Dibujar para ilustrar: une tu forma de dibujar con tu forma de ilustrar | Tom Froese | Skillshare
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Dibujar para ilustrar: une tu forma de dibujar con tu forma de ilustrar

teacher avatar Tom Froese, Illustrator and Designer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:43

    • 2.

      ACERCA DE ESTA CLASE

      3:10

    • 3.

      Introducción: dibujar para ilustrar

      5:35

    • 4.

      Introducción: herramientas y técnicas

      4:25

    • 5.

      Introducción: las tres "C" del bocetaje

      4:38

    • 6.

      Introducción: los dos modos del cerebro

      3:54

    • 7.

      Introducción: los 5 puntos críticos del dibujo

      11:27

    • 8.

      Introducción: estilización y selección

      8:12

    • 9.

      Introducción: iteración (la salsa especial)

      3:02

    • 10.

      Ejercicios: puesta en marcha

      1:52

    • 11.

      Ejercicio 1: la silla

      12:05

    • 12.

      Ejercicio 2: la planta de interiores

      13:27

    • 13.

      Ejercicio 3: el espacio de trabajo

      16:27

    • 14.

      Ejercicio 4: la figura

      24:44

    • 15.

      Proyecto final: inicio

      1:57

    • 16.

      Proyecto final: bocetos en borrador

      16:03

    • 17.

      Proyecto final: bocetos refinados

      21:03

    • 18.

      Proyecto final: obra de arte terminada

      31:33

    • 19.

      ¡Conclusión!

      2:04

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

13.643

Estudiantes

277

Proyectos

Acerca de esta clase

En esta clase aprenderás a usar el dibujo como una herramienta de ilustración. Si quieres descubrir tu ilustrador interior, dibujar con más confianza y de memoria, y aprender a conectar la forma en que dibujas con tu forma de ilustrar, esta clase es para ti.

Acompaña a Tom mientras te guía a través de una serie de miniconferencias repletas de información en la Introducción y luego a través de una serie de divertidos ejercicios de dibujo que enseñan los dos modos de dibujar. Para el proyecto final, podrás unir todo en una escena ilustrada de página completa con tu estilo. Durante el proceso, aprenderás algunas ideas y técnicas importantes que te ayudarán a usar el dibujo con más intención como una herramienta de ilustración.

A pesar de ser artistas talentosos, muchos estudiantes le han dicho a Tom que tienen dificultades para dibujar. Los puntos más críticos son los siguientes:

  1. ¿Cómo dibujar de memoria, sin referencias?
  2. ¿Cómo dibujar con más simplicidad?
  3. ¿Cómo dibujar escenas completas y armoniosas que incluyan fondos?
  4. ¿Cómo dibujar con más confianza?
  5. ¿Cómo traducir los bocetos en una ilustración final?

Tom espera que al tomar esta clase, confiarás más en tu forma de dibujar, encontrarás una conexión más fuerte entre cómo dibujas y cómo quieres ilustrar y, en última instancia, tendrás más libertad creativa y poder en tu proceso de ilustración.

Como pasa con todas las clases de Tom, en esta clase no hay atajos. Así que abróchate el cinturón y prepárate para un viaje a lo más profundo de su enfoque singular del dibujo hacia la ilustración. Lo más importante será aprender lo que él llama los dos modos de dibujar: el modo de observación, al principio, y el modo de imaginación, después.

Como no podía ser de otra manera, Tom te trae un proyecto de ilustración divertido y muy fácil de compartir para que pongas en práctica tus nuevos conocimientos. En esta clase, podrás crear una escena ilustrada de página completa de tu espacio de trabajo o estudio de ensueño, con un primer plano y un fondo y muchos detalles divertidos. Si consigues terminarla, obtendrás lo que podría ser una de tus piezas más ambiciosas del portafolio. Pero, hablando en serio, el simple hecho de revisar su propio proyecto para los videos, hizo que Tom aprendiera muchas cosas que pudo poner en práctica en su trabajo real con los clientes, de inmediato.

AGRADECIMIENTO ESPECIAL A:
Tiffany Chow
Keren Duchan
Ohn Mar Win
Alanna Cartier
RJ Bruni de Inmist Media House

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Tom Froese

Illustrator and Designer

Top Teacher

Tom Froese is an award winning illustrator, teacher, and speaker. He loves making images that make people happy. In his work, you will experience a flurry of joyful colours, spontaneous textures, and quirky shapes. Freelancing since 2013, Tom has worked for brands and businesses all over the world. Esteemed clients include Yahoo!, Airbnb, GQ France, and Abrams Publishing. His creative and diverse body of work includes maps, murals, picture books, packaging, editorial, and advertising. Tom graduated from the Nova Scotia College of Art & Design with a B.Des (honours) in 2009.

As a teacher, Tom loves to inspire fellow creatives to become better at what they do. He is dedicated to the Skillshare community, where he has taught tens of thousands of students his unique approache... Ver perfil completo

Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Introducción: El dibujo es el núcleo de todo arte y eso incluye la ilustración. Si eso es cierto, entonces ¿por qué tantos ilustradores luchan con el dibujo? Si quieres dibujar con más confianza de corazón y conectarte más perfección cómo dibujas con cómo ilustras, no estás solo. Mi nombre es Tom Froese. Soy una ilustradora galardonada y una maestra superior aquí en Skillshare, donde he ayudado a decenas de miles de estudiantes desbloquear el mundo de la ilustración comercial. Cuando empezaba como ilustrador, encontré que si bien era bueno dibujando y tenía un don para la ilustración, no podía conectar esos dos mundos. Mi forma de dibujar y mi manera de ilustrar dónde un dos cosas separadas, y siempre fue una lucha para juntar estas cosas. En los primeros días como ilustrador trabajando para clientes, si bien pude idear conceptos decentes en bocetos sueltos, siempre fue una apuesta en cuanto a si podría ejecutarlos en mi estilo de ilustración final. Esto no sólo creó mucha incertidumbre en mi proceso, me costó mucho tiempo y realmente se comió a mi confianza como artista. Más importante aún, creó mucha ansiedad ya que corrí entregando las expectativas de mi cliente mientras cumplía con la gran fecha límite. Por suerte, desde entonces, he podido desarrollar un proceso que me ayuda a superar estos retos de manera confiable una y otra vez. Uno de los descubrimientos más importantes para mí ha sido en aprender verdaderamente a dibujar hacia la ilustración. Ahora, me emociona mostrarte lo que he aprendido, que puedas usar el dibujo de manera más poderosa en tu propio proceso de ilustración. Acompáñame como te guía primero a través de una serie de mini-conferencias, diciéndote todo lo que sé sobre dibujar hacia la ilustración. Entonces lo vamos a probar todo en algunos ejercicios, construyendo algunas habilidades fundamentales y dibujo, primero desde la observación y luego desde el corazón. Entonces en el proyecto final, lo vamos a armar todo armónicamente en una escena ilustrada de página completa a tu estilo. No importa qué tipo de artista seas, dibujo se trata de cuestionar tu habilidad más importante y el influencer clave de tu estilo. Cuanto más seguro estés en cómo dibujas, más efectivo estarás en tu arte, y en última instancia, más libre y menos ansioso estarás mientras dibujas hacia la ilustración en tu trabajo de cliente. 2. ACERCA DE ESTA CLASE: Esta clase se desglosa en tres secciones principales, la imprimación, los ejercicios, y el proyecto final. El cebador es donde pongo algunas de mis ideas y principios clave para ayudarte a guiarte a través de los ejercicios y proyecto final y por supuesto, a través de tu propio viaje como ilustrador. En los ejercicios se llega a poner en práctica la teoría. Aquí, te guiaré a través de algunas tareas de dibujo desafiantes pero divertidas. Juntos experimentaremos lo que yo llamo el cambio de modo, la experiencia de dibujar primero en modo observación y luego en modo ideación. No te preocupes, te contaré más sobre estos en la imprimación. El proyecto final es donde llegamos a poner a prueba todo lo aprendido en la imprimación y ejercicios, una ilustración de página completa de una escena con un tema y un fondo y muchos detalles. Nos estaremos centrando principalmente en el aspecto de dibujo y bocetos del proceso. Mi esperanza es que cualquier estudiante pueda aplicar los principios que se imparten en esta clase hacia su propio estilo de ilustración utilizando sus propias herramientas y técnicas preferidas. Dicho esto, estaré mostrando una visión general de mi propio proceso de ilustración mientras completa mi propia escena para mostrar un ejemplo de cómo puede ser la transición del boceto al final. En cuanto a habilidades y equipos requeridos, quienes tengan al menos alguna instrucción y experiencia de dibujo tradicional, que estén luchando para que este dibujo les funcione en su ilustración, se beneficiarán más de esta clase. En cuanto a equipamiento, realmente no necesitas mucho, solo un lápiz y algún papel o un cuaderno de bocetos, al menos hasta que lleves las cosas a tu propio estilo de ilustración en el proyecto final. Ya sea que uses Procreate o un buen lápiz y papel viejo, realmente depende de ti, realmente no importa. Para el proyecto final, nuevamente puedes traer tus propias herramientas y equipos. Lo que usas depende totalmente de ti. Si estás en una vía rápida para completar esta clase, probablemente podrías completarla en un día, al menos el componente de dibujo. Es posible que encuentres que necesites otro día o así para trabajar en tu proyecto final sin embargo. Por supuesto, realmente no hay límite de tiempo en esta clase, y eres bienvenido a pasar por los ejercicios rápidamente, todos a la vez, o lentamente uno a la vez como puedas. En cuanto a lo que obtendrás de esta clase, te va a ayudar a desarrollar tus habilidades de dibujo para ayudarte a dibujar con más confianza de corazón y a conectar cómo dibujas con tu estilo de ilustración final. Solo quiero recalcar una vez más que esta no es una clase para ayudarte a dibujar de manera realista. Por supuesto te estaré mostrando algunos trucos realmente útiles para dibujar a partir de la observación. Pero en todo caso, probablemente te voy a animar a que te dejes dibujar mal. En mi experiencia, no es lo que puedes dibujar, es lo que no puedes eso es la clave de tu estilo de ilustración. Creo que estoy listo para meterme en ello, así que vamos. 3. Introducción: dibujar para ilustrar: Dibujo para ilustración es diferente de lo la mayoría de nosotros pensamos cuando pensamos en dibujar. Cuando hablo de dibujo para ilustración, pienso específicamente en el proceso de desarrollo de ideas utilizando el dibujo con el objetivo final de una ilustración terminada en mente. El producto final no es un dibujo, es una ilustración, o más importante, es una expresión visual de una idea. Si nosotros los ilustradores no dibujamos cosas, sino expresamos ideas, ¿en dónde encaja el dibujo? Bueno, no nos equivoquemos. El dibujo es crucial para el proceso de ilustración. Pero creo que estamos empate en escenarios tradicionales. Sólo un tipo de dibujo que es dibujar de la vida o referencias de una manera representacional más realista. El objetivo con el dibujo tradicional es imitar la realidad. Cuanto más precisa sea la representación, más valoramos el dibujo. No digo que esto no sea impresionante, y ciertamente no estoy diciendo que esto no sea una habilidad valiosa. Yo sí creo, sin embargo, que hay una brecha en la mayor parte de nuestra formación como ilustradores, donde se trata de conectar nuestras capacidades de dibujo con nuestras voces como ilustradores. Creo que es comprensible por qué enseñar otras personas su voz o estilo es casi imposible. No puedes encontrar tu propia voz en el libro, video, o clase de otra persona. No obstante, creo que es posible mostrar otras pistas para encontrar su voz a través de ciertas técnicas. Eso es lo que quiero hacer en esta clase. Uno de los mayores descubrimientos que he hecho es que nuestra voz no viene de ser técnicamente precisa en cómo dibujamos, sino en realidad en cómo expresamos ideas a pesar de cómo no podemos dibujar. Permítanme explicarlo describiendo mi proceso de ilustración en dos pasos que estaremos utilizando en los ejercicios más adelante. Cuando estoy trabajando hacia una ilustración para un cliente, ¿qué crees que es lo primero que hago? Podrían adivinar que empiezo por esbozar qué ideas. Sí, sí empiezo a bosquejar, pero al principio, sólo observacionalmente. Todavía no estoy trabajando hacia las ideas. Digamos que necesito ilustrar una página completa para una revista en ejecución. Quieren que ilustre algo sobre mantenerme seguro y saludable al correr en el clima caluroso. Lo primero que voy a hacer es salir y recoger algunas referencias de imagen en torno al tema de correr. Por supuesto, busca imágenes específicas que se relacionen con ideas encontradas en el artículo. Ahora tengo fotos de referencia de personas corriendo, tal vez imágenes de lugares que correría la gente, equipo de hidratación, protector solar, gafas de sol, básicamente un mishmash de imágenes que se relacionan con ideas en el artículo. Ahora ya estoy listo para empezar a bosquejar, pero al principio, no estoy dibujando ideas. Simplemente estoy dibujando lo que veo en mis imágenes de referencia. esto lo llamo observacional o modo uno dibujo. En mi clase de deportes dulces, a esto lo llamo bocetos gratis. Está libre de presión tener alguna idea, es solo una forma de descargar información visual en mi mente que literalmente puedo dibujar desde más adelante en el segundo paso, o lo que llamo bocetos del modo 2. Entonces en cierto punto, he dibujado mis referencias observacionalmente, y ahora estoy listo para entrar en el segundo modo, el dibujo ideacional. En este modo, ya no estoy mirando mis referencias. dejo a un lado y lo intento todo lo que puedo no hacer referencia a ellos a menos que sea absolutamente necesario. Al hacer esto, empiezo a dibujar las cosas un poco mal. Si bien esto puede parecer una desventaja, en realidad es mi mayor fuerza. Conozco bastante la idea general de mi tema o el contenido de mi ilustración para saber qué debe incluirse. Pero entonces tengo que maquillarme o inventar cómo se ve en realidad, cómo encaja todo en la composición. Es en esta traducción desde dibujar lo que veo, hasta dibujar lo que recuerdo, y en última instancia lo que necesito simbolizar en el dibujo donde más creatividad ocurre. Por eso creo que el dibujo ideacional o modo 2 es más creativo que el dibujo observacional o modo 1. El dibujo ideacional no es mejor y casi no es posible sin el dibujo observacional. Los dos son socios y uno lleva al siguiente. De la misma manera que se necesita la primera marcha de un auto para que el auto se mueva lo suficientemente rápido como para entrar en segunda marcha. Para resumir; dibujar para ilustradores es todo acerca de entender estos dos modos de dibujo y saber cómo y cuándo usar cada uno. Nuestro objetivo como ilustradores comerciales, especialmente aquellos que trabajan de una manera gráfica más estilizada, es dibujar simbólicamente más que literalmente. Dado que nuestras imágenes son ideas visualizadas, todo lo que dibujamos en nuestro arte se convierte más una interpretación o una simbolización de lo real. El activo intérprete, primero debemos ver un objeto por lo que es, pero luego expresarlo por lo que significa para nosotros. 4. Introducción: herramientas y técnicas: Para dibujar y bosquejar, las herramientas siempre son simples; un lápiz y papel o sus equivalentes digitales. En cuanto a técnicas, en esta clase, nos vamos a centrar en algunas técnicas de dibujo muy simples. Para algunos, éstos pueden venir de forma natural, mientras que para otros, pueden sentirse forzados, al menos al principio. Pero para quienes quieran apuntar a un estilo más gráfico y la ilustración y relacionar más su estilo de dibujo de esta manera, son esenciales las siguientes técnicas. La técnica fundamental que utilizo es el dibujo de contorno, que básicamente es dibujar los contornos y detalles interiores y bordes de tu sujeto con líneas continuas. Encuentro que muchos artistas tienden a dibujar de manera más tentativa, construyendo sus formas con una serie de trazos de luz más cortos, esculpiendo los foros de la página a la ligera antes de comprometerse con un trazo más seguro después. No recomiendo dibujar de esta manera, pesar de que puede ser como estás acostumbrado a dibujar, bien apuntar a caer trazos más confiados, continuos que te llevan casi tanto como tú los lideras. Lo que sucederá es que el golpe asumirá una vida propia. Verás emergen formas inesperadas que se parece a lo que estabas buscando, pero como dije, tendrán un poco de mente propia, sobre todo al principio. Al practicar y desarrollar esta técnica, ganarás más control, pero es este método de dibujo, líneas más confiadas y continuas las que definirán tu estilo de dibujo e ilustración más que nada. Si esta forma de dibujar es simplemente demasiado antinatural para ti al principio, claro, dibuja sin embargo salga y concéntrese en el objetivo general de dibujar lo que ves en modo observacional y luego dibujar lo que recuerdas o piensas en modo ideacional. Siempre puedes trazar sobre tus líneas tentativas esbozadas después del hecho. Incluso trazo sobre mis dibujos de contorno para darles un sentido aún mayor de resolución y confianza. En el dibujo de contorno puro, los sujetos se expresan en línea pura sin sombreado. El efecto es aplanar todo en la imagen, ya sea que haya un primer plano y un fondo, todas estas cosas se fusionan en el mismo plano. Para un estilo gráfico aplanado de ilustración, esto es realmente ideal y una enorme pista cómo casarse con tus estilos de dibujo e ilustración. Debido a que nos dirigimos a representar todo en un plano plano en la ilustración final, tiene sentido aplanar también nuestro estilo de dibujo. Eso no quiere decir que a veces no queremos expresar una sensación de profundidad en nuestro trabajo, es solo que queremos tener cuidado en un estilo más mínimo para no apoyarnos demasiado en otras técnicas de renderizado, especialmente el sombreado. El sombreado es muy útil y sí encuentra su camino en mi trabajo, pero sólo en la medida en que sea necesario. Tenemos que tener en cuenta que cuando estamos dibujando hacia la ilustración, nuestro cliente estará viendo y aprobando el boceto antes de pasar a la ilustración final. Nuestro objetivo en nuestros bocetos, especialmente más a los dibujos, nuestras ideas, debe enfocarse en el contenido, la composición, y el concepto y no entrar demasiado en los detalles del sombreado y la profundidad. Cuanto más sencillamente el boceto muestre tu idea, mejor. Emite un sentido de confianza a tu cliente y elimina oportunidades de nitpicking en detalles extraños que no deberían importar en esta etapa. Para resumir, dibujar hacia la ilustración debe hacerse con un simple lápiz y papel, y debe apuntar a dibujar tanto en modo observacional como ideacional utilizando contornos. Usa trazos continuos seguros en lugar crear formas usando trazos cortos y tentativos. Pretender expresar todas las formas lo más planamente posible, evitando la tentación de dar a las cosas una apariencia más voluminosa y moteada. Por supuesto, déjate arrojar en elección momentos de sombreado u otras marcas expresivas que puedan ayudar a aclarar la imagen o agregar más personalidad. 5. Introducción: las tres "C" del bocetaje: Al dibujar hacia la ilustración, es decir cuando se desarrollan bocetos que en última instancia compartirán con nuestros clientes antes de pasar a nuestra ilustración final, las cosas clave que quieres trabajar son lo que yo llamo las 3 C's de bocetos; contenido, composición, y concepto. El contenido es lo que incluirás en tu ilustración. Básicamente, qué objetos o símbolos estarás representando en el arte. Composición es cómo arreglas este contenido en la página. Concepto es en última instancia de lo que se trata la ilustración. Cómo el contenido en la composición trabaja conjunto para expresar claramente el mensaje o significado pretendido. Estos 3 C's y nada más deben ser objeto de conversación, al momento en que compartes tus bocetos con tu cliente. No quieres descarrilar la conversación entrando en detalles, con colores o patrones o texturas, u otras decisiones estilísticas que idealmente deberían aterrizar de lleno en tu dominio como una ventaja creativa. Un boceto es una oportunidad, por supuesto, para que el cliente pese e influya en la dirección del arte sin pisar tus dedos creativos. Quieres que sean capaces de confirmar que has cumplido con sus necesidades, resuelto su problema en tu boceto, o que te ofrezcan que te digan por qué no lo has hecho. Pero lo último que quieres discutir es si está en el estilo correcto. Puedes mantener la conversación en buen camino asegurándote de que haya tan pocas oportunidades para distraer los comentarios que puedan descarrilar la conversación general de contenido, composición y concepto. Compartir tu primer boceto siempre es un momento vulnerable y con razón, pero no quieres exponerte a más crítica de lo absolutamente necesario. Mantén tus bocetos todo sobre contenido, composición y concepto, y tendrás una mejor oportunidad de ver que tus mejores ideas obtengan la aprobación de tus clientes. Al guiar al cliente a través del proceso de esta manera más limpia, en realidad ganarás más rápidamente su confianza. Solo una nota sobre los comentarios de los clientes sobre el estilo, podrías preguntar si o cuándo está bien que un cliente ofrezca comentarios sobre tu estilo. Yo diría que cualquier cosa es juego limpio cuando se discute respetuosamente. Por supuesto, nosotros los tipos de artistas necesitamos construir una piel fija por si acaso el respeto parece salir por la ventana. Dicho esto, el mejor momento para sacar el estilo no está en medio del proyecto, sino antes de que incluso empieces. En esta etapa de mi carrera, he trabajado muy duro para construir un estilo de ilustración que creo que mis clientes vienen a mí en primer lugar. El estilo en el que trabajo ya no está a discusión. Pero si alguna vez siento que podría ser, pido de frente. Pregunto al cliente qué trabajo mío vieron que los inspiró a venir a mí en primer lugar e incluso animarles a que me envíen imágenes de mi trabajo gusta y piensan que se relaciona con su propia visión. Esta es una gran manera de abrirse y darle al cliente la oportunidad de pesar en estilo sin que se convierta en una cuestión de si lo haces a tu propio estilo o alguien más lo cual generalmente no es muy divertido. Si eres nuevo en ilustrar y no tienes un solo estilo, sientes que puedes hacer cumplir, eso es totalmente normal y se espera al principio. En tal caso, recomendaría encarecidamente tener una conversación sobre el estilo al principio. puede preguntar por qué vinieron a ti y si era un estilo particular que sentían que podías hacer eso los llevó a hacerlo. O si estás emocionado de probar uno de los pocos estilos posibles diferentes, prueba a crear un tablero de Pinterest con dos o tres posibles direcciones o estilos, y usa esto para obtener una mejor idea de lo que quiere tu cliente. Por supuesto, tenga claro a su cliente sobre no imitar el estilo de otra persona, sino simplemente que desea hacer que el trabajo se inspire en él. Ya sea que tengas confianza en un solo estilo o simplemente iniciando y probando cosas diferentes, o en algún lugar intermedio, es realmente importante asegurarte de que las expectativas de tu cliente y tus expectativas se alineen. Ten esa conversación de estilo desde el principio pero en tus bocetos, mantén la conversación a los 3 C's; contenido, composición, y concepto. 6. Introducción: los dos modos del cerebro: Quería hablar brevemente sobre una idea que ha influido en mi dibujo desde el principio. Cuando tenía 20 años y apenas empezaba a descubrir el Arte y el Diseño como una posible elección de carrera, mamá de mi amigo se dio cuenta y me dio un libro llamado Dibujo desde el lado derecho del cerebro de Betty Edwards. Este libro cambió mi vida. Sin leerte todo el libro, puedo decir que la idea más grande es en su distinción entre modos derecho e izquierdo del cerebro. Estos no se deben confundir con los dos modos de dibujo de los que hablo en esta clase, aunque puede haber alguna superposición. En resumen, nuestro cerebro izquierdo es responsable del lenguaje y la razón, mientras que nuestro cerebro derecho es responsable del pensamiento abstracto espacial y más creativo. Al dibujar desde la observación, el truco es cambiar al modo R donde tu cerebro no está pensando en las palabras y la lógica. Si permitimos que el cerebro izquierdo interfiera, aquí es cuando nuestros dibujos comienzan a romperse, cuando nos desanimamos al no poder poner en papel lo que vemos frente a nosotros. Edwards caracteriza al cerebro izquierdo como estar muy orientado a tareas e incluso impaciente, con dibujo. Cuando estamos dibujando algo, digamos nuestra propia mano frente a nosotros, nuestro cerebro izquierdo quiere acelerar la operación con atajos que tiene. Dice: “Oh, yo sé lo que es eso, esos son dedos, eso es una mano, esas son uñas”. y para bien o para mal, el cerebro izquierdo tiene símbolos para estas cosas que a menudo son bastante simplificados y poco realistas. Es por eso que cuando muchas personas tratan de sacar sus manos, dibujan un montón de dedos de salchicha ahuyentando de lo que se supone que es la parte principal o la palma de la mano. Pero si puedes callar al cerebro izquierdo y entrenarlo para que se haga a un lado por un momento y le dé al cerebro derecho la oportunidad de hacer lo suyo, entonces de repente estás dibujando comienza a parecerse a la realidad ante ti. Tu cerebro derecho, libre de los trampas del lenguaje y los símbolos, no viene preparado con una respuesta o símbolos prefabricados, solo traza los contornos de tu mano o el objeto ante ti que intentas dibujar. Al dibujar observacionalmente, tanto en esta clase, en mi práctica como ilustradora, empiezo en mi modo R tanto como sea posible. Esta es una de las experiencias más amables que puedes tener con el dibujo donde pierdes la noción del tiempo y te pierdes y simplemente viendo lo que estás dibujando. Pero desafortunadamente, donde tu modo R puede dibujar no siempre funciona para una ilustración que debe tener una capa lingüística comunicativa a la misma. El paradoja es que para el tipo de ilustración que estamos apuntando, que sea más estilizada y simbólica, realidad debemos convertir lo que dibujamos en el modo R en algo que se parezca más al modo L. A medida que nos desarrollamos, como ilustradores, construimos un repertorio de cosas que hemos dibujado antes y en mayor o menor medida, éstas se convierten en símbolos más al mando de nuestro cerebro izquierdo. modo de ideación, el segundo modo o etapa de dibujo en mi propio proceso vuelve al modo L de Betty Edwards. El modo de ideación es más simbólico y lingüístico. En lugar de tratar de dibujar en la forma más [inaudible] del modo R, dejamos que nuestro lado racional vuelva a tomar el poder. Pero siempre es un equilibrio. Al practicar estos ilustradores, queremos poder cambiar de ida y vuelta entre el modo observacional o R, en modo ideacional, o L, dependiendo de las necesidades de la situación. 7. Introducción: los 5 puntos críticos del dibujo: Cuando anuncié a mis alumnos y siguiendo que iba a estar armando esta clase sobre dibujo, les pregunté cuáles consideran sus mayores puntos de dolor. Hubo muchas respuestas diferentes, pero siento que se pueden resumir de estas cinco maneras. El primer punto de dolor es poder dibujar de corazón sin usar referencias. Creo que este es el sueño de todo ilustrador, poder dibujar sin trabas libremente, la misma manera que uno podría sentir una vez que se conviertan con fluidez en un segundo idioma. El hecho es que incluso después de años de experiencia, todavía tengo que sacar de referencias de vez en cuando. Pero la buena noticia es que con el tiempo, medida que sigo dibujando e ilustrando, cada vez me estoy familiarizando con cómo dibujo desde dentro y crezco para aceptar lo que dibujo porque lo reconozco como propio. Por supuesto, al dibujar cosas de la vida, de referencias una y otra vez, poco a poco construyo un repertorio, imperfecto de estas cosas en mi memoria. La cura más grande para este punto de dolor que puedo ofrecer es la promesa de que a medida que dibujas las cosas una y otra vez, encontrarás la manera de dibujarlas de una manera más natural y fluida. Yo quiero darle permiso para dibujar esas cosas exactamente como salen. Date permiso para dibujar, cómo dibujas y dejar que eso sea lo que es. Encontrarás un patrón con el tiempo en cómo dibujas ciertas cosas: manos, zapatos, autos, casas, gatos, árboles, y te zapatos, autos, casas, gatos, confiarás más en recurrir a éstas para contar tus historias e ideas en tus ilustraciones. El segundo punto de dolor es poder mantener un dibujo simple sin sentir que necesitas agregarle más y sentirte seguro en eso. Para mí, mantener las cosas simples no es algo que pretendo directamente. la verdad es que no podría hacer que mi trabajo sea tan sencillo si lo intentara. El momento, estoy tratando de hacer mi trabajo simple y no sobrepensar es el momento en que estoy más complicado y sobrepensándolo. En cambio, pretendo que el mensaje de mis imágenes sea lo más claro posible. No estoy preguntando: “¿Cómo puedo hacer que mi trabajo sea más mínimo y simple?” Yo estoy preguntando: “¿Qué es necesario y qué no es necesario? Ya sea para expresar el significado pretendido o para crear una imagen convincente”. Dibujar con sencillez es el resultado de mi objetivo hacia la estilización en mi trabajo. Hablo de esto tanto en mis clases de cuerpos extraños como de puntos dulces y estaré tocando la estilización más específicamente en el siguiente video. El tercer punto de dolor es dibujar e ilustrar escenas cohesivas con fondos. Bueno, esto en realidad es menos específicamente sobre dibujo y más ampliamente sobre una cierta ilustración. Creo que vale la pena abordarlo en esta clase por el papel que juega el dibujo en la construcción de un tipo de ilustración de escena completa. Creo que el problema subyacente con este punto de dolor es más sobre no saber cómo hacer para componer tal escena. Refiriéndose a las tres Cs, este problema es todo sobre contenido y composición, sobre qué incluir y cómo incluirlo en el dibujo. El gran supuesto aquí es que estás tratando de crear una escena a partir de tu imaginación. Si tuvieras un modelo de la escena que querías ilustrar frente a ti, solo puedes dibujar de eso en modo observacional, ¿verdad? El gran perspicacia aquí viene en construir una escena primero en partes y luego juntos como un todo. Pero no es exactamente lo que podrías pensar. El modo en que dibujo escenas y tomo decisiones sobre qué incluir en mis imágenes siempre viene de tomarme algún tiempo para reunir imágenes de referencia que me den ideas sobre la escena que estoy tratando de construir y luego estudiarlas a través de dibujo observacional. La buena noticia es que todos los ejercicios en esta clase demuestran exactamente este proceso y vas a tener la oportunidad ponerlo a prueba en el proyecto final. Por lo que la primera parte es descargar la información visual que desea incluir en su escena, desde imágenes de referencia o desde la vida. Esa es la parte fácil. La segunda parte que puede ser más dura, sobre todo al principio, es dejar que todo esto salga en la composición de tu boceto. Aquí está el truco principal sin embargo, al dibujar una escena de una manera más plana, más estilizada, llegamos a arreglar y modificar las cosas en la página de todos modos queremos tanto hacia contar su historia correcta como en conseguir que la composición sea la correcta. Porque no estamos dibujando a partir de referencias en esta etapa, no estamos atados a la realidad, podemos cambiar audazmente lo que queramos enmarcar nuestro tema o rellenar el marco. El cuarto punto de dolor es dibujar con confianza. Esto está muy conectado al dibujo de corazón, pero creo que vale la pena expandirnos un poco más en este punto. Para dibujar de corazón, utilizo la segunda metáfora de fluidez del lenguaje. Si dibujar de corazón es saber hablar con fluidez, dibujar con confianza es saber qué decir. El problema subyacente con este punto de dolor es en no conocer tu voz. No es diferente cuando somos más jóvenes y tratamos de encontrar nuestra identidad, quiénes somos a medida que llegamos mayores de edad. Cuanto menos nos conozcamos, menos confianza tenemos. Pero entonces a medida que envejecemos, ojalá tengamos más confianza porque empezamos a entender quiénes somos y es a partir de esto que tenemos nuestra voz más fuerte. El remedio para este punto de dolor es averiguar cómo dibujas tanto en modo observacional como ideacional a lo largo del tiempo. Siento decir que no hay forma de ganar este autoconocimiento excepto por experiencia y experimentación y eso significa tiempo y simplemente no hay sustitutos. Si hay algún hackeo que pueda darte, es sólo darte el permiso mientras que solo tú puedes darte ese permiso. Pero dándote el permiso para dibujar mal, deja que suceda lo que sale naturalmente de tu mano mientras dibujas. Usa esas líneas de contorno más seguras y continuas en lugar de esos trazos cortos y tímidos con los que construyes tus formas. Lo más importante, encontrar formas de aceptarlo y abrazarlo. Si hay algo con lo que te sientas infeliz, está bien desafiarlo. Pero yo diría pregúntate : “¿Qué voz quieres tener si no es la que tienes derecho? ¿ De quién es la voz que más te inspira? ¿ Qué se puede aprender de los suyos? ¿ Cómo puedes integrar eso de manera auténtica con la tuya?” El quinto punto de dolor es en conectar la forma en que unos bosquejan con cómo quieren que sea su ilustración final. Creo que este es el punto de dolor más grande que hay y es lo que me empujó descubrir de qué he estado hablando hasta ahora en mi propio viaje. Dije en la intro cuando empezaba como ilustrador, mi forma de dibujo e ilustración donde dos cosas separan mi forma de dibujo e ilustración donde dos cosas separan y siempre fue una lucha encontrar una manera de juntar estas cosas. El problema subyacente aquí es un conflicto entre cómo hemos aprendido a dibujar mayormente de manera realista y el estilo de ilustración en el que queremos estar trabajando. más probable es que lo que te inspiró a aprender dibujo desde temprana edad fue bastante separado de lo que te inspiró a convertirte en ilustrador más adelante. Por lo tanto, desde el principio, estas dos cosas no coinciden. No ayuda que haya poca formación oficial en cómo dibujar hacia tu estilo de ilustración de elección. Sólo hay instrucción de dibujo que tiende a favorecer el realismo y la representación literal. El remedio para este punto de dolor está en entender los diferentes modos de dibujo, que hay un tiempo y un papel para dibujo observacional y un tiempo y un papel para el dibujo ideacional. Ambos modos de dibujo deben ser nutridos, pero si tu estilo de dibujo e ilustración no coinciden, debes trabajar en desarrollar cómo dibujas en el modo 2. Apunta a desarrollar una forma de dibujo que sea más simbólica y que provenga de cómo dibujas sin referencias. Por supuesto, es completamente aceptable también inspirarse tus héroes en la ilustración y dejar que estos influyan en la forma en que dibujas e ilustras. Para mí, siempre me han inspirado ilustradores de mediados de siglo como Paul Rand y Alice y Martin Provensen, lo que he hecho y todavía sí permito que algunos de sus enfoques para la estilización influyan en los míos. La segunda parte de esta cura está en ingeniería inversa tu estilo de ilustración para trabajar más con cómo dibujas. A lo que quiero decir es que quizá te resulte útil encontrar un terreno medio entre cómo dibujas de forma más natural y cómo ilustras. De hecho, esta podría ser la combinación exacta que necesitas para encontrar tu estilo de ilustración. El conocimiento clave con este punto de dolor es que tu estilo de dibujo y tu estilo de ilustración son muy posiblemente dos cosas muy diferentes, al menos al principio y es tu trabajo averiguar cómo llevar estas cosas más cerca juntos. El mejor modo que sé hacer esto es separar primero cómo dibujo de observación de cómo dibujo de corazón o en modo ideacional. Entonces para asegurarme de que lo que estoy dibujando se pueda materializar en realidad en mi estilo de ilustración. Podrías estar muy apegado a cómo puedes dibujar algo de una manera más observacional o incluso de manera ideacional, pero si es incompatible con tu estilo de ilustración, tienes que estar dispuesto a dejarlo ir. Esto puede ser muy duro, pero hay que asegurarte que tu trabajo no es dibujar el dibujo más hermoso, sino comunicar una idea para tu cliente. Lo más importante es no poder ilustrar una cosa esta sola manera en esta única instancia, sino poder ilustrar cualquier cosa de una manera estilísticamente consistente a lo largo del tiempo. medida que creces como ilustrador, busca formas de dibujar cosas usando las mismas formas y estilos, asegurándote de que siempre tengan sentido en tu estilo de ilustración final, lo que significa que realmente puedes entregar sobre la mercancía cuando se trata de ese boceto en tu ilustración final. Si es necesario, siempre puedes probarlo a tu estilo antes de compartir con tu cliente y luego modificar tu boceto para acercarlo a lo que realmente puedes lograr. Siempre es mejor infravalorar y entregar en exceso a tus clientes. Nunca compartas boceto por más hermoso que sea, si no estás seguro, puedes llevarlo adelante en la final. Por supuesto, idealmente, puedes ilustrar muchas cosas en un estilo que amas y de nuevo, esta clase se trata de ayudarte a llegar allí. 8. Introducción: estilización y selección: A medida que nos sumergimos más profundamente en la idea de unir nuestros estilos de dibujo e ilustración, inevitablemente llegamos a la discusión de la estilización. La estilización en términos simples está representando algo de una manera no realista. La estilización se puede descomponer en cinco principios o elementos, que en realidad van a más profundidad tanto en puntos dulces como en cuerpos extraños a otras clases que tengo aquí en cuota de habilidad, pero estoy más que feliz de tocarlos rápidamente aquí. Los principios de la estilización funcionan convenientemente en las acrónimos caras, F-A-C-E-S. F es para aplanamiento, A es para abstracción, C es para claridad, E es para exageración o excentrificación, y S es para simplificación o simbolificación. Aplanar es, por supuesto, reducir lo que observamos en realidad a un espacio plano, eliminando la noción de profundidad y volumen a favor de una representación más simple, más gráfica. abstracción es hervir algo hasta su esencia visual de representar la idea de algo más que su forma literal. abstracción es clave para la estilización en que nos permite representar cosas más complejas de una manera sencilla. Mi ejemplo favorito es usar sólo el triángulo verde, tal vez con el rectángulo en la parte inferior para un árbol de Navidad. No necesitas dibujar cada aguja y pedacito de corteza, simplemente necesitas mostrar la forma general del árbol y tal vez agregar algunos círculos de colores como adornos. La claridad es asegurarse de que lo que está representando sea claro para su público. Una cosa es representar algo de una manera no realista, pero si la idea de la cosa no está clara que echa de menos todo el punto por completo. Al estilizar un sujeto, siempre debes apuntar a representarlo de una manera que sea claramente identificable. exageración es aunque ser libre para jugar con escala en tu trabajo. hecho de que las cosas sean de cierto tamaño en la vida real, no significa que tengas que representarlo de esta manera en tu arte. Se te permite modificar los tamaños y escalas de las cosas para que tu composición funcione. También mencioné la palabra excentrificación para este punto, y eso es realmente solo permitir que las peculiaridades entren en tu trabajo, en tu estilo porque estos en última instancia lo que hacen tu trabajo más identificable, si es demasiado crujiente y demasiado perfecto y no permites algunos errores cuidadosamente comisariados, entonces solo podría parecer un poco mecánico y robótico. Permitir que parte de esa humanidad entre en tu trabajo también es realmente importante a la hora de estilizar. Por último, la simplificación se trata incluir solo lo necesario para contar tu idea o historia. De qué se relaciona con la abstracción en que se quiere reducir algo a su esencia tanto como sea posible. Por supuesto, se quiere equilibrar la simplificación con el interés. No se quiere simplificar tanto algo que no queda nada que mirar. No quieres simplificar tanto una habitación que solo tienes paredes blancas desnudas. Al mismo tiempo, no quieres incluir más de lo necesario o de lo contrario tu mala idea podría perderse. Otra palabra que me gusta para la S en las caras acrónimo es la simbolificación. lo que me refiero es desarrollar una forma de representar ciertos elementos de tu obra de una manera muy abstracta una y otra vez. Todos los símbolos son por naturaleza abstracciones. El letra A, por ejemplo, es una pura abstracción porque no tiene sentido representacional, la forma de la A no es una imagen de nada que encontremos en la vida real. Para la ilustración, sin embargo, utilizamos muchas abstracciones como atajos estilísticos. Por ejemplo, tengo símbolos uso abstracciones para árboles, pasto, olas, e incluso edificios de fondo. He simbolizado estos objetos para poder utilizarlos para sugerir la idea de estas cosas sin tener que meterme en dibujarlos con más detalle. Esto es especialmente útil si no son el foco de mi ilustración principal, son extras en mi set de películas. Al simbolizar ciertos elementos menos importantes en una ilustración, se puede acumular el sentido de una escena sin tener que dibujar literalmente toda la escena, que de otro modo sería muy distrayente y posiblemente más tiempo de lo que valen. Al dibujar e ilustrar, una gran manera de agregar estilo y personalidad a tu trabajo es en cómo eliges en uso acortados estilísticos, símbolos efectivamente más simples en lugar de cosas más complejas. Garabatos para manantiales o humo, zigzags para montañas o cremalleras, chevrons en un palo para árboles, esa cosa. Aparte de la estilización, quiero tocar lo que llamo curación. curación es el acto de seleccionar, y organizar, y presentar las cosas de acuerdo a un propósito o gusto específico. En una galería se cura una colección específica de arte de acuerdo a su mandato. Hay ciertas obras que aceptará colgarse como paredes y otras que sin ofender no encajan. En un ejemplo muy obvio, pintura no tendría cabida en una galería de esculturas. Tiziano no tendría cabida en un Museo de Arte Moderno. Uno de mis sucios secretos como ilustrador es en el hecho de que curo o elijo representar ciertos objetos de ciertas maneras basándose en cómo puedo dibujarlos con la mayor facilidad, o al menos con la menor sensación de esfuerzo posible en mi estilo. No se trata de ser perezoso, sino de aprovechar mis fortalezas de mi estilo en lugar de intentar forzarlo a actuar como un estilo diferente. Porque mi particular forma de ilustrar es altamente estilizada y simplificada, me interesa trabajar con temas y puntos de vista que más se prestan a este enfoque. Un gran ejemplo está en cómo dibujo autos. Bueno, un ilustrador con un estilo realista más complejo no tendría problema para dibujar un automóvil moderno en vista de tres cuartos. En mi propio estilo, podría que me costara trabajar algo. En cambio, si tuviera que ilustrar un auto, podría usar mi sentido curatorial para elegir un auto que pueda dibujar de manera más natural a mi estilo, digamos un 1980, Volvo 240 wagon inside view, que básicamente es un ladrillo sobre ruedas. Curación significa elegir objetos que funcionen mejor hacia los objetivos de tu ilustración. En tal caso, el objetivo podría ser simplemente representar la idea de un automóvil. A 1980 Volvo es mucho más icónico en su interpretación o representación de la idea de auto que decir un Ford Taurus 2018. También hay que señalar que simplemente prefiero un Volvo 1980 a un sedán moderno de cualquier marca o modelo. Eso puede ser un motivo tan válido para incluirlo en mi arte como cualquier otro. Cuando hablo de curación en ilustración y en dibujo hacia ilustración, hablo de ser selectivo en qué, en cómo dibujas ciertas cosas. La curación aquí se trata de elegir temas y puntos de vista que funcionen mejor en tu estilo y hacia tu intención. Cómo curas, qué decides usar como referencias, y cómo decides incluir ideas en tu arte, esto es una parte enorme de tu estilo. Si alguna vez te preguntas por qué un ilustrador optó incluir una cosa sobre otra en una ilustración, hay una buena posibilidad de que se basara en su sentido curatorial, tanto en lo que se sienten confiados en ilustrar como en lo que les gusta. 9. Introducción: iteración (la salsa especial): Este es el último video de imprimación y luego podemos pasar a los ejercicios. Pero antes de que lo hagamos, solo quiero darles una de las herramientas más poderosas que conozco en ilustración. Iteración. Iteración significa hacer algo una y otra vez hasta que lo hagas bien. Rara vez las ideas se presentan ante nosotros en plena forma de inmediato. Ahí entra la iteración y su primo, el refinamiento. A medida que dibujamos hacia la ilustración, sobre todo cuando trabajamos para desarrollar nuestros conceptos, primero debemos iterar en términos de cantidad de ideas diferentes. Tan solo prueba muchas cosas diferentes sin ser demasiado crítico. Después de pasar algún tiempo agotando todas nuestras opciones, podemos alejarnos durante una hora o durante la noche, básicamente tomar un descanso. Entonces podremos volver a ello más tarde con una mente fresca y elegir nuestro concepto más fuerte. Entonces podemos iterar de nuevo, pero esta vez sobre este concepto tan fuerte y refinarlo para dejarlo claro o encajar más la composición, o para hacerlo más interesante de alguna manera. El refinamiento es solo una iteración diferente que se centra en la calidad más que en la cantidad. iteración y el refinamiento son la salsa secreta en cuanto a dar un paso de cero ideas a más ideas de las que sabes qué hacer con. La iteración y el refinamiento te ayudan a construir una idea que nunca habrías imaginado de otra manera. Existe un mito de que los ilustradores simplemente derraman ideas directamente desde la rica imaginación a la página, como la magia. Pero la realidad es que las ideas rara vez salen de la nada así. En cambio, los conceptos fuertes se desarrollan iterativamente paso a paso comenzando con marcas ásperas que se sienten inseguras, y construyendo sobre ellas hasta que ocurra el gran momento eureka. medida que dibujamos a través de los ejercicios y en el proyecto final y medida que dibujas hacia la ilustración en tu propio viaje, ten en cuenta que las ideas vienen iterativamente. Si alguna vez te sientes atascado y no sabes qué hacer, empieza por hacer marcas y luego responde a esas marcas y luego responde a esas respuestas, siempre buscando esa idea o haciendo la pregunta, ¿funciona esto? Esto está haciendo lo que tiene que hacer la ilustración? Sólo por iteración y luego alejándose y volviendo y buscando esas cosas que están funcionando de una manera más objetiva, puedes realmente construir hasta ideas que nunca hubieras pensado antes. Basta con tener eso en cuenta a medida que pasamos por los ejercicios y proyectos en esta clase. 10. Ejercicios: puesta en marcha: Es hora de meterse en los ejercicios. Son cuatro ejercicios, cada uno siendo similar en que tienen dos partes. En la primera parte, sacamos del modo observacional, ya sea de la vida real o de una foto de referencia. En la segunda parte, dibujamos en modo ideacional, utilizando lo que conocemos y recordamos de la primera parte como nuestra única referencia. Para todos los ejercicios, debes usar el dibujo de contorno para describir la forma. Evita la tentación de sombrear y modelar el volumen excesivamente. medida que pases por estos ejercicios, tómate el tiempo que quieras. Pero te sugeriré un tiempo objetivo para cada parte de cada ejercicio y esto te ayudará a mantenerte fresco y no pensar demasiado en las cosas. Pero de nuevo, si solo quieres perderte en el dibujo y no preocuparte por el tiempo, eso también está totalmente bien. Por último, antes de entrar en el primer ejercicio, recuerda, estos son ejercicios de aprendizaje, no actuaciones. El ejercicio te hace más fuerte, lo que implica que aún no somos tan fuertes como seremos. La forma más grande de evitar la frustración o la impaciencia aquí es establecer primero un temporizador y no darte demasiado tiempo para alborotar con los detalles y pensar en exceso las cosas. Segundo, dése permiso para ser malo, y tercero, sólo empujado a través pase lo que pase. Cuando sientas que cometiste un error, solo acéptalo y sigue adelante. Hagas lo que hagas, no te detengas a darte ese tiempo para dar un pie adelante. Hay un momento para ser crítico y dudoso, pero este no es ese momento. 11. Ejercicio 1: la silla: En el ejercicio uno, estaremos dibujando una silla. Encuentra una silla en tu casa o si es necesario, encuentra una imagen de una silla en línea. Puede ser cualquier ángulo aunque sugiero que dibujar una silla en vista de tres cuartos donde se ven algunos de la parte superior y dos lados al mismo tiempo. Esto te da la mayor información visual posible sobre tu tema en una sola vista y se vuelve útil para dibujar de corazón en la segunda parte. Para la primera parte, modo observacional, dete diez minutos o menos para completar. Simplemente dibuja la silla como la ves usando contornos. Para la Parte 2, modo ideacional, intenta tomar no más de cinco minutos. Tengo aquí una foto de una silla de mi espacio de trabajo desde mi estudio. Simplemente voy a dibujar esto lo mejor que pueda, tan fiel como pueda, recordando dibujar sólo en contornos y evitar hacer demasiados sombreados de fantasía y pensar en términos de hacer que se vea demasiado realista o algo así así. Pero estoy dibujando a partir de la observación usando lindas líneas de contorno audaz. Entonces sólo voy a meterme en ello y vamos a ver qué pasa. Enseguida entré y decidí trazar el contorno exterior de la silla misma en un atrevido trazo. Al dibujar cualquier objeto, estás buscando cualquier borde de entidad o entidad del objeto que ayudó a definirlo. Especialmente con una superficie más curvilínea como esta silla, voy a necesitar todo lo que pueda para ayudarme a describir esta superficie usando contorno. Estos pernos que sujetan las piernas en el asiento son muy importantes para ayudar a describir el contorno general de esta silla sin usar sombreado. De nuevo, puedo usar un poco de una línea de contorno aquí. Uno aquí que veo que viene la ayuda conseguir ese sentido del contorno. Si ayuda, si estás dibujando de la vida, ayuda a aplanar tu sujeto en tu mente simplemente cerrando un ojo para que no estés percibiendo tanto la profundidad. Estoy mirando en mi pantalla en mi foto de referencia y viendo dónde se sientan estas piernas en referencia unas a otras pero también en referencia a los pernos que sujetan el asiento sobre las piernas. Nuevamente, buscas cualquier punto de referencia en tu tema que puedas utilizar para hacer tu siguiente movimiento que tenga pelotas de tenis en las piernas de mi silla para proteger mi piso. Simplemente me gusta cómo se ve. Este audaz se sienta un poco más alto en el avión luego éste y éste baja en realidad un poco más allá. Nuevamente, estoy haciendo todo lo posible para describir esta silla solo usando contornos y evitando que sombreen si es posible. Ahora bien, tal vez quiera sólo darle un poco de sombreado aquí, una especie de lo que estoy viendo en mi foto sólo para darle un poco más de sentido de la curvatura de esta superficie. Este tipo de servicios son simplemente mucho más desafiantes para dibujar en estilo de contorno. Pero incluso sólo estas líneas, creo que fueron suficientes. Realmente no necesité agregar el sombreado pero el sombreado es simplemente satisfactorio para agregar ahí al hacer bocetos. Pero como pueden ver, yo sólo podría seguir adelante y seguir trabajando en exceso, y eso es exactamente lo que pasaría. En la búsqueda sólo se miraría sobrecargado. Se va a perder esa espontaneidad pero por supuesto esta es una imagen de estudio. Realmente no importa lo bueno que sea esto porque este no es mi producto final. Mi producto final va a ser alguna ilustración final para mi cliente. Esta es una imagen observacional. Esto es algo que hago en lo que llamo puntos dulces. esto lo llamo bosqueo gratuito donde solo estoy descargando información visual para que se haya hecho la escritura, he descargado información sobre esta silla. Ahí está. Simplemente lo voy a dejar y pasar a la Parte 2. En la Parte 2, estamos pasando del modo observacional al modo ideacional. Voy a guardar mi referencia. No estoy mirando la foto de mi silla que tenía antes. Voy a hacer todo lo posible para dibujar esta silla usando líneas de contorno de la memoria. Recuerdo que hay esta forma del asiento. Había pernos en este tipo de patrón de diamante. Había un contorno aquí, puede haber algo ahí y que realmente ayuda a describir ese labio de la silla. Ahí estaban las piernas que se relacionaban algo con los pernos del mar. También recuerdo que las pelotas de tenis en la parte inferior de cada pierna donde forman una forma de diamante, si piensas en esas pelotas en cuanto a quizá constelaciones. Tenemos esas bolas haciendo la forma y eso recuerdo. Yo sólo voy a deshacer esa línea ahí y estas cabezas, este tipo de cortes donde la pierna se metió en las bolas. Ahí está el motivo de la pelota de tenis, esa pequeña línea de pelota de tenis en cada uno de esos. Aquí está mi silla. Yo lo hago totalmente desde la memoria y yo diría que probablemente está bastante cerca. Recuerdo que estas piernas eran negras. Ahora, aquí hay una cosa interesante que me gustaría que lo intentaras también. Ahora que tienes esta referencia de esta silla en tu mente, intenta jugar con el ángulo de esta silla sin girar la silla real en la vida real alrededor buscando diferentes ángulos. Tendrás que hacer esto, sobre todo si solo estás trabajando desde imágenes de referencia porque no tendrás otros ángulos. Pero es sólo un interesante ejercicio visual de corte mental. ¿ Cómo puedes rotar esta silla en tu mente de diferentes maneras a partir de tu imaginación? Imagínate, cómo sería esta silla en todos estos otros ángulos y desafíate a dibujarla sin tener que tener una referencia visual. Notarás que mi vista frontal de la silla, mis vistas laterales, realidad no son técnicamente tan buenas pero son divertidas. Son caprichosos y onchosos y en última instancia esa es mi voz, esa es mi voz de dibujo, y eso me gusta. De nuevo, lo que podría hacer si quisiera repasar estos, tengo una nueva capa aquí. He establecido dibujos que acabo de hacer como una especie de menor opacidad, así que ahora es como si tuviera papel de calco sobre él. Puedo ir y tratar de rastrear sobre estos de una manera más clarificada, segura. A lo mejor compensa alguno de los errores que pensé que cometí en el primer pase. Por ejemplo, puedo bajar aquí y realmente asegurarme esa interacción entre la grieta en el balón donde entra la luz en esa hendidura. Yo puedo dejar eso un poco más claro sobre lo que está pasando ahí. Esto puede ser necesario o innecesario en mi ilustración final, todo depende. Pero estas son las clases de cosas que puedes hacer cuando repasas una ilustración. Aquí, la calidad de mi línea es realmente tambaleante, lo cual creo que le tiene mucha sensación de movimiento para poder elegir simplemente dejar eso pero quizás el estilo de ilustración que voy por en mi arte final necesita ser un poco más nítido. Voy a crispar lo que está pasando aquí. Hice un poco de oopsy ahí. Entonces lo voy a hacer una vez más y puedo iterar en esto tanto como siento que necesito hasta que sea perfecto, sobre todo si es digital. Realmente no es piel de mi espalda excepto por un poco de tiempo. Simplifica esa hendidura para simplemente alinear. Si no quiero meterme en describirlo de una manera más tridimensional. Eso podría ser todo lo que necesito. Se puede ver que hay un movimiento, una progresión hacia o líneas más nítidas seguras que describen mi dibujo. De nuevo, quiero traer algunos de esos pequeños detalles que cuentan la historia de este objeto que es más interesante que la silla misma es que le he puesto pelotas de tenis. Ve cuántos ángulos diferentes puedes dibujar tu silla. Entonces cuando termines, compara lo que dibujaste en la segunda parte con lo que dibujaste en la primera parte. Yo lo haré aquí con ustedes chicos, mi propio arte. Aquí tenemos la silla que dibujé de la vida y luego aquí tenemos mi versión más refinada de las sillas que dibujé en diferentes ángulos. Realmente puedes ver aquí tenemos mucho más sutilezas en el dibujo observacional como la sutileza de la curva de las piernas doblándose hacia la otra. Tienes todo más en un lugar realista. Incluso la forma en que he descrito estos contornos con estas líneas simples funciona y tiene sentido cuando lo miras. Aquí en mi segunda parte donde dibujé solo para memoria, he enderezado las piernas, no recordaba ese detalle aquí. Realmente simplifiqué los contornos del asiento. Si bien podrías mirar esto y pensar que esto se ve mejor. Este primer dibujo observacional se ve mejor, esa es una observación justa y una opinión justa. Pero también puedes ver esto como algo propio separado de lo que dibujaste observacionalmente y ver el valor en también. Esto es solo más divertido, es más caprichoso, y sería realmente interesante ver cómo se vería esto Si agregara, colorearía y texturaría y usaría mis técnicas de ilustración final para renderizar esto. Hay algo audaz y valiente y divertido en ir con esto a pesar de lo que sabes que podrías haber hecho. Esa es una de las decisiones creativas que tomas como ilustrador, es el nivel de realismo en detalle y sutileza que traes a tu trabajo. Si quieres desarrollar un estilo consistente, forma consistente de ir a dibujar, creo que en realidad tienes que acostumbrarte a tus peculiaridades y a las cosas que no son perfectas en tu trabajo. Porque en última instancia, necesitas estar dibujando de tu corazón. Cuando dibujas de corazón, termina luciendo más así que así. Este segundo modo de dibujo va a ser para bien o para mal, lo que se puede dibujar de manera más consistente. Lo dejaré en eso. Este es el primer ejercicio, y ahora vamos a pasar al segundo ejercicio que es la planta. 12. Ejercicio 2: la planta de interiores: En este ejercicio, estaremos dibujando una planta de interior. Puede ser una planta colgada o en maceta, grande o pequeña. Depende de ti. Estaré dibujando una de mis plantas de interior en macetas. Para este, sugiero dibujar una planta con hojas y rasgos que crees que sería difícil de dibujar versus decir, un simple cactus de pera o una planta de serpiente, una palma o ficus son ejemplares ideales para dibujar, por ejemplo. Para la Parte 1, modo observacional, dete 10-15 minutos para completar, dependiendo de la complejidad de la planta y con qué precisión quieras dibujar. Desde nuestros temas complejos con partes superpuestas como plantas, será más difícil confiar la tarea de dibujo. También, así como voy por el mío, que es más fácil si pasas la mayor parte del tiempo mirando tu tema, luego en tu página. Dejar que tu mano trace lo que tu ojo ve mientras escanea los bordes y contornos de la planta. Para la Parte 2, modo ideacional, dete 5-10 minutos. De acuerdo, este es el segundo ejercicio. Ahora nuestra tarea es dibujar una planta. Ahora, ¿por qué una planta? Las plantas son orgánicas, son complejas, tienen muchas partes superpuestas, y en general solo presentan un reto a nuestros pacientes y definitivamente un reto a algunas de mis ideas sobre dibujar solo en contornos. En realidad es una gran oportunidad para intentar meter tu cerebro en ese modo r cuando estás dibujando observacionalmente, permitir que tu cerebro derecho se apoye donde tu dibujo, lo que ves. Tu cerebro izquierdo se va a frustrar realmente porque es como si fuera una hoja, eso es una hoja, solo dibuja la hoja. Realmente no tiene un símbolo por la forma en que todas estas hojas en tu planta o el tallo o la corteza o lo que sea que estés dibujando en tu planta. Probablemente no tenga símbolos muy claros para todas esas cosas, o bien va a querer decirte que renuncies, te va a decir que estás haciendo un mal trabajo y es que en general va a ser muy impaciente. Tengo frente a mí una foto de una de mis plantas de interior y está en una maceta en un soporte. Yo sólo puedo dibujar toda esa asamblea, pero vamos a meternos en ello. A lo mejor sólo para engañarme para que dibuje el sencillo, empezaré dibujando el plantador en sí porque no es un objeto orgánico. problema aquí es que en realidad empecé un poco demasiado grande, solo quiero aclarar esto y empezar de nuevo. Aquí no hay nada precioso, y vas a necesitar darme algo de espacio para esta planta. Nuevamente, empiezo con el dibujo de la maceta en agradables confiados trazos de contorno frente a trazos tentativos, bocetos. No seas tímido, no seas demasiado cuidadoso, mira si puedes describir todos tus bordes y contornos. Agradables, confiados, limpios, no perfectos, solo limpios y confiados. Si bien estoy dibujando en modo observacional, también estoy pensando en las relaciones de tamaño. Me pregunto, ¿qué tan grandes son las piernas en el soporte de la planta en comparación con el plantador? Es una maceta de esta grande y las piernas grande o si la planta de esta grande y la longitud esta grande, en base a lo que estoy midiendo aquí desde mi ojo, el soporte y el plantador son aproximadamente de la misma altura. Está bien. Puedo lidiar con la maceta más tarde tengo eso. Ahora puedo dibujar el tallo de la planta que sale de ella ahora para empezar con realmente bastante fácil, veo el tallo y luego de repente una vez que llega a alrededor de aquí, se pierde en todas las hojas separadas de esta planta. Lo que voy a hacer es simplemente ir con cualquier cosa que pueda ver y articular fácilmente, y luego engañarme a mí mismo, facilitarme para apenas empezar a dibujar por contornos. Ahora, una cosa sobre el dibujo, cosas complicadas como esta. Un truco es realmente mirar más a tu tema que a tu página, porque si estás mirando tu página, no estás mirando, no estás viendo lo que realmente estás dibujando. Aquí solo estoy permitiendo que mi pluma trace estas líneas, estoy tratando de olvidar que estoy dibujando hojas y simplemente dibujando formas, líneas, contornos, ondulaciones. No va a ser perfecto. Podría incluso ponerse desordenado, podrías perder la pista, está bien, haz lo mejor para seguir el rastro, pero dibuja mirando, no pensando. Estamos dibujando desde el lado derecho del cerebro, recontando el cerebro izquierdo, lo siento. Tienes que tener tu camino más tarde, ahora mismo, solo estamos dibujando estas líneas abstractas que vemos frente a nosotros. No tienen nombres, pero encontrarás incluso mientras estás dibujando de la vida, te comienzas a mover la mano, sobre todo con hojas. Tú moviendo tu mano en el mismo patrón mientras secas cada hoja una y otra vez. Observe que no me estoy tomando un montón de tiempo aquí. Podrías tener más cuidado, puedes tomar el tiempo que quieras dibujar tu planta. He mirado mi pantalla. De verdad he mirado un par de veces, pero realmente no he mirado, ahora estoy buscando. Esta planta que acabo de dibujar es realmente un contorno ciego. Un contorno ciego es realmente sólo un dibujo de contorno como lo he descrito antes, pero uno pasa casi cero tiempo mirando la página misma. Ahora solo voy a llenar algunos de los detalles de mi maceta. Dibujado en patrón de rejilla, estos son de madera que cónicos. Creo que eso es todo lo que puedo hacer en este modo, lo contrario, solo hay, ya es una misa. Pero esta es la parte uno del dibujo de la planta y me ha llevado menos de 10 minutos llegar aquí, y eso es realmente todo lo que necesitaba para ver realmente la planta para mis propósitos. Lo que voy a hacer es que por ahora voy a ocultar esa capa, voy a abrir una nueva capa. Vamos a entrar en la segunda parte del ejercicio de planta, que es por supuesto, sacar la planta de la memoria. Estoy moviendo la planta una referencia desde mi punto de vista y sin mirar, sin pico, sin engaño. Vamos a sacar nuestra planta fríamente de la memoria, y por supuesto ahora estamos mirando la pantalla. A mí me gusta empezar con el objeto o borde más seguro que puedo recordar o ver, y eso por supuesto, fue el soporte de planta con la maceta o maceta. De verdad, sólo estoy postergando la parte difícil, pero aquí vamos. Sé que el tallo de esta planta tiene estas líneas, y las hojas apenas empezaron a seguir así. Pequeños plátanos de verdad, y se solapan, y a veces no lo hacían, y a veces no tenían relación y a veces no, dependiendo del borde, mi cerebro izquierdo está consiguiendo su satisfacción ahora mismo, porque estos son símbolos, estos son símbolos para las hojas, mi cerebro izquierdo encontró un hackeo, una forma de dibujar estas hojas complejas como símbolos, como nociones o ideas rápidas. Mi cerebro derecho ha hecho su trabajo, puede relajarse. Yo sólo puedo dibujar esas plantas y ahora realidad sólo depende de mí determinar cuándo es suficiente. ¿ Tengo suficiente en este dibujo? A lo mejor necesito sólo tirar una cosa más ahí dentro. Siempre puedo deshacer si siento que hay demasiado, siempre puedo agregar más. Algo así, podría haber exagerado ya. Pero ahí está la planta de la memoria, un organismo orgánico muy complejo. Sí, siento que esta forma de memoria está mucho más cerca de la forma en que la ilustraría. se retira de la pura forma observacional y sin duda es mucho más limpio que los contornos ciegos que utilicé en el modo observacional, pero vamos a ver qué pasa si solo trato de estilizar esto un poco más usando algunos de mis principios de estilización. Hay aplanamiento, obstracción, claridad, exageración o excentrificación y simplificación, o simbolificación. Esta planta extraída de la memoria es tan muy representacional, está muy cerca del original. Pero vamos a ver qué pasa si lo quito aún más lejos del realismo. ¿ Qué puedo hacer con eso? Tengo la maceta, la aplané. Estoy acabando con el sentido del interior de esa maceta, tal vez con las piernas, sólo los convierto en palos. Todavía no me voy a preocupar por el patrón. Entonces con la planta, la pregunta es, ¿cómo puedo hacerla plantae, pero realmente alejarla de la realidad? ¿ Cómo podemos captar la esencia de esta planta? Todavía no sé cómo se llama esta planta. Lo que realmente quiero hacer es mantener estos sencillos y planos. No me importa un poquito de solapamiento, sólo un poquito sin embargo. De lo contrario, la ilustración podría ponerse demasiado ocupada. Este dibujo, lo que estoy haciendo aquí mismo está más cerca de lo que llamaría mi estilo de ilustración que esto. Es más estilizado, tengo cosas simbólicas más, lo simplificó, es aún más excéntrico. De la forma en que dibujé las piernas, no es totalmente como era en la vida real. Hay algo peculiar al respecto, pero agrega carácter. Si quisiera, podría agregar de nuevo en algún patrón, y ahora estoy totalmente aplanado de este patrón. No estoy sugiriendo curvatura en absoluto con este patrón. Sólo una cosa de gofres de rejilla, algo así. Entonces voy a jugar con esto, podría decidir que cuando lo estoy ilustrando en mi estilo que no necesita el patrón, o tal vez quiero cambiar cuál es ese patrón. No tengo que pasar exactamente por lo que vi en la imagen de referencia o una vida real, tal vez sea suficiente tener rayas horizontales en el bote, o tal vez tengo un garabato como el patrón. Realmente se puede jugar con la realidad. La realidad es diferente a ilustración porque en ilustración se llega a hacer lo que se quiere, su mundo es plástico y maleable y fiesta en sus manos. Vamos a comparar el dibujo original que hice con los estilizados que hice en el modo ideacional. Ahora bien, me gusta mucho esto, creo que esto es realmente genial. Hay mucho sentimiento y expresividad a este dibujo, pero cuestionaría si sería capaz de conseguirlo así en otro momento si lo necesitara. Por supuesto, podría ser capaz de dibujar otro contorno ciego de la planta y tendría algunas de estas características, pero una de las cosas en las que queremos mejorar como ilustradores, es poder repetir los éxitos pasados de manera confiable. Queremos poder hacer nuestros mayores éxitos una y otra vez, poder tener un repertorio del que podamos sacar. Las posibilidades de hacer esto, de nuevo, no son tan grandes como las posibilidades de volver a hacerlo. Esta es mi planta estilizada simbolizada. Esto podría volver a hacer, y tal vez a partir de ahora y estoy dibujando plantas de interior y escenas, por ejemplo. Terminaré haciendo alguna variación sobre esto inconscientemente o conscientemente, porque ahora lo tengo, y ahora es parte de mi lenguaje de símbolos, mi lenguaje visual que uso en mi ilustración. Esto concluye el sorteo un ejercicio de planta Partes 1 y 2, y vamos a pasar ahora al tercer ejercicio, que está dibujando nuestro espacio de trabajo. 13. Ejercicio 3: el espacio de trabajo: En este ejercicio, estaremos dibujando nuestro espacio de trabajo o alguna otra escena interior de una habitación de tu casa. También puedes encontrar una foto de un espacio de trabajo que te inspira en línea, es tu elección. Debe quedar claro que tu espacio de trabajo no tiene que estar en forma prístina para poder dibujarlo. De hecho, creo que sería mucho más interesante si solo dibujas las cosas como son sin demasiado estilo. Date más tiempo para dibujar esto si quieres. Para la parte 1, dete tal vez 20 minutos para completar el dibujo. Recuerda enfocarte en dibujar contornos con trazos de confianza, no siendo tímido y tentativo. Como siempre, evita la tentación de sombrear y modelar un sentido del volumen. Asegúrate de darte suficiente espacio en la página para dibujar lo más ancho posible de una escena. Si estás intimidado y no sabes a qué empezar a dibujar primero, simplemente comienza con un borde del objeto más dominante de tu vista, sea cual sea tu ojo naturalmente atraído. Para la parte 2, dete unos 10 a 20 minutos para completar. Es posible que encuentres que recuerdas todo lo que dibujaste en la parte 1, o que tu memoria está un poco empañada, pero a medida que avanzas, esperemosque encuentres, al hacerlo, mi memoria se trote que encuentres, al hacerlo, con cada nueva marca que añado. Cada nueva marca me ayuda a recordar cuál debería ser mi siguiente marca, cuál fue lo siguiente en mi escena cuando la dibujé observacionalmente. Este va a tardar más que la silla y los ejercicios de planta, pero realmente es el mismo ejercicio, dibujando con contornos, lo que ves, empieza con el borde al que primero te dibuja el ojo, y simplemente ve de ahí. No te preocupes por tu punto de partida. En lo único en lo que tal vez pensar es en la escala. No quieres quedarte sin habitación. Voy a empezar con lo más visualmente obvio que es mi pantalla, tal vez postergar y llenarla porque hay tantos detalles que me parece más satisfactorio de inmediato sólo llenar esa pantalla con algunos sombreados en lugar de simplemente hacer lo que se supone que debo estar haciendo. Encontrarás que a pesar de que el dibujo es un ejercicio maravilloso y agradable, es algo que tendemos a querer postergar y evitar porque requiere de una concentración para extraer verdaderamente de la observación. A medida que dibujas, es posible que encuentres esa mala medida, y está bien, solo edita a medida que avanzas, dibujé mi monitor un poco demasiado pequeño. Estoy dibujando algunas de las estanterías que tengo, puedo usar eso como una forma de medir en mi dibujo general. Dibujar a partir de la observación no significa necesariamente precisión, solo significa que estás abierto a ver realmente lo que hay delante de ti, y hasta cierto punto dibujarlo, grabándolo hacia abajo en tu superficie de dibujo. Cuanto más complejo sea la cosa que estás dibujando a partir de la observación, más boquito podría empezar a lucir, más errores vas a cometer, así que vas a tener este efecto de que las cosas vean un poco menos claro y confiado, que es el ideal pero no siempre el resultado exacto que obtienes. La foto que estoy usando como mi referencia, acabo de tomar una foto de mi estudio, como lo es ahora estoy grabando, así que aquí hay mucho lío de día de grabación, incluyendo la iluminación. Lo bonito de dibujar desde la observación es que ciertas cosas no son necesarias ni deseadas, puedes dejarlas fuera. Puedo dejar fuera la iluminación de mi configuración aquí, pero sabes qué, porque está ahí, prefiero simplemente dibujarlos, creo que solo lo voy a incluir. Te darás cuenta de que puedes estar totalmente mal midiendo en términos de relación como en mi imagen, mi pantalla y mi MacBook están mucho más cerca, así que si quisiera, podría ir y mover todo de esta manera borrar y empezar de nuevo. Pero sólo voy a seguir adelante con ello en interés de demostrarles que las cosas no tienen por qué ser exactamente perfectas incluso cuando dibujan de la vida. Realmente estás intentando descargar información visual y grabarla abajo en la página. Este no es nuestro objetivo final, no estamos dibujando esto como nuestro destino final. Nuevamente, usando, como mi estante tiene estos soportes que lo sostienen, puedo usar esos intervalos espaciados uniformemente como formas de medir adónde van las cosas. En mi composición, tengo un tarro grande de vidrio lleno de cinta y reglas, es mi cinta y frasco de regla. Tengo ahí una bola de papel que arrugué en algún momento. Aquí, tengo una luz, y solo están trazando los contornos que veo hasta mi escritorio y solo dejo que mi cerebro derecho haga lo suyo aquí. Con esta escena más compleja, me interesa la escena general más de lo que estoy sobre cada detalle diminuto, y sí, estoy usando sombreado además de contornos porque me está ayudando a dar referencia para todos los demás elementos en mi composición aquí. Aquí hay algunos libros, y verás que no estoy demasiado preocupado por qué son exactamente esos libros, tal vez más tarde, si se sintió importante, realidad podría volver atrás y tratar de referirme cuáles son algunos de esos detalles, yo pueden agregar a la historia, o podrían ser demasiado detalle. Nuevamente, ustedes pueden ser tan detallados en esto como quieran. Realmente puedo meterme en dibujar cada pequeño detalle y ser preciso. Para mí en este momento, solo estoy tratando de meterme en la información visual general, idea clave aquí, la historia clave es mi espacio de trabajo. Estoy trabajando lo suficientemente rápido como para superar esto, no preocuparme demasiado por la precisión y la precisión, más por simplemente mapear todo esto en la página, y en mi corazón y en mi mente. A medida que estoy dibujando, voy cada vez más rápido, y la razón es en realidad sólo estoy en un modo justo donde mi mente no está pensando, no estoy mirando tanto mi página, no estoy tratando de ser crítico. El borde de mi escritorio está aquí y va aquí abajo, tengo unos cajones. De nuevo, mi mente está viendo patrones aquí con estos pequeños tiradores, los pequeños agujeros en las puertas para que puedas sacar. Esto podría parecer un desastre cuando en realidad miro mi pantalla, pero por ahora, solo estoy en la zona rastreando la realidad con mi bolígrafo en el papel. Algo en lo que mientras desarrollaba esta clase pensé fue en cómo esto, lo que estoy haciendo en este momento no es diferente al rastreo, y si quieres darle la vuelta eso, rastreo es simplemente dibujar tus temas con el rastreo es simplemente dibujar tus temas conlo menos posible espacio entre tu lápiz y tu sujeto. Cuando estás rastreando, solo estás siguiendo las líneas que están justo debajo de la punta de tu herramienta. Pero cuando estás dibujando en modo observacional, estás trazando las líneas frente a ti es solo que esos objetos dentro de tu trazado están a solo unos metros de distancia, a unos metros de distancia o a cientos de metros de distancia si estamos a pies de distancia o lo que sea. Si está a una distancia, sigue rastreando. Cuando te sientas satisfecho de que has descrito tu espacio de trabajo usando estas confiadas líneas de contorno, puedes terminar esto cuando quieras. Estoy mirando alrededor solo viendo si me he perdido algo importante. Realmente no puedo caber nada más, y eso está bien. Podría dibujar un poco más como un brack en mi mesa de luz, pero siento que eso va a ser exagerado. Como estoy tratando de apurarme ahora, me estoy impaciente y realmente garabateando las cosas, esta es mi alfombra, y para solo tener una sensación de que es material, solo voy a hacer algunos garabatos al menos para tener una sensación de alfombra. A veces cuando estoy dibujando cosas más complejas, y quiero hacer un seguimiento de lo que realmente dibujé, incluso solo lo etiquetaré a veces, esto será como si esto fuera alfombra, esto se ve realmente aleatorio, esto era un calentador. Vuelvo y nombro las cosas, así que recuerdo cuáles eran, si me sentía como si fueran importantes. Pero ahí está mi dibujo de contorno de mi espacio de trabajo. Justo cuando pensabas que habíamos terminado, ahora tenemos que sacar este espacio de trabajo de la memoria. Ahora esta es la Parte 2, y esto va a ser realmente genial por lo detallado que se compara un espacio de trabajo con una silla o una planta. Solo hay muchas más partes. Está en un espacio más grande, pero en realidad es lo mismo. Está dibujando de nuestro modo ideacional, y realmente estoy tratando de ver cómo se ve cuando sacamos de la memoria. ¿ Qué aspecto tiene nuestro dibujo cuando olvidamos ciertos detalles? ¿ Cómo recuperamos eso? Pero no pienses demasiado en eso a medida que avanzamos. Yo diría que solo haz lo que puedas para sacar de la memoria. Ahora para mí, creo que suelo empezar por donde empecé mi dibujo observacional. Creo que porque estaba dibujando a esa pantalla en mi dibujo observacional de mi espacio de trabajo, es lo que más recuerdo y es muy posible que siga mucho los mismos pasos que tomé en mi camino a dibujar esto en ambos modos. Algo a tomar realmente de esta parte del ejercicio es que ahora mismo, en realidad no recuerdo todas las cosas que estaban en mi espacio de trabajo. Hay muchas cosas, y eso es un poco intimidante, pero una línea puede llevar a la siguiente. Una línea puede recordarte qué línea vino de esa línea, y entonces esa es sólo una pequeña palabra de aliento. Había olvidado que mi iPad estaba aquí. Entonces sólo mirando la esquina de este libro en el que está sentado mi monitor, recordé: “Sí. Había algo ahí. Sí. Era mi iPad”. Entonces por supuesto recuerdo que tengo un estante. Recuerdo que tengo mi cámara, mi cámara de arriba, y luego mi laptop estando aquí. Aquí hay un montón de acordes. No estoy tratando de dibujar exactamente como era en la realidad. Ahora me estoy tomando algunas libertades. Hice cosas como estos acordes. Yo solo uso taquigrafía estilística, un garabato para representar la forma en que todos esos acordes se enredaban por ahí. Recuerdo que hubo un foco de atención. Por supuesto, recuerdo que había una mesa ligera aquí mismo. Honestamente chicos, no estoy mirando mis referencias. No estoy mirando alrededor de mi habitación a pesar de que podría. Recuerda que aquí hay un sombrero, estos soportes que sostienen el estante, igualmente espaciado y estos tienen estas partes aquí. Entonces debajo del escritorio también hay algunos corchetes. Ahí atrás una radio. Estoy tratando tanto de no mirar justo frente a mí porque está justo ahí. Un poco abstracto. Pero sí. Ahora estoy recordando que tenía un soporte ahí sosteniéndolo, que significa que también había un soporte en éste. Esta luz es un poco alta. Ahora no puedo dibujar lo que había ahí, pero está bien. Sé que hay marcos de cuadros. Mi objetivo con esta primera iteración de dibujo de corazón es realmente, nuevo, mapear las cosas como las recuerdo. Este es un mapa de lo que recuerdo de mi primer dibujo y más adelante si quisiera, podría afinar esto iterativamente. Esta imagen es en realidad un ejemplo interesante de realmente imponer tu estilo sobre algo que antes no era. Este dibujo se hace al estilo de pintura de otra persona. No es mi estilo. Pero como lo estoy dibujando de la memoria, porque dibujo rostros de cierta manera, estoy imponiendo esa forma de dibujar sobre el estilo de pintura de esta otra persona. Creo que está bien. No estoy tratando de reproducir e imitar el estilo de pintura de otra persona. De hecho, si puedo interpretar algo así en mi propio estilo, agrega valor a lo que puedo ilustrar. Digamos que tengo a la Mona Lisa colgando ahí. Podría dibujar fielmente la Mona Lisa y toda su semejanza o tal vez pueda dibujar la Mona Lisa de una manera que esté más basada en mi estilo. Entonces es como una mezcla de mi estilo y el estilo Mona Lisa. Además de mi laptop aquí, sé que tengo un escáner. Sólo estoy dibujando esto. No dibujé esto en la primera parte del ejercicio, pero lo voy a dibujar ahí porque necesito llenar el espacio donde solía estar el espacio en blanco. Sí. Interesante que simplemente no puedo, por la vida de mí recordar cuando en estos espacios. Voy a parar ahora y compararemos estos dos, el original y éste y solo a ver qué recordé, qué me quedé fuera y en general cuál es la diferencia entre ellos. Toma el original y muévelo hacia abajo a este lado. Sí. Eso es interesante. Estoy mirando estas dos cosas y hay algunas cosas que olvidé aquí y aquí. Una de las cosas que noto y recuerdo es que cuando llegué aquí, realmente no estaba pensando en lo que estaba dibujando. Estaba corriendo demasiado lejos y no describí esto para nada. No le di a mi mente nada para engancharme en su memoria de esta cosa. Por lo que no recordaba lo que era. Pero ahora que puedo mirar, sé que hay una botellita y un sombrero y todo está sentado en una cajita. Pero en general, para una escena tan compleja, me acordé bastante. El hecho de que he dibujado esto dos veces ahora, una desde la observación, una vez a través de la ideación, los objetos de esta escena se pegarán en mi memoria durante algún tiempo. Para las próximas horas y para el día siguiente o así, tendré algunos recuerdos muy frescos de lo que había en esta escena y eso me ayuda a usar esto en el caso de que necesite ilustrar una escena que es como este espacio de trabajo. Una pequeña alerta de spoiler en este momento, vamos a estar usando el dibujo que hemos estado haciendo aquí, nuestro espacio de trabajo y también los otros dos dibujos, la silla y la planta en nuestra ilustración final por completo. Pero antes de hacer eso, sólo vamos a hacer uno más de estos ejercicios donde hacemos observación y luego ideación y esa va a ser una figura humana. Si has llegado tan lejos, si has podido sacar de tu espacio de trabajo, de observación y luego de la ideación a través de la memoria, felicitaciones por llegar tan lejos. Sé que es mucho trabajo. Pero mi esperanza es que, en este punto, te estás volviendo más cómodo con este cambio del modo 1 al modo 2, el cambio de observar, y grabar, y tomar datos, información y luego derrama de nuevo en tu modo ideacional al dibujo. Buen trabajo. Sigamos adelante. Te voy a ver en el siguiente video de ejercicios. 14. Ejercicio 4: la figura: Este es el ejercicio final de dibujo. Para éste, dibuja una figura humana completa. Alguien sentado en una pose interesante funcionará mejor. Puedes tomarte una foto tuya, puedes reclutar a un voluntario para vivo-modelo para ti, o puedes encontrar una foto de una persona en línea. Haz que tus modelos se sientan o se pongan de pie en una pose interesante, o encuentra una foto de alguien de alguna manera en acción. Evita las fotos de personas que solo están de pie derecho o en una pose recta aburrida. Esto podría ser lo más difícil de dibujar porque estaremos tentados de querer capturar semejanza en nuestra figura. Sin embargo, esto no se trata de capturar semejanza ni de dibujar personas realistas. Simplemente estamos dibujando otro tema igual que la silla, la planta en el espacio de trabajo, primero desde la observación, obteniendo un sentido de su esencia y forma general, y luego dibujándola de la memoria. Si has tomado mi clase de cuerpos de ojo, estarás familiarizado con este método de dibujar primero la persona de referencia y luego de memoria. En este video, verás que incluso me quedo atascado en querer capturar la semejanza de mi modelo, y casi desecho mi ejercicio y vuelvo a empezar. Pero entonces me aseguro que captar semejanza en esta instancia no es importante. Estamos apuntando a captar la idea de una figura humana, no la semejanza exacta de este personaje en particular. Para la parte 1, dete no más de 10 minutos para completar el dibujo. Nuevamente, expresar todo en contornos. Busca líneas y contrastes interesantes que ocurren entre ropa y piel, relojes o joyas, e incluso arrugas y pliegues. Cada línea que ves en tu modelo se convierte un punto de referencia que puede informar tu siguiente marca. Para la parte 2, dete unos cinco minutos para completar. Nuevamente, concéntrese en la cifra general. No te preocupes por entrar en los detalles. Sobre todo, no te pierdas en tratar de dibujar la cara. Tu cerebro izquierdo va a tener un ajuste pero pelearlo y solo apuntar a que la idea de una figura en una postura en particular hacia abajo. Se puede áspero en las marcas generales de la cara si lo desea o puede dejar la cara en blanco. Cualquier cosa que puedas hacer para simplemente evitar tratar de dibujar esa cara con toda semejanza. Nuevamente, solo tienes que apuntar a conseguir la idea de una figura en una pose en particular, ese es tu único trabajo. Bienvenido al último ejercicio, dibujando una figura humana. De nuevo, puedes sacar de la vida real o de una foto de referencia como quieras, y por supuesto, en mi propio ejercicio aquí, voy a estar usando una foto que tomé de mí mismo aquí hoy y solo pensé que era una pose divertida, y yo sólo voy a trabajar con ello y ya veremos qué pasa. Fui probablemente con uno de los bordes más dominantes, que es la línea debajo de mi muslo y mi asiento, y apenas estoy dibujando contornos superpuestos. Nuevamente, no estoy pensando en la corrección anatómica, sólo estoy dibujando los contornos de lo que veo. Estoy usando todo negro aquí lo que realmente ayuda a traer mucho contraste entre donde se está mostrando mi piel y crea estos dramáticos contrastes de oscuridad y luz. Pero entonces, por supuesto, cuando se trata de la ropa misma, el negro sobre negro casi no proporciona contraste, lo que puede ser un reto para dibujar. Aquí solo estoy trazando la forma de mi mano aquí. Como verás es diferente al dibujo, digamos, en una clase de dibujo de vida que quizá necesites tomar para animación o ciertos tipos de ilustración. Esto no es dibujar de esa manera donde estás más analizando el volumen de la forma humana y cosas así. Simplemente estoy dibujando esto exactamente de la misma manera que he estado dibujando todo lo demás. Mismo enfoque, lo único que es diferente es el tema. Sí, así que si iba por alguna semejanza, podría tener más cuidado aquí, pero ahora mismo, sólo estoy tratando de comprometer algunas de estas cosas a la memoria. De verdad estoy sobretrabajando este zapato por alguna razón. Está bien. Esto es sólo un estudio, es sólo un ejercicio, no una actuación. Se puede ver que me quedé un poco corto aquí, ver que mi camisa viene por aquí. Si te quedas sin espacio y estás trabajando digitalmente, siempre puedes mover un poco tu página hacia abajo. Ahora, me voy a colgar de la cara aquí porque en cuanto veamos la cara, nuestro objetivo va a ser que esa cara se vea como esa persona, porque así es como estamos cableados. Sólo tienes que resistir esa tentación de intentar trabajar en los detalles del rostro y hacer que se vea exactamente igual. No pienses tanto en esas cosas como solo hacer lo que has estado haciendo todo el tiempo. Dibuja lo que veas. No es una cara, no son labios, no es una nariz, estos son solo los contornos de lo que ves. Por supuesto, aquí estoy usando algunos atajos estilísticos, que en realidad se está interponiendo en el camino de que dibuje lo que estoy viendo, para ser honesto. Ahora mi cerebro izquierdo está entrando aquí y diciendo, no, no se parece a ti. No eres un buen cajón, la gente que toma esta clase no te va a respetar y van a dejar de tomar esta clase porque no puedes dibujar. Pero esto es lo que está diciendo el cerebro izquierdo. Sólo les digo chicos que en realidad no estoy creyendo esto. Esto es lo que dirá el cerebro izquierdo cuando estés dibujando porque necesita que todo sea perfecto y no quiere cometer ningún error. Quiere estar seguro y correcto y creo que si solo puedes empujar a través de eso, solo puedes atravesar una gran cantidad de chatarra y llegar a lo que realmente necesitas hacer. Me gusta mucho cómo hay este contraste de mi ropa negra. Creo que hay algunas cosas que me gustaría mejorar en esto si lo volviera a hacer. Si quieres tomar algunas tomas diferentes al dibujar tu figura humana, adelante. Es bueno practicar y no quisiera desanimarte de eso. Pero yo sólo diría que si encuentras que estás golpeando una pared, déjala. Esta clase en este momento no se trata de capturar la semejanza de la gente que dibujas. De hecho, rara vez voy a capturar semejanza en la gente que dibujo. Sólo porque no soy un ilustrador realista, y si has tomado mi clase de cuerpos extraños, tienes un sentido de cómo dibujo a la gente. En fin, hay un tipo que se parece a mí, hay tanto que querría cambiar al respecto sobre todo porque soy yo. Pero solo algunos consejos cuando estás dibujando a la gente en este estilo de contorno desde la observación ya sea desde unas imágenes de referencia o desde la vida, solo ayuda si tienes características en esa persona que puedes usar como puntos de referencia. Al igual que en el dibujo de mi espacio de trabajo, utilicé el escritorio y los soportes de estantería y ciertos objetos de esa escena para marcar lo siguiente. Lo mismo en esto porque hay contraste entre la ropa y mi cuerpo real como mi piel. Puedo usar esas áreas de marcado contraste como mis puntos de referencia y aprovechar ese taco visual incorporado que me da. Ahora bien, podría probar una ilustración más de observación solo para probar un poco las aguas, y aquí tengo una versión diferente de mí. Esta vez fuera del frente, y otra vez, aquí tengo mis piernas y un zapato o un pie prehorzado puede ser muy duro en el cerebro izquierdo porque no hay símbolo para eso y empieza a parecer realmente revuelto. Entonces lo que tienes que usar es dibujar lo que ves lo mejor que puedas y tal vez volver y corregirlo más tarde. Aquí tengo algunos dedos entrecruzados, que yikes, es donde realmente tengo que dejar que el cerebro derecho se haga cargo, mirando sólo a la imagen, no estoy mirando mi Lienzo en mi dibujo. Aquí, llevo una camisa. Yo quería hacer uno donde sólo lleva una camiseta y uno donde lleva una camisa abotonada porque pensé que los botones crearían una bonita característica de la que dibujar. El cuello, algunas de las arrugas de la camisa, las arrugas. No, solo podría llenar todo esto y trabajar con el negro versus los tonos más claros de mi piel, nuevo, solo para describir esa forma en general. Con el zapato, eso es una locura. Voy a dejarlo. Algo de lo que puedes estar seguro cuando estás dibujando cosas, si son difíciles de dibujar para ti, eso es solo una realidad, eso es algo que tienes que abrazar y aceptar, y luego pregúntate, ¿qué haces quieres hacer al respecto? ¿ Quieres mejorar dibujando esas cosas que son difíciles o simplemente trabajarás alrededor de ellas? Creo que cada acercamiento es válido. Podrías elegir simplemente evitar dibujar cosas en ángulos o podrías elegir evitar dibujar temas enteros que te sean difíciles o que no te interesen. No te interesa mejorar, te interesan más las ideas versus las representaciones exactas de las cosas y eso está bien. Eso hago en mi trabajo y hablé un poco de eso, y una primaria cuando hablé de curación donde dejo las cosas adentro o edito las cosas en base a lo que me interesa, en base a lo que soy capaz de dibujar. Lo siento chicos, solo estoy aquí dibujando y no puedo hacer tanto hablando como dibujando al mismo tiempo. Tengo una pequeña pelea con mi cerebro izquierdo ahora mismo. Con superficies curvas como caras, en realidad es a veces la única forma de usar un poco de sombreado para describir lo que ves, y por supuesto, tienes que intentar conciliar eso con tu estilo de ilustración final. Algo es raro aquí, pero claro, estoy siendo altamente crítico con esto porque es una imagen de mí y de mi ego diciendo que eso no se parece a mí, pero hay algo interesante al respecto. Pero ahí van chicos, tal vez sólo vayan a terminar una silla sólo para tener una idea de lo que se sienta la figura. Está bien. Ese soy yo dibujando de la observación. Ahora voy a entrar a la Parte 2, dibujando desde el modo de ideación. Simplemente real rapidamente, tengo estas dos versiones de mí y estas ambas son extraídas de la observación. puede ver que en realidad son, en cierto modo, son muy diferentes como la forma en que dibujé los ojos. Hay alguna diferencia es, incluso estilísticamente diría, y ese es un gran punto de dolor con el dibujo para ilustradores es cuando se dibuja a partir de referencias, veces se va a dibujar un cierta manera y a veces lo vas a dibujar de otra manera y queremos estar más en control del estilo en el que dibujamos, y la única forma en que podemos hacerlo es dejando el dibujo observacional por lo que es. Estamos tomando información sobre lo que estamos dibujando, como sigo diciendo, pero entonces necesitamos una manera, un estilo, una taquigrafía, una forma de dibujar las cosas de manera más consistente de una manera que esté más cerca de nuestro estilo de ilustración. Entonces eso es lo que voy a ver emerger ojalá a medida que entro en la Parte 2 de este ejercicio. Está bien. Por lo que ahora voy a empezar a dibujar mi figura humana de la memoria y sólo a trabajar con la información que aprendí y descargué en la primera parte. Ahora, porque dibujé dos versiones diferentes de dos fotos diferentes, me está costando recordar, estoy mezclando ambas en la cabeza y creo que eso es en realidad una desventaja. Yo estoy deseando que no lo hubiera hecho, pero sólo voy a hacer lo que pueda para hacer el primero. Esta en la que sólo tenía puesta la camiseta, y recuerdo que mi mano me sacaba un poco en mi muslo ahí. Yo llevaba mi reloj. Creo que mi codo estaba en realidad fuera más. Yo sólo voy a deshacer y volver. Creo que mi hombro estaba haciendo esto. De acuerdo, algo así. Mi camisa bajó aquí y me dieron una habitación y sólo dibujé un poco de esa silla ahí dentro justo como referencia. Ahora, claro, sólo voy a dibujar cosas muy estilizadas como hago con la gente. Creo que esta pierna surgió así. Simplemente estoy captando realmente la esencia de mis zapatos sin tratar de conseguir cada detalle de manera realista. Basta con mantener ahí la N, que dice que estoy usando cierta marca. Llevo zapatos New Balance, que es específico. En ocasiones cuando estás ilustrando tener alguna especificidad, puedes agregar a la historia de alguna manera. No puedo recordar lo que estaba haciendo con la mano ahí. Sé que tenía un reloj ahí. Llevaba toda la ropa oscura y luego por supuesto estaba mirando directamente a la cámara. Ahora, cuando estás dibujando a una persona, podrías estar dibujando a esa persona para representar a un personaje o podrías estar dibujando a una persona para representar solo una figura. Un personaje es una persona específica que tiene más personalidad. Vas a querer inyectar algún detalle sobre el rostro y la expresión. tanto que una figura es una abstracción de una persona. Es una representación de una persona. Podría ser un hombre, podría ser una mujer, podría tener pelo largo, pelo corto. Podría tener esas cosas específicas al respecto, pero no se trata de una persona o personaje específico. Entonces mientras estoy dibujando mi modo ideacional dibujo de mi figura humana, cuando se trata de cara, la pregunta es, ¿es éste alguien que necesito conocer bien o es sólo una figura humana? ¿ Es un personaje o una figura? mejor, esa pregunta no importa bien todavía, pero al menos puedo decir como, ¿se parece a mí? ¿ Se supone que soy yo? Para los efectos de este ejercicio, realmente no importa. Creo que lo que más importa es sólo que ustedes son capaces representar una figura porque en el proyecto final, nuevamente, alerta de spoiler, vamos a estar incorporando las figuras de nuestra memoria en una escena. Por lo que realmente se trata de tener una figura en una escena y entonces le toca a ti si esa persona es muy específica, si en realidad eres tú o si simplemente más representa una abstracción o una idea de una persona más en un sentido de figura que en un sentido de carácter, si eso tiene sentido. Me encantan las cosas como las arrugas donde simplemente muestran expresión y gesto. Llevo esta camisa y luego recuerdo como mis piernas apuntan hacia la pared a mi lado, pero luego estoy mirando directamente a la cámara y como estoy torciendo mi parte superior del cuerpo, ocurriendo algunas arrugas en mi camisa. Para expresar los de este dibujo aquí, realmente capta ese sentimiento de mí torciendo así mi mitad superior de mi cuerpo. Yo sí busqué oportunidades como esa, sobre todo cuando estoy dibujando a la gente en ropa donde tienen como un poco de ondulación o arruga que puede ayudar a describir más sobre ese gesto que lo hacen los personajes. trata de una persona estilizada, Setrata de una persona estilizada,se hace a través del dibujo ideacional y sólo pude hacerlo por el dibujo observacional que hacía antes. De lo contrario, podría no haber tenido realmente esta pose disponible en mi cabeza en mi repertorio del que sacar. Pero ¿por qué no veo una vez más qué pasa si trato de dibujar la otra figura, la que llevo puesto la camisa de botón abajo. Sí recuerdo en ese creo que también estaba mirando la cámara. En este por una razón empiezo con la cabeza. Yo sólo voy a dibujar la cabeza de algún tipo sólo para empezar, no importa que no se vea en absoluto como yo. Recuerdo que tenía una camisa con botones y tenía una pierna más precortada aquí con el zapato apuntando más adelante y menos parejo. Entonces esto, ella estaba totalmente precortada en el piso señalándome directamente hacia mí hasta donde recuerdo. Entonces creo que mis manos estaban entrecruzadas. Sólo puedo expresar eso de una manera muy suelta sin que parezca realmente complicado. Yo sólo voy a dejarlo. Esto es, de nuevo, lo que yo llamaba taquigrafía estilística. Podía tratar de dibujar la forma en que los dedos se superponen como una canasta tejida de la manera que estaba haciendo. Pero definitivamente necesitaría un cuadro de referencia para eso. Voy a decir solo por ahora en el boceto, está bien dejar esto suelto y gestual. Tengo mis mangas enrolladas, la ropa que llevo es muy oscura excepto mis zapatos. Por supuesto, estoy sentado en una silla. No me preocupa lo súper poco realista que se ve esto. Simplemente estoy dibujando de la manera que dibujo en base a lo que recuerdo. Hay algo realmente genial en lo que sucede cuando haces eso, sobre todo a medida que te familiarizas más con cómo dibujas, ¿qué tipo de líneas haces, cuáles son tus herramientas favoritas? Ahora por supuesto, el reto será, cómo tomo la información que he ganado en este ejercicio y que funcione más para mi estilo de ilustración aplanada. Voy a elegir, en primer lugar, echemos un vistazo y comparemos la ideación sobre dibujos observacionales. Ahí está este tipo aquí y este tipo. Esto es lo que no dejé de conseguir justo en este dibujo es donde mi brazo estaba descansando sobre mi muslo ahí y por supuesto que realmente exageré la forma en que mi otro brazo estaba saliendo, pero por lo demás esa es la pose. De nuevo, se puede ver que realmente me equivoqué ese escorzo. Pero, me gusta mucho esto mucho más de lo que me gusta esto.Este dibujo de la observación era realmente solo yo trabajando con la información frente a mí. Bueno, hay ciertas cosas que realmente me gustan esta imagen es la cara lo que me arruina y eso es porque cuanto más cerca intentes llegar a una semejanza, si eres incapaz de hacer eso, se va a mostrar. Una opción es, como dije, mejorar en hacer rostros para que puedas captar más confiablemente semejanza cada vez, que por supuesto es lo ideal. Pero también puedes simplemente trabajar y no dibujar semejantes. Podrías simplemente dibujar más estilizado y abstracto. Tomemos uno de estos y solo lo llevemos un paso más allá hacia cómo podría ilustrar en mi estilo. Voy a apagar aquí a mi tipo observacional y traer a mi tipo ideacional y sólo voy a rastrearlo. Voy a iterar, voy a perfeccionarlo y acercarlo a mi estilo de ilustración aplanada con el que sé que puedo trabajar. Aquí, sé que uso forma más que línea en mi estilo de ilustración final. Busco formas de asegurarme de tener formas limpias para trazar cuando traigo esto a Photoshop. Usaré líneas para describir detalles sutiles y bordes en dedos separados, cosas así. Pero sobre todo, estoy describiendo mi figura aquí en formas. Ahora, hay algunas cosas que podría cambiar de estos zapatos una vez que lleve esto a una final. Pero ahora mismo la idea está ahí es suficiente, no se acaba rápido, es suficiente para un boceto. Por supuesto que aquí está la cara. Tengo que preguntarme, ¿cómo voy a dibujar a este tipo en mi ilustración final? Algo así podría funcionar. Aquí hay algo de esto que no me gusta. Recuerdo que mi brazo se extendió un poco más en mi muslo, ahí pasa algo raro. No estoy viendo ninguna referencia, solo estoy trabajando un poco más fielmente a lo que creo que vi la última vez que miré el dibujo original, el dibujo observacional. Sólo una nota, porque estamos hablando de tomar estos bocetos y hacerlos más integrados a la perfección con nuestro estilo de ilustración, esto es mucho como ilustraría. Por supuesto, hay un sentido donde el software se caracteriza como el cabello y la barba. Tendré que dedicar un poco de atención a eso en la etapa final para tratar de resolver que para que el cabello se vea como pelo, si fuera a ilustrar esto como una forma sólida, es que va a mirar a almidón y estaticky y rígido? ¿ Cómo voy a hacer que se vea bonito y suelto como el pelo y cosas así? Eso es cosas que puedo trabajar en la final y realmente no creo que necesite resolverlo en esta etapa, pero sí tengo un nivel razonable de confianza que puedo sacar eso adelante. Por eso no tendría problema mostrarle un boceto como este a un cliente. Esta es mi figura humana, chicos nos hacen los ejercicios. Hemos ido y hecho una silla, una planta, nuestro espacio de trabajo y ahora figura humana, y los hemos hecho tanto en modo observacional como ideacional. Ahora, es hora de ponerlo todo junto en el proyecto final, vamos a crear una escena que incorpore todas estas cosas. Te veré en la siguiente parte y lo haremos juntos. 15. Proyecto final: inicio: Ahora que hemos hecho los ejercicios, es hora de ponerlo todo junto en la composición final. Para el proyecto final, tu encargo es crear una escena ilustrada de un espacio de trabajo o sala que incluya los tres temas que dibujamos en los ejercicios; la silla, la planta, y la figura. Aquí la única regla es que no puedes mirar tus referencias. Debes tratar de sacar todo el asunto de corazón. Tu ilustración final será de ocho por 10 pulgadas en orientación vertical o horizontal. El proyecto final se rompe en tres fases; bocetos en bruto, bocetos refinados, e ilustración final. Te guiaré a través de mi propio proceso de construir desde áspero hasta refinado hasta final, pero voy a mantener el foco en el aspecto de bosquejo y composición de este proceso. Cuando se trata de la parte de ilustración final, donde convertí mi boceto en una ilustración totalmente terminada en mi estilo, te mostraré una visión general de este proceso, pero me centraré en la relación entre mis dibujos anteriores en la final, en lugar de darte un play-by-play de mis técnicas reales de ilustración en Photoshop. Mi esperanza es que seas capaz de usar los principios del dibujo de los dos modos de dibujo para primero construir tu propia comprensión de tu tema desde referencia, y luego dibujar intuitivamente tu escena de corazón. Lo más importante, a medida que dibujas y refinas tu composición, apunta a crear formas, formas y líneas que se traduzcan sin problemas a tu estilo final. Pregúntate, ¿funcionará eso usando mis técnicas? ¿ Tengo una herramienta que pueda arrancar el cabello como ese? ¿ Es posible mostrar esa perspectiva o profundidad usando mi estilo? Y otras preguntas como esa. 16. Proyecto final: bocetos en borrador: En mi trabajo cliente, una vez que he realizado mi investigación inicial y encontrado imágenes de referencia y las he estudiado a través del dibujo observacional, es entonces cuando puedo iniciar bocetos en bruto. Bocetos en bruto es cuando empiezo a trabajar composición, contenido, y concepto. Para una escena ilustrada, el concepto es sencillo, es una escena de un espacio de trabajo. Entonces ahora solo necesito averiguar qué elementos incluyo en esta escena y cómo. Lo más intimidante será apenas empezar. Aquí, te animaré a que solo empieces a dibujar lo más dominante en tu mente e vayas desde ahí. Esto no es diferente cuando estábamos dibujando el espacio de trabajo a partir de la memoria en el Ejercicio 3. En mi propio ejemplo aquí, empiezo con mi Thunderbolt Display, que es el punto focal de mi espacio de trabajo. A partir de ahí, construyendo otros elementos, utiliza tu sentido de curación para incluir o excluir ciertos objetos, preguntándote si contribuyen al concepto o historia que estás tratando de contar a tu imagen y por supuesto, si es algo que puedes y quieres ilustrar en tu estilo. Este proceso de curación se aplica no sólo a lo que incluyes sino a cómo lo incluyes. ¿ En qué ángulo se presentará? Recto o de alguna manera en ángulo y a qué tamaño? Eres libre de tomar la información visual que aprendiste en modo observacional en los ejercicios y de jugar con ella como quieras en esta composición. En bocetos en bruto, trabaja con trazos confiados audaz, pero ten en cuenta esta versión más áspera será un poco más desordenada que en tus bocetos más refinados. Guarda la perfección para más adelante. Enfocarse en la composición en este. Se puede aflojar y áspera al principio e ir progresivamente iterando hacia el refinamiento. Por lo que normalmente en mi proceso, hago lo que llamo bocetos gratis. Ahí es donde voy coleccionando imágenes de internet y luego las dibujo libremente. En esta clase, hemos estado llamando a ese dibujo observacional. Ahora la buena noticia es que ya hemos hecho todo el dibujo observacional o bocetos libres que necesitamos hacer para este proyecto final y ahora nos vamos a mover a la derecha en realidad esbozando nuestro boceto para nuestra ilustración. Como dije, queremos que sea ocho por 10 en cuanto a sus ratios de aspecto. Creo que voy a hacer el mío en esta forma. Tan solo para empezar, esta cosita rugosa que acabo de dibujar es lo suficientemente buena, pero tal vez quiero ser un poco más precisa con mi ancho. Por lo que en realidad podría simplemente hacer un documento ocho por 10 y configurarlo exactamente en esto. Pero cuando estoy dibujando, me gusta realmente tener un poco de espacio alrededor para salir o así. Cuando estoy trabajando en Procreate, no quiero que este sea el borde de mi marco. Entonces lo que hago cuando estoy dibujando, sobre todo mi primer boceto, es que configuro usando guías unidas y soy capaz de simplemente usar estas grandes guías gruesas aquí para configurar la relación de aspecto general de mi composición o mi marco, el tamaño de página. Entonces dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, ocho, nueve, diez. Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, ocho, y ahí tenemos un marco ocho por 10 para trabajar. Entonces ya no necesito esas guías de dibujo. Esto es todo lo que necesito. Yo sólo voy a bajar eso en opacidad para que pueda verlo, pero no demasiado. Esta red ahora será mi marco para trabajar dentro. Ahora solo voy a empezar a trabajar mi escena. Entonces siempre, claro, cuando estás dibujando, es : “¿Por dónde empiezo, qué uso?” Porque aquí estamos realmente en un modo creativo y el breve en sí es bastante abierto, es sólo para ilustrar nuestro espacio de trabajo. Entonces yo diría que empiece a cualquier parte y vea qué pasa. Voy a empezar con el monitor, la pantalla en mi espacio de trabajo. Ahora mismo sólo estoy siendo rudo. Va a haber algunos errores y está bien. Pero la clave aquí es solo mapear en lo que quiero y lo que necesito incluir. Hay ciertas cosas que quiero dejar adentro y ciertas cosas que quiero dejar fuera. Quiero incluir parte de la alfombra que tengo en mi estudio porque creo que va a crear un bonito contrapunto visual a todo lo demás que está pasando. Es como esta bonita zona amplia de forma y color que puedo incluir en esto para crear interés. Tengo una sospecha que va a funcionar. Ya veremos. Esta es quizás la superficie de mi escritorio aquí. Yo tenía mi luz, creo que este tallo realmente se desprende de ese lado de ahí. En realidad sólo mapeando más o menos cosas en. A pesar de que es duro, no estoy siendo demasiado tentativa sobre solo trabajar lentamente las cosas, probablemente solo estoy colocando cosas y viendo si va a funcionar. Porque estoy trabajando digitalmente no tengo miedo, sé que siempre puedo deshacer o borrar con bastante facilidad. Creo que ahora es un buen momento para tirar la silla, tiró en mi laptop y mi iPad. De nuevo, no estoy mirando ninguna referencia, pero estoy recordando fácilmente muchos de los detalles que estaban en mi ejercicio. La pregunta que tengo en este momento es : “¿Es esto sólo una imagen de mi espacio de trabajo, o es ésta una foto mía en mi espacio de trabajo mientras grababa una clase de Skillshare?” En cuyo caso, podría incluir algunos de los equipos de iluminación que he montado aquí, que definitivamente es una historia específica. No era lo que estaba pensando al principio. Estaba pensando que tal vez los editaría como hice el proyecto final. Pero ahora que están ahí, lo que me gusta de lo que esta luz específicamente está haciendo es que me está dando un elemento de primer plano y un elemento de encuadre donde puedo tirar todo lo demás en mi espacio de trabajo aquí dentro. Entonces mi pantalla, creo que será un poco más grande. Tenía las pelotas de tenis en la silla. Porque esto es una ilustración ahora esto no es pura realidad, no estoy tratando de grabar fielmente para toda la historia lo que estaba en mi escritorio en este momento de la historia, en realidad se trata solo de unos chicos espacio de trabajo que resulta estar grabando. Entonces voy a usar realmente algunas técnicas de estilización aquí y editar las cosas y cambiarlas y realmente solo sugerir cuáles son de manera más alto. Entonces tengo libros, libros, marcos, más libros. Yo sólo voy a fingir que hay una planta ahí. Tengo unos trofeos ahí arriba y este escritorio está pegado a la pared de este lado, pero la forma en que esta ilustración está funcionando, no necesariamente muestra eso. Va a ser difícil dibujar un muro aquí a menos que quisiera dibujar la ventana aquí, pero no quiero dibujar una continuación de la ventana ahí quiero esto, pesar de que es de página completa y se va a los bordes, quiero que haya un sentido de autocontención en la imagen. Lo que podría hacer es incluir más cajones de archivo planos aquí, que sí tengo de este lado, pero simplemente no están en esta orientación exacta, pero eso realmente se sienta bien ahí. Creo que eso me gusta. Tengo un bote de basura debajo del escritorio, que no me importa representar un bote de basura en la ilustración, pero el bote de basura debajo de mi escritorio en este momento es una lectura dura. Sería difícil para mí representar eso en para que la gente consiga lo que es. Tener un más un cliché buscando basura aquí podría simplemente hacer el truco si quiero tener una lata ahí. Por supuesto, algunos acordes y cables sí giran y se abren paso por debajo del escritorio. Sí agrega algún personaje, lo creas o no, para incluir algunos de esos, y creo que está bien. Perdió nuestra impresora por encima de este lado, estaba detrás de la luz. Yo sólo puedo bloquear algo ahí dentro. Me faltan algunas cosas que necesito incluir en esta escena, una es la planta. A lo mejor una planta podría hacer un bonito dispositivo de encuadre aquí en esta esquina y recuerdo esa planta teniendo solo plátanos en un palo y hay un patrón de rejilla en la maceta. A lo mejor yo sólo quería que algo de esa planta viniera por encima del escritorio, así que no está atascada debajo de esta línea antes, solo volveré a subir un poco antes y solo me detuve [inaudible]. Se está perdiendo la planta, realmente no la ves y luego está la parte superior del escritorio. solo ponerlo encima de la superficie del escritorio, ahora le da a la planta un poco más de prominencia. El planta agrega un interesante, no me refería a esto, pero agrega un interesante como paralelo a la iluminación del estudio aquí, en que es una de las pocas cosas verticales en esta imagen. Creo que agrega algo bonito ahí para contrarrestar sólo las líneas verticales de las luces. También hay ahora una planta vertical y me gusta cómo espeja eso pero de una manera diferente. Tengo la silla, tengo la planta. Simplemente me falta la figura humana, así que aquí solo estoy dibujando una figura humana basada en lo que dibujé lo mejor que pueda. Ahora, sé que en mi dibujo que hice en el ejercicio, estaba sentada más así con las piernas cruzadas y así tal vez pueda traer eso y mi cabeza obviamente existe, así que lo incluiré. De verdad estoy desbaste esto ahora mismo. Realmente no estoy pensando en cómo incluirlo todo porque todo es evidente por el hecho de que esto es un espacio de trabajo, sé que un personaje debe estar en este espacio de trabajo trabajando. Sentado en una silla frente al escritorio, está integrado en esta escena. Funciona para ponerlo en el centro y realmente no tuve que pensar demasiado en ello. De igual manera, la pieza central de mi espacio de trabajo es mi pantalla, es mi gran monitor [inaudible] donde ocurre todo el trabajo. El ojo naturalmente gravita ahí y por supuesto, mi mente gravitó ahí enseguida cuando empecé a dibujar la escena, ahí es donde empecé. Entonces todo lo demás, porque estoy basando esto en la realidad, es fácil poner todo esto aquí. Ahora bien, ¿y si estamos hablando de una escena ficticia que no existió? Es el mismo proceso. Vas y encuentras imágenes de referencia de un espacio de trabajo en este caso y cuando llega el momento de verterlo en unos bocetos conceptuales, entonces tienes esas imágenes cargadas en tu mente y puedes dividirte. Podría tomar algunos intentos, pero estás mucho más adelante, habiendo hecho todo ese dibujo observacional al principio de lo que estarías de otra manera. Hablemos un poco más de lo que está pasando en esta composición y qué decisiones estoy tomando. Una de las cosas que decidí mientras dibujaba esto es que quiero que haya un margen delgado alrededor de la obra. Yo podría elegir si quisiera llevar la obra directamente al borde o en otras palabras, recortarla, y entonces todo es justo sangrar, pero siento que esta escena puede ser autónoma bastante bien. Voy a tratar de tener algún espacio negativo que rodea al espacio de trabajo tanto como sea posible. Esa es una decisión estilística que he tomado. Una opción, por supuesto, sería llevar ciertos elementos al borde sin dejar de tener una sensación global negativa del espacio. Podría dibujar la alfombra en la parte inferior más allá los bordes y luego tal vez elegir algunas otras cosas para romper hacia el sitio. A lo mejor en este caso, el propio escritorio va directo a los bordes y a los estantes también, o al menos por un lado, y entonces tal vez pueda traer ese marco de cuadros que tengo colgado. Para que esto sea aún más una escena de página completa lo haré así, solo voy a extender los estantes y el escritorio hasta el borde izquierdo para luego tirar aquí una imagen enmarcada. Ahora, lo que estoy sintiendo es que hay algo saliendo por todos los lados excepto por la parte superior. Ahora, lo que no viste en mi dibujo, pero lo que sí tengo en mi espacio de estudio es una lámpara colgante. De pronto tengo un elemento que puede dejar que parte de la parte superior de la composición sangue ese borde también y que crea un poco más de equilibrio en la composición general. Lo que hay que quitar aquí, sin embargo, tu dibujo y cualquier escena que intentes ilustrar es que cuando estás pensando en la composición, llegas a decidir qué elementos van a dónde y cuál es su escala. Puedes exagerarlos, puedes disminuirlos. Puedes hacerlos más altos o más pequeños, todos trabajando hacia tu objetivo de contar la historia que intentas contar y crear una composición que te guste. No tienes que apegarte a lo que te dijeron tus referencias en realidad. Te llevas esa realidad y luego la machacas. Es de plástico, es maleable, está poniendo las manos y se llega a trabajar con él a su propio beneficio. Este es mi boceto muy rudo. Ahora hay algo que siento que falta porque tengo la iluminación del estudio. Creo que necesito algo que haga referencia a una cámara, para poder volver a poner la cámara aquí, pero es un poco sutil. No creo que se vaya a leer en la imagen para nada. A lo mejor en lugar de que mi laptop esté aquí, puse un trípode con la cámara aquí. Hay oportunidad de más cables y acordes. Lo que también me gusta con que la cámara esté ahí en este pequeño trípode es que refleje los trípodes de la iluminación del estudio, por lo que algunas cosas más interesantes pasando ahí, pero hay algunas cosas que aclarar en esta imagen. Llevemos esto ahora a un boceto más refinado en el siguiente video. 17. Proyecto final: bocetos refinados: Una vez que he elaborado mi composición en forma aproximada, es hora de refinar. En esta etapa, conozco mayormente lo que habrá en mi ilustración y dónde se colocarán. Ahora es el momento de simplemente aclarar todo más. Aquí rastreé mi boceto áspero con más trazos de confianza lo más limpios y articulados posible. Esta es mi oportunidad de descifrar algunas cosas que realmente no resolví en los roughs. Pasaré un poco más de tiempo siendo específico aquí, preguntando qué se supone que es cada marca, y luego dejando clara esa intención. Al final de esta etapa, debes tener un boceto que te sientas seguro poder finalizar en tu estilo de ilustración. En mi trabajo cliente, son bocetos de esta etapa los que los mostraré antes de pasar al arte final. De hecho, después de arrancar un proyecto, el cliente no verá nada de mí hasta el final de la etapa de bocetos refinados. Yo quiero asegurarme de que tengan oportunidad de ver tanto de mi visión articulada lo más claramente posible. Es sólo en un boceto refinado que un cliente puede dar retroalimentación adecuadamente sobre las tres C's; contenido, composición y concepto. Yo quiero evitar cualquier pregunta como, ¿qué o quién es eso? Si el boceto no es evidente en cómo cuenta la historia o el mensaje, aún queda más trabajo por hacer. Por lo que he mapeado, desde mi memoria y usando algunas decisiones artísticas, una escena de mi espacio de trabajo, y he decidido tenerme en el espacio de trabajo grabando con mi configuración de estudio. He hecho algunos cambios en la realidad de la situación para contar mejor la historia, y he hecho cambios en la escala y tamaño reales de las cosas para ayudar a encajar mejor el marco y para llenar mejor el marco. Entonces lo siguiente que quiero hacer es simplemente afinar esto. Entonces solo voy a tomar este boceto, voy a marcar hacia abajo su opacidad para que pueda verlo, pero no demasiado, después añadir una capa encima y empezar a refinar sobre esto con líneas más confiadas. Ahora, por supuesto, si estás dibujando sobre papel, puedes simplemente poner otra hoja de papel fresca encima y usar una mesa ligera para hacer tu boceto refinado. Puedes usar papel de calco, eso es básicamente lo que estoy haciendo agregando una capa sobre una versión más transparente de mi boceto en bruto. Yo sólo, de nuevo, voy a empezar primero con las formas dominantes. En cierto momento, me sentiré lo suficientemente valiente como para empezar a hacer algunas de las partes más complicadas como la figura humana. Mi estilo de ilustración es muy plano y estilizado, por lo que todo lo que estoy dibujando ahora en mi versión refinada va dirigido hacia ese estilo más aplanado. Aquí estoy aprovechando la oportunidad para afinar todo, asegurarme de que se vea mejor de lo que hizo en mi boceto rudo. Quizás prestando un poco más de atención a algunos de esos detalles sutiles, como lo que está más cerca y más lejos. Voy a pasarlo mal con esa mano ahora mismo, creo, así que lo que podría hacer es simplemente fingir que me pegué la mano entre las piernas, lo cual no, no creo que eso vaya a funcionar tampoco. Si estás atascado en algo, vuelve a él más tarde, o comete un error ahora, y puedes refinarlo en una iteración más, creo. Lo mejor que puedo hacer en este momento es solo hacer algo que se vea mal y luego lo resolveré más tarde. A menudo uso sombrero. Soy pequeña en esa silla, y así creo que lo que voy a hacer, quizá lo que no está funcionando aquí, es que mi báscula es demasiado pequeña. Entonces creo que esto está funcionando mejor. De nuevo, no quiero quedarme demasiado atascado en eso, probablemente tendré que reiterar sobre eso otra vez más tarde. Ahora, a medida que iteras, vas a perder la frescura de parte del boceto que hay debajo. El boceto en bruto, a pesar de que no es lo suficientemente refinado como para ser un boceto final, le tiene cierta vida o vivacidad que tal vez nunca puedas repetir de nuevo. Esa es solo la realidad de cómo funcionan las cosas cuando estás dibujando hacia la ilustración, y acabo de crecer para estar de acuerdo con eso. Mi objetivo, cuando estoy dibujando hacia la ilustración para los clientes, es siempre tener algo que esté claro, y que sé que puedo hacer en mi estilo final. En el camino hay algunas bajas. Yo itero sobre algo perdido, alguna marca o garabato que pensé que era increíble y tenía mucho carácter. Lo guardo y nunca lo vuelvo a mirar, porque en realidad puede ser cierto que fue mejor, pero no importa que fuera mejor, lo que importa es que yo cuando vengo y le muestro a mi cliente mi boceto, no quiero confundirlos con todas estas opciones de like, “Deberíamos tomar esta buena parte de esto y esta buena parte de este otro boceto, ponerlo todo junto. Es demasiado confuso y pierdes mucho de tu liderazgo creativo” en esta situación. Entonces lo mejor que puedes hacer es solo excepto la siguiente iteración como general mejor que la anterior. Es más crujiente, está más claro. Sí, se pierden ciertas sutilezas, pero la trayectoria general es que estás haciendo mejor la imagen. Ya que estoy dibujando algunos de estos palos en la ilustración aquí, las patas sobre la mesa, las patas sobre la planta de pie, las patas sobre los trípodes de la iluminación del estudio. Ahora las estoy expresando con un tipo de línea, que está mucho más cerca del tipo de línea que usaré en mi ilustración. Por lo que trato de usar sólo una o dos espesores de línea y eso crea una armonía visual general. Si quieres saber más sobre algunas de estas decisiones estilísticas, mi clase Sweet Spots tiene toneladas de ideas sobre decisiones como esta, lo que yo llamaría tus decisiones estilísticas, y luego hablo de tener paleta de estilo, donde realmente preajustas en qué tipo de calidad y grosor de línea trabajarás antes incluso de comenzar el trabajo, y luego solo te disciplinas para apegarte a los de toda la pieza, y crea esta armonía visual sólo porque solo pasa una cosa, en lugar de que pasen muchas cosas diferentes estilísticamente. En ocasiones dibujaré una línea de referencia que me da una sensación de, por ejemplo, esta es una línea de horizonte en el piso que quiero igualar sobre este lado. En esto está pasando más aplanamiento que en la iteración anterior. Estoy viendo algunas líneas conflictivas que se están poniendo muy ocupadas ahí de las que realmente no estoy seguro, pero voy a seguir adelante. Puedo editar eso en la siguiente ronda. Tengo que moverme donde estaba mi iPad así lo puedo ver ahora que he agrandado mi figura, y necesito llenar algo en ese espacio posiblemente. Al menos puedo poner un micrófono aquí. Voy a poner mi MacBook aquí sólo para llenar el espacio. También recuerdo que tenía soportes de estante. Ahora, con esta luz colgando, hay algunas cosas que se están oscureciendo aquí atrás, así que tal vez solo la mantengo simple ahí atrás. Al dibujar estos marcos en mi boceto, estoy indeciso qué va a ir en ellos. Debido a que es una composición tan ocupada, tal vez sólo tener marcos con espacio en blanco entrando ayudará a la imagen a respirar un poco, pero también podría estar bien solo ordenar muy abstractamente que se trata de carteles, o imágenes, o algo así. No sé qué tan específico me gustaría llegar. ¿ De verdad quiero ser específico y poner 4chan luego tratar de imitar la ilustración que hay en esa revista que enmarqué? Podría ser demasiado específico. Depende de si quiero que esto sea más documental o un poco más de una idea sobre solo un chico. Ahora, porque esto ya tiene muy específico, tenemos iluminación de estudio, y es, en cierto modo, es más documental que más solo chico cool en un estudio cool, así que tendré que pensar en eso. A pesar de que voy, me pregunto, ¿quiero cambiar algunos de los contenidos de lo que hay aquí sólo para simplificarlo o hacer que se vea más familiar o reconocible para un forastero? Esas son preguntas que hago y podría contestar solo probando cosas diferentes creo que una de las cosas que voy a buscar en esto es la claridad. Sea lo que sea que incluya aquí, necesito tener claro qué es para que sepa ilustrarlo en mi estilo final. Parece que voy a estar entrando en una próxima iteración de esto. Entonces solo voy a ocultar el boceto rudo anterior y luego voy a tontear este hacia abajo o hacerlo menos visible, es como dibujar sobre esto. Entonces estoy viendo mi composición. Me siento bastante bien al respecto. Yo sólo quiero aclarar algunas cosas. Sentí que hay algunos conflictos pasando con la planta y la luz del estudio aquí. Entonces lo que podría hacer es encontrar una manera de realmente quitar uno de estos. Creo que lo que podría hacer es mantener la planta y ver qué pasa si quito esa segunda luz. Creo que podría rehacer estas hojas. Esos se sintieron un poco demasiado pesados por el medio, me gusta lo que tenía antes, y este tipo, me gusta eso donde estaba. Simplemente eché un vistazo a mi luz, solo para averiguar cómo cabía esta pieza ahí. Entonces engañé un poco, pero fue en el espíritu de dejar las cosas más claras. Ahora bien, realmente no he determinado de qué color va a ser la alfombra. ¿ Será de un color sólido? ¿ Será un patrón? puedo averiguarlo más tarde. Las manos son un punto de clavija cuando se trata de ilustrar a la gente. Ahora he pasado de camiseta a camisa abotonada por alguna razón. Al representar a este tipo desde la parte posterior de la cabeza, automáticamente no necesitas preocuparte por quién es, cómo se ve su cara, ese tipo de cosas. Esta es una última decisión a tomar y en realidad crea más mística en la imagen misma. Porque le he hecho la mano así, realmente parece que ahora está hablando y haciendo algo. Hay algo interesante justo sobre la forma en que se posiciona su mano, ahí ocurre algo de acción. Realmente no puedo recordar exactamente cómo funcionaba mi pequeño soporte de micrófono, así que solo voy a abstraerlo de verdad esperando que te consigas la idea de un stand. Si cuando estás dibujando en Procreate, y solo quieres asegurarte de que las cosas se alineen, siempre puedes simplemente tirar hacia atrás en tu guía de dibujo, y usas eso solo para asegurarte de que, para mí como quiero este borde de el escritorio para alinearse en el sitio también, que puedas usar la guía de dibujo para asegurarte de que todo se alinee así, pero trato de no depender demasiado de cosas así donde todas las cosas empiezan a parecer realmente grises. En algún lugar del camino perdí mi basurero, supongo que cuando puse la planta ahí. Evitar la tentación de llenar todo. Así que dibuja ese estante justo al otro lado, este estante justo al otro lado de aquí. Este es el uso de la palabra. Voy a pensar qué hacer con eso más adelante. A veces ayuda a apagar el desordenado del boceto subyacente. Se puede ver en qué se trabaja ahora un poco más claramente. Yo sólo voy a ser indicio de una cómoda aquí sin que esté todo el camino, sólo el borde de la misma. De la iteración a la iteración, sí guardo las cosas, algunas cosas iguales las acabo de volver a dibujar, no me importa. Aquí solo hay una planta estilizada que no existe, pero quería algo para llenar ese espacio y lo tenía disponible en mi imaginación así que simplemente lo puse ahí. Cuando otras personas miran una escena como esta, siempre y cuando pongas cosas que les parezcan familiares, no se distraerán con ellas. Tan pronto como pongas algo oscuro en la mezcla, y no está claro qué es, gente se rascará la cabeza y se preguntará qué es. Puede ser distrayente. Si solo tienes la forma de una botella, la forma de una planta, la forma de un marco de cuadros, esas cosas son bastante genéricas. No es para decir que tu ilustración sea genérica, pero has elegido simplemente mantener algunas cosas familiares en la escena con las que las personas al menos no se pueden distraer o idealmente incluso identificarse. Es raro que haya flores y ahora estamos pensando demasiado en ello, pero es raro que haya flores ahí y copas pequeñas, así que déjame solo agregar flores. Estoy eligiendo aquí estilizar mucho mucho las cosas y eliminarlas de la realidad, pero en realidad podría hacer una ilustración interesante para realmente mantener algunas de las cosas que en realidad están en mi estudio en. Como dije, podría ser documental, podría ser más sobre la realidad y eso también podría ser interesante, pero lo que quiero mostrar en esta clase es cómo estilizar, abstraer, simplificar y de alguna manera generalizar al efecto de comunicar una idea con claridad. He decidido mover todos los brazos de estos corchetes yendo por ahí sólo porque funciona mejor para encajar las cosas y mantener las cosas espaciadas de manera uniforme. Yo quiero una forma diferente aquí. Voy a fingir que tengo un banderín. No sé qué dice, pero es más interesante tener alguna otra forma ahí, un triángulo y el triángulo muy bien. Ahora que lo miro se hace eco del triángulo allá y aquí, puede ser que traigo de vuelta mis gafas de sol, y puede ser yo voy áspera en algún patrón aquí. No tengo que ser específico, solo puedo implicar que hay algún patrón, y si tengo que mostrarle esto a un cliente primero para firmarlo, no tenemos que meternos en una conversación sobre qué es exactamente ese patrón antes de que yo estoy listo para tomar esa decisión. Apagemos el boceto subyacente, y me siento muy bien sobre adónde va esto. Creo que sólo necesita una cosita. Tenemos este gran monitor abierto aquí sin nada en la pantalla, y qué pasaría si tuviera a este tipo grabándose con una camisa en su estudio. Es raro porque la cámara está camino por aquí. Yo quiero que algo esté en ese monitor, así que vamos a averiguarlo. Podría ser yo dibujando este cuadro. Podría ser yo con un lápiz en la mano dibujando este cuadro, arreglándolo. Sólo estoy resolviendo esto a medida que voy. Tengo la idea principal de la escena hecha. Si quisiera, podría llevarlo a la final, pero solo estoy morando aquí un rato y viendo qué divertidos detalles sorpresa podría agregar para hacerlo más interesante. Hay algo en esto que me gusta. El dibujo de aquí va a ser muy simplificado comparado con el dibujo que en realidad estoy haciendo aquí, pero es una bonita pepita de descubrir en la escena donde este tipo dibujando una foto de una foto en la que está, y hay una configuración de cámara. Aquí sólo está pasando una historia. Estoy listo para llevar esto a la ilustración final. Seguro que hay algunas cosas raras que encontraré que me perdí, pero en su mayor parte, estoy contento con esto. Vamos a asegurarnos de duplicar esto sólo para guardarlo y luego abrir una de estas copias aquí. Lo que quiero hacer es simplemente comparar el original con el más refinado. Pongamos cuanto más refinado a la derecha y más áspero a la izquierda. Como pueden ver, puse muy rápidamente todas mis cosas de la memoria en el primer boceto en bruto. Al hacerlo, una historia sobre lo que estaba sucediendo se despliegó ante mis ojos. No vine en planear hacer una historia sobre un tipo en su computadora con una pantalla autorreferencial de la imagen misma y todo eso, todo lo que sabía era que iba a hacer una escena mía y mi espacio de trabajo o un chico en su espacio de trabajo y yo tenía todas esas partes ya con las que trabajar. Al exponerlos, pude averiguar cuál era mi composición, en qué elementos se quedaron, qué elementos salieron, qué cosas nuevas que introduzco, cómo simplificé, todas esas decisiones que tomé para hacer más fuerte la composición y contar mejor la historia, y para arreglar cosas como conflictos donde hay muchas cosas superpuestas que pensé que podrían limpiarse un poco. Este proceso de mejora y refinación continuará hasta en el arte final, pero claro si le estuviera mostrando esto a un cliente, me aseguraría que están firmando en contenido, composición y concepto, así que no quiero ponerme demasiado loco en lo que cambio entre esto en mi arte final. El cliente ahora va a esperar ver algo muy parecido a esto pero en mi estilo y en color con algunas texturas y en otros bits mágicos como ese. Las cosas van a seguir más o menos igual, pero puede que tenga algunas ideas sobre qué hacer sobre lo que está pasando aquí. Por ejemplo en la final, pero tal vez todo va a alinearse simplemente perfección y no voy a necesitar hacer ningún ajuste a la composición, así que eso es lo que voy a hacer a continuación, y nos vemos en el próximo video. 18. Proyecto final: obra de arte terminada: [ MÚSICA] Una vez que hayas refinado tu boceto, es hora de trabajar tu magia y convertirla en una ilustración totalmente terminada. Como dije, aquí es donde traes tus propias herramientas y técnicas al proyecto. Te mostraré una visión general de mi proceso pero la gran idea aquí es cómo mi estilo de dibujo se conecta más a la perfección con mi estilo de ilustración final. Ahora te toca poner a prueba los principios de esta clase [MÚSICA] en esta clase, todo dibujo y bocetos lleva a un destino final, la ilustración final, esto es dibujar hacia la ilustración y todo lo que tenemos estado haciendo ha sido con una dirección y un propósito. Como ilustradores, no dibujamos para ganarnos la vida. Creamos imágenes que cuentan historias poderosas y expresan ideas significativas de formas visualmente convincentes. Cuando hayas terminado tu ilustración, por favor compártala en la página de proyectos de clase. Pero por favor no se olvide de mostrarnos a todos ese proceso conducente a ello. De hecho, esto es lo más importante para mostrar en esta clase, para mostrar la progresión del Modo 1 o dibujo observacional al Modo 2 o dibujo ideacional. Es en esta transición donde tu voz en confianza comienza a brillar a través de te guste o no. Mi esperanza, por supuesto, es que empieces a enamorarte del dibujo a tu manera, que te conviertas en confianza y audaz en cómo dibujas hacia la ilustración. Si estás emocionado de compartir algo en Instagram, por favor asegúrate de avisarme etiquetándome @mrtomfroese y usa el #drawingtowardillustration. Esta es una de las mejores maneras de mostrarme lo que estás tramando y siempre estoy agradecida por el bombo, pero lo más importante, estoy tan agradecida por el tiempo que has elegido pasar conmigo. Muy bien chicos, es hora de finalizar esta ilustración. Ya he enviado mi sketch de Procreate a mi Mac. Ahora lo tengo abierto en Photoshop y por supuesto, Photoshop es lo que uso para finalizar mis ilustraciones y los estoy animando a que finalicen sus ilustraciones utilizando las herramientas y técnicas que les encanta usar. Para muchos de ustedes que se van a quedar en Procreate y terminarlo ahí mismo, creo que eso es genial. Muchos de ustedes tendrán flujo de trabajo similar al mío usando Photoshop. A lo mejor te gusta más la ilustración vectorial, sin embargo lo hagas. Para ser honesto en este punto que has aprendido todo lo que necesitas aprender en esta clase. Ahora hemos aprendido a dibujar hacia la ilustración y todo que queda por hacer es realmente terminar la ilustración en un estilo más finalizado. Con eso fuera del camino, saquemos todo esto ilustrado. Tengo este boceto de Procreate abierto, pero por supuesto necesito hacer un archivo de ilustración final real en Photoshop. Lo que voy a hacer es crear un nuevo archivo y quiero que este sea mi tamaño de impresión final, que es de ocho pulgadas por 10 pulgadas. Por supuesto que quiero que sea 300 pixeles por pulgada para que se imprima muy bien si eso fuera alguna vez lo que quería hacer. Mantengo mi espacio de color en RGB y mucha gente puede pensar de manera diferente al respecto, pero así es como empecé. Sí recomiendo trabajar en modo de color RGB. Vamos a abrir este nuevo archivo y lo primero que quiero hacer es solo tomar esta versión más refinada del boceto y copiarlo y simplemente pegarlo aquí en mi documento y simplemente estirarlo hasta los bordes. Como siempre, me gusta bajar mi boceto a alrededor del 30 por ciento de opacidad y luego creo un grupo de capas por encima de él que llamo Arte. Aquí es donde pongo todo el arte en la ilustración final todo termina en este grupo de capas y acabo de configurar la transparencia de todo este grupo de capas para multiplique y de esa manera todo lo que hago dentro este grupo permitirá que el boceto brillar a través. Entonces, empecemos. Para empezar, solo empiezo a hacer una forma donde me lleve el ojo, que está en el centro de la composición y de inmediato, estoy trabajando en color. Ahora tengo una paleta de colores go-to y uso esta paleta con casi todos los proyectos, a menos que me lo requiera mi cliente, solo me apego a esto, así que eso hace muy fácil mi decisión de qué colores usar. Aquí solo estoy bloqueando en formas de color y por supuesto, recuerdo en este punto guardar mi documento, muy importante cuando estás trabajando en una ilustración muy detallada. Aquí, voy a cortar la forma del plantador de la naranja debajo para que tenga efectivamente una forma negativa ahí el color de la página está pasando, y ahora estoy pasando a la pantalla. Aquí, estoy trabajando como hacer que esas esquinas se vean redondeadas de una manera agradable y limpia. A veces tengo que empezar de nuevo desde cero solo para asegurarme de que todo esté lo más nítido y limpio posible. Las esquinas redondeadas son realmente complicadas de hacer a mano cuando no estás usando una función automática como la que puedes obtener en Adobe Illustrator. Photoshop es un poco diferente. Ahora estoy haciendo las conchas. Esta es una fácil copiar y pegar pero por supuesto, al copiar y pegar no solo obtienes un duplicado de la forma sino un duplicado de tus peculiaridades y accidentes por lo que quieres deshacerte de esos accidentes. De lo contrario, se ven dos del mismo accidente que los amplifica. Ahora aquí es la primera vez que estoy introduciendo el trabajo de línea en la ecuación y ahora aplicando lo que hice al final, también a las patas de las sillas, siempre usando un estilo león muy similar y consistente. Estoy usando un cepillo aquí para agregar las pelotas de tenis para los pies. Agregando algunos pequeños detalles para hacerlos más parecidos a una bola de tenis y finalmente decidí aquí hacer esas grietas en las pelotas de tenis con una forma muy sencilla. Ahora trabajando en las patas de la maceta, usando exactamente la misma pincelada que las piernas de la silla. A veces toma unos cuantos intentos para conseguir esas líneas exactamente de la manera que quiero que vayan. Aquí estoy cuestionando si tener el escritorio justo al otro lado es la idea correcta. A lo mejor quiero tener el escritorio en medio de la composición en su lugar para que toda la página no esté dividida en dos con esa gran línea oscura del escritorio en el medio. Siempre encuentro hacer figuras humanas usando la herramienta de lápiz como lo hago, una de las partes más complicadas de una ilustración, sólo porque tienes todas estas capas superpuestas y partes del brazo sobre el cuerpo y cosas así. Despacio pero seguro lo trabajo consiguiendo un poco de tono de piel ahí dentro y por supuesto un poco de pelo. Sigo trabajando los colores, tal vez ese azul claro vaya a funcionar para mi pantalla, no estoy seguro una y otra vez, sigo trabajando si quiero que ese escritorio corte justo a través de la pantalla o de la página. Quizás al convertirlo en un rosa más claro en lugar de ese azul oscuro, eso eliminará ese efecto de cortar la página a la mitad. Aquí, le estoy agregando detalles a este cajón y lo que voy a encontrar aquí es que solo copiar y pegar la línea con un pequeño tirón ahí crea una bonita repetición y un look armonioso con solo copiar y pegando eso y simplemente no preocuparte demasiado por tener espaciado parejo. Eso le agrega un poco más de calidad humana también. Ahora ejerciendo las formas de las piernas. Siempre un poco de proceso para resolverlo. En este punto con los zapatos, estoy tratando de averiguar de qué color serán para que contrasten tanto con mis piernas como con los elementos de fondo. Presenté el gris, que en realidad no es diferente al color de mis zapatos reales en la vida real. Mantener esos trazos de línea consistentes con todo lo demás. Básicamente tengo dos trazos de línea en cuanto a ancho. Tengo el más delgado como ves en los detalles del zapato y los más gruesos como ves en las patas de la silla. Agregar algunas líneas blancas agrega algún bonito detalle y separación entre los elementos oscuros de mi ropa, luego ver si puedo agregar algunas arrugas para realzar la sensación de la flexión de mis piernas. De nuevo, solo jugar, ver qué funciona, hacer un poco demasiado y luego recuperarlo. ¿ Cuál es ese equilibrio correcto entre la línea separa las dos piernas y tener las arrugas ahí y ahora estoy trabajando en debería tener puntadas u otras facetas o características en los genes que hay? Entonces digo que no. Era un poco demasiado llamativo, así que me lo quité. Tratando de que esos dedos tengan la forma correcta. Ahora está bien quitarse el boceto por un tiempo solo para ver cómo la obra está de pie por sí sola. Ahora voy a pasar a agregar algunos soportes para las estanterías y de nuevo, es una operación de copiar y pegar aquí porque estos elementos son muy menores, permitiendo que se repitan solo crea una agradable consistencia de una manera muy sencilla, limpia. Ahora estoy agregando las formas para la luz de estudio y voy a estar trabajando cómo hago estas aletas en la luz. ¿ Voy a usar trazos o voy a usar formas? En última instancia, decidí que las formas son el camino a seguir. Entonces empiezo a quejarme con los detalles de cómo estas aletas están unidas a la luz misma y por supuesto cuáles son los detalles en la parte posterior del encendedor. Sólo necesito suficiente para sugerir quizá un poco de profundidad sólo para dar la luz de poco de presencia. Pero voy a alboroto bastante por qué detalles incluir en la espalda, así que no es distraer. Ahora, estoy elaborando el patrón en la maceta. A lo que voy aquí es solo asegurarme de que sea de aspecto natural de alguna manera, como el pincel que estoy usando. En realidad, no parece un pincel digital. Algunos de mis pinceles de lápiz aquí se ven demasiado digitales, así que estoy trabajando cuáles se ven más naturales y luego trabajando en la calidad real de cada línea en ese patrón. En última instancia, creo un pequeño conjunto de líneas que repito de nuevo solo para tener esa consistencia y sencillez. Ahora es el momento de averiguar cómo en la tierra voy a crear las hojas de la planta, que en mi estilo que usa muchas formas usando la herramienta pluma, es complicado. Entonces he encontrado este pincel, se estrecha hasta un final y solo lo estoy trabajando aquí afuera, y usando un borrador para simplemente afilar los extremos de cada una de esas hojas en la planta. Yo decido ahora que el escritorio va a ser amarillo y luego segundo supongo si la alfombra se va a sangrar por los bordes, en cambio, recortarlo apretado casi hasta el borde y ahora estoy jugando alrededor con qué patrón voy a añadir a eso alfombra. Primero repitiendo el patrón y luego agregando un poco de variación para que no se vea totalmente cortado y pegado. También agregué las rayas rojas ahí dentro también, y luego decido solo agregar una deshilachada a los extremos de la alfombra y esto agrega más interés visual y ayuda a ese borde de la alfombra simplemente a no ser tan abrupto. Ahora estoy considerando de qué color debe ser mi camisa. En la imagen de la que dibujé esto, llevaba todo negro, pero agregar la camisa como un color diferente creará de nuevo más interés visual en contraste. Ahora estoy trabajando en el marco del iPad y los contornos de la silla, solo una línea muy simple servirá, y ahora agregando mi MacBook. Ahora quería que fuera negro igual que la pantalla, la pantalla principal en el medio es negra, pero no contrasta bien, por supuesto, con la luz de estudio frente a ella, así que la hago azul claro en su lugar. Entonces, por supuesto, resolviendo de qué color será esa pantalla en el MacBook. Creo que volveré a eso más tarde. Nuevamente, haciendo el trípode para la cámara en la misma calidad de línea que hice por las piernas en la silla y los trípodes en las luces del estudio, solo trabajando algunos detalles sencillos para la propia cámara, sin sentir leal a los colores de la cámara en la vida real. No tengo cámara rosa y azul, pero quiero un poco de rosa ahí. Me imaginé que agregar el mismo color de naranja a esta pequeña luz de pinza, haciendo que el mismo color que la luz colgante encima de mí tiene sentido. Comprobando sin el boceto otra vez, viendo cómo se está uniendo todo. Ahora, estoy encontrando que las pelotas de tenis no están contrastando lo suficiente con lo amarillo en esa alfombra, así que me pregunto si tal vez agregar algunas sombras ayudará a que las pelotas de tenis estallen más, pero siento que la sombra simplemente no funciona realmente aquí, realmente se destaca. Entonces en cambio sombreo toda la alfombra y simplemente la hago un tono más oscuro, lo que ayuda a que esas bolas salgan. Ahora agregando el cable de la luz y simplemente consiguiendo ese giro del cable justo. Si bien estoy haciendo cables, ¿por qué no hacer el enchufe del otro lado de la imagen? Nuevamente, trabajando en cómo hacer que ese outlet parezca una toma de corriente sin sobrecalentarlo. Aquí, estoy trabajando cómo voy a hacer los dos cajones, y me parece que sólo repetir el cajón la izquierda y hacerlo funcionar a la derecha funciona perfectamente. Llevar una rueda al juego correcto de cajones, aunque no tenga una en la vida real, funciona bien. Ahora estoy trabajando en el colgante. Configurando aquí mi rejilla para que pueda hacer algunas letras para el colgante. Al principio, estaba pensando que pondría “Skillshare” en el colgante, pero no encajaba bien, así que acabo de escribir “cool” en su lugar. Hago que mis letras sean un poco más grandes de lo que normalmente lo necesito en la posición final colocada y luego lo encojo hacia abajo y eso hace que las letras se vean un poco más crujientes. Ahora estoy agregando algo de textura de grano de madera para el escritorio. Primero lo dibujo por encima de todo y luego lo colocaré más tarde dentro de la forma del propio escritorio. Ahora estoy ajustando el color al blanco porque es un poco más sutil. Ahora, en mi pared tengo diferentes cuadros y discos con gráficos que realmente me gustan. Entonces eso es lo que están aquí y voy a estar trabajando justo el detalle que incluyo en estos registros. ¿ Voy a la ciudad y realmente agrego toneladas de detalles o lo tiro hacia atrás y solo sugiero qué hay en las portadas sin ser súper literal? Entonces aquí en el micrófono, voy a trabajar cómo hacer esa malla y me parece que sólo una línea más delgada en realidad funciona bien, y simplemente repetirla en un hash como una textura o patrón de eclosión cruzada, funciona muy bien. Agregar algunos detalles al sombrero ayudará a separar ese sombrero de la pantalla que son del mismo color. Ahora estoy trabajando en algunos de los marcos de la estantería y alrededor de la estantería, y al igual que los discos, voy a estar trabajando en lo detallado que voy a hacer lo que hay dentro de estos marcos. Entonces, ¿simplemente será blanco brillando, como la página que brilla a través, o añadiré detalles reales de lo que hay en esos marcos? Eso es algo que descifraré más tarde. Si no sé qué colores usar, solo usaré cualquier color al azar, y haré cambios si es necesario más adelante. Además, solo tratar de descifrar la proporción exacta de estos libros que tengo tendidos uno encima del otro no me funcionaba, así que empecé de nuevo y luego me di cuenta de que el teléfono es de ese color rojo, así que saqué lectura del libros y úsalo para el teléfono que está sentado en la parte superior. Hago ese libro medio blanco en su lugar. Ahora aquí paso mucho tiempo solo tratando de conseguir que ese garabato o espiral del cable telefónico justo a la derecha. Nada parece estar funcionando hasta que haga sólo una pequeña ahí y ahí la tengo. Ahora pasando a estas botellas. Estas botellas están en mi estante porque diseñé las etiquetas. Ahora están vacías, pero me encantan las etiquetas así que las tengo arriba en mi estante. Tan sólo una pequeña línea blanca para separar a los dos. Agregando otro disco que está entre las dos estanterías, moviendo esos soportes, para que puedan acomodar las diferentes cosas en el estante, y ahora es el momento de hacer algunas de las revistas y libros en el estante. Entonces encuentro que solo haciendo un simple trazo para representar la columna vertebral de una revista y variar los colores he creado un bonito patrón abstracto. Es una forma sencilla y agradable de representar a las revistas sin ponerse demasiado detallada. Por supuesto, asegurándose de que la variación entre diferentes colores sea de alguna manera inesperada. No todo es sólo colores de aspecto aleatorio como he agrupado unos cuantos en azul y rosa y rojo allá arriba, sobre todo los de casitas en las que estoy dibujando agujeros ahora. Sigo tratando de averiguar de qué color serán esos cajones debajo del escritorio. Encontré que el rosa era un poco menos intenso que el rojo. Vuelve a dar vueltas al MacBook, agregando solo algunos detalles sutiles simples. Estas cosas me revelan a medida que voy. Si se atasca en él, solo lo dejo, vuelvo a él más tarde, y generalmente tengo más claridad cuando lo hago. Ahora estoy haciendo algunos de los libros más grandes en mi estantería. Estos son libros de mesa de centro. Entonces probando algunas espinas más anchas aquí en diferentes colores, y viendo cómo funciona eso. Estoy luchando aquí para ver qué funciona, y pensando que tal vez necesito algún tipo de elemento separador entre cada libro. Pero me parece que se ve en el congreso con otras cosas que tengo pasando en las estanterías particularmente. Entonces en última instancia desecho ese enfoque y decido solo ir por las líneas similares a lo que tengo en el estante de arriba porque no importa lo que realmente hay. este momento sólo quiero sugerir que hay libros en el estante y tener un nivel de consistencia visual, y armonía a lo largo de la composición. Mantenerlo sencillo y abstracto y repetido me permite no preocuparme de qué detalles hay en esas espinas de los libros. Yo estaba quedando atrapado en lo que eran esos libros y de qué colores eran, así que simplemente lo deseché y me fui con algo más sencillo. Fue un elemento menor, por lo que no importó. Tan pronto como algo dicho está atrayendo demasiada atención sobre sí mismo, y en realidad no está destinado a ser un punto focal de la ilustración, trato de simplificarlo y tontear hacia abajo. Ahora voy a trabajar como hacer un transparente como un jarrón de vidrio. En mi otro tipo de esquema de color plano y sólido aquí. Por lo que sólo esbozar ese jarrón con un contorno azul sugiere claro dónde no ha llegado el agua hasta el final. Las flores no he pensado en qué tipo de flores son estas, sólo las flores en general. Entonces cualquier detalle ahí realmente no importa siempre les tengan una apariencia como flor y se vea bien, entonces estoy feliz. Aquí solo estoy trabajando algunos de los detalles de ese clip o pinza que me estaban molestando. Encontré que el contraste y el sombreado en la alfombra era demasiado oscuro, así que lo aligeré. Entonces quiero añadir sólo unos pequeños puntos más a esas bolas de Billy. Ahora estoy elaborando algunos detalles para las hojas en la planta de la casa. ¿ Puedo hacer que la planta de la casa luzca más interesante y de alguna manera más completa? Nada de lo que estoy haciendo está funcionando bastante. A lo mejor algo blanco va a hacer. Sólo sigue intentándolo. Ahí hay algo. Ahora lo estoy trabajando demasiado. Decidí desechar y tal vez volver a él más tarde. Ahora estoy elaborando un patrón para mi camisa. Uno de mis patrones go-to en mi ilustración para camisas es por supuesto a cuadros, que también tiendo a usar mucho. Entonces hay un elemento autobiográfico a esto, y aquí sólo estoy tratando de hacer ese patrón de cuadros lo más bonito y simple pero efectivo posible. Siempre tratando de hacer que las cosas se vean sueltas y caprichosas sin parecer descuidadas, y del otro lado, no quieres que se vea sobrecargado. Poniendo de nuevo el boceto para que pueda continuar con algunos de los detalles. Obteniendo tanta variedad de color como pueda. Equilibrando donde aparecen los colores a lo largo de la ilustración. Aquí hay otro recipiente transparente. Este es un frasco encima de mi escritorio con algunas reglas y cinta adhesiva. Entonces aquí estoy luchando para que esa forma se vea pareja y en última instancia me rindo y engaño y copio y pego el costado sobre el otro para que sea simétrico, y luego empiezo a dibujar en los elementos o en el contenido de este tarro. Nuevamente, solo, estaré trabajando cómo represento a los objetos en este recipiente transparente usando un esquema de color bastante sólido y plano. Me lleva un poco de tiempo aquí, pero llego ahí eventualmente. En muchas cosas me atasco, solo lo dejo por ahora y paso a lo siguiente, aquí hay un par de gafas de sol en mi escritorio y las consigo molestar sobre exactamente cómo hacer estas gafas. Después paso a algunos de los otros elementos inconclusos. En este caso la planta en la parte superior de mi estante. Para la planta misma, voy a usar el mismo color y el mismo pincel que usé para las hojas de la planta, la planta principal del piso. Esta gran caja gris aquí es mi impresora. Ahora para los detalles dentro de la pantalla aquí, que es una imagen de la imagen aquí, mantengo realmente simple, solo uso un trazo de línea en un color y sugiero esta imagen en lugar de ir y tratar de repetir el toda imagen con más detalle aquí. Es suficiente para algo de este tamaño. Tomaré tiempo y cuidado para que se vea considerado para que no se vea descuidado. Pero aparte de eso, lo mantengo simple. Simplemente armonizando las cosas más creando un estilo de esquina similar a la pantalla detrás del iPad ahí. Entonces por supuesto, porque estoy trabajando en la almohadilla Astra, usando mi iPad como tableta gráfica, es ver lo que hay en mi pantalla también, así que incluyo ese detalle. simplemente agregando algunos toques finales aquí, atenuando las imágenes en mis pantallas allá. Por lo que no son tan obvias y dominantes. Eventualmente, encuentro el color que funciona. Siento que quiero poner algún tipo de elemento encima de estos libros y frente a ese cuadrado rosa. Aterrizo en este cervecero, que en realidad tengo en mi estante, y lo dejo en eso. Ahora, por fin estoy agregando los detalles a este disco más oscuro a mi lado en la pared, y le agrego un poco de letras a mano. Nuevamente, trabajar en mi letras un poco más grande y luego escalarlo hacia abajo puede hacer que se vea más crujiente que si acabara de dibujarlo en su lugar, haciendo más letras esta vez para el disco amarillo. Este disco amarillo es una portada que está diseñada por Alex Steinweiss, uno de los grandes diseñadores de portadas de álbumes de mediados de siglo. No meterme en demasiados detalles aquí, sólo sugerir lo que hay en el registro, y asegurarme de que lo arroje detrás de los gobernantes. Ahora estoy trabajando en tal vez agregando algo de sombreado, solo un toque y haciendo que el cable sea blanco aquí, creo que fue una buena jugada porque es ordenada como desaparece y el blanco cerca de mis pies y luego te lleva fuera de la página en la parte inferior. Por lo que estaba realmente contento con cómo resultó eso. Tocando con algunos detalles más. Por fin volver a este tarro de gobernantes y cinta en mi escritorio. Resolviendo eso, elaborando un último tipo de detalle abstracto en esta portada. No quiero ser demasiado específico y distraerlos, así que creo una mancha y refino el borde de la misma para que se vea más considerado. Consigue el tono justo. Yo juego con conseguir un tono dentro de este gruñero también. Sólo algo un poco más oscuro para sugerir vidrio oscuro. Por último, decido que sí, voy a poner algo en estos marcos. Tan sólo una sugerencia de lo que hay en ellos sin ser demasiado específico. Entonces otra vez, haciendo un poco más de letras a mano. Este marco tiene una revista con una portada diseñada por uno de mis ilustradores favoritos, Ben Shahn. No voy a intentar imitar eso en la ilustración aquí. Simplemente dibujo un blob general ahí dentro y ya basta. Lo mismo con la pintura de payaso. Sólo algo sencillo. Por supuesto, no olvides este tan importante toque final. Creo que ya terminé. 19. ¡Conclusión!: Muy bien chicos, eso es todo. Ya terminamos. Gracias por trabajar a través de todas las conferencias y la imprimación, por pasar por todos los ejercicios y por supuesto por traer a todos a casa en el proyecto de ilustración final. Ojalá te divirtieras mucho trabajando a través de las asignaciones. Espero que hayas aprendido una tonelada sobre Dibujar hacia la ilustración. Espero especialmente que ganes algunas pistas valiosas para tu propia voz única en todo esto. Si tiene alguna pregunta en el camino, como siempre, por favor pregúntame, aunque estoy respondiendo sus preguntas. Para preguntas generales sobre el contenido de esta clase, puedes escribirme una nota en la página de discusiones de esta clase. Si deseas retroalimentación más específica sobre los ejercicios o proyecto final, asegúrate de publicar tu trabajo en la página de proyectos y recursos de esta clase. Publicar ahí es la mejor manera para que yo vea lo que haces. Hago mi objetivo ver todos y cada uno de los proyectos que publiquen. También al publicar tu proyecto, inspiras a otros a hacer lo mismo. Por supuesto, los animo a todos a que se fijen en proyectos de los demás y se den retroalimentación útil el uno al otro. Ustedes son siempre un puñado tan alto, siempre amables y respetuosos. Siempre es una alegría ver a nuestra comunidad de creativos construyéndose unos a otros. Te recomiendo encarecidamente aprovechar la comunidad de aprendices creativos de Skillshare buscando comentarios de tus compañeros estudiantes. Quizás ofrezca un oficio de su crítica sobre su proyecto, para el suyo, sobre el suyo. Si compartes algo que hayas hecho en esta clase o directamente como resultado de tomarlo en Instagram, por favor usa el hashtag drawingtowardillustration. De esa manera realmente puedo estar al día con lo que estás haciendo más allá de esta clase. Sabes que me encanta ver tu trabajo en la naturaleza. Muchas gracias por tomar Dibujo Hacia la Ilustración. Te veré en la siguiente clase.