importancia del estilo. Es lo que nos atrae a la obra en primer lugar. Esa es la fuente de nuestra obsesión. Cualquiera que sea el concepto o idea, se trasmite materialmente, visiblemente. Antes de que llegue a nuestro intelecto, pasa por nuestros sentidos, directamente a nuestros corazones. Como artistas, el estilo nos puede impulsar, o podemos derivar nuestro estilo. Como ilustradores comerciales, nuestro trabajo es entender el estilo como una herramienta para que podamos impulsarlo. Úsalo a nuestro favor, tanto en nuestro trabajo como en cómo lo usamos como extensión de nuestra identidad. Existen dos formas principales en las que el estilo es importante. Por qué debemos prestar atención al estilo en nuestro trabajo. El primero es establecer nuestra identidad, nuestra marca como emprendedores creativos. Dado que nuestro trabajo es nuestro producto, siempre debe vincularse de nuevo a nosotros. De la misma manera que las marcas aplican una calidad consistente en sus productos, nuestras ilustraciones siempre deben tener alguna calidad consistente que sea única nuestra. Esta cualidad consistente del trabajo se convierte en sinónimo de nosotros. La consistencia no nos hace artistas unidimensionales. Es simplemente un reconocimiento de un estrecho conjunto de cualidades en las que somos buenos, lo que podemos hacer repetidamente, que otros pueden crecer para depender de nosotros. Esto lleva a la segunda vía en la que el estilo es importante; se convierte en una herramienta confiable para nosotros como solucionadores de problemas visuales. Independientemente de cómo se vea nuestro estilo, independientemente de cuántos estilos albergamos bajo el techo de nuestro negocio creativo, tener estilos establecidos resultantes de técnicas y procesos específicos, nos hace más eficientes y confiables. Si bien podríamos ilustrar viablemente en cualquier número de estilos, optamos por no hacerlo. Debido a que tenemos un conjunto estrecho de cualidades bajo nuestra marca en nuestro kit de herramientas, podemos acertarnos a trabajar en el problema en lugar de fastidiarnos sobre tratar de averiguar en qué estilo trabajar. También dedicamos menos tiempo a meternos en la misma página que nuestros clientes sobre en qué estilo trabajar. De hecho, cuantos más clientes vean consistencia en tu trabajo, más confiarán en ti para hacerlo de nuevo, y por lo tanto te confiarán más con la parte creativa del trabajo. Ahora hemos definido qué es el estilo de ilustración, y qué lo hace importante. En las lecciones restantes de esta imprimación, y luego a través de los ejercicios y proyecto, vamos a ver cómo funciona el estilo para los ilustradores, sobre todo a medida que empezamos y cómo se desarrolla junto con nosotros a medida que avanzamos. Analizaremos los problemas clave con estilo que enfrentan los ilustradores, y las formas de superar estos retos. Incluso he desarrollado algunas formas de ayudarnos a colocarnos en el espectro del estilo de ilustración en términos de temperamento y personalidad. Lo más importante, vamos a ver cuáles creo que son las formas más efectivas de empezar a descubrir tu estilo como ilustrador; aprovechar lo que nos inspira, y elaborar nuestras preguntas de estilo haciendo un trabajo real. En última instancia, tu estilo no es algo que puedas decidir ahora, una vez por todas. Pero ciertamente puedes y debes tomar decisiones en el camino. Creo que una de las cosas más difíciles de encontrar un estilo, es simplemente no saber cuáles son nuestras elecciones para hacer buenas. Sentimos que, si sólo tuviéramos que elegir un estilo hoy, estaríamos negándonos tanto potencial para crecer probando otros estilos, otras cosas. Encontrar un estilo de ilustración no se trata de encontrar un estilo estático, detener el crecimiento a propósito para que nuestro estilo pueda seguir siendo consistente, se trata de crear siempre, siempre trabajar, siempre buscar la alegría en eso, y luego tomar algún tiempo la forma de averiguar qué formas funcionan mejor para nosotros, y luego cómo hacer eso más a propósito. 4. Puntos débiles del estilo: Cuando miro todas las preguntas que los estudiantes hacen sobre encontrar su estilo, casi todas se descomponen a uno o más de estos puntos de dolor; consistencia, confianza, y originalidad. Echemos un vistazo un poco más de cerca a cada uno de estos puntos de dolor. Tener un estilo significa tener una mirada consistente a nuestro trabajo. No es de extrañar entonces, que la mayoría de los ilustradores luchen con este punto de dolor. ¿ Por qué es tan difícil lograr consistencia en nuestra ilustración? Lo que funciona para un tipo de ilustración puede no funcionar para otro. Otro escenario, podría ser alguien que no pueda imaginar sólo apegarse a un estilo. Simplemente disfrutan trabajando de manera diferente cada vez y se preguntan si necesitan comprometerse con un solo estilo para ser un ilustrador legítimo y respetado. Una de las preguntas más planteadas en torno al estilo es, ¿necesito tener un estilo disciplinado singular para poder ser como ilustrador exitoso? Otra es, ¿y si quiero trabajar en múltiples estilos? Por lo que puedo decir, se puede tener éxito con uno o muchos estilos. Realmente depende de tu temperamento y con el tiempo, lo que parece funcionar mejor en tu práctica profesional. Si eres feliz y exitoso trabajando a través de una variedad de estilos, entonces eso es todo lo que importa. Si te importa más tener algo más individual y singular, entonces esto es algo por lo que puedes trabajar deliberadamente. Al final, es probable que te encuentres en algún lugar entre tener múltiples estilos y algo más singular. Lo más importante es que tengas una consistencia general en lo que ofreces como tu producto. Encontrarás que tienes algunos puntos de pivote consistentes comunes desde los que te acercas a todo tu trabajo. Hablaremos más de esto en un rato. El segundo punto de dolor es la confianza. Nosotros los artistas somos duros con nosotros mismos. La mitad de nuestro tiempo se dedica a tratar con emociones debilitantes y pensamientos negativos sobre nuestro valor como artistas. Tendemos a vincularnos valía con nuestro valor percibido como personalidades semipúblicas o como artistas. ¿ Y si pudiéramos olvidarnos de lo que piensan los demás y enfocarnos en la alegría y satisfacción que experimentamos cuando creamos? Tendemos a perder nuestra confianza cuando comparamos injustamente nuestro trabajo con los demás. En tanto, nos olvidamos de por qué empezamos a ilustrar en primer lugar. confianza no tiene que venir de sentirnos comparativamente grandiosos como ilustradores, puede venir de saber que estamos haciendo bien nuestro trabajo a lo mejor de nuestras capacidades y de alguna manera agregar valor a nuestros clientes y audiencias a través de nuestro arte. ¿ Cómo podemos hacer un trabajo del que nos enorgullecemos, lo que nos da alegría hacer de principio a fin? Tenemos que recordar no tomarnos demasiado en serio nuestra búsqueda del estilo. Tiene que suceder, pero en nuestros términos. En tanto, tenemos que sobrevivir como artistas. Eso significa darnos el espacio para explorar y crecer, para cometer errores mientras caminamos hacia un estilo más confiado, natural, expresivo. Esto viene con el tiempo y la práctica. Siento decir que, en el camino, nuestra confianza y duda vendrán en oleadas. Pero en última instancia a medida que te apegas a ella, crecerás más cómodo en tu propia piel. Mi experiencia es que empezamos con una falsa visión de quiénes se supone que somos, pero con el tiempo obtenemos una imagen clara de quiénes somos realmente. Es por ello que el estilo no sólo nos pasa rápidamente, sobre todo si el estilo que estás buscando es uno que sea auténticamente tuyo, no solo basado en lo que está de moda o cool. El clave es recordar, la alegría de la ilustración. Recuerda por qué te inspiraste en primer lugar, y simplemente para seguir esa chispa de pasión. Si nada en tu arte te está dando alegría, ni siquiera una pequeña parte de ella, entonces tal vez quieras considerar probar otra cosa. Nuevamente, puede ayudar recordar que tendemos a ser más duros para nosotros mismos que los demás están sobre nosotros. Bueno, nos estamos poniendo bajo nuestro trabajo abajo, otros probablemente estén bastante impresionados por nuestro trabajo. Nosotros por estilo la verdad es que, nos importa mucho más cuál es nuestro estilo que otros lo hicieron. El tercer punto de dolor es la originalidad. Por supuesto, tanto de tener un estilo distinto se trata de identidad. Queremos que la gente nos reconozca a través de nuestro trabajo. Porque nos vertimos tanto de nosotros mismos en nuestro arte, nos preocupamos por cómo nos representa. Al igual que el estilo mismo, creo que todos entendemos la importancia de la originalidad como artistas. Nos diferencia, es algo que podemos reclamar como solo los nuestros. Tener nuestra propia voz como artistas es realmente horneado en todo el trato. ¿ Cómo podemos acercarnos a ser originales en nuestro propio trabajo? Ser original es poder pensar y hacer las cosas de forma independiente y creativa. No quiere decir que seamos tan totalmente diferentes de todo y de todos los demás, se trata más de cómo usamos nuestra situación y habilidades dadas a nuestra manera. Las ideas no necesitan ser esotéricas para ser originales o emocionantes. Row, diseñador estadounidense Paul Rand. Yo sólo agregaría a esto que si quieres ser original, lo único que puedes hacer realmente es hablar desde tu perspectiva y no tratar de hablar desde la de otro. Lo difícil de hablar desde tu perspectiva es que a menudo se necesita mucho cavar para encontrarlo. Es mucho más fácil pedir prestado a otros, ya se ha hecho el trabajo. Si no tenemos mucha práctica cavando para nuestra propia perspectiva, tenderemos a dudar de nosotros mismos y rendirnos demasiado pronto. Lo que sucede en cambio es, no sentirnos seguros de nuestra propia voz única, miramos a otras perspectivas, a otros artistas, otros estilos, y de alguna manera imitamos estos en nuestro propio trabajo. Quizás sea porque no creemos en nuestra propia forma original de hacer arte. Parece de alguna manera no suficiente, de alguna manera desconocida. Sabemos lo que otros han hecho, lo bien que fue recibido por otros. Vemos tendencias y asumimos que tenemos que seguirlas para ser actuales y bien recibidos. No creo que esté mal prestar atención a las tendencias, pero es demasiado fácil caer en un buy-in total, donde te apoyas demasiado en lo familiar y te pierdes en traer algo verdaderamente único para ti a la mesa. Lo que digo es que se necesita agallas para ser original. Es más fácil estar detrás de una tendencia o pedir prestado el estilo de otro, porque al instante es gratificante. Pero nos distrae del verdadero nosotros de abajo. El reto es que burlarse de nuestra propia voz verdadera comienza temblorosamente, tal vez incluso vergonzosamente. Es vulnerable. ¿ Es malo ser imitativo? Si nuestro propio estilo aún no ha crecido hasta la madurez, y tenemos trabajo que hacer mientras tanto, ¿cómo se supone que hagamos algo? la verdad es que todos empezamos de manera imitativa. En casi todas mis clases, hablo de los tres Is; inspiración, imitación, e innovación. Empezamos por inspirarnos en el trabajo de otros en imitarlo. Pero con el tiempo, a medida que trabajamos para traer más voz a nuestro trabajo, nuestro trabajo se vuelve más propio. Nos alejamos de imitar a los demás y más hacia referirnos a nosotros mismos. Nos convertimos en mezcla de toda nuestra inspiración, y a través de la práctica nos volvemos buenos en canalizar esto de una manera única. Desarrollar un estilo original es un equilibrio. Es un equilibrio entre, por un lado, aceptar un cierto nivel de imitación, permitir que nuestras influencias jueguen en nuestro trabajo a propósito, y por otro lado, desafiarnos a ser más audaces, aceptar lo que termina nuestro trabajo pareciendo a pesar de nosotros mismos. En el camino a encontrar nuestro propio estilo, todos experimentamos la sensación de que nuestro trabajo de alguna manera no mide a la altura, que está demasiado por todo el lugar e inconsistente, que de alguna manera no es lo suficientemente original, o cuando lo es, no nos sentimos bien al respecto. Todas estas son preocupaciones válidas y definitivamente debemos apuntar a un estilo que lo golpee fuera del parque de todas estas formas. Pero en el camino, vamos a necesitar tener gracia con nosotros mismos. Lo más importante es que buscamos trabajar desde el lugar de alegría y pasión que nos metieron en la ilustración en primer lugar. Siempre que nos sentimos mal por nuestro trabajo, podemos recordar nuestra primera chispa y hacer lo que podamos para regresar a ese lugar. 5. 5 observaciones sobre el estilo: Ciertamente, no hay un único camino para encontrar el propio estilo de ilustración. Todos entramos en la ilustración y recorremos la misma de maneras muy diferentes. Dicho esto, cuando observas las trayectorias de carrera de algunos de los ilustradores más exitosos de hoy, verás emerger algunos patrones interesantes, cosas que parecen ser ciertas para casi todos ellos. Tengo cinco observaciones en particular, que creo que deberían servir tanto de estímulo como de inspiración. Ánimo en que incluso nuestros héroes tienen humildes puntos de partida, e inspiración en que los primeros pasos que dieron que los llevaron al éxito inicial son los que tú y yo podríamos dar fácilmente hoy. La primera observación es, todos los artistas comienzan con un estilo informado a mano que se vuelve horas extras más bien definidas. Toma a cualquier ilustrador con un estilo definido y único hoy en día, y traza su trabajo hasta los inicios, y muy probablemente encuentres que no empezaron de esa manera. De hecho, muy probablemente veas algo que se ve más inestable, menos confiado, de alguna manera más informado a mano. De hecho, lo que estás viendo probablemente se parecerá más a su estilo de dibujo natural, en su momento, que al trabajo que están haciendo hoy. Esto es especialmente cierto en los artistas cuyo estilo ahora está fuertemente influenciado por procesos mecánicos o digitales. Tenían que empezar con las manos porque eso era lo que sabían en su momento. Fue con el tiempo en el trabajo que elaboraron un estilo más trascendente, que expresa sus ideas sin menospreciar los orígenes más artesanales de sus bocetos. Hablo más de esto largamente en mi clase, Dibujo hacia la ilustración. Podría tener un deseo de tener un estilo más trascendente como este. Pero si estás más cerca de tu comienzo, probablemente solo tengas un indicio de ello. Pasarás más tiempo ahora, experimentando y explorando diferentes técnicas, y tu trabajo vendrá de tu conjunto actual de habilidades, especialmente técnicas que están más cerca de tu herramienta más accesible, tus manos, apoyarte en ellas. ¿ Cómo se ve apoyarse en tus habilidades actuales? Significa, más que nada, ponerse en contacto con cómo dibujas todo, objetos, personas, ideas. Significa dibujar todos los días, ser esa persona que lleva alrededor de un cuaderno de bocetos por todas partes, y luego experimentar con técnicas que transforman estos dibujos en algo más. Esto es muy parecido al proceso de ilustración donde comenzamos con bocetos, luego agregar capas de color, línea, textura, forma, etc., en los medios de comunicación de nuestra elección. ¿ Por qué ilustrar dibujando cuando podrías ir directo a la computadora? Porque al permitirte crear libremente de esta manera, más adelante, podrás encontrar patrones dentro de tu trabajo que sean únicos para ti, pistas de tu propio estilo. Notarás que dibujas formas de cierta manera, o que repites cierto motivo una y otra vez. Si te esfuerzas demasiado para tener un estilo trascendente más disciplinado demasiado pronto, es posible que termines apoyándote demasiado en tus influencias y en sus técnicas, al tiempo que ignoras las importantes pistas de tu propia voz natural. La segunda observación es, la identidad única del ilustrador se vuelve más fuerte en el trabajo a lo largo del tiempo. Todos los ilustradores comienzan con una semilla, una noción nublada de lo que podrían ser en el camino, y todos los ilustradores comienzan por ser inspirados por sus héroes, probablemente copiándolos en un grado superior al que terminarán más adelante. Cuando somos niños pequeños, nuestra identidad viene más de nuestra familia, de nuestros padres, que de nosotros mismos. Nosotros los ilustradores comenzamos como niños que se asemejan fuertemente a nuestras influencias, nuestros mentores y a nuestros héroes. Pero a medida que llegamos mayores de edad, crecemos hasta conocernos más, y no podemos ir directamente de niño a adulto bien formado, totalmente independiente. Todos tenemos que pasar por la incomodidad de esos preadolescentes y adolescentes. Sigue con él y lo superarás todo, y madurarás. Algunos envejecemos con gracia, otros menos, y para cada uno de nosotros, eso simplemente se suma a nuestra historia y a la singularidad de nuestra voz. La tercera observación es, el ilustrador pasa de un enfoque más general a algo más específico. Si bien la mayoría de los ilustradores terminan especializándose en un pequeño rincón del universo de la ilustración, típicamente empezamos como generalistas. Al inicio de nuestros viajes, comenzamos con infinita posibilidad. Pero a medida que avanzamos, aprendemos quiénes somos, qué podemos hacer, qué no podemos hacer, qué nos atraemos, y qué evitamos, y todas estas cosas ayudan a cada uno de nosotros a estrecharnos en una definición como artista. Cuando empezamos, sin haber forjado aún nuestra propia identidad, estamos más abiertos a la diversa influencia de los demás, y estamos dispuestos a aceptar trabajos más variados. Todavía no sabemos cuál es nuestra especialidad, ni deberíamos. Esta es una de las razones por las que, creo, los diseñadores, que más tarde se convierten en ilustradores, están en una ventaja. Los diseñadores son generalistas por capacitación, y tienen mucha experiencia trabajando con diferentes tipos de problemas visuales, y como tales, llegan a aprender sobre lo que son buenos y les gusta, incluso cuando comienzan como ilustradores. A medida que crecemos como ilustradores, encontramos que disfrutamos de ciertos tipos de ilustración, tanto estilísticamente como en materia, lo que nos lleva a enfocar cada vez más en nuestro trabajo y estilo. Al pensar en esta progresión de lo general a lo específico, siempre imagino un cono lateral, o dos líneas convergentes. Todo a la izquierda de esta apertura es, bueno, todo. Cuando hacemos ese primer movimiento en nuestro viaje, ese es el comienzo mismo de esta cosa de cono lateral. De repente nuestras opciones son limitadas, y a medida que avanzamos, experimentamos, obteniendo retroalimentación, encontrando lo que funciona y lo que no, nuestro enfoque se vuelve más nítido y nítido. Estamos dejando la posibilidad de todo, y dirigiéndonos más hacia el punto único, que me gusta llamar la singularidad. En el sentido más ideal, aquí es donde encontramos nuestro único estilo cohesivo, o nuestra voz artística. En realidad, este punto es un blanco en movimiento, siempre ante nosotros. Eso se debe a que cuanto más aprendemos, más nos damos cuenta de cuánto más hay que aprender. A pesar de crecer más específicos, nunca nos estancamos. La cuarta observación es, los ilustradores comienzan a compartir antes de que estén listos. Me encanta este porque es la observación más procesable de este conjunto. Muchos ilustradores comienzan sus carreras antes de que sean aceptados por el público como ilustradores, antes de que tengan un estilo establecido, antes de que alguien les dé alguna vez un respiro. Estos individuos motivados hacen sus propias oportunidades al iniciar y mantener un proyecto creativo diario. Esto les da la oportunidad de elaborar su estilo de manera tangible, vez que construyen una audiencia al mismo tiempo. La ilustración comercial se trata de comunicar a un público. Los ilustradores necesitan toda la práctica que puedan obtener, tanto en elaborar su estilo como en aprender a involucrarse con un público. Tener una práctica de crear algo para compartir de manera regular hace que los ilustradores se acostumbren a pensar en un público, y también, trabajar dentro de un horario. Para mí, cuando estaba empezando, la sede principal para una práctica creativa diaria impulsada por el público eran los blogs. Pero los que recuerdo particularmente, que en última instancia me influyeron más, se enfocaron en torno a un tema en particular y elaborando una técnica o medio en particular. Un par de ejemplos de mis primeros días incluyen Consumo obsesivo de Kate Bingaman-Burt, y el Drawing a Day de Lauren Nassef. Estaba fascinado por su trabajo e inspirado para hacer algo similar. Yo mismo espejé este hábito y finalmente construí un estilo de dibujo temprano, por el que me hice conocido, y del que vinieron mis primeros trabajos de ilustración. La quinta observación es, los ilustradores se bajan el pelo de vez en cuando. Para quienes luchan mucho con el punto de dolor número uno, compromiso, por favor tome nota. Por más estricto que sea un ilustrador en su principal estilo comercial, es probable que se desvíen y trabajen fuera de su zona de confort de vez en cuando. hecho de que presenten un cuerpo de trabajo altamente cohesivo en Instagram o en su sitio de portafolio, eso no significa que no se bajen el pelo nunca. Todos los artistas tienen su propia forma de compartir sus proyectos paralelos. Si algo está realmente medio horneado, para mí, lo publicaré en mis historias, o quizá tuitearé al respecto. A menudo estoy feliz de compartir mis experimentos más en la marca como publicaciones de Instagram, al tiempo que mantiene mi portafolio de sitios web más consistente y estático. Por supuesto, no todo lo que se hace necesita ser compartido. Piensa en todo lo que sucede en tu cuaderno de bocetos o diario que nadie ve, y considera que la mayoría de los artistas están haciendo esto todo el tiempo. 6. El poder del proyecto diario: En el video anterior, observé cómo los ilustradores comienzan a compartir antes de que estén listos y describí el proyecto creativo diario. En mi opinión, no hay mejor manera de dar inicio a tu búsqueda para encontrar tu estilo de ilustración que hacer trabajo regularmente y compartirlo con un público. Para esta clase, realmente creo que no hay otra forma de pasearte por el viaje de descubrir tu estilo, que conducirte a través de un proyecto de ilustración de varios días. Eso es lo que estaremos haciendo después de todas las conferencias y ejercicios. Al tratar de elaborar una forma de enseñar estilo, miré hacia atrás en mi propio viaje y di cuenta de que mis primeros esfuerzos hacia la ilustración realmente comenzaron cuando empecé a hacer y compartir dibujos en mi blog casi a diario. Me inspiró muy directamente un puñado de ilustradores que hacían esto en su momento, pero lo más visiblemente Lauren Nassef, quien confía en el estilo de dibujo de contornos introspectivos con el que realmente me relacioné. Vergonzosamente, incluso nombré a mi blog de manera similar al suyo. El suyo era un dibujo al día, el mío era dibujar algo cotidiano. Por lo menos, fui honesto sobre mis intenciones e inspiración. De verdad quería dibujar algo todos los días, igual que mi inspiración. Lo que comenzó como un esfuerzo imitativo con el tiempo creció para ser lo mío, eventualmente dando paso a otros experimentos creativos. el camino, realmente estaba afinando mi propia forma de dibujar, descubriendo lo que me gusta dibujar, retándome a dibujar cosas que no quería gustarme manoplas de punto de cable o chaquetas drapeadas en ganchos, y experimentando con agregar color en elementos de collage digitalmente. Este proyecto diario comenzó a mediados de mi licenciatura, y continuó bien después de que me graduara y encontré empleo como diseñador. Siempre fue una forma de demostrar mi pasión por la creatividad a mis empleadores y clientes. Desde que me convertí en ilustrador de tiempo completo, he tenido la suerte de poder hacer la mayor parte de mi trabajo fuera de mi estilo con el trabajo real del cliente. Aquí está el poder del proyecto diario. No necesitas tener clientes reales ni trabajos reales para empezar a trabajar tu estilo y voz. Todo lo que necesitas es empezar a hacer un trabajo que te importa, trabajar hacia algo de una manera enfocada y consistente, y compartirlo. Una de las cosas más difíciles de hacer un proyecto diario, por supuesto, es saber qué hacer en primer lugar. Creo que esto podría ser lo que retiene a mucha gente de sólo saltar en él. En la sección de proyectos, te guiaré a través del proceso de configuración del proyecto, incluyendo elegir algo para trabajar y un tema en el que probarlo. En tanto, si quieres echar un vistazo a algunos proyectos diarios inspiradores del pasado y presente de algunos de mis ilustradores favoritos, asegúrate de encontrar algunos enlaces en la página de Proyectos y Recursos de la clase. 7. Los 2 tipos de ilustradores: Los ilustradores vienen en todas las formas y tamaños, pero hay dos tipos generales, cada uno apuntando más o menos a dos tipos de personalidad diferentes. Cuando entendemos qué tipo de ilustrador somos o parecemos ser más parecidos, nos ayuda a entendernos mejor, cómo trabajamos, qué nos impulsa, y sobre todo a informar cuán estrictos, flexibles somos con nuestro estilo o estilos. Es la diferencia entre extrovertidos e introvertidos. Aquellos de nosotros que preferimos pasar más tiempo solos, repente estamos validados al saber que hay un grupo normal de personas que llamamos introvertidos. Podemos darnos cuenta de que somos los normales y no esos extrovertidos locos. Pero en serio cuando nos damos cuenta de los dos ilustradores, podemos entender mejor por qué quizás nuestras tendencias de estilo parecen ir en cierta dirección. El primer tipo de ilustrador es ilustrador como artista. Otro nombre podría ser rockstar o el ilustrador de estilo forward. Si bien todos somos artistas, el tipo de artista está obsesionado con la autoidentidad en su obra. Al menos en su persona, son extrovertidos expresándose audazmente de una manera muy específica. Su estilo de ilustración puede parecer estar más basado en patrones y elementos repetitivos, muy estilizados, y solo siempre usando un conjunto específico de colores. Aplican su estilo a todos los problemas de ilustración de la misma manera una marca podría aplicar los mismos colores y estilos a sus productos en comunicaciones. Los ilustradores de tipo artista son conocidos por su voz fuerte y singular en todas las disciplinas. Su identidad es inconfundible, altamente constreñida, decisiva y limitada. Podemos silenciosamente menguarlos por ello, acusándolos de ser ponis unidimensionales, de un solo truco. Pero mira más de cerca, tienen un talento especial para liderar con una visión fuerte y son capaces de doblar todos los problemas que se abren paso a través de su propia visión única. Siempre he envidiado a ilustradores de tipo artista por la confianza y fuerza de identidad que exudan. Si sientes que tienes una fuerte personalidad y visión artística, con el tiempo puedes encontrarte inclinado más hacia el ilustrador tipo artista. Por otro lado, puede que sientas que tener tal identidad para el diseño significa que no eres capaz de usar todas tus capacidades artísticas en la medida que te dé satisfacción. Eso podría resultar sofocante. También puede ser simplemente más introvertido o un solucionador de problemas en su ética laboral. Entra al segundo tipo de ilustrador. El segundo ilustrador es el diseñador. Otro nombre podría ser el solucionador de problemas o el ilustrador de ideas hacia adelante. Tendemos a recordar los nombres y audaz lux de artista tipo de ilustradores, pero los ilustradores tipo diseñador están haciendo un trabajo igual de impresionante, a menudo asumiendo cada proyecto con una marca particular de astucia en lugar de elementos estilísticos particulares como colores y cosas así. Estos son más como introvertidos, permitiendo que el trabajo y las ideas pasen con más fuerza que cualquier expresión personal. Eso no quiere decir que su obra no sea identificable de vuelta a ellos como el artista, es simplemente más estratificada y facetada. Se meten las manos en más macetas. El ilustrador tipo solucionador de problemas disfruta del reto de resolver cada problema visual de una manera más única. Ellos también tienen un enfoque, un rango en el que son capaces de trabajar, pero simplemente es menos manifiesto y toma más formas. Los ilustradores de tipo artista podrían menguar a tipos de diseñadores acusándolos de ser camaleones, carentes de personalidad clara, de ser indecisos. Pero mira más de cerca, saben exactamente quiénes son y usan eso para llevar a algunos clientes bastante grandes a alguna obra de arte altamente creativa, sorprendentemente variada. Son cada pedacito tan decisivos como el tipo de artista, pero son capaces de adaptar sus habilidades de manera única a cada problema. Siempre he admirado a los ilustradores tipo diseñador por su destreza creativa e ingenio. Si sientes que cada problema visual te mueve de diferentes maneras, que es difícil simplemente golpear cada clavo con el mismo martillo estilo, eso podría significar que eres un ilustrador de tipo diseñador o solucionador de problemas. Como puedes ver en los ejemplos de las diapositivas, hay tanta personalidad y singularidad en cada ejemplo y no parecen tener ningún problema para atraer a grandes clientes y hacer un trabajo nuevo y único sin fin. Estos dos tipos son, por supuesto, extremos. Puede que te guste la mayoría de la gente, te encuentres en algún lugar entre estos, y te sientes más como uno que el otro en varias ocasiones. Quizás con el tiempo, sin embargo, notarás en tu propio trabajo una tendencia general hacia una sobre la otra. Si bien en algún momento nos encontraremos más como uno de estos tipos que el otro. Al principio, probablemente te pareces más al tipo de diseñador que al tipo de artista. Esto es simplemente porque aún no sabes lo suficiente de ti mismo para hacer esta llamada de una manera u otra. Esto es quizás un poco de precaución para las personas en los inicios de su carrera que se sienten más como el artista para no cerrarse demasiado pronto a la exploración estilística. Mantente abierto a tantas oportunidades como puedas en tus primeros días. Decir que sí, no sólo te da una valiosa experiencia y por supuesto un ingreso, sino que te permite probar tu fuerte visión a través de una amplia variedad de aplicaciones. Algo por lo que muchos de ambos tipos de ilustradores se vuelven respetados. 8. Resolución de problemas con estilo: donde tendremos la oportunidad de crear una serie de ilustraciones representacionales y conceptuales de un estilo consistente, pero de una manera más intensiva. El estilo es tanto de cómo resuelves los problemas como de cómo te expresas. Tendemos a pensar en el estilo como ser primordialmente un medio de autoexpresión para un artista y exaltaciones de identidad. Pero el estilo es una herramienta que podemos o bien adaptarnos a los problemas visuales que vienen en nuestro camino o una que podemos doblar estos problemas. Para mí, pensar en el estilo como una herramienta de resolución de problemas quita la presión de cualquiera de mis estilos o ilustraciones para expresar la totalidad de quien soy como artista o humano. No soy mi estilo. Mi estilo no necesita ser la expresión total de quien soy. Cuando se trata de trabajar para clientes, tu estilo de ilustración debe ser expresivo, pero no se trata de expresarte. Se trata del tú que quieren usar para expresarse. En este video, veremos cómo el estilo y la resolución de problemas se relacionan específicamente. He encontrado estas ideas tremendamente útiles para entender cómo trabajo y por qué mi estilo parece cambiar dependiendo del trabajo en el que estoy trabajando. He podido usar estas ideas para ser más intencional sobre mis decisiones estilísticas, y con el tiempo en encontrar una forma cada vez más unificada de trabajar entre clientes y tipos de proyectos. El poder del estilo de ilustración de uno es que parece mágico para todos los demás. Nos preguntamos cómo en la Tierra se le ocurrió a los artistas. Es una buena pregunta; ¿de dónde viene el estilo? ¿ Cómo se entrena un ilustrador? ¿ Cómo ilustrar algo sobre todo al principio cuando las opciones parecen infinitas? ¿ Cómo saben en qué estilo trabajar o en qué técnica o qué aplicación o qué dispositivo usar? Estas preguntas se vuelven más agudas cuando se enfrentan al infinito definitivo, la página en blanco. Tendemos a equiparar tener opciones ilimitadas con libertad creativa, pero las opciones son uno de los mayores enemigos de la creatividad. medida que trabajamos hacia un estilo que sea nuestro, algunas propiedades y restricciones decisivas, debemos podar opciones en lugar de buscar más de ellas. A la hora de trabajar para los clientes, uno de los primeros problemas que resolvemos es el del estilo, los diversos elementos visuales que se unen como idea en una imagen. Para artistas ilustradores tipo, este problema viene en su mayoría preolvida. Hay menos conversación sobre en qué estilo trabajar y más una de dónde se debe aplicar el estilo. Para los ilustradores de tipo diseñador, uno de los primeros trabajos es conseguir en la misma página que nuestro cliente estilísticamente. ¿ Qué técnicas se deben utilizar? ¿ Debe la ilustración ser literal y realista, o conceptual y estilizada? Tendemos a pensar en el estilo como proveniente totalmente de la imaginación, desde dentro del artista o por otro lado, podemos pensar en ello como totalmente basado en alguna técnica externa, como el grabado o el arte vectorial. Más bien un enfoque estilístico está determinado por tres factores generales, tanto internos como externos. Estos son los que yo llamo los tres factores del estilo. Uno, tu estilo de dibujo natural, dos, tu técnica elegida, y tres, el tema que estás destinado a representar en una imagen. Si bien el artista tipo Illustrator tendrá una visión estilística clara desde el principio, entonces los tipos de diseñadores, ambos deben tener un fuerte sentido de cómo funcionan juntos estos tres factores, cómo influyen entre sí, y lo que es importante que su límites son. El primer factor de estilo es tu estilo de dibujo natural. Esta es tu forma natural de dibujar sin ser demasiado consciente de tu estilo. Es posible que tengas una forma distinta de dibujar a partir de la observación o referencias, luego encontrar que tienes una forma diferente de dibujar a partir de la imaginación. Quizás uno sea más realista y naturalista y el otro más simbólico o quizás hasta caricatura. Verrugas y todo, así es como dibujas. Esto es, por supuesto, una habilidad aprendida en la que puedes mejorar, pero también hay una mano o firma única en tus dibujos, al igual que tu firma literal en escritura a mano, que es casi ineludible. Ojalá crezcas para apreciar tu calidad de dibujo única y puedas identificar su utilidad e incluso poder en la construcción de tu voz como ilustrador. El segundo factor de estilo es el sujeto. Por tema me refiero a las formas que se están representando en su ilustración. Significa también por supuesto el tema más abstracto, como los coches eléctricos o la salud mental, pero todos los conceptos en ideas abstractas vienen a ser representados en forma visual de un tipo u otro, y ese es el tema. Algunos temas son más fáciles de representar que otros y de igual manera, ciertas técnicas y estilos de dibujo son más adecuados para representar ciertos sujetos de ciertas maneras. Los ilustradores necesitan ser expertos en entender la naturaleza del tema y cómo pueden usar algo de su propio kit de herramientas estilísticas para transmitirlo. Te daré algunos ejemplos rápidos de esto en unos momentos. El tercer factor de estilo es la técnica elegida. Aquí se elige la palabra clave porque este es de alguna manera el factor más voluntario de los tres. Tu estilo de dibujo natural se puede mejorar, pero siempre desmiente tu mano. Si bien tú como creativo a menudo puedes elegir unas formas particulares que representas en tu trabajo, definitivamente hay límites impuestos por el sujeto que necesita ser representado. Pero la técnica es totalmente tu elección. Por supuesto, para el momento y el trabajo llega a ti, esa decisión puede que ya se haya tomado con base en el trabajo por el que te has dado a conocer, tu ir a medios como Procreate en el iPad o Watercolor on Arches papel por ejemplo. Por supuesto, elegir tu ir al conjunto de técnicas es una parte enorme de esta clase y una parte enorme de tu desarrollo temprano como ilustrador. Cuanto más conozcas tu camino alrededor de una técnica en particular, más podrás sumar en ella para resolver problemas visuales y más podrás saber qué tipo de problemas será mejor para resolver cada técnica. Estos son los factores separados y ya he empezado a insinuar cómo se influyen entre sí. Pero donde realmente se pone interesante es en cómo trabajan juntos y cómo puedes marcar cada uno hacia arriba y hacia abajo de una manera muy deliberada para lograr el resultado estilístico que buscas. En un diagrama de Venn de estos tres factores, tu estilo definitivo es donde todos se superponen en el medio. De inmediato puedes ver que tu estilo depende del tema tanto como cualquier otra cosa. Cómo ilustras un tema determinado será alguna combinación de cómo dibujas de forma natural y tu técnica de ilustración, o elegirás una forma particular de dibujar en una técnica en particular que mejor sientas maneja el tema. Uno de mis ejemplos favoritos es dibujar autos. Me resulta mucho más fácil dibujar ciertos modelos de autos, algo así como Saab de 1980 por ejemplo, los autos más nuevos, que parece carecer de una forma distintiva. Entonces me resulta más fácil dibujar autos desde un costado que desde una vista de tres cuartos. Si eres muy estricto con tu estilo, evitarás situaciones en las que el sujeto determine demasiado los otros factores de estilo. En mi propio trabajo de cliente, muchas veces tengo que ajustar o reinterpretar el breve o tema dado para que pueda entrar en él desde mi estilo y perspectiva únicos. Mi héroe Paul Rand expresó esta misma situación en su ensayo, El problema del diseñador, y cito: “Como el material amueblado, el diseñador suele ser inadecuado, vago, poco interesante, o de otra manera inadecuado para la interpretación visual, la tarea del diseñador es reafirmar el problema”. Aquí, Rand afirma mi propia creencia de que como ilustradores, no tenemos que ser víctimas de un llamado mal breve, o incluso víctimas de nuestras propias limitaciones como artistas. Simplemente necesitamos ser expertos en flexionar los problemas visuales en torno a nuestras capacidades tanto como sea posible. Ya sea que seamos artistas o ilustradores tipo diseñador, todos tenemos que resolver problemas visuales para comunicar ideas visualmente. Es sólo que los tipos de artistas más naturalmente han venido a resolver el tema preliminar del estilo. Ya está incorporado en su producto. Pero la resolución de problemas siempre es parte del trabajo sin importar el tipo de ilustrador que seas. Ya hemos visto cómo el estilo en sí puede ser una herramienta para resolver problemas, pero ¿qué tipo de problemas hay para que el estilo resuelva? Existen dos tipos generales de problemas, representacionales y conceptuales. Cuando una ilustración es representacional, representa objetos, personas, escenas y escenarios. Es directo, donde la idea de una manzana representa una manzana, y una multitud en un metro representa a una multitud en un metro. Cuando se le pide a un Illustrator que represente un objeto literal, gran parte del trabajo del Illustrator ya está hecho. Hay menos preocupación por qué representar. El problema entonces realmente se convierte en uno de estilización. Cómo representar el objeto, escena o el escenario en un estilo dado. Cuando una ilustración es conceptual, sin embargo, representa ideas, es más abstracta y figurativa. La idea viene primero, y se puede representar de diferentes maneras. El concepto de educación, por ejemplo, puede ser representado por una manzana, pero también una tapa de tablero de mortero o un lápiz. El Illustrator tiene más trabajo que hacer de frente porque no sólo se les llama representa algo en un estilo particular, también se espera que descifren la idea, qué objetos o símbolos representarán mejor la idea en cuestión. ¿ Por qué es útil tener esta distinción y cómo podemos como ilustradores y usarla para fortalecer nuestro propio sentido del estilo? Para mí, esta distinción me ayuda a darme cuenta por qué algunos problemas de ilustración son más difíciles para mí de agrietarse que otros, por qué ciertos objetos e ideas son más difíciles para mí de representar que otros. Lo más significativo, me ayuda a entender por qué he tenido que utilizar diferentes estilos o enfoques en diferentes momentos a lo largo de mi carrera. En mis primeros días como ilustrador, mi estilo solía ser mucho collage digital, formas cortadas crudas, líneas entintadas expresivas, texturas muestreadas. Fue algo abstracto. Esto aunque fue genial para ilustraciones conceptuales o para representar objetos de una manera muy sencilla y estilizada. Siempre fue bueno en sugerir la idea de algo más que los detalles o la realidad de la cosa. Tan pronto como necesitaba representar una escena o un escenario donde los detalles específicos eran importantes, como los rostros de las personas o quizás algún aspecto de la iluminación, el estilo se desmoronó. Recuerdo cuando empecé a conseguir más asignaciones editoriales, cada vez más me pidieron que representara escenas y escenarios. Por estos, quiero decir, hay un escenario como una habitación, como un interior o un paisaje al aire libre, y muchas veces personajes haciendo algo en ella. Mi estilo abstracto no manejaba muy bien estos. Encontré mi estilo aplicado a estos problemas representacionales parecía ingenuo de manera involuntaria. A pesar de que logré forzar algunas ilustraciones representacionales utilizando mi estilo conceptual y técnicas de collage digital. Nunca me quedé satisfecho, y creo que eso se debe a que mi visión para mi enfoque artístico siempre había sido conceptual. Nunca quise ser ilustrador de escenas, y si soy honesto, probablemente fue porque no creí que pudiera serlo. Simplemente era más fácil para mí trabajar de manera abstracta en lugar de desarrollar las habilidades requeridas para trabajar de manera más representativa. Hoy, puedo mirar hacia atrás y ver que simplemente no entendía la diferencia entre la ilustración representacional y conceptual y aún no había desarrollado un estilo para los problemas de tipo representacional. lo largo de los años, observo en mi propio estilo una deriva hacia las técnicas que son capaces de manejar la representación fueron consistentemente y más robustamente, y hay pistas de mi estilo más antiguo, más abstracto, pistas de mis raíces y mis gustos en el diseño, pero de alguna manera he descubierto un conjunto de elementos estilísticos y manierismos que pueden manejar problemas tanto conceptuales como representacionales de una manera más consistente. Aquí hay un sacrificio sin embargo, he comprometido algunos de los diseños más pares o el enfoque conceptual con el que empecé a ilustrar, y que aún me encanta. Si soy honesto, nostálgico por cuando la ilustración para mí fue más sobre problemas conceptuales, enfoque artístico más vago y abstracto que me recordó la obra que me inspiró, como la de Paul Rand y Saul Bass. Pero seguí encontrando que el mercado estaba pidiendo algo diferente a mí, y pude responder a esta demanda a mi manera. El estilo resultante se siente de alguna manera menos serio y menos sofisticado o artsy. Es más tonto e ingenuo, así que he permitido que el mercado influya en mi estilo hasta cierto punto. Cuando miraba en el espejo del mercado, me reflejaba de nuevo una imagen diferente de mí misma de la que esperaba ver. Pero dentro de esto, he encontrado una expresión que es única mía. He aprendido a abrazar la retroalimentación que otros me han dado sobre mi trabajo, que siempre termina siendo algo sobre cómo mi trabajo los hace sonreír o sentirse bien. Siempre pensé que mi trabajo iba a hacer que la gente piense o se encontrara como inteligente. He aprendido en cambio a inclinarme en lo que me trae alegría mientras estoy haciendo mi trabajo, un sentimiento de libertad y a tomarme menos en serio, lo que resulta que otras personas amaban y querían que se les recordara en mi trabajo. Por ejemplo, nunca pensé que alguna vez estaría ilustrando personajes tanto como lo hago ahora, pero son casi todo lo que hago. Solía representar personajes figurativamente, abstractamente porque siempre están al servicio de mis conceptos. Nunca pretendí darles rostros y personalidades individuales. Pensé que eso era tonto, pero con el tiempo me doy cuenta de que una de mis conjeturas era solo darle caras divertidas a la gente y ser tonta. Mucha de mi ilustración de los últimos cinco años es totalmente tonta. En lugar de evitarlo, puedo involucrarme justo en ello, y ahora es una de mis ilustraciones favoritas y sospecho algo que disfruta mi público. ¿ Qué consejos prácticos puedo darte sobre los dos problemas de ilustración? En realidad, lo más práctico que puedes hacer es practicar trabajar en ambos problemas de ilustración. En primer lugar, observa cómo manejas los problemas de representación directa. ¿ Qué aspecto tiene representar objetos de diversos grados de complejidad? ¿ Cómo ilustra una lata de cerveza, un oso, o una persona? A continuación, observa cómo manejas más problemas conceptuales. ¿ Cómo se ve representar conceptos abstractos como perdidos en el bosque o un sorprendente número de YouTubers están saliendo California o la carrera por nuestra vacuna COVID-19? Por último, observar las diferencias y similitudes entre estos problemas de ilustración. ¿ Te parece que tenías que cambiar algo tu técnica o estilo para cualquiera de los dos? Entonces pregunta, si es diferente, ¿qué enfoque te gusta más? Ver cómo resuelves ambos problemas te da oportunidad de entender tus fortalezas y debilidades como artista, pero también las fortalezas y debilidades de tu técnica. Tocamos esto en los tres factores del estilo, que ahora puedes adaptar tu tema para trabajar más con tu técnica y estilo de dibujo, o para ser más selectivo en el tipo de materias y trabajos que asumes en primer lugar. Hago esto todo el tiempo. Cuando llegan a mí proyectos que se sienten fuera de cómo manejo problemas de representación y conceptualización, trato de ver si hay una manera en que pueda reafirmar lo breve de una manera que funcione más por cómo trabajo. Si no parece posible, si parece un ajuste de fuerza o no un ajuste todo, lo dejo arriba. En mi clase de punto dulce, creé un proyecto que daba a los alumnos la oportunidad de practicar ambos tipos de problemas, cuatro spots de ilustraciones de objetos simples, y luego cuatro más de ideas o experiencias más abstractas, y casi cada instancia, los estudiantes encontraron fácil ilustrar el primer set, pero mucho más difícil hacer el segundo. En la mayoría de los segundos sets, los estudiantes recurrieron a usar personajes, figuras, o manos para actuar o mentar las ideas. Es lo contrario al problema que tuve desde el principio. tanto que pude representar ideas conceptualmente, me costó mucho representar personajes y escenas. El proyecto para esta clase es similar, 9. Sigue tu inspiración: Todos iniciamos nuestros viajes de ilustración al inspirarnos en el trabajo de otra persona. La pregunta es, ¿qué hacemos con esta inspiración? ¿ Cómo podemos canalizarlo en nuestra propia creatividad? No creo que muchos de nosotros necesitemos una lección de cómo ser inspirados. Hay tanta creatividad por ahí, ya sea en Instagram, Dribbble, Behance, o incluso en los estantes de tu biblioteca local o librería. Pero, ¿qué sigue? ¿Cómo se hace algo sin simplemente copiar lo que amas? ¿ Imitas el estilo? A lo mejor, nunca duele imitar aquello que te inspira, es como aprendemos y es inevitable. Entonces sí, averigua quién hace el trabajo que amas, aprende sobre sus técnicas, y aprende sobre los artistas. Encontrarás al menos uno o dos que tengan más influencia en ti, cuyo trabajo más te habla. Estos se convertirán en tus héroes, los estudiarán, imitarán sus técnicas y aprenderán sobre sus hábitos. Pero prácticamente hablando, ¿cómo puedes convertir tu inspiración en tu propio estilo, algo que no es totalmente imitativo? Si bien no es exactamente sencillo ni rápido elaborar los puntos de partida, los pasos iniciales para que te pongas en marcha son muy sencillos. Ya conoces bien este paso. Identifica las ilustraciones que más te inspiran, simplemente recógelo, ve qué hace cantar tu corazón. En un momento determinado, empieza a hacer preguntas al respecto, quizás categorizando y clasificando las cualidades comunes que observas. ¿ Qué aspecto tienen? ¿ Qué tienen en común? ¿ Todas tus fuentes de inspiración son de cierta época o están influenciadas por la misma disciplina o movimiento artístico? ¿ Existe una forma similar de usar color o textura? A continuación, encuentra a tus héroes. ¿ Quiénes son los artistas detrás de las ilustraciones que más amas? Sin duda tendrás un tirón muy fuerte hacia una ilustración y quizás un artista en particular. Descubre quiénes son y búscalos. Encuentra más de su trabajo. Vea cuál es el hilo común. ¿ Cuál es el elemento estilístico o personal que aparece a lo largo de su trabajo? ¿ En qué clientes o proyectos parecen trabajar más? ¿ Están estrictamente en publicar, hacer libros ilustrados o parecen especializarse en murales por ejemplo? ¿ Te gustaría ver tus ilustraciones en contextos similares? A continuación, determinar el contexto. El contexto lo es todo. La ilustración nunca se hace en un vacío, siempre se hace por alguna razón, para alguna aplicación dentro de un nicho y mercado específicos. contexto de una ilustración es básicamente donde existe en la naturaleza. ¿ Cuál es su forma final? ¿ Está en un anuncio o en un cartel en una terminal de metro? ¿ Es una página completa difundida en una revista de salud? ¿ Es una impresión de arte que se vende en una boutique de decoración para el hogar? Entender el contexto nos ayuda a entender algunas cosas. En primer lugar, nos ayuda a relacionar ciertos estilos de ilustración con ciertos mercados. Por ejemplo, el embalaje en la ilustración publicitaria tenderá a favorecer la ilustración plana, con mucho estilo y, a menudo, abstracta. Ciertas revistas, por otro lado, tenderán a favorecer la ilustración altamente representacional y realista sobre conceptual y abstracta. ¿ El trabajo que te gusta es más representacional o más conceptual? ¿ Es más realista o más estilizado? ¿ En qué mercados y contextos es más probable que encuentres el trabajo que te gusta? Por último, descubre las técnicas. El trabajo que te gusta probablemente estará dentro de un estilo similar. Un enorme conductor de estilo son las herramientas y técnicas utilizadas para hacerlo, ¿es la obra más pictórica y naturalista o más plana y estilizada? ¿ Qué herramientas podrían haberse utilizado para hacer cada pieza? Es parte del viaje de cada ilustrador para descubrir qué herramientas y técnicas existen y qué estilos son posibles al usarlas. Por supuesto, esto puede no siempre ser fácil de responder, pero sólo hacer la pregunta, ¿cómo se hizo eso? Es importante y te puede mandar por un camino de descubrimiento. Si bien la técnica no siempre es el principal conductor del estilo de un artista, siempre es una influencia en la forma en que se ve una ilustración. Al clasificar la ilustración por estilo, suele ser categorizada por la técnica utilizada. Como se puede ver en esta tabla, existen dos categorías generales de medios, tradicionales o analógicos, y digitales. Entonces bajo los medios tradicionales, están todos los sospechosos habituales, dibujo, pintura, medios mixtos, y grabado. Ya sea que estés dibujando con lápiz, pintando con acuarelas, o uniendo collages, al usar medios tradicionales, las técnicas casi siempre son evidentes por sí mismas. Las cosas se vuelven más difíciles con los medios digitales ya que lo digital es mucho estilo y técnica agnóstico. En otras palabras, los medios digitales están diseñados para emular los medios tradicionales y solo hay que averiguar qué aplicación hace el mejor trabajo de emular qué técnica tradicional. La única excepción realmente es la ilustración vectorial, que es nativa digitalmente y por lo tanto, se parece a lo que es; ilustración digital. Las cosas se vuelven borrosas cuando comienzas a mezclar técnicas tradicionales y digitales en una misma página. Esto podría hacer mucho de la ilustración hoy más difícil averiguar cómo se hizo, ya que hoy en día, mayoría de los estilos comerciales se hacen digitalmente y sus técnicas pueden ser mucho más difíciles de rastrear. En el 99 por ciento de los casos, sin embargo, puedes estar seguro de que se hicieron usando uno de los tres grandes programas, Photoshop, Illustrator, o Procreate. Debido a la asequibilidad y facilidad de uso de Procreate, se está convirtiendo rápidamente en la herramienta más popular para los ilustradores iniciales. La pregunta entonces es realmente cuál de estas herramientas se utilizó específicamente para el arte que amas y de qué manera? Si te gusta la ilustración gráfica plana sin textura, más probable es que se haya hecho en Illustrator. Si las formas y las líneas son perfectamente crujientes, puedes estar casi seguro de que es Vector. Si te gustan las imágenes con mucha profundidad y textura y detalles variables, es más probable que se haga en Photoshop o Procreate, pero algunos artistas pueden conseguir una sorprendente cantidad de detalle y textura en Adobe Illustrator. Cómo cada artista logra el estilo artístico en el lado técnico es, por supuesto, parte de su fuente secreta y cada ilustrador tiene que pasar por un viaje de familiarizarse con las diferentes aplicaciones y medios digitales y averiguar cuál de los estos en los que se sienten más cómodos mientras logran los efectos visuales que desean. Cómo superar ciertos retos técnicos utilizando la tecnología disponible para ti es una de las formas tu creatividad brilla y se convierte en parte de tu estilo. Veamos algunos ejemplos de ilustraciones y las técnicas que probablemente se usaron para hacerlas. Esta primera imagen es de la ilustradora con sede en Osaka Rebecca Green. Rebecca utiliza una variedad de herramientas en su mayoría analógicas, incluyendo varias pinturas y lápices a base de agua. Esta hermosa pieza fue hecha usando lápiz de colores sobre papel. Se pueden ver los trazos individuales de lápiz y la textura del lápiz frotando sobre el grano del papel. A pesar de que es probable que la imagen se limpiara un poco cuando se digitalizó, la integridad del medio original está intacta. Aquí tienes una pieza de uno de mis ilustradores favoritos de todos los tiempos, Miroslav Sasek, nacido en checo, quien es más conocido por sus libros infantiles temáticos de viajes de los años 50 y 60. Sasek trabajó principalmente en medios a base de agua como acuarela, lavado de tinta. Si bien su trabajo es altamente gráfico y claramente hecho con los medios de impresión en mente, signos reveladores de sus medios de comunicación pictórica muestran a través de manera clara. Me encanta cómo corta abruptamente el blanco de la página en las texturas lavadas, creando efectos interesantes con espacio negativo. De no haber trabajado en la era predigital, habría pensado que montaba digitalmente recortes de papel prepintado para lograr este efecto. ilustrador sacramento Christian Robinson crea ilustraciones gráficamente llamativas y sorprendentemente dulces utilizando una mezcla de pintura y collage. Agrupa juguetamente sus imágenes, dejando evidentes pistas a su técnica subyacente, logrando un efecto casi tridimensional y táctil. ricas texturas y los colores atrevidos de Robinson son contrarrestados por la simplicidad restringida en sus formas y detalles, un minimalismo confiado y jovial. Ilustrador francés, Blexbolex es conocido por su estilo lúdico y abstracto en técnicas de grabado. Las técnicas de Blexbolex están arraigadas en el grabado, principalmente serigrafía, aunque muchas de sus composiciones son digitales. Al incluir la textura de papel muestreada y permitir sobreimpresiones o se superponen dos colores sólidos para crear un tono más oscuro, se logra una sensación de técnicas analógicas. Con sede en el Reino Unido, Louise Lockhart o The Printed Peanut, crea magníficas ilustraciones influenciadas a mediados de siglo para todos los servicios incluyendo impresión y textiles con colores sólidos brillantes salpicados con texturas granuladas, su trabajo está claramente arraigado en un grabado estética. Ya sea que trabaje digitalmente o en medios físicos, el resultado final sigue siendo como los otros ejemplos de artistas aquí discutidos, muy táctiles. Como su nombre indica, el estilo The Prined Peanut está hecho para ser impreso. Quería cambiar de marchas aquí y mostrar una pieza que podría ser más difícil de entender en términos de técnica. Este es el trabajo de Mathias Ball cuyo trabajo incluye trazos a mano alzada y texturas de impresión, pero también formas brillantes y planas que podríamos asociar más con los medios digitales. Aquí tienes un ejemplo de lo que yo llamaría predominantemente pintura digital. Cuando un artista descubre una técnica como pintor digital y la domina, su obra trasciende a los medios no sentirse obviamente digital o analógica, todo mientras lucen completamente contemporánea. En mi propio estilo, siempre me ha atraído la estética del grabado de la ilustración de mediados de siglo con colores planos limitados, texturas impresas, y el trabajo de línea negra contrastante. También me han influenciado las composiciones ligeras de collage de ilustradores como Paul Rand y Saul Bass e incluso Miroslav Sasek quien aunque trabajó en una técnica de gouache y acuarela, siempre trajo el collage y grabado técnica en sus ilustraciones, lo que sumó a su atractivo gráfico estilizado. Para resumir, podemos aprender tanto sobre diferentes técnicas de ilustración en nuestros estilos siguiendo nuestra inspiración. Podemos mirar ese arte que nos hace decir, “yo quiero hacer eso”, y luego ir en un viaje para descubrir cómo se hizo. También podemos aprender mucho aprendiendo más sobre el artista detrás de la obra y los mercados en los que trabajan. Una de las grandes preguntas que tenemos empezando es sobre qué herramientas usar y seguir nuestra inspiración nos da algunos de los mejores puntos de partida. 10. Lettering: El elemento secreto: Ya que esta clase se trata de encontrar tu estilo de ilustración, puede que te sorprenda o tal vez incluso decepcione al descubrir que no he cubierto nada sobre los elementos de estilo reales como línea, forma, color, textura, etc. Si bien sería mi sueño tener una clase que realmente te diera una especie de kit de elementos estilísticos e instrucciones sobre cómo ponerlos juntos, última instancia, esto derrotaría el propósito de que encontraras tu estilo. Creo que por eso muchos profesores no tocarán este tema. En la lección anterior sobre seguir tu inspiración, eso es lo más cercano a apuntar a las técnicas para empezar con las que puedo conseguir. Realmente es un microcosmos de mi propio viaje de descubrimiento. Empecé con mi inspiración y trabajé para averiguar cómo aprender de ella, pero traerle algo personal y nuevo también. Esto es lo que todos tenemos que hacer para aprender nuestro oficio y encontrar nuestra voz. Dicho esto, en realidad cubro estos bloques constructivos en mis otras clases y te invito a sumergirte más en esas cuando tengas oportunidad. En Sweet Spots, esbozo los cinco elementos del estilo, los seis principios del diseño, y los cinco principios de estilización. También toqué la estilización en ODD CUERPES y el dibujo hacia la ilustración. Por último, si bien ciertamente planeo enseñar más sobre composición en futuras clases, he dado la mayor parte de lo que sé al respecto en Dibujo hacia la ilustración, especialmente en la lección llamada las Tres Cs de bocetos. En todas mis clases hasta ahora, parece que he dejado fuera una gran herramienta estilística que creo que todo ilustrador debería tener en su caja de herramientas, letras. Si bien las letras son toda una disciplina en sí misma, muy a menudo factores en la ilustración. Cuando se hace bien, añade una tonelada de carácter a la ilustración y se convierte en un sello distintivo del estilo del artista. La buena noticia es que no necesitas una tonelada de estilos de letras diferentes en tu repertorio. Honestamente, una forma consistente de letras es todo lo que necesitas. Mira cómo Andy J. Pizza utiliza las letras consistentemente en su trabajo. No es copiar una fuente, se basa en su propia letra, y se puede ver cómo siempre ha sido parte de su trabajo desde los primeros días. Mira el trabajo de Kate Bingaman-Burt. Ella tiene un estilo principal de letras, un peculiar estilo de mano de todas las gorras. Ella lo mezcla ocasionalmente para agregar un poco de variedad. Su forma de letras siempre está hecha por la misma herramienta, lo que ya sea que esté usando un guión o letras cuadradas en bloque, siempre se sienten cohesionadas. Por último, echa un vistazo a la obra de Louise Lockhart. Su letra suele ser decididamente simple e ingenua, pero se adapta perfectamente a su trabajo. Tu estilo de letras no necesita ser increíble, solo necesita ser consistente y reflexivo. Para mí, una de las cosas más decepcionantes es cuando un ilustrador usa una fuente en su trabajo en lugar de usar su propio estilo de letras a mano. Sé que a veces, no depende de ellos o a veces, una fuente en realidad es justo lo que ordenó el médico. En mi trabajo anterior, realidad tenía dos fuentes que utilizo específicamente como fuentes de mi casa. Utilicé Futura y Monotipo Moderno. Esto realmente fue una imitación de lo que me inspiró en la obra de Paul Rand. Funcionó la mayor parte del tiempo porque el estilo de estas fuentes coincide con la era de inspiración desde la que estaba trabajando. Pero con el tiempo, me volví más cómodo usando mis propios estilos de letras como Scripts, Serifs, y Serif dibujado a mano, y Sans Serif tipo de letras influenciadas por fuentes. hoy empleo una sensibilidad y técnica muy específicas en la letra de la mano, y aprovecho cada oportunidad para incluir letras en mi trabajo. Creo que esto se debe a que tengo una formación tipográfica como diseñadora y siempre he sido un nerd apretado. Pero si miras de cerca, mayoría de los ilustradores necesitarán usar letras en algún momento, y cada uno tiene sus propias tendencias en cómo lo hacen. Realmente no necesitas tener mucho para tener un estilo indecente de letras go-to mano para tus ilustraciones. Como punto de partida, te recomiendo que apuntes a tener solo un estilo de letras a mano simple pero consistente que puedas hacer con una de tus herramientas o pinceles de referencia. ¿ Es todo de un ancho o varía? ¿ Tu letras es alto o escuadrón? ¿ Es todo gorras, todo minúscula, o una mezcla de ambos? ¿ Sigues una línea ascendente y una línea de base consistente, o tus líneas de palabras son más sueltas y incómodas? Practica tu estilo básico de letras tanto como puedas, aprovecha todas las oportunidades para usarlo, tanto en tu arte como en tu vida real. Escribe notas a tus compañeros de piso en ella, toma notas de clase en ella. Si hace revista, escriba sus entradas con él. Tomará mucho más tiempo, pero te volverás rápido en ello, y tus entradas de diario se verán increíbles. Si quieres ir más allá de un estilo básico de letras a mano, recomiendo encarecidamente echar un vistazo a algunos de los grandes artistas de letras aquí en Skillshare, entre ellos Mary Kate McDevitt, Martina Flor, y Jon Contino. También dejaré algunos recursos de letras en los proyectos de clase y recursos para darte una ventaja. Ya sea que quieras ser más elaborado con letras o realmente simplemente mantenerlo sencillo y enfocado en el lado ilustrativo de las cosas, tener un estilo distinto de letras al que puedes recurrir en todo tu trabajo fortalecerá tu estilo e identidad como artista y ser una variable menos de la que preocuparse, una decisión menos que tienes que tomar al entrar en nuevos proyectos. 11. Fijar objetivos y perseguir la alegría: No hay respuestas fáciles a la pregunta de encontrar tu estilo único, pero definitivamente hay hábitos que puedes adoptar y actitudes que puedes abrazar que harán que el viaje sea más agradable. Una de las cosas más difíciles de encontrar un estilo del que te sientas seguro es que no hay mapa. Lo más cercano a una herramienta de búsqueda de manera son las metas que te fijas para ti mismo. Establezca metas hacia las que al menos pueda comenzar a avanzar con sentido de propósito. Al establecer metas, anotarlas, declararlas en el universo, de repente tenemos un medio para medir nuestro progreso. Este sentimiento de progreso es vital para mantenerse positivo y motivado. ¿ Cómo se establecen metas? Cuando pensamos en establecer metas, puede que ni siquiera sepamos por dónde empezar. ¿ Cuáles deberían ser nuestras metas? A lo mejor pensamos que nuestras metas tienen que parecerse a las metas de los demás. Los goles sólo pueden ayudar si son nuestros propios. Sólo pueden ser contraproducentes si no están alineados de manera realista con quiénes somos o dónde estamos en este momento. Las metas son sobre darte una dirección hacia la que dirigirte, para enfocarte en que no seas platillo sin rumbo. Sólo se puede tener un puntería si hay un gol. No tengas miedo de hacer goles o de que puedas tener que cambiar de opinión más adelante. metas cambian todo el tiempo pero necesitamos algo ante nosotros para trabajar mientras tanto. Hay dos tipos de goles. Hay metas a corto plazo y metas a largo plazo. Los objetivos a corto plazo son más procesables y orientados a tareas. Los objetivos a largo plazo son más inspiradores o aspiracionales. Estos son nuestros sueños. Las metas a largo plazo pueden ser más vagas y las metas a corto plazo más específicas. Por ejemplo, tal vez nuestro objetivo a largo plazo es simplemente ser un ilustrador para ganarse la vida. Si estás al principio, eso podría ser todo lo que sabes y eso es lo suficientemente bueno. Te da una sensación de cuáles deberían ser tus metas a corto plazo. Tomar clase de ilustración, mejorar en el dibujo, aprender teoría del color. Establezca metas a corto plazo que sepa que puede lograr si lo intentó, que están a su alcance. No pongas metas que sean demasiado duras o fuera de tu capacidad actual de control. A mí me gusta usar correr como ejemplo. Si estás fuera de forma y nunca has corrido antes, entonces no hagas tu objetivo entrenar para y correr un maratón en un mes. En cambio, haz que sea tu objetivo correr cinco kilómetros en tres meses. Encuentra un plan de entrenamiento que desglose los entrenamientos que vas a hacer cada semana y simplemente síguelo. Estas son metas alcanzables. Sólo tú traes la motivación y el esfuerzo. Dicho eso, puede soñar con poder un día correr un maratón, ese es un objetivo a largo plazo. A lo mejor es obtenible, pero a lo mejor no lo es. Nunca se sabe hasta empezar a entrenar para el 5K. Lo más probable es que ni siquiera sepas cómo se ve realmente un maratón. Sé que no tenía idea de cómo era correr por 26.2 millas. A medida que empecé a correr distancias más cortas, esas distancias crecieron cada vez más y más hasta que pude correr medio maratón. Entonces, estaba segura de que podía correr un maratón aunque no había corrido más de media maratón y luego un año después corrí un maratón. Es así como los objetivos a largo plazo comienzan como ideas vagas, pero se convierten en metas alcanzables a más corto plazo. Nunca las hemos hecho, pero tenemos una fuerte sospecha que podemos alcanzarlas si seguimos poniendo en el mismo nivel de esfuerzo que usamos para llegar a donde estamos ahora. Un buen objetivo es lo suficientemente desafiante como para hacernos crecer más fuertes, pero lo suficiente obtenible para no ser debilitantes o hacernos totalmente desalentados. Tus metas se verán diferentes a las de cualquier otra persona. Eso incluye tus metas para el tipo de trabajo que quieres estar haciendo, y también tus metas estilísticas, cómo quieres dar forma a la forma en que trabajas. Una gran manera de establecer metas es simplemente escribirlas en una hoja de papel. No te limites a cuántos goles puedes tener. Simplemente escribe lo que quieras. Entonces mira cuáles podrían ser objetivos aspiracionales o a más largo plazo y cuáles son más a corto plazo, pero podrías hacer trabajo en este momento. También ayuda a arrojar unos cuantos goles de ensueño. Ilustra la portada de The New Yorker, puede ser un tiro largo, pero si realmente lo quieres, necesitas ponerle nombre. No lo pongas ahí porque crees que deberías o otros pensarían que sería genial. Ponlo ahí porque este sería tu sueño hecho realidad. Papel en unos cuantos objetivos aún soñadores pero tal vez más realistas también. Ilustrar más portadas de revistas en general. Trabaja en un tiro animado. Trabaja con marcas más grandes. Construye tu negocio de ilustración de retratos. Nombrar las cosas, escribirlas en la página suele ser el primer paso para verlos suceder en la realidad. Pon este trozo de papel en tu pared y míralo a veces. Deja que te persiga o olvídate de todo juntos. Entonces a principios del año nuevo, revísalo, pase algún tiempo revisando cómo fueron las cosas. Intento escribir una reflexión anual sobre el año pasado cada enero. Reflexiono sobre qué metas logré y no logré, para luego establecer nuevas metas o volver a comprometerme con mis anteriores. Escribo esto en una hoja de papel y reemplazo al viejo de mi pared. Si bien la mayoría de mis metas no son específicas del estilo, sí escribo metas de estilo también. Los objetivos de estilo también pueden ser específicos o vagos. He tenido metas como, hacer que mi trabajo parezca que me estoy divirtiendo y abrazar la espontaneidad y la libertad. Esto no es algo que pueda hacer simplemente cambiando qué pincel de photoshop uso, pero puedo poner más movimiento y sentimiento en mi trabajo o permitirme ser más espontáneo y hacer menos sobrepensar, confiar más en mí mismo. Por supuesto, aunque no tan tangibles como el color o una textura, estos son igualmente parte de mi estilo. Yo solo quiero decir una cosa más y luego empezaremos la parte divertida, los ejercicios y el proyecto. Como creativos en la era de las redes sociales y la alta ansiedad, es fácil perderse y sentirse dudosos sobre nuestro trabajo, sobre nosotros mismos como creativos, y me temo decir sobre nuestro valor como humanos. Ponemos tanta de nuestra identidad en el trabajo que realizamos. Nos olvidamos de simplemente disfrutar haciendo y tal vez si disfrutábamos haciendo más, nos divertiríamos más también. Te puedo decir que he tenido mi justa parte de dudas y sentimientos negativos en mi trabajo a lo largo de los años. Seré honesto que en realidad me cuesta mirar la mayor parte de mi trabajo pasado sin tormentos de arrepentimiento y remordimiento. Es una maravilla en realidad he durado tanto o así puede parecer. El que me mantiene en marcha es volver a lo que me encanta hacer trabajo y para mí eso es dar alegría a los demás. Ya sea en ayudar a resolver un problema para mis clientes o hacer reír a mi público con una pequeña ilustración tonta. Mi talento, resulta, no está en hacer arte serio, sino en no tomarme demasiado en serio, y al hacerlo, se les recuerda a otros que pueden hacer lo mismo. También recuerdo que simplemente me encantan los colores, las formas, las líneas, las letras, y todo el resto de ella. Me encanta. Aunque fuera un horrible ilustrador, todavía me encantaría y aún así crearía con él. Simplemente tengo suerte de que algo que amo tanto se superponga con algo que otros me pagarán por hacer. Mientras esto siga sucediendo, estoy haciendo mi trabajo y no importa lo increíble que mi propio trabajo o lo apretado y singular que sea mi estilo. lo dije antes y lo volveré a decir, a nadie le importa tanto mi estilo como yo. A nadie le importa tanto tu estilo como tú. Todos los demás piensan que eres bastante creativo y eso es lo que les gusta de tu trabajo. Si tu trabajo es consistente de alguna manera u otra, si estás dibujando de tu auténtico yo, apoyándote en las cosas en las que eres bueno, trabajando creativamente alrededor de tus limitaciones, entonces tu trabajo es lo más bueno que puede ser. De eso, tu voz, tu estilo saldrá. Cuando vas a compartir tu trabajo, como lo hacemos nosotros los creativos, comparte porque estás contento con él, porque quieres compartirlo con los demás, quieres hacer felices a los demás. Porque tienes algo importante que decir. Porque se quiere asegurar a los demás que no están solos. Comparte porque crees que la obra tiene valor. No compartas porque quieres validación. No publiques tu trabajo y luego determina su valor a partir de likes y comentarios. Sé que lo harás, pero hay que tratar de no hacerlo. Publicar trabajo no para conseguir likes sino porque te gusta. Cada vez que alguien golpea como es un bono, un alto cinco que no podrías haber recibido si nunca hubieras compartido. Sé que esto está centrado en Instagram, pero se aplica a todo. Nuestro trabajo debe ser un desbordamiento de nuestra alegría de la creatividad. En cuanto nuestro trabajo deja de traernos alegría, cuanto nos hace sentir negativos y ansiosos, necesitamos volver a ese lugar de alegría. Esa primera inspiración que hizo que nuestro corazón saltara. Dicho esto, yo quiero hacer eso. 12. Ejercicio 01: Caso de estudio inspiración: Ahora que terminamos con la imprimación, es hora de meternos en los ejercicios. Los sencillos ejercicios son una mezcla de un poco de caza de inspiración y un poco de escritura. Son importantes porque nos van a dar algunos puntos de partida para el proyecto, particularmente en qué técnicas queremos explorar. El primer ejercicio es lo que yo llamo un caso de estudio de inspiración. Es realmente divertido y sencillo. En este ejercicio, nos sumergimos en algunos de los trabajos que más nos ha inspirado para después hacer algunas observaciones. En primer lugar, voy a compartir con ustedes mis propios estudios de casos inspiradores como ejemplos, y luego les daré instrucciones específicas sobre cómo hacer los tuyos. Este es mi primer caso de estudio de inspiración. Está basado en mi objeto ilustrado en libro favorito de todos los tiempos, Seasons by Blexbolex. Encontré este libro en una pequeña librería de Vancouver, y desde entonces ha sido una gran inspiración para mí. El libro en sí representa para mí lo que sería un proyecto de ensueño, y creo que es porque realmente me relaciono con todo tipo de cosas que están pasando aquí como su uso de texturas de impresión, su emparejamiento de palabra e imagen es muy inteligente y simple, y sólo en usar formas simples y unos colores simples, es capaz de expresar tanto. Siento que siempre he querido hacer un proyecto como este en mi propio trabajo y siempre me ha impulsado en segundo plano ya que estoy trabajando. Si miras mi caso práctico, solo tengo algunas imágenes de temporadas, unas páginas que han tomado solo de Pinterest o lo que sea. A la derecha, claro, acabo de enumerar cosas que me encantan y ya las he tocado. Me encantan las sencillas paletas de colores, me encantan los colores sólidos que se superponen con sobreimpresiones. sobreimpresiones son literalmente una impresión de tinta sobre la otra para hacer un tercer color. Incluso las ingeniosas composiciones abstractas que hace, como si solo miras el ejemplo de la piscina, puedes decir que es una piscina pero no está en los sabe, hay algo al respecto que es muy misterioso. Se fue por ello de una manera sorprendente. Eso también realmente me inspira. Por último, me encanta su uso de texturas inesperadas que utiliza de formas ingeniosas y geniales. Por supuesto, tengo que señalar que su uso de letras, la forma en que empareja palabra e imagen, es solo parte de su estilo y eso también ha sido algo en lo que me he inspirado. A la izquierda, claro, he enumerado el nombre Blexbolex, y luego para técnica, enumeré serigrafía. Ahora sé que Blexbolex es un artista serigrafista y gran parte de su obra, aunque sea digital, está influenciada por la impresión. Al estar haciendo esto, fue bastante fácil sólo enumerar eso. Conozco a muchos de ustedes si apenas están empezando, no van a conocer su camino alrededor de todos los diferentes tipos de técnicas de ilustración o las técnicas de arte que influyeron en esas. Tomará un poco más de excavar de tu parte para hacer eso, pero eso es realmente solo parte de ser más deliberado sobre tu ilustración. Necesitas ir a averiguarlo. Entérate en la página de biografía del artista o Illustrator en el que te inspiras, mira si puedes encontrar algunas pistas sobre sus técnicas. Entonces, finalmente, contexto. Esto es sólo ese pedazo de información que me ayuda a entender ¿qué tipo de ilustración quiero hacer? ¿ En qué tipo de mercados encuentro eso? Sólo sabiendo de dónde encontré las ilustraciones en las que me inspiran, ¿de dónde vienen? ¿ Dónde terminan viviendo en la naturaleza? Eso es lo que es el contexto. Por supuesto, este es un contexto muy fácil de descifrar. Es un libro, es publicación. Si estás encontrando una imagen suelta al azar en Pinterest, vas a tener que hacer un poco más de excavación para saber cómo se usó. Ve y descubre cuál es el contexto de la imagen, y luego como lo haces quizá dos o tres estudios de casos inspiradores, podrías encontrar algunas pistas de los contextos o mercados donde terminan las ilustraciones que te gustan. Mi segundo estudio de caso inspirador se basa en este libro, Sparkle and Spin, que es mi libro favorito de todos los tiempos para niños. Cuando pienso en mí haciendo un libro para niños, este para mí es el modelo del libro para niños. De lo que me encanta, claro es el uso del minimalismo. Es como diseñador modernista, pero cuando ilustró, fue tan juguetón y mínimo. Me encanta cómo tomaría un periódico, lo cortaría, y sólo usaría palabras del periódico. Otra cosa que me encanta es, tendrás justo esta mano dibujada en partes, detalles que tal vez hubieras pensado necesitaban más cuidados y técnicas especiales para usar. Simplemente los dibuja con un bolígrafo y luego los agrega al collage. Para mí eso es tan espontáneo y creativo, y realmente tiene un efecto expresivo. Nuevamente, para el estudio de caso inspirador, he tomado algunas de las imágenes que encontré en línea que se relacionan con este libro y luego por supuesto, acabo de escribir por encima algunas notas sobre los detalles de esta pieza que me ayudarán a entender mi inspiración un poco más. Aquí tenemos a la izquierda artista, técnica y contexto, y en este caso, la técnica es collage o medio mixto, si estás siendo más general. El contexto nuevamente es la publicación. Esa es una gran pista para mí. Blexbolex también estuvo en la edición. Esta está en la publicación, y así me siento como uno de mis contextos o mercados más inspiradores para ilustración es que se encuentra en ese mismo mundo en la edición. Entonces por supuesto, del lado derecho, tengo cosas que me gustan de esta pieza. He escrito cosas como simples, audaces, colores primarios, confiada, sencillez expresiva, uso de técnicas de collage, elementos escritos/dibujados, todas estas cosas de las que he hablado, solo las pongo aquí y luego esta estudio de caso simplemente crea casi como una pequeña mini guía o referencia que puedo ver si alguna vez quiero sacar de esta inspiración, particularmente. Hice mis ejercicios usando Procreate, pero puedes hacerlo en tu Sketchbook u otros medios preferidos. He elegido recoger mis imágenes de inspiración y escribir sobre ellas, pero también puedes simplemente subir tus imágenes de inspiración y escribir tus pensamientos directamente en la página de tu proyecto de clase. Para empezar, piense en una ilustración o productos relacionados con la ilustración como un libro o una impresión que haya causado e importante impresión en usted, uno que quizás sea su mayor fuente de inspiración. Trata de encontrar una imagen de la misma en línea y luego 2-5 imágenes más del mismo artista. Pueden ser de la misma serie o libro o de diferentes proyectos por completo, pero todos deben estar relacionados estilísticamente. Si estás usando Procreate, cópialos y pégalos en un lienzo nuevo, como en mi ejemplo. A continuación, escribe a mano en este mismo documento sobre las imágenes, lo que te encanta de estas imágenes. De nuevo puedes simplemente teclearlos en tu página de proyecto si eso es lo que estás usando. ¿ Qué te inspira? ¿ Por qué? Nombra las cosas específicas que te gusten. Cuanto más específico, más comienzas a pensar detalles que puedes incluir en tu propio trabajo. Por último, nombra al artista, la técnica o género de ilustración y el contexto. ¿ Quién hizo el trabajo? ¿ Cómo lo clasificarías? ¿ Dónde existe la obra? Si no conoces las respuestas, búscala. Aprenderás mucho solo por términos de búsqueda en Google como proceso, técnica, o incluso entrevista con el nombre del artista. No te olvides de las páginas sobre o bio para artistas que tienen sitios web. Por último, comparte esto a la página del proyecto de clase. Deberías hacer al menos un par de estos ejercicios, pero puedes hacer tantos como quieras. Tómate el tiempo que necesites para pasar por este proyecto. Es posible que encuentres que necesitas una hora o más para aprender sobre el artista, técnica y las partes de contexto, sobre todo si todo es nuevo para ti. Baja por el hoyo del conejo, piérdete, disfruta aprendiendo sobre tus héroes e inspiración. 13. Ejercicio 02: autoinventario creativo: Este ejercicio es una buena manera de reflexionar sobre tu trabajo y de ponerte en contacto con lo que te gusta de él, y sobre todo lo que lo hace único. Si tienes alguna experiencia ilustrando, te invito a reunir parte de tu trabajo favorito y a reflexionar sobre lo que te gusta al respecto. Si no crees que tienes suficiente trabajo para pasar por este ejercicio, eso está totalmente bien, solo salta adelante al proyecto. Dicho eso, podrías tener más por qué pasar de lo que crees. Simplemente abre tu SketchBook o donde exista tu obra de arte favorita y busca de tres a cinco piezas favoritas que parezcan tener un hilo estilístico común. Al igual que en los casos prácticos de inspiración, estaré haciendo este autoinventario creativo en Procreate, pero puedes hacerlo en tu SketchBook u otros medios preferidos como puedas. De nuevo, si lo deseas, también puedes simplemente subir tus imágenes de inspiración y escribir tus pensamientos directamente en la página de proyecto de tu clase. Por lo que para empezar, reúne de tres a cinco imágenes de tus propias ilustraciones las cuales consideras tu trabajo favorito o mejor. Debería ser trabajo que te guste en términos de estilo, no trabajo que crees que se vendió bien o que más me gustara o complació a tus clientes. Coloca estos en tu lienzo. De la misma manera que el último ejercicio, comienza a escribir lo que te gusta de cada pieza usando flechas para llamar instancias o detalles específicos si lo deseas. Este no es un momento para echarnos abajo y ser críticos, sino para celebrar verdaderamente lo que amamos en nuestro propio trabajo. Considera, ¿cuáles son algunas de las similitudes en las piezas que elegiste como tus favoritas? ¿ Qué dice de tu visión artística única, o qué aporta personalmente a tu arte que nadie más hace? ¿ Qué tienen en común que puedas o quieras traer más de a tu trabajo? Comparte esto en la página de proyecto de la clase. Si tienes mucho trabajo y te sientes indeciso sobre lo que más te gusta, puedes intentar dividir tu trabajo en diferentes grupos de estilo y luego hacer inventarios separados para cada grupo. De nuevo, tómate el tiempo que necesites para pasar por este proyecto. Esto podría tardar unos minutos o unas horas. Reúne todas sus unidades de copia de seguridad, ordene todas sus cajas de cuadernos de bocetos, déjese perderse en este paso por un tiempo. Además de estos ejercicios, también he incluido una lista de preguntas relacionadas con el estilo que puedes hacerte. Encuentra estos en la página de Proyectos y Recursos de la clase. Este es mi autoinventario. Acabo de reunir algunas de mis imágenes favoritas, cosas en las que realmente me meto en mi propio trabajo. Estas son imágenes de las que estoy orgulloso. Puedo mirar y sentirme muy bien al respecto. No puedo decir eso de todo mi trabajo de ilustración, pero estos son como, sí, si puedo hacer más trabajo así, estaría realmente feliz. Algunas cosas que he notado sobre esto y aquí es donde acabo utilizar el hecho de que puedo dibujar sobre mi trabajo y procrear. Acabo de escribirme pequeñas notas sobre cosas que me gustan, como escenas abstractas. Todo está aplanado y abstraído y simplificado sin dejar de ser representacional. Por lo que todavía tengo cosas claramente representadas como una planta de casa o una silla o un gato o un chico con hacha, pero está muy aplanado y estilizado. Otra cosa que me encanta es la paleta de colores brillante y simple. Tengo un montón de rosa y este rojizo anaranjado por el que siempre me atraen. Simplemente aparece a lo largo de mi trabajo y aprovecho cada oportunidad para traer tanto de eso en mi trabajo como sea posible. Otra cosa que me encanta traer a mi trabajo que veo aquí es un montón de letras a mano. Por lo general es un bastante sencillo, lo que yo llamo un grotesco audaz, igual que un estilo de letra de bloque todo mayúsculas, si se quiere. Hago eso usando ya sea pincel físico real con tinta y lo escaneo o en realidad simplemente emulo eso usando un pincel en Procreate. Eso mismo está sucediendo en mi mapa. Todas estas pequeñas etiquetas, están todas ilustradas a mano. Realmente siento que eso ayuda a que mi trabajo sea distinto y destaque como mío propio. Por último, creo que señalaría en este conjunto, me encanta cómo hay texturas y es un poco de collage. Al igual que voy a crear una textura y luego la cerraré en una forma. Se puede ver que obviamente no fluye con la forma en que una camisa fluiría un patrón si lo llevas puesto. Me encantan esas pistas de técnica que pueden salir cuando miras la ilustración. A lo mejor como una última cosa es que me encanta la ternura. Traer más caras en las cosas, eso está apareciendo en mi trabajo ahora. Me estoy divirtiendo mucho con eso. Entonces esta es solo mi breve sinopsis de la obra que amo en este momento. Llama a eso un autoinventario. Al tomarme algún tiempo para hacer esto, crear un autoinventario, me anima ver que hay patrones y consistencias reales en mi trabajo incluso a través de años que me gustan y siento que puedo poseer. Esta es una práctica útil en todas las etapas de nuestras carreras. Siempre podemos aprender algo sobre lo que son nuestras líneas naturales a través de la revisión de nuestro trabajo. 14. Proyecto | Día 1: Inicio y configuración: En la imprimación, exploramos el mundo del estilo de ilustración, sobre cómo funciona, sobre cómo podemos usarlo como una forma de resolver problemas visuales para nuestros clientes. Tocamos cómo tu estilo de dibujo natural, el tema dado y tu técnica elegida influyen en tu estilo de ilustración. En los ejercicios, hicimos algunos indagando en lo que más nos inspira. En el ejercicio 1, el caso de estudio de inspiración, elegimos al menos una ilustración o conjunto de ilustraciones que más nos inspira y indagó más profundamente en las técnicas que pudieron haberse utilizado en el proceso. Todo esto nos ha estado preparando para el proyecto, un proyecto creativo diario de corto plazo, donde crearemos una serie de 26 ilustraciones basadas en un tema común, elaborando una técnica específica. El propósito de un proyecto diario es en gran medida desarrollar una técnica aplicándola a problemas reales de ilustración. Por supuesto, una vez que acumulas vapor en tu proyecto, compartirlo es una gran manera de mantener el impulso en marcha, obtener retroalimentación, y de obtener una sensación de crear para un público, que siempre se trata la ilustración. En este video, te daré una visión general del proyecto para ayudar a mapear el proceso general. Entonces en los videos que siguen, daré instrucciones más específicas para cada etapa. El proyecto se descompone en tres etapas generales; el plan, el conjunto piloto, y luego empujando por el resto del set. En la etapa de plan, escogeremos la técnica y el tema particulares de ilustración que queremos elaborar en nuestro proyecto diario y luego escribiremos una lista de palabras de la a a la z, que servirán como indicaciones para cada ilustración. Establecer un plan específico fuerte será clave para mantener nuestro esfuerzo en el transcurso del proyecto. La etapa del plan debería suceder el día 1. Cuando hayas terminado, comparte tu plan con la clase en la página del proyecto. En la etapa piloto set, elegirá de tres a cuatro de las indicaciones para ilustrar primero. El propósito de una etapa piloto es probar y desarrollar un lenguaje visual y una técnica que podamos utilizar para el conjunto más grande. Me parece que siempre es mucho más trabajo conseguir que trabajen las primeras ilustraciones en un set, pero esto te da la oportunidad de averiguar cómo usarás cosas como forma, color, línea, textura y así sucesivamente antes de pasar al resto del set. También te da la oportunidad de averiguar cómo manejarás diferentes tipos de problemas de ilustración; representacional y lo conceptual. El escenario piloto establecido podría tardar hasta tres días. Cuando haya terminado, comparta su conjunto piloto con la clase en la página del proyecto. En la etapa push-through es donde finalizamos todo el conjunto. Por supuesto, vamos a ritmo haciendo uno cada día. Eres bienvenido a hacer múltiples cada día si te sientes inspirado o a hacer uno a la semana si eso te conviene más. Lo importante es mantenerse en ello, empujar hasta el final. Por supuesto, cada vez que termines una ilustración, asegúrate de compartirla con la clase, y por supuesto, donde quieras compartirla. En los siguientes videos, desglosaré aún más los pasos para cada una de estas etapas. 15. Proyecto | Día 1: haz un plan de proyecto: El primer paso es planear tu proyecto. Establecer un plan específico fuerte será clave para mantener nuestro esfuerzo en el transcurso del proyecto. Esta etapa es simple en concepto, aunque, la lista de palabras de la A-Z quizá más difícil de llegar de lo que piensas. Asegúrese de pasar por esta etapa con cuidado y cuidado. Si necesitas unos días para resolverlo, está bien. Por supuesto, tampoco lo pienses demasiado. Si encuentras que te estás quedando atascado, es mejor solo ser decisivo, aunque no estés al 100 por ciento en algunos de los detalles. En ocasiones, no sabes lo suficiente para pasar hasta hacer un plan áspero, avanzar en los siguientes pasos y luego de repente las cosas se vuelven más claras. Lo importante es seguir moviéndose. Para empezar, vamos a elegir una técnica basada en tu caso de estudio de inspiración. Si hiciste múltiples estudios, aquí es donde necesitarás elegir uno. Alternativamente, si ya tienes una técnica que te gustaría desarrollar, ve con eso. No intentes hacerlo todo en un solo proyecto. Siempre se puede hacer una segunda serie para elaborar otra técnica después de ésta. En la imprimación, hablamos de cómo mayoría de las herramientas digitales emulan los medios tradicionales o analógicos. Entonces si sabes que estás usando una herramienta digital como Procreate o Photoshop, esa es realmente solo la herramienta solo la mitad de la ecuación. La otra mitad es técnica. Para las herramientas digitales, debes tener algún sentido de qué medio o proceso analógico deseas emular o inspirarte. En mi opinión, casi toda la ilustración digital se puede categorizar bajo tres procesos analógicos o tradicionales: dibujo y pintura, grabado, y collage. Si la técnica que quieres usar se parece más a que fue hecha con trazos a mano alzada, puedes enclavarla debajo del dibujo y la pintura. Si tu técnica se ve más plana con paletas de colores simples y texturas sutiles, estás mirando un proceso más influenciado por el grabado. Si la técnica o estilo que estás buscando parece ser una mezcla de partes hechas a mano y digitales, o si hay una sensación de diferentes estilos ensamblados en una misma página, esto sería más collage o medios más ampliamente mixtos. Para mi proyecto, he decidido ir con el grabado como mi inspiración técnica. Específicamente, me inspira cómo Blexbolex utiliza algunos colores sólidos, formas simples, y luego capas éstas de formas ingeniosas. También me gusta el emparejamiento de palabra e imagen. Junté estas notas rápidas para mostrar cómo la técnica de mi inspiración, llamémosla técnica de origen, se relaciona con la técnica que creo que usaré o la técnica de destino. Solo estoy haciendo estos términos para describir cómo estoy relacionando la técnica utilizada por mi inspiración y las técnicas que sé usarme. En primer lugar, sé que trabajo digitalmente. Refiriéndose a la tabla de técnicas tradicionales y digitales desde la imprimación, sé que el ilustrador y Photoshop son ambos buenos con la emulación de técnicas de grabado y collage. A continuación, sé que particularmente quiero usar texturas, y Photoshop es mucho mejor en el manejo de texturas, así que definitivamente me quedaré con eso. Descubriré ciertos detalles como cómo hacer las letras y qué colores usar más adelante. Para ser honesto, en mi proyecto, creo que voy a usar el mismo concepto subyacente que Blexbolex, particularmente de emparejar palabra e imagen de una manera poética simple. Bueno, no pretendo copiar el estilo exacto de Blexbolex porque su uso de palabra e imagen es un tema consistente en sus libros, sí corro el riesgo de lucir imitativo. Eso no me preocupa para este proyecto sin embargo, porque trabajar desde tu inspiración es uno de mis puntos principales. Tenemos que empezar ahí y ojalá en el camino trabajando en nuestras ilustraciones, podemos emerger con algo más de nosotros. Voy a estar seguro de nombrar mi inspiración para este proyecto, sobre todo si se ve demasiado cerca de su trabajo. No me da vergüenza decir que este proyecto está inspirado en mi héroe. Dependiendo de lo similar que se vea, también sería muy cuidadoso al hacer cualquier cosa comercial o con fines de lucro con la obra de arte. Yo lo modificaría de alguna manera al principio, tal vez tener un enfoque diferente con cómo emparejo imagen y palabras, por ejemplo, eso está menos directamente inspirado. Si necesitas más información sobre las posibles técnicas de ilustración, consulta la tabla de técnicas de ilustración que mencioné en la lección, Sigue tu inspiración. He incluido esto como descarga en la página de proyectos de clase en recursos. Ahora es el momento de elegir un tema. Tu tema debe ser lo más específico posible. Para mi proyecto, voy a ir con trail running, que es uno de mis tiempos pasados favoritos. Si bien me encanta todo tipo de running, trail running es más específico. Correr en general incluiría correr por carretera, ultra maratones, pista y así sucesivamente. Trail running contiene diferentes sentimientos y visuales que los otros tipos. Si te gusta viajar, posible que quieras acostarte en algo más específico como mochilero en Europa o viajar en 2020. Cada uno de estos evoca una experiencia específica que será útil cuando intentes imaginar conceptos para tus ilustraciones más adelante. Este paso es opcional, pero podría ayudar a dar forma más a tus ideas de proyecto. Toda ilustración termina en algo en alguna parte. Este es su contexto. Un contexto podría estar en un libro para niños, como una serie de carteles o tal vez un conjunto de tarjetas comerciales. ¿ Dónde te imaginas que existen tus ilustraciones? Porque este es un proyecto diario que compartiremos, por supuesto, uno de los contextos será tu página de proyecto aquí en la clase. Otro lugar posible para compartirlo por supuesto, es en Instagram. En este caso, es fácil imaginar qué formato tomarán tus ilustraciones. Es probable que las imágenes hechas para Instagram sean de formato cuadrado. Las ilustraciones para un libro de imágenes podrían ser de cuatro por cinco relación de aspecto. De esta manera, imaginar un contexto te da una sensación de formato. Mi propio proyecto para la demo de clase se basa en mi inspiración, un libro de imágenes de Blexbolex. Me gusta cómo se emparejan las imágenes con las palabras y cómo están espaciadas debajo de cada ilustración para las palabras. Mi contexto será un libro de imágenes y el formato para cada imagen será un formato más alto alrededor de ocho pulgadas de ancho por 10 pulgadas de alto. A continuación, escribe tu lista A-Z de cosas e ideas para ilustrar para tu serie. Deberías terminar con una palabra por letra, pero al principio, si tienes algunas palabras para algunas letras, solo escríbalas todas y decide en el siguiente paso cuáles quieres ir. Al construir tu lista de palabras, mantén tus palabras simples. Tan sólo una palabra para ilustrar si es posible. Ya que estoy haciendo trail running, mi lista de palabras incluye palabras como oso, combustible, perdido, y recuperación. En mi lista, elegí deliberadamente incluir tanto sustantivos como adjetivos, cosas que se pueden representar literalmente, así como cosas que sólo se pueden representar figurativamente. Elegir una mezcla de ambos sustantivos y adjetivos me da la oportunidad de averiguar cómo me acerco a los dos tipos diferentes de problemas de ilustración de los que hablamos en la imprimación, representacional y conceptual. oso y el combustible son sustantivos y serán más fáciles representar ya que casi exigen una solución literal. Un oso para representar a un portador y algún tipo de productos alimenticios para representar combustible. Perdidos y recuperación, por otro lado, son más abstractos. Ciertamente no son objetos que pueda imaginar en mi cabeza fácilmente. Perdido por sí mismo podría ser difícil de visualizar, pero emparejado con esta experiencia específica de trail running para mí, me hace pensar en perder el camino en el bosque y mirar mapas en mi teléfono para ver dónde estoy. La recuperación es un sustantivo masivo que significa que no tiene forma específica. Similar a perdido cuando se empareja con el tema general, evoca un significado específico. Para mí podría ser cerveza al final de una carrera larga o carrera, por ejemplo. Aunque me estoy adelantando un poco aquí. En la etapa piloto, te guiaré por algunas instancias de cómo paso mi lista de palabras a conceptos reales de ilustración. Pero también es útil pensar un poco el potencial ilustrativo de cada palabra en este momento. Una vez que hayas encontrado palabras para cada letra del alfabeto, es hora de finalizar la lista. Tendrás que hacer esto si tienes múltiples palabras para algunas letras. Considerar el potencial ilustrativo de cada palabra. Refiriéndose a los tres factores del estilo, considere cómo se podría manejar cada tema o aquí el significado de cada palabra, utilizando su técnica elegida o estilo de dibujo natural. ¿ Es algo que te entusiasma ilustrar? ¿ Sientes que podría ser demasiado desafiante para representar claramente en tu estilo? Para mi ejemplo trail running, digamos que tenía dos palabras r, raza y recuperación. Aquí podría decidir que estoy demasiado incierto sobre la posibilidad ilustrativa de la raza. Podría ser demasiado amplio o tener demasiados detalles. A lo mejor, no quiero tener que ilustrar una escena completa como una escena de raza, pero sí tengo una visión específica para la recuperación. Sería más sencillo ilustrar esta palabra para esta carta. Simplemente puedo descartar carrera por ahora e ir con la recuperación. ¿Quién sabe? mejor una vez que me ponga en marcha el proyecto, estaré más inspirada para ir con la idea de una carrera en carrera o alguna otra palabra r. Siempre puedo traerlo de vuelta si quiero. Lo importante es ser decisivo y seguir moviéndose. Una vez que hayas finalizado tu lista, tienes tu plan de proyecto. Si ayuda, anota en un lugar ordenado lo siguiente: tu técnica elegida, tu tema específico, tu contexto imaginado, si tienes esto, y por supuesto, tu lista finalizada de palabras A-Z, y puedes hacerlo en una página separada si tienes que hacerlo. Aquí tengo mi plan de proyecto y solo anoto todas las cosas de las que acabamos de hablar para que lo tenga todo en un solo lugar y pueda referirme a lo largo del proyecto. Esto lo puedes hacer en tu cuaderno de bocetos o donde quieras hacer estas notas. Acabo de hacer un lindo título aquí, mi plan a proyecto, y por supuesto tenemos técnica, tema, contexto, y nuestra lista de palabras A-Z. Sé que para mi técnica, va a estar inspirada en el grabado y sé que la mejor app para hacer el tipo de técnicas que quiero usar será Photoshop. A continuación, sólo voy a apuntar mi tema, que es, por supuesto, trail running, y por supuesto el contexto que es un libro de imágenes. Estas son todas las cosas que he pensado y es sólo algo que puede tener en esta página fácil de hacer referencia cada vez que paso a este proyecto, sobre todo, si ha pasado una semana entre mi última imagen y la que estoy haciendo ahora, y de curso su lista de palabras A-Z. Ahora esto podría llevarte un poco y como dije antes, puede ser sorprendentemente difícil llegar y separar alfabéticamente específicamente a tu tema. Pero hacer este trabajo en este momento es simplemente realmente genial por solo configurarte, y luego una vez que vengas a ilustrar cada día cada nueva ilustración, ya no tienes que hacer ese pensamiento. Simplemente puedes sumergirte en el proceso de ilustración real. Aquí la lista de palabras, y por supuesto, sólo tenía que ser decisiva y elegir palabras siempre que tenía múltiplos para las letras. Esto es con lo que terminé, y no tengas miedo de comprometerme ahora. posible que quieras cambiarlo más tarde, está bien, pero al menos tienes algo. Entonces podemos pasar al siguiente paso. 16. Proyecto | Días del 2 al 4: Set piloto (estudios preliminares): Me encantan estos signos de búsqueda de caminos, haciendo estos bocetos de modo observacional realmente fue como, dibujé lo que sintiera que más me estaba llamando la atención. ¿ Cuáles son las diferentes formas?” Lo mismo con perdido, estaba dibujando a la gente corriendo, por supuesto, Yo sí creo que este es en realidad un escenario de horror si estás cómo puedo dibujarlo sin que sea cierta marca o incluso cierta variedad de cerveza, estos bocetos de modo O que he hecho solo para mostrarte lo que pasa. incluso he mirado cómo se ve la redacción Parece que tiene puesto un portabebés. y una de tus únicas formas de wayfinding es tu dispositivo GPS o tu mapa. Después pasar a los bocetos de combustible o bocetos de modo observacional. Pasé por mis imágenes de referencia y simplemente dibujé lo que vi, hay señales de búsqueda de caminos y cosas así? Al menos aquí, me estoy dando la idea de Estas son las clases de cosas en las que sólo estaba dibujando mayormente en modo observacional aquí. ¿cómo son esas señales? Lo complicado con la cerveza como solo estaba realmente me metí en dibujar estos a medida que avanzaba, y eso me hace pensar en correr por el bosque. Entonces por supuesto, pensando en estar perdido y necesitar un kit médico, No del todo seguro si estoy en el camino correcto por lo que es algo bueno sólo tener en cuenta. Cuando termines, puedes pasar de inmediato al siguiente paso o tomar un descanso. cuando está emparejado con las imágenes de signos, por ejemplo. En este caso, tal vez no sea mi punto. Por supuesto, alguien perdió, mirando un mapa, Se puede ver, he hecho algunos estudios de osos, Una mano, ¿cómo se relaciona el brazo con ese mapa? Es alguien mirando su teléfono, por ejemplo, ¿qué aspecto tiene? “¿Qué aspecto tiene un paquete de gel energético, por ejemplo? tal vez no todo el mundo le gustan esos sabores de cerveza o lo que sea. Yo también sólo quería compartir algunos de los otros conceptos como el de popó, así que solo te mostraré un poco más o una inmersión más profunda de Es realmente cómo puedes ser específico sin ser demasiado específico? por mi concepto si quisiera usar una imagen como esta. Algo así. tratando de pensar en cuáles son los objetos que podrías asociar con estar perdido, y quiero compartir algunos de los bocetos que se me ocurrió. necesito crear un nuevo espacio en el que pueda hacer esto. ¿ Y si tu batería está baja, mis bocetos de modo O, En mis bocetos gratis, Sé que pasé por la demo ahí, como ciertos dispositivos GPS o campus u otras herramientas de wayfinding como mapas. podría usar eso como alguna manera de contar esa historia de estar perdido en el bosque? Por supuesto, ¿cómo puede verse una cerveza? es una lager o un pilsner, Estamos hablando de popó aquí, Pero sólo puedo sustituir eso por la idea de un chaleco de hidratación o algo esos son realmente una imagen fuerte en mi cabeza. Es bastante sencillo. Solo trato de decir como, ¿ Dibujo a alguien agachado por un árbol? estos signos de color naranja brillante que están clavados en el tronco del árbol, cómo es alguien que está leyendo un mapa en el bosque. va a haber algunas narices en esto. en el bosque y estás tratando de encontrar tu camino, El siguiente paso es iniciar el conjunto piloto. El conjunto piloto es donde empezamos a jugar con las técnicas e ideas que declaramos en la etapa de planeación. Siempre que tengo un proyecto más grande, ya sea personal o para un cliente, siempre hago un piloto donde trabajo preguntas de estilo y técnica en un conjunto más pequeño. Esto me da una sensación de cómo va a ir el resto del proyecto, y cuando se trabaja con clientes, les da la seguridad de que estamos en camino y les da oportunidad de sopesar con la retroalimentación antes de llegar demasiado lejos. Para el proyecto piloto, pasaremos por el mismo proceso que uso en mi trabajo de cliente y el mismo proceso que he usado en mis otras clases. Empezamos con estudios preliminares donde recogemos referencias de imagen y sacamos de éstos sin otro objetivo que descargar información visual. Al dibujar hacia la ilustración, llamo a este bocetos observacionales u O-Mode. Posteriormente, comenzaremos a esbozar nuestras ideas reales. Pero por ahora, centrémonos en entrar en el mundo de nuestro tema elegido para empezar. Para el proyecto piloto, estaremos trabajando en un lote de tres o cuatro ilustraciones. Pero para el resto del proyecto, podría pasar por los siguientes pasos para cada ilustración individual. En primer lugar, vamos a elegir 3-4 imágenes para nuestros conjuntos piloto. Pueden ser los primeros cuatro de A a D de tu lista o cualquiera que creas que sería divertido empezar. Te sugiero elegir una mezcla de tipos de palabras, digamos dos sustantivos u objetos simples que puedes ilustrar más a través de la representación directa y dos adjetivos o conceptos abstractos que necesitarás para ilustrar de manera más simbólica o figurativa. Un conjunto piloto fuerte demostrará cómo manejaste problemas de ilustración tanto representacional como conceptual en tu estilo. Simplemente mirando mi plan de proyecto donde tengo mi técnica, tema, contexto, y mi lista de palabras de la A a la Z, voy a elegir osos, combustible, perdido, popó. Pongo popó como una de mis palabras. Es porque cuando haces trail running, sobre todo si estás fuera en los senderos a lo largo del tiempo, no siempre hay un baño disponible por lo que es solo parte de la experiencia de ser corredor de trail. Tenía que poner eso ahí y siento que si estuviera haciendo este set para un público de corredores de trail, se relacionarían con eso y encontrarían eso hilarante. Creo que sólo elegiré una quinta por si acaso, elegiré la recuperación. Elegí estas palabras específicas para mi subconjunto porque presentan un buen equilibrio o una mezcla de cosas representacionales para ilustrar, y también algunas cosas que son más conceptuales. Osos es fácil. Yo sólo puedo dibujar un oso y creo que uno sólo va a ser agradable para entrar. combustible de nuevo es un poco más de un objeto simple. Podría representar productos alimenticios o algo así. Perdido es una de las palabras más complicadas. Probablemente va a requerir una ilustración más compleja. Pero por eso quiero incluirlo. Quiero poder tener estas ilustraciones conceptuales más complejas emparejadas con estas ilustraciones más simples, directamente representacionales. Entonces, por supuesto, popó, eso va a ser interesante. Probablemente quiero ir sobre eso de manera indirecta, eso presenta un buen reto de ilustración. Entonces la recuperación, para mí, eso instantáneamente me hace pensar en tomar una cerveza al final de una carrera realmente larga y así esta lista de cinco palabras, lo que decida ilustrar será un bonito conjunto piloto para empezar. A continuación, reunir algunas imágenes de referencia para cada palabra o ilustración. No necesitas ser altamente selectivo aquí, solo busca tus palabras en una búsqueda de imágenes y descarga las imágenes que más te atraen. Cuando hago búsquedas de imágenes, creo una carpeta llamada referencias. Aquí solo tengo una carpeta llamada referencias en mi pantalla y aquí es donde básicamente voy a arrastrar cualquiera de mis imágenes de referencia. Para un proyecto de ilustración múltiple como este, también tendré subcarpetas para cada ilustración o tema como oso, combustible, etc. Simplemente voy a Google o donde crea que las imágenes estoy buscando podrían ser y comenzar mi búsqueda, colocando mi imágenes elegidas en carpetas respectivas. Me han preguntado por qué uso imágenes de Google en lugar de Pinterest, donde las imágenes tienden a ser más curadas y refinadas, en realidad prefiero que mis imágenes fuente sean lo más sin filtrar por gusto posible. Sé que cuando estoy buscando en Google, hay más posibilidades de que las imágenes sean básicas y aleatorias. Las personas que publican su Pinterest suelen tener un filtro de sensibilidad o sabor o sesgo y quiero evitar esto desde el principio. El propósito es encontrar imágenes que te den un visual donde tal vez no tengas nada por lo que ir de otra manera. Para la palabra oso, por ejemplo, sólo quiero encontrar imágenes que me ayuden a entender la forma esencial de un oso. Para el tema trail running, estaría mirando ya sea oso negro o pardo. Para combustible, estaría buscando las fuentes de energía específicas o los alimentos utilizados por los trail runners. Productos como geles energéticos y barras, así como alimentos naturales como plátanos y nueces. A medida que busques tus imágenes, dependiendo de tu técnica y preferencias, es posible que desees que tus referencias sean simples y rectas en lugar de desde un ángulo más oscuro. Todavía no estamos ilustrando, ni siquiera esbozando ideas. Pero también queremos estar atentos a la información visual con la que tenemos que trabajar en esas etapas posteriores. Pasa tal vez 10-15 minutos buscando imágenes. Tengo mis imágenes de oso, sólo voy a ir rápidamente a hacer algunas imágenes para combustible, y por supuesto, por combustible tengo que ser específico, geles energéticos para correr, y aquí solo estoy mirando las diferentes formas o formas. ¿ Qué aspecto tiene la energía o los combustibles en este caso? Estos paquetes de diferentes formas que te aprietas en la boca mientras estás corriendo estos son icónicos. Yo sólo quiero estar consciente de que no quiero nada demasiado pulido y luego simplemente dibuje eso en mi ilustración. Al igual que si alguien hace algunos planos de sus propios productos para correr, no es como si solo quisiera ilustrar la foto de otra persona, pero no pueden ser de ayuda sólo por ayudar a una idea de lo que sería una colección de estos alimentos o productos? Ahora perdido es la palabra más complicada, así que tengo que ser más específico, como perdido en el bosque. Eso me puede dar algunas ideas interesantes de las que sacar. Apenas en cuanto a un bosque. De repente estoy viendo la sensación inquietante de, su verde oscuro. Tengo una sensación de soledad mirando estos. Aquí estoy haciendo una búsqueda en Google de la palabra directa perdida en el bosque, que ya está siendo súper útil. Pero claro, no estoy tratando de ilustrar como un cuadro o simplemente reinterpretar una fotografía aquí. Yo quiero al menos tener algún sentido del concepto aquí. A lo mejor necesito pensar un poco más conceptualmente mientras estoy buscando imágenes en Google. Perdido en el bosque, como lo que quisiera, tal vez un botiquín de primeros auxilios y sólo voy a tomar una captura rápida de estas cosas. Aquí no voy a ser súper exigente con las imágenes. Un botiquín de primeros auxilios suele ser igual que una bolsa con asa en una cruz sobre ella y algunos suministros por lo que eso podría ser suficiente solo para que mi imaginación vaya ahí. Cuando estás perdido, estoy pensando en alguien leyendo un mapa. Voy a hacer algo más de búsqueda de imagen del resto de mis palabras, pero sólo pensé que pasaría algún tiempo alrededor de una de las palabras más desafiantes que creo que tendré es la de popó. Ahora, sé que no quiero ilustrar las heces de alguien, solo creo que eso sería de mal gusto, así que tendría que pensar conceptualmente en esta también. Para éste, sólo voy a decir trail corriendo medio para hacer popó y ver qué me da Internet. Por supuesto, hay todas las cosas que esperarías, gente compra casas, y algunas imágenes son un poco menos directas. Afortunadamente, no veo nada demasiado asqueroso apareciendo aquí, pero sí, voy a estar buscando formas de representar esta idea claramente posible sin ser demasiado directo. Una vez que has pasado algún tiempo buscando algunas imágenes, es hora de empezar a dibujar. En mi clase de dibujo hacia la ilustración, llamo a estos bocetos observacionales porque estamos dibujando lo que vemos en nuestras imágenes. Estos no son creativos. Aquí no estamos expresando ideas, sino simplemente usando dibujos como una forma de ver y absorber información visual para usar más adelante de nuestra imaginación. Pasa todo el tiempo que quieras, dibujando a partir de tus imágenes de referencia, tal vez 5-10 minutos por tema o palabra. Se puede dibujar con un lápiz y papel o en un equivalente digital. Mi herramienta de bocetos favorita es el lápiz 6B o HB de Procreate en el iPad. Nuevamente, estos bocetos, no tengo más goles que simplemente dibujar lo que veo. No tengo que dibujar cada imagen de referencia que he descargado. Una vez que siento que tengo suficiente información visual para dibujar de más tarde sin mirar referencias, puedo pasar a la siguiente. Yo solo tengo algunas de las imágenes que creo que serán útiles para posibles conceptos así que no estoy llegando a conceptos en este punto, pero también estoy tratando de pensar cuáles son las diferentes cosas que podrían hacer buenos conceptos. Tengo spray de oso, tengo a alguien usando ese spray de oso. Otra cosa que pienso cuando estoy en el sendero y estoy pensando en osos, son estas señales amarillas que te advierten de un oso en la zona y cosas así. Aquí, sólo estoy tratando de tener una idea de cómo se ven estos tipos. Realmente puedo perderme en este proceso y a veces, va a durar mucho más solo porque me estoy divirtiendo o no siento que he descargado la información a mi mente a través del dibujo suficiente todavía. Yo diría que solo tómate el tiempo que quieras y si lo estás disfrutando, disfrútalo. Aquí, estoy pensando en cuáles son las proporciones de un oso? ¿ Cómo se conectan sus extremidades? ¿ Cuáles son las formas icónicas de un oso? sólo mirar estas imágenes, estoy viendo que nunca me hubiera imaginado que brazo de un oso se desliza hacia atrás y luego hacia adelante así, sólo por ejemplo. Otra cosa que noto de un oso es que cuando miras su cara, sus ojos y hocico o zona de nariz o hocico sólo ocupan menos de la mitad inferior. Esto es interesante. Sus orejas están muy arriba aquí, y tienen estas cabezas gordas, su cara realmente es solo una pequeña parte de eso, y solo estoy pensando en cómo se ven sus rasgos faciales, cómo se conectan, cosas así. Entonces para el spray de oso, busco, como estoy dibujando esto, descargando información, realmente solo quiero saber cuáles son las partes que son esenciales para esto a la hora comunicar la idea de spray de oso a otras personas. Cuáles son los signos indicadores de una botella de spray de oso versus, no sé, tal vez [inaudible] que usarías para seguridad personal en un contexto urbano, tal vez eso sea diferente. Me imaginaría ese spray de oso, siempre tienen esta etiqueta amarilla, toneladas de palabras y advertencias, lo cual es interesante, lo que podría hacer para una ilustración realmente interesante si quisieras empollar con todo el tipo y cosas como eso. Alguna redacción ultra o extra o max y parte del branding, algún tipo de oso. No estoy tratando de diseñar nada aquí, solo estoy tratando de tener una idea de cuál es la forma esencial de esto. ¿ Cuáles son las cosas que necesito observar sobre estas cosas? Una señal y luego por supuesto, el oso. Ahora, aquí hay una instancia divertida donde estoy dibujando un dibujo de un dibujo, es como una silueta de un oso que alguien ha ilustrado. La pregunta para mí es, si fuera a usar esto como mis ilustraciones finales, algo sobre el signo del oso, ¿solo copio la silueta de otro oso o hago innovar en eso de alguna manera, mi manera para realzar la singularidad de la ilustración? No creo que este tipo sea un corredor de trail, es más como un cazador. Voy a pasar a la siguiente imagen. Perdido es complicado, no hay una imagen para la pérdida en la forma que hay para el oso o el oso spray. Aquí, solo estoy dibujando estas referencias que he reunido y tal vez, puedo hacer algo con ellas para un perdido más adelante. Este es un tipo de cosa de regla de brújula. Ahora, para esta demo, estoy corriendo a través de estos dibujos. Normalmente me gusta tomarme mi tiempo con estos y realmente hundo en ellos cuando hago estos para la mayoría de mis proyectos. Es relajante, es una buena forma de dibujar y ponerme en contacto con ese lado de las cosas antes de que tenga que empezar realmente a pensar en ideas. Algo en lo que pienso en cuanto a estar perdido en un bosque es la idea de encontrar camino, así que tal vez como señales si estás en el sendero. Cuando estás haciendo bocetos gratis, si quieres, puedes estar muy suelto y rápido o puedes ser realmente detallado, lo que sea que sea necesario para que te metan algunas ideas en la cabeza. De nuevo, aquí tengo unas cuantas imágenes para referirme y simplemente sacar de ellas, sin preocuparme demasiado de cómo juegan en etapas posteriores. Ahí está este tipo corriendo en el bosque, y puedes ser lo más detallado que quieras sobre estos. Para mí, como rápidamente estoy garabateando estos, me está ayudando al menos a tener un sentido de algunas de las formas, digamos por ejemplo, como se ven las piernas, cuando alguien está corriendo. ¿ Cuáles son sus ropas? ¿ Qué pasa en esa imagen? También, por supuesto, ¿qué está pasando alrededor de la persona? ¿ Qué aspecto tiene una escena forestal? Me encanta el patrón de los árboles, los troncos, y luego la idea de que estas ramas bajen de verde, y luego por supuesto, el camino. Esta imagen aquí de un tipo corriendo por su cuenta, si tan solo puedes dejarla a un lado el hecho de que para mí, esta escena, es ajena para mí. La idea de que está más en un desierto, esa no es mi experiencia, pero me gusta que tenga puesta su mochila de hidratación y que solo esté corriendo solo ahí, 17. Proyecto | Días del 2 al 4: Set piloto (dibujar bocetos a las ideas): No voy a poder tomar pinceles de pintura y realmente esculpir y moldearlo, En realidad voy a ir a usar mi piso. Ahora estoy mirando mis bocetos ásperos por perdidos, Eso es siempre lo que pretendo en mis bocetos. Lo que busco es la idea que va a haber seleccionado estos, traza sobre ellos con trazos más confiados. Me gusta cómo eso me da algún espacio de peso que rodea al oso, El otro que realmente muestra algún potencial para mí es éste con Lo cual realmente funciona bien con la forma en que a menudo escribo. Este es un pincel digital que uso que encontré trabajos muy A lo mejor tiene el sombrero rastreador. tal vez sea más fácil salirse con la suya sin ser demasiado específico en sus refinamientos. pero sigue evocando una sensación de cerveza? Sigo haciendo todo lo posible para ir por imaginación. Comunica claramente la idea o mensaje pretendido y promete hacer un poco más como dije atmósfera o textura para entrar en la imagen. cualquier técnica de ilustración que sea más precisa o mecánica, Tengo suficiente información. solo mostrar sólo el mapa y luego el tipo detrás de él. y podemos ver aquí que ya está mucho claro. A lo mejor está inclinado un poco más y sólo vemos una parte de su cabeza y está mirando su teléfono. Tienes que ser un poco valiente y dejarte dibujar Con éste, es la idea de que este tipo perdido La imagen debe ser lo suficientemente clara como para que todo lo que realmente necesitas hacer Voy a implicar el sentido de la textura y la corteza sobre No es súper creativo, Imagina que le estoy mostrando esto a un cliente para obtener su aprobación o buy-in en la imagen, Un concepto fuerte es a la vez claro y convincente. Esto será más importante para y el tipo cuyo perdido, y ya basta. solo estoy pensando en el potencial para igual que una ilustración bonita, audaz, que fue la idea de estar perdido. simbólica y abstracta los árboles de fondo? Al final de esta etapa, ¿ O es raro que se esté rociando sin que alguien realmente haga que eso suceda? pero ese es un pensamiento que tengo en este punto. Apenas empezando con oso. Este es un tal vez para mí. solo para ver cómo va eso. En un momento determinado, Creo que el que el tipo solo está sosteniendo el mapa es definitivamente simplemente pegando ese oso hacia abajo y simplemente hazlo menor opacidad, ser estilizados, abstractos, nocionales. tomando que creo que podría funcionar en este caso. Su otro brazo tal vez está tocando alrededor en A lo mejor lo suficiente para hacerlo más grande. Pensé que eso era gracioso. hay un poco más de historia. A modo de ilustración, eso en realidad va a ser un poco Simplemente realmente construyendo las formas reales que formarán en los bocetos refinados para que no tenga que averiguar más cómo se juntan las oleadas etéreas de pérdida, que podría ser divertido. todas las pequeñas conexiones de la ilustración donde los shorts se convierten en sus piernas desnudas A lo mejor es una ilustración más impulsada por los personajes. como ilustración vectorial, o en mi caso, técnicas inspiradas en el grabado. ¿ Necesito la mano? tengo las señales clavadas en el árbol, con este tipo de aquí arriba como posible segundo. En primer lugar, voy a hacer el oso aquí. y las palabras abajo en esto, Cuando miras el estilo de otro ilustrador y te preguntas, una cara traviesa en el oso, y solo algunas de esas ramas de piel desgarradas esos detalles de composición y formato con más atención. creo que es este tipo de aquí, Ahora, para que estos bocetos en bruto sean refinados, que puede tardar mucho tiempo y son más difíciles de cambiar, A veces veo alto potencial en ideas que pensé que eran desechables mientras las hacía. y todo este tipo de cosas sé cómo van a quedar todas esas intersecciones y tipo parado en el bosque y preguntándose qué sendero, Este es más solo objetos, Sé que en mi arte final estos árboles realmente van a Yo sólo voy a empezar con sólo ser un poco más claro en todas mis formas. a mi cliente y empiezo a escribir párrafos sobre lo que hay en él, en una ronda más de refinamientos y eso solo asegurará que esto sea súper claro, ¿ Qué aspecto tiene eso? Qué pasa cuando vuelvo a dibujar sobre él simplemente escribir esa palabra en un estilo de letras más concreto de sensación. como la forma de su brazo y así sucesivamente. entrar y solo hacer algo en lo que me siento confiado en hacer, Eso se debe a que las técnicas finales son menos mecánicas y precisas, Pero, ¿qué pasa con el tipo parado en el bosque? A mí me gusta la historia que está pasando en esta. hay que dejar de inventar ideas y empezar a refinarlas. tendrás un boceto refinado para cada una de tus ilustraciones piloto elegidas. Creo que uno es bueno. pero sin duda es evocador de la experiencia de estar en el camino. Alguien en la línea de meta de una carrera, por ejemplo, ciertas formas o detalles en las ilustraciones finales. A lo mejor sólo una sugerencia de tierra, pueden salir algunas peculiaridades interesantes y que lo que hace más claro ese símbolo del oso, Podré averiguar ¿ Podría darme el spray de oso solo pulverizando? La idea de un oso trepando por un árbol y alguien posiblemente esté ahí arriba. En un documento fresco, Porque estoy trabajando en Photoshop, en el bosque tratando de averiguar dónde está. Tengo un pincel cuadrado plano. pero en eso suceden algunas cosas inesperadas. sé que la imagen no está haciendo su trabajo. parecidos a cuando uso un pincel plano con tinta sobre papel. En técnicas más inspiradas a mano alzada como el dibujo, Entonces aquí, porque esto es refinado, creo que este con los geles energéticos y los diferentes envases y Aquí también estoy pensando en mi técnica. incluir algunas de esas ramas que se desprenden de los árboles. lo que permite improvisar más. Pero es bueno realmente al menos mapearlos por aquí. cuando estoy finalizando y creando todos los detalles de acabado en la obra real, Pero en realidad me siento más fuerte por el oso y el árbol. un buen punto de partida para conseguir esto en un lugar más refinado. Hay más espacio para evadir un poco las cosas. Es algo que creo que me voy a desafiar solo por esta demo, En realidad puedo apagar ese boceto original en bruto ¿cómo se les ocurrió la forma de dibujar a ese oso? en realidad estoy pensando más precisamente en las proporciones, Entonces lo más posible, Lo siguiente es ¿qué hay en el suelo? es escribir por qué hiciste la imagen no lo que hay en la imagen. Ahí está mi refinado boceto para mi concepto perdido y probablemente honestamente tomaría esto con el oso y el tipo de área. Eso podría ser genial. refinado hasta que me sienta bien al respecto. que será refinar la ilustración y simplemente elaborar algunos de siempre hay otra idea que tener. a veces siento que estoy un poco vacilado en empezar a Creo que eso es algo realmente importante para trabajar. Simplemente estaban dibujando de la imaginación y así es porque es un boceto, todavía puede estar un poco suelto. siendo quisquillosos con la imagen de referencia ni con la realidad. Necesito ser claro al respecto. en este caso haciendo algunos lindos letras audaces que sólo me hace ir. Voy a ir con eso y luego pasar al siguiente concepto, lo que será un buen desvío de ese otro enfoque. todo lo que van a quedar lo más claramente posible Me parece que ayuda tomar un descanso después de llegar con mis bocetos ásperos, y la pintura, y el collage, O tal vez es la idea de ser refrescado. refinamiento y en última instancia para traer a la ilustración final. Cuando estés listo, elige el concepto más fuerte para cada lote de bocetos. De lo contrario, es solo un bosque de estos troncos marrones y solo al menos debería ser lo suficientemente claro para que un cliente o alguien más diga: Estos fueron sólo algunos ejemplos más de osos que ilustré. el mapa tratando de pellizcar y hacer zoom y cosas así. en la etapa más rugosa y voy a ver sólo cuál va a Ambos tienen un personaje o un animal encima. Creo que voy a intentar ir con éste como mi concepto y ver cómo va. tengo algunos otros conceptos bastante buenos. Pero quiero asegurarme de que me estoy dando la plaza completa que quiero que ¿ Cómo voy a crear estas formas? Entonces el fondo, ¿necesito dibujar todo un bosque detrás del oso? ¿ Cuánta información necesitas en la imagen para crear la historia, Tengo el bosque de fondo, un documento fresco donde pueda trazar sobre ellos con líneas más confiadas. lo que queda de la página. o al menos uno dentro de esos cinco o seis bocetos que he hecho, Ahora solo estoy pasando por algunos de los bocetos que hice Podría incluso querer tomar esto una vez más en porque se siente como una vez que me voy, entonces puedo sentirme bien por pasar a la siguiente etapa, Es en esta brecha entre lo que viste en tus referencias y lo que recuerdas de ellas. Podría esbozar ideas así durante mucho tiempo, y el que más me sentía fue éste de aquí, este verde o el color que voy a usar para el follaje. ¿ O basta con representar de manera más Entonces no tengo que preocuparme por lo que hay en el suelo y otras cosas así. como muchas veces suceden cosas así. quizá pueda arreglar algunas de las cosas que me estaban molestando, Simplemente me manda por este camino de lo que si esto Si más tarde tengo que ir bajo fianza, las flechas direccionales pequeñas, Otras veces, me doy cuenta de que ninguna de mis ideas está resolviendo bastante el problema todavía, Es muy probable que fuera un accidente y sucedió porque no estaban y una mochila que ha sido dejada en el sendero. Para la recuperación, acabo de empezar obviamente con la lata de cerveza y tratando de averiguar cómo Ves ese letrero y estás como, ¿debería ir yo? y porque lo estoy refinando, representar con mayor claridad esta idea de estar perdido y ser trail running. Por supuesto, este no es un oso perfecto mirando a un árbol, y luego cuánto es demasiado? A lo mejor pensándolo demasiado, Porque esto realmente funciona tan bien, Todo eso para decir, lo seguro, Pero, ¿podré usar esta idea pueden convertirse solo en una parte de tu estilo. ¿ Funciona sólo para tenerlo sin la mano? Eso debería ayudarme a tener una sensación o Este tipo sosteniendo el mapa, Este, creo que va a ser un poco más un reto. icónica en este libro ilustrado bellamente impreso. cosas puede ser realmente divertido y un buen descanso de los otros dos. por el momento que estoy haciendo que el cliente ya se siente bien con la imagen y Tiene puesta su pequeña mochila de corredor. “Sé lo que es eso”, y no tengo que hacer demasiado explicando. hacer el mejor candidato para el Creo que hay algo en eso. ellos pero no me pondré demasiado detallado sobre cualquier otra cosa. exactamente cómo funcionarán esas una vez que empiece a entrar en la final. ¿ Eso me da suficiente información para este concepto? A lo mejor es como un letrero amarillo o naranja realmente fresco ¿ Cómo se van a construir estas formas? Creo que el personaje central de la figura aquí es el corredor perdido. por lo que no tengo que arreglarlas demasiado en la final. sólo los voy a copiar en utilizo la herramienta de lápiz para acumular muchas de mis formas y crear líneas precisas en mis formas. bajando, y estoy súper seguro de que Entonces tal vez sólo el oso rocía como otro objeto. Me parece realmente útil estar lo más resuelto posible ¿ Qué aspecto tiene eso? ¿Puedo incluso ilustrar refresco? y tienen su cerveza en la mano y obviamente están tan contentos de tenerla. Pero una vez que siento que tengo cinco o seis buenos candidatos, más complejo para mí tratar de hacer frente al mapa uno. exista una imagen en toda esta plaza aquí, fuerte y definitivamente puedo verme a mí mismo ilustrarlo a mi estilo y usando mis técnicas. Entonces tal vez como un retrete más allá de los árboles, Simplemente, ¿muestro un oso como recto arriba-cerca recortado? va a quedar el etiquetado en una lata de cerveza por lo que no es demasiado específico, y por supuesto, la redacción hacia abajo aquí. Creo que ayudará darle más ambiente al mal de alguna manera para poder hacer esto. Algunos soportan conceptos. de estas olas en algún otro lugar del set? No importa. Vamos a tener el árbol y todavía no estoy referenciando ninguna imagen de referencia aquí. es mucho menos probable que vaya tener que hacer cualquier cambio en esa etapa final. Me da un ancho uniforme para mis letras. y salamandras o lo que sea que esté en el suelo. Esto es muy específico a la forma en que trabajo y Me da la oportunidad de incluir algo de suciedad y hierba. para una ilustración interesante dando tus decisiones estilísticas y técnicas. qué bifurcación en el camino a tomar. lo voy a hacer un poco más grande para que pueda Este oso tiene que ser una forma clara que salga de esa manera. Este es un pincel que uso mucho para mis letras en Procreate. A lo mejor no necesito mostrar todo el camino hasta sus zapatos. mi ilustración y trabajarán en mi estilo usando mis técnicas. porque puedo volver con una mente fresca y soy ¿ O cómo se les ocurrió la forma de dibujar a la gente de cierta manera? Siempre encuentro que si estoy tratando de hacerle un boceto Creo que hay algo inteligente creo que está tan claro y hay mucha diversión al respecto. Yo sólo voy a elegir uno de estos que siento que es más fuerte. es algo que no puedo hacer más de una vez en el set y se vuelve un poco atípico. ¿ Al igual que cómo dibujas las cosas de la imaginación? No tengo que preocuparme por rocas y guijarros y palos y raíces para emular que en realidad a menudo solo uso este pincel en su lugar. solo crea un buen punto de partida satisfactorio cuando empiezo a refinar mis bocetos, y que todavía tengo algo de trabajo que hacer en la etapa difícil. En cuanto a la ilustración del combustible, ser un poco más de resolución con mis dibujos. A lo mejor lo que haré primero igual que lo hice en el otro es capaz de ver mis conceptos de manera más objetiva. y estar demasiado suelto al respecto. Entonces recortar aquí es decisión editorial que estoy Es posible que te sientas más cómodo dejando que todo suceda más en la etapa de arte final. y ese tipo de cosas cuando estoy haciendo el arte final. Por supuesto, cuando te metes en la final siempre hay más refinamiento que hacer. y puedo enfocarme en cosas como el color y la textura pongo lo más abotonado posible y luego es sólo una navegación suave, Realmente clavo todo lo que puedo en el boceto, es más probable que tengas que resolver esas cosas en la etapa final. De hecho, si tu técnica no está, diría yo, cristalizada en la forma en que la mía está a lo largo de los muchos años que he estado haciendo esto, Esta etapa es donde empezamos a esbozar nuestras ideas reales. En mi clase de dibujo hacia ilustración, llamo a este modo ideacional o dibujo i-mode. La diferencia entre O-mode e i-mode es que ahora estamos dibujando de nuestra imaginación, no de referencias y mientras que en nuestro O-mode nuestro único objetivo era descargar alguna información visual a nuestra imaginación, en I-mode nuestro objetivo es llegar a la realidad ideas para nuestras ilustraciones. Algunas palabras serán más fáciles de inventar ideas que otras. Si estás representando objetos, la tarea es simplemente representar el objeto de una manera estilizada. Estás pensando mayormente en la forma aquí, no en lo que ilustrarás, sino en cómo ilustrarás tu tema. Si estás representando ideas abstractas por otro lado, tendrás que hacer algo más de trabajo. Estás pensando en lo que ilustrarás además de cómo. Al hacer bosquejos hacia nuestras ideas, comenzamos áspero y pequeños en miniaturas. El objetivo al principio es la cantidad, solo sigue plopando ideas ya que vienen sin preocuparse demasiado por los detalles. Después pasamos por nuestras ideas para ver cuáles nos destacan más. Después elegimos los que más nos gustan y refinamos antes de trasladarlos a las ilustraciones finales. Lo primero que voy a hacer es crear una plantilla en miniatura, porque ahora estamos pensando en ideas, empezaremos a pensar en el formato real de nuestras ilustraciones. tanto que los bocetos en modo O se hicieron en forma libre, recomiendo hacer bocetos usando miniaturas para esta etapa. Entonces cuando hago miniaturas usando procreate, me gusta usar guías de dibujo y al encenderlas, obtienes básicamente papel gráfico o papel de cuadrícula y luego solo puedes medir usando los cuadrados cuál será tu relación de aspecto. Entonces el mío es de ocho por 10, o de cuatro por cinco, así que sólo contaré cada dos cuadrados como una pulgada. Por lo que 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10, por 8, 1,2,3,4,5,6,7,8. Ahora puedes ser tan preciso como quieras, estoy siendo súper preciso aquí solo para que sepa exactamente cuál será mi formato y relación de aspecto tal y como estoy thumbnailing, y por supuesto estas son miniaturas quiero hacerlas un poco más pequeñas, así que solo escala eso hacia abajo proporcionalmente, y probablemente podría caber seis en esta página con bastante facilidad sin que se volvieran demasiado pequeños, así que solo duplicaré eso. Ahora por supuesto puedes hacer esto y simplemente dibujar cuadrados en tu cuaderno de bocetos o en otro programa de tu elección. Esta es sólo una de las muchas formas de hacerlo. Es una tarea bastante sencilla. En última instancia deberías terminar con solo seis miniaturas si estás usando este formato, en mi caso, ocho por 10, puedo caber un seis. Si estás haciendo un formato cuadrado, entonces por supuesto vas a poder caber más aquí, probablemente tres filas o cuatro, y entonces solo voy a escalar eso hacia abajo hasta apenas lo suficientemente ligero como para poder verlas. No necesito que estén totalmente oscuras para poder hacer las miniaturas, solo necesito estar ahí para saber cuáles son mis fronteras. Puedo apagar la guía de dibujo para que esté un poco más limpia, y luego sobre esto, en realidad comenzaré mis bocetos ideacionales. Los bocetos siempre comienzan ásperos e inciertos. Simplemente empieza en la primera miniatura con lo que te venga a la mente. No seas preciosa. No estás perdiendo tiempo y no estás desperdiciando un cuadrado en tu hoja de miniaturas. Toda idea aproximada, cada marca que pongas abajo te dará alguna pista de una idea más específica o de un nuevo pensamiento. Cuando llenes tu página, inicia una nueva. En procreate, solo escondo la capa actual y agrego una nueva, manteniendo siempre visible la capa de cajas de miniaturas pero en una opacidad menor. Si encuentras las miniaturas demasiado restrictivas para llegar a ideas, solo trabaja en una hoja en blanco y preocúpate por el formato y las proporciones más adelante. Lo más importante en esta etapa es tener buenas ideas. Siempre puedes hacer ajustes a las proporciones más adelante. Pasa todo el tiempo que puedas o quieras trabajando tus bocetos en bruto, pero al menos 10 minutos por palabra o concepto aquí. Es posible que encuentres que se necesitan muchos asaltos para sentir realmente que estás llegando a cualquier lugar, pero entonces es posible que te resulte difícil parar. Si te sientes lento para empezar, sigue empujando. Si te cuesta parar, mantén la fiesta en marcha todo el tiempo que puedas, pero claro recuerda que cuantas más ideas tengas, más difícil podría ser elegir en el siguiente paso. Puedes parar una vez que sientas que has encontrado genuinamente al menos una idea prometedora para cada ilustración. Entonces estoy pensando en esas imágenes de oso de las que estaba ilustrando y estoy pensando en la idea de cómo eso juega en mi experiencia de trail running. Una de las primeras ideas que pensé, que puede ser un poco obvia, pero determinaré que más adelante, son los letreros de 'OSO EN AREA' y luego hay algún oso aquí, y bueno, sí quiero asegurarme de que mis bocetos generales terminen luciendo bien eventualmente. este momento solo me estoy centrando en las ideas y luego cuando llegue el momento de los bocetos refinados como elegir las ideas con las que quiero ir, las llevaré a una forma más refinada. Ya sabes, a lo mejor quiero incluir a uno de esos 'OSO EN AREA' solo usando un oso palo aquí, un cartel de 'OSO EN AREA' en un árbol o tal vez en un bosque. También estoy recordando que el formato en el que me inspira es emparejar las imágenes con palabras. Entonces mi palabra aquí con la que estoy trabajando es por supuesto oso y sólo escribiendo esa palabra aquí, grande, donde mi gran palabra va a terminar en mi formato final, me ayuda a tocar la imagen que estoy dibujando o el concepto con la palabra y ver cómo esos trabajan en conjunto. Por lo que podría seguir haciendo eso por todos estos conceptos, bocetos o estas miniaturas. A lo mejor es la idea de un oso parado sobre sus patas traseras, voy a averiguar cómo se ve esa cabeza más tarde, realmente estoy tratando sólo de sacar de la imaginación en este momento. Podría mirar algunas imágenes de referencia más adelante cuando estoy refinando solo para asegurarme de tener algunos detalles bien, pero la idea aquí es solo para sacar la idea a la luz. Entonces estoy pensando en un oso mirando a un árbol y tal vez haya zapato de alguien para implicar que hay un corredor que acaba de correr por un árbol, algo así, tal vez tiene bastones de correr y les cae aquí abajo o algo así. También está el concepto de spray oso, por lo que emparejando palabras con imágenes, podría ser muy potente solo tener una imagen del spray del oso en sí, la lata con una pequeña parte del agujero del dedo gatillo ahí, y luego hacer algo con la etiqueta aquí, algo así como 'BEAR MAX' o inventar algún nombre que no sea demasiado específico pero evoca ese sentido de spray de oso, y luego hay como advertencias de explosividad o lo que sea aquí. Peligro. ¿Necesito mostrar una mano realmente operando el spray de oso? De nuevo, puede que tenga que mirar mi mano para tener una idea de cómo se ve apretar ese gatillo o incluso mirar una imagen, una imagen de referencia sólo para hacerlo bien. Pero en este momento sólo estoy preguntando, ¿esta es una buena idea que vale la pena perseguir y pasar por toda la molestia de refinar más adelante. De nuevo, ¿cómo se empareja con mis palabras? Probablemente haré las proporciones generales de cada ilustración, la ilustración parte un cuadrado, y luego encajar la palabra aquí abajo. Es un corredor que se ha puesto en contacto con un oso en el bosque y están enloqueciendo? Simplemente consigue cualquier idea que te venga a la cabeza en este punto. Es posible que te encuentres entrando en detalle e intentando que tu forma sea correcta y luego regresando y como lo que estoy haciendo aquí, siendo más esquemático o haciendo cosas tipo de figura palo solo para resolver la idea. Ambos están bien en esta etapa. Hacemos un poco de ambos. Aquí tengo algunas ideas que creo que van a funcionar. Lo que haré es pasar al siguiente concepto. Voy a hacer un perdido para mi siguiente ejemplo. Ayuda solo a meter mi mente en este próximo concepto escribiendo la palabra, incluso si no vas a incluir palabras en tu ilustración real en tu proyecto. Escribir la palabra en algún lugar donde estés dibujando podría ser sólo una forma de conseguir algunas marcas en la página y de hacer que fluya de inmediato. Por perdido esta va a ser más complicada. Estoy pensando en alguna imagen que sea clara y evoca una sensación de estar perdido al mismo tiempo. Una idea es un corredor de senderos detrás de un mapa, un mapa de senderos, lo que sea que se vea, tal vez haya un bosque detrás de esta persona. Entonces por supuesto, si hay un mapa, tengo que pensar si va a tener algún mapa real en ese mapa, algo en lo que pensar. Pero sí me gusta esa imagen, es clara e icónica. Alguien está detrás del mapa e incluso sólo el hecho de que estén detrás del mapa los hace perder para nosotros lo que refuerza el concepto. Ahora estoy pensando en esa imagen del corredor que vimos desde atrás que dibujamos en modo observacional en nuestros bocetos preliminares, y él tenía su mochila de hidratación y se estaba encontrando, fuera por algún rastro en alguna parte. Voy a cambiar un poco su situación como si estuviera en un desierto. Estoy más familiarizado con los bosques de ese noroeste del Pacífico, así que eso son los árboles. Es decir, ¿qué puedo agregar a esta idea? Simplemente copiaré y pegaré esto. Eso podría ser más específico sobre estar perdido porque ahora mismo es como tener una carrera. Podría estar disfrutando sintiéndose bien, o puede estar sintiéndose perdido. A lo mejor hay alguna forma de evocar ese sentido con algo más etéreo sentimiento. Un poco menos sobre lo que está sucediendo de manera realista y tal vez sobre lo que está sintiendo. A lo mejor estas olas de niebla o algo que vienen de él. El término que viene a la mente es igual que es etéreo, y tal vez en estas áreas de niebla, podría tener diferentes flechas direccionales para mostrar la sensación de confusión, y tal vez los árboles entran y salen sobre ellos. Crea este juego muy dinámico sobre esta idea de estar perdido. Eso podría ser interesante. Definitivamente podría ver algún potencial realmente interesante de cómo funcionaría mi técnica basada en el grabado aquí con colores superpuestos y sobreimpresiones y cosas por el estilo. Eso podría ser realmente genial. Probemos unos cuantos más. Creo que por este concepto aquí, lo voy a acercar lo más a mi propia experiencia de estar perdido como sea posible. Entonces cuando estoy fuera corriendo senderos, sobre todo senderos con los que no estoy familiarizado, me pierdo cada vez. No hay duda al respecto. Siempre me encuentro cuestionándome en cruces. Estaré en un cruce y lo estaré, ¿es así o es por ahí? Entonces esa experiencia muy específica de estar en un sendero y hay una bifurcación en la carretera y estoy cuestionando, ¿simplemente elijo este camino en base a la intuición o es hora romper mi teléfono y mirar mi mapa y ver donde estoy realmente. Con éste, solo pienso en mí y en mi sombrero de running y mirando mi teléfono desconcertado y en qué camino ir. A menudo hay pequeños marcadores de sendero en los árboles, y en este caso, tal vez en esta ilustración, tendremos uno señalando una dirección y uno apuntando la otra, solo para dar ese sentido de elección. A veces cuando estás perdido, estás perdido en tu elección. No sabes qué camino salir de dos opciones diferentes. Lo cual es una metáfora de la vida. Tenemos, me encanta la sensación de apenas todos estos árboles, estos verticales casi como barras y la luz filtrando a través, algunas de las ramas bajando a la imagen. Entonces aquí estoy pensando en ideas, estoy pensando en composición, estoy pensando en cuál de éstas va a tener el mayor impacto. Siento que no he llenado mi hoja de miniaturas por perdido, pero realmente siento que definitivamente sí tengo algunas opciones fuertes para ir con aquí, y estoy seguro dentro de este set, tendré al menos una con la que seguir en la ilustración final. Aquí te dejamos algunos otros bocetos que elaboré algunas ideas. Tengo aquí, unos bocetos para combustible. Entonces el tipo de comida que comerás en un sendero. Simplemente tengo una mezcla de cosas diferentes como láminas planas de iconicos buscando paquetes de gel energético. Otra cosa que pensé fue tal vez igual usé gel energético como gasté mandíbula energética con top arrancado y la cosa de pegamento azucarado saliendo como un tubo de pasta de dientes usado o algo así. A lo mejor un paquete para mostrar claramente lo que es y uno que se ha utilizado y por supuesto, tal vez un surtido diferente de fuentes de energía naturales y basadas en productos para correr. Algunas otras cosas que tenía por perdido, por sólo las señales de búsqueda de caminos en un tronco de árbol. Esos podrían ser simplemente muy gráficos en sí mismos con un naranja brillante tal vez, o tal vez simplemente sosteniendo un teléfono con tus mapas de rastro, justo ahí. A lo mejor alguien lo está sosteniendo. Ese es un concepto sencillo que podría funcionar bien. Tenía algunas opciones de boceto para popó, aquí tengo a alguien haciendo la escritura y alguien viene por el camino y ella está como enloqueciendo porque eso sería horroroso. Aquí hay algo un poco más astucia. Sólo la cabeza de alguien, ¿qué están haciendo afuera? No lo sabemos pero emparejado con la palabra poop, podría evocar la sensación de que alguien hace ese negocio. Por supuesto, algo un poco más gentil. Una pala, algún desinfectante de manos y un rollo de papel higiénico, por ejemplo. Simplemente más jugando en la idea de la persona en el tronco del árbol, que me gustó mucho. 18. Proyecto | Días de 2 a 4: Set piloto (obras de arte terminadas): Esta etapa es donde todo se une. Aquí es donde utilizarás la técnica elegida para crear ilustraciones terminadas a partir de tus bocetos. Cuando has dominado una técnica, cuando tienes un estilo en el que estás acostumbrado a trabajar, esta etapa se vuelve mucho más fácil. Encuentro que puedo gastar más de la mitad de un proyecto solo en desarrollar bocetos. Cuando llega el momento de ilustrar, es una navegación suave. Esta es una de las grandes ventajas de tener un estilo conjunto o conjunto de estilos en los que estás acostumbrado a trabajar. Lo más probable es que estés probando una técnica que aún no has dominado, y será esta etapa la que probablemente te resulte más difícil. Aquí es donde experimentarás la curva de aprendizaje más empinada y la brecha de sabor más amplia que otros, como Lisa Congdon y Andy. J. Pizza ha señalado, donde lo que imaginas será diferente de lo que puedes hacer en este momento. Se debe esperar en esta etapa, sobre todo en los pilotos, tropezar con algunos escollos técnicos. Te preguntarás cómo hacer todas las cosas como, cómo lograr cierto efecto, qué pincel usar, cómo obtener cierta textura. Todos estos obstáculos son las cosas que mucha gente se rinde en tratar de superar porque es en trabajar a través de estos, o encontrar las solucionaciones que dominarás tu propia técnica, y saldrás del otro lado con una más fiel a ti estilo. Esta es la parte de la clase donde desearía poder darte un paso a paso de tu técnica elegida, mostrarte cómo superar tus obstáculos específicos. Por supuesto, solo trabajo a mi manera y mi propósito no es hacer que todos trabajen a mi estilo. Dicho eso, te guiaré por mi propia manera de hacer las cosas porque, al menos, te puedo decir cómo estoy aplicando los principios imparten en esta clase a mi forma de ilustración, y eso es realmente lo más importante que quiero te dan en esta clase. Quiero que veas cómo el estilo no es sólo algo que hago completamente por intuición, como si por magia. Hay mucho pensamiento real sobre las cosas, estrategias y racionalización. La buena y mala noticia es que, todas las técnicas que quieres aprender están por ahí. Ya sea que quieras aprender gouache, cribado de seda, o Procreate, alguien está impartiendo una clase sobre él. Mi trabajo en esta clase no es darte técnicas específicas, sino guiarte en descubrir tus propias técnicas y elaborarlas en ilustraciones reales. Honestamente, pasar por este proceso de golpear paredes y vallas te va a hacer crecer más que cualquier otra cosa. Encontrarás o aprenderás formas de saltar por encima de tus obstáculos o encontrarás formas de trabajar donde podrás evitar con éxito estos obstáculos por completo. Al final de la etapa, tendrás un set piloto, tal vez 3-4 ilustraciones que demuestren el estilo y enfoque que usarás para el resto del set desde E-Z, o lo que hayas dejado fuera de tu set piloto. Esta probablemente será la etapa más difícil, pero luego podrás llevarte todo lo que aprendiste aquí y dejarte guiar, ojalá más suavemente por el resto del set. Cuando termines tu conjunto piloto, asegúrate de compartirlos en la página del proyecto de la clase junto con algunas reflexiones sobre cómo ha ido o va el proceso para ti. Siempre es tan alentador e inspirador ver tu trabajo arriba, tanto para mí como para otros estudiantes. Una de las cosas enormes de este proyecto es compartir. Compartir nos da práctica y ser vulnerables sobre nuestro trabajo, y en ilustrar para un público. También nos da una valiosa oportunidad para la retroalimentación de los demás. Asegúrate de mirar otros proyectos, dales algo de amor, e incluso algunos comentarios amistosos si puedes. Si planeas compartir en Instagram, por favor asegúrate de usar la etiqueta, laStyleClassSillustration. Yo estoy mirando aquí a mi pantalla y lo que he hecho es que acabo poner todos mis bocetos seleccionados arriba, y acabo de enterarme para poder verlos como un set. Todos ellos tienen un nivel consistente de refinamiento para ellos. Todos son muy claros, y también muy claramente todavía bocetos. Lo que queda por hacer es hacer que la magia suceda con color y textura y forma y todas las demás cosas buenas. Solo tengo que escoger uno de estos y empezar a traerlo a una ilustración. Voy a empezar con el oso. Aquí he tomado mi refinado boceto de oso y lo he copiado y pegado en un nuevo documento de Photoshop. Entonces para mí, simplemente lo llamaré rápidamente la configuración de mi documento. Tienen 2400 píxeles de ancho por 3000 píxeles, o en pulgadas, es decir 8 por 10 pulgadas a 300 puntos por pulgada o píxeles por pulgada. Este es solo el formato en el que elegí trabajar, y ahora, aquí realmente tengo que establecer eso exactamente en Photoshop, es donde las cosas se vuelven reales y tenemos que ser más precisos. Entonces tengo mi boceto aquí. Una de las primeras cosas que hago cuando traigo un boceto a mi archivo de ilustración final es, quería tirar hacia atrás en opacidad, así que simplemente bajé eso a alrededor del 20, 30 por ciento más o menos, y dejé que eso se sentara en la capa inferior grupo que llamo sketch. Eso sólo vive ahí. Puedo hacerlo visible u ocultarlo según necesite, ya que estoy trabajando, y sobre el grupo de capas de boceto, pongo un grupo de capas encima al que llamo arte, y aquí es donde pasa toda mi obra, todo lo terminado pasa dentro de esta carpeta. Muy importante, hago que esta opacidad de capa de todo este grupo se multiplique. Entonces todo lo que hago en ese grupo de capas de arte, el boceto termina mostrando a través de todas esas cosas. Ya verás lo que quiero decir a medida que voy. Por supuesto, como te guía a través de mis propias ilustraciones finales, voy a estar usando Photoshop. Esta es solo la app que uso que me funciona mejor. Si estás usando Photoshop, entonces genial, entonces todas estas se aplicarán, pero aún así, mayoría de estas cosas se van a aplicar a cualquier aplicación que estés usando, ya sea Procreate, Illustrator o de otro modo. Eso es sólo un poco de preámbulo, pero definitivamente lo más importante para salir de esto son las decisiones que estoy tomando. ¿ Cómo estoy aplicando las técnicas y cosas estilísticas que hago a estos problemas particulares de ilustración? Ahora, antes de que nos adelantemos demasiado, vamos a salvar esto. Voy a tomar esta ilustración y sólo nombrarla, oso. Siempre me gusta darle un número de versión ya que este es mi primer intento, lo voy a llamar Bear v1 y luego por supuesto, la pequeña extensión ahí, psd. Lo siguiente que quiero hacer es solo asegurarme de tener mis proporciones. Como decía antes, quiero que las ilustraciones sean un cuadrado perfecto y entonces el resto de ese espacio será donde ponga la palabra. Una forma rápida de solo asegurarme de que haya un cuadrado es, utilizo la herramienta para marquesina, la herramienta para marquesina cuadrada, y solo mantengo el turno para que sea cuadrado perfecto y luego lo llene de borde a borde del lienzo aquí. Entonces solo tomo una guía y la pongo abajo en la parte inferior. Ahí está mi plaza perfecta. Puedo anular la selección. Como ya puedes ver sí tengo que afinar un poco mis proporciones en mi boceto. Puedo ver que donde pretendo poner mis letras es un poco grande. Simplemente pondré eso ahí abajo y estaré haciendo esa letra o costumbre más tarde, así que no importa demasiado sobre exactamente lo grande que es eso ahí abajo. Entonces, claro, aquí arriba, solo quiero asegurarme de que estoy llenando tanto de esta plaza superior como pueda. Simplemente lo guardaré de nuevo y nos vamos a las carreras. Para mí, lo primero que hice es solo, escojo algo en la imagen para empezar a destellar. En este caso, va a ser la forma del oso aquí. Por lo que voy a empezar a hacer mis caminos aquí con la herramienta de lápiz, que uso para obtener estas formas precisas. Tengo estas divertidas partes del dedo del pie aquí para el oso. Tengo que tener cuidado. Yo sólo voy a pasar rápidamente por la forma aquí y luego la puedo refinar un poco más tarde. Ahora, usando trayectorias vectoriales, cuantos menos puntos de control tengas, más fácil es controlar la forma general así que siempre estoy atento a eso. Ese es en realidad un truco que aprendí al hacer letras personalizadas. Creo que fue en el libro de Jessica Hische sobre el diseño de letras, que es totalmente diferente a lo que estoy haciendo, pero algunos principios realmente buenos en cuanto a simplemente construir elegantes caminos vectoriales. Es más una técnica basada en ilustrador, pero me parece que funciona bien. Nuevamente, el principio principal que aprendí aquí es que cuantos menos puntos de control tengas, más fácil es controlar realmente esa forma. Obtendrás menos peculiares asociados a ella así que esa es solo la forma de primer plano del oso. En mi propia técnica en Photoshop, hago estos caminos y luego los aplico a grupos de capas enteros, y luego cualquier cosa que haga dentro de ese grupo de capas se enmascarará por esa forma de camino y te mostraré lo que quiero decir. Podría llenar eso con un color sólido como ese, pero porque quiero tener algunas texturas en esto, voy a usar un pincel que me encanta usar. No puedo recordar cómo este pincel exactamente lo que se llama es uno de los muchos pinceles de Photoshop de Kyle T. Webster. Este es un pincel basado en Guache, creo que es de su set de Mary Blair desde entonces le he llamado algo más específico a algo que estaba haciendo en ese momento, pero lo uso todo el tiempo y solo te voy a mostrar cómo funciona esto. He hecho esa forma de camino, la he enmascarado, y ahora tengo una capa dentro de ese grupo de capas y puedes ver como estoy dibujando, rellena la forma. Yo sólo voy a elegir un color diferente. Cuando estás empezando, puede que no tengas un buen sentido de qué colores empezar. Tengo un puñado de colores, tal vez seis u ocho colores específicos que casi siempre uso tanto como pueda a menos que el cliente me pida que lo haga de otra manera o tenga algunas otras restricciones con las que estoy trabajando, pero que hace que mi elección de color sea fácil. No cubro cómo elegir colores en esta clase. Yo sí entro en ello con Sweet Spots y di algunas indicaciones en cuanto algunos colores puntos de partida si no sabes con qué colores empezar. Por favor, echa un vistazo a eso en la clase, proyectos, y recursos en mi clase Sweet Spots. Empecemos a darme una idea de cómo se va a ver la forma del oso y eso me da una sensación de que estoy progresando y me resulta más fácil simplemente seguir adelante. Una vez que obtengo alguna forma o forma media en la página. A pesar de que esta forma de oso es todo como una forma, estoy haciendo las extremidades traseras o como los pies que van por detrás separados, y eso me da cierta flexibilidad en cuanto a terminarlas después y agregar texturas y ayudando a distinguir primer plano y fondo sobre esta particular forma de oso más adelante. Estas dos extremidades que se desprenden por atrás pueden ser un grupo y lo rellenaré con el mismo color exacto que antes. Probablemente añadiré algunos ya sea sombreado para distinguirlos de las formas del oso que están más cerca en primer plano o usaré líneas. Aquí te dejamos un detalle al que prestaré atención. Hice mi pequeña forma de pata ahí usando la herramienta de bolígrafo y hizo estos bucles, este poquito de espacio negativo aquí. Puedo entrar y realmente ser quisquilloso con ese detalle. Incluso el tamaño de cada dedo. Este pequeño meñuelo aquí puede ser un poco más pequeño, pero son pequeños detalles como ese. Al igual que cuando miro hacia atrás a mi trabajo a lo largo de los años y veo cuando pensé que estaba bien solo dejarlos, hay una energía espontánea para ellos, pero miro hacia atrás y veo un error. Veo algo que puede ser un detalle, tal vez lo llamo un movimiento novato y así ahora me gustaría asegurarme de que todos esos detalles estén realmente planchados. Eso me queda mejor y puedo seguir adelante y por supuesto, puedes optar por empezar solo a hacer tus formularios generales realmente rápidamente y luego volver a esos detalles más adelante. Eso es a menudo lo que hago. Pero a veces si veo algo, sólo me ocuparé de ello de inmediato y seguiré adelante. Eso es algo que puede hacer rápidamente. Pero llenemos un poco más a este oso. Me parece que esta textura sigue un poco demasiado granulada. Quería simplemente llenarlo un poco más y con este pincel en particular, me parece que hacer un poco más grande y luego trabajar más en la punta llena esa textura un poco más sólidamente. A pesar de que este es un pincel técnicamente no basado en la impresión, se supone que es más Guache. Tiene una textura verenie que me recuerda a tinta verenie sobre papel, que muchas pinturas como si nos fijamos en la obra de la Provensena, trabajaron en Guache, pero luego se imprimiría en papeles así que hay este cruce entre esas técnicas de Guache más a técnicas de grabado. Todos me sienten igual así que voy a usar un cepillo diferente para el ojo del oso. Aquí tengo una costumbre, lo llamo como un pincel de Pluma tipo Pluma de Photoshop. Yo uso mucho este para detalles y trabajo de línea y cosas así. Aquí está el peso del ojo, voy a llenar esto con, por supuesto, la pupila para estar oscura. Mis técnicas, incluyendo los colores que quiero usar y cuántos colores quiero usar, están realmente inspiradas en lo que hizo Blexbolex en su trabajo. Donde tenía justo como un puñado de colores y si querías colores que no existían en su paleta o un tono más oscuro, podía mezclar esos colores imprimiendo uno sobre otro. Puedo emular ese Photoshop usando el canal multiplicar o el modo de mezcla multiplicar. Para esto, este azul es en realidad el tono más oscuro que puedo conseguir en los colores que quiero usar. Yo sólo voy a dibujar rápidamente aquí. Yo quiero usar este naranja-rojo. Yo uso esto en casi todas mis artes, es solo uno de mis colores favoritos voy a usar eso. También quiero usar este azul oscuro, claro. Creo que el amarillo va a ser un gran color para el tema trail running. Entonces el verde sería un gran color, claro, porque estás en el bosque, hay mucho verde alrededor, así que sólo tiene sentido tener ese color. Entonces estos cuatro colores, estoy fingiendo que mi pieza va a ser impresa usando un conjunto limitado de tintas, en este caso, estas cuatro. Entonces la pregunta es, ¿cómo puedo realmente trabajar con estos colores y estirarlos tanto como sea posible mientras permanezco dentro de esta restricción. Para el oso, quiero que este ahora sea el color de inicio para que pueda usar el rojo para oscurecer aún más el resto de su cuerpo. Entonces solo voy a ajustar mi modo de mezcla a la normalidad. Voy a elegir un pincel aquí llamado Padrino de Grain, que es de Retro Supply Company, un bonito pincel de influencia de impresión, grabado. Simplemente empiezo a dibujar en alguna textura sobre dejar los bordes un poco inacabados ahí, y eso sugerirá luz. Por supuesto la cara, quiero que sea más ligera, así que voy a evitar el área de la cara. Se puede ver que me perdí parte del relleno en el antebrazo ahí, pero puedo averiguarlo más adelante. Pero sólo ahora pongamos de nuevo el modo de mezcla para multiplicarse. Se puede ver que consigo este bonito tono oscuro que está conformado por el azul y el rojo, el azul profundo y el rojo, y crea un bonito tono más oscuro. Si hago esto por todas partes, va a crear algunos efectos bonitos. Aquí hay algunas peculiares, como algunas de esas rojas de abajo mostrando por aquí. Entonces sólo voy a llenar ese azul detrás. Eso arregla eso. Por supuesto que consiga algunas de las extremidades traseras, estoy creando una nueva capa y consiguiendo mi Padrino de Grain y simplemente llenando eso aquí atrás también. Eso multiplicaré. Entonces estoy encontrando ese azul más profundo solo un poco demasiado oscuro. Creo que si lo aclarara un poco, fui con uno más ligero, probablemente vería más de ese contraste entre las zonas más oscuras teñidas de rojo y el azul de abajo. Entonces lo que voy a hacer es que me voy a quitar eso, he seleccionado igual que un tono más claro ligeramente modificado de ese mismo color, y ya estoy viendo este trabajo mucho mejor. Realmente se ve esa transición sutil pero mucho más notable de las zonas teñidas de rojo o las zonas tintadas de rojo a ese azul. Creo que eso va a pasar mucho más bonito. Del mismo modo que un lado técnico, cuando estás trabajando en impresión, si estás haciendo un libro de ilustraciones por ejemplo, y va a ser sobre ciertos tipos de papel, todo papel sin revestir no brillante, esos los colores más oscuros comienzan a sangrar realmente entre sí. Por lo que tener un color ligeramente más claro, más oscuro realmente ayudará a tus posibilidades de que no se vuelva demasiado confuso al compararlo con los otros colores, sobre todo si dos colores más oscuros se están reventando unos contra otros. Simplemente haré esto también por aquí. Entonces voy a volver a Padrino de Grano. Creo que sólo voy a llenar algunas de estas áreas que siento son un poco ahora demasiado ligeras y contrastia. Queremos ser mayormente oscuros excepto por la cara. Por lo que ahora quiero trabajar en los detalles del oso como la nariz, la boca y algunas de las líneas quizá. Voy a usar un pincel aquí, es un lápiz 4H de la caja de dibujo de Kyle. Creo que si hago blanco aquí y solo uso unos trazos rápidos, eso debería ser suficiente. Ahora voy a poner estos trazos, encima de todas las formas de oso y solo usarla para ordenar algunos de estos detalles que de otra manera se perderían. Creo que lo que haré es que voy a empezar a suavizar un poco y esto solo ayudará a que mis pinceladas sean mucho más suaves de lo que naturalmente puedo hacer con mi propia mano. Para esto, creo que ayudará con seguridad. Pondré eso en torno a los 70 y ahora eso es mucho mejor. Algo de lo que estoy teniendo presente en términos de estilo es entrar en ese trazo ligeramente al principio, casi como un jet landing en la pista. Al principio toca ligeramente y luego el peso completo de la cosa está en la pista. Eso solo deja que el trazo aquí realmente se apague. Entonces no crea un final abrupto a esa forma, creo que es un bonito efecto para este estilo en particular. Aquí arriba, voy a definir también sólo dónde se cruzan el cuello y el pecho del oso con el brazo que está detrás. Nuevamente, simplemente parando corto del brazo ahí. No necesito esta línea para culear todo el camino hasta aquí, si hice eso, solo lo haré muy rápido, verás que llama demasiada atención a esta intersección aquí mismo. No creo que sea necesario distinguir estas dos formas diferentes que están en dos planos diferentes. Lo mismo con lo que está pasando aquí. Tan sólo una pequeña línea para separar un poco más esos dedos desnudos. Ahora, los osos realmente no tienen dedos, pero este no es un oso de aspecto realista y nos estamos tomando algunas libertades. Estos pequeños detalles solo ayudan a darle un poco más de carácter. Siempre puedo revisarlos más tarde si siento que son la manera equivocada de ir. Entonces aquí estoy encontrando que el arco de mi trazo en realidad no está coincidiendo con el arco de la forma del camino que hice ahí, y eso es algo que voy a querer arreglar. Podría arreglarlo ahora o después, pero es algo sólo para tomar nota y sólo tener esa transición sea un poco más suave así. Lo bonito de ese efecto de desvanecimiento, ese avión tocando suavemente al principio es que implica que la línea continúa hacia arriba sin que realmente tengas que poner la línea hasta el final. Es sólo una forma más elegante de colocar esa línea. Para este detalle aquí, solo quiero asegurarme de que estas pequeñas líneas, estas líneas blancas estén enmascarando u oscureciendo u ocultando las cúspitas, estos pequeños rincones agudos aquí dentro. Si solo dejo que ese trazos justo ahí arriba, quita ese pequeño momento agudo de tensión y lo suaviza un poco. lo único que queda por hacer en el oso aquí, claro es la boca. Sólo intentaré acariciar ahí, dejarlo y ver cómo se sienta conmigo más adelante. Entonces en cuanto a la nariz, voy a volver a esa capa roja esta de aquí, y solo usar mi pincel de tinta en esa misma capa y usando el mismo color de rojo. Es la misma idea de imprimir ese tono de lectura sobre el tono azul, que es esa cosa imprimible que estoy tratando de ir en este estilo, y simplemente dibujando esa nariz ahí dentro. Si a veces encuentro que los bordes de lo que he pintado o dibujado, no son exactamente lo que quiero. Puedo usar el juego de herramientas de borrador a un pincel. Este es otro que he nombrado y hace mucho tiempo que he olvidado cuál es el pincel real pero puedo ajustar la herramienta de borrador a este pincel y luego simplemente suavizarlo un poco. Sólo límpialo. No quiero perfectamente crujiente. Yo quiero un poco de una sensación hecha a mano áspera a ella, pero es un pequeño detalle y creo que solo se ve un poco más suave. vez en cuando es agradable ocultar tu boceto y ver cómo viene tu verdadera obra de arte. Me siento bastante bien con este oso, y no se ve súper aterrador o amenazante pero es súper lindo. Creo que sólo voy a seguir adelante con ello. Lo siguiente que voy a hacer es que voy a hacer ese árbol. Creo que para este voy a hacer que el árbol baje alrededor del nivel de los pies del oso. Simplemente dibujaré una pauta ahí, solo para mostrar que los pies del oso son. El fondo del árbol y el oso están ambos sentados en un suelo imaginario que quizá no tenga que dibujar en realidad. Por supuesto, puedo extender el árbol más allá de la parte superior del lienzo porque por supuesto el árbol va más que solo hasta ahí. Nuevamente, estoy conteniendo un grupo de capas con una forma pasada y luego todo lo que dibuje en este grupo de capas estará contenido, tendrá ese bonito borde nítido. Para el árbol, voy a usar, si hace referencia a los colores, me mota para este proyecto. Necesito encontrar alguna manera de hacer marrón. Creo que mi mejor apuesta va a ser en algún lugar en combinar los colores rojo y verde aquí, o en mi imaginación, estas son tintas. Voy a dibujar una capa roja aquí primero, de nuevo, usando mi pincel a base de textura más amplia. Lo que me encanta de este pincel es que puedo hacerlo más grande, pero la textura que sale de él siempre se mantiene la misma escala sin importar lo que haga. Podría seguir cepillando sobre esos y la textura donde esos pequeños pinchazos exactos de blanco viene siempre se quedan en su lugar como si esa es la textura literal real del papel así que eso es genial. Es cierto, se siente un poco torcido así que voy a enderezarlo, tal vez hacerlo un poco más, menos cónico. Lo siguiente que hay que hacer, por supuesto, es hacer que ese árbol sea un poco más marrón. Si dibujo un poco de verde sobre eso, nuevamente configurando el modo de mezcla para multiplicarse. Siento que eso me da un bonito color marrón realmente. Lo siguiente que tal vez quiera hacer es, agregar algunas de las texturas reales quizá de corteza a eso. Creo que lo que voy a hacer es añadir una capa más aquí y usar ese tono azul con el que estaba trabajando. Voy a usar más de una textura de lápiz, y simplemente dibujarlo. Por supuesto, si configuro el modo de mezcla para multiplicarse, repente se oscurece y tiene este bonito efecto de color armonioso. Por último, quiero agregarle solo un poco de textura a este árbol solo para darle un poco de ambiente. Nuevamente, el padrino de verde es genial. A pesar de que estoy usando este pincel granulado, estoy usando el otro, el cepillo más gouache que estoy usando para las texturas anchas. Entonces estoy usando ese pincel lápiz para algunos de esos contornos. En última instancia, me voy a estar pegando a un conjunto muy estrecho, limitado de pinceles y Photoshop que uso de diferentes maneras. El reto está en cómo hacer que todos hagan cosas diferentes. Pero el beneficio de solo usar unos cuantos estilos de pincel en lugar de un pincel diferente para cada posible efecto diferente que desees, es que crea consistencia estilística. Eso es algo enorme si quieres consistencia en tu trabajo, usa siempre los mismos colores. Utilice siempre el mismo conjunto de pinceles. Utilice siempre la misma serie consistente de estilos de letras. Todas esas cosas se suman a lo largo del tiempo. Si miras a través de tu trabajo corporal y si siempre estás siendo consistente de esa manera, emerge un estilo consistente. Sólo voy a usar ese pincel granulado, mismo tono de azul para la armonía. Creo que si solo creo una cosa así, es suficiente. Para esos árboles, voy a usar mi cepillo de gouache aquí. Voy a bajar la talla a tal vez 60, y usar verde por supuesto. Voy a poner suavizado en tal vez al 70 o al 80 por ciento. Lo que no quiero es algo que parezca demasiado mecánico. Yo quiero que haya un poco de rareza en ella. Voy a hacer las ramas aquí solo un poco más de desmayo de lo que las dibujé en el boceto. Dale un poco más de carácter. Podría copiar y pegar eso, tal vez hacer uno más bajo, y si me parece que eso es demasiado obviamente repetitivo, lo que podría hacer es simplemente modificar cada uno de forma independiente. Entonces son duplicados, pero puedo modificarlos cada uno de forma independiente, lo que le dará a cada uno un poco más de una sensación única. Estoy usando la herramienta de borrador aquí para simplemente reducir y afilar algunos de estos, hacer que se vean un poco más como lo decía en serio, y eso es algo enorme cuando estás usando herramientas digitales. El riesgo que corres al usar pinceles de otra persona que están comercialmente disponibles es que otras personas los van a estar usando también. Por lo que no estás listo para irte, si encontraste un pincel que amas, siempre debes encontrar una forma de usarlo de una manera única. ocasiones eso vendrá muy fácilmente justo en la forma en que aterriza por la forma en que tu mano se mueve de forma natural, pero también en cómo modificas las marcas que hace ese pincel en particular. Realmente hace una gran diferencia desde solo usar algún preset o pincel fuera de la caja. Estoy dejando que algunas peculiaridades se queden como estoy haciendo esto, y permitir que algunos accidentes se queden y no preocuparse demasiado por ello, es una estrategia que puedes usar para mantener tu trabajo luciendo espontáneo y no sobrecargado de trabajo. Para hierba usaré un pincel a base de lápiz, algo para que parezca dibujado a mano ahí dentro, y solo estoy pasando por algunos de los pinceles a lápiz que tengo a mano. Vea cuál funciona mejor. Este funciona bien, y sólo estar atento a los anchos que salen. De nuevo, estoy empleando la repetición aquí, si estás pensando en la estilización y principios del diseño. repetición aquí es solo usar tres de lo mismo, pero cada uno también está hecho de forma independiente, lo que hace a cada uno, simplemente crea un poco más de movimiento por lo que es igual pero diferente. Para esos postes, creo que lo que haré por esos postes es ser más preciso. Voy a usar mi herramienta de bolígrafo, y creo que esas serán amarillas. Usé amarillo aquí porque necesito agregar algo de variedad de color, y es solo una oportunidad para traer algo de eso aquí. Para las asas, solo usaré ese azul más oscuro. Quieres que esos mangos se rematen, y estoy libre de entregar esto como un pequeño detalle, y en realidad puedo simplemente duplicar eso. Pon eso en el otro poste, y luego dibujaré los bucles pequeños quizá usando la misma calidad de línea que hice en el oso. Podría incluso simplemente duplicar eso para una mayor repetición. En ocasiones los fondos de esos postes tendrían alguna parte de goma. Entonces algo así. Puede ser algún sentido de un diseño o tal vez estos son postes plegables, y esta es la articulación donde se puede extender, algo así. Bueno, antes de meternos en las letras, sólo echemos un vistazo a la imagen. En este punto, me viene la pregunta de, es suficiente que este oso esté aquí y estos postes estén aquí, pero en realidad no se ve al corredor? Esto me gusta. Creo que si es una serie de trail running y ya lo sabes, entras y ves los postes ahí abajo. Ya hay suficiente historia en la imagen, y hay algo satisfactorio cuando estás viendo una imagen donde se llega a maquillar un poco lo que pasó, llega a participar en hacer el resto de esa imagen. Voy a dejar eso ahí y enfocarme ahora en hacer las letras. A menudo hago mis letras usando un pincel plano usando tinta, y luego pongo eso en papel y escaneo eso en. Pero en realidad tengo una forma de simplemente emularlo digitalmente. Simplemente te mostraré cómo hago eso en Procreate. Voy a subirme aquí a Procreate y voy a crear un nuevo documento aquí. Te mostré antes usando guías de dibujo. Las guías de dibujo son excelentes para hacer letras. Lo que me gusta hacer es conocer a esa guía de dibujo más cerca de decir, un valor de 75. Entonces solo mido mis letras en términos de cuántos cuadrados cuadrícula es cada letra. Entonces sé si necesito hacer, como para esta serie, voy a estar haciendo una palabra por el oso, y luego por perdido y luego así sucesivamente para toda la serie, va a ser bueno saber cuántas cuadrículas utilicé y entonces puedo ser muy consistente sobre las proporciones de mis letras. Para este, utilizo un pincel estilo rotulador plano o cuadrado. Esto va a ser un poco pequeño cuando lo traiga a un Photoshop, así que voy a hacer esto un poco más grande. Apenas en términos de suavizado de caminos o suavizado de trazos como lo hacía en Photoshop. Eso también lo puedes hacer en Procreate. El rasgo en Procreate se llama agilizar. Para este pincel y para letras tenerlo alrededor del 50 por ciento es bueno. Se quita la cruda sacudida de mi mano, pero aun así permite que ocurran algunos accidentes apenas de una manera ligeramente disminuida. Entonces la primera palabra aquí es, por supuesto, oso. Apenas midiendo cuántos cuadrados de rejilla tengo aquí, 3, 4, 5, 6, 7. Ahora, te darás cuenta de que hice ciertos trazos antes de entrar en mis trazos horizontales. Simplemente encuentro que al hacer una palabra y me enfoco en los trazos verticales primero y luego en los trazos horizontales, crea más consistencia en el ritmo de estas letras. Por supuesto, ahora voy a usar una herramienta de borrador para solo cortar algunas de las cosas que salieron crudas de mis manos, refinarla un poco. De nuevo, creo que eso es algo enorme cuando tienes tantos pinceles a tu disposición en herramientas digitales como Procreate y Photoshop. No basta con tener el pincel y el efecto que sale de la caja. Es bueno encontrar una forma de hacer que eso funcione un poco más de una manera personalizada y mostrar que tienes más control sobre tus herramientas. permito que algunos de los bits que borro de nuevo permanezcan visibles igual un poco de una pista de mi proceso sin que sea totalmente oculto o totalmente obvio por otro lado. Antes de ser ilustrador, era diseñador. Me capacitaron como diseñadora y a través de eso, hicimos mucha capacitación tipográfica, aprendiendo sobre cómo se forman las letras en unos sets más oficiales. Gran parte de la forma en que entiendo cómo funciona el lettering viene de eso y también he tenido alguna práctica haciendo más letras a mano de libros de texto como bola de velocidad, libros de texto de letras manuales y otros recursos similares. Apenas entendiendo incluso la idea de hacer tus trazos verticales y tus trazos horizontales, no me lo inventé, eso es solo una técnica que he aprendido a través del estudio eficaz de las lecciones de otras personas. Aquí tengo mi primera palabra. Ahora, va a ser importante para mí cuando vuelva a hacer más palabras que siempre sé qué ajustes uso por lo que es consistente para esta serie. Saber cuántos cuadrados de cuadrícula es alto es parte de ello. La otra parte de ella es solo saber cuándo estoy usando mi pincel plano aquí, cuál es el ajuste de tamaño que utilicé. Yo sólo voy a hacer una nota de que estos, creo que eran 16 por ciento, y sólo voy a escribir eso aquí abajo en el documento. Hoja de cálculo fue de 16 por ciento. Ahora solo voy a copiar esto y pegar esto en Photoshop. Porque este es un iPad y estoy trabajando en un Mac, solo puedo usar AirDrop para eso, así que solo copio eso, y luego cuando entre aquí en Photoshop, voy a subir justo a la capa superior y arte, pieza que en, y que casi es un tamaño perfecto, que funcionó bien. Por supuesto que tengo algunos ajustes que hacer a esta palabra. Voy a acercar la R a la A. Me gustaría hacerla leer también y darle un poco más de las texturas que son evidentes en otros lugares. Creo que es sutil pero no tiene ninguna de las mismas texturas y quiero que eso pase también. Lo que voy a hacer es simplemente cortar todo el asunto. Voy a ir a canales y muestro esta técnica en ilustraciones inky específicamente donde uso canales para muestrear en texturas inky. Funciona de la misma manera con cualquier tipo de marca haciendo cualquier tipo de medio. Pero básicamente, creo un canal de estas marcas, en este caso letras, y luego hago clic derecho en el canal alfa y luego uso la máscara que carga para crear un relleno de color sólido dentro de la forma de esos letras. Yo quería hacer de este ese color rojo, pero voy a dejarlo ese color azul, y te voy a mostrar por qué. Yo sólo voy a traer esto aquí abajo. Ese es en realidad el color más oscuro. Yo sólo voy a traer eso aquí abajo. En realidad voy a convertir eso en un Objeto Inteligente para que si lo dimensiono arriba y abajo, no pierda ninguna información. Voy a reducirlo un poco, ponlo aquí. Aquí es como voy a conseguir esa textura que obtuve del pincel. Simplemente voy a hacer una capa encima y luego seleccionar el pincel de textura, asegurarme de que esté configurado en mi color rojo, y voy a empezar a pintar sobre eso con ese mismo pincel. Ahora, aquí es donde sucede la magia. Si golpeo la Opción de Comando G, eso crea una máscara a partir de las marcas de abajo y me permite pintar lo que quiera encima de ella y solo toma las cualidades de las texturas o lo que sea que esté pasando en esta capa superior aquí. Photoshop llama oficialmente a esta máscara de recorte. También podrías simplemente hacer clic derecho en esa capa e ir a crear máscara de recorte y eso aplica esa textura y color que hice encima de ella a abajo y de repente tienes esta imagen armoniosa, todas las mismas texturas pasando, un poco de variedad porque he usado diferentes pinceles y definida armonía de color porque he usado sólo cuatro colores y los he combinado para hacer colores adicionales, y todo lo que se junta realmente bien en la imagen final. Habiendo hecho el oso, supongo que pasaremos a la siguiente ilustración. El siguiente al que quiero abordar está perdido. He pegado mi boceto aquí en el archivo de arte final, y ahora solo puedo asegurarme de que esté sentado en ese espacio muy bien. Simplemente voy a separar tal vez la parte de letras de la parte de ilustración real. Voy a poner más de cerca las letras donde terminará más adelante. Entonces éste, lo voy a hacer caber, quiero que esas piernas bajen hasta el fondo de esta plaza. La diferencia entre éste y la ilustración de oso que acabo de hacer es que el oso donde estaban los pies del oso en el fondo del árbol se sentó un poco por encima de esa línea base, esa guía que tengo ahí. Este va a ir hasta ese guía y vamos a cortar un poco las piernas de trail runners aquí. Mientras componga esta imagen de la manera correcta, se verá bien. He tenido ese boceto y jalé hacia atrás en menos opaco y luego tengo todo en la capa de arte. Ahora, he hecho una acción que sólo hace todo eso automáticamente ahora, pero hace exactamente lo que mostré en la última imagen donde tengo el boceto en una capa y jalé hacia atrás alrededor del 20 por ciento, y luego todo el arte pasa en el arte grupo de capas. De nuevo, me gustaría empezar con lo que más me destaca en la imagen, ese siempre es mi punto de partida, y por supuesto t, hat va a ser el personaje en este caso. Creo que he elegido una parte complicada de él para empezar, pero voy a rodar con ella. Es complicado porque aquí hay muchas capas. Ahí está su tríceps o la parte superior de su brazo, y luego eso se superpone a su antebrazo. Y luego está el teléfono y los dedos ahí. Eso es un poco mucho, pero voy a entrar audazmente en eso todos modos y lo resolveré en un rato. En realidad voy a tratar todo su torso hasta las rodillas como una sola pieza por ahora. Voy a crear mi primer grupo de capas enmascaradas así. Creo que voy a introducir sólo un color extra aquí, algo así como un rosa realmente pálido. Usaré eso como mi color base. medida que avanzas en tu set, es posible que encuentres que necesitas modificar tus restricciones un poco. En este caso, una de mis limitaciones fue tener esos cuatro colores. En realidad he decidido que quiero un color más, color base con el que trabajar. Ahora tengo el rojo anaranjado a verde, ese azul más profundo y el amarillo y ahora estoy agregando el rosa, este rosa muy pálido. A partir de esto, puedo obtener todo tipo de tonos adicionales aumentándolo por otros colores. Esas son mis primeras formas abajo. Ahora por supuesto, no lleva ropa que sea de ese solo color. Creo que sus pantalones cortos van a ser así de azul más profundo aquí abajo, sólo voy a áspera eso en. Entonces, creo que su camisa, voy a empezar con un amarillo y a ver cómo va eso. Solo estoy pensando en cuáles serán los colores de los árboles detrás de él, así que necesito colores que sean diferentes a eso. Ahora solo voy a usar una herramienta de bolígrafo aquí solo para hacer que esa camisa sea un poco más precisa y cortada. Simplemente esconderé mi boceto por un segundo solo para ver cómo va eso. Todavía no mucho que apreciar realmente, así que voy a seguir enchufándome. Empieza como pack, lo que me dará una oportunidad de hacer otro color, ese naranja-rojo será genial para esto. A mí me gusta usar este pincel de textura porque permite los colores debajo de él, no solo como si voy sobre blanco, puedes ver el papel blanco o el color de la página venir. También deja que los colores que está sobre arriba brillen a través de esos pequeños puntos peppery ahí, esos pequeños puntos salados o especificaciones saladas. Para el cabello, realmente no necesito ser súper preciso, no lo creo. Creo que dejaré el borde de este pincel aquí para ser el borde de su cabello porque el cabello tiende a ser una característica más suave de todos modos. Creo que puedo agregar aquí está su dedo aquí metiendo en la interfaz del mapa aquí y puedo colarme eso aquí y ver que pueden conseguir que eso se vea bien. Por supuesto, solo llénalo con ese mismo color rosa. A lo mejor lo que haremos a continuación es agregar algunos detalles por encima. Entonces voy a volver a ese mismo lápiz 4H que usé para el trabajo de línea del oso. Recuerdo que había establecido el porcentaje de suavizado alrededor 70 y eso me permite tener un poco más de una calidad de línea controlada. Tenía unas arrugas aquí, donde esa línea cambia bruscamente de dirección. Agregar unas líneas de arrugas ahí hace que ese cambio sea un poco más natural de alguna manera, aunque sea muy estilizado. Añadiré algunos detalles en el pack aquí. Para esto, estableceré la opacidad de capa de este trabajo de línea para que se multiplique y eso le dará un tono más oscuro y lo dejará armonizar, el rojo de abajo, y se ve más integrado en lugar de simplemente sentarse encima de ella. No me gusta cómo eso corta, sólo voy a bajarlo un poco. Ahora, una cosa que podrías ver en un pack son algunas cuerdas elásticas que agregan tensión a un costado u otros lugares. Entonces tal vez vamos a agregar uno más ahí y uno más aquí, y luego para este bolsillo de aquí, se siente demasiado del rojo, lo romperé con un poco de blanco para reventar. A veces es agradable dejar que parte de la página respire a través de la imagen, por lo que dejar pasar algún espacio negativo a veces es algo genial. Trae eso en un poco más sutilmente. Puedo hacer el pincel un poco más transparente casi, más de esa textura para salir si solo uso el costado de mi lápiz en lugar de la punta. Entonces encima de eso, agregaré más trabajo de línea. Esta vez, será como coser. Para mí, en lugar de dibujar las líneas de puntada así, es más fácil simplemente dibujar la línea sólida y luego usar el pincel de goma de borrar y cortar eso así. Si bien estoy haciendo mi trabajo de línea aquí, agregaré algunos detalles a los dedos. Dejaré eso como está por ahora. Entonces voy a dibujar su sombrero ahora y creo que voy a hacer su sombrero verde. Entonces tal vez un poco del cost 19. Proyecto | Días de 5 a 26: Completar el set: Esta es la parte donde se completa todo el conjunto de ilustraciones. Tu objetivo, por supuesto, es tener una serie de 26 ilustraciones que creaste sobre él igual de días. Puedes tomarte más tiempo si lo necesitas, o puedes intentar apretar estos en menos días, si te sientes ambicioso. La mayor fortaleza de este proyecto está en cómo te reta trabajar en un objetivo concentrado durante un periodo de tiempo más largo. No sólo aprenderás una tonelada sobre el estilo y la técnica en la que quieres trabajar, sino en cómo cambias y creces con el tiempo. Sin duda, tu última ilustración va a ser diferente a tu primera, sobre todo si estás aprendiendo algunas técnicas nuevas. El objetivo de este proyecto, al menos al principio, es no tener un conjunto perfectamente cohesivo de la A a la Z. El punto, es que crezcas y te pongas mejor. Con lo que podrías terminar es un conjunto que evoluciona a lo largo del proyecto. Si lo deseas siempre puedes volver al set y trabajar las torceduras más tarde. Cuando se trata de tener un proyecto diario que compartes con los demás, no se trata de que cada ilustración salga perfecta y nunca cambie en calidad de una a otra, lo que es más interesante es mirar hacia atrás a todo el set, y ver tú el artista creciendo, y evolucionando, y mejorando. Un proyecto diario no es una historia de cuán perfectamente cohesionado es tu estilo, sino de cómo lo estás elaborando y aprendiendo cosas nuevas en el camino. Esa es la historia en la que otros se inspirarán, y esa es la historia que deberíamos querer para nosotros mismos. Ahora, voy a ser honesto aquí, he hecho mi juego de paletas, pero al momento de grabar esta clase, eso es hasta donde he ido. Si bien completo mi alfabeto de trail running, honestamente, he estado queriendo hacer más ilustración temática de running, y esta clase me dio la oportunidad de hacerlo en realidad. Quién sabe, tal vez estaré tan inspirada en tus propios sets completos. Todos me patearán el trasero tan fuerte que sentiré que no tengo otra opción. De cualquier manera, habiendo hecho la paleta, ya aprendí una tonelada sobre cómo me acerco a este tema, y ahora tengo algo en lo que puedo escoger, cuando quiero hacer un proyecto más personal, o crear contenido para Instagram. Un proyecto de varios días no tiene que pasar todos los días. Puede suceder con la mayor frecuencia que puedas o quieras. Ese es quizá mi aliento a quienes sienten que el 26 sigue siendo demasiado trabajo. Entiendo, estamos ocupados y la vida pasa. Incluso si completas el proyecto de paleta, estarás tan avanzado en cuanto a aprender nuevas técnicas, y elaborar tus preguntas de estilo. Te animo a completar al menos la paleta, y luego siéntete libre de dejarla en eso. Pero sé que si haces el 26 completo, no habrá nada que te detenga. 20. ¡Comentarios finales!: Muy bien, chicos, lo hicimos. Solucionamos todos tus problemas de estilo y ahora tienes un estilo singular completamente único y nunca tendrás que preocuparte por tu estilo de ilustración nunca más. Eso es genial. A lo mejor aún tienes preguntas, pero espero que tus preguntas sean más específicas e incluso que tengas más de ellas porque no es tener preguntas lo que nos retiene, pero no saber las preguntas correctas que hacer. Ojalá, al pasar por las conferencias, ejercicios, y proyecto de esta clase, te darás cuenta de que estás formando más de las preguntas correctas a hacer y que eres capaz de empujar hacia adelante y no quedarte tan atascado más. Nuevamente, todo mi propósito para esta clase es mostrarte que el estilo no es algo que puedas descifrar de una vez por todas, que es algo que descubres con el tiempo medida que evolucionas y a medida que evoluciona contigo. Ya sea que seas un ilustrador tipo artista con un estilo único muy disciplinado, o ilustrador tipo diseñador con un puñado de estilos a tu disposición, estilo es una herramienta que puedes usar para ayudarte en tu trabajo. El estilo te dirige a ti y a tus clientes y no al revés. No tienes que sentirte atrapado por un estilo en el que nunca te sentiste cómodo en primer lugar. Encontrar tu estilo se trata de saber qué te inspira, cómo tomar esa inspiración y canalizarla hacia tu propio trabajo de una manera auténtica. Cuando haces esto, no es cuestión de qué estilo es el adecuado para ti, sino de qué formas de trabajar funcionan mejor para ti y qué te da alegría y experimentar crecimiento y transformación a lo largo del camino. A medida que trabajas en tus ejercicios y proyectos, por favor compártelo en la página del proyecto de la clase. El mejor modo de obtener retroalimentación de mí y de otros es compartiéndola aquí con el resto de la clase. Me encanta ver tanto tus proyectos. Sé que este es uno de los proyectos más grandes y ambiciosos hasta ahora y les agradezco mucho su tiempo y compromiso aquí. Como siempre, cuando compartes en Instagram, por favor asegúrate de usar el hashtag, #thestyleclassillustration. Me encanta ver tu trabajo en la naturaleza, y esta es la mejor manera para que lo descubra fuera de Skillshare. Chicos, esta clase ha sido un doozy de armar, pero ha sido una alegría enseñar. Muchas gracias por tomar la clase y por su apoyo como la armé. Yo sólo quiero decir que hubo un momento mientras estaba escribiendo esta clase cuando dudé que esta clase se iba a unir, y tantos de ustedes me enviaron palabras de aliento y es por su apoyo que pude seguir adelante, así que gracias. No puedo esperar a ver qué haces para la clase, y cómo te ayuda en tu propio trabajo. Gracias otra vez. Te veré en la siguiente clase. 21. Profundiza con una sesión 1 a 1: Oye, sólo una última cosa. Si disfrutaste de esta clase y te gustaría llegar al siguiente nivel en tu viaje creativo. Me complace anunciar que ofrezco sesiones de coaching uno a uno en colaboración con Skillshare Estas son videollamadas directas de 1 hora conmigo donde puedes obtener un soporte personal más personalizado en las áreas que más necesitas, incluyendo reseñas de portafolio y críticas de ilustración, asesoría de industria y carrera, tutoriales personalizados y por supuesto, apoyo personal directo con cualquiera de mis clases, incluyendo esta, sesiones cuestan $130 o $105 si eres Patrin en las áreas que más necesitas, incluyendo reseñas de portafolio y críticas de ilustración, asesoría de industria y carrera, tutoriales personalizados y por supuesto, apoyo personal directo con cualquiera de mis clases, incluyendo esta, las sesiones cuestan $130 o $105 si eres Patrin partidario y solo $80 si eres estudiante en un colegio o universidad que califica Ahora sé que esto no es una pequeña inversión, así que me gustaría darles una idea del valor que aporto a quienes les dan una oportunidad a estas sesiones una a una. Lo número uno que dicen mis clientes sus sesiones es que vengo preparado, te doy toda mi atención y que mis preguntas y percepciones son muy personalizadas a tu situación única. En una reseña, Daniel S. Escribió, Tom se preparó muy bien para nuestra sesión. Él hizo muy buenas preguntas, tenía mucha curiosidad, y sentí que era una sesión muy personalizada. Por supuesto, al final de tu sesión, trabajo contigo para crear próximos pasos concretos y accionables a dar en tu viaje para reservar tu sesión Encuentra el enlace de reserva en mi página de perfil de skillshare o puedes visitar Tom Frost.com Abro solo ocho puestos de coaching al mes, así que por favor no te demores reservar el tuyo hoy. Espero conocerte pronto.