Estructurar la escena perfecta: la clave para escribir mejores guiones

1. Introducción a la clase: Hola a todos. Mi nombre es Simone Ordanova y soy una directora escritora galardonada con calificaciones Me encantaría contarte todo sobre mi viaje, pero lo que realmente quiero hacer es mostrarte cómo puedes implementar todo lo que he aprendido en tus propios guiones. Ya he cubierto la sábana playera de Blake Snider que desglosa la estructura de un guión Y en este curso, vamos a estar discutiendo la estructura de cada escena individual. estructura es la base de tu historia, igual que cada una de tus ideas es la base de la industria. Y este curso desglosará no sólo cuál debería ser la estructura de cada escena individual, sino que también hablaremos de técnicas que hoy puedes aplicar a tus escenas para mejorarlas. Trabajaremos juntos desglosando escenas de famosas películas icónicas y ayudándote a escribir tu propia escena. Ya sea que estés empezando o estés buscando refinar tus habilidades, este curso está diseñado para hacer que la escritura de guiones sea accesible y divertida Te vas con una sólida comprensión de cómo estructurar tus escenas y cómo hacer que tus ideas cobren vida. Si estás listo para llevar tu narración al siguiente nivel, únete a mí en este curso donde desglosamos estructura de la escena y te mostramos cómo usarla de manera efectiva en tu propia escritura 2. Proyecto: El proyecto para este curso es muy sencillo. Solo necesitas descargar este documento aquí mismo y llenarlo. Esto te va a ayudar a crear tu escena eventualmente. Lo que vamos a hacer es que necesites tener tu idea para una escena que quieras escribir al final de la misma. Una escena que forma parte de una historia más grande. No es necesario que tengas todos los detalles de tu historia, pero necesitas tener una idea de lo que va a ser tu historia. Pero al final de cada lección, te voy a dar algunas preguntas. Podríamos estar analizando películas efectivas o escenas icónicas efectivas o podríamos estar haciendo preguntas sobre las escenas que estás escribiendo actualmente. Piensa en cada una de estas preguntas y llénalas en esta hoja. Te llevaré a través cada momento y cada paso de escribir una escena efectiva. Idealmente, deberías estar escribiendo tu escena a lo largo de este curso. Puedes ver esta lección específica en cualquier momento. Puedes comenzar con él, puedes escribir tu escena completamente. Entonces a medida que aprendemos cosas sobre escritura de escena y estructura de escena, puedes retocarla y editarla y revisarla para mejorarla O alternativamente, puedes ver todo el curso y luego puedes volver a este video del proyecto y te guiaré por cómo escribir tu escena. Lo que sea que funcione mejor para ti, pero idealmente, para el final de esto, deberías tener una escena terminada de tres a 5 minutos, así que piensa de dos a cinco páginas de texto escrito. En este PDF, tienes algunas preguntas que debes responder porque esas preguntas son las que te van a guiar para que tu escena sea efectiva y significativa. Después de haber respondido estas preguntas, entonces puedes comenzar a escribir tus escenas. Todo lo que realmente necesitas es un software de escritura de guiones. Hay toneladas de disponibles gratis en línea, o simplemente puedes escribirlo en una hoja de papel. Cualquiera que sea el que elijas, no olvides subir tu trabajo aquí en Skillshare para que te pueda dar algunos comentarios y podamos mejorar aún más tus escenas 3. ¿Qué hace que la estructura de la escena sea importante?: Hola a todos. Gracias por acompañarme y bienvenidos a este curso. Hoy, vamos a entrar directamente y sumergirnos en el mundo de la estructura de la escena. Vamos a comenzar con la base de la narración, cómo estructurar una escena convincente Como sabemos, la estructura no es un evangelio, sino que existe por una razón. Aristóteles creó la estructura para cualquier obra de escritura dramática allá por el griego antiguo y desde entonces, cualquier obra de arte que mires, podrás encontrar esa estructura que esbozó hace tantos años En la pieza de escritura que estás viendo. Evidentemente, hay algo que estructurar y así como cada historia tiene una estructura, cada escena tiene una estructura muy básica que debes seguir si quieres que tenga éxito y puedes estar pensando, Oh, Dios, ahora ella me va a dar un conjunto de reglas muy duras y rápidas que necesito seguir lo que haga Ese no es el caso. Te voy a dar una estructura muy sencilla, muy básica. Si lo piensas, verás que cada escena que hayas visto en tu vida, encaja perfectamente con esa estructura. Eso es si se hace bien. Sin más preámbulos, veamos cuál esa estructura de escena tan básica es esa estructura de escena tan básica para que podamos aprender a usarla en nuestra propia escritura. Cada historia se construye a partir de una serie de escenas. Cada una de esas escenas es una mini narrativa derecho propio y mueve la trama hacia adelante. Me alegro de que vinieras. Espero poder enderezar todo. Pero, ¿qué es exactamente lo que hace que una escena funcione? No importa si es un momento tranquilo de reflexión o una secuencia de acción de muy alto juego. Cada escena tiene tres componentes principales. Comenzamos con la configuración, luego pasamos al conflicto, y eso finalmente nos lleva a la resolución de la escena. Si lo piensas, la estructura de una sola escena es muy similar a la estructura básica de una historia porque realmente una escena es una mini historia, un mini cosmos de lo que realmente trata la historia. La estructura de la escena y la estructura de la historia. En realidad son muy similares entre sí. Uno de ellos, por supuesto, tiene el panorama más amplio, la idea más grande, la resonancia temática. Pero una escena aún tiene esta idea de armar algo, llegar a la parte principal de la historia, a la carne de la misma, que es el conflicto, y luego alguna resolución. Es posible que hayas oído hablar de esta resolución en la estructura de la historia es un desenlace, desatadura Examinemos lo que implica cada una de estas cosas. ¿Qué es lo que hace efectiva una escena? Para responder a esto, comenzaremos preguntándonos ¿qué hace que una escena sea convincente? Porque una escena efectiva siempre es convincente. Siempre nos atrae, nos hace querer más, y una gran escena hace más que mostrar personajes hablando o moviéndose. Como acabo de decir, involucra a su público. Sirve a tu historia general, y o revela algo nuevo sobre los personajes o avanza en la trama. Idealmente, puedes hacer todas estas cosas en una sola escena. Ahora, veamos algunos ejemplos. Probablemente hayas visto todo de lo que estoy hablando en tus películas favoritas. Ahora, una gran escena es aquella que agarra al público con tensión, curiosidad o emoción. Y ya sea dramática o ligera, cada escena contribuye al impulso de tu historia Veo el suelo duro, sí. ¿Crees que será a principios de primavera? ¿No hicimos esto ayer? No sé a qué te refieres. No te metas conmigo, pobre chuleta. ¿Qué día es este? Es el 2 de febrero. Día de la Marmota. Sí. Lo siento. Sabes, pensé que era ayer. Oh. Ahora bien, los fundamentos de una estructura de escena se pueden desglosar en las tres partes que mencioné anteriormente. Primero, tenemos la configuración, donde establecemos el quién, dónde, cuándo, ya sabes, configuras el mundo. Tú me das el escenario, dónde estamos, quién está hablando. ¿Por qué debería importarme? A continuación, tenemos el conflicto. El conflicto es donde entra la tensión. Esta es la carne de la escena, al igual que el conflicto es la carne de tu historia general. Es donde pasa algo que desafía a tus personajes. Y finalmente, llegamos a la resolución. Este es el beneficio de las escenas, si se quiere. Aquí es donde se resuelve la tensión inmediata, por lo que la tensión de la escena específicamente, no necesariamente de toda la historia general, pero también es aquí donde se llega a abrir la puerta lo que está por venir en su siguiente Puedes prefigurarlo. Me puedes dar una idea de algo que va a pasar de la tensión que voy a ver en el futuro Piénsalo como una mini historia. En la configuración, llevarás a tu audiencia a tu mundo. Entonces en el conflicto, les darás una razón para que permanezcan invertidos y en la resolución, recompensarás su atención. Al hacer esto, también insinuarás lo que vendrá después, lo que queda de tu historia. ¿Qué más podemos esperar? Algo muy importante que no puedo cubrir. Es por ello que la estructura de la escena es tan importante. Imagina una película donde cada escena es solo eventos aleatorios sin absolutamente ninguna dirección clara. Las cosas simplemente pasan, nos olvidamos de ellas, seguimos adelante, luego volvemos. ¿No te sentiría eso desarticulado? Al igual que, no se le puso ningún pensamiento, como si nadie supiera lo que estaban haciendo cuando escribían esto. Ahora bien, una escena bien estructurada no solo existe por sí sola. Es como una pieza de un rompecabezas que encaja perfectamente dentro del panorama general de tu historia. No es una mini película. Por derecho propio, es algo que sirve un propósito mayor para el mensaje que intentas contar, y eso es exactamente lo que necesitas hacer. Tus escenas necesitan estar conectadas entre sí y la mejor manera de conectarlas es utilizar la estructura de la historia y la estructura de la escena. Porque a nadie le importa una historia desarticulada. Nadie quiere ver un volcado de cerebros. Todo el mundo quiere pensar que el guionista es este genio que ha pensado en cada ángulo. Este es tu trabajo. Toma la estructura de la escena, ponla en tu escritura, y eso es lo que vas a crear. Vas a hacer que el público sienta que sabes lo que estás haciendo porque lo harás. Ahora, veamos al Caballero Oscuro, por ejemplo. Cada escena se basa en la última, aumentando las apuestas y revelando nuevas capas de los personajes y la trama Es por ello que es fundamental dominar la estructura de la escena. Así es como mantienes a tus audiencias comprometidas de principio a fin. Hablemos de lo que vamos a hacer en el futuro aquí. Vamos a descomponer la anatomía de una escena. Exploraremos cada parte de las escenas en detalle, desde cómo configuras personajes, cómo configuras estacas hasta cómo construyes tensión, cómo aumentas el conflicto y finalmente cómo conseguir la recompensa satisfactoria Pasaremos por cómo establecer contexto y personajes, cómo crear tensión y drama, cómo unirlo todo. Discutiremos técnicas para la transición entre escenas Hablaremos de equilibrar acción y el diálogo dentro de tu escena. Hablaremos de errores comunes. Te diré cómo evitarlos, y al final de este curso, incluso tendrás la opción de elaborar tu propia escena. Entonces, cuando terminemos con este curso, tendrás todas las herramientas para crear algo más que escenas efectivas. Tendrás las herramientas para que tus escenas sean absolutamente inolvidables. Espero que estés listo para sumergirte porque ya estamos empezando. 4. Configuración: establece el contexto: Que hemos cubierto los conceptos básicos de qué es la estructura de la escena y por qué es tan importante, es hora de sumergirse en el primer elemento clave, la configuración. Aquí es donde realmente comienza tu escena. Aquí es donde vas a sentar las bases para todo lo que está a punto de desarrollarse en la escena Dependiendo de la escena que estés escribiendo, aquí podría ser donde estés sentando las bases para toda tu película Lo que debes recordar desde el principio, esta cosa crucial que necesitas saber para el resto de tu trabajo es que la configuración es lo que engancha a la audiencia. Esto es lo que prepara el escenario para la acción que está por venir. ¿Qué es una configuración? Aquí es donde se puede establecer a quién estamos siguiendo en esta escena específica, dónde estamos en términos de la ambientación, el tiempo, el lugar. ¿Cuándo está pasando? ¿Es un flashback? ¿Está pasando ahora? ¿Es durante la época victoriana? ¿Es en un futuro distópico? ¿Está en un mundo mágico? Aquí es donde establecemos el contexto de la escena. Aquí es donde también estableces el tono y el estado de ánimo. Aquí es donde nos vas a decir o mostrarnos mejor. Cómo necesitamos sentir de qué se trata la vibra de la escena. Aquí es donde vas a proporcionar el contexto esencial que eventualmente necesitaremos para el conflicto. Si tu conflicto es entre una pareja casada y el marido piensa que su esposa está engañando, la configuración es un lugar agradable para que sepamos, él sospecha de ella. Porque si él simplemente entra y se va, me estás engañando, eso es un poco raro. Pero si mira su teléfono, y ve un mensaje de otro tipo que dice: Oye, me acuesto con tu esposa, entonces tenemos la configuración. Sabemos, él va a confrontarla cuando llegue a casa. Entonces cuando llegue a casa, sabemos que este va a ser el conflicto que veníamos esperando. Esta es la parte esencial, el contexto que necesitaremos para entender por qué el conflicto es tan importante. La configuración se trata de establecer el quién, dónde y cuándo has visto? Le da a la audiencia un contexto esencial. Sobre dónde están los personajes, qué está pasando, por qué importa. Sin esta base, tu escena puede resultar desorientadora o Pero no se trata solo de dar información a tu audiencia. Esta es tu oportunidad de crear intriga para atraer a tu audiencia y darles razones para que se preocupen por lo que va a suceder a continuación Una gran manera de hacerlo es omitiendo información al no decirnos cada cosa que podamos saber Las mejores configuraciones son sutiles, pero aún están repletas detalles que insinúan lo que está por venir Ahora bien, ¿cuáles son los elementos clave de una configuración? Necesitamos saber quién está en esta escena. ¿Dónde están? ¿Cuándo sucede esto? ¿Cómo es el ambiente? ¿Y qué está en riesgo? Incluso si lo que está en riesgo no está justo frente a nosotros. Primero, tienes a tus personajes. ¿Quién está en esta escena? Esta es tu oportunidad reintroducir a tus personajes ante el público una manera que les recuerde quiénes son O si es la primera vez que nos encontramos con ellos, esta es tu oportunidad de establecer la identidad de este personaje. Incluso un detalle rápido puede darme un sentido de personalidad o motivación. Si tu personaje entra en escena alineando bolígrafos y papeles juntos, sé que son un poco TOC Sé que están orientados a los detalles. Estas son cosas de tu personaje que al instante obtengo solo de este Detalle. En Raiders of the Lost Ark, cuando conocemos por primera vez a Indiana Jones, obtenemos una clara idea del personaje a través de sus acciones, su confianza, el peligro que enfrenta Sabemos de inmediato que este tipo es ingenioso, valiente y está acostumbrado a manejar situaciones difíciles A continuación, tenemos ubicación. ¿Dónde están tus personajes? El escenario juega un papel muy importante en cómo se desarrolla la escena. ¿Estamos en una oficina estrecha? ¿Estamos en un campo de batalla abierto? ¿Estamos en una casa familiar tranquila? Obviamente, cada uno de estos ambientes afecta el estado de ánimo, el comportamiento de los personajes, nuestras expectativas. Dime dónde estamos. Piensa en qué situación, qué escenario es el mejor para la escena que quieres elaborar. ¿Qué va a crear más intriga? Echemos un vistazo a un corredor de cuchillas. El escenario aquí es tan importante como los personajes. La ciudad oscura y empapada de lluvia inmediatamente crea el ambiente y le dice a la audiencia que están en un mundo arenoso y futurista donde la supervivencia Además, sí me doy cuenta de que ambos ejemplos son películas de Harrison Ford, pero solo vamos a ignorar mi evidente sesgo hacia él y seguir adelante. Es hora del tercer elemento. ¿Cuándo está ocurriendo tu escena? ¿Es temprano en la mañana? ¿Es tarde en la noche? ¿Es algo intermedio? La hora del día puede decirnos mucho sobre el estado de ánimo y para qué sirven los personajes. Piense en lo que se siente una escena tranquila al amanecer comparada con una tensa confrontación de medianoche. Estos serían muy diferentes porque el estado de ánimo que pones es muy diferente y puedes establecer el ánimo con la hora del día. Un amanecer puede establecer un tono pacífico y esperanzador, mientras que una escena nocturna puede parecer más peligrosa o suspensiva tiempo no es solo un telón de fondo, es algo que contribuye activamente al estado de ánimo y a las apuestas de tu escena. Y hablando de humor, tono es el ingrediente final en el que debes pensar. Están en una escena dramática intensa, o tal vez algo más ligero y relajado. Tu tono marca la expectativa para tu audiencia, por lo que necesitas hacerlo bien. Piensa en qué es lo que quieres contar. ¿Cómo quieres que se sienta tu audiencia ? Esa es tu pregunta principal. ¿Quieres que se preocupen? ¿Quieres que se sientan relajados? ¿Deberían sentirse como en casa? ¿Deberían estar cómodos? Establece tu tono en consecuencia a lo que quieres lograr. Ahora, el Grand Budapest Hotel de West Henderson, establece de inmediato un tono peculiar y desenfadado con sus colores vibrantes y su ingenioso El público sabe desde el primer disparo que les espera algo lúdico y divertido. Así que no hace falta que me digas cuál es tu tono. Tienes que mostrármelo. Usa tu diálogo, tu ambientación, los colores, la dinámica de los personajes para mostrar el tono de esta película, y lo más importante, de la escena misma va a ser. Brett en esa gorra Anathor. El placer es mío, Heschn El Strassbster. Estos no son aceptables. Estoy totalmente de acuerdo. Educación. Estudié lectura y ortografía. Empecé mi primaria casi Educación. Cero. Ahora está explotado. Buenos días, Cicerón. Llama al GODMPlomero Esta tarde, Monsieur iste. ¿Eso fallará f en ***. Ahora no. ¿Familia? Desi. Y por último, mi parte absolutamente favorita, las apuestas. Incluso en la configuración, debería haber una sensación de lo que está en riesgo para los personajes. Puede ser algo absolutamente enorme como la vida o la muerte, o puede ser algo más pequeño pero aún significativo. Incluso las apuestas sutiles pueden mantener enganchado al público. Pero lo que puedo prometerles es que ningún público se enganchará a ninguna apuesta. El público entra por el drama. No hay apuestas equivale a ningún drama. Una buena película, una buena escena siempre nos proporcionará apuestas. En un lugar tranquilo, incluso los momentos más tranquilos tienen enormes apuestas, un movimiento equivocado, un sonido y las vidas de los personajes están en peligro Eso es lo que hace que cada escena se sienta tan tensa. Por eso el público está constantemente al borde porque todo puede salir mal en cualquier momento. Ahora que hemos desglosado los elementos clave de una configuración, veamos algunos ejemplos en los que estos elementos se unen para crear una escena de apertura muy poderosa. En sus inicios, la escena de apertura inmediatamente configura el mundo, los personajes y las apuestas. Entiendes la complejidad del atraco de sueños y el peligro que conlleva ¿Estás aquí para robarme o aunque en realidad estamos dormidos Yo salgo, tenemos un claro sentido del tono. Algo se siente mal, aunque todavía no estemos muy seguros de lo que es. **** es que estaba a punto de irme pero no puedo. No el día. Yo no. Ya sabes lo que les gusta amigo mi ******* aquí afuera, hombre. Inicio. Vamos, hermanos. Sip. Y yo. Redonda. Así que dale a los granjeros diversión diversión diversión. En Jurassic Park, la escena de apertura establece las apuestas inmediato con una aterradora introducción al poder de los dinosaurios Para recapitular lo que dijimos en este momento, una configuración sólida es la base de escena y necesitas establecer tus personajes, la ubicación, la hora, el tono y las apuestas, todo mientras atrapas a tu audiencia y haces que se preocupen por lo que está por venir Tan fácil, ¿verdad? Pero no te preocupes. Quiero que ahora pienses la escena inaugural de una película que amas y la rompas. ¿Quiénes son los personajes? ¿Cuál es el escenario? ¿Qué tono se establece y cuáles son las apuestas? Apenas en la escena de apertura. Este ejercicio te ayudará a identificar los elementos que discutimos hoy y a ver cómo funcionan juntos para crear una configuración convincente. Ahora, la próxima vez exploraremos el segundo elemento clave de una gran escena, el conflicto, así que estén atentos. 5. Conflicto: crea tensión: Ya hemos hablado sobre la configuración, cómo sentar las bases de tu increíble escena. Ahora, entremos en uno de los elementos más importantes que mantiene a tu audiencia comprometida. Rasca eso. El elemento más importante que mantiene a tu audiencia comprometida con el conflicto. Conflicto es el motor que impulsa que has visto. Es la tensión entre dos fuerzas opuestas, ya sean dos personajes el argumento acalorado, un personaje versus su entorno o el conflicto interno dentro del personaje real. Lo importante es que sin conflicto, te puedo prometer que la escena caerá plana. Toda gran escena tiene el conflicto en su núcleo. Es lo que le da al público una razón para seguir viendo. Ya sea un conflicto físico, emocional, psicológico es lo que hace que las apuestas se sientan reales. Hay tres tipos principales de conflicto, personaje contra otro personaje, personaje contra su entorno y personaje contra ellos mismos. Vamos a desglosarlos. Personaje versus otro personaje es el tipo de conflicto más común, especialmente en dramas o películas de acción. Se trata de un choque entre dos personas que de manera crucial quieren cosas diferentes, o quieren lo mismo, pero quieren lograrlo de diferentes maneras Esto podría ser tan intenso como una pelea física o puede ser un desacuerdo muy sutil durante la cena No importa. La clave es que ambos personajes están persiguiendo activamente objetivos opuestos o el mismo objetivo de diferentes maneras. En la noche oscura, que es un ejemplo que doy muy a menudo, el conflicto entre Batman y el Joker es más que solo físico Es ideológico en su núcleo. Batman quiere proteger a Gotham, mientras que el bromista quiere sumergirla en el caos Sus escenas son eléctricas porque cada una de ellas está decidida a detener al otro. No tienes nada que me amenace. Nada que ver con. A continuación, tenemos carácter versus su entorno. Este es el tipo de conflicto donde el personaje está luchando contra fuerzas externas. Muy a menudo, esa es la naturaleza, pero también puede ser la sociedad o un entorno físico que amenace su supervivencia. A nivel de escena, se puede ver eso en cada escena del marciano Mark no se enfrenta a un villano aquí. Está luchando contra el ambiente hostil de Marte mismo. El paisaje árido, los recursos limitados y el aislamiento, le crean una tensión constante Entonces cada escena trata sobre su supervivencia. Ahora por fin tenemos carácter versus yo. Eso significa carácter versus ellos mismos. Esto es conflicto interno. Es mi favorito personal y en mi humilde opinión, mucho, el tipo de conflicto más poderoso. Esto es cuando el personaje está luchando con sus propios pensamientos, sus propias emociones, o sus propias decisiones. A menudo es más sutil, pero generalmente tan poderoso como el conflicto externo. En Cisne Negro, la batalla de Nina es interna. Ella se debate entre su deseo de perfección y el miedo a perder el control. El conflicto es totalmente psicológico, pero es igual de apasionante como lo sería cualquier lucha externa. Ahora bien, el conflicto por sí solo es bueno, pero las grandes escenas suben las apuestas, lo que significa que a medida que se construye el conflicto, las consecuencias se vuelven cada vez más severas. ¿Qué pasa si el personaje no gana la discusión en la que están? Si no escapan del edificio en llamas. ¿Qué está en riesgo? ¿Qué pueden perder? Me gusta pensar en los guionistas como personas que a veces pueden ser malvadas Necesitas llegar al peor de los casos para tu personaje y si puedes, tirarlos a ese escenario exacto. Muéstrales lo que pueden perder. A medida que construyes tu conflicto, también necesitas construir la tensión. Asegúrate de que las apuestas suban a medida que avanza la escena. Esto mantiene a tu audiencia al borde. Profundiza su inversión emocional en el resultado y en última instancia hace que tu escena sea mucho mejor Yo Mac MacFury Road, cada segundo de una escena de persecución sube las apuestas Los personajes ya no solo están huyendo. Están luchando por sus vidas. Las apuestas son tan altas como llegan, y cada obstáculo hace que la situación sea más grave Ahora hablemos de diálogo. Vamos a hablar sobre el papel del diálogo y la acción más adelante en este curso. Pero en muchas escenas, conflicto se desarrolla a través de lo que dicen los personajes y lo que es más importante, a través de lo que no dicen. Usar tu diálogo para mejorar tu conflicto es la mejor manera de hacerlo. El diálogo puede crear tensión a través del subtexto, malentendidos o Para aquellos de ustedes que no conocen el subtexto, es lo que queda sin establecer, los personajes no dicen, sino lo que en realidad significan malentendidos son cosas que crean tensión a través Siempre que los personajes no están en la misma página porque malentendieron lo que la otra persona estaba tratando de decirles, eso fácilmente puede generar tensión Eso puede subir fácilmente las apuestas por ti. Y la confrontación ocurre cuando tenemos goles directamente opuestos chocando Por lo general, es cuando los personajes no están de acuerdo abiertamente. Muy a menudo los enfrentamientos son argumentos, gente gritándose entre sí Pero en mi opinión, el mejor conflicto viene del subtexto, lo que está implícito, más que lo que se afirma de plano. Por supuesto, podría surgir de malentendidos donde los personajes están trabajando con propósitos cruzados sin darse cuenta Pero personalmente soy un gran proponente del subtexto. Ahora, en la historia de Marat, gran parte del conflicto entre Charlie y Nicole queda sin decir. Es tácito Incluso en momentos de silencio, sus lenguajes corporales, sus expresiones nos dicen que están profundamente en desacuerdo. Es una clase magistral en el uso del subtexto para generar tensión y te recomiendo encarecidamente si quieres usar el subtexto, ve a ver En primer lugar, amo a mi madre. Ella era una madre maravillosa. Repitiendo lo que me dijiste. En segundo lugar, ¿cómo te atreves a comparar mi maternidad con mi madre? Ahora bien, ¿cómo usamos el contexto para impulsar la historia? En primer lugar, solo recuerda este principio muy clave. El conflicto no se trata sólo de tensión en ese mismo momento. Se trata principalmente de hacer avanzar la historia. Entonces cada escena debería dejar a tus personajes cambiados de alguna manera. Aunque no ganen el conflicto, podrían aprender algo. Podrían perder a alguien o algo así. A lo mejor cambian su visión del mundo. Lo importante es que tu personaje no debe ser estático. Tu personaje debería estar cambiando con cada escena. Deberían estar creciendo o deberían estar bajando en espiral. Pero tu personaje necesita ser desarrollado. Al final de la escena, tu personaje debería estar en un lugar muy diferente al de cuando empezó la escena. Esto puede ser emocional, mental o incluso físicamente en un lugar diferente. Pero el conflicto es el catalizador del cambio, así que por favor usa tu conflicto para crear un cambio. Ahora veamos algunos ejemplos más de escenas impulsadas por conflictos para ver cómo se unen estos elementos. En la red social, vemos conflicto intelectual entre Mark Zuckerberg y sus rivales . Es tu único amigo. En gladiador, es un conflicto físico de vida o muerte, entre Máximo y Voy a tener mi venyar en esta vida o en la siguiente. En Whiplash, es una guerra psicológica entre un estudiante y su implacable maestro En cada caso, las apuestas suben y los personajes cambian para siempre por esta confrontación. En definitiva, el conflicto es la fuerza impulsora detrás de cada gran escena. Ya sea un enfrentamiento entre dos personajes, una batalla externa con su entorno o una lucha interna consigo mismos, conflicto es lo que aumenta las apuestas y mantiene enganchado a tu audiencia. Me encanta aprender de un gran ejemplo, por favor ve a buscar una película o programa de televisión donde el conflicto te destaque en una escena específica y luego descomponerlo. Piensa en cuál es la fuente de este conflicto, ¿cómo se intensifica y cómo cambian los personajes al final de la escena ? Porque si puedes entender cómo lo hacen los profesionales, podrás hacerlo mejor tú mismo. Hasta ahora, hemos cubierto la configuración, aumento de la tensión y el conflicto tan importante en una escena. Ahora es el momento de hablar de la resolución. Ese es el momento en que todo vale la pena. Mira la siguiente lección y vamos a sumergirnos juntos en ella. 6. Resolución: recompensa y propósito: Ahora que hemos hablado sobre la configuración, cómo generar tensión y cómo escribir un buen conflicto, es hora de hablar sobre la resolución, el pago, el desenlace para toda una historia, el desenlace para toda una historia, pero solo en los confines Lo que esta escena ha estado conduciendo a esto es de lo que estamos hablando hoy. Lo que necesitas saber es que cada escena necesita alguna resolución. La resolución es el momento en que el conflicto que se viene construyendo o llega a un punto crítico o encuentra algún cierre. Ves, eso es muy importante. No hace falta que nos des todas las respuestas a todas las preguntas que has planteado en la escena. Lo que puedes hacer en cambio es mostrarnos que vamos a conseguir esta resolución, esta aclaración de todas las respuestas. No importa si tu personaje gana o pierde. Lo que definitivamente debe hacer la resolución es que necesita sentirse como la progresión más natural del conflicto y la configuración. Por lo que necesita sentirse orgánico a lo que ha sucedido hasta este punto. Necesita sentirse como una manera sensata de terminar con lo que has estado construyendo en esta escena. Sin una resolución sólida, tu escena puede sentirse absolutamente incompleta. Déjame reformular eso Sin una resolución sólida, tu escena se sentirá incompleta. La resolución es lo que deja satisfecho al público, o en algunos casos, eso es lo que hace que el público quiera más. Eso es lo que los mantiene ahí. Eso es lo que mantiene su atención hasta llegar a la siguiente escena. Eso sucede porque ahora han visto el resultado de la configuración y el conflicto. Han visto a lo que llevaron esas dos cosas. Ahora quieren saber cómo va a salir. Hay algunos tipos diferentes de resoluciones. Puedes tener una victoria o una derrota, puedes tener un compromiso o un cambio. También puedes tener un colgador de acantilado o misterio, y por supuesto, puedes tener una retribución emocional Ahora vamos a desglosar estos cuatro tipos. El primero es la victoria o la derrota. Este es bastante sencillo. Es cuando un personaje gana y el otro pierde. Este es un resultado muy clásico y puede ser muy satisfactorio cuando lo haces bien. Veamos una escena combinada de Rocky. En este caso, esta es la resolución no sólo de la escena, sino de la historia en conjunto. Viene después del épico combate de boxeo. Lo importante aquí es que nuestro personaje principal, Rocky no gane la pelea, pero sí gane de una manera diferente. Se prueba a sí mismo que puede llegar hasta la distancia. Esta es una resolución con capas de victoria y derrota. Tienes a Rocky que pierde la pelea, pero él cambia. Se puede ver una progresión del personaje. Por lo que gana no físicamente, sino emocional y personalmente. Esta es una forma muy poderosa de estructurar tu escena de victoria o derrota porque las obtienes a las dos, y esto pinta a Rocky como una persona emocionalmente inteligente. A continuación, hay compromiso o cambio. Esto es cuando ninguna de las partes obtiene exactamente lo que quería, pero hay alguna forma de entendimiento mutuo o un personaje tal vez evoluciona en respuesta al conflicto Eso es similar a lo que vimos con Rocky en la escena anterior. Pero ahora veamos al padrino. La resolución de Michael Corleone a menudo implica compromiso o cambio Hace sacrificios estratégicos que lo impulsan más profundamente en el mundo mafioso y cada escena lo transforma de un forastero reacio a un Cualquiera que sea la escena del padrino que examines, verás que la mayoría de ellos tienen exactamente este compromiso o cambio en el personaje como resolución Mike, no vienes a Las Vegas y le hablas así a un hombre como Moe Greene Fredo. Eres mi hermano mayor, y te quiero. Pero no vuelvas a tomar partido con nadie en contra de la familia. Siempre. Después está el colgador de acantilado o tipo misterio de resolución. Este tipo deja el conflicto sin resolver. Mantiene al público en suspenso para lo que está por venir después En mi opinión, esta es una gran manera de enganchar a tus espectadores para futuras escenas o episodios. El inicio lo hace bastante bien. El remate final de la peonza es un ejemplo perfecto de un colgador de acantilado. No sabemos si Cobb sigue soñando o no, y esa incertidumbre es lo que hace la resolución de esta escena sea tan memorable Ahora, por último, tenemos la retribución emocional. Este es un momento catártico. Se siente genial para el público, y es entonces cuando la resolución de conflictos no se trata simplemente de ganar o perder. Se trata de que el personaje alcance un punto de inflexión emocional. En esta escena de Goodwill Hunting, la resolución es Will finalmente rompiendo durante su sesión de terapia con Sean Esta retribución emocional es inmensa porque el conflicto no fue externo. No estaba luchando contra un problema físico. El conflicto siempre fue sobre Will superando sus propios temores de vulnerabilidad. Por lo que este momento se siente especialmente poderoso como una forma de terminar la escena. No jodas conmigo. No es tu culpa. No jodas conmigo, ¿de acuerdo No jodas conmigo, John, no tú. No es tu culpa. Tu teléfono. Bien. Ahora bien, lo clave para recordar aquí es que la resolución siempre debe servir a tu historia general. No se puede simplemente trabajar de escena a escena. La resolución de cada escena debería de alguna manera llevar al personaje hacia la resolución de tu historia principal. No se trata sólo de terminar esta escena o terminarla de una manera satisfactoria. Se trata de cómo este final afectará al personaje y hará avanzar tu trama. Aunque tu resolución sea sutil, definitivamente debería haberlo hecho. Ahora bien, ya sea que tu personaje tenga éxito o fracase en la escena, la resolución debería darnos una idea de lo que está por venir después Entonces, ¿cómo va a dar forma al siguiente momento de tu historia el resultado de este conflicto? Al final de Empire Contraataca, la resolución del duelo de Luke con Darth Vader es Luke pierde la pelea, pero lo más importante, se entera de que Vada es su padre ¿Cómo funciona eso para la historia general? Bueno, esta revelación impulsa el resto de la historia hacia adelante. Establece todo lo que sigue. Esto es lo que desencadena la comprensión de Luke de la orden Jedi y cambia todo lo que hemos conocido o pensado que sabíamos hasta este momento De repente, la perspectiva cambia, y tenemos que reexaminar toda la secuencia de eventos hasta el momento Esta resolución cambia el arco del personaje de Luke y lo hace crecer más. No. Yo soy tu padre. No. No es verdad. Eso desposable. Tipo de sentimientos. Sabes que entre. Ahora, hablemos de lo que definitivamente no quieres. Lo que debes evitar a toda costa es el anticlimax. Ahora, un anticlímax es cuando has acumulado tensión para toda tu escena, solo para que la resolución caiga completamente plana o te sientas completamente desganada Esto puede suceder cuando el pago no está a la altura del conflicto que le precedió Si el viaje de tu personaje a través del conflicto es intenso, entonces la resolución debería reflejar eso. Un anticlímax es una resolución que deja insatisfecho al público, y eso suele ser porque se siente demasiado fácil o tal vez no aborda las apuestas que has estado construyendo hasta En Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, la resolución que involucra a la nave espacial alienígena no entrega del todo el beneficio que el resto de la película El conflicto, a pesar de que fue intenso, no funciona, y no funciona del todo porque el pago dejó a muchos miembros del público sintiéndose completamente desconectados porque no coincidía con las apuestas de la historia que estaban viendo Ahora que te he dicho qué evitar, te voy a mostrar algunas escenas más con una resolución encantadora y satisfactoria. En el Shawshank Redemption, la escena en la que Andy escapa no sólo es una resolución perfecta para la escena en sí, sino también una resolución perfecta a un conflicto de construcción lenta, una resolución perfecta para toda la historia Ahora en Toy Story tres, la resolución del viaje de Woody y Buzz está llena de beneficios emocionales. Gracias, chicos. Y en el silencio de los corderos, la resolución entre Clarisse y Hannibal Lector es escalofriante, pero tan satisfactoria porque Claris gana, pero Cuídate ahora de extenderme la misma cortesía. Sabes, no puedo hacer esa promesa. Ojalá pudiéramos platicar más tiempo, pero voy a cenar a un viejo amigo. Adiós. Carta. Carta Dcor. Carta del Doctor. Sé que estoy mencionando las resoluciones de la propia historia, pero no olvides que la resolución de la historia sigue contenida dentro de una escena. Ahora vamos a recapitular rápidamente todo lo que dije hasta ahora. La resolución es el pago del conflicto de tus escenas. Puede ser una victoria. Puede ser un compromiso. Puede ser un colgador de acantilado o puede ser una retribución emocional Sea lo que sea, asegúrese de que se gane y asegúrese de que tenga un propósito Tu resolución debería afectar a tus personajes, hacerlos cambiar y avanzar tu trama hacia adelante. Ahora, piensa en la escena en la que has estado trabajando hasta ahora. ¿Cuál es el conflicto? ¿De qué manera la resolución amortigua la tensión? ¿Se siente ganado? ¿Su escena sirve al propósito más amplio de la historia? ¿Su pago sirve específicamente al propósito más amplio de toda su historia ¿Llevará a tu personaje a donde necesitan ir? Si no estás satisfecho con el pago que tienes hasta ahora, pensemos en cómo puedes aumentar tus apuestas o cómo puedes tus apuestas o cómo hacer que la resolución sea más Tómese su tiempo y recuerde que cada resolución de escenas es una oportunidad para impulsar a sus personajes y su historia hacia adelante. 7. Transiciones entre escenas: Ya hablamos de la resolución y el pago, en teoría, tu escena podría estar hecha Pero ahora, vamos a sumergirnos en algo que muy a menudo se pasa por alto o de lo que no se habla lo suficiente Te voy a platicar sobre la transición entre una escena a otra Las transiciones son el globo que mantiene unida la escena. Una escena bien estructurada puede sostenerse por sí sola, pero sin una buena transición entre escenas, no se puede crear una sensación de continuidad. Las transiciones son lo que asegura que tu historia fluya sin problemas y que tus audiencias se mantengan comprometidas. Piensa en transiciones como puentes. Nos llevan de un momento a otro sin perder ímpetu. Si las transiciones son discortantes o poco claras, la audiencia puede confundirse o desconectarse de tu historia Pero cuando se hacen bien, las transiciones crean una experiencia perfecta. La forma en que funciona es esencialmente que obtienes la configuración, luego el conflicto y luego el pago de una escena, y luego te mueves rápidamente a la configuración, el conflicto y la resolución Ahora veamos algunos tipos diferentes de transiciones. Cada una de ellas tiene un propósito único. No hay una talla única para todos. Lo que importa es cómo la transición sirve a tu historia. Primero, tenemos el tipo más básico, el corte duro. Se trata de rupturas bruscas entre escenas sin imágenes o sonido superpuestas Son directos, son directos. Son perfectos si quieres crear contraste entre dos escenas o quieres cambiar el tono muy rápidamente. La pulp fiction es un gran ejemplo. Los cortes duros se utilizan para crear cambios abruptos en el tono. Un momento, estamos en una escena de diálogo tranquila y al siguiente estamos en medio de un intenso tiroteo La transición brusca cambia de manera discordante el enfoque de la audiencia, lo que se suma a la imprevisibilidad de la película. Ver, en este caso, la transición es discordante, pero funciona para la historia por su propósito general y tono Definitivamente puedes usar las transiciones una manera poco convencional, o puedes hacerlas discordante si ese es Entonces tenemos cortes de fósforos. Se trata de un vínculo entre dos escenas a través de similares visuales, sonoras o acciones. Puede crear una sensación de continuidad incluso cuando las dos escenas se encuentran en ubicaciones completamente diferentes o incluso en diferentes períodos de tiempo. Uno de los ejemplos más famosos de un corte de cerilla viene de 2001 a Space Odyssey Un hueso se lanza al aire y pasa sin problemas a una nave espacial Este corte une millones de años de evolución en una sola transición elegante. Entonces puedes obtener corte transversal. Esta es una técnica de transición donde cortas entre dos escenas sucediendo al mismo tiempo, y lo que haces con eso es crear acción paralela. Este método genera tensión y conecta líneas argumentales que eventualmente pueden converger Volvamos a ver al padrino. corte transversal durante la secuencia del Bautismo muestra a Michael asistiendo al bautizo de su sobrino mientras sus enemigos están siendo asesinados La acción paralela aquí crea un marcado contraste entre la inocencia y la violencia, y destaca la transformación de Michael. La razón por la que se usa aquí es por la idea temática de la historia. También puedes tener señales visuales o de audio, que son transiciones muy efectivas Puede ser un golpe de puerta que corta a una nueva ubicación o un sonido como un teléfono sonando que está siendo recogido en una Estas señales crean un vínculo suave y a menudo subconsciente entre escenas En réquiem por sueño, las señales sonoras como los teléfonos sonados se utilizan para la transición entre vidas de personajes, y eso conecta sus historias incluso cuando no están en el La repetición de estas señales de audio crea un ritmo que une estas escenas Por último, tenemos los Mtoklinks. Estas transiciones no dependen de las imágenes o el sonido. Se basan completamente en el significado más profundo o el tema que corre a través de tu historia. Puedes terminar una escena con la reflexión de un personaje sobre el amor y luego cortar a otro personaje lidiando con la relación El enlace aquí está en el tema del cobertizo. En el Grand Budapest Hotel, Wes Anderson suele utilizar vínculos temáticos como ese para hacer una transición entre diferentes líneas de tiempo Una reflexión sobre la lealtad en una época se hace eco en una historia paralela, pesar de que las escenas están separadas por décadas Las transiciones se sienten completamente naturales porque se basan en los temas centrales de la película. En caso de que no estés seguro de cómo escribir todas estas transiciones en tu guión, te mostraré ahora mismo Para cortes duros, también usamos corte. Este es el tipo de transición de escena más genérico que verás y a veces ni siquiera necesitas escribirla porque esto es lo que el editor asumirá que estás haciendo. Si estás escribiendo matchcuts, lo adivinaste, solo escribes match cut Para el corte transversal, generalmente usamos intercut. Las señales visuales o de audio se pueden cortar o cortar en J. Un corte J es cuando el audio de una escena comienza al final de la anterior así. Mmm. Y un corte en L es cuando el audio de una escena continúa en la siguiente así. Cómo. Realmente no escribirías enlaces temáticos en la transición. Eso es algo que sucederá en tu acción y en tu diálogo. Entonces, ¿cuándo deberías usar estas técnicas que hemos cubierto? La clave es considerar el ritmo y el tono emocional de tu historia Si quieres mantener un impulso rápido, las transiciones rápidas como los cortes duros o el corte transversal funcionarán muy bien. Pero si estás ralentizando las cosas para reflexionar sobre el viaje emocional o la situación de un personaje, probablemente necesitarías una transición más fluida Para que puedas trabajar con un match cut o un enlace temático. Podrían ser mucho mejores para esa situación. Las transiciones no se tratan solo de pasar de una escena a otra. Se trata de gestionar el ritmo de tu historia y guiar la emoción de tu audiencia. Si tu transición se siente fuera de lugar, puede sacar a los espectadores de la historia. Pero si lo haces bien, potenciará la experiencia de contar historias Así que elige sabiamente. Ahora veamos algunas películas que utilizan las transiciones de manera muy efectiva. En Danker, Christopher Nolan utiliza el corte transversal para contar tres historias simultáneas en diferentes Esto le permite construir tensión y vincular eventos a través de tierra, mar y aire. En Birdman, toda la película parece estar rodada en una toma continua Las transiciones están ocultas por el trabajo inteligente de la cámara y el movimiento. I Mad Max Fury Road, los cortes duros se utilizan para mantener la intensidad a un máximo constante, empujando la acción hacia adelante a un ritmo implacable Ahora repasemos algunas trampas comunes cuando se trata de transiciones El mayor error que puedes cometer con diferencia es crear transiciones que se sientan discordante o desincronizadas. Con el tono de escenas. ¿Por qué? Porque si creas una transición que se siente antinatural, si no siento que esta es la forma en que normalmente harías la transición entre dos escenas, como miembro de la audiencia, romperás mi inmersión Ya no voy a estar en él, y eso es lo último que quieres hacer. Otro error se acabó usando la misma técnica de transición. Entonces, el cruce constante entre las líneas de la historia, por ejemplo, puede ser confuso. Sí, el corte transversal puede ser efectivo, pero si lo usas con demasiada frecuencia, puede perder su impacto. Por último, por favor, evite confiar en transiciones llamativas solo por el estilo Necesitan servir a tu historia. Si estás en transición, digamos con un corte de partido entre dos escenas de dos personajes diferentes, inevitablemente crearás una conexión entre estos dos personajes en la mente de la audiencia Eso puede funcionar si quieres que estén juntos en algún momento, o si tienen historias similares, pero nunca se han conocido. Pero si solo lo estás usando para quedar bien, por favor reconsideralo . Todo bien. Hemos hablado de transiciones, hemos hablado de diferentes tipos de transiciones y cuándo usarlas. Ahora pensemos en la escena que estás escribiendo actualmente. ¿Cuál es la escena que va a seguir? Piensa en la relación entre estas dos escenas. ¿Son muy diferentes? ¿Están conectados? ¿Qué transición funcionará mejor? A lo mejor es un enlace temático , a lo mejor es un corte de cerilla, lo mejor es un corte duro porque estás hablando algo completamente diferente o estás haciendo una comparación. 8. Dinámica de escena: acción y diálogo: Ahora que hemos discutido cómo usar las transiciones de escena para crear transiciones dinámicas y atractivas entre escenas y cómo pasar sin problemas de una escena a otra, es hora de hablar de una parte muy vital de cualquier escena, y ese es el equilibrio entre acción y diálogo. Eso es lo que mantiene la escena interesante, efectiva y cómo puedes mantener el compromiso de tu audiencia. acción y el diálogo son dos de las herramientas más importantes en tu kit de narración Encontrar el equilibrio adecuado entre ellos es clave para mantener a su audiencia involucrada en mantener el ritmo de su historia, así como para generar un impacto emocional En pocas palabras, demasiada acción puede llegar a ser agotadora. Tu audiencia necesita tiempo para respirar. Pero demasiado diálogo y tu escena empezará a arrastrarse. Va a ser aburrido. Será agotador de una manera completamente diferente. Perderás a tu audiencia. También perderás la tensión y el impulso que has estado construyendo. Para encontrar tu punto óptimo, necesitas tanto acción como diálogo para trabajar juntos. Esto te ayudará a crear una escena que se sienta dinámica, decidida y viva Empecemos por hablar de acción. Acción no solo significa escenas de lucha de persecuciones de autos. Se trata de cualquier movimiento físico o evento que empuja la historia hacia adelante o revela algo sobre los personajes. Entonces, si tu personaje está caminando, eso es acción. Si el personaje toma un cepillo de dientes, eso es acción. acción impulsa la trama hacia adelante y mantiene las cosas en movimiento. Nos muestra lo que están haciendo los personajes, no sólo lo que están diciendo. Puede ser algo sutil. Como una mirada intercambiada entre dos personajes. Puede ser algo absolutamente enorme y explosivo, como una persecución por las calles de la ciudad. Pero la acción es el combustible que impulsa ya ves. En John Wick, la acción no se trata sólo de espectáculo. Revela de manera crucial quién es John. Todo movimiento es deliberado. Cada pelea nos habla de sus habilidades, sus motivaciones y de su implacable impulso Aprendemos sobre su personaje a través lo que hace, no de lo que dice. Ahora hablemos de diálogo. El diálogo es donde brillan las personalidades de tu personaje. Es como aprendemos sobre sus pensamientos, motivaciones, relaciones, pero al igual que la acción, el diálogo necesita servir a un propósito cada vez Debería revelar algo sobre el personaje. Debería construir tensión, o debería profundizar las apuestas emocionales Si tu diálogo no tiene un propósito, tiene que ir. El buen diálogo es agudo, conciso. Y está estratificado con significado. Por favor, no dejes que tus personajes hablen por el simple hecho de hablar. Cada vez que digan algo, deben expresar una razón para impulsar la historia hacia adelante. A lo mejor están revelando secretos. A lo mejor están estableciendo relaciones. A lo mejor están creando conflicto. Pero cada línea debería importar. En bastardos sin glorias, Quentin Tarantino utiliza magistralmente Quentin Tarantino utiliza magistralmente el diálogo para crear tensión. En la escena de apertura, el comportamiento tranquilo y amistoso del coronel Lando esconde las estacas mortales debajo de la superficie Cada palabra gotea de amenaza en la tensión construye puramente a través Estás resguardando enemigos del estado, Diana. La verdadera magia ocurre cuando se logra el equilibrio adecuado entre la acción y el diálogo. La acción puede puntuar o enfatizar una escena pesada de diálogo, y el diálogo, por otro lado, puede agregar contexto y significado a tu acción Es mejor que trabajen juntos para hacer avanzar tu historia y mantener a tu audiencia comprometida. Al integrar la acción en escenas pesadas de diálogo, mantienes impulso, y al dejar que el diálogo se infunde en tus escenas de acción, agregas significado y profundidad emocional La clave es saber cuándo apoyarse en uno y cuándo apoyarse en el otro. Además, necesitas entender cómo mezclarlos a la perfección. Veamos la noche oscura, la escena en la que Batman interroga a Joker Este es un ejemplo perfecto de equilibrio entre acción y diálogo. El diálogo es agudo e intenso. Está lleno de guerra psicológica. Entonces, ¿por qué quieres matarme? No quiero matarte. ¿Qué haría yo sin ti? ¿Volver a estafar a los traficantes de la mafia? No, no. No. No, tú. Estás completo. Yo. Eres basura. Matas por dinero. No hables como uno de ellos. No lo eres. Incluso si quisieras estar con ellos, solo eres un bicho raro. Como yo. Te necesitan ahora mismo. Y cuando no lo hagan, te echarán fuera. Como un leproso. Verás, son la moral, nosotros somos código. Es una broma de mal gusto. Hemos caído a la primera señal de problemas. Son tan buenos como el mundo les permite ser. Te voy a mostrar cuando bajen las patatas fritas, estas personas civilizadas se comerán entre sí Verás, no soy un monstruo. Estoy justo por delante de la curva. Entonces los momentos de acción física, como cuando Batman golpea a Joker contra la pared, puntúan el poder crudo de la escena Se puede ver cómo estos dos elementos aquí se alimentan entre sí y suben las apuestas a medida que avanza la escena No habría sido tan poderoso si solo estuvieran hablando, y definitivamente no habría sido tan poderoso si solo estuvieran peleando. El equilibrio entre ambos es lo que hace que la escena sea tan memorable. Ahora, aquí tienes un consejo rápido para ti. Si estás escribiendo una escena pesada de diálogo, piensa en romper los momentos de diálogo con alguna acción. Puede ser algo súper pequeño, como un personaje que se desplaza nerviosamente en su asiento o tal vez vertiendo una bebida Esto puede simplemente romper el ritmo y darle a la escena una sensación más dinámica. Estas pequeñas acciones pueden reflejar lo que sucede dentro del personaje. Un gesto nervioso puede revelar ansiedad, un cierto movimiento puede indicar un cambio en la dinámica de poder. Pero al agregar estos momentos de acción, crearás interés visual, y mantendrás el ritmo variado En la red social, diálogo rápido de Aaron Sorkin se rompe por momentos de acción Los personajes están mareando, gesticulando o reaccionando físicamente mientras hablan En esta película, el movimiento mantiene alta la energía incluso durante largos períodos de diálogo y la acción ayuda a mantener la intensidad de la escena. Hay, por supuesto, tiempo en el que quieres que tu diálogo ocupe protagónico. Si estás escribiendo una escena en la que tengas un momento cargado de emociones o una conversación que revele algo crucial sobre esta historia. Por favor, no tengas miedo de apoyarte en tu diálogo y dejar que las palabras de los personajes carguen el peso. A veces la tensión de una escena proviene puramente de lo que se dice. En estos momentos, no necesitas grandes secuencias de acción. Necesitas que se entreguen las palabras adecuadas en el momento perfecto. Escenas como esa son poderosas porque dependen intensidad emocional y del diálogo. Antes del atardecer, toda la película gira en torno al diálogo. Las conversaciones entre los dos personajes revelan su pasado, sus arrepentimientos y sus esperanzas. Hay muy poca acción, pero el peso emocional de las palabras mantiene al público invertido. Aquí, el diálogo es la fuerza impulsora. No estabas ahí de todos modos. Espera. ¿Por qué no estabas ahí? Hubiera estado ahí si hubiera podido. Yo hice planes, y es mejor que tengas una buena razón. ¿Qué? Oh, no. No, estabas ahí, ¿no? Oh, no. Oh, eso es terrible. Entonces, ¿cómo pones esto en práctica? Al elaborar tu escena, antes de empezar a escribir, solo siéntate y piensa, ¿qué necesita lograr mi escena ¿Necesitas más acción para impulsar la trama? ¿Es este el momento en el que los personajes necesitan conectarse a través del diálogo? Solo sigue preguntándote, ¿cuál es el equilibrio correcto aquí? Hay una razón para que algo esté bien y algo que esté mal para que una de estas se ajuste mejor a un cierto tipo de escena que a otra. Así que sigue pensando en lo que funciona mejor y por qué. Al comprender el propósito de tu escena, puedes decidir mejor cómo equilibrar la acción y el diálogo. Si tu guión es pesado en el diálogo, encuentra lugares donde la acción pueda reforzar sutilmente la tensión emocional o narrativa Si la escena es impulsada por la acción, considere cuán breve agudo diálogo puede agregar contexto o peso emocional sin ralentizar su ritmo Echemos un vistazo a Casablanca. Esta es una de mis películas favoritas de mi tiempo y el equilibrio entre acción y diálogo es magistral aquí. El diálogo de Rigels está lleno de tensión tácita, pero son las acciones entre sus palabras, sus miradas, sus pequeñas pausas, Eso es lo que agrega capas y capas de significado. La acción y el diálogo aquí trabajan juntos para crear una escena cargada de emociones que mantenga al público al borde. Si ese avión sale del suelo y no estás con él, te arrepentirás. Tal vez no hoy, tal vez no mañana, pero pronto y por el resto de tu vida. Pero ¿qué pasa con nosotros? Siempre tendremos París. No teníamos. Lo perdimos hasta que llegaste a Casablanca. Lo recuperamos anoche. Cuando dije que nunca te dejaría. Y nunca lo harás. Pero yo también tengo un trabajo que hacer. A donde voy, no puedes seguir. Lo que tengo que hacer, no puedes ser parte alguna de. Colinas No soy bueno para ser noble, pero no hace falta mucho para ver que los problemas de tres pequeños no equivalen a una colina de frijoles en este mundo loco. Algún día lo entenderás. Te está mirando, chico. Ahora que ya sabes cómo equilibrar la acción y el diálogo, hablemos de algunas trampas comunes que definitivamente debes evitar Uno de los mayores errores que cometen los escritores es dejar que el diálogo se vuelva demasiado estático. Entonces, si el personaje simplemente se sienta y habla demasiado tiempo sin ningún movimiento o acción, puedo prometerte que la escena se sentirá plana. Otro error es usar la acción solo por el bien de ella. Entonces te balanceas en la otra dirección. Si la acción no sirve a la historia o si eres algo nuevo sobre tus personajes, se sentirá inútil De igual manera, explicar en exceso a través del diálogo puede empantanar tu escena. Así que recuerda, show no digas. A tu audiencia no le hace falta que se lo digan todo. No les des de comer hijo cada pieza de información. Muéstranos si puedes. Esencialmente, solo mantén tu diálogo nítido al grano y deja que la acción del personaje haga algo del trabajo pesado. Mira tu escena. Mira cuánto diálogo tienes, mira cuánta acción tienes. Intenta equilibrarlo. Si tienes tres páginas de puro diálogo, escribe líneas de acción en medio, divídalo , dame algo, déjame imaginarlo antes de que haya visto la película. Déjame ver la película antes de que la rodemos. La clave es seguir preguntándose cómo la acción y el diálogo pueden complementarse entre sí para que su historia siga avanzando. Eso es todo lo que es. La próxima vez, te ayudaré a poner en práctica lo que hemos aprendido , así que mantente atento. 9. Trampas comunes y resolución de problemas: Ahora que ya hemos hablado los fundamentos de una estructura de escena, hablemos de algunos errores comunes que descarrilarán incluso la escena mejor escrita Me centraré en algunos errores comunes que a menudo hacen tropezar a los escritores y te ayudaré a mantener tu historia atractiva, enfocada y avanzando. Uno de los escollos más comunes en escritura de escenas es la llamada falta de propósito Toda escena debe tener una razón para existir. Si tu escena no está avanzando en la trama, si no está profundizando tus personajes o no está construyendo tensión, te puedo prometer que es solo una pérdida de tiempo y necesitas cortarla Las escenas que serpentean o que realmente no contribuyen a la historia a menudo parecen llenarse. Para evitar esto, antes de escribir cada escena, quiero que te preguntes, ¿cuál es el punto de esta escena? ¿Qué está aprendiendo aquí el público o cómo progresa la historia Si no puedes responder esas preguntas, es momento de reelaborar la escena por completo o cortarla del guión En esta escena, fíjate como no se está revelando nada nuevo. Los personajes no están creciendo, la trama no avanza. Simplemente se siente tan estancado. Esto es exactamente lo que quieres evitar. Otra gran trampa para los escritores es usar un diálogo excesivamente expositivo. Esto sucede cuando los personajes explican al público cosas que ya deberían saber o peor aún cuando explican cosas que podrían mostrarse visualmente o a través de subtexto Algunas personas llaman a esto la como ustedes saben, situación de Bob. Cuando un personaje recurre a otro personaje que obviamente está familiarizado con la situación, pero para comodidad del público, decide explicar la situación no obstante. Eso es tan molesto y se siente tan antinatural. Encuentra una forma más creativa para que los personajes lo expliquen. Encuentra un personaje que no tenga idea lo que está pasando y explícalo a ellos. Que el público aprenda a través de ese personaje. Otra época en la que veo diálogo expositivo es cuando tus personajes explican todo. Lo que haces aquí es perder oportunidad de crear profundidad a través del subtexto En lugar de que los personajes digan, tengo miedo, por favor muéstrales temblando o dudando antes de que tomen medidas Simplemente confíe en su audiencia para captar señales visuales y emocionales. En esta escena, el personaje explica lo que están sintiendo directamente al público. No me gusta la arena. Es tosco y áspero e irritante, y llega a todas partes No como aquí. Aquí, todo es suave y liso. ¿Está claro? Absolutamente claro, pero también es muy forzado. Ahora, compara esto con mi siguiente ejemplo. Aquí no necesitamos que el personaje nos diga que están asustados. Su lenguaje corporal y su acción hacen toda la conversación. Y es mucho más atractivo. ¿Qué me perdí? Mm. Oh, un montón de nada. ¿Hablando de deportes? Oye. Sí. Sí, eso es lo que pasa con el Jujitsu es que la fuerza no importa, ¿verdad Todo se trata de esto. Es un juego estratégico como la basura. Se trata de estar dos, tres, cuatro movimientos por delante. Fresco. Ponte de pie, ponte de pie. ¿Jeremy? Uh, no hay karate en el, ¿no? No es karate, um. Sí, tengo que gobernar. No, no, nada de jugar, encontrarle borracho, aunque. Yo sólo soy Jeremy. Yo no iba a hacerle daño. Ahora hablemos de tono y estilo. Una escena no coincide con el tono general de la película puede desviar al público. Por ejemplo, una escena cómica en medio del thriller tenso puede sentirse tan fuera de lugar a menos que lo hagas con una intención específica Cada escena necesita encajar en el rompecabezas más grande de tu mundo de la historia. Si tu película es un drama serio, solo debes saber que un momento de comedia slapstick podría no mezclarse muy bien Solo asegúrate de que tus escenas coincidan con el tono y estilo que has establecido a lo largo de tu guión. Observe cómo esta parte cómica se siente tan fuera de lugar por lo demás escena seria Crea una disonancia tonal que saca al público de la historia Por favor, sea una puerta secreta, por favor sea una puerta secreta, por favor sea un secreto. Sí. Ahora, un personaje plano o pasivo puede hacer que incluso la escena más dinámica se sienta plana. Si tus personajes no persiguen activamente sus objetivos o reaccionan a conflictos, puedo prometerte que el público no se sentirá comprometido en absoluto. Para evitar esto, solo asegúrate de que tus personajes tengan motivaciones claras en cada escena Aunque no sean el personaje principal, aún deberían tener algo que quieran o necesiten, y esto te da vida y propósito a la escena. ¿Qué edad tienes? 17. ¿Cuánto tiempo llevas 17? Mientras. Sí. Sé lo que eres. Verlo. En voz alta. Dilo. Vampiro. Entonces fíjense cómo el personaje simplemente está reaccionando ante las cosas que suceden a su alrededor. No tienen gol de juego, y el resultado es que la escena es simplemente pasiva y absolutamente poco interesante Entonces, ¿cómo evitamos todos estos escollos? Primero, siempre sea intencional. Antes de escribir cualquier escena, pregúntate cuál es el propósito de la escena. He estado diciendo esto a lo largo de toda esta clase. ¿Cómo avanza tu escena en la trama? ¿Cómo desarrolla tu escena el carácter? ¿Cómo construye tensión tu escena? ¿Cómo contribuye tu escena a la historia general? A continuación, evite arrojar demasiada información en su diálogo. Confíe en su audiencia para comprender los subtextos y las señales visuales Mantén tu tono consistente a menos que estés tomando una decisión estilística deliberada, es decir Y por último, asegúrate de que cada personaje de tu escena tenga una razón para estar ahí. Dales una meta, dales una motivación, y por favor dales agencia. Ahora, toma la escena que has estado escribiendo hasta ahora y analízala. Busca todas estas trampas comunes que acabo de mencionar, encuéntralas y arréglalas. ¿Su escena sirve a un propósito? ¿Hay demasiada exposición, tal vez? ¿Cómo impulsan tus personajes la escena? Haz todos los ajustes, mejóralo y te va a encantar mucho más. Estén atentos porque es hora de realizar estudios de caso. 10. Análisis de escenas efectivas: Ahora que les hemos cubierto estructura y los escollos comunes, así como cómo evitarlos, es momento de aprender de los mejores Vamos a desglosar algunas escenas de películas icónicas y vamos a entender por qué funcionan tan bien. Al final, podrás aplicar estas técnicas a tus propias películas. Empecemos con la escena de apertura de la noche oscura. Este robo a banco no sólo arranca la acción, sino que también introduce al comodín sin regalar demasiado. Esto es crucial. La escena sirve para múltiples propósitos, convirtiéndola en un excelente ejemplo de escena efectiva. Creo que lo que sea que no te mate simplemente te hace Extraño. Entonces, en tan solo los primeros segundos, la película nos deja caer directamente en la acción. Esto se llama Res de In Media La película inicia con el atraco ya en curso. La película inicia con el atraco ya en curso No sabemos exactamente quiénes son estos ladrones, pero el sentido de urgencia y tensión es Se nos presenta a los ladrones de máscaras que trabajan en equipo, pero hay una sensación de desconfianza Ahora, a medida que continúa el robo, la tensión también aumenta. Observe cómo el conflicto se intensifica dentro del grupo. Cada ladrón es sistemáticamente eliminado por los demás según lo instruido por el comodín, lo que apenas resalta su manipulación Entonces los bromistas planean que los ladrones se maten entre sí no sólo muestra su mente retorcida, sino que nos mantiene al borde ya que la dinámica de poder dentro del grupo Entonces, cuando el comodín se revela al final de la escena, configura a su personaje como el mayor antagonista de la película. Esta es la retribución El bromista se desenmascara, dando al público un atisbo del villano de la película mientras nos deja con ganas El alto tiene éxito, pero con un perro y un giro caótico. La escena equilibra magistralmente la acción, la tensión y la revelación del personaje A continuación, veamos una de las escenas de construcción de tensión más famosas historia del cine, Jaws. Esta escena en la playa donde el tiburón ataca a un nadador es un estudio perfecto en suspenso y configuración La playa está llena felices vacacionistas disfrutando de un día soleado Spielberg establece un contraste perfecto aquí. El ambiente sereno y despreocupado de los bañistas se yuxtapone con el se yuxtapone La cámara frecuentemente corta a los disparos bajo el agua, lo que insinúa el peligro invisible Esto crea una mayor sensación de pavor en la audiencia. La tensión aumenta a medida que el tiburón se acerca a su aspersión. Aquí, el conflicto radica en el enfoque del tiburón. La tensión crece no por la acción acelerada, sino por lo que está a punto de suceder El público sabe algo que el personaje no sabe, y eso hace que cada toma se sienta más siniestra. El público está por delante de los personajes, y eso es lo que crea poderosa ironía dramática Ahora el tiburón ataca provocando caos en la playa y revelando el peligro. El ataque no sólo resuelve la tensión inmediata, dándonos pago, sino que también impulsa la Sirve como punto de inflexión para la protagonista, Brodie, quien ahora sabe que la amenaza es real Entonces Brodie ahora tiene que enfrentar la realidad del tiburón, y las apuestas se elevan para el resto de la película. Bien. Alex. Uno. Ahora cambiemos de equipo a un género completamente diferente y hablemos de cuándo Harry conoció a Sally La icónica escena de delicatessen demuestra el poder de combinar acción y diálogo para crear momentos memorables Harry y Sally están discutiendo un tema casual, cómo hombres y mujeres ven las relaciones de manera diferente La escena comienza de manera inocua solo una conversación entre dos personas, pero la configuración nos prepara para lo que está por suceder Están sentados en una tienda abarrotada, lo que agrega una capa de normalidad a la El escenario normal contrasta el acontecimiento extraordinario que sigue A medida que la conversación se intensifica, Sally decide demostrar su punto fingiendo un orgasmo en medio de la tienda de Este conflicto es impulsado enteramente por el diálogo y las interacciones de los personajes. Los filetes aquí son sociales, no físicos, pero son igual de efectivos La tensión viene de la torpeza social y de la reacción de Harry, el público se siente atraído por la química del personaje y el hecho de que esta situación es tan Oh. La escena termina con una famosa línea de remate, una anciana diciendo, voy a tener lo que está teniendo. Sin embargo, el pago aquí no se trata solo del humor. Deja una impresión duradera a la vez que avanza la dinámica del personaje, y la escena profundiza nuestra comprensión de ambos. También consolida uno de los momentos más memorables de la película. Y por último, veamos una escena conocida por su dominio del subtexto y la introducción de personajes, la apertura de El Padrino Esta escena está llena de significado por la forma en que introduce Don Corlone a la sutil dinámica de poder en juego La película se abre con un primer plano de un hombre que pide justicia. La configuración es todo sobre el subtexto. Poco a poco nos retiramos para revelar que está hablando con Don Clone, estableciendo la dinámica de poder desde el principio. El hombre está pidiendo ayuda, pero podemos sentir la tensión ya ve obligado a pedirle un favor al Jefe de la Mafia Esto nos dice todo lo que necesitamos saber sobre el mundo de la historia sin ninguna explicación explícita. El pedido de este hombre lo pone en una posición vulnerable, y la tranquila respuesta mesurada de Don Clone sólo aumenta la tensión Su respuesta demuestra su poder sin necesidad de levantar la voz ni amenazar a nadie. Se trata de un juego de poder muy sutil ya que Corleone deja claro que los favores vienen con cuerdas atadas El conflicto aquí es completamente psicológico y no físico. Se trata de las reglas tácitas de su mundo. La escena termina con Clone aceptando ayudar, pero en sus términos, marcando la pauta para el resto de la película La resolución no envuelve las cosas pulcramente. En cambio, nos deja con una clara comprensión de lo que está en juego este mundo. El favor ha sido concedido pero a un precio. Esta escena establece a Colone como una figura de autoridad y refuerza el tema de la lealtad y Piensa en la escena que has escrito. ¿Cómo has introducido la configuración, el conflicto y la resolución, y cómo puedes tejer subtexto en todos esos Te recomendaría antes de volver a tu escena y editarla una vez más, mira tantas escenas icónicas efectivas como puedas y desglosar cómo funcionan y por qué funcionan. 11. Variaciones de escena: adaptación a los géneros: Ahora que hemos cubierto ejemplos exitosos en algunos casos de estudio, es el momento de sumergirse en diferentes variaciones de escenas y cómo se usan en diferentes géneros. Si bien los fundamentos de construir una escena siguen siendo los mismos, donde he estado martillando casa en cada lección, configurando la resolución de conflictos, diferentes géneros tienen diferentes expectativas de cómo ejecutarlos exactamente Hay nuevas respuestas sobre cómo elaboras tus escenas dependiendo del género que elijas, desde escenas de acción de alto ritmo hasta sutiles ritmos emocionales y dramas, esta lección te mostrará cómo ajustar tu enfoque para varios Empecemos por la acción y el thriller. En este tipo de películas, el ritmo es crucial y las escenas tienden a ser de mayor energía, tienen cortes rápidos, y la tensión aumenta constantemente Lo que está en juego aquí a menudo será físico, por lo que estás pensando en sobrevivir, escapar , conflictos, y tus escenas necesitan reflejar la urgencia que es inherente a los géneros de acción y thriller. Entonces, lo que necesitas para estos géneros es una configuración rápida. Así que dame mínima exposición, ve directo al punto que intentas hacer Necesitamos un conflicto de ritmo rápido, así que necesito que la tensión sea generalmente externa, pero lo más importante, tiene que ser inmediata La resolución aquí necesita mantenerse dinámica. Muy a menudo verás colgadores de acantilados o algo que se instalará al momento siguiente y la siguiente escena porque todo necesita moverse rápidamente Considera la escena de Chase y escribió Mad Max Fury. Aquí, todo se trata de movimiento. El conflicto está incrustado en cada fotograma individual. La resolución no ata las cosas perfectamente de la manera que esperarías normalmente, pero lo que hace es mantener las apuestas altas para el siguiente momento en la siguiente escena. Entonces, si estás trabajando en alguno de estos géneros, lo que necesitas hacer es asegurarte de que tu ritmo e intensidad se reflejen en tu visto. Ahora en todo lo contrario del espectro, tenemos historias impulsadas por el drama y los personajes. En este tipo de historias, las escenas suelen girar en torno a la tensión emocional A diferencia de las películas de acción donde usualmente obtienes apuestas físicas y algo que puedes ver. Aquí, lo que está en juego es más probable que sea personal. Entonces tienes apuestas emocionales. Tienes relaciones. Tienes crecimiento personal. Eso es un sake enorme, y eso es especialmente común en las historias impulsadas por personajes y en los dramas. También es uno de mis favoritos personales. Me encanta el crecimiento personal como bistec, y está ahí para darte una historia más sutil pero también a menudo más poderosa en su conjunto. Entonces, la forma en que ajustarías tu conflicto de configuración y resolución aquí es que me darías una configuración detallada. Entonces, concéntrese en crear este contexto emocional o este contexto situacional Esencialmente, se necesita un terreno muy minuciosamente trazado para poder acumularse porque no tiene la manifestación física de las cosas. Se trata sólo de sentimientos y diálogo y emoción. Entonces el conflicto ardería lentamente. La tensión, porque a menudo es interna, se irá construyendo con el tiempo. No conseguirás que alguien simplemente salte y golpee a alguien. No, tendrás una conversación que se está gestando lentamente en una discusión. Entonces la resolución para dramas e historias impulsadas por personajes suele ser mucho más sutil. La resolución se apoyará más en ser temática o emocional que en una clara pérdida ganadora, por así decirlo. Veamos Manchester junto al mar como ejemplo. La tensión en este caso proviene de palabras indefinidas y dolor subyacente y trauma no resuelto Lo que queda sin establecer, lo que está debajo de la superficie, es lo que está causando la tensión real aquí Y a continuación, hablemos de comedia. Las comedias me resultan especialmente difíciles como cosa de dominar. Pero en cuanto a su estructura, probablemente sean los más directos y los que probablemente estés más familiarizado. Definitivamente has escuchado broma de set up, idea de remate, que es en lo que se basa cada broma y cada escena cómica Aquí, la configuración es la base de los punchlines, y el conflicto surge frecuentemente de un malentendido o de una circunstancia exagerada o incluso y el conflicto surge frecuentemente de un malentendido o de una circunstancia exagerada o incluso de personalidades en conflicto. El tiempo con las comedias es clave porque cada escena debe apuntar al máximo impacto cómico Entonces la línea de golpe es el equivalente a su resolución aquí. La escena termina con una risa o también podrías utilizar un giro inesperado. Hay una escena icónica de la virgen de 40 años donde los amigos de Andy intentaron darle consejos sobre las citas Ahora, el humor aquí viene de los malentendidos del personaje y su Cada consejo construye la tensión cómica. La resolución en este caso, donde todo sale mal, es lo que aterriza el amor. En las comedias, especialmente tus escenas tienen que ser muy apretadas y contundentes porque cada línea debería estar avanzando hacia el efecto cómico, el beneficio cómico, el punch line. Ahora, las escenas de terror se tratan de construir pavor y tensión, hay que jugar con las expectativas de la audiencia No soy el mayor fanático del horror, pero si quieres aprender a escribir tensión, ese es exactamente el género que deberías estar buscando. horror, de nuevo, el conflicto suele ser externo, por lo que es un peligro al acecho independientemente de que sea sobrenatural o psicológico La resolución entonces a menudo está diseñada para dejar al espectador sin resolver Pero quiero señalar algo importante. Inconformarse no significa insatisfecho. El público de terror quiere sentirse intranquilo. Entonces, si logras desconcertarlos, eso realmente trae satisfacción Ahora bien, ¿cómo puedes ajustar esta estructura básica de escena a tu película de terror? Se necesita una configuración atmosférica, esencialmente. Necesitas crear esta atmósfera inquietante desde el principio, desde el comienzo mismo de tu escena conflicto en este caso vendrá a través de tensión y suspenso Se necesita construir lentamente para mantener a la audiencia constantemente al borde. Idealmente, quieres una resolución muy impactante. Debería proporcionar una parodia de salto o un golpe, es algo aún peor que está por llegar En el conjuro, que es una película que me aterroriza absolutamente y no puedo ver, la escena con la muñeca poseída es un ejemplo perfecto La configuración es muy sencilla. Tienes un cuarto oscuro y una muñeca espeluznante. Pero entonces la tensión o el conflicto en este caso, se construye lentamente y cuando piensas que la escena se va a resolver, arroja un susto final, y esta es tu resolución. Si estás escribiendo horror, mantén el ritmo lento hasta el momento de la gran amortización Ahora otra vez, volteando el guión, vamos a ir al romance y comedias románticas es una combinación entre romance y comedia, obviamente, para que puedas combinar estos Pero los Romcos generalmente se inclinan más en la configuración y estructura del romance que en la configuración y estructura de la comedia Ahora, las escenas románticas se centran en la química entre personajes y en apuestas emocionales. Por lo tanto, el conflicto a menudo girará en torno a malentendidos, vulnerabilidad o una lenta construcción Estas escenas dependen en gran medida de las interacciones de los personajes y el subtexto, esa cosa mágica que hace que cada escena Necesitas una configuración emocional. Necesitas preparar el escenario para la química y la tensión emocional, esa es la vibra a la que necesitas ir. Ahora bien, el conflicto suele estar en el lado más sutil. La tensión suele ser interna, por lo que está dentro de la mente de los personajes y viene de malentendidos y viene de malentendidos Entonces la resolución aquí tiene que ser tierna. Puede ser algo muy pequeño como un contacto visual o un ligero toque, pero golpea algo más profundo. Si sigues construyendo con resoluciones y bonificaciones similares en cada escena, esto hará que la progresión de la relación se sienta tan natural y agradable y al final de tu historia cuando los personajes inevitablemente se junten, se sentirá como si esto estuviera llegando todo el tiempo, se sentirá como la progresión más natural para que los dos se conviertan en En Orgullo y prejuicio, que es un clásico absoluto, la escena en la que el señor Darcy le confiesa por primera vez su amor a Elizabeth está llena de tensión tácita, conjunto de pistas sobre sus sentimientos contradictorios, y el conflicto proviene La resolución aquí, si bien no es romántica en el sentido tradicional, prepara el escenario para su eventual reconciliación. Ahora, todos los géneros que he descrito son súper comunes. Básicamente, cualquier historia que agarres puede encajar de alguna manera en una de esas, y esta es la configuración general de cómo haces tu escena para cada una de ellas. Pero hay dos tipos específicos de escenas que a menudo veo. En muchos de estos géneros, si no en todos ellos. Yo personalmente pienso que generalmente son por regla general, ineficaces. Por supuesto, cada regla tiene excepciones, pero creo que para que estas escenas funcionen, necesitan ser manejadas con extremo cuidado y tanto entendimiento de cómo hacerlo correctamente, que yo solo aconsejaría no escribirlas en absoluto. Hay tantas formas más creativas e interesantes manejar lo que pretenden hacer estas escenas. Que simplemente no creo que valga la pena poner estos en. Pero aún así los describiré y los desglosaré para ti para que veas por qué creo que no son el camino a seguir. Estoy hablando específicamente de exposiciones de noticieros y secuencias de sueños Si me has escuchado solo en general, si has estado en alguno de mis cursos, sabes completamente que los odio. Entonces, ¿por qué las exposiciones de noticieros fallan a menudo? Bueno, porque se siente pasivo, le falta acción impulsada por el carácter, y francamente, esto es revelador, no mostrando Ahora, decir no mostrar es un principio del que habla mucha gente. Prácticamente todos en la comunidad escritores han escuchado hablar del programa no cuentan y la gente tiene opiniones diferentes sobre lo bueno que es eso. Personalmente pienso que hay un tiempo para contar y hay un tiempo para mostrar. Pero nunca es bueno. Si puedes mostrarme algo para simplemente contarlo en su lugar porque es tan poco imaginativo y poco No creo que haya un miembro del público que alguna vez diga: ¿Sabes cuál fue mi parte favorita de esa película la escena de los noticieros Porque eso es aburrido y eso es lo que todos han hecho, y está tan agotado y hay formas más geniales de hacer lo mismo. Nuevamente, puede decirme esta información en diálogo. No necesariamente es necesario que me lo demuestres. Pero si tienes dos personajes hablando entre sí y actualizándose mutuamente sobre la situación política actual, eso se sentirá más natural y más interesante que si un personaje lo acabara de escuchar en las noticias. Ahora hablemos de secuencias de sueños. razón por la que muchas veces fallan es porque se siente desconectada de la historia, no siempre, pero muy a menudo lo hace. Se puede desprender como policía. Podrías haberme contado esta historia de una manera interesante y atractiva, pero elegiste para mí simplemente verla en su lugar. A menudo siento que era la manera más fácil de ir en lugar de pensar una forma creativa de hacerlo dependiendo de cuál sea la escena de tus sueños, a veces también puede parecer que es completamente relevante para la trama y como espectador, puedo sentarme ahí pensando, ¿por qué estoy viendo esto? ¿Qué tiene que ver esto con algo? Ya he hablado de esto antes, pero al amanecer del crepúsculo parte dos, la secuencia de sueños extendida socava por completo las apuestas emocionales porque revela que no era real, por lo que deja al público sintiéndose engañado Pensamos que estos personajes murieron, y luego resulta, Oh, no, no te preocupes por ello. Está bien. Sólo fue un sueño. Pero me hiciste invertir en este sueño y en estos personajes, y en sus muertes, de pronto ahora, he estado emocional sin razón aparente. Las secuencias de sueños pueden funcionar si se han vinculado estrechamente con el arco del personaje. Pero al romper el crepúsculo Dawn P dos, en mi opinión, esta larga secuencia de lucha que resulta ser un sueño simplemente desinfla todo el clímax de la escena y el público se siente engañado por una resolución significativa Cada género tiene sus propias demandas únicas y la forma en que estructuras tus escenas debería reflejar las demandas y expectativas del género para el que estás escribiendo. Ya sea que estés construyendo una secuencia de acción de alto riesgo como una persecución de autos o estés teniendo esta dramática confesión de amor en un romance, o tienes tensión subyacente y conversaciones de personajes. Si estás escribiendo para drama o tal vez un momento de risa a carcajadas en la comedia, realmente no importa, pero comprender las expectativas que conlleva el género para el que estás escribiendo te ayudará a elaborar mejor tus escenas y resonarán con el público Más. Supongo que ya has reconocido el género para el que estás escribiendo, toma tus notas de ese género y verificas dos veces. ¿Mi escena encaja con las expectativas para este género en particular? Ajústelo en consecuencia y concéntrese especialmente en cómo cambian el ritmo, el tono y las apuestas dependiendo de las convenciones de tu género y lo has hecho bien También tenga en cuenta que experimentar con convenciones de género realmente puede elevar su historia Y espero con ansias ver cómo adaptas tu estructura al mundo de ti parar. La próxima vez, nos sumergiremos más profundamente en técnicas más avanzadas de escritura de escenas, así que estad atentos para eso. 12. Técnicas avanzadas: escenas no lineales: Bien, hemos cubierto tantos tipos diferentes de escenas para diferentes géneros, pero ahora quiero hablar de dos técnicas más avanzadas que quizás quieras considerar o ya has escrito en tu propio guión y quiero ayudarte a hacerlas aún mejores Estamos hablando específicamente de estructuras no lineales y estructuras de escena experimental en esta lección. Veamos una comparación rápida entre una estructura lineal y una no lineal para que tengas una mejor comprensión de lo que estoy hablando en este momento. En una versión lineal, seguiremos el desplome emocional del personaje de principio a fin. Mientras que en la versión no lineal, mezclaremos flashbacks y cortaremos a diferentes momentos en el tiempo o usaremos el simbolismo para hacer que el desglose se sienta más surrealista Esto es algo que a directores como Nolan les encanta hacer ¿Por qué es esto una técnica experimental o avanzada? Bueno, es porque como puedes ver, no es tan sencilla como la versión lineal, sino que se siente más compleja emocionalmente. Lo que hace una estructura no lineal es que obliga a su audiencia a participar. También nos da una comprensión multifacética más profunda de las emociones del personaje y de los temas en juego aquí Ahora bien, ¿cuándo debemos usar estas estructuras experimentales y narrativas no lineales Bueno, son especialmente eficaces en algunos casos. En primer lugar, funcionan muy bien en thrillers psicológicos Cuando exploras temas de memoria, percepción o identidad, obviamente por los temas aquí, funciona muy bien. Sí mencioné que Nolan es un gran admirador de esto al principio y obviamente, no puedo hablar de estructuras no lineales y thrillers de memoria y psicológicos sin Otro increíble ejemplo de thriller psicológico que utiliza esta técnica experimental es Shutter Island. Ahora bien, esto también puede funcionar muy bien en el estudio del personaje. Cuando revelas emociones complejas o capas psicológicas a lo largo del tiempo, un gran ejemplo de esto es sol eterno de la mente impecable, luz de la luna también es genial para mirar Ahora bien, es muy común ver estos en películas de arte o narrativas experimentales, pero esto está en el nombre en este caso, porque el objetivo aquí es evocar un sentimiento o tema en lugar de necesariamente seguir progresiones tradicionales de la trama Puedes mirar Mulhollan Dry, por ejemplo, ¿qué pasa? No sé quién soy. Otro genial que recomiendo es el árbol de la vida. Ahora, los dramas de misterio o crimen funcionan muy bien con narrativas no lineales porque cuando retienes esta pieza clave de información hasta el momento perfecto, esto en realidad se sumará a la tensión y la intriga que son tan integrales al género Mira a los sospechosos habituales donde puedes hacerte esta idea de por qué es importante no darnos todo desde el principio. También se puede ver el prestigio como un gran ejemplo de cómo incorporar esto a un drama criminal o a un misterio. Sin embargo, una advertencia muy importante aquí es no usar nunca una técnica porque es genial o llamativa o interesante o experimental Siempre debes usar todo lo que aprendas y cada técnica que puedas implementar con un propósito específico y una intención específica. Cuándo debes usarlos cuando están vinculados al viaje emocional del personaje o arco de su personaje o a los temas de tu historia? ¿Cuándo no debes usarlos? pocas palabras cuando están en tu guión solo por el bien de ello o porque son geniales? Por supuesto, hay algunos retos a tener en cuenta a la hora de utilizar estas estructuras. Veamos algunas trampas comunes que recomendaría evitar En primer lugar, las estructuras no lineales pueden resultar confusas si no las manejas bien. Si tienes saltos de línea de tiempo con demasiada frecuencia, o si no está muy claro cuándo y qué está sucediendo, puedo prometer que el público se perderá y como resultado, ya no se invertirá en tu historia. Si estás usando narrativas no lineales, tienes que tener muy claro dónde estamos, qué está pasando y específicamente por qué lo estamos usando También úsalo con moderación. Ahora otro gran problema es la falta de inversión emocional. Esto sucede si la escena se vuelve demasiado fragmentada o abstracta El resultado es que el público puede perder la conexión con el personaje o con tu historia por completo. Por razones obvias, debes evitar esto y para evitar este escollo, una buena manera de hacerlo es simplemente asegurarte de que siempre haya una conexión emocional con el motivo por que estamos usando esta estructura narrativa Como ya mencioné, todos estos pueden ser sobreutilizados Los saltos de tiempo constante o las técnicas experimentales pueden llegar a ser agotadores y perder su impacto si no se usan a propósito Las estructuras no lineales y experimentales te darán una gran libertad creativa y la capacidad de jugar con el tiempo, la percepción e incluso las expectativas de los miembros de la audiencia. No obstante, requieren una planeación cuidadosa para ser arrancados bien. Si las usas sabiamente, estas técnicas realmente elevarán tu historia y harán que tu audiencia esté más comprometida, más interesada en tus personajes, y te ayudarán a construir la intención de suspenso Puedes usarlos para agregar capas de profundidad a tu narración, pero no dejarán una impresión duradera de tu audiencia si las abusas o si las usas incorrectamente. Ahora es tu momento de experimentar. Intente planificar la estructura de su escena y vea cómo las técnicas no lineales pueden agregar complejidad a su historia. No puedo esperar a verte traspasar los límites de la narración de historias y te veré la próxima vez 13. Crea tus propias escenas: Pasé todo este tiempo aprendiendo los entrecados de las estructuras de la escena. Ahora finalmente es el momento poner en práctica todo lo que sabemos. Hemos llegado a la teoría detrás construcción de escenas efectivas, así que vamos a darle un buen uso a ese conocimiento. Voy a guiarte por el proceso de escribir escenas de principio a fin y para el final, tendrás tu propia escena pulida. Empecemos por el paso más importante, poniendo el escenario para tu escena. La clave aquí es el contexto. ¿Quiénes son los personajes? ¿Dónde están? ¿Qué está pasando? Para ayudarte a empezar, quiero que pienses en estos elementos centrales. ¿Dónde se lleva a cabo la escena? ¿Ese es tu escenario? ¿Es un momento íntimo o a gran escala? Entonces piensa en tus personajes. ¿Quiénes son los principales actores en esta escena específica, y crucialmente, qué quieren? Porque cada escena trata sobre un personaje que quiere algo, tratan de conseguirlo y lo consiguen o no. Lo que necesitas haber establecido desde el principio antes de poner lápiz al papel es lo que quiere tu personaje? Y por último, piensa en tu conflicto. ¿Cuál es la fuente central de tensión en este momento? Pausa este video, tómate unos minutos, anota las respuestas a estas preguntas para que tengas los bloques de construcción para comenzar a escribir No tiene que ser un bosquejo completo, pero dése una idea clara de lo que está sucediendo. ¿Lo tienes? Genial. Perfecto. Podemos seguir adelante. Aunque sea rudo, lo más importante es que esto sea un comienzo. La configuración está aquí para crear la base de lo que está a punto de seguir. Y lo que está a punto de seguir es que ahora que hemos sentado las bases, es hora de comenzar a escribir Pasemos por tus tres momentos clave para poner en marcha el conflicto, la retribución de la que hemos estado hablando todo este tiempo Necesitamos establecer rápidamente el contexto. ¿Dónde están tus personajes? Cuál es tu estado de ánimo, e insinúa lo que está por venir estableciendo las apuestas o la tensión. De eso se trata tu configuración. No tiene que ser largo, lo suficiente para darle a tu público una imagen clara del mundo y el punto de partida del personaje. Ahora pasemos al corazón de la escena, a tu conflicto. ¿Qué está en juego para los personajes y cuáles son los obstáculos que se interponen en su camino? Este es tu punto de inflexión. Aquí puedes construir tensión dejando claro qué se interpone en el camino de sus metas. Toda escena necesita conflicto. No siempre tiene que ser una pelea física, como he dicho innumerables veces. Puede ser un enfrentamiento emocional, un desacuerdo o una lucha interna Asegúrate de que tu tensión esté al frente y al centro. Por último, terminémoslo con la resolución. Piensa en lo que sucederá como resultado directo de tu conflicto. ¿Tu conflicto está resuelto o ahora nos llevan a más tensión? Necesitas un propósito para tu escena. Piensa en qué logra este momento para tu historia general? Su resolución es crucial. Aquí es donde se pone claro el significado de la escena. No tiene por qué ser una conclusión aseada, pero debería servir al impulso general de la historia. Gran trabajo. Ahora sí tienes una escena muy ruda, pero sigue siendo una escena Cada gran escena pasa por múltiples borradores y esta es tu oportunidad de refinar tu trabajo Quiero que busques algunas cosas específicas para revisar. En primer lugar, pensemos en la claridad. ¿Está claro tu conflicto? ¿Tus personajes son la motivación fuerte y comprensible? ¿Podrías hacerlos mejores? Entonces piensa en tu ritmo. ¿La escena se siente demasiado lenta o demasiado cepillada? ¿Hay áreas donde se puede estrechar el diálogo o la acción? Por último, piensa en tu propósito. ¿Esta escena hace avanzar la historia y qué nueva información o cambio nos aporta? Tómate un tiempo para repasar lo que has escrito y ver si puedes agudizar tu escena con estos puntos en mente Las revisiones son donde realmente sucede la magia. Puedes seguir trabajando en tu escena tantas veces como quieras hasta que sientas que es aguda y decidida y exactamente lo que quieres que sea Una de las mejores formas de mejorar tu escritura es a través de comentarios de otros. Recomiendo encarecidamente conseguir a alguien que no esté tan cerca de tu trabajo como tú para que lea tu escena y te dé retroalimentación sin saber lo que querías hacer o lo que querías lograr porque esa es la única forma en que podrás ver si realmente la has clavado La razón es que debido a que estás tan cerca tu escena y la amas tanto y sabes todas estas cosas de tus personajes, realmente no puedes verla objetivamente, porque crees que has demostrado que tu personaje tiene características específicas, pero ya sabes que tu personaje tiene estas características Entonces, si lo has mostrado de manera efectiva, realmente no puedes verlo, o como alguien más podrá señalar que no obtuvo nada de esto es donde entran los comentarios Al dar retroalimentación o al recibir retroalimentación, recuerde dar críticas constructivas. Por favor, concéntrese en lo que está funcionando, en lo que no funciona , en lo que se puede mejorar , dar soluciones, no solo señalar problemas. Siempre, siempre estar realmente abierto a la crítica. Porque no deberías estar tomando los comentarios personalmente si alguien te está diciendo que algo no está funcionando, esto no es un ataque contra ti, aunque definitivamente pueda sentirte así. Se trata de hacer que tu trabajo sea más fuerte. Todos queremos ayudar, y eso es exactamente lo que estamos haciendo. Usa tus comentarios, reescríbalos, haz otro borrador, pero aún así, confía en tus instintos porque esta es tu historia la que quieres contar, así que cuéntela de la manera que tenga sentido para ti al final del día No te sientas presionado para cambiar cada cosa. A lo mejor la persona no entendió lo que estabas tratando de hacer, pero si 17 personas están de acuerdo en que el personaje es aburrido, entonces el personaje podría simplemente ser aburrido. Usa lo que resuene contigo y lo que se ajuste a tu propia visión La revisión es sobre el saldo al final del día. Necesitas mantener tu voz mientras mejoras la claridad y el impacto. A medida que continúas desarrollando tus escenas, hay algunos consejos que quiero que tengas en cuenta. En primer lugar, escribir siempre más de un borrador. No tengas miedo de reescribir tu escena varias veces porque cada borrador te acercará al núcleo de lo que querías decir Gran consejo que recibí recientemente es leer en voz alta y sobre todo conseguir otras personas que no están familiarizadas con tu historia lean tu guión y que solo la escuches Porque escuchar tu escena puede resaltar problemas de ritmo o diálogos incómodos que no podrás identificar en la página, y es justo cuando la escuchas que te diste cuenta, Oh Dios mío, esto en realidad suena horrible Entonces algo que se siente tan obvio, pero que es tan importante es mantenerse siempre fiel a tu historia. Cada escena debe servir a tu narrativa general. No incluyas escenas que no impulsen esa historia hacia adelante. Escribir escenas es un proceso, y cuanto más practiques, mejor lo lograrás, más natural se sentirá crear una configuración, un conflicto y una resolución que funcionen juntos bien y de manera efectiva. Ahora has escrito y revisado probablemente una escena completa y has tomado el concepto de desde la configuración para dar sus frutos y ojalá lo hayas aprendido en el camino. Pero esto es solo el comienzo. La escritura es un proceso continuo y cada escena que escribas se basará en las lecciones de la anterior. Finaliza tus escenas en base a todo lo que has aprendido aquí, comparte tu escena con la clase y revisa en base los comentarios que te voy a dar y que tal vez otros te den también Recuerda, la mejor manera mejorar escribiendo escenas es simplemente escribir más escenas y revisar las escenas que ya has escrito y no puedo esperar a ver qué creas.