Errores en el diseño de personajes [y cómo solucionarlos]

1. Acerca de la clase: Hola chicos y bienvenidos a mi clase sobre errores de diseño de personajes. En esta clase, aprenderás los errores más comunes que los principiantes harán en su diseño de personajes, así como algunos consejos y trucos de cómo superarlos. Durante este tips y trucos, verás cómo tomo un viejo dibujo mío y lo mejoraré usando los consejos que te enseño. Pero antes de saltar a los tips, te mostraré mis versiones anteriores gratuitas del mismo personaje, lo que salió mal cada vez. Esto te ayudará a analizar tu propia obra de arte y a ver qué no hacías entonces, pero podrías hacer. Ahora. Puedes ver este tutorial y dibujar junto a mí o puedes verlo primero, entender lo que estoy haciendo y luego aplicar por ti mismo. Sea cual sea la forma que elijas, definitivamente te recomiendo que lo pruebes tú mismo para que realmente experimentes lo que te estoy mostrando. Cuanto más intentes hacerlo por tu cuenta, mejor obtendrás todos los días. Ahora, asegúrate de quedarte hasta el final porque ahí estará la mayoría de las gemas. Ahora para su asignación, me gustaría que nos mostraran en este momento en la sección de proyectos qué dibujo viejo tuyo quieres mejorar y luego presentar un proyecto diferente con el nuevo dibujo. Es importante que antes de pasar a la siguiente lección, te detengas y busques una obra de arte antigua que quieras mejorar, presentarte y comprometerte a tratar de traerle una mejora. También agradecería mucho si me sigues en Skillshare ya que estoy publicando mensualmente extensos tutoriales sobre arte digital y procreate. Entonces si no quieres perderte nada, clic en el botón seguir. También me gustaría estar más activo con mis seguidores y mostrarles algunas tomas de progreso a los siguientes tutoriales. Discuta contigo de qué va a tratar el próximo y así sucesivamente. Ahora mismo, solo estoy haciendo eso en mi Instagram. Entonces si quieres seguirme, este es mi mango. Los veo chicos en la primera lección, pero sólo después de que publiquen su dibujo en la sección de proyectos. Nos vemos chicos. 2. Errores comunes: Hey chicos y bienvenidos a la primera parte de esta clase donde les daré algún contexto sobre cómo llegué a aprender de mis errores cada año redibujando el mismo personaje. Para aquellos de ustedes que no me conocen. Obtuve mi primera tableta gráfica con una pantalla, a saber, el iPad Pro con el 10.5 en pantalla atrás en 2018. También tengo esta tableta de Groenlandia años antes, pero nunca sentí realmente arte digital, verdad. Por lo que invertir en un iPad Pro fue un gran paso para mí y me importó que mi dinero fuera a desperdiciar. Corta historia, sin embargo, que el iPad Pro fue las mejores inversiones que pude hacer en mi viaje artístico. Resolví seguir dibujando y traté de mejorar con cada nuevo dibujo que hice. Y para hacerlo rápido, utilicé uno de los bocetos que tenía en un cuaderno, tomé una foto de él, y lo usé como base para mi primer dibujo en mi iPad. Se puede ver ese primer dibujo en la parte superior derecha del lienzo. Ahora veamos qué pasa con mi primer intento de ilustración digital. Se puede ver que el fuego que hice en Procreate es extremadamente borroso y apenas se siente como fuego real. Es una especie de intensidad de lino y la solución es ir por líneas más nítidas y forma más dinámica. Ahora, como mi personaje sostiene fuego en su mano, eso significa que esta es la principal fuente de luz de la ilustración, lo que significa que todas mis sombras deben estar del lado derecho de la ilustración. Pero en este caso mis sombras difícilmente se pueden ver. Y aunque tuve la intuición de hacer la luz de naranja sutil en su ropa y piel. Dado que mis sombras apenas son visibles, tampoco están apareciendo las luces. Este es un gran signo de principiante porque muestra que no tenía confianza en mis sombras. Entonces sin darme cuenta los hice lo más sutiles posible. Pero entonces artista experimentado sabe que si quieres algo que llame la atención del espectador, necesitas el contraste que esta ilustración carece seriamente. Ahora echemos otro vistazo a la fuente de luz. Dado que la mano está tan cerca del fuego, debe ser aquella donde la luz reflejada del fuego debe ser la más visible. Pero mi naranja apenas es visible en la piel ya que tanto la piel la luz naranja son colores realmente claros y no hay un color más oscuro para ayudarlos a ser perceptibles. Ahora en cuanto a los errores de anatomía, el que más aparece, para mí, al menos, es el rostro, que es demasiado pequeño en comparación con su cabeza. También hay otros errores, como el torso, el área torácica D sobre proporciones corporales viejas. Si seguirás dibujando año con año, la misma ilustración, empezarás a ver más errores y a actuar sobre ellos. Otra vez. Este es otro ejemplo de ningún contraste. El cabello que cae sobre su espalda difícilmente tiene forma de construirlo. Por lo que debería ser mucho más oscuro de lo que está por aquí. También hay muchas áreas similares como la parte posterior de su falda. Hablando de la parte posterior de la falda, esta es una muestra de demasiada mezcla y sin textura utilizada. Algo branquias en las que debería enfocarme en el futuro. Ahora pasemos a mi representación del personaje un año más tarde. La versión 2019 me hizo realmente orgulloso ya que tenía un personaje más maduro, unas fotos más dinámicas, y la llama más dinámica. entonces, también aprendí a usar más colores en mis sombras y añadirles un poco más de contraste. Entonces veamos dónde están los errores. El primer error aquí es que no entendía cómo usar las temperaturas en una ilustración y todo estaba demasiado saturado. Saturado significa que los colores son demasiado brillantes y no hay contraste en la temperatura con colores más desaturados o apagados. Cuando hagas algo así, los ojos del espectador comenzarán a doler. Ahora también dije que tengo más contraste, pero aún no lo suficiente en algunas áreas, como se puede ver aquí. La anatomía tampoco es puntual en todos los aspectos y la nariz se ve realmente rara. ¿ Al igual que en qué estaba pensando aquí? Las cejas también son demasiado delgadas. Son como una línea. Este no es necesariamente un error, depende de tu estilo. Pero tener líneas en un solo color iba en contra de lo que intentaba lograr. Ahora para la última ilustración, la versión 2020 se hizo cuando abro mi cuenta binomial de Kofi. Y quería celebrar eso, cierto o dibujar esto en tu desafío de estilo en Instagram. Por lo que se me cayó el fuego y elegí algo de ropa más casual. Una vez más, mi personaje tiene una camisa. El rostro se ve mejor, la anatomía es en general mejor. Veamos dónde están los errores. Quería mencionar que tomé el espacio de cabeza para cambiar la forma en que estaba dibujando las cejas. Y probablemente los cambiaré de nuevo para el próximo año porque no estoy del todo contento con ellos. Ahora todavía no tenemos sombras por todas partes, como en la parte superior de la cabeza donde se supone que están las raíces. También sigo careciendo de textura en la ropa y tendré que enfocarme en eso. Otra vez en el riel sin suficientes sombras debajo de la barbilla. Y la sombra en realidad está mal en el hombro es que no respeta la fuente de luz. El mano en la copa tampoco arroja sombras, lo que se traduce como no tener suficiente peso. Y de eso se trata por los errores del pasado. Te veré en la siguiente parte de la clase donde empezaremos a discutir tips. Nos vemos chicos. 3. Planificar antes: Bienvenido de nuevo al cristal error de diseño del personaje. Entonces repasamos algunos errores comunes e ilustración de personajes. Ahora es el momento del libro de primer día, este vaso y eso es planear por delante. Planear te ahorrará mucho tiempo y esfuerzo. Si no tienes idea de qué presumir dibujar, guarda algunas referencias en Pinterest. Si no sabes dibujar manos, toma una foto de tu mano en la posición que desees en dibujarla. Y eso es exactamente lo que hicieron por éste. Debes tener un concepto claro en mente cuando empieces a crecer. ¿ Al igual que quién es el personaje? Ya sea Beeline, qué mina grapada, ellos nunca más, ¿cuál es su historia? De qué intentas mostrar y demás. Estas son todas las cosas en las que debes pensar. En primer lugar, no olvides pensar en los colores que quieres usar y hacer un boceto áspero de eso y ver cómo se ve. Sun, hablaremos más de forma y estructura y cómo usarlas en un diseño de personajes. 4. Forma y estructura: Bienvenido de nuevo a la clase de errores de diseño de personajes. En esta lección, hablaremos más de forma y estructura, y les mostraré el progreso de mi ilustración. Entonces hablemos de forma y estructura. todos modos, ¿qué significan estos términos? Cuando se trata de forma, todos sabemos que hay tres formas que son la base de cualquier diseño. Círculos, cuadrados y triángulos. Y cada uno de ellos significa algo más. Por ejemplo, usar formas redondas sugiere que sugieren una naturaleza lúdica y tal vez inocencia infantil. Si los usas para dibujar bebés o ajustes, cuadrados son más masculinos y se pueden usar para dibujar torsos realmente voluminosos para los hombres, por ejemplo, los triángulos reflejan peligro. Se pueden utilizar para dibujar cláusula, espiga, lanzas, etcétera. Pero cada vez que creas personajes, no usas una sola forma. Utilizas una tez de este árbol. Lo que es importante, sin embargo, es tener una forma principal que se quiere ser visible. En mi caso, el pelo de mi personaje es todo fuego. Y eso debería parecer imponente y peligroso. De ahí que traté de usar tantas formas derivadas de triángulos como sea posible. Una forma secundaria en mi diseño es el círculo, ya que mi personaje en realidad es muy femenino y su cuerpo es curvilíneo. Dependiendo de lo que se supone que muestre tu ilustración, puedes usar diferentes formas para enfatizar una parte específica de la ilustración. Por ejemplo, en mi versión 2020 de este personaje, donde ella no tenía fuego, utilicé mayormente formas redondas para mostrar feminidad e inocencia. Y ahora queremos mostrar más de sitio dinámico rebaño. También puedes usar formas, pose del personaje con el fin de contribuir a la personalidad del personaje o a la composición de tu ilustración. Y hablando se opone a eso, crea los dos últimos. Otro aspecto importante de tu ilustración, la legibilidad de los posts. Trató de hacer tu post es claro para leer lo más posible. Nada haciendo enredado ni profundidad y confundir a tu público. Un buen post necesita una buena silueta. Fácil de reconocer si uno sin ver ningún detalle. Y para bien ambos, necesitas una buena línea de acción en tu dibujo. El línea de acción es la línea más larga de tu post hace la que llame tu atención. En mi caso de ilustraciones, comienza desde la parte superior del pelo de fuego y baja hasta la cara, el pecho, y continua con el brazo que está sosteniendo el fuego. En caso de que no tomaras notas. Recapitulemos. El primer paso que debes dominar es tu comprensión de las formas y lo que sugieren. Exagera tus formas y una grande dominante para tu personaje. El segundo paso es la pose, donde también puedes hacer uso de tus formas para enviar el mensaje sobre el personaje. Usa siluetas claras para tus poses para que la legibilidad que tu ilustración venga fácil para tu espectador. El tercer y último paso es tener una línea de acción clara. Se trata de una gran herramienta narrativa que puede dar a luz la historia de tu ilustración. Sin mencionar que tu personaje se verá mucho más dinámico si te concentras dándole una línea de acción. Te dejaré ver el resto de mi proceso de escala de grises donde marqué las sombras básicas creadas por mis fuentes de luz sobre mi personaje. Sin pensar demasiado en los colores, véalo. Os veo chicos en la siguiente lección. Está bien. Y así sucesivamente. Está bien. Está bien. Hola. Está bien. 5. elección de colores: Bienvenido de nuevo a mi clase. En esta lección, vamos a retomar justo donde lo dejamos y tenemos nuestra escala de grises volteada a una piedra rosada, lo que nos ayudará a tener una base natural para nuestros colores. Lo que vamos a hacer a continuación es poner nuestros colores por encima la base rosa usando Multiply o overlay layers. ¿ Por qué necesitamos la base rosa en lugar de simplemente llenar todo de color? el tiempo, me he dado cuenta de que tener un ancho base sombras suaves acelera mucho el proceso. En lugar de hacer diferentes capas para cada color y ajustarlas hasta que sus temperaturas coincidan entre sí. Tener un color base de un tono rosado o tono rojizo es similar a la forma en que los Antiguos Maestros estaban vidriando sus pinturas antes de empezar a agregar el detalle. El tono rojo también actúa como el blog debajo de la piel y mezcla tus colores se ven fangosos después. Dicho esto, esta lección es sobre las opciones de color y ayúdales a hacer las correctas para tu ilustración. Elegir los colores adecuados para el diseño de tu personaje puede hacer o romperlo por completo. Hay algunas cosas que debes saber sobre la psicología de los colores para saber cómo quieres que se defina tu personaje. El aliento es para el amor apasionado y la ira. Naranjas para la energía, la felicidad y la vitalidad. El amarillo es para la felicidad. Esperanza sentar. Verde para nuevos inicios de naturaleza sin límites. Azul para la calma, la tristeza responsable. Púrpura para el mundo de la creatividad. La soldadura. El negro es para el misterio, la elegancia y el mal. Levantado para mover la informalidad conservadora. Ahora, al usar colores para tus personajes, también debes tener en cuenta lo bien que van juntos. Para hacer eso, puedes usar colores de cortesía, por lo que los colores que están opuestos uno del otro en la rueda de color. O puedes usar los colores socráticos. Entonces esos colores que están formando el triángulo en la rueda de color. Estas son las combinaciones de colores más utilizadas cuando se trata de diseño de personajes. Pero, ¿cómo sabes cuántos colores debes usar para que el diseño no se vuelva demasiado duro a la vista? Una regla general es usar libre a cuatro paradas de colores. Preferiblemente, uno de ellos debe ser un no-color, negro o blanco, o algo neutro. Si quieres intensificar aún más tu juego, puedes intentar equilibrar tus colores en una división de 80, 20. Significa que el 80 por ciento del diseño del personaje debe basarse en un color y el 20 por ciento en un color de acento, que dibujaremos más la mirada del espectador a ese color. Digamos que es una joya especial u otros accesorios que el pelo o el hielo del personaje de Manchester. Por último, otro equilibrio que debes tener en mente es usar colores cálidos contra los colores fríos. Los colores cálidos son amarillo, naranja, rojo, y los colores fríos son morado, azul y verde. Y por supuesto, cualquier variación de los mismos. Entonces si tienes una fuente de luz cálida como el sol o una llama, puedes crear contraste usando colores fríos en tus sombras. Esto funcionará increíble en tu arte. Esto es todo por ahora. Te dejaré ver el resto del proceso y te veré en la siguiente lección donde discutiremos sobre el contraste. ¿ De acuerdo? Está bien. Hola. Y así sucesivamente. Está bien. Hola. Está bien. ¿ Y por qué? Está bien. Y luego impactar. Hola. Buenos días. Está bien. Estamos de vuelta. A bien. Está bien. Y ¿Ypor qué? ¿Renovables? 6. Contraste: Bienvenido de nuevo al diseño de personajes y estados en esta lección hablaremos un poco de contraste y por qué es tan importante para tu obra de arte. Como puedes ver en este video, empiezo agregando tonos más oscuros a mi fondo y lo estoy haciendo para que el tobogán de fuego sea aún más brillante. Es muy importante que tu arte en general tenga la cantidad adecuada de contraste. Cuando sientes que tu ilustración no va a ningún lado o la muerte no se siente lo suficientemente bien. Intenta oscurecer tus oscuros y iluminar tus luces. Siempre tenga en cuenta dónde sus fuentes de luz y solo haga esta consulta. Ustedes son oscuros estar en su más oscuro y sus luces en su más brillante. Por ejemplo, se puede trabajar en profundizar las sombras en el fondo y algunas sombras específicas en la cara y el cuerpo. Se puede profundizar la sombra en el cuello y las sombras alrededor del cabello. El de al lado en morir en el cuerpo. Se pueden profundizar las sombras según el Bose que están dibujando, en mi caso, eso está debajo del brazo que está sosteniendo la llama y toda la parte inferior del cuerpo. Porque esas son salidas donde el deleite no llegará tan fácilmente. De igual manera, pueden hacer un recuento las cotizaciones que lleva puesto tu personaje y donde podría haber sombras, la muerte necesita aprendizaje profundo. Aparte de eso, lo que puedes hacer cuando se trata de sombras es alternar entre líneas suaves y líneas duras. Eso significa que no todas tus sombras deben tener una mezcla suave o tendrá un extraño look aerografiado. En su lugar, intenta usar líneas duras usando tu cepillo redondo en varios lugares. Todas estas cosas que he mencionado hasta ahora se pueden aplicar a la luz también. Ten en cuenta que siempre puedes usar modos de fusión para sacar el máximo partido a tus sombras. Y las luces. Asegúrate de que no exageres las luces son tu obra de arte se volverá demasiado saturada bastante rápido. Similar a una de mis versiones anteriores. Como han visto en la primera lección. Eso es todo por esta lección, sumaré para terminar de ver el lapso de tiempo, y te veré en la siguiente lección donde te mostraré mis formas favoritas de hacer que la obra luzca mejor. Algunos toques finales si tú, Nos vemos pronto. Está bien. Está bien. Estamos de vuelta. Cuales son ciertas. Está bien. Estamos de vuelta. Hola. Está bien. Está bien. Hola. Perdón. Está bien. Está bien. Hola. 7. Haz que salga: Hey chicos y bienvenidos a la última lección de esta clase. En esta lección, te mostraré algunos de mis trucos de definición favoritos para hacer aún más tu arte. En esta lección, no te diré lo que estoy haciendo es seguir agregando cada vez más detalles. En primer lugar, estoy ajustando el contraste a algunos más. Así que lo hice después de las palabras como algunos destellos mágicos. Está bien. Para hacer eso, necesitas el pincel que tenga múltiples puntos pequeños y lo destellen en diversos lugares. Estoy usando el de restaurantes juego de pinceles esenciales, pero puedes usar cualquier tipo de aplastamiento similar. Usa un color claro para esto en una capa separada. Esa capa para agregar el modo para que este parque se cierre. Si también quieres el efecto de resplandor, puedes duplicar la capa y usar un sutil desenfoque guassiano en la capa inferior. Si usas demasiado desenfoque, difícilmente se verá. Por lo que sólo un poquito es necesario. Después. Si tienes ganas de tener dos capas en el modo Añadir están haciendo llegar a sobornar, ajusta la opacidad de las capas de Bonneville como más te convenga. A continuación, vamos a jugar con gradientes. Necesitamos tener todo en una capa para esto, que vamos a duplicar porque los gradientes cambian los colores por completo en tu capa. Y eso no queremos. Solo queremos tener un tinte que provenga de la capa de gradiente. Entonces, después de jugar con las opciones de degradado y elegir una que más te guste, mantén esta capa por encima de tu capa de ilustración. Y seguiremos ajustando la opacidad de la capa de gradientes o el modo de mezcla. Y puedes borrar partes de ella que no te gustan con un aerógrafo. Hay tantas cosas que puedes hacer, incluyendo tener múltiples capas de gradiente seleccionar diferentes colores, y solo mantener la mitad de h por ejemplo. Otra cosa que puedes hacer es desenfocar algunas de tus líneas y ese movimiento a tu BSW. Elige con la herramienta de lazo algunas líneas que no quieras ser tan nítidas, y luego ve a tu menú y elige desenfocar. Después arrastra tu diapositiva ahí en la dirección en la que quieras que los movimientos sean M. Puedes subir y bajar de lado donde quieras. Este efecto añade una sensación de profundidad a tu ilustración. Nuestro próximo Crick está agregando aberración cromática en unos pocos lugares por intereses visuales. Con todas las opciones de ajuste que da Procreate, puede optar por aplicarlas a toda la capa. O elige un lápiz y pasa a las áreas específicas donde quieres aplicar ese ajuste específico. Normalmente uso un cepillo suave al aplicar estos ajustes. A mí me gusta usar este ajuste para crear más cosas. Iglesia. Utilizo semitono en partes específicas de mi ilustración. Manera. Q aberración cromática. Y este ajuste suele verse mejor en la ropa o en el fondo, pero úsalo como más te guste. Un buen truco que aprendí que funciona de maravilla cuando también quieres traer tu arte es agregar el ruido subdural a toda tu ilustración. Tan capa entera de dos años, justo lo suficiente para que se vea mate aquí, una en tu pantalla. Ahora es el momento de agregar un poco de jugo a nuestra ilustración y agregar algunos aspectos destacados bonitos. Cada audiencia ahí. A mí me gusta añadirlos a los ojos, nariz, y labios, además de hacer una luz de borde en el costado de la cara, los hombros en las manos. Por supuesto, esto depende mucho del dibujo de la postal, pero estos son generalmente el blaze es donde pongo los reflejos así como el cabello. Pero en este caso el pelo del personaje son fuegos, por lo que no tendría ningún sentido. Por último, realizarás algunos ajustes de color hasta que construyas bien sobre el resultado. El proceso es experimental, así que no tengas miedo de probar cosas nuevas. Y eso fue todo para esta lección. Espero que realmente hayas disfrutado de eso. No olvides redibujar uno de tus dibujos más antiguos a ciegas. De lo que aprenderás en esta clase y lo presentarás, el paso del proyecto. Ojalá ya presentaras tu viejo el dibujo en el sello del proyecto. Y el ahora solo tienes que redibujar uno de tus más viejos. Y ahora sólo hay que redibujarlo. Lanzaré una nueva clase el próximo mes, así que por favor no olvides seguirme en Skillshare para más actualizaciones. Hasta entonces, tengan una mamá increíble chicos y sigan practicando. Nos vemos. Hola.