El valor de lo monocromático: pintar una imagen de naturaleza muerta en acuarela con un solo color

1. Introducción: ¿ Estás buscando una práctica de arte que te ayude a mejorar tus habilidades mientras creas una elegante pieza de arte, únete a mí la estoy trayendo de vuelta a lo básico en el valor del monocromo; pinta un bodegón con solo un color. Soy Jill Gustavis una artista en la frontera de Nueva York, Massachusetts. Mi viaje monocromático comenzó de nuevo cuando era niño y me encantaba bosquejar en tinta y grafito. Desde entonces, ese amor se ha desangrado en mi trabajo de acuarela también. Mi trabajo monocromático ha sido para uso comercial, seleccionado para exposiciones, e ingresado en colecciones personales. En esta clase, te ayudaré a incorporar el valioso proceso monocromático a tu propia práctica artística. Los estudios y pinturas monocromáticas son un proceso valioso para agregar en cualquier práctica artística dándote una plataforma para enfocarte en habilidades como la composición y el valor sin color para distraerte. Además de usar materiales mínimos, obras de arte de un solo color que no tienen que ser solo en blanco y negro, también son una adición diversa e interesante a tu portafolio de arte. Al final de la clase, comprenderás el comportamiento de la pintura, las habilidades esenciales de acuarelas, las características comunes de las pinturas monocromáticas exitosas e incluso consejos personales sobre el arreglo de la naturaleza muerta y tomar fotos de referencia. Para el proyecto de clase, utilizaremos los procesos en las lecciones para crear y pintar un bodegón usando tu pintura de un color elegido. Al igual que mis clases anteriores, creo que aquí hay un poco para todos los niveles de experiencia pero las lecciones de técnicas esenciales están dirigidas para principiantes y como ejercicio de exploración de color. Sin embargo, las lecciones están claramente etiquetadas, así que siéntete libre de dar vueltas o volver a una lección favorita por el camino. Conoce si debes disfrutar del minimalismo, el enfoque en la técnica, o simplemente la simple elegancia de la misma. Espero que también descubras el valor del monocromo. ¿ Estás listo para sumergirte? Te veré en la primera lección. 2. Proyecto de la clase: Ahora puedes aplicar pintura monocromática a cualquier tema pero en esta clase, vamos a estar pintando un bodegón monocromático. naturalezas muertas son un gran lugar para empezar cuando estás aplicando una nueva habilidad. Son de fácil acceso y hay muchas opciones a la hora de elegir objetos, estilos y composiciones. Te sugiero elegir temas a tu bodegón que te interesen. Esto te ayudará a mantenerte invertido en aprender las habilidades técnicas y crear una composición verdaderamente única para ti. No te sientas presionado para usar cosas que me ves usando o para usar objetos que crees que deberían estar en una buena naturaleza muerta. Simplemente usa objetos que te hablen. Hay aún más consejos al respecto cuando llegues a la lección sobre temas monocromáticos. No tengas miedo de empezar de nuevo o probarlo un par de veces. Escogiste el color equivocado, tal vez no puedas levantar la pintura y todo resultó demasiado oscuro, no te preocupes. Encuentro que obtengo mejores resultados más rápido en un segundo intento, lugar de pasar mi tiempo alborotando por una pieza fallida. En esta clase, te voy a guiar por todo el proceso además de incluir algunas recomendaciones personales para algunos de los pasos de apoyo. Vamos a explorar tus propias pinturas, elegirás un color y crearás una escala de valor, arreglarás tu bodegón, y dibujarás tu composición. Después pondremos capas en los valores de luz, tono medio y oscuro y finalmente ajustaremos cualquier valor para crear contraste y una pintura bien equilibrada. Asegúrate de publicar cualquier pregunta en el foro de discusión y comparte tus pasos en la galería de proyectos. Ahora salgamos tus pinturas y empecemos. Te veré en la primera lección. 3. MATERIALES: Uno de los beneficios más tangibles de pintar en monocromo es sólo el puro minimalismo de la misma. Además del lápiz, esta es una de las formas más exitosas de crear sobre papel. En esta lección, estaré repasando los materiales básicos que necesitarás para la clase. El belleza de la pintura monocromática es esos materiales mínimos. Rápidamente sólo voy a repasar los materiales que utilizo para hacer que esta clase suceda. Empezando primero con, por supuesto, tu pintura. Utilizo tubos de pintura de acuarela de grado profesional. Estos son Daniel Smith, pero no tengo preferencia de marca. Simplemente pasan a ser ambos iguales. También puedes comprar tu pintura en sartenes prevertidos, lo que prefieras. Se puede almacenar ya sea en, yo uso una paleta de cerámica de escritorio, o cómo normalmente, o más a menudo uso mis pinturas monocromáticas es uso una pequeña paleta de viaje de— es una paleta de bolsillo, de Art Toolkit. Esto sólo me permite llevarla sobre la marcha y especie de boceto en la carrera. Sobre pinceles, utilizo la línea Heritage de Princeton en tallas 16, 10, 5 y 2. Puedes usar cualquier gama de pinceles con los que estés cómodo. Podrías usar pinceles de lujo. No importa. Simplemente elegí usar una línea de pinceles con los que estoy familiarizado. Me dieron una buena gama de trabajar en lavados grandes hasta trabajar a detalle. Usa lo que tienes, lo que estás familiarizado, porque cuando estás aprendiendo una nueva técnica, lo último que quieres estar haciendo es trabajar con otras variables. Cuando se trata del papel que uso en esta clase, es que sí uso algunos tipos diferentes. Lo principal a saber es que estoy usando papel 100% algodón. Cubriremos por qué, en tan solo un segundo, pero ya verás utilicé papel Arches para mis gráficos de color. Utilizo el sketch del Kilimanjaro o Paintbook de Cheap Joe's para las miniaturas y los bocetos de progreso. Utilizo un bloque de papel Acuarela de Blick para el proyecto. Los tres son de 140 libra Papel de prensa fría. Pero la razón principal por la que sí recomiendo el 100 por ciento de algodón es porque el papel de algodón tiene las mejores características para la pintura monocromática en que es menos probable pastilla ya que estás ajustando valor y levantando y fregando. Es más probable que te dé una mejor mezcla ya que la absorción es más uniforme en papel de algodón. También te va a permitir agregar capas extra de valor. He encontrado a través de mi experiencia con el papel de celulosa, que una vez que se llega a un cierto número de capas, tiende a simplemente estar empezando a limpiar capas anteriores frente a poder agregar capas extra de pintura encima. Para evitar frustraciones, sí recomiendo papel de algodón. Pasando a los accesorios. Son muy simples y probablemente ya los hayas adivinado. Un trapo para borrar tu pincel, toalla de papel para borrar agua o pintura que está en tu pintura. Dos contenedores de agua que, probablemente ya familiarizados con esta configuración. El uno para enjuagar tu cepillo y sacar pigmento de las cerdas, y el otro de agua limpia para poner solo agua limpia para lavados. El último accesorio que utilizo fue en su mayoría solo por la eficiencia del rodaje en la clase, y sí usé una pistola de calor para acelerar el proceso de secado del proyecto real. No necesitas usar uno si no quieres, pero sí usé una pistola de calor para el proyecto. Pero puedes ver que es realmente simple. Solo necesitas algo de pintura, algunos pinceles, y algún papel con, por supuesto, el agua estándar y toallas para trabajos de acuarela. Pero debes estar listo para irte en poco tiempo. Si alguna vez has hecho alguna pintura en acuarela, probablemente ya tengas todo lo necesario para esta clase. Una lista de oferta corta siempre es agradable, pero no dejes que eso te haga sentir limitado también si quieres ampliar esta práctica en el futuro. Una vez que tengas todo lo necesario para esta clase sin embargo, te veré en la siguiente lección donde repasaré alguna teoría básica y más beneficios a crear monocromáticamente. 4. El enfoque monocromático: ¿ Por qué querrías pintar con un solo color? Bueno, en esta lección voy a pasar por tres perspectivas diferentes al respecto. arte monocromático puede ayudar a tu arte técnicamente, puede mejorar tu productividad artística, y también puede ser una hermosa forma de arte por sí sola. Apuesto a que si alguna vez has escuchado un artista hablar de por qué han empezado a trabajar con monocromática, entonces probablemente estén hablando de estudios de valor o tal vez estén trabajando en mejorar sus habilidades de composición, por lo que están trabajando en aumentar alguna otra habilidad de artes intrínsecas. Puedes usar monocromático para todo esto, y de eso vamos a hablar en esta perspectiva y es mejorar la composición, mejorar tu comprensión del valor, aumentar el estado de ánimo, y trabajar en cómo retratas historia. trabajo monocromático puede ayudarte a mejorar en todos estos. Por composición, simplemente significa que estamos sacando la distracción del color, sin preocuparte por la mezcla de color o simplemente disfrutando del color. Realmente puedes enfocarte en los temas tu pieza y luego también en la siguiente sección de valor. Al ver dónde están y cómo sus valores se relacionan con todo lo que les rodea, tanto en forma como luego ese valor, definitivamente te da una percepción más acentuada de cómo funciona o no tu pintura. Esta es una gran etapa si estás usando una pieza monocromática como estudio preliminar para corregir todo eso. Puedes mover las cosas y ver, bueno esto funciona en un nivel de escala de valor. Tienes luz y luego oscuro y luego claro y luego oscuro y el más contraste donde quieres que el ojo de tu espectador vaya de costumbre. Puedes trabajar en la fuerza de tu pieza antes entrar en elegir una paleta de colores o ese siguiente nivel. También es un momento en el que comienzas a apoyarte en el estado de ánimo que quieres retratar en tu pieza. Diga si es una escena de cocina reconfortante desde su hogar de la infancia, tal vez quiera inclinarse en algo más, más como una siena quemada o tal vez hacer ese estudio monocromático en Payne's Gray podría producir un efecto más sombrío, más fresco. Tienes alguna opción y jugar con esto, no tiene que ser de negro. Ahora, todo esto funciona para aumentar esa estructura de la historia que estás contando en tu pieza. No quiero decir que tenga que ser una ilustración de una historia lineal en particular. A lo que quiero decir es que estás aumentando la imagen y la emoción que estás tratando de retratar. Puede que no haya una emoción particularmente fuerte, puede que solo sea, digamos que estás haciendo un estudio botánico de hojas y solo estás aumentando la atención a ese objeto. Estás viendo este objeto es importante, y esa es la historia que estás retratando. Eso me lleva al último punto que quiero hacer falta de atención a las habilidades técnicas. Al sacar el color, a veces es más fácil enfocarse en la estructura de los detalles que hay ahí, por lo que las líneas reales en forma y relación espacial que factores de nuevo a la composición. Pero si estás en detalle, esta es una gran manera de realmente simplemente hundirse y disfrutarlo. Ahora hay razones por las que solo puedes usar un color que no tiene que ver con la construcción de tus habilidades artísticas. Por una parte, es una gran manera para que los principiantes se metan en materiales de mejor calidad antes. Solo estás invirtiendo en un color a la vez porque solo estás usando un color por cada pintura que estás haciendo. Incluso puedes hacer toda una colección en un solo color. Es una forma más rápida de meterse en esos mejores materiales. También es más fácil costearlos, almacenarlos, y llevarlos para que puedas hacer ese trabajo en más lugares desde el principio. El siguiente motivo es porque si no tienes una situación ideal para hacer arte, también puedes hacer trabajo monocromático en más escenarios. A lo que me refiero aquí es a su situación de iluminación. No todos tienen, digamos, bombillas de luz diurna o acceso a un estudio bien iluminado. A modo de ejemplo personal, cuando empecé a hacer trabajos monocromáticos, es porque en invierno, esta sala que funciona como mi estudio se hace muy frío y tiendo a preferir hacer mi trabajo en la sala, en el sofá con mis gatos y con la luz blanca cálida y las luces navideñas que encienden esa habitación, es muy tenue y la luz blanca cálida no es grande para la precisión del color, así que tendí a hacer más trabajo monocromático. Todo lo que tengo que ver es mi papel blanco y mi oscuro más oscuro y puedo descifrar la relación de valor entre esos dos puntos. Solo tengo que recoger una o dos pinturas, unos pinceles y puedo seguir trabajando en esta configuración modificada. Tengo más trabajo hecho incorporando esto a mi flujo de trabajo. Esto funcionaría también para cualquiera que como yo en el noreste hay luz diurna muy limitada en los meses de invierno y si trabajas a tiempo completo, tiendo a hacer mi trabajo después del trabajo por la noche o los fines de semana. Una vez más, al tener esta configuración que utiliza plenamente cualquier situación de iluminación, cualquier situación de espacio, me hicieron más trabajo. Eso es un gran beneficio. El siguiente motivo es una de las cosas que recogí cuando me metí en acuarelas y eso es si vienes de tener un fondo pesado y dibujo, es más fácil transición a la pintura usando una de las técnicas que puedes hacer pintura monocromática con. Es decir, a veces cuando estoy haciendo este proceso, me acerco como estaría dibujando, tal vez usando un pincel más pequeño, trabajando en trazos cortos, acumulando valor. Es muy meditativo. En realidad es bastante divertido y obtienes un resultado que se parece a bosquejar también. Esa es una manera fácil de ponerse cómodo con tal vez tus suministros de pintura en el proceso mientras haces la transición. El último punto que quiero hacer es probablemente el más basado en la opinión de éstos. Es que creo que el trabajo monocromático solo tiene este encanto intrínseco a la misma que la gente encuentra esta conexión que les recuerda bocetos o dibujos de tinta y ahí está esta atracción a lo más básico de las configuraciones de fabricación de arte. Esa pieza de papel de una herramienta y yo hicimos una hermosa obra de arte. Pintura monocromática Siento que se construye sobre eso y que tiene ese producto final sencillo, elegante, pero tiene tantas otras cosas pasando por ella y así la pintura es un poco más fluida. Podrás obtener algunos efectos de capa más misteriosos ahí dentro. Se acerca al espectador como si se tratara de este dibujo básico, hermoso, sencillo, pero luego en una inspección más cercana, ahí está pasando alguna otredad interesante. Creo que es sólo una hermosa manera de encantar a tus coleccionistas. El otro motivo, creo que el trabajo monocromático siempre tendrá un lugar en el mundo del arte es porque si alguna vez has escuchado la frase negro es el nuevo negro, siempre hay una atracción clásica a la elegancia que es un color oscuro. Ya sea que estés usando negro o tal vez un neutro oscuro, incluso creo que eso se aplica a tonalidades más oscuras como Payne Gray, verde perileno, al que entraremos en la lección. Pero sólo les tienen esta elegancia sobria. Coinciden con más cosas si estás pensando en un sentido coleccionista. Si piensas como un armario cápsula en sentido de moda, tener algo que no está exagerado coincide con más cosas. Es más fácil adoptar y traer si tu propia colección, si estás lanzando una colección de obras de arte o desde el punto de vista del coleccionista, es más probable que vean algo que puedan hacer funcionar en sus propios hogares. Ahora que hemos mirado cómo el arte monocromático es beneficioso y cómo es una gran adición a tu práctica, me encantaría mostrarte algunos ejemplos de solo cómo es hermoso todo por sí mismo. El primer ejemplo que tengo para ti es de Lara Gastinger. Lara es una artista que llevo algunos años siguiendo. Ella hace trabajo botánico en un enfoque en capas usando sólo acuarela a veces para bolígrafo y le gusta construir valores y recrear la forma con mucho detalle. Ella documenta intrincadamente el entorno que la rodea y la veo contando una historia de lo mucho que ama su entorno natural local y la necesidad de preservar eso. Nuestro siguiente ejemplo es Olga Paperega y Olga también haciendo un enfoque realista, pero su uso de un negro profundo en alto contraste solo hace que su trabajo cuando se hace a una escala más grande a veces extra dramático. Simplemente realmente te da una sensación de la elegancia y el drama que el trabajo monocromo puede alcanzar. Nuestro siguiente ejemplo es de Denise Soden, y como muchos de ustedes conocen su mango y el nombre de canal de YouTube In Liquid Color. Denise es también una maestra superior de Skillshare y sus piezas realistas y ambientalmente enfocadas como estas aquí, estas calaveras, tú que realmente tienes la sensación de que se está enfocando en explorar el color y los temas por igual. Realmente ves un amor por encontrar información y usar esa información para producir una gran pieza de arte. Nuestro siguiente ejemplo está más en el lado paisajístico de las obras de arte. piezas de Diane Klock aquí son estudios de valor que había hecho y algunas de ellas están sin lápiz, por lo que solo estaba dibujando los valores y creando estas marcas sueltas pero dinámicas para capturar la energía y la atmósfera. Casi te da más sentido de la profundidad y del espacio que hay en cada una de estas escenas, ya que simplemente delinea cada una de las formas de los objetos. Nuestro último ejemplo es Marie Noelle Wurm, quien también es una maestra principal de Skillshare aquí. Sus ejemplos elegí listar últimos porque es una toma tan única de usar el trabajo monocromático. Ella sí aquí, como en este estudio de rama y hoja, tiene un enfoque en miniatura para tal vez anotar idea para ser una pintura más adelante. Pero parte de su obra es [inaudible] esta hermosa, suelta, ocasionalmente exploraciones de pintura abstracta. Creo que son simplemente hermosas. Ella también hace mucho trabajo en tinta lo cual yo quería plantear porque la tinta a veces puede producir resultados similares a trabajar en acuarela. Nunca doy la oportunidad de seguir a unos artistas de tinta porque realmente te da un sentido más amplio de lo que el arte monocromático puede lograr. Ahora que ya has visto cómo el trabajo monocromático puede mejorar tus habilidades técnicas de arte, cómo puede ayudarte a ser más productivo en tu práctica, y cómo es simplemente hermoso con muchas variaciones, pasemos a pintar propiedades y cómo que se suma a la belleza del trabajo monocromático. 5. Propiedades de la pintura: Al pintar con un solo color, su elección de pintura se vuelve cada vez más importante. Ahora bien, hay mucho de lo que podría hablar cuando se trata de lo que diferencia a diversas pinturas. Pero en esta lección, solo repasaré algunas propiedades básicas de pintura que debes tener en cuenta a la hora de explorar y elegir tu pintura. Ahora bien, hay mucho de lo que puedes hablar cuando se trata propiedades de pintura y todas las de las que estoy hablando deben estar listadas en tu empaque de pintura y en la página web del fabricante. Siempre puedes buscar en google lo que encuentres ahí. Pero el primero y principal es el pigmento de la pintura. Eso se denota con un número P. Los números P se dividen por matiz. Por lo que siempre puedes tomar ese número y buscarlo en línea para saber más sobre su solidez a la luz, orígenes, etc, cualquier cosa que tengas curiosidad. La transparencia es la siguiente. Esto será importante para tu pintura monocromática porque la transparencia de la pintura denota cuánta luz pasa por la pintura versus se refleja fuera de ella. Una pintura opaca en tus valores más profundos, va a lucir más solapa versus cuando haces una pintura con un pigmento transparente, vas a poder ver a través del papel con más frecuencia y le da una profundidad y una claridad, que me parece muy agradable para el trabajo detallado versus una pintura opaca es realmente agradable para un efecto picante gráfico. El siguiente inmueble es cómo teñir tu pigmento. Esto influirá en cuánto se puede levantar más adelante cuando estemos ajustando valores. Si eres nuevo en un trabajo monocromático o simplemente nuevo para valorar los estudios en general, te recomendaría en esos pigmento tinante porque vas a poder levantarlo más fácil sin tener que frotar el papel o no ponerlo al valor nivel que quieras. El último inmueble es la granulación, que es divertido y mucha gente o ama u odia la granulación. Pero cuando se trata de trabajo monocromático, esto puede ser un punto culminante en tu pintura que es una de las principales características para las que eliges tu pintura. O puede ser una distracción si estás haciendo una composición muy detallada. El ruido de las partículas de pigmento que se asientan en un lavado solo puede quitarse de otro lugar al que quieras que la gente mire. Cuando se trata de estas propiedades visuales, solo ten en cuenta encontrar un equilibrio de las que quieres en relación a tu visión para tu pintura. Unas notas extra que tengo para escoger pintura es de qué fabricante la sacas, que no estoy diciendo una sobre la otra no tengo preferencia. Es solo que cada uno de ellos tiene un aglutinante patentado el cual pintará de manera diferente. Así que prueba una pareja, ve cuál te gusta, y solo elige tus pinturas del fabricante con el que más disfrutes pintar. El otro asunto con los fabricantes es que pueden procesar el mismo pigmento de manera diferente. Se puede obtener una pintura del mismo número de pigmento de diferentes fabricantes, y puede ser un tono diferente. Ten eso en cuenta así como pinturas con nombre. Múltiples pinturas de pigmento como Neutral Tint, Payne's Grey, diferentes fabricantes en realidad tienen diferentes recetas para estos. Podrían usar diferentes pigmentos, así que solo ten en cuenta que pueden ser colores totalmente diferentes. En la línea hay pinturas de múltiples pigmentos, aunque la mayoría solo están hechas para colores de conveniencia y son bastante consistentes cuando las pintas, hay algunas que están específicamente fabricadas para separarse. Las que vienen a la mente y más notablemente es Cascade Green de Daniel Smith, que se separa en Sienna Raw y Phthalo Blue, dependiendo de la cantidad de agua con la que se aplique. Esto podría ser un poco frustrante si solo te estás acostumbrando a la pintura monocromática. Basta con buscar muestra, probar algunas pinturas, y tener eso en cuenta. Pero eventualmente, son divertidos de usar. Ahora que hemos sumergido un dedo del pie en el océano de propiedades de pintura, tenemos un poco más que mirar en una pintura, además de color. En la siguiente lección, repasaré cómo uso las gráficas de colores para navegar visualmente todas estas propiedades. 6. Navegar la elección de colores con gráficos: Dado que una imagen vale 1000 palabras, organizo mis colores visualmente con muestreos. Echemos un vistazo a algunas formas diferentes en las que puedes usar muestreas para organizar tus colores y elegir un color más fácilmente. Dependiendo de cuántos colores tengas y cómo planees usarlos. Existen diferentes configuraciones de muestra que puedes crear. Ahora, el primer tipo de configuración de muestra que vamos a repasar, es el gráfico de colores. Los gráficos de muestra son el método más fácil, que consume menos tiempo y espacio. Son geniales para ver una gran selección de colores de un vistazo. Utilizo lo que me gusta llamar a mi gráfico de colores maestro aquí para ver y seleccionar rápidamente candidatos de color para proyectos. Si sé que necesito un rojo, los puedo ver todos de un vistazo así como candidatos cercanos. Ya que vamos a estar haciendo monocromáticas, vamos a entrar en cómo ver esto para ver en un poco elecciones monocromáticas. Pero para hacer uno, todo lo que necesitas es una hoja de papel, suelta o en un cuaderno de bocetos, ese es el papel sobre el que planeas pintar. Para que no quieras elegir algo sólo porque sea más barato o etc, quieres estar practicando en el mismo papel sobre el que vas a pintar. Ahora, esto está en Arches, prensa fría de 140 libras porque es como un estándar de la industria para papel de grado artista. A mí me gusta usar esto para mi go-to, para mis gráficos de colores. Pero puedes usar cualquier papel en el que planees pintar. Lo que quieres hacer una vez tengas tu papel es que quieras dividirlo en suficientes cuadrados que puedas ensayar todos tus colores que quieras ver. Pero también, quieres asegurarte de que estas muestreas sean lo suficientemente grandes como para que realmente puedas dejar que la pintura se mueva e interactúe con el agua. mí me gustaría considerar, estos cuadrados son de 1/2 una pulgada por una pulgada de largo, y son lo suficientemente grandes como para que pueda caber bastante en este papel, pero al mismo tiempo, puedo ver interesantes granulación, propiedades de dispersión, ese tipo de información conductual. Porque quiero saber que si voy a hacer una pintura entera con un solo color. Ahora, las tarjetas de muestra son las siguientes de las configuraciones de muestra de las que vamos a hablar. Sirven para mí dos propósitos. Me dan una mirada en profundidad a las propiedades de una pintura. Aquí puedes ver granulación extra. Esto no tiene ninguna. También me permiten reorganizar visualmente y crear paletas. Diga, si se trataba de una paleta de tonos tierra neutros, soy capaz de sub out cartas para ver cómo puede jugar mi paleta y puede verse y simplemente ver qué quiero hacer. También quiero mencionar gráficos de valor en con gráficos de color y tarjetas de muestra, porque también te pueden dar mucha información sobre una pintura. Vamos a estar cubriéndolos y creando uno en una lección posterior sin embargo. Si estás viendo esto y ni siquiera sabes por dónde empezar comprando colores de pintura que quieres probar, recomiendo encarecidamente comenzar con tarjetas de puntos si están disponibles de tu fabricante de elección, o para leer diferentes fabricantes. Ahora bien, no están disponibles de todos los fabricantes, porque lo que son físicamente las tarjetas de puntos, es un borrón de pintura que se ha secado en un trozo de papel. Ahora, como discutimos en propiedades de pintura, no todos los aglutinantes están bien situados para esto, cualquiera de los aglutinantes con miel aún se mantendría pegajoso y probablemente se untarían, por lo que no suelen ofrecer tarjetas de puntos en este formato. Ahora bien, esta es la forma más precisa de seleccionar el color, ya que las pantallas de computadora y la fotografía pueden variar. Usa una tarjeta de puntos para mostrar tus favoritos entre los que elegir. Algunas de estas tarjetas de puntos tienen suficiente pintura. Incluso puedes hacer una pintura pequeña completa a partir de uno de los colores y realmente tener una idea de si quieres usar este color para la pintura monocromática. Esta es una gran manera de eliminar posibilidades y no tan grandes posibilidades para tu trabajo monocromático. Ahora, que conozcas algunas opciones para organizar tus opciones de color, crea una carta de colores o tarjetas a partir de tus colores de pintura. Los utilizaremos en la siguiente lección para elegir el color para tu proyecto de clase. 7. Elegir el color: Ahora sabemos mucho más sobre la pintura monocromática y sus colores de pintura. Ahora es el momento de elegir un color para tu proyecto de clase. Ahora, antes de seleccionar un matiz específico, revisemos tus propios colores y maleza a través de ellos para ver cuáles son los mejores candidatos para el trabajo monocromático. Con tu gráfico de muestras frente a ti o tus tarjetas de muestra, quiero que entrecerres los ojos o te hagas una foto con el filtro blanco y negro puesto. Ahora, lo que estamos haciendo aquí es ver cuáles tienen el rango de valor más profundo. Cualquier color que se distante de tu gráfico es un gran color monocromático. los que casi se mezclan, no tan grandes. Estos colores de bajo valor serán difíciles de ver y carecerán de contraste. En realidad te lastiman los ojos. ¿ Y los colores en el medio? Los que se presentan como diferentes tonos de gris están bien caso por caso. Por ejemplo, me encanta la lavanda. Se ve como una pintura valorada en luz a primera vista, al menos en color, pero me parece que se sostiene bien cuando se estratifica de manera efectiva. Podría ser la elección perfecta si dijeras, haz algunos motivos de invitación o baby shower. Por lo que definitivamente hay algo de espacio de movimiento en la selección colores exitosos dependiendo de tu visión. Teniendo tus colores delante de ti, selecciona un color que te gustaría usar para tu proyecto de clase. Recuerda, siempre podrías cambiar esta decisión, no estás encerrado en esta elección, así que no hay presión. ¿ Tienes tu color? Pasemos a las técnicas de acuarela para empezar a explorar sus propiedades. 8. Técnicas de acuarela: cómo aportar colores: En las siguientes dos lecciones, vamos a repasar algunas técnicas básicas de acuarela. Ahora bien, esto es genial si estás entrando en esto como principiante y así es estás usando monocromo para aprender pintura en acuarela, pero esto también va a ser útil si ya eres un acuarelista sazonada, y solo quieres conocer su color particular un poco mejor. Estos ejercicios te permitirán ponerlo a través de sus pasos. Vamos a empezar con un lavado parejo, que a veces puede ser más difícil que el lavado degradado porque estás tratando de mantenerlo parejo. Vamos a empezar con solo una fuerza general de tinte de lavado, no necesita ser súper fuerte. No estoy tratando de quedarme dentro de las líneas. Voy a mantenerlo como plaza general, pero hablaremos de cómo mantener esa forma. Tengo mi pintura y voy a empezar por arriba. No quiero hacer un esbozo. Si haces un contorno y luego lo rellenas, dependiendo de qué tan rápido se esté secando tu pintura, podrías terminar con esas líneas de contorno aún siendo visibles después de haberla rellenado porque básicamente creas un segundo capa encima de eso con tu lavado interior. Lo que estoy haciendo es ir un poco por los lados para mantener un poco de forma, pero luego me voy moviendo de arriba a abajo. Si estabas pintando un área no cuadrada, solo intenta empezar de una zona y pasar a otra que no deje demasiados lados abiertos. También puedes trabajar con la regla general de dejar un poco de pintura en este borde para que tenga más humedad para evaporarse antes de que pueda realmente secarse. Se puede ver que he bajado al fondo y sólo estoy terminando esto. Voy a limpiar mi pincel, secarlo para tener un bonito cepillo sediento. Entonces para comprobar doble que no tengo agua estancada, voy a inclinar y sólo a ver si algo alberca en la parte inferior. Ahora, hicimos un trabajo bastante bueno aquí en mantenerlo no muy soppy mojado, así que eso está bien. Si tuvieras un charco, di si lo inclinabas y había un borde de goteo o un abalorio de agua en la parte inferior, tomarías tu cepillo sediento y simplemente lo ejecutarías por el borde inferior y se tiraría hasta cualquier agua restante, y lo borrarías y luego lo harías tantas veces como necesitabas hasta que no quedara demasiado y puedes dejar que se seque plana. Dejarías que eso se seque ahora y no lo tocarías porque si le pusieras agua, obtendrías florecimientos en diferentes efectos visuales los cuales son divertidos, pero no quisieron si quisieras hacer un lavado parejo. El siguiente que vamos a hacer es un lavado degradado. Cualquiera que sea la fuerza de tintado que quisieras estar en el extremo más oscuro, vas a empezar de la misma manera y nos estamos moviendo de arriba a abajo. No queremos hacer ningún contorno, especialmente con un lavado degradado. A medida que me muevo hacia abajo, ahora mi pincel va a empezar a quedarse sin pintura, o sin pigmento, y se puede ver que empieza a natural simplemente se vuelve más ligero. Ahora, una vez que empiece a simplemente no estar poniendo pintura en el papel en absoluto, di si tengo que bajar aquí entonces voy a empezar a añadir un poco de agua limpia. Recordando desde esa muestra, no quiero entrar con un enfoque soppy porque si lo hago justo en el borde, aquí te voy a mostrar, va a causar algunos efectos visuales, pero vamos a volver atrás y arreglarlo en un minuto. Sólo estoy agregando un poco de agua limpia. Voy a enjuagar mi cepillo e ir con agua completamente limpia al fondo. Ahí vamos. Se puede ver. Ahora ya ves donde volví a subir un poco hay un poco de floración. Si quisiera deshacerme de eso, nada se ve tan suave como no producir una la primera vez, pero aquí voy subiendo con sólo un poco de agua limpia y sólo estoy reactivando toda esta muestra para que todo vuelva a fluir. Como dije, nada es tan suave como hacerlo bien en la primera vez. Ahora bien, esto es demasiada tal vez ligereza para mi gusto. Sólo estoy entrando con un poco más de pintura y cargando. Secando mi cepillo para sacar cualquier pigmento extra y simplemente dejarlo bajar hasta el fondo. Se necesita limpiar mi cepillo, aún había algunos pigmentos ahí dentro, y luego se necesita subir y bajar para igualar esto. Dado que esto es bastante húmedo, se igualará a medida que se asiente, pero ese es el lavado gradiente. Ahora que sabemos establecer color en estas técnicas básicas de acuarela, la segunda de las dos lecciones de técnicas de acuarela es sobre ajustar valor. 9. Técnicas de acuarela: cómo ajustar los valores: En esta segunda lección de técnicas de acuarela, vamos a estar buscando cómo ajustar el valor en tu pintura. Ya que en el trabajo monocromático, estás usando valor para crear tu pintura, es bueno saber ajustar tus valores a lo largo de tu pintura para crear el mejor efecto. En esta estamos viendo algunas propiedades adicionales para ajustar tus valores. Vamos a estar entrando en algunas técnicas que tocamos, pero mucho más en profundidad. El primero que vamos a cubrir es agregar pigmento, también conocido como carga. Lo que tengo aquí son tres secciones en esta cartilla de ejercicios. Puedes hacer todo esto en un solo pedazo de papel, pero esto es más fácil para mí demostrarlo, estar en pequeñas tarjetas individuales. Lo que voy a hacer es poner agua clara en cada una de estas tres cajas. Suficiente para que esté mojado pero no descuidado. Como se puede ver, cada uno está etiquetado. En este top one, de inmediato vamos a poner un punto de pintura. Es pincel bastante saturado, lo puse abajo, lo sostuve un momento, y lo volví a subir. Vamos a ver hasta dónde llega eso. Para los otros dos, vamos a esperar una cantidad de tiempo predeterminada. El del medio, voy a esperar un minuto, y luego el otro será a cinco minutos. Ha pasado un minuto, así que vamos a sumar el mismo punto saturado al centro. Lo bajaré, lo dejaré sentar, y tirando hacia arriba. Ya veremos hasta dónde llega eso. Ahora han pasado cinco minutos, y voy a volver a conseguir un bonito pincel saturado carga de pintura y hacer un punto y levantar. Se puede ver que va mucho menos lejos del lado de la aplicación que los otros dos. tu tarjeta tenga un aspecto ligeramente diferente. Entonces estoy en el Noreste, es el primer día de primavera, tal vez mi habitación esté más seca o más húmeda que tu habitación, por lo que tu papel puede secarse a diferentes tarifas. Prueba esto con diferentes intervalos, inmediatamente, tal vez 30 segundos, y dos minutos, si vives en un clima más seco, o puede que necesites un espacio lo afuera si vives en un clima muy húmedo, porque tu papel va a seco más lento. Esto es útil cuando vamos a estar haciendo el bodegón y la pintura monocromática, porque es posible que quieras obtener un borde suave en algo, pero lo suave que depende de lo pronto que en tu lavado húmedo coloques tu pintura. Esto será muy útil. El siguiente de las técnicas de ajuste de valor que vamos a repasar es levantar pigmento. Vamos a pintar cada tres de estas cajas con el mismo lavado. Voy a lavar mi pincel, secarlo, asegurarme de que esté bonito y sediento. Este primero es como el otro, es de inmediato. De inmediato voy a levantar mi pigmento, y sólo estoy sosteniendo ese cepillo ahí, dándole un pequeño giro, y luego secando, haciendo lo mismo. Como se puede ver, porque esto es de inmediato, el papel sigue húmedo debajo de donde estaba tratando de tirar del pigmento, por lo que parte de este pigmento húmedo aún se está moviendo de nuevo a la zona. Ahora vamos a esperar un minuto. Ha pasado un minuto y voy a tomar un pincel húmedo y pincel por el medio donde quiero que esté mi muestra, y luego solo un poco dab, tal vez seque un poco mi pincel, levante algo de ese pigmento con mi pincel. Elevador. Se puede ver que estoy empezando a llegar a donde esa agua empujó un poco, porque no estaba completamente seca y está creando su propia pequeña floración, que es un efecto propio, pero se puede ver, cuanto menos ha salido. Ahora vamos a esperar hasta que esto esté completamente seco y hacer el de abajo. Esto está totalmente seco, así que vamos a hacer lo mismo, humedecerme mi pincel, cepillarlo por donde me gustaría levantar, y sólo hacerle cosquillas al papel con el pincel, porque no quiero ser demasiado áspera con mis lindos pinceles. Una vez que tenga el agua moviéndose, entonces voy a tomar un cepillo sediento y sólo limpiar lo que pueda. Se puede ver que eso es lo mucho que puedo levantar una vez que está seco, se puede ver una clara progresión de cada vez menos pintura pudiendo levantarse. Si también te gustaría ver, di si tienes cepillo de fregador, puedes hacer un segundo. Vamos a hacer lo mismo y sólo conseguir el mismo efecto aquí. Borra y límpialo, entonces vamos a tomar un cepillo de cerdas duras si tienes uno, y solo a ver cuánto más podríamos conseguir. Siempre es agradable saber qué se puede conseguir con un cepillo siendo suave, y la diferencia entre lo que se puede obtener con el cepillo de fregado, porque no todos los papeles pueden soportar un cepillo de fregado. No estoy siendo terriblemente duro aquí, sólo haciendo pequeños círculos. Yo solo quiero tomar mi bonito pincel y simplemente volver a borrarlo. Como pueden ver, tengo un poco más de descuento, pero esto puede que no siempre sea una opción. Si quisieras mantener estos como pequeños documentos, puedes decir que esto es con fregado, y que uno está sin, al igual que los otros dos. Es así como puedes usar un pigmento de elevación para tal vez quitar algún valor de las áreas de tu pintura que se pusieron un poco demasiado oscuras, o agregar de nuevo en algunos reflejos. Para el tercero de las técnicas de ajuste de valor, vamos a trabajar en capas o acristalamiento. Esto funciona tanto con pinturas transparentes como opacas. Obviamente obtienes un resultado diferente. Vamos a estar usando el mismo tinte neutro aquí. En realidad vamos a usar el mismo tinte para los tres esmaltes de aquí. Vamos a empezar con sólo hacer prácticamente un rectángulo grande. Ahí tenemos algunos en nuestra superficie. Ya ves que no está tan oscuro. Como dije, no quiero hacer un esquema completo y luego solo lo dejo, así que hago mi contorno y luego empiezo rápidamente a moverme en una dirección. Esta es nuestra capa 1. Ahora vamos a esperar hasta que esto se seque, y luego voy a añadir la capa 2 y luego la capa 3. Voy a facturar como añado cada capa contigo. Nuestra primera capa se ha secado, y si te parece más claro, eso se debe a que lo es, acuarela se seca más ligero Esta es realidad una de las razones por las que el acristalamiento empieza a entrar en juego, porque tú baja un lavado y una vez que se seque, descubres que no estaba lo suficientemente oscuro. Ahora vamos a sumar nuestra segunda capa. Una vez más, vamos a hacer una fuerza de tinte similar, luego vamos a empezar desde aquí, luego solo trabajamos hacia abajo. puede Sepuedever que tengo un poco de humedad extra ahí en la parte inferior, así que voy a hacer esa punta donde sólo lo inclino, y con un cepillo sediento, sólo voy a tocar, luego borra, dab y simplemente levanta algo de esa humedad extra. Ahora vamos a dejar que esto se seque y luego volver por nuestra tercera capa. Nuestra segunda capa se ha secado, y vamos a hacer nuestra tercera y última capa. Se puede ver que lentamente estamos construyendo ese valor. Consigue mi pintura y luego agrega en esta tercera capa. Cada una de estas capas sigue siendo la misma fuerza de tintado aproximadamente que la primera capa, pero es solo el hecho de que las estás apilando, eso te permite acumular valor. Puedes usar eso como tu método principal o simplemente para corregir tal vez un área que no tenga suficiente profundidad de valor. Se puede ver, así es como se ve, se ve muy sin peso, mojado. Déjame secarlo muy rápido y volveré y lo veremos después. Ya puedes ver que las tres capas se han secado y ves una clara progresión de conseguir un valor más oscuro. Como dije, cada capa se hizo con la misma fuerza de tintado, y esto solo te permite tener más control sobre lo oscuro que es un área, Al agregar cada vez más cada capa. Simplemente toma más tiempo en meterlo todo en una sola capa. Ahora terminamos con nuestras técnicas básicas de acuarela, desde lavados, hasta ajustar valor, y debes tener una gran base para iniciar tu proyecto de clase. Usando estas técnicas de ajuste adicionales, debe estar listo para crear un rango de valores exitoso. En la siguiente lección, vamos a utilizar estas técnicas para crear una escala de valor con el color elegido. 10. Escalas de valores: Dado que los valores en una pintura monocromática van mucho hacia la creación de la fuerza en tu composición, es una buena práctica crear una escala de valor para ver tu color de pintura desglosado paso a paso. En esta lección, crearemos una escala de valor con el color elegido. Ahora, las escalas de valor pueden verse diferentes dependiendo de cómo quieras usarla para tu práctica. Muchas guías de campo a veces incluyen una escala de gris blanco y negro monocromática para ponerla junto a algo para intentar averiguar dónde está en el rango. Pero puedes crear uno tú mismo, ya sea... este es de cinco cuadrados y éste es de 14 cuadrados, lo cual es un poco exagerado. La mayoría son alrededor de 10, porque eso es lo que se utiliza en la escala de Munsell. Va de uno que es blanco papel, y luego el número 10 va a ser valor máximo. Para la acuarela, para mí, el valor máximo va a ser lo más grueso que pueda aplicar la pintura sin que se convierta en un recubrimiento encima del papel. Te puede gustar esa mirada, que por todos los medios van adelante y subirla. Pero sí encuentro que las características de reflexión de la pintura cambian en ese punto, se vuelve mate, llama la atención a veces de manera favorable, a veces desfavorable, pero trato de evitar eso. Voy a ir a un valor máximo donde esté lo más oscuro que pueda ir antes de que empiece a parecer que la pintura está sentada encima del papel versus entremezclada con el papel. Aquí se puede ver, tengo el pedazo de papel que se prepara para mi escala de valor. Tengo 10 casillas aquí a la izquierda, y luego los números justo a la derecha para mi referencia. Ahora, hay dos formas diferentes en que puedes hacer una escala de valor. Bueno, puede que haya más, pero las he hecho de dos maneras diferentes. Las he hecho en la versión que te voy a mostrar, que es empiezo con un tinte claro, el tinte más oscuro, y un tinte de tono medio. Entonces trabajo entre los dos para que tenga una sensación de lo que estoy apuntando en términos de valor para cada cuadrado. Pero también puedes hacerlo usando acristalamiento. Al igual que nuestro ejercicio de acristalamiento, puedes comenzar con el número 2 hasta el 10. Ahora estamos dejando el número 1 como blanco de papel, y hacemos un tinte claro aquí, déjalo secar, y después sigue abriendo esos tintes sobre capas secas hasta llegar a un tinte más oscuro. El único problema que he tenido con eso en el pasado es a veces no me pongo lo suficientemente oscuro lo suficientemente rápido. Simplemente no tengo forma de medir dónde estoy a menos que estés muy familiarizado con el color con el que estás experimentando. Prueba ambos, ve cuál se adapta a tu estilo. Pero voy a estar haciendo éste vía el más ligero, la oscuridad, y el tono medio. Yo sólo voy a tener este lapso de tiempo, y tú puedes seguir adelante, y voy a entrar si tengo algo que notar. Ahora, voy a asumir que todos estos se van a secar un poco más ligero. Esto puede parecer que debería estar más abajo, pero probablemente voy a poner otra capa encima de 10 ya que encuentro lo oscuro que se seca. Se puede ver aquí estoy usando la capacidad de elevación para chupar parte de esta pintura y pigmento porque estaba un poco cerca, aunque ésta está ligeramente seca, por lo que ésta se secará más tarde. Pero sólo me estoy ajustando a medida que voy. No espero particularmente que cada uno de estos se seque, estoy dejando un poquito de espacio en blanco en el medio. Tengo todas las plazas rellenadas. Al intentar volver a estudiar, pude ver parte de mi pintura de tres sangrada en dos. Pero en realidad quiero levantar algunos de dos de todos modos. Yo sólo voy a mojar en realidad toda esta zona. No empecé probablemente lo suficientemente ligero. Ahora, cada uno de estos pasos, si estás mirando la escala de Munsell, debe ser alrededor del 10 por ciento del color total. Ahora, eso es difícil de calibrar. Intento simplemente hacerlo visualmente. Se puede ver que lleva tanto tiempo ahí, en realidad no está levantando todo tan bien, así que voy a intentarlo con mi cepillo fregador aquí. Podría darnos un buen ejemplo de ajuste. Ahora, una vez más, esto está mojado, por lo que se secará un poco más tarde. Esto también está medio seco. Se ve un poco de ida y vuelta. A medida que se seca, volvamos a él, y luego evaluamos dónde necesitamos sumar o restar valor. Ahora, mi escala de valor, la primera capa aquí se ha secado completamente, y voy a volver a entrar y reevaluar qué necesita valor, qué necesita valor quitado, etc. Puedo decir que tengo agrupaciones donde estos dos son similares, y estos dos son similares, pero hay espacio entre estos para hacer algunos cambios. No quiero tener un terriblemente oscuro— en realidad, voy a deslizar esto por encima, para que puedan ver mi remo mezclador aquí. Se puede ver, no es un tinte terriblemente oscuro, basta con añadir un poco de tono. Vamos a repasar la oscuridad de cada uno de estos pasos, y en realidad sólo añadir un poco a todos estos aquí debajo también. Como dije, sí quería agregar. A ver si puedo agregar más a este. Ojalá no se ponga demasiado pastoso, que es lo que quiero evitar. Está todo seco ahora, y está bastante cerca de una buena escala 1-10 aquí. Una vez que hayas terminado, solo sigue reevaluando tu escala e intenta usar algunas técnicas de ajuste para afinar los pasos. Demasiada corrección sin embargo, puede enloquecer rápidamente la báscula. Por eso no voy a volver a entrar y tratar de levantar más de ese color porque podría haberse ido probablemente un poco más ligero, pero es difícil de decir. Pero obviamente a veces es mejor tomarlo más despacio. Si eres nuevo en hacer escalas de valor, intenta volver a recrear la escala ahora que tienes algo de experiencia con cómo los pasos deben verse desglosados. Está aquí para darme una idea ya que estoy haciendo mi pintura de dónde estoy en cuanto a acercarme a ese valor máximo. Yo lo voy a saber, si tomo nuestra tarjeta de lavado plano, esto está bastante cerca de esta gama inferior a media aquí. Tengo algo más de espacio para ir si necesito agregar algunos oscuros, pero esperaría que esto sea en una zona de sombra. Si esta no fuera una zona que se supone que está a la sombra, definitivamente querría levantar algunas o intentarlo de nuevo si no es levantable. Esta es una buena manera de estar al tanto de las cosas a medida que avanzas con tu pintura. Ahora que estamos listos para pintar, vamos a explorar lo que estaremos pintando en la siguiente lección. 11. Temas monocromáticos: Ahora que estamos listos para pintar, nuestro siguiente paso es crear nuestro bodegón. Un buen lugar para comenzar es lo que hace una buena referencia para esto. Repasemos un par de características clave de las pinturas monocromáticas y saquemos qué buscar. Dado que una variación de color no mueve hacia adelante una pintura monocromática, tendremos que asegurarnos de que el interés por el tema se base en otras características. las características clave de las pinturas monocromáticas podrían En cambio,las características clave de las pinturas monocromáticas podríanincluir temas que tienen un alto contraste. Por lo que un rango de valor que se utiliza de manera efectiva. Tienen una composición clara, lo que no significa necesariamente realista o altamente detallada. Podría ser abstracto, pero al menos que la intención de la composición sea clara, y que sepas dónde el artista quería que miraras. pintura monocromática también tiende a utilizar temas más interesantes, así que si ese es un propósito interesante de un objeto, la forma del objeto, la textura de la materia, o simplemente el patrón de luz que es viniendo a través de la composición. Todos estos pueden usarse para mover tu composición hacia adelante, en lugar de depender del color de estos objetos. Al mismo tiempo eso no significa que no puedas elegir un objeto colorido para pintar con o sin una intención subyacente de colocar ese color vívido como una declaración. Para que sea más fácil empezar a ver cómo se ven las composiciones en monocromo. Te sugiero ya sea caminar con la cámara de tu teléfono puesta en blanco y negro con un filtro. O si solo quieres tomar un montón de fotos con tu teléfono o una cámara normal, y luego editarlas para quitar el color y solo ver qué llama la atención, qué funciona, y qué no funciona. Es posible que notes características compartidas que disfrutas entre objetos. Por ejemplo, me encanta usar vidrio, variaciones de textura, e iluminación fuerte para muchos de mis temas monocromáticos. Observe cómo algunos de los objetos coloridos en lugares que parecen llamativos en color pueden parecer poco emocionantes en blanco y negro debido a los rangos de valores cercanos. Ahora desarrollar tu ojo para una gran bodegón monocromático que te guste puede llevar tiempo. Siéntete libre de probar algunos arreglos diferentes para tu proyecto de clase. En la siguiente lección, vamos a hacer una cacería del carroñero para recoger tus artículos favoritos que encontraste y arreglar ese bodegón. 12. Crear tu pieza de naturaleza muerta: Ahora es el momento de que nuestro proyecto de clase empiece a tomar forma. Sígueme en la cacería del pequeño carroñero mientras compro mi casa por objetos y localizaciones favoritos. Te daré algunos consejos para ayudarte a encontrar objetos que te hablen dentro y alrededor de tu propia casa. Si miramos diferentes lugares en los que pasas mucho tiempo, enfocarte en lugares como tu entrada o tu garaje pueden ser temas realmente interesantes. Estos son lugares que usas mucho, así que definitivamente hay algunos objetos interesantes de la vida aquí. La cocina siempre es una de las favoritas cuando se trata de materiales de naturaleza muerta. Frutas, verduras, cubiertos y otros artículos de cocina han sido temas clave de la naturaleza muerta durante siglos. El otro lugar que busco materiales interesantes de naturaleza muerta es mi estudio, o cualquier lugar donde se haga tu afición o trabajo. Esto contará con herramientas que cuentan la historia de la creación, y si esas son herramientas en uso o herramientas en reposo, esas siempre pueden ser composiciones interesantes. También mantente atento a lugares como alforjas de ventanas, mesas, estantes de libros. Configuraciones especialmente para bodegones son ampliamente aceptadas, lo que significa una mesa con un mantel y configurada especialmente para una bodegón, pero obviamente, aparecen más escenificadas en formal. Vea lo que funciona para usted y su material de la asignatura. Al configurar tu bodegón, tómate unos momentos para visualizar cómo se verá tu composición dentro de las dimensiones de tu pintura. Empezando por el espacio negativo, hay demasiado espacio negativo? ¿ Se siente perdido tu sujeto? ¿ O tal vez no hay suficiente? ¿ Hay alguna tangente mala? ¿ Es necesario ajustar la iluminación? Ahora bien, esto podría significar, ¿es necesario ajustar la iluminación real de la escena o es necesario reorganizar tus objetos para que los valores se alternen? Otra cosa a tener cuidado son sólo distracciones no intencionadas. Esto podría ser algo que pasa a estar en tu habitación. Realmente no te das cuenta porque estás acostumbrado o podría ser algo en la composición misma que simplemente no quieres llamar la atención intencionalmente. Bueno, espero que hayas encontrado objetos y ubicaciones en tu casa que sean equivalentes al tesoro de la naturaleza muerta, y tengas algunas configuraciones prometedoras para nuestro siguiente paso, que es crear una composición usando algunas miniaturas y solucionar problemas que configurada. Ahora bien, si eres como yo y no puedes dejar tu bodegón arriba mientras dure tu proyecto de clase en las sesiones de pintura, entonces me gusta tomar muchas fotos que viste. Yo sí tengo un par de consejos para ayudarte si también estás en ese barco y necesitas confiar en fotos de referencia para obtener toda tu información. Mi primer consejo es asegurarme de que tomes un montón de fotos de diferentes arreglos. Aunque veas un arreglo y pienses 100 por ciento, vas a usar eso para tu configuración, aun así mover cosas y tomar algunas fotos más, agárralo desde diferentes ángulos aunque no quieras mover las cosas. Porque te sorprenderás en el siguiente paso cuando lo analices como tema de pintura, que a veces las cosas no funcionan, necesitas mover visualmente las cosas y vas a necesitar la información extra sobre tu tema. La misma premisa al siguiente consejo es asegurarte de agarrar tu rango de valor completo. Debido a que estás usando esto como referencia de pintura, tienes el beneficio de que podrías tomar algunas fotos que no muestran del todo el panorama. A lo que quiero decir es que puedes tomar como una imagen HDR que capturaría más valores, o simplemente puedes tomar una exposición más baja para capturar todos tus reflejos y la mayor exposición para capturar todas tus sombras. Entonces solo usa la información que necesitas de cada una de esas tomas para rellenar tus datos. Otra nota es que si bien las mascotas no son exactamente bodegones, definitivamente pueden agregar alguna dimensión viva. Es posible que necesites tener al menos una foto de referencia antes de que se aburran y decidan que ya no quieren estar en tu imagen. En la misma línea que esa, asegúrate de agarrar cualquier foto de detalle, más de cerca para los artículos en los que quieras exagerar o enfocarte porque te sorprenderías al final de la línea si quieres luego enfatizar algo, puedes ya no tienen acceso a ese objeto o ha cambiado. Digamos que estás usando frutas o flores, tienden a empezar a marchitarse o a verse un poco apagadas en la próxima semana o así. Agarra cualquier tiro extra, más arriba tomas de cerca de los detalles que te gustaría incluir. Mi último consejo es más una preferencia personal, y tomo todas mis fotos de referencia en color. He aprendido mi lección de años pasados que aunque esté filmando para un proyecto monocromático, todavía lo filmo todo a color porque nunca sabe a qué más se puede aplicar esta inspiración, y no se quiere ser izquierda deseando que le dispararan en color en unos años. Diga, se quiere hacer una bodegón de aceite o paleta de colores diferente en acuarela. Siempre disparo a color y luego solo edite una copia de la foto en monocromo para mi referencia de valor. Ahora con todos esos consejos, deberías estar en camino a tus fotos de referencia o a tu naturaleza muerta en persona, y pasar al siguiente paso, que es hacer bocetos con miniaturas y solucionar problemas de tu composición. 13. Esbozar la composición: [ MÚSICA] Muy bien, en este punto tienes algunos objetos, tal vez una ubicación, o un montón de cosas que quieres probar para el tamaño. En esta lección, vamos a usar miniaturas para crear una disposición de tus objetos en su entorno y crear una composición que se vea bien en monocromo. Esta lección se puede hacer ya sea bosquejando desde tu bodegón mientras está frente a ti o usando una foto de referencia para trabajar a través de tu composición con las miniaturas, te voy a estar mostrando ambos procesos en mi cuaderno de bocetos. Si necesitas más información sobre tomar fotos de referencia, vuelve a la lección anterior para revisar. Al hacer tus miniaturas con tu vida muerta arriba frente a ti, me parece que me gusta trabajar con tal vez unas miniaturas más grandes. Me da más espacio para pensar en torno al tema y tener la capacidad moverme físicamente alrededor del tema me da la oportunidad de explorar realmente algunas perspectivas diferentes. Cuando estoy haciendo las miniaturas aquí, estoy manteniendo bastante suelta al principio, luego apretando como encuentro si me gusta lo que he dibujado o reformateando eso, borrando, reketching. Sólo ver si la perspectiva está funcionando, si la habitación alrededor de la situación está funcionando, y si el ojo del espectador está interesado o no, si las cosas se ven incómodas, puedes sacarlo, moverlo, y tener ese bodegón delante de ti también te permite mover físicamente esos objetos también. Además, no tengas miedo de ir potencialmente por un camino y luego decir que no está funcionando. Se puede ver la miniatura superior ahí acabo de abandonarla porque simplemente no funcionaba. Este de abajo de aquí, he decidido cosechar. Esa siempre es una opción. [ MÚSICA] Tengo aquí es mi foto de referencia favorita Tengo aquí es mi foto de referencia favoritade la sesión fotográfica que hice configurando mi bodegón, probando diferentes perspectivas. Creo que éste va a ser genial porque no pasa demasiado. Decidí por una sin las flores porque era solo demasiado detalle cuando estamos tratando de solo enfocarnos en valores, estas son las miniaturas que me he ocurrido para trabajar a través de algunos problemas y solo revisaré rápidamente lo que tengo me enteré, lo que cambié y me mudé y lo que decidí hacer. Se puede ver aquí había empezado a pensar en el cultivo, originalmente quería cosechar esto y cortar el borde de estas uvas para que no estuviera solo cerca del borde, en realidad estaría fuera del borde. Terminé decidiendo que se veía mejor tener este interesante espacio negativo a su alrededor frente a ser cortado. El resto de mis bocetos incluía ese espacio alrededor de las uvas porque solo pensé que esto es simplemente genial, gran contraste que van a aparecer realmente bonitos en monocromo. Ahora, las otras cosas que buscaba, cosas como las malas tangentes. Ahí hay unos cuantos. El tallo aquí se cruza con el alféizar de la ventana, la botella y el vaso se cruzan, y el nivel del vino todavía en la botella y la parte superior de la copa o en el mismo nivel. Todas estas cosas jugué con diferentes ajustes. Mover el tallo más allá del alféizar de la ventana, mover la botella de vino o el vaso uno frente al otro. El motivo por el que elegí mover el vaso delante de la botella y no viceversa es que esta línea recta de la botella que está delante no es tan interesante como esta línea curva. Esto hará una yuxtaposición más interesante de formas y valores que se mostrarán como más llamativos en monocromo. Entonces lo último que cambié fue que terminé desdibujando este fondo solo un poco más porque cada vez que intentaba dibujarlo, me pareció que me llamaba la atención. Este alféizar está bastante en sombra, por lo que estaba dibujando mi ojo y no dibujándolo y trayéndolo de vuelta en la composición. En realidad te saca de la composición. Pensé que si termino tal vez poniendo en el fondo más húmedo y húmedo, eso hará un patrón más atmosférico de sombras detrás de él. Entonces sí probé este último boceto aquí, borrando, no poniendo la botella de vino en absoluto y solo sentí que parecía realmente vacío y incómodo, decidí que eso simplemente no era algo que quería perseguir. Ni siquiera puse mis valores en este boceto. Simplemente lo nixé en cuanto supe que no era una dirección en la que quería mudarme. El resto de ellos se puede ver hice bosquejo en mis valores y estoy trabajando en esa yuxtaposición, esa vacilación entre la luz y la oscuridad. Se puede ver que así es como uso las miniaturas para simplemente pensar visualmente a través de éstas. Yo sí los dibujo— esto es en realidad en un trozo de papel de acuarela. Este es en realidad el cuaderno de bocetos que uso en mi otra clase de Skillshare, Solución de problemas en Your Sketchbook, porque es Kilimanjaro de Cheap Joe's, porque tiene algún papel de boceto entre las páginas. Puedo elaborar notas y mis pensamientos pero este papel es bonito porque realmente no lo considero precioso y puedo simplemente usar lápiz encendido si me apetece o si quiero pasar y hacer algunos estudios de acuarela. Esta es una que hice anteriormente, pero diferente naturaleza muerta. Entonces puedo, en la misma página, entrar y meterme en eso. No tengo que tener dos, cuatro páginas flotando por ahí. Se puede ver aquí este es el mismo proceso. Esto funcionaba desde una foto de referencia y moví las cosas alrededor, aseguré de alinear las cosas esta de aquí, las botellas en el centro que no se veían bien, así que terminaron para que ambos objetos estuvieran en una tercera línea, etcétera, y trabajaron en los detalles, asegurándose de que el contraste fuera más alto donde querías enfocarte. Vamos a seguir trabajando en este aquí. Tengo ahora esta foto con este recorte similar aquí en blanco y negro. Ya que no tengo la foto con la botella, estaré asumiendo, moviendo eso por ahí porque sí quiero mover esa botella. Se puede ver que este es mi a escala. es como cinco por siete, foto. Entonces la otra decisión que necesito tomar en este momento es, ¿estoy contento con mi elección de color? Hice todos mis ejercicios con el tinte neutro de Daniel Smith. Estoy pensando que esto es un poco demasiado cool de un color para el diseño que he escogido. Reevalué qué colores tengo a mi disposición. Yo quería un color más cálido y terminé eligiendo este umber crudo. Este es un tono mucho más cálido, se puede ver de oscuro a claro aquí, creo que esto será un bonito soleado, tal vez anticuado un poco de color. En respuesta a eso, también hice una nueva escala de valor, ésta con tan solo cinco pasos, y para darte algo de variedad, ésta se hizo en el método de acristalamiento. Sí se ve un poco más limpio. También estoy mucho más familiarizado con este color que haciendo el tinte neutro de escala de valor se puede ver que sí salió mucho más limpio. Estoy más familiarizado con dónde se descomponen estos escalones y lo grueso que me gustaría que esto fuera. Este será el color en el que voy a hacer mi pintura. Voy a pasar al siguiente paso. Consigue que tu composición elegida rastreen tu superficie de pintura deseada y te veré en el siguiente video. Definitivamente siento que las miniaturas son una gran herramienta para trabajar a través de ideas compositivas. Si tienes uno o un par de favoritos, realmente te animo a que publiques algunos a tu proyecto en la galería. Me encantaría ver cómo ustedes están trabajando a través de sus temas o ideas y realmente obteniendo algunas nuevas perspectivas sobre cuál podría ser su vida muerta. Si estás teniendo algún problema. Te recomiendo publicar un par de fotos y tus pensamientos por el momento en el foro de discusión de abajo y te pondremos de vuelta con algunas ideas, algunas perspectivas diferentes. Ya sea de mí mismo o tal vez algunos otros estudiantes saltan con sus propios puntos de vista. Una vez que sí tengas una composición con la que quieras seguir adelante, saltaremos a la siguiente lección. Vamos a estar iniciando nuestra primera capa de pintura con los valores más ligeros. [MÚSICA] 14. Pintura: valores claros: En la primera de nuestras lecciones demo, vamos a estar haciendo valores de luz. En esta lección, nos vamos a centrar en poner tal vez algunos lavados ligeros y apenas empezar a delinear dónde están nuestros objetos. Otra buena forma de ver esto es más o menos reservar los reflejos y empezar a denotar lo que tiene algún color. Después añadiremos una capa extra para que solo empecemos a acumular esos valores y separemos un poco las cosas. Para los valores más ligeros, lo primero que quieres asegurarte de prestar atención es lo regado que está tu lavado. puedes ver he añadido mucha agua para que sea un bonito lavado ligero. Entonces esta primera capa, como mencioné, estamos más o menos reservando los aspectos más destacados. Planeo cubrir la mayor parte de esta área con pintura, pero para hacer esto y no conseguir bordes duros como parte de este charco empieza a secarse, estoy trabajando de una esquina, abajo a la otra, moviéndome para tratar de mantener todo estos bordes activos o húmedos. Se puede ver estoy agregando tal vez hasta sólo agua limpia para mantener el papel húmedo, y luego volver con más pigmento más tarde. Tan solo tratando de tener cuidado de que no pinte sobre ninguna zona que quiera permanecer completamente blanca. De eso se trata más o menos esta capa. Otra cosa a mencionar es que tu capa no tiene que ser un tono parejo en todo el tablero. Se puede ver que agrega intereses visuales para conseguir áreas que tengan esta cualidad más fluida por la que se conoce la acuarela, y esa voluntad, incluso por debajo todas esas capas extra que vamos a agregar, va a simplemente crear algún interés. Se puede ver esto ahora está seco y voy a entrar con la segunda capa. Aquí es donde voy a empezar a analizar qué áreas tienen más valor, más volumen, y empezar a trabajar con más de éstas ya sea mojadas en mojadas para crear un borde suave o mezclarse. Ya que esta capa no está cubriendo total o mayormente la superficie de la pintura, soy capaz de controlar mejor dónde estoy poniendo la pintura, mis bordes mojados. Soy capaz de abordar cada sección a medida que voy. No tengo que abordar una sección grande per se en esta capa. Hay áreas que serán más grandes que otras, pero puedes ver que me estoy centrando en áreas controlables. Una buena manera de asegurarte de no agregar demasiado detalle demasiado pronto es entrecerrar los ojos en tu foto de referencia o en tu bodegón e intentar juzgar en esta etapa “Es todo lo que estoy mirando un valor por debajo de esto, un valor por encima de esto?” y ahora puedes generalizar áreas y si la mayor parte del detalle entre objetos ocurre en una etapa más oscura, entonces ya no hay necesidad de diferenciar ese detalle. Se puede ver aquí para promulgar ese efecto húmedo en húmedo, yo quería hacer el fondo para mantenerlo no enfocado. He añadido agua limpia y luego estoy agregando en pigmento que fluirá hacia esa agua limpia para crear algunos bonitos bordes suaves y darle un efecto atmosférico borroso. Recuerda, siempre puedes inclinar tu papel y absorber cualquier pigmento extra con un cepillo sediento. He dejado secar esta primera lección de capas. Esta lección fue principalmente para bloquear en nuestras luces. Esa primera capa que me puse probablemente fue entre una y dos, su mayoría sólo reservando mis aspectos más destacados. Esa siguiente capa era más entre dos y tres, y eso era empezar a bloquear de alguna forma. A veces es un poco difícil pensar hacia atrás así. Puedes trabajar de la manera que quieras, pero esto es, a veces encontré una manera agradable, fácil de mantener un ojo en tu valor como solo trabajar de luz a oscuridad. Pasaremos y ajustaremos las cosas a medida que avancemos. No te preocupes por conseguir todo en la capa en la que se supone que debes meterlo. Sin embargo, la siguiente capa, vamos a empezar a trabajar un poco más en esas formas y sombras, y vamos a meternos en tonos medios. De acuerdo, entonces ponemos nuestro lavado más ligero. Viste que primera capa básicamente solo estaba reservando nuestros reflejos, y luego la capa encima de eso, los primeros pasos hacia construir valor en aquellas áreas que sí tienen, no blanco. En la siguiente lección, vamos a llevar eso un paso más allá. Vamos a empezar a construir nuestros medios tonos, agregando capas, y empezando a construir la forma de todos estos objetos separando el frente de la parte posterior, la sombra y la luz, y trabajando a través de la mayor parte de ese rango de valor. 15. Pintura: valores de tonos medios: En esta lección, estamos trabajando en la sección de tono medio. Esta es la sección principal del rango de valores. De verdad empezamos a obtener toda tu información, y en realidad no se sella el trato completo como lo hace el contraste, pero estamos tomando esa primera sección de capas, los lavados ligeros, y agregando de manera más forma, valor, y delineación. De verdad vamos a empezar a tener un sentido para nuestra vida muerta. Esta es también una gran etapa en la que se tiene sentido si algo está funcionando, o no funciona. Entonces si ves algo, o haz un cambio o tal vez vuelve a la primera lección, y reinicia con una composición diferente. Esta es una gran sección para simplemente mantener los ojos abiertos y mirar hacia fuera para cualquier problema potencial. Entonces esta lección, vamos a empezar a meternos en esa forma y esa sombra con un poco más de detalle y más oscuridad, así que vamos a trabajar en nuestros medios tonos. Eso va a ser aquí en mis pequeñas escalas de valor de cinco piezas, va a ser entre tres y cuatro. Si estás trabajando con una escala de valor de diez pasos, eso probablemente sea alrededor de cinco, seis, tal vez entrando en siete también. Esta es aquella vez en la pintura donde las cosas van a empezar a parecer objetos. Se trata de una pintura muy lavada. Vamos a empezar a meternos en definir, realmente no meternos en esos detalles nítidos todavía porque normalmente esos se hacen con ese profundo contraste. Eso será algo en lo que nos metamos en esa última lección, creando contrastes. Vamos a empezar, y probablemente voy a empezar primero con mi fondo con un bonito lavado húmedo y blanco para mantener ese enfoque suave del que estaba hablando en mis miniaturas. Se puede ver, como lo había planeado, estoy empezando con ese lavado de fondo, igual que lo hice en el otro video a excepción de esta vez estoy mojando toda el área del fondo versus justo donde va a fluir la pintura. Estoy bajando una capa de agua limpia, y estoy trabajando con ahora un lavado un poco más oscuro para empezar en el extremo izquierdo ahí y llevarlo hacia la derecha. Voy a dejar que sólo vagar sin embargo y crear estos bonitos efectos de sedimentación de pigmentos. Entonces otra cosa que quiero hacer de manera diferente es que voy a agregar más pigmento a esa esquina y empezar a bloquear en esa sugerencia del marco de ventana y solo dejar que todo fluya y se vuelva muy atmosférico. Si bien está mojado, también puedes simplemente caer en pigmento extra para enfatizar ese descenso a la sombra. Yo me aseguro de secar esta pieza entre estas grandes áreas porque lo que no quiero es que la siguiente área sangregue en eso. En esta capa, voy a empezar a agregar el volumen a mi área temática principal, que es el tazón de uvas en lugar de comenzar con el vaso y la botella. Voy a pasar el mayor tiempo en esta zona creando esas formas, tratando de conseguir las sombras y esa luz reflejada que es tan prominente tanto en el tazón fuera de la mesa como en las propias uvas. A veces, cuando estás lidiando con un tema complicado como este donde hay muchas formas intersecantes diferentes pasando, es útil trabajar con las formas más básicas, este es el tazón, y simplemente saca eso del camino, y luego sumergirse en lo más complejo. Simplemente da el siguiente paso más fácil y trabaja tu camino hacia esa complicada área. Se puede ver aquí la forma en que me acerco a las uvas y estoy agregando en esa sombra para luego poner agua limpia a su lado para permitir que algo de ese pigmento fluya alrededor. Parecerá que fluye alrededor de la forma de la uva. Tienes sentido para esa iluminación y la luz que está pasando, pero las zonas siguen fuera de su alcance. Se puede ver como estoy trabajando, también me estoy ocupando de eliminar tal vez áreas donde la pintura ha fluido demasiado. Ahora, puedo regular mi valor ya que cambia a través de la superficie de las uvas y te da esa ilusión de una superficie convexa. También vas a ver que voy a saltar de ida y vuelta entre diferentes áreas medida que la pintura se seca y veo si quiero agregar o ajustar. Sé que puedo volver a estas áreas en el siguiente paso también, pero siempre es bueno si ves que no te gusta cómo salen algunas cosas para ajustarlo a medida que sale. En estos grupos más ligeros, tengo que ser extra cuidadoso de que no agrego demasiado o deje que vaya demasiado lejos hacia la derecha porque manteniendo esos reflejos realmente vibrantes en el lado derecho de esas uvas donde la luz lo llama muy brillantemente se va a crear la atracción principal para esta pieza, para esta composición. Me aseguro de prestar atención extra a esos. Puedes ver aquí, estoy empezando a sumar algo del valor para las ramas empiecen a tener sentido visual de la composición. Sí tiende a facilitar que tu cerebro luego analice los demás sujetos. Pasando a los objetos de soporte, que serán nuestra copa de vino y la botella de vino. Empiezo con algunas formas nítidas en el valor que es apropiado para esta capa, lo que en mis cinco escalas, alrededor de un tres. Si estás trabajando en una escala de diez, sería alrededor de un cinco, seis. Vas a ver que no va a ser tan detallado como las uvas. Hasta voy a trabajar para disminuir parte del detalle a medida que entra, así que lo voy a sumar y sacarlo; añadir un poco más y sacar algo más solo para encontrar ese perfecto equilibrio de definición y mantenerlo no el tema principal. Se puede ver aquí porque la sombra debajo de las uvas es también otro elemento importante de esta composición que llené la mayor parte de la sombra con pintura, pero esa pequeña sección debajo de la uva, en realidad, lo lleno con agua y dejo que la pintura ruede, sólo porque en muchas de estas áreas, hay mucha luz reflejada dando vueltas, razón por la cual usar agua limpia para mezclarse y crear bordes suaves es tan efectivo. Vuelvo a secar esto porque quiero trabajar en estos aspectos destacados, como se puede ver en pequeños momentos aquí. Me estoy poniendo agua y luego levantando algunos aspectos destacados que me perdí en el tazón. Por lo que hemos terminado las sesiones sobre hacer medios tonos. Como se puede ver al mirarme, que estaba empezando con el enfoque real de la pintura. Esta vez, pasé la mayor parte del tiempo asegurándome de que las uvas estuvieran debidamente sombreadas y creando forma. No estoy del todo terminado, obviamente, tenemos una lección más que ir. Estoy agregando en algunos de esos oscuros más profundos en detalles, pero se puede ver, tienen los intereses más delicados. Pasé mucho menos tiempo cayendo al fondo, haciendo el vaso, haciendo la botella. Ya puedes ver, definitivamente estoy aprovechando donde la acuarela quiere simplemente hacer lo suyo. Entonces ya sea una floración o donde fluye de ida y vuelta, definitivamente le da un poco más de textura y le presta una característica a estos objetos que son cerámicos, es decir vidrio, líquido. Quieres que esa característica fluida salga a través, por lo que en realidad solo hace que tu pintura sea más interesante. También se puede ver donde tal vez, la acuarela fluyó demasiado y o la borré con mi pincel, un cepillo sediento, o con una toalla de papel. Este que puedes ver es bastante usado, pero es extremadamente suave y absorbente, así que solo usé eso para soplar pequeños reflejos, sobre todo, aquí abajo. Aquí es donde está la mayoría de mis intereses. Yo quiero prestar atención a donde hay luz reflejada. Esta sombra aquí es más clara porque también está reflejando la ligereza de la luz que llega a través de la uva, y entonces la uva también tiene un punto culminante reflejado de la mesa. Es captar estos pequeños detalles que le dan ese toque extra especial. En la siguiente lección, vamos a pasar por agregar en esos énfasis extra en el contraste en los detalles. Ahora tenemos nuestros medios tonos en. Realmente deberías tener un sentido para tu composición ahora, asegúrate de que todo funcione. Todavía no va a parecer bastante terminado porque eso es lo la siguiente lección te va a dar realmente ese contraste. Mucha gente que piensa que sus pinturas no funcionan del todo; a veces, es solo porque están atrapadas en esta etapa. Es esa siguiente etapa la que realmente va a empujar tu pintura agarrar el ojo del espectador así que pasemos a esa. 16. Pintura: valores oscuros y cómo lograr el contraste: Hemos llegado a la final de los videos del proyecto. Estamos haciendo contraste y toques finales a tu pintura. Ahora esta es, creo, una de las etapas más emocionantes de hacer una pintura. Simplemente se necesita mucho trabajo para llegar allí, razón por la que a veces se siente tan bien cuando lo haces. En esta lección, vamos a estar agregando nuestras capas oscuras finales. También vamos a estar revisitando cualquier área que parezca que son del valor equivocado. Ya sea que estemos levantando pigmento o agregando algunas capas extra, tal vez no sean las capas más oscuras. Tan solo para crear un rango de valor completo, vamos a estar viendo todo eso al hacer esos ajustes finales. Porque esta lección es todo sobre crear los tipos adecuados de contraste y hacer que la composición funcione como un todo. Como se puede ver, este último los tonos medios fueron de 3 y 4. Vamos a estar trabajando en ese rango de cuatro a cinco dependiendo de donde estemos trabajando. Aquí abajo vamos a necesitar llegar a ese rango de cinco. O si estás trabajando con el paso 10, ese rango nueve y 10 versus ciertas áreas donde no son mi foco o son simplemente más ligeras en valor. Llegaremos a lo que sea que el siguiente paso sea de lo que actualmente hay. Se puede ver aquí, me estoy centrando más en sólo añadir los elementos más oscuros de esta composición. Es divertido agregar contraste extra, pero quiero asegurarme de que algunas de estas áreas permanezcan en esos rangos de valor más ligeros. No estoy agregando demasiado a las uvas. Me estoy centrando en las sombras, me estoy centrando en los elementos que son naturalmente más oscuros como el lado de este tazón aquí. Voy a tener cuidado de preservar esos tintes más altos, así que mira aquí usando agua limpia para mezclarse en ese lavado de pintura más oscuro para preservar toda esta luz reflejada que está sucediendo. Entonces aquí, asegurándome de que poco a poco trabajo en crear la ilusión de esta uva reflejada en el tazón. Puede tomar un par de capas de afinar esto, secarse, agregar más capas. Una de las razones por las que también elegí el umber crudo es porque es un pigmento más fácilmente levantable. Aquí van a ver que soy capaz de rehumedecerme áreas, levantar, agregar más adentro, levantar más hacia fuera, y ahora puedo lograr esta delicada estratialización de todas estas fuentes de luz reflejadas. También acabo de tomar la decisión de meter esa uva de nuevo en el tazón. Simplemente no funcionaba. Es sólo una decisión con la que se puede jugar a medida que va, a medida que avanzas. Agregando más de estos oscuros extra al borde de los tallos solo para que destaquen un poco más porque son significativamente más oscuros que el valor de las uvas. Ya puedes ver que estoy empezando en los elementos de fondo ahora. He pasado la mayor parte de mi tiempo en los elementos de primer plano, que es ese tazón de uvas. Ahora puedo observar lentamente mientras agrego capas a estos elementos de fondo y puedo parar cuando pienso que la composición ha logrado cualquier look que busco, esencialmente. A veces no lo sabes hasta que lo ves. Pero aquí estoy agregando solo el valor para que los valores se vean correctos porque sí quieres asegurarte de que lo obtienes. Acerca de lo que voy a estar haciendo es difuminar parte de la nitidez de estas capas porque quiero que los valores sean correctos, pero no quiero que el detalle sea tan prominente como esa capa de primer plano. ocasiones, cuando trabajas en zonas, terminas con estos bordes blancos. Simplemente me estoy deshaciendo de algunos de esos porque no siempre son aparentes. A veces son realmente agradables para acentuar tus reflejos y agregan un bonito elemento estilizado a la acuarela. Pero no los quería en todas partes, así que solo me deshice de algunos de esos. Ya ven aquí sólo estoy tomando un poco de agua limpia y desdibujando. Ablandeciendo estas líneas para que no sean tan crujientes. En este punto, solo estoy agregando algunos oscuros extra al fondo para empujar eso hacia atrás un poco más. Entonces solo voy a nitpick en áreas creo que requieren más definición, separar objetos, esa cosa, y envolver. Es importante no agregar demasiados oscuros mientras estás nitpicking y simplemente dejarte llevar porque es el contraste lo que es importante. Hemos terminado la lección de agregar contraste y agregar nuestros oscuros más oscuros. Ya puedes ver que bajé a esa escala de valor número 5 si estás usando la escala 10. Sería tu 10º valor. Todo lo que me queda es que lo firme. Por lo general, no firmo mis cuadros hasta saber si van a ser enmarañados o etcétera Pero como esto es un ejercicio, sólo voy a firmarlo abajo en esta esquina inferior. Si bien eso se seca, hablaremos de algunos de los cambios que pude haber hecho en la última lección. Cualquiera de los detalles que había agregado y líneas afiladas y estos dos objetos, me fuzzé un poco solo tomando poco de agua y luego secando un poco y luego tal vez agregando algún valor mientras estaba mojado para solo mantener el valor pero perder la nitidez. La otra cosa que hice fue mover esta uva de nuevo al tazón. Como pueden ver en mi fotografía de referencia, no está colgando fuera del tazón. Había tomado esa decisión de diseño para agregar interés, pero pensé que parecía incómodo, así que lo volví a mover. Aparte de eso, acabo de usar esta lección para agregar esas áreas de contraste y valor súper profundos. Sólo sigue tirando hacia atrás. por lo que sólo me estoy inclinando hacia atrás de mi escritorio. Sigue mirando hacia atrás o toma una foto y mira la foto solo para ver dónde falta. Una buena manera de decir si no tienes suficiente contraste de valor es si miras un área y no puedes decir qué está pasando. Esto es especialmente útil si tienes esta zona aquí con las uvas donde todas tienen el mismo valor promedio. Pero entonces si no puedes decir si está retrocediendo o viniendo hacia ti, significa que necesitas hacer alguna diferenciación. Incluso entre estos dos ligeros valorados, se puede ver que esta uva está frente a esta uva porque hay un borde oscuro de la que está detrás de ella. Toca aquí tu última capa y pasaremos a la siguiente lección. Enhorabuena. Hemos terminado de agregar contraste. Si eres como yo, siempre me asombra lo mucho que cambia un cuadro en este último paso. Lo que hicimos fue mirar la composición en su conjunto. Asegúrate de que funciona, asegurándote de que nuestro rango de valores esté moviendo el ojo del espectador a través de la composición y dirigiéndolo a tu área de enfoque. También nos aseguramos de que si necesitamos sumar o restar algún pigmento en las zonas que puedan estar distrayendo o no recibiendo suficiente atención que atendemos a esos también. Pero ahora que tu pintura está hecha, 1, asegúrate de publicarla en la galería de proyectos porque me encantaría verlos y 2, bueno, si te estás preguntando qué hacer con tu pintura ahora, además, enmarcarla y admirarla, yo tener un par de clases de bonificación para ti viniendo después de esta lección. Siéntete libre de saltar a esos y puedes ver algunos pequeños trucos para usar tu pintura después de esto. 17. Extra: manipulación digital: No tienen que terminar los beneficios del monocromo cuando estás pintando está seco. En esta lección extra, te daré una vista previa de cómo puedes manipular digitalmente tu trabajo monocromático para obtener valor agregado. En esta lección, voy a repasar un poco de vista previa de cómo puedes usar un software como Photoshop para avanzar en lo que puedes hacer con tu pintura terminada. Aquí puedes ver, he escaneado y limpiado mi pintura y este es el archivo en Photoshop, y puedes ver lo tengo en el espacio de color CMYK. Eso es porque si quiero mandar esto a una imprenta, ya está en un espacio de color que la mayoría de las imprentas estarían pidiendo. Siempre se puede exportar como RGB también por el camino. Ahora, voy a estar trabajando en lo que Photoshop llama capas de ajuste. Esta es la ventana de aquí. Si no aparece en tu diseño particular, subes al panel de ventanas y seleccionas ajustes. Obviamente sólo lo apagué. Ajustes. Voy a estar trabajando primero para corregir el color que este escaneó en. Si estoy corrigiendo, sólo lo voy a mantener con estos deslizadores y necesito moverlo a la derecha para que sea menos caliente e incrementar la saturación. Al mismo tiempo, estoy mirando mi pintura real y viendo donde se ve más precisa. Digo que eso se ve bastante bien al umber crudo que tengo aquí. También quiero simplemente corregir algo de esta falta de contraste con la que escaneó, lo cual sí sucede. Digo, esto se ve bastante cerca de lo que estoy viendo frente a mí. Voy a etiquetar estos originales. Si quieres, puedes etiquetar ese umber crudo, pero solo lo vamos a llamar original y luego volver al panel de ajustes. Voy a añadir otra saturación de matiz. Yo quiero ver cómo sería esto si hubiera hecho esto en gris de Payne. En lugar de empezar aquí y ves ir a la derecha y todo es relativo a lo que había empezado con voy a dar clic en “Colorizar” y luego de esa manera, dondequiera que esté mi deslizador, ese es el color o los datos que va a mostrar. Yo quiero que sea un azul desaturado. Realmente no quiero meterme con la ligereza porque eso lo hace a través del tablero. Dejaré a ése en paz. En cambio, porque ves esto aplanado un poco, voy a añadir otra capa y solo subir este deslizador inferior para que se vea correctamente contrastado de nuevo. Esta vez voy a etiquetar ese gris de Payne. Entonces lo mismo, esto es valor oscuro agregado. Es así como se vería con el gris, el umber crudo de Payne , el gris de Payne. Puedes seguir haciendo esto y agregando diferentes colorways si querías ofrecer una impresión de varias formas en color, o si estabas haciendo esto, como entraremos en la siguiente lección, para que más imágenes de stock puedan ofrecer diferentes opciones dentro de un paquete. Podría usar esto para una variedad de propósitos. Empezando a ver las posibilidades con la manipulación digital? En la siguiente lección extra, ampliaré eso mostrándote cómo aplicar aún más tu trabajo monocromático. 18. Extra 2: aplicaciones: En esta segunda lección extra, tocaré algunas aplicaciones más para tu trabajo monocromático. Cuando se trata de pensar en lo que puedes hacer con tu trabajo monocromático, lo primero que siempre viene a la mente es enmarcarlo y usarlo como solo obra de arte original, lo cual siempre es una gran opción e incluso tienes alguna oportunidad de jugar con esto también. Ya sea que elijas enmarcarlo tradicionalmente con un tapete a un área de superficie rectangular, obtendrás un bonito aspecto de pintura clásico. Entonces si eliges flotar enmarcar tu pintura monocromática acuarela y lucir quizá algunos bordes de deckle, obtienes un boceto más a lápiz, fuera del puño, o un aspecto antiguo estudioso a tu pintura, lo que puede agregar un cierto elemento de estilo estético. Lo siguiente se mete en lo que muchos artistas se meten naturalmente es que son impresiones. Entonces si solo estás haciendo impresiones del original tal como está, o usando la lección extra anterior para manipular digitalmente ese matiz y ofrecer varias formas de color. Hay muchas opciones que podrías bajar, ya sea que las estés imprimiendo como está, o tal vez imprimiendo y embelleciendo a mano con algunos metalicos o acentos de cortesía. Ahí hay mucha oportunidad. Entonces la última sección es un elemento tan enorme de posibilidad, y eso es la concesión de licencias. Si te metes en licenciar con tu trabajo monocromático, solo hay tantas oportunidades, ya sea que te metas a licenciar una pintura como productos estacionarios y de papel, o que te metas en algunos productos 3D más. Quizás incluso ofreciendo viñetas de trabajo monocromático. Es un poco más fácil de aplicar y así podría usarse para logotipos, o la aplicación que siempre pienso, cuando pienso en la pintura monocromática es sobre botellas de vino. Siempre pienso que tienen etiquetas tan elegantes y simplemente se ven realmente atrayentes en ese estilo. La otra cosa en la que puedes meterte, además de más productos de papel como calendarios, imágenes de escritorio, etc. También está entrando en las imágenes de stock. Por lo que los diseñadores gráficos pueden estar buscando algo que sea muy sencillo que puedan aplicar a una amplia gama de usos. Ya sea invitaciones, para bodas, baby showers, o para materiales de marketing. Si eres capaz de ofrecerles un motivo realmente simple, ampliamente utilizable, tal vez de diferentes formas de color, si eres capaz de manipular eso digitalmente, serás una buena primera opción para ellos, y para distribuir aún más tu trabajo. Hay tantas posibilidades para aplicar tu nueva práctica de pintura. Definitivamente me encantaría saber cómo planeas compartir tu nuevo trabajo. Agrega cualquier pensamiento a tu proyecto en la galería. 19. Conclusión: Enhorabuena por terminar la clase. En las lecciones empezamos con tus materiales actuales y nos adentramos profundamente en explorar el color como factor independiente. Después de elegir nuestro color favorito, lanzamos juntos un arreglo de naturaleza muerta para que pudiéramos crear una obra maestra monocromática. Después de todo lo que hemos cubierto, espero que ahora compartan mi amor por la pintura monocromática. Desde los materiales mínimos hasta la estética clásica, realmente hay un valor subestimado al proceso. Ahora, asegúrate de compartir tu progreso y proyecto a la galería para que todos podamos admirar. Por favor, publique cualquier pregunta a lo largo del camino en el foro de discusión a continuación. Ahora, si estás en Instagram, siéntete libre de etiquetar tu proyecto con #valueofmonochrome para que pueda verlo y compartir tu éxito en mis historias. Ahora antes de terminar, por favor considera dejarme una reseña para la clase y sigue mi perfil si quieres notificaciones sobre futuras ofertas o actualizaciones aquí en Skillshare. Gracias de nuevo. Te veré la próxima vez.