Edición de películas y videos con Adobe Premiere Pro: el arte de la edición de películas

1. Edición de películas y videos con Adobe Premiere Pro: el arte de la edición de películas: Hola, mi nombre es Badillo Perez. Soy director de cine, actor y guionista. Llevo más de diez años escribiendo, filmando y editando mis historias , trabajando para cine y publicidad. Durante ese tiempo, he usado todo lo que aprendí de la mejor escuela de cine de España, trabajando delante y detrás de la cámara. Pero sobre todo, pasar miles de horas frente a mi computadora tratando de elaborar cada una de mis obras en muchos programas de edición, edición de películas y videos me ha permitido cumplir todos mis sueños hasta ahora de editar mis propios videos musicales, hasta editar cada una de mis historias un paso a paso, he creado este curso para compartir todo lo que sé de edición de video y cine. Este curso no se trata solo aprender a usar Adolph Premiere Software, sino de aprender los fundamentos esenciales de la edición que vas a usar a partir de ahora, independientemente del software que tengas frente Entonces, al final de este curso, tendrás una comprensión integral de cómo editar video y audio usando ado premiere para trabajar en cualquier proyecto cinematográfico. Veamos los contenidos del Taller y Edición Cinematográfica. Este curso está diseñado para que aprendas conocimientos teóricos y prácticos. En el primer módulo, aprenderás las herramientas fundamentales de un V Premier, que te permitirá dominar el software para que puedas comenzar a editar lo antes posible. Todas esas herramientas para realizar automatizaciones al texto, cambiar el tamaño del video, estabilizar tomas, todo lo necesario para dominar el estreno en su mejor momento Pero en este mismo módulo, vas a aprender los fundamentos de la edición, que aprendas a muestrear tomas profesionalmente en un proyecto de ficción Es necesario conocer el concepto de base de figura. Necesitas saber qué son los puntos suspensivos, la importancia de cronometrar una toma, la importancia del color en el pecado Es necesario saber cómo se determina el ritmo del corte en un video musical. Y vas a aprender todos estos temas paso a paso desde la etapa de entender un guión cinematográfico durante el proceso de edición hasta el momento mejorarás la calidad visual de las imágenes. En el segundo modelo, vamos a abordar la corrección de color y gradación de color. El rango dinámico es un concepto que va más allá de los aspectos técnicos de un formato. En realidad es una ilusión óptica que se puede lograr más allá de la resolución de una imagen. Y te voy a mostrar esto paso a paso desde el punto de vista de un pintor, ya que he pasado toda mi vida desarrollando sensibilidad a los colores a través de la pintura. Adicionalmente, aprenderás a agregar efectos visuales paso a paso. Y te dejaré material descargable para que puedas agregar estos efectos visuales a tus videos En el tercer módulo, trabajaremos en profundidad el diseño del sonido. Paso a paso, construiremos el diseño sonoro del pecado desde cero. De esta manera, tendrás conocimientos que la mayoría de los editores desconocen. Este conocimiento te dará una ventaja sobre el resto. Todo esto es mucho más en esta experiencia cinematográfica. Debes recordar que como proyecto para este curso, debes crear ventaja de una escena muy sencilla donde te despiertes y te preparas en tu habitación. Todo lo que necesitas es grabarte con un smartphone y luego editar en tu computadora utilizando todos los conocimientos de este curso. Mi nombre es Valles y este es mi Atelier en edición de Fom. 2. Introducción Conceptos principales: elipsis, tiempo y color en el primer enfoque de edición: Hola a todos. Bienvenido a esta gran oportunidad de aprender sobre la edición de películas. Vamos a comenzar con este primer modelo en el que vamos a ver en detalle las herramientas narrativas fundamentales que debes conocer para comenzar a editar. Adicionalmente, esto es por supuesto en el que vamos a aprender a usar Adobe Premier. Es necesario abordar aquellas herramientas principales que, desde mi punto de vista, son las necesarias para abordar cualquier proyecto de edición, cualquier proyecto cinematográfico. La edición cinematográfica y la edición de video no es un mero tema técnico. Entonces a medida que aprendamos a usar el software Adobe Premiere, aprenderemos cosas importantes relacionadas con la edición y la realización cinematográfica En este mismo modelo, vamos a aprender sobre el proceso de montaje de disparos. Creo que para la ficción es fundamental. Durante este primer modelo, vamos a ver varias lecciones relacionadas con esto. Donde revisaremos el mismo concepto pero en diferentes ejemplos. Me refiero a ejemplos profesionales que estaremos editando en el software de estreno y otros ejemplos profesionales en la pantalla. Todo este conocimiento forma parte de lo que aprendí en mi maestría en escritura de guiones como la mejor escuela de cine de España. Scag, no pierdas la oportunidad de aprender esto. Empecemos de una vez por todas con esta lección teórica. Lo primero que debes saber es que en el proceso de edición, existen tres conceptos fundamentales o herramientas narrativas que debes usar a la hora de editar. Cuando se trata de un proyecto cinematográfico. Con un proyecto de ficción, básicamente, edición cinematográfica es una etapa más de escritura de guiones porque sucede que se escribe un guión para poder grabar todas las tomas que representan ese guión o al menos acercarse a ese guión Pero en el proceso de edición, vamos a unir los planos para contar lo que hay en el guión. En ese proceso, surgirán problemas y chal***ges que no fueron posibles de ver durante el rodaje Durante la escritura adicionalmente, es la última etapa de la escritura, porque el guión no es la película, sino la edición es la película. Así que presta atención a lo importante que es. Entonces estos tres conceptos son elipses, tiempo y color. Empecemos entonces. La elipsis es una herramienta narrativa que permite resumir información en una Me refiero a momentos omitidos en una cadena de eventos para acortar la duración de la película Te permite saltarte ciertos momentos que no interfieren con la comprensión de la historia. Esto va a suceder por una razón muy sencilla. El público ve una escena y ya entiende lo que pudo haber pasado entre los saltos de tiempo. Es decir, qué pudo haber pasado en esa información que no te estoy mostrando porque se entiende. Entonces veamos este ejemplo que es muy bueno en la película 12 Years Slave. Hay un momento en el que Salomón pide ayuda a un hombre que trabaja como carpintero Los actores? Brad Bet. Efectivamente, veamos la escena y luego te diré, soy originario de Canadá. Supongo que dónde está eso, sé dónde está Canadá. Yo mismo he estado allí, Montreal y Kingston, y Queenston, muchos lugares muy transitados para ser esclava ¿Cómo llegó usted aquí, Maestro Bash? Si se hubiera hecho justicia, nunca hubiera estado aquí. Como es esto, dime todo lo que me da miedo decirte. Cada palabra que hablas es profunda. Secreta tu historia. Es increíble y de ninguna manera ¿Cree usted, señor, en la justicia como ha dicho, yo lo hago? La esclavitud es un mal, no debería suceder a ninguno Como se puede ver, para ese momento la película ya casi termina, creo que quedan minutos para terminar. Es decir, no hay ningún caso en volver a contar la historia de Salomón. Entonces se supone que Salomón debe contarle su historia a ese hombre. Esa historia que ya sabíamos. Eso es todo lo que vimos en la película hasta ese momento. Y por eso hay un salto narrativo directo desde el momento Solomon pide ayuda hasta el momento en que el personaje de Brad Pitt se lo cuenta. Esa es una historia increíble, no en el buen sentido ese salto es elipses. No necesitamos mostrarle a Salomón contando la historia al otro personaje. Pero como nosotros como público conocemos la historia, podemos imaginar lo que le contó al otro personaje. Por lo que esta estrategia narrativa permite reducir el ***gth del montaje En cualquier caso, veremos otro ejemplo práctico más adelante. El otro elemento importante es el tiempo. El ***gth de un disparo cambia el significado de un disparo Esto es muy importante, vamos a ver un ejemplo muy rápido, pequeño en una de mis obras, 2012. En esta escena, que en realidad es un flashback, me refiero a un recuerdo, notamos que el personaje está mirando a la familia, la familia indígena, pero sobre todo el personaje mira a las de la familia en la escena dura mucho tiempo El cambio de miradas dura mucho tiempo. Pero sucede que este proceso de búsqueda de segundos genera expectativas en el público. Porque el personaje no es simplemente mirar algo para reconocerlo, sino que está mirando al niño desde hace mucho tiempo por tal vez dos razones. El primero es que a lo mejor el personaje se conmueve por lo que está mirando. Es decir, la familia con su hija le parece muy tierna. Pero por otro lado, a lo mejor quiere tener una familia o tal vez sea su hija. No lo sé. Tantas cosas que puedes imaginar solo por el hecho de que está mirando algo desde hace mucho tiempo. Porque cuanto más tiempo pase el público, más preguntas se harán. El otro elemento es el color. El resultado del color es importante en una misma escena. puede notar que como son flashbacks, para que esas escenas fueran tomadas como flashback, es necesario utilizar una corrección de color diferente en esos momentos para dar más información a la audiencia Es decir, deben ser conscientes de que esas escenas son un momento diferente a las que estaban viendo antes. Aquí, hay otro ejemplo de un flashback. Se supone que el personaje está recordando un momento pasado con ese nativo con el que se ha encontrado. Como puede ver, la memoria tiene otra corrección de color, otra gradación de color. Adicionalmente, el color también está relacionado con los movimientos e iluminación en la corrección de color No se supone que debes seleccionar un color para escena que pueda ser perjudicial para el movimiento de la escena. Como puedes ver, estos son elementos muy importantes a la hora de contar historias editando. No importa si es una película o un comercial. No importa si es un video de Youtube. Todas estas herramientas se utilizan para contar una historia correctamente. Posteriormente, veremos otro elemento importante relacionado con el montaje de los disparos, que es el orden de los disparos. Pero eso lo veremos en otra lección hasta la próxima vez. 3. Equipo recomendado: El propósito de esta lección es darle mis recomendaciones respecto al equipo. Deberías tener que editar profesionalmente el video desde casa. En primer lugar, necesitas una buena computadora. Esta computadora debe sobresalir en tres características principales. En primer lugar, una buena unidad de procesamiento gráfico, que permite tener un buen flujo de trabajo al trabajar con los formatos actuales. Adicionalmente, debe tener un disco duro sólido de alta velocidad. Este tipo de disco duro permitirá que la computadora transmita información entre el disco duro y el software de forma rápida, instantánea. Y eso es algo que realmente va a acelerar tu flujo de trabajo. Y por último, una buena CPU que también es esencial en la edición, eso sería lo más importante en cuanto al rendimiento de la computadora. Entonces vamos a la parte de corrección de color. Sé que la mayoría de ustedes tienen laptops. Hay un problema a la hora editar colores en una computadora portátil. Las pantallas de los portátiles están adaptadas para trabajar incluso al aire libre. Es decir, la pantalla se puede ver incluso en presencia de luz solar. Por lo tanto, casi todas las pantallas tienen más luz de la que suele tener cualquier monitor. Entonces a la hora de hacer corrección de color, te recomiendo encarecidamente tener un monitor extra que puedas conectar a tu laptop. No importa si no es un monitor de gama alta. Simplemente será tu referencia para editar los colores y la iluminación correctamente. Después de todo, solo necesitas comparar los colores de esas obras que usarás como referencia con los colores de tu obra. La pantalla del portátil te dará problemas a la hora agregar la cantidad adecuada de luz a tus videos. Para la parte de edición de audio, necesitarás tres cosas fundamentales, Principalmente auriculares que te permitan trabajar correctamente el audio, por ejemplo, Lo mismo es 280 son muy buenos para tener éxito editando audio. No obstante, debes saber que los auriculares no reproducen las frecuencias más bajas. Si quieres hacer un diseño de sonido que suene completamente profesional, te recomiendo encarecidamente que tengas un par de monitores como los que estás viendo ahora mismo. Se trata de monitores prosónicos. No son tan caros. Pero sucede que para poder trabajar con monitores de audio, necesita una interfaz de audio, que es un dispositivo que permite procesar el audio o no usar demasiados recursos informáticos. Adicionalmente, te permite conectar micrófonos para grabar, y obviamente ahí es donde debes conectar los monitores que mencioné antes Estas serían todas mis recomendaciones respecto al equipo que deberías tener a la hora de editar videos y películas. Ahora estamos listos para comenzar a aprender sobre Adobe Premier. 4. El principio de la configuración de un proyecto en Adobe Premiere: Perfecto, estamos, aquí. Vamos a abrir nuestro software de edición, que es en este caso, estreno. Entonces voy a ir a mi carpeta para hacer clic en el icono en el atajo. Te recuerdo que independientemente del software que utilices, una vez domines uno, será mucho más fácil dominar el resto de los softwares de edición de video abrirá esta ventana de bienvenida en la que encontraremos los proyectos recientes que habíamos trabajado, pero también la posibilidad de crear un nuevo proyecto. Damos click en Nuevo Proyecto e inmediatamente se mostrará esta nueva ventana. ¿De qué se trata esto? En esta ventana, encontrarás los ajustes generales del proyecto. Principalmente el nombre del proyecto, especialmente la carpeta en la que el software guardará todos los archivos temporales que crearán para que el flujo de trabajo sea mejor para nosotros. Podemos dar click en Navegar y elegir la carpeta donde quieres que se guarde toda la información. Lo cual va a ser muy importante porque eventualmente vamos a tener que eliminar archivos o también recuperar archivos. Por defecto, el software guarda todos estos en la carpeta Documentos de Windows o Mac. En primer lugar, vamos a nombrar nuestro proyecto por aquí. Vamos a anotar la edición de video por ejemplo. Se puede ver que aquí abajo, hay tres grifos. El más importante es este primer general. Lo primero que vamos a encontrar es esta caja relacionada con la renderización y reproducción de video. Donde podemos cambiar el hardware de video que utilizará la computadora para trabajar en el proyecto, ya sea en el monitor general del software así como a la hora de crear los archivos finales. Recuerda que el software está constantemente creando archivos para que podamos ver una revisión de lo que estamos editando aquí. En esta pequeña pestaña, podremos elegir ya sea la tarjeta GPU de la computadora, especialmente para video, o la tarjeta de video integrada de la computadora. Esto es muy importante porque obviamente al usar la GPU, todo es más rápido pero también menos estable. Por ejemplo, este error podría aparecer mientras estás exportando el archivo final, lo que significa que la tarjeta GPU falló porque se puso demasiado caliente o porque no tiene suficiente energía para crear ese archivo. Eso depende del tipo de proyecto que estés editando. Cuando apoyes el archivo final o hagas los archivos renders, podrás usar uno u otro. No obstante, si tienes la computadora de última generación, no creo que tengas un problema menor. Entonces en ese caso, siempre se deben tener las computadoras DPU seleccionadas En este cuadro siguiente, vas a establecer cómo quieres que se mida el tiempo por fotogramas o por tiempo. En este momento, no vas a entender esto. Te lo voy a explicar cuando estemos aprendiendo sobre la línea de tiempo porque es más fácil verla y te explicamos primero cómo preparar un proyecto. Vale la pena mencionar que podrás cambiar esto en cualquier momento en este parámetro de audio. Podremos elegir cómo queremos que la línea de tiempo mida el tiempo para el audio. Para ello, debemos entender cuál es la frecuencia de muestreo. La frecuencia de muestreo es la resolución del audio, es decir el número de muestras de grabación que tiene un archivo de audio. La línea de tiempo puede medir el tiempo para cada una de esas grabaciones, así como para milisegundos, que sería el tiempo continuo El siguiente cuadro funciona para establecer el tipo de formato de captura de video. Todavía hay algunas cámaras en el mercado que funcionan con cinta y también con papeles cinematográficos. Esta caja de captura nos permite establecer qué resolución queremos que sea la captura para conectar el software al hardware TR, que es el dispositivo que se usa para eso, pero en realidad eso es algo que realmente ya no se usa. Esta última caja está relacionada con una posibilidad que se ha dado a los usuarios para mejorar la edición de color, especialmente cuando utilizamos cámaras de película que tienen un alto rango dinámico de colores. Por lo que esto nos permite tener una mejor configuración entre el software y nuestro monitor físico. Pero en realidad, personalmente ya que me dedico a hacer ficción, pienso que la calidad de imagen no sólo está relacionada con el rango dinámico, sino más bien con la calidad fotográfica en la iluminación. Pero sin embargo, si es el caso de las obras de animación, por ejemplo, donde hay que respetar realmente el color de los paisajes o personajes para sacar lo mejor de ellos. Podemos cambiar la configuración a los valores más altos para tener una mejor referencia. Pasemos al segundo toque. Este segundo golpecito que vemos aquí, rasca esto. Es muy importante. En esta pestaña, vamos a indicarle al software dónde va a guardar los archivos temporales del proyecto. Estos archivos temporales que el software va a crear para mejorar el flujo de trabajo en estas carpetas, no solo se guardarán los archivos temporales, sino también los archivos de captura. Adicionalmente, los archivos de grabación de audio también se guardarán allí en estas carpetas. En el caso de que hagamos un Davin por ejemplo, debemos prestar mucha atención a esta carpeta Obviamente, elegimos la carpeta principal donde se guardará el proyecto. Pero en este caso, en esa misma carpeta, se crearán subcarpetas que contendrán todos estos archivos temporales y archivos no temporales. Te recomiendo encarecidamente que no cambies la ubicación de estas carpetas porque se supone que todos los archivos del mismo proyecto están en el mismo lugar. No sólo para mantener el orden y evitar que ocurran errores en la computadora, sino también porque es posible que nuestro equipo se bloquee inesperadamente. Entonces tendremos que trasladar todo el proyecto a otra computadora, por lo que debemos saber dónde están todos los archivos relacionados con un proyecto. Por otro lado, también en muchas ocasiones vamos a necesitar eliminar archivos temporales relacionados con los renders. Es decir, para liberar espacio en el disco duro. Esta tercera pestaña que tenemos aquí es la configuración de ingesta. ¿Para qué sirve esto? Resulta que en algún momento vamos a trabajar en proyectos donde van a usar cámaras de película. Esos archivos generados en la cámara de película van a tener una alta resolución y van a ser bastante pesados. Por lo tanto, vamos a tener que transferirlos a un disco duro externo antes de que lleguen a nuestro equipo. Esta herramienta de Ingesta me permite mover esos archivos que están en el disco duro externo al duro interno de la computadora con mayor facilidad ¿Cómo vamos a hacer esto? Debemos seleccionar esta pequeña caja que vemos aquí y el estreno adoptará automáticamente se conectará con otro software de la misma suite de adopción llamada Medi Encoder Ese software hará la transferencia mientras seguimos trabajando en Premier. Es una herramienta muy útil, pero en realidad, requiere que tengamos una computadora lo suficientemente potente como para hacer ambos procesos al mismo tiempo. Adicionalmente, podemos seleccionar un lugar donde queremos que se copien los archivos del disco duro. Es interesante porque incluso podemos guardar en el audio Creative Cloud o en la carpeta que queramos en la computadora, tenemos la opción de copiar los archivos con verificación o sin verificación. ¿Para qué sirve esto? Porque a veces los archivos que vienen de la cámara, algunos de ellos tienen errores. que el software nos permita verificar cuáles de ellos tienen errores, ya sea para corregirlos o para saltarse la transferencia de esos archivos. Pero también tenemos la opción de copiar sin verificación, pero por otro lado, podemos cambiar a la opción de transcodificación Esto me permite copiar los archivos, pero convertirlos a un formato comprimido de alta resolución, lo que me permite editar casi como si se tratara de los archivos originales. Sin embargo, tenemos la opción al final de la edición de exportar tanto usando esos archivos como usando los archivos originales en máxima resolución. De la misma manera, el codificador medi copiará los archivos en segundo plano mientras trabajamos en el estreno Aquí hay varios formatos, algunos más pesados que otros, pero en general todos tienen buena resolución. Son archivos comprimidos, pero tienen una gran resolución e información para que podamos editar con ellos e incluso exportar usándolos sin perder tanta información. La siguiente opción es crear proxies y ¿qué es un proxy? la misma manera que podemos crear los archivos comprimidos anteriores, podemos crear los proxies que son archivos aún más comprimidos que me permiten trabajar con archivos sin compresión en alta resolución Ocurre que a veces trabajamos con cámaras de película que generan archivos de cuatro claves o seis claves u ocho claves que son muy grandes. Los proxies son archivos gemelos de baja resolución que Premier utiliza para hacer esto mejoran enormemente el flujo de trabajo como si estuviéramos editando con una computadora súper potente Podremos hacer lo que estábamos trabajando con los archivos originales, pero al exportar el software se conectará con los archivos originales. Los proxies van a ser tus mejores amigos. A partir de ahora, en realidad los vamos a utilizar en ejemplos más adelante. Es importante prestar atención a las lecciones donde hablo sobre este tema de los archivos proxy. De la misma manera podemos elegir en qué carpeta queremos que el software guarde el archivo, los archivos proxy, hay las mismas opciones. Guarde los archivos en la misma carpeta del proyecto en Creative Cloud, y también la opción de elegir la carpeta. Podemos cambiar los parámetros del proxy, es decir de muy baja resolución a una vez con más resolución. Es muy similar al caso de la transcodificación de archivos comprimidos Con la diferencia de que en el caso de los archivos transcodificados, casi todas las opciones tienen alta calidad Es importante entender que tanto en los casos de proxy como de transcodificación, estos parámetros se utilizan para mejorar el flujo Ese es su principal objetivo. Es solo que a veces tenemos una cámara de cine y queremos trabajos rápidamente que no requieran de súper resolución. Los archivos transcodificados son perfectos. La última opción es copiar y crear proxies. Esta función me permite crear dos carpetas separadas. Por un lado los archivos originales que están en el disco duro externo. Por otro lado, en otra carpeta, los proxies. Recuerda que el codificador met transferirá todos esos archivos en segundo plano, pero en realidad, como te dije, también consume computadoras memoria de ejecución De todas formas, vamos a seguir hablando de los archivos proxy más adelante ya que te mostraré cómo conectar los proxies a la edición en el monitor del programa Pero es importante conocer este tema de los proxies porque la mayoría de ustedes no tienen una supercomputadora Incluso esas computadoras que pensamos son súper potentes, Mac de última generación por ejemplo, incluso esas necesitan usar proxies. Una vez que hayamos terminado la configuración general del proyecto, simplemente tenemos que hacer clic en Bien, y nuestro proyecto se abrirá de inmediato. Como ya tengo un proyecto creado precisamente para enseñarte a usar el software, simplemente haré clic en Cancelar, y seleccionaré uno de los últimos proyectos recientes donde vamos a trabajar. Entonces esto sería lo más importante a la hora de crear un nuevo proyecto. Entonces esta primera lección está hasta aquí, y seguiremos aprendiendo sobre este software premier para adultos en la siguiente lección. 5. Crea una secuencia Conoce los formatos de video y la relación de aspecto: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en Adobe Premiere. En esta lección, vas a ver cómo crear una secuencia, que creo que es lo más importante para empezar a trabajar en Adobe Premiere. Antes de comenzar, quería mencionar algo relacionado con la distribución de las carpetas. Cuando estamos en un proyecto, debemos saber cuál es la carpeta general para poder identificarlo. Simplemente observamos que el nombre del proyecto aparece subrayado, como puedes ver aquí, mientras estamos en esa carpeta. Además, el botón de retorno no está habilitado. Este botón de aquí no está habilitado. Si hago clic en esta carpeta automáticamente, el botón de retorno está habilitado. Y claro, en este caso, esta carpeta se identifica con otro nombre que se encuentra en. Pero recuerda que puedes identificar las carpetas como quieras, es decir, poner el nombre que quieras. Voy a escribir la carpeta uno. Sabiendo esto, ahora podemos pasar a lo que es importante, cómo crear una secuencia. En primer lugar, al hacer clic con el botón derecho del ratón, ya sea dentro de la carpeta o en este espacio de aquí arriba, se habilitará la opción de crear un nuevo elemento. Puede ser una nueva carpeta y una nueva búsqueda de carpetas, que es en el caso de que tengamos muchas carpetas, o también puede ser un nuevo elemento. En esta última opción, aparecerá un largo conjunto de artículos. Pero por ahora, nos vamos a centrar principalmente en el primero de la secuencia. Inmediatamente, al crear la secuencia, se abre esta ventana donde aparecerán estas carpetas con diferentes presets Cada uno de estos presets está relacionado con las configuraciones de los diferentes tipos de cámaras con las que podríamos haber filmar las escenas No recomiendo usar ninguno de estos presets porque se supone que debemos aprender a configurar nuestra secuencia entendiendo cada uno de los parámetros que tendrá esta secuencia Al final, tenemos que poder configurar la secuencia como realmente queremos. Sin mencionar que muchos de estos presets están relacionados con formatos para emisión de televisión de onda que casi ya no existen Debemos ir directamente a los ajustes aquí mismo. Vamos a poder elegir los parámetros específicos para la secuencia. El primero es el modo de edición. Aquí vamos a encontrar todos los presets que vimos anteriormente pero todos mostrados en una lista Pero como te dije, siempre será mejor hacerlo nosotros mismos, elegir los parámetros específicos para nuestra secuencia. Te recomiendo seleccionar personalizado. selección personalizada permite la configuración de todos los parámetros, así que presta atención a la diferencia. Si selecciono alguno de los otros presets, observe cómo no puedo modificar el tamaño del fotograma, ni el campo de visualización, ni las reseñas de video Como te dije, cuando seleccionas personalizado, todos los parámetros puedes modificar como quieras. Así que asegúrate entonces de que la secuencia esté en costumbre. El primer parámetro son los fotogramas por segundo. Recuerda que las imágenes en movimiento están compuestas por marcos que son fotos que al pasar rápidamente una tras otra generan defecto de movimiento. En el caso del cine, son 24 fotogramas por segundo. 23 coma 976 es exactamente lo mismo. Hay otras configuraciones, como las de televisión que tienen 30 fotogramas o 60 cuadros por segundo, pero siempre debemos establecerlo en 24 cuadros por segundo. Después de esto, debemos ir a la caja de video. En este cuadro, vamos a encontrar cinco parámetros importantes a los que vamos a prestar atención a los dos primeros, el tamaño del fotograma y la relación de aspecto de píxeles. Empecemos con el tamaño del marco. Este parámetro nos permitirá establecer la resolución del marco. Es decir, el número de píxeles que tendrá cada fotograma. Recuerde que cada formato, HD dos K, etcétera, tiene un número específico de píxeles El siguiente parámetro, relación de aspecto de píxeles, está relacionado con el tipo de deformación que cada uno de estos píxeles tendrá que adaptarse a un tipo específico de pantalla. Recuerda que hay diferentes tipos de pantallas, esas pantallas de cine alargadas. También las pantallas de los televisores digitales e incluso las pantallas de televisión del siglo pasado que son más cuadradas, la relación de aspecto de píxeles distorsiona los píxeles para lograr esta adaptación Y te voy a dar un ejemplo. Aquí lee 14, 40 por 1080, pero aquí por un lado también lee 169. Y eso significa que con la distorsión que está generando la relación de aspecto de píxeles de 1.3 la pantalla se vería 169 porque los píxeles se estiran al tamaño para lograrlo. Pero esta no es la forma correcta de hacerlo en una edición de video de esta época. 2023. Porque hoy en día casi todos los dispositivos en todas partes tienen una alta resolución y muchas pantallas que se adaptan al tamaño original del video. Sabiendo esto, debemos volver a la configuración y seleccionar los píxeles cuadrados. Presta atención que en la pestaña hay varias opciones de deformación, pero te recomiendo encarecidamente que siempre uses píxeles cuadrados para que la forma de la imagen esté realmente relacionada con el número de píxeles que hemos establecido en el tamaño del fotograma. Preste atención ahora al tamaño real relacionado con esta resolución y una relación de aspecto de píxeles cuadrados. La imagen ahora se ve cuadrada, como una televisión vieja porque está respetando el aspecto cuadrado de los píxeles. Entonces, si quiero cambiar el tamaño de la imagen para que se vea como una pantalla de televisión digital en cualquier hogar que sea 169, entonces tendré que llevarla a 1920 por 1080. De esa manera, la imagen sería 199 con los píxeles cuadrados como una televisión digital, y lo estaríamos haciendo de la manera correcta. Eso significa que si quisiera crear un look mucho más estirado a los sitios como en el caso de las pantallas de cine, tendría que agregar muchos más píxeles a la línea horizontal para llegar a ese tamaño. Por otro lado, es importante saber esto. Si es el caso de un video para Instagram o Tiktok, quiero decir con una apariencia vertical, debes invertir la proporción del tamaño de la imagen Debemos residir primero, 1080, luego 1920, por ejemplo. De esta manera, nuestro monitor de programa tendrá la apariencia de un video para reales. Pero haciendo esto, debes prestar mucha atención a algo que sucede que cuando estés editando más adelante vas a tener que adaptar los videos a este aspecto. Vas a tener que resumir, en la imagen lo suficiente para adaptarnos al aspecto, pero vamos a perder resolución. Tengo dos recordatorios. En primer lugar es que grabes con una cámara con resolución suficiente para que incluso sumando de esa manera no pierdas mucha resolución La otra solución es girar la cámara verticalmente para que grabe verticalmente. El problema es que vas a poder hacer esto solo con una cámara réflex digital Con una cámara de película no es tan fácil. Pero sigamos con otra cosa importante sobre el aspecto pixel, la radio. Porque todavía hay cámaras en el mercado que graban, por ejemplo, en 1920 por 1080. Pero nos dieron la posibilidad de tener un look cinematográfico que se alarga al sitio El archivo generado por la cámara vendría con píxeles distorsionados por defecto En esos casos, la herramienta de radio Pixel Aspect es útil para que la imagen no se distorsione si es el caso de que estamos trabajando con la cámara cuyos archivos son HD pero distorsionados a 1.3 para tener un aspecto cinematográfico Nuestra secuencia no se puede establecer en píxeles cuadrados porque la imagen se verá apretada. En el ejemplo que estás viendo, puedes ver cómo se vería una imagen originalmente grabada con una relación de aspecto de píxeles de una relación de aspecto de píxeles de 1.3 en una secuencia con píxeles cuadrados. Ahora, particularmente en el caso contrario, funciona de manera diferente. O sea, si el archivo de video que estoy usando originalmente tiene una relación de aspecto de píxeles de uno, ese es su cuadrado. Si cambiara la configuración de la secuencia a 1.3 la imagen de video no se distorsionaría simplemente que cuando se admite el archivo, el archivo tendrá los píxeles estirados al sitio Es importante tener en cuenta que casi todas las cámaras de cine de hoy en día no distorsionan la relación de aspecto de píxeles Simplemente traen configuraciones con más píxeles, de menos píxeles para adaptar el número de píxeles al aspecto amplio de la pantalla de cine o al aspecto cuadrado de televisores antiguos En cualquier caso, puedes jugar con este parámetro. Siempre recomendaré usar los píxeles cuadrados. Si es el caso de que necesitas que la imagen se vea más amplia, simplemente modifica el número de píxeles al punto necesario. De hecho, ni siquiera hay que respetar el aspecto tradicional de Ratio. Puedes hacer la imagen tan ancha o cuadrada como quieras esto. Aquí está el aspecto tradicional de las pantallas digitales 169. Es importante mencionar que incluso después de crear la secuencia, puede continuar modificando los parámetros de la secuencia simplemente haciendo clic en la secuencia con el botón derecho del mouse y luego yendo a la configuración de la secuencia. El siguiente parámetro son los campos. ¿En qué consiste esto? Hace mucho tiempo cuando solo había televisores analógicos y transmisión de televisión analógica. Una cosa era reproducir una película en una sala de cine en otra muy distinta. Transmitirlo por señal abierta transmitir tramas por segundo a una señal abierta fue muy difícil. Tenían que recurrir a otra tecnología para que el ojo humano pudiera percibir los fotogramas por segundo, como en una sala de cine. Entonces se inventó una tecnología que permitía duplicar los fotogramas mediante el uso de barras horizontales que mostraban la imagen lo suficientemente rápido. Para que el humano, no detectara los fotogramas pasando uno tras otro. Una de esas tecnologías es NTSC que se utiliza en todo el continente americano En el otro está la Tecnología Pol que se utiliza en Europa. Tenemos estas dos opciones para elegir de aquí, campo superior e inferior. Primero, eso pertenece a esas dos tecnologías. Pero esto existe en Nado Premier, porque aún hoy hay una televisión de señal abierta. Es necesario que tengamos la posibilidad de configurar nuestro proyecto bajo esa configuración. Pero lo cierto es que siempre se debe establecer la secuencia en escaneo progresivo. Es decir, esas barras no aparecen, el flujo de fotogramas es continuo como en una televisión digital. De esa manera podrás tener la mejor calidad de video en tu secuencia. Posteriormente en la exportación, si quieres o es necesario para ti, puedes adaptar el archivo final al formato NTSC o pila cuando Pero siempre recuerda poner la secuencia en progresiva para que la imagen quede lo más limpia posible. En realidad, si olvidas poner esto en progresivo, notarás algunas barras horizontales en la imagen. El siguiente parámetro que tenemos aquí es el modo de medición de tiempo en el formato de visualización de la línea de tiempo. Ya te lo conté cuando estábamos creando el proyecto. Hay varias opciones. El primero es decirle al software que siga los fotogramas por segundo mientras visualiza el tiempo continuo. Esta segunda opción, no drop frame time code, es un modo que nos permite adaptarnos a los errores que pueda tener la captura como resultado del proceso de transmisión de datos desde la cinta a la computadora. Esta opción me permite saltarme esos errores y seguir el tiempo continuo. No vamos a usar esto. Siempre debemos usar el código de tiempo, que es la forma adaptada al tiempo real en la edición. Y tú, tú mismo te darás cuenta de esto cuando estés midiendo la duración del seno una y otra vez. También está el modo de alimentación más marcos, 16 milímetros y 35 milímetros. Esto es para cámaras de rol de película con este formato analógico. Entonces el software mide la cantidad de película Led en su relación con los fotogramas por segundo. Y por último, está el modo frames, en el que solo se mostrarán los frames y no el tiempo. Cuál es la diferencia visualmente en la línea de tiempo vamos a usar, por ejemplo, el código de tiempo continuo. Ahora mira la línea de tiempo donde puedes ver la hora directamente y tener la hora general. O no sólo en la línea de tiempo, sino también en el monitor del programa. Pero puedes cambiarlos en la configuración, por ejemplo, a marcos. Ahora presta atención al cambio de códigos de tiempo a fotogramas. Ahora muestra cada uno de los fotogramas. Aquí en el monitor, lee cero porque no hay ningún video seleccionado en la línea de tiempo. Pero también en el mismo espacio de trabajo de línea de tiempo, podemos cambiar la visualización de la hora como queramos. Quiero decir, es una característica que no es exclusiva de los ajustes de secuencia. De la misma manera, también puedes cambiarlo en el programa Monitor. El siguiente parámetro es el espacio de color de trabajo que había mencionado cuando estábamos creando el proyecto. Tenemos varias opciones para trabajar con alto rango dinámico de colores, pero como te dije, te las explicaré más adelante. Lo importante es que podamos cambiar todos estos ajustes cuando queramos. El siguiente parámetro es el parámetro de audio, donde vamos a encontrar la frecuencia de muestreo. Esa es la resolución que había mencionado en las lecciones anteriores. Podremos elegir varias resoluciones y esto dependerá de la interfaz de audio que tengas. O sea, si tienes uno o también en los recursos de la computadora, claro, cuanto mayor sea la resolución, mejor será el audio, pero también consume muchos más recursos No solo podemos modificar la frecuencia de muestreo, sino también cómo se medirá el tiempo de audio en la línea de tiempo. Pero no se obsesione demasiado con esto. Esto realmente no cambia nada importante, es solo una característica visual en la línea de tiempo que veremos más adelante. Esta última caja que tenemos aquí abajo es el video previsualizado. El primer parámetro de esta caja tiene que ver con el monitor del programa. Ese es el tipo de formato que se mostrará la secuencia en el monitor. Te recomiendo encarecidamente que elijas el tiempo rápido. Simplemente son formatos pre view. De hecho, todos están comprimidos. Para tener un mejor flujo de trabajo, siempre lo dejo en el códec de animación. Pero también hay otros formatos comprimidos pro rest. Hay muchos diferentes. Hay algunos con más calidad que otros, y de hecho es algo que también puedes cambiar en cualquier momento. Esto no tiene nada que ver con la exportación, simplemente los parámetros que tendrá el monitor del programa mientras estamos editando. Permítanme mencionar que no sólo el tiempo rápido es útil, también frame only y P es muy bueno. De hecho, la diferencia de desempeño entre uno y otro no es mucha. Por otro lado, es importante mencionar que cuanta más información tengan los archivos de video, esos archivos que utilices en la secuencia. La computadora también utilizará más recursos. Por otro lado, estas casillas que están aquí a continuación tienen que ver con la vista previa del video. Presta atención que está muy bien especificada. Están justo dentro del cuadro de vista previa del video. El compuesto lineal de color nos ayuda a tener un color de video en la vista previa, pero consume más recursos informáticos También están las otras opciones de profundidad de bits máxima y máxima calidad de renderizado. Lo importante a saber es que todos estos detalles son para la vista previa del video, para la secuencia en sí, o el archivo a exportar. Algo que suelo hacer mientras estoy editando es encender estos parámetros para ver una aproximación de la calidad final del trabajo, luego los apago Por otro lado, a la hora de crear la secuencia, también tenemos la posibilidad de crear tantas pistas de anuncios que queramos en el formato que queramos. Puede ser un Surround 5.1 estéreo puede ser multicanal y también en módulo como te dije, puedes agregar tantas pistas como quieras Al agregar una nueva pista se abrirá automáticamente el mismo número de pistas al mezclador en el preset de audio. Por ejemplo, aquí había agregado seis pistas. Si hago clic bien, automáticamente se agregarán seis pistas a la secuencia. Pero si quisiéramos agregar aún más pistas de audio, por ejemplo, en esta otra secuencia que creé cuando te estaba explicando, simplemente teníamos que ir a la pestaña de secuencia aquí arriba y hacer clic en una pista. De esta manera puedo agregar más pistas de audio o video a la secuencia, e incluso puedo indicar dónde quería aparecer en relación con las otras pistas. De hecho, puedo modificar todos esos mismos parámetros relacionados con las pistas de audio que podíamos seleccionar cuando estábamos creando la secuencia. De hecho, como puedes ver, también puedes seleccionar el formato, ya sea estéreo o mono, o surround. Por ejemplo, Las pistas mono son muy importantes porque son las pistas donde vamos a hacer el Bing. Cuando agregamos una pista mono, se agregará un pequeño símbolo automáticamente se agregará un pequeño símbolo para identificar esa pista. Es un pequeño altavoz. Es necesario que la pista donde hacemos el buceo sea mono porque se trata de un solo micrófono cual captará la voz. Esto también lo veremos más adelante porque es algo que seguramente tendremos que hacer como editores. Por último, después de la pestaña de pistas de audio, tenemos la pestaña de realidad virtual. Obviamente, en este curso no vamos a tocar este tema porque ni tú ni yo tenemos el hardware adecuado en este momento para explicarte esto, pero estoy muy motivado para hacerlo. Es algo que planeo agregar a este curso una vez que tenga todos los dispositivos relacionados con esta tecnología. Pero es importante saber que Adobe Premier nos permite trabajar con realidad virtual, y este es el parámetro que me permite trabajar con esos dispositivos. Esto viene con las últimas ediciones de Ado Premier. Entonces presionamos bien, y se crea nuestra secuencia. Sé que presioné cancelar, porque durante el proceso de explicación, la secuencia se creó automáticamente. Recuerda que al hacer clic derecho sobre la secuencia y luego ir a los ajustes de secuencia, aún puedes modificar los ajustes de secuencia tantas veces como quieras. Eso sería todo con respecto a crear una secuencia. Como ya les dije, la secuencia se conectará al monitor del programa. Una vez que tenemos nuestra secuencia creada, podemos comenzar a agregar videos a la línea de tiempo. Ese es el fragmento del video que queremos. Cuando lo hagamos, el software nos preguntará si queremos mantener los ajustes existentes en la secuencia o si queremos cambiar los ajustes a los del archivo de video y debemos hacer clic en Mantener configuración existente. Eso sería todo importante hora de crear una secuencia. A partir de ahora, vamos a empezar a profundizar en la edición y entender cuáles son esas herramientas fundamentales que te permitirán convertirte verdaderamente en un editor para cine. Te veo en la siguiente lección. 6. Sensibilidad a las imágenes, el equilibrio y la iluminación: Hola gente. Tengo muchas ganas de darte algún consejo importante, no sólo como editor de video o director de cine, sino como artista mismo. Sé que muchos de ustedes también filman videos, o al menos una gran parte de ustedes están interesados una forma u otra en filmar historias o lo que sea. Obviamente, la edición es parte de ese proceso. Pero lo cierto es que las herramientas que necesitas saber para editar profesionalmente o lo suficientemente bien como para llevar a cabo un proyecto audiovisual no son demasiadas. El resto del conocimiento no viene de sí mismo. Desde aprender todos los botones, atajos o funciones de un software. No importa cuál sea. Premier, Sony Vegas o Da Vinci. O sea, el resto del conocimiento proviene de lo acostumbrado que estás a consumir arte de calidad en términos de audio de imagen y sus historias. Si no tienes referencias de calidad en tu mente, es imposible que tengas un resultado de calidad editando tan simple como eso. Por ejemplo, no puedes esperar ser un gran director de fotografía heredero si solo consumes películas de Marvel No estoy tratando de decir que no se pueden aprender cosas técnicas de una película de superhéroes Pero hay que aprender, antes que nada, a ser plenamente consciente de lo que estás viendo en la pantalla para tener una buena cultura visual. Siempre hablo de esto con mis compañeros y uso como ejemplo la película Spider Man y Forest Camp. Me refiero a la forma en que disparan en la escena, sobre el jefe en la película Spider Man. Y lo comparo con el deseo en la película Forest Camp, por ejemplo. Presta atención a esta primera toma del seno. ¿Eres consciente, por ejemplo, que los colores de las costumbres fueron escogidos específicamente para que coincidan con la gama de colores de la hierba? Eso es muy importante porque los editores de video pueden cambiar o modificar los colores de cualquier elemento en un seno. Por ejemplo, mira este cuadro de Manet. Es la misma selección de colores en la composición. El azul de las camisas está representando ese color azul del cielo. Este otro cuadro de Monet es el mismo azul y los tonos de verde son colores que coinciden con ese verde de la hierba Entonces lo que estoy tratando de decir es que esta escena no es así porque una paleta de colores descargada de Internet. decir, es el subproducto de tener una gran cultura visual Por otro lado, presta atención a la duración de este primer disparo. Esa toma dura lo suficiente en la pantalla para detallar que hay un camino de terracería y viven lejos de la ciudad o pueblo. Ahora presta atención al color verde del techo dentro del Os. Eso también se hizo deliberadamente para igualar la vibra de todo el país porque ese es el camino por el que viaja el 0. Yo soy Forrest Forrest. Tengo, soy Dorothy Harry. Bueno ahora ya no somos extraños. Ahora presta atención a que los tiros cercanos sólo están reservados para el personaje principal y que nadie más tenga el mismo color en su ropa que Forrest tiene en la playera Y yo diría que hasta se selecciona el color de la ropa infantil para que nadie destaque. Y también b***ds con el color de los asientos. No puedo sentarme aquí. Sabes, es gracioso lo que un joven recuerda porque yo no recuerdo Preste atención también que hasta la camisa que tiene Forrest como adulto es azul también No sólo así lo conectamos con el niño directamente sino que también coincide con los árboles alrededor. Por otro lado, justo en el momento en que las chicas aparecen en la pantalla por primera vez en la película, toca el lamotif más poderoso de la banda sonora Nunca había visto nada tan hermoso en mi vida. Ella era como un ángel. ¿Te has dado cuenta de que exactamente lo mismo se ha repetido que cuando Forrest estaba con su madre La niña tiene un vestido verde claro. Todo esto que te estoy diciendo es para tratar de despertar la llama artística en ti La sensibilidad artística es lo que te llevará a tomar mejores decisiones A medida que los editores prestan atención a la iluminación de la escena para crear profundidad en los rostros, mitad de la cara de la niña está sombreada y la otra iluminada E incluso hay una pequeña bandeja de luz que golpea el marco de la ventana. Puede ser como una estúpida Dos Jane, soy bosque forestal. A partir de ese día, siempre estuvimos juntos. Judy. Ahora pasemos a la escena de Spider Man, que también ocurre en un autobús escolar donde se introduce el amor del personaje principal. Pero déjame asegurarte esto, como cualquier historia que valga la pena contar se trata de una chica. Esa chica, la chica de al lado, Mary Jane Watson, la mujer que he amado desde antes incluso me gustaban las chicas. Presta atención que en la edición que está estrechamente relacionada con el guión, te presentaron a la chica al principio sin sorpresas en la escena forestal. Te sorprende que encuentre al amor de su vida en el autobús. Y aquí, no hay sorpresa, ni por edición ni por guión hijo, la mujer que he amado desde antes incluso me gustaban las chicas. Me gustaría decirte que soy yo al lado de ella. Te había dicho que los tiros cerrados se utilizan para los personajes principales. No sé por qué hay un tiro cerrado para este tipo. No tiene importancia en la historia. Te digo esto porque en la edición cinematográfica, podemos elaborar una toma para crear una más cerrada. Un primer plano por ejemplo. Aquí lo vuelven a hacer y lo hacen al azar. Y eso no se puede hacer de esa manera. Tiene una importancia y la importancia se llama el punto de vista cinematográfico En el caso de la chica, es importante porque estamos hablando del lote de su vida. Pero el resto de los personajes en jefe, no son tan importantes para la historia. Preste atención a que las costumbres aquí no tienen importancia en la estática de la escena ni los colores en el espacio Entonces, saber exactamente por qué se hacen las cosas en una película o escena es sumamente importante para poder tomar decisiones correctas como editores. Adicionalmente, la etapa de edición es la última etapa de escritura de una película. Es la última oportunidad que tiene el proyecto cinematográfico para reparar las debilidades. Este es un ejemplo perfecto al respecto. Imagina que solo ves películas de ese tipo de calidad. Realmente no odio esa película de Spider Man, De hecho, la encuentro bastante entretenida. Pero si solo ves películas de esa naturaleza, y un día quieres filmar una historia en la que haya una escena, un autobús. ¿Cuál crees que será tu punto de referencia para crear una escena? Esa será su referencia, no será otra. Lo mismo ocurre si eres músico o si eres pintor o fotógrafo. Es lo mismo. Cuando ves la calidad del trabajo de alguien, inmediatamente pregunto cuáles son sus costumbres. ¿Qué suelen hacer en el tiempo libre? ¿Qué tipo de cosas disfrutan? O sea, todo lo que hagamos en el tiempo libre alimentará nuestra creatividad. Es decir, la edición es parte del cine, y el cine es como hablar un idioma No se puede aprender completamente un idioma de la noche a la mañana. Y está lleno de tantas cosas. Música, teatro, pintura, arte sonoro, escapes sonoros, etcétera. Así que a lo largo de los años trabajando en la edición, me he encontrado con muchos editores y videógrafos que se acercan a Audi lista de trabajos de una manera muy superficial Porque muchos de ellos enfocan todos sus conocimientos en saber cuáles son los mejores complementos para mejorar la calidad de la imagen. ¿Cuál es la mejor cámara con el mejor rango dinámico? ¿Qué cámara tiene la resolución más alta? Que es el software más avanzado, por ejemplo, en los años pasan y su trabajo continúa con la misma calidad, los mismos lugares comunes, la misma falta de cultura visual Todo esto es algo que ningún profesor te va a enseñar en una sola lección. Es algo que lleva años cultivarse para ti. Debería convertirse en un hábito que vayas a un museo, a una exposición que contemples arte de calidad No estoy tratando de decir que los elementos técnicos no son importantes, pero en realidad, si hay algo que no quiero para ti, es que te conviertas en ese tipo de camarógrafos o editores a los que sólo le importan las cosas técnicas Ojalá realmente pudieras ser lo mejor que puedas ser. Entonces, lo que mucha gente llama ta***t es en realidad el producto adecuado de un estilo de vida Todo esto es muy importante para el editor de video, porque cuando estás dando los datos de un proyecto, me refiero al metraje de película de un proyecto, se supone que debes aprender a elegir cuáles son las mejores tomas de la escena. Entonces, por ejemplo, ¿cuáles son los criterios que vas a utilizar para elegir la mejor toma o para corregir una toma? A veces hay que cagar tomas, por ejemplo, o reencuadrar la imagen para crear una nueva toma y debes tener buena referencia visual para hacerlo Determinar el equilibrio de una imagen es esencial para el editor porque estarás recortando imágenes todo el tiempo La cenefa proviene de la visión vernácula de los seres humanos Y esta vista vernácula no enfoca la atención en ambos ojos al mismo tiempo Pero uno es siempre el que más concentra y el otro complementa. Y esa es la razón por la que se debe respetar la ley de ellos en una imagen para centrar los elementos principales de una composición en cualquiera de esos cuatro puntos que ahí se ven En este caso, es la cara de la niña que está cerca del punto superior derecho. Esto se utilizó para el equilibrio de pinturas rupestres y dibujos y es un uso fundamental hoy en día para la cinematografía Ser conscientes de este conocimiento es parte de lo que nos hace mejores editores. Hay muchas ideas que te vendrán a mente cuando tengas una gran cultura audiovisual. Esas ideas son las que te ayudarán a crear una mejor ventaja, una mejor edición, un mejor trabajo. Toma todo esto en cuenta y sigamos aprendiendo en este curso de edición cinematográfica. 7. Panel de control de efectos Obtén información sobre fotogramas clave y automatizaciones: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno, y es momento de aprender a usar el panel de control Fx y ¿por qué? Porque cada vez que añadimos un videoclip a la línea de tiempo, que de hecho también puede ser una foto o una animación, etcétera, vamos a poder editar ciertos parámetros en ese clip y sobre todo, dar instrucciones al software para automatizar los cambios en esos clips El propósito de esta lección es poder enseñarte a usar el panel de control de defectos, que de hecho es el mismo lugar donde podrás agregar diferentes efectos que el software tiene que usar. Esta vez vamos a trabajar con esta foto, así que voy a agregar a la línea de tiempo. Esta foto que tengo aquí es una foto del espacio. Sabes que una vez que agreguemos un elemento a la línea de tiempo, y esta línea esté sobre ese elemento, vamos a ver ese videoclip en el monitor del programa. Pero sucede que normalmente los clips no comparten el mismo tamaño que la secuencia. Es decir, la mayoría de las veces el video o foto tiene una resolución y apariencia diferente a la secuencia. Por ejemplo, esta foto es más grande que el tamaño de la secuencia. ¿Cómo lo comprobamos? Simplemente haciendo doble clic en el monitor, se activará un fotograma que indica el tamaño real de la imagen que estamos usando. Este marco es una herramienta que nos permite modificar el tamaño de la imagen en el monitor, por ejemplo. En este caso, podríamos hacer que la imagen espacial coincida más posible con la secuencia. Pero podría darse el caso de que queramos que ciertas partes de la imagen se vean en la secuencia. Este fotograma me permite jugar con eso, pues al mover estos diferentes puntos que vemos en las líneas del fotograma, podemos cambiar la posición y el tamaño de la imagen. Pero también podemos modificar la rotación de la imagen. Pero cuando estamos modificando la posición y el tamaño que este clip tendrá con respecto a la secuencia, estamos modificando los parámetros que están en el panel de control de fax. Uno de los lugares más importantes en el estreno a la hora de editar cualquier cosa. Por ejemplo, mientras estamos moviendo el fotograma hace unos momentos, el parámetro de posición y escala estaba cambiando en la sección de movimiento. En este efecto panel de control. Presta atención. Voy a volver a mover la imagen para que veas cómo se mueven los números en el parámetro de posición. De la misma manera si asumo dentro o asumo hacia fuera la imagen cambia el parámetro de escala. De hecho, podemos ir aún más profundo porque estos parámetros me permiten cambiar si quiero, por ejemplo, que la escala sea uniforme o no. Si desactivo la opción de escala uniforme, puedo modificar qué tan amplia o larga quiero que se vea la imagen. Por supuesto, estamos distorsionando la naturaleza original de la imagen Básicamente, se puede modificar el tamaño de la imagen ya sea usando el marco en el monitor del programa o cambiando los valores en el panel de control Fx. Por supuesto, siempre tendrás la opción de, bajo cualquiera de los cambios, prestar atención a bajo cualquiera de los cambios, que también con el tema de la rotación, los valores cambian en el panel. Y además, recuerda que siempre que quieras modificar la rotación usando el monitor del programa, debes colocar el cursor en las esquinas del marco hasta que veas esa pequeña flecha curva que indica que no podemos cambiar la rotación. Pero la siguiente herramienta después de la rotación es el punto de anclaje, lo cual es muy importante. El punto de anclaje me permite decirle al software el punto de referencia que tendrá a medida que escalemos y rotemos la imagen. Por ejemplo, se puede notar que cuando resumo dentro y fuera, es cuando cambio la escala. Esto sucede hacia el centro del monitor del programa. De la misma manera cuando cambio la rotación de la imagen, la imagen gira usando el centro de la imagen como eje. Pero sucede que si cambio el punto de anclaje a la esquina inferior izquierda, por ejemplo, cuando modifique la escala de la imagen, esta imagen no asumirá ni sumará hacia el centro, sino hasta ese punto abajo y hacia la izquierda. Lo mismo sucederá para el parámetro de rotación. Pero por qué te estoy explicando todo esto, porque a partir de ahora vas a conocer algo muy importante que vamos a usar todo el tiempo a la hora de editar el fotograma clave. ¿Para qué se utiliza el marco clave? El fotograma clave nos permite dar una instrucción al software para realizar un cambio cualquiera de los parámetros que encontremos en efecto panel de control, no sólo en los parámetros que ya vienen por el pliegue, sino también los parámetros de los diferentes efectos que podemos agregar al eclipse y que también aparecerán en este panel de control de efectos. Vamos a usar la escala como ejemplo. Sabes que al hacer clic en cualquier videoclip, se habilita inmediatamente el control de efectos correspondiente. Donde podemos modificar muchas cosas. Es decir, todo lo que acabábamos de ver y muchas otras cosas que seguiremos viendo y aprendiendo a lo largo del curso. La idea es ir paso a paso, pero también puedes notar que junto al panel de control de defectos, se muestra a la derecha. Una especie de línea de tiempo. Pero esta pequeña línea de tiempo corresponde al espacio de tiempo ocupado por ese pequeño videoclip que hemos seleccionado. Obviamente, podemos modificar esa duración simplemente estirando o apretando el clip. Entonces es importante saber esto, porque este espacio es donde vamos a colocar los fotogramas clave. Debemos ser conscientes de que esta pequeña línea de tiempo corresponde a la duración del clip. Es importante saber esto porque a veces vamos a colocar fotogramas clave en la línea de tiempo de control de Fx. Y luego vamos a cambiar la duración del clip en la línea de tiempo principal. Y luego cuando volvamos a la línea de tiempo de control de defectos, ya no veremos los fotogramas clave porque estaban ocultos de cabeza o atrás. Pero vamos a ver todos estos usando uno de los parámetros. Por ejemplo, la escala aquí en el panel de movimiento. Lo primero que debemos hacer es activar este pequeño reloj que tenemos aquí. Observe que todos los parámetros tienen su respectivo reloj. Es simplemente lo que nos permite activar los fotogramas clave. Una vez que activamos el primer fotograma clave aparece en la línea de tiempo de este panel de control de efectos, que está indicando al software que justo en ese punto las imágenes van a tener esa escala específica, ese tamaño específico. Vamos a automatizar esta imagen sobre el universo desde cero. Vamos a hacer que se mueva su tamaño en el tiempo. Al automatizar estos parámetros usando los fotogramas clave, quiero decir que los valores cambian a medida que avanza el montaje Simplemente colocamos el cursor al inicio del clip, luego activamos el reloj correspondiente a la escala, y automáticamente aparecerá el primer fotograma clave y se activará la automatización También, unos segundos después, hacemos un cambio de tamaño. Podemos hacerlo directamente en el parámetro de escala en el panel de control de fax. O podemos hacerlo moviendo el tamaño de la imagen con el marco, el monitor del programa. En otras palabras, cambiar los parámetros en cualquiera de las formas es exactamente lo mismo. Lo importante es estar conscientes de que los marcos clave están en el lugar que queremos. Observe ahora que cuando toco el montaje, la imagen cambia de tamaño Obviamente, todo este procedimiento funciona para cualquiera de los parámetros e incluso para muchos otros efectos que trae el premier. Por ejemplo, podríamos hacer esta automatización para cambiar el efecto del punto de anclaje, simplemente activo el reloj en el parámetro de punto de anclaje y mover el punto de anclaje a esta esquina inferior izquierda, por ejemplo, ya que también automatizamos la escala. Ahora cuando la imagen escala, en lugar de ir al centro, ahora irá a esa esquina inferior izquierda. Pero hay que tener cuidado con los marcos clave. Observe que voy a agregar otro aquí, pero esta vez sin cambiar los parámetros. Y presta atención a que no va a cambiar en absoluto porque no cambié el parámetro. Pasemos a otro parámetro, por ejemplo, la posición de la imagen. Entonces simplemente tenemos que buscar el parámetro de posición y hacer clic en el reloj para activar la automatización. Y se creará el primer fotograma clave. A partir de ahí, debemos adelantar unos segundos los que queramos, claro, y cambiar la posición de la imagen. Podemos hacerlo usando el marco en el monitor del programa. Preste atención a que incluso el software creará una guía para la raíz que la imagen tendrá hasta esa posición. Podemos comprobar todos los cambios simplemente volviendo al inicio del clip y tocando el montaje para ver cómo se comporta la automatización Es algo bastante sencillo. Una vez que entendamos que estamos listos para usar todos los efectos premier porque Deal nos permitirá automatizar cualquiera de los efectos que tenga el premier. Te estoy diciendo todo esto porque gran parte de ti quieres aprender a cavar videos para Youtube o para tus canales de Instagram o Tik Talk, lo que sea, me refiero a crear contenido. Es necesario conocerlas para poder agregar elementos que enriquezcan los videos, convirtiéndolos en una dinámica y divertida. Podemos usar otro ejemplo. Por ejemplo, usando este logo que tengo aquí abajo, podemos agregarlo en la parte superior de la imagen del universo. Permítanme mencionar que en este caso se trata de un PNG que es uno que contiene sólo la parte del logotipo, dejando pasar todo lo que está abajo. Entonces voy a eliminar todos los fotogramas clave y las automatizaciones que hicimos en la foto del universo Sólo tenemos que dar click sobre estas flechas curvas que están a la derecha para volver al estado inicial. Lo que voy a hacer por ti es algo típico de los videos. Voy a hacer que este logo aparezca de repente, es decir, digamos que entra en la imagen. Para ello, debemos automatizar la posición del logo porque es lo que me permitirá quitar el logo del marco en la imagen cuando quiera. Entonces simplemente tenemos que dar click en el clip del logo y tenemos que activar la automatización de la posición en el control Vex Al hacer clic en el reloj, por supuesto. Así que tenemos que establecer cuánto tiempo quiero que el logotipo tarde en aparecer, y luego necesitamos crear otro fotograma clave en esa posición. En este caso, necesitamos dos posiciones para decirle al software dónde debe estar el logotipo al principio y a dónde debe ir. Siempre debes prestar atención a estar justo sobre los marcos clave para asegurarte de que estás en el marco clave, debes asegurarte de que el pequeño punto azul se ponga negro Déjame mencionar que puedes agregar otros fotogramas clave usando ese pequeño botón para ganar. En el primer fotograma clave, cambiamos la posición horizontal del logotipo a un punto en el que no es visible en la pantalla. Recuerda que puedes hacerlo cambiando estos números aquí directamente en el parámetro horizontal, que sería el de la izquierda. El vertical es el de la derecha. Pero también puedes cambiarlo usando el marco en el monitor del programa. Pero en este caso, recomiendo encarecidamente cambiarlo directamente al valor horizontal para que el logotipo se mueva solo horizontalmente. Como puedes ver, es bastante sencillo. Si quieres, por ejemplo, que el logo aparezca mucho más rápido, simplemente tienes que disminuir la distancia entre el primer y el segundo fotogramas clave para la distancia entre el primer y el que el cambio sea más rápido. Entonces podríamos incluso cambiar otro parámetro como la escala. Por ejemplo, si quisiéramos que el logotipo se sumara lentamente después de aparecer en la pantalla, hacemos un primer fotograma clave justo cuando termina de aparecer, y luego hacemos otro fotograma clave donde se supone que el logotipo está más cerca En este caso, por ejemplo, podemos usar el marco en la pantalla para poner el logo justo del tamaño que queramos al final, recuerda que una vez que se activa la automatización, cualquier cambio que hagamos a los parámetros generará automáticamente un nuevo fotograma clave. Obviamente, a lo largo del curso, vamos a utilizar muchos fotogramas clave. Pero yo quería que conocieras el panel de control de fax, al menos esta primera parte del movimiento. En esta lección, otras lecciones, veremos las otras partes. Pero es un buen comienzo para conocer perfectamente los marcos clave. Intenta practicar con fotos, con videos, con cualquier cosa, mientras seguimos avanzando y profundizando en el contenido del curso hasta la siguiente lección 8. Panel de control de efectos Aprende a usar los modos de opacidad y mezcla: Perfecto. Vamos a seguir aprendiendo a usar el panel de control de fax. En este tiempo vas a revisar el parámetro de opacidad, que no es tan sencillo como parece Sin embargo, es una de las más útiles porque desde aquí vamos a aprender a crear transiciones. Vamos a comenzar con una de las cosas más importantes a destacar sobre la opacidad Este es el primero de los parámetros generales que nos permite hacer máscara. Esta es una de las características que vamos a encontrar en el resto del estreno. Una máscara no es más que una herramienta que me permite crear una selección específica dentro de la imagen, cuyo efecto se aplicará en cualquier caso. Esto lo vamos a ver a lo largo del curso, pero básicamente estos tres botones me permiten crear tres tipos de máscara. Una circular, una cuadrada, y otra personalizable, en la que puedo crear la forma que quiero. Por ejemplo, si elijo la primera opción, el círculo, la máscara será un círculo. Ya que estoy en la capacidad, que es el parámetro que controla la transparencia de la imagen, automáticamente crea este efecto. Obviamente, puedo modificar el tipo de círculo, pero también tengo la segunda opción, la forma cuadrada. Aquí, también puedo modificar la estructura del cuadrado, convirtiéndolo en un polígono diferente Bueno, la tercera opción sería la que nos permita hacer la forma uniendo puntos como si se tratara de una constelación. Y esa es la que más uso porque las máscaras casi siempre tienen formas irregulares. Y hay otras características que podemos modificar de tal manera que los bordes estén suavizados y no tan afilados Por ejemplo, si muevo la pluma, realidad podemos difuminar los bordes. También podemos modificar la opacidad de la máscara. Quiero decir que la máscara en sí puede tener transparencia. Y también podemos ampliar las edades de las máscaras para agrandar el tamaño. Pero de todos modos, entenderemos mejor todas estas características a medida que avancemos a lo largo del curso. Y aunque no vamos a hablar principalmente de las máscaras en esta lección específica, es importante que ya las conozcas. Porque creo que el conocimiento es como. Que hay que ver diferentes puntos de vista de una misma herramienta y sobre todo, perder el miedo de usar las herramientas over premier. Hablemos entonces de opacidad. ¿Qué es la opacidad opacidad es esa característica que nos permite hacer una imagen transparente, para hacer visible cualquier imagen debajo de ella La línea de tiempo de estreno superior funciona en capas de la misma manera que la tienda de fotografía. Es decir, los videoclips que estén en parte superior serán los que se verán en el monitor. Aquí puedes ver un ejemplo. He puesto otra foto del universo encima de la que ya tenía. Es decir, superpuse el clip y noté cómo se ve este primero Tiene prioridad. Pero fíjate que si modificas el porcentaje de opacidad en ese clip que acabo de agregar, inmediatamente comienza a verse la imagen de abajo Cuanto menor sea el porcentaje que tenga, más visible será la imagen de abajo. Pero lo que realmente quiero mostrarles es que un doble estreno, como Photoshop me permite modificar la naturaleza de esa opacidad Quiero decir que la forma en que esa transparencia se mezcla con la imagen de abajo tiene características especiales y únicas. Este modo b***d me permite no sólo usar una opacidad normal, sino todas estas opciones que puedes ver Pero lo interesante es que al usar cualquiera de los modos b***d, incluso teniendo el valor de opacidad al 100% se generará un tipo de transparencia con la En realidad, es una herramienta que nos permite experimentar con las capas de video porque ese efecto que vamos a ver en el monitor del programa es el subproducto de ese modo b***d en las características específicas de las imágenes en términos de términos de Por ejemplo, aquí podemos ver que cuando aislamos el clip, quiero decir que el clip no tiene ningún otro clip debajo de él. El modo b***d no funciona. Sólo funcionará cuando las imágenes se superpongan, cuando haya una abajo Como te dije, la opacidad es importante porque nos permitirá hacer transiciones creativas y profesionales Este modo b***d existe para mejorar las transiciones entre un clip y otro. Una de las transiciones más comunes se disuelve cuando una imagen se disuelve para que la otra aparezca ahí mezclando las dos En una lección anterior, estaba hablando la herramienta pluma en automatización de opacidad Entonces, si automatizamos una especie de fade in en la línea de opacidad al inicio de un clip, eso a su vez se superpone a otro, haremos una disolución cruzada Si además de esto utilizamos diferentes modos b***d. Hacemos esa transición más especial porque las imágenes tendrán características visuales que se adaptarán estéticamente a cada uno de esos modos Si usas Photoshop, esto te resultará muy familiar porque Estos modos b***d también existen en capas de imagen en Por otro lado, hay un elemento importante a tener en cuenta a la hora de realizar este tipo de transiciones. Es decir, dado que los modos b***d mezclan las imágenes, incluso cuando el valor asit está al 100% es necesario que no solo haya fade in en el clip que está arriba, sino también en el clip Hay un fade out porque de lo contrario, notarás un cambio abrupto cuando llegues al final del clip que está debajo Por ejemplo, puedes notarlo aquí cuando coloco el cursor de la línea de tiempo sobre, justo al final del clip de abajo, justo ahí al final, notarás un cambio en transparencia que no será suave, pero como un corte, debemos automatizar un fade out en la línea de opacidad del clip de abajo para que esto no se Presta atención ahora cómo la transición es completamente fluida. Otra cosa importante es que podamos hacer esa transición el tiempo que queramos. Vamos a hacer otro ejemplo de uso de video. Vamos a usar el mismo cortometraje con el que estábamos trabajando y voy a seleccionar una parte de escena para hacer una transición con otra escena. Aquí tenemos esta imagen de la chica mirando hacia atrás. Y voy a mezclarlo con la escena del personaje en la balsa. Si queremos hacer una transición especial entre estas dos escenas, simplemente hacemos clic en el videoclip arriba y elegimos el modo b***d Recuerda que para verificar el modo b***d, debes estar justo en el punto donde los dos clips de video . Entonces puedes probar cualquiera de los modos usando video. Las imágenes son mucho más interesantes porque de hecho, es la forma más cinematográfica de hacer las soluciones. Por ejemplo, mira lo bien que se ve este modo. Luz suave. Lo primero es automatizar con la herramienta pluma el fade in en el clip encima de ese clip del personaje en la balsa. Pero también tengo que hacer el fade out en el clip de abajo donde está la chica. Recuerda que si no desvaneces el clip de abajo, notarás un cambio abrupto en el modo b***d La razón por la que es más profesional de esta manera es porque la forma original de hacer desvanecimientos cuando cine era analógico era agregar filtros directamente a carretes de película en el editor analógico usar el modo b***d Siempre no es tan profesional. Presta atención a lo interesantes que se mezclan los colores en este modo, se ve muy profesional. Echa un vistazo a este otro modo llamado oscurecer que sólo afecta a la placa Esta es otra quemadura de luz fría que es interesante para. Este es otro llamado color claro, por ejemplo. A esta otra se le llama luz dura. A esta otra se le llama luz vívida. Es muy agradable prestar atención a esto con modo oscuro, por ejemplo, Con este modo, podrías jugar con una máscara para que la transparencia sólo afecte al plato. Podríamos usar una máscara circular que solo seleccione la placa. Por ejemplo, tratamos de hacer que el círculo coincida con la placa, pero no tiene que ser perfecto, solo una aproximación Y luego modificamos los bordes con el parámetro padre, suavizando los bordes de la máscara. Observe cómo la opacidad ahora solo afecta a la placa. Es un recurso muy creativo, ya sabes, porque realmente te permite crear efectos y enriquecer mucho tus videos. Lo importante es que experimentes para que descubras cosas. Recuerda que cada video tiene unas características de color específicas que darán como resultado un b***ding específico y único con los Pon todo esto en práctica hasta la siguiente lección. 9. Panel de control de efectos Reasignación de tiempo: Perfecto. Ahora vamos a abordar el último parámetro del panel de control Ax, que es el mapeo de tiempo bram y vamos a usar este ejemplo para explicarlo Voy a seleccionar una parte de este video donde haya una toma a cámara lenta. En realidad, es uno de mis videos musicales. Y bueno, en este caso, esta toma se grabó a 60 fotogramas por segundo, que significa que podemos ralentizarlo sin perder fluidez en el video He agregado esta parte del video a la línea de tiempo y podemos verificarla en el monitor del programa. Los tiros a cámara lenta son muy atractivos. Recuerda que cuanto más lento quisieras mirar, el VD debería tener muchos más fotogramas por segundo. Pero en fin, lo que quiero hacer ahora mismo es enseñarte la reprogramación del tiempo. Si hacemos clic en el videoclip y vamos al panel de control fix, vamos a encontrar este parámetro al final. Es el último de los parámetros de los que vienen por defecto. Si recuerdas, te había dicho que la línea que ves por defecto en los videoclips pertenece al parámetro de opacidad Que usando la herramienta pluma, podemos automatizar con precisión la opacidad en el clip. Pero lo cierto es que este no es el único parámetro que podemos automatizar directamente en el clip. Si quisiéramos cambiar ese parámetro, hay dos formas. El primero es hacer clic en el botón derecho del ratón y vamos a mostrar los fotogramas clave de clip. Podemos cambiarlo, por ejemplo, a reasignar tiempo, y hacemos clic en velocidad La otra forma es haciendo clic en esta pequeña caja donde se lee Efectos, podemos cambiar los parámetros de esta línea de automatización. Pero lo que es la reasignación de tiempo para este parámetro me permite modificar la velocidad del videoclip automáticamente ¿Qué significa eso? Así como ves la imagen en cámara lenta ahora mismo, podrías hacer que la imagen se acelere en un momento específico o ralentizarla. Por supuesto, todo también aparecerá automatizado en el panel de control Fx. Lo que debemos hacer es seleccionar la herramienta pluma y dibujar en la línea los puntos donde queremos que comience un cambio de velocidad. Al final, quiero decir que podremos cambiar como brechas de tiempo. Voy a dibujar el primer punto y el segundo punto por aquí. Y voy a dibujar también un tercer punto. Estos tres puntos han generado cuatro brechas distintas en las que podré acelerar y ralentizar la velocidad del clip. Debemos seleccionar de nuevo la herramienta de flecha. El primero. Ahora vamos a subir o bajar la línea que queremos de la automatización. Por ejemplo, si subo esta línea específica, voy a acelerar en ese momento. Pero presta mucha atención a cómo se interroga al clip. Porque al hacer esto, estoy acelerando el paso de los marcos. Ahora mira la imagen ya que justo en ese momento el video aumenta la velocidad. Voy a aumentar aún más la velocidad. Para que puedas notarlo también de la misma manera puedes mover los otros huecos, las otras líneas entre los puntos. Puedes hacerlo también en sentido contrario. Voy a ralentizar el video para que veas cómo se ve. Obviamente, cuando la ralentizas y el videoclip se expande. Obviamente cuando disminuimos la velocidad de la imagen, los fotogramas por segundo comienzan a notarse, obviamente, cuando no son suficientes. Por otro lado, presta atención a que estos mismos puntos que hice en la línea de automatización también se crearon automáticamente en la línea de tiempo de defectos. Panel de control arriba, puedes acelerar o bajar así siempre y cuando tengas en cuenta que el punto medio de la línea es la velocidad real de la app clip es más rápida y hacia abajo es más lenta Si quieres borrar toda la automatización, solo tienes que ir al mapeo de tiempo en el panel de control de defectos y apagarlo en el reloj azul. Pero presta mucha atención a esto. Cuando hagas eso, el clip va a quedar completamente exprimido. La has vuelto a estirar para que sea normal. Intenta recordarlo porque incluso podrías pensar que el clip estaba encendido. Pero hay otra manera de modificar la velocidad del clip. Simplemente presionamos el botón derecho del ratón y vamos al parámetro de duración de velocidad. Por ejemplo, en este primer porcentaje de característica, si lo configuro en 200% la velocidad del clip se multiplicará por dos O sea, en el caso de este clip, se ejecutará a la velocidad real porque el aspecto de este video es el subproducto de ajustar el video grabado a 60 fotogramas a 24 fotogramas Por otro lado, en esta misma herramienta, se puede invertir la velocidad del clip. Quiero decir, que vaya hacia atrás. Esto también es muy útil. Solo tienes que seleccionar el cuadro de velocidad inversa y el clip irá hacia atrás. Por otro lado, a lo que debes prestar mucha atención en esta herramienta es el último parámetro, la interpolación de tiempo Este parámetro me permite modificar la forma en que aparecerán los fotogramas mientras se visualiza el video. Voy a desactivar el reverso para explicártelo. Se puede ver que este video está en cámara lenta, pero a lo mejor queremos que el video vaya más lento. Vamos a la herramienta de velocidad y seleccionamos, por ejemplo, 60% Pero cuando hagas esto, el video se estirará y por lo tanto los fotogramas comenzarán a mostrarse, quiero decir, como si la imagen tuviera algunos pequeños saltos. Porque de hecho, es saltar de un cuadro a otro. Debido a que no hay suficientes marcos para que el movimiento luzca suave, tendrás tres opciones. El primer muestreo de fotogramas que se selecciona por defecto, permite mostrar los fotogramas que tiene el video, sin importar si el video es lento o rápido. La segunda opción, frame b***ding, permite mezclar un poco los marcos Es decir, cuando ralentizas la imagen, el movimiento es más suave. Pero la última opción, el flujo óptico, creará más fotogramas por segundo para compensar esa falta de fotogramas. Pero la verdad es que nunca parecerá que tienes el video con más frames. Te recomiendo encarecidamente no hacer un uso excesivo de esta herramienta. No lo fuerces. Estas serían las características más importantes de este parámetro de velocidad de esta herramienta de velocidad. Esta característica ondulada es muy simple simplemente que a veces el clip al que estamos modificando la velocidad está al lado de otro clip Obviamente, a veces cuando modificamos la velocidad, se aprieta el video. Esa herramienta me permite hacer el siguiente clip unido al clip. Estamos cambiando la velocidad de simple ya que eso no tiene complicación de partido. Pero las características más importantes son las que mencioné antes. Vamos a recapitular. Para que no te olvides, vamos a la herramienta de velocidad y lo primero que encontraremos es el porcentaje de velocidad que queremos que tenga el clip. La segunda opción es la inversa, para que el video vaya hacia atrás. La ondulación para que los clips permanezcan unidos entre sí incluso cuando cambiemos su velocidad. No creo que ustedes usen esto demasiado. Y el que más vas a usar es la interpolación de tiempo Es una forma en la que aparecerán los fotogramas para hacer que el video sea más suave y fluido. Recuerda que hay tres opciones. El primero que muestra exactamente los fotogramas que tiene el video. El segundo que mezcla los fotogramas para que el video sea más fluido y suave. Y el otro, el último, para crear los marcos necesarios para que se vea más fluido. Pero hablemos de esta opción que está desactivada. Es importante mencionar que cuando el video tenga audio y modifiques la velocidad, también se modificará la velocidad del audio. Por lo tanto, se escuchará bajo cuando el audio sea más lento y rápido, como una voz de ardilla cuando es más rápido Pero esta opción llamada Mantener tono de audio aquí, está deshabilitada porque el video no tiene audio. Pero me permite que aunque cambie la velocidad del audio, el tono del audio no cambie. O sea, las voces no suenan como ardilla o muy lentas Pero bueno, ya sabes modificar la velocidad de cualquier clip. Y esto es lo más importante relacionado con esta lección hasta la próxima vez. 10. Barras de herramientas de línea de tiempo Barra vertical: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno adoptado. En esta lección, vamos a aprender a usar esta barra de herramientas de aquí. Esta barra junto a la línea de tiempo contiene las principales herramientas que usaremos al editar. Yo diría que el propósito principal de esta lección, el objetivo principal, es darte una visión poderosa estos botones de aquí, los botones de la barra de herramientas. Vamos a buscar la secuencia que ya hemos creado en las lecciones anteriores. Y vamos a agregar un fragmento de video a la línea de tiempo, es decir a esta secuencia. Aquí he seleccionado una pieza de video. Recuerda que debes usar el I y para establecer el principio y el final de esa pieza de video. Por ejemplo, el fragmento de video podría ser app para. Aquí presionamos para seleccionar el final, vamos a arrastrar el video a la línea de tiempo. Manteniendo pulsado el botón derecho del ratón, sacamos el video a la línea de tiempo y vamos a hacer clic en Mantener configuración existente. Recuerda que es para mantener la configuración de la secuencia. Ya tenemos nuestra pieza de video en la línea de tiempo. Pero antes de excavar en la barra de herramientas de la línea de tiempo, quiero abordar esta línea amarilla aquí que aparece aquí en la línea de tiempo. Esta línea amarilla indica que la tarjeta de video dedicada de la computadora, es decir, la GPU, está generando previsualizaciones temporales. Para que podamos ver lo que estamos editando en el monitor del programa. Esa línea amarilla representa un render parcial. Si tienes una computadora potente, la vista previa se verá lo suficientemente bien en el monitor de programas. No obstante, dependiendo de la complejidad de lo que estemos editando o de lo pesados que sean los archivos con los que estamos trabajando, tendremos que avanzar en el render, es decir, convertir esa línea amarilla en una línea verde. Quiero decir que la computadora hace un render completo para que lo que vemos en el monitor del programa se vea completamente continuo, sin interrupciones, sin demoras Esto va a necesitar, sobre todo si no tiene una computadora lo suficientemente potente. Lo que tienes que hacer es seleccionar la entrada y salida de la sección que quieres renderizar pulsando Y 0 en el teclado. Una vez que tengas seleccionada la sección, vas a ir a la pestaña Secuencia, y luego vas a dar click en Renderizar de entrada a salida. Y luego de inmediato, comenzará a hacerse un render final de todo el montaje de lo que hay entre render final de todo el montaje de lo que hay entre el in y el out Por supuesto, tendrás que esperar un poco, todo dependiendo de cuántos efectos tenga cada uno de esos videoclips. Adicionalmente, ese render también tendrá una mayor calidad, independientemente de que nuestro equipo sea potente o no. Si queremos ver lo que hemos editado con una mayor calidad, debemos hacer ese render. Ahora mira la línea, Ahora es verde indicando que el render está terminado. A, ese tipo, esto es muy importante a la hora de editar videos musicales porque se supone que debemos emparejar el video con la música a la perfección. Entonces comencemos entonces con el primer botón de la barra de herramientas, esta flecha por aquí. Esta flecha es como la herramienta más general que me permite seleccionar cualquier cosa en el, especialmente en la línea de tiempo de lo que quiero. Como en cualquier software, es la herramienta de selección predeterminada del software. No hay cosa de alcalde con lo que confundirse. Esta es simplemente la configuración predeterminada del programa para mover el mouse en el software y usar todas las funciones. Justo debajo de la herramienta de flecha, encontraremos la herramienta Track Select Forward. Esta herramienta me permite seleccionar todos los videoclips que estén delante o detrás la posición donde estoy con el ratón. Básicamente, me permite seleccionar varios clips al mismo tiempo cuando sea necesario, con lo que nos facilita el trabajo. Si presionamos la tecla antigua en el teclado, podemos cambiar la dirección de la selección. Es decir, si queremos que sea hacia adelante hacia atrás. Te voy a dar un ejemplo. Voy a agregar una porción de video del cortometraje para que se superpongan los clips. Voy a arrastrar el video y voy a soltar el video justo por aquí. Voy a presionar el botón Track select forward, asegurándome de que esté en la dirección correcta, que sería hacia adelante. Cuando tenga activada esta herramienta y haga clic en la línea de tiempo, seleccionará todos los clips que están a la derecha, es decir los que están hacia adelante. No importa cuántos sean, todos serán seleccionados. Voy a hacerlo de nuevo y notaré que incluso va a seleccionar los respectivos clips de audio que están conectados a esos videoclips. Ahora voy a presionar la vieja tecla en la palabra clave para voltear la dirección de la herramienta. Quiero decir, seleccionar todo lo que está detrás del ratón curser Intenta notar la diferencia. Preste atención a que cuando esté activado, seleccione hacia atrás y haga clic en la línea de tiempo por aquí. Como no hay clic detrás del cursor del mouse, no seleccionará nada porque no hay nada a la izquierda que esté al revés Pero a la inversa, si hago clic a la derecha de los clips, los clips estarán a la izquierda. La herramienta los seleccionará porque están en la parte posterior. La herramienta es muy sencilla, simplemente con la tecla antigua en el teclado. Cambiamos la dirección de la selección a la hora de seleccionar muchos clips al mismo tiempo. Vamos ahora con el tercer botón de la barra de herramientas de línea de tiempo, que es un poco más complicado, pero hay un detalle importante que resaltar antes de pasar a la tercera herramienta, que es que mientras se selecciona la herramienta de flecha, podemos estirar y apretar los clips. Me refiero a viajar en antigua extensión del archivo de video original. Por ejemplo, aunque añadimos esta porción del cortometraje, si estiramos el videoclip hacia atrás, viajaremos hacia atrás en el cortometraje sumando más del cortometraje, obviamente. Déjame explicarte esto, porque el tercer botón tiene que ver con esto. El tercer botón es la herramienta Ripple Edit, pero en realidad presionando Alt en el teclado, tenemos Rolling Edit Tool y red stretch tool. Entonces, ¿cuál es el primero para la herramienta de edición ripple? Esta función me permite mover la transición entre dos clips que están uno al lado del otro. Por ejemplo, aquí tenemos dos videoclips que están juntos y tengo esta función activada. Esto me permite que cuando estire el videoclip o exquisito el siguiente videoclip no cambie. Su inicio o su salida es como empujar o tirar del siguiente clip. Presta atención al clip. Estoy estirando termina justo en la cara del personaje e inmediatamente comienza el siguiente clip cuando el personaje está en la balsa con la espalda visible. La herramienta de edición de ondulación me permite estirar este clip empujando el siguiente sin cambiar el comienzo del siguiente. Es una herramienta muy útil para no cambiar el inicio del siguiente clip. La siguiente función en este mismo tercer botón es la herramienta de edición rodante, a la que podemos cambiar presionando hacia fuera la función de herramienta editada rodante también me permite estirar el clip, pero esta vez no empujará al siguiente, avanzará su extensión. Es como si estuviera mordiendo el siguiente clip. Preste atención a que la parte donde se ve la espalda del personaje ya no aparece sino que el clip avanzó más adelante. Es como si hubiera movido la transición hacia adelante como si hubiera hecho un corte en los clips hacia adelante. Ya se conoce la diferencia entre la primera y la segunda función. El primero, la herramienta de edición ondulada, me permite estirar un clip presionando el siguiente, quiero decir sin cambiar su inicio en la segunda opción a la que cambiamos, presionar Alt en el teclado me permite estirar un clip, pero esta vez sí muerdo el siguiente clip Es decir, no se conserva el inicio del siguiente clip. La tercera opción de este tercer botón es la herramienta elástica roja. Esta opción está relacionada con la velocidad que tendrá el videoclip, que es algo que vamos a ver más adelante. Pero básicamente esta herramienta me permite estirar, exprimir el videoclip alterando su velocidad. decir, cuando lo estiro, lo hago más lento. Y cuando lo aprieto, lo hago más rápido. Mira cómo estiro el clip, y ahora el video se ve más lento. Cuando estiro el video, obviamente los fotogramas se separan y corren a una velocidad más lenta, lo que ralentiza el movimiento del video Esa es la función de esa herramienta de estiramiento de tasa. Voy a presionar Contrast, que está debajo para volver a poner el clip como antes y seguir avanzando en las herramientas. La siguiente herramienta es la herramienta Rasor. La herramienta de afeitar es la herramienta que más vamos a utilizar. Me permite cortar los clips como quiera y donde quiera. Usando esta herramienta, podré cortar una porción del video de cualquier clip en la línea de tiempo para poder moverlo a donde quiera. Recuerda que debes cortar el principio y el final para poder separarlo del clip como si se tratara de un pastel. Es decir, para cortar un trozo de pastel, debes hacer para cortar. Entonces como te dije, es la herramienta que más vamos a usar en la edición y no es demasiado complicada. Simplemente lo seleccionamos y cortamos donde quiero. Por supuesto, una vez que cortamos para mover esa pieza que cortamos, debemos estar en la herramienta de flecha. Obviamente, también puedes usar la herramienta de afeitar en los clips de audio. Ahora vamos al cuarto botón, la cuarta herramienta. Esta herramienta es muy útil. De hecho, tiene dos opciones que podemos cambiar con la tecla antigua en el teclado, deslizamiento y herramienta deslizante. Repasemos la primera opción. Esta herramienta me permite modificar la entrada y salida de un videoclip que se encuentra entre otros dos clips. Por ejemplo, al hacer clic en esta pequeña porción de video, estas cuatro pantallas aparecerán en el monitor del programa. La imagen de arriba y a la izquierda pertenece al final del clip que está delante de él. Y la imagen a la derecha y arriba pertenece al inicio del clip que está tras él. Las dos imágenes a continuación pertenecen al inicio y al final del clip que hemos seleccionado. Esta herramienta de deslizamiento me permite cambiar la entrada y salida del clip que he seleccionado sin alterar la posición del clip con respecto a los otros dos clips que están antes y después respectivamente manteniendo presionado el botón izquierdo del ratón, y al mismo tiempo moviéndome hacia la derecha o hacia la izquierda. Cambio el inicio y el final de ese clip. Al mover en el cortometraje, me permite moverme donde quiero que ese pequeño clip comience y termine sin tener que ir al monitor de referencia y editar por separado el clip y luego ponerlo ahí mismo. Es útil porque a veces queremos cambiar pequeñas cosas, pero es complicado sacar el clip donde está y volver a ponerlo en su lugar. La verdad es que no uso demasiado eso. Pero es importante saber que esta herramienta existe que el flujo de trabajo sea lo más agradable posible. La segunda opción, que sería una herramienta ligera, funciona de manera diferente. Esta herramienta me permite mover la posición que tendrá el clip con respecto a los otros dos clips. Me refiero al que está después y el que está antes. Pero sin alterar el principio y el final de ese clip que he seleccionado, presta atención a la línea de tiempo. Observe que estoy moviendo el clip y ahora su posición se mueve con respecto a los otros dos clips. Mira cómo estoy moviendo el clip al lugar donde quiero. Ahora en el monitor del programa, las pequeñas imágenes de arriba ahora pertenecen al principio y al final del clip que he seleccionado. Ambas imágenes a continuación pertenecen a los clips que están antes y después respectivamente. Entonces es una herramienta muy útil porque me permite editar clips sin tener que separarlos en otra parte de la línea de tiempo, lo que sería más trabajo para nosotros. Entonces pasemos al siguiente botón de la herramienta, que sería el Pen. La herramienta Pluma me permite modificar la línea de automatización en los clips que por defecto son volumen para audio y capacidad para video. Al hacer estos puntos llamados marcos clave, podemos instruir al software para que cambie tanto el volumen como la opacidad automáticamente a medida que avanza la línea de tiempo Pero no quiero entrar en esto ahora mismo porque va a haber una lección separada respecto a una lección separada respecto edición de audio y también a la opacidad de edición, así como una lección donde vamos a explicar qué es un fotograma clave Lo importante por ahora es que sepas que la herramienta Pluma me permite alterar estas automatizaciones simplemente haciendo puntos en esas líneas horizontales que tienen tanto los clips de audio como de video. El último botón de la barra de herramientas de línea es la herramienta de texto, que por supuesto también veremos en detalle en una lección específica para eso. Porque obviamente tengo que explicar los parámetros en detalle y cómo vas a poder usar las letras y colocarlas y moverlas en el video. Por ahora, lo importante que hay que saber es que cuando se selecciona esta opción, simplemente hacemos clic en cualquier parte del monitor del programa. E inmediatamente se abre la opción de escribir. Y al mismo tiempo se crea un clip gráfico en la línea de tiempo. Y voy a poder modificar ese clip como quiera como si se tratara de un videoclip más. Es decir, puedo cambiar cuánto durará y moverlo exactamente igual que si se tratara de un videoclip. De hecho, puedo mostrarte un poco a la vez simplemente cuando haya seleccionado ese clip gráfico, el control Fx abrirá todos los parámetros para mover ese clip. Como te dije, si fuera un videoclip más aquí, vamos a poder, obviamente, mover también las características de la tipografía Hay bastantes características, pero como quiero ir paso a paso, primero necesito explicar cómo es el control de grasa primero necesito explicar cómo es el control de grasa antes de abordar cómo editar el texto en el estreno Esto sería todo sobre los botones de la barra de herramientas de la línea de tiempo. Ya tienes una noción general de esos botones que te van a ser muy útiles a partir de ahora. Intenta revisar todo el contenido nuevamente, y te veo en la siguiente lección. 11. Barras de herramientas de línea de tiempo Barra horizontal: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Otros elementos importantes relacionados con esta barra de herramientas son aquellos botones que están por aquí. Tomo estos botones como una extensión de esta barra de herramientas y vamos a comenzar por este símbolo magnético encajado a la línea de tiempo ¿Para qué se utiliza esto? Este imán está conectado directamente a la herramienta de afeitar porque es muy difícil ser preciso en los cortes. A veces necesitamos que el corte coincida con la línea guía azul Cuando se activa, el imán nos ayuda a que el corte pegue la línea. Pero el imán no sólo pega la línea de guía sino también los bordes de los clips. Por ejemplo, por ejemplo, cuando necesitamos un clip para acercarnos a otro clip, por ejemplo, voy a añadir una sección transversal de este cortometraje a la línea de tiempo. Y voy a acercarlo más al otro clip que está en la línea de tiempo. Ocurre que ya que solemos sumar y resumir la línea de tiempo para poder trabajar cómodamente, y a veces necesitamos unir dos clips sin morder ningún clip. En esos casos, el imán nos ayuda a que el clip pegue el borde. Si esto no estuviera habilitado, podríamos estar mordiendo un poco del otro clip. Por otro lado, cuando necesitamos mover el clip al lugar preciso que queremos, por ejemplo, cuando realmente sumamos en la línea de tiempo, es mejor para nosotros que no esté activado. Ya sabes cómo funciona. No es tan complicado y es una de las herramientas más útiles para nosotros. Sabes que cuando se activa, el imán nos ayuda a pegar la pauta, a pegar las órdenes para ser más precisos y tener un mejor flujo de trabajo. Por otro lado, hay un detalle importante respecto a los cortes y está relacionado con los cortes en la sección de audio. Ya te he hablado del código de tiempo en la línea de tiempo, y estaba hablando de eso cuando estaba creando la secuencia. Y se relacionó con cómo se mostrará el tiempo en la línea de tiempo. Y puedes seguir el código de tiempo o seguir los fotogramas por segundo. Pero sucede que cuando sumas en la línea de tiempo completamente y mueves la guía de la línea azul, esa línea se está moviendo de un fotograma a otro. Y eso es un problema a la hora de editar audio porque el audio en sí es más continuo que ese ritmo de fotogramas. O sea, puedes notar los saltos de audio y esto es muy complicado a la hora de cortar clips de Odeo. Para resolver esto, debes hacer clic en la regla de la línea de tiempo con el botón derecho del mouse, y seleccionar Mostrar unidades de tiempo de audio. Al hacer esto, puedes mover la línea guía azul, no saltando de un fotograma a otro, sino siguiendo el tiempo continuo de audio. Por lo tanto, vas a ser más preciso a la hora de cortar clips de ado, debes recordar que el audio es más preciso. Es decir, cuando estás usando una resolución de 48 K, eso significa que habrá 48 mil grabaciones por segundo Se puede notar esto en la cuestión de tiempo que en este momento está mostrando las muestras de audio. Es decir, cada segundo cuenta 88 mil de ella. Pero como sabes, también puedes cambiarlos a milisegundos, pero este es un buen recordatorio para ti a la hora de cortar clips de audio. El siguiente botón, ¿es este el botón de selección de enlaces? Ocurre que a veces cuando arrastramos una sección transversal de un video desde el monitor de referencia hasta la línea de tiempo, colocamos esa sección con su respectivo audio, como en este caso. Por ejemplo, esta porción de este cortometraje. Cuando activemos la sección de enlace, cuando hacemos clic en el videoclip, también vamos a seleccionar el clip de audio. O sea, es importante a la hora de ser TD, nosotros editamos cuando desactivamos esa herramienta Si hago clic en el clip, voy a seleccionar solo el videoclip. Tan simple como eso, voy a hacerlo de nuevo. Voy a activar el botón. Voy a seleccionar el videoclip. Y selecciono tanto el video como el audio al mismo tiempo. El siguiente botón es la herramienta para insertar secuencias. Esta herramienta me permite hacerlo de dos maneras. Voy a usar como ejemplo, esta otra secuencia que tengo aquí. Se puede notar que dentro de esa secuencia, he seleccionado este clip, pero poniendo dentro y fuera, volvemos a la secuencia con la que estamos trabajando. Y voy a arrastrar esa secuencia a ésta. Cuando este botón esté desactivado y vamos a arrastrar una secuencia a éste, sucederá que todos los archivos dentro esa secuencia aparecerán en la línea de tiempo O sea, como si estuviéramos moviendo todos los clips dentro de esa secuencia a la secuencia con la que estamos trabajando. Por supuesto, estamos moviendo también la edición, pero con los clips por separado. Pero por otro lado, si activé este botón, funcionará de manera diferente. Entonces voy a arrastrar de nuevo la secuencia a esta secuencia con la que estamos trabajando. Y puedes notar que estoy moviendo una especie de clip anidado. Y este clip anidado contiene todo dentro de esa secuencia, independientemente de si has marcado una entrada o una salida. Se moverá toda la secuencia. Por lo que es una herramienta muy útil a la hora de crear un proyecto enorme. Por ejemplo, puedes insertar tantas secuencias como quieras en una secuencia. Entonces voy a abrir de nuevo esta secuencia. Se puede notar que hay una salida a una selección. Entonces voy a volver a la secuencia con la que estamos trabajando. Y voy a arrastrar la otra secuencia a esta. Dado que el botón está activado, se inserta toda la secuencia. Y eres capaz de seleccionar la porción que quieras de esa secuencia como si fuera otro clip. Y en realidad si haces clic en ese clip, vas a volver a la otra secuencia. Entonces voy a desactivar de nuevo el botón y voy a arrastrar la secuencia a éste Y se puede notar que sólo se tomó en cuenta la selección. Quiero decir, todo lo que estaba entre la entrada y la salida adentro. Adicionalmente, estoy moviendo los clips dentro de la secuencia. Entonces el siguiente botón es la herramienta de marcador. Básicamente, son recordatorios que puedes agregar a la edición para recordarte algo importante Es decir, cuando estás editando un proyecto enorme o una secuencia que es demasiado larga, probable que te pierdas cosas en la edición. Sobre todo, cuando estás trabajando día tras día, espalda con espalda, estás haciendo muchos cambios en la edición, en las secuencias. Estos recordatorios son muy útiles, por lo que puedes agregar recordatorios, hacer clic en ellos, y puedes poner un nombre si quieres Y en realidad tienes una sección común a continuación cuando eres capaz de escribir comentarios relacionados con la secuencia o cambios. Y además eres capaz de cambiar el color del marcador. Yo uso esto mucho porque los proyectos enormes implican muchas horas de trabajo. La siguiente herramienta es la llave aquí. Y esta herramienta te permite seleccionar lo que quieres que se muestre en la línea de tiempo. Es decir, la línea de tiempo tiene varias características y puedes seleccionar cuál quieres que se muestre. Tan simple como eso, puedes desactivar, por ejemplo, para mostrar ondas de audio o los fotogramas clave de audio, por ejemplo, lo que quieras en la línea de tiempo Me gustaría recalcar algo importante relacionado con los atajos, porque nunca me ha gustado usar atajos. Porque la mayoría de los editores que conozco que usan atajos no son tan buenos. Pero si quieres conocer los atajos premier, ve a la pestaña de edición y luego a los atajos de teclado. Justo aquí. El software le proporciona toda la información sobre los atajos. No me gustan en absoluto los atajos porque el cerebro tiene limitaciones, el cerebro tiene límites y no me gusta gastar mi memoria en ese tipo de información. Es decir, cuando eres un editor profesional, cuando eres un cineasta profesional, un artista profesional, vas a tener que recordar muchas cosas relacionadas con la cultura general, arte, con la filosofía, etcétera, etcétera Y se supone que debes hacer eso para sacar lo mejor de, lo mejor de tus referencias artísticas. Y ese es un proceso complicado en tu mente, en tu cerebro. Entonces no voy a dedicar mi tiempo a recordar que puedes activar esta herramienta de maquinilla de afeitar presionando C en el teclado, por ejemplo O sea, simplemente hago clic en la navaja y voy a usar la navaja. Pero de todos modos, trata de recordar para qué se utiliza esta herramienta magnética. Y también esta herramienta enlazada que permite seleccionar ya sea el videoclip o el anuncio de video eclipsando juntos Recuerda esta herramienta para insertar secuencias que te permite insertar un clip estético o los clips por separado. Recuerda también los marcadores y este último en la llave que te permite mostrar las características de la línea de tiempo Esta lección está hasta aquí y hasta la siguiente. 12. Proyecto de video para skillshare: Vamos a hablar de un proyecto del curso. Como proyecto final, debes crear un montaje siguiendo el ejemplo de las lecciones, guión, elipses, tiempo y contemplación Simplemente usando un smartphone o una simple cámara. Deberías grabarte en tu habitación preparándote para salir de tu casa, o simplemente levantándote de tu cama y preparándote para salir. Las lecciones que mencioné, expliqué cómo ordenar las imágenes para crear diferentes mensajes audiovisuales. Me refiero a transmitir diversa información a la audiencia. Este es uno de los conocimientos más valiosos en el discurso. Y quiero que lo aprendas realmente para que puedas editar historias en cualquier software de edición de video. Es importante mencionar que puedes agregar tu voz a este pequeño montaje para cambiar aún más el mensaje detrás de tu propio montaje Por supuesto, aprenderás en este programa todos los conocimientos técnicos para hacer sonido. Te veo en la primera lección. 13. El tiempo y la contemplación de una toma cinematográfica: Hola, gente. Uno de los chal***ges más importantes a la hora de editar películas, o editar cualquier otra obra visual, es entender el verdadero significado de las En mi curso de Cine, hablé de esto en esas lecciones semióticas, donde explico lo importante que es El concepto de base de figura, quiero decir, ese concepto que nos dice que no sólo los personajes nos cuentan sobre la historia, sino también todo lo que los rodea. Pero hay un elemento crucial hora de entender esto. Este elemento es el tiempo, el tiempo y la imagen, el tiempo y la contemplación. El problema hoy está fuera del mundo visual, es que todo es demasiado rápido. Queremos comunicarnos lo más rápido posible. Y quizá en algunas plataformas, esto funciona muy bien. Por la propia naturaleza de estas plataformas, me refiero a Instagram, Youtube, Tiktok El problema es que el cine funciona de manera diferente, sobre todo cuando se trata de hacer cine de calidad. Ese tipo de películas en las que queremos contar cosas profundas. Y para poder contar cosas profundas, es necesario que el proceso de comunicación entre el autor y el público sea preciso y correcto. Siempre debemos hacernos la siguiente pregunta. El público está realmente entendiendo lo que significa el guión. En este sentido, el proceso de edición es fundamental porque en ese proceso, vamos a determinar no sólo el orden, sino también la duración que tendrá cada disparo individual. En la historia, siempre uso como ejemplo la acción de verificar la hora en cualquier reloj. ¿Cuánto tiempo te lleva verificar la hora en cualquier reloj? O sea, cuando veas la hora en tu reloj, yo diría que no se toman más de 3 segundos para ver la hora. Pero si vemos el mismo reloj, la misma toma del reloj por un tiempo más largo, inicia algo más en nuestra mente, comenzamos a cuestionarnos lo que vemos en la pantalla para hacernos preguntas sobre el significado de lo que estamos viendo en la pantalla. Ahí es donde las cosas empiezan a suceder en nuestra mente. Ahí es donde empezamos a usar la imagen para otro tipo de lectura. Es decir, la cantidad de tiempo que una imagen está en la pantalla cambia el significado de la imagen en sí misma. Ya que determinar la duración de una imagen en la pantalla será nuestro trabajo, debemos estar preparados para entender cuando sea necesario o no, cuando sea conveniente o no, estirar o apretar una toma. Te mostraré un cortometraje en el que trabajo en mi escuela de cine. Trabajé específicamente haciendo la música, Pero lo que pasa es que esta obra tiene problemas relacionados con la duración de las tomas. Pero al mismo tiempo, hay tomas valiosas, precisamente por su duración. Entonces déjame darte un poco de contexto de la historia en este cortometraje. Esta historia trata sobre una chica que es actriz y que fue abusada sexualmente por alguien, pero no quiere decirle nada a su madre. La niña se comporta de manera extraña. Siempre está de mal humor. Pero en algún momento de la historia, la madre de la niña encuentra un suéter de sus datos con una mancha de sangre. Y finalmente, la madre entiende que la niña sufrió algún tipo de abuso y logra entender su puerta. Al final de la historia. Este cortometraje tiene evidentes problemas de guion, entre ellos que, por ejemplo, la chica es actriz y la espectadora, el público no sabe que en realidad es actriz, porque el director y guionista de esta obra simplemente usa una toma, donde hay un ca***dar como mecanismo para informar al público que la chica tiene un para informar al público que la entre ellos que, por ejemplo, la chica es actriz y la espectadora, el público no sabe que en realidad es actriz, porque el director y guionista de esta obra simplemente usa una toma, donde hay un ca***dar como mecanismo para informar al público que la chica tiene un rodaje en un fecha específica. Esa no es suficiente información para entender que es actriz. Pero presta atención al disparo en primer lugar. El disparo no dura el tiempo suficiente para verlo en detalle. En segundo lugar, la palabra tiroteo, que en el ca***dar dice que la cabalgada en español no está lo suficientemente cerca para ser Un editor podría haber resuelto esto perfectamente. Por ejemplo, si el disparo hubiera sido grabado con suficiente resolución, simple hecho de acercar el disparo hubiera sido suficiente para leer la palabra disparar, la palabra cabalgó Adicionalmente, si la toma no dura lo suficiente, simplemente tomando una captura de pantalla del último fotograma de la toma, podríamos ***gthen esa toma usando esa foto como si fuera parte del video Por otro lado, al inicio de la filmación un rodado donde vemos algunas flores con autos sobre una mesa. Es el primer disparo después de ver a la chica en el baño en la parte superior. Debo confesar que la primera vez que vi ese disparo, pensé que era un ataúd con algunas flores arriba Es decir, ese arreglo de flores conmemorativas, resulta que son regalo de felicitación para la niña haber actuado en una obra Pero en realidad incluso el viaje del disparo a la izquierda, más el hecho de que antes no vemos la mesa en sí misma. Lo primero que te viene a la mente es que es un ataúd Además, el orden del disparo en el montaje falla. O sea, los cortometrajes comienzan con la chica preocupada al principio como si estuviera pensando en algo profundamente. Cuando ves la imagen de un objeto alargado de madera con flores arriba, ¿qué opinas? ¿Qué puedes pensar que puedes como editor tuviste que darte cuenta de ese tipo de cosas? Porque si en los datos hay otra toma de la misma tabla desde un punto de vista más distante, por ejemplo, donde está claro que es una tabla a simple vista, se supone que debes elegir esa toma. Mm hmm. Pero no todo está fallando en este cortometraje. Por ejemplo, la última gran toma de la última escena donde la madre entra a la habitación y se acuesta frente sus datos y la observa durante mucho tiempo, tanto el director el editor pudieron tomar otra decisión, como usar otra toma o hacer cortes para resumir la escena, por ejemplo Pero no hicieron eso. Simplemente, la escena es lo suficientemente larga como para permitirnos contemplar a los dos personajes durante mucho tiempo Para sumergirnos en las emociones, en sus emociones de una manera más profunda Intenta ver todo esto como un ejemplo porque es como el hecho de contemplar una pintura Usemos como ejemplo. Esta es la pintura de Manet. Supongamos que esto es un tiro. Si la duración de esta toma fuera de 4 segundos, por ejemplo, ¿ese tiempo sería suficiente para contemplar el fondo? Por ejemplo, para notar que en el fondo hay otra mujer que obviamente está con ellos. Es tiempo suficiente, 4 segundos para detallar que incluso hay un pequeño bote de madera al fondo. Ese es seguramente el medio de transporte por el que llegaron a ese lugar. Seguramente un lugar mágico donde quisieron escapar, estar solos. Aquellos a amigos con sus amantes. ¿Te das cuenta de que esa es la única manera de profundizar el lenguaje audiovisual, tratar de contemplar el arte, convertirte en un verdadero artista dotado, hasta la 14. El guion y la edición de la película Cómo se ve un guion en la pantalla: Perfecto, estamos aquí en el estreno de Dove. En esta lección, vamos a almacenar el aprendizaje a interpretar un guión de película a la hora de editar películas. Me refiero a cómo se ve un guión en la pantalla a su vez. Cómo se ve también una página de guión que representa 60 segundos en una película. Lo optivo es que aprendamos a interpretar un guión cinematográfico a la hora de editar, o al menos tener una idea de lo que un guión quiere transmitir Voy a dividir una pantalla y voy a mostrarte esta escena en esta amplia toma donde todo va a pasar en una sola toma. Y al mismo tiempo, voy a leer la página del guión correspondiente a esta escena. También debes saber que página de guión representa 60 segundos en una pantalla Pero presta mucha atención a esta lección, porque de hecho, no siempre será así. Y debemos ser conscientes, incluso cuando un guión está mal escrito, como cineastas o editores, se supone que debemos saber cuánto duran realmente las acciones en un guión cinematográfico Empecemos entonces en el día del barco espeleológico, brazo novecento cuelga sobre el borde de la cama Mientras duerme, una maleta abierta yace en el suelo. Un libro de música está en la maleta. Una luz suave ilumina la piel joven del brazo Navicent. Navicent duerme profundamente en el fondo de un banco. Lleva camisa verde y pantalón que no son cómodos para dormir. Las sábanas y la almohada son muy anchas. El sonido de algunas águilas se escucha en la distancia. Parecen acercarse, pero novecento sueño parece no ser perturbado El ruido de las águilas aumenta y se despierta. Novecento. Novecento se limpia los ojos para tratar de despertar Parece querer volver a dormir, pero hace el esfuerzo de quitarle los ojos de encima. La luz matutina indica que debe levantarse. Navicent se sienta en el borde de la cama. Todavía se siente cansado. Novecento se limpia los ojos. Parece estar algo preocupado, pero hace el esfuerzo de dominar la fuerza para terminar de ponerse de pie. La luz de la mañana entra por la pequeña ventana redonda, típica de un barco de principios del siglo XX. Novecento termina de cerrar su maleta, ya se puso los zapatos, y luego camina lentamente hacia las ventanas de la cabina Novecento se acerca a las ventanas de la cabina mientras arregla sus frenillos Novecento vigila a través de una de las ventanas de la cabina. Parece muy pensativo. Hay cortes de las paredes de la cabaña como alguien que lleva bastante tiempo ahí. encienden las luces de la cabina, lo que indica que el barco está a punto de atracar en el muelle, Novecento se da cuenta de que es momento de irse Comienza a mirar a su alrededor para ver si no le queda nada en la cabaña. Novecento ve cada detalle y se vuelve a un banco donde hay algunas sábanas sueltas Navicent observa las hojas y reflexiona profundamente. Navicent se acerca a la banqueta y se sienta. Luego toma las sábanas y las atraviesa una tras otra. Las sábanas parecen recordarle algo. Novecento es nostálgico, se convierte en infinito, Obviamente lo que vemos en la pantalla es siempre una interpretación del guión de una película. Una interpretación que puede provenir de un guionista o puede provenir del propio director de cine. En este contexto, surge una pregunta. ¿Esta página de script pertenece realmente a esta escena? Lo cierto es que en términos generales, es decir, leyendo las unidades de acción, parece ser el guión el que corresponde a esta toma. No obstante, lo primero que debemos tener en cuenta es que esto está en la toma dura casi 2.5 minutos. Acabamos de leer una página de script que sólo representa 60 segundos. Así que presta atención a la importancia de este conocimiento porque ya podemos ver deficiencias en la escritura. Este conocimiento nos permite conocer la duración real de las acciones que están sucediendo en la página del script. Nos permite saber cuánto duran las acciones de un personaje en Cene Este conocimiento no tiene precio y sólo es posible entenderlo a través de la práctica porque de hecho leemos la escena Y leerlo me tomó más o menos el lapso de tiempo, es decir 2.5 minutos. Pero trata de imaginar que estábamos editando un guión de 90 páginas que tiene este problema, entonces la película no duraría hora y media, sino 3 horas, en que realmente es un problema en cuanto a producción. Por otro lado, hay un elemento que destaca sobre todo en términos de esta versión escrita del guión. Y es que se describen una gran cantidad de detalles que no es posible retratarlos, o al menos es difícil representarlos desde el punto de vista de esta toma, el disparo es un disparo, una especie de tiro abierto ¿Y qué significa esto? Significa eso en la realidad. El plano que debemos usar para contar lo que sucede en la cueva, en nuestros olores, por ejemplo Presta atención a esta línea desde el guión. Una luz suave ilumina la piel joven del brazo de Novecento. No es posible ver este detalle a lejos así como el detalle del libro en la maleta, la línea donde se lee, ese novecento está preocupado por algo en la También es difícil ver los detalles de la fase de Novecento Lo que intento decir es que todos estos detalles son esenciales para poder determinar cuáles son los disparos que vamos a utilizar a partir de los datos que nos dio el equipo de producción. A menos que existan instrucciones específicas para elegir cuál toma usar, deberíamos poder usar el guión como guía y los guiones sugieren en su escritura cuáles son las tomas más adecuadas. Por ejemplo, el detalle del brazo novecento y el libro en la maleta que podría estar en un solo tiro cerrado, si en los datos que tenemos que hay un disparo que retrata esas líneas de la mejor manera, Por ejemplo, este tiro cerrado, se supone que debemos elegir Lo que tenemos que hacer es seleccionar la parte del videoclip. Recuerda que te dije cómo hacerlo antes usando el I y la entrada y la salida, y arrastra el fragmento de video a la línea de tiempo. Es importante señalar que siempre estamos construyendo nuestro punto de vista del guión, pero se supone que debemos leer profesionalmente el guión para poder representarlo mejor. Pongamos atención a cómo se lee esta toma. Aunque aquí, no se nota exactamente que el libro es de hecho un libro de música. El libro se ve mucho más cerca, de la misma manera la piel del brazo de Novecento Adicionalmente, podemos ver en esta toma cómo es la ropa de Novecento, así como lo profundamente dormido Incluso podemos notar mejor el color blanco específico de la almohada. De hecho, al combinar este tiro cercano con una toma de encuentro de novecento en la cama, por ejemplo, en esta toma podemos ver con más detalle cómo se viste Novecento Recuerden, el descripto cuenta que Novecento usa ropa que no es tan cómoda para dormir en absoluto Adicionalmente, podemos ver con más detalle los cortes de papel que están pegados en la pared. Por lo que esta toma es bastante útil. Entonces podemos seleccionar el fragmento de video que queramos usando la I y 0, y agregarlo a la línea de tiempo. Hay algo muy importante a tener en cuenta a la hora de mezclar diferentes tomas, diferentes tomas de una misma acción. Debemos prestar mucha atención a las acciones de corte. Las acciones de corte son aquellas vamos a ir de una toma a otra para que se sienta como si estuvieras teniendo varias cámaras puestas al mismo tiempo. Por ejemplo, aquí el personaje gira hacia la luz. De hecho, es la luz en el sonido de vehículos la que despierta novecento Por lo que esta acción se repite en diferentes tomas y es perfecta para generar esa sensación en el montaje Si no respetamos estos elementos consecutivos a la hora de pasar de una toma a otra, generaremos otro significado narrativo. En la edición de video, vamos a crear una elipsis. La elipsis es un salto narrativo de tiempo en la edición. Esos atascos de tiempo pueden ser de poco tiempo o mucho tiempo. En cualquier caso, veremos ese elemento específico más adelante en otra lección. Pero como este no es el caso, debemos encontrar esas acciones de corte que me permitan unir correctamente un tiro con otro. Ahora voy a buscar otra toma para seguir construyendo la escena. En este caso, voy a usar la acción de ponerme las botas ya que corto acción para poder combinar adecuadamente las dos tomas. Como te dije, vamos a seleccionar el fragmento de video que queramos con la I y luego arrastraremos ese video a la línea de tiempo. Mira cómo se ve la acción de corte, creando la sensación de que hay varias cámaras en la escena. Es muy importante. Es decir, en la medida en que avancemos en la edición de un guión específico, vamos a descubrir cosas a partir de los datos. Cosas que al final, nos permitirán llegar a la edición. Por ejemplo, en el guión hay una descripción importante. La luz de la mañana entra a través de pequeñas ventanas redondas, típicas de un barco de principios del siglo XX. A pesar de que este detalle se puede ver en la toma general en el guión que se escribe por separado en un pequeño párrafo, lo que sugiere que esta toma es una toma específica para eso o que se deben ver algunos detalles de ese elemento. Voy a crear un espacio aquí entre los planos que hemos agregado a la línea de tiempo para intentar agregar una toma de las ventanas. Presta atención ahora a esto. En uno de los planos que se grabó, Novecento está sentado, reflexionando sobre las partituras que está revisando Pero si nos damos cuenta al final del disparo, Novecento se pone de pie y prácticamente deja las ventanas expuestas como si se tratara de un disparo de las Entonces podemos usar esos segundos donde navegante no ve como si se tratara de una toma A esto lo llamo tomar fotos de los disparos ellos mismos. Lo interesante de esto es que nos obliga a crear también una conexión con los otros disparos. Que también debemos encontrar un corte en acción que nos ayude a combinar el tiro con los demás. Por ejemplo, hay un momento en el que el navegante gira hacia las ventanas Esa podría ser la acción de corte. Perfectamente. Recuerda que en acción natural del personaje, se vuelve hacia la luz porque la luz es lo que sube caminando. Además de eso, es la conexión del personaje con el exterior. Esta toma de ventana de detalle es crucial. Me permite describir el espacio con más detalle. Es necesario que comparemos toda la información que percibimos en un tiro cerrado con respecto a ese primer disparo general que vimos al principio. La lectura del plano es muy importante, y sólo comparándolos podemos sentir cómo la información nos llega de una mejor manera. Preste atención a que a pesar de que es la misma acción, es decir las unidades de acción están contenidas tanto en el tiro cerrado como en este plano general, la lectura es diferente. Esto es muy importante a tener en cuenta a la hora de editar porque hay detalles que no se pueden mostrar en una toma abierta. Pero lo más importante es que no hay una sola manera de hacerlo, simplemente que debemos estar abiertos a encontrar posibilidades creadas dentro de los datos que nos da el equipo de producción. Sobre todo porque muchos de ustedes vienen de mi curso de guion, y este es otro gran ejemplo para ver cómo se ve realmente el guión en una Yo diría que es uno de los chal***ges más difíciles para el Lo más valioso de este conocimiento es que muchas veces nos van a dar proyectos que ni siquiera tienen un guión escrito formalmente. Pero en cambio grabaron una historia con alguna bolsa, una guía. Y debemos construir la historia en la edición. Entonces prácticamente estaríamos escribiendo la historia nosotros mismos. Bueno, continuemos con este ejemplo. Pongamos atención al último párrafo, donde se lee lo siguiente. Novecento se acerca a la banqueta y se sienta. Luego toma las sábanas y las atraviesa una tras otra. La partitura parece recordarle algo. Novecento es nostálgico, se convierte en infinito, Entonces, en este plano amplio, se ve a Novecento mirando las partituras Pero ¿podemos realmente ver que Novecento está pensando profundamente en lo que está viendo? Lo cierto es que en el plano abierto solo vemos al personaje leyendo las páginas, pero no vemos su rostro en detalle. Pero mira ahora esta toma. Aquí podemos ver el rostro lo suficientemente cerca como para representar lo que está escrito en el guión. Aquí estamos viendo la cara de cerca, y no cabe duda de que Novecento es pensativo y afectado por lo que ve en las páginas Podemos hacer exactamente lo mismo. Vamos a seleccionar el video de sección transversal que queremos agregarlo a la línea de tiempo y poder describir mejor esa emoción que se lee en el guión. De la misma manera debemos encontrar las acciones de corte que se ve muy bien mezclado con el otro tiro. Presta atención a cada uno de los movimientos en la performance que los puntos suspensivos no ocurren en la edición Recuerda que los puntos suspensivos es algo que veremos más adelante Por ejemplo, podemos utilizar cualquiera de los momentos donde navegante o relaja es la cabeza atrás A medida que edites obras de esta naturaleza una y otra vez, desarrollarás una sensibilidad a la edición porque tu cerebro leerá automáticamente las tomas de esta manera. Ahora podemos notar que el personaje está pensando en algo. Está dejando algo porque lo estamos viendo en la pantalla. Lo que no se ve en la pantalla no existe. Este es un principio básico de la escritura cinematográfica. Si no estás viendo o escuchando algo no existe. Pero supongamos que queríamos representar este guión con una sola toma de secuencia. La cámara tendría que recorrer cada uno de los detalles en una especie de viajar con una cámara estable que nos permitiría ver los detalles que están escritos en el guión. Eso sería algo muy diferente al plano general que te mostré al principio donde no podemos ver detalles cerrados. Vamos a verlo una vez más para analizarlo. Ya te diste cuenta de que, antes que nada, los pequeños detalles no son visibles. En segundo lugar, es importante que sepamos cómo sería un guión perteneciente a esta toma. O sea, para haber elegido esta toma en lugar de la composición con diferentes tomas que describan los detalles, etcétera, el guión tenía que tener otra naturaleza En primer lugar, lo primero es que los párrafos serían mucho más largos. Cuando los párrafos son largos, el escritor nos está sugiriendo que hagamos algunos cortes como sea posible. Por otro lado, obviamente no habría descripciones detalladas de los objetos, sino una descripción general de las acciones en el tiempo. Por otro lado, los guiones se escriben en unidad de acciones. Cada periodo en continuo es una acción diferente o un elemento diferente a describir. Adicionalmente, aunque los labios casi siempre se da en ese salto de un párrafo a otro con un punto completo, no siempre hay saltos de tiempo en paradas completas. ocasiones estas poses simplemente se hacen para consumir páginas en el guión e indicar al equipo de producción que la escena dura un tiempo específico. Especialmente cuando son escritores expertos que realmente saben cuánto duran las acciones humanas. Toma esto en cuenta para que sepas interpretar los guiones que se te presentan. A menos que el propio director tenga otras instrucciones, debemos seguir lo que nos sugiere el guión. Por otro lado, los directores de cine generalmente hacen una nueva versión del guión, sobre todo cuando el director de cine no es el escritor. Pero aunque el mismo director sea el escritor, siempre hay modificaciones porque los guiones están siempre en un proceso constante de mejora hasta el final, hasta la última etapa de edición. Es importante estar preparado para que exista un proceso de comunicación efectivo entre el director de cine y el editor de la película o el cortometraje. Te voy a dejar las dos versiones de estas escenas en dos archivos PDF para que puedas revisarlas y conocer cómo es realmente una página de guión de película . Eso es para esta lección y hasta la siguiente. 15. Cómo editar textos: Perfecciona lo que vamos a hacer en esta lección. Vamos a aprender a usar la herramienta de texto desde la barra de herramientas de línea de tiempo. Pero además, vamos a aprender a hacer subrayados sobre el texto, que es algo muy útil para verso de Youtube y para videos para redes sociales, e incluso títulos para películas y cortometrajes Por otro lado, vas a embellecer esos subrayados con una acción esencial que sé que es algo que te va a encantar, a. Cabe señalar que aunque vamos a usar elementos esenciales de acción en esta lección, vamos a usar los elementos esenciales de acción mucho más detalle más adelante Empecemos con la herramienta de texto. Simplemente tenemos que seleccionar la herramienta de texto, la barra de herramientas en la línea de tiempo, y luego ir al monitor del programa y hacer clic donde queremos que esté el texto. Voy a escribir todo inmediatamente después de que terminemos de escribir el texto que queremos que se cree un clip gráfico en la línea de tiempo. Podemos estirar o apretar este clip como queramos. Es exactamente lo mismo que si se tratara de un videoclip. Obviamente, lo único visible en este clip es el texto. Y el texto se verá en la pantalla. Siempre y cuando esté encima de cualquier otro clip, podemos dar click en este y automáticamente abrirá parámetros generales en el panel de control de Ax si se tratara de cualquier otro videoclip. Y obviamente, podemos agregar los hechos que queramos y sólo afectarán a los textos que tenemos aquí, pero poned atención. En realidad, el texto que habíamos escrito no es el único que puede estar en este clip. O sea, podríamos agregar otros textos que estén dentro este clip gráfico y los parámetros individuales de cada texto aparecerán en el panel de control de fax. El clip gráfico sería un clip general que puede contener todos los textos que queramos. Esto es muy importante porque podemos agregar efectos al texto y al clip por separado. Por ejemplo, si mantengo seleccionado el clip gráfico y también la guía de línea de tiempo está en el clip gráfico. Si vuelvo a seleccionar la herramienta de texto y escribo algo, se creará un nuevo texto dentro del mismo clip. Presta atención a que he escrito mi nombre y no se creó ningún nuevo clip en la línea de tiempo Pero si revisamos el clip gráfico que ya hemos creado, encontraremos la pestaña de configuración individual de ese nuevo texto. Pero hay que prestar mucha atención a un detalle que tiene que ver con esto. Hay que tener cuidado porque no te puedes confundir. A mí me pasó al principio. Si cambias los parámetros de posición del clip, esto afectará la posición de todos los textos que están dentro. Puede parecer lógico, pero si primero agregas un texto y le das movimiento al clip en los parámetros del clip y no del texto, entonces cuando agregues otro texto, estarás bastante confundido. Mira cómo estos parámetros afectan a los dos textos que tengo en el clip. Voy a eliminar esta automatización que acabo de hacer en el clip. Si quisiera darle movimiento a uno de los textos específicos, tendría que ir a los parámetros individuales del texto que quiero para que solo mueva ese. Podemos verificar los parámetros para que puedas notarlo y darte cuenta de que son exactamente los mismos. Obviamente, esto también nos permite unos defectos que sólo afectan a un texto específico. Por ejemplo, vamos a mover este texto. Todo lo que voy a hacer exactamente el mismo un fotograma clave al principio y otro poco después con dos posiciones distintas respectivamente. Ahora se puede ver cómo solo se mueve el texto donde lee, Ali. Adicionalmente, como puedes ver aquí, puedes cambiar los parámetros de la fuente. Encontrarás todos esos parámetros que sueles cambiar. Oficina de palabras aquí, la separación entre las letras si es vieja o no, etcétera, etcétera Obviamente, todos los criterios de las letras ya tienen que ver con tu estilo, con el proyecto que quieres hacer. Y por otro lado, puedes activar o desactivar el texto que tengas en el clip gráfico Pero presta atención a esto, es muy importante. No es lo mismo que escala el texto usando el parámetro clip. O sea, si quiero resumir en una letra específica, por ejemplo, para que se vea más grande. Si lo hago con los parámetros de un clip, expondré los píxeles del texto y no lo notarán en el monitor del programa. Lo notará cuando exporte la secuencia al final de la edición. La forma correcta de hacer que la letra sea grande sin pixelar es aumentar el tamaño de fuente en los parámetros del texto O sea, hazlos lo suficientemente grandes como para que incluso acercándolos con el parámetro del clip o el texto en sí, no se pixele Siempre recomiendo poner la fuente lo más débil que podamos y sumar dentro o fuera usando la escala para que siempre tenga resolución suficiente y no se pixele al exportarla Por otro lado, hay un efecto muy interesante que quería mostrarle para las letras. Texto. Debemos ir a la carpeta V defecto y luego a generar y luego elegir cuatro degradados de color con defecto de trapo Y colocarlo antes del texto que queremos que afecte. Preste atención a que si lo pongo debajo del texto, no lo afecta, debe estar por encima del texto. Este efecto me permite modificar cada uno de esos colores mezclados que están apareciendo en el texto. Hay cuatro diferentes, y el software generará toda una gama entre los colores. Me parece muy bonito este efecto porque en realidad puedes automatizar todo ese cambio y le da a nuestro texto un look moderno que coincida con los fondos. Ahora vamos a pasar al subrayado y a la acción esencial para subrayar el texto de manera animada, que es como suelo hacerlo Debemos crear un fondo sólido. Posteriormente debemos ir al ser general, damos clic en el botón derecho del ratón, vamos a Nuevo Elemento y luego a Color Mate, se abre esta pequeña ventana que nos indica el tamaño del clip que se creará por defecto. Siempre se adapta al tamaño de la secuencia en la que estamos trabajando. Por lo que hacemos clic en Bien, y luego debemos elegir el color que tendrá el color mate. Damos click en Bien otra vez, y ponemos un nombre si queremos. En realidad, ya he creado un color Matt, pero solo quería enseñarte a hacerlo. Debemos arrastrar ese clip a la línea de tiempo. Ese clip de color Matt será como cualquier otro videoclip. Es como una foto con la diferencia de que podemos cambiar el color de esa foto cuando queramos. Lo siguiente que hay que hacer es agregar un efecto de recorte a ese clip de tapete de color. Vamos a Transformar carpeta, y seleccionamos recortar, y arrastramos ese efecto al clip. Una vez que añadimos el efecto, debemos intentar crear un alineado usando estos parámetros de aquí. Ya que queremos hacer una línea horizontal, podemos modificar los parámetros superior e inferior, quiero decir hasta que la línea sea tan gruesa como queramos. Pero también debemos modificar los parámetros izquierdo y derecho para adaptarnos a la ***gth del texto Lo que quiero hacer no es una simple línea. Lo que quiero hacer es hacer que una línea aparezca como si estuviera siendo dibujada en la pantalla como si fuera animada. Movemos el parámetro derecho hasta que desaparezca la línea, Y luego agregamos el primer fotograma clave. Ahora debemos elegir el momento o punto donde queremos que la línea termine apareciendo. Ahora la línea aparece por sí misma, totalmente animada. Y ahora podemos cambiar si queremos que aparezca más rápido. Por ejemplo, simplemente tenemos que acercar el segundo fotograma clave al primero. Quiero decir que el espacio entre ellos es más corto. De hecho, podrías jugar con esto, la línea podría ser de otra manera, o podrías hacer que los elementos aparezcan o desaparezcan en la composición de esta manera. Pero lo que realmente quería enseñarles era combinar una acción esencial con este subrayado Pero, ¿qué es esencial una acción? Es un video grabado con una pantalla verde, pero con ese fondo verde ya eliminado del video. O sea, lo que queda en el video es solo el elemento que queremos usar. Hay elementos esenciales de acción de todo tipo. Fuego, chispas, brotes, sangre. De hecho, lo esencial de acción es la marca. En realidad, son videos perforados. Entonces voy a añadir, en este caso, esta chispa que estás viendo ahora mismo. Entonces mira cómo se ven las chispas en el video. Apenas las chispas como si se tratara de un archivo PNG. Así que imagina todo lo que puedas hacer usando esto. De hecho, más adelante te voy a enseñar a usarlo, un video, como efecto visual en una lección dedicada exclusivamente a esto. En este ejemplo, lo que queremos hacer es hacer que la chispa aparezca en la punta de la línea. A medida que aparece la línea, lo primero que debemos hacer es adaptar el ***gth del clip de chispa al momento en que la línea comienza Ahora lo que tenemos que hacer es cambiar el tamaño de la chispa y luego automatizar su movimiento para que siga la punta de la línea hasta el final. Vamos al inicio del clip y modificamos el escala y el parámetro de posición para astillar lo que ya mencioné. Entonces la chispa coincide con la línea. O sea, lo más importante es tener la posición inicial. Una vez que tenemos la posición inicial, lo que tuvimos que hacer es automatizar el movimiento horizontal de la chispa hasta el final de la línea. Hay algo muy importante que saber con respecto a los fotogramas clave. A veces colocamos fotogramas clave y luego modificamos la duración del clip. Quiero decir que somos exquisitos. Y luego el marco clave se oculta de la línea de tiempo del panel de control de defectos. Y entonces no sabemos dónde está y tenemos que eliminar toda la automatización para comenzar de cero. Lo que tenemos que hacer es estirar de nuevo el clip hasta que vuelva a aparecer el fotograma clave. Perfecto. Ya tenemos nuestra chispa adaptada a la línea, pero también podríamos agregar una imagen de fondo para probar cómo se vería todo con un fondo que no fuera negro. Podemos seleccionar, por ejemplo, la imagen del universo. Podemos oscurecer el universo de la misma. Podemos hacerlo modificando el parámetro de opacidad. Por ejemplo, voy a hacer un poco de render de previsualización. Bueno ya sabes cómo hacer subrayados animados y agregarle un efecto a esto Puedes usar todos estos en tus videos, para presentaciones, para películas, para videos en Youtube, para lo que quieras, y se verá muy profesional. Recuerda siempre adaptar los colores degradantes de las letras a los colores de fondo. En este caso, combinaron los colores de las letras que están dentro del rango del fondo y se ve muy bien. Pero en cualquier caso, más adelante, iremos en mayor profundidad con los elementos esenciales de acción. Y te dejaré algunos videos perforados para usar en tus videos. Quiero decir, chispas, fuego, etcétera. Entonces esta lección está hasta aquí y hasta la siguiente. 16. La exportación: Perfecto. Estamos aquí de nuevo, casi terminando el módulo. En esta lección, vamos a hablar del proceso de exportación Esta etapa es bastante sencilla, diría yo. Es la más sencilla de todas. Obviamente, como has llegado hasta aquí, ya has visto que hay cosas mucho más complicadas a la hora de editar. Entonces lo primero que debemos hacer es marcar la entrada y salida en nuestra secuencia. Ya sabes cómo hacerlo, pero tratando de asegurarte de que lo estás haciendo correctamente. El siguiente paso es ir a la pestaña Archivo, y luego ir a Exportar. Y luego haces clic en Medios de comunicación. Y esta ventana se mostrará en esta ventana. Puede modificar la configuración de exportación. Principalmente, tienes dos formas de exportar archivos. Me refiero a dos perfiles. Un perfil comprimido y un perfil sin comprimir. Empecemos con este H 264. Este es el formato más famoso, conocido y usado. Es un formato comprimido y tendrás dos perfiles principales a elegir, el perfil de alta tasa de bits y el perfil de velocidad de bits media. La tasa de bits es la cantidad de información por segundo que tendrá el video. A pesar de que existen estas dos opciones principalmente, tendrás todas estas opciones por aquí. Esta lista los cuales son otros perfiles completamente adaptados a diferentes plataformas. Hay perfiles adaptados a teléfonos inteligentes, a Youtube, incluso perfiles de Vimeo Y básicamente esos perfiles ayudan al video a tener un mejor rendimiento en los reproductores. Y lo más interesante es que, por ejemplo, en este perfil móvil, el sistema adapta tu secuencia a este formato. No estropeando la naturaleza de tu video en términos de aspecto a la radio, por ejemplo Pero básicamente, estas dos opciones principales son las más importantes de todas. Pero hay un factor importante a la hora de practicar deporte, que es el tamaño del archivo. Usted es capaz de verificar un tamaño estimado de archivo por aquí con este perfil es de 365 megabytes, y con este otro perfil es un gigabyte Pero en realidad, si verificamos la configuración del perfil, podemos modificar la tasa de bits. Ese es el más importante de todos. Aquí tendremos estos dos faders, faders horizontales. Al mover los faders, podemos elegir cuánta información por segundo tendrá el video Cuando hablamos de formatos comprimidos, te recomiendo encarecidamente que mantengas estos números, esta tasa de bits, por debajo de diez porque estás creando un formato comprimido. En ese formato, se supone que tiene una gran calidad. Pero también quieres que sea ligero también y ligero para los jugadores. Esta es la razón por la que te recomiendo encarecidamente mantengas la tasa de bits por debajo de diez. Puedes jugar con eso, pero debes saber también que la compresión se notará en las zonas oscuras de la imagen. Adicionalmente, marcando estas casillas aquí, puedes modificar cualquiera de los demás parámetros. Pero sé que no vas a modificar esto porque has creado una secuencia con una configuración específica. Y esos ajustes no se supone que se modifiquen en la exportación, sino que se puede modificar la calidad del anuncio, por ejemplo. Eso es muy importante porque también hay una tasa de bits relacionada con el audio. Y luego una vez que termines de seleccionar la configuración, debes hacer clic en un Sport, y se creará un archivo MP four. Tan simple como eso no es tan complicado, pero pasemos al formato sin comprimir Voy a elegir el tiempo rápido, por ejemplo. Y en este caso, es uno de los formatos más conocidos para exportar en alta resolución. Entonces en este formato, tendrás todos estos presets. En realidad, no están completamente descomprimidos porque el proceso mismo de crear el archivo final implica una especie de compresión Hasta cierto punto, voy a elegir este Apple Progress 44, 44. Es uno de los presets más utilizados. En la configuración de exportación, tendrás casi las mismas características que encuentras en el formato comprimido, pero podrás elegir características como estas renderizadas a máxima profundidad. Y también se puede cambiar la profundidad en términos de color. Se puede elegir ocho o 16 que tenga más calidad. Pero hablemos de este espacio de color de exportación. Esta opción está relacionada con la capacidad de transmitir información relacionada con el color en el formato. Ocurre que hoy en día es probable que la gente trabaje con formatos como K o Six K, y los reproductores de video en plataformas que funcionan con esos formatos trabajan con otra tecnología, una tecnología específica adaptada a esa resolución. Los formatos uhd, por ejemplo, no sólo funcionan con más resolución, con más píxeles, sino también con otro tipo de tecnología relacionada con la distribución de colores en la imagen Por aquí, tendrás tres opciones relacionadas con la transmisión de información en términos de color. El primero, el 79, es el perfil más utilizado para videos HD, como las secuencias con las que estuvimos trabajando en este curso. Pero las otras dos opciones es para trabajar en proyectos. En conjunto clave de ocho claves de resolución. Adicionalmente, estas otras dos opciones le permiten alcanzar un rango dinámico más alto. Pero no se confunda con esto un rango dinámico más alto. Cuando estás usando una cámara de gama alta, no eres capaz de sacar más colores de lo que puede generar el formato de una DSLR Es muy importante tener esto en cuenta porque la gente piensa que estas opciones son como una varita mágica. Te recomiendo encarecidamente si tienes una cámara DSLR, y sé que la mayoría de ustedes es más probable que se costeen una cámara DSLR Te recomiendo que prestes atención, mucha atención a las lecciones de gradación de color y corrección de color de este curso. Porque si quieres que tu video parezca que fue grabado con una cámara de gama alta, debes comenzar modificando los colores de la imagen, y se supone que debes modificarlos creativamente Quiero decir, el efecto de alto rango dinámico es una ilusión óptica, no una declaración. Intenta asegurarte de tener una buena cinematografía, una buena iluminación para tratar de sacar lo mejor de lo mejor de tus videos Adicionalmente, te recomiendo que compruebes esta sumption, Usa la máxima calidad de render En realidad, esta opción se puede utilizar tanto para el formato M antes como para el formato de tiempo rápido. Esta es otra opción por aquí donde se lee, Use Preview. Es muy útil a la hora de crear el archivo lo más rápido posible porque el sistema utilizará todos los archivos renderizados que hayas creado a lo largo de la edición para crear ese archivo final, reduciendo así drásticamente el tiempo de exportación. Hay un amable recordatorio que puedo darte a la hora de exportar el archivo, y está relacionado con el formato comprimido, el H 264, en el hardware de tu computadora. Por aquí, puedes elegir qué quieres usar para crear ese archivo, si quieres usar la Tarjeta integrada de tu computadora o si quieres usar la GPU. Y esto es muy importante porque probable que ocurran bloqueos al exportar. Si encuentra muchos problemas para exportar, le recomiendo encarecidamente que elija codificación de software, pero si no lo hace, puede elegir codificación por hardware. Dependerá del rendimiento de tu computadora. Otro recordatorio importante relacionado con este formato comprimido es la codificación de la tasa de bits Estas opciones por aquí son verificar la codificación del archivo donde lee para pasar significa que el software llevará a cabo dos verificaciones con el fin de asegurar que el archivo esté debidamente creado Obviamente, tomará más tiempo, pero es más seguro. Además, los errores de codificación no son muy comunes, pero sí suceden. Cuando llegues a esta etapa, estarás listo para crear tu archivo haciendo clic en Experto. Este sería el formato más importante y los que debes usar al intentar hacer un experto hasta la siguiente lección. 17. Ritmo y cortes en un video musical: Hola, gente. Uno de los chal***ges más grandes cuando se trata de edición de video es el espacio en tu metraje, especialmente cuando se trata Uno de los elementos más relacionados con el ritmo en la edición son los cortes. O sea, determinando en qué momento vamos de una toma a otra, dependiendo del ritmo de la música, estos cortes serán más frecuentes o menos frecuentes. Pero este no es el único factor importante a tener en cuenta a la hora saber dónde posicionar los cortes. Resulta que debemos tener ciertas nociones musicales del tiempo para poder hacerlo correctamente, y eso es lo que vamos a ver en esta lección. Frío. Perfecto. Estoy aquí en un software llamado As. Esto no quiere decir que lo vayas a necesitar, pero yo estoy en Ka porque este software tiene una herramienta que me va a funcionar para explicarte lo que quiero explicarte. En primer lugar, hay que entender que en los videos musicales, los cortes van a llegar por dos razones. Por tiempo o por acción. Empecemos con el tiempo. ¿Qué significa que un corte sea de tiempo? Entonces significa que debemos hacer los cortes en diferentes subdivisiones del tiempo que tiene el ritmo de la canción con la que estamos trabajando Sé que esto puede sonar como que necesitas saber música para hacer esto, pero realmente no es porque cualquiera que vaya a un concierto, esa persona pueda mantenerse al día con la canción que le gusta. Quiero decir, la gente puede bailar. La gente hace muchas cosas que implican seguir un ritmo. Seguir un ritmo no es una tarea que sólo un músico pueda hacer. Entonces voy a usar este video musical mío como ejemplo y voy a seguir el ritmo con mi voz marcando 1.2 Entonces por ejemplo, en este caso sería 121-212-1212 y este es el ritmo que hasta el temporizador de este hasta el temporizador de este Los números que se ven más grandes serían cuando digo uno, y el número que está entre los números pequeños sería cuando digo dos. Voy a activar el metrónomo del software para que siga el ritmo Presta atención a que es lo mismo. 121212. Entonces debemos saber reconocer el tiempo y el ritmo de la canción para poder posicionar a los gatos tanto en marca uno o marca dos, o en cualquier marca de tiempo musical que pueda contener el ritmo de la canción. Pero sin embargo, no tiene que ser exacto, sino una aproximación. En otras palabras, se supone que debes hacer todo lo posible para que coincida. Pero no necesariamente el 100% de los tiros deben coincidir. Así que presta atención a, por ejemplo, esta parte. Ve cómo cambia de una toma a otra casi a la perfección. ¿Notaste que es casi perfecto? Uno, etcétera, etcétera. Los cortes están siguiendo el ritmo. Preste atención a los números que mencioné en la pequeña línea que pertenece al número y campo. Los cortes del conjunto prestan atención que no es perfecta. Siempre es una aproximación, sobre todo en las partes importantes de la canción en cuanto al ritmo Pero también los cortes son irregulares, pero siempre siguiendo el ritmo. Por ejemplo, aquí hay un corte, pero luego la siguiente apuesta continúa, por ejemplo, aquí, 12. Por otro lado, aquí sucede algo interesante, porque a pesar de que el coro es lo más importante, y se podría decir que el corte debe coincidir exactamente con la barra, no sucede aquí Es decir, la primera estaca del coro no empieza en una, sino en dos antes de esa Y eso pasa porque la acción que estoy haciendo ahí, es necesario verla completa y eso sería un corte por acción. Pero pasemos a otro ejemplo, otro video musical. Voy a contar y seguir la música, y tú vas a poner atención a los cortes. 121222. La mayoría de los cortes pueden sentarse con esa marca, pero incluso puede haber momentos en los que la música sea más fuerte y puedas hacer mini cortes con el ritmo, como este ejemplo Entonces esos tres cortes siguieron completamente el arreglo rítmico de la música, que es algo también muy útil Y presta atención a que el abrazo de la chica coincide con el ritmo del tambor de la trampa porque es un gesto importante visualmente Pero los cortes en películas o cortometrajes funcionan de manera diferente. No están determinados por el ritmo de la música, pero para cuando una toma necesita ser leída correctamente, es la música la que se adapta a la edición. Sólo en algunas secciones, cuando se trata de una secuencia muy musical, podríamos intentar adaptar las tomas al ritmo de la música. Pero pongamos atención a esto es, esto es una prueba de que la comunicación es el factor más importante a la hora de cortar y pegar. En esta es escena, los cortes son muy rápidos y la razón por la que esto es así es porque la voz de Benjamin está explicando exactamente todo lo que está sucediendo en la pantalla. Por lo que la comunicación de información es doble visual y a través de la voz del personaje. Ahora un taxista había dejado antes una feria y se detuvo a tomar una taza de café. Y todos los días salvajes fue taxista de ensayos que dejó el asunto anterior y se había detenido a tomar una taza de café Recogió la señora iba compras y se perdió conseguir el taxi anterior. El taxi tuvo que parar para un hombre cruzaba la calle que había salido al trabajo 5 minutos después de lo que normalmente hacía porque se le olvidó mucho mientras ese hombre tarde al mucho mientras ese hombre trabajo cruzaba la calle, Daisy había terminado de ensayar y se estaba duchando Y mientras Daisy se duchaba, el taxi esperaba fuera de la boutique a que la mujer recogiera un paquete que aún no había sido envuelto. Porque la chica que se suponía iba a envolverlo había roto con su novio la noche anterior y se olvidó. Cuando se envolvió el paquete, la mujer que estaba de vuelta en la cabina fue bloqueada por un camión de reparto. Todo el tiempo Daisy se vestía, el camión repartidor se alejó y el taxi pudo moverse. Mientras que Daisy, la última en vestirse, esperaba la falta de amigos que se habían roto el encaje del zapato. Mientras el taxi estaba parado, espera de un semáforo, Daisy y su amiga salieron por la parte trasera del teatro. Y si sólo una cosa hubiera pasado de manera diferente, si ese encaje de zapato no se hubiera roto o ese camión repartidor se hubiera movido momentos antes, o ese paquete hubiera sido envuelto listo porque la chica no había roto con un novio o ese hombre había puesto la alarma y se levantó 5 minutos antes. Ese taxista, no me había parado a tomar una taza de café o esa mujer se había acordado de su abrigo. Se metió en un taxi anterior. Daisy y su amiga habrían cruzado la calle y el taxi habría conducido por 11. Entonces nosotros pero la vida siendo lo que es una serie de vidas e incidentes que se cruzan fuera del control de cualquiera. Ese taxi no pasó y ese chofer se distrajo momentáneamente y ese taxi chocó con margarita y le aplastaron la pierna Es importante señalar que en ocasiones cuando los compositores adquieren la edición se adapta a la música porque hay un arreglo musical que es imposible de modificar para adaptarlo a la edición Entonces en esos casos, es el editor quien se supone que debe adaptarse a la música en esos momentos precisos. Pero en reglas generales, es el proceso de comunicación y la evolución de las emociones en la película lo que determina el ritmo de la edición que vas a hacer. Bueno, esta lección está hasta aquí, y espero a que continúen en la siguiente. 18. Introducción Corrección de color en una escena: Hola gente. En este modelo, vamos a trabajar en la corrección de color. Primero, vamos a aprender a hacer máscaras porque de hecho, las máscaras son la herramienta que nos permitirá no sólo hacer corrección de color, sino también aplicar un efecto a una imagen. Trate de ser paciente. Es decir, hay varias lecciones y te explico todo paso a paso para que puedas hacerlo tú mismo. Hay algo importante a tener en cuenta en términos de rango dinámico. El rango dinámico de colores en una imagen es el número de tonos de color y gradientes en una imagen mencionada en una lección anterior Una imagen con mayor resolución tendrá mayores cantidades de rango dinámico. Pero recuerda que la resolución no significa necesariamente un tamaño de imagen mayor, sino una mayor cantidad de información por cada píxel. Ahora hay estrategias para que el espectador sienta que una imagen que están viendo en la pantalla tiene más rango dinámico. Por ejemplo, si en una imagen cambiamos el color de ciertos objetos dentro del marco, vamos a crear una mirada o una sensación que la cámara pudo detectar esos colores. Esas variaciones de color, mejorando así la apariencia de nuestro video sustancialmente no sólo harán que la imagen luzca mejor en términos de rango dinámico, sino también en términos de cinematografía Me refiero a la calidad estética de una imagen misma. Echa un vistazo a este ejemplo, que en mi opinión es excel***t De hecho, recomiendo encarecidamente que esta película sea este tipo de películas cuya cinematografía me parece magnífica. De hecho, recomiendo encarecidamente que esta película sea este tipo de películas cuya cinematografía me parece magnífica parece Como puedes ver, esta escena fue filmada en una playa, que es uno de los principales factores que hacen que la imagen quede bien, porque la escena fue filmada en el mejor momento del día. Pero sucede que incluso en perfectas condiciones, la brecha para grabar nunca es demasiado larga. Por lo tanto, el equipo de producción priorizará las escenas que necesiten la presencia de la luz directa del atardecer Pero, ¿qué pasa con los otros disparos? Aquellos que son necesarios para la escena, pero en los que el cielo no es directamente visible? Mira este ejemplo. Este disparo, el Ur está escalando un cerro cerca de la playa, pero incluso cuando el cielo no está ahí, debemos dar información en el plano de que el lugar está cerca esa playa y que la acción se está dando en el mismo momento del atardecer. ¿Cómo podemos hacerlo? Presta atención a las rocas del fondo. Se puede ver que las rocas inferiores son rosadas como si la luz de la tarde se proyectara sobre ellas. Pero lo cierto es que en la toma original, seguramente el color rosa no estaba ahí. Bien, Puedes pensar, bueno, tal vez es una gran lámpara roja que está iluminando las rocas, pero hoy sería mucho más caro hacerlo En esta época eso ya no es necesario. Ese color rojo en las rocas se puede hacer perfectamente en la corrección de color. En realidad, es mucho más fácil de lo que piensas si la película se grabó en alta resolución. Mucho más fácil aún. Obviamente, en el caso de una película como esta, es evidente que todo se grabó en una resolución máxima. Lo más difícil es no cambiar el color de las rocas. Lo más difícil es saber cuándo es necesario cambiar el color de las rocas para que coincida con el atardecer. Ahora para poder saber esto, debes tener una gran cultura visual. Debes sentir la necesidad visual agregar algo a una imagen para hacerla completa. Te digo, te cuento todo esto porque el editor de hoy tiene múltiples trabajos. Muchos de ustedes toman muchos cursos porque quieren aprender a hacer todo usted mismo. Pero, ¿a dónde quiero ir con esto? Por ejemplo, si estás dando un dato, me refiero a los archivos de video de ASM grabaron una playa como estas. En los datos, hay, por ejemplo, diez tomas, pero sólo tres de ellas muestran la luz de la tarde. Debes ser capaz de modificar elementos en la imagen para sugerir que todas las tomas fueron grabadas al mismo tiempo. Ese es tu trabajo. Incluso si solo eres alguien que hace corrección de color, debes estar preparado no solo para corregir la imagen, sino para saber cuándo es necesario corregir la imagen. Siempre insisto en esto, trata de ver buenas películas para que puedas tener buenas referencias a la hora de hacer corrección de color. Empecemos entonces. 19. Corrección de color: parte 1 de Lumetri muestra los colores fríos de la piscina: Perfecto. Estamos aquí en la primera lección sobre gradación de color y corrección de color. Pero es lo primero que debes saber para tener una visión poderosa sobre la corrección de color y gradación de color. Lo primero es que lo que te voy a enseñar en esta lección, en este módulo, en las siguientes lecciones, es mi punto de vista de esta etapa de producción pasada. Quiero decir, cada maestro que vas a encontrar alrededor, tendrá su propio punto de vista sobre la gradación de color, la corrección de color, porque en realidad ese punto de vista es el subproducto de sus experiencias Entonces yo diría que es como pintar o dibujar, cada uno es capaz de desarrollar su propio estilo. Y por qué te estoy diciendo esto, porque estoy enfocado en crear arte, crear historias. Soy artista, es lo que me encanta hacer, es a lo que me dedico. Y así desde mi punto de vista, hay ciertos elementos técnicos que no debemos seguir completamente o no podemos respetar por completo. Es decir, debemos poder romper un poco las reglas o doblar un poco el brazo de las reglas. Y voy a comenzar esto diferenciando entre corrección de color y gradación de color Cuál es la diferencia Desde un punto de vista técnico, corrección de color es fijar los colores del video o los colores de la imagen para que la imagen coincida con la idea original que el director de fotografía tuvo en el rodaje O sea, el director de fotografía o director de fotografía estaba realizando ese trabajo en el rodaje y tenía un propósito Es decir, tenía un objetivo objetivo en cuanto a color e iluminación, e iluminación. Cuando estás filmando, se supone que debes mirar por encima de las imágenes en el monitor. Ese monitor proporciona información sobre lo que está pasando por el sensor de la cámara. Es posible que en el día del rodaje, tú como director de fotografía, o director de cine, o camarógrafo, estés bastante seguro, estés viendo en el monitor de la cámara Pero sucede que para cuando estés revisando el futage, te das cuenta de que el futage no coincide con lo que estabas viendo en el monitor Y así por ejemplo, en esta imagen sobre esta chica en la alberca, puedes notar que hay una especie de velo, un velo blanco sobre la imagen. Pero sucede que ese velo que puedes notar es una especie de configuración que tiene el archivo para que se modifique en términos de color. Entonces es una especie de configuración predeterminada. Entonces volviendo a saber cuál es la corrección de color. corrección de color sería devolver esa imagen a esa mirada, a esa apariencia que el director de fotografía estaba viendo en el monitor de la cámara o el monitor externo en la fecha del rodaje Pero justo en este punto, salen confusiones porque tal vez la idea inicial de la idea original que tuvo el director de fotografía era modificar el color de la imagen, el color del video en la etapa de producción pasada Entonces en este sentido, cuando se habla de distorsionar los colores originales de la imagen para realzar su apariencia, se está hablando de gradación de color Por lo que a veces estos bordes entre la corrección de color y la gradación de color están muy cerrados, se cruzan y se mezclan. Para mí, todo todo el tiempo es una gradación de color porque tu propósito, tu objetivo, es potenciar la imagen lo mejor posible. Entonces comencemos entonces. Lo primero que debemos hacer es cambiar a preajuste de color. Yo personalmente siempre uso el preset de edición no sólo porque es el más eficiente, sino también porque es el mejor en términos de rendimiento y recursos informáticos. Pero esta vez vas a necesitar recurrir a los alcances Lumetri en este ¿Y qué son los alcances Lumetri a simple vista? Parece muy complicado porque estás viendo una especie de ondas de color extrañas. Pero realmente te digo que no es tan complicado en absoluto. Los alcances lumetri son una herramienta para asegurar que tu imagen esté llenando todo el espectro de gamas de colores Se puede notar que en este panel, en el lado izquierdo de este panel, hay una regla, o una especie de asunto que va 0-100 Y se puede notar también esta ola de tres colores que se encuentra en una sección específica de este panel Por ejemplo, presta atención a esta franja azul. Por qué esta raya azul está arriba. Ocurre que el valor 100 representa la cantidad máxima de luz en la imagen. Y por otro lado, el cero representa la cantidad mínima de luz. Así que presta atención al monitor del programa. Se puede notar que el color azul destaca porque la alberca es azul y el agua tiene la máxima cantidad de luz. Y por otro lado, la piel tiene menos cantidades de luz. Y se puede notar en el centro del panel que hay una especie de pliegue en términos de luz en el centro de la imagen. En ese pliegue está representando el pelo, por ejemplo, en el traje de baño de la niña que en realidad es negro. Pero el problema es que en este momento, esta ola que estás viendo en el panel es simplemente sentir una pequeña sección del espectro. Una sección más cercana a la luz que a la sombra. Entonces se supone que debemos expandir y estirar esa gama de colores de la imagen para sentir lo más posible este espectro de colores. Pero presta atención a esto, porque no quiero decir que sea imperativo sentir todo el espectro de colores. Porque a lo mejor tu propósito artístico no es hacer eso. Y déjame decirte esto, porque a lo mejor tu objetivo es alcanzar un look bastante vintage en el video. Y ese look está inspirado en una época en la que no había televisores ni cámaras tan sofisticadas. Quiero decir, había cámaras que no pudieron retratar una gran cantidad de colores y gamas Si es el caso que quieres que coincida con ese look, tal vez esa apariencia que estás viendo en este momento sea la más adecuada para ti. Pero supongamos que no es así. Supongamos que quieres igualar en los colores de este video para que este video salga lo más rápido posible Entonces vamos a necesitar agregar algunos efectos de video en términos de color. Entonces tenemos que ir a la carpeta de efectos. Es importante recalcar que hay una gran cantidad de herramientas en cuanto al color, pero voy a mostrarte las que más usé. Vamos a la carpeta de efectos, vamos a efectos de video. Esta vez vamos a agregar niveles ya que vamos a agregar un color lumetri, también un balance de color, RGB Ya agregué estos efectos, pero todos están desactivados Voy a hacerlo desde cero. El efecto niveles se encuentra en la carpeta ajustada. Dirigimos el efecto al panel de control de efectos, luego vamos a la carpeta de corrección de color y elegimos el efecto de color Lumetri Por último, el balance de color. Lo vamos a encontrar en la carpeta de control de imagen por aquí. ¿Para qué se utilizan los efectos de nivel? Normalmente uso este efecto para enfatizar los tonos negros en la imagen para mí es el primer paso para desterrar ese velo por defecto en el metraje En los parámetros de niveles, vas a encontrar en varios correctores de color que están enfocados en agregar más luz o eliminar luces de la imagen Ya sea modificando toda la gama de colores o una gama específica de colores en la imagen. Esa es la razón por la que se pueden ver diferentes pistas en cuanto a rango, entrada negra o entrada blanca, no sólo en términos de RGB, sino también para el rojo, o verde o azul por separado, te dije que uso este efecto de nivel para potenciar y fortalecer los tonos negros en la imagen. Al mover esta primera pista, puedes realzar los tonos negros. Voy a mover este parámetro a la derecha y vas a notar la diferencia. En el monitor del programa, puedes notar la diferencia y puedes notar cómo la imagen está volviendo al estado original. Ahora vamos a volver a los alcances de Lumetri para revisar el espectro Se puede notar cómo la onda de color se está expandiendo a la baja del espectro Voy a desactivar efecto para que notes la diferencia Presta atención donde se encuentran, los tonos rojos. Voy a activarlo de nuevo y prestar atención a los alcances lumetri Entonces al mover este primer parámetro, esta primera pista, estoy agregando casi 20 puntos en términos de tonos negros a toda la imagen, incrementando así drásticamente su gama de colores. Y presta atención a que ya que el traje de baño gears está llegando a los tonos negros por completo en el heredero También se puede notar en el centro del panel que la onda de color está llegando a cero en el espectro. Y sabes que el cero representa las cantidades mínimas de luz. Pero también se pueden modificar otras pistas de los niveles. Es decir, con el fin de fijar los tonos y devolver la apariencia al estado original. O sea, se puede agregar, por ejemplo, luz a los blancos que a veces son necesarios porque a lo mejor el video carece de luz. Y puedes solucionar ese problema moviendo ese parámetro esa pista. Pero presta atención a los alcances lumetri en este tiempo. Desde que moví la entrada blanca, la onda de color alcanza la cantidad máxima de luz. Pero resumiendo, utilizo este efecto, este efecto de nivel, para igualar los tonos Es el primer paso en términos de corrección de color y gradación de color. Pero pasemos al siguiente efecto. Ese es el color lumitry aquí. Voy a añadir algo de contraste a toda la imagen. Y otra cosa muy importante, la saturación. La primera razón por la que estoy agregando saturación es porque la imagen es fría. A pesar de que se puede notar la luz del sol reflejada en la piscina. Quiero decir, es un tiroteo al aire libre. Había una de nubes en el cielo y las nubes estaban impidiendo que la luz llegue directamente a los objetos. Quiero decir, la luz es filtrada por las nubes. Cuando sucede, todo a su alrededor pierde color de inmediato. Pero voy a modificar un poco los aspectos más destacados para disminuir un poco la cantidad de resaltado. Y voy a nivelar los aspectos más destacados con los blancos hasta este punto, justo aquí mismo. Ahora vas a volver a los alcances lumetri para revisar Ahora puedes notar cómo la franja roja en la onda de color está llegando a casi 30 en el espectro. Pero presta mucha atención a esto. No hace falta que la onda de color llegue al nivel cero o al 100, en realidad, eso no es bueno. Al igual que está lo suficientemente bien como para salir un video, pero también depende de lo que quieras o de tu estilo. Pero adicionalmente, podemos agregar otro efecto, este efecto de balance de color. Balance de color, RGV. Este efecto permite agregar un velo extra de color que cubre toda la imagen, no alterando su propia naturaleza. Me refiero a su naturaleza en términos de luz y tonos. puedas notar que estoy potenciando los tonos azules y quitando también los tonos rojos en la imagen. En realidad, se ve muy bien. Parece que el tiroteo fue en una piscina cubierta que tenía algunas ventanas por donde entra la luz. Y presta atención a esto, me estoy poniendo azul la imagen y puedes notar ese velo azul. Pero volvamos a los alcances lumetri ahora puedes notar lo poderosa que fue esta Es decir, la onda de color está llenando casi todo el espectro. Pero en este caso, no debemos permitir que el azul alcance el nivel 100. Debemos tratar de nivelar los tonos rojos y azules, ni llegar a los límites. Alcanzar los límites significa que estás saturando la imagen en términos de color Voy a mover un poco la pista azul y la pista roja también. Ahora presta atención a cómo se comportan los alcances lumetri. Ya puedes notar cómo la franja azul está al lado de 100, pero no está llegando a 100 y eso significa que no está saturando bien, eso sería lo que suelo hacer en cuanto corrección de color, los primeros pasos Pero presta atención. Alcanzar el límite no significa que la imagen esté ejecutada. A lo mejor tu propósito creativo es hacer eso, tus propósitos estéticos. Así que siéntete libre de experimentar y jugar con estos parámetros y herramientas. Entonces te voy a dejar la toma en pantalla completa, y te veo en la siguiente lección. 20. Corrección de color parte 2 - Colores cálidos de ejemplo de Pool: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Esta vez vas a usar este otro ejemplo. Es el mismo escenario cinematográfico con la misma actriz, pero esta vez puedes notar que la luz del sol no se filtra. Este es un ejemplo perfecto para hacerte entender que incluso las mismas condiciones en términos de producción y ambientación cinematográfica, solo el hecho de que la luz del sol esté filtrada por las nubes trae consigo otro aspecto diferente. Y esa característica se nota en el cabello. Por ejemplo, puedes notar que los reflejos revelan los tonos marrones en el cabello. Por ejemplo, esta vez no estoy usando los niveles. Estoy usando solo el color lumetri y el balance de color, RGB Pero además, estoy usando otro efecto llamado sharpen para agregar definición a la imagen Vamos a ir a las carpetas a buscar esos efectos. Para hacer esto desde cero, claro, vamos a seguir analizando los alcances lumetri mientras hacemos esta Pasemos a los alcances lumetri para analizar el espectro. Aquí puedes notar que la onda de color se ve diferente. Es decir, diferente a la lección anterior. Lo primero que puedes notar en los alcances Lumetri es que hay un color blanco que cubre la onda de color. ¿Qué significa? Eso quiere decir que la imagen está quemada. Quiero decir, el metraje está quemado. Quiero decir que los ajustes de la cámara no eran los más adecuados para esas condiciones de luz. Y la razón por la que eso sí sucedió fue por las condiciones climáticas. Quiero decir, las nubes se movían rápidamente. Es decir, la cámara estaba puesta a trabajar con la luz filtrada por las nubes, Pero que las condiciones climáticas no eran estables. Pero a pesar de que el video está un poco quemado, no se echa a perder en absoluto Pero debemos tratar de adaptar la corrección de color a estas condiciones. Dado que la luz del sol está llegando directamente a los objetos, debemos tratar de crear ese efecto de la luz de la tarde. Estoy moviendo la temperatura a los tonos cálidos, y al mismo tiempo, estoy agregando algo de contraste al video. En este caso, debemos tratar de enfocarnos en los tonos y sombras negras para compensar esa sobreexposición de la luz Preste atención a que pueda notar que esta pista negra es casi exactamente la misma la primera pista en el efecto de niveles. Es decir, recuerda que la primera pista en el efecto niveles fue la entrada negra que se supone que debes hacer, los tonos negros de la imagen para alcanzar completamente el nivel negro. Sobre todo en los tonos del bañador de niñas. Por otro lado, se debe diferenciar entre luz alta y blanco, o entre sombras y negro. Cuando estás modificando los reflejos, estás modificando los niveles más altos en términos de luz, pero no tocando los blancos en el nivel más bajo de luz. Es decir, se pueden modificar algunos objetos que están iluminados pero no son blancos en absoluto. Pero cuando estás modificando el blanco, vas a modificar toda la gama blanca de piedras en términos de luz, para sombras y negro. Funciona igual. Presta atención que ya que estoy moviendo la pista negra, solo está cambiando el bañador negro. Pero si modificas las sombras, vas a modificar toda la gama de sombras en la imagen. Una vez que hagas este primer paso, estás listo para pasar al balance de color. Lo que vamos a hacer, se supone que la luz del sol está llegando directamente a los objetos. O sea, como la luz de la tarde, voy a disminuir los tonos azules. Pero adicionalmente, debes saber que la luz solar produce más saturación en la imagen y realzando el color de los objetos. Se supone que debemos aumentar la saturación de color en el efecto lumetri Volvemos al color lumetri y buscamos el último parámetro La corrección básica es la saturación. Y aumentamos los valores, atención al color de los labios y también al color del cabello. Podemos volver al balance de color e intentar nivelar la cantidad de azul y eliminar el azul, en realidad aumentando así los tonos rojos. Puedes agregar más o menos como quieras. Recuerda que depende de tu creatividad Además, ahora vamos a volver a los lumtroscopios para revisar la En primer lugar, prestar atención a que la onda de color está llenando todo el espectro. Pero además, puedes notar que cada correa de color se encuentra en una sección específica del espectro. Pero puedes seguir modificando los parámetros de color, quiero decir, para no llegar a los límites, pero aunque estés llegando a los límites pero te guste lo que estás viendo en el monitoreo del programa, trata de tener confianza con eso. Adicionalmente, en este caso específico, ya les dije que el video fue quemado. Es decir, en cuanto a la iluminación. En fin, aunque puedas notar que la imagen se ve muy bien, el color se ve muy bien. Se pueden aumentar los rojos. Por ejemplo, estoy aumentando los rojos quitando el azul. Para mí, el video se ve mejor. Y se puede notar también que aun agregando más rojo a la imagen, la onda de color se está sintiendo más de ese espectro. Ahora vamos a pasar al siguiente efecto de esta lección que se agudiza El enfoque se utiliza para agregar más definición a la imagen Puedes agregar tanto afilado como quieras. La razón por la que uso esto es porque en la mayoría de las plataformas, los usuarios van a ver tu video. El usuario común va a utilizar la menor cantidad de resolución en el reproductor. Al agregar este efecto de nitidez, podemos crear ese efecto de mayor resolución aunque el video se muestre en un reproductor con un ajuste de baja resolución Entonces es un truco muy útil para Youtube y ese tipo de plataformas. Pero debes prestar mucha atención a que cuando estés trabajando con cámaras de gama alta, podrás agregar una mayor cantidad de nitidez a la imagen O sea, el video va a alcanzar más calidad de imagen. Es exponencialmente en realidad, Y está relacionado también con la cantidad de información por píxel Pero por otro lado, si es el caso de la cámara DS LR, no se puede jugar con esto de esa manera porque se notará que está forzando y el afilar perfecto Esta lección está hasta aquí. Recuerda revisar todos los contenidos para digerir mejor toda la información. Te veo en la siguiente lección. 21. Corrección de color, parte 3: cambia el color de los elementos en una toma: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Vamos a trabajar con estas dos últimas tomas. Por un lado vamos a trabajar en esta toma que es este caballo galopando Permítanme recalcar que este metraje pertenece a uno de mis videos musicales. Por otro lado, vamos a trabajar en esta otra toma que es la misma actriz que sale del auto. ¿Qué vamos a hacer? Vamos a empezar con este caballo. En este caso, vamos a cambiar el color del caballo. Somos capaces de cambiar el color de algunos objetos, no usando Azure Effect o Da Vinci, por ejemplo. O sea, no es necesario usar siempre esos programas para cambiar el color de los objetos. Pero adicionalmente, vamos a usar otros efectos. Además, vamos a la carpeta video fx para buscar esos efectos necesitamos cambiar el efecto de color se encuentra en la carpeta de corrección de color y también brillo y contraste. Pero vamos a usar también el color lumetri. Podemos revisar los alcances lumetri para revisar la imagen. Para revisar la onda de color, puedes notar que en este caso, la onda se ubica en la sección media del espectro, pero el ancho del color sigue siendo demasiado pequeño. Quiero decir, todavía necesitamos estirar la onda de color a todo el espectro. Pero vamos a abordar primero el cambio al efecto de color. Abrimos efecto y debemos ir a donde se lee. Debemos dar click en el gotero, Y vamos a seleccionar en la pantalla el color exacto que queremos cambiar Y vamos a seleccionar un color que se note en una mayor cantidad de secciones en la crin Entonces por aquí en dos, vamos a dar click en el cuentagotas y vamos a seleccionar el color que queramos Se puede notar que automáticamente el color ha cambiado inmediatamente. Pero debemos tratar de nivelar eso modificando este parámetro. O sea, a la derecha hay una mayor cantidad de color y a la izquierda es disminuir el nivel. Voy a cambiar el tono específico en el parámetro front. Es decir, se supone que debemos seleccionar el tono específico con precisión. Adicionalmente, voy a poner el otro color más rojo para que se note el cambio. Podemos aumentar el matiz como queramos, pero voy a aumentarlo un poco más, justo aquí mismo. Después pasamos al brillo y al contraste. Aquí vamos a permitir un poco el brillo. El siguiente efecto es el color lumetri. Y debemos ir a la corrección básica del color. Después vamos al parámetro de saturación. Vamos a aumentar drásticamente la cantidad de color. Podemos mover el parámetro de temperatura al color más cálido, pero también puedes mover el contraste para nivelar la cantidad de tonos negros en la imagen. Podemos modificar también un poco la pista negra para sacar a relucir todos esos tonos negros. Y ahora puedes notar cómo ve así el color del pelo de caballo. Es completamente roja. Y puedes notar la diferencia desactivando esos efectos Ese es el original, toma el aspecto original. Podemos volver a los alcances lumetri para revisar el espectro Se puede notar que la onda de color se estira al espectro. Pero en el caso de este video de esta toma, no podemos alcanzar la mayor cantidad de luz porque esta toma también se quema. Quiero decir, un poco quemado. Y esa es la razón por la que. Cuanto mejor sea la dirección de la fotografía, mejor será la calidad de la imagen. Porque si se quema la imagen, no importa cuánta resolución tenga la cámara. El sensor no está detectando todos los colores de pliegue del espectro. No podrás expandir la onda de color en todo el espectro. En este caso, voy a tratar de encontrar la configuración específica para tratar de llenar el espectro tanto como sea posible. Voy a añadir un efecto de balance de color. Voy a disminuir el rango azul, aumentando así los otros dos rangos. Ahora puedes notar que la onda de color está más expandida, pero eso sería para cambiar el color. Algunos objetos en la imagen, se puede notar la diferencia y desactivando el cambio, el efecto de color Se puede notar el cambio. Creo que es muy agradable. Pero pasemos a otro ejemplo, la chica del auto, que es una toma muy interesante porque la imagen de la niña es filtrada por la ventana. No sólo hay un velo, que es el subproducto de los ajustes de archivo de la cámara, sino un velo sobre el objeto En cuanto a la producción, se puede notar ese velo en los alcances lumetri Se puede notar que incluso en los tonos más oscuros del espectro, hay una amplia franja que cruza el panel. Pero eso no quiere decir que la cinematografía se ejecute en realidad está bastante bien Quiero decir que ese es el aspecto de una ventana bajo esas condiciones de esa naturaleza. Porque esas manchas que puedes notar en la ventana serían el subproducto de la época y en realidad podría ser polvo, por ejemplo, o tal vez que la ventana no esté limpia en absoluto Te estoy diciendo esto para no forzar a la cámara a detectar algo que no se nota a simple vista. Motil a simple vista para el sitio humano. Entonces, por el momento, voy a usar un color lumetri para corregir este video Vamos a la carpeta de efectos de video y vamos a Corrección de color Y seleccionamos Color Lumetri Vamos a Corrección Básica, y vamos a modificar sólo los tonos negros, los tonos de sombra, y el contraste para sacar a relucir el rostro de la niña. Debemos tratar de no exagerar los tonos negros. Podemos tener como punto de referencia el marco negro en la ventana. Me refiero a las zonas negras en el auto. Podemos jugar con estos parámetros hasta llegar a la mirada que nos guste. Pero te recomiendo encarecidamente que experimentes, que muevas todos los parámetros con mucha paciencia. Adicionalmente, se puede notar también que modifiqué la temperatura a los tonos fríos y también la saturación. Ahora podemos comprobar los alcances lumetri y puedes notar cómo la onda de color está Obviamente la imagen no está llegando a los tonos más brillantes porque hace frío y también tiene una vibra oscura. O sea, no es necesario llegar a las secciones más iluminadas del espectro y podemos notar la diferencia. Voy a desactivar efectos, es completamente diferente, se ve más profesional Para mí, esto es gradación de color porque aunque no estoy agregando un color extra a la imagen, estoy modificando los parámetros de color lumetri para alcanzar otro look Pero te recomiendo que experimentes con tu futae y con tus grabaciones para tener más posibilidades de modificar los colores O sea, si tienes una mejor cinematografía, tendrás más posibilidades de llegar a una gradación de color más profesional Esta lección está hasta aquí y hasta la siguiente. 22. Gradación de color Crea una máscara: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno de Adobe. Pero vamos a abordar, en esta lección, vamos a aprender a crear una máscara para una corrección de color de colorbating de un objeto en movimiento Una máscara con seguimiento de movimiento y ¿cuál es esta palabra? Esto me permite corregir el color de un objeto que se está moviendo o ese espacio que está alrededor de ese objeto. Es decir, soy capaz de corregir el color de ambos elementos. Entonces vamos a usar un ejemplo. Aquí es en donde se mueve este personaje en esta sala, la cabina del barco. Lo que quiero es poder corregir el color del personaje sin alterar el color de la habitación, o viceversa. Para poder corregir el color de la habitación sin alterar el carácter. ¿Y por qué te enseño con un objeto en movimiento? Porque una vez que aprendas a hacerlo de esta manera, será más fácil dominar una máscara de un elemento que es estático sin moverse, lo cual es mucho más fácil. Obviamente, me parece mucho más útil enseñarles a ustedes de la manera difícil a la vez. Presta atención, porque al principio puede parecer un poco complicado, pero en realidad no lo es. Entonces comencemos. Ya sabemos que esta es nuestra escena y debemos hacer una máscara para aislar al personaje desde el punto en el que está caminando hasta el momento en que abre la cadena de la cancha en la ventana. Entonces, lo primero que se supone que debemos hacer es que necesitamos agregar un efecto de corrección de color desde el premier ex bank al panel de control de defectos. Correspondiente a este clip, damos clic en esta pequeña pestaña y luego damos clic en Efectos. Y luego debemos buscar la carpeta video Fx y luego la carpeta de corrección de color. Una vez ahí, debemos hacer clic en el efecto lumetri de color y tirarlo al panel de control de fax del clip en el que estamos trabajando Una vez que agregues ese efecto, será como si se tratara de un efecto más que los que vienen en el panel de control de fax por defecto. Una vez que añadimos ese efecto, debemos prestar atención a los botones de máscara que vimos en una de las lecciones pasadas. Si no lo recuerdas, te lo voy a recordar otra vez. Recuerda que hay un círculo, un cuadrado, y también hay una pluma. Y esto más adelante se usa para crear máscaras personalizables. Comprobemos el primero, el círculo. Recuerda que puedes modificar la naturaleza de ese círculo para hacerlo más o menos ovalado. Todos los cambios que hagas en ese efecto afectarán a todo lo que esté dentro de ese círculo o lo que esté fuera de ese círculo. Podremos elegir eso. Por otro lado, una vez que damos clic en el círculo, por ejemplo, automáticamente crea una primera máscara que vamos a ver aquí mismo en el panel de control de fax. Observe que si ahora hago clic en el cuadrado, se crea una segunda máscara. Esta vez, podemos modificar la naturaleza de esa plaza como queramos. Por último, tenemos la tercera opción que es personalizable. Aquí podremos crear la forma que queramos uniendo estos puntos como si se tratara de una constelación. Y este es un método que tenemos que usar para crear máscaras para objetos de forma irregular Simplemente tenemos que hacer tantos puntos como creamos necesarios para que coincidan con la forma del objeto que queremos aislar. No sólo podrás hacer la forma que quieras, sino incluso rotar la máscara y cambiar su posición. Voy a eliminar las tres máscaras que he creado hasta ahora para hacer la que necesitamos desde cero. Voy a tratar de definir mejor el fragmento de video que quiero editar. No voy a usar todo el clip. Voy a usar desde este punto hasta el momento en que el personaje llegue a la ventana. Voy a cortar un poco de video al principio para trabajar más cómodamente. Una vez que hayamos definido el clip exacto en el que vamos a trabajar, volvemos al panel de control de fax y posicionamos al cursador Al inicio del clip, vamos a seleccionar automáticamente la máscara personalizable llamada base de dibujo libre Cuando hago clic en esa pequeña pluma, se crea la máscara como ya vimos. Y hay algo muy importante a tener en cuenta antes de comenzar a crear una máscara. Y es que debemos alejarnos un poco en el monitor del programa. Dos nos permite hacer los puntos libremente. Quiero decir que está lo suficientemente lejos para que incluso podamos hacer puntos fuera del marco del monitor. Entonces estoy usando el monitor al 25% y voy a empezar a hacer puntos. No te preocupes que sea perfecto, es solo una aproximación. Y recuerda que puedes salir del marco del monitor. Es decir, la máscara también puede estar fuera de la pantalla. Obviamente, cuando tienes que dibujar puntos en áreas más pequeñas, puedes acercar el zoom para intentar ser más precisos. Pero recuerda que no importa lo preciso que seas, una aproximación es más que suficiente para que funcione la máscara Se supone que debemos crear los puntos necesarios para crear una máscara que debe cerrarse. Quiero decir, la forma que creamos, el espacio cerrado masivo. No importa si es regular o no, debemos cerrar la forma. Después de terminar de cerrar la forma de la máscara, debemos ir a este parámetro que está aquí, que es la ruta de la máscara aquí. Vamos a activar la automatización de máscaras. Cuando hago clic en este pequeño reloj, automáticamente crea un fotograma correspondiente a la máscara en ese fotograma específico. A partir de ahora, lo que tenemos que hacer es mover la máscara a medida que avanza el disparo Obviamente, la máscara pertenece a la forma del personaje, pero el personaje va a salir de la máscara. medida que avanza el disparo, se supone que debemos cambiar la forma y posición de la máscara cada pocos segundos para que coincida con el personaje a medida que avanza el disparo Pero permítanme mencionar que este proceso, para muchas personas, causa ansiedad, miedo, piensan que es muy complicado. Pero la verdad es que no lo es. Lo único que puedo decirte es que dependiendo de la toma, puede llevar más o menos tiempo. Pero en realidad trata de pensar cuánto tiempo puede tardar en que esto sea realmente imposible. Los disparos siempre duran segundos. Así que aproximadamente cada 2 segundos vas a cambiar la máscara para que coincida con el personaje. Debes hacer punto por punto, pero no te quedes atascado en demasiados detalles. Recuerda que la máscara es siempre una aproximación. Por lo que la máscara seguirá un camino de cambios, un tipo de viaje donde se adaptará de un fotograma clave a otro. Pero si en esa brecha entre un fotograma clave y otro, hay un momento en el que la máscara pierde demasiado de la forma del personaje. Debemos agregar un fotograma clave intermedio para que hagamos que la máscara siga coincidiendo con el personaje. Por ejemplo, aquí debido al movimiento del brazo, hay algunos marcos donde la máscara pierde la forma del personaje, dejando ese espacio extra. Esos momentos deben ser corregidos porque van a ser muy notorios. Cuando hacemos la corrección de color, posicionamos la línea entre los dos fotogramas clave y corrigimos la máscara. Y automáticamente se creará otro fotograma clave. Deberíamos continuar así. Yo diría agregar un cambio cada medio segundo. En realidad creo que es menos de medio segundo. Pero creando los fotogramas clave necesarios para que la máscara siga al personaje lo mejor posible. Debes tener en cuenta que tienes la posibilidad de crear más puntos tantos como quieras. Especialmente para aquellas partes donde hay curvas y formas muy irregulares. Por otro lado, recuerda que no importa si la máscara sale del marco de la pantalla, eso no afectará a la imagen. Pero además, este parámetro de ruta de máscara nos da la posibilidad de rastrear el movimiento. Quiero decir, mediante el uso de inteligencia artificial, el software creará una máscara aproximadamente adaptada a la forma que creamos en cada uno de los marcos. Pero el problema es que esto nunca es exacto, por lo que a veces causa problemas. Entonces lo que recomiendo es utilizar esta herramienta parcialmente. Es decir, presionamos play en la herramienta de rastreo e inmediatamente aparecerá esa materia del proceso de creación. Entonces no debemos dejar que termine el proceso. Pero en cuanto vemos que la franja azul empieza a avanzar, detenemos porque todo el proceso pertenece a todo el clip. Pero lo que necesitamos es que en algunos momentos haga el seguimiento, pero no en todo el clip. Como puede ver, el software creó un marco clave para cada fotograma. Pero como puedes ver, la máscara no es perfecta, así que tenemos que corregirla de todos modos. Recomiendo usarlo, pero eliminar todos esos fotogramas clave donde la máscara no coincide. Esta es la razón por la que no la uso demasiado porque es mucho trabajo. O sea, tuve que borrar los fotogramas clave que no son correctos. Yo diría que esta herramienta es útil cuando la forma de la máscara es regular. Es decir, cuando a lo largo de todo el clip, la forma de la máscara no va a cambiar mucho. Pero de todos modos, creo que combinar las dos herramientas, me refiero a rastrear y hacerlo manualmente sería una buena opción. Voy a dejar aquí esta lección. Voy a terminar la máscara hasta que el personaje llegue a la ventana. Continuamos en la siguiente lección para comenzar con la corrección de color. 23. Cambio del color de fondo: Vamos a seguir conociendo los parámetros de la máscara. Uno de los parámetros más importantes es el botón que nos permite invertir la selección que realiza la máscara. O sea, si queremos que el hecho cambie lo que hay dentro de la máscara o lo que está afuera, por defecto, la máscara afectará a lo que hay dentro. Pero si marcas esta casilla donde está invertida, puedes cambiarla. Y ahora la máscara afectará a todo lo que no esté dentro de una máscara. Antes de continuar, permítame recordarle nuevamente que puede crear una máscara para cualquier efecto premier. O sea, en cualquiera de los efectos que están aquí abajo en las carpetas, se pueden agregar máscaras. Por ejemplo, si elijo el brillo y el contraste, fíjese en cómo también puedo crear una máscara para ese efecto. Es importante saber esto porque obviamente hay cientos de efectos. Saber que se puede crear una máscara en cualquiera de ellos es muy importante. Sigamos con el efecto de color lumetri. Habíamos activado la inversión de selección cuando hacemos esto y cambiamos, por ejemplo, la exposición de la imagen Presta atención a lo que sucede. Voy a esconder la máscara para que no se note la guía azul. Y podemos ver más claramente el cambio en la iluminación. Ahora te das cuenta de lo importante que es la máscara. Mira cómo cambió la luz en la habitación sin afectar al personaje. Entonces puedes imaginar todo lo que podrías hacer y cambiar con este procedimiento. En este caso, estoy modificando la exposición, lo que me permite cambiar el rango de la luz de una manera más general. La exposición es un parámetro que mezcla el brillo y el contraste al mismo tiempo. Presta atención al hecho de que la máscara no es perfecta. Y los errores son notorios y debemos corregirlos, claro. Pero en general, lo que debemos hacer después de crear la máscara es tratar de difuminar los bordes de la máscara. Los hechos parecen convincentes. Eso es crucial a la hora de crear máscaras. Entonces una vez que creamos la máscara, debemos modificar ese parámetro importante, que es la pluma. Ese parámetro permite suavizar los bordes de la máscara para que la máscara no se note y b***ds más Presta atención, voy a esconder la guía azul de la máscara para que veas mejor cómo funciona. Preste atención a que en los bordes se expande una guía extra que ensancha los bordes de la máscara Esa es la zona más azul. Entonces somos una especie de afilar los bordes. Y esa es la razón por la que no necesitamos que la máscara sea perfecta. Porque cuando azulamos los bordes, suaviza toda la forma de la máscara, con lo que b***ding Ahora los bordes van a ser mucho menos perceptibles. Voy a ocultar de nuevo la guía azul y voy a modificar la exposición. Mira cuanto mejor se ve. También es importante no exagerar. Es decir, debemos desarrollar una sensibilidad a la iluminación. No podemos modificar la iluminación de fondo de una manera que no sea convincente. Debemos ser sutiles y estéticos. Debemos calificar sobre todo que las modificaciones en la iluminación son convincentes durante todo el disparo desde el principio hasta el final El siguiente parámetro que podemos modificar en la máscara es la opacidad O sea, es como si estuviéramos activando la máscara o desactivándola, pero con transparencia en realidad, no hay nada complicado en ese parámetro El siguiente parámetro es la expansión, que es similar a la pluma. Este parámetro nos permite agrandar la máscara y también hacerla más pequeña. Tampoco es muy complicado. Simplemente nos ayuda a mejor b***d la máscara con el fondo Ahora puedes ver más de la diferencia en cuanto a iluminación en la habitación usando la máscara. Esta herramienta es realmente útil para refinar la imagen. Otra característica muy importante a la hora de crear máscaras es que podemos copiar y fundir la misma máscara y usarla en otros efectos Por ejemplo, puedo agregar otro efecto de color lumetri al clip Después selecciono una máscara del primer color lumetri, y luego presionamos en el control del teclado C, o común C. Luego vamos al otro color lumetri y presionamos el control Z. Entonces tendremos, en este nuevo efecto, la misma máscara que la anterior la misma máscara que la Pero por ejemplo, en este caso podríamos deseleccionar la casilla para invertir la Al hacer esto, ahora podemos corregir solo el color a la luz del personaje. Podemos modificar, por ejemplo, la saturación. Para que puedas ver más o menos cómo cambian los colores en el personaje. La saturación consiste en fortalecer los colores en una imagen. Presta atención a cómo cambia el color de la piel. Por ejemplo, se ve más diez con más color. Siempre que hagas un cambio, puedes comprobar cómo se ve con respecto al video original. Al girar el efecto de, o solo tenías que hacer clic en ese símbolo de efecto, voy a modificar la temperatura de color del personaje para notar la diferencia mucho más. De la misma manera que somos capaces de cambiar el color del personaje y el fondo, también podríamos modificar el color de esa ventana. Eso está ahí. Todo lo que tenemos que hacer es agregar otro color lumetri al clip Esta vez, como la ventana está al final del clip, vamos al último fotograma del clip y vamos a crear una máscara para la ventana, pero cuya automatización se va a crear en sentido contrario dibujamos la máscara. Esta vez es más fácil porque la ventana es un objeto mucho más regular que otros. Es estático, no se mueve. Una vez creada, activamos la automatización en el parámetro path. Después vamos a la línea de tiempo del panel de control de defectos y vamos a crear la automatización. Pero esta vez al revés, me voy a esconder en la guía azul para que se pueda ver. Presta atención. Eso es mucho más fácil. Simplemente como vamos hacia atrás, debemos hacer que la máscara permanezca siempre en la ventana. Recuerda que no importa si la máscara deja el marco de la pantalla, porque la ventana también deja el marco, entonces la máscara también debe hacerlo. Estamos listos para modificar el color de la ventana como queramos. Después volvemos a los parámetros del color lumetri. Es importante destacar que no necesitamos invertir la selección porque queremos modificar la ventana solos. Vamos a la corrección básica, luego vamos, por ejemplo, a la temperatura. Por ejemplo, podemos hacer que la luz se enfríe, por ejemplo, si queremos que la luz fuera del barco sea matutina o que tenga un ambiente frío. Aquí ya tenemos la ventana con iluminación fría, podemos compararla con el color original de la imagen. Es importante hacer siempre esa comparación, para ver la diferencia. Pero en la medida en que estemos modificando colores como el de la ventana, debemos ser conscientes de que la luz con esa temperatura debe afectar a los objetos que se encuentran dentro de la habitación. En este caso, el personaje se supone que debemos ir a la máscara del personaje y modificar su color e incluso el contraste para que también se embellezca con colores fríos Y también con un tipo de contraste que coincida toda la iluminación que hay en el lugar Presta atención que dado que los colores son más fríos y hemos oscurecido toda la habitación, el contraste se adapta muy bien al personaje Podemos hacer la comparación una vez más. Desactivamos todos los efectos de lumitry y los activamos uno por uno, para que veas la diferencia Mira el primer lumetri para el fondo, mira la diferencia Toda la habitación está oscurecida. El ahora puede mirar a la segunda lumitry, la del personaje Es muy bueno. Lo hace b***d muy bien con la iluminación de la cabina Y finalmente, ese lumetri de la ventana. Incluso podemos exagerar la luz fría de la ventana para que sea mucho más notoria Es muy importante ver buenas películas y pinturas con buena iluminación para inspirarnos y tratar de hacer este trabajo con más detalle. Observe que, de hecho, parece que dentro de la cabina, hay algo de luz artificial cálida. Y la fría luz de la mañana entra por la ventana, intenta practicar máscaras creativas. Y seguiremos profundizando en corrección de color en la siguiente lección 24. Máscaras secundarias de precisión HSL (paso final): Perfecto. Ahora vamos con un proceso más detallado de gradación de color, corrección de color HL. Esta herramienta permite modificar el color de una manera mucho más precisa dentro de la misma máscara. Quiero decir que los cambios que hagamos a los colores no solo sucederán en la máscara, sino dentro de una gama específica de colores dentro de la máscara. Ese sería un paso más profesional de este mismo proceso. Por ejemplo, aquí ves que la máscara selecciona al personaje y lo que vamos a hacer ahora es corregir los colores o la luz de áreas específicas dentro de la máscara. El resultado es mucho más profesional. Es un paso más en todo lo que habíamos estado haciendo hasta ahora en términos de gradación de color. En las lecciones anteriores, habíamos creado alguna máscara para corregir diferentes partes de la imagen. Pero esta vez nos vamos a centrar en la máscara que selecciona al personaje. Porque lo que vamos a corregir es sólo la piel y las zonas iluminadas del personaje. Entonces he recibido todo lo que cambiamos en cuanto a color y luz para usar este método. Entonces comencemos. Una vez que hayamos creado nuestra máscara en el efecto de color lumetri, debemos ir al siguiente parámetro, secundario HSL Por lo que este parámetro se encuentra un poco por debajo del parámetro básico de corrección. Entonces a primera vista parece complejo, pero en realidad no es porque hecho no tengamos que usar todos los botones. Entonces voy a esconder la guía azul antes de continuar. Entonces, una vez que estemos en ese parámetro, vamos a tratar de encontrar un punto neutro en el videoclip para corregir la piel. O sea, se supone que debes encontrar el momento en el recortado donde se nota la piel del personaje lo suficientemente bien como para corregirla Una vez hecho esto, vamos a donde se lee, Set Color y damos click en ese pequeño gotero que está ahí En este caso, voy a dar click en la mejilla, que es el área que quiero corregir Después automáticamente, el defecto seleccionará los rangos de color de la mejilla Para comprobarlo, bajamos aquí en la pestaña pequeña y debemos seleccionar blanco, negro. Y luego vamos a marcar la cajita que dice Mostrar máscara. Como puedes ver, los softwares solo seleccionan el área que luce blanca Pero a su vez, el parámetro de selección sólo es tomar en cuenta todo lo que hay dentro de esa máscara que hicimos anteriormente. Entonces como podemos automatizar todos los parámetros en el estreno, también podríamos automatizar los rangos de selección utilizando estas tres líneas de selección que pertenecen a la saturación de luz y rango de color. Por ejemplo, recuerda que la luz cambia a medida que el personaje camina. Entonces la selección también podría cambiar si la automatizamos. Por ejemplo, presta atención a la tercera línea, La línea de iluminación. Mira cómo cambia la selección en el personaje seleccionando las áreas iluminadas del rostro y la camisa. Entonces esto es interesante por dos razones. Por un lado, nos damos cuenta de que tanto la camisa como la cara tienen colores similares, aunque no parezca así a simple vista. Y por otro lado, es interesante porque al final, es esa misma luz que entra por la ventana la que está iluminando a todo el personaje Y este es el tipo de cosas que debes aprender en términos de iluminación, más allá de saber usar el software o no. Entonces una vez que hemos hecho la selección, quiero decir que estamos seguros de que la selección que habíamos hecho es correcta. Desmarcamos la casilla Mostrar máscara y vamos un poco más abajo donde vamos a encontrar las herramientas para hacer la gradación de color Vamos a encontrar, por ejemplo, los mismos parámetros de la corrección básica del color, como temperatura, contraste, saturación, etcétera Pero también está aquí esta rueda que es muy útil porque al mover el punto central a cada lado, el software cambiará el color de esas áreas seleccionadas hacia aquellos colores que están en la rueda. Y claro, podemos combinar los parámetros para lograr un mejor resultado. Por ejemplo, voy a mover la temperatura. Voy a aumentarlo lo suficiente para que notes la diferencia. Mira cómo la luz que ilumina al personaje tiene un color cálido De hecho, si volvemos en el clip, nos damos cuenta de que a medida que avanza el personaje, la luz se vuelve más cálida. Si, por ejemplo, combinamos esta técnica con lo que vimos en las lecciones anteriores, el resultado es mucho mejor. Por ejemplo, podríamos cambiar la temperatura de esa luz en la ventana para que coincida con lo que acabamos de hacer en el personaje haciendo la corrección de color. De esta manera, se ve mucho mejor porque nota que realmente parece que la luz de la ventana está iluminando al personaje porque estamos haciendo gradación La gradación de color, pero como te dije, no es suficiente para aprender a usar el software. Teníamos que ser conscientes del comportamiento de la luz. Eso sólo lo lograremos consumiendo arte de calidad. O sea, se supone que debes ir a galerías para ver buenos cuadros, buenas fotografías, exposiciones calificadas, y por supuesto, buenas películas. Entonces voy a desactivar los efectos para que podamos hacer la comparación Y podemos ver la diferencia lo que hemos hecho hasta ahora. Entonces así es como se ve la imagen original. Entonces nosotros, oscuro en el fondo, luego la capa de color de caracteres, y luego la capa de ventana. Entonces desde aquí podemos agregar una capa de efecto más. Me refiero a otro color lumetri. Y en este último efecto, podemos agregar un contraste que afecta a toda la combinación de capas para combinarlas mucho más y hacerlas lucir mejor integradas. Este contraste es perfecto porque incluso refuerza las sombras que se proyectan en la pared Y realmente parece que la luz que viene por la ventana es real. Podemos hacer una última comparación para ver la diferencia. Voy a volver a apagar todas las capas de defectos. Así que presta atención a la naturaleza de la imagen original. Yo diría que hay una gama de colores mucho más constante. Ahora voy a activar nuevo todas las capas, una por una. Creo que la diferencia es increíble ya que el video es de alta calidad. Porque es una buena cámara. En realidad, tenemos la posibilidad de que esto salga muy bien. Por otro lado, debemos prestar atención para corregir esos pequeños fotogramas donde la máscara general no coincide con el personaje. Porque recuerda que la máscara HSL funciona dentro de esa máscara azul. Esta es una posible gradación de color, pero esto podría ser totalmente diferente como lo fue en la gradación de color original del proyecto. Pero siempre se debe tener en cuenta que cuanto mejor sea la resolución de la cámara, más posibilidades hay de corregir la iluminación y los colores de la imagen. Pasemos a esto otro ejemplo de cómo se realizó la gradación de color en la siguiente escena de este cortometraje. Preste atención a que principalmente se utilizó una máscara para iluminar al personaje la misma manera que hicimos en los ejercicios anteriores Si la cámara tiene una buena resolución y rango dinámico, esto será posible hacerlo sin problema Mayor. Pero presta atención a esta otra capa que es casi imperceptible Esta máscara está agregando un cálido color matutino al escudo. Recuerda que la calidad de la gradación de color es el subproducto de un conjunto de pequeños detalles que a su vez hacen que la imagen se vea mejor En este caso, la luz matutina es cálida, el escudo debe adaptarse lo más posible a eso. Aquí podemos ver la diferencia de cómo se ve con la máscara y sin las máscaras. Otro detalle importante de esta toma fue la iluminación en el lugar. Este detalle es bastante similar al de la película Retrato de una dama en llamas. Es decir, el color de las partes específicas de AS de la imagen tuvo que ser modificado para que toda la imagen coincidiera con una toma previamente vista. En este caso, son esas partes que estás mirando donde puedes ver el valle al fondo asomándose entre los árboles Y esas partes fueron conducidas a coincidir con un disparo anterior. Y esa toma previa fue esta, este tiro abierto que nos dice que las acciones están sucediendo por la mañana. Aquí puedes ver cómo desactivo y activo la máscara para que puedas ver cómo se veía antes y cómo se ve con defecto Todo esto estaba usando exactamente la misma gradación de color que vimos con la catacre en la cabaña Echa un vistazo a esta otra toma de aquí. Teníamos que hacer más o menos lo mismo que seleccionaba parte del cielo, esa parte que escoge de los árboles. Tuvimos que cambiar el color para que de alguna manera pareciera que el sol estaba en su punto máximo por ahí. Entonces hicimos una máscara y luego seleccionamos solo área iluminada con el secundario HSL. Después agregamos el color rojo para que el color se vea más cálido, no frío Aquí se puede ver la diferencia entre el disparo original y con la máscara. Pero presta atención al otro ejemplo, más avanzado aquí. Como se puede ver en las diferentes tomas del bosque, la luz del sol logra pasar a través los árboles y llegar al suelo. Como en esta toma por ejemplo. El problema era que dado que las condiciones del cielo nunca son perfectas y estables, eso dura muy poco tiempo. Entonces en una toma, fue necesario crear directamente la luz en el suelo. Porque en ese preciso momento del tiroteo, la luz en el suelo casi había desaparecido. Entonces creamos una máscara sobre el pequeño rastro de luz que apenas era visible en el plano, y aumentamos la luz de esa parte. Este ejemplo es excel***t porque precisamente en casos como este, cultura visual Quiero decir que sabes de pintura, por ejemplo, presta atención a este importante detalle. La máscara no cambia de lugar, incluso la cámara avanza. Porque la cámara que viaja no tiene nada que ver con la luz del sol. Se supone que la luz está en el mismo lugar. Por lo que automatizamos la máscara para permanecer en el mismo lugar en el suelo. Tomando cualquier parte del terreno como punto de referencia. Aquí puedes ver cómo se veía la imagen antes de la imagen original. Sin la luz en el suelo. Creo que la diferencia es fantástica. Es una prueba de lo lejos que puedes llegar usando esta técnica. En este otro ejemplo, se puede ver cómo podemos utilizar exactamente la misma técnica para realzar el color de algo en la imagen. La sangre que el personaje tiene en el brazo. Durante el tiroteo, la sangre en el brazo no era del todo perfecta. Es decir, no estaba lo suficientemente roja. Esto tuvo que corregirse con gradación de color. Creamos una máscara que selecciona solo el color rojo que apenas era visible en la camisa. Y luego potenciamos ese color rojo. Aquí puedes ver cómo se veía antes. Aquí lo puedes ver con más detalle. Mira cómo cambia el color medida que muevo el color en la gama Bueno, pero hay que prestar mucha atención a los cambios. Debe ser silla de montar, todos estos son ejemplos de todo lo que puedes hacer usando la técnica de gradación de color que te enseño en estas lecciones. Pero como te dije, debes practicar y tener buenas referencias para lograrlo hasta la siguiente lección. 25. Reconocer formatos: Hola gente. En esta lección vamos a hablar de formatos y cámaras. Pero sobre todo, te voy a mostrar en la pantalla videos grabados con diferentes cámaras y diferentes ***ses Se puede aprender a reconocer la diferencia a la hora de ver la calidad de una imagen. Por otro lado, aunque en esta lección voy a hablar de aspectos técnicos, te recomiendo encarecidamente consumas películas con una buena cinematografía Se puede reconocer cuando una imagen es mejor que otra en términos de iluminación o cinematografía Y te digo esto porque es nuestra tarea mejorar la calidad de la imagen. Y debemos saber cuáles son las debilidades de una imagen para corregirlas y mejorar la apariencia de un video. Empecemos entonces. Este es el Sol en X cinco. Esta es una DSLR de calidad media y baja con ***ses también de calidad media La imagen se ve bien porque la cinematografía era buena. Es decir, se grabó a la mejor hora del día. No obstante, si congelamos la imagen, podemos darnos cuenta de las debilidades de este formato. En primer lugar, todo se sintetiza en formas y colores generales. A lo mejor no te das cuenta a simple vista, pero cuando veas una imagen de alta calidad, más adelante, verás la diferencia. Esta síntesis tiene que ver tanto con el rango dinámico del sensor como con la resolución de la cámara. Y además de que los ***s no permiten que una gran cantidad de puntos de luz lleguen al sensor Esto lo podemos notar en los pequeños detalles y sobre todo en las zonas oscuras que carecen de información porque están completamente comprimidas por el pliegue. Esta es la imagen típica en la que la técnica de modificar los colores de algunos objetos o elementos como el cielo, por ejemplo, es una de las mejores formas de mejorar la experiencia y la calidad. Este siguiente ejemplo es un poco mejor. Aquí se utilizó una cámara Canon cinco con la serie L ***ses. Adicionalmente, las imágenes aéreas pertenecen a un fantasma para dron. No obstante, desde mi punto de vista, aunque se ve mejor que el video anterior, aún podemos notar signos de compresión en la imagen. Al igual que la compresión, podemos notar en los detalles del cabello. En el caso de las imágenes de drones, hay parpadeo en las áreas de agua que tienen reflejos complejos Este parpadeo a menudo se puede limpiar usando esta herramienta en el panel de control de fax Pero el problema es que no suele quitar el parpadeo por completo En el caso de la Canon cinco D, hace exactamente lo mismo que la cámara anterior. Es decir, comprime los colores que aparentemente son planos Adicionalmente, puedes notar en el borde de las montañas, la falta de detalles capturados tanto por la cámara como por los ***s. mi opinión es que un video vea muy bien con una cámara de cinco D, es necesario usar ***ses de gama muy alta para compensar la falta de dinámica en el Y finalmente, de la misma manera, cambiar el color de algunos elementos en la imagen o mejorarlos ayudará a mejorar la calidad de la imagen. Ahora vamos a pasar al siguiente ejemplo, una magia negra de cuatro teclas con la serie Canon L ***ses Aquí la apariencia comienza a verse más profesional. No quiero decir que los trabajos anteriores no se vean profesionales, quiero decir que la imagen en bruto se ve más profesional. Presta atención al cabello de la niña, miradas, cómo se nota cada mechón de cabello en la pantalla. No obstante, incluso bajo estas condiciones, quiero decir que el sensor de magia negra es mejor. El tipo de desenfoque de ***s en el fondo no es el mejor de todo porque sintetiza demasiado. En el siguiente ejemplo, que de hecho es el mismo trabajo, utilizamos un escarlata rojo con un cañón serie L ***ses La diferencia más notable es el rango dinámico. Es mejor que la magia negra. Presta atención al color áspero, la disposición del cuello. Es una especie de blanco nacarado que solo puedes notar con un buen sensor así Obviamente, también hay una gran iluminación en el lugar. Pero incluso bajo estas condiciones, el rojo ayuda a mejorar el fondo borroso para lucir realmente profesional Este es otro ejemplo con la magia negra, pero con otros ***ses mecedoras y ***ses que personalmente no me gustan tanto porque no son Pero a pesar de que se ve profesional por la iluminación y la corrección de color. Por ejemplo, ese color verde que ves en la hierba en las ramas abajo se modificó en la corrección de color para que se vea más verde de lo normal De esta manera, parece que la imagen tiene un mayor rango dinámico. Lo mismo con esas tenues luces azules de fondo. No eran originales así, sino que se volvieron azules en la corrección de color. Sin mencionar que también se modificó el color de los cielos para que se vieran así Mira este otro ejemplo. Aquí, la calidad de la imagen se vuelve completamente profesional. Pero esto no es por la calidad de la cámara que porque los ***ses que se utilizaron fueron completamente profesionales El tamaño de Carl es ***ses. Mira la forma en que el fondo está fuera de foco. Mira la distancia en la que esos caballos están incluso desenfocados. A esa distancia se puede ver que son caballos. Y no sólo eso, sino que se pueden notar las fortalezas del pelo de caballo. Adicionalmente, presta atención a los contornos de todas las formas. No se ven como ese contorno de las montañas. En el primer ejemplo con el Canon cinco D, presta atención a este marco. Mira las gotas de agua en el brazo del engranaje y mira lo bien que se ve el fondo borroso En este último ejemplo está el trabajo que vamos a utilizar en las lecciones de corrección de color. Aquí se utilizó otra cámara que tiene el mejor rango dinámico de todas las que les he mostrado hasta ahora. Pero sin embargo, los ***ses utilizados aquí no son ni la mitad de buenos que los del video musical anterior No obstante, usaremos este video porque es la cámara con el mejor rango dinámico. Hay algo importante a tener en cuenta a la hora de intentar descubrir cómo se rodó algo o cuál era el formato utilizado en un cortometraje o una película o un video musical. Echa un vistazo al siguiente ejemplo, este video musical de du alias. Si prestas atención, puedes notar eso ya que el video se graba en Francia. En París. En Francia, hay una obsesión, una especie de obsesión con la mirada independiente Me refiero a esa mirada independiente tipo película, el video de Dulipa está inspirado en Esas imágenes de Dualipa compartiendo una noche con otra chica, otra cantante, como si fuera su amiga Parece que son totalmente espontáneos. Al azar como si se tratara de una cámara sencilla y están grabando momentos aleatorios en una sola noche. Pero resulta que a pesar que el video musical está representando casi una especie de producto documental de esa noche, la cámara que están usando no es tan barata como la mayoría de ustedes creen. De hecho, basta con decir que están filmando de noche y los ***ses son tan buenos que capturan detalles del Y te digo esto porque hay cineastas ingenuos y camarógrafos ingenuos que piensan que pueden tomar cualquier cámara y grabar el mismo video y se verá igual y no funciona así Y de la misma manera, también hay editores de video que piensan que hay un filtro enchufable que puede reemplazar a un automóvil del tamaño de ***s, por ejemplo Y te digo esto, no para desanimarte, sino porque una de las cosas más importantes en cuanto a la producción cinematográfica es anotar y reconocer la naturaleza de una producción cinematográfica Esto es necesario para estar seguro de hasta dónde puede llegar la corrección de color para tener un resultado de calidad que un cliente requiere en un anuncio, por ejemplo. Entonces, las películas independientes en Europa son muy caras. No tan caras como las de Hollywood, pero obviamente no. Pero son más caros de lo que la mayoría cree. Créeme lo que te digo. Aquí estudié cine y te lo digo con ciertos castrados Lo mismo sucede cuando en una producción utilizamos una cámara barata, pero con una súper cara, muy alta y ***ses Por ejemplo, este video de 30 segundos desesperado rompió el sonido de cinco. Mucha gente se sorprenderá al darse cuenta de que muchas de las tomas fueron grabadas con una cámara Canon five DLR Pero, ¿cuál es la razón por la que la imagen se ve tan bien? Porque es evidente que usaron un ***s de gama alta que costó miles y miles de dólares No importa la antigüedad de la fábrica de conservas, la imagen que viene a través de los ***s, los sensores serán hermosos sensores Intenta estar al tanto de todo esto. Y sobre todo, no te dejes engañar por supuestos plugins que se supone que dan a tus videos un aspecto completamente cinematográfico ¿Eso es posible? Bueno, muchas gracias y hasta la siguiente lección. 26. Desenfocaciones cinematográficas: Hola gente. En una lección anterior, estaba hablando de los terrenos negros borrosos Dado que esa característica está relacionada con la calidad de los ***ses, obviamente el escenario ideal sería trabajar con los mejores Pero si no es así, debemos poder mejorar esta característica en los videos a la hora mejorar la calidad visual del proyecto. Empecemos entonces. Perfecto. Estamos aquí nuevo en la premier. ¿Qué vamos a hacer esta vez? En primer lugar, quiero que veas una comparación entre una toma grabada con un iphone y otra con una cámara de cine. Obviamente son disparos del mismo objeto bajo las mismas condiciones. Es un ejercicio. Entonces, el objetivo de mostrarte esto y el objetivo de esta lección es que mediante el uso del efecto de cámara de estreno azul, podamos intentar aproximar el aspecto cinematográfico de una cámara de cine Entonces voy a empezar mostrándote la toma grabada con el iphone. Aquí tenemos la toma de este busto grabado con un iphone 14. Eso diría que usar una cámara réflex digital con ***ses promedio, es decir, los ***ses normales se vería más Por supuesto, el engaño será que estábamos usando escena ***ses con una cámara réflex digital, pero este no es Una DSLR promedio se parece más o menos a un iphone de última generación Pero de todos modos, en esta toma, se pueden notar detalles relevantes, como por ejemplo, que hay un ligero desenfoque del fondo Pero preste atención ahora a una imagen grabada con una cámara de cine del mismo objeto con más o menos las mismas condiciones. ¿Bien? Obviamente se ve mucho mejor, sobre todo para el rango dinámico. Es decir, la cantidad de tonos en los blancos y grises. Pero mira la naturaleza del desenfoque en el fondo. A medida que me acerco a los cambios de fondo de una manera más cinematográfica Obviamente está más desenfocado que en la imagen anterior porque los ***ses permiten que entre más luz al sensor de la cámara Y esta es una de las razones por las que siempre he dicho que es muy difícil tratar de imitar esta calidad con un efecto plug in porque nunca se verá igual Pero sin embargo, podemos acercarnos, podemos acercarnos a esa mirada. Lo vamos a hacer usando el desenfoque, porque ese parámetro, esa característica nos habla de la profundidad de campo en los ***ses así como de la sensibilidad que tienen a la Vamos a dar click en nuestro clip y vamos a buscar la carpeta de defectos. En esa carpeta, vamos a buscar el desenfoque y agudizar Aquí vamos a elegir el desenfoque de la cámara. Este efecto me permite imitar ese look de un cine ***s. presta atención a que no sólo difumina la imagen, sino que también estira ligeramente la imagen a los sitios Debemos ir a los parámetros del defecto y vamos a disminuir el cero, el desenfoque en el parámetro de desenfoque porcentual. Ahora vamos a buscar un punto medio del clip. O sea, no al principio ni al final, más o menos en el medio. Ahora debemos crear una máscara para seleccionar la región que debería estar más enfocada. ¿Y cuál sería la región? Bueno, toda la zona del lienzo al fondo y todo lo que está a esa distancia. Elegimos la opción de crear máscara personalizable. Y creamos una máscara que selecciona todo eso con mucho cuidado y paciencia. Como siempre, punto por punto, nosotros lo creamos. Recuerda que la máscara puede salir del marco y no pasa nada. Puedes sumar dentro o fuera el monitor del programa como quieras. Perfecto. Ya tenemos lista nuestra máscara. Ahora tenemos que hacer es activar la automatización de la máscara para que se cree el primer fotograma clave, después completamos la máscara. En las otras partes del clip, no es necesario hacer muchos fotogramas clave. Como el movimiento hacia adelante del disparo no es muy fuerte, la máscara no saldrá demasiado de la forma del busto. Por lo tanto, solo tenemos que adaptar lo que ha cambiado, sobre todo en el busto, en la vela de la derecha. Entonces vamos a tratar de hacer algunos fotogramas clave más, pero no es necesario hacer demasiados, como te dije, solo haz algunos a lo largo de todo el clip. Prestando atención, sobre todo, a los objetos principales. Perfecto, ya tenemos nuestra máscara hecha a lo largo de todo el clip. Ahora simplemente tenemos que ir al efecto de desenfoque. Debemos determinar cuál es el toque apropiado para cada parte del clip, ya que al inicio del clip, el fondo debe estar menos borroso Así que presta atención a que solo subir tres puntos en el parámetro de desenfoque es más que suficiente para mejorar el desenfoque y hacerlo más cinematográfico, justo en este punto en este momento del clip, podemos ver cómo se ve con efecto y sin efecto Aquí al final, puedes notar la diferencia. Ahora no está activado. Voy a activarlo nuevo y mirar la diferencia. Dado que el clip continúa un poco más adelante, debemos ser conscientes de que al final debe estar más desenfocado. Creo que sería bueno levantar tres puntos de desenfoque más. Al llegar a seis, es importante señalar que a la hora de mejorar los sopladores, debemos ser muy delicados y precisos Quiero decir, no exagerar con el desenfoque porque se ve irreal Es decir, los cambios leves son perfectos. También debes recordar subir un poco la pluma para suavizar los bordes de la máscara Podemos automatizar el porcentaje de desenfoque. Ahora bien, si ya sabemos cuál es el punto final del desenfoque máximo, que es en el primero, al principio, deberíamos estar menos borrosos. Y eso es todo. Disminuimos un poco el desenfoque, justo aquí mismo. Y eso es suficiente. Ahora renderizamos el clip para verlo con más fluidez. Aquí tenemos nuestra toma con un fondo borroso. Se ve más cinematográfico porque a medida que avanza la toma, el fondo se vuelve más borroso Se puede notar en las edades de ese lienzo, eso en lienzo. Obviamente esta toma no es más que un ejemplo. Si estuvieras trabajando en uno similar con una persona en el medio. Cuanto más se acerque a la persona, más borroso será el fondo Obviamente, no podemos desenfocarlo como en el ejemplo con una cámara de cine. Porque aunque hay diferentes ***ses en cuanto a calidad, también son diferentes en cuanto a milímetros, profundidad de campo Entonces hay que tomarlo en cuenta. Ahora presta atención a este fondo borroso, podemos combinarlo con un tobogán, soplar en la parte delantera de la silla, haciendo que ese soplador de diapositivas se note. Cuando la cámara se acerca a una silla, simplemente tenemos que agregar otro efecto de desenfoque de cámara a ese clip. Obviamente al principio, debe disminuir el porcentaje de desenfoque a cero. Se supone que debes crear una máscara que solo ocupe la zona frontal de la silla, pero debemos encontrar el punto máximo de aproximación de la cámara hacia la silla. Debemos crear la máscara justo en ese punto. Ahora se supone que la máscara sólo afecta a la parte frontal de la silla porque esa parte es la más cercana a la cámara. Podemos hacer un polígono que sólo se centre en esa parte de la silla Entonces debemos levantar la pluma para ablandar los bordes. Y luego agregamos el Lar. Podemos usar la expansión si la queremos, siempre tratando de no sobreusar defecto, tratar de hacerla real. A partir de ahora podremos crear el marco clave. Me refiero a activar la línea de automatización en el blo, ya tenemos el marco clave Sólo tenemos que crear el primer fotograma clave. Debes saber que al principio el Bl no debería notarse. Yo diría que antes del comienzo, simplemente cuando la silla se aleja de la cámara, ya no deberías estar fuera de foco. Entonces voy a renderizarlo de nuevo. Ya tienes la imagen con más desenfoque tanto en el fondo como en la parte frontal de la silla. Aunque no parece una película ***s, se ve más profesional Adicionalmente, si estuviéramos trabajando con dos cámaras, por ejemplo, una cámara de cine en una DSLR o una cámara de cine en un iphone, podríamos combinar los dos formatos en mismo trabajo y quedaría bastante bien Pero obviamente, la idea es también estar al tanto de las diferencias entre los formatos para entender por qué un formato se ve mejor que el otro. Especialmente cuando se trata de trabajar con ***ses que son un poco mejores que otros Y creo que esto es lo más difícil de tener en cuenta. Eso claro, en este ejemplo, no creo que la diferencia sea difícil de notar, es evidente. Bueno, ya sabes cómo difuminar los fondos y pasemos a la siguiente lección. 27. Crear una toma de otra toma: Hola a todos, y ¿qué vamos a hacer en esta lección? En esta lección, vamos a aprender a crear un disparo a partir de otra toma. Porque al final vas a tener que reencuadrar una toma para arreglarla Es decir, en términos de cinematografía y el subproducto de ese proceso trae consigo la creación de otra toma Esto te va a pasar cuando no tengas suficiente metraje para tu edición. Para mí, es algo muy común en cuanto a la edición. Vamos a usar la estaca del Camaro. Se puede notar que tiene una corrección de color. Una corrección de color. Hagamos una revisión rápida. Hay un nivel de efecto, limitador, color, y también afilar Pero antes de abordar la creación de otra toma, vamos a hablar de algo primero. Cuando eres editor, se supone que debes volverte sensible con los cambios. Y esos cambios podrían ser en términos de balance de color, etcétera, por ejemplo En esta toma, hay una especie de debilidad en términos de equilibrio. O sea, puedes notar que cuando el auto se acerca a la cámara, hay más espacio en ese hueco entre el auto y el marco en el lado derecho. Y debemos tratar de arreglar eso a nivel que consumimos en la imagen, modificando la escala, y luego mover la toma ligeramente hacia la derecha. Cuando hablaba de ser sensible, me refiero a ser consciente de que hay que arreglar la toma, es decir, se supone que debes detectar ese desequilibrio. También hay que tener en cuenta que ese desequilibrio podría estar relacionado con un punto específico de la toma. A lo mejor hay un movimiento itinerante. Por ejemplo aquí hay una inclinación hacia arriba. Pero una vez que el disparo revela el parabrisas, la toma parece estar moviéndose demasiado hacia la izquierda. Para resolver eso, podemos crear una automatización K en posición de arreglarlo. movimiento en la toma en este ejemplo parece no ser tan complicado porque la cámara está en un trípode. Solo con automatizar el movimiento en el parámetro de posición es suficiente para solucionar ese problema Pero de todas formas, como te dije, debes tener una gran cantidad de referencias para saber si un tiro está equilibrado o no. Pero pasemos a la decoración de la otra toma. En primer lugar, debemos seleccionar un momento fotográfico en la toma. Por ejemplo, ese momento podría ser cuando el auto se detenga. Una vez que hayamos seleccionado ese momento, estamos listos para enfocarnos en un solo objeto de la imagen. Voy a aclarar estos cambios aquí en la automatización, por ejemplo, esta luz de cabeza a la derecha, somos capaces de sumar en la imagen moviendo la escala para encontrar ese equilibrio, tomando en cuenta ese faro, por ejemplo. Porque en realidad los viajes son unas constelaciones. Pero a pesar de que esto no es un viaje en sí mismo, hay un movimiento a lo largo del paso del tiempo. Y ese movimiento tiene momentos donde la imagen, la imagen, se equilibra. Hablo de esto en una lección de mi curso de cine. Se llama el Punto de Anclaje. Se puede notar que desde el momento en que el auto se detiene, estoy moviendo la toma hacia la izquierda, derecha a la luz de la cabeza izquierda para crear un movimiento artificial en la toma. Aún no he automatizado el movimiento. Estoy tratando de descubrir esos momentos, esos puntos de anclaje que puedo usar para crear todo el movimiento. Volvamos de nuevo al primer punto de anclaje. Es decir, al inicio del disparo. Una vez que encontremos ese momento, podremos crear un fotograma clave en el parámetro position. Debemos crear un marco clave para que la escala. Pero justo aquí viene un problema. Y sucede que cuando el auto se detiene y la cámara se detiene, también ese movimiento creado por la edición será más notorio. Se supone que debemos colocar el fotograma clave, ese fotograma clave relacionado con la posición justo antes de que la cámara se detenga. O sea, de esta manera estarás creando un efecto de que la cámara tenga un movimiento más largo porque la toma estará en movimiento justo antes de que la cámara se detenga, engañando así un poco al espectador Ahí estás, tienes otra toma de la toma original. Se ve genial porque parece que ese movimiento hacia la izquierda es parte de todo el movimiento take. Ahora voy a mostrarte cómo se supone que no debes hacerlo. Presta atención a esto. Comienza el movimiento de toma. Y justo aquí, comienza el movimiento creado en el software. El público notará que el movimiento es extraño. Puedes notar justo aquí, comienza el movimiento artificial. Ya sabes cuál es la diferencia. Te voy a mostrar de nuevo la ola correcta. Se puede notar que justo en este momento, ese movimiento hacia la izquierda es más suave. Y se supone que debes colocar ese fotograma clave relacionado con la posición justo antes de que la cámara se detenga. Por otro lado, quería mencionar algo importante relacionado con la escala. Y eso es que cuando se quiere crear esa sensación de interés en el público. Pero la toma con la que estás trabajando es estática. Puedes agregar una ligera suma o suma para crear ese efecto Pero en términos cinematográficos, la suma o suma tiene dos funciones En primer lugar, cuando se tiene una secuencia que tiene varios disparos y la mayoría de los disparos tienen viajando en. Adicionalmente, los disparos están pasando uno tras otro muy rápido. En esos casos, te recomiendan agregar un poco de suma a los tiros para que coincidan con el resto de los tiros Quiero decir, es una característica visual, el público se siente cómodo mientras ve la secuencia. En la pantalla, se puede ver un ejemplo. El disparo general tiene un ligero acercamiento. Y la otra función es cuando se quiere representar el interés que el personaje está experimentando sobre un objeto o algo que está mirando cuidadosamente. En términos generales, ese interés se representa al acercar el rostro del personaje para representar el pensamiento profundo Generalmente, este es un conjunto, quiero decir con una muñeca por ejemplo. Pero adicionalmente, también hay que agregar un ligero zoom al objeto o al delgado paisaje que el personaje está mirando. Aquí en la pantalla, puedes ver un ejemplo. El personaje está mirando ese palo de flecha en el árbol, pero hay un zoom en la flecha, pero es una suma artificial en creada en la edición Ese zoom representa que el personaje está pensando profundamente en esa flecha que está mirando Este es otro ejemplo. Hay un ligero zoom en el paisaje porque esta escena es un flashback de la escena anterior, y él estaba recordando cuando vio a esa familia en la granja ese día Pero esto también funciona para escenas de diálogo. Para terminar la lección, te voy a dejar una escena completa donde dos personajes interactúan en diálogo. Y la suma en obras para meterse en los pensamientos, todos los fines sumatorios sutiles de esta escena fueron creados en la edición. Entonces te voy a dejar esta escena y hasta la siguiente lección cuando no me digas cuándo, cuándo va. Eso, es mi mirada. 28. Estabiliza una toma: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno. Lo que vamos a hacer ahora, vamos a estabilizar una imagen. Una toma de toma en este caso es una toma de secuencia, pero te voy a decir esto desde cero, desde el principio. Una estabilización no es esa magia en absoluto. La estabilización nos puede ayudar mucho para arreglar una imagen temblorosa. Pero si la secuencia es realmente temblorosa, no vamos a poder arreglarlo Si eso fuera posible, los campamentos estables no seguirían siendo utilizados hoy en día. Tan simple como eso. Creo que con este ejemplo, vas a aprender a hacerlo y llegar a entender la herramienta de estabilización. Esta es la toma que vamos a arreglar Fue filmado con una leva estable, pero debido a la naturaleza del suelo donde estaban los sistemas, era imposible que el disparo fuera completamente estable. Justo en ese momento donde la cámara se acerca lentamente al personaje, la cámara tiembla, estropeando la secuencia La desestabilización podría ser aún mayor, pero este ejemplo es bastante bueno De hecho, la imagen tiembla durante toda la toma de secuencia. Vamos a reparar todos estos con la herramienta que nos da el premier. Voy a seleccionar una porción de la toma de secuencia para arreglarla. Yo diría que esta parte, donde la cámara se acerca al personaje es la mejor. Y te voy a decir por qué. Voy a arrastrar la porción de video a la línea de tiempo como siempre. Y voy a abrir el monitor de programas aquí. Ya tenemos la toma de la línea de tiempo, la toma. El problema es que a veces nosotros como editores vamos a tener que recortar el marco para acercarnos al personaje. Vamos a tener que hacerlo ya sea por decisión del director o por nosotros mismos, porque pensamos que la cinematografía se ve mejor así Pero presta atención ahora a cómo la desestabilización en la secuencia es mucho más Ya que muchos de ustedes son camarógrafos o cineastas, les diré algo Esta es la razón por la que no se recomienda utilizar una ***s mayor de 50 millones de metros en la leva estética Debido a que este tipo de ***ses así que en la imagen y la cámara aún permanece un largo tiempo lejos de lo que estamos capturando, entonces cada milímetros de movimiento será mucho más Pero de todos modos, debemos ir a la carpeta video Fx, y luego abrimos la carpeta almacenada. Entonces aquí vamos a encontrar el estabilizador de rap, así que vamos a arrastrar este efecto a nuestro clip, y eso es todo. Por lo que ahora el software comenzará automáticamente a analizar el disparo fotograma a fotograma para tratar de arreglarlo. Aquí podemos ver en panel de control de defectos cómo se visualiza el proceso de análisis dependiendo del ***gth de Este análisis llevará más o menos tiempo, pero el software lo hará automáticamente en segundo plano. Una vez hecho esto, el defecto estabilizará automáticamente el disparo. Pero ahora debemos prestar mucha atención a algunos parámetros fundamentales para no fallar estabilizando los disparos. En primer lugar, es la suavidad de la estabilización. Podremos modificarlo con este porcentaje. Puede ser mayor o menor. Es importante mencionar que defecto no volverá a analizar la imagen a menos que estiremos o apretemos el clip con el que estamos trabajando. Pero a la derecha de abajo, vamos a tener el parámetro method que es de lejos el más importante de todos en este efecto. Aquí vamos a encontrar cuatro métodos, Posición, posición, escala, y rotación, perspectiva y deformación. Hay algo que hay que saber desde el principio. No sé por qué estos últimos en existir. Perspectiva y deformación. En mi opinión, no deberían existir. Son completamente inútiles a la hora estabilizar una toma profesional para una película, o comercial, o cortometraje, porque a nadie le gustaría una toma funcione como una jalea como opción para estabilizar esa toma. Entonces, si es un Instagram o Tiktok real, está bien. Podrías usarlo, pero yo no lo usaría de todos modos. Incluso los teléfonos inteligentes hoy en día estabilizan la imagen lo suficiente para que no haya que usar estas dos opciones. Obviamente, estas dos últimas opciones se utilizan a menudo cuando la imagen está demasiado sacudida Pero si este fuera el caso, entonces el software dejaría al personaje estabilizado, pero todo el fondo que vemos de ese bosque se deformaría como una gelatina, lo cual en realidad es terrible. escala de posición y la rotación es la mejor opción para estabilizar esta opción en lugar de distorsionar la imagen, esto cambiará la rotación Será um, dentro y fuera, cambiará la posición, todo esto automáticamente hasta que el disparo se estabilice lo mejor posible. Para mí, es la mejor opción para estabilizarse sin alterar la naturaleza del disparo. Presta atención a cómo se ve. Lo más interesante es que incluso puedo resumir en la imagen mucho más como si se tratara un tiro mediano y se verá perfecta. Hagamos una comparación. Voy a desactivar en efecto para volver a ver la toma original Podemos notar que fue suficiente vibración para estropear la escena. Voy a activar defecto de nuevo y vamos a revisar la toma de nuevo. Presta atención a continuación En los parámetros de defecto, tendremos la posibilidad de hacer un análisis detallado. Es decir, instruir al programa para que haga todo lo posible para estabilizar la toma, estropeando la imagen lo menos posible En este caso, no es necesario hacerlo, pero nosotros podemos hacerlo. Lo único que va a pasar es que consumirá más recursos informáticos. También, a su vez, lo más probable es que recorte más la imagen. Si marcamos esa cajita, volverá a iniciar el análisis, lo que tardará un poco más. Justo debajo, encontrarás este parámetro que permite puntadas entre dos opciones. A la derecha la imagen estará más estabilizada y a la izquierda menos estabilizada, pero recortará menos el fotograma. Podemos jugar con ese parámetro como queramos. Por otro lado, creo que este tema de estabilización, uso de premiere es un último recurso. Para resolver esto, quiero decir como camarógrafos o cineastas, debemos hacer todo lo posible para no necesitar estabilizar la imagen Y esos comienza por elegir los ***s más adecuados para grabar Con la cámara en la mano y con un steadicam, generalmente, ese ***s no puede ser superior a 35 milímetros si estamos filmando cámara en mano, aún menos, porque de hecho, incluso en perfectas condiciones, vamos a necesitar O sea, a veces estamos usando una muñeca, por ejemplo. Por alguna razón, en algún momento la imagen tiembla debido a algún pequeño error del operador, etcétera. Para esos casos, se utiliza este estabilizador. Presta atención cuánto tiempo tardó en hacer mucho más el análisis detallado. Pero el resultado será el mismo porque en realidad, el primer análisis fue más que suficiente para reparar la imagen. Voy a conseguir el rigor del monitor para ver mejor la toma y voy a aumentar la resolución del monitor Para en resumen, puedes usar el estabilizador, puedes usar el estabilizador, pero recuerda que si la imagen no se puede fijar con los parámetros posición, escala, y rotación, la imagen no califica para ser estabilizada profesionalmente. Toma todo esto en cuenta y hasta la siguiente lección. 29. Presentación Efectos visuales: Hola, gente. En este modelo, te voy a mostrar la técnica que utilicé para agregar efectos visuales a mis últimos trabajos, a mis historias. Efectos como chispas, fuego, etcétera. Básicamente lo hice usando videos grabados en pantalla verde. Estos consisten en grabar videos en un estudio o al aire libre de cualquier elemento como fuego, chispas y sangre falsa, etcétera, pero utilizando fondo verde que posteriormente se elimina con la herramienta clave Ado Fema En este contexto, hay packs que se venden en Internet. Videos ya grabados que incluyen estos elementos. El pack Action Essential es un buen ejemplo. ¿Cuál es la ventaja de estos packs? Que faciliten nuestro trabajo a la hora crear un cortometraje o un video para ti. A la baja es que a la hora producir una película cuyo objetivo es ser la mejor película, estos packs no van a ser lo suficientemente buenos para ganarte un premio a efectos especiales, por ejemplo No porque no se vean lo suficientemente bien, sino porque van a reconocer que estás usando esos efectos. Voy a usar dos videos muy sencillos para explicar cómo funcionan los elementos esenciales de acción. Puedes usarlos en el futuro en los videos que quieras. Un ejemplo de esto fueron las chispas que usamos en la lección sobre cómo agregar letras. El otro ejemplo más profesional sería cómo lo uso en mi último cortometraje, Preste atención. No es muy complejo, pero hay que prestar mucha atención. Por otro lado, les voy a dejar algunos videos de chispas y fuego grabados previamente con pantalla verde. Para que puedas hacer cargarlos y usarlos como desees. Empecemos entonces. 30. Adición de fuego a una toma Automatización: Perfecto. Lo que vamos a hacer ahora en el Adobe Premiere, vamos a aprender a usar el elemento fire mediante el uso de elementos esenciales de acción. Esta es una herramienta muy útil para hacer videos realmente entretenidos. Pero en realidad, es la misma técnica que usé para crear efectos visuales para mis cortometrajes. Con el fin de enseñarte a usar la acción de fuego esencial. Vamos a empezar con este video. En este video, se supone que tengo que prender fuego a mi mano. Entonces lo que vamos a hacer es agregar la acción esencial para que parezca que realmente le prendí fuego a la mano. Entonces lo primero que vamos a hacer es buscar la acción de fuego más adecuada. Video esencial. Quiero decir, para esta mano, obviamente uno de los factores que afectan el resultado es que el tamaño del fuego se asemeja al de la mano. Aquí puedes ver que hay muchos tipos de fuego y podrás usar lo que quieras editándolos bajo el mismo principio que te voy a enseñar en este momento. Así que presta atención a que hay incendios de diferentes tamaños e incluso con vientos diferentes, estos incendios se registraron en un tipo de estudio con una pantalla verde en el fondo. Voy a elegir esta que es como una antorcha, y yo diría que es de un tamaño similar al de la mano, pero no hay muchos tipos de incendios de todos modos. También depende de tu propia creatividad para elegir la más adecuada. O sea, no tiene que ser exactamente el que yo elija, el que se vea mejor. No obstante, voy a elegir este específico y voy a añadir este video encima del videoclip en el que estamos trabajando. Preste atención, ese es un video perforado. Es como si se tratara de un archivo PNG. Sólo se ve el fuego porque el proceso de quitar el fondo ya estaba hecho. Es decir, esto se grabó en una pantalla verde y se quitó el fondo. Entonces lo primero que se supone que debemos hacer es colocar el video del fuego justo cuando la vela hace contacto con la mano. Y ese sería el primer paso aquí. A mí me parece que está bien. Entonces una vez que lo hayamos hecho, debemos proceder a mover el fuego hasta el punto exacto donde está la mano. Para eso, debemos dar click en el clip de fuego e ir al panel de control de hechos y usar el parámetro de posición para moverlo a la mano. Simplemente tratamos de poner el fuego en la mano al principio, pero obviamente, una vez que encontremos el lugar correcto, debemos ajustar el tamaño del fuego para realmente hacer una coincidencia con el tamaño de la mano. Entonces debemos usar la escala para ajustar el tamaño. Y aquí podemos seguir ajustando el momento exacto en el que la vela hace contacto con la mano, para que se vea más convincente. Pero obviamente, esto no es suficiente porque la mano va a tener un movimiento, una especie de movimiento. Entonces lo que debemos hacer es automatizar el movimiento del fuego para hacer coincidir con el movimiento de la mano a lo largo del videoclip. Esto es interesante porque es mucho más fácil poner fuego en una casa o en cualquier lugar. Es más complicado colocarlo en un lugar que se mueva o en un objeto en movimiento. Y por eso te mostré de esta manera. Se supone que debemos volver al panel de control de defectos. Pasamos al parámetro de posición, luego vamos al inicio del clip, y activamos la automatización haciendo clic en el pequeño reloj. Como saben, aparecerá el primer fotograma clave. Ese marco clave pertenece a la primera posición. Pero como podrás notar, hay un momento en el que la mano comienza a moverse. Voy a resumir un poco en el monitor del programa. Perfecto. Ahora vamos a buscar el momento exacto antes de que la mano comience a moverse. Yo diría que eso es justo aquí. Yo creo un nuevo marco clave. A medida que la mano se mueve hacia la derecha, voy a mover el valor horizontal del parámetro de posición para seguir la mano. Obviamente, estoy haciendo esto un poco más tarde para crear un nuevo marco clave. Por supuesto, presta atención a que también moví la posición vertical. Preste atención al hecho de que en la brecha entre los dos fotogramas clave, hay un punto en el que el fuego no coincide. Entonces debemos ajustar ese momento también. En otro marco clave se creará con mucha paciencia. Vamos a seguir creando fotogramas clave a lo largo de todo el clip. Las colchonetas cortafuegos siguen todos los movimientos de la mano, y todos estos deben ser automatizados. Entonces en este punto nos damos cuenta de que el clip es más largo que el fuego. Debemos duplicar el clip de fuego para que el fuego siga la mano hasta el final. Seleccionamos el clip y pulsamos en nuestro teclado, C común o control C. Aquí tenemos de nuevo el clip de fuego, pero debemos eliminar toda la automatización del nuevo, porque debemos crear una nueva automatización. Pero se supone que debemos dejar sólo el último fotograma clave que pertenece a la última posición que tuvo el fuego en el clip anterior Vamos a mover ese fotograma clave al inicio de este nuevo clip. A partir de aquí, vamos a seguir haciendo que el fuego coincida con el movimiento de la mano de fotograma clave a fotograma clave, poco a poco, perfecto. A pesar de que el fuego sigue los movimientos de la mano, aún quedan cosas por arreglar. Debemos fijar la perspectiva del fuego, porque cuando acerco la mano a mi cuerpo, el fuego debe alejarse un poco. Hay varios momentos donde el fuego se acerca al cuerpo. Su tamaño debe cambiar en esos momentos. Porque aunque si el fuego se acerca un poco más a mi cuerpo, esos pequeños detalles de perspectiva que cambian de perspectiva son los que hacen que el efecto visual sea convincente, o al menos se vea bien Por lo tanto, se supone que debemos ir nuevamente al panel de control de efectos, y vamos al parámetro scale. En ese parámetro, se supone que debemos activar la línea de automatización. Pero hay que prestar mucha atención a que en esos momentos en los que cambiemos la escala, la posición también se moverá un poco. Debemos seguir corrigiendo todos esos detalles poco a poco. Por ejemplo, aquí podemos activar la línea de automatización agregando un fotograma clave, y podemos agregar otro fotograma clave justo antes de que la mano empiece a acercarse a mi cuerpo. Podemos crear otro fotograma clave cuando la mano termine de acercarse al cuerpo. Y luego podemos mover la escala en los valores del parámetro scale o directamente en el monitor del programa. Como ya hemos aprendido, voy a ocultar las guías azules simplemente cuando dislectamos el parámetro, las líneas guía desaparecen Mira lo bien que se ve el fuego ahora en términos de perspectiva y movimiento. Pero como he movido los lados del fuego, la posición siempre está un poco fuera de ajuste. Entonces debemos corregir esos momentos. Presta atención que aquí, el fuego se aleja de mi cuerpo otra vez. Por lo tanto, es necesario volver a aumentar un poco su tamaño porque está más cerca de la cámara. Una vez que hayamos ajustado la escala y la posición, entonces podremos ver lo que tenemos hasta ahora. El proceso de hacer que parezca real se trata de ir hacia adelante y hacia adelante. Corregir esos pequeños detalles con mucha paciencia. Esto requiere verlo varias veces, muchas veces, hasta que nos demos cuenta de que el movimiento parece real. O sea, si prestas atención, todavía hay detalles que necesitan ser corregidos para que se vea perfecto. Por ejemplo, cuando la mano sube, hay algunos momentos donde el fuego se sale de la mano. Pero creo que el mayor problema es la transición entre los dos clips de fuego Eso no debería notarse, o al menos deberíamos tratar de escondernos tanto como sea posible. Podemos arreglar esa transición haciendo una transición automatizada entre los dos clips. Al usar el parámetro de opacidad, superponemos los clips de fuego para hacer esa transición como aprendimos en una lección anterior Entonces debemos ajustar el movimiento del fuego en el resto del clip que movimos, para que podamos eliminar toda la automatización que tenemos en el clip que movimos, y volver a hacerlo después de superponer el eclipse. Perfecto. Ahora sí tenemos todo nuestro fuego configurado en términos de posición y escala. Vamos a pasar a la siguiente lección, donde vamos a hacer que el color del fuego parezca un fuego real en la siguiente lección. 31. Añade fuego a una toma, Pasos finales y ejemplos profesionales: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Ahora el chal***ge es hacer que el fuego en mi mano se vea como el fuego de la vela Esto tiene que ver con la corrección de color. O sea, usando el fuego de la vela como referencia, es claramente el mejor. Entonces lo primero que vamos a hacer es anidar los clips de fuego. Para unirlos en un solo tipo de clip, debemos seleccionarlos todos. Hacemos clic en el botón derecho del ratón, y después hacemos clic en Nest. Teníamos que escribir un nombre por aquí. Presionamos bien. Y automáticamente se creará este tipo de clip, que contendrá los dos clips de fuego en su interior. Ahora se podrá hacer clic en este nuevo clip anidado y podremos agregar efectos como cualquier otro videoclip Pero hay que tener cuidado porque si ustedes van a hacer clic en el clip anidado, va a llevar adentro donde estarán los dos clips que previamente anidamos Aquí los podemos comprobar, están aislados, pero vamos a trabajar en el clip anidado Hacemos un solo click sobre este clip y vamos a añadir un color lumetri a ese Esto va a ser muy fácil. Simplemente vamos a la corrección básica. Si puedes notar el fuego de la vela, puedes darte cuenta de que el color está más saturado. Es decir, tiene menos color. Entonces debemos modificar la saturación del fuego que está en la mano para que coincida con el fuego de la vela. También podemos mover los otros parámetros relacionados con luz y la cantidad de blanco para acercarnos mucho más. No hay criterios para mover cada uno de estos parámetros. Es decir, lo que funciona para una imagen puede no funcionar para otra. Si alguien te dice que el parámetro blanco siempre debe ser de una sola manera, están equivocados, eso no es posible. Debemos desarrollar sensibilidad para notar lo que es necesario o no. Ya se puede ver cómo se ve mucho mejor el color fuego. Se asemeja a la de la vela. Voy a añadir un poco más de saturación. Creo que así es mejor. Siempre trata de tomarte el tiempo para obtener el color correcto. Pero por otro lado, hay otro elemento que es crucial para que este fuego parezca real. Y es que debemos hacer este fuego interactúe de alguna manera con el entorno. Por ejemplo, cuando me acerco el fuego a la cara, se supone que el fuego me iluminará la cara. De alguna manera este tipo de detalle entra en vigor al siguiente nivel. Es decir, es la suma de factores visuales que da lugar a un buen efecto visual. La luz del fuego tiene que interactuar con el rostro. Debemos ir al videoclip de abajo y debemos crear una máscara que ilumine el rostro En el momento específico el fuego se acerca a mi cuerpo, debemos agregar un color lumetri y crear una máscara personalizable Se supone que la máscara iluminará una parte del ritmo y el torso En este caso, no sería muy difícil automatizarlo porque la cara prácticamente no se mueve o apenas se mueve. Simplemente tenemos que verificar si la cara se mueve mientras el fuego está cerca y ajustar la posición de la máscara. Aquí se puede ver la máscara y se puede notar que en este momento, en este punto, la cara se aleja de la máscara. En los fotogramas anteriores, también tenemos que comprobar que la máscara esté en la posición correcta. Adicionalmente, debemos crear el hecho de que la máscara sólo se nota cuando el fuego se acerca a la cara. Lo que debemos hacer es usar el parámetro de capacidad. Para lograrlo, debemos automatizar la capacidad para que cuando el fuego acerque a las caras al 100% justo cuando el fuego se aleja, esté en 0% En este punto tenemos la capacidad al 100% Pero justo en este momento anterior, vamos a establecer la capacidad en 0% Pero es necesario hacerlo, no sólo en el momento anterior, sino también después. Voy a volver a establecer el parámetro de opacidad al nivel mínimo Pero obviamente, como lo que estamos haciendo es una luz, debemos modificar un poco el parámetro padre para suavizar los bordes de la máscara A partir de aquí, podemos modificar la temperatura de color. Podríamos comenzar con otro parámetro, pero vamos a empezar con éste, para que notes la diferencia. Ahora el color de la cara se ve más cálido. Podemos revisar el video completo, y se puede ver cuando el fuego se acerca a la cara, el color de la cara cambia. También he aumentado un poco la exposición. Aquí la luz es mucho más notoria, ¿ verdad? Se ve bien. Voy a exagerar un poco más todos los parámetros, si no te das cuenta. Bueno, voy a subir la temperatura y también la exposición. Y vamos a comprobarlo otra vez, creo que es un poco exagerado. Pero lo hago así, se nota la diferencia. Este es un principio que debes usar al crear efectos visuales con elementos esenciales de acción. El primer factor es que la acción esencial sigue el movimiento que queremos. En segundo lugar, que tenga el color correcto. Y en tercer lugar, el defecto de que en este caso es el fuego, interactúa de alguna manera con el medio ambiente Justo como lo hicimos aquí. Que el fuego encienda mi cara cuando se acerca. Pero como siempre te digo, trata de experimentar porque en esta experimentación, podemos mejorar todos estos efectos visuales. De hecho, puedes combinar diferentes tipos de fuego para tener más reacciones aleatorias del mismo efecto. Pues ya que sabes sumar el fuego usando la acción esencial, podemos pasar a este otro ejemplo, ejemplo más profesional. Y vamos a hacer una disección de lo que hicimos aquí. En primer lugar, puede notar que la toma en sí misma tiene un fondo borroso debido a la naturaleza de los ***s. así que se suponía que íbamos a igualar ese aspecto que se experimentó al agregar un desenfoque a los fuegos El Sobre está en español porque ese es el proyecto original. Pero de todos modos, ese es el desenfoque. Y se puede notar que estoy desactivando el desenfoque. Y puedes notar lo diferente que se ve. Pero ese desenfoque es interesante porque como el desenfoque está difundiendo la imagen, ese desenfoque nos hace tomar el fuego de verdad, porque no somos capaces de mirar el fuego a detalle Entonces esa estrategia realmente vale la pena en términos de realización cinematográfica. Si se supone que debes agregar algunos efectos visuales a tus tomas, cualquier cosa que impida a la audiencia detectar que esos efectos son artificiales, no son reales será tu mejor aliado. También modificamos el parámetro de saturación y el color lumetri para que el fuego coincida con la iluminación de la escena Porque puedes notar que la escena es casi de noche y se supone que los colores están saturados. También es la naturaleza del look del cortometraje, pero también puedes tener en cuenta que para que un efecto pase de verdad, se supone que debes agregar máscaras a las zonas cercanas. Quiero decir ese suelo, esa hierba se supone que está iluminada por el fuego. Esta máscara funciona para eso. Puedes notar que estoy apagando el efecto y puedes notar la diferencia. Es una característica esencial en términos de iluminación. Recuerda que lo hicimos en el ejemplo de la mano con el fuego. Iluminamos el rostro cuando el fuego se acercaba a él. Obviamente, este efecto, esta máscara, está en el clip del disparo. Estas son las profundidades de la gradación de color y no están relacionadas con lo poderosa que es su computadora, sino más bien con que ser sensibles a estos cambios a la naturaleza de la iluminación, a la naturaleza de la imagen, etcétera, etcétera Por otro lado, también hay que tener en cuenta que a la hora de crear efectos visuales, es crucial esa etapa de gradación de color, voy a desactivar el fuego para comprobar la gradación de color Voy a desactivar el color lumetri. Hay varias capas. Están en color español. El lumetri, ese es el color lumetri. En esta toma, hicimos aplicado todo lo que te he enseñado hasta el momento en cada capa es un detalle muy sutil. Busco La capa más importante que creo es que es la siguiente. Presta atención a lo diferente que se ve. Este es el aspecto crudo de la imagen, la iluminación original de la toma. Pero debido al alto rango dinámico de la cámara, pudimos modificar los colores de esta manera. Entonces hicimos exposición modificada, leímos exposición, es exposición en español Y con sólo mover ese parámetro, la imagen se ve muy interesante. Pero obviamente la iluminación, la iluminación sobre el personaje está disminuyendo a. En esta otra capa, agregamos otra máscara que estaba compensando esa ausencia de luz O sea, hicimos exactamente el mismo proceso que hicimos en esa lección anterior en la cabina del barco. Y hay que prestar mucha atención a que no sólo modificamos la iluminación del personaje, sino también la temperatura. Porque como la luz era diferente y representaba una, una noche fría, se suponía que la temperatura coincidía con esa. Hicimos mover un poco la temperatura a los tonos fríos. Puedes notar aquí que estoy exagerando la temperatura, pero es para ti notar la diferencia Eso fue todo por el personaje. Adicionalmente, también modificamos el color del pasto. Es decir, con el fin de sacar más colores de la toma, aumentando así su rango dinámico. Se nota la diferencia cuando desactivo el color lumetri Creo que no es tan sutil, sino que aumenta el color de toda la imagen. Creo que ese detalle hace que la imagen se vea hermosa. Eso fue creado mediante el uso del efecto secundario HSL. Puedes notar la selección cuando marque la casilla, solo se selecciona el pasto. Y como sólo se selecciona el pasto, pudimos modificar el color del pasto en detalle. Nosotros sí elevamos la temperatura. En realidad aquí estoy moviendo la temperatura a los tonos fríos. Se puede notar ese conjunto de detalles que hace que la toma esté preparada para los efectos visuales. La última capa de color lumetri fue para disminuir drásticamente la luz Puedes notar que se ve increíble. Con ello modificaron todos estos parámetros que ya conoces para llegar a ese tipo de iluminación. Voy a activar de nuevo, la luz producida por el fuego. Se pueden notar por allá en el fondo. Voy a activar de nuevo los incendios. Yo diría que lo más importante a la hora de crear efectos visuales es la iluminación. Porque la iluminación te ayudará a engañar a la audiencia todo el tiempo, aunque no tengas los vastos efectos visuales, Incluso en los casos en que estés usando animaciones y objetos de tratado, por ejemplo, la iluminación es fundamental porque se supone que debes hacer esos elementos b***d con el fondo o b***d con el plano Se supone que el público debe tomar esos elementos como una parte más del entorno y de la escena. Esta lección está a la altura de aquí. Espero que lo disfruten y hasta la siguiente lección. 32. Añade destellos a una toma: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Esta vez vamos a utilizar una chispa de acción esencial en este objeto, que en realidad es una espada. Lo que quiero hacer es crear ese efecto de una chispa a lo largo del ***gth de la espada mientras afilar la espada con el objeto Vamos a usar de nuevo las chispas. La última vez lo usamos con las letras, pero esta vez lo haremos con la espada. Voy a buscar el video de Spark. No me voy a centrar demasiado en eso. Simplemente voy a elegir uno que ya tenía en mente, y voy a agregarlo a la línea de tiempo. Básicamente es la misma chispa que usamos la última vez. Pero esta vez debemos echar un buen vistazo a la naturaleza de la chispa. Pero sobre todo, debemos ver en el video el lugar de donde provienen las chispas, en la dirección en la que salen. Porque tuvimos que hacer que la chispa viniera del contacto, y también las chispas van hacia abajo o hacia adelante. Pero insisto en que puedes experimentar. No tiene que ser exactamente como te dije. A lo mejor no tiene sentido que las chispas salgan así, pero creo que de esa manera, podrían quedar bien para el ejercicio que estamos haciendo. Lo primero que hay que hacer es colocar la chispa en el lugar correcto en la línea del tiempo. En este caso, la chispa debería comenzar justo cuando empiezo a frotar el objeto contra la espada. Entonces en el panel de control de efectos, debemos cambiar la escala de la chispa y también la posición para que quede justo en la de contacto. Pero adicionalmente, debemos cambiar la rotación porque como sabemos, la chispa originalmente va a la derecha. Debemos cambiar eso. Pero tenemos dos formas de hacerlo. Tenemos la opción de cambiar la rotación en el panel de control de efectos o también agregar un efecto de volteo horizontal. Esta vez voy a usar el efecto. Vamos a la carpeta Videox y luego a la carpeta transform, y luego elegimos voltear Horizontal Añadimos ese efecto al clip de chispa. Ahora la chispa saldrá al lado izquierdo, pero como la dirección no es del todo perfecta, vamos a modificar un poco la rotación que la chispa va exactamente a donde la queremos. La idea es que puedas usar las dos herramientas, el flip horizontal y la rotación, Para lograrlo, solo vamos al panel de control de defectos y cambiamos un poco la rotación. Que la chispa no esté completamente horizontal a la izquierda sino ligeramente inclinada hacia abajo Podemos corregir nuevamente la posición del punto de partida. Lo siguiente es determinar hasta qué punto se verá la chispa en el clip. Me refiero a cortar el clip de chispa cuando el objeto termine de tocar la espada. Creo que es justo en este momento. Entonces justo después de aquí, desaparece. Pero ya sabes que la chispa debe moverse hacia la punta de la espada. Poco a poco. Vamos a buscar un punto en el camino donde podamos hacer otro marco clave de esta automatización. Seguimos y seguimos y seguimos. Y creo que por aquí, está bien. Nos movemos la máscara hacia la punta, colocándola justo aquí al principio. No va a ser perfecto. Debemos seguir corrigiéndola. Aquí ya se puede ver la chispa moviéndose, pero se mueve más rápido que la mano. Debemos ajustar eso creando otros fotogramas clave en el medio. Recuerda que puedes crear tantos fotogramas clave como sea necesario. Entonces creo que está listo. Quitemos las guías azules. Ocurre que también por la posición de la espada, la chispa también debe verse afectada por la perspectiva. Debemos corregir eso también. Cuando la chispa arranca cerca de la empuñadura, debería verse un poco más pequeña en este caso, para no exagerar con el tamaño de la chispa, la mejor opción es mantener el tamaño de la Al final del clip, simplemente reducimos el tamaño de la chispa al principio del clip. Cerca del agarre, voy a reducir el tamaño de la chispa inicio en al menos tres puntos o lo que sea necesario medida que modifiquemos la escala. Creo que la posición de la chispa estuvo un poco desalineada durante el viaje, así que debemos corregirla Así que había que ser muy paciente y corregir todo hasta que se vea perfecto, pero aún falta algo más. Y esa sería la corrección de color. Por lo que debemos agregar el color lumetri al clip. Y aquí cambiamos la saturación de color para que se vea más real una chispa. Así que podrías combinar perfectamente este efecto con un efecto de sonido fuente que forma parte de este proceso. El sonido también hace que la imagen se vea más real. Ahora ya sabes cómo agregar el efecto chispa a una espada, y ahora puedes probarla en otros contextos. Armas o las letras que hicimos en las lecciones anteriores. Muchas gracias, y hasta la siguiente lección. 33. Lección extra: letras cursivas en movimiento: Para esta lección, utilicé una tableta de dibujo digital. Podrías conseguir uno si quieres lograr lo que hice en esta lección. Las tabletas de dibujo digital no son tan caras. Pero el resultado de lo que te voy a enseñar en esta lección realmente merece la pena. Una vez que ya tengas tu tableta de dibujo conectada a la computadora, simplemente tienes que grabar la pantalla de la computadora mientras escribes lo que quieras. Quiero decir, específicamente esa frase, firma o título que te gustaría que apareciera en tu video. Aquí en el estreno, yo el video donde grabé la pantalla mientras escribía en la tableta, lo único que puede ser un poco difícil es la caligrafía, la escritura a mano Pero de hecho, no tienes que ser tú quien escriba. Podrías pedirle a alguien que tenga una buena letra que te ayude a escribir para ti lo que quieres, lo que necesitas, o simplemente haces tu firma Por ejemplo, todas estas tabletas de dibujo vienen con un software predeterminado que puedes usar. Pero hay diseñadores gráficos que utilizan tabletas de dibujo directamente en la tienda de fotografía. O sea, eso no es un problema porque estas tabletas son todas azules y juegan. Entonces grabé la pantalla y pasé un tiempo escribiendo. Confieso que me costó un poco porque cada vez que me corría Pero como se estaba grabando la pantalla, grabé todos los intentos. Pero entre todos estos intentos, evidentemente algunos de ellos destacan y funcionan Estaba escribiendo atelier. Algo muy importante para recordar es que en el software de escritura, debes elegir colores oscuros para el fondo y blanco para las letras o lo que sea que estés escribiendo o dibujando. Intenta que el fondo sea siempre negro, azul o verde. Pero el solo hecho de ser negro u oscuro es suficiente. Ya tenemos nuestra porción de video en la línea de tiempo. La parte donde escribimos lo mejor de nosotros en la línea de tiempo. Lo que tenemos que empezar a hacer es que el videoclip solo muestre lo que escribimos. Debemos comenzar recortando los '80 de todo eso, parte de la sección superior de los tipos de software y también debajo donde está la barra de herramientas, hay dos formas de hacerlo El primero es el parámetro de incapacidad, simplemente hacemos una máscara y eso, hemos recortado toda la sección arriba y abajo Creo que esta es la forma más adecuada porque puedes recortar de la manera que quieras. Es más simple y más fácil. Todo depende también de lo que hayas escrito o si se trata de un dibujo o una forma relativamente irregular en la que necesites aislar esa forma irregular. Pero también hay otra manera de hacerlo. Tenías que ir a la carpeta de defectos y luego al efecto video, y luego a transformar. Y ahí seleccionarás cultivo. Debe agregar defecto al clip. Voy a desactivar lo que hicimos en la opacidad en el efecto crop Vamos a modificar, en este caso, los parámetros superior e inferior. Me refiero a poder cortar todas esas secciones que no necesito en la imagen. Como te dije, puedes cortar la imagen como quieras. Todo depende de lo que necesites. Pero bueno, la herramienta de opacidad es más gratuita, más útil. Creo que una vez que se han recortado los bordes del video, el siguiente paso es eliminar el color de fondo, en este caso, ese color gris Para poder hacerlo, debemos ir al efecto de clave croma. Vamos a la carpeta de video, luego damos clic en Carpeta Clave, y luego elegimos el efecto de tecla de color. Agregamos defecto al videoclip y el primer parámetro que vas a encontrar es el color clave. Aquí encontrarás este pequeño gotero donde vas a seleccionar el color que queremos eliminar En este caso, vamos a seleccionar el fondo gris. Básicamente, esta es la misma manera que hacemos una clave de croma en la que quitamos los fondos verdes o alguien vestido de verde para perforar el video y mostrar lo que hay debajo de ese video Aquí ya tenemos el video perforado. Quiero decir que la firma por Atia es lo único visible en el video. Ahora puedo agregar esa firma por encima cualquier otro video o imagen y ponerla donde quiera. Esto es muy útil si quieres hacer un canal de Youtube, o eres editores para un tubérculo o cualquier marca Puedes embellecer mucho los videos usando esta técnica. Ahora voy a agregar una imagen de fondo para que veas cómo se ve la firma sobre ese fondo. Obviamente, al principio no siempre se verá perfecto, por lo que debemos modificar estos parámetros por aquí y jugar con ellos y sobre todo cosa edge feather. Ambos parámetros me permiten suavizar la G en el caso de la pluma es directamente suavizar el tema es aumentar o reducir el tamaño del Presta atención a lo bien que lo muevo. Los bordes se ven más, quiero decir que son más notorios obviamente. El objetivo es que estos bordes desaparezcan. Voy a hacer que el ahora preste atención a cómo aparecen las letras como si fueran una animación. Animación. En realidad hacer una animación de letras como esta es complicado. Sin mencionar que si obtienes un software que hace letras animadas de este tipo, no van a ser únicas. Y si hay algo único en redes sociales o para identificar una marca personal o lo que quieras es que este elemento sea único. La única forma en que puedes hacer algo único es hacerlo tú mismo. O sea, dibujarlo o escribirlo tú mismo es la mejor manera. Adicionalmente, como estas letras también son un clip más, podemos moverlo como queramos y aumenta el movimiento y mejora su animación. Además, voy a hacer un ejemplo de cómo sería si agregáramos movimiento a esas letras. Por ejemplo, podemos hacer que las letras salgan la pantalla una vez que terminen de aparecer. En el parámetro position, ponemos un fotograma clave cuando terminan de aparecer las letras. Y tal vez medio segundo después, ponemos otro fotograma clave en el que cambiamos la posición. Ahora mira lo interesante que parece. O sea, como si todo fuera una animación hecha en un software especial. Para esto, realmente es bastante útil porque es barato Al final, hay tabletas de dibujo muy baratas por ahí. Adicionalmente, no necesitas un software avanzado o una computadora muy potente para hacer animaciones. Creo que lo único difícil es tener la capacidad de dibujar o. Bien, bueno, pero de hecho, creo que las letras no necesitan ser hermosas, para ser únicas. Todo dependerá del estilo que tengas. Toma en cuenta todo esto, y hasta la siguiente lección. 34. Edición de audio: Hola gente. En este modelo, vamos a trabajar en el diseño de sonido. diseño sonoro es una de las etapas más importantes del proceso de edición, pero a la vez, también es una de las etapas más subestimadas para gran parte de los cineastas que he conocido durante mi carrera Parece que no es importante crear con detalle y creatividad la dimensión sonora de una historia de cualquier obra audiovisual. Pero lo cierto es que la mitad de lo que estamos sintiendo y la información que estamos recibiendo de cualquier película o cualquier cortometraje entra por nuestros oídos. Adicionalmente, en muchas películas actuales, la capacidad sumergida está relacionada con el diseño sonoro. Por otro lado, de la misma manera que hay editores de video que solo se enfocan en aspectos técnicos, también hay ingenieros de sonido y diseñadores de sonido que solo se enfocan en aspectos técnicos relacionados con la mezcla, por ejemplo, que vamos a ver también en este modelo. Pero lo cierto es que hoy en día las herramientas nos dan muchas posibilidades a la hora de resolver problemas técnicos. Pero es precisamente la parte creativa que tuvimos que abordar, sobre todo en general en los proyectos en los que estás trabajando. Al principio, no habrá buenos diseñadores de sonido. Tenías que poder hacer ese trabajo tú mismo. Pero sobre todo, demuéstrale al productor o al director del proyecto que realmente eres capaz de hacer ese trabajo ahorrando costos de producción. Por supuesto, todo esto significaría que la pena profesional para el equipo de producción. Te voy a mostrar un ejemplo de lo importante que es usar el diseño de sonido de manera creativa en ASN Te voy a mostrar ASM de la película Aquí en esta escena, el personaje principal está terminando de divorciarse de su esposa Pero la verdad es que en el fondo, no quería divorciarse. Entonces están compartiendo un último café donde está terminando de firmar sus papeles de divorcio. Pero presta atención al diseño sonoro de la historia, al diseño sonoro de la escena. Hola, ¿cómo estás? No puedo tener. Vaya, aquí estamos. Me alegro de que pudiéramos hacer esto en persona. Sé que has estado viajando mucho. No, estoy muy contento de que lo hayas sugerido. Yo firmé todos los papeles para que los firmaras. ¿Cuál es la prisa? Sí, lo sé. Soy un firmante muy lento. Me doy cuenta de que de todos modos me tomó tres meses solo escribir la carta Es um, marcado aquí en rojo donde hay que firmar. Sabes, no lo haces, no tienes que hacerlo ahora mismo. Yo solo puedo, solo puedo sacarlo del camino. Será más fácil. ¿Te diste cuenta de lo importante era el diseño sonoro en la estructura emocional de la escena? Básicamente en la escena, nos muestran los recuerdos del protagonista. Esos recuerdos de cuando estaba contento con su ex esposa. Pero en realidad la escena nos muestra esos recuerdos sin sonido en si***ce, solo dejando el sonido del restaurante, de la Al igual que los recuerdos están en la vida real, solemos ver las imágenes en nuestra mente. Pero seguimos escuchando lo que estamos escuchando dondequiera que estemos. Incluso si recordamos el sonido, el sonido que recordamos en nuestra mente no es más fuerte que el sonido que estamos escuchando en este momento Esta decisión no es algo que tenga que ver con aspectos técnicos. Es algo completamente creativo que va por saber igualar la mezcla de anuncios o agregar efectos de sonido a la mezcla Es algo que sirve como narración, es un elemento narrativo sonoro Otro elemento importante es la selección musical. En el cine, esta etapa la realiza el editor musical, pero el editor musical es esa persona que trabaja con el compositor y el director de la película para seleccionar aquellas piezas musicales que mejor representen la idea que el director de cine tiene en mente Para poder conocer cuál es la música más adecuada para nuestro trabajo, debemos hacernos las preguntas acertadas. En primer lugar, cuál es el público objetivo de nuestro proyecto si se trata de una película comercial o es una película independiente, por ejemplo, si es el caso de un cortometraje independiente o de una película independiente, hay que tener en cuenta que se debe utilizar la menor cantidad de música posible. Porque el público objetivo no es gente común. Se trata de un grupo de críticos que necesitan ver el lenguaje cinematográfico en su nivel más puro sin nada que pueda engañar a nuestras emociones Quiero decir que según ellos, Música suele hacer ese trabajo que la historia no puede hacer, lo que no siempre estoy de acuerdo con eso. Pero bueno, esa es la visión de los críticos especializados en cine independiente. Por otro lado, si se trata de una publicidad o comercial, o el público objetivo también es importante. Es decir, ¿cuántos años tiene el público objetivo? Eso es importante saberlo. Si se trata de un video para Instagram, podrías plantearnos la pregunta de si la música que estás escuchando es tendencia o no . Intenta tener todo esto en cuenta, y pasemos a trabajar en el diseño de sonido en el estreno. 35. Diseño de sonido de una escena Adición de los sonidos de una escena: Perfecto. Estamos de nuevo aquí en el Adobe Premiere. El propósito de esta lección es poder hacer edición de audio profesional, independientemente de si estamos en un do o no. Me refiero a una estación de trabajo de audio digital profesional en el estreno de Adobe, podemos hacerlo porque en cuanto a edición de audio, tenemos todas las herramientas para hacerlo. Esta vez voy a utilizar desde uno de mis mejores cortometrajes, así que la idea es a todo el sonido del Zen. O sea, para crear el diseño de sonido, voy a empezar a elegir solo el video de Zine para agregarlo a la línea de tiempo Comprobemos la escena en el monitor del programa. La escena comienza justo aquí. El personaje corre por un camino muy largo. Y de hecho, en esa parte no hay sonido sino una banda sonora. Pero donde vamos a crear el diseño sonoro es justo desde el momento en que el personaje cruza el río. Y luego se arrastra y se arrastra hasta encontrarse con el cadáver de otro personaje de la Entonces se supone que debemos sumar cada efecto de sonido único de ese entorno. Obviamente, la mayoría de la gente tiene mucho miedo de esto porque generalmente somos cineastas que sabemos usar la cámara y nos interesa la edición de video Pero a la hora de sonar, parece que es un mundo completamente diferente. Pero lo cierto es que este conocimiento es muy importante. Y como las herramientas para sonar están disponibles en el estreno, debemos saber cómo hacerlo. Lo siguiente que debemos saber es que necesitamos algunas fuentes de sonido. O sea, debemos encontrar cada uno de los sonidos que deberían estar sonando en la escena y debemos encontrarlos por separado. Hay dos formas de conseguirlos. La primera y la forma más difícil es grabarlas directamente, ya sea en el set usando un dispositivo de grabación portátil como el que ves en pantalla, y la otra forma es buscar los sonidos en Internet. Por lo que este proceso posterior sería el más barato. Pero eso no quiere decir que sea lo peor, es simplemente el más barato. decir, resulta que hay muchos efectos de sonido de cualquier cosa en Internet. Los podemos encontrar en páginas de sonido o en el propio Youtube. Entonces simplemente ponemos el nombre del sonido que estamos buscando en el buscador de Youtube y aparecerán muchos de ellos. Entonces simplemente tenemos que bajarlos y usarlos en la edición. Otra cosa importante a saber es que vamos a tener que cambiar el diseño premier varias veces. Quiero decir ese layout preestablecido para audio porque vamos a tener que añadir efectos a las pistas y mezclarlas. Recuerda que el mezclador aparecerá en el preset de audio, la consola del mezclador, que corresponde a cada una de las pistas de audio que tenemos en la línea de tiempo. Recuerda que la línea de tiempo se divide en secciones, una sección para pistas de video arriba y la sección para pistas de audio a continuación. Por lo que presta atención a que se identifican cada una de las fallas de la consola mezcladora, las 123 y siguientes. En las pistas de Audi vemos 1283. Por supuesto, también hay una pista maestra donde sale la mezcla general. Lo más interesante es que vamos a necesitar cambiar de una perceta a otra porque en realidad la perceta de edición es mucho más adecuada para crear la composición sonora Y vamos a usar el Pset de audio sólo cuando pasemos por la etapa de mezcla Todo dependerá también lo cómodo que te sientas con cada perceta Pero personalmente, desde mi experiencia, la perceta de audio consume más recursos informáticos que la perceta de edición Creo que esta es una variable importante a la hora de elegir una u otra. Por otro lado, volviendo al tema de los sonidos, las fuentes sonoras, es importante crear un banco de sonidos, un back cap de sonido al que podamos recurrir a la hora de hacer diseño sonoro. Por ejemplo, aquí tengo todas estas carpetas organizadas para diferentes tipos de sonidos. Hay ambientes, pasos, sonidos de agua, fuego, sonidos, disparos, etcétera, etcétera, etcétera Y lo más importante es que algunos de los sonidos fueron grabados por mí o por mi equipo de producción con un dispositivo de grabación portátil. Y otros fueron descargados de Internet. Como te dije desde Youtube u otras páginas. Sabiendo todo esto, ¿qué necesitamos para esta escena? Obviamente, la escena tiene lugar cerca de un arroyo de un pequeño río. Necesitamos agregar ese sonido de fondo a toda la secuencia. En fin, es importante saber a la hora de grabar un río. El sonido de ese río, por ejemplo, lo que grabamos no tiene que ser exactamente ese río. Podría ser un poco más fuerte, por ejemplo. Eso no importa porque podemos corregir esa imperfección en el diseño sonoro Pero en cualquier caso, esta vez voy a usar un sonido de río que descargué de Internet. Puedes convencerte de que se puede hacer con sonidos de Internet. En esta carpeta voy a escoger. Sonido que tengo aquí llamado Distant River Ambience. Voy a arrastrar el archivo al estreno. Adicionalmente, al tratarse un cortometraje producido por mi equipo, tengo el sonido del actor que en realidad fui yo mismo, pero ese sonido se grabó más tarde. Se hizo un doblaje para tener la actuación de la escena, pues durante el rodaje de la escena, era imposible grabar el sonido porque la cámara constante estaba generando ruido y llegaba por el micrófono Entonces tuvimos que duplicar la actuación después. Pero, ¿qué más necesitamos en términos de sonido? Necesitamos el sonido del contacto de las manos con la hierba, por ejemplo. El sonido de gatear por el suelo también es importante, pero también necesitamos el sonido de contacto con los sonidos de salpicaduras de agua Ese sonido es importante para la escena, justo cuando el personaje cruza el río. Ya tengo ese sonido en mi respaldo de sonido, así que lo voy a usar. Voy a arrastrar ese sonido de una vez al proyecto Cuando se trata de seleccionar los sonidos para que sea el diseño sonoro del personaje arrastrándose por la hierba No necesariamente necesitamos el sonido de algunas manos en la hierba. Podríamos usar otros sonidos que pudieran representar eso. Por ejemplo, voy a usar algunos sonidos de pasos sobre tierra húmeda y también pasos sobre arena Crea el sonido de las manos sobre la hierba. Y te digo esto para motivarte a dar rienda suelta a tu creatividad a la hora de crear ambientes sonoros En otras palabras, no dejes que las limitaciones te impidan desarrollar un proyecto de esta naturaleza. Siempre me he topado con esto. Me he encontrado con buenos cineastas que tienen miedo de involucrarse con el diseño de sonido solo porque no saben de qué se trata realmente Voy a agregar los sonidos que te dije que he hecho en sus respectivas carpetas. Lo primero que voy a hacer es agregar el sonido del río distante a la línea de tiempo, que sería como el fondo sonoro. Voy a seleccionar una pieza de audio del río y arrastrarla a la línea de tiempo. Puedes modificar el volumen del clip en esta línea aquí. También puede automatizar ese volumen en esa línea usando la herramienta Pluma en la barra de herramientas. O sea, se puede automatizar el volumen de la misma manera que hicimos la opacidad en esas lecciones anteriores Ya tenemos ese río distante Sonido junto a la imagen. Podemos empezar a contemplar la imagen junto al sonido para ver si empieza demasiado. Preste atención a que con ese sonido ambiental, la escena empieza a cobrar vida. Obviamente, faltan el resto de los sonidos. Pero ese sonido ambiental me ayuda a tener un punto de referencia respecto a los volúmenes que debería tener cada uno de los sonidos de la escena. Porque no se trata solo de elegir bien los sonidos, sino de conocer el volumen exacto deben tener la reverberación exacta y el paneo exacto Entonces voy a comenzar agregando el sonido splash para crear el momento que el personaje salga del agua. Entonces voy a buscar el sonido y voy a seleccionar un chorrito de agua, lo suficientemente bueno para ese momento. Tenemos que tomar en cuenta que el personaje viene corriendo. Creo que esta parte suena interesante. Recuerda que no solo es necesario el sonido splash sino también lo que viene después. Me refiero a un poco del movimiento del agua para que el sonido que elijamos tenga todo eso. Voy a arrastrarlo a la pista bajo el río. Ahora tenemos que posicionarlo justo en el momento en que el personaje sale del agua. Tenga en cuenta que aquí he automatizado el inicio del sonido con la pluma. He creado un desvanecimiento porque el personaje cruza el río y luego se adentra en las aguas más profundas. Otro elemento importante de esta escena es que si miras la escena, la escena comienza con una toma aérea desde arriba, donde el personaje se ve muy pequeño. Y luego vemos una toma más cercana del personaje cruzando el río. Esa diferencia visual también debería ser notoria en términos de sonido. De hecho, esto no solo debe señalarse en términos del sonido de chapoteo, sino que también debemos subir el volumen del río distante. Esa diferencia se siente. Además, puedes subir la cantidad de volumen que quieras. Intenta llenar la escena hasta que sientas que coincide. Estos elementos son demasiado importantes. A primera vista, parece que es algo que el público no va a notar. Pero créeme, que lo notarán. Tendrán la sensación de que la escena es más real entonces la escena es mejor. Pero presta mucha atención a esto. Si miras aquí en el sonido splash aquí en la esquina, hay un efecto, un símbolo. Si da clic aquí, podrá cambiar la línea de automatización a otro parámetro. Como por ejemplo, jadear. En este dicho el personaje se mueve de izquierda a derecha. Él viene de la izquierda y esa sensación debe crearse en la dimensión sonora. A pesar de que estamos viendo al personaje desde el frente en la pantalla, en nuestra mente, su movimiento, su viaje se está entendiendo en 360 grados. Tenemos que representar que el sonido splash también debe reproducirse desde la izquierda. Preste atención a que después la cámara sigue el movimiento del personaje y gira hacia la derecha precisamente para crear esa sensación. Recomiendo nunca jadear completamente a un lado. Esta es una recomendación de mi experiencia grabando con mi banda en estudio. O sea, si jadeamos completamente a un lado, se pierde la sensación de revuelo del sonido. Porque cada Audioclip debe sonar siempre por ambos lados Simplemente que cuando lo hacemos pan al lugar que queramos, el Audioclip sonará en ese lado en mayor medida Perfecto. Esta lección está a la altura de aquí. Vamos a pasar a la siguiente, donde vamos a ella. El sonido producido por el contacto de las manos y el cuerpo con la hierba. 36. Diseño de sonido de una escena Otro sonido de una escena y actuación de un actor: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Vamos a hacer dieta. El sonido del contacto del personaje con el suelo, con la hierba. Vamos a usar el sonido corriendo sobre la arena. Vamos a echarle un vistazo. Pero también vamos a usar este otro, caminando sobre la arena. El sonido es muy interesante porque se puede sentir un poco el agua, cada paso. Perfecto. Vamos a comenzar con el sonido de caminar sobre la arena. Vamos a cortar una porción del sonido y vamos a arrastrarlo a la línea de tiempo aquí abajo. En primer lugar, debemos nivelar el volumen. Vamos a aumentar el volumen. Entonces vamos a acercar la línea de tiempo hasta que veamos en detalle ese sonido. Lo vas a hacer. Presta atención a lo que voy a hacer, voy a separar cada uno de los pasos con la herramienta Sor 1234 para tener cada paso por separado. De esta manera, podremos colocar cada uno de estos cortes donde queramos crear ese efecto de contacto sobre el pasto. Esto es muy importante, créeme. Conozco a muchos buenos directores de cine que no lo saben. Y es realmente útil y no es tan complicado como parece. Tenemos que hacer que cada corte coincida con el movimiento del personaje en la pantalla. Si mientras estamos editando sentimos que esos sonidos necesitan más volumen, por ejemplo, simplemente tenemos que seleccionarlos todos y luego hacer clic con el botón derecho. Y luego haga clic en todo de nuevo y aumente la ganancia de los clips. Aquí podemos subir la cantidad de decibelios que queremos con muchos pacientes Poco a poco, vamos a colocar cada uno de los cortes. Toma en cuenta que si en algunos momentos vemos que algunos de los movimientos de los personajes son más fuertes que otros, podemos aumentar el volumen de los clips en ese momento específico. Presta atención aquí a cómo voy aumentando el volumen poco a poco hasta que coincida con la imagen. Personalmente me encanta cuando la escena empieza a cobrar vida, esto realmente lleva la escena al siguiente nivel. Adicionalmente, recuerda que también podemos sartén cada uno de los cortes que estamos agregando aquí. Quiero decir de la misma manera que el río, también los sonidos del personaje vienen de la izquierda. Lo más interesante de esto es que en jarrón o herramientas Pro por ejemplo, que son software profesional de edición de sonido, esto se hace exactamente de la misma manera, pero presta atención a esto. Cuando la cámara gira hacia la derecha, los personajes saltan el fotograma, pero sus pasos de pie tienen que seguir siendo escuchados de alguna manera porque todavía estamos cerca del personaje Voy a adelantar un poco este trabajo. Voy a agregar el resto de los gatos sonoros, así que la lección es saber tanto tiempo. Y continuamos en el proceso de creación del diseño sonoro en esta misma lección. Perfecto. Ya he hecho que cada uno de los gatos de sonido coincida con cada uno de los movimientos de los personajes. Y este es el resultado. Podemos agregar más volumen a estos últimos pasos del personaje aún más porque estamos viendo al personaje desde mucho más cerca. Lo que vamos a hacer es mezclar los sonidos de los pasos que ya hemos agregado con el otro efecto sonoro que tuvimos, el de correr sobre la arena, porque ese sonido es más lento, el subproducto de la unión de los dos efectos sonoros será de mejor calidad Seleccionamos una porción de este audio y luego lo arrastramos a la línea de tiempo. Pero presta atención a que me he quedado sin pistas de audio en la línea de tiempo. Puedo agregar otra pista de dos maneras. La primera es que podemos agregar una pista simplemente yendo a la pestaña de secuencia y luego agregar pista. Pero hay otra manera más fácil. Simplemente podemos arrastrar la porción de audio al espacio debajo de la última secuencia. Automáticamente, el software creará una nueva secuencia. Voy a poner el clip de audio aquí en esta pista que ya tenemos. Presta atención que si lo arrastro al espacio de abajo, mira cómo se crea la nueva secuencia. Lo que vamos a hacer es separar cada uno de los calores de sonido para tener el corte separado como con el otro sonido Y luego los ponemos justo donde están los que agregamos anteriormente, se mezclan. Es importante que mientras estés haciendo todo este proceso, puedas experimentar con los sonidos. Quiero decir, pruébalos. Me refiero a cambiar su lugar para ver cómo suenan porque a veces descubrimos cosas aleatorias que nunca imaginamos que sonarían bien. Ahora se puede escuchar cómo cada contacto con la hierba tiene cuerpo en términos de sonido. Ahora por fin vamos a sumar el sonido de las supresiones de los actores, que se grabaron por separado Entonces lo buscamos en la carpeta y lo arrastramos a la línea de tiempo. De la misma manera que con los otros sonidos. Obviamente, los sonidos de las expresiones del actor pertenecen a la parte donde ya lo vemos de cerca. Debemos hacer que coincida con la imagen del personaje. Si es necesario aumentar la vieja ganancia, simplemente lo hacemos. Idealmente, cada jadeo debe coincidir con cada movimiento de los brazos Incluso podemos agregar jadeo también al jadeo del personaje Podemos hacer una curva. O sea, al principio empieza por la izquierda, y en ciertos momentos automatizamos el cambio hacia el centro. Entonces se escucha que el sonido se mueve con el personaje. Por ejemplo, aquí el personaje entra en el marco. Nuevamente, podemos mover la sartén hacia el centro. Te das cuenta de lo bien que suena todo, ¿verdad? Entonces vamos a liderar esta lección aquí y vamos a pasar a la siguiente. 37. Diseño de sonido de la escena que agrega reverberación y espacialidad a las pistas: Lo primero que se supone que debemos hacer es verificar la reverberación de cada pista Porque debemos hacer todos los sonidos, parece como si estuvieran en el mismo lugar. A veces esto es algo casi imperceptible, pero esos pequeños detalles marcan la diferencia Por ejemplo, podríamos comenzar reconociendo que el sonido base aquí es el río. O sea, el resto de los sonidos deberían ser congruentes con la reverberación Por ejemplo, comencemos con el sonido splash. No sólo tiene que coincidir con la reverberación del río, la acción de chocar con el agua está ocurriendo a cierta distancia de La reverberación puede generar esa distancia para nosotros. Se supone que debemos ir a la consola de mezclas en la parte superior de las pistas. Vamos a encontrar este panel aquí mismo. Vamos a poder agregar defectos a cada una de las pistas. En este caso, el sonido splash está en la segunda pista. Preste atención a que hay una línea gris muy delgada que divide el panel por encima de la línea Podremos agregar defectos debajo de la línea. Podemos rootear las pistas para tocar en pistas grupales. Pero yo diría que lo más importante está arriba donde se pueden agregar defectos a las pistas. Debemos dar click en estos pequeños grifos y ahí buscaremos el efecto de reverberación Se puede notar que hay tres tipos de reverberación Voy a seleccionar la reverberación envolvente aquí. Vas a encontrar varios parámetros. Sé que parece complicado, pero es mucho más fácil de lo que piensas. En este toque, vas a encontrar varios presets. Es como el estilo de reverberación que vamos a usar, pero también podremos cambiar todos los parámetros para personalizar esos presets Por ejemplo, voy a usar esta catedral presets de todos los parámetros que vamos a encontrar aquí El más importante es éste donde se lee Mix. Esta falla literal indica que está al 100% El sonido se verá completamente afectado por la reverberación, pero a medida que bajemos el porcentaje, sonará como el audio original sin reverberación Esta es la herramienta principal donde vas a agregar más o menos reverberación a la pista Ten en cuenta que esta reverberación en la pista afectará a todos los clips de audio que estén en esa Pero hay algo importante respecto a la reverberación y es que medida que añadimos defecto a cualquier ganancia de audio se pierde Esa es la razón por esta otra falla está junto a ella donde lee Gain. Eso es muy importante a tener en cuenta. También tenemos otro fracaso que pertenece a la retroalimentación y otro que pertenece al saldo. Podemos hacer que el reverso suene más a la derecha o a la izquierda. También está el primer fallo que es aumentar la humedad del efecto, que es como la intensidad Básicamente, estas son las características más importantes de este panel de salida. Pero presta atención a que por aquí, hay otros parámetros que puedes cambiar. Se puede modificar, por ejemplo, el tamaño de la habitación. Puedes modificar los rebotes de reverberación aquí en pre delay y también el ancho de la reverberación De hecho, estos dos últimos parámetros son para controlar eso, cómo la reverberación se expande a los sitios Pero te recomiendo encarecidamente que pruebes los efectos, intentes experimentar. Sólo te estoy dando una visión general de los principales parámetros de la reverberación El chapoteo empieza a sonar mejor. Voy a aislar la pista probar mejor la reverberación. Voy a sumar aún más inversa pero también aumentando la ganancia. Recuerda cómo hacerlo subiendo el porcentaje y también elevando la ganancia padre. Ahora suena mucho mejor porque ahora el chapoteo se puede escuchar a la distancia que sugiere la escena porque obviamente no pasa nada al lado de la cámara. Quiero decir, hay metros de distancia. Escuchemos cómo suena junto con el resto de los sonidos. Una vez que habíamos agregado la reverberación a las pistas, en su mayoría estamos listos para pasar a la música Porque esta escena va con la música, me refiero al menos a una parte de la escena. Adicionalmente, agregar música me permitirá explicarte algo importante relacionado con la edición de audio. Para ello voy a usar dos archivos. Por un lado, hay un audio que contiene la música con el diseño de sonido al mismo tiempo, pero ya sabes que estamos haciendo el diseño de sonido. Por lo tanto, hay otro audio que sólo contiene la música. En primer lugar, lo que voy a hacer es extraer una sección transversal en el archivo que contenga tanto el diseño de sonido como la música. Una sección transversal donde sólo se reproduce la música. Y voy a tratar de mezclar esta porción de audio con el otro audio que contiene sólo la música. Obviamente es la misma música. Esta parte de la escena donde hay un plano superior, solo suena originalmente la música. Quiero decir, esa fue la idea original, pero una vez que nos acercamos al personaje, el diseño sonoro empieza a sonar. Lo que estoy haciendo aquí es tratar cortar esa parte donde empieza a sonar el diseño de sonido. Obviamente en esa parte voy a añadir el otro archivo que sólo contiene la música. Estoy haciendo esto porque estoy usando la mezcla de audio original del cortometraje. Este clip de audio que estoy moviendo en este momento tratando de acercarlo al Oder solo contiene la música Por supuesto, como es la misma música, estoy tratando de igualar los puntos correctos de unión. El propósito de enseñarte esto es que aprendas que puedes agregar todos los defectos a los clips y también transiciones de audio a los clips. Todos son exactamente los mismos efectos que podemos agregar a las pistas. Me refiero a los que somos capaces de agregar a las pistas, solo vamos a la carpeta de efectos y buscamos los anuncios. Esta carpeta contiene todos los defectos que puedes probar. Por ejemplo, hay amplitud y compresión. También está la modulación de retardo, Ruido, etcétera, etcétera. Por ejemplo, la compresión es muy útil para las voces. Por ejemplo, es probable que esas expresiones de actuación que agregamos al diseño de sonido suenen mejor con compresión. Mi propósito también es animarte a perder el miedo a usar estos viejos efectos. Por ejemplo, debes saber que para voces y también voz off el compresor de banda única es el compresor más adecuado. Cuando estamos hablando de una voz que está sonando en un monotrico, por ejemplo También podemos agregar ecualizadores para enfatizar las frecuencias más adecuadas para un tipo específico de voz Pero esta vez para la música, vamos a utilizar transiciones de audio en el estreno. Hay tres tipos de transiciones. Ganancia constante, potencia constante y destino exponencial. Todos son casi iguales. Yo diría que la única diferencia es el modo b***ding, pero dependerá de la naturaleza del audio con la naturaleza de esa parte específica del clip de audio que quieras mezclar con otro clip, voy a usar la ganancia constante que es la más neutra Te has dado cuenta de que han sumado esta transición justo en el sindicato. Para mi suena perfecto. Esa transición, tengo que igualar este calor que suena aquí. Con esa acción de levantar la cara. Por supuesto, ese calor representaba ese impacto de encontrarse con una chica D, D. Entonces voy a silenciar la pista donde el diseño de sonido está reproduciendo el resto del sonido de la escena. Voy a arreglar un poco el volumen de la música, y voy a intentarlo de nuevo. Voy a subir un poco más el volumen. Ahora voy a agregar ese compresor que he mencionado antes a la actuación de los actores. Simplemente vamos a la de carpeta y buscamos eso y buscamos el compresor de banda única. Ya he mencionado que era la más adecuada cuando la voz está sonando en una T. Está por aquí. Una vez que hayamos agregado ese efecto, podemos ir al panel de control de defectos y ahí vamos a encontrar ese efecto. Debemos hacer clic en configuración personalizada y luego editar los parámetros que se abre la ventana. Se puede notar que el panel de control de defectos funciona igual para el audio. Bajo el mismo principio, puede automatizar cualquier función en los clips de audio. En realidad se puede notar que como he automatizado el volumen, se activa la línea de automatización en el volumen. Pero sigamos con el compresor. En la pestaña de preset, debemos seleccionar la voz off aquí, y vamos a comprobarlo. Y se puede notar que tiene más presencia y más definición en general. Pero en realidad podemos mejorar esa calidad de sonido mediante el uso de un ecualizador Entonces vamos a la vieja carpeta de defectos y escogemos un eco gráfico de 20 bandas. Debes recordar que los ecozers van siempre encima de los compresores Abrimos la configuración personalizada y como es un mozo jadeante de voz, se supone que elevamos las zonas medio-altas en el Esto es muy importante no sólo para este caso, sino también en diálogos por ejemplo Pero no exageres con estos cambios. Se supone que debes ser sutil modificando las frecuencias. Suena mucho mejor en realidad, y no fue necesario subir el volumen del clip o de la pista, por ejemplo. Puedes notar lo lejos que puedes llegar haciendo diseño de sonido en el Adobe Premier, porque en realidad Adobe Premier proporciona todas las herramientas para crear un diseño de sonido, para crear una mezcla profesional, no usando Pro Tools o fue a pesar de que tengo otro curso relacionado con el diseño de sonido en un enfoque en cómo usarlo profesionalmente. Pero podría decir que es casi el mismo proceso. Intenta recordar todo, las transiciones, los ecualizadores, la fuente compresa También debes tener en cuenta que a la hora de mezclar audio en la pista final, en la pista general, también puedes agregar efectos. Es decir, se pueden agregar compresores multibanda y ecualizadores para crear ese efecto Como recordatorio amigable, también debes tener en cuenta que al agregar pistas, puedes agregar tantas pistas de video como quieras y pistas de audio que quieras. Puede seleccionar la ubicación donde desee, se ubica la pista, y también la configuración de la pista. Si es mono, por ejemplo, este pequeño símbolo aparecerá en la pista mono. Es un altavoz muy pequeño que puedes notar por aquí. Si está utilizando una interfaz de audio de interfaz, el micrófono se conectará a una sola línea, una sola línea de entrada. El track donde se supone que debes grabar esa voz o donde quieras, debe tener también una pista. Simplemente haciendo clic en ese símbolo de micrófono, puede comenzar a grabar. Tan simple como eso. No puedo grabar nada en este momento porque el software está conectado a otro software para poder grabar la lección. Mi interfaz está conectada a eso, a otro software. Entonces no funciona en este momento. Pero como no vas a estar grabando una lección, podrás grabar la voz como quieras hasta ahora. El bueno, te recomiendo encarecidamente que tomes ese otro curso de diseño de sonido porque realmente te enseño ahí sobre cómo dominar una mezcla de audio. Estoy hablando de mezcla redonda de muchos temas relacionados con el diseño de sonido. Sobre todo, siempre desde el punto de vista de un cineasta, eso es lo más importante de todo porque la mayoría de los cursos relacionados con el diseño sonoro están relacionados con la mezcla de sonidos más diseño sonoro están relacionados con la mezcla de sonidos que con el proceso creativo detrás de la elaboración de un diseño de sonido Esta lección está hasta aquí, y hasta la siguiente lección. 38. Diseño de sonido de una escena Adición de efectos a clips de audio Compresores y ecualizadoresDiseño de sonido de una sc: Perfecto. Después de haber aprendido sobre el tema de la reverberación, quiero enseñarte a agregar efectos y transiciones al eclipse de audio Porque no sólo vamos a poder agregar efectos a las pistas como en la última lección, sino que también vamos a poder agregarlos a cada uno de los clips que estemos usando. Después de todo, funcionan como videoclips en los que podemos agregar efectos. Voy a empezar a explicar esto agregando música a esto y la peculiaridad de este archivo Ode que voy a usar, que de hecho es la música que originalmente tiene la escena, es que este audio contiene no sólo la música, sino también el diseño sonoro original del cortometraje Entonces necesito extraer de este audio solo la parte donde suena la música sola, que es la parte en la que vemos al personaje corriendo desde el plano superior. Pero como también tengo otro archivo con la música sola, voy a mezclarlo con ese audio para que solo suene la música hasta el final. Porque ya hemos hecho el sonido de la escena aquí. Estoy tratando de unirme a los dos clips de ado justo en el momento que empiezan a sonar los sonidos de la escena. Y obviamente tengo que igualar la misma parte de la música tanto en Audioclip Aquí estamos bastante cerca casi coincidiendo con los dos clips de audio. Pero obviamente no es perfecto. Es decir, se nota que hay un corte y debemos eliminar ese corte. Debemos suavizar la transición entre un clip y el otro mediante el uso de este. En eso ya sabemos, vamos a la carpeta Premier Effects. Aquí podremos agregar al Audioclip esos mismos efectos que podemos agregar a las pistas Será exactamente lo mismo que cuando añadimos un efecto a un videoclip. Por ejemplo, aquí hay reductores de ruido que son muy útiles para limpiar las voces También se puede agregar un compresor a las voces. Suenan más claramente en el resto de la mezcla. De hecho, hay uno muy útil en esta carpeta, que es el compresor de banda única, que solo funciona para eso. También hay ecualizadores que también son muy útiles, pero lo que necesitamos en estos momentos son transiciones de audio En esta carpeta, encontraremos tres tipos de transiciones, potencia de juego y exponencial en la realidad, más que un tema técnico Para elegir el adecuado, simplemente hay que escucharlo. Y escucha cuál suena más parecido a lo que necesitas. Voy a elegir la transición del juego. Yo uso seleccionado y lo arrastro hasta la unión de los dos clips. Esto me permite suavizar ese cambio de un clip a otro para que no te des cuenta de ese corte que hicimos. Ahora suena como la música original completa sin los sonidos de la escena. Voy a mover un poco la música porque cuando este bit bajo suena en la música, se supone que el personaje está mirando hacia adelante. Ahora presta atención a cómo suena todo junto. Voy a dessilenciar el resto del sonido de la escena para escucharlo. Junto con la música y sentir la magia, podemos subir la ganancia de la música en general. Creo que lo exagero un poco. Voy a bajarlo un poco. Perfecto. Ahora podemos agregar un compresor y un ecualizador a la voz Me refiero a la actuación para mejorar su sonido. En realidad, podríamos agregar esto directamente a la pista donde está sonando la voz. Pero quiero mostrarte directamente en el clip. Vamos a la carpeta de efectos de audio y buscamos el compresor de banda única. Lo seleccionamos y lo arrastramos al clip de audio de voz. Ahora al hacer clic en el clip de audio, éste aparecerá en el control de efectos aquí. Podremos modificar sus parámetros. Después hacemos clic en Editar, y se abre el panel de parámetros del compresor. Presta atención a este importante detalle. Casi se me olvida esto. Observe que aquí arriba, los parámetros de volumen y panning tienen activado el reloj de automatización, precisamente porque habíamos modificado la línea de automatización en los clips. O sea, te digo esto, que puedes ver que funciona igual que con los videoclips. Entonces volviendo al compresor aquí en esta pequeña pestaña. Debemos seleccionar el preajuste que tendrá el compresor. En este caso, vamos a seleccionar la voz en off. Escucha cómo suena la voz del personaje ahora con más presencia. Pero incluso podemos mejorar la voz con un ecualizador. Podemos agregar un ecualizador de 20 bandas. Siempre se debe prestar atención al ecualizador siempre va antes que el compresor Esto debe ser así porque el compresor debe trabajar en las frecuencias que vamos a reforzar con el ecualizador Lo agregamos y damos click y editamos. Y debemos elevar las frecuencias de la misma donde está sonando la voz. Por ejemplo, esta brecha, 1000-5 mil de ella. Generalmente es donde suenan estas voces. Escuchas cómo suena la voz. Ahora, con más claridad y presencia, no estoy aumentando el volumen de voz, solo mejorando su ecualización Básicamente, de esto se trata hacer un diseño de sonido. Lo mismo que he hecho en la voz, por ejemplo, podrías hacerlo en la pista de salida general en la consola de mezclas. O sea, se puede agregar un ecualizador y luego por ejemplo, un compresor multibanda para darle más volumen a todo el diseño de sonido Por otro lado, recuerda, bueno, que puedes descargar un sonido de Internet y hacer un diseño de sonido completamente profesional sin ningún problema. Además, recuerda el tema de las transiciones que de hecho vas a tener que usarlo mucho, sobre todo con voces. Por otro lado, existe otra herramienta muy útil e importante a la hora de diseñar sonido, y es que puedes grabar directamente en la línea de tiempo, grabar audio si vas a las cosas de la secuencia. Y luego agregar pista. Y luego agregas una pista mono, por ejemplo, realidad aquí en este panel, también puedes agregar una pista de video o una pista de audio de cualquier naturaleza. O sea, si quieres que sea estéreo o mono, si añadimos una pista mono, podremos grabar lo que entra a través de la línea de entrada donde el micrófono está conectado a tu interfaz en el caso que estés usando una interfaz de audio, claro. Entonces este pequeño punto blanco que ves aquí es lo que identifica las pistas mono en la línea de tiempo. Y esas pistas mono son donde debes grabar cuando estés usando un micrófono con la interfaz. Esto es genial porque no necesitamos ningún software de edición de audio para grabar nada. Pero de todos modos, debes grabar en las pistas mono porque la entrada de audio también es mono. Si lo hiciste en la pista estéreo, se grabaría mal por un lado. Quiero decir, no tendría sentido. Simplemente hubo que presionar este pequeño micrófono que está aquí y el software comenzará a grabar de inmediato. En este momento, puedo grabar cualquier cosa porque todo está conectado al software que me permite grabar la lección. Pero esto no es demasiado complicado. Simplemente presione ahí y grabará. Bueno, creo que lo más importante es que pierdas el miedo a editar audio. No te limites. No es tan complicado como parece. Sólo pruébalo. Esto es muy útil para videos en Youtube y obviamente para crear proyectos de ficción, cortometrajes, películas, etcétera Pero creo que hoy es útil para todo, incluso algún video documental. Podrías mejorar el audio usando todo este procedimiento. No olvides ese importante detalle de las reverberaciones que funcionan muy bien para crear paisajes sonoros Bueno, esta lección está hasta aquí y hasta la siguiente. 39. FINAL: Bueno, este curso de edición de video viene a esta mano. Lo más importante es que voy a actualizarlo eventualmente con lecciones morales, especialmente en lo que respecta a la comprensión del lenguaje cinematográfico Creo que esto es esencial para llegar a ser mejores editores, mejores cineastas, mejores camarógrafos también Así que ponlo todo en práctica. Como te dije, consume arte de calidad, desarrolla tu propia sensibilidad a las imágenes en movimiento, y también la dimensión sonora. Bueno, si te gusta este curso, puedes dejarme una reseña, porque me va a ayudar mucho para crear aún mejores cursos que este, hasta la próxima vez.