Producción cinematográfica y de videos Edición de lujo, volumen 1

1. Edición de lujo del curso de edición cinematográfica y de videos, vol. I: ¿Alguna vez has soñado con llevar tus ideas a la pantalla grande? Pero quieres aprender los secretos detrás de crear un audio impactante. Así proyectos. Bienvenidos a este primer volumen de la nueva producción cinematográfica y de video, el curso de la edición Luks Mi nombre es Aldliovez y he sido director de cine, actor y cantante desde hace más de 15 años Me gradué de la Mejor Escuela de Cine de España y estoy aquí para compartir todos mis conocimientos contigo. He elaborado este curso torno a dos videos musicales cinematográficos, creado una parte específica, esta plataforma a través de la cual aprenderás paso a paso cómo convertir tus ideas en proyectos reales de audio viso Desde construir una idea hasta dirigir la producción rápida en su proyecto. Se puede ver en la pantalla la calidad de las producciones con las que trabajaremos. Al final de este curso, tendrás la capacidad de abordar cualquier proyecto de Audviso desde cero, equipado con las herramientas necesarias para dirigirlo y desarrollarlo junto a un equipo de producción profesional, especialmente trabajando con proyectos limitados Este curso está destinado a todos aquellos que realmente quieran convertirse en directores de cine y quieran romper la barrera del miedo que les impide lograrlo. El conocimiento es la única manera. Ahora profundicemos en los contenidos de este primer volumen de la edición deluxe dedicada a la producción cinematográfica y de video En este curso, cubriremos toda la etapa de preproducción y producción Cómo se desarrolla una idea de una manera simple, real y natural. Aprenderás a seleccionar el equipo adecuado para tus proyectos En plan días de rodaje exitosos. Aprenderás a lidiar con circunstancias imprevistas durante el rodaje y aprenderás con ejemplos de pantalla cómo dirigir una cinematografía adecuada en entornos naturales Desacreditaremos mitos sobre viabilidad del proyecto y mitos relacionados con el uso de las lentes de cámara Y aprenderás excelentes estrategias de dirección para llevar tus videos al siguiente nivel en la edición. Y lo más importante, sabiendo todo esto, aprenderás a presentar tu proyecto a un programa de financiamiento o distribuidor. Construyendo tu página de ejecución que formará parte de tu proyecto de curso. No pierdas la oportunidad de adquirir conocimientos que no están al alcance de todos. He creado este curso para que puedas tener la oportunidad de aprender el proyecto real usando herramientas que alguien como tú tendría a su disposición. Siempre te has formado en hacer películas y quieres convertirte en un verdadero director de cine. Este es el curso para ti. Mi nombre es Video Pz y este es mi nuevo atelier de pago en cine y producción de video, el curso de edición Lux Te veo en la primera lección. 2. La idea: La claridad de una idea sirve como base para cualquier proyecto audiovisual. Se refiere a la capacidad de expresar de manera precisa y comprensible la premisa o concepto central que impulsa el proyecto. Esto subraya la importancia de la línea de etiqueta y el alto concepto, como enfaticé en mi curso arte de pero lograr la claridad de una idea no es tarea fácil Consiste en asegurar que la idea sea fácil de entender y comunicar, tanto para el equipo de producción como para el público. Pero, ¿cómo se astilla esto? Primero, es necesario definir los objetivos y entender de dónde provienen estos objetivos. Usemos el video musical que creamos el video, y Mucha temps un ejemplo ¿Y cómo empezó todo? Todo empezó haciendo preguntas muy sencillas. ¿Dónde puedo grabar un video musical que sea visualmente impactante? ¿Dónde puedo hacerlo cerca de mi ubicación? Ya que sabes que se supone que debes buscar lugares, teniendo en cuenta que su ubicación es parte de los recursos que tendrás. Tú eliges el que te parezca más atractivo y accesible. En esta búsqueda, el desierto del Delta de Lebro aquí en Cataluña, España donde vivo, surgió como una ubicación potencial La idea gira inicialmente en torno a la posibilidad de hacer un video musical en el único desierto de Cataluña Sin embargo, esto no quiere decir que se convirtió en la idea principal. Fue apenas el punto de partida, la semilla. Ya tenemos el primer paso para encontrar la idea central. Primero, el video debe ser filmado en ese desierto. A partir de ahí, pasamos a la siguiente pregunta. ¿Qué posibilidades me da un desierto para contar una historia importante? De esta pregunta surgen varias posibilidades. En primer lugar, una simple canción o video de amor que se despliega en el desierto Simplemente porque la ubicación es visualmente atractiva, el lugar es genuinamente lapidado. De hecho, hay un faro espectacular en medio de las dunas. Y es un desierto en contacto con el mar es un lugar verdaderamente hermoso, como se puede ver en la pantalla. Otra opción fue ya que el desierto es un parque nacional en España, quizás podríamos mostrar la belleza del lugar en el video relacionado con la belleza de paisajes naturales en mi país de origen, Venezuela. De hecho, quería crear una canción romántica que hablara la nostalgia de recordar tu patria desde el nuevo lugar donde vives como inmigrante. Quiero decir, desde la perspectiva del pueblo venezolano, este tema fue relevante porque millones de venezolanos alrededor del mundo están experimentando la Entonces la idea era hacer un video cantando al lado del faro como si yo fuera yo mismo el faro mirando mi pasado a lo lejos. En realidad, esa idea era hermosa, romántica, pero había un problema. La última idea, que hasta ese momento era la más atractiva, sólo surgió de la posibilidad de poder rodar en ese desierto con ese faro Sin embargo, los recursos que puedas tener no son solo el desierto. Es decir, puede que tengas todos los recursos que te permitan hacer algo más que una simple historia de amor y nostalgia. No hay recurso más valioso que la experiencia que puedas tener hasta el momento. Si he tenido la oportunidad utilizar efectos visuales en trabajos anteriores, ¿por qué no utilizarlos en esta idea? Por otro lado, otro recurso, otra estrategia que he utilizado en las historias fue incluir pocos personajes y elaborar disfraces ¿Por qué no usar esa misma estrategia en este desierto? A partir de ahí, nuestra sensibilidad cambia y empezamos a buscar más posibilidades. ¿Cuál era esa posibilidad? Si has hecho un trabajo previo con pocos personajes, crea disfraces fantásticos, y retratado una historia del siglo XVII en una montaña, ¿qué te impide volver a hacerlo? Entonces pensé, bueno, no quiero retratar otra palabra del pasado porque de hecho, aunque no haya muchos personajes, necesitaría bastantes ¿Puedo permitirme esos personajes? No puedo permitírmelo y no puedo crear una palabra del pasado. ¿Y una palabra de un futuro lejano? ¿Me puedo permitir un disfraz de futuro? ¿Cómo consigo otros personajes del futuro por ejemplo? Esas son las preguntas. No puedo conseguirlos, pero no me lo podía permitir en ese momento. ¿Qué puedo hacer entonces? ¿Cómo puedo hacer un video musical y un video musical espectacular? Resulta que muchas plataformas online venden videos con efectos visuales e incluso videos con los elementos que necesitas para tu propia producción. Pero obviamente, la mayoría de esos videos incorporan elementos actuales de nuestro tiempo. Esa posibilidad surgió, tal vez no pueda retratar un futuro lejano, o un pasado sino la era presente Usar la estrategia de mezclar el desierto con pocos personajes, buena dirección de arte, buena cinematografía, efectos visuales en esos videos de stock fue genial y fantástico Entonces el concepto alto comienza a tomar forma a partir de ahí. Hay ideas más claras de su desarrollo, Acharactura en el desierto en la actualidad Efectos visuales y videos de stock que tienen esas posibilidades. Empiezas a mirar más profundamente a tu alrededor y puedes pensar en mensajes importantes para la humanidad Por ejemplo, se puede hablar del sufrimiento causado por la guerra. O se podría hablar de una posible guerra nuclear. Ahí es donde surgió la idea. ¿Se puede retratar una guerra contemporánea, o una guerra de futuro cercano con los elementos que tengo Sí, puedo completamente, y así fue como sucedió. Por lo que ya se creó el Concepto Alto, un video de un soldado en un desierto frente a un ejército construido con un video de archivo y efectos visuales. Eso es simple. Este alto concepto me permite visualizar objetivos de producción y dónde dirigir los recursos, porque puedo permitirme comprar los derechos de autor de esos videos de archivo. Y entonces puedo enfocarme en construir el resto, que sería todo lo relacionado con la perspectiva del soldado en el desierto así como los efectos visuales de la guerra. Ya que es un solo personaje. Visualmente es sencillo. No es que no haya otros personajes. Pero la fuerza antagónica de la historia de los videos es el ejército al que se enfrenta Entonces la línea de tachuelas también emerge un soldado rebelde en un desierto a punto de experimentar una guerra nuclear Aquí ya tenemos una idea y una posible historia que es relevante para el contexto actual, para el público actual. Con posibilidades reales de producción. Todo lo que había experimentado hasta ahora está contenido dentro de esta idea. Por lo que una idea clara proporciona una base sólida desde el establecimiento de objetivos desde el principio. Es decir, los objetivos de un proyecto audivisual provienen directamente de la idea central de la historia Esto incluye objetivos relacionados con el mensaje a transmitir en la audiencia. Para ser alcanzada. Por ejemplo, quién es el público quiero llegar a cualquiera que le guste la música en español y esté preocupado por la guerra. En efecto, si no te gusta la música solo ver el video, el mensaje puede ser de tu interés o de cualquiera que pueda generar conciencia sobre los peligros de una guerra nuclear. Por lo que la claridad de una idea permite que los objetivos se fijen de manera específica y activa. Esto es crucial para la planeación y ejecución del proyecto, ya que proporciona una guía clara de lo que hay que lograr. Y en este proyecto, todo quedó completamente claro desde el principio. Las limitaciones también son una parte esencial de la planificación de un proyecto audiovisual. Pueden incluir restricciones de jet trasero, limitaciones de tiempo, disponibilidad de reubicación en recursos técnicos, entre otros. Una idea clara permite identificar anualmente las limitaciones fundamentales que pueden afectar la realización del proyecto. Esto es importante para la toma de decisiones informadas y el ajuste de la planeación de acuerdo a estas limitaciones. Además, la claridad de una idea ayuda a determinar cómo abordar eficazmente estas limitaciones. Por ejemplo, si el objeto es limitado, la idea central puede servir de guía para priorizar elementos clave de un proyecto y asegurar la coherencia Una idea robusta no solo guía la dirección del proyecto, sino que también facilita la toma de decisiones en cada etapa de producción. Afortunadamente, a lo largo de este curso, numerosos ejemplos extraordinarios relacionados con la toma de decisiones, brindarán numerosos ejemplos extraordinarios relacionados con la toma de decisiones, incluso durante el rodaje. Otra parte importante de la idea es que si queremos la idea crezca y si se ramifica a otras historias, es decir otros videos, por ejemplo, DA debe dejar algo llamado la puerta abierta. Que en la escritura de guiones es la posibilidad narrativa de crecer a otras historias Pero no te preocupes, porque todos estos serán cubiertos en las próximas lecciones hasta la siguiente lección. 3. La historia: El video musical, Noi Mucha Tempo comenzó con una línea tack ¿Recuerdas lo que mencioné sobre la línea tack en mi curso de arte del cine La línea de tachuela es una frase que resume lo que se supone que el público debe ver en la pantalla En este caso, el lema era un soldado rebelde en un desierto a punto de experimentar una guerra nuclear Pero, ¿qué podríamos transmitir en un video de tres o cuatro minutos que fuera lo suficientemente consistente para la duración de los videos musicales? Adicionalmente, este tema necesitaba dejar una puerta abierta para la narración de historias En el primer video musical de cuatro minutos, no hubo tiempo de explicar demasiado en, ya que crear más personajes no era una opción debido a las limitaciones del jet trasero. Por ejemplo, la historia tuvo que ser dirigida por un solo personaje, el soldado rebelde. Generalmente en las historias de guerra, es necesario explicar por qué existe la guerra, o al menos por qué hay un conflicto entre las partes involucradas. Como esto no fue posible debido a la duración del video musical, la historia tuvo que ser aún más sencilla. La historia del piloto rebelde fue más adecuada. Mientras el Sol habla de un soldado con rojos siendo un soldado que no quiere seguir matando a gente inocente. El mensaje también se trata de mirar dentro nosotros mismos para resolver las cosas que nos llevan a la guerra. Básicamente, la soldadura podría ser de cualquier época. Es un tema universal ya que las letras de la canción son un elemento crucial para contar la historia, tuvimos que profundizar en los elementos semióticos de la Es decir, ir al núcleo del mensaje de la canción. Creo que el mensaje más importante en este caso es mostrar al espectador la capacidad dentro nosotros mismos de destruirnos unos a otros. Pero, ¿qué tiene que pasar con este piloto de combate rebelde? ¿Qué tiene que pasar en el video para que el espectador se vea reflejado en la historia? La única manera era el soldado hiciera algo inesperado, algo que no esperaríamos. De esta manera podemos involucrar emocionalmente al espectador y hacer que se dé cuenta de que ellos son los producen la guerra con sus acciones, decisiones, prejuicios y oscuridad dentro de cada uno de nosotros. Eso es lo que representa este soldado desatando una guerra nuclear cuando nadie espera que lo haga. Este elemento es una forma de crear ironía dramática. Un ejemplo perfecto, hablo de esto en mi curso de Arte de Cinematografía Aquí podemos entenderlo mucho mejor. ironía dramática es un dispositivo negativo que se puede utilizar de manera efectiva en una historia para crear humor sorpresa en un giro inesperado En la narración visual, implica una situación en la que el espectador o el personaje dentro de la historia tiene una comprensión opuesta de lo que sucede en la pantalla Creando una brecha entre el conocimiento del espectador y el del personaje. Por otro lado, puede ser una herramienta efectiva para transmitir un mensaje, crear impacto emocional, o simplemente mantener entretenido al espectador durante el video musical Todo ello forma parte del proceso de distribución y comunicación de la información proceso de distribución y comunicación inherente a la producción audiovisual. Una historia audiovisual efectiva debe incorporar varios elementos clave para cautivar al público y transmitir su mensaje de manera coherente y poderosa Los elementos más importantes que deben estar presentes en la historia audiovisual son, primer lugar, una narrativa sólida. La historia debe tener una estructura narrativa clara que incluya elementos como la introducción, el desarrollo y la resolución. Debe haber un conflicto central o trama que mantenga al público interesado y comprometido. En el video musical Y mucha tempo, no tuvimos mucho tiempo. Hay una introducción que proporciona contexto a la historia. Es un futuro cercano donde hay una pobreza y una gran guerra, Al igual que nuestra realidad actual. Esta introducción también introduce al personaje que presenta al piloto de combate en este momento, se vuelve rebelde y es cerrado por su Después en el video, hay un desarrollo donde vemos al personaje luchando por sobrevivir en el desierto hasta llegar a un punto en el que está acorralado A lo largo de esto, hay un conflicto. El personaje lamenta ser soldado. Pero también hay un conflicto oculto que sugiere que el personaje puede estar decepcionado con la humanidad. Por último, hay una resolución cuando vemos al personaje desatar el fin del mundo lanzando la milla nuclear, bomba nuclear Sin embargo, esta historia no termina aquí en este primer video. Pero fue creada para expandirse a una secuela similar a cómo una película podría tener una segunda parte o una serie de televisión, una serie de plataformas Para lograrlo, debe haber mecanismo actual en uno de estos dispositivos de escritura es la audiencia de puertas abiertas . La puerta abierta consiste en escenas o momentos en una película donde puede haber un hueco u oportunidad de hacer crecer otra historia diferente o una historia adicional. Estos momentos pueden ser creados deliberada o simplemente seleccionados de nuestra historia porque tienen la naturaleza necesaria para convertirse en una puerta abierta. Por ejemplo, en la película Terminator One, la escena final es enteramente una puerta abierta porque es precisamente el hecho de que los restos del robot y los restos del cifrado quedan en esa Esa se convierte en la razón para desarrollar la tecnología de cifrado en Terminator dos Aunque hay una paradoja del tiempo, tiene callos narrativos complejos porque un evento lleva al Es decir, la compañía de cipher ding vista en Terminator dos cifrados desarrollaron a partir de los restos del primer terminador que quedó en su fábrica en la primera película Pero respecto al video que creamos por Mucho Tiempo para crear la puerta abierta. El momento en que el personaje está a punto detonar se utilizó la bomba nuclear, es un momento reflexivo donde vemos al personaje en los últimos segundos antes de detonar la En el primer video, mostramos al personaje simplemente activando el misil y caminando unos pasos hacia el desierto. Pero no sabemos lo que está pasando por la mente del personaje por supuesto, habiendo visto el video y escuchando el sol, podemos imaginar que hay una frustración y tristeza en la sonrisa, pero nunca vemos eso en la pantalla. Entonces siempre es parte de lo que el narrativamente siente el espectador ya que la escena sugiere cosas Pero justo en esta escena, el segundo video musical comienza mostrándonos que el personaje en realidad estaba pensando precisamente en el lugar donde le gustaría estar después de morir. Recordando a la persona que ama, como cualquiera de nosotros podría. Es la misma escena pero desde un punto de vista diferente. Toda la historia cuenta desde el momento en adelante. Ese es el video musical. Saldanhl You Falls se basa en los deseos y recuerdos que el personaje está experimentando justo antes de detonar la Es un mundo completamente ficticio. Una mezcla de recuerdos y deseos de viajar en la mente del personaje porque está a punto de morir. Pero las historias requieren personajes memorables. Los personajes bien desarrollados y carismáticos son esenciales para que el público se identifique y involucre emocionalmente con la historia Los personajes deben tener metas, conflictos y desarrollar arcos Por lo que este punto debe ser entendido. Bueno, no se trata de si el personaje es bueno, sino de si el personaje hace algo significativo en la historia, independientemente de que sea bueno o malo. En la película Honeivaljoker, por ejemplo, los personajes son malos, son malos Pero hacen cosas importantes, cosas impactantes que no todos se atreverían a hacer La historia también debe tener un diálogo significativo. El diálogo en una historia audiovisual debe ser realista y relevante. Debe servir para desarrollar personajes de trama avanzada y transmitir información importante. En el caso del video musical, el diálogo está representado tanto por la voz como por la calificación del soldado. Algunas cosas al principio, explicando en el contexto y las voces durante la batalla aérea cuando el personaje se dispara a los planos. Mucho más importante, las letras de la canción representan el diálogo. Este último elemento es el más crucial en un video musical a la hora de dialogar Ahora como se muestra, otro elemento importante es el entorno y el entorno. El mundo en el que se desarrolla la historia debe ser coherente y bien definido. Los detalles del entorno, el tiempo y el lugar contribuyen a la audiencia y la inmersión. ¿Qué es más importante que en el desierto, un lugar donde miles de palabras han estallado a lo largo de la historia humana Otro elemento importante sería el tono y el estilo visual. La historia. El tono debe estar en línea con su contenido y mensaje. Estilo visual, dirección de arte en cinematografía deben complementar la narrativa y evocar las emociones deseadas. Esto es importante. Debe haber certeza en los elementos que retratan la historia y su relación con el tono de los productos Si mi película es una comedia, por ejemplo, los elementos que utilicé para retratar la guerra pueden no tener que ser enteramente fieles a la realidad O las acciones que ocurren en la historia no tienen que ser del todo corentes y reales Hay cosas permitidas dentro de ciertos géneros. La comedia es muy abierta en ese sentido. Por otro lado, si nuestra película tiene un tono emocional serio, por ejemplo, el reto es más significativo. Y los elementos que utilizamos deben ser capaces de retratar la realidad tal como es Y las cosas que sucedan en la historia deben tener una absoluta coorancia que es muy importante Y puedo dar un ejemplo en Glorious Aasters, por ejemplo, esa gran película de Tarantino Cosas pasan dentro del cine en el momento en que Hitler está dentro del cine que son inverosímiles pero funcionan porque el Genera lo permite Porque los Géneros tratan de retratar las decisiones insensatas que a veces la gente Por último, nuestro trabajo debe tener impacto emocional. Una buena historia audiovisual debe ser capaz de moverse y dejar una impresión duradera en el público. El público debe recordar la historia y sus personajes mucho después de verla. En este sentido, el final es esencial. La forma en que el video genera reflexión sobre el destino de la humanidad a través de los rostros de los niños es crucial para lograr la meta. Todos estos elementos trabajan juntos para crear una historia audiovisual efectiva. Por supuesto, en este caso, si quieres profundizar en cómo escribir un guión directamente sencillo, puedes recurrir a mi otro curso, parte del cine, que también está disponible Te veo en la siguiente lección. 4. Selección de equipos La cámara y los objetivos: La importancia de la selección de equipos en la producción cinematográfica y cinematográfica En esta lección, exploraremos cómo la selección adecuada de equipos puede influir significativamente en la calidad y el éxito de una producción cinematográfica Desde cámaras, luces hasta sonido. Cada elección de equipo tiene un profundo impacto en el resultado final de una película. Es importante señalar que usaré el ejemplo del proyecto de video musical Noi Mucho Tiempo y también Salto Angel Angel Falls para ilustrar por qué elegimos el equipo para ambos tiroteos, ¿ dónde comienza el proceso de selección de equipos Existen tres factores fundamentales a la hora elegir el equipo más adecuado. ¿Y cuál es la primera? El primero es saber a qué tipo de proyecto quiero crear y a qué tipo de holdings se dirige nuestro proyecto. A partir de ahí, necesitamos determinar cuánta calidad de imagen requiere el proyecto. Si se trata de una publicidad para una marca de vino por ejemplo, probablemente necesites una cámara de cine en lentes de alta calidad que representen la exclusividad de la marca Por otro lado, si necesitas producir un video para redes sociales donde el foco esté en retratar o documentar el viaje de un influencer, por ejemplo, una DSLR debe ser más que suficiente para eso por ejemplo, una DSLR debe ser más que suficiente para Recuerda que las cámaras de cine están diseñadas específicamente para la grabación cinematográfica Ofrecen mayor calidad de imagen, mayores opciones de personalización y capacidades de grabación. En formatos de alta resolución como cuatro K o incluso ocho K, a menudo se utilizan en producciones de alto cubo en películas a gran escala. Por otro lado, la mayoría de las cámaras SLR permiten la grabación de video en alta definición, y en algunos casos incluso en cuatro K o seis K. En el caso del video Noi Mucho tempo, teníamos un claro entendimiento de la audiencia y qué tipo de producto era Se trataba de un video musical dirigido a Ajn y público maduro que tuvo que sentirse atraído por la seriedad del video que retrata A partir de ahí, sabíamos que tenía que ser una buena cámara con buenos lentes. Sin embargo, hubo otros factores importantes. En primer lugar, el presupuesto no era extenso, así que no podíamos permitirnos la mejor cámara de cine o los lentes de chaleco. El otro factor fue la logística de producción. Si supiéramos que teníamos que caminar una distancia de casi 4 kilómetros desde el punto de entrega hasta el lugar de rodaje, no podíamos elegir la cámara de cine más pesada ni demasiados accesorios y equipos Por otro lado, el cuarto factor es operabilidad de los equipos en el set Quiero decir, solo había cuatro o cinco personas en el set ya que era un proyecto de cheque bajo. Estas personas eran el director de fotografía, el subdirector, el maquillador, y el experto en paracaidismo, y yo tampoco nadie más, los que realmente operaban el equipo de grabación eran dos personas, el director de fotografía y su asistente. No podíamos tener demasiadas piezas de equipo ni equipos complejos o difíciles de usar. Revisemos el equipo luego comencemos con la cámara. En cuanto a la cámara, utilizamos cámara de cine, no demasiado cara. El Sony X Six, que graba hasta cuatro K e incluso tiene la capacidad de hacer una cámara lenta. Había otras opciones como la Red Dragon y la R, que son de mejor calidad porque sus sensores son más avanzados, teniendo así un mayor rango dinámico en la grabación. El problema era que esas cámaras requerían más accesorios, por lo que eran más pesadas. Aquí puedes notar la diferencia fácilmente a la izquierda y se restablecen la izquierda y se restablecen desde una de las versiones más pequeñas, y a la derecha en el sonny X six Adicionalmente, esas cámaras eran más caras. Por supuesto, preferimos usar el Sony FX six, que era lo suficientemente bueno para lo necesitábamos y era asequible. Es importante mencionar que el FX six tiene filtros ND internos que me permiten filtrar la luz en el desierto. Esta cámara realmente cumple con todos los requisitos mínimos para filmar el video, en realidad en mi curso, Arte o Cinematografía, que está disponible en esta plataforma Además, le expliqué un poco sobre esta cámara. Pero creo que una de las características más importantes de esta cámara es su capacidad para trabajar en condiciones de oscuridad. Las cámaras sonny Alpha están diseñadas para disparar de noche. Aquí en la pantalla, puedes notar un ejemplo. Una vez que terminamos el rodaje, el director de fotografía mantuvo la cámara encendida mientras regresamos a la camioneta. Independientemente de lo buena o mala que pueda ser una cámara, las series Alpha de Sony están especializadas para trabajar bajo condiciones de disco en el lado de la lente, que en cuanto a equipamiento, es lo que más impacta en la calidad de imagen. Recuerde que existen dos tipos de lentes fotográficos o algunos lentes que se adaptan a las condiciones que un fotógrafo pueda encontrar durante su trabajo. Y puedes cambiar la distancia focal. A veces tienen enfoque automático, todo eso sin cambiar la lente. Por otro lado, hay lentes de cine prime que tienden a ser más nítidas y brillantes en comparación con algunas lentes Para nosotros, era necesario tener buenas lentes. Lentes de cine. Pero resulta que el rentar una maleta de lentes de gama alta completamente profesionales cine de gama alta completamente profesionales es mucho más caro que alquilar la propia cámara con todos sus accesorios ya que había un objeto match. Tomamos la decisión de alquilar una única lente de cine, la lente alta de 45 milli cannon realojada Es una lente de cañón modificada y mejorada para capturar mejor la luz. Tuvimos el reto de lograr todos los tiros con una sola lente. Algo de lo que no estaba del todo seguro al principio, pero la dirección de la fotografía era que tenía esa habilidad. Además, grabar con una sola lente significa que no tendríamos que cambiar las lentes. Eso sería maravilloso porque cada vez que cambias de lentes en el set, pierdes bastante tiempo con respecto al sonido. No necesitábamos grabar diálogos ni nada por el estilo, solo grabar referencia Sonido de mí cantando frente a la cámara para sincronizarlo con la canción Eso es algo que podría hacer la cámara Sony FX six. Es importante tener en cuenta que muchos modelos de cámaras de cine profesionales no tienen esta capacidad. Porque se supone que dispararás con muchos asistentes y equipo. Pero en lo que respecta a los proyectos en los que estamos trabajando, en el caso del video de Saltan, tuvo un pequeño diálogo en la introducción Cuando se trata de un pequeño diálogo de esta naturaleza, no es necesario preocuparse por los grandes dispositivos de la grabación. Si es el caso, como este video, puedes usar cualquier nivel er, micrófono para grabar contenido en smartphone. Al igual que el micrófono que uso en esta lección, en los momentos en que estoy hablando a la cámara. Ese micrófono es más que suficiente para grabar el audio de un actor. Cuando se trata de una obra donde no se requiere que la calidad de grabación de las voces del actor sea muy alta. Entonces Baca, yo, ni el público recuerda que si quieres saber más sobre el escenario de grabación de diseño de sonido, puedes ir a mi curso de diseño de sonido que también está disponible en esta plataforma Pero pasemos ahora al caso del video musical, El Saltan Angel Falls Porque aquí cambian las condiciones y reglas. A pesar de que el video no mucha tempo puede considerarse louckjet Siempre existe la posibilidad de un cubo aún más bajo. Esta vez, no hubo recursos para rentar la lente que usamos en el video de Nimuchatempo La estrategia tenía que ser diferente. Veamos la siguiente gráfica en cola. La calidad del producto audiovisual está estrechamente relacionada con estos tres elementos. Supongamos que el nivel de calidad oscila entre 0-30 siendo 30 la máxima calidad Pero esta cifra o valor se compone de tres variables. La calidad del equipo que estás utilizando, que es de ocho puntos. La dirección de la fotografía, que son otros 14 puntos en lo que estás capturando con la cámara, otros ocho puntos. ¿Qué quiero decir con esto? Eso prácticamente, si tienes buena dirección de fotografía en lo que estás grabando es genuinamente atractivo. La ubicación, la escena, las acciones. Tienes 22 puntos de 30. Esto quiere decir que bajo condiciones donde la cámara es realmente de mala calidad, has llegado a 22 puntos de 30 con tan solo llevar la dirección de la fotografía y lo que estás capturando con la cámara. Esta vez tuvimos la cámara hermana a la X seis. Usamos la X tres, que es una cámara más pequeña que tiene exactamente el mismo sensor. Con la diferencia de que no tiene incorporados filtros ND dentro del cuerpo de la cámara. Por supuesto, muchas menos funciones para facilitar el trabajo durante las grabaciones. Pero básicamente es casi la misma cámara con un tamaño más práctico. Pero esta cámara, la X tres, tiene una gran ventaja porque no todo puede ser limitaciones en la vida. El flujo FX es una cámara especialmente hecha para documentales. La cámara cuenta con dos características que permiten grabar bajo condiciones en las que estaría un documentalista Primero, tiene un estabilizador construido e interno, ni siquiera la magia negra S K tiene estos. Esto quiere decir que está hecho para que incluso grabando mano puedas tener cierta estabilidad en las tomas, para ponerlas en capas, procesarlas en la edición y hacerlas perfectas o al menos bastante decentes. La otra característica de esta cámara es su capacidad para grabar de noche. Cuenta con un ISO que permite capturar buenas imágenes en condiciones de poca luz. La cámara de magia negra tampoco tiene esta capacidad. Esto no quiere decir que esté hablando mal de la magia negra, pero hasta donde yo sé, magia negra en sus versiones de bolsillo es para producciones prácticas y low buck, disparos a jet low bock Si ya sabemos que en cuanto a equipamiento, la lente es el aspecto principal para la calidad de imagen. En mi opinión, estas cámaras Sony de la serie X son mejores porque son más prácticas, ligeras útiles y fáciles de usar. Pero volviendo al rodaje, la diferencia más notable fue la lente, en este caso usamos una lente suma sonny serie D con enfoque automático Se trata de una lente de fotografía que, aunque la calidad no era la misma que la no ellas, digamos que era una lente de gama media, bastante promedio. Incluso me atrevería a decir que era un rango medio-bajo. Pero hizo el trabajo de capturar lo que queríamos grabar decentemente Pero entonces, ¿qué debemos hacer? Cuida el resto de los puntos. ¿Qué significa esto? Eso para trabajar con este equipo, tuvimos que cuidar muy bien la dirección de la fotografía. Por otro lado, ¿qué puede ser más increíble que disparar en Manhattan? Nueva York. ¿En un rascacielos en Manhattan? Lo que quiero decir es que también podrías encontrar un lugar increíble en tus países, y aprovecharlo al máximo. Por supuesto, debes evaluar todas las variables que mencioné antes a la hora de elegir qué equipo es el más adecuado para tu producción. Ese es el secreto. A veces al menos he visto casos en los que se invierte dinero en cosas que no son realmente importantes para la producción. Limitar la posibilidad de lograr los objetivos del proyecto y la selección del equipo debería llevarnos a cumplirlos hasta la siguiente lección. 5. Selección de equipos Steadycam y Follow Focus: Perfecto. Seguimos revisando el equipo que habíamos usado. Sabiendo esto, tenía un requerimiento visual. En primer lugar, necesitaba, como mencioné, una buena cámara con buenos lentes, pero también necesitaba un steadicam o algo similar O sea, tuvimos que grabar escenas donde el soldado estaría en el desierto moviéndose para crear esa sensación de estar presente con el personaje, era necesario seguir su movimiento. La estética fue más apropiada usando cámara fija en un trípode. Pero, ¿qué tipo de estética necesitábamos? Existen varios tipos de estética, pero todo depende la operabilidad y del número de asistencia que tenga el proyecto Como te dije, hay varios tipos de leva estética, siendo la más común la cámara de deslizamiento y el Gimble La leva de deslizamiento es una barra sobre la que descansa la cámara, pero su funcionamiento es completamente mecánico Generalmente se usa para lograr un resultado estabilizado, pero no necesariamente perfecto. Por supuesto, ya que tienes que llevar la cámara de deslizamiento con los brazos, eres un chaleco especial que te ayuda a sostener la cámara mientras diriges el disparo ¿Cuáles son las ventajas de esta herramienta? Primero una persona puede operarlo perfectamente. No hace falta configurarlo porque es mecánico y no te da un resultado completamente perfecto, lo te da un resultado completamente perfecto, que a veces puede mejorar el lenguaje cinematográfico, Pero lo veremos más adelante Pero, ¿cuál es su desventaja? Quizás si estás usando una DSLR, llevar el planeo no puede ser un problema significativo, pero si estás usando una cámara de cine, confía en mí que lo No aguantarás llevar una cámara de cine con lentes profesionales durante mucho tiempo. Si tienes un largo día de trabajo, el operador no lo soportará a menos que haya varios operadores de cámara. Pero por otro lado, hay estancia Kimball Static puede. Este dispositivo es exactamente como la lata de deslizamiento, pero también tiene un eje motorizado que ayuda a estabilizar aún más la imagen Es decir, la cámara no está conectada directamente a la barra sino a un eje configurado de antemano. En realidad hay otra versión un poco más avanzada llamada running, que es una rueda cuadrada o metálica que puedes llevar más cómodamente, pero que tiene un eje motorizado sobre el que descansa la cámara. ¿Y cuáles son las ventajas de esto? El primero es que la imagen está mucho más estabilizada ya que el eje motorizado termina de estabilizar la cámara. Sin embargo, tienes varias desventajas cuando se trata de un proyecto de objeto de bloqueo. Primero, que con la Glad Cam, el operador se cansará de sostener el Kimball Es demasiado pesado para una persona. no hablar de esa carrera, que pesa aún más. Ambos son excelentes pero equipos pesados. A menos que tengas un mejor que te ayude a sostenerlo, una persona no podrá operarlo. Adicionalmente, incluso con los mejores, no puede ser operado por una sola persona. Necesitas a alguien para calibrar el sistema motorizado, si no todos son capaces de calibrarlos En mi último tiroteo histórico, hubo una persona dedicada exclusivamente a calibrar la carrera El otro factor importante es que el Kimball estabiliza casi por completo la imagen, lo cual no siempre es Quizás en la publicidad o ciertas escenas de películas, puede ser perfecto todavía en el cine, esto no siempre es lo más apropiado. La vibración de la cámara es a veces un signo cinematográfico que nos ayuda a sentirnos cercanos al personaje A pesar de necesitar que la imagen se estabilice, es posible que se requiera una ligera vibración. La historia de este video musical trata sobre la guerra. El soldado corre en condiciones hostiles atado sediento Entonces necesitábamos un dispositivo que nos ayudara a transmitir eso. Entonces, si has visto grandes películas, puedes notar que no todas las imágenes están completamente estabilizadas. Y te digo esto porque la mayoría de los tutoriales que puedes encontrar en Youtube o Internet, te van a llevar a crear un video completamente estabilizado. Y ese no siempre es el caso, por lo que hay que darse cuenta cuando la imagen necesita ser completamente estabilizada o sacudida como significante cinematográfico Entonces en este sentido, existe otro tipo de steadicam llamado sic Este dispositivo me permite colgar la cámara de una palanca de extensión conectada a un chaleco. La cámara está completamente suspendida en el aire. Cuando un operador usa esto, el resultado será como si se tratara de un disparo de mano, pero con un movimiento lo suficientemente sutil como para no molestar a los ojos del espectador. La ventaja de este dispositivo es que el aparejo fácil en sí es el mejor, así que no tienes que buscar un extra mejor. Adicionalmente, no es necesario calibrarlo. Es un sencillo de usar para el director de fotografía que también fue el operador principal de la cámara. Era la mejor opción cuando estamos usando lentes estéticos de cámara y cine. Es importante recordar que los lentes de cine no tienen enfoque automático. ¿Recuerdas la diferencia entre una lente de cine y una lente de fotografía? Algunas lentes de fotografía tienen fuera foco para facilitar el trabajo de la fotografía. Estas lentes se utilizan a menudo en video o cine por practicidad, especialmente para el cine documental Por otro lado, en la lente de cine, el enfoque se controla manualmente mediante un enfoque de seguimiento. El follow focus es el dispositivo que me permite controlar el enfoque de la imagen manualmente moviendo una rueda junto a la lente. Es costumbre en un tiroteo que solo haya una persona dedicada a enfocar, pero esto no siempre es posible. Generalmente, en tomas bajas de bucjet, la misma persona que opera la cámara también maneja el foco Pero incluso si tu proyecto es un proyecto de bajo bocject, posible que necesites un foco polar Y ese fue nuestro caso. Te había mencionado que necesitábamos usar lentes de buena calidad, así que sabíamos que teníamos que usar lentes de cine. Por lo que era un requisito del Director de Fotografía asegurar una buena imagen final. Si necesitábamos usar una cámara estable y también usar lentes de cine, el poller de enfoque era esencial No sólo eso, sino que el foco Poller tenía que tener un sistema de seguimiento de enfoque inalámbrico Cuando la cámara se fija en un trípode. El sistema no importa porque el trípode mantiene la cámara completamente de acero. Pero si la cámara está en movimiento, el sistema de enfoque de seguimiento no puede ser manual porque es necesario el extractor de enfoque toque la cámara y eso sería un completo desastre Como puede ver en la pantalla, utilizamos un sistema de seguimiento de enfoque inalámbrico para que el extractor de enfoque pudiera funcionar cómodamente sin tocar la cámara o el operador principal Este dispositivo también requiere un monitor externo para que el poder de enfoque pueda asegurar que la imagen tenga el enfoque correcto. Bien siendo grabado. Perfecto. Hasta el momento tan bueno. Esto donde todos los equipos que utilizamos en los proyectos toman en cuenta todo lo mencionado en estas dos lecciones sobre el equipo y hasta la siguiente lección. 6. El día de la filmación Planificación, desarrollo y problemas inesperados: despliegue de producción en una cinta de rodaje puede variar según el tipo de proyecto, su escala y el equipo involucrado. Sin embargo, lo siguiente proporciona una visión general de cómo debe ser el despliegue de la producción en una cinta filmada Antes de la foto del día de la sesión, se debe realizar la planificación, incluida la programación de las tomas, los horarios de llegada a la ubicación, planificación de los horarios reales de llegada a las ubicaciones y la organización del transporte de todo el personal y equipo al set de rodaje. Esta planeación es crucial para el éxito, especialmente dado el limitado tiempo disponible o rodaje involucrado. Capturando metraje durante cuatro horas consecutivas en el desierto del Delta del Avro, aproximadamente a 2 horas de Barcelona, el lugar donde vivo Fue necesario retratar el paso del tiempo mientras el soldado cruza el desierto Confiar en la luz del sol y las últimas 4 horas del día sería necesario. Absolutamente necesario. En regiones con cuatro estaciones, puesta de sol de verano tiende a ser más lenta. Conociendo la puesta de sol a las 9:00 P.M. necesitábamos estar en el lugar antes de las 4:00 P.M. Tomaría alrededor de 4 minutos a una hora para caminar desde el punto de entrega hasta el lugar exacto de rodaje. A partir de ahí, tuvimos 4 horas para filmar todo lo planeado hasta el atardecer. A fin de cumplir con todos estos objetivos. El primer paso es determinar el día del rodaje. Si estás filmando en un estudio, puede que no haya problemas importantes. Sin embargo. Para otros brotes, se requiere una cuidadosa consideración. Los productores necesitan analizar pronóstico del tiempo y las posibles precipitaciones en el día del rodaje. También se deben establecer planes de contingencia para lluvias. Si estás filmando en una región lluviosa, es un riesgo significativo a menos que se incorpore lluvia al guión, el equipo necesario para filmar bajo la lluvia debe estar disponible. Alternativamente, es recomendable tener la flexibilidad disparar durante dos días, de disparar durante dos días, ya sea para uno de ellos. En nuestro caso, sólo pudimos filmar en un solo día. Elegir el día del rodaje fue crucial para el éxito. El transporte fue esencial para esta sesión. Incluso para proyectos al aire libre de objetos bajos, tener un vehículo es crucial. En mis primeros proyectos, usé mi propio auto. En las escuelas de cine, los estudiantes a menudo tenían a alguien en la habitación proporcionándole su automóvil. Si esta no es una opción, considera pagarle a un amigo para que sea tu corredor. Pero lo que quiero decir es que si tuvieras un poco más de presupuesto, alquilar un vehículo exclusivamente para este propósito podría mejorar la apariencia general de producción, que es una banda para el rodaje. Nos transportaría de un punto de encuentro al lugar de rodaje cubriendo una distancia de más de 140 kilómetros. La camioneta sirve no sólo para el transporte, sino también para trasladar equipo rentado del alquiler al punto de encuentro, por ejemplo. Además, ofrecer comodidad es crucial en el liderazgo. Cuando exigimos trabajo duro antes de partir, tuvimos un almuerzo sustancial en un restaurante cercano para estar preparados para el rodaje. Los viajes pueden agotarse, por lo que estar en una camioneta permite que el equipo de producción relaje y se sienta fresco para una sesión intensa. Invertir en transporte comtraable, incluso para proyectos de jet de espalda baja, puede mejorar significativamente la experiencia del equipo. Otro aspecto importante es llegar al lugar de rodaje. Tuvimos que resolver las escenas iniciales de la historia. Entonces, comenzamos con las escenas de Parches asistidos por un experimentado Parachtist Es muy importante contar con profesionales para este tipo de acciones, lo contrario nuestras ideas pueden ser realmente caras y peligrosas. El piloto en realidad no necesitaba lanzarse en paracaídas. Creamos un engaño con el metraje de archivo y el montaje, pero tuvimos varios desafíos inesperados en esta escena Incluso tuvimos que aprovechar la ruta a la ubicación principal, que estaba junto a ese faro que ya viste. ¿Por qué? Porque la persona que nos iba a ayudar con el tema del paracaídas no tuvo que caminar 40 minutos hasta ese faro Decidimos grabar la escena del paracaídas al inicio de la ruta, ahorrando tiempo y esfuerzo, y además agregando una ubicación extra a la producción Pero voy a enfatizar algo importante que sucedió en esta parte del rodaje. Te había hablado las limitaciones o problemas inesperados que pueden surgir durante un rodaje, restricciones, etcétera El plan para este ascenso era registrar el momento en que el piloto aterriza con el paracaídas Entonces para mantener eso, fue necesario levantar al menos un espejo en el aire y luego caer con el paracaídas El problema era que debido a la época del año, la temporada, el viento era demasiado fuerte. Y la consecuencia de subir al aire fue que el parapente que actuaba como paracaídas en realidad me llevaría hacia el mar, y eso sería muy peligroso e incontrolable Esa cantidad de viento no se esperaba o más bien no se previó. Y ahí puedes darte cuenta de la importancia de elegir el día adecuado para filmar. Entonces tuvimos que improvisar una estrategia primero, no grabar al piloto flotando en el aire en ningún momento Pero sólo para grabar cuando ya hace contacto con el suelo. Y por otro lado, aprovechando el viento. Si puedes notar, hay una escena donde el piloto lucha contra el viento para cerrar el paracaídas Y eso no estaba planeado. Simplemente fue aprovechar esta inesperada limitación y convertirla en otro material para el video que es muy importante. Y es una especie de intuición que tenemos que desarrollar como directores de cine Las escenas fueron rodadas en orden cronológico. Los pilotos llegan en paracaídas, escapan por el desierto y llegan al mar donde queda acorralado y agotado, decidiendo en última instancia activar la Pero esto, no hubo tiempo para los descansos de Il. Llevamos chocolates de hidratación y proteínas para aguantar las 4 horas continuas. Entonces pasamos a las escenas del piloto escapando de los aviones y soldados luchando contra el mal tiempo y huyendo del punto de partida para ahorrar tiempo o más bien aprovechar En esta parte de la filmación, lo que hicimos fue dejar la cámara encendida y seguir actuando. Caminar por el desierto, interactuar con el espacio, y con la situación de los personajes. Después en el proceso de edición, toma la mejor parte para agregarlos al montaje final Es una gran estrategia para sacar lo mejor de una actuación actoral. Esta es una de las razones por las que la leva estable o la plataforma fácil era tan necesaria. A medida que los personajes a medida acumulaban arena o entrenaban a los deseosos, se vuelven más efectivos ante la cámara Y esa es la razón por la que es tan importante mantener el orden correcto a la hora de grabar las escenas, especialmente cuando no tenemos varias aduanas disponibles. Las escenas de canto fueron rodadas en contraste con las escenas del desierto. El director de fotografía propuso utilizar tomas de ángulo bajo para capturar a los personajes desafiando los planos que muestran el cielo detrás. Además, algunas escenas de canto necesitaban ser filmadas en cámara lenta. Para lograrlo, la canción se tocó en Doval o Triple Speed durante el rodaje, con la cámara puesta en 60 fotogramas por segundo. En el proceso de edición, el espacio eclipse se mantuvo sincronizándose con el sonido original, pero dando al metraje una apariencia flotante en cámara lenta Por otro lado, es importante destacar otro problema inesperado que surgió cuando vamos a grabar las escenas de canto. Y esta es la razón por la que es importante establecer muy claramente los objetivos del proyecto y la historia. Resulta que el plan era grabarme, registrarme cantando junto al faro porque el lugar con el faro sobresaliendo de fondo me parece muy interesante, al menos visualmente. Pero resulta que cuando llegamos al lugar, había una gran cantidad de turistas en el lugar. Es decir, a pesar de que pedimos permiso al Parque Nacional para filmar ahí, los turistas no necesitan permiso para ir a ese lugar. Por lo que fue imposible filmar junto al faro. Entonces a primera vista, se podría pensar que, vaya, el plan que teníamos fue destruido Pero entonces si realmente vuelves a los objetivos del proyecto, al concepto de altura y al carril de tacto, te das cuenta de que el faro no es necesario, no aporta nada valioso a la historia o Por lo que sacar el faro de la planta no fue un problema. De esa manera decidimos grabar sin incluir el faro en el fondo y absolutamente nada le pasó al proyecto. No perdió valor ni nada por el estilo. Por otro lado, el grupo histórico para ser involble a lo largo del remate En realidad, al principio, realmente no confiaba en este dispositivo, pero el director de fotografía me convenció. Y por eso quiero contarles algo importante relacionado con esto. En mi caso, soy actor y también director de cine. Y para poder lograrlo, la confianza es necesaria. Quiero decir que confías en tu trabajo, en un equipo. O sea, si estás en escuelas de cine o estás tratando de armar un equipo para desarrollar proyectos. La confianza es muy importante a la hora de hacer cine, que cada uno de ustedes pueda enfocarse en una parte del proyecto En mi caso, necesitaba un buen director de fotografía que me hiciera olvidar la cámara cuando se fijara la sección. Y eso es importante en todos los aspectos de un rodaje. El director de fotografía fueron los mejores durante las 4 horas completas. Sosteniendo la cámara sin necesidad de cambiar las lentes. Entonces después de capturar todo en la puesta de sol, simplemente lo empacamos y caminamos de regreso a donde nos esperaba un auto Al planear un rodaje, se deben considerar circunstancias imprevistas En este caso, hubo un tráfico inesperado en el trayecto de regreso, provocando con ello un retraso. Afortunadamente, el tiempo extra se había tenido en cuenta en el escándalo de las empresas de transporte Tales consideraciones son cruciales, sobre todo con un presupuesto limitado, ya que los eventos inesperados forman parte del proceso de planeación. Entonces, en resumen, el despliegue de producción en un día de rodaje es una operación coordinada que involucra planeación, preparación, tiro y equipo, y desglose personal. La eficiencia y la organización son claves, aprovechando al máximo el tiempo de rodaje y logrando los resultados deseados. Una de mis mayores recomendaciones es planear toralmente para eliminar el miedo A veces hay una aprehensión emprender tomas de esta naturaleza pensando Solo son asequibles para un gran equipo de producción. Sin embargo, el coraje de un director radica en evaluar lógicamente la posibilidad de un proyecto, como fue el caso aquí hasta la siguiente lección 7. Lentes y caras de baja calidad: Hola, gente. En esta lección, exploraremos cómo el uso de lentes de bajo milímetro y baja calidad puede tener un impacto negativo en la representación del rostro de un actor en una producción Es importante entender cómo la elección del equipo cinematográfico puede afectar la representación visual de los actores en la pantalla y cómo esto puede influir en la percepción del público. Las lentes de bajo milímetro tienden a sufrir más distorsión en los bordes de la montura en comparación con las harina de milli más altas Esta distorsión puede manifestarse como deformación no deseada de la cara de los actores, especialmente en los bordes del marco. Por ejemplo, puede hacer que las líneas rectas parezcan curvas, o los rasgos faciales aparezcan exagerados. Esta distorsión puede ser particularmente notable en primeros planos, donde cualquier deformación del rostro del actor puede ser más evidente y perjudicial para la percepción del público. Echemos un vistazo a este ejemplo. En esta escena aquí, la niña es filmada con una lente fijada en 17 milímetros, que fue la mejor opción porque esa lente de calidad responde mejor a la formación. Se puede ver que se ve muy bien proporcionada. E incluso sabiendo que la chica no es del todo delgada, ese lente era el que mejor se adaptaba a su rostro en ese momento. Pero también se intentó el mismo disparo en 24 milímetros. Mira el resultado. Terrible. La deformación es poco profesional En primer lugar, mira cómo la imagen se distorsionó en los bordes Y la cabeza de la niña se ve mucho más grande que su cuerpo, se ve horrible. El problema es que ciertos cineastas se obsesionan con este milímetro Resulta que no todas las lentes se distorsionan de la misma manera. Echemos un vistazo a este ejemplo en la película de chicas danesas. Esto es en mirada a esta toma del pintor Guy Einar. Aquí utilizan una lente de unos 35 o 24 milímetros, sumando intencionalmente en el rostro, representando el dislema psicológico del momento Sin embargo, la distorsión es completamente artística. De hecho, la distorsión en los bordes es mucho más estética que la toma de la chica en el video musical salt. Obviamente, se trata de una lente ultra prime, no hay comparación. Pero es para que te des cuenta de lo que puede pasar durante el rodaje. Pero no estoy tratando de decir que no se pueden usar lentes de milímetros bajos. Observe que de la misma manera, la lente distorsionó negativamente el rostro de la niña El ejemplo anterior, mira este otro ejemplo donde se ve perfecta. Pero resulta que la lente desde ese punto de vista funciona aún mejor incluso cuando se configura a 35 o 24 milímetros. Por otro lado, es importante tener en cuenta que las lentes de baja calidad a menudo carecen nitidez en los detalles necesarios para capturar con precisión las expresiones faciales sutiles y la textura de la piel del actor La falta de nitidez puede derivar en una imagen blura e indefinida, dificultando que el espectador pueda apreciar plenamente las emociones de los actores y Adicionalmente, la falta de detalle puede hacer que la imagen parezca plana y la vivacidad afectando negativamente la inmersión del espectador en la historia y la conexión emocional con los personajes Y eso es muy importante, sobre todo cuando la escena que vamos a rodar tiene importancia emocional que se representará con los ésteres del actor. Las lágrimas son difíciles de ver con una lente de bajo milímetro, especialmente si es de baja calidad No sólo es importante el tema de las lentes, sino también cómo movemos la cámara con la lente respectiva. Y no sólo eso, sino la posición del actor y actriz respecto a la cámara. Observe por ejemplo, en esta secuencia que nunca salió. A pesar de que estoy usando una lente de 17 milímetros, no me favorece porque estoy completamente enfrentada a ella y muy cerca de su cara. Entonces su rostro se ve más ancho de lo normal. Por lo que es importante tener sensibilidad a estos detalles aquí. En esta otra toma, sucede lo mismo y su rostro no se ve aún a un lado. No es su culpa. Tenemos que poder retratar a los actores de la mejor manera posible Mira esto otra secuencia, Se ve mucho mejor porque aunque también estoy frente a ella, la cámara no está completamente cerca de su cara. Está a la distancia perfecta para que su rostro sea visto de cerca sin deformaciones exageradas Por otro lado, el uso de lentes de baja calidad puede tener un impacto significativo en la experiencia física del espectador y su capacidad para conectarse emocionalmente con los personajes de la pantalla Una imagen distorsionada, borrosa e indefinida puede distraer al espectador y disminuir su inmersión en la historia afectando negativamente la afectando negativamente calidad general de la cinematografía, en la percepción del público sobre la interpretación del actor Adicionalmente, como te dije antes, falta de nitidez en los detalles puede hacer que la imagen parezca poco profesional y poco atractiva, lo que puede afectar la reputación del proyecto y la disposición del público para disfrutar de la película Entonces, en conclusión, es crucial considerar el impacto que los equipos cinematográficos pueden tener en la representación visual de los actores en su producción cinematográfica El uso de lentes de bajo milímetro y baja calidad puede resultar en una imagen poco halagadora y poco realista de los actores que afectan negativamente la calidad general y la experiencia y Es importante seleccionar cuidadosamente los lentes adecuados para cada situación de filmación y asegurar que se utilicen equipos de alta calidad para lograr los mejores resultados visuales posibles brindar una experiencia cinematográfica memorable y recibir para el público hasta la siguiente lección 8. Cinematografía, luz natural: La cinematografía es un arte que se basa en manipular la luz para contar historias visualmente convincentes Uno de los recursos más poderosos disponen los cineastas es la luz natural, que puede crear atmósferas únicas y anualidades emocionales en una película En esta lección, profundizaremos en cómo utilizar eficazmente la luz natural en la cinematografía Usando una variedad de ejemplos de películas para ilustrar diferentes técnicas y enfoques. Antes de profundizar en el uso de luz natural en la cinematografía, es crucial comprender sus características y cómo afecta a la imagen de la pantalla La luz natural puede variar en intensidad, dirección y color, temperatura, dependiendo de la hora del día, clima y la ubicación geográfica. Por ejemplo, la luz solar durante el amanecer o la puesta del sol tiende a ser más suave y cálida, mientras que la luz del mediodía puede ser más dura y fresca Déjenme darles un ejemplo. En la película Days of Heaven, dirigida por Terrence Malik, luz natural se utiliza magistralmente para capturar la amplia belleza de la naturaleza y la vida en el sentido del naturaleza y la vida en campo que la canción está al atardecer, característica de luz suave, dorada que imbuye cada fotograma de una sensación de nostalgia y serenidad Pero esta no es una tarea fácil antes de filmar Con luz natural, planeación cuidadosa es esencial. Esto incluye seleccionar ubicaciones que aprovechen al máximo la luz disponible, así como una programación de tomas para que coincidan con horas del día que ofrezcan el deseo de iluminación. Adicionalmente, es importante anticiparse a cómo puede cambiar la luz natural durante el rodaje y estar preparado para adaptarse a estas variaciones. Por ejemplo, sabes que si el atardecer y el amanecer duran poco tiempo, entonces debes planificar todo para que sea lo más eficiente posible durante ese tiempo. Otro factor importante es el tema de las referencias, pero no las preferencias respecto a la obra en general, sino las referencias pictóricas Insisto demasiado en esto e incluso entre mis compañeros, la mayoría no le presta atención a esto. No sé por qué sucede. A lo mejor es la pereza, pero lo que pasa es que les resulta aburrido ir a un museo y ver exposiciones de pintura Pero resulta que esos pintores no vivieron en las condiciones en las que vivimos con los celulares, con tantas distracciones Y esas personas pasan horas y horas contemplando paisajes, contemplando la luz En consecuencia, su forma de retratar una luz en las pinturas era muy precisa y artística Algo que se pierde incluso entre la mayoría de los cineastas, porque están ansiosos por descubrir cuál es el mejor modelo de cámara, configuración de la cámara, el disparate del equipo, eso no da como resultado una buena imagen Y puedo asegurarles que algunos de ustedes están esperando a que alguien les diga cómo posicionar la cámara o poner la cámara o posicionar la mosca del agua. Así que parece Días de Cielo esta película. Pero al final, el mejor ejercicio para tus tomas se vean como las de esa película, Days of Heaven, es tener en tu mente tan buenas referencias que cuando intentas encontrar el mejor ángulo de cámara y el momento exacto de luz para grabar, tu mente recuerda esas pinturas inconscientemente Y luego dices, este es el momento, aquí es donde va la cámara. Sin que nadie te haya enseñado nada, es importante aprovechar los cambios climáticos al aire libre como recurso narrativo en cinematografía Quiero decir, cuando el clima cambia repentinamente, como cuando el cielo se nubla o la lluvia comienza a caer, puede agregar un elemento de drama y tensión a la historia. Los cineastas pueden aprovechar estos cambios climáticos para agregar capas adicionales de significado y emoción a la narrativa Por ejemplo, una lluvia de ideas repentina puede simbolizar un cambio emocional en los personajes o agregar obstáculos inesperados a su viaje De igual manera, el tráfico repentino como ubicación al aire libre puede crear conflictos en desafíos para los personajes que conducen la trama en una dirección inesperada. La capacidad de adaptar y modificar la historia en función del clima permite a los cineastas aprovechar al máximo el entorno natural y crear películas memorables y emocionantes Hombre, ¿te gustaría venir a cabalgar conmigo en esta hermosa noche? Y que tú eres tu mente. Oh, es bueno. El tiempo escocés, señora. La lluvia cae ligeramente hacia abajo en la línea lateral. Ella no puede ir con el No. Oh, no. El ahora. De todas formas. No, el ahora. No, el ahora. Nos vemos más tarde. El clima está bien. Es feliz lloviendo. Ya sabes aquí lo que dije nosotros otro ejemplo sería el proyecto de Florida. En el proyecto Florida dirigido por Sean Baker y cuyo director de fotografía fue Alexis Seven meticulosa planificación de las escenas para aprovechar la luz natural es evidente en cada fotograma que desarrolla la película durante el verano en Orlando, Florida La luz solar se utiliza para resaltar los diferentes colores y energía del ambiente. Si bien la luz natural puede ser hermosa y evocadora, también puede ser impredecible y desafiante de controlar Los cineastas suelen emplear técnicas para controlar y modificar luz natural para dar forma a la imagen de acuerdo a sus necesidades creativas Esto puede incluir el uso de reflectores, por ejemplo, difusores y lino, para dirigir, suavizar y bloquear la luz natural Por ejemplo, aquí en esta escena, utilizamos un vuelo de agua para filtrar la luz directa que brillaba en esta escena. Porque de hecho, lo grabamos casi alrededor del mediodía. Se puede ver que parece puesta de sol. Pero quiero decir, justo en ese momento al anochecer donde la canción ya no brilla directamente sino está cubierta por nubes, etcétera. Pero te recomiendo que grabes justo a la hora del día cuando la luz es como la necesitas. En el modo móvil atado dirigido por Es, las técnicas de control de la luz natural se utilizan para resaltar brutalidad de belleza de la vida en las zonas rurales del sur de Estados Unidos La película presenta una variedad de paisajes, desde campos abiertos hasta interiores oscuros luz natural adaptados para capturar la atmósfera única en cada escenario. Pero insisto en que uno de los mayores retos a la hora de filmar con luz natural es adaptarse a las cambiantes condiciones ambientales. Esto puede incluir cambios en intensidad de la luz debido a las nubes, cambios en la dirección de la luz debido a los sonidos, movimiento y cambios en temperatura del color debido a la hora del día. Los cineastas deben estar preparados para ajustar su enfoque en respuesta a estas variaciones y aprovechar máximo las oportunidades que se presentan Por ejemplo, en la película Best of the Southern Wild, dirigida por Ben Setting, la capacidad de adaptarse a las cambiantes condiciones de la luz natural es evidente a lo largo de la película. Rodada en los pantanos de Luan, la película captura la magia y la dureza del entorno a través de una variedad de condiciones de luz, desde un amanecer brillante hasta intensas tormentas eléctricas Pero por otro lado, en la cinematografía, el color de los trajes juega un papel crucial en la transmisión de emociones, definición de personajes y el establecimiento de la atmósfera de la película Es decir, sirve no sólo para complementar la paleta de colores general de la película, sino también como una poderosa herramienta para comunicar temas y conceptos subyacentes. Un excelente ejemplo de un uso efectivo de colores personalizados en cinematografía se puede encontrar en la película Kirk Este film dirigido por Christopher Nollm, fotografiado por Halpanyema Dunkerque utiliza color del vestuario para representar visualmente el conflicto y el caos de la Segunda Guerra Mundial La paleta de colores permanece en tonos de verde, marrón y gris, reflejando la dureza y gravedad del entorno militar Es decir, los uniformes militares, predominantemente en tono verde y marrón, se utilizan para identificar claramente a los soldados y diferenciar entre diversas facciones en la película, como el Ejército Británico y los soldados alemanes Además, los colores de vestuario también se utilizan para resaltar el contraste entre los personajes y sus entornos. Por ejemplo, los soldados británicos están representados uniformes verdes y marrones que se mezclan con el paisaje natural. Donde los personajes civiles que los rescatistas pueden llevar una tela más clara y colores más brillantes para subrayar su humanidad con valentía en medio Entonces, en términos narrativos, el color del vestuario en peligro ayudó a establecer el sentido de peligro inminente y una lucha por la supervivencia que experimentan Los tonos oscuros y apagados reflejan la tensión e incertidumbre de la situación, mientras que destellos de color pueden resaltar momentos de esperanza y se encuentra en medio del conflicto De hecho, esta película fue mi referencia para desarrollar el color del video musical. No hay mucho tempo. Si bien el color no es exactamente el mismo, los tonos verdes del uniforme, junto con el de la vegetación, fueron tomados en cuenta para crear una atmósfera militar en el color. Por otro lado, para este tema de color, no sólo es importante el diseño custome, sino también la corrección de color en la postproducción Por ejemplo, en este video musical, mucho tempo. Se puede notar cómo se alteran los colores del cielo para que tengan un tono hacia la pantalla la misma manera que se hizo en Dunkerque, con el color del cielo y del mar En resumen, el color del vestuario juega un papel crucial en la cinematografía al establecer la atmósfera, definiendo personajes en la comunicación de temas subyacentes Si bien Dunkerque proporciona un ejemplo notable, este principio se aplica a una amplia gama de películas donde el uso estratégico del color del vestuario potencia un impacto especial y emocional, enriqueciendo la experiencia de narración para el Por ejemplo, en el falso video musical Angels en Salt, elegimos el color de la costumbre para que coincida con el color de la arquitectura neoyorquina. El color de los edificios es una especie de color marrón. E incluso el Bray en azul coincide con el color del cielo, creando un interesante contraste visual En conclusión, la luz natural es un recurso involuble en la cinematografía que puede adaptar textura y la emoción a una película entendiendo cómo aprovechar de manera deficiente la luz natural. Al usar ejemplos de películas para ilustrar diferentes técnicas y enfoques, los cineastas pueden crear una imagen visualmente llamativa que puede cautivar al público y contar historias poderosas y evocadoras hasta 9. Cinematografía rompe mitos sobre las tomas de mano y la selección de equipos: La calidad óptica de las lentes juega un papel fundamental en la cinematografía, especialmente en el contexto de la filmación de cámaras portátiles Las lentes de alta calidad ofrecen una reproducción precisa del color, una nitidez excepcional y un contraste mejorado Estas características no sólo contribuyen a la estética visual general de la película, sino que también influyen en la percepción emocional y psicológica del espectador. Las lentes de alta calidad son capaces de capturar una gama más amplia de colores y tonos, permitiendo una representación más fiel de la realidad. Esto es particularmente importante en géneros cinematográficos donde la atmósfera y paleta de colores son cruciales para transmitir emociones y marcar el tono de la película Por ejemplo, en la película independiente Moonlight, dirigida por Barry Hankins y filmada por James Laxton, el papel de las lentes de alta calidad en la representación precisa y evocadora dirigida por Barry Hankins y filmada por James Laxton, se resalta el papel de las lentes de alta calidad en la representación precisa y evocadora de los colores. La película sigue la vida de un joven afroamericano llamado Sharon en tres etapas diferentes de su vida Explorando temas de identidad, masculinidad y amor dentro del contexto de su comunidad en Miami James Laxton optó por usar lentes de alta calidad para capturar la rica paleta de colores de Miami y transmitir la atmósfera única de cada escenario de la película En los barrios de la ciudad, los diferentes colores de calles, murales, fachadas de casas en personajes La ropa se presenta con una intensidad y claridad que evocan la vida y la energía de la comunidad En realidad, incluso en las escenas más íntimas y sombrías, como las ambientadas en interiores o durante la noche, las lentes de alta calidad permiten que los colores se mantengan fieles y expresivos Los tonos cálidos y suaves de la iluminación artificial y luz de la luna se representan con una belleza sutil pero llamativa, agregando profundidad emocional a la narrativa de la película Los ejemplos demuestran cómo las lentes de alta calidad pueden ser una herramienta invaluable, incluso en producciones independientes con hechos limitados, Al capturar la riqueza y diversidad de colores en una pantalla de una manera precisa y evocadora Estas lentes no sólo potencian la estética visual de una película, sino que también enriquecen la narrativa al sumergir al espectador en un mundo visual y cautivador y emocionalmente resonante Entonces este sería el primer mito que puedes lograr esta calidad de colores con lentes low end? No, no puedes. Si pudieras, las lentes de gama alta no existirían. Podemos abordar esto con post producción. Es decir, editando los colores para tratar de acercarnos. Algo que vamos a ver en el segundo volumen de este curso, pero nunca lo vamos a igualar. Y te dicen esto, no para desanimarte, sino para que no crees falsas expectativas Y ya sabes, bueno en qué vas a invertir el dinero de producción. Porque he visto casos en los que gente gasta el dinero de producción alimentando a 20 personas para rodar un cortometraje que solo necesita seis o siete personas trabajando. Y ese dinero extra podría haberse invertido en rentar una buena lente. Vamos a ver ejemplos de estos con los videos No Mucho Tiempo y Salto Angel. Pero vamos a seguir revisando primero los métodos en cuanto a nitidez y contraste. Las lentes de alta calidad ofrecen una nitidez excepcional en toda la imagen, desde el centro hasta los bordes de la Esto asegura que los detalles finos y las texturas sean claramente visibles alcanzar la experiencia visual del espectador y crear una sensación de inmersión más profunda. Adicionalmente, las lentes de alta calidad a menudo tienen un contraste mejorado, contribuyendo a la separación creativa entre luces y sombras en una imagen más dinámica y de referencia. Un ejemplo notable de la importancia de la nitidez y el contraste en cinematografía lo puede encontrar en la película Plate Runner 2049, dirigida por Dennis Llano, dirigida por Dennis Llano, donde el director de fotografía Roger Tckens utilizó lentes de alta calidad para crear imágenes visualmente impresionantes y evocadoras la cinematografía lo puede encontrar en la película Plate Runner 2049, dirigida por Dennis Llano, donde el director de fotografía Roger Tckens utilizó lentes de alta calidad para crear imágenes visualmente impresionantes y evocadoras que complementaban la rica narrativa de ciencia ficción de la película. la cinematografía lo puede encontrar en la película Plate Runner 2049, dirigida por Dennis Llano, donde el director de fotografía Roger Tckens utilizó lentes de alta calidad para crear imágenes visualmente impresionantes y evocadoras que complementaban la rica narrativa de ciencia ficción de la película. En resumen, la calidad óptica de las lentes no solo impacta en la estética visual de una película, sino que también influye en cómo la historia es percibida y experimentada por el espectador. Al invertir en lentes de alta calidad, Filmmaker puede elevar el estándar de sus producciones Y crear obras cinematográficas que perduren a lo largo del tiempo y dejen una impresión duradera en el público Uno de los errores más comunes entre los estudiantes de cine es optar por lentes de bajo costo y bajo milímetro en un intento de replicar la apariencia visual de producciones profesionales con un Estas lentes a menudo hechas con materiales inferiores y ópticas menos precisas pueden producir resultados decepcionantes e impactar negativamente en la calidad visual de las producciones Esto se debe a expectativas poco realistas. Es común que los estudiantes subestimen la importancia de la calidad de las lentes y sobreestimen la capacidad de los equipos más baratos para entregar resultados similares a los de las producciones de alto nivel . Creo que este error puede derivarse de la falta de experiencia y conocimiento sobre diferencias significativas entre lentes de alta y baja calidad. Así como una creencia errónea de que la calidad de imagen depende únicamente de las habilidades de los cineastas Por lo que el uso de lentes de baja calidad puede resultar en imágenes borrosas, falta de nitidez, aberraciones cromáticas y otros defectos ópticos que afectan negativamente calidad visual de la producción cinematográfica Pero presta atención a esto. Estos problemas son especialmente notables en las tomas de cámara de mano, donde la falta de estabilidad puede acentuar aún más las deficiencias de las lentes de baja calidad Para ilustrar este punto, podemos analizar dos casos específicos. Primero, podríamos examinar el video musical, Nima Tempo, que utiliza tomas de cámara de mano con una lente de alta calidad En este caso, podemos apreciar cómo el uso de lentes agudos contribuye a una diatriba de imagen nítida, colores y contraste bien definido incluso en condiciones de filmación desafiantes Por ejemplo aquí en el video, Noi mucho Tiempo, puedes notar que se trata una secuencia prácticamente con una cámara en la mano, obviamente ayudada por el Syrik Pero puedes notar que la imagen luce genial, se ve interesante, profesional, como una película, te das cuenta que incluso agregando contraste a la imagen, no pierde rango dinámico de colores. Es decir, a pesar de que los negros están tan entwdd, aún existe la degradación entre los negros y los blancos, lo cual es más difícil con una Incluso se puede notar cómo la deformación del casco cuando se acerca la cámara, se ve interesante. Entonces, a pesar de que es una toma de mano, la imagen se ve tan bien que no importa. Olvidas que es un disparo de mano y piensas que es a propósito. Esto no sucede cuando ves una lente de baja calidad y miras la diferencia en estas dos nubes. Consulta la cantidad de detalles que se ven con una lente de alta calidad y ve la otra imagen de la chica con una lente de menor calidad que aunque se ve bien, esos detalles que captura la lente de alta calidad no están ahí. Por ejemplo, los detalles de la zona oscura del cabello. La lente simplemente simplifica todo en una mancha oscura. Por otro lado, el área de enfoque automático del fondo, que no es tan rica en formas y detalles y gama de colores. Preste atención a este otro ejemplo. Se trata de escenas que pertenecen al video de Salt, escenas que no se agregaron al corte final. Son escenas grabadas de mano. No se ven mal, pero no se parecen las escenas grabadas en el otro video. No se ven tan profesionales porque no es la misma calidad de lente. Por lo que no parece una cámara deliberada en la mano, sino que reveló la falta de recursos en la producción Entonces, si hubiera creado la misma escena con la otra lente, se habría visto increíble. Entonces, a menos que tuvieras unas condiciones de iluminación natural realmente hermosas, esta cámara de mano no iba a parecer completamente profesional. El problema es que los estudiantes ven una película como el perineo y piensan que si tienen una lente de 50 milímetros de baja calidad y hacen lo mismo, se vería No pasaría así. Esto sucede porque vemos películas en, por ejemplo, la plataforma de filmación, donde podemos encontrar películas polacas y películas españolas, películas fantásticas en realidad. Pero como los directores de estas películas también quieren fingir ser genios, de hecho, muchos de ellos son muy talentosos, sin duda alguna Pero se muestran filmando las películas quizás juntas a cuatro personas con un presupuesto bastante limitado, producción limitada. Pero lo que no te dicen es que la lente que está instalada en la cámara vale 50 mil euros y eso no es capaz de saberlo. O sea, ¿cómo puedes saber qué tipo de lente es si lo que ves en la fabricación son cuatro operadores de cámara en una producción bastante limitada Ahí es donde quiero que ustedes tengan cuidado y no se equivoquen. Pero por otro lado, en el caso del video musical, Salt Gels Falls, se tomó la decisión de limitar el uso de toma de mano para mitigar los efectos de las lentes de bajo costo sobre la calidad visual. En cambio, se enfocó en la dirección, diseñada específicamente para trabajar con lentes de esa calidad. Se prestó una atención meticulosa a iluminación y composición de tomas estáticas para compensar las limitaciones de las lentes y garantizar un resultado visual asombroso Por ejemplo, las escenas en el rascacielos fueron grabadas cuidadosamente en el momento específico en que el sonido estaba subiendo Pero no sólo eso, sino que se eligió el lado chaleco del departamento donde el sol no golpeaba directamente, para que la imagen no se viera contra la luz, lo que produciría sombras en el personaje, por ejemplo. En cambio, se utilizó un lugar donde se podía ver la salida del sol con su luz reflejada en los edificios. Pero incluso en las otras escenas alrededor de la ciudad, el saldo se tomó en cuenta cuidadosamente. Y era necesario preservar la valencia para garantizar la calidad a lo largo del video Si bien se tomó la decisión de utilizar lentes de menor calidad, se tomaron medidas para maximizar calidad visual dentro de esas limitaciones técnicas, demostrando la importancia de adaptarse creativamente a los recursos disponibles en cada producción Estos ejemplos resaltan la importancia crucial de seleccionar lentes de alta calidad en la cinematografía de mano Ya que pueden marcar la diferencia entre una producción visualmente impresionante y una que no cumple con su potencial artístico y narrativo debido a limitaciones técnicas. En resumen, es crucial que los estudiantes de cine comprendan que la calidad de la lente es un aspecto fundamental de la cinematografía y no se puede compensar con habilidades técnicas o posproducción Al invertir en lentes de alta calidad, los estudiantes pueden mejorar significativamente la calidad visual de sus producciones. Y desarrollar el ojo crítico para seleccionar equipos que satisfagan sus necesidades creativas y estéticas hasta la siguiente lección. 10. Técnica de toma de ángulo bajo: Hola, gente. Esta lección se planeó inicialmente para el segundo volumen de postproducción enfocándose en una estabilización de tomas. Sin embargo, creo que no tiene sentido crear una lección completa para explicar algo tan sencillo como usar estabilizadores de envoltura plug in premiere, que ya están cubiertos en el curso de edición de películas en Adobe Premiere. En cambio, profundicemos en la importancia de planear y anticipar escenarios para minimizar la necesidad de estabilización en la producción de St Repasemos algunas tomas y escenas del video musical en Saldanhl Angel Falls donde se utilizaron tomas de cámara de mano y posteriormente se estabilizaron La idea es entender las estrategias adecuadas para mantener estética e incluso en condiciones donde carecemos de los compromisos necesarios. Entonces echemos un vistazo. Lo primero a considerar es que para minimizar el impacto de la desestabilización, la cinematografía Esa es la razón por la que se decidió utilizar tomas de ángulo bajo en esos momentos el personaje está caminando por las calles cantando. El uso de tomas de ángulo bajo en tomas de seguimiento juega un papel crucial en la narrativa cinematográfica al ofrecer una perspectiva única y poderosa Este ángulo de cámara, que captura el sujeto desde abajo, otorga una sensación de dominio, autoridad y vulnerabilidad Dependiendo del contexto narvativo en una toma de rastreo donde la acción se despliega en tiempo real sin aparentes cortes, el disparo de ángulo bajo puede enfatizar la imponente presencia de un personaje principal o establecer un sentido de desafío emocional entre Esto adquiere especial importancia en entornos urbanos poblados donde la presencia de edificios altos agrega otra capa de significado visual. En este contexto, el disparo de ángulo bajo nos permite apreciar la grandeza arquitectónica de los edificios, destacando sus cabezas y magistratura desde una perspectiva única Esta técnica no sólo aporta una sensación de grandeza y verticalidad a la imagen, sino que también ayuda a contextualizar el entorno urbano y resaltar la interacción entre los personajes y resaltar la interacción entre los personajes Adicionalmente, al capturar la ciudad de abajo hacia arriba, la toma de ángulo bajo enfatiza la escala monumental de los edificios, subrayando la relativa insignificancia del individuo dentro del paisaje urbano En general, la toma de ángulo bajo en tomas de seguimiento ofrecen una poderosa narrativa en herramientas visuales que amplifica el impacto emocional y temático de la película, enriqueciendo así su resonancia artística y su capacidad para involucrar al público Por otro lado, aunque puede que no haya una conexión directa entre este tipo disparo y la estabilización de un disparo, la decisión de portabilidad ayuda a el encuadre se vea lo mejor posible a lo largo de cada disparo, minimizando el impacto de cualquier movimiento no deseado Por otro lado, al usar una cámara como la sonny extreme, necesitamos enfocarnos en capturar buenos momentos en lugar de intentar que toda la toma sea perfecta Recuerda que si capturas momentos que duran más de 5 segundos, por ejemplo, tendrás suficiente material para tu edición porque podrás mezclar una toma con otra durante el proceso de edición. rodaje estable en tomas fluidas es esencial para la calidad visual y narrativa de la producción cinematográfica. Es decir, la estabilidad de la imagen no sólo proporciona una experiencia más amena para el espectador al evitar distracciones innecesarias, sino que también contribuye a una mayor inmersión en la historia Adicionalmente, minimiza la necesidad de estabilización en la producción de autobuses Agilizar el flujo de la roca y reducir costos. Por otro lado, consistente en el rodaje técnico demuestra profesionalismo y habilidad por el cine y el equipo asegurando una presentación visualmente actual y estilísticamente sólida en la pantalla hasta la siguiente lección 11. El proceso de comunicación y la atención: Para crear la historia para un anuncio, video musical o película, debemos entender, medir desde el principio, las cantidades de información y el espectador recibirá durante el periodo que dure el corte final. Veamos cómo va esto en diferentes tipos de obras audiovisuales. En los videos musicales, por ejemplo, videos musicales suelen tener una cantidad limitada de información narrativa. A menudo la narrativa está subordinada a la música. La historia puede ser minimalista y centrada principalmente en la representación visual de la canción. La mayoría de los videos musicales se centran en la estética visual, los artistas actúan en creación de una atmósfera emocional. La narrativa puede ser simple y simbólica, diseñada para complementar la música. Sin embargo, hay casos en los que puede haber una historia, pero tiene que ser lo suficientemente simple para el espectador la entienda en tres o 4 minutos. Por otro lado, en el caso de los cortometrajes, la cantidad de información narrativa puede variar ampliamente. Algunos pueden tomar historias complejas y detalladas, mientras que otros pueden optar por narrativas más simples La duración del cortometraje suele ser un factor limitante en términos de profundidad de la historia. Los cortometrajes se utilizan para contar historias más concentradas y artísticas, abordando temas profundos y ofreciendo más desarrollo de personajes que los videos musicales. Pero en el caso de los anuncios, los anuncios suelen tener un tiempo limitado para contar una historia, restringiendo la profundidad de las narrativas Se enfocan en transmitir un mensaje o idea de manera efectiva y conmemorativa. Similar a los videos musicales, los anuncios suelen priorizar la persuasión y la promoción de un producto o servicio La narrativa sirve como un medio para lograr ese objetivo, un objetivo comercial específico, adaptando la historia a un formato corto. Pero finalmente, en el caso de las películas, pueden contener una gran cantidad de información narrativa, teniendo más tiempo para desarrollar personajes, subtramas y temas complejos Las películas pueden ofrecer una narrativa rica y detallada simplemente porque son más largas. Suelen tener una narrativa más elaborada que involucra al espectador en una experiencia más extensa explorando múltiples subtramas y personajes Voy a explicar esto con más detalle usando esta película, Shashank Se trata de una excelente película en cuanto a la narración de cuentos, razón por la que recomendé, he visto en las escuelas de cine que siempre surge el mismo problema Casi todos los estudiantes que quieren ser director de cine quieren contar una historia cinematográfica dentro de un corto de 15 minutos. Y esto no es posible. Y quiero darte un ejemplo rápido para que no pierdas tiempo y esfuerzo. Lo que estás viendo en la pantalla es el inter de esta película donde nos presentan al personaje y al frame. Se encuentra en el juicio del que será condenado injustamente a cadena perpetua Por lo que toda esta escena hasta el momento en que es condenado dura casi 7 minutos. Eso es prácticamente la mitad de la duración de un cortometraje de Avart Sólo 7 minutos para presentar al personaje y el problema que tiene. ¿Por qué dura 7 minutos? Porque si hay algo difícil de tratar, con la gente, es la atención. Entonces, cuando la gente está viendo una película o cualquier producto audiovisual, aunque estén concentrados, digamos, en las condiciones de una sala de cine, que sería la condición con más atención por parte de ellos. La gente no tiene una concentración del 100%. Parte de la mente está en los abarrotes, las palomitas de maíz, el refresco, toda la temperatura, ya sea que el asiento sea cómodo o no o tan simple como pensar en los O tal vez está hablando con la persona que está a su lado. Por eso hay 7 minutos para presentar justamente esa situación. Entonces, por ejemplo, si te pierdes 2 minutos de esta escena, todavía la entiendes porque hay 7 minutos dedicados a eso. Es decir que cualquier problema tonto que tengas en ese momento no te impedirá entender la escena. Entonces, si vas a hacer un cortometraje, que para entenderlo, tenías que prestar atención al 100% en los primeros 2 minutos, por ejemplo, para contar más o menos algo sobre el personaje. Nunca habrá una comprensión natural de la historia. En el caso de estos 7 minutos, una escena es más larga que la duración promedio del video musical. Siete veces la duración de una publicidad, y la mitad de la duración de un cortometraje. Es importante tener claro esto desde el principio y no subestimado Que señor Dufran, muestra mi sangre, sólo para mirarlo, por el poder que me ha conferido el Estado de Maine, por la presente le ordeno que cumpla dos cadenas perpetuas consecutivas, una por cada una de En resumen, las cantidades de información narrativa y el enfoque en narrativa varían significativamente entre los diferentes formatos audiovisuales. Los videos musicales tienden a ser más cortos en el enfoque de la estética musical, mientras que las películas ofrecen una narrativa más extensa y rica. Los cortometrajes pueden caer en algún punto intermedio. Y los anuncios priorizan la efectividad narrativa y el tiempo limitado con un objetivo comercial específico 12. La viabilidad: La viabilidad de un proyecto cinematográfico no siempre está determinada por la simplicidad de la premisa. Contrariamente a la intuición inicial, las ideas más elaboradas pueden resultar más rentables de producir en comparación con las que parecen más simples a primera vista Al evaluar la viabilidad de un proyecto en términos de producción es fundamental considerar una variedad de factores. Incluyendo el costo asociado con ubicaciones, gas, efectos especiales y aspectos logísticos generales de la filmación. Para entender este concepto, consideremos dos escenarios contrastantes. Supongamos que la opción una historia es hacer un cortometraje similar a ese video musical. No hay mucho tempo. Imagina un cortometraje de ciencia ficción ambientado en un desierto donde una guerra contra robots gigantes es lo central conseguido. Ahora vamos a comparar esa idea, esa opción con otra historia cotidiana ambientada en una ciudad o en una escuela. En primer lugar, analicemos la historia de ciencia ficción ambientada en el desierto. Aunque esta idea implica elaborados efectos visuales para recrear la guerra contra los robots gigantes, sorprendentemente puede ser más económica de producir comparación con esa historia ambientada en un entorno urbano En un escenario desértico, los elementos de producción pueden minimizarse. Me refiero a limitar el elenco a algunos personajes principales y eliminar la necesidad de ubicación urbana y multitudes La logística de producción se simplifica, igual que lo que sucedió en el video musical Noi mucho Tempo Adicionalmente, los efectos visuales, aunque complejos, pueden ser más rentables de implementar en un desierto en comparación con los entornos urbanos, donde pueden ser necesarios ajustes extensos para lograr la atmósfera deseada. En contraste, una historia ambientada en una escuela o una ciudad podría requerir una logística más elaborada. Esto implica obtener permisos para filmar en lugares públicos, coordinar horarios con actores deportivos y gestionar un mayor número de elementos de producción, como accesorios de caída de guerra, y reunión para todos los actores involucrados Cuantos más actores, más equipo de maquillajes necesites, etcétera Si bien la premisa de la historia puede parecer más simple en comparación con la ciencia ficción en el desierto, los costos de producción pueden ser significativamente mayores debido a la necesidad de recrear un auténtico entorno urbano en presencia de un elenco más amplio y diverso Por lo tanto, es esencial adoptar un enfoque holístico a la hora abordar la viabilidad de un proyecto cinematográfico. En términos de producción no se trata solo de la simplicidad de la premisa, sino también de considerar todos los aspectos de la producción, desde ubicaciones y reparto hasta efectos especiales y logística general. Al hacerlo, los cineastas pueden identificar oportunidades para maximizar la eficiencia y minimizar los costos independientemente de la aparente complejidad de la premisa Otro elemento muy importante a la hora evaluar la viabilidad de un proyecto es tu capacidad para contar una historia a través del lenguaje minimalista. Ejemplo de ello, pero a mayor escala, es la película X Machina, dirigida por Alice German Esta película destaca varios aspectos clave del minimalista. En primer lugar, la reducción de costos. La película se centra en tres personajes principales, y Primly cae dentro de la mención aislada Al limitar el molde y el número de ubicaciones, la máquina X pudo minimizar los gastos de producción. Adicionalmente, ese proyecto tuvo flexibilidad y agilidad. La mayor parte de la acción tiene lugar dentro de la mansión, permitiendo que el equipo de producción se adapte rápidamente a los cambios en el guión y las necesidades de filmación. Esta flexibilidad contribuyó a un proceso de filmación más eficiente y efectivo. Pero lo más importante, dentro del mismo guión, el cineasta justifica el uso de la mansión para no tener que construir un edificio con mil cables y equipo avanzado, etcétera Me refiero a retratar la tecnología. Por ejemplo, hay una escena al principio donde el personaje Nathan le dice a Caleb que la mansión es en realidad un centro de investigación y que todos los cables de los centros están ocultos dentro de las paredes De esta manera, el guión justifica de manera completamente cinematográfica el uso de los elementos minimalistas Es decir, la casa en la mansión, no tenían que construir ningún conjunto a complejo, sino simplemente rentar una mansión por los días que duró el rodaje. ¿Sabes qué es la Prueba de Turing? Sí, sé cuál es la prueba de giro. Es cuando un humano interactúa con una computadora. Y si el humano no sabe que está interactuando con una computadora, se pasa la prueba. ¿Y qué pasa? Dinos que la computadora tiene inteligencia artificial. ¿Estás construyendo una IA? Yo ya construí uno. Otro elemento importante de esa película es enfocarse en la creatividad y la innovación. La premisa de hacer X, que implica la interacción entre un humano y un cibernético, desafía al equipo de producción a encontrar soluciones creativas para hacer la película. La tecnología avanzada representada por la cibernética retratada por Alicia Candor se sugiere más que mostrada, permitiendo al espectador llenar los vacíos dentro de su imaginación A pesar de su enfoque inimlistado, X hace y logra maximizar tanto el impacto visual como narrativo La mención con su diseño moderno y minimalista, sirve como telón de fondo impresionante para la historia Pero los elementos visuales se utilizan efectivamente para dar vida a lo cibernético y crear una atmósfera inquietante y futurista En resumen, X Machina, es un ejemplo destacado de cómo minimizar la producción cinematográfica puede resultar en una experiencia cinematográfica memorable y distintiva Al reducir costos, aumentar la flexibilidad y agilidad. Centrándose en la creatividad y la innovación. También al maximizar el impacto narrativo visual, el equipo detrás de la X Machina logró crear una obra maestra del cine moderno que sigue siendo admirada por la crítica y alvinss por igual Por otro lado, el video musical, caídas de sal y motor también podrían servir como ejemplo de minimalismo Quiero decir, esto podría ser un movimiento perfecto de un cortometraje. Por ejemplo, en esta historia, dos personas van a expandir su último día en Nueva York porque un asteroide va a golpear la Tierra, pero el asteroide no es lo suficientemente grande como para ser detectado Los personajes no lo saben, será su último día. Puedes cerrar toda tu historia en Nueva York, que es una ciudad muy permisiva hora de hacer cine Por otro lado, no hay que poner a la NASA ni asustar gente corriendo por la ciudad porque viene un Audi asqueroso. La metáfora y el concepto de la película podrían ser cómo el ser humano valora el tiempo, lo cual es bastante Un ejemplo de una película con este tipo de historia sería antes del amanecer. Esta película es un excelente ejemplo de minimalismo en la narrativa en la producción cinematográfica Es decir, esta película antes del amanecer se centra principalmente en conversaciones entre dos personajes mientras caminan por las calles de Viena. Esta limitación de ubicaciones ayuda a reducir los costos de producción al minimizar la necesidad de construir varios conjuntos o reservar varias ubicaciones. Adicionalmente, con una reducción de los costos de contratación de talento del reparto principal también se mantienen bajo control antes amanecer se desarrolle en tiempo real durante un solo día, lo que permite una mayor flexibilidad y agilidad en la filmación La película se centra en las interacciones y conversaciones inspontáneas entre dos personajes, proporcionando al equipo de producción la libertad de explorar diferentes aspectos de sus personalidades y relaciones una manera natural y auténtica Otro aspecto importante de esta película es que a pesar de las limitaciones impuestas por su ambientación minimalista antes del amanecer logra cautivar al espectador a través de sutil y emocionalmente resonante La película se basa en los talentos actrices de Aden Hockey y Julia Tilt, así como el guión inteligente para transmitir la profunda conexión entre los personajes y explorar temas universales como el amor, identidad y el destino de una manera íntima y conmovedora Entonces, en conclusión, Before Sun plantea un notable ejemplo de cómo el minimalismo se puede utilizar de manera efectiva en la producción cinematográfica Al limitar los enemas de producción a lo esencial y enfocarse en las interacciones humanas, esa película crea una experiencia cinematográfica auténtica y memorable que resuena con el espectador Como puedes ver, la viabilidad de tu proyecto cinematográfico en términos de producción depende de una variedad de factores. La simplicidad de la premisa no siempre se traduce en menor costo. Al evaluar cuidadosamente todos los aspectos de la producción, los cineastas pueden tomar decisiones informadas y maximizar el potencial creativo y comercial de su trabajo Es importante tener en cuenta la historia, el minimalismo, y las posibilidades y herramientas Tenemos un rans para desarrollar un proyecto hasta la siguiente lección 13. Las referencias: En el vasto mundo del trabajo audiovisual, desde la cinematografía hasta la música, las referencias de producción de video juegan el papel fundamental Son Bacons que guían a los creadores a través del océano de posibilidades estilísticas y narrativas Proporcionando inspiración, dirección y una base sólida para la ejecución creativa. En este esson, exploraremos en profundidad la importancia de contar con buenas referencias y cómo pueden influir en el éxito de un proyecto visual de Audi Las referencias son como el Norte en un mapa. Puntos de referencia que orientan a los creativos en su solicitud de visión perfecta para su proyecto Pueden ser películas icónicas, fotografías inspiradoras, obras de arte impactantes o incluso fragmentos de videos musicales que resuenan con el tono estético o emocional deseado Estas referencias no sólo sirven como fuente de inspiración, sino también como herramientas prácticas para comunicar la visión creativa a otros miembros del equipo y para mantener corrientes estilísticas a lo largo del proyecto Esa es una razón por la que la calidad de las referencias seleccionadas puede marcar la diferencia entre un proyecto mediocre y uno excepcional Estas son algunas razones clave por las buenas referencias son esenciales en el trabajo audiovisual. En primer lugar, las buenas preferencias estimulan la imaginación y despiertan la creatividad al estudiar la obra de otros artistas y cineastas Los creativos pueden descubrir nuevos enfoques y técnicas innovadoras y crear soluciones que puedan aplicarse a su propio trabajo Pero veamos estos en la práctica. Vamos a usar el video musical de Del Salto Angel como ejemplo. Para crear este video, necesitábamos saber si era posible crear un video de alta calidad con los recursos que teníamos. Así que tuvimos que buscar un trabajo similar realizado con recursos similares en el que se hubieran utilizado técnicas cinematográficas que dieran como resultado un buen trabajo Entonces entre muchos ejemplos, encontramos que 30 segundos para marchar Video musical Reyes y Reinas. Se trata de un video musical hecho con un bujeto fuerte, excelente cinematografía, y la mayoría de las tomas se realizan en un trípode Adicionalmente, si notas que las tomas donde está cantando Jada Letog se toman al amanecer o al atardecer, esa referencia nos mostró que era posible lograr ese resultado Era plausible. Era muy importante contar con esta referencia, principalmente porque nos hace perder el miedo. Porque ganas confianza. Porque sabes que siguiendo esos pasos, puedes lograr un video con una calidad similar. No quiero decir que no había recursos ni back jets en fechado let video, pero se puede ver en la pantalla que se grabó con una cámara réflex digital Probablemente usaron una buena lente, pero lo que realmente destaca es una gran cinematografía y creatividad Entonces esa es la razón por la que utilizamos esta referencia. Se puede ver que el video Saltan está en una ciudad. Usamos mucho atardecer y amanecer e incluso también tomas con lentes milimétricos altos, manteniendo la cámara en el trípode tanto como sea posible Recuerda que utilizamos una lente Um, una lente de fotografía que nos permitió alcanzar los 70 milímetros. Por otro lado, las referencias sirven como una herramienta invaluable para comunicar la visión creativa a otros miembros del equipo. Al compartir referencias específicas durante la reproducción y producción, asegura que todos estén alineados con la visión del proyecto y trabajen hacia un objetivo común. Adicionalmente, las referencias ayudan a establecer un marco estilístico y narrativo para el proyecto al seleccionar referencias que reflejen el tono estático y emocional deseado de la historia Se proporciona una guía visual consistente para la producción. Mira el otro ejemplo que empleamos como inspiración la representación subjetiva de la historia del amante de Adele En el video, si puedes ver, el chico está hablando con la cámara como si fuéramos Adele nosotros mismos recordando esos momentos Lo vemos hablando mientras ella está cantando en el coro. En el Video Musical Ángulo Salto creamos esta representación objetiva. La chica está hablando hacia la cámara como si se tratara de un recuerdo del personaje. canto Las referencias pueden ayudar a planificar y ejecutar todos los aspectos del proyecto, desde la selección de ubicaciones hasta creación de guiones gráficos y la dirección de arte Al estudiar cuidadosamente las referencias, los creativos pueden identificar técnicas y enfoques específicos que pueden aplicarse efectivamente a su propio trabajo Veamos esto, otro ejemplo, esta última secuencia de este video de Robbie Williams, Angels Aquí vemos una toma de ángulo bajo que rodea los dos personajes mientras se besan al final del video. Entonces esta fue la referencia para crear la última secuencia del video de Saltan Es bastante similar con los edificios detrás que rodean a los personajes, pero lo que quiero decir es que se supone que debes transferir las referencias a otro contexto porque aunque este video es una historia de amor, cuenta otra historia. Entonces la referencia no parece una copia sino más bien como una inspiración. Ahora que entendemos la importancia de las referencias, es crucial saber cómo utilizarlas de manera efectiva. En primer lugar, una investigación exhaustiva, tómese el tiempo para investigar y recopilar una amplia variedad de referencias que sean relevantes para su proyecto. Explora películas, pinturas fotográficas y cualquier otro medio que pueda inspirarte. No te limites a un solo género de estilo. Mantén la mente abierta y busca inspiración de diversas fuentes. Adicionalmente, estudie cada referencia cuidadosamente. Prestar atención a elementos como la composición de la imagen, iluminación, el color y el encuadre Considera cómo estos elementos contribuyen al tono y ambiente de la referencia y cómo se pueden aplicar a tu propio trabajo. Priorice la calidad sobre la cantidad y elija una referencia que realmente resuene con usted en su equipo Por otro lado, hay algo importante que mencionar. Las referencias también pueden ser conceptuales, no necesariamente estáticas. Por ejemplo, la inspiración conceptual del video, Noi Mucha Tiempo, fueron estos videos de Michael Jackson Realmente no les importamos en la Tierra Sol. En este video, se muestra al personaje haciendo una queja social, quejándose de algo a través del sol y algo que podemos ver de cierta manera en el video musical mientras el personaje principal canta Entonces, aunque los videos no se parezcan, el origen conceptual es el mismo. Por lo que podemos usar esto como inspiración, como punto de referencia para crear una guía para tu trabajo. En conclusión, contar con buenas referencias es fundamental para el éxito de cualquier otro proyecto de Visio Referencias, inspirar creatividad, establecer un marco estilístico, facilitar la comunicación, ayudar en la planeación y ejecución, y asegurar la grosería visual Al usar referencias de manera efectiva, los creativos pueden elevar su trabajo al siguiente nivel y crear obras de Adi Visio que sean visualmente impactantes, narrativas, cohesivas y emocionalmente poderosas 14. Decisiones que deben tomar en cuenta para la edición y la posproducción Estrategia de videos de stock: Hola a todos. En esta lección, vamos a profundizar en cómo las decisiones que tomamos al hacer disparos pueden impactar significativamente en el proceso de edición y, en última instancia, en la calidad de nuestro campo Cuando Un dijo, es crucial no limitarnos a un solo tipo de disparo Debemos apuntar a capturar una amplia variedad de tomas que nos permitan contar visualmente nuestra historia de manera dinámica. Esto implica explorar diferentes ángulos, distancia focal y composiciones para proporcionar al editor una variedad de opciones para trabajar en la edición. Por ejemplo, podemos usar un plano amplio para establecer el escenario y el contexto. Después los primeros planos para revelar las emociones en los detalles. Y tomas de encuentro para mostrar la interacción del personaje. Cada tipo de toma ofrece una nueva perspectiva y ayuda a construir un alcance visual de una narrativa inmersiva Por ejemplo, aquí tenemos dos ejemplos de lo que estoy tratando de enseñarte. Esta es la misma escena filmada con diferente punto de vista. Esto me permite conocer dos grandes cosas. Por un lado, contar con dos versiones de la actuación del mismo actor. decir, aunque es similar, hay matices y pequeñas acciones que son diferentes. Por ejemplo, en una de las tomas, el personaje se agacha completamente en la playa y se pueden ver las olas en sus manos de cerca, y como la cámara está cerrada, vemos más su cara en ese momento Por otro lado, tener dos versiones del mismo rendimiento me permite tomar cortes para quitar partes que no me gustan de esa actuación. Y eso es realmente útil e incluso sustancial mejora el desempeño del actor. Adicionalmente, contar con dos versiones de una misma escena, sobre todo de esta manera, que es una versión de cerca en otra, para más o menos panorámica, me permite posteriormente tocar en la edición para no perder posición que tiene el personaje con respecto al espacio que lo rodea. Ya sabes, porque ver la inmensidad de la playa justo en ese momento también parece ser importante. Por otro lado, la flexibilidad y set nos permiten adaptarnos a cambios inesperados y dimensionar nuevas oportunidades creativas a medida que surgen. Esto significa estar abierto a experimentar con diferentes enfoques, aunque signifique desviarse ligeramente del plan original Si surge una nueva idea creativa durante el rodaje, no dudemos en probarla y ver cómo funciona A veces las mejores ideas vienen en el momento. Al estar dispuestos a experimentar, podemos descubrir nuevas y emocionantes formas de contar nuestra historia y enriquecer la calidad visual de nuestro campo. Por ejemplo, aquí en esta escena, se puede ver que el piloto camina unos pasos, un croaches por un momento y luego se da cuenta de que el jet se Esa es la historia original, pero durante el rodaje, el director de fotografía propuso que el piloto, antes de darse cuenta de que el jet venía hacia él, giró para ver otros aviones, otros jets que pasaban a su alrededor. Aunque al final no usé esa acción. Me dio la posibilidad de incluso cambiar las unidades de acciones. Ese es el avance de las acciones en esta escena. Ahí se puede ver cómo el piloto giró hacia su lado izquierdo antes darse cuenta que el otro jet venía justo al frente. Por otro lado, de la misma manera que el ejemplo anterior aquí también se utilizaron dos puntos de vista diferentes de una misma acción. Eso no sólo para tener más posibilidades a la hora de la edición, sino que en uno de los puntos de vista incluye el espacio hora de trabajar con las imágenes de stock para integrarse en nuestro montaje Es crucial considerar ciertos aspectos durante el rodaje para asegurar la actualidad visual y narrativa en nuestro corte final En primer lugar, debemos dedicar tiempo a pre visualizar y seleccionar las imágenes de stock que queremos incorporar a nuestro proyecto. Esto nos permite tener una idea clara de cómo queremos utilizar estas imágenes en relación con las escenas rodadas en el set. Esto es stock, esta es una de las planchas utilicé para encontrar esos videos de stock. El metraje de archivo, es muy sencillo de usar. Sólo hay que seleccionar cuál es el formato y la naturaleza del archivo. En este navegador, vas a escribir el nombre de la naturaleza, vas a describir tu imagen. Por ejemplo, aquí, la bomba nuclear y el motor de búsqueda te van a proporcionar varias y cientos de muestras, cientos de videos que puedes usar. Si escribo aquí Manhattan, entonces el buscador va a mostrar todos los videos posibles que puedas usar. En este caso, una gran cantidad de ellos son videos de drones, pero se han tenido en cuenta a hora de adquirir estos derechos. Tienes derecho a usar los videos como quieras, pero no tienes exclusividad sobre ellos. Es decir, otras personas podrían utilizarlos en su trabajo como han pagado. Una vez que eliges el video que te parezca apropiado, puedes descargar una vista previa aquí mismo y probarlo en tu montaje para ver si es perfecto o no Por eso es importante planear para esto. Adicionalmente, nos ayuda a determinar si la estrategia de producción que estamos aplicando puede ser exitosa o no. Por ejemplo, en el video musical y la sal ya que la estrategia de edición se diseñó antemano antes de grabar para filmar. En el caso de las escenas de rascacielos, sabíamos que podíamos filmar en ese bel, teníamos que encontrar imágenes de drones que retrataran una ubicación de ciudad cerca del Sé que tal vez te preguntes por qué no usar directamente un video del rascacielos que representa el edificio donde está cantando el cantante En realidad, utilizamos algunas imágenes de referencia de la ciudad, en los edificios, por ejemplo. Como en realidad se hizo sin embargo, no podíamos usar un solo rascacielos que representara dónde se supone que debe estar el cantante Por la sencilla razón de que se suponía que debía ver al cantante, o al menos su silueta en cierta parte del rascacielos, al menos desde lejos, para que todo pareciera convincente Pero eso no fue posible. En esas condiciones, era necesario crear una especie de edición en la que se utilizaran los puntos de referencia del espacio para unificar los planos dibujados con los planos del rascacielos En este caso, utilizamos el Empire State como punto de referencia. Si el Empire State fuera visto desde las tomas de cámara que muestran el mismo edificio en las imágenes dibujadas complementaría la sensación del espacio en la ubicación. Esta es una excelente estrategia para usar imágenes dibujadas en ubicaciones de ciudades. Además, es esencial seleccionar imágenes de stock que se alineen con el estilo visual y atmósfera general de la película. Mantengamos la mente abierta durante el rodaje y estemos dispuestos a ajustar nuestra dirección en función las imágenes de stock que seleccionamos invita al revés. Podríamos apalancar y esperar que las aletas y el rodaje que ocurrió en el rodaje los convirtieran en escenas verdaderamente atractivas. En el montaje, por ejemplo, en la otra escena, giramos en posibilidad el gesto que tenía la niña cuando salía del auto Desde ese probador, agregamos un video de archivo como si estuviera viendo eso al final de esa calle, esa imagen del metro que pasaba por ahí. Y esto agrega una mejor sensación de espacio al momento. la comunicación con el equipo de edición También es importante la comunicación con el equipo de edición. Mantener una comunicación abierta y constante con nuestro equipo de edición para discutir cómo planeamos usar las imágenes de archivo en la película y cómo podemos dirigir las escenas y set para facilitar su integración en el montaje Eso ayudará a asegurar que nuestras decisiones de dirección durante el cine y apoyar el proceso de edición y contribuir a la colación visual y narrativa de la película final Por otro lado, recuerda que mantener la continuidad visual durante todo el rodaje es fundamental para que nuestros pecados se mezclen sin problemas en la edición final en el corte final. Eso significa prestar atención a detalles como la posición de los objetos en la iluminación y composición del set en cada toma. Por ejemplo, si en una toma un personaje tiene una gorra en la mano, asegurémonos de que la tengan en el siguiente disparo para mantener la consistencia. Además, mantengamos una paleta de colores consistente y estética visual que refuerce la atmósfera y el tono de la película Al considerar este aspecto, al dirigir un sensunset, podemos crear una base sólida para integrar efectivamente imágenes de stock en nuestro montaje y enriquecer la experiencia visual de una película Intenta poner todo esto en práctica hasta la siguiente lección. 15. La propuesta: Hola a todos. En esta lección, profundizaremos en el fascinante mundo del pitcheo en la industria audiovisual El terreno de juego, lejos de ser una mera presentación, es el arte de vender nuestra visión cinematográfica con pasión y persuasión A lo largo de esta lección, desentrañaremos lo que implica un tono y lo que es esencial en cómo puedes crear uno que deje una marca indesarrollada en tus oyentes Pero, ¿qué es un pitch? Un pitch no es simplemente una exposición de tu proyecto audiovisual Es una oportunidad única para cautivar a tu público y convencerlos de la grandeza de tu visión Es una presentación persuasiva diseñada para vender tu producto a potenciales inversionistas, productores, directores o distribuidores En otras palabras, es tu momento de brillar y encender entusiasmo de tu audiencia por tu proyecto Ahora desglosemos uno por uno, ¿cuáles son los elementos esenciales que debe tener una playa? En primer lugar, el concepto central. El concepto central es el latido de tu proyecto cinematográfico Es la esencia misma de tu historia, encapsulada en una breve pero poderosa declaración que despierta curiosidad e interés en tu audiencia Al elaborar el concepto central de tu página, debes enfocarte en transmitir la premisa fundamental de tu película, credamente visible, consistente y atractiva Por supuesto, desarrollar un concepto central efectivo es crucial para identificar el tema principal en la premisa única que define tu historia. ¿De qué es el núcleo emocional? Al responder a estas preguntas, puedes articular el concepto central de tu pitch de una manera que resuene profundamente con tu audiencia, los motiva a querer saber Por ejemplo, imagina que estás desarrollando un pitch para tu película sobre un artista de John Street que lucha por encontrar su voz ante la adversidad urbana de niebla Por ejemplo, el concepto central de tu pitch podría ser algo así como exploración nemativa de la creatividad y la resonancia en los rincones olvidados de la ciudad donde el talento emergente lucha por encontrar su voz Y en medio de las sombras y graffiti del mundo urbano. Por ejemplo, en esta breve declaración, has captado el sentido emocional y temático de tu película. Invitando a su público a sumergirse en el viaje protagonista y descubrir la belleza y el poder del arte Recuerda, el concepto central de tu pitch es tu oportunidad de hacer que tu historia brille y destaque entre la multitud. Así que asegúrate de que sea claro, convincente y emocionante. Otro consejo podría ser usar la línea story tack, que podría funcionar perfectamente Recuerda, si quieres saber más sobre la línea de tachuelas y otros elementos y temas de escritura, puedes ir a mi curso Art Filmmaking, que está disponible en esta plataforma Además, otro elemento importante es el público objetivo. El público objetivo es el grupo demográfico. Tu objetivo de proyecto cinematográfico, y cuya atención quieres captar es esencial para entender a quién va dirigida tu película ¿Por qué es relevante para esa audiencia específica? Pero al describir a su público objetivo, debe identificar las características demográficas, psicográficas y de comportamiento para adaptar su tono de manera efectiva Por ejemplo, si estás desarrollando un pitch para una película dirigida a adolescentes o adultos jóvenes interesados en la música y la cultura Europan, tu público objetivo podrían ser jóvenes de 18 a 25 años Por ejemplo, apasionados por la música, arte callejero y las expresiones creativas, buscan historias auténticas y emocionantes que reflejen su experiencia de vida y sus valores. Entonces, al describir a su público objetivo, claramente asegúrese de resaltar por qué su película es relevante y emocionante para ellos. ¿Qué aspecto de tu historia resonará con sus intereses, valores y experiencias de vida Al responder estas preguntas, puede adaptar su tono para conectarse de manera más efectiva con su público objetivo. Al persuadir de que su proyecto es algo que no pueden faltar, el siguiente elemento es la estructura narrativa La estructura narrativa es el esqueleto de tu historia. Organizar y dar forma a eventos que ocurren en todo tu campo. Es esencial resumir los personajes principales de la trama, las artes y la resolución potencial de manera consistente, pero excitante durante tu lanzamiento Una estructura narrativa efectiva, por ejemplo, puede seguir el esquema clásico de tres actos, Introducción, Desarrollo y Conclusión. En la introducción, se establece el escenario y conflicto centrum introducen en el desarrollo los personajes principales del El conflicto se intensifica y los personajes enfrentan desafíos cada vez mayores Finalmente, en la conclusión, el conflicto se resuelve, proporcionando una conclusión emocionalmente resonante a la historia Por ejemplo, si estás desarrollando un pitch para una película sobre hacer artistas callejeros luchan por encontrar su voz. Tu estructura narrativa podría ser, por ejemplo, la presentación introductoria de sus protagonistas y su entorno urbano Así como el conflicto central que enfrentan al tratar de expresarse a través del arte. Siguiendo el desarrollo, el protagonista enfrenta obstáculos y desafíos mientras se esfuerza por encontrar su identidad artística Y la conclusión, el protagonista supera las dudas y los miedos, encontrando su voz única y dejando una huella indeleble en el mundo del arte callejero Al describir la estructura narrativa de tu película durante tu presentación, asegúrate de resaltar los elementos clave de la trama en cómo se desarrolla la historia para la película Esto ayudará a tu audiencia visualizar la narrativa de la película y comprender su potencial emocional y cinematográfico Eso es muy importante. El siguiente elemento son los elementos visuales y el estilo. Describe el estilo visual y estético de tu proyecto con gran detalle. ¿Cómo se verá tu película en la pantalla? ¿Qué elementos visuales la harán única y maravillada? Es crucial pintar una imagen vívida de la estética visual de tu proyecto y resaltar los aspectos que lo diferenciarán de la competencia. Te voy a dar un ejemplo como si no estuviera imaginando mucho el video musical En este proyecto de video musical, nos embarcamos en un viaje visual por el desierto en la mente de un piloto desierto Utilizaremos una variedad de elementos visuales para capturar la intensidad y la emoción de esta historia única. Empezando por las composiciones visuales, queremos crear imágenes que no solo sean visualmente impresionantes, sino también emocionalmente evocadoras Utilizaremos ángulos de cámara dinámicos y marcos evocadores para sumergir a los espectadores en la acción y tensión de la En cuanto a los efectos visuales, estamos comprometidos a crear con precisión momentos clave, desde escenas de combate de área hasta la fuga desesperada de los pilotos para el ser. Utilizaremos efectos especiales para darle vida a la acción y hacer que cada momento sea lo más realista posible. Pero no se trata sólo de acción y efectos especiales. También utilizaremos el simbolismo visual para profundizar la narrativa y transmitir temas más profundos Las imágenes del desierto representarán la soledad de los pilotos y la lucha interior, mientras que las imágenes de guerra simbolizarán el conflicto externo en Y por último, llegamos a la escena final, un momento que dejará una impresión duradera en nuestros espectadores. Con unos efectos visuales impresionantes, sorprendente composición visual, transmitiremos el poder destructivo de la bomba nuclear y impacto emocional de la decisión del piloto. Esta escena no sólo será visualmente llamativa, sino también emocionalmente poderosa. En resumen, los elementos visuales de este video musical son esenciales para crear una experiencia cinematográfica inolvidable desde composición visual hasta los efectos especiales. En el simbolismo visual, cada elemento está diseñado para transportar a los espectadores a un mundo de acción, emoción y drama Así que esperamos que disfrutes del viaje visual tanto como nosotros disfrutamos creándolo. El siguiente elemento clave es el potencial del mercado. Debes demostrar que entiendes el mercado al que estás entrando y tener un plan solemne para triunfar en él. Proporcione información completa sobre sus posibles estrategias de distribución del mercado objetivo y la competencia en el mercado actual. Tu objetivo es demostrar que estás preparado para enfrentar los retos del mercado y dimensionar las oportunidades que surjan. Por ejemplo, imaginemos que estoy hablando del mercado potencial del video musical, No, mucho timo. Nuestro proyecto tiene un amplio potencial de mercado, ya que aborda temas universales y atractivos que resuenan con una amplia gama de espectadores, desde amantes de la música y el cine hasta aquellos interesados en la historia y la narrativa visual Nuestro video musical tiene algo para todos. Uno de los mercados objetivo clave para nuestro proyecto son los entusiastas de los videos musicales. Con la música como parte integral de nuestra narrativa, confiamos en captar la atención de quienes buscan excitar y simular experiencias visuales Adicionalmente, nuestro enfoque en la narrativa visual, en la cinematografía de alta calidad, nos permite llegar a un mercado más amplio del cine en entusiastas de los medios visuales Aquellos que buscan una experiencia cinematográfica inmersiva y emocionante encontrarán mucho para disfrutar en nuestro proyecto En términos de distribución, planearemos aprovechar una variedad de plataformas en canales para alcanzar nuestras participaciones objetivo, desde plataformas de transmisión en línea hasta festivales de cine y canales de redes sociales. Pretendemos maximizar nuestra visibilidad y alcance. Además, estamos explorando oportunidades de colaboración con marcas y patrocinadores que comparten nuestros valores y crean visión. Por lo que estas asociaciones pueden brindar mayor exposición y apoyo financiero para nuestro proyecto, ayudándonos a alcanzar nuestro máximo potencial. Entonces, en conclusión, nuestro proyecto de video musical tiene un amplio potencial de mercado y está bien posicionada para captar la atención de una amplia audiencia Con un enfoque en la música, narrativa visual y la distribución estratégica. Estamos seguros de que podemos lograr el éxito y dejar una impresión duradera del mundo del entretenimiento. Eso sería una especie de discurso, ya sabes. Por otro lado, es importante hablar también del equipo creativo. Al presentar el equipo creativo detrás de tu proyecto de video musical o cualquier proyecto, es importante resaltar habilidad y experiencia de cada miembro de manera clara y convincente Aquí hay algunas pautas sobre cómo hacer esta introducción del director y papel creativo. Comience presentando al director del proyecto y resalte su experiencia de visión única en la dirección de su proyecto Describa cómo su creatividad ha dado forma a cada aspecto del proyecto y cómo su liderazgo guiará al equipo hacia el éxito. La siguiente es la descripción del equipo de producción. Luego presentar al equipo de producción, incluyendo un productor ejecutivo y otros miembros clave, destacan su experiencia en la coordinación proyectos a gran escala en su compromiso con la excelencia en la ejecución. Mencionar por ejemplo, cualquier logro notable proyectos anteriores que demuestren su capacidad para manejar proyectos similares con éxito. El siguiente paso es destacar que el equipo de cinematografía presenta al equipo de cinematografía dirigido por el director de fotografía describir su capacidad para crear imágenes visualmente impresionantes Por ejemplo, en el dominio de la técnica cinematográfica, tratar de mencionar cualquier palabra o reconocimiento que hubieran recibido por el trabajo anterior para apoyar su experiencia y habilidades Por último, presentar al equipo de edición y postproducción, incluido el editor principal, destacar su capacidad para dar vida a la visión del director en la sala de edición y su experiencia en contar historias manera emocionante a través de la edición y la postproducción Si tienes trabajo previo puedes mencionar esto también puede fortalecer su presentación presentando el tema creativo de tu proyecto de esta manera y transmitir persuasivamente su talento y experiencia, lo que ayudará a construir confianza con el público y potenciales inversionistas o colaboradores Desarrollar un tono efectivo implica práctica, preparación meticulosa y adaptabilidad Es fundamental dominar la presentación de tu proyecto de manera clara y convincente Destacando los aspectos más atractivos de tu historia desde el concepto central hasta el potencial del mercado. Practicar frente diferentes audiencias te ayudará a refinar tu presentación y adaptarla a las necesidades y expectativas específicas de cada oyente Y por último, debes asegurarte que tu paciencia por el proyecto brille a través de cada palabra y gesto durante la presentación Lo que creará un mayor impacto y dejará una impresión duradera en tu audiencia hasta la siguiente lección. 16. Finalización de la producción cinematográfica y de videos: Hola a todos. Hemos llegado al final de este curso. Espero que lo hayan disfrutado mucho. Mucho. Recuerda que en el siguiente volumen, volumen dos, veremos paso a paso, cómo se editaron todos los materiales filmados en este volumen uno. Es un curso muy interesante porque vas a poder hacerlo conmigo. Por otro lado, si quieres profundizar en el tema del cine, puedes ir a mi otro curso, Artes del cine disponible en Por otro lado, quería preguntarte algo importante. Si lo habías hecho hasta el final de este curso y te gustó, debes saber que se hizo con mucho esfuerzo para que intentes compartir lo mejor contigo. Me encantaría seguir haciendo un curso para cada una de mis producciones. Eso me encantaría, pero depende de ti. Hay otros cursos en esta plataforma. Y para que yo siga haciendo esto, mi curso debe ser muy valorado si crees que mi curso es bueno. Y como mencioné, te encantaría ver otros cursos sobre otras producciones. Por ejemplo, uno en un espacio interior, etcétera. Necesito una muy buena reseña, pero todo depende de ti. Ustedes son los que mas califican mi curso. Muchas gracias por llegar hasta aquí y te quiero mucho hasta la próxima vez.