Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: Bienvenido a Dibuja tu mundo, ilustrando pose,
personalidad y escena. Soy yo gordo Fishman e
ilustrador radicado en el norte de Texas y maestra
aquí en Skillshare Como artista profesional, creo murales a gran escala
llenos de personajes,
y honestamente, nunca es realmente fácil ilustrar a las personas, especialmente
haciéndolas sentir relacionables A la hora de dibujar figuras, tu estilo puede ser cualquier cosa, desde realista hasta abstracto
y geométrico. Pero lo que realmente hace
emocionante a
una ilustración es la pose, ese gesto dinámico que
aporta energía a la pieza. Si todo esto te habla,
estás en el lugar correcto. En esta clase, voy a compartir
las técnicas que utilizo para aportar brillo y
alegría a las ilustraciones, para que puedas hacer lo mismo en la tuya. Quizás te estés preguntando, ¿necesito conocer proporciones
humanas, anatomía o movimiento
para tomar esta clase? Entonces la respuesta es no. Si bien aprendí todos los de la escuela de arte, aquí, te mostraré enfoques
intuitivos que
he recogido en el camino. Estos son métodos que omiten los detalles técnicos y en su lugar aprovechan nuestra creatividad. Esta clase es perfecta para ilustradores
principiantes y artistas
intermedios Te guiaré paso
a paso a través del proceso
desde capturar tu pose en cámara hasta traer tu
espacio favorito a una escena. Y por último, combinarlo todo en una
ilustración divertida y personal. Al final, tendrás una ilustración
terminada
que es exclusivamente tuya y junto con habilidades que podrás llevar
a futuros proyectos. ¿Listo para dibujar?
Empecemos.
2. Tu proyecto de clase: Bienvenidos a la clase.
En esta primera lección, te
guiaré a través de
nuestro proyecto de clase y cómo vamos
a darle vida. Estarás creando una
ilustración personal que capture tu vibra única a través una pose de abanico y una escena
de tu espacio favorito. Ya sea tu
recámara, estudio, sala de estar o un
rincón acogedor que se sienta como tú, para este proyecto,
llegas a ser el modelo. Piensa en los grandes maestros a
lo largo de la historia del arte. Muchos de ellos guardaban espejo cerca de su caballete para dibujar
autorretratos Era su versión
de una selfie. Y en esta clase,
vamos a tomar esa idea y divertirnos
mucho más con ella. Comenzarás grabando un video rápido de ti mismo
impactando poses lúdicas y expresivas.
Y no te preocupes. Nadie está mirando.
Es sólo para ti. A partir de ese metraje,
tomaremos algunas capturas de pantalla para usar como referencias y convertirlas en divertidos dibujos de
personajes. Luego
lo reuniremos todo
ilustrando una escena desde
tu espacio personal, agregando detalles, color y elementos
narrativos Para
comenzar, te llevaré a mi
espacio favorito, mi estudio. Y te voy a mostrar cómo abordo este proyecto. Entonces comencemos.
3. Cómo capturar poses divertidas: Si vamos a aprovechar mi lugar favorito en la casa. Bienvenido a mi estudio. Tengo algunas plantas aquí, algunas obras
de arte enmarcadas, y me encanta la vista del
patio trasero a través de las ventanas. Aquí es donde me
siento más inspirado. Aquí está mi escritorio de dibujo, y hoy estaré
agarrando mi iPad y usando su cámara
para filmarme En realidad estoy usando mi teléfono
para grabar este video, así que usaré el iPad
como mi dispositivo de filmación. Absolutamente puedes
usar tu teléfono o cualquier cámara que
tengas disponible. Ahora vamos a configurar la
cámara en un buen lugar. Este pequeño sofá es uno de
mis lugares favoritos para relajarme. La manta de ganchillo
y la almohada azul. Esos son los proyectos
artesanales de mi hija. Me encanta tenerlos en mi espacio. Lo hace sentir
aún más personal. Cuando estés
configurando tu cámara, asegúrate de poder capturar todo
tu cuerpo
de pies a cabeza. De esa manera, tendrás
la mayor flexibilidad más adelante al elegir una pose
para tu ilustración. Bien, vamos a tener
una sesión de fotos divertida. Es tan liberador verte a
ti mismo ante la cámara,
solo siendo tú Estoy probando todo
tipo de poses ya que no
sabré qué funciona mejor
hasta que revise el metraje. Algunas ideas divertidas para probar. Saltando en el aire,
esto agrega un gran movimiento. Baile elegante porque ¿por qué no? Manos arriba en el
aire hacia los lados, estirando o retorciendo
una ligera curva hacia atrás o desplazando su
peso a una pierna Solo sigue moviéndote y jugando. Te sorprenderá lo
expresivo que puede ser tu cuerpo. Aquí algunas capturas de pantalla de poses que me gustaron mucho,
y ahora es tu turno. Grabe usted mismo,
explore esas poses y tome capturas
de pantalla de sus favoritos. A continuación, comenzaremos a
dibujar a partir de esas imágenes.
4. Bocetos de tu pose: cómo encontrar los conceptos básicos: Ahora que has recopilado tus fotos
de referencia del clip de posar, llevémoslas a
tu aplicación de dibujo. Voy a usar procreate ya que es solo una
opción popular entre los creativos, pero siéntete libre de
usar cualquier aplicación o materiales con los que te sientas
más cómodo. El primer paso
para
bosquejar nuestra pose es descomponer la pose
en sus partes más simples Para dibujar una figura, quieres entender qué
hace que la pose funcione. Recomiendo comenzar con
un óvalo para la cabeza, después marcando los ángulos de
los hombros y las caderas. A partir de ahí, en puntos
para las articulaciones. En cualquier lugar donde el cuerpo
cambie de dirección, como los codos, las rodillas y los pies así los
marcaremos con puntos y luego conectaremos esos
puntos con líneas simples Piensa en esto como
construir una figura de palo. Es una forma rápida de ver cómo se alinea
todo
antes de agregar detalles Una vez que tengas esa base, puedes comenzar a acodar
con más información Entonces comienza de nuevo con la cabeza y luego
escoge los detalles que te
destaquen. A lo mejor es el
gesto de las manos. El flujo del cabello o
la inclinación del torso. boceto ligero
sobre tu foto para descubrir el ritmo
y el flujo de la pose. Recuerda que esta etapa
no se trata de perfección. Se trata de capturar la
esencia del movimiento. Vamos a
refinarlo en la siguiente etapa. Te animo a que
practiques de tres a cinco poses
diferentes de esta manera porque tenemos
todas estas fotos. Es una buena idea dibujar tanto
como puedas, para practicar tu mano en la
captura de poses. Y no te apresures. Tómese el tiempo para notar cómo cada cuerpo se desplaza,
dobla y equilibra Cuanto más practiques,
más fácil será ver estas estructuras en
cualquier pose que quieras dibujar. Incluso si tus
bocetos se ven rudos, contienen todo lo que necesitas para construir en el siguiente paso Al final de esta lección, quiero que tengas un conjunto de bocetos
aproximados que capturen
el espíritu de tus poses Y en la siguiente lección, refinaremos una de ellas
y traeremos más detalles.
5. Técnicas para perfeccionar la pose: Ahora que tienes un boceto
aproximado de la pose, vamos a sumergirnos en los divertidos detalles. Aquí es donde tu dibujo
realmente empieza a cobrar vida. Puedes quedarte cerca de
tu foto de referencia, pero te animo a que
también uses tu imaginación. Esta es tu oportunidad de jugar
y tomar decisiones creativas. A medida que dibujas,
piensa en el estado de ánimo que
deseas en tu
personaje para expresar. Entonces para mí, me gusta
crear imágenes alegres. Entonces eso es lo que estoy
apuntando aquí. Recuerda, tu boceto es la base de
tu pieza final. Así que cada paso se
basa en el anterior. En mi foto de referencia, llevaba pantalones cortos, pero en mi refinado boceto, lo
cambié por una falda. ¿Por qué? Porque el flujo de la falda me ayuda a mostrar
más movimiento en la pose. También enfaticé el
movimiento en el cabello
dibujándolo volando en sentido
contrario al salto. Estas pequeñas opciones añaden energía y personalidad a
tu ilustración. Si quieres aprender más a fondo sobre el movimiento
en la ilustración, tengo una clase para eso. Ahora, vamos a acercar los detalles,
especialmente las manos. Las manos son una de esas características que realmente
destacan en una ilustración, por lo que merece la pena darles una atención
extra. Aquí tienes una propina. Si estás luchando
con proporciones, prueba a dibujar la mano
en una capa separada Siempre puedes rastrear directamente desde tu foto para obtener
la ubicación correcta y luego ajustarla para que fluya forma natural con el resto de
la figura en tu boceto. Esta es una de las grandes
ventajas de trabajar digitalmente. Tienes toneladas de flexibilidad. Puedes
mover las cosas, ajustarlas y cambiarlas hasta que todo encaje
bien. Otra técnica útil es voltear tu imagen
horizontalmente Así que usa la
herramienta de transformación procura y voltea tu imagen horizontalmente.
¿Y por qué hacemos eso? Porque nuestros ojos se acostumbran a
lo que hemos estado trabajando, y es fácil perderse los
errores en el boceto. Al voltear el boceto, obtendrás una perspectiva fresca y rápidamente verás cualquier cosa
que esté fuera de balance, como una mano que sea
demasiado larga o una que sea demasiado corta o piernas
que no coincidan del todo Haz esas correcciones ahora, para que tu pieza final se sienta
sólida y equilibrada porque vamos a usar el boceto y construir sobre él para nuestros colores. Y así queremos hacerlo todo
lo correcto que podamos. Así que tómate tu tiempo
aquí y recuerda, refinar el boceto no se
trata de hacerlo perfecto. Se trata de capturar
la energía, el estado de ánimo, los detalles que más te
importan. A continuación, exploraremos
cómo encontrar y construir la paleta de colores
para su proyecto.
6. Crear tu paleta de colores: tonos de piel: Ahora que ya tenemos lista
nuestra pose, agreguemos algo de color. Te mostraré cómo construyo una paleta de
colores para mi proyecto, y luego
crearás una para el tuyo. Empecemos con los tonos de piel. Me gusta escoger tres colores. Uno para el
color base para el cuerpo, uno para sombreado y
otro para reflejos Los colores de la piel
tendrían variaciones de la piel clara
que se pueden mostrar en tonos rosados y
tonos claros y marrones claros Y te estoy mostrando
aquí cómo
los escojo de la paleta de colores
y los coloco en mi lienzo. Así que he creado una primera
fila de tonos de piel claros. Y ahora probemos tonos de piel
más oscuros. Podemos optar por marrones ricos claros
y marrones más oscuros que estén
aún más cerca de los morados, y eso sería un
espectro de colores
para tonos de piel más oscuros
y tonos de piel más claros Entonces estos son todos tus colores
básicos de piel. Veamos cómo
encontramos colores más claros y tonos
más oscuros para algunas
de estas muestras de color Me gusta
marcarlos por encima de mi color para los tonos más claros y por debajo mi color para los tonos más oscuros. Entonces voy a encontrar
algunos de estos para mostrarte cómo funciona este proceso que
puedas hacer lo
mismo por ti mismo. Ahora para mi color base, estoy eligiendo este
tono claro como color de cuerpo. Y para las sombras, iré solo un poco
más oscuro y más saturado. Y para lo más destacado, he escogido algo más ligero, tal vez un poco más cálido
con un brillo suave.
7. Fundamentos del sombreado y resaltado: Quiero tomarme un
breve descanso de la
creación de nuestra paleta de colores y darte una rápida
demostración de cómo colocar sombras y reflejos
en tus ilustraciones. Entonces así es en realidad como usamos esos colores que creamos
en las lecciones anteriores. Entonces, cuando estés agregando sombreado y resaltados, piensa simple Debajo para sombras y
más para reflejos. Las sombras aparecen cada vez que una
forma se sienta debajo de otra, como debajo de la barbilla, en el cuello, debajo de la boca, debajo de la nariz, debajo de nuestra
línea del cabello y debajo de las orejas, y en todas partes donde la
ropa se superpone al cuerpo Ahora, para los reflejos,
por otro lado, caen sobre las zonas que
captan la mayor parte de la luz. Así que piensa sobre la
frente, los cheques, la punta de la nariz,
la barbilla, y los lugares en
los brazos o en la parte superior de los hombros. Y también en las piernas, hay lugares que están arriba, como sobre, y están
más cerca de la fuente de luz, y ahí agregaremos
reflejos. Ahora como tu color, imagina
una fuente de luz tal vez desde una ventana o una lámpara y manténgalo consistente
en todo tu dibujo. Las sombras añaden profundidad y los reflejos dan vida a tu
personaje. Entonces esto es lo básico
de nuestros sombreados y max ampliaremos más
de nuestras paletas de colores
8. Crear tu paleta de colores: contraste y acentos: Ahora, vamos a elegir los colores de
fondo, y vamos a introducir un nuevo
concepto que es contraste. Voy a elegir tonos de
fondo más fríos para ayudar a que mi personaje se destaque. Debido a que mi color va a
ser en colores cálidos y claros, quiero crear un contraste entre mi figura
y el fondo. Entonces estoy eligiendo blues y tal vez verdes ya que
realmente me encanta trabajar
con estos colores. Y aquí es donde el contraste
hace una gran diferencia. Como mi personaje
es cálido y brillante, se destacará sobre
este fondo fresco. A continuación, pasemos a los colores de la
ropa. Voy a elegir dos
principales para mi atuendo. Quiero que mi falda sea azul
azulado o verde claro, y estoy explorando diferentes
formas de crear la falda Y en el camino, realmente
me encantan todos
esos trabajos de pincel, así que podría
mantenerlos en mi final. Para la playera, quiero
algo tal vez
amarillo claro ya que el amarillo es uno
de mis colores favoritos. Así que a veces elegimos
colores intuitivamente. Vamos con
paletas de colores que nos encantan. Para que las cosas sean un poco
más interesantes, agregaré un color de acento, tal vez un toque de naranja
para los accesorios, y tal vez ese naranja pueda
ser un estampado en la camisa. Entonces, en esta etapa, estamos
explorando los colores, y verás que
las cosas saldrán y elegirás colores con los
que disfrutes trabajando. Así que confía en este proceso
y síguelo a medida que avanza. Y aquí quiero
introducir una nueva idea de color. Entonces hablemos un poco
sobre los colores de acento. Los colores de acento son como la
chispa en tu paleta. Los usamos escasamente. Dibujan el ojo y hacen que tu ilustración
se sienta más viva. Entonces no necesitas muchos, uno o dos o cuatro. A menudo es suficiente. Y estos colores
suelen ser más brillantes, audaces o más saturados que
el resto de tu paleta, y funcionan mejor
cuando se usan con moderación Por ejemplo, podrías
tener en su mayoría tonos suaves a neutros para tu
figura y fondo, y luego agregas un toque de rosa
brillante en una camisa o algo en el cabello o un toque de turquesa
en el fondo. Así que piensa en el color de acento como reflejos para
tu historia de color. Agregan energía y mantienen la pieza
entera sintiéndose dinámica. Como pueden ver en
mi demostración, me gusta probar colores
directamente en mi imagen. Cantarlos en el contexto de tu proyecto hace que sea mucho
más fácil decidir qué funciona. Hago esto en una
capa separada de mi boceto. Esta capa, a la que llamo mi capa de color
rugoso es solo para experimentar y ver lo que nos gusta y queremos conservar Y más tarde, cuando paso a
la ilustración terminada, miro esta capa en
busca de inspiración. A menudo algunas de esas marcas de pincel rápidas y desordenadas
terminan desatando ideas
que quiero conservar, como el
círculo brillante en la camisa y los diferentes
colores en la falda Realmente me encantan esos. Así que piensa tu exploración del color
como un comienzo creativo. Es una etapa lúdica que puede guiar e inspirar
tu pieza final. Y recuerda, las paletas
son personales, y los mejores colores suelen ser
los que más disfrutas Así que diviértete experimentando
y hazlo tuyo. Todo bien. Así que vamos a
terminar esto, y te voy a dar
un aviso de proyecto. Ahora que tienes lo básico para construir tu paleta,
tus tonos
de piel, sombras, reflejos y un equilibrio
de colores cálidos y fríos. Y una vez que tengas tus colores, puedes guardarlos como muestra o directamente en el lienzo y crear la paleta
para tu proyecto Entonces para tu proyecto,
en este paso, me gustaría que crearas y guardaras una paleta simple para
tu ilustración, guardarás alrededor de seis
a ocho colores. Dos para la piel o tres, si quieres el color base, la sombra, y los reflejos. Crea algunos colores para la ropa y elige tus
colores principales para el fondo. Piense en esto como
su kit de herramientas de color personal que utilizará a
lo largo del proyecto.
9. Bloqueo de color de tu figura: Ahora que hemos elegido
nuestros colores y creado la paleta
para este proyecto, es el momento de comenzar a colocar
esos colores en el lienzo. Comenzaremos bloqueando las formas del cuerpo del
personaje. Tus opciones de pincel aquí
pueden marcar una gran diferencia. Puedes usar un
pincel liso para bordes limpios o un pincel texturizado si quieres una sensación más orgánica y dibujada
a mano. Estoy usando mi
pincel pastel porque es divertido colorear y
da una textura agradable y viva. Al comenzar a colorear, recuerda que este paso no se
trata de rellenar color. Se trata de refinar tus formas. Así que presta atención a los bordes
de la figura mientras pintas. Aquí es donde puedes definir
las curvas de los brazos, volver a dibujar los dedos para que
todo se vea bien, dibujar la inclinación de la cabeza, agregar los pequeños
detalles de las orejas, y estructurar las piernas Si quieres trazos de
pincel más suaves, siempre
puedes ajustar la cantidad de estabilización en tu pincel. Para ello, simplemente toca el
pincel en tu menú para llegar
al motor del cepillo donde podamos ajustar todos los
aspectos del pincel. Esta etapa es simple
pero realmente importante porque esta es la base de todo lo que viene después, sobre todo cuando empezamos a
agregar sombreado y dimensión Vamos a construir sobre
lo que estamos haciendo aquí. Así que aquí hay un rápido consejo profesional. Al colorear el cuerpo, intente dibujar una pierna
en una capa separada. Hará que sea mucho más fácil
agregar sombreado posteriormente y ajustar el solapamiento
entre las piernas o la ropa Una vez que estén tus colores base, pasaremos al siguiente paso, vistiendo a tu
personaje y agregando todos esos detalles que hacen que
la figura cobre vida.
10. Cómo vestir a tu personaje: En esta lección,
quiero colorear la ropa, y después de eso, agregaremos
sombra al cuerpo de la figura Ahora, sé que esto puede parecer
un poco desordenado, pero eso es solo parte de
mi proceso creativo. Me gusta ver más colores
en el lienzo desde el principio porque me mantiene inspirado
y emocionado de seguir adelante. Así que al igual que
hicimos con el cuerpo, comenzaremos bloqueando
las formas de la ropa. Ahora, antes de agregar cualquier sombreado, asegurémonos de que la
capa de ropa esté ajustada a bloqueo alfa De esa manera, todos nuestros
sombreados y reflejos quedarán pulcramente dentro de las
formas que ya dibujamos Ahora escojamos un pincel
suave que sea amplio y divertido de colorear
para nuestro sombreado. Tómate unos momentos para
probar diferentes pinceles y ver qué textura
te gusta más. El pincel que uses para
sombrear realmente
influirá en el estilo general
de tu ilustración Al igual que tu paleta de colores, textura de
tu pincel ayuda a establecer el estado de ánimo y
la personalidad de tu pieza. Como ves en mi demo, cada pincel da una textura
y sensación
diferentes cuando
se aplica a la falda. Entonces voy a elegir
mi pincel polvoriento, que tiene una textura pastel suave que rellena justo
para este proyecto Cuando empieces a
renderizar la ropa, tómate un momento para mirar hacia atrás en tu exploración de
color áspero anterior. Esa primera etapa a menudo contiene grandes ideas para la
colocación del color y la textura. También es un buen recordatorio de
que la ilustración es un proceso que
evoluciona a medida que trabajas Cuanto más tiempo dediques a
desarrollar tu imagen, más empieza
a cobrar vida. Entonces, aunque esa primera etapa de
color de borrador pareciera
simplemente perfecta, solo echa un segundo vistazo a esto después de terminar de
renderizar tu imagen, y verás la diferencia en tu siguiente paso en
comparación con el primer
borrador que tenías. A medida que refina el sombreado, mantenga sus pinceladas
sueltas y receptivas Intenta colocar sombras en
la parte posterior de la figura, debajo de los brazos y debajo de
la cabeza y agrega reflejos al frente de la ropa como la falda y la camisa, donde la luz cae naturalmente. Por último, agregaremos
definición y personalidad al atuendo. En mi ejemplo, estoy redibujando el
estampado de círculo naranja en la camiseta Puedes usar este paso para
introducir detalles que
hagan que la ropa se sienta personal y única
para tu personaje, ya sea un
patrón, una textura
o un acento de color que
refleje tu historia o estado de ánimo. Todo bien. A continuación, pasaremos a
dibujar la cara
y el cabello y apretados junto con la dimensión de sombreado para
darle vida a tu personaje de
lleno
11. Dale vida a tu personaje (P 1): En esta lección, daremos vida a
tu personaje
agregando dimensión, dibujando la cara y
dibujando el cabello Pero primero, comencemos a sombrear el cuerpo para darle forma y profundidad a tu
figura Así que al igual que cuando
sombreamos la ropa, comenzaremos con las sombras Estoy empezando por la pierna trasera, y aquí es donde dibujarla en una capa separada
realmente me resulta muy útil. Observe cómo sombrear
la pata trasera ayuda a definirla y
separarla de la pata delantera Esta sencilla técnica
instantáneamente le da a tu figura más
dimensión y realismo. Añade sombras dondequiera que las
partes del cuerpo se superpongan o se encuentren. Debajo de la tela, detrás de las
piernas y debajo de los brazos, presta especial atención a
la forma de la cabeza, especialmente donde el
mentón se solapa con el cuello Se puede delinear esa
zona con la línea, pero prefiero sugerirla
con sombreado en el cuello Se siente más suave
y más natural. Usarás esta misma idea hora de definir los
dedos y las manos. Así que usa un sombreado suave en
la palma de la mano, pero déjalo claro y
brillante en el pulgar Esto realmente ayuda a definir
la forma de la mano. A continuación, vamos a traer destacados. He elegido un color cálido y claro que le da a la piel un aspecto
suave y resplandeciente Aplica los reflejos
a lo largo de los brazos y las yemas de los dedos siempre en el lado
opuesto de tus sombras. Luego agrega luz a la
cara a través de la frente, las mejillas, la barbilla y
la punta de la nariz. He traído de vuelta
mi capa de boceto para guiarme a través de esta etapa. Una vez que los reflejos
estén en su lugar, comience a marcar las
áreas sombreadas en la cara Esta combinación de
luz y sombras le
dará a tu caracter
profundidad y calidez. Ahora quita tu capa de
boceto para
que veas tu sombreado con
mayor claridad un vistazo de cerca a
la cara y suavice cualquier área que se sienta demasiado afilada
con pinceladas suaves Recuerden, las caras
realmente no tienen contornos. Entonces, en lugar de trazar líneas
para la nariz o las cejas, deja que tu sombreado defina
los rasgos faciales Este enfoque
hará que tu personaje luzca más natural
y expresivo.
12. Dale vida a tu personaje (P 2): Bien, ahora que hemos agregado
luz y sombras al cuerpo, centrémonos en el
rostro y el cabello, los detalles que realmente dan vida a
tus personajes. Entonces dibujemos la
cara en detalles. Crea una nueva capa y usa
tu boceto como referencia. Comienza a definir los
rasgos, los ojos, la nariz y la boca. Aquí tienes una propina. Los ojos y los dientes se sienten
más animados cuando
empezamos con
tonos claros para definirlos. Y luego usa colores más oscuros para delinear los ojos
y dibujar la boca. Esta combinación agrega profundidad y calidez a la expresión de tu
personaje. Esta parte del proceso
lleva tiempo para completarse. Usa mi demo como referencia y guía a la hora de
dibujar tu personaje. Dibujar la cara se hace mejor agregando gradualmente más
y más detalles. La parte divertida de remar
digitalmente es la flexibilidad. Siempre podemos refinar
y ajustar y ajustar cosas como mover un ojo a una mejor colocación
en la cara Por último,
pasemos al cabello, creamos una nueva capa para ello. Me gusta dibujar el cabello con trazos de sujetadores
grandes para
definir primero la forma, y luego entrar en
más detalles más adelante. Ahora, aquí hay otro consejo. Dibuja parte del cabello
detrás de la figura colocando esa capa
debajo de las capas del cuerpo. De esa manera no tienes que
preocuparte por dibujar sobre las partes que ya
tienes porque
solo estás creando el
fondo del cabello. Y luego puedes
pasar de nuevo a la capa superior del cabello para rematar todos
los detalles finos. El cabello es una gran manera de
mostrar movimiento en tu imagen, así que intenta dibujarlo fluyendo en la dirección opuesta al movimiento de
tu personaje. Para terminar, usa un cepillo más pequeño. Un pincel de lápiz funciona maravillosamente aquí y agrega mechones
de cabello que fluyen sobre la
cara de tu personaje y en los bordes del cabello
para obtener detalles más finos Este paso agrega definición y textura y personalidad
a tu figura. Tómese su tiempo aquí
y disfrute del proceso. Estos pequeños detalles realmente hacen que tu ilustración
cobre vida. A continuación, comenzaremos a
dibujar la escena para colocar al
personaje en contexto.
13. Planificación de tu escena: Ahora, vamos a crear un escenario
para tu personaje, un lugar que nos diga quiénes son y en qué tipo de
mundo viven. En este paso, esbozarás y planearás el diseño
de la escena. Puedes comenzar por traer de
vuelta tu foto de referencia o simplemente mirar alrededor de tu
habitación para hacer una lluvia de ideas Me gusta hacer una breve lista de objetos que podrían
aparecer en la escena. Entonces elige
los que mejor se ajusten. Busca elementos que
establezcan una sensación de espacio y agreguen un
toque de narrativa, elementos que revelen
algo sobre tu personaje o establezcan el
ánimo de tu ilustración. Entonces en mi lista, voy a poner en los muebles que tengo en
mi habitación, las plantas Podría poner en mi
iPad, alguna oferta de arte, cualquier cosa que
sienta que se
relacione conmigo y con el personaje
que estoy dibujando. Comenzaré dibujando las formas simples de
la ventana detrás de mi personaje para anclar la escena en el espacio usando primero formas
geométricas básicas, luego
darles vida después con textura y sombreado
siempre es un buen plan También estoy incluyendo la unidad de
cajón debajo de mi ventana. Es un mueble que a menudo
se encuentra en los estudios de artistas. Y así nos dice
algo sobre la figura de que es
una persona creativa. Una vez que tengas esas anclas
geométricas, podrás equilibrarlas
con formas más orgánicas y
animadas como plantas de interior
o pequeños artículos personales, incluso
puedes incluir a tu mascota Desde que dibujé la unidad de cajón, agregaré algunos objetos sentados
encima de ella lo suficiente como para aportar personalidad sin abarrotar
la composición A continuación, quiero incluir
mi escritorio de dibujo. Su parte superior se inclina en ángulo, y esa forma diagonal agrega energía
instantáneamente
al diseño Por regla general, las líneas diagonales
son excelentes para romper elementos
verticales y horizontales y darle a tu escena
una sensación más dinámica. Cuando dibujes muebles, trata de capturar los detalles
distintivos que hacen que cada
pieza sea reconocible Para mi escritorio, esa es la forma única de
las piernas de apoyo. Y no estoy tratando de
ser súper preciso aquí. Yo sólo quiero traer esos elementos extravagantes que hacen de esas
piernas de apoyo lo que son Ahora, atrapemos las líneas del piso y agreguemos algunas pistas de perspectiva. Esto ayuda a sugerir profundidad y rectificar al
personaje en su lugar. Al mirar alrededor de la habitación, noto la vista de mi
patio trasero a través de la ventana. A mí me encanta ese árbol afuera, así que voy a incluir esto
en el fondo también, y el árbol también
corresponde con la planta de la casa que está
dentro de la habitación. Por último, en tu boceto, tómate un momento para ajustar
la colocación de tus elementos hasta que la escena complemente amablemente a tu
personaje. Puedes bosquejar en
capas para que
tengas la flexibilidad de
mover elementos alrededor. Y si tienes ganas de agregar toques
imaginativos de fan,
este es el momento perfecto Esas
chispas creativas agregan energía, encanto y una
firma personal a tu escena.
14. Colorear y texturizar el fondo: Ahora que hemos completado
el personaje, es el momento de darle vida al
mundo que los rodea. Ya configuré un
color base para mi fondo. A continuación, antes de comenzar a
agregar colores y texturas, hagamos un pequeño
ajuste al boceto. Cambia el modo de
fusión de las capas de boceto para añadirlas. Esto aclarará las líneas para
que se mezclen mejor
con el fondo, y ayuda a mantener tu enfoque en los colores en lugar de
los contornos oscuros
del boceto la misma manera que lo hicimos
para el personaje, coloquemos algunas muestra de
color en tu lienzo para
guiar tu paleta Trate de mantenerlos dentro de
la misma gama de colores. No te vuelvas demasiado loco en el
fondo para que le ayude a fundirse mejor con elementos
más importantes
de tu escena. Estos colores te servirán de
referencia mientras pintas, y me gusta escoger colores
inspirados en la vida real. En mi caso, me estoy
inspirando en
una manta de ganchillo
hecha por mi hija, y está en el
sofá de mi habitación. Así que un poco de
toques personales como este hacen que tu ilustración se sienta
significativa y auténtica. Ahora, escoge un pincel ancho y suave para empezar a pintar
el fondo. Esta parte debe sentirse
suelta y experimental. Piense en ello como un calentamiento para la siguiente etapa
de su obra de arte. Me gusta pintar
formas orgánicas libres de fondo, nada demasiado definido todavía, pero soy intencional sobre dónde coloco mis
oscuros y luces Los colores más oscuros pueden sugerir profundidad o áreas detrás
del personaje. Los colores claros llaman la atención sobre el
calor y ciertos puntos. Entonces los estoy colocando
intencionalmente donde siento que mi imagen debería ser más clara. Si lo deseas,
puedes comenzar a definir formas
simples en este fondo
texturizado Tal vez toques de hojas, elementos
naturales, florales, patrones, o algunas otras formas que reflejen la atmósfera que
quieres crear Recuerda que esta es tu escena. Así que deja que los colores y formas reflejen tu estado de ánimo
y sentido de lugar. A continuación, bloquearemos formas geométricas
básicas para los elementos
principales de la habitación, las ventanas, los muebles e incluso las líneas del piso
se pueden estructurar de esta manera. A
Y una Y vez que esas formas están adentro, experimenta con modos de
fusión para sus capas para hacer que se fusionen naturalmente con un fondo
texturizado. Estas técnicas,
que combinan textura, colores y transparencia, ayudan a crear un aspecto unificado y
cohesivo para toda
tu pieza A continuación, agregaremos
detalles y definición a los muebles y
objetos de la habitación, dando a la escena más
personalidad y profundidad.
15. Muebles: cómo darle vida a la habitación: Lección nos enfocamos en
agregar muebles a tu escena y exploramos dos métodos
fáciles para hacerlo. Uno, usando formas y
líneas y otro usando dibujo
a mano alzada Entonces comencemos construyendo muebles usando
líneas rectas y formas geométricas. Por ejemplo, así es como
creé esta ventana. Dibujé el marco
usando líneas rectas, luego coloqué la capa como una máscara de recorte sobre
la forma de la ventana base Es simple y limpio y luego lo
realzaremos con profundidad y detalles como agregar una planta en la ventana para que
sea más interesante. Usando el mismo
método, puedo convertir un rectángulo básico
en una unidad de cajón. En un nuevo conjunto de capas
como máscara de recorte, dibuje líneas gruesas para el marco y líneas delgadas
para dividir los cajones. Observe el espaciado
en sus cajones, las mentes no son ni siquiera
los cajones superiores son más estrechos que
los inferiores. Así que mira de cerca tus referencias
de muebles. pequeños detalles de diseño
realmente pueden darle personalidad a tu
proyecto. En mi propia habitación, la unidad de cajón
tiene sutiles curvas, surcos en cada cajón. Para capturar eso,
dibujé una elipse larga, corté por la mitad y la
dupliqué en los cajones. Una vez que estés satisfecho
con los detalles, fusiona esos pequeños elementos para guardar el recuento de capas y experimenta con los modos de fusión hasta que se integren muy bien
con el color base. Los modos de fusión son
una excelente manera de probar rápidamente las opciones de color
antes de comprometerse. A menudo conducen a elecciones inesperadas
y creativas. Y claro,
siempre puedes simplemente volver a colorear cualquier elemento y aquí
está el segundo método, que es dibujar
muebles a mano Entonces ahora cambiemos a
un método más orgánico, dibujando tus muebles a mano. Lo demostraré
con un escritorio en mi escena. Refiérase de nuevo a su
boceto como guía. Empiezo con un
color aleatorio para el tablero de la mesa, pero recuerda quedarte dentro de
tu paleta elegida Estoy usando uno de mis verdes de
acento para el escritorio y un verde ligeramente
diferente para las piernas. En esta etapa, no te preocupes
demasiado por la precisión, fluye con tus ideas creativas. Siempre puedes
ajustar los colores más tarde, y te mostraré cómo
hacerlo en las próximas lecciones. Una vez que he dibujado una pierna, simplemente duplico la capa y volteo para crear la otra. Después fusiono las
dos capas y agrego una nueva para la parte de soporte de
escritorios Primero intenté usar el mismo verde
oscuro que el tablero de la mesa, pero cuando apagué la capa de boceto,
se sintió demasiado pesada Así que simplemente lo volví a dibujar en un color más claro para un
mejor contraste Y ahora me gusta mucho
cómo se ven las formas básicas del escritorio, así que pasaré a los detalles. Entonces, para terminar, agregué los pequeños orificios recortados y la línea de repisas para darle más personalidad al
escritorio Y ahora que la
estructura está lista, vamos a darle vida a todo. Bloquea tus capas
usando el bloqueo Alpha. Esa es una
forma muy rápida de renderizar. Y, por supuesto, siempre
se puede renderizar agregando capas
en una máscara de recorte Me gusta usar Alpha lock para esto porque es
simplemente muy rápido. Para agregar dimensión, desea
dimensionar su pincel y pintar
suavemente reflejos y
sombras para crear dimensión Esta técnica le da
a tus muebles calidez, profundidad y un encanto pintado a mano. Al final de esta lección, tu escena empezará a sentirse
más arraigada y viva. Verás cómo estas piezas de
mobiliario anclan tu composición y preparan el
escenario para más detalles como los planos que agregaremos a continuación. Oh.
16. Dibujar plantas: F vamos a traer más vida y ambiente a nuestra
ilustración con plantas. Siempre me encanta dibujar
plantas en mi obra de arte, pero también me gusta
tenerlas en mi casa. Tienen este
encanto tranquilo que
suaviza instantáneamente un dibujo y
aportan color Y
las plantas de ilustración pueden hacer tanto. Llenan el espacio con gracia. Equilibran la composición, y aportan una sensación de
calma y crecimiento y movimiento. Incluso unas pocas flores
u hojas pueden hacer que una escena se sienta más
animada y fácil de relacionar En esta lección, agregaremos algunas plantas a nuestra escena
para realzar esa sensación. Entonces empiezo con una
pequeña planta sentada encima de la
unidad de sorteo en mi habitación. Usando los mismos
enfoques antes, empiezo dibujando la maceta, comenzando por la forma simple, y luego agregando sombreado y reflejos para darle
dimensión y texturas divertidas No te preocupes por
la perfección aquí. Las plantas son maravillosamente
indulgente. Algunas pinceladas sueltas pueden sugerir
fácilmente
volumen y textura. A continuación, dibujo los tallos. Los dejo fluir en
diferentes direcciones, algunos curvándose con gracia hacia arriba, otros cruzando Esta variación
crea ritmo visual y mantiene viva la
composición. Cuando dibujes tus tallos, imagina cómo crece la planta y cómo la luz podría
afectar su forma. Incluso pequeños gesters en tus trazos de sostén pueden hacer que
la planta se sienta más natural Una vez que los tallos están en
su lugar, dibujo las hojas, manteniéndolas simples por ahora, solo pequeñas formas en
esos tonos de verde. Varíe ligeramente el color
de hoja a hoja. El sutil cambio agrega
profundidad y realismo. Siempre puedes bloquear
la capa y agregar resaltados y sombreados
en esas hojas Y me gusta agregar unas hojas más grandes que se derraman sobre el borde
de la maceta Estos detalles ayudan a suavizar las líneas rectas de los muebles y hacer que la composición se sienta más equilibrada Para terminar la planta, echa un vistazo
más de cerca a las hojas. Observe las líneas finas
que las atraviesan. A medida que agregas esos
detalles sutiles a tu dibujo, la planta instantáneamente comienza
a sentirse más real y viva. Estos toques finales aportan textura y movimiento
a la planta, haciéndola sentir
natural y viva. Ahora pasemos
al área de la ventana donde podemos agregar
una vista al aire libre. Ahora voy a demostrar cómo dibujé capullos rojos
que se encuentra justo afuera de la ventana de
mi estudio. Empecé bloqueando en las formas generales
de las ramas y racimos de hojas con trazos muy sueltos y
expresivos. Entonces tratando de no pensar demasiado
y ser demasiado literal aquí, solo enfocándose en el
ritmo y el flujo Después de establecer
esas formas amplias, juego con
modos de fusión a las capas para hacer que el árbol se sienta como si estuviera sentado
fuera de la ventana. Una vez que se establece la forma principal, empiezo a definir las
hojas en una nueva capa. mantengo sueltas y
pictóricas y grandes porque las
hojas rojas malas del árbol son muy Mientras dibujaba,
tuve esta divertida idea. ¿Y si las hojas de los árboles empezaran a
estallar en la habitación? Se trata de un pequeño
giro surrealista que añade movimiento y personalidad
a la escena Me encanta cómo hace que la
pieza se sienta más como el mundo exterior y el espacio interior se están
fusionando. Esto es algo que no
había planeado hacer. Colocar esas hojas fuera
del marco de la ventana inspiró esa idea de que deberían quedarse ahí y crear este mundo
imaginario. Entonces, al terminar esta etapa, paso atrás y mira cómo estas plantas interactúan con
el resto de la composición, el contraste entre formas orgánicas
y estructurales,
las líneas de muebles
y los tallos que fluyen. Esos añaden armonía visual
y energía a la escena.
17. Añade personalidad con elementos personales: Si Aquí
hay dos creaciones de papel origami que guardo por razones
sentimentales Fueron hechas por mi hija, y me encantan los patrones
y colores en el papel. El cisne plegado es también
la forma en mi logo. Entonces esta es una
pieza personal que se siente muy especial para incluir
en la ilustración. Así que recuerda volver a consultar
con tus paletas de colores. He elegido los dos
tonos de rojo que guardé antes para dibujar
los cisnes de origami Para esto, estoy usando
un pincel de delineador fino, similar a los que puedes
encontrar en el set de entintado, aunque este es parte
de mi juego de pinceles personales Este cepillo delineador me da una línea nítida y fina que funciona maravillosamente para artículos pequeños como los detalles de papel plegado. Agregar personalidad
a una ilustración a menudo se reduce a
las cosas pequeñas. Hasta este punto, hemos
construido la habitación con
elementos definitorios y creando una
figura inspirada en ti mismo. Pero lo que realmente hace suya esta
ilustración es
cuando empiezas a agregar esos detalles
personales de relleno de historia, después de pintar las
formas principales del origami, agrego las líneas de papel dobladas
y luego dibujo el patrón. Entonces es un fino equilibrio entre forma
estilizada y las dibujadas
a mano, que creo que esto es lo que hace que este pequeño objeto sea
realmente divertido de dibujar Entonces estoy agregando todos
esos pequeños detalles que hacen que el papel se sienta
dimensional y texturizado. Como estamos trabajando digitalmente, también
puedes jugar
con la reutilización y adaptación de motivos que
ya has creado Por ejemplo, dupliqué el cisne rojo para
hacer un cisne azul. Simplemente ajusté ligeramente su
tamaño y cambié el color usando la herramienta
de saturación y brillo de uso. Colocar el cisne azul detrás del pie del personaje
es intencional
porque agrega otra
capa de profundidad a la composición y hace que la
escena se sienta más conectada. Ahora para algo un
poco diferente, dibujemos un objeto cotidiano. Estoy ilustrando mi estuche, que siempre se sienta
en mi escritorio de dibujo. A pesar de que contiene lápices
digitales, me imagino lápices de colores que se
derraman
por la mesa Es mucho más divertido e
interesante dibujarlo de esta manera. Además, es una
forma lúdica de traer tu propio mundo creativo a
la ilustración, ¿verdad? Así que piensa en un objeto que
signifique algo para ti, tal vez un pequeño recuerdo, tal vez una taza que siempre alcances o una herramienta que
uses en tu espacio Agregar el a tu
ilustración ayuda a contar tu historia visualmente y hace que tu trabajo se sienta
verdaderamente auténtico. En tu proyecto, elige algunos
objetos que te representen. No tienen que ser
perfectos o demasiado detallados, solo significativos o divertidos Cada uno ayudará a crear
una narrativa más rica en tu escena y hacer que tu ilustración final sea
verdaderamente personal
18. Ediciones de color: Y en esta lección rápida, quiero demostrar
cómo puedes hacer correcciones
y ajustes de
color para refinar tu ilustración. Por ejemplo, en mi escena, siento que hay
demasiado verde. Aparece en la falda, las plantas y el escritorio. El verde oscuro también está en
la escala de colores fríos, por lo que el escritorio se fusiona
con el fondo frío Por esa razón, me
gustaría calentar el escritorio para aportar más equilibrio a la paleta de
colores de la escena. Para ello, primero
duplicaré la capa del escritorio para poder volver siempre
al original si es necesario. Después abriré la herramienta de ajuste de
color y desplazaré ligeramente la
hacia tonos más cálidos. Recuerda cuando hablamos contraste cuando construimos nuestra paleta de colores
para este proyecto, porque mi fondo
es un azul claro, introducir tonos más cálidos como el naranja y el marrón crea un bonito
contraste visual que ayuda a que el escritorio se
destaque del azul más frío del fondo. De esa misma manera,
la unidad de cajón también
se
separa del fondo, mientras que la ventana se
funde en ella A medida que hago estos cambios, me di cuenta de que un poco
del verde original
todavía se muestra a través. Aquí es donde la
recoloración manual viene muy bien. Puedes bloquear
la capa alfa y pintar directamente sobre ella para que coincida con
tu nuevo esquema de color. Estoy eligiendo naranjas suaves
y marrones para la mesa, superponiendo reflejos sutiles
y sombreando en todo
el escritorio para mantener la apariencia dimensional cohesiva Y aquí está la clave para llevar. Los ajustes de color son parte
del proceso creativo. No tengas miedo de hacer pequeñas
ramitas en ti ni contrastar. Esas ediciones pueden
transformar completamente el estado de ánimo y la
energía de tu pieza
19. Añade profundidad: haz que tu escena cobre vida: Ahora, quiero
mostrarte cómo crear un sentido de profundidad en
tu ilustración. Ahora mismo, mi escena
se siente muy plana. No hay puntos de perspectiva y todo está al frente. Entonces, ¿cómo lo hacemos sentir más tridimensional
y dinámico? Exploremos algunas técnicas simples
pero poderosas. Entonces comencemos con la ventana. Aquí hay algunas maneras
fáciles de sugerir profundidad. Observe cómo el marco superpuesto se asienta frente a la pared. Agregar incluso una ligera sombra detrás de él inmediatamente
hace que
parezca que está colocado en la pared en lugar de
plano encima de ella. Las sombras son una de las
formas más simples y efectivas de mostrar dimensión. El árbol visto a través de la ventana también ayuda a construir
una sensación de profundidad. Lo dibujé en capas, un tronco sombreado detrás del cristal, y dos capas de hojas,
una más brillante, otra más oscura Esta estratificación
da naturalmente la sensación que el árbol existe
en el espacio dimensional, no solo plano en la pared Ahora, intentemos una forma
rápida agregar profundidad a otro elemento, la planta en el escritorio. Duplica la capa y cambia el modo de fusión duplicado a una opción más oscura como
multiplicar o quemar color. Y entonces podemos
desplazar ligeramente esta
capa más oscura hacia un lado, solo lo suficiente para revelar una
sombra detrás de la planta. Al instante se siente enraizada y más realista y
la sombra ayuda a separar las formas planas entre
sí y crear
una sensación de profundidad. Usaremos la misma
idea para el escritorio, pero vamos un paso más allá. Duplica la capa del escritorio y establece la que
está debajo de ella para quemar el color. Luego abre el conjunto de
herramientas de transformación a distorsión, y toma el borde superior de
la capa de escritorio más oscura y
tira de ella hacia abajo en diagonal Esto crea una
sombra convincente debajo del escritorio. Un último paso aquí es ajustar la sombra para que comience
justo debajo de las piernas. Esa colocación es clave para hacerlo creíble
porque no queremos que el escritorio parezca que está
flotando sobre el piso Finalmente, estiremos una
sombra debajo de la unidad del cajón, dupliquemos la forma principal y establecemos su
modo de fusión como antes, y ajustemos su posición. Asegúrate de colocar
todas tus sombras en el mismo ángulo
para mayor consistencia. Si el color de la sombra
no se ve bien, siempre
podemos intentar volver a colorearlo como agregar azul
a esa sombra generalmente
hará el truco o simplemente podemos experimentar
con otros modos de fusión Aquí, restar funcionó perfectamente. Neutralizó el naranja de la unidad y dejó una sombra suave de aspecto
natural Luego, un rápido ajuste
de opacidad le ayuda a perfección con
las texturas de fondo Entonces, al colocar capas, cambiar
y sombrear estratégicamente, puede crear una verdadera sensación de
espacio y convertir un dibujo plano para que
20. Haz que sobresalga: añade energía y toques finales: Para terminar esta escena, quiero agregar elementos divertidos y
coloridos
que aporten un estallido de vida y vitalidad a
la ilustración Esto no solo agrega energía sino que también mejora la sensación de profundidad y le da a la obra de arte un aspecto de diseño más estilizado Empecemos por crear algunos motivos geométricos
simples. Añadiré una nueva capa y me dirijo
a la herramienta de selección. En lugar de la habitual
mano libre, elegiré elipse. Ahora dibujaremos elipse
en el lienzo. Si quieres hacer
un círculo perfecto, solo tienes que tocar en la pantalla y tu elipse se
ajustará a un círculo A continuación, vamos a llenarlo de color
y colocarlo en la escena. Estoy poniendo mi
primer círculo debajo del escritorio para sugerir más profundidad, casi como una sombra estilizada Entonces crearé otro círculo y lo colocaré junto a la ventana. Así que mira lo instantáneamente que
la composición se siente más equilibrada,
divertida y animada. Y también podemos ajustar
los modos de fusión para
poder ver las texturas
en el fondo. Et sigue construyendo sobre eso.
Escogeré un rosa vivo de mi paleta y crearé
otro círculo vívido. Para ayudarlo a integrarse
naturalmente en la escena, probemos diferentes modos de
mezcla hasta que encontremos el
que se sienta bien. Podría ajustar el
tamaño y la posición de un círculo. A veces pequeños ajustes como ese pueden marcar una gran diferencia Ahora como lo hago, no estoy muy segura a dónde voy con mis
círculos, pero los creo. Trato de colocarlos alrededor. Es una etapa lúdica
donde probamos algo, y si funciona, lo
guardamos y pasamos al siguiente elemento. Ahora toda la ilustración se siente más intencional
y fundamentada, pero todavía noto
muchos tonos geniales aquí. Hay un poco
de azul en general. Entonces voy a
calentar las cosas con un gran círculo verde. Experimento con
su colocación hasta complementar el resto
de la composición. Si parte del círculo se siente distrayendo y
me parece que hay demasiado verde, así que quiero romper la forma, puedo quitarla
o reutilizarla fácilmente. Usando la herramienta de selección, nuevamente, corté un
círculo más pequeño del más grande y lo muevo
a un punto diferente. O tal vez simplemente
decida dejarlo fuera por completo. Entonces esta es la parte divertida, la
exploración, la diversión. Puedes seguir moviéndote,
ajustando y probando ideas hasta que tu
escena se sienta equilibrada, elegante y llena de vida. Creo que el mío ya está
listo, brillante, juguetón y lleno de energía. Te veré arriba en
la siguiente lección final donde revisaremos
lo que hemos creado.
21. Reflexiones finales: Enhorabuena. Lo lograste hasta el final de la clase. Juntos, hemos creado
una ilustración personal que combina una pose divertida, tu personalidad y una escena
de tu espacio favorito. Tu pieza no
necesita ser perfecta. Se trata de capturar
tu vibra y energía y disfrutar
del viaje creativo. Cuanto más practiques, más natural
y divertido será ilustrar personas y
espacios en tu propio estilo. Como siempre, me encantaría
ver lo que creaste. Así que por favor comparte tus proyectos en la galería de clases para que todos
podamos celebrar
tu trabajo juntos. Ver cómo cada alumno aporta
su propia personalidad y espacio a su ilustración es una de mis
partes favoritas de la enseñanza. Y si disfrutas de esta clase, por favor considera dejar
una revisión rápida de la clase y echa un vistazo a mis otras
clases de Skillshare sobre dibujo de figuras, color y el proceso de
ilustración creativa Así que gracias de nuevo por
dibujar conmigo. No puedo esperar a
ver tus proyectos. Hasta la próxima,
sigue creando y divirtiéndote con tu
arte. Adiós por ahora.
Yifat Fishman, Artist & Illustrator
