Transcripciones
1. ¡Hola!: ¿Alguna vez has querido
dibujar escenas y
paisajes botánicos pero no sabías dónde empezar?
Bienvenidos a clase. Am fat Fishman,
ilustrador y artista profesional. Aquí en Skillshare,
ofrezco cursos para artistas
principiantes así
como ilustradores de
nivel intermedio Para nuestra clase de hoy, elegí una imagen de
nenúfares en un estanque Me encanta dibujar flores, y esta es una oportunidad
maravillosa para que aprendas a ir más
allá de la pintura, temas
individuales y comenzar a ilustrar escenas completas de
mini paisajes. Trabajaremos en un estilo similar a como creé las flores en un mural que ilustré para
una tienda Walmart en Oklahoma. Descubrirás cómo agregar
profundidad a una escena pequeña, una técnica valiosa que podrás usar en futuras pinturas de
paisajes más grandes. Una de las ideas clave que
exploraremos es el color. Si bien nuestra imagen de referencia de clase tiene un esquema de
color monocromático, cuando la ilustramos, no
tenemos que comprometernos con esa
paleta En cambio, podemos
elegir colores que se sientan más vibrantes y divertidos. Lo que hace que este proyecto
sea fácil de seguir es que utilizamos las mismas
técnicas en todo momento. Entonces, aunque la
pieza final pueda parecer compleja, dividiré en pasos
claros y manejables Esta clase práctica es perfecta para artistas
que quieran aprender técnicas
creativas
que se puedan aplicar a sus futuros proyectos paisajísticos
y botánicos. Construirás
confianza, te volverás artístico y mejorarás tus habilidades de
dibujo para procrear a lo largo del camino Acompáñame en clase y
comencemos.
2. Tu proyecto: Para el proyecto de clase, nos centraremos en crear una mini escena
de paisaje de un estanque de nenúfares, comenzando con un boceto rápido, luego ilustrando
hojas grandes y flores impresionantes. Caminaremos por
el proceso creativo en las lecciones de clase con un enfoque paso a paso que lo
hace divertido y fácil
de seguir. Si quieres,
comparte lo que haces en clase. Me encantaría verla. Te animo
a que te tomes tu tiempo y te permitas
experimentar en el camino. Y me encantaría que encontraras
formas de
hacer que tu proyecto de clase sea
único tuyo. Cuando estés listo, sube
tu ilustración a
la galería de clases. Puedes compartir tu obra de arte, un boceto rápido o el primer borrador. Y si lo deseas, incluye
algunas imágenes de proceso también. Me encanta ver cómo
se desarrolla tu trabajo y siempre dejo comentarios
alentadores. Este proyecto está dimensionado para
imprimirlo como póster. Las especificaciones se proporcionan en clase. Entonces, si creas un póster y lo enmarcas, por favor comparte la foto de tu
obra enmarcada en tu pared. Tengo muchas ganas de
ver tu proyecto. Y con eso dicho, comencemos. A continuación, comenzaremos con la
creación de nuestra paleta de colores.
3. Cómo elegir una paleta de colores: Utilizaremos la
imagen de referencia proporcionada en clase como inspiración
para nuestro proyecto. Elegí esa imagen porque realmente
me atrajo
su esquema de color. El objetivo no es copiarlo, sino usarlo como guía mientras haces tus propias elecciones
creativas, especialmente cuando se trata de formas de
color y composición. Cuando pensamos en el
agua yace en un estanque, generalmente
imaginamos agua verde
azulado y hojas de color verde brillante Pero en esta imagen, el
estanque es bastante oscuro. Las hojas aparecen en
diferentes tonalidades de marrón. Lo que me encanta de esto es que la imagen se siente
casi monocromática En otras palabras, la mayoría de los
colores están estrechamente relacionados, lo que ayuda a que las
flores realmente se
destaquen y se conviertan más
en el punto focal. En esta lección, te
mostraré cómo mirar cualquier imagen de referencia y entender la
relación general de color dentro de ella, y luego usaremos
esas observaciones para crear nuestra
paleta de colores. Entonces comencemos. Como primer paso, me gusta
probar algunos colores directamente de la imagen y
colocarlos en el lienzo. Esto me ayuda a empezar a
ver la gama de colores que realmente están
presentes en la escena. En esta imagen,
noto muchas variaciones. Hay naranjas, marrones apagados,
e incluso marrones que se inclinan
ligeramente hacia el rojo Ahora, sería muy fácil
simplemente usar estos
colores muestreados exactamente como están Pero me gustaría que te tomaras un momento y hagas tuyos
estos colores. Por ejemplo, me gusta la idea de usar naranja en las hojas, pero tal vez esa naranja podría
estar un poco más saturada. Ese marrón podría desplazarse
ligeramente hacia el rosado, y ese tono rojizo
podría llegar a ser un tono más profundo De esta manera, estoy
usando los colores de
la imagen de referencia como
inspiración y sugerencias mientras creo una paleta de colores que se siente adecuada para mi proyecto. A continuación, echemos un
vistazo a los colores de fondo. El color oscuro que vemos en la imagen puede aparecer
marrón al principio, pero cuando
lo muestro y lo verifico en la rueda de colores en la app, podemos ver que en
realidad es un azul muy oscuro. Mirar el color de
esta manera nos ayuda a entender su verdadera orientación
en la rueda de colores. Hacer esto nos da una mejor comprensión
del color en nuestra imagen de referencia y nos ayuda a tomar decisiones más informadas a la hora de
construir nuestra propia paleta. Para el fondo, queremos
elegir colores que ayuden a los elementos principales como destacar los elementos principales como
las hojas y
las flores. Decidí usar colores
que estén un poco más saturados que los que
veo en la imagen original. Para las flores,
queremos que se conviertan en el punto focal de la pieza. Por lo que sus colores
serán los más brillantes, los más juguetones y los más
llamativos de la composición Ahora que hemos pasado por
este proceso y
entendemos cómo funcionan los colores en la imagen y
para nuestro proyecto, aquí está la paleta de colores que
creé para este proyecto. Se puede ver cómo se relaciona los colores originales
en la referencia, junto con los ajustes que hice para ayudar a que cada
elemento destaque. Para que puedas crear
tu propia paleta usando el mismo
enfoque o simplemente siéntete libre de descargar
esta paleta de colores de los recursos de la clase.
4. Calentar con colores y bocetos: En esta lección, vamos a empezar
a jugar con el color. Aquí es donde comenzamos a construir las bases de nuestra paz. Ahora, como estamos
dibujando un estanque con movimiento en el agua
y reflejos suaves, es una
oportunidad muy agradable para explorar colores y formas de
una manera suelta y lúdica. Nada tiene que ser preciso aquí. Piensa en esto como un calentamiento tanto
para tu mano como para tu
creatividad Coloqué mi
imagen de referencia junto al lienzo para que
pueda mirarla como inspiración mientras trabajo. Ya tengo mis
colores de fondo en mi paleta, y ahora voy a elegir un pincel ancho y suave
para comenzar. Siempre es una buena
idea probar algunos pinceles y ver
qué se siente bien para ti. Quiero que mis pinceladas se
mantengan sueltas y expresivas. Entonces estoy usando un
cepillo blanco suave de mi propio juego de pinceles. Si quieres usar
los mismos pinceles, puedes encontrar el enlace en las descripciones
del proyecto. Pero siéntete libre de explorar tus propios pinceles y encontrar
algo con una sensación similar. Al comenzar a construir
el fondo, seguiremos vagamente las formas que vemos en la imagen de referencia Ahora estoy cambiando a
un morado más oscuro y pintando
suavemente en la zona
superior del enlace Disfruto mucho pintando
todo a mano. Es una forma tranquila y
relajante de trabajar, y de eso es realmente de lo que se trata
esta etapa, simplemente disfrutando del proceso. Si lo deseas,
también puedes usar la herramienta de manchas, el ícono
del dedo meñique en la parte superior Es ideal para mezclar
colores, suavizar los bordes y crear esas transiciones suaves
que se ven muy bien para el agua. Bien, esto está empezando
a verse muy bien. Entonces vamos a traer otro color. Estoy usando un morado más claro
para agregar algunas formas abstractas. Esto puede sugerir reflejos o sombras
sutiles a través de
la superficie del enlace, y luego repetiré la
misma idea con un tono azul, colocándola holgadamente
sobre el fondo Esta es una excelente manera de calentar tu mano y al mismo tiempo
construir una base rica y
colorida para
tu ilustración. Me gusta pensar en el color como punto
de partida
para la inspiración. Así que comenzar con
algo lúdico y agradable realmente ayuda a marcar
la pauta para el
resto del proyecto. Ahora que tenemos nuestros
antecedentes en su lugar, pasemos a bosquejar
los elementos principales Coge tu pincel de lápiz y comienza a dibujar ligeramente las hojas y flores de
lirio Al hacerlo, presta atención a cómo se posicionan las
hojas. Especialmente me gusta
esa pequeña forma de V en la base de cada hoja. Intenta incluirlo y variar ligeramente
el ángulo de
una hoja a otra. Además, piensa en las variaciones de
tamaño. Algunas hojas pueden ser más grandes, otras pueden ser más pequeñas. Esto ayuda a crear una
composición más natural e interesante. Y si no estás seguro de dibujar
a partir de la observación, eso está
completamente bien. Puedes hacer este paso
más fácil colocando la imagen de referencia directamente en tu lienzo y creando
una nueva capa en la parte superior, luego puedes trazar las
formas principales para guiar tu dibujo. Por lo tanto, el rastreo es una
excelente manera de comenzar su proyecto sin
preocuparse por su capacidad para
dibujar desde la observación. Siempre puedes en cualquier proyecto, ayudarte solo
saltando a esta etapa Una de las cosas que
realmente me encanta de trabajar digitalmente es
lo flexible que es Siempre puedes ajustar tu
boceto, cambiar el tamaño de los elementos, mover las cosas o incluso
hacer que las flores sean un poco más grandes para que destaquen
más en la composición Bien, entonces ahora que
todos estamos calentados y listos y tenemos nuestra base
en la siguiente lección, bloquearemos las formas de nuestras hojas y agregaremos más
color a este proyecto
5. Cómo crear flujo y composición: Antes de comenzar a dibujar,
quiero compartir una idea rápida sobre cómo crear profundidad en
ilustraciones de paisajes. En general, los elementos
que están más cerca de nosotros tienden a tener colores intensos más
saturados. A medida que las cosas se
alejan, se vuelven más livianas, más frescas y menos detalladas a medida que gradualmente se desvanecen
en el fondo. Tener esto en mente nos
ayudará a crear una sensación de profundidad en nuestra escena pon de
nenúfar, incluso en una composición pequeña como la que estamos creando
juntos en clase. Comenzaré dibujando los contornos de las
hojas y flores, luego pintaré dentro de cada hoja. Recomiendo dibujar con pincel entintador para esta
etapa del proceso Puedes referirte a tu imagen de
referencia para ayudarte a colocar cada elemento en el lienzo y usar tu
boceto como guía. Trate de notar dónde se superponen
las hojas, cómo están espaciadas y el flujo general de
la composición. En esta etapa, solo
estamos bloqueando nuestras formas y construyendo una
base para los próximos pasos. Para este proyecto, crearemos una capa diferente para
cada grupo de hojas. Nombré mi capa por las que están en la parte superior de la
composición, deja una. Y a continuación, vamos a crear una
nueva capa de las hojas en el medio y cambiar a
un color ligeramente más oscuro. Aquí quiero probar
otra técnica
para delinear las hojas de
nenúfar Empecemos por crear
una forma ovalada. Luego agrega los bordes
irregulares de
las hojas alrededor para crear ese aspecto y sensación
orgánicos. Esta es una gran manera de colorear las formas de
tus hojas si quieres tener más control
sobre tu dibujo. El siguiente paso sería dibujar el corte en V en la base de la hoja y rellenar la
forma de color. Me encanta colorear mis
hojas manualmente. Es divertido y me ayuda a ponerme
en un estado mental artístico. Al dibujar las hojas de
nenúfar, tenga en cuenta algunas ideas clave. Apunta a un look orgánico estilizado con contornos ligeramente
irregulares, inspirado en la foto de referencia Observe la forma de la hoja. Tiene forma de corazón, comenzando con la
V en la base y terminando en una punta suavemente puntiaguda. Y por último, variar la
dirección de las hojas para crear una composición más natural e
interesante. Finalmente, crearemos
la tercera capa de hojas usando el
color más oscuro de nuestra paleta En esta etapa, realmente estamos construyendo los cimientos
de toda la pieza. En los siguientes pasos, daremos vida a todo con pinceladas expresivas, agregando dimensión, textura
y más interés visual. Así que tómate tu tiempo aquí y concéntrate en crear formas claras y
seguras. Al terminar este paso, también
refinaré las flores, trabajando en cada una
en una capa separada. Esto me da más flexibilidad para ajustarlos y
mejorarlos a medida que avanzo. Me gusta usar la goma de
borrar para dar forma a los pétalos y crear bordes
ligeramente más afilados Da a las flores
más definición, aspecto
estilizado que realmente
disfruto Así que mantén tu forma simple. Confíe en su mano y disfrute del paso de construir
su composición.
6. Exploración de pinceladas y texturas: En esta lección,
exploraremos la pincelada y comenzaremos a aplicar capas de color para agregar profundidad
y variación a nuestras hojas He colocado una imagen de
los florales de mi mural para Walmart junto a mi
lienzo como inspiración Me gustaría crear
algo similar aquí, trayendo ese mismo estilo de textura
suave a nuestras hojas de lirio de agua. Entonces comencemos con
las hojas más oscuras,
las más cercanas a nosotros
en la composición Comience agregando una
nueva capa por encima su capa de hoja y
conéctela como una máscara de recorte Esta será tu capa de textura. Ahora vamos a elegir un pincel. Para este paso, estoy
buscando algo amplio y suave que me permita construir transiciones de
color suaves. Me gusta probar algunos
pinceles antes de decidirme. Y aquí estoy probando
pinceles de mis selecciones. Voy a probar mi cepillo tejedor de
ensueño,
el gellybean, y los pinceles de movimiento
brumoso Cada uno tiene una textura ligeramente
diferente, y este es realmente
el proceso por el que paso al crear
mis propios proyectos, así
como lo estoy haciendo aquí. Si bien podría tener una idea de qué cepillo me gustaría usar, no
puedo estar seguro hasta que haya probado algunas
opciones de pinceles primero. Entonces para estas hojas, estoy apuntando a una apariencia sutil muy
suave. Entonces voy a volver a
mi cepillo de flujo suave. Es mi cepillo más suave, y funciona maravillosamente para este tipo de capas
suaves Entonces ahora pasemos al
siguiente paso, superando el color. En lugar de dejar las
hojas con un color plano, vamos a construir
variaciones agregando áreas de
color abstractas
suaves en la parte superior, elija colores que estén cerca
de su color base de hoja y pinte ligeramente
formas grandes y suaves a través de la hoja. Este es un proceso divertido y
lúdico. Así que solo estar aquí y explorar. Puedes agregar áreas ligeramente más claras y
brillantes junto
con algunos tonos más profundos, y esta
variación suave ayudará a que las hojas se sientan más
vivas y dimensionales. Tómate tu tiempo aquí y
mantén la mano relajada. Piense en esto como
manchar suavemente la hoja con color en lugar de
pintar en detalles. Y si recuerdas en
nuestra foto de referencia, hubo mucho juego
de luces sobre las hojas. Entonces este es un tipo de efecto que
estamos buscando crear aquí. Debido a que estamos trabajando en capas, siempre se
puede ajustar. Y si sientes
que has agregado demasiado, puedes usar el borrador para
eliminar parte de la textura Un consejo útil aquí es establecer su pincel de goma de borrar el mismo pincel que está
usando para pintar Y esto mantiene todo
sintiéndose suave y consistente. A continuación, pasemos
a agregar detalles. Crear otra nueva capa y
establecerla como una máscara de recorte. Entonces cambiemos
a un pincel de lápiz. Estaré usando mi pincel de lápiz para dibujar las venas de las hojas. Mantén tus líneas orgánicas
y ligeramente imperfectas. Deben sentirse naturales pero también intencionales
y estilizadas No estamos tratando de dibujar
exactamente de la naturaleza, sino una especie de
versión estilizada de lo que vemos Sigue el flujo de la hoja. Hay una
línea muy definida en el medio, y desde esa línea tenemos líneas
ramificadas más delgadas Y deja que tu línea se curve y se ramifique de manera muy
suave y natural También puedes experimentar
con tus
modos de fusión de capas para ver qué funciona
mejor para tu estilo. A veces, reducir la opacidad o usar un
modo de fusión puede ayudar a la capa detallada se asiente de
manera más natural dentro de los
colores y texturas a continuación Has estado siguiendo
mis otras clases, sabes que probar
diferentes modos de fusión es algo que me
verás hacer a menudo. También puede inspirar
mis elecciones de color. Como me verás trabajar en
el siguiente juego de hojas, voy a tomar prestado ese azul claro que he comprobado con uno
de esos modos de fusión, y lo usaré cuando dibuje
el siguiente juego de hojas Repetiré este proceso
a través de tus hojas, tomándote tu tiempo para
acumular detalles gradualmente. Esta es una etapa realmente amena donde tus formas
empiezan a cobrar vida. Confíe en
su proceso, mantenga sus trazos sueltos y no tenga miedo de
experimentar un poco a medida que avanza.
7. Agregar profundidad a tus hojas: Continuemos completando la coloración de las capas de
hojas restantes en nuestro proyecto. En esta lección, quiero reforzar
cómo usamos capas de
color y pinceladas en diferentes partes
de la composición A pesar de que estamos
trabajando en nuevas hojas, el proceso se mantiene muy similar a lo que hicimos en
la lección anterior. Comienza agregando una
nueva capa por encima tus hojas y conéctala
como una máscara de recorte Este será tu espacio para
construir color y textura. Al comenzar, tenga en cuenta
su color base. Estas hojas son más claras que
el primer conjunto en el que trabajamos, por lo que los colores que pongas encima deben permanecer dentro de
esa misma familia, solo un poco más brillantes
o más saturados. Al mismo tiempo,
podemos introducir algunos tonos más oscuros para crear profundidad y darle más dimensión a las
hojas. Piense en esta etapa como
una exploración suave. No estamos tratando de
perfeccionar nada. En cambio, estamos
construyendo variaciones suaves de color usando pinceladas sueltas y
expresivas. Deja que tu mano se mueva libremente
y permita que los colores se
mezclen y se superpongan de manera orgánica. Puedes usar un pincel ancho y
suave para crear transiciones
sutiles y colores de
capa gradualmente. Intente agregar
áreas más grandes de color claro, luego equilibrelas
con algunos tonos más profundos. Este contraste es lo que ayuda a que las hojas se sientan más
dinámicas y animadas. Trabajas, retrocede de
vez en cuando y
mira tu composición. Observe cómo interactúan los colores entre las diferentes capas
foliares. Esto te ayuda a mantener un sentido
de armonía en toda la pieza. Y recuerda, esta es una parte
lúdica del proceso. Siempre puedes ajustar,
agregar más color o borrar suavemente para revelar
lo que hay debajo. Aquí hay mucha
flexibilidad, así que tómate tu tiempo y disfrútalo. A continuación, dibujaremos las
venas sobre nuestras hojas. Estoy eligiendo un color
azul claro y uso el pincel de lápiz para dibujar
estas líneas finas y detalladas. Si recuerdas, mencioné en la
lección anterior cómo moverse entre modos de fusión puede
inspirar tu elección de colores. Bueno, este azul se
inspiró en esa exploración de color. Al ilustrar
estas venas foliares, mantén tus líneas orgánicas
y ligeramente imperfectas Deben sentirse naturales pero también intencionales y estilizadas Sigue el flujo de la hoja, dejando que tus líneas se curven y se
ramifiquen suavemente desde
la vena central. Podemos repetir este proceso
a través de las hojas restantes, pero también podemos duplicar
esta capa y luego
ajustarla para que
quepa sobre otra hoja. Voy a repetir el mismo proceso
con el último juego de hojas. Al principio, trato de aplicar capas de un color
más claro y fresco sobre estas hojas de color naranja brillante simplemente porque era
el último color que usé Explorar diferentes opciones
de color es algo que hago todo el tiempo. Es parte del proceso
creativo. Pero en este caso, queremos estar más cerca del color
base de las hojas. Este azul se sentía muy diferente. Creé demasiado contraste y aparté la atención de
la armonía de la pieza. Entonces, en cambio, recomiendo
acodar colores que estén más cerca de las naranjas
más claras originales, amarillos
suaves y rojos cálidos Ahora para el paso final, dibujemos las venas sobre
las hojas tal
como lo hicimos antes. Crea una nueva capa,
conéctala como una máscara de recorte y cambia a tu pincel de lápiz Usa líneas suaves y fluidas
para dibujar las venas, siguiendo la
forma natural de cada hoja. Mantén tus líneas ligeramente
variadas y orgánicas. Esto le dará a tus hojas una sensación más natural y
expresiva. También puedes ajustar la opacidad o probar diferentes modos de
fusión para ayudar a que las venas se asienten suavemente dentro los colores y texturas
que ya has construido Tu tiempo con este paso. Es donde todo
empieza a unirse. Al terminar, observe cómo repetir el
mismo proceso simple a través de diferentes hojas crea una sensación de unidad en
su ilustración. Cada hoja es un poco diferente, pero todas pertenecen juntas porque usamos las mismas
técnicas en todo momento. Y recuerden, esta
etapa trata tanto de
exploración como
de técnicas. Confíe en sus elecciones, disfrute
del proceso creativo y no tenga miedo de hacer pequeños ajustes en el camino.
8. Detalles: cómo hacer que las hojas se destaquen: En esta etapa, nuestras hojas
ya se ven completas, pero me gustaría llevarlas un paso más allá y realmente
hacerlas estallar. Vamos a hacer eso
agregando reflejos y algunos detalles
de acabado
que aportarán más vitalidad e
interés visual a las hojas Para comenzar, agrega una nueva capa
y colócala entre tus capas existentes por encima la capa de textura y debajo de
la capa de veta detallada. Esta colocación permitirá que los reflejos se
mezclen muy bien con los colores mientras aún se sientan debajo de las líneas
que queremos mantener Ahora voy a probar un color
rojo muy brillante sobre las hojas. Lo que realmente estoy buscando aquí no
es solo el color en sí, sino cómo interactúa con
las capas debajo Así que voy a seguir adelante y explorar
diferentes modos de fusión. En este caso, el modo
de fusión de saturación funciona muy bien. Realza el color sin
sobrecargar la textura, y quiero que todo luzca brillante para darle reflejos Repita este paso en
todos los grupos foliares. Ten en cuenta que cada conjunto de hojas puede responder de manera
un poco diferente, especialmente si el
color base es más claro o más oscuro. Tómese un momento para probar
diferentes modos de fusión para cada grupo de capas y vea qué
funciona mejor para su pieza. A medida que pintas, apuntas a una pincelada
intencional estilizada, me gusta crear formas suaves, arcos, formas curvas y redondas Me gusta como todo
aparece y realmente cobra vida
con este paso agregado. Comenzarás a notar
cómo la sutil adición aporta más vida y
movimiento a las hojas. Ese es exactamente el efecto que
estamos buscando. Ahora para el toque final, agrega otra nueva capa y
conéctala como una máscara de recorte Para este paso, cambie a un cepillo más
pequeño y preciso. Estoy usando mi cepillo delineador, que es ideal para detalles limpios
sin textura. Vamos a dibujar a
lo largo de los bordes de cada hoja para crear un
sentido de dimensión. Casi como los bordes
están ligeramente elevados. Elige dos tonos de
un color similar, uno más claro, otro más oscuro, para dibujar estos bordes. Usa el tono más claro para resaltar partes
de los bordes donde luz podría golpear y el
tono más oscuro para agregar sombra sutil. Mientras dibujas, deja que tu línea se mueva en una suave ola para
imitar el
borde natural, ligeramente irregular de la hoja Evita hacerlo demasiado perfecto. Esas pequeñas variaciones
son las que lo hacen sentir realmente más
orgánico y vivo. Trabaje lentamente alrededor de cada hoja, agregando el
detalle suficiente para definir la forma sin
abrumarla. Este último paso realmente ayuda a
unir todo. Le da a tus hojas un aspecto acabado y pulido a la vez que
mantiene esa suave sensación
pictórica. Tómate un momento para dar un paso atrás
y mirar tu trabajo. Verás cómo estos
reflejos y bordes
refinados hacen que las hojas destaquen y se sientan
más dimensionales. Así que disfruta de esta etapa
de tu proyecto, dale a tus hojas de nenúfar
un bonito aspecto acabado. Y a continuación, quiero mostrarte cómo dibujamos las flores de
nenúfar. Te veré en la siguiente lección.
9. Dibujar el lirio de agua: forma y estructura: Estamos pasando a una de las partes más emocionantes
del proyecto, creando
las flores. En esta etapa, ahora que he establecido el
estilo general de esta pieza, me siento cómodo ajustando
mi boceto inicial. Me gustaría que las flores
siguieran
un poco más
de cerca la estructura del nenúfar real. Este es un gran momento para
recordarte que te mantengas flexible. Es completamente natural tu idea evolucione a medida que trabajas. Comencemos
dibujando
nuevamente la flor usando la
imagen de referencia como guía Comienza con el centro
del nenúfar, que tiene forma de lágrima A partir de ahí, dibuja los
pétalos a su alrededor. A medida que dibujas, observa cómo
los pétalos se sienten orgánicos, de forma
similar,
pero no idénticos. A medida que se extienden hacia afuera, cada pétalo se desplaza ligeramente
en tamaño y dirección. Me gusta dibujar pétalos
un poco más grandes debajo de los superiores. Esto ayuda a crear ese aspecto
en capas que es tan característico de las flores de
nenúfar. Cada pétalo tiene forma de lágrima
alargada, comenzando en la base de la flor y creciendo
alrededor. Un recordatorio amistoso,
siéntase libre de rastrear la imagen de referencia si le cuesta dibujar
desde la observación. Una vez que estés satisfecho
con tu boceto, comencemos a construir las formas. Crea una nueva capa para
el centro de la flor. Estoy usando mi pincel de lápiz y selecciono el blanco de
mi paleta de colores. Me gusta dibujar y sentir
la forma a mano. Mantiene el aspecto
suave y natural, y me encanta dibujar y colorear incluso estos
elementos básicos del objeto, tan divertidos y relajantes A continuación, crea otra capa por debajo del centro y comienza a
bloquear en los pétalos. En esta etapa, es útil
pensar en el futuro y
planificar tus capas. Intenta imaginar tu
harina como construida a partir de unas tres
capas de pétalos, apiladas una encima de la
otra debajo del centro. Esta es la capa inferior, así que recogí la mayoría de los pétalos grandes para establecer como
telón de fondo de la harina. Para hacerlo más fácil, puedes bajar la opacidad de
la capa en la que estás trabajando Esto permite ver
claramente lo que hay debajo y decidir dónde
colocar los siguientes pétalos. Agrega una nueva capa,
y a medida que dibujas, apunta a mantener los pétalos separados
visualmente. Pétalos que se asientan uno al lado del otro o tocan
ligeramente en la base
se pueden dibujar en la misma capa. Pero si un pétalo se superpone a otro, lo mejor es colocarlo
sobre una capa separada Este
enfoque de estratificación ayuda a evitar una apariencia plana o abarrotada y crea una sensación de profundidad y
estructura en la flor Tómate tu tiempo en este paso. Realmente se trata de organizar tus formas de una manera reflexiva. Y eso es todo. Para esta etapa, ahora tenemos la estructura principal del
nenúfar construida a partir de múltiples capas, el centro y los pétalos. Puedes volver a subir la opacidad
de tus capas, y en el siguiente paso, comenzaremos a agregar textura y color para darle vida a la
flor
10. Dibujar un lirio de agua: texturas y definición: En esta lección, quiero
mostrarte cómo crear más definición y
profundidad en tus flores. Entonces comencemos yendo a nuestras capas y configurando
cada una en Alpha loq Puedes hacer esto tocando
la capa y seleccionando el registro
alfa o deslizando hacia la
derecha con dos dedos A continuación, escojamos un pincel. Voy por un look pictórico más
expresivo, así que usaré mi cepillo para quemar en seco Tiene esas texturas secas ligeramente
rugosas que se sienten como un
verdadero pincel seco. Ahora escojamos un color. Me gustaría que mis flores
se sintieran calientes. Entonces estoy eligiendo
una de las naranjas
de mi paleta
en algún lugar del rango medio,
y usando un toque muy ligero, y usando un toque muy ligero, empiezo a cepillar el color
sobre los pétalos,
comenzando desde el centro de
la flor y moviéndose hacia afuera Trate
de dejar suficiente visible el blanco, sobre todo hacia los bordes. Este contraste ayudará a definir
la forma de cada pétalo. Repetiremos este mismo proceso en cada capa de pétalo,
trabajando suavemente, construyendo el color
lentamente y manteniendo ese degradado suave
de centro a borde. A medida que te mueves de una
capa a la siguiente, comenzarás a ver que
la estructura de la flor
pasa más claramente. Cada capa agrega un poco más de profundidad y riqueza a medida que creamos definición y agregamos textura
suave a la flor para
darle vida Ahora pasemos al
centro de la flor. Me gusta agregar color
principalmente alrededor la base mientras dejo
la parte superior más clara, por lo que destaca
contra los pétalos. En este punto, me gusta
profundizar un poco más el color. Voy a introducir otra capa de pincelada usando un
rosa más oscuro de la paleta Nuevamente, trabajando suave
e intencionalmente. Agrego este color principalmente
en la base de cada
pétalo y lo
mezclaré suavemente hacia afuera Estoy teniendo cuidado de no
cubrir completamente la naranja. Quiero que los dos colores
funcionen juntos. Al repetir este paso
a través de las capas de pétalos, piense en ello como
una acumulación de capas suaves de color. Piense en ello como agregar textura
suave. Use una ligera presión y permita que los colores se superpongan
de manera natural. Estos sutiles cambios
crean textura y le dan a la flor una sensación más dimensional,
viva y cálida. Ahora probemos una nueva técnica mezcla con la herramienta de difuminado Selecciona la herramienta de manchas
que es el ícono del dedo en el menú de la barra superior y elige el mismo pincel de quemado en seco que
hemos usado para pintar Esto ayudará a mantener la
textura consistente. Usa la herramienta para difuminar suavemente los
colores de cada pétalo Presta atención a tu dirección. Cuando mezclas desde
el centro hacia afuera, pondrás más color
hacia los bordes. Si mezclas desde
el exterior hacia adentro, suavizarás el color y revelarás más de los tonos más
claros Este
movimiento de ida y vuelta te ayuda a encontrar un equilibrio entre el
color y la luz. Ese equilibrio es
lo que crea profundidad y le da a los pétalos
un aspecto suave y natural. Asegúrate de usar un toque muy
ligero aquí. Queremos suavizar las transiciones
pero aún así mantener algo de esa
pincelada texturizada visible De veras me gustaría que te sintieras seguro con
esta técnica. Entonces, veamos el proceso
completo antes de pasar
al siguiente paso. Al trabajar en la capa superior, el centro de la flor, me gusta
ser un poco más intencional. Puedes usar este paso para
definir formas más pequeñas dentro
del centro
tirando suavemente de tonos más claros
entre los más oscuros. Puedes sugerir pequeños pétalos que apenas empiezan a abrirse. Voy a refinar la forma
agregando un toque más naranja, mezclándolo con el rosa, y cepillándolo suavemente
sobre las áreas más claras Así que tómate tu tiempo aquí
y disfruta del proceso. Aquí es donde tu flor
realmente empieza a cobrar vida. En las siguientes lecciones finales, te
mostraré cómo
entrar en más detalle con un pincel más pequeño
para crear
pétalos plegables y movimiento
en la flor.
11. Crear movimiento y vitalidad: Et's entra en más detalles y
da vida a esta flor. Voy a añadir una capa por encima los pétalos de flores y
ponerla en una máscara de recorte Este es un paso que repetiremos con todas las capas de flores a medida
que le agreguemos más vida. A continuación, escojamos un pincel. Escogí mi pincel de lápiz. Es súper versátil y tiene una textura granulada
incorporada Dibujemos los bordes
del pétalo de flor, así. Observe cómo comencé mi línea
cerca de la punta de los pétalos, luego continué dibujando dentro la forma del pétalo
con una línea ondulada. Entonces quiero marcar las líneas
en la superficie de los pétalos, así. Ahora, ya que estamos
usando un pincel de lápiz, podemos utilizarlo para
agregar texturas y profundidad. Como mencioné antes, es un pincel muy versátil, y por eso me
encanta y lo uso como una de mis primeras opciones a la hora de
elegir un pincel de dibujo. Podemos cambiar la presión
de nuestra mano para crear líneas
más gruesas y controlar la densidad de nuestra coloración
cuando añadimos sombreado Observa cómo dejé
unos pétalos de flores con solo un contorno de los bordes y otros que se
colorearon para
definir mejor su
dimensión y profundidad. Yo creé intencionalmente
esas variaciones en la coloración para lograr un aspecto más diverso e
interesante. Entonces comencemos dibujando esas
líneas paralelas pulcras a través de los pétalos, y luego haremos lo mismo con todos los
demás pétalos de esta capa. Dado que estos son los pétalos superiores, agregaremos la mayor cantidad de
detalles sobre ellos, y luego agregaremos menos
detalles en las capas de abajo. Entonces queremos que estos
pétalos superiores
destaquen más porque están alrededor
del centro de la harina. También puedo escoger el blanco
como mi color y ver lo bonito que se ve cuando
dibujamos las líneas blancas
sobre la flor coloreada. Además dibujar los bordes blancos
sobre los pétalos realmente los
hace destacar. Estoy tratando de mantener consistentes
los colores que uso para estos detalles, así que estoy alterando entre ellos. A veces incluso mezclaré dos
colores en el mismo
pétalo de flor como naranja y rosa
o un color con blanco. Ahora me gustaría
mostrarles una nueva técnica. Vamos a crear un pliegue en la
punta del pétalo de flor. Imagina la punta doblándose hacia
adentro hacia el
centro de la flor. Entonces, para hacer eso,
necesitamos dirigirnos a nuestras capas y liberar la máscara de bloqueo alfa
de la capa. Ahora eliminaremos o borraremos la punta del pétalo
y crearemos bordes redondeados. Recuerda, tenemos dos capas
por cada parte de la flor, una para los pétalos y otra para esos detalles dibujados a lápiz. Eliminé parte de
la capa base. Así que vamos a repetir este proceso
con la última capa de pétalos. Voy a quitar la máscara, luego borrar la punta del pétalo
para crear un acabado redondeado. A continuación, agregamos una capa para dibujar todos los detalles bonitos
en la parte superior y la usamos para dibujar la punta del pétalo plegada y agregamos esas líneas paralelas sobre ella
para agregar textura a nuestro pétalo. Esta es una etapa muy divertida. Se puede jugar un experimento. Por ejemplo, puede agregar un tono suave
al pétalo inferior luego mezclarlo suavemente con una herramienta de manchas para crear una transición
suave A partir de ahí, puedes volver y agregar un poco de definición
a lo largo de los bordes. A medida que trabajas,
poco a poco vas dando vida a
cada pétalo. Muévete por todas las capas
que creaste para la flor, agregando sutiles cambios
de color y detalle, para que los pétalos sientan
que se doblan y
captan la luz. Intenta hacer pequeñas variaciones
de un pétalo al siguiente. Esto ayuda a que la flor se sienta más natural y
llena de movimiento. Un
tono ligeramente diferente, una mezcla más suave o un borde más afilado pueden marcar una gran diferencia.
Tómate tu tiempo. Aquí es donde tu flor
realmente se junta y comienza a sentirse
vibrante y viva.
12. Toques finales al centro de la flor: Ahora, centrémonos en
el centro de la flor. Esta es la
parte más detallada y llamativa de la flor. Tómate un momento para ver
tu imagen de referencia. Me gusta mantenerlo
visible en mi lienzo para poder verlo mientras trabajo. Es una excelente manera de mantenerse inspirado y guiar
sus decisiones. Para comenzar, agrega una nueva capa
por encima del centro de la flor. Esta será tu capa de detalle. Usando el pincel lápiz, empieza a refinar lo
que ya tienes. En esta etapa, no estamos
agregando formas completamente nuevas. Estamos potenciando y definiendo las formas de pétalos que ya
están ahí. Me gusta enfocarme en esos pequeños pétalos cerrados que se sientan en el
centro de la flor. Debido a que ya hemos
creado una transición suave del blanco en la parte superior a los tonos
más oscuros en la base, este paso se vuelve mucho más sencillo. Todo lo que tengo que hacer es
definirlos con mis líneas de lápiz. Ahora vamos a traer
algo de color más brillante. Echa un vistazo a la imagen de
referencia. Notarás esas
hermosas naranjas y rojos en las zonas donde los
pétalos han comenzado a abrirse Esta es una gran oportunidad
para hacer que el centro se sienta vibrante y
aún más expresivo. Comienza agregando esos
tonos cálidos a tu centro de flores. Suavamente lápiz en el color. Luego usa la herramienta de manchas
para
ablandarla y mezclarla para que se sienta integrada
con las capas debajo Una vez que tengas esa base, vuelve
a entrar con un naranja más claro y comienza a agregar definitian Úsalo para sugerir los
pétalos cerrados más pequeños en el centro, manteniendo tu trazo
suave y controlado. Entonces podemos cambiar al blanco para
refinar aún más esos detalles. Agregar blancos en la parte superior
ayuda a que esas formas diminutas se
destaquen y le da al
centro luz y claridad. Realmente me encanta este paso. Con solo cambiar
entre esos colores, puedes crear un
hermoso contraste y hacer que el centro se sienta rico, detallado y lleno de vida. A continuación, agreguemos una nueva capa
por encima del centro de la flor. Esta vez, no
usaremos una máscara de recorte. Queremos la libertad de dibujar
más allá de las formas existentes. Y como nuestras manos ya
son cálidas, podemos permitirnos
ponernos realmente juguetones y
creativos a medida que dibujamos los
toques finales en nuestro proyecto. Comienza eligiendo
el rosa oscuro de tu paleta y
dibuja ligeramente pequeñas formas ovaladas. Estos representan los estambres, donde está el polen,
y agregarán detalles divertidos y
juguetones al centro A partir de aquí, me gustaría que se aflojaran un poco y
dibujaran más libremente Esta es una etapa más intuitiva. Menos sobre seguir exactamente la
referencia y más sobre responder
a lo que sientes, lo que ves y a lo que sientes que quieres agregar
a tu dibujo. Puedes sugerir suavemente
algunos pétalos más abiertos dibujando contornos suaves
alrededor del centro También podrías refinar la forma general del centro de
la flor, solo
ajustándolo ligeramente a medida que avanzas. Usa ligeros toques rápidos. Estos no necesitan ser
perfectos o uniformes. Estás construyendo
textura y movimiento, dejando que el ojo
llene el resto. Después vuelve a entrar y agrega más pequeños puntos y marcas
para sugerir el polen. Es una etapa lúdica donde
todo se junta. ¿Crees que es suficiente o deberíamos agregar más a la harina? A la carne se siente que tiene
todo funcionando ahora. Me gusta cómo se
ven juntos
los pétalos y el centro detallado. Espero que disfrutes dibujando la flor de nenúfar
junto conmigo. A continuación, usaremos
esta flor para crear la segunda flor
y terminar nuestro proyecto.
13. Duplicación y ajuste de colores: En esta lección, ampliaremos
nuestra composición creando una segunda flor y asegurándonos de que se sienta similar
pero no idéntica. Pero primero,
arreglemos nuestras capas. Comienza por organizar
tus capas de flores. Me gusta
agrupar primero todas las capas centrales de las
flores, y luego crear un grupo principal que incluya toda la harina. Esto ayuda a mantener todo
limpio y fácil de administrar. También puedes eliminar cualquier capa que ya no necesites para
dejar espacio para más. Algunos dispositivos tienen un número
limitado de capas, por lo que es un buen hábito
mantener las cosas organizadas. También puedes aplanar tus grupos de capas foliares si
necesitas liberar espacio Ahora vamos a duplicar
el grupo de flores para crear nuestra segunda flor. Y con el
grupo duplicado seleccionado, usa esa herramienta de transformación
y voltearla horizontalmente. Muévelo a su lugar junto
a su primera flor y comience a pensar en cómo
encaja en su composición. Para que esta segunda flor
se sienta un poco diferente, cambie su configuración
de transformación de uniforme a forma libre Esto le permite ajustar la altura y el ancho de
forma independiente. Entonces comencemos seleccionando el centro de la flor y
usando la forma libre, puedes hacerla un poco más corta o ajustar sus proporciones. Incluso pequeños cambios pueden marcar una diferencia
notable porque nuestros ojos están muy
entrenados para reconocer patrones. Entonces, si algo es
exactamente como el otro, el ojo lo
reconocerá de inmediato. Quieres hacer
estos pequeños cambios. A continuación, volvamos
a tus capas y comencemos a fusionar
partes de la harina Para fusionar, solo puede elegir del menú
desplegable y fusionar capas o pellizcar cada capa de pétalo con
su capa detallada, para fusionar capas juntas. Entonces cada sección se convierte en
una sola capa. Ahora usando esa herramienta de
transformación, nuevamente, ajusta
suavemente cada una de estas capas de
pétalos una a la vez. Entonces estamos haciendo cambios ligeramente
diferentes. Podrías estirar uno ligeramente, comprimir otro o desplazar
su ángulo un poco. Y al hacer pequeñas
variaciones a través de las capas, crearás una flor que
se siente relacionada con la primera, pero que sigue siendo única. Si no quieres
fusionar capas, pero quieres conservar el recuento de
capas que tienes aquí, puedes simplemente seguir adelante y duplicar
todo el documento y dejar intacto el que tiene todo el trabajo anterior
con las capas, y en el nuevo documento, puedes
fusionar tus capas. Eso es sólo otra
cosa que puedes hacer. Para el paso final, es posible que desee ajustar el
color de la segunda flor. Si tu dispositivo
lo permite puedes duplicar el grupo primero para
guardarlo como respaldo, luego aplanar el grupo en
una sola capa de flores Este es el paso importante
antes de ajustar el color. Ve al menú de ajustes y selecciona el brillo de saturación y empieza a jugar con el deslizador u para explorar
diferentes opciones de color. Entonces puedes aumentar
la saturación para que los colores sean más vibrantes y ajustar
el brillo hasta que te guste el
color que ves. Apunta a una variación sutil pero
notable. Lo suficiente para hacer que la
segunda flor sea distinta sin
dejar de encajar maravillosamente dentro de su paleta de colores. En la siguiente lección, reuniremos todo con toques finales.
14. Añadir dimensión con los toques finales: Ya casi terminamos.
Para este último paso, agregaremos un poco más de profundidad para unir toda la
ilustración. Comienza creando una nueva capa y colócala en la parte inferior de la pila de tu capa justo encima de
la capa de agua de fondo. Esta será tu
capa de sombreado para el estanque. Ahora cambia a un cepillo ancho y suave. Voy a usar tal vez ola de
mis sueños o voy a
elegir mi cepillo de jellybean Es ideal para un sombreado suave y
difuso. Elija el verde oscuro de la
paleta de colores de su clase y comience a pintar debajo de las hojas
más grandes de lirio de agua. El objetivo aquí es
separar suavemente las hojas del agua y crear
la sensación de que están
flotando ligeramente por encima de ella. Estamos creando sombras que
ayudarán a que la sensación de profundidad en el agua use trazos suaves y sueltos y construya el sombreado gradualmente A continuación, ayudemos a que estas sombras mezclen de forma más natural
en el agua. Prueba a experimentar con
diferentes modos de fusión. Encuentro que oscurecer
funciona muy bien aquí. Ayuda a que las sombras se integren suavemente con los
colores que hay debajo. Una vez que hayas elegido
tu modo de fusión, continúa refinando el sombreado, colorea, agregando profundidad suave
debajo de las hojas y flores Puedes agregar un poco
más de sombra debajo las flores pero mantenerlas sutiles Me gusta colocar la sombra
ligeramente por debajo y desplazarla
hacia un lado en lugar de
delinear toda la forma No quieres
hacer el delineamiento. Así que colorea ligeramente
por debajo y a un lado. Esto mantiene un efecto natural, haciendo que todos los elementos parezcan
flotar sobre el estanque. Para un toque final, reduce el tamaño de tu
pincel y úsalo para dibujar tallos con unas
líneas suaves debajo de las hojas. Así es como sugeriremos
tallos que están bajo el agua porque estas plantas tienen raíces que están en el fondo
del estanque, ¿verdad? Mantenga estas líneas suaves
y ligeramente curvadas. Añaden una sutil
sensación de movimiento y ayudan a conectar los elementos
en tu composición. Tómate un momento para dar un paso atrás
y mirar tu trabajo. Esta pequeña adición reúne todo,
agregando profundidad, anclando los elementos, agregan movimiento y una
sensación de acabado a tu ilustración. Hermosa obra dará vida a toda
tu escena.
15. Reflexiones finales: Enhorabuena. Ya
terminaste la clase, y muchas gracias
por dibujar conmigo. Espero que hayas disfrutado ilustrando tu estanque de nenúfares
tanto como yo disfruté
guiándote a través de él. Exploraste paletas de colores,
construiste tu composición y diste vida a tu escena usando texturas y pinceladas En el camino, practicaste técnicas
simples y repetibles
como trabajar en capas, usar máscaras y construir
profundidad a través de la variación de color Todas estas son habilidades
que puedes llevar a futuras escenas botánicas
y proyectos de paisaje. Recuerda, cuanto más practiques, más confianza
te volverás. Así que mantente curioso, sigue jugando y sigue haciendo tuyas estas
técnicas. Me encantaría ver
nuestro proyecto final, así que asegúrate de compartirlo
en la galería de la clase. Disfruto aprendiendo cómo
interpretas el proyecto a tu manera única. Si disfrutas de esta clase, realmente te
agradecería que dejaras una breve reseña. Me ayuda a mejorar y también ayuda a otros alumnos a
descubrir la clase. Gracias de nuevo por estar aquí, feliz creando, y nos
vemos en la siguiente
clase. Adiós por ahora.
Yifat Fishman, Artist & Illustrator
