Producción cinematográfica y de videos Vol. 2: edición cinematográfica con Adobe Premiere y Boris Suite - Deluxe

1. Edición de lujo EDICIÓN DE CINE II: ¿Alguna vez has soñado con editar videos o películas que sean verdaderamente profesionales ¿Quieres aprender los secretos detrás de la creación de un proyecto xful Audio Visual Entonces este curso es para ti. Bienvenidos a este segundo volumen de la nueva producción cinematográfica y de video el curso de edición Looks Enfoque en la edición profesional de cine y video. Mi nombre es Ávila Pérez, y desde hace más de 15 años, soy director de cine, actor y cantante Me gradué de la mejor escuela de cine de España, y estoy aquí para compartir todos mis conocimientos contigo. He elaborado este curso en torno dos videos musicales cinematográficos creados específicamente para esta plataforma a través de los cuales aprenderás paso a paso cómo convertir tus ideas en una verdadera privacidad audiovisual En este curso, aprenderás a muestrear y editar desde cero. Dominar técnicas que van más allá del uso del software y le permiten tomar decisiones de edición correctas edición para cine o video profesional no se trata solo de aprender a usar software. Se trata de tomar las decisiones de edición correctas basadas en criterios cinematográficos de la sítica en el lenguaje de la insensibilidad a los elipsis para crear cosas nuevas a partir del Este curso está dirigido a cualquier persona que quiera aprender paso a paso cómo construir una edición dentro de un proyecto profesional. Si ya tomaste el primer volumen donde viste cómo se filmaron estas obras, este segundo volumen es perfecto para ti. Se puede ver en la pantalla la calidad de las producciones con las que estaremos trabajando. Ahora, profundicemos en los contenidos de este segundo volumen de esta edición deluxe dedicada a la edición de cine y video El volumen dos está enteramente dedicado a Audio Vsel como producción El software que usas es el último importante. Hoy en día, no necesitas ser un experto en efectos visuales para crear composiciones visuales, y esa es una de las herramientas más importantes aprenderás en este volumen. Aprenderás a crear una edición completa junto a mí, y te proporcionará todos los materiales para hacerla desde cero. Aprenderás a hacer la corrección de color, restaurar debajo de las imágenes expuestas y agregar un aspecto completamente cinematográfico a tu video Usando como ejemplo, uno de los mejores trajes en este momento, la suite de efectos aburridos en Adobe Premier. Aprenderás a crear señales sonoras en edición de una manera sencilla y amplia. Y finalmente, aprenderás sobre el proceso de creación de estos fantásticos efectos visuales, utilizando únicamente la composición visual y edición. Como proyecto de curso, crearás tu propia versión de la edición. Lo haré paso a paso, y te proporcionaré el material para que lo hagas tú mismo. Así que no pierdas la oportunidad de adquirir un conocimiento que no está al alcance de todos. He creado este curso para que puedas tener la oportunidad de aprender con un proyecto real usando herramientas que alguien como tú tendría a su disposición. Si siempre te has entrenado en hacer películas o quieres convertirte en un verdadero director de cine, este es el curso para ti. Mi nombre es avio perez, y este es mi Atelier en cine y montaje cinematográfico que parece edición volumen dos Te veo en la primera lección. 2. Pedido y selección de conferencias sobre material filmado: Hola, gente. Bienvenidos a este nuevo curso de edición cinematográfica. Como sabéis, este es un volumen dos del curso de edición cinematográfica Dukes Por lo que vamos a comenzar la primera lección abordando directamente uno de los temas más importantes a la hora de editar videos, organizar y organizar el Video futge Así que recuerda que para entender bien este contenido, vamos a hacer un montaje paso a paso. Y parte de este curso es para que puedas hacer tu versión redonda de lo que estoy haciendo. Entonces esa es la razón por la que me había dejado todo el material para lograrlo como proyecto de curso. Pero primero, tenemos que ver los fundamentos para hacer un arreglo de feudaje artístico y profesional Bien. Así que imagina que estás frente a una mesa llena de negocios. Cada videoclip es una pieza única que debemos colocar estratégicamente para revelar la imagen completa de nuestra narrativa Pero, ¿cómo elegimos las piezas adecuadas? Aquí es donde entra en juego nuestro juicio como editores. No se trata solo de seleccionar las tomas más bellas sino identificar aquellas que transmiten el movimiento y el mensaje que queremos comunicar a la audiencia. Entonces, ¿cuál es el proceso para seleccionar y organizar estas tomas? Primero, necesitamos desarrollar una crítica para reconocer los momentos más impactantes en cada clip Y esto implica analizar aspectos como la claridad de la imagen, relevancia para la historia que estamos contando y la capacidad de evocar emociones en el espectador Entonces te voy a dar un ejemplo perfecto al respecto. El reto de un buen fotógrafo no es sólo tomar una buena foto. Es mucho más complejo que eso. En una sesión de fotos de dos horas, un fotógrafo puede tomar fácilmente 500 fotos, y una de las tareas más difíciles de un fotógrafo es seleccionar qué auto son las mejores fotos que salieron de esa sesión de fotos. No se puede imaginar lo difícil es saber cuáles son los mejores. Y no sólo eso, sino hasta qué punto una mala selección de las fotos finales puede dañar una sesión fotográfica. He trabajado con gente que realmente toma muy buenas fotos, y luego la selección es un completo desastre. Entonces, para aquellas personas que piensan que ese video es bastante diferente a la fotografía, les recuerdo que una segunda película tiene 24 fotogramas o fotos. O sea, cuando estás eligiendo el segundo exacto en el que vas a hacer un corte, es como si estuvieras eligiendo una fotografía específica de una sección de fotos. Entonces si por ejemplo, el clip que estás revisando tiene una duración de 10 segundos. Este clip contiene aproximadamente 240 fotografías de las que se supone que debes seleccionar las mejores. Tiendo a insistir mucho de esto porque este problema no tiene nada que ver con la calidad del software que estás usando. hace más de 100 años, había películas con excelente ritmo. Hace apenas 30 años, muchos videos musicales y películas aún se editaban en sistemas analógicos, y sin embargo tenían una excelente edición. Entonces el problema es que esto no es tan sencillo como el blanco y negro. Pero más bien como un fotógrafo debe elegir entre 500 fotografías. También tienes bastantes videoclips que debes elegir los mejores momentos tomados en cuenta precisamente esa escala de grises que va desde priorizar la actuación de los actores, por ejemplo, por la belleza de la toma Tiendo a insistir mucho en esto porque este tema no tiene nada que ver con la calidad del software que estás usando. Por otro lado, siempre tendrás tomas que a primera vista, son muy similares, pero en realidad, difieren bastante. Entonces es importante que tomes todo esto en cuenta a la hora de hacer el proyecto del curso en un, prestar atención al trabajo que voy a hacer que voy a desarrollar durante el curso, no sólo en las lecciones de montaje, sino también en el resto. Una vez que hemos identificado nuestros tiros destacados, es el momento de organizarlos de manera efectiva. Esto implica crear una estructura actual para nuestro proyecto, dividiéndolo en secuencias y subsecuencias, que nos ayude a mantener el flujo narrativo y la ecuación visual Pero la narración visual también es importante en la realización cinematográfica cada toma tiene un propósito y contribuye al desarrollo de la Por eso es tan importante saber cómo crear tensión y ritmo a la disposición de la imagen, utilizando transiciones y efectos para mantener al espectador comprometido de principio a fin. Un excelente ejemplo de Asne con arreglo magistral de tiro es la escena de persecución en la película la noche de perros, dirigida por Christopher En esta escena, vemos al comodín escapar del poste por las calles de Godm City en un camión de bomberos Salen La edición de esta secuencia es emperatriz por varias razones En primer lugar, la intención rítmica, el montaje mantiene un ritmo frenético que coincide con la intensidad de la persecución Los disparos siguen a uno y a otro rápidamente. Creando un sentido de urgencia y tensión que mantenga al público al borde de sus asientos. Por otro lado, el director utiliza una amplia variedad de ángulos y tomas para capturar la acción desde distintos aspectos desde tomas amplias que muestran la magnitud de la persecución hasta primeros planos que resaltan los movimientos de los personajes Cada disparo se selecciona cuidadosamente para maximizar el impacto visual. A pesar de ese rápido ritmo de edición, la secuencia mantiene impecables callos nerativos Cada toma está conectada suavemente con la siguiente, lo que permite a la audiencia seguir fácilmente el desarrollo de la acción sin perderse en la confusión. Creo que esa es una de las cosas más importantes en la edición. Por otro lado, la edición incluye un uso creativo de efectos especiales que agregan espectáculo a la escena sin sacrificar credibilidad desde explosiones hasta sonidos impresionantes, cada efecto especial se integra a cada efecto especial se la perfección en la edición, contribuyendo a la inmersión del público en la Creo que la escena de persecución en la noche oscura es un brillante ejemplo de arreglo efectivo de tomas en la edición. A lo largo de su ritmo fentico, variedad de ángulos, corrientes narrativas y uso creativo de efectos especiales Esta secuencia demuestra cómo edición magistral puede elevar y escena de acción a nuevas alturas cinematográficas Otro detalle importante que se tiene en cuenta a hora de editar es el concepto de elipses. Elipsis en la edición cinematográfica es una poderosa herramienta que nos permite condensar el tiempo y avanzar en la narrativa de avanzar en la narrativa Quiero decir, omitiendo segmentos de tiempo entre las escenas y dentro de una misma escena, los momentos más relevantes de se pueden destacar los momentos más relevantes de la historia, manteniendo la atención de los espectadores y evitando la redundancia, eliminando elementos superfluos y enfocándose en lo esencial, contribuyendo así a una experiencia cinematográfica más dinámica e impresionante Además, los puntos suspensivos permiten a los espectadores llenar vacíos narrativos con una interpretación incorrecta, fomentando el compromiso activo y la reflexión sobre la Quiero decir, al sugerir eventos que por supuesto fuera de la pantalla, la imaginación del público es un simulado, invitándolos a conectarse con los puntos y generando compromiso emocional más profundo con los personajes y secuencias y su postura saco. Así, Ellipsis no solo impulsa el flujo de punta, sino que también enriquece la experiencia cinematográfica al involucrar más profundamente al espectador En realidad, en mi anterior curso de edición cinematográfica, profundizamos en esto, te mostré un ejemplo de elipses en la película 12 años de esclavo, pero ahora voy a presentar dos ejemplos mucho mejores Un ejemplo notable de elipses creativas en cine es la película 2001 space dys En una secuencia icónica se utiliza elipsis para mostrar la evolución de la humanidad desde la prehistoria hasta el futuro lejano en tan solo unos minutos La película corta hábilmente desde el momento y simio y descubre el uso de un hueso como herramienta para el lanzamiento de una nave espacial hacia Júpiter, abarca millones de años Esta elipsis no sólo condensa una vasta cantidad de tiempo, sino que también sugiere el progreso y evolución de la humanidad de una manera llamativa y evocadora Por otro lado, la película perdida en la traducción, dirigida por Saphia Coppola, presenta varias de las escenas donde se utilizan elipsis para representar el paso del tiempo y el desarrollo de la relación entre los personajes principales Una escena notable es cuando Bob y Charlotte se encuentran en un bar de karaoke en Tokio. A través de una serie de cortes rápidos y sugerentes, la película muestra momentos significativos de su interacción en el bar desde compartir amor y conversaciones íntimas hasta bailar juntos Así que los puntos suspensivos permiten al espectador inferir la evolución de su relación. Durante ese tiempo, pasan juntos en el escenario, creando una sensación de conexión y complicidad entre los personajes sin la necesidad de mostrar cada momento de su interacción Bien. Por lo que esta técnica contribuye a la atmósfera emocional y evocadora de la película Entonces, en resumen, la disposición de imágenes es un proceso fundamental de edición de video, lo que nos permite construir narrativas visuales impactantes y emocionantes Espero que estés listo para embarcarte en este emocionante y aprendizaje viaje. Estoy aquí para guiarte en cada paso del camino. Te veo en la siguiente lección. 3. Aterrizaje de soldados: Perfecto, estamos aquí listos para el estreno de Ado. Vamos a empezar a crear la secuencia directa. Vamos a dar click aquí e ir al nuevo ítem, y vamos a crear la secuencia. Tecleamos aquí en el nombre de la secuencia, resolvemos tu secuencia o lo que quieras escribir. Y aquí en modo edición, vamos a seleccionar personalizado. Aquí, vamos a seleccionar el tamaño del marco, y la horizontal es 1920, y el tamaño vertical es 900. Aquí en la relación de aspecto de píxeles, vamos a seleccionar píxeles cuadrados. Y justo aquí abajo, vamos a seleccionar tiempo rápido en el video anterior. Entonces ya tenemos un marco con aspecto Anmórfico. Es una especie de aspecto cinematográfico. Entonces ahora vamos a pasar al estado con el Futage para seleccionar el futage que necesitamos Recuerden que esta vez vamos a enfocarnos en esta lección en el aterrizaje de los soldados. Y no sólo eso, sino que se supone que esta escena es diferente a la del video musical. Entonces vamos a empezar a revisar el futge cada clip. Entonces vamos a comenzar con este clip, es una especie de plano abierto. Y lo que voy a intentar es extraer alguna sección transversal de este clip, una sección transversal útil porque se nota que en el marco, estoy tratando de levantar el paracaídas, y no lo estoy Entonces así vamos a movernos hasta el punto en el que logré levantar el paracaídas Creo que es justo en este punto, no. Entonces estoy quitando el paracaídas del suelo y rápidamente el paracaídas vuelve a plegarse al suelo Esa es la razón por la que insisto en que el editor debe tener muchos pacientes que buscar para esos momentos. Se puede notar que aquí, hay otros momentos que pueden ser útiles. En este punto, el piloto está tratando plegarse y levantar el paracaídas del suelo. Entonces tal vez si eso no es indiscreto desde el principio, puedes agregarlo ahí llegando a la secuencia final Entonces vamos a seleccionar desde el momento en que estoy levantando el paracaídas hasta ese momento en que el paracaídas está cayendo Entonces vamos a hacer clic aquí, vamos a escribir, y luego vamos a seleccionar la salida con la que está aquí, y voy a arrastrar el putage a la línea de tiempo Hacemos clic y mantenemos los ajustes existentes. Recuerda que el clip en la línea de tiempo sobredimensiona el fotograma que seleccionamos al principio Por lo que debemos hacer que coincida con el marco. Entonces vamos a pasar al siguiente clip. Vamos a buscar otros momentos cuando esté levantando el paracaídas Afortunadamente, no en muchas ocasiones, logré sacar el paracaídas del suelo. Entonces no teníamos 20 clips donde estoy levantando el paracaídas Entonces en este caso, este es exactamente un momento que vale la pena. Un momento útil porque esta acción es lo suficientemente firme como para retratar al piloto aterrizando en el desierto Entonces voy a seleccionar esta sección transversal, y la voy a arrastrar a la línea de tiempo. Pero la toma es más larga. Entonces voy a buscar otros momentos cuando esté levantando el paracaídas Pero creo que ese momento que seleccionamos antes es el mejor de esta toma. Porque en realidad puedes notar en la pantalla que me esfuerzo por manejar el paracaídas, y eso no queda bien para Es decir, ese piloto se supone que es un experto haciendo lo que hace. Por lo que la acción del actor no puede contradecir el núcleo del personaje Adicionalmente, solo el piloto es visible en la pantalla. El paracaídas es parcialmente visible. Y puedes notar que me estoy esforzando mucho aquí. Por lo que el intento previo es mucho mejor. Entonces vamos a pasar al siguiente clip. Esta es una toma realmente hermosa. Utilicé esto en el video musical ese momento en el que estoy luchando contra el viento para doblar el paracaídas porque el viento era muy fuerte En ese momento. En realidad, mencioné en el curso de cine que esto fue inesperado, unas condiciones climáticas inesperadas que enfrentamos en el día del rodaje Entonces puedes notar que el paragt se ve en una especie de cámara lenta debido al tamaño del paragt Pero como mencioné, utilicé esto para el video musical. Entonces no estoy tan interesado en usar ese momento de la toma porque quiero crear otra historia otra a partir del mismo metraje. Pero a pesar de eso, podemos graficar una sección transversal a partir de este momento, otra sección u otro momento, un momento especial. Por ejemplo, aquí, creo que este momento es especial cuando estoy caminando alrededor del paracaídas tratando de doblarlo Entonces voy a seleccionarlo sólo para arrastrarlo a la línea de tiempo. Pero voy a pasar a buscar otros momentos de este clip. Ya tenemos momentos en los que estoy aterrizando con el paracaídas, dos Voy a buscar un momento cuando el paracaídas ya esté en el suelo Por ejemplo, aquí, es interesante porque el piloto está comprobando si no hay peligro alrededor, tomando conciencia de que está solo en el lugar. Pero hay que ponerle atención a esto. Tienes que saber exactamente hasta qué punto vas a cortar del plano, y aquí es donde los detalles se vuelven valiosos. Si notas la acción de mirar a tu alrededor fue buena. Pero llega un momento en el que baje los hombros. Y eso en la actuación va en detrimento del personaje. Me refiero a esa acción de bajar los hombros Dotar fatiga. Un cansancio que el personaje no debería tener en ese momento. Entonces esa es una señal fuerte para cortarla antes de eso. Entonces lo que estoy tratando de decirte es que no es algo completamente visible. Hay que desarrollar sensibilidad para notar esos detalles y saber dónde cortar el disparo. Entonces encuentro esta parte voluble a partir de esta tecnología, y voy a seleccionar solo esa parte para arrastrarla a la línea de tiempo Entonces vamos a pasar al siguiente clip. Recuerda que a la hora de revisar muchos clips, debes tratar de recordar qué momentos ya tienes para construir el montaje en tu mente Entonces esta es la siguiente. Entonces voy a comprobar esto desde el principio. Entonces estoy aquí moviéndome alrededor del paracaídas, moviendo ese núcleo No sé por qué es, creo que me parece un poco insensato Entonces eso no me interesa. Y a pesar de que el tiro está equilibrado. O sea, la toma es buena, pero el rendimiento no es tan bueno. Pero podemos seguir buscando momentos. No es un problema. Y puedes notar que después el foco polar perdió el foco por completo. Eso fue un error, especie de cosas aleatorias que sucedieron en un día de tiro, ya sabes, bien. Pero en realidad, cuando vuelve a enfocarse, la toma se vuelve más hermosa porque justo en ese momento en que la toma vuelve a enfocarse, el piloto está revisando el lugar. Y esa fue la acción previa que seleccionamos en la toma previa en la toma previa. Entonces voy a seleccionar ese momento y lo voy a arrastrar a la línea de tiempo. Bien. Pero la toma continúa, así podemos seleccionar otros momentos. Por ejemplo, estos momentos donde el piloto está contemplando el horizonte, está revisando también, pero desde un punto de vista más cercano Es importante mencionar que esos momentos en los que un personaje está mirando algún lugar. Fijoesos momentos son valiosos para los cortes. Es decir, puedes pasar de una toma a otra debido a esos momentos y crear elipses. Elipses, como mencioné en mi curso de arte del cine, son esos saltos de tiempo, útiles para contar las historias No estoy tomando en cuenta el detalle del arma porque porque no estoy siguiendo esa situación aleatoria. Simplemente la pistola me deja el traje, y luego me dirijo al operador de la cámara. Entonces voy a seleccionar sólo ese momento en el que estoy mirando el horizonte hasta aquí, y voy a arrastrarlo a la línea de tiempo. Entonces vamos a pasar al siguiente clip, y esta vez es esta en y esta vez es esta la que el soldado está dando unos pasos hacia el desierto. A lo mejor está tomando aliento después de aterrizar con el paracaídas Entonces, vamos a revisar esta toma. En realidad, hay dos tomas de una misma acción. Esta es la segunda toma. M. Pero vamos a cortar esta toma aquí mismo porque a partir de ese momento el soldado está mirando los aviones Se acercan los aviones de combate. Entonces esa es la escena del video musical. Pero esta vez estoy concentrado sólo en el soldado uno que están en el desierto. Entonces vamos a comprobar la otra toma de esta misma acción es este clip. Entonces puedes notar en este clip que es uno más cercano. Entonces es la misma acción desde un punto de vista más cercano en cuanto a escena una patografía Bien En realidad, hay algunos detalles que puedes notar, por ejemplo, el reflejo en el espejo que fueron los dos operadores. Ese es un detalle importante porque se supone que debes arreglar eso en la edición. Pero por otro lado, creo que la actuación es casi la misma. La misma calidad, y el mismo soldado es casi la misma acción. Pero me atrevería a decir que la cinematografía es mejor en la toma previa porque la toma previa es una toma más amplia Entonces ese detalle hace que la toma más hermosa desde mi punto de vista. Volvamos a revisar la toma previa. Mm. Definitivamente, en realidad, el operador de la cámara rodea al piloto mientras camina, y ese detalle la convierte en una toma más interesante. Entonces, una vez que terminemos de seleccionar el metraje para una escena específica, podemos reencuadrar todo el metraje seleccionado, el clip seleccionado para que coincidan con el tamaño de fotograma de la secuencia Quiero decir, ese tamaño de fotograma que seleccionamos al crear la secuencia. Entonces, a partir de este momento, todo lo que necesitamos es juntar todos los clips. Aquí, tengo un ejemplo de secuencia donde terminé toda la mendage pero vamos a revisar y clip a clip, ya sabes Esta es la primera en la que aterriza el piloto y ya sabes que esta acción viene de este clip. Entonces solo elegimos la sección transversal que necesitamos es el inicio del clip. Y luego mezclo esto con el siguiente. Esa es solo esa parte cuando está tocando el suelo, tocando la arena. Así que había que ser muy paciente para cortar el momento exacto que produce una acción fluida entre las dos tomas. Perfecto. Creo que así se ve muy bien y es fluido. Lo más interesante es que mientras mantengas corrientes entre los dos lleva a ese punto de unión, el público no va a notar que no es exactamente el mismo lugar donde se está llevando a cabo la acción. En realidad, en la secuencia que ya tengo, ya creé. El segundo clip fue replanteado para mantener solo al piloto en cuadro Entonces creo que no es necesario. Creo que cuando el paracaídas es visible se ve bastante bien. No es necesario replantear eso. Entonces continuamos con la secuencia. Se puede notar que el tercer clip, es la misma primera toma cuando estoy revisando por tener, etcétera Así que simplemente buscamos otra sección transversal de la primera toma. Creo que es en los segundos finales de la primera toma. Bien. Entonces, el momento exacto que necesitamos es cuando el piloto está de frente al paracaídas, no con su fa, porque es necesario tener ese momento para que coincida con el otro clip, ese clip donde está revisando el piloto, ya sabes Aquí lo puedes ver de cerca, que el piloto está está con su fa, ¿sabes? Entonces en este momento, se dio la vuelta y está de cara al paracaídas de la misma manera que en el otro clip Este tipo de detalles parece muy básico, pero no son para nada detalles básicos. Son detalles bastante difíciles de sacar de la edición. Entonces practicando mucho, vas a dominar esto. Vas a hackear el secreto de sacar detalles de un metraje. Ahora puedes notar que el siguiente clip es la misma acción, pero cuando está de vuelta, da la vuelta y está de nuevo de cara al barget Entonces estoy creando una acción como si se tratara de una especie de coreografía previamente preparada para este rodaje y para nada, se crea a partir del futage fuera de la Y a partir de este momento, vamos a dejar que este clip continúe hasta el momento en que mire al horizonte aquí Y este momento es útil para crear el corte para crear elipses, ese momento en el que el soldado está tomando un respiro, ese momento en el que el soldado está dando unos pasos hacia el desierto Así que recuerda que esos momentos en los que un personaje está mirando algún lugar son útiles para crear cortes y para crear elipses Obviamente, cuando hay una toma de secuencia como esta, no es necesario crear cortes y cortes necesarios que estropeen la apariencia cinematográfica de la escena Entonces esta primera parte termina aquí. Para que podamos volver a tomar una parte de la secuencia que creamos a partir de este momento. Presta atención a cómo se ve. A mí me parece muy agradable. Me parece muy agradable esta vez saltar, la psis, y nuestra toma final. Ese es el soldado que camina hacia el desierto para tomar aliento. Hasta ahora tan bien, vamos a seguir creando esta edición de este montaje en la siguiente lección 4. Huir de aviones de combate: Perfecto, en la última lección, nos quedamos en esta parte, donde el soldado está tomando aliento y mirando al cielo. Pero lo que se supone que debemos crear a partir de este momento porque se supone que este soldado debe seguir vagando por el desierto Pero ya sabes que esta estaca retrata el momento en el que el soldado está mirando al cielo y se da cuenta de que los aviones de combate se acercan a él se da cuenta de que los aviones de combate se acercan a Entonces el soldado vuelve a ponerse de pie. Entonces saca su arma y se está preparando para cerrar los aviones, en realidad lo que no tiene ningún sentido en absoluto. Pero lo está haciendo por su enojo, ya sabes, Pero en los momentos, no estamos particularmente enfocados en ese momento porque ese momento implica que debemos agregar aviones de combate y los efectos visuales relacionados con la pistola de fuego, y solo quiero enfocarme en este momento en retratar al soldado vagando por el Entonces aquí tenemos dos opciones. El soldado mirando al suelo y el soldado mirando al cielo Hay dos opciones disponibles para crear el resto de la secuencia. Entonces voy a buscar otros clips para buscar otros momentos para complementar esto. Básicamente, necesitamos que el soldado camine por el desierto. Entonces vamos a buscar esos momentos. Aquí estoy trotin pero no me gusta para nada la forma en que estoy trotando Voy a buscar otro momento. A lo mejor es al principio. Aquí, cuando está reclamando la melodía, me parece realmente interesante. Entonces voy a seleccionar esta con la y luego la final, la salida, con la, y la voy a arrastrar a la línea de tiempo para tenerla en la secuencia. Pero creo que podemos seleccionar otra sección transversal de esta misma toma. Por ejemplo, aquí, cuando está bajando por este cerro de dunas, me parece realmente interesante Pero sé que a lo mejor estás pensando que ya tienes una imagen, una toma desde ese punto de vista. Bueno, hay una solución. Podemos transformar esta imagen fue esta imagen en otra toma. Podemos agregar y efectuar un plug in que puede voltear la imagen de manera horizontal para crear otra toma. Y esa es una estrategia muy importante para llevar tu ventaja al siguiente nivel. Es decir, tienes la misma toma. Pero en esa toma, hay dos momentos que quieres usar, pero necesitas marcar la diferencia en un intento para el espectador entienda que hay dos momentos diferentes. Entonces vamos al video x beam y buscamos transformar beam y seleccionamos flip horizontal. Bien. Y ahí tienes, una toma completamente nueva. Porque desde ese punto de vista, a esa distancia, el espectador no va a notar que es la misma toma. Es decir, la distancia entre el personaje y la cámara es lo suficientemente larga como para evitar que el espectador note que las imágenes se voltean. No tienes idea de cuántas veces usé esta estrategia para crear otras tomas para la toma inicial. Y la gente no se da cuenta de eso en absoluto. Y se puede notar en realidad que incluso la dirección de la luz es la misma. Presta atención a la sombra del personaje en el suelo. O sea, aunque estén en direcciones opuestas es otro punto de vista. Entonces no importa que de esta manera, la sombra esté hacia el lado izquierdo, y en el otro clip esté hacia el lado derecho. Porque es otro punto de vista, como si la cámara estuviera en diferentes posiciones. Entonces estábamos en esta parte de la secuencia donde el soldado está agachado y mirando al Y si es la posición final, los siguientes clips serían aquellos en los que el soldado está caminando por el desierto o tal vez cargando, como el último que creamos, como este, por ejemplo Pero ya te dije que había dos opciones. Por ejemplo, si esta toma terminaría aquí donde el soldado está mirando al cielo, mirando al luchador consigue, podríamos crear otro punto de inflexión O sea, ya sabes que en la secuencia original, el soldado se está dando cuenta que el luchador consigue se acercan. Entonces se enoja. Se pone de pie, y desafía a los aviones con su arma Pero otra acción podría ser sólo huir de ese lugar, ya sabes, para sobrevivir. Y como tenemos otros clips donde el personaje corre por el desierto, podemos usar esos clips para crear esa secuencia en la historia. Por ejemplo, esta es otra toma donde el personaje está vagando por el desierto Pero en realidad está caminando. No está corriendo, pero es un tiro realmente interesante. Es una toma realmente interesante porque hay diferentes momentos en ella, diferentes acciones, y todas son muy útiles. En realidad, vamos a usar eso más adelante, voy a dejar que contemples esta toma Entonces voy a arrastrarlo a la secuencia a la vez para ahorrar tiempo. Pero en realidad, en la misma secuencia, hay diferentes acciones. Por ejemplo, esta es otra acción, un momento, y esta es la razón por la que no lo hago No voy a agregar toda la secuencia a vez porque hay momentos diferentes, así que voy a cortar otra sección transversal de la misma toma para crear otro momento, un momento diferente en la secuencia en la historia. Adicionalmente, se puede notar que en esta parte termina aquí cuando estoy mirando a algún lugar como si el piloto estuviera contemplando todo el camino a la izquierda para ir Entonces voy a reencuadrar los clips a la vez para ahorrar tiempo. Así que estamos de vuelta aquí otra vez. El soldado está agachado, y voy a poner el otro clip después Entonces se ve genial, hermoso, en realidad es una opción para crear la historia sobre el soldado deambulando por el desierto Pero hay otra opción, como te dije, el soldado dándose cuenta de que los aviones de combate se acercan. Entonces voy a volver al primer clip donde el soldado está agachado, y voy a cortar justo en el momento en que levante la cabeza Entonces, justo en ese momento, podemos crear otro punto de inflexión. Entonces voy a buscar otra toma donde el soldado corre por el desierto. Por ejemplo, este de aquí me parece muy útil. Podemos agregarlo a la línea de tiempo. Pero hay un detalle importante a tener en cuenta respecto a este clip. Si notas que corre de manera desesperada como si la amenaza lo estuviera persiguiendo, y los aviones no lo persiguen directamente. En el caso del video musical, los aviones de combate lo estaban peleando directamente. Pero este no es ese caso. Esta vez, vio a los aviones de combate desde la distancia. Así que tuvo una especie de tiempo para huir, ¿sabes? Entonces la sección transversal que se supone que debo seleccionar es la sección final de la carrera. Entonces cuando no está corriendo de manera desesperada, sino llegando ese talón que ves en la pantalla. Entonces voy a agregar justo ese momento esa sección transversal, y voy a hacer que coincida con el clip anterior el clip que el soldado está agachado Por lo que puedes notar que se ve muy bien. Se ve fluido en coherente. Y lo más interesante es que podemos combinar ese clip con este otro. Aquí, donde el soldado está revisando el cielo para asegurarse de que no haya aviones de combate alrededor. Recuerda que éste, los segundos finales de otro clip que usamos antes, como era una toma de secuencia, podemos dejarlo fluir. Entonces, continuemos con la acción. En realidad, el piloto va a limpiar un poco esta sanación. Saca su arma y respira de nuevo en esa sanación. Entonces aquí, el operador de la cámara pierde el control. Esa es la razón por la que voy a cortar justo aquí. Voy a arrastrar a la sección transversal a la línea de tiempo. Entonces voy a reencuadrar el clip para que coincida con la secuencia Y aquí podemos ver los dos clips junto con toda la acción. Creo que esto es un secreto de montaje. Estás creando una serie de acciones a partir de los clips. Por supuesto, hay una buena dirección detrás de este proyecto. Es decir, las acciones que realiza el personaje tienen sentido. Y eso es muy importante a la hora de crear nuevas secuencias a partir del futage original Entonces voy a seguir revisando esta estaca. Hay otra parte donde el piloto está apuntando con el arma, revisando el lugar, y creo que eso es muy útil para, ya sabes. Entonces voy a seleccionar este momento. En realidad, es el momento que seleccioné en el video musical. Voy a arrastrarlo al tiempo también. Y como ya te dije antes, aquí hay otro momento que sigue mirando de nuevo al horizonte Y podemos usar esa acción para crear otro tiempo saltar otras elipses. Entonces voy a arrastrarlo a la línea de tiempo para poder usarlo más adelante. Pero esta misma toma continúa. Entonces voy a buscar otros momentos útiles. Sé que ahí hay otros momentos. Por ejemplo, aquí en la misma toma después, el soldado está regresando porque esa toma es donde el soldado está huyendo de los miceles en el video musical Entonces cuando estaba dando la vuelta, estaba dando la vuelta caminando caminando. Entonces eso también es muy útil, y voy a crear otro fotograma como si fuera otra toma con otro fotograma con otra cinematografía Y eso me permite diferenciar esta toma de la otra donde estoy huyendo. Entonces voy a combinar esta con la otra. La otra parte de la secuencia disparó, aquella donde el soldado está caminando por el desierto. Perfecto. Entonces vamos a comprobar lo que hemos creado hasta ahora desde el principio. Entonces aquí estás. Hay un soldado llegando en su paracaídas Intenta doblar el paracaídas. Él revisa alrededor del lugar. Está cansado. Y creamos las elipses, el tiempo abajo. Ahora, el soldado está caminando por el desierto, tratando de tomar aliento. Se agacha. Después se quita el casco. Está escuchando a esos aviones de combate que se acercan al lugar. Entonces huye de ese lugar. Está revisando de nuevo el cielo. O sea, la diferencia con la historia en el video musical es que en esta historia, los aviones de combate no están tan cerca, ya sabes. Se está llevando, ha salido. Está revisando de nuevo el lugar. Mira este detalle. El sn se extiende frente a la cámara. Se ve genial. Y aquí hemos creado otro salto de tiempo. El psis y seguimos con la otra escena. La secuencia rodó a éste, eso es realmente hermoso. Y somos la otra toma caminando hacia el desierto. Y seguimos cuando esté cruzando las dunas, pero vamos a seguir con eso en las próximas lecciones. 5. No hay que olvidar las dunas: Por lo que estamos de nuevo aquí en el Adobe Premiere. Sigamos creando esta secuencia del soldado cruzando el desierto. Como te dije, esta vez nos vamos a centrar en que el soldado cruce las dunas. Entonces en la última lección, llegamos a este punto donde el soldado que el piloto está mirando al horizonte en ese disparo de secuencia Entonces creo que estos clips los hemos seleccionado. Creo que recuerdas que volteamos uno de ellos para crear otra toma. Es decir, esos clips podrían ser útiles para hacer una transición entre el lugar. Está huyendo de los aviones de los cazas a las dunas. Entonces puedes notar que hay algunos arbolitos allá al fondo, ramas, y eso podría ser una señal, una señal de que estás pesando desde esa parte del desierto, ¿sabes? Para que puedas notar que empezó a cargar. Así que sigamos revisando el metraje aquí en la B. En realidad, en tus propios proyectos, puedes jugar con los clips, hacer una especie de experimentación para crear otro momento. Entonces, por ejemplo, revisemos este otro clip. Es una toma realmente interesante ya que el director de fotografía creó dos tomas y una sola toma y una sola toma Por ejemplo, en los primeros segundos de esta toma, el piloto camina hacia el fondo, y no se puede vigilar al hijo. Entonces esta es una toma. Voy a arrastrarlo a la línea de tiempo de inmediato. Pero más adelante, podrás notar esta otra composición de marco. Una vez que llega al fondo y empieza a regresar, es como si fuera otra toma, otra composición, otro momento en su lugar en el desierto. Por lo que podemos seleccionar esta parte también. Escriba para la entrada y para la salida y arrástrela a la línea de tiempo también. Para que podamos pasar a otro clip. Veamos, por ejemplo, esto de aquí. Esto es bastante interesante porque es un plano muy abierto. Es el soldado cruzando colina. Recuerda que lo más interesante en cuanto a la escritura de pantalla es que cada corte que hagas es un salto de tiempo. Entonces a la hora de crear una historia como esta, cuando estás cruzando un gran espacio como un desierto. Es muy importante retratar el paso del tiempo. Y te digo esto porque habíamos usado tomas de secuencia en esta composición. Pero también estamos creando saltos de tiempo con estos cortes que son elipses. Quiero decir, representar que el soldado está pasando mucho tiempo cruzando el desierto. Entonces estoy terminando de ajustar el marco, el marco final. Haz que coincida con el marco de la secuencia. Porque ahora, voy a explicarte algo importante respecto al punto de vista. El punto de vista es uno de los errores más comunes que se cometen en el lenguaje audiovisual. Entonces, mostrándote este ejemplo, voy a hacer que evites cometer este error. Así se puede ver en la pantalla que el soldado está caminando o portando. Pero visualmente está portando o caminando hacia una dirección específica Pero sucede que hay otros clips donde el soldado va caminando hacia otra dirección. Por ejemplo, éste. Aquí el solar está caminando hacia el lado izquierdo al menos visualmente. Si mezclamos ese clip, eso toma erróneamente con los demás Eso va a crear confusión en la secuencia de los acontecimientos. Porque los clips están mostrando los vendidos caminando hacia el lado derecho. Déjame arrastrar otro clip de la misma acción. Creo que son bastante similares, pero creo que uno de ellos es el mejor. Creo que es una, esta es la mejor. Voy a arrastrarlo a la línea de tiempo para tenerlo listo. Perfecto. Entonces volvemos a estar aquí en esta parte de la composición. Se puede notar que el soldado está mirando fijamente al hijo y el hijo se encuentra del lado derecho, ya sabe, está hacia el lado derecho Y aquí, se puede notar también que el soldado va caminando hacia el lado derecho. En esta toma. Y los siguientes disparos también están mostrando al soldado caminando hacia el lado derecho, yo correctamente, tiene sentido. Entonces para seguir contando sobre esa acción del soldado cruzando el desierto, se supone que debes seguir esa dirección lógicamente porque visualmente, tiene sentido para el público Pero sucede que tenemos otro texto donde el soldado va caminando hacia el lado izquierdo. Entonces, qué se supone que debemos hacer para hacer el partido. Entonces tenemos que crear una especie de transición para hacer el partido para combinarlos correctamente. Entonces primero, voy a mostrarte dónde se supone que no debes hacer. Voy a localizar este clip justo después del último disparo en el desierto y ver qué pasa. Verás, puedes notar que Isai regresaba, y no tiene ningún sentido en absoluto Entonces necesitamos una toma que represente una transición en términos de punto de vista. Este tipo de problemas se denominan problema de eje en términos de cinematografía Y todos son problemas amateur que revela que no eres un profesional, al menos en cuanto a edición. Entonces como te dije, necesitamos la transición de tiro, y ese disparo podría ser este de aquí. Se nota que en esta toma, el soldado camina hacia el fondo y ligeramente hacia el lado izquierdo. Pero como está caminando hacia el fondo, cuando mezclo ese tiro con el último en el desierto, no crea ningún problema en absoluto, porque el soldado camina hacia el fondo principalmente. Pero como el piloto camina ligeramente hacia el lado izquierdo, podemos agregar la otra toma donde el soldado camina hacia el lado izquierdo. Entonces voy a mover el clip, para que veas cómo se ve. Presta atención. Bien. Y se ve perfecto porque es comprensible que sea otro punto de vista, completamente otro punto de vista. He visto este error cometido en tantas películas y tantos videos de redes sociales. Y lo que quiero es que no cometas este error a partir de ahora. A veces la cinematografía es buena, la dirección es buena, pero el editor no es consciente de ello. Entonces es algo muy importante respecto al eje. Entonces volvamos a revisar la secuencia. El soldado está caminando por esa parte del desierto y termina de mirar el horizonte que está hacia el lado derecho, ya sabes, está justo después de este punto Este punto. Este es un salto de tiempo. La otra toma. arriba de esa manera infernal saliendo de esa parte del desierto. Continúa hacia el lado derecho, Y continúa hasta este punto donde está el disparo de transición que nos permite cambiar el punto de vista a esta toma que está hacia el lado izquierdo. Ya sabes. Entonces hay otra toma donde el soldado se mueve en el horizonte a través de su vino cos. En realidad, hay dos disparos relacionados con esa acción. Repasemos estas dos tomas para explicarte por qué seleccioné esta. Entonces esta es la otra toma, y puedes notar que el marco no está completamente equilibrado. En realidad, nos perdimos parte de la parte de atrás del soldado. Puedes notar que la composición es mejor aquí. Es casi el mismo marco, pero no es exactamente el mismo. Creo que el otro es mejor. Cuando somos capaces de observar el cuerpo por completo. Adicionalmente, cuando se pone de pie, comienza a trotar en esta toma El otro, sólo está caminando. Por lo que es más útil verlo garganta. Yo giro esa parte del disparo en otra toma básicamente. Bien. Por último, terminé esta parte del montaje con esta parte que no estaba realizando en absoluto en ese momento Yo estaba bajando esa colina, y el director de fotografía sigue grabando Entonces capturó ese momento en el que yo estaba bajando ese infierno. Entonces incluí ese momento en el montaje. Hasta ahora tan bien, vamos a continuar con la última parte de este montaje en la siguiente lección 6. Llegada al mar: Perfecto. Estamos aquí nuevamente en el estreno para crear la etapa final de esta escena de este montaje Entonces en esta parte, el soldado llega la orilla para activar la bomba nuclear. Recuerden que el soldado está agotado, y eso es lo que vamos a tratar de retratar también Pero lo que es tan especial en esta parte. A la inversa del eclipse del previo, en esta parte es más importante retratar la actuación del actor ¿Por qué? Porque, por ejemplo, en las acciones anteriores donde el piloto está tratando de atravesar el desierto entre las melodías Lo más importante es retratar el paso del tiempo y también retratar que está cruzando una enorme distancia en ese desierto Entonces esa es la razón por la que es tan importante crear esos cortes para crear elipses para crear diferentes momentos mientras cruza ese desierto Pero a la inversa, cuando el piloto llega a la orilla, las condiciones son diferentes porque el rendimiento es en un solo lugar. Me refiero a esa parte de la toma. Entonces, desde el punto de vista cinematográfico, no es importante crear cortes en ese momento porque quiere retratar a la perfección la actuación del actor Entonces este clip que estás viendo en la pantalla en este momento sería la etapa final de cruzar ese desierto. El soldado jadea y tambaleándose para llegar a la escena. Entonces, a partir de este momento, vas a ver secuencias más largas, más tomas y tomas más largas, porque lo más importante es retratar a ese soldado cansado Entonces, para que el público contemple la actuación del actor, es muy importante seleccionar tomas más largas Y esa es la primera cuando está pesando fuera de las melodías. Por otro lado, creo que también es bastante importante hablar de estilo porque el estilo cambia a lo largo de los años. Entonces en esta etapa en esta era, 2024, creo que las tomas de secuencia son más importantes y while y lenguaje cinematográfico Personalmente, creo que se trata de una especie de arte al legado de quarans Este es un tipo de estilo que están instalados en aspirantes a cineastas, ¿sabes? Es decir, juegan mucho con tiros de secuencia. Entonces después de este disparo, sólo se acercan tres tomas. El primero es éste que retrata la acción que ocurre en la cara del soldado cuando llega a la orilla, presta atención a la papelera Solo quedan cuatro clips para revisar. Por ejemplo, este es un punto de vista muy abierto. Hay dos tomas de esto. Creo que esta es la primera. En realidad creo que ahí estaba practicando la actuación que se supone que debo hacer. Entonces el soldado tuvo que quitarse la funda de su arma, luego beber las últimas gotas de agua de la cantina Pero esa toma, no me voy a quitar la camisa para nada. Entonces entonces estaba ensayando la acción para el director de fotografía en ese momento Pero a veces esos ensayos de la actuación son importantes porque puedes sacar acciones importantes de ese tipo de tomas Entonces corté la acción aquí, creo, para crear otra toma. Entonces vamos a revisar el otro clip. Este otro es bueno, es el mismo punto de vista desde lejos, pero esta vez la acción está completa. El soldado llega a la orilla. Está agotado. Se quita la funda solar Se bebe las últimas gotas de agua. Se quita la camisa, como te dije, y cae a la orilla. Entonces el soldado va adentrándose en sus pensamientos, sintiendo el momento. Y va por su detonador que está guardado en su bolsillo. Entonces esta es también una toma de secuencia aunque la cámara no esté viajando en absoluto, pero la acción es lo suficientemente larga como para ser una toma de secuencia. Entonces termina de activar el detonador. Entra en el como de nuevo para contemplar explosión. De hecho, utilicé algunos de estos momentos para crear este momento posi en el video musical porque es una muy buena toma Pero creo que la toma más importante de esta parte es ésta. Quiero decir, el punto de vista más cercano. Creo que en cuanto a actores el rendimiento es mejor, y la cinematografía también es muy buena Entonces voy a dejar que contemples toda la toma desde el principio hasta el final Creo que esa toma fue increíble. El director de fotografía está contemplando todo el momento de manera profunda Y como la cámara está más cerca de los actores, la cámara es capaz de capturar los gestos en detalle, y el rendimiento es mejor, en realidad. Es más real, es más fuerte y firme. La forma en que el si está sacando el detonador, lo está haciendo de manera desesperada Y este momento en que el soldado vuelve a ponerse de pie, la cámara sigue bastante bien al actor. Es un gran director de fotografía. Encuentro realmente hermosos esos momentos en los que el director de fotografía se compromete con la actuación de una manera verdaderamente Y esa es la razón por la que crear cortes esta vez es perjudicial para el lenguaje cinematográfico Es decir, se supone que la cámara debe ser sometida a la actuación del actor. Por lo que sólo saqué la parte donde el soldado se está quitando la funda de su arma Y lo hice porque quería agregar el punto de vista general de la acción. Entonces agregué la reacción del soldado cuando llega a la orilla. Y luego agregué esta toma para crear el punto de vista general, porque porque debemos retratar que ese desierto termina en esa playa Entonces aquí, hay una mini elipsis porque no vemos el momento en que se agachó Entonces es una especie de mini salto de tiempo. Y seleccioné este momento exactamente porque la acción de quitarse la playera es mejor en el plano más cercano. Podemos revisar de nuevo el plano abierto para ver el momento en que el soldado se quita la playera. Justo aquí en este momento. Por lo que se quita la camisa, pero la actuación no está retratando un estado agotador Creo que tuve mini desconexión en ese momento. Y esa es la razón por la que prefiero la otra acción, la otra toma porque en la otra toma, estaba completamente conectada con el personaje. Entonces, desde el momento de quitarme la playera y seguir, creo que es más que suficiente para dejar fluir el segundo disparo. Por supuesto, en el video musical sí creé cortes en esta parte porque es otro tipo de producto audiovisual. Entonces en el video musical, se supone que debo agregar las partes cuando estoy cantando. Entonces debo crear cortes. Por otro lado, agregué la parte donde se alza el misil en el cielo y también el tiro de empate Pero lo que estoy tratando de explicarte es a hora de crear un cortometraje o un largometraje, es más importante seleccionar una toma de secuencia que sea capaz de retratar la actuación del actor, la actuación del personaje Es importante prestar mucha atención a esto porque podría haber otros textos que sean tan hermosos como este. Pero tal vez no están retratando la actuación del actor tan buena como esta Por ejemplo, éste, hay momentos tan hermosos en cuanto a cinematografía, por ejemplo, este momento, en el que se puede notar el mar infinito en el horizonte Y los personajes reflexionan sobre la arena mojada, por ejemplo, esos son hermosos detalles en el encuadre, pero no son más importantes que la actuación del actor en la otra toma. En realidad, este momento es bueno cuando me agaché, Pero toda la secuencia no es tan buena como la otra Entonces no hay ningún caso para crear cortes aquí. Es perjudicial para el lenguaje cinematográfico. Como te dije, a la hora de crear películas o cortometrajes, es más importante, la secuencia rodada. Hay otro detalle importante al final de esta secuencia que es el detonador En realidad, el detonador es una especie de reloj que tiene un cronómetro Activamos el cronómetro, y después pusimos la toma hacia atrás Ahora los segundos están contando hacia atrás. Bien. Entonces voy a dejar que contemples toda la secuencia desde el principio hasta este momento del reloj Así que trata de prestar atención a todos los detalles visibles. Y si necesitas volver a las clases anteriores para volver a revisar el proceso, también puedes hacerlo. Así que vamos a revisar la escena desde el principio. 7. Crearás el pasaje del tiempo en la edición: Hola, gente en esta lección, vamos a analizar cómo representar el paso del tiempo en Mantag Por ejemplo, en este video musical, era necesario representar al abajo al principio. Entonces, para crear esa ilusión de paso del tiempo, no solo es importante la corrección de color del degradado de color, sino que también incorporar algunos signos en términos de escritura de pantalla que ayuden al público entender que toda la escena está representando la subida de la canción entera en tan solo unos segundos. Para que te des cuenta de que en esta toma, hay una corrección de color específica. Yo diría que es hacia los colores azules. Entonces, aunque no estemos viendo subir directamente la canción, corrección de color está representando exactamente ese momento. Entonces el elemento clave en esta parte es el color del cielo. Se puede ver en la pantalla que el color del cielo y esta toma es casi el mismo en las siguientes tomas. Por ejemplo, éste. Es bastante similar. Pero mientras comience la pelea de perros, la salida del sol aparece en la pantalla. Por lo que debemos prestar mucha atención a la corrección de color justo antes de esa toma porque justo después de esa toma, la corrección de color está cambiando hacia la pantalla y los amarillos, porque ahora el sol es más visible Por lo que este lapso tiempo acelera el tiempo en términos de escritura de pantalla. Entonces ese es un fantástico video de stock. Por lo que es importante tener esto en cuenta a la hora de crear un montaje como este porque los cortes en este montaje me dan la oportunidad de sumar todas esas imágenes del sol Y crear un paso de tiempo prolongado en tan solo unos segundos porque, hecho, ese proceso de descanso saludable podría llevar perfectamente 1 hora Quiero decir en la vida real. No. Adicionalmente, es importante tener en cuenta la selección de videos de stock porque no solo el tiempo sino el espacio es importante. Por lo que si se nota al principio, los aviones de combate procedían de zona parcialmente montañosa. Y en los siguientes disparos, vemos algunos aviones de combate volando lejos de A motin Pero volviendo a la iluminación, puedes notar que para cuando se vaya a apagar el avión del personaje, el color del cielo es completamente diferente. Es decir, toda la secuencia está más iluminada. Quiero decir, estábamos tratando de representar ese momento en el que el sol apenas sale y luego todo se ilumina. Creo que justo aquí, la diferencia es más notoria. Volvamos de nuevo al inicio del video. Se puede notar la temperatura azul. Y justo aquí, el sol ya ha salido. Es totalmente de mañana. Entonces, en resumen, a la hora crear este tipo de escenas, debes auto estos dos factores, tanto la corrección de color como la selección de corran y videos apropiados Por otro lado, se puede notar la naturaleza de la superficie donde están viviendo estas personas. Se trata de una zona rocosa, similar a esa zona donde vemos pasar aviones de combate. Pero yo diría que lo más importante es retratar el paso del tiempo en este corto periodo de Es decir, es una secuencia bastante corta. Pero como te dije, por su naturaleza, por su corte, esos cortes me permiten crear este efecto. Esta vez la transición en cada disparo. Entonces te he mostrado este ejemplo porque esta parte del video musical se crea principalmente con los videos de stock. Entonces, a la hora de crear este tipo de montajes, es muy importante aprender a ordenar los clips correctamente, el metraje correctamente Por otro lado, no sólo había utilizado esta estrategia al inicio del video, sino a lo largo de todo el video musical desde el principio hasta el final. Puedes notar aquí que el video musical comienza en una especie de temperatura fría, luego el video va a colores más cálidos. Por ejemplo, aquí, es completamente tarde. Pero el video no sólo está retratando el paso del tiempo por corrección de color, sino también utilizando de nuevo videos de stock Porque, por ejemplo, hay otra toma por aquí donde se puede ver la luz del sol representando que ya es día. Adicionalmente, en este momento del video, era muy importante también retratar que el soldado estaba en el desierto cerca de las melodías Quiero decir, no podría ser ningún video de amanecer. Tenía que ser específicamente en el desierto. Entonces esa percepción que tienes en tu mente mientras ves el video es la suma de esos factores juntos. Y de la misma manera que sale el sol al inicio del video. A medida que avanza el video musical, se supone que el sol se va a poner. Pero a partir de este momento, no fue difícil retratar eso porque estábamos filmando al atardecer Por lo que la representación natural de la luz a lo largo de las tomas estuvo perfectamente conectada con la historia. O sea, al menos en esta parte del video. Por ejemplo, aquí, el sol está casi escondido detrás de las nubes y casi al atardecer. Entonces ya que en este momento, la luz es obviamente diferente. No necesito volver a poner el sol en la pantalla. Además el sol está evidentemente escondido detrás de las nubes. Quiero decir que el sol no está odiando la imagen directamente. La luz es filtrada por las nubes. Es importante mencionar que hay otros factores, otros signos que puedes usar para retratar el paso del tiempo Podría ser tal vez un árbol a lo largo de cada estación, por ejemplo. Es una especie de falla eso, pero es útil. Hay muchas películas, muchas grandes películas que retratan el paso del tiempo al representar un elemento natural en cada temporada También podría ser un evento importante en un año específico o algo tan sencillo como un reloj, por ejemplo. Así que pudiste seleccionar, elegir tantos signos como fuera posible para representar el paso del tiempo. Entonces quería terminar esta lección recordándote dos cosas importantes La diferencia entre el tiempo diético y el tiempo narrativo. Hablé de esto en mi curso de arte cinematográfico, pero te voy a recordar esto en esta lección Entonces el tiempo diético es el tiempo en el que transcurre la historia Pueden ser horas, pueden ser días, sí, por ejemplo, toda la vida. Pero por otro lado, el tiempo narrativo es la duración del producto audiovisual. Pueden ser 4 minutos como video musical, 50 minutos como cortometraje o dos o 3 horas como una película. Ese es el tiempo narrativo. Así que trata de recordarlo todo y ponerlo en práctica hasta la siguiente lección. 8. Punto de vista y progresión en la explosión: Perfecto aquí de nuevo en el Adobe Premiere. La idea es analizar esta escena en profundidad porque no es tan fácil. No es tan sencillo crear este tipo de escenas. El primer detalle a tener en cuenta es el procesamiento atencional del ser humano Es decir, cuando estás leyendo el producto Adviso. Hay una progresión en esa lectura. Y a lo que me refiero con esto, he utilizado varias imágenes para representar la explosión nuclear Entonces el primer video es una verdadera explosión. En blanco, esta es la primera porque una vez que la ves en la pantalla, la idea de la bomba nuclear se instala en tu mente. De manera completamente seria. Es decir, en microsegundos, esa idea se instala en tu mente Entonces, a partir de ese momento, el resto de los videos de bombas atómicas tienen que hacer menos esfuerzo que el primer video para convencerte de que es una verdadera explosión. Esta es una progresión de hading que ocurre en todas las obras audiovisuales Por lo que esta estrategia de usar los mejores videos de la explosión es muy importante para generar el efecto de una explosión real en la mente del público. Por supuesto, esto también debe ir acompañado de una progresión de acciones correctas utilizando los cortes en los momentos adecuados. Entonces lo que quiero decir es que la segunda imagen que vemos en la pantalla, me refiero a la segunda imagen de la bomba debe coincidir con la progresión de la explosión. Parece obvio cuando la realidad no es tan obvia. O sea, si la primera imagen representa la primera etapa de explosión, la segunda debe mostrar una etapa más avanzada de explosión. No es el principio, y esta progresión debe tener coordinadas. Así se puede ver en la pantalla que hay una coordins. Presta atención al tamaño del hongo explosión en las primeras imágenes, y luego el hongo es figura más tarde. Entonces yo diría que esos dos puntos son muy importantes seleccionando las mejores imágenes al inicio y la correcta progresión de acción en la pantalla. Por otro lado, hay otro factor, que es el punto de vista. Cuando estás viendo esta parte del video, me refiero a la explosión nuclear Se supone que la onda explosiva va a una dirección específica. O sea, en este caso, que es un video musical, hay un corto periodo de tiempo para mostrar la explosión nuclear Entonces de la misma manera, como te mostré en esa parte, de la escena del soldado. Es decir, la escena donde el soldado está caminando por el desierto. En algunas partes del montaje, tuvimos que seleccionar a qué lado se supone que debe caminar el soldado En algunas partes, el soldado caminaba hacia el lado derecho. En los otros, caminaba hacia el lado izquierdo, independientemente de que apenas estaba cruzando el desierto. Entonces aquí pasa lo mismo. Entonces se supone que debemos seleccionar a qué lado se dirige la onda explosiva. Entonces lo que quiero decir es que podría ser un río, por ejemplo, que en la pantalla está fluyendo hacia un lado específico. Entonces en el montaje, se supone que debes seguir ese lado para que sea cortés Es decir, no se puede mostrar en la pantalla un río que fluye hacia el lado derecho, y luego el siguiente disparo fluye hacia el lado izquierdo, por ejemplo. No tiene sentido. Entonces en este caso, donde se supone que la nueva explosión la va a extender, se debe elegir a qué lado se supone que esa explosión se expandirá en la pantalla. Pero no también la dirección sino también sobre la posición que tiene la explosión con respecto al personaje, ¿sabes? En esta toma, puedes notar que la explosión está en el lado izquierdo con respecto al personaje. Por lo que estos detalles hacen una lectura comprensible para el público. Adicionalmente, si se quiere cambiar el punto de vista del soldado, como lo es en esta toma, deben haber puntos de referencia visibles para saber dónde está el soldado con respecto a la explosión. Por ejemplo, se puede notar que la C está detrás del soldado en ese disparo. Entonces ya sabes que en ese disparo específico, la explosión está en el lado derecho. Entonces volviendo al tema de la explosión, se puede notar que todas las imágenes que están representando la onda explosiva están representando una onda que se mueve hacia el lado derecho. Entonces, para poder hacerlo, se supone que algunos de los clips deben ser volteados con un efecto correspondiente De la misma manera que lo hicimos en la escena del soldado cruzando las melodías. Y hay que prestar mucha atención a esto porque se trata ese tipo de cosas que inconscientemente perciben el público Y recuerda que si no quieres voltear las imágenes, Dentro del marco, debe haber señales. Debe haber puntos de referencia que indiquen dónde se posiciona el personaje. Observe que hasta el niño está mirando al lado izquierdo. Otra razón por la que en este caso, puedo poner este clip aquí mismo. O sea, el clip donde el soldado está contemplando la explosión, éste es que anteriormente hay toda una escena donde el soldado está contemplando el desierto desde popa Apenas unos segundos después de que estallara la bomba. O sea, si volvemos a la escena aquí anteriormente, puedes notar que el soldado está mirando el desierto desde ese punto de vista, y puedes notar que la s está detrás de ellos. Entonces, aunque la onda explosiva se mueve hacia el lado derecho, tenemos ese punto de vista que nos hace entender que el soldado está ahí contemplando la explosión desde ese punto de vista Entonces, en conclusión, creo que este ejemplo es perfecto para explicarte esto, y creo que esto es valioso para ti para crear tal vez una escena de carrera de autos o una persecución en una escena y en la Calle A, siempre debes seguir la misma dirección en la progresión de acciones en una escena. Entonces, si quieres cambiar esa dirección, se supone que debes justificarlo. Y el medio que se supone que debes usar para hacerlo es para justificar el cambio de dirección o simplemente como agregar punto de referencia al marco. Como en este ejemplo, donde el soldado está mirando el desierto con el mar detrás de ellos. O sea, puedes crear una escena donde un auto esté probando otro auto, y puedas jugar con diferentes puntos de vista en cuanto a cinematografía Pero si el espectador es capaz de entender cuál es la dirección en la que se dirige el auto en la escena, no habrá problema. Eso quiere decir que hay suficientes puntos de referencia. Así que trata de recordar esto, trata de poner todo esto en práctica, y te veo en la siguiente lección. 9. Mejora de los alcances de Sky Lumetri y la secundaria HSL: Hola a todos. En esta lección, vamos a sumergirnos en una poderosa herramienta para editar el atardecer y mejorar el aspecto de los cielos en nuestro tage El Cortador HSL corrige en el cortador métrico Adobe Premier. Pero también puja en una inmersión en cómo usar correctamente los alcances lumetri El corrector de color HSL es una herramienta que nos permite ajustar selectivamente el color de vitage Nos da un control preciso sobre la tonalidad, saturación y luminancia de cada color en C. Cuando se trata de hacer cine, puestas de sol son momentos mágicos llenos de colores favorables y cambiantes Sin embargo, a veces nuestras cámaras hechas captan con precisión la belleza de esos dedos de los pies. Aquí es donde entra en juego el corrector de color HSL. Nos permite realzar el color de la puesta de sol, pero ajustando el matiz para que los tonos sean más cálidos o fríos según nuestra preferencia. Adicionalmente, podemos aumentar la saturación para hacer los colores más vivos y atractivos sin perder campo natural del mar Por último, podemos ajustar la luminancia para resaltar áreas iluminadas por el sol y agregar más profundidad al cielo Pero vayamos al estreno de adoble para entender la herramienta lumroscopio y la Hola otra vez. Creo que el tema principal, el tema principal a abordar a hora de crear a hacer corrección de color es aprender a usar los alcances Lumetri Entonces los alcances lumetri es una herramienta que me permite analizar el espectro de luz en Esto lo expliqué en mi otro curso de edición cinematográfica, pero me parece muy agradable volver a verla con otro ejemplo. Entonces aquí vamos a abordar esto nuevamente para entenderlo muy bien. Entonces aquí tenemos el metraje, el futage crudo de esta parte del video musical Voy a llevar a donde estoy cantando. Entonces este primer clip es la imagen sin filtros agregados. Es decir, la imagen en bruto. Y este es otro es el mismo clip con la corrección de color. Entonces lo que quiero hacer es mostrarte cómo es la reacción de los alcances lumetri a medida mejora la corrección de color editando Entonces es una lección bastante interesante. Así que vamos por los alcances lumetri de aquí. puedes encontrar fácilmente, cerca del panel de control de efectos. Entonces el limeroscopio es una especie de analizador de frecuencia de sonido, pero en términos de luz en color Entonces voy a mover el courser en el primero el clip crudo. Entonces como la imagen no tiene corrección de color, quiero decir, está desaturada Los colores no son demasiado brillantes, nada. Se puede notar que en el espectro en los alcances de cal, hay una especie de nube flaca que se extiende hacia los sitios Pero no es sentir en absoluto todo el espectro de luz. Entonces esta imagen sólo está tocando algunas frecuencias de luz. Esos colores y frecuencias relacionados con lo que estás viendo en el monitor, ¿sabes? Pero puedes notar todo el espacio que queda aquí. Espectro. Pero presta atención a lo que sucede cuando mueves el cursor al otro clip. Presta atención a la diferencia. Se puede notar que la franja está sintiendo todo el espectro porque a lo largo de todo el fotograma, el color está saturado es lo suficientemente brillante como para sentir todo el espectro. Esa distorsión que está en la mitad del espectro es la representación en ese lenguaje del personaje en medio de la imagen. O sea, el personaje tiene una camisa negra, y el traje es verde, pero es un oscuro y verde, ¿sabes? Entonces la franja en el espectro se pliega hacia el tous negro Pero lo más importante es que en realidad la corrección de color de la imagen es hacia colores cálidos, pero tiene una corrección de color adecuada, y esa es la razón por la que está sintiendo todo el espectro. Volvamos a revisar la imagen en bruto. Se nota que está demasiado pálida, y esa es la razón por la que esa raya es demasiado flaca. Entonces ahora vamos a crear una especie de corrección de color. A este encuadre a esta toma para enseñarte a usar la corrección de color correctamente de una manera fácil y usando como pauta, los lumetroscopios Entonces comencemos por agregar niveles plug in, y voy a mover un poco la entrada negra un poco y la entrada blanca también. Quiero decir, voy a aumentar la cantidad de luz y la cantidad de contraste con la imagen. Ahora presta atención a cómo cambia el lumetrocopio moviendo estos parámetros Observe cómo la franja se ensanchó bastante, ya que al agregar contraste y luz, los colores mejoraron automáticamente Quiero decir, se volvieron más brillantes. Entonces, al establecer correctamente la cantidad de luz o contraste que pueda tener la imagen, estamos mejorando el rango dinámico de la imagen. Entonces, por ejemplo, si no puedes permitirte un buen monitor, te recomiendo encarecidamente que sigas los metroscopios leo para llevar a cabo una correcta corrección de color Entonces voy a agregar el resto de los plug ins que tenía esta imagen. Por ejemplo, esta puesta de sol. Yo usé esto para mejorar la apariencia de ese cielo. En el fondo. Entonces, en la medida en que agrego efectos, los alcances del metro li van a cambiar Entonces voy a buscar el atardecer aquí en el efecto ser. Por aquí, Perfecto. Y voy a cambiar la configuración por defecto. Déjame mencionar que vas a ver en detalle displgin sunset en otra lección Pero lo que quiero mostrarles es la reacción de los metroscopios leu al agregar este efecto Básicamente, el displgin ayuda a mejorar la apariencia general del disparo Es como si se tratara de una especie de filtro, estoy mejorando el color del cielo, agregando una especie de bala azul por allá. Y también puedo agregar otros colores al fondo de la imagen. Y lo más interesante es que, aunque no tengas un cielo azul, puedes crear una especie de cielo azul agregando este efecto. Por lo que es una de las herramientas más útiles de esta suite de bares. Entonces, por ahora, solo presta atención a los cambios en la imagen para entender la comparación entre las dos imágenes, las dos tomas. Esta estás mejorando y otra que ya está corregida. Entonces vamos a los lumetroscopios, y ahí estás. Mira esa raya. Tan diferente. Entonces ese plug in realmente mejoró el rango dinámico de la imagen. Pero trate de prestar atención a lo que está mostrando el monitor y el monitor del programa. Nos estamos acercando cada vez más. La sección superior del espectro corresponde a las luces. Entonces voy a aumentar la cantidad de luz de toda la imagen, y vas a notar la diferencia en los metroscopios liu. Y ahí estás. La franja se está acercando a la sección superior del espectro. Eso es muy importante porque si no tienes un monitor de buena calidad, quiero decir, un monitor físico externo, el metroscopio leu te va a ayudar a alcanzar la cantidad adecuada de luz Pero presta atención a esto. Esto no quiere decir que se supone que debes llenar todo el espectro siempre. Esto es una especie de subjetivo. La corrección de color siempre es subjetiva. La corrección de color es un toque personal. Pero creo que en cuanto a rango dinámico y luz, se supone que debes tener una configuración general que pueda adaptarse a todos los dispositivos. Entonces, sigamos realizando esta corrección de color. Ahora vamos a probar una pequeña sección del cielo, esa sección de fondo donde la luz recoge entre las nubes. Y en realidad, con sólo agregar ese detalle a la imagen a la corrección de color, los alcances del medidor, van a cambiar drásticamente Así que vamos a agregar el corrector de color HLS por aquí. Vamos a añadir el color lumetri. Como sabéis se trata de un plug in original de Adobe Premiere, una herramienta muy útil, en realidad. Entonces voy a arrastrar el hecho por aquí. Perfecto. Entonces vamos a la cima aquí, secundaria HSL. Y ahora vamos a seleccionar el color específico S en el cielo que vamos a cambiar. Es decir, esta parte del cielo cerca de las montañas, donde la luz del sol alcanza su punto máximo, ¿sabes? Lo que quiero hacer es una especie de efecto como si la luz del sol estuviera directamente por ahí. O sea, como si el sol mismo estuviera escondido detrás de las montañas. En realidad, en este otro clip se ve así . Observe la diferencia. Entonces como te dije, vamos a la secundaria HSL. Entonces vamos a ir a este cuentagotas de aquí. Y luego vamos a dar click en el color específico de S que queremos cambiar. Entonces este plugin automáticamente va a crear una máscara. Y en realidad, podemos elegir cómo se va a mostrar esta máscara en el monitor. Por lo que la sección blanca en el monitor son esos tonos específicos que van a verse afectados por esta corrección de color. Se puede ver en el azul en que hay tres líneas. El primero, g corresponde a los tonos gamma, el segundo a la saturación y el tercero a la luz. Pero presta atención porque no estoy moviendo la corrección de color. Estoy poniendo la máscara con más precisión moviendo los favores. Entonces moviendo esto, puedes cambiar la cantidad de luz que la máscara va a seleccionar en la imagen. Entonces de cierta manera, es una especie de máscara, no tener que crear un polígono en absoluto Así que una vez que terminemos de crear esta selección, podremos pasar a esta otra sección que son las herramientas de corrección de color. Y por ejemplo, podemos mover la temperatura. Observe la diferencia en el monitor. Podemos mejorar el color moviendo también esta rueda por aquí. Puedes tocar cualquier color que quieras, en realidad. Puedes moverte para vestir rojos, para vestir amarillos y azules Pero obviamente, debes tener ciertos clanes moviendo esta rueda, estos colores. En realidad, puedes experimentar moviendo esto. No hay nada establecido a la hora de crear corrección de color. En otro consejo es directo moverse poco a poco, cada parámetro único. Echemos un vistazo al otro clip. Obviamente, la otra corrección de color es más brillante, más iluminada. Pero la corrección de color que estoy haciendo en este momento también es bastante interesante. Se puede notar que el color del cielo en esa parte donde el sol recoge entre las nubes realmente parece como si el sol estuviera escondido detrás de esa montaña, ya sabe. Ahora voy a desactivar este último efecto. Para que notes la diferencia, ya sabes. De hecho, es muy interesante en esto porque esta imagen realmente parece que tiene más rango dinámico que la otra. Es decir, desde mi punto de vista, tiene más colores que el otro. Pero el metroscopio leu indica que el otro tiene más rango dinámico Y eso se debe a que el otro tiene una mejor configuración de iluminación. Por lo que es demasiado importante tomar en cuenta esos parámetros para tener una corrección de color adecuada. Pero no seas demasiado estricto con esto porque la corrección de color es bastante subjetiva. Entonces lo que estoy tratando de decir es que a pesar de que el limeroscopio está indicando que la imagen no está sintiendo todo el espectro, tal vez tu imagen se ve bastante bien en términos de Entonces, todas estas herramientas de corrección de color son en realidad dispositivos creativos para hacer cine que te van a ayudar a contar historias Entonces volvamos a echar un vistazo a la imagen en bruto. Ahora, vamos a activar nuevo todas las ginebras azules que agregamos antes. Creo que es una diferencia dramática en términos de corrección de color. Por otro lado, te recomiendo encarecidamente que utilices como fuente de inspiración pinturas, pinturas barrocas, pinturas renacentistas, etcétera Creo que no hay mejores referencias que las para crear extraordinarias correcciones de color. Ver películas de grado también es una buena estrategia. En resumen, el corrector de color HSL y el color lumétrico es una herramienta invaluable para mejorar la apariencia de las puestas de sol y sus formas en corte. Nos permite realzar el color en saturación de grasa y adjaz aluminoso para crear unas imágenes impresionantes y memorables Así que la próxima vez que te encuentres editando una puesta de sol, no olvides aprovechar al máximo esta poderosa herramienta. Pero te voy a mostrar un ejemplo del uso de esta técnica en esta escena de la película Benjamin Button. En esta escena, la canción en realidad no era de ese color. Es decir, ciertas partes del atardecer se modificaron cambiando su color para que pareciera que Songlight estaba exactamente ahí Prueba de ello es que Songlight no reflexiona sobre la escena ni sobre los objetos Sin embargo, se ve genial. Ya que toda la escena es hermosa. Además el público no está al tanto de esos detalles, ya sabes, sobre todo cuando la película es genial, la historia también es genial. Entonces espero que esta lección te haya resultado útil y que estés listo para aplicar estos conocimientos a tu proyecto redondo de edición de video hasta la próxima vez. 10. Filtro de puesta de sol Sky Boris: Hola, gente. ¿Cómo está pasando? En esta lección, vamos a sumergirnos corrección del color del cielo usando el efecto Boris, una herramienta increíblemente útil en la edición de video La idea es darle a nuestras escenas un aspecto más pulido y realista ajustando el color del cielo para que se ajuste mejor al estado de ánimo que queremos transmitir en la historia. Pero, ¿por qué es esto tan importante? Bueno, el cielo puede tener una gran influencia en la atmósfera de Aosine Puede hacer que Aosine se sienta más blanca y feliz con un cielo azul claro o más oscuro y un más tenso con un cielo oscuro de ropa Por lo que dominar una corrección del color del cielo nos da un nivel extra de control sobre los sentimientos que queremos transmitir en la historia en el proyecto general El efecto Boris nos ofrece algunas herramientas increíbles para hacer esto. Con cosas como la gradación del atardecer y los filtros, podemos ajustar el color y el tono de los cielos con mucha precisión, dándonos una tremenda flexibilidad en términos de creatividad y estilo Pero, ¿cómo se ve esto en la vida real en la práctica? Bueno, si echamos un vistazo a películas como Mad Max Fury Road, podemos ver cómo la corrección del color del cielo realmente puede transformar una escena En esa película, el cielo rojo polvoriento contribuye en gran medida a la atmósfera post apocalíptica y al sentimiento de desesperación Entonces en esta lección, vamos a sumergirnos en cómo hacerlo nosotros mismos. Te voy a mostrar un paso, paso, cómo puedes usar herramientas de efecto orificio para ajustar el color del cielo en el acné y darle el aspecto exacto que estás buscando. Pero vayamos al Adobe Premiere para ver esto en detalle. Entonces volvemos a estar aquí en el estreno de Adobe. Lo que vamos a ver en esta lección. Vamos a aprender a usar lo que yo llamo digital y filtros mediante el uso de un plugin específico de la suite Boris Entonces, ¿qué es lo más importante a la hora de crear una corrección de color y a la hora mejorar la apariencia del cielo de cualquier toma En primer lugar, debemos aprender qué es A y filtrar. Y los filtros se crearon en el siglo pasado cuando los dispositivos digitales no existían. Es decir, herramientas digitales como computadoras para crear corrección digital de color. Entonces ya que el montaje en ese momento era completamente analógico, fin de crear esa apariencia de los cielos que estás viendo en la pantalla que estás viendo en que estás viendo Fue necesario agregar filtros a la cámara para crear ese look que estás viendo en la pantalla. Entonces los filtros son como geles que están encima de la lente que distorsionan el color de la imagen para encontrarse con una apariencia real directamente en la cámara en la grabación Entonces puedes notar en los diskis por ejemplo, que hay una especie de gradiente que se mueve de azules a amarillos, Y si hubieras prestado atención al cielo en tu vida diaria, notas que el cielo se ve así Es decir, es completamente normal que puedas notar toda esa gradación de colores en el cielo. Por ejemplo, se puede notar aún más este disparo donde las fallas caen al suelo Aquí se nota que hay un azul en la parte superior, y hay otro tono pálido en la parte inferior. Pero como sabes, cuando estás en el rodaje, no siempre el cielo se ve así. Es decir, no siempre hay condiciones que hacen que el cielo se vea así. Así que trata de imaginar que H hace ocho años cuando no había todos los dispositivos que existen hoy en día. Por lo que los filtros D en ese momento eran una herramienta estratégica para lograr una imagen con alto rango dinámico de color. Entonces incluso aquí en esta toma que parece desaturada, también existe este efecto para mejorar el color del cielo Sé que es un efecto sutil, pero está ahí. Está ayudando a que la imagen se vea profesional. Entonces hoy en día existen herramientas para lograrlo no usando filtros físicos D. Por otro lado, es importante recordar algo importante. El cine es un arte de contar historias. Lo más importante es contar una historia. Y no importa si es una historia corta o una gran historia. Por lo que la corrección de color también es una herramienta narrativa. Entonces, si necesitas realzar el cielo para contar una historia, una parte específica de la historia, trata de sentirte libre de usar esta herramienta. Pero si no encuentras necesario cambiar el color del cielo, para contar tu historia, no tienes que hacerlo. Entonces comencemos con esta toma. Mira esta toma. Esta es la apariencia cruda de esta toma. Se puede notar que tiene una especie de apariencia pálida, y también se puede notar que no hay un alto rango dinámico de color en el cielo. Por lo que esta apariencia carece profundidad en cuanto a cinematografía Entonces se supone que debemos arreglar eso para que esta imagen luzca profesional. Entonces te voy a mostrar un ejemplo que yo había creado no es lo mismo que el video musical, pero también es muy bueno. Entonces, presta atención a lo dramática que es la diferencia. incluso puedas sentir la distancia entre la última nube en el horizonte y el personaje. No he agregado este tipo de corrección de color al video musical porque tuve que agregar un efecto especial por ahí. Me refiero a la explosión de la atómica. Por lo que las condiciones de explosión son diferentes en términos de iluminación. Se supone que toda la escena está completamente enuminada Eenteramente quemada Pero si comprobamos el último disparo antes de la explosión por aquí, éste, por ejemplo, éste, se puede notar que el cielo tiene esta corrección de color de una manera sutil. De hecho, podemos ir al panel de control de efectos. Y comprueba que tenga el efecto atardecer. Pero como te dije, en cuanto a la narración, este video musical era diferente Quería crear un efecto de la Segunda Guerra Mundial. Por lo que el video musical tuvo que ser exagerado en cuanto a color Entonces esa es la razón por la que estoy usando otro ejemplo, otra corrección de color para mostrarte cómo usar esto y el efecto de filtro que en realidad se llama filtro de puesta de sol. Pero hay una diferencia notable entre la imagen del video musical y el metraje crudo de aquí. Entonces el ejemplo que estoy usando aquí, he exagerado el efecto de color para mostrarte cómo usarlo Por otro lado, trata de recordar que una buena cinematografía depende de varios factores Y uno de esos factores es la corrección del color. Entonces se supone que debes cuidar equilibrio y la iluminación también. Entonces empecemos entonces, lo que voy a hacer primero, vamos a ajustar los niveles en cuanto a iluminación. Entonces voy a usar el mismo clip. Voy a despejar el efecto atardecer aquí en el efecto panel de control, y voy a trabajar en el efecto de nivel. Entonces aquí tenemos el nivel de la suite Boris, pero también hay otro efecto de nivel estreno del DoV, para que puedas usar lo que quieras Por cierto, no estoy moviendo muchos detalles de niveles. Solo estoy ajustando los niveles oscuros desde la línea de entrada negra. Sólo estoy moviendo este fallo a la derecha donde se puede notar que hay un contraste adecuado en la imagen. Creo que así es bastante bueno. Recuerda lo que hemos visto en la última lección con los alcances del metro leu, tenemos que probar los niveles para mejorar el rango dinámico de colores Entonces lo siguiente es agregar el efecto sunset por aquí. Entonces puedes darte cuenta de que la configuración del pliegue es como Marte. No necesitamos eso en absoluto, por lo que debemos modificar los ajustes para crear la apariencia que queremos. Creo que este plugin no es tan difícil de usar, ya sabes, los criterios son lo más importante a la hora de modificar estos parámetros. Entonces, lo que realmente hace este complemento es agregar una especie de filtro de triple banda. El plugin divide la imagen en tres franjas horizontales. Entonces este marco que ves aquí es la zona afectada por la ginebra azul. Entonces esta es la franja superior por aquí que es algo roja que puedes ver aquí. En el medio hay una franja naranja, y en la parte inferior, hay una franja amarilla. Entonces, por cada franja, puedes cambiar tanto el color como la intensidad. Entonces comencemos con la intensidad. Puedes notar la diferencia, ya sabes, y la intensidad del amarillo y el naranja. Podemos cambiar el color también a este azul. Observe la diferencia. Esto es amarillo. Y podemos cambiar la franja superior a azul. Como quieras, puedes experimentar en realidad moviendo estos parámetros, ya sabes. Eso es lo que te dije que si has visto pinturas como pinturas rupestres y pinturas renacentistas, pinturas realistas, puedes reunir suficientes fuentes de inspiración para modificar mejor estos parámetros. Por ejemplo, voy a mover el cielo a colores azul claro y notar que me parece bastante interesante. Voy a cargar intensidad. Y fíjate en la diferencia. Se ve bastante bien. Pero como el sol está en colores más oscuros, podemos mover esa franja a colores rojos. Y puedes notar lo fantástico que parece este letrero porque en realidad, cuando el sol está mojado, se ve así, una especie de marrón, de colores marrones más oscuros. Creo que en términos de alto rango dinámico, es una gran diferencia entre la imagen en bruto y la imagen con este filtro. Es solo un plugin increíble. No necesitas un monitor de dos k dólares para crear una gran corrección de color. Pero usando correctamente estos plugins, puedes encontrar un resultado profesional. Adicionalmente, debes recordar que incluso en el mismo trabajo, no siempre la iluminación es la misma. Es decir, hay varias etapas a la luz del día. La tarde, por ejemplo, tiene una cantidad específica de luz, una cantidad específica de colores, y también el atardecer es diferente, el plumón es diferente. Debes tener en cuenta todos estos factores a la hora de sumar. Este filtro, este filtro de puesta de sol. Por ejemplo, aquí, en el video musical, hay diferentes tonos en los cielos En esta etapa del video, la historia se desarrolla por la tarde, por ejemplo. Entonces el color del cielo se satura para representar esa cantidad de luz. O sea, en esta parte de la historia es totalmente afternana. Para que puedas notar el cielo, y el cielo azul está por ahí. En los hijos superiores, esa primera franja es azul. Pero cuando estamos llegando a la mañana es diferente, está más desaturada, y ese gradiente está menos estresado. Es más sutil. Se puede notar que por aquí está hacia el verde, pero un verde sutil. Hay otro detalle importante sobre esta técnica y es que puedes mezclar este azul con máscaras. Es decir, eres capaz de crear una máscara en una zona específica dentro del marco, afectando con ello sólo esa parte del disparo. Entonces veamos un ejemplo con la imagen en la que estamos trabajando. Si queremos cambiar solo el color del cielo, podemos crear una máscara por aquí. Entonces vamos al azul, que es éste, éste. Das click en el bolígrafo y nosotros creamos la máscara sobre el lugar que queramos. Entonces punto por punto, vas a crear la máscara. Pero el problema con este proceso es que cuando se quiere cambiar dramáticamente el color del cielo. La diferencia entre el color del cielo y el resto de la imagen va a parecer algo extraña. De modo que se supone que esa corrección de color que estás haciendo en el cielo es lo suficientemente sutil como para evitar el espectador note esa corrección de color. Entonces trata de mover todos estos parámetros, la pluma, la expansión en la máscara para hacerla real para que se vea natural. Se supone que el cielo se mezcla con el resto de la imagen. Por ejemplo, aquí, el efecto atardecer está afectando sólo al cielo, pero el borde de abajo no es dile Entonces debemos tratar de difundir esa frontera. A veces parece muy fácil, pero a veces no es porque todo depende del tipo de corrección de color vayas a poner en el s, toda esa zona abajo. Siempre te digo que la corrección de color es experimentación. A veces puede verse mejor haciendo una máscara que afecte en el cielo. Creo que esta es una de las ginebras azules más importantes de esta suite Boris Pero todo depende de las decisiones detrás del uso de este plugin. O sea, el problema no es lo complicado que es usar este plugin. El truco radica en seleccionar el mejor tono para el cielo. Es decir, hay películas de 70 y 80 que tienen mejor cinematografía y corrección de color que algunas películas de hoy Porque tal vez en esa película de los 80, están usando el filtro más adecuado, mejorando así mejor el color del cielo. Por supuesto, no aplicar nada digital. Cuántas películas has visto Netflix o alguna plataforma que tenga una corrección de color horrible. Y tienen todos los plugins y más, pero no están tomando las decisiones correctas detrás del uso de esto. Ya sea mejorando la belleza natural del paisaje o agregando un toque dramático a la eosina Esta herramienta nos permite expresar nuestra visión de manera llamativa y efectiva. Otro ejemplo de cómo la corrección del color del cielo puede potenciar la eosina se encuentra en la película jangle dirigida por Quentin Específicamente en estas escenas donde los personajes están viajando a caballo, se utiliza una corrección de color como si fueran los filtros, exactamente igual que el efecto generado por la puesta de sol b lougin de la suite Bors puede ver que se ve muy bien y es bastante similar a lo que estábamos haciendo. Entonces, al dominar las técnicas de corrección del color del cielo con Boris fx, expandimos o creamos incendios como creadores de campo y narradores, lo que nos permite llevar nuestras producciones a un nuevo Espero que esta lección te haya resultado informativa e inspiradora, y te animo a que sigas explorando y experimentando con las herramientas de corrección de color OSs para descubrir nuevas formas de dar vida a tus proyectos cinematográficos hasta la siguiente lección. 11. Restauración de material grabado/metraje subexpuesto: Hola a todos. En esta lección, vamos a explorar estrategias efectivas para la recuperación y el metraje oscuro durante el proceso de edición. A menudo, el viento contra situaciones donde el metraje carece de una exposición adecuada, ya sea debido a malas condiciones de iluminación o ajustes inapropiados de la cámara. Pero no te preocupes. Con las herramientas adecuadas y una buena técnica de edición, aún podemos lograr resultados impresionantes. En el cine, la técnica de reducir el contraste en los pecados oscuros es comúnmente utilizada para asegurar que las acciones sean claramente visibles para el público. Cuando una escena se desarrolla en condiciones de poca luz, como un dsk o interiores poco iluminados, es crucial mantener la claridad visual para que el público pueda seguir la narrativa Entonces, al suavizar el contraste y levantar las sombras, se logra una imagen más uniforme en la que no se pierden detalles importantes en la oscuridad. Esto es especialmente importante en escenas de acción y suspenso donde cada movimiento y gesto de los personajes puede tener un impacto significativo en la trama Pero voy a mostrarte un ejemplo al respecto. En la película terminator dos, específicamente en esa escena donde Sarah Connors conducía hacia la casa de Miles Dyson Los cineastas optan por utilizar la reducción del contraste para asegurar la claridad visual en medio del crepúsculo Esta decisión fue crucial para mantener la extensión de Aliens y asegurar que las acciones de Sarah Connor fueran fácilmente visibles en la oscuridad del anochecer Al suavizar el contraste, se resaltaron el movimiento y los gestos de Sarah, intensificando así la sensación de peligro y urgencia en esa escena Esta es una aplicación estratégica de reducción de contraste, demuestra cómo los cineastas pueden utilizar técnicas visuales para mejorar la narrativa y crear una experiencia más inmersiva y emocionante Hoy, nos centraremos en usar los diversos enchufes de reducción de ruido, corrección de color adecuada y edición inteligente para salvar esas imágenes oscuras. Pero veamos cómo hacer esto en el estreno de adobe. Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno B. Recuerda, eso es más importante para prevenir este tipo de problemas, ya sabes. Se supone que debemos encargarnos de esos detalles de iluminación de la configuración de la cámara evitando también este tipo de problemas. Es decir, este tema sobre forzar la imagen, forzar un disparo a alcanzar una exposición que la toma realmente no tiene, siempre será una especie de problema, ya sabes. Pero supongamos que estabas cuidando mucho esos detalles. Pero a pesar de eso, entra este problema. Por lo que el primer paso es estar al tanto de la naturaleza de un disparo subexpuesto. Entonces usemos esta toma como ejemplo. A pesar de que esta toma realmente se ve genial, al menos en términos de iluminación en términos de equilibrio, color. En realidad, yo diría que fue creado en el momento exacto de baja. Es decir, la luz es perfecta. Se ve genial. A pesar de eso, la cámara no se configuró correctamente. Entonces, como consecuencia, se crea ruido en esas zonas oscuras, como se puede notar en la pantalla. Y esto se debe a que la cámara se esfuerza por capturar la luz Entonces esos detalles de fase se pierden en la oscuridad. Entonces bajo estas condiciones, no podremos establecer esta toma con la iluminación que tiene esta otra toma. Esta otra toma fue creada correctamente. Y lo más interesante es que podemos hacer que esta toma se vea como la de abajo expuesta. Por ejemplo, voy a mover los niveles en el plano para que coincidan con el otro en cuanto a iluminación de aquí. Voy a sacar la luz justo en esta pista. Exactamente. En realidad, puedo hacerlo aún más oscuro. Y a pesar de que fue creado en condiciones más brillantes, podemos cumplir con esa apariencia moviendo los niveles. Voy a ascentar a los negros en este tiro para que coincidan con el otro Voy a ir a esta pista de aquí. Estoy exagerando un poco. Necesitamos un poco menos por aquí. De esta manera. Perfecto. Ahora puedes notar que estas dos imágenes comparten la misma apariencia en cuanto a iluminación. Pero con la diferencia, que esta toma tiene más rango dinámico en cuanto a iluminación, debido a que fue creada con los ajustes correctos en la cámara. Pero el problema es que en esta toma, no soy capaz de hacer el proceso contrario. Quiero decir, voy a tratar de levantar la luz en esta toma. Voy al efecto panel de control, y voy a añadir un color lumetri para elevar, por ejemplo, la exposición por aquí Perf. Justo aquí. Así, por ejemplo. Una vez que subas la luz en este tipo de tomas, vas a notar mucho grano en las zonas oscuras. Déjame acercar el monitor. Creo que se puede notar el grano fácilmente. Y no voy a poner el tiro como el otro, ya sabes. En realidad, si prestas atención a esta zona cercana al hombro, puedes notar el proceso de compresión en las zonas oscuras. Entonces volvamos a hacer la comparación. Mira esta toma. Y mira este otro. No es lo mismo, ¿no? Entonces, si quieres solucionar un poco ese problema de grano, puedes usar un enchufe de reducción de ruido. Entonces voy a la respectiva bin aquí y restauración de imágenes de la suite de chicos, y voy a seleccionar este plugin de reducción de ruido. Así que este plugin de reducción de ruido va a tener una especie de configuración predeterminada que va a reducir significativamente el ruido en la imagen. Se puede notar, por ejemplo, en las mejillas, esos pequeños detalles. Voy a desactivar este plug in, para que noten una diferencia Ese es un buen ejemplo, eso se muestra en las mejillas. Por otro lado en el plugin, vas a encontrar varios parámetros. Pero el que te recomiendo encarecidamente que uses es este, suavizado espacial. Así que mientras aumentes la cantidad de suavizado espacial, el plugin va a eliminar el ruido. Pero una vez que llegues a los niveles superiores, vas a empezar a notar otra cosa. Y es que el plugin va a empezar a sintetizar la imagen Es decir, a medida que aumente este parámetro, vas a notar menos detalles en la cara, por ejemplo. Al igual que cuanto más reduzca el grano, menos detalles se verán en la imagen. Entonces en realidad parece que la imagen perdió resolución, como cuando configuras el reproductor Tu a baja resolución. Entonces básicamente, en cada reductor de ruido, vas a perder resolución. No importa de qué marca sea, todas ellas funcionan bajo el mismo principio. Pero por otro lado, tienes otras posibilidades para evitar que el público se dé cuenta de esto. Una de esas estrategias es acortar la duración de esos clips. O sea, si mezclas esta toma con otras, con mejores condiciones de grabación, audiencia no es probable que note este tipo de problemas. Por ejemplo, al escuchar el video musical, la imagen pasa bastante rápido. Por lo que no es capaz de notar los detalles, ya sabe. Entonces me parece realmente genial esta estrategia, pero debes tener en cuenta que necesitas otras tomas bien grabadas para complementar la edición, ya sabes. Pero hay otra estrategia que es tratar justificar el uso de este tipo de iluminación. Así que voy a apagar todos estos plugins por aquí. Entonces vas a intentar justificar en la edición en el montaje, el uso de esta imagen oscura Así se puede ver aquí en el intra en el intra del video musical. Puse todas estas bajo imágenes expuestas. Tratando de no boscosarlos demasiado. Y como no pude elevar la iluminación en esos clips, así que decidí usarlos casi en la naturaleza cruda. Entonces estaba tratando de crear una especie de plumón, ya sabes, uniendo estas tomas y agregando esa imagen del sol corriendo en el horizonte. Entonces, como consecuencia, cuando la gente se encuentre con esta secuencia, no van a preguntarse por qué esas imágenes se ven tan oscuras porque está completamente justificada. En realidad, si esos disparos se hubieran grabado correctamente, todavía habría tenido que hacerlos oscuros para construir la salida del sol. Y por último, a la hora de usar este tipo de imágenes, se supone que debes levantar un poco el punto oscuro en el fetage O sea, puedes notar aquí, por ejemplo, en el chaleco que he levantado los tonos negros, un poco para que se noten. Quiero decir de la misma manera que lo hicieron en esa escena de terminator para, ya sabes, con lado una esquina dirigía hacia la casa de Mel Dinsons Entonces vas a incrementar en niveles el parámetro negro de salida. Entonces, en resumen, recuperar Futage oscuro y editar puede parecer un niño Pero con las estrategias adecuadas, podemos lograr resultados impresionantes. Use herramientas como barras de reducción de ruido, conecte corrección de color adecuada y la edición inteligente para rescatar esas imágenes expuestas y darles vida en su proyecto. Con la práctica y los pacientes, estarás en camino de crear videos visuales de lapidación independientemente de las condiciones iniciales de iluminación Espero que esta lección haya sido útil y que te sientas inspirado para aplicar estas estrategias en tu propio proyecto de edición de video hasta la próxima vez. A 12. Mejora del aspecto cinematográfico de las imágenes de drones: Bien. Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno de Dobby Esta vez, vas a abordar el tema de las imágenes de los drones. Como se puede ver, es una imagen dibujada que se mueve entre los edificios. Y me atrevería a decir que la imagen así como esta se ve poderosa, porque es solo el hecho de que el dron está viajando entre los edificios neoyorquinos, lo que hace que la imagen pase al siguiente nivel. O sea, se grabaría con un smartphone, y se vería genial también. Y esa es la razón por la que enfatizo que lo que estás filmando, lo que estás capturando con tu cámara, es demasiado importante a la hora de hacer cine Adicionalmente, es la suma de varios factores, lo que hace que tu video pase al siguiente nivel. Es decir, mientras estés mejorando pequeños detalles, esos detalles van a llevar tu video al siguiente nivel. Entonces vamos a empezar. Entonces, lo primero que hay que abordar de este video es estar al tanto de la calidad de este metraje. Entonces esta toma, este clip es un video de stock. Y una de las principales características de los videos de stock es que la mayoría de ellos no se filman con dispositivos de alta calidad. Y esa es también la razón por la que no puedes pagarlos. O sea, si se tratara de un metraje dro de un dron de alta calidad, tal vez un solo video de ese tambor probablemente arroje uno k o dos k donantes. Y ese no sería un proyecto de bajo presupuesto en absoluto. Quiero decir, una de las principales características de los tambores de alta calidad es que puedes instalar cámaras de alta calidad en ellos. O sea, el dragón rojo, por ejemplo, o el Sonny FX tres En realidad son cámaras especializadas para trabajar en batería. Es decir, la cámara descansa en una especie de almohadilla o base que está conectada a la aeronave. Y eso le permite instalar una lente de alta calidad, por ejemplo, capturando así un paisaje de alta calidad. Y la razón por la que cuestan mucho es porque no todos son capaces de manejar esos dispositivos para pilotar ese tipo de aviones. Es decir, se necesita una formación, calificaciones, certificaciones oficiales, etcétera Sin mencionar que también necesitas un permiso y autorización, etcétera Y eso tiene un impacto significativo en tu presupuesto. En realidad, en el otro video de la historia del soldado, quería rentar un dron de alta calidad, pero eso estaba fuera de mi alcance. Entonces vamos a comenzar haciendo una comparación entre la calidad de esta imagen de dron y la calidad de la cámara que usamos para filmar el video. Entonces, si hubieras tomado el otro curso, sabes que usamos una lente de fotografía, supongamos lente que va desde 35 milímetros hasta los 17 milímetros. Entonces aquí tenemos dos clips, dos muestras. Yo diría que el primer ejemplo es de 50 milímetros, y este otro obviamente es de 17 milímetros. Así que trata de imaginar que puedes instalar esta cámara en un dron, y tu dron futage se va a quedar así Sería increíble, en realidad. Porque debido a la distancia focal, todos estos efectos aparecen en la pantalla. O sea, la ventana es azul, pero puedes cambiar la más azul y hacer que el edificio en el fondo también se difuminara Por lo que esta característica de una cámara profesional, esta característica no está disponible en drones de gama media, ya que todos ellos cuentan una cámara incorporada que facilita grabar video mientras vuela. Y también, el tamaño del dron es importante en estos términos. Los drones de rango medio son más pequeños, obviamente. Entonces podemos hacer la comparación. Veamos la otra imagen. Este, se puede notar una diferencia. La cantidad de detalles en el fondo los edificios no es lo mismo que en el árbol FX. Sé que un usuario común y el público común no es probable que se den cuenta de esto. Pero creo que la distancia focal, el foco y el blurt son significativos en esta comparación Por ejemplo, en este clip de la cámara de árbol FX, puedes notar que el fondo, puedes notar una parte de la ciudad. Pero esa parte de la ciudad, está un poco desenfocada. Es un efecto sutil, pero está ahí, y es el subproducto de usar una lente profesional Se puede notar que la ventana está enfocada, pero el fondo no lo está, al menos menos enfocado que la ventana. Y eso crea un efecto cinematográfico al metraje. En realidad, en la medida en que los edificios están más alejados, están más desenfocados. Pero aquí en la imagen dibujada, las condiciones son diferentes. La cámara simplemente enfoca todo dentro del marco Esta característica particular siempre está presente en videos no profesionales. En realidad es una gran diferencia porque hay una distancia significativa entre los edificios cercanos al dron y esos edificios en el fondo. Entonces, lo que estoy tratando de enseñarte en esta lección es cómo ocultar esa característica. La estrategia para crear ese efecto no es tan difícil. Pero es una estrategia importante que debes conocer para llevar tu video al siguiente nivel. El resultado que queremos conocer es este. Aquí en este ejemplo, el fondo está fuera de foco. Es un enfoque aplicado manera sutil para crear ese efecto de la lente profesional. Por ejemplo, presta atención a ese rascacielos de fondo, el edificio Crisle, presta atención a lo desenfocado que está e intenta hacer la comparación con los edificios cercanos a la cámara, cerca de la Entonces lo que tenemos que hacer es mantener esos edificios a los lados enfocados completamente enfocados, y los de fondo, Focus. Sé que puedes notar que hay una especie de corrección de color, pero lo más importante esta vez por esta imagen es el tema de enfoque. Entonces, ¿cómo podemos resolver esto? ¿Cómo podemos arreglar esto agregando una máscara simplemente azul? Entonces voy a dar click aquí en el efecto correspondiente en el panel de control de la alimentación, y ahí estás. Esta es la máscara. Todo dentro de esa máscara está fuera de foco. Entonces el desenfoque está afectando a una zona específica dentro del marco. ¿Y qué es ése? Todo lo que está después de esos edificios, y puedes notar que la máscara se adapta al dron viajando. Eso es muy importante porque en la medida en que el dron se acerca a los edificios, los edificios cambian en cuanto a tamaño. Pero presta atención, no estoy tratando de decir que esta es la apariencia exacta de una cámara profesional del árbol FX, por ejemplo. Porque con una lente profesional, por ejemplo, el edificio fondo, el Chrysler, estaría más desenfocado que aquellos edificios cercanos a estos dos grandes edificios cercanos a la cámara. Quiero decir, esa sería la progresión de enfoque de una lente profesional. Pero al agregar este efecto, podemos intentar alcanzar ese nivel, ya sabes, al menos en un punto de vista general. Entonces comencemos entonces, vamos a buscar el desenfoque gaussianm Vamos a buscar el gaussianm siendo En realidad, el frijol se llama desenfoque y nitidez es un efecto que pertenece a La o suite también tiene su propio desenfoque. Pero vamos a usar esto porque es más fácil de usar y más práctico. Entonces hemos agregado este efecto al clip, y vamos a mover este parámetro por aquí para aumentar la cantidad de gripe en la imagen. Para que notes la diferencia. Voy a asumir en la imagen, para que puedas notar mejor la diferencia. Es muy importante recordar que debes tener buenas referencias porque debes tratar de averiguar cuál es exactamente la cantidad de gripe necesaria para mejorar esta imagen. Estoy jugando con este fa para que notes una diferencia, pero vas a enfrentar esto por tus propias obras, ya sabes, así que en la medida en que veas muchas películas con paisajes, con lentes de alta calidad, que van a darse cuenta y descubrir y reconocer cómo se supone que se ve más azul de fondo, por ejemplo Pero vamos a concentrarnos y lo que queremos hacer es tratar de azular el fondo Después de esos dos edificios. Creo que justo aquí, el azul es perfecto Se podría decir que puede agregar un poco más, pero puede que no. Porque en realidad los dos edificios a los lados están enfocados completamente enfocados. Entonces ahí en el fondo no se supone que sea un dramático fuera de foco, al menos en esos pequeños edificios después de estos dos edificios, incluida la calle. Pero si fuera otro caso donde, por ejemplo, aquí, esta ventana aparece cerca de la cámara. Las condiciones son diferentes porque la distancia entre la ventana y el fondo es mayor. Entonces, si fuera en ese caso, se supone que la cantidad de piso es mayor. Pero como no es ese caso, la cantidad de flúor que se supone que debemos agregar no es tan drástica Entonces, una vez que hayamos seleccionado la cantidad adecuada de flúor, debemos crear la máscara Así que damos click en esta sartén de aquí y vamos a crear la máscara paso a paso. Por lo que debemos tratar de seguir el edificio H la frontera para seguir la línea por aquí desde este punto. Después seguimos a este siguiente punto. Y ahí estás toda la máscara. Hemos seleccionado en el fondo. A continuación, debemos activar la ruta de la máscara, aquí la automatización. Por aquí, y ya tenemos el marco clave en la línea de automatización. Entonces ya tenemos una aproximación de cómo se ve. Voy a activar la máscara. Me refiero al polígono, y voy a aumentar la cantidad de flúor, que puedas notar más la diferencia Obviamente, estoy exagerando la cantidad de flúor, pero lo que quiero que noten es que hay una diferencia entre los edificios en los sitios y el fondo, ya sabes Entonces otro elemento importante es establecer la cantidad de pluma para hacer que la máscara se fusione con la imagen. Por aquí. Pero obviamente, debemos disminuir la cantidad de señuelo en el fondo. No es tan natural. Creo que el punto exacto no es tanto. No son 17, definitivamente. Creo que es una especie de 12. Por aquí. Pero insisto en que es una especie de subjetivo. Si crees que se ve mejor con más azul, siéntete libre de tomar tus propias decisiones Todas son decisiones creativas, ya sabes. Ahora vamos a volver a hacer clic en la máscara, y debemos intentar crear la línea de automatización porque el edificio está cambiando de tamaño mientras el dron está viajando, ya sabes. Entonces nos movemos a otro punto y modificamos la máscara siguiendo el borde de los edificios. Por lo que el borde de los edificios es la guía para hacerlo correctamente en cada punto. Preste atención a lo que estamos haciendo aquí porque estamos tomando decisiones que no están relacionadas con lo sofisticado que es el software. Es decir, hay muchos programas que tienen este tipo de efecto, un azul, después de x, buceo, queso, sonny Vegas Entonces el truco es seleccionar cuál es el efecto más apropiado para tu metraje e incluso la estrategia más adecuada para mejorar los colores y la apariencia de tu metraje. Entonces estamos siguiendo la creación de la máscara. Debemos tener paciencia, siguiendo las líneas, siguiendo la edad del edificio, tratando de no sobrepasar demasiado los edificios. Tienes el parámetro feather, por cierto, para hacer que la máscara se fusione con la imagen. Así que no te preocupes demasiado para ser precisos. No tenías que ser exactos con esto. Perfecto. Veamos cómo se ve el movimiento de la máscara. Me parece muy agradable. Pero creo que necesitamos un marco clave más al principio por aquí. Entonces veamos cómo se ve el movimiento de la máscara. Se ve muy bien. Y además, la cantidad de señuelo se ve muy bien. Es importante recordar que cuando la gente está viendo el video, mayoría de ellos van a pensar que es la misma cámara todo el tiempo. Entonces, si añades elementos a tu futage a tu edición que hagan creer a la gente que están contemplando las mismas imágenes en términos de calidad La experiencia de ver el video será más grabadora y enriquecedora. Entonces volviendo a esta imagen, se puede modificar este parámetro, la cantidad de flúor Se puede elegir la cantidad de uri uno. Todo depende de tu estilo, tu percepción, de tus fuentes de inspiración también. Para mí, el tuyo aquí mismo en 15 es más que suficiente. Recuerda que solo el hecho de que ese fondo esté fuera de foco va a llevar tu metraje al siguiente nivel porque estás agregando un aspecto cinematográfico significativo a tu toma Siéntete libre de experimentar. En realidad, se puede agregar esta estrategia a otros disparos, no necesariamente disparos de drones. Si haces una toma, por ejemplo, de un paisaje, puedes mejorar la apariencia de esa toma usando esta estrategia. Entonces te veo en la siguiente lección. 13. Eliminación del parpadeo: Hola, gente. Estamos aquí de nuevo en el estreno de AB. Lo que vamos a hacer en esta lección es aprender a eliminar el parpadeo ¿Y cuál es el parpadeo? Así que presta atención. A veces cuando estamos creando escenas como esta, cuando estamos en presencia de luces artificiales como esas luces en los edificios, especialmente de noche y al final del día, debemos ser conscientes de la luz y la naturaleza misma. Entonces sucede que a veces la cámara de película, por ejemplo, o la que estás usando, puede detectar las luces de la ciudad. No es continuo. ¿Y qué significa? Por lo general, las luces de la calle, las bombillas de las casas, edificios, etcétera, trabajan en los pulsos de luz, que el ojo humano puede detectar Pero la cámara sí. Entonces, si el obturador de la cámara no está configurado adecuadamente, la cámara detectará acto y lo hará visible en la grabación. Entonces aquí en la toma, se puede notar el parpadeo en Quiero decir, en ese fondo, ¿sabes? Entonces, idealmente, esto no debería suceder. Pero cuando trabajas en condiciones de apuesta baja, a veces simplemente te olvidas de poner la cámara de cierta manera. A, de hecho, me pasó a grabar esta escena. Entonces estas cosas pasan, y debemos arreglarlas. Por otro lado, trata de no estar demasiado estresado por esto porque a veces la gente no le presta atención a ese parpadeo, ya sabes A veces piensan que es parte del entorno de la naturaleza ligera, etcétera Pero insisto, trata de prestar atención a la configuración de la cámara porque a veces ese parpadeo es muy difícil de eliminar Entonces, lo que se supone que debes hacer, vas a duplicar este clip dos veces. Y entonces vas a superponer el primer clip con estos dos nuevos clips como si fueran el mismo clip tres veces, como un sándwich, ya sabes. Entonces te vas a acercar en la línea de tiempo hasta llegar a los fotogramas. Vas a acercarte lo más que puedas. Entonces vas a notar que cuando llegues a la cima, podrás moverte de un cuadro a otro. Entonces lo que vas a hacer entonces es mover este clip que está por encima del primero un fotograma hacia adelante de esta manera aquí mismo. Y vas a colocar el otro clip también un fotograma hacia adelante. Voy a duplicar de nuevo este segundo clip, y vas a colocar este otro clip, un fotograma adelante de este segundo clip. Entonces aquí puedes notar que esta pequeña escalera de clip solo dura dos marcos. El siguiente paso es que en este segundo clip, vas a abrir el efecto panel de control, y vas a mover el parámetro de opacidad por aquí al 50% Aproximadamente, no tienes que ser exacto. Y con el tercer clip, vas a hacer exactamente lo mismo. Veamos ahora el resultado. Pero comprobemos de nuevo, cuál era la cantidad de licor al principio. Voy a desactivar estos dos clips por aquí, y eso es todo. Así es como es el parpadeo sin nada. Presta atención a todos los detalles sobre los edificios, en los perros de aquí, en todas estas ventanas de aquí y también en el puente se desliza en el puente. Quiero decir, tratar de prestar mucha atención al aviso la diferencia. Ahora voy a activar estos dos clips, voy a comprobar el resultado. Y puedes notar que aunque no esté completamente removida, parece mucho mejor, ya sabes. Al menos en los edificios, está casi completamente removido, ¿sabes? Entonces yo diría que esta técnica suaviza el parpadeo pero no Voy a desactivar de nuevo estos dos clips, para que vuelvas a notar la diferencia. Voy a activarlos otra vez. Y este es el resultado. Creo que en términos de quitar ese parpadeo, se ve genial Quiero decir, se ve lo suficientemente bien para mí, y creo que el disparo viene tan perfecto como de costumbre, ¿sabes? El problema único que puedes encontrar al hacer esto es que si notas cuando los actores están en movimiento, hay una especie de rastro que los subroma. Y obviamente, esto se debe a que existen varias capas superpuestas Pero una vez que consiguen esa baranda por allá y están estáticos, ese tipo de sendero ya no es visible, ¿sabes? Y te lo mostré porque habrá ocasiones en las que esta técnica sea más adecuada que otras. Pero yo diría que hay un acero parpadeando en el plano Y si realmente quieres eliminarlo por completo, debes seguir el siguiente paso. Entonces digamos que lo que queremos de esta escena a partir de esta secuencia es ese momento en el que los actores están apoyados en la barandilla Entonces en este caso, debes hacer lo siguiente. Debe hacer clic en este botón de aquí para soportar un marco a partir de este momento exacto. Y una vez que hagas clic en ese botón, automáticamente se almacenará una especie de foto o un acero en el proyecto, podrás encontrarla en el ser principal del proyecto. Así que voy a buscar este fotograma por aquí y lo voy a arrastrar a la línea de tiempo. Perfecto. La idea es que pongas esta foto encima del resto de los clips, y vas a expandir la foto por toda la secuencia así. Como si se tratara de un clip más, ya sabes, debemos asegurarnos de que estamos en el punto exacto que queremos. Voy a desactivar esto, y voy a avanzar hasta aquí Entonces, si le prestas atención con cuidado al disparo, puedes notar que hay una gran parte del marco que en realidad es de acero. Me refiero a esa parte de la ciudad. Y las secciones serían el agua que está en movimiento. Y también los actores actuando que están en movimiento también ligeramente, pero están haciendo acciones. Entonces lo que vamos a hacer es activar de nuevo ese fotograma, y vamos a quitar todas esas secciones en el encuadre que están en movimiento. Entonces necesitamos crear una máscara de opacidad para clavar eso. Entonces voy a dar click aquí y voy a empezar a crear esta máscara. No tiene que ser perfecto en absoluto. Solo queremos crear una selección del espacio que queremos. Y ese espacio es la ciudad de fondo, ya sabes. Si piensas que la máscara se está metiendo en el agua, por ejemplo, podemos mover el parámetro expand para que la máscara sea más pequeña un poco. Así. También puedes mover la pluma como quieras. Recuerda que es una característica importante de la máscara. Ahora vamos a ver el resultado. Voy a ampliar de nuevo el monitor del programa aquí mismo. Ahora puedes notar que no hay ningún fleuring en el fondo en absoluto Por lo que puedes notar que la imagen es visualmente perfecta, al menos en términos de parpadeo Se pueden notar los autos por ahí. Y yo diría que sólo hay un solo detalle por aquí en esta parte de los docs. Para que podamos mover la máscara para cubrir ese espacio. Creo que necesitamos ampliar un poco más esa parte de la máscara. Sí, voy a expandirme un poco más en la máscara. Aquí otra vez. Y podemos mover este punto. Un poco abajo así. Perfecto. Y ahí estás. Tienes una toma completamente en forma de ese parpadeo. Creo que esta es una gran manera de arreglarlo. Creo que realmente se ve genial. Al menos lo suficientemente grande para mí. Pero te recomiendo encarecidamente que intentes evitar estos problemas desde el principio, ya sabes, desde el tiroteo. Por otro lado, debes tomar en cuenta que para arreglar este tipo de disparos, los disparos deben tener ciertas condiciones. En una de esas condiciones es que el fondo o el espacio que está parpadeando esté Entonces te voy a mostrar los resultados paso a paso. Así es como se ve con las dos capas. Voy a desactivar estas dos capas. Esto es sin quitar el parpadeo. Podéis notar todo el parpadeo por ahí, y voy a activar de nuevo estas capas Entonces está en tu mano, esa decisión. Si quieres usar las capas, si quieres usar marco de acero, pero debes prestar mucha atención a esos detalles que estén en movimiento. Quiero decir, trata de no tocar esas partes del marco. Adicionalmente, también puedes eliminar estos dos clips y usar solo el marco superior. Y yo diría que esto es exactamente lo mismo. Todo depende de la naturaleza de tiro, ya sabes, quiero decir, ya que la parte que queremos es esta, donde los actores están en el mismo lugar, casi acero. Entonces en esas ocasiones, podrás arreglar el fondo, creando un marco de acero. Bueno, hasta ahora tan bien. Pon todo esto en práctica y te veo en la siguiente lección. 14. Plugin de belleza de Boris: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el Adobe Premiere. Estamos aquí para aprender a usar el estudio de belleza, una herramienta de efecto Boris para suavizar la apariencia de la piel y mejorar la apariencia de los rostros en la pantalla Es decir, esta herramienta es útil para aquellas ocasiones en las que el maquillaje no se aplica correctamente. Adicionalmente, este plugin es útil también para reducir los actores. En realidad, he visto a lo largo de los años que este tipo de plugins se utilizan en la publicidad, ya sabes. Entonces voy a usar esta vez, estos dos clips, estas dos imágenes, videos con dos iluminaciones diferentes Y este ejemplo es excelente porque la fecha del tiroteo, ella tiene algo de acné ese día. Su rostro estaba un poco resquebrajado. Quiero decir, eso no fue una ruptura crítica, ¿sabes? Entonces voy a usar estos dos ejemplos, como les dije con diferentes iluminaciones, porque la belleza Boris va a reaccionar diferente bajo estas dos circunstancias diferentes Y creo que eso es muy importante porque vas a estar consciente lo importante que es que te preocupes por la iluminación. Y básicamente, porque cuanto mejor sea la iluminación, más detalles capturará la cámara. Entonces voy a empezar por esta imagen. Se trata de un metraje en cámara lenta. Fue creado con 60 cuadros por segundo, y fijó una velocidad del 50%. Entonces, en general, se ve genial. Ella no tiene nada malo en la interfaz. Pero puedes notar que en su rostro, hay algunas manchas, algunos detalles, pequeñas sombras que son el subproducto de la interacción entre la iluminación y la naturaleza irregular del esquema Y sucede también que por lo general en los tiroteos, la medida en que avanza el tiroteo, maquillaje se va a difundir, va a desaparecer a lo largo de las horas durante el día Entonces al menos tienes a un maquillador prestando atención a esos detalles cada segundo del rodaje. No podrás tener un resultado perfecto relacionado con este tipo de cosas. Entonces lo que tuvimos que hacer es ir a la carpeta de corrección de video y luego a esta, restauración de imágenes y seleccionar Enchufe de estudio de belleza. Voy a arrastrarlo a la línea de tiempo por aquí y ahí estás. Entonces voy a activar el plug in por aquí porque el estudio de belleza tiene una especie de configuración predeterminada que arregla la imagen automáticamente. Entonces voy a asumir en el monitor un poco. Pero presta atención, no me malinterpretes. Esto no es una cirugía plástica en absoluto. Este enchufe solo mejora la apariencia de la piel. Entonces voy a activarlo. Presta atención a la parte superior de la cara alrededor de los ojos, la frente, la parte superior de las mejillas. Toda esta sección de aquí se suaviza. Pero esta es una diferencia sutil, y esa es la razón por la que es muy importante que esto comience porque es sutil Así que voy a cerrar el monitor por aquí, y voy a aumentar varios parámetros del plug in. Por aquí, el monto maestro hasta este punto, los detalles más pequeños. Además, todos estos parámetros están detectando detalles en la cara. En realidad, podemos activar este parámetro por aquí, la calidad para precisar y establecer los niveles de detalles a cinco. Entonces voy a desactivar este enchufe nuevamente antes de abrir el monitor del programa. Ahí estás. Esta es la apariencia cruda del metraje y presta atención a la diferencia. Con esta configuración está más estresada que antes. Y la razón por la que está suavizando esa zona superior del rostro es porque esa zona está más iluminada que las demás. Se puede ver que en estado crudo, hay imperfecciones por aquí, y cuando se activa esto, esas imperfecciones simplemente desaparecen Pero a pesar de que estamos mejorando y la apariencia de la piel por aquí. Creo que no es tan notorio porque en esta ocasión, ese video tiene una especie de iluminación al atardecer, no es tan iluminado. Entonces voy a pasar al otro ejemplo, este de aquí, que básicamente se graba al mediodía. Creo que en realidad fue por la mañana. Pero en esta otra toma, se puede notar más la pequeña ruptura en las mejillas Entonces voy a aplicar el mismo enchufe por aquí. Voy a arrastrarlo al clip, y vas a notar la configuración predeterminada en la pantalla. Se puede notar una diferencia. Creo que es más notorio con este ejemplo. Pero voy a aumentar los parámetros por aquí. O sea, todo lo que hice en el ejemplo anterior, el monto maestro hasta aquí, los pequeños detalles hasta aquí, los pequeños detalles. Aquí en esta sección a continuación, la calidad a la precisión y los detalles niveles a cinco. Aquí, realmente vas a notar esta gran diferencia Su piel se ve simplemente perfecta. Y voy a desactivar este bluin de aquí para que noten una diferencia. ' s diferencia dramática. Y esa diferencia se debe a dos razones principales. En primer lugar, la iluminación, la iluminación permite que la imagen obtenga más detalles. Por lo que el estudio de belleza tiene más información para trabajar. Y la segunda razón es la resolución de la imagen. Por otro lado, debes prestar atención al otro detalle. Puedes notar que este plugin de Boris está afectando a todo el marco Por lo que el color de ese edificio en el fondo se ve afectado por el plugin de Boris Es decir, el plugin no está reconociendo caras por todo el marco. Entonces tal vez si tienes varias caras en la pantalla, creo que la mejor opción es dejar las barras enchufadas afectan a todo el marco. Pero en este caso, estamos perdiendo detalles en el fondo. Entonces, si no quieres perder detalles y otras secciones del marco, se supone que debes crear una máscara sobre la sección, quieres arreglar, y esta sección obviamente es la cara. Entonces voy a crear una máscara alrededor de la cara de la chica. Y la máscara no tiene por qué ser perfecta en absoluto. Quiero decir, solo necesitas rodear la cara, la cabeza con la máscara. De hecho, si tienes varias fases en la pantalla, puedes crear varias máscaras también para mejorarlas por separado. Entonces ahora el efecto del cuerpo está afectando sólo a esa fase. Lo más importante es que como la máscara no tiene que ser perfecta, puedes crear la pista de automatización, y esa tarea no es tan difícil, ya sabes, porque no tenías que seguir una forma perfecta en la pantalla. Entonces puedes notar aquí que el efecto del cuerpo ya no está afectando el fondo, solo la fase de la niña. Creo que se ve muy bien con este bluegins realmente profesional Otra cosa importante de este resultado es que se ve real. Creo que no tiene sentido cuando intentas arreglar ese tipo de cosas en las caras Y el resultado es algo exagerado, ¿sabes? Quiero decir, con la mella de las redes sociales, gente de todo el mundo es capaz de notar ese tipo de filtros, ya sabes. Por lo que estar en silla de montar es una de las cosas más importantes a la hora de mejorar la apariencia de los rostros. Así que toma todo esto en cuenta y hasta la siguiente lección. 15. Tinte lumetri con aspecto cinematográfico: Hola, gente. ¿Cómo te va? Espero que esta lección te encuentre bien. En esta lección, exploraremos cómo se puede utilizar el color verde para lograr un aspecto más cinematográfico en nuestro trabajo A menudo, las cámaras de película tienen una tendencia natural a capturar tonos verdes en las imágenes. Esto se debe a la sensibilidad espectral de la cámara y otros factores técnicos. Pero, ¿cómo podemos aprovechar esto a nuestro favor? Cuando se trata de cine, las cámaras de película están diseñadas con diferentes características de sensibilidad espectral Algunas cámaras capturan más luz en la parte del espectro correspondiente al color verde. Como resultado, las imágenes pueden tener un dominio de tonos verdes. Adicionalmente, los filtros y lentes utilizados en cinematografía pueden producir tonos verdes en Esto puede ser intencional para lograr efectos estéticos específicos o puede ser una característica inherente de ciertos equipos ópticos. Otro tema importante es que la iluminación natural y artificial en la película y el ambiente también puede influir en el tono en las imágenes. En muchas ocasiones, los ambientes naturales al aire libre cuentan con abundancia de tonos verdes, lo que puede contribuir aún más a la presencia del color en las imágenes. Por otro lado, durante el procesamiento de la película y posterior digitalización, ciertos cambios de color pueden concordar a los factores técnicos Estos procesos pueden influir en la resección final del color de la imagen, acentuando o atenuando ciertos tonos En resumen, el dominio del color verde en las imágenes cinematográficas puede aprovecharse como una herramienta creativa para lograr una mirada más distintiva y cinematográfica Al comprender estos factores que contribuyen a esta característica, podemos utilizar eficazmente el color verde para potenciar la estética visual de nuestras producciones. Este efecto se puede acentuar aún más durante la corrección de color en postproducción, dándonos la oportunidad de crear un estilo visual único y conmemorativo en nuestras películas Entonces ciertamente aquí hay dos ejemplos de películas cuya apariencia de color tiende hacia la pantalla debido a esas características que no había mencionado antes. En primer lugar, la matriz. Esta película es reconocida por su estilo visual distintivo, presentando una paleta de colores dominada por tonos verdes. Este efecto se logró mediante el uso de filtros de color verde durante filmación en una cuidadosa manipulación del color en posproducción. Por lo que la estética verde de la matriz contribuye a su atmósfera distópica futurista ayudando a establecer el tono visual único de la película Otro ejemplo de ello es la película seven seven es otra película que efectivamente usa el color verde para crear una atmósfera oscura y opresiva La cinematografía de la película exhibe una tendencia hacia los tonos verdes, lograda a través de filtros de iluminación y procesamiento de película Este uso del color verde contribuye a la sensación de tensión en toda la película permeada, complementando a la perfección su tema oscuro y siniestro Estos dos ejemplos destacan cómo los colores verdes pueden ser utilizados creativamente para influir en la atmósfera y visual de la película Pasemos ahora al doble estreno para ver cómo hacer esto correctamente en la producción de jefes. Hola, gente. ¿Qué vamos a hacer en esta lección? Vamos a aprender a usar el parámetro de tinte en el color limérico Generalmente, el parámetro de tinte se usa para agregar un toque cinematográfico a la corrección de color Por ejemplo, aquí en el video musical, puedes notar que hay una especie de velo verde que cubre cada toma individual. En el primer volumen, sí mencioné que la fuente de inspiración para crear esta cinematografía en esta corrección de color fue esa película Dunkerque Así podrás notar todas esas piedras en el cielo que están hacia el verde. Y aquí en este ejemplo, se puede notar que el cielo también se ve así. Pero esa atmósfera verde no sólo está afectando al cielo sino al resto del marco también. Entonces lo que quiero mostrarte es cómo clavar esto correctamente. Entonces puedes ver aquí que tiene el aspecto cinematográfico, hacia los colores verdes, pero voy a agregar de nuevo este efecto para mostrarte cómo hacerlo Entonces en este color métrico, vas a ir al parámetro de tinte. Vas a empezar a mover este parámetro hacia esos tonos que quieras. Y cuál es la razón por la que te estoy recomendando que uses este parámetro es que en la medida en que solo muevas el parámetro de tinte, no vas a estropear toda la corrección de color que has creado hasta ahora Y también ese rango dinámico que has alcanzado hasta el momento. Así que presta atención a esta toma. Voy a borrar el tinte aquí. En este color lumetri. Por lo que puede notar la diferencia. Voy a aclarar este efecto, y voy a agregarlo de nuevo. Ahora, voy al parámetro de tinte por aquí y voy a bajar un poco este favor por aquí, y ahí está usted. Tienes un velo verde sobre el fotograma sobre el disparo, no distorsionando la corrección de color, no estropeando el rango dinámico Por supuesto, ese velo puede verse exagerado así. Volvamos a revisar la diferencia . Es bastante diferente. Pero por aquí, hay otra opción, una configuración más sutil. Entonces el problema es que cuando empiezas a editar comienzas a explorar todos los enchufes en las herramientas de corrección de color. Entonces, si no sabes cómo agregar una atmósfera de color correctamente, vas a terminar agregando azul después de enchufar, sin estar al tanto de nada. Entonces uno de los errores que vas a cometer al principio es este. Voy a desactivar todos estos para mostrarles este ejemplo Aquí puedes ver la imagen en bruto. Y en esta llamada control de imagen, se puede encontrar este efecto llamado balance de color. Y tal vez estés usando esto porque los nombres de ginebra azul están relacionados con la corrección de color. Y así se mueve la pista verde así. Entonces te vas a encontrar con este resultado de amor. Entonces al menos quieres crear un efecto como si hubiera una especie de niebla verde o quieres crear efecto que el aire esté contaminado con alguna sustancia verde, por ejemplo, no vas a clavar la corrección de color dunker E incluso si estás cambiando los parámetros de nivel, el tiro va a tener el mismo aspecto. Por lo que te recomiendo encarecidamente que veas esto como un ejemplo para evitar hacer una corrección de color no adecuada. No te estoy diciendo que se supone que no debes usar el balance de color de esta manera. Pero que hay que estar al tanto del rango dinámico sobre la corrección de color antes de agregar una atmósfera general que afecte a toda la imagen. Entonces, la forma correcta de clavar esta corrección de color es lo que hemos creado hasta ahora. Entonces voy a activar toda la corrección de color adecuada. Y puedes notar aquí en los alcances Lumetri que el rango dinámico está sintiendo todo el Entonces trata de usar todas estas herramientas, trata de poner todo esto en práctica y la UCI en la siguiente lección 16. Imágenes nucleares de bombas nucleares: Perfecto. Estamos de nuevo aquí en la Premier, lo que vamos a hacer esta vez. Vamos a crear un nuevo efecto visual. Entonces ya sabes que parte de la estrategia que usé para crear este video musical fue el montaje Entonces lo que vamos a hacer es una mezcla de edición con corrección de color y pintura de tapete. Nos vamos a centrar en éste, donde el soldado está contemplando la explosión, y él quiso enfocarse en ésta esta vez porque una vez que domines esto, podrás dominar al resto Entonces creo que una de las cosas más importantes es el Montaje Quiero decir, te estaba diciendo en otra lección que para crear este tipo de efectos, era necesario unir tomas de corta duración. Con ello se evita que el espectador note demasiado la calidad de los efectos visuales, ¿sabes? Entonces, quería usar este también porque hemos trabajado en esto en una lección anterior. Entonces voy a empezar recordándote que lo que vamos a utilizar para crear este efecto en esta toma es un video de archivo. Por lo que seleccionar el correcto es una de las cosas más importantes a la hora de crear efectos con esta estrategia. Entonces se supone que debemos estudiar a detalle la naturaleza del plano en el que vamos a aplicar en el efecto visual. Entonces te voy a mostrar el video de archivo. Se puede notar que existe la marca de agua de stock. Entonces se supone que debes encontrar el más apropiado en tu proveedor de videos de stock. Y es muy agradable porque te van a dejar probarlo, probarlo en baja resolución, claro, antes de pagarlo. Entonces te voy a mostrar cómo mezclar este video de archivo donde tu metraje con el fin de crear estos efectos visuales de la explosión de la bomba nuclear. Entonces voy a trabajar con esta vista previa de acciones porque es una especie de proxy. Tiene baja resolución, ¿sabe? Entonces, el primer tema a abordar es cuál fue el criterio para seleccionar este para seleccionar este video de stock. Y el primer criterio fue que se trataba de una explosión en un desierto. Entonces ya que nuestra historia se desarrolla en un desierto, este video es adecuado. Por otro lado, otra cosa importante son esas montañas de fondo. O sea, si vamos al plano que hemos creado, se puede notar que hay montañas en el fondo también cerca del horizonte. Entonces, cuando buscábamos ese video de stock, ese detalle era muy importante para nosotros. Y se puede notar también que eso no es ningún desierto. Quiero decir, es un desierto llano. Entonces, una vez que encuentres el video de stock más adecuado, tienes que probarlo con los modos sosos Los modos sosos son en realidad modos de opacidad. vas a encontrar todos aquí en la sección de efecto panel de control en la intpacidad. Voy a dar click aquí. Y voy a buscarlo por aquí, aquí mismo. Funciona bastante similar a los modos de fusión en photoshop. Y básicamente, te van a ayudar a mezclar las capas, los colores de las capas de una manera especial. Y yo te enseño esta estrategia porque no siempre es necesario crear efectos visuales enteros desde cero. En realidad, hoy en día, hay herramientas de IA, servicios de IA, proveedores de IA que crean videos de stock para ti con los elementos que necesitas para tu proyecto. Entonces puedes ver aquí que estoy cambiando las opciones en los modos de mezcla. Por lo que el objetivo es encontrar el más adecuado para este caso. Y debemos tratar de encontrar un modo específico que despeje el fondo Voy a probarlos uno por uno. Creo que esta es muy interesante. Entonces, una vez que encuentre una aproximación de modo, se supone que debemos cambiar el tamaño de la imagen Quiero decir para confirmar que tu modo es adecuado a lo que necesitas. Entonces voy a mover todos estos parámetros poco a poco. Para que coincida con el fondo. Tenemos varios puntos de referencia como el horizonte, también la superficie en la que está ocurriendo la explosión. Todos son puntos de referencia. También, debemos tomar en cuenta el tamaño. Cuál es el tamaño preciso que debe tener esta explosión para poder ser colocable Entonces los últimos pasos a la hora de intentar posicionar la bomba nuclear son los más importantes porque son muy sutiles Por ejemplo, cuando me acerco a la bomba nuclear al horizonte, creo que se ve mejor desde mi punto de vista. Porque parece que la explosión está ocurriendo más lejos. Y esa es la razón por la que debes recurrir por pinturas rupestres, pinturas renacentistas. Como se puede apreciar en esta pintura de nubes, esos elementos que están más lejos son los elementos que están más cerca del horizonte. Entonces aquí es exactamente el mismo principio. Entonces podemos probar otros modos como éste, por ejemplo. En realidad, este es mucho más adecuado, pero podemos probar el resto de los modos porque hay que tomar en cuenta que la explosión implica un proceso, un proceso en el que la explosión va a parecer más brillante, por ejemplo. También depende de la naturaleza de la corrección de color que vayas a usar. Este ejemplo no tiene la misma corrección de color del video musical. Por lo que hay consideraciones importantes la hora de seleccionar el modo más adecuado. Entonces puedes ver aquí el ejemplo del video musical es más brillante y un poco más saturado. Pero no te confundas en este momento porque todavía quedan varios pasos. Es decir, a lo largo de todo el proceso, puedes cambiar el modo cuando quieras. Adicionalmente, debes recordar que se supone que debes agregar efecto al futage de fondo Es decir, la imagen con el soldado y el desierto. Y una vez que añades efecto a cada modo, va a cambiar. Pero digamos que esta opción es la mejor, la más adecuada para nosotros en este momento. Por lo que debemos tratar de hacer la imagen de fondo. Es decir, la imagen solar con el desierto coincide con la de la bomba nuclear al menos en términos de iluminación. Entonces voy al efecto B ser Y estoy buscando el bin de corrección de color, y voy a seleccionar el color liumétrico Bien. Vamos a mover el parámetro de exposición. Paso a paso poco a poco, para que coincida con una bomba nuclear. Pero presta atención a esto porque una vez que muevas este parámetro, el modo va a cambiar. Es decir, a pesar de que el modo seleccionado afectado era adecuado al principio. Tal vez como tifect al video de fondo, nos daremos cuenta de que ese no era el modo más apropiado Pero hay que prestar atención a que tal vez el modo sea adecuado para una parte específica del marco. Por ejemplo, este modo hace que la explosión se vea genial. Pero quizás el problema son esas fronteras alrededor de la explosión. Entonces debemos tratar de arreglarlo. Podemos hacerlo creando una máscara, por ejemplo, que sólo cultiva la explosión. Entonces voy a ir al parámetro de opacidad, y voy a crear una máscara Voy a aislar la explosión. No tiene que ser perfecto porque vamos a usar el resto de los parámetros. Quiero decir, la pluma, la expansión, etcétera. Entonces puedes notar aquí, se ve mucho mejor porque luz de explosión se mezcla con el fondo. Ahora, el siguiente paso es hacer que el video de fondo se vea aún más parecido al video nuclear Y para lograrlo, vamos a crear otra máscara alrededor de la explosión pero en el video de fondo, y debemos tratar de acercarnos a los bordes de la explosión. Lo más cerca que puedas. tratar a pacientes con esta etapa. Se supone que debes crear tantos puntos como necesites. Además, debes hacer clic en la casilla invertir en la máscara. Ahora puedes notar que ambos tienen casi la misma cantidad de luz. Pero sigamos creando la máscara. Debemos tratar de seguir las edades de explosión como podamos. Como te dije, trata de ser paciente, paso a paso, disfruta de cualquier punto. Ahora vamos a aumentar el parámetro de temperatura en la imagen de fondo en el video de fondo por aquí. Una vez que hemos creado esas máscaras, es el momento de jugar una vez más con los modos. Entonces vamos a cambiar el modo soso una vez más para encontrar el más adecuado para nuestra composición Entonces voy a cambiar a esta pantalla. Este me parece bastante bueno. Se ve increíble. Creo que la luz se ve mucho más incandescente Pero podemos probar otro para probar otro modo. Por ejemplo, éste. Éste no tiene nada que ver con lo que estamos haciendo. Este otro tampoco es bueno. Veamos esta superposición. Este es realmente genial porque incluso puedes notar que el color de las montañas detrás de la explosión coincide con esas montañas en la imagen de fondo. Entonces, por último, debemos agregar un último elemento. Y este elemento es una especie de g, un resplandor general que se supone que está en el cielo, y vamos a crear esto en el video de fondo. Entonces para agregar este globo, vamos a crear otra máscara. Vamos a agregar un color Lumétrico al video de fondo Presionamos la pluma, y creamos esta máscara. Permítanme mencionar que esta máscara no tiene por qué ser perfecta. En realidad, puede ser una especie de máscara irregular. Perfecto. Y la razón por la que esto no tiene que ser perfecto es para la naturaleza del cielo. Quiero decir, ahí hay nubes. Y esas nubes son completamente irregulares en términos de forma. Entonces se supone que este resplandor debe seguir esa característica. Entonces lo que vamos a hacer ahora es determinar cuál es el momento exacto en el que este resplandor va a comenzar y terminar. Para que podamos revisar el video musical. En el video musical, se nota que la explosión sigue varias etapas. La primera etapa es este tipo de brillar esta explosión de luz. Es decir, puedes notar aquí en este primer video de stock, esa explosión comienza con esta explosión de luz. Entonces se supone que debemos seguir ese proceso, ¿sabes? Entonces en la toma, estamos trabajando con esto, pasa lo mismo. Así que tuvimos que crear una especie de línea de automatización para crear esta ráfaga de luz y luego bajarla. Entonces vamos a la máscara que habíamos creado, y vamos al color lumentario, Y vamos a mover el parámetro de exposición Debes prestar atención a esto porque a medida que mueves la exposición, se supone que debes mover también la pluma en los bordes para mezclarla con el fondo. Pero hay que tener en cuenta que no hemos creado el rastreo de esa explosión nuclear Es decir, la explosión se mueve en el video de fondo. No se supone que se mueva. Se supone que se pega al video de fondo, ya sabes. Pero todavía no voy a difuminar todos los bordes. Quiero decir, quiero que notes la presencia de esa máscara. Para que notes la diferencia. Si muevo el cursor esa capa que enmascara esta aparece se mezcla con el fondo lenta y suavemente. Pero hasta ahora tan bueno. No te preocupes por ahora, vamos a dejar esta lección hasta aquí, y vamos a continuar en la siguiente con el seguimiento del movimiento del bache. 17. Seguimiento de bombas nucleares: Hola, otra vez. Estamos aquí de nuevo para seguir editando este efecto visual. Por lo que el siguiente paso es estabilizar la imagen de fondo. Es decir, el disparo que creamos en el tiroteo donde está parado el soldado contemplando explosión Entonces, antes de agregar el estabilizador de rap, necesitamos anidar este clip. Así que hacemos clic en el botón derecho del ratón. Y hacemos clic en un nido para crear esta subsecuencia. Entonces, la razón por la que necesitamos anidar este clip es porque el estabilizador de envoltura requiere que el clip coincida con el tamaño de fotograma de secuencia. Entonces, una vez que anides el clip, la subsecuencia va a coincidir con el tamaño de fotograma de la secuencia con la que estás trabajando Entonces el siguiente paso es seleccionar el fragmento exacto de esta secuencia anidada Recuerda que solo necesitamos una pequeña parte de este clip. Recuerda que eso fue parte de la estrategia para crear este tipo de efectos visuales. Entonces voy a exprimir esta subsecuencia, Para seleccionar esta pequeña parte, creo que esta parte es exactamente lo que necesitamos Además, si elige solo una pequeña porción del clip, el software tardará menos tiempo en estabilizar el disparo. Entonces voy a ir a la carpeta de defectos y voy a ir al distorsionar M y voy a arrastrar este estabilizador rápido al clip Por aquí. V ya está estabilizado. Entonces a partir de este momento es más fácil crear el rastreo de esa explosión de bomba. Quiero decir ahora solo hay un movimiento hacia arriba y hacia abajo, pero la vibración desapareció. Y eso es crucial porque cuanto menos movimiento tenga el disparo de abajo, más fácil será adaptarle el video de explosión. Por lo tanto, puede usar la herramienta de seguimiento automático para solucionar esto. Tanto after effects como Adobe Premier cuentan con esta herramienta. Pero esto no siempre tiene el mejor resultado. Entonces, para tener el resultado exacto que deseas, te recomiendo encarecidamente que pienses los efectos visuales desde el comienzo mismo del proyecto. Quiero decir, desde el tiroteo en sí. Podrán notar que el video donde está el soldado es casi estático para facilitar la incorporación de ese efecto visual. Pero por cierto, para entender cómo funciona el seguimiento automático, podemos usar como ejemplo y efectos por aquí. Entonces voy a desactivar la capa de bache. Y voy a crear una especie de máscara en el video de los soldados. Entonces en este acantilado, voy a ir a este efecto de color lumétrico, y voy a crear una máscara Esto es sólo un ejemplo. Entonces voy a crear una máscara irregular aquí. Entonces, por ejemplo, puedes notar que esta máscara se mueve irregularmente alrededor del soldado Quiero decir, no es perfecto. Se mueve porque el disparo también se mueve. Entonces, en este caso, se usaría el seguimiento para mantener la máscara en la posición exacta que queramos durante la duración del clip. Entonces si colocamos el cursor, por ejemplo, específicamente en este punto, y luego hacemos clic aquí en play, así el software creará una ruta automática que la máscara seguirá a lo largo del clip para tratar mantener la máscara en esa posición exacta. El problema con esto es que el resultado no siempre es exacto, y a veces lo hace, hace que todo sea más complicado. Para que puedas ver la automatización aquí. Se puede notar que tiene imperfecciones que son difíciles de reparar porque hay demasiados marcos clave para arreglar Y en ocasiones incluso cuando se estabiliza la imagen, se generarán errores de seguimiento, complicando el resultado final Entonces esa es la razón por la que aunque desde el principio, pensamos en los efectos visuales, quiero decir, desde la dirección, vamos a hacer el seguimiento manualmente. Entonces vamos a esto efectos de contrabando. Vamos a desactivar esta ruta de automatización, y este efecto también Voy a conseguir habilitar de nuevo, esta capa de bomba nuclear, y voy a tratar de encontrar un momento específico donde el Nuk parezca en la posición exacta en la posición perfecta Recuerda lo que te dije que se supone que el Nuk está cerca del hijo para que se vea más lejos. Creo que este momento exacto es perfecto. Entonces voy a dar click aquí en la posición para crear el fotograma clave, y voy a estudiar en detalle la imagen. Vamos a buscar esos pequeños detalles en la imagen de fondo que podamos usar como punto de referencia para mantener el video de Nuk en la misma posición Entonces puedes notar que a medida que avanza el clip, el Nuk baja. Por lo que debemos tratar de que vuelva a la misma posición. Entonces este segundo marco clave es lograr eso. Entonces debemos seguir analizando el movimiento de la imagen. Por ejemplo, puedes notar que solo haciendo dos fotogramas clave, el movimiento de golpe sigue completamente el video de fondo. Algo que no iba a quedar completamente bien rastreando. Por lo que usar este método requiere mucha paciencia, pero el resultado es mucho mejor. Entonces, sigamos averiguando cuál es la posición exacta de este tercer marco clave Creo que debería moverlo un poco más hacia arriba. Hasta aquí. Recuerda que la brecha entre un encuadre clave y otro, es casi como si se tratara de una automatización Y como te dije, eso no va a ser tan difícil porque el video de fondo no está tan sacudido, ¿sabes? Perfecto. Se ve genial. Ahora, voy a crear los otros fotogramas clave. Quiero decir, esos que se supone que deben ser antes de la primera. Justo en esta parte. Presta atención a esos detalles en la superficie desértica. Los estoy siguiendo siempre para llevar la bomba nuclear al lugar correcto Presta atención a esta parte porque la imagen de fondo se está moviendo un poco hacia la izquierda. Por lo que debemos seguir ese movimiento también. Así que siempre vas a pasar mucho tiempo haciendo este tipo de camino. Y esa es la razón por los efectos visuales tardan mucho en hacerlos. Así que no te apresures si pones un fotograma clave equivocado, lo que tienes que hacer es sacarlo, y luego vuelves al punto que estás tratando de arreglar. En realidad, me parece esto como dibujar. Cuando estás dibujando, haces algunas líneas, y luego las delatas. Y luego vuelves a esa parte que estás tratando de retratar en tu lienzo Se puede ver en la pantalla que nos estamos acercando al resultado que queremos paso a paso, poco a poco, con muchos pacientes. Creo que voy a liderar algunos fotogramas clave por aquí. Voy a arreglar este de aquí. Y creo que igual que es, se ve genial. Se puede sentir el desarrollo de la explosión. Es casi perfecto. Voy a seguir arreglándolo. Hay otro detalle que debemos arreglar en este efecto visual, y es esa máscara de iluminación que hemos creado por aquí en el video de fondo. Hemos creado una especie de máscara que produce luz, ésta. El problema es que se supone que esta máscara es tan acero como como la u debemos tratar de arreglar eso en la ruta de automatización. Presta atención a que estoy usando como punto de referencia la cabeza del soldado para mantener la máscara en la misma posición. Entonces ya hemos arreglado esa luz. El siguiente paso es seleccionar la porción exacta que queremos de estos clips. Me refiero al fragmento de este efecto visual. Recuerda que la estrategia es unir varias porciones de video para crear toda la secuencia de bombas nucleares. Pero antes de cortar este clip, debes tomar en cuenta que este clip está estabilizado. Así que hay que anidar de nuevo el clip antes de cortarlo. Si no lo haces, vas a estar destruyendo todo el proceso de estabilización. Con ello estropeando también todo el trabajo que hicimos en la automatización de bombas nucleares Entonces anidamos de nuevo el clip, le renombramos el nombre, y luego estamos listos para volver a cortar este clip. Por lo que este efecto visual nuclear ya está creado. En realidad, podemos agregar una característica extra a este efecto visual. Y es que debido a la distancia entre el soldado y la bomba nuclear, se supone que la bomba nuclear se ve más borrosa Quiero decir un poco más fuera de foco. Por ejemplo, veamos la imagen en bruto en detalle. Me refiero a la imagen de la bomba nuclear de aquí. Se puede notar que la imagen en realidad tiene desenfoque. Pero en este video, la explosión está más cerca de la cámara. Entonces no se supone que esté tan fuera de foco, ya sabes. Pero aquí, la explosión está más lejos. Entonces, para potenciar ese efecto, podemos agregar este desenfoque extra por aquí Vamos al desenfoque de Calcio y lo arrastramos a la capa de la bomba nuclear. Para que podamos jugar con la cantidad de señuelo. Puedes ver por aquí el resultado moviendo este parámetro. Creo que justo aquí se ve genial. Ahí estás. El efecto bomba nuclear en realidad se ve mejor que el que usé en el video musical. Creo que se debe a la corrección de color, en realidad. Esta corrección de color es mejor. También recuerda que ya que estoy usando este video de stock de baja resolución, cuando exporte un archivo, el sistema va a usar el video original, el video de cuatro K. Muchas gracias y te veo en las próximas lecciones. Bien. 18. Impacto de los misiles: Perfecto. Esta vez, van a analizar esta escena donde estos misiles chocan aquí abajo. Entonces es básicamente el mismo proceso. Con la diferencia de que éste es aún más fácil. Es decir, esas explosiones que ves en la pantalla están perforadas y se preparan videos para ser incorporados a una composición visual O sea, no necesitas hacer un esfuerzo extra para que esos videos coincidan con el fondo. Y todo lo que tienes que hacer relacionado con esas explosiones es la corrección de color, básicamente Al seguir esos pasos que aprendimos en las lecciones anteriores con una bomba nuclear, podrás clavar estas explosiones más pequeñas Y esa es la razón por la que me he acercado a estos efectos visuales editando la bomba nuclear, básicamente. Por ejemplo, vamos a revisar el efecto del panel de control por aquí, y puedes notar que no estoy usando los modos de mezcla para hacer estas explosiones más pequeñas coincidan con el fondo Entonces, al usar una corrección de color adecuada, puedes clavar los efectos visuales. Entonces creo que la clave está en la imagen de fondo. Quiero decir, ese video del desierto. Mientras ese video mantenga el acero en el fondo, lograrás crear este tipo de efectos visuales. Pero no me malinterpretes. No te estoy diciendo que se supone que el video de fondo es completamente de acero. Pero más bien es movimiento, se supone que es lo suficientemente suave como para facilitar esta composición visual, ¿sabes? Entonces he estabilizado este video de fondo. Donde el soldado corre por el desierto para eliminar esas pequeñas vibraciones que son completamente perjudiciales para crear una descomposición adecuada. Otro detalle importante para la descomposición de las uñas es prestar atención al carácter y los efectos visuales. Es decir, debes tratar de no solapar el personaje con el efecto visual. Es decir, el personaje corre por el fondo y las explosiones se ubican en el tamaño superior Pero yo diría que lo más importante en esta lección es el misil. Esos misiles que se estrellan y producen esas pequeñas explosiones. Entonces voy a buscar mi imagen es un archivo PND. De un misil. Creo que se puede encontrar este tipo de imagen navegando por Internet. Lo que necesitas es un archivo P&D como este de aquí. Puedes notar que el fondo está vacío, por lo que puedes arrastrar estas imágenes a este software en cualquier cosa que quieras. Y voy a usar como ejemplo, la secuencia que hemos creado con la vaga nuclear. Entonces voy a agregar este misil aquí al azar. No me refiero a crear efectos del misil que produce esa explosión nuclear. En absoluto. Lo que quiero mostrarles es cómo crear este tipo de efectos. Para que puedas ver la imagen del misil que está perforada. Se puede ver el misil y se puede ver el fondo también. Entonces, lo primero que se supone que debo hacer es cambiar la dirección horizontal en la imagen porque quiero que ese misil se dirija hacia la explosión. Entonces voy a buscar el respeto por aquí, flip horizontal, y luego ir a raqueta en este clip Perfecto. Se puede ver que la punta del misil apunta hacia la explosión. El siguiente paso es analizar cuál es el tamaño exacto que se supone que tiene que representar el mesílico que está cayendo al desierto Pero se puede notar que a pesar de que me estoy moviendo y distorsionando el tamaño del misil Es perspectiva que la naturaleza no coincide con el viaje que queremos crear. Entonces se supone que debemos distorsionar la apariencia del misil para crear otro punto de vista en el misil Entonces vamos a esta carpeta de aquí perspectiva, y voy a seleccionar este tres básico por aquí, y voy a arrastrarlo a este misil. Entonces en el efecto panel contra, vamos a mover el parámetro Girar por aquí. Con esta rueda. Y puedes notar que estoy cambiando la perspectiva del objeto. Y eso es muy importante a la hora de crear este tipo de efectos porque se supone que este mezsyle tiene que tener un viaje por este desierto Entonces, en la medida en que se mueve hacia el horizonte, se supone que el mezsyle debe cambiar en términos de Entonces, lo que hace la ginebra azul es cambiar la forma del misil para que coincida con la perspectiva que queremos. Entonces voy a fijar los dos puntos del viaje. Es decir, el punto exacto en el desierto donde el desorden se va a estrellar. Así que supongamos que el mezsyle comienza de nuevo aquí, fuera del marco, y luego se mete en el marco, y luego aplasta justo aquí Por ejemplo, por aquí. Para que noten que había cambiado la posición en el tamaño del misil. Y ahora se puede ver cómo el misil vuela dentro del marco como si estuviera enganchando en el marco. Y son capaces de aumentar el tamaño del misil al principio para hacerlo más dramático. Ahora se puede notar que es como si el misil pasara junto a nosotros. Lo siguiente que agregaría es cambiar el color del misil. Quiero decir, desde este punto de vista, estamos en contra de la luz. Entonces se supone que el misil es más oscuro. Adicionalmente, convertir este misil en ayuda a los efectos visuales parece convincente Así que podemos simplemente bajo parámetro de exposición por aquí. Y este objeto se va a poner negro. Pero todo depende de la corrección de color del fotograma general del disparo uneral No estoy usando la explosión nuclear como ejemplo porque está muy lejos Quiero decir, no se supone que veas a un mentiroso a esa distancia No es plausible. Se supone que el misil tiene un tamaño proporcional a esa explosión. Quiero decir, si fuera ese caso, ya sabes. Entonces usé exactamente esta técnica por aquí. Nosotros incorporamos estos misiles por aquí. Son casi inperceptibles, pero están ahí. Y en realidad, esos pequeños detalles son aquellos que llevan tus proyectos al siguiente nivel. Por lo que debemos tratar de no subestimar ese tipo de detalles Por lo que te recomiendo encarecidamente enfocarte en composiciones visuales de composición más que en efectos visuales porque en realidad, puedes encontrar cualquier efecto visual que sirva a Internet. Entonces el reto va a ser incorporar esos efectos visuales a tus proyectos. Entonces te veo en la siguiente lección. 19. Revisión de disparos: Perfecto. En esta lección, vamos a abordar el tema de los disparos que es incluso más fácil que todo lo que hemos creado hasta ahora Entonces, básicamente, estos disparos son elementos esenciales de acción. Efectos visuales sobre un fondo vacío que podemos usar para crear este tipo de escenas, ¿sabes? Entonces lo que hice fue colocar este disparo en el cañón del arma, ya sabes, por aquí Hay cuatro disparos, y he incorporado este disparo en cuatro ocasiones Entonces el disparo es tan rápido que no es necesario crear una pista en, ni manual ni automático Creo que una de las cosas más importantes para crear este efecto es la actuación del actor. Cuando disparas un arma, se supone que el disparo te empuja un poco hacia atrás Se supone que te presione algo de presión en las manos. Entonces se supone que la actuación del actor debe crear ese efecto para retratar ese efecto Pero volviendo a estos efectos visuales, en este caso, utilizo un poco de las tres D básicas ya que el arma apunta hacia el cielo. Entonces distorsiono la perspectiva en el disparo y la rotación también Se puede ver que el disparo original apunta hacia el lado derecho. Los puedes ver aquí mismo. Entonces tuve que cambiar la rotación hacia el cielo. Un segundo es apuntar hacia el cielo. Entonces creo que no es tan complicado, ya sabes, es muy sencillo. Es uno de los efectos más sencillos de agregar a un proyecto. Pero en realidad, creo que esta muy reciente que es simple hace mayoría de los cineastas no logran clavar el tipo de efectos porque en la medida en que piensan que es fácil, subestiman algunos detalles que son importantes para que este disparo de arma parezca Y esos detalles son la perspectiva y el tamaño del disparo de arma, se supone que la escena en sí es realista, auténtica. Y a pesar de que es una tontería disparar al avión de combate desde tierra, se supone que la acción en sí es lo suficientemente clara y real como para atraer a la audiencia. Entonces crear esta composición no es tan difícil como lo hicimos en el ejemplo de la bomba nuclear. Yo diría que lo más importante relacionado con esto es la corrección de color. Si volvemos al efecto del panel de control, posible que note que había agregado algo de color limo para distorsionar la saturación en el disparo del arma Así que vamos a revisar el parámetro de saturación está en 48, y el valor predeterminado es 100 Entonces como todo el disparo, toda la composición está desaturada, se supone que el disparo es Por otro lado, hay algunas cosas que ocurren aleatoriamente en los tiroteos que pueden hacer que tus efectos visuales se vean mejor Por ejemplo, puede notar aquí en el reloj que es una especie de brillo, un resplandor, que es un reflejo de la luz solar en el reloj. Puedes aprovechar perfectamente este tipo de cosas porque es como si se tratara de una especie de reflejo de fuego de arma de fuego. Así que trata de estar al tanto de la naturaleza del marco en sí. Entonces, como has notado hasta ahora, toda la composición visual aquí es un subproducto de todas estas estrategias Pero yo diría que la estrategia más importante es hacer creer al espectador que tus efectos visuales son cosas reales que suceden en la pantalla. Para lograr ese orden en el futage es lo más importante Insisto varias veces en este ejemplo, una vez que veas ese tiro real de la Nuga el resto de los disparos vendrán como reales también Entonces, al seguir y respetar el proceso atencional en la audiencia, tendrás más probabilidades de clavar este tipo de efectos de visita Así que trata de poner todo esto en práctica, presta atención a cada detalle y estoy completamente seguro de que vas a lograrlo. Entonces te veo en la siguiente lección. 20. Comprensión del marco: Perfecto. Estamos aquí en el Adobe Premiere. Lo que vamos a hacer esta vez es crear una especie de diseño de sonido muy rápido y muy fácil de entender. Entonces vamos a usar como ejemplo, esta escena del video musical, mucho Tiempo, donde el piloto está a punto de activar el detonador al cohete ese cohete que estás viendo en la pantalla Y entonces el cohete explota con la ojiva nuclear. Entonces, para tener una comprensión integral de esto, es necesario entender el tema de la capa. Y ¿cuál es el tema de la capa? Cuando digo capas, me refiero al hecho de que cada elemento en el marco dentro del marco está produciendo sonido. Y lo más interesante de las siguientes lecciones, vamos a crear esas capas de sonido con todos los archivos que se encuentran en Internet efecto de sonido. Y un gran lugar para encontrar sonido es YouTube. Para crear tu propio diseño de sonido, completamente profesional. Pero hay una excepción que es la grabación de la actuación del actor, ya sabes, pero vamos a crear el resto de los elementos dentro del marco con sonidos que se encuentran en Internet. Otra cosa importante relacionada con las siguientes lecciones es que al final de estas lecciones, vamos a revisar el mismo diseño de sonido, pero creado en QVSe No voy a crear un diseño de sonido en Qvase. Lo voy a crear aquí en Adobe Premiere. Pero es para que tengas un entendimiento sobre esto. Entonces comencemos entonces. Entonces lo primero que debes entender es la naturaleza de la línea de tiempo. Ya sabes que el lado superior es la sección de video, y el otro lado de abajo pertenece a la mezcla de sonido. Pero esta misma sección de audio a continuación se divide en pistas de la misma manera que la sección de video. Pero hay una diferencia notable es que cuando estás creando una edición en la parte superior en la sección de video, Esa capa que se supone que debes poner arriba es la capa que va a ser visible en el monitor en el monitor del programa de esta manera. Sé que tienes muy claro esto. Pero con el diseño de sonido con la sección de sonido, la sección de mezcla de audio es bastante diferente porque cada pista de audio se va a reproducir al mismo tiempo. Quiero decir, eso es muy importante porque se supone que superponer clips de audio mientras editas. Entonces, cuando estás superponiendo audioclips es como si estuvieras mezclando videoclips cuya opacidad se establece en 50%, Ya tengo otro curso de diseño de sonido enfocado solo al diseño de sonido en esta plataforma. Puedes recurrir a eso si te interesa profundizar en este tema, ya sabes. Pero lo que realmente quiero en este momento es enseñarte a hacerlo fácil y profesional al mismo tiempo, usando AB premier. Entonces comencemos analizando esta imagen de este marco. Se puede notar que hay un personaje, el piloto interactuando con este entorno. Con una playa también con la arena. Está activando este dispositivo, el detonador, y también está jadeando en este momento Adicionalmente, está este cohete que está saliendo del océano, del mar, y luego el cohete está elevando el cielo desde la distancia, un punto de vista distante que es muy importante tomar en cuenta esos detalles Y entonces el piloto camina lentamente hacia el desierto, para contemplar la explosión, ¿sabes? Entonces el piloto sigue respirando y jadeando hasta el final de esta escena, ya sabes Y además, hay que recordar que ese detonador está contando atrás, y luego explota la arma, Estoy tratando de enumerar estos detalles porque quería hacerte entender cuál es la naturaleza del marco. En cuanto al diseño sonoro porque hay que recordar que el diseño sonoro es un dispositivo narrativo en cuanto a la narración en cuanto al cine Uno de los propósitos principales de estas lecciones, especialmente esta lección es hacerte entender uno de los errores más comunes a la hora de diseñar sonido. Incluso a nivel profesional, me encontré con este problema muchas veces en mi escuela de cine e incluso entre cineastas profesionales Entonces, a la hora de crear un diseño de sonido, debes estar al tanto de esa distancia entre la cámara y el objeto que está produciendo el sonido. que la naturaleza de ese sonido Se supone que la naturaleza de ese sonido relaciona esa distancia. Y a lo que me refiero con esto, cuando miras este fotograma, esta toma que es una especie de tiro medio. Y vas a usar estas dos tomas en la misma escena. Se supone que debes usar un punto de vista diferente en términos de diseño de sonido. Quiero decir, en este fotograma, el personaje está más lejos, y otro está más cerca. Entonces todos esos sonidos producidos por ese personaje se supone que están relacionados con la naturaleza del marco. O sea, se puede ver que el personaje está manipulando el detonador Pero en algunos disparos, se puede ver el detonador más lejos, y este es otro disparo, el detonador está Entonces se supone que la naturaleza sonora debe seguir ese patrón, ¿sabes? No tienes idea cuántas veces se comete este error en f hacer. Incluso a nivel profesional. Por otro lado, debes estar al tanto de lo que realmente está sucediendo dentro del marco. Si notas en la pantalla. En este momento específico de esta unidad de acción, la C, las olas no están tocando completamente al personaje. Es decir, hay distancia entre el personaje y las olas. Entonces se supone que debes representar todos esos detalles en el diseño de sonido para poder hacerlo correctamente, ¿sabes? Por ejemplo, en esta otra toma, se pueden ver las olas acercándose. Entonces se supone que debes representar eso también en ese momento específico. Entonces, si no eres capaz de detectar esos matices a la hora de crear un diseño de sonido, no podrás crear un diseño de sonido correctamente. Estoy usando esta parte específica del video musical porque no quería pasar demasiado tiempo con esto. Es decir, esta parte comienza justo aquí. Sin embargo. Pero hay una parte anterior donde el personaje está agachado casi arrastrándose Y se puede ver en la pantalla que las olas están enganchando en sus brazos, sus manos. Entonces lo que quiero decir es que los efectos de sonido de estas pequeñas olas no se supone que sean los mismos los disparos anteriores desde un punto de vista distante, el plano blanco. Entonces se supone que el público sentir el agua más cerca aquí. Es decir, el objetivo principal es crear una especie de experiencia inmersiva escuchando el diseño de sonido Entonces, a la hora de crear un diseño de sonido, solo hay tres formas de lograr esa distancia. Es decir, esa distancia o una mezcla que representa la distancia entre la cámara y el objeto que está produciendo el sonido. Entonces la primera forma sería prestar atención a ese momento en el que estás grabando el und. O sea, si estás grabando el sonido de la playa. Vas a colocar un dispositivo de grabación portátil a una distancia específica de esa playa. Por lo que el subproducto de esa grabación sería un punto de vista específico de la playa en cuanto al sonido La segunda forma sería tratar de recrear esa distancia con reverberación También eres capaz de jugar con la cantidad de volumen. Y la tercera forma sería encontrar el sonido exacto en Internet. Entonces te voy a dar un ejemplo. Voy a abrir el navegador. Voy a buscar un sonido en YouTube. Voy a escribir aquí mismo, efecto de sonido Oshan. Y el navegador va a mostrar todos estos efectos de sonido. Puedes probar lo que quieras. Podemos probar, por ejemplo, éste, aquí mismo. Es un efecto de sonido bastante interesante. Se nota la distancia entre la cámara, ese sería el dispositivo de grabación y la playa, ¿sabes? Entonces debes tratar de ser creativo con esto. Intenta entender tu escena equivocada, tu propio fotograma, tus propias tomas, la naturaleza misma de tus tomas. Y debes tratar de buscar esos elementos, esos elementos sonoros que coincidan con la imagen que estás mostrando en tu montaje Hay otro aspecto muy importante a la hora analizar el efecto de sonido adecuado. Y sucede que, por ejemplo, cuando estás grabando el sonido de la playa, también estás capturando el sonido del aire. O sea, la playa de sonido es el sonido del ambiente. Y ese ambiente incluye el aire. Cuando dices, me refiero al viento, ¿sabes? Entonces probemos otro tipo de sonido. Entonces estoy escribiendo aquí efecto de sonido luchador y el navegador va a mostrar todas estas opciones por aquí. Por ejemplo, éste. Es bastante interesante. Entonces este es un camino a la hora de encontrar los efectos de sonido exactos y adecuados para tu montaje para tu diseño de sonido Así que prepárate para la siguiente lección cuando vayas a empezar a crear el diseño de sonido. 21. Agregación del efecto de sonido oceánico: Perfecto. Lo que vamos a hacer en esta lección es crear el sonido de fondo. Quiero decir, el sonido del océano, el sonido de esa playa. Tengo mi propio banco de audio y ya tengo este efecto de sonido. Creo que coincide con lo que necesitamos, ya sabes. Entonces a la hora de seleccionar el efecto de sonido adecuado, debes contemplar tu toma mientras escuchas el efecto de sonido Esto me parece perfecto. Pero también tengo otro. Vamos a probarlo. Éste. Pero creo que este mar es más turbulento, más movido. No se puede simplemente el tamaño de onda fácilmente, por ejemplo. Entonces el otro es más adecuado para este diseño de sonido para este caso, ya sabes. Entonces voy a arrastrar el archivo a la línea de tiempo por aquí. Y lo que vamos a hacer a continuación es cortar una especie de fragmento del del archivo y posicionarlo en los momentos exactos que necesitemos Es decir, esos momentos donde el soldado está en la playa cuando está haciendo acciones, básicamente. No necesitamos el océano al principio porque ahí está la t. Pero a continuación, aparece el soldado. Entonces aquí necesitamos el océano. Entonces vamos a cortar aquí. Hasta aquí arriba hasta aquí. Podemos hacer el siguiente corte por aquí, y luego por aquí, aquí mismo, por ejemplo, vamos a eliminar esta parte y esta parte también. Vamos a crear el otro corte hasta aquí. Perfecto. Entonces has seleccionado esta escena hasta ese segundo antes detonar la bomba porque lo que estamos haciendo es más complejo, ¿sabes? Entonces el siguiente paso es dividir esas secciones que hemos seleccionado. Por ejemplo, por aquí, puedes notar que hay un punto de vista diferente de una misma acción. Quiero decir, el soldado está más cerca aquí, y luego está más lejos aquí. Entonces, dado que tenemos que hacer el diseño de sonido coincida con esa característica, debemos crear un punto de vista diferente cambiando la cantidad de volumen. Así que estoy creando estos cortes por aquí. Y voy a cambiar la línea de automatización en los clips modificando esta línea por aquí, estoy modificando la cantidad de ganancia en este clip específico. Entonces para complementar esto, voy a agregar el otro efecto de sonido donde las ondas sean más notorias, y voy a mezclar esto con el otro. Entonces lo que vamos a hacer es posicionar un sonido de la onda en la toma específica donde aparecen las ondas en la pantalla. Siempre hay que tratar de prestar atención a los matices, las sutiles diferencias. Es decir, esas diferencias van a llevar tu trabajo al siguiente nivel, ¿sabes? Entonces estoy buscando el fragmento específico de este audio que coincida con esa onda en la pantalla Así detrás del personaje, ¿sabes? Por ejemplo, aquí, suena realmente interesante. Creo que es adecuada esta parte. Vamos a comprobarlo. Perfecto. Se nota la diferencia. Es perfecto. Y creo que al hacer esto, realmente estoy mejorando esta escena porque cada corte que estás viendo en la pantalla es una especie de elipsis Es decir, este montaje está retratando ese momento donde el personaje está activando ese dispositivo de manera desesperada Y también los cortes están representando que está pasando mucho más tiempo activando ese dispositivo, que el tiempo que ves en la pantalla. Yo expliqué mucho de esto en mi otro curso de edición cinematográfica, especialmente el tema y el tema de elipsis Hasta ahora tan bueno. Creo que suena genial. Así que vamos a ver esto una vez más. Bien. Entonces en cuanto a la parte misil, voy a dejar este fondo, el mismo fondo de la s, pero voy a disminuir la cantidad de ganancia, la cantidad de volumen en este clip específico. Estoy creando este corte por aquí para cambiar la cantidad de volumen, la cantidad de ganancia por aquí, se puede notar una diferencia. Entonces es el mismo océano, pero desde un punto de vista distante. Aquí podemos aumentar nuevamente la cantidad de volumen que ganan para que coincida con la escena. Y a través de esta unidad de acción, podemos dejar este clip todo el tiempo. Lo que voy a hacer en esta parte al inicio de esta unidad de acción es agregar una capa C extra. Porque cuando el soldado está abajo, vemos un poco las olas. Entonces quiero agregar ese efecto de sonido al principio, y luego se desvanece. Entonces he creado una especie de línea de automatización en el clip directamente en el clip, y ahora el efecto de sonido de onda se está desvaneciendo. Entonces ya tenemos nuestro fondo, nuestro efecto de sonido en el fondo, y vamos a continuar en la siguiente lección con el efecto de sonido de la ropa y los sonidos de los personajes. Entonces hasta la siguiente lección. 22. Agregación del efecto de sonido de personajes Adobe Mixer: Perfecto. Estamos aquí de nuevo en el estreno de AP. Lo que vamos a hacer es, en primer lugar, tratar de entender que todas estas pistas de aquí en esta sección a continuación, me refiero a la sección de sonido. Cada pista tiene una especie de representación en un mezclador en una mezcla general en el Dp premier Puedes encontrar este mezclador en el preset de audio, o puedes encontrar este por aquí, accediendo a la parada de ventana y encontrando mezclador de audio. Entonces como mencioné, cada pista de esa sección en la línea de tiempo tiene una representación específica en ese mezclador. Puedes encontrar A uno, A dos, tres, y también puedes encontrar en el mezclador las mismas pistas. Y lo estoy mencionando porque se supone que debemos manejar dos tipos de pistas, principalmente pistas estéreo y también pistas mono. Generalmente, cuando estás grabando en un dispositivo portátil, estás usando un micrófono, solo micrófono que está capturando un sonido específico del entorno. Entonces, cuando estás usando un solo micrófono conectado a una pista, se crea un archivo mono que corresponde a una pista. Puedes notar una diferencia aquí. Por aquí, hay una pista mono y esas otras de arriba son stteriotracks Tienen dos pistas, dos ondas sonoras, ¿sabes? Quiero decir, se supone que el efecto de sonido oceánico tiene grabación anterior. Quiero decir, es necesario crear un efecto envolvente. Entonces en esos casos, ese tipo de ambientes se graban con dos micrófonos Pero es importante recordar que eso no tiene nada que ver con la calidad. Es decir, eres capaz de usar un solo micrófono. Y si estás usando un micrófono de buena calidad, vas a capturar un efecto de sonido de alta calidad. Como en el caso de esta grabación, aquí tenemos una monopila que pertenece a la actuación del actor, y va a funcionar perfecto para lo que necesitamos Es una especie de pintura, ¿sabes? Sí. Entonces eso es lo que vamos a sumar a este montaje. Entonces casi me olvido si quieres agregar una pista mono, debes ir a la parada de secuencia, y luego vas a poner cero por aquí, vamos a escribir cero porque no necesitas pistas de video. Vas a poner aquí mismo una serie de pistas que quieras. Y por aquí, vas a seleccionar la posición en la va a estar la pista en la línea de tiempo. Puedes seleccionar aquí la naturaleza de la pista. Si es estándar, estándar es estéreo y el otro mono. Puede seleccionar otras opciones como 5.1 que es surround. Quiero decir para ese tipo de mezclas, ya sabes. Entonces voy a acercar este clip a este montaje. Ya tenemos a los personajes jadeando. Otra cosa importante es que cuando estás usando una pista mono, eres capaz de crear jadeos más eficientes Es decir, el jadeo es más notorio en una pista mono que en una pista estéreo Pero presta atención, no te estoy diciendo que no eres capaz de crear panning en una pista estéreo Pero en el mootrat es más notorio, más eficiente. Entonces voy a tratar de que el jadeo coincida con la actuación Podemos jugar con el volumen con el juego. Bien. De la misma manera que el ejemplo anterior con las olas, si el personaje está más cerca, se supone que debemos aumentar el volumen del jadeo. Quiero decir, por ejemplo, en esta otra toma donde el personaje aparece más lejos, se supone que debemos disminuir el volumen jadeante En realidad puedes sacarlo, pero prefiero disminuir el volumen. Entonces en esta otra toma, podemos volver a aumentar el volumen, y podemos crear un corte aquí mismo. Aquí podemos sacarlo. Volvamos a comprobarlo desde el principio. Aquí con el botón derecho del ratón, voy a aumentar el volumen de este clip por aquí dos puntos. A veces vas a necesitar hacer eso porque la onda sonora no es lo suficientemente grande. Es importante recordar que al crear el diseño de sonido, es importante modificar la cantidad de volumen de cada clip en la línea de tiempo. Quiero decir modificando el anuncio o modificando la línea de automatización, señalando el mezclador, porque el mezclador va a modificar la cantidad de volumen de todos esos clips dentro de esa pista. Por ejemplo, si muevo ese fracaso que pertenece a la pista donde creamos el efecto de sonido oceánico, vamos a destruir todo. Quiero decir, cada pista tiene varios clips que tienen una configuración específica, ¿sabes? Una cantidad específica de volumen de ganancia, Así que continuemos con la siguiente parte. Éste, donde el personaje está de pie. Trato de que coincida con el movimiento. Estoy aumentando la ganancia. Sí. Podemos dejar el jadeo también aquí mismo, incluso cuando el personaje está de espaldas, ¿sabes? Así que vamos a comprobarlo desde el principio. Así que vamos a ver esto desde el principio aquí mismo. Perfecto aquí mismo. Debo tratar de difundir los cortes, creando una especie de desvanecimiento por aquí para limpiar el comienzo de los clips. Perfecto. Hasta el momento tan bueno. Vamos a continuar en las siguientes lecciones con el efecto de sonido de la ropa y los pasos hasta la siguiente lección. Bien. 23. Adición de ropa y pasos: Perfecto. Estamos aquí otra vez. Lo que vamos a hacer. Ahora, estoy agregando el efecto de sonido de la ropa. Pero voy a añadir también los pasos de los personajes. Pero por ahora, estoy empezando por la ropa. Entonces he encontrado que este efecto de sonido en Internet es un sonido muy interesante. Quiero decir, una vez que encontré el efecto de sonido, inmediatamente maquiné el traje de piloto. No sé por qué. Creo que es la naturaleza de la tela. ¿Qué opinas? Entonces voy a extraer un fragmento de este efecto de sonido, y lo voy a arrastrar a la línea de tiempo Déjame revisar otras partes. Este también es interesante. Es decir, para poder jugar con estas dos secciones. Y voy a intentar emparejar esos efectos de sonido, esos fragmentos, con movimientos de los personajes, con los Entonces el personaje está buscando el detonador en su bolsillo. Y debemos tratar de retratar esa interacción entre las manos y el traje, ya sabes, ese bolsillo. Pero presta atención a lo que estoy haciendo aquí. Este efecto de sonido, este audiófilo es estéreo, pero estoy trabajando en ello en una pista mono Entonces va a sonar como si se tratara un monopila es bastante interesante porque ya tenemos ese fondo del mar del océano que es bastante inmersivo Pero necesitamos enfocar ese sonido producido por el traje de una manera muy enfocada. Por otro lado, de la misma manera que lo hicimos con el efecto de sonido CA. Debemos tratar de que esos efectos de sonido de ropa coincidan con cada toma. Es decir, debemos ser conscientes de que en esta toma, se supone que la ropa se escucha desde un punto de vista distante y la otra toma desde un punto de vista más cercano. Entonces estoy creando los cortes respectivos y modificando el volumen en este caso, es la ganancia, ya sabes. Entonces estoy terminando esto. Voy a agregar ropa efecto de sonido en esta parte, esta toma de cerca. Bien. Por aquí. Creo que el diseño de sonido no es tan difícil, pero hay que ser muy paciente prestando atención a las capas sonoras, ya sabes. Adicionalmente, debes recordar que más importante es la narración, la escritura de guiones Por ejemplo, en uno de los disparos. A pesar de que es un punto de vista más distante. Necesitamos retratar ese momento usando el diseño de sonido. Entonces, si crees que es necesario aumentar el volumen de esta parte, quiero decir, el volumen del efecto de sonido de la ropa. Puedes hacerlo perfectamente porque estás potenciando el guion Estás potenciando la unidad de acción, ¿sabes? Yo creo que aquí, podemos sacar el sonido de la ropa porque sólo está moviendo las manos, ¿sabes? Entonces vamos a pasar a la siguiente parte. Ahí es cuando está de pie, y voy a hacer que el sonido de la ropa coincida con la actuación, ya sabes. Es importante estar en silla de montar haciendo esto. Trate de no enfatizar ese tipo de efectos de sonido. Lo más importante es la actuación de los actores. Es decir, la pintura en este caso, es lo más importante. Debemos prestar atención a los momentos críticos donde está de pie, creo que es un indicio en cuanto al diseño sonoro. Por lo que debes potenciar ese momento usando el efecto de sonido, el sonido de la tela. Entonces creo que está hasta aquí. Entonces voy a limpiar el final de este click aquí ya que el personaje ya no está en movimiento, no necesitamos agregar un efecto de sonido extra de ropa. Para que podamos revisar esto de nuevo. Así que vamos a revisar todo desde el principio. Bien. Perfecto. Ya está hecho. Así que pasemos al efecto de sonido paso. Entonces voy a buscar el archivo en mis backcaps un efecto de sonido bastante interesante porque está caminando sobre la arena He encontrado todos estos archivos en YouTube, ya sabes. Pero hay muchas páginas que proporcionan este tipo de efectos de sonido, ya sabes. Pero de todos modos, presta atención al efecto de sonido. Simplemente es perfecto. Entonces, lo que necesitamos es extraer algunos pasos de aquí. Solo necesitamos unos pocos pasos. Puedes notar fácilmente que son pasos más rápidos que los que estamos haciendo aquí. Pero podemos arreglarlo fácilmente. Es decir, en este efecto de sonido, los pasos son más rápidos. Puedes notar que puedes contar los pasos en la actuación, por ejemplo, por aquí. Uno, dos, uno, dos, uno, dos, uno. Y el rendimiento es más lento. Entonces, lo que vamos a hacer es golpear cada paso de esta plataforma de recorte, ya sabes, creando cortes Y puedes notar los escalones, esos pequeños talones en la onda sonora. Entonces voy a crear un corte por aquí, justo aquí y el otro aquí, y dividiendo los pasos haciendo esto. Creo que ya es suficiente. Entonces voy a ordenar en todos estos pasos para que coincidan con la actuación, ¿sabes? Entonces, desde el principio, voy a agregar este paso aquí mismo en el momento en que el piloto esté de pie. Después el siguiente. Aquí, no es tan difícil. Sólo tratamos de seguir la actuación del actor, ¿sabes? Intenta sentir los momentos en los que está pisando la arena. Y debes prestar mucha atención también a las cantidades de fuerza entregadas en cada paso. Me refiero al sonido, ya sabes, porque al final de esta caminata, está pisando con fuerza, ya sabes. Entonces el efecto de sonido debe coincidir con eso. Entonces estoy buscando un paso más. Sólo necesito un paso más que coincida con ese momento exacto. Así que vamos a comprobarlo todo de nuevo. Bien. Creo que necesito ser más preciso con esto. Así que estoy tratando de arreglar estos pequeños problemas por aquí. Creo que los pasos los efectos sonoros son más rápidos los movimientos. Entonces voy a arreglar esto. Voy a mover esto por aquí y este otro por aquí. Perfecto. Pero aquí hay un problema extra. Yo agregaría una característica extra a esos pasos. Y es que en cuanto a frecuencias, esos pasos están sonando en frecuencias altas Por lo que necesitamos mejorar las frecuencias bajas también porque esos pasos son demasiado importantes en ese momento. Quiero decir, son los últimos segundos de su vida. Por lo tanto, debemos enfatizar cada paso en términos de narración de historias en términos de escritura de guiones Entonces voy a ir a la pista exacta en el mezclador que corresponda con esta de aquí mismo. Voy a asegurarme de que esto es lo correcto Bien. Entonces voy a este panel por aquí, y aquí arriba, donde puedo agregar efectos. Entonces en este panel de aquí, vas a dar click en esta pequeña flecha. Voy a agregar este ecualizador es un ecualizador de 20 bandas. Y en este ecualizador, vas a encontrar todo el espectro, el espectro sonoro por aquí Entonces el lado izquierdo corresponde a las frecuencias bajas y el lado derecho a las frecuencias más altas. Entonces de manera sutil, se supone que debemos modificar esos faders de allá, y poco a poco Uno por uno, vas a aumentar la cantidad de frecuencias de flujo en esos pasos. Creo que esto suena muy bien. Bien. Creo que puedes notar los cortes, ya sabes, los cortes entre cada paso. Pero no importa porque esos pasos están sonando por encima del fondo por encima de la C un efecto de sonido Es decir, no eres capaz de notar esos recortes. Y eso es todo. Ese sería el efecto de sonido de la ropa y el efecto de sonido de los pasos. Volvamos a ver esto desde el principio. Entonces, hasta el momento, continuemos en la siguiente lección. 24. Rocket y Jet: Perfecto. Estás aquí otra vez. Lo que vamos a hacer esta vez es agregar el efecto de sonido jet y también el efecto de sonido misil. Entonces vamos a comenzar creando un efecto de sonido de misil. Entonces el primer paso es analizar la naturaleza del marco, lo que está sucediendo en la pantalla. Se puede notar que el misil está saliendo del agua. Entonces hay una especie de explosión, y luego el misil comienza a volar hacia arriba. Pero hay un detalle extra cuando el misil está saliendo del agua. Esa acción está produciendo un sonido. Pero comencemos con el misil que en realidad es un cohete, no, una especie de cohete. No sé exactamente cuál es la diferencia, ya sabes, no soy un experto en absoluto. Pero vamos a ver esto. Creo que esto es bastante interesante. Al menos, cuando el misil está volando, el efecto sonoro es bastante bueno. Comprobemos esta otra parte. Parece que está volando, ¿sabes? Este otro es un efecto de sonido de cohete. Realmente me parece fantástico. Vamos a ver esto otra vez. Adicionalmente, en términos de calidad es un efecto de sonido de gama alta. Tiene más resolución que la otra. Entonces voy al paso de secuencia. Voy a añadir otras pistas. Pero esta vez va a ser pista anterior. No importa, ya sabes, porque ese efecto sonoro que encontré es interior, ya sabes. Entonces voy a presionar aquí mismo. Perfectamente. Se puede notar que no existe este signo que identifique pistas mono. Así que voy a arrastrar el efecto de sonido del cohete a la línea de tiempo por aquí. Entonces lo siguiente es hacer que este cohete suene efecto, hacer que coincida con el misil. Podemos usar como indicio el momento con la explosión sucede, ya sabes, esta explosión. Perfecto. Se ve perfecto. Ahora voy a agregar otra pista de audio. Otra pista por aquí. Perfecto. Presionamos. Y voy a arrastrar el efecto de sonido del misil a la línea de tiempo también para crear el rastro de sonido de ese misil. Entonces lo que voy a hacer es complementar esta parte del diseño sonoro. Creo que en esta parte es necesario para el vuelo de misiles, ¿sabes? Entonces voy a arrastrar esto por aquí. Creo que se ve realmente genial desde este punto de vista distante. Entonces aquí tenemos que crear una especie de transición. Tenemos que mezclar estos finales con un fade out por aquí. Y si necesitamos crear un fade in en el otro clip, podemos crear ese fade in. Creo que no es necesario. Sólo tenemos que cortar al exacto. Entonces voy a sacar esta parte del efecto de sonido del misil para no sobrecargar esta parte Perfecto. Casi termino. Pero queda un elemento y es que debemos crear el efecto sonoro de ese momento el engañado está saliendo del agua Entonces lo que necesitamos es una especie de efecto de sonido splash que coincida con esa acción con ese momento. Por lo que debemos seleccionar fragmento de esto. Un sonido splash muy sencillo, ya sabes. Creo que esta es perfecta. Esta parte. Perfecto. Voy a arrastrar esta parte a la línea de tiempo aquí mismo y voy a hacer que coincida con ese momento. Justo aquí. Entonces, hasta ahora tan bueno, encontré este efecto de sonido de misil. Perfecto. Sigamos con el efecto de sonido jet. Tengo varios efectos de sonido jet por aquí. Vamos a revisar cada una de ellas. Creo que esos no son tan adecuados, ya sabes. Vamos a probar otro aquí mismo. Por ejemplo, este de aquí. Éste. Creo que esto es más adecuado que el otro. Porque es sólo un vuelo sencillo, sabes, quiero decir, el otro efecto de sonido parece un luchador supersónico todavía, ya sabes, y eso no es lo que estamos buscando Quiero decir, en realidad, es una especie de dro, ya sabes, un dron militar, pero aún no es un luchador. Por lo menos aún no es un combatiente de combate. Entonces lo que estoy haciendo es que como este efecto de sonido es más largo que el disparo en sí, estoy acortando esto He creado un corte con el fin de exprimir este efecto de sonido. Así que vamos a comprobarlo. Tenemos que agregar una especie de transición por aquí para mezclar los dos cortes. Así que vamos a la carpeta de efectos aquí y a toda la carpeta de transiciones. Y voy a seleccionar potencia constante, y voy a arrastrar este plu por aquí, esta transición. Y ahí estás. Perfecto. Se crea la presencia de ese avión de combate. Podríamos agregar un ambiente extra y significar una atmósfera de viento a ese momento. Creo que no es necesario en absoluto, pero podemos probarlo. Entonces, hasta ahora tan bien, vamos a seguir creando el efecto de sonido detonador en la siguiente lección 25. Efecto de sonido de detonador: Perfecto. Sigamos luego creando el diseño de sonido. Voy a agregar un ambiente extra a ese momento donde el jet aparece en la pantalla. Voy a crear otra pista por aquí. Esta vez va a estar en una pista estéreo. Entonces voy a seleccionar un estándar aquí y dando clic. Entonces voy a buscar ese ambiente en mi banco por aquí. Este es un efecto de sonido del desierto. Entonces es un ambiente. Voy a arrastrarlo hasta aquí. Es bastante sencillo, pero creo que va a funcionar bastante bien. Entonces ya mencioné en la lección anterior que no era necesario agregar un ambiente extra a este momento, pero vamos a probar esto para que conozcas cómo suena con este efecto de sonido del desierto. Voy a hacer que suene de forma aislada. Suena interesante, ¿ no? Y luego cortando esta atmósfera aquí mismo porque el un efecto de sonido ya tiene esa capa de viento, el aire. Y creo que en los misionesen también es necesario este viento Entonces voy a poner este ambiente aquí también. Entonces, al hacer esto, debes prestar atención a las transiciones, ¿sabes? Se debe prestar mucha atención a aquellos momentos en los que comienza la atmósfera y termina la atmósfera. Entonces por ejemplo, aquí mismo, este corte. Se supone que debemos ser precisos con esta transición. Por ejemplo, debemos poner esa atmósfera C al inicio del disparo para que sea arable, para que suene real Y también para mezclar esa transición, ya sabes. Perfecto. Pasemos ahora al efecto de sonido del dispositivo. Quiero decir, el dispositivo es el detonador. Ya sabes, es una especie de detonador. Y voy a buscar esos efectos de sonido, los efectos de sonido digital en mi espalda. Encontré que este es una especie de sonido electrónico. Vamos a repasarlo. Sonidos supernaticos Una especie de sonido de activación, ya sabes. Son realmente útiles. Voy a arrastrar esto por aquí porque necesitamos momentos diferentes porque una vez que un soldado saca ese detonador de su bolsillo, empieza a activarlo Y luego entra una especie de gótico en el dispositivo para activar el misil, ¿sabes? Entonces voy a arrastrar este aquí. Es una especie de efecto de sonido de máquina de caché. Debemos tratar también de experimentar haciendo esto, ¿sabes? No hay ninguna receta para crear esto desde cero. Debes intentar experimentar con el diseño de sonido con los efectos de sonido y ser creativo. Voy a probar otra parte de los efectos de sonido porque necesitamos la reacción del dispositivo, ya sabes, una vez que ingresemos el código. Creo que esta parte es buena. Voy a arrastrarlo a la línea de tiempo. Entramos a esta escena donde el solar está sacando el dispositivo del bolsillo. Voy a crear el primer momento. Una vez que saca el dispositivo, lo está activando, ¿sabes? Puedes notar este momento aquí mismo. Entonces voy a mover ese sonido cibernético a este momento, el primer fragmento Exactamente. Y luego vamos a agregar el sonido del cajero automático. El pin. Perfecto. Estoy disminuyendo un poco el volumen de esta parte del pin. Creo que es un poco ruidoso y voy a poner el otro sonido esferntico . Y ahí estás. Voy a mover este primer efecto de sonido con mayor precisión, aquí mismo. Perfecto. Volvamos a comprobarlo. Ahora, pasemos a la C hacia abajo porque el bache el detonador se supone que tiene una especie de reloj, ya sabes Entonces voy a agregar otra pista, una pista mono esta vez. Voy a seleccionar aquí mismo, mono y presionar k y voy a buscar ese efecto de sonido por aquí en mi banco. Y presta atención a esto porque para ser precisos configurando esta parte, no tiene nada que ver con el diseño sonoro, sino con el montaje, porque se supone que debemos hacer el down coincida con esa imagen, ya sabes Debemos de ponernos muy pacientes con esto. Me voy moviendo poco poco efecto de diseño para que coincida con los números. Entonces, la lata abajo no es necesaria en la primera parte. Apenas en esta parte donde el soldado está pie y dando unos pasos hacia el desierto, ya sabes. Entonces ya que he puesto el detonador correctamente en el montaje No encuentro ningún problema configurando el efecto de sonido a ese detonador O sea, las segundas diapositivas siempre son las mismas, ya sabes. Otro detalle importante es que en cuanto a la escritura de guiones, ese can down se supone que se escucha más fuerte A pesar de que ese detonador está lejos del soldado porque dejó ese detonador cerca de esa playa, ya sabes, a la orilla Se mueve hacia el interior del desierto. Pero necesitamos la presencia de esa c bajando todo el peso en términos de escritura de pantalla. Quiero decir, es mucho más dramático así. Y claro, también puedes agregar un tipo de música si quieres a esto, un ambiente, ambiente musical que coincida con el estado de ánimo de la escena con el tono de la escena. Te voy a mostrar el diseño de sonido original con la música. John, voy a ver. Es importante hacerle saber que en esta parte, también está el sonido de la bomba nuclear. En realidad, te voy a mostrar esa en la siguiente lección, pero es bastante interesante ver cómo evoluciona esto, cómo crece este diseño de sonido desde el principio Y la razón por la que no estoy agregando la bomba nuclear aquí es porque ese efecto de sonido se mezcla con la música, en realidad. Pero creo que lo más importante es todo lo que hemos creado hasta ahora. Sí. Y sé que se puede decir que no está sumando ecualizadores No estás agregando ningún compresor a la mezcla a las pistas. Y la razón es que a la hora de crear diseño de sonido, la mezcla es bastante diferente a esa mezcla de una pista sonora de una canción o música. En primer lugar, podemos usar ecualizadores. Hemos utilizado ecualizadores para mejorar los pasos, por ejemplo, si notas que en tu diseño sonoro, hay que están colisionando en cuanto Puedes usar ecualizadores para mover las frecuencias a diferentes áreas del espectro sonoro Es decir, en este diseño de sonido, no encontramos ningún problema crítico, ya sabes. Pero si por ejemplo, ese efecto de sonido esvernetico, estamos colisionando Podemos aumentar las frecuencias altas para alejar ese sonido del otro. O sea, eso es lo que hemos aplicado en los escalones. Es decir, el ambiente C estaba cubriendo los escalones. Por lo que mejoramos las bajas frecuencias de esos pasos con el fin de que se noten para hacerlos notorios en el diseño del sonido. Pero esa no es la única manera de hacer que un sonido se note en la mezcla. O sea, se pueden usar compresores, por ejemplo. Pero para prestar mucha atención a esto. Creo que esta es una de las cosas más importantes hora de crear diseño de sonido. Cuando estás usando compresores, estás destruyendo lo natural en la naturaleza real del sonido porque en nuestro entorno en la vida real, los sonidos no se comprimen en absoluto. Esa es una característica de la música, es decir, una función musical, una función de banda sonora, por ejemplo. Es decir, cuando estás haciendo una acción, por ejemplo, esa acción de sacar el dispositivo del bolsillo. Esa acción tiene una naturaleza específica, una naturaleza irregular, y se supone que el sonido coincide con esa naturaleza. Es decir, la naturaleza misma de la actuación de un actor es irregular. No se puede comparar la actuación de un actor con una guitarra o una batería. O sea, cuando estás creando mets musicales, por ejemplo, en una batería, cuando estás mezclando una batería, Cada latido, cada calor en la trampa, se supone que suene al mismo volumen porque esa es una característica profesional de la música profesional Pero presta atención a estos pasos, son completamente irregulares, y ese es el subproducto del desempeño Entonces, si agregas un compresor a esos pasos, estás estropeando el peligro real de una obra Entonces al menos estás hablando de la mezcla general, puedes agregar un compresor a la mezcla general, un compresor multibanda Estamos hablando de eso en el curso de diseño de sonido disponible en esta plataforma también. Pero en cuanto a la creación del diseño sonoro, lo que estábamos haciendo hasta ahora no es necesario en absoluto para adaptarnos al proceso de edición. Y por último, el elemento único que vas a necesitar para agregar un compresor es la voz del actor. Entonces, si tienes voz, puedes agregar un compresor aquí mismo, este tipo de compresor, este compresor de banda única, y puedes elegir esta lectura de voz. Es un compresor sutil. Porque la voz del actor es un dispositivo narrativo muy importante. Pero cuando se trata de diseño de sonido, esos compresores que se aplican a la voz del actor no son lo mismo que los compresores aplicados a un cantante, ¿sabes? Son bastante diferentes porque la voz del actor necesita dinámica. Es decir, la voz del actor necesita transmitir esa impresión real, y necesitamos retratar los matices de movimiento, ya sabe Entonces te recuerdo si te interesa el diseño de sonido en un nivel más profesional porque lo que hemos creado es también profesional. Pero puedes recurrir a mi otro curso de diseño de sonido disponible en esta plataforma. Vamos a seguir revisando la sesión basada en Q en la siguiente lección donde vas a ver las voces comprimidas en las pistas. Entonces te veo en la siguiente lección. 26. Compresores de revisión de Cubase: Perfecto. Estamos aquí de nuevo pero esta vez en florero. No te estoy enseñando a usar el jarrón Q en absoluto porque hay otro curso enfocado en eso, el curso de diseño de sonido disponible en esta plataforma. Solo te estoy mostrando la sesión regional sobre el jarrón Q de este diseño sonoro. Porque quería hacerte entender la naturaleza de este estilo que no es tan diferente y luego el Adobe Premiere, esa sesión, y esas herramientas con las que estábamos trabajando. Entonces puedes notar aquí que hay una pista de video que te ayuda a crear el diseño de sonido. Este es el monitor de referencia de la misma manera que el Adobe Premiere. Y lo que estás viendo en el fondo es el tablero, la línea de tiempo. Yo diría que es casi exactamente lo mismo que la línea de tiempo en Adobe Premiere. Pero solo concéntrate en los sonidos, ya sabes, todas las pistas. Y claro, aquí puedes usar herramientas más útiles a la hora crear diseño de sonido para editar sonido, puedes agregar por aquí las pistas que quieras de cualquier naturaleza. Y tenía muchas ganas de mostrarte el inicio del video porque en el inicio del video, hay una voz en off. Vía Para volver así que a sustantivos. No lo haces y a la. No tienes cinco rojos deberían bajar por un s. Así que quería mostrarte esas pistas donde hay una voz en off. Si abrimos los ajustes de pista, podemos ver que hay un ecualizador, es un ecualizador más profesional, más sofisticado Este es un ecualizador métrico par. Esos ecualizadores los usamos en la lección anterior donde los ecualizadores gráficos ecualizadores gráficos tienen favores relacionados con un rango específico de la frecuencia Pero el ecualizador parmétrico funciona con estas líneas. Por otro lado, tenemos el compresor. Este es un conjunto compresor profesional especialmente para voces, ya sabes, y puedes agregar también reverberación, reverberación Para que puedas ver la onda sonora con más detalle por aquí. Se nota que esta voz tiene matices irregulares. Entonces se supone que el compresor nivela esas pequeñas diferencias que estás notando en esta onda de sonido en la pantalla Pero eres capaz de usar el compresor de una manera que mejore la actuación del actor, no destruyendo la dinámica de la actuación del actor. Por lo que debe ser un compresor de sillín. Regresa ya. Vista de frutos secos llegaste a la N s ciento cinco apagada por o. Y debes saber también que en la misma masa, en el mismo jarrón Q, puedes crear pistas sonoras. Quiero decir, bandas sonoras digitales, orquestación dital. Te voy a mostrar un poquito. Esta es una especie de atmósfera sostenida. También soy compositor de partitura cinematográfica. Estoy creando siempre la pista sonora de mis obras. De la misma manera que el estreno de Db tiene su mezclador de sonido. Hay un mezclador por aquí. Esta es una mezcla profesional. Como mencioné en el Adobe Premiere, todos esos favores son la representación de esas pistas en la línea de tiempo. Obviamente, esto sin embargo está diseñado para crear diseño de sonido profesionalmente. Cuenta con herramientas más útiles. Cuenta con colinas azules, especialmente creadas para la mezcla de sonidos. Ese es un trato muy importante, ya sabes. Dos. En la canción tenía muchas ganas de mostrarte el efecto de sonido de la bomba nuclear. Es éste. Pero puedes notar que saqué todas esas bajas frecuencias relacionadas con esa explosión porque estaba chocando con la masterización de la canción Quiero decir, las bajas frecuencias en la bomba nuclear no se supone que sean más poderosas que las de la canción, ya sabes, y esa es la razón por la que he disminuido las frecuencias bajas en ese rango del espectro. Y señores calle Así, hasta ahora bien. Espero que hayas disfrutado de todo este diseño de sonido y hayas aprendido mucho. Te recuerdo que si quieres saber más sobre este tema de diseño de sonido, puedes recurrir a mi otro curso de diseño de sonido disponible en esta plataforma. Nos vemos más tarde. 27. Producción cinematográfica y de videos VOLUMEN II Final: Hola a todos. Habíamos llegado al final de este curso. Espero que lo hayan disfrutado mucho, mucho. Recuerda que si quieres profundizar en edición de películas y aprender a usar el estreno AV, también puedes ir a mi curso de edición de películas disponible en esta plataforma En otra nota, supongo que usted había venido del Volumen uno, donde vimos cómo se rodaban todos estos materiales. Si no has tomado ese curso, puedes ir directamente allí también. Quería preguntarte algo importante. Si lo habías hecho hasta el final de este curso y te hubiera gustado, debes saber que se hizo con mucho esfuerzo para que intentes compartir lo mejor contigo. Me encantaría seguir haciendo un curso para cada una de mis producciones. Eso me encanta, pero depende de ti. Hay otros cursos en esta plataforma, y para que yo siga haciendo esto, mi curso debe ser muy valorado. Si crees que mi curso es bueno, y como mencioné, te gustaría ver otros cursos sobre otras producciones, por ejemplo, uno en un espacio interior, etcétera, necesito una muy buena reseña Pero todo depende de ti. Ustedes son los que deben calificar mi curso. Muchas gracias por llegar hasta aquí y te quiero mucho hasta la próxima vez. Bien.