Cómo convertirse en director de cine y productor profesional: el arte de la cinematografía

1. El arte de la cinematografía: Hola, mi nombre es Wabillo Babe. Soy director de cine, actor y compositor de partitura cinematográfica. Pero creo que sólo soy un curador, un alma artística desde muy joven Mi pasión siempre ha sido contar historias. Al principio, lo hice usando mis juguetes. Estaba viendo y sintiendo cada detalle del mundo que estaba creando con ellos. Pero un día, eso no fue suficiente. Simplemente no fue suficiente. Ese sueño realmente me inspiró a usar estas herramientas para dar vida a toda mi huminación Así como cuento historias con mis dibujos, ahora las cuento dibujando con luz. Me encanta trabajar delante y detrás de la cámara, Diseñar cada detalle, la luz, las escenas, el sonido e incluso crear personajes para vivir varias vidas en una. He creado este curso para compartir contigo todo lo que sé de cine Había aprendido en mi experiencia filmando mis historias, y los conocimientos que pude aprender en la mejor escuela de cine de España. Solo quiero que puedas cumplir tus sueños, como puedes ver que hice en la pantalla. Hacer películas es una forma de vida. Solo tienes que inspirar a algunos amigos y artistas valientes como tú y llevarlos a soñar hasta que vean el sueño hecho realidad. En este curso, aprenderás paso a paso cómo desarrollar una idea para convertirla adecuadamente en una historia. Aprenderás sobre semiótica sobre los diferentes tipos de escenas Aprenderás a manejar un equipo de producción desde el director de fotografía, editores, compositores hasta técnicos Aprenderás a seleccionar correctamente a los actores que representarán tus todos estos para que puedas crear películas incluso con un bubject limitado Como proyecto final, tendrás la tarea de escribir una sinopsis en una sola página acompañada su respectiva línea de tachuelas y alto concepto También debes seleccionar una imagen que identifique semióticamente ese proyecto Te deseo buena suerte. Mi nombre es Valdilio Pene y este es mi adherencia en plena fabricación 2. Cámara y lentes: Hola gente. Quiero iniciar este curso mostrándote directamente lo que seguramente estás más ansioso por saber. La cámara de cine, este extraordinario instrumento, esta herramienta que habíamos utilizado durante tanto tiempo para contar historias, simplemente grabando , moviendo imágenes, permitiéndonos contar esa historia que tanto queremos contar. No obstante, permítanme mencionar que lo cierto es que el conocimiento más importante que necesitas saber para convertirte en director de cine no tiene nada que ver con usar realmente la cámara. Y eso es lo que vas a aprender a lo largo de este curso, más adelante por supuesto. Pero obviamente, también necesitamos conocer la cámara. Quiero decir que conoces los aspectos más importantes a tener en cuenta de una cámara de película para que puedas usarla o incluso dar instrucciones precisas al cinematrógrafo o camarógrafos Empecemos entonces. La cámara de cine es un instrumento que nos permite capturar impresiones de luz a través de un ****. Este **** interpreta las luces de cierta manera, dejándola pasar al sensor de la cámara en su interior, que tomará varias fotografías cada segundo, generalmente 24 fotogramas por segundo, para crear esa sensación de la imagen en movimiento En el pasado, estas fotos fueron grabadas en un papel cinematográfico, pero hoy en día, todo este proceso que antes era analógico se transformó en una obra digital. O sea, todo evolucionó hasta que una cámara de película digital llegó una cámara de película digital como esta que tengo aquí, que en lugar de simplemente grabar todo en un papel cinematográfico, graban toda la información en una tarjeta de memoria. Te puedes imaginar todo el trabajo que guarda una cámara digital, solo el propio sistema de cámaras, creando un solo archivo de video que contenga todas esas fotos o fotogramas por segundo. No obstante, existen cámaras digitales, que combinan la tecnología del papel cinematográfico con la tarjeta de memoria para tener ambos tipos de grabaciones. Hay directores que están realmente interesados en este proceso analógico y el tipo de textura que este proceso genera en la imagen. Por supuesto, estas cámaras son muy caras, pero en lo que a nosotros respecta en este momento de este curso, ya que generalmente somos cineastas independientes, o tal vez queremos almacenar una pequeña productora por ejemplo Es importante que aprendas a diferenciar dos cosas muy importantes, la cámara de cine digital y la cámara DSLR La principal diferencia entre la cámara de película y la cámara DSLR es el formato de grabación y la calidad del sensor Creo que el tamaño de la cámara habla por sí mismo. Generalmente, las DSLR son cámaras para tomar fotos que también nos permiten grabar video, y cuyas características nos permiten grabar video bastante bien, incluso a nivel profesional No obstante, debido al tamaño de las cámaras y sus propias características, el sensor generalmente no tiene esa sensibilidad a la luz que puede tener una cámara de cine profesional. Es decir, el sistema comprime el video en un formato reducido que es más sencillo y más fácil, pero a la vez, carecen de una calidad que permita a un editor corregir profundamente el color del video Lo que significa esto. Te dije que las cámaras toman 24 fotos por segundo o más. Cada una de estas fotos tiene una resolución, La resolución que tiene cualquier cámara fotográfica. Pero la resolución tiene que ver no sólo con el número de píxeles que tiene la imagen, sino también con la cantidad de información que cada uno de esos píxeles va a tener en su interior. Cuando te dice que la cámara DSLR graba en un formato comprimido, significa que cada píxel de cada fotograma de video tiene menos información Aquí puedes ver un ejemplo de un metraje DSLR. A pesar de que se ve muy bien, la información que tiene cada píxel es mucho menor que la de un formato sin comprimir A pesar de eso, existen muy buenas DSLR que te permitirán grabar un formato comprimido de alta calidad, como el formato Bress, por ejemplo, que está diseñado para hacer todo lo posible para preservar la calidad de imagen Esto es importante saberlo porque muchos de ustedes van a comprar una cámara DSL, y esto es lo que deben considerar a la hora de comprar cuando Así que solo asegúrate de que la cámara tenga el mejor sensor posible a pesar que graba el video en un formato comprimido. Te voy a dejar en la descripción de la lección, las mejores opciones para mí. Por otro lado, hay cámaras de cine profesionales como la que se ve en la pantalla. La diferencia más importante como mencioné, es que las cámaras de cine profesionales graban en un formato sin comprimir para que el sistema pueda grabar toda la información posible de los sensores de luz Que son muy sensibles. Las cámaras de cine profesionales tienen una gran sensibilidad a la luz. Además, el sensor permite capturar un mayor rango dinámico de colores. Esto es realmente útil para los editores de video porque les permite modificar el color de las imágenes aunque la iluminación no sea perfecta. Esa es la razón por la que el sistema está grabando en archivos sin compresión para grabar la mayor cantidad de información posible para tener un mejor resultado. Por otro lado, las cámaras profesionales no se calientan. Están hechos para trabajar muchas horas seguidas. Además, cuentan con muchas más entradas de audio para grabar audio profesional. Y por otro lado, hoy en día la mayoría de ellos te permitieron grabar a más fotogramas por segundo en partido, más resolución de lo que puede hacer una DSLR En la pantalla, se pueden ver diversas imágenes grabadas con cámaras cinematográficas profesionales. Vamos a abordar ahora las partes más importantes de la cámara, una cámara de película como esta. Esos detalles que debes conocer para poder dirigir una producción cinematográfica y publicidad, o un cortometraje por ejemplo. realidad no hay muchos, pero como quieres ser director, debes conocerlos para poder comunicar tus ideas adecuadamente a un equipo de producción. Lo primero que debes saber es qué hace que la imagen tenga calidad. ¿Es el ****? ¿Es la cámara? ¿Es la luz? Digamos eso. Es una suma de todo. Empecemos por el primero. Principalmente lo que más influye la calidad de la imagen es la calidad del ****. Es necesario que el **** sea realmente profesional y sofisticado ahí. fotografía en lentes de cine, la principal diferencia es que las lentes filmadas son más sofisticadas e incómodas ya que están especializadas en sacar lo mejor de lo que estamos grabando. En el caso de las lentes fotográficas, se adaptan a las necesidades y practicidad que requiere un fotógrafo a la hora de tomar fotos, por ejemplo, la diferencia de peso entre una y otra es un factor importante Y esto se debe a la naturaleza del propio ****. Tanto las lentes de fotografía como de cine muestran algo. Tienen un primer anillo para controlar la apertura y un segundo anillo para controlar el enfoque. El anillo de diafragma de apertura nos permite controlar la cantidad de luz que entrará sensor de la cámara y el anillo de enfoque, la nitidez de la imagen Por supuesto, dado que las lentes de cine son de mejor calidad, tienen mayor apertura, es decir, tienen una mejor capacidad para dejar entrar la luz. Ahí en la pantalla, se puede ver un ejemplo de diafragma. Cuanto más se abre el diafragma, el número es más inteligente. Esos números son la forma universal identificar la apertura del diafragma. Solo recuerda que cuanto menor sea el número, mayor será la apertura. No te confundas con eso. No obstante, en el caso de las lentes fotográficas, muchas de ellas cuentan con un tercer anillo que nos permite cambiar el Zum del **** Es decir, al ser lentes más prácticas, permiten al fotógrafo cambiar de 24 milímetros a 105 milímetros simplemente moviendo ese anillo. Esto es algo importante, porque cuando se trata de lentes de cine, necesitamos una funda **** que contenga cada una de las lentes que queremos usar. Es decir 120, 4 milímetros, otros 36 milímetros, otros 50 milímetros, entonces 105 milímetros, etcétera Te voy a explicar algo importante respecto a las lentes, la distancia focal, pero también voy a mencionar esto más adelante en el curso que lo recuerdas bien. La distancia focal es la capacidad del **** para acercarse a un objeto en detalle. Cuanto mayor sea la distancia focal del ****, mayores serán los milímetros. Por lo tanto, vamos a ver objetos muy cerca. Incluso vamos a poder acercarnos mucho a los objetos para ver sus detalles e incluso acercarnos a objetos o lugares a lo lejos. Por otro lado, un **** con una distancia focal corta, una pérdida para capturar una mayor cantidad de espacio dentro de la imagen. Es decir, el ángulo de visión es más amplio. No quiero decir que no se pueda capturar un gran espacio con un **** de más milímetros. Lo que estoy tratando de decir es que cuanto más pequeños sean los milímetros de las lentes, más espacio podrás capturar, aunque ese punto esté muy cerca de ti usando el otro ****. Con milímetros más altos, tendrías que moverte mucho más lejos del espacio para capturar la misma cantidad de espacio. Por supuesto, todo esto significa que las lentes distorsionan la imagen, y se supone que debes recordar esto de memoria Todas las lentes distorsionarán la imagen. Esa distorsión tiene un significado cinematográfico. Eso lo veremos más adelante en el curso. Preste atención a este ejemplo. En la pantalla se puede ver la diferencia en la forma cada **** distorsiona la forma del busto Usando el **** de más milímetros, la imagen parece ensancharse más hacia los lados, y la perspectiva en la imagen se siente menos Ahora voy a cambiar a 24 milímetros. Con esta fotografía ****, podrás notar que el busto se ve mucho más lejos, a pesar de que la cámara se encuentra a la misma distancia del objeto cuando se usa el **** anterior para poder realizar el mismo disparo anterior. Ahora tengo que acercarme al bost. Ahora puedes notar cómo la fuerte perspectiva distorsiona la imagen debido a la naturaleza del **** y su ángulo de visión más amplio Mira las dos imágenes al mismo tiempo para que notes la diferencia en la distorsión de la imagen. Las lentes para fotografía son similares a las lentes de película. Sólo más ligero y más práctico adaptado a las circunstancias que si eres fotógrafo, estás en movimiento moviéndote de un lado a otro. Por lo tanto, las lentes fotográficas tienen una imagen estabilizadora, muchas de ellas tienen autofocales conectados al cuerpo de la cámara en nuestros tubos Er. Adicionalmente, debes saber que cada una de las cámaras, tanto de película como de fotografía, cuentan con una pista específica de adaptadores que les permite conectar el **** a la cámara Debes tenerlo en cuenta a la hora de comprar en las lentes. En cuanto a la cámara, me refiero al cuerpo de la cámara. Las características más importantes que deben conocer los directores de USI son las siguientes Lo primero es que vas a poder controlar el ISO y la temperatura en la configuración de la cámara. El ISO es la sensibilidad que tendrá el sensor para capturar la luz. Tan simple como, cuanto más alto es, mayor capacidad de la cámara para capturar luz. Por ejemplo, en el caso del rodaje nocturno, por ejemplo, si aumentas el ISO, la cámara podría capturar muchos más detalles de la noche. Por supuesto, cuanto más ISO tenga la cámara y mejor sensor, más cara será la cámara. Por otro lado, en el caso de la temperatura, es un color presente que tendrá la cámara al capturar la imagen. Hay temperatura cálida con colores más hacia el rojo, y las temperaturas frías con colores más hacia el azul. Otra de las principales características de la cámara es la resolución y el formato. En cuanto a la resolución, hay varios formatos, HD dos K, que es más grande, y seis claves, u ocho claves también. Son el número de píxeles por cada fotograma del video. En las cámaras de cine, también podrás cambiar la radio de aspecto. Esto nos permite cambiar la forma del radio de la imagen capturada para que sea más ancha hacia los sitios o más cuadrada Esto se utiliza para adaptar la imagen a las posibles pantallas. Aquí puedes ver tres ejemplos. El aspecto de cuatro tercios de la radio, que era el de los televisores antiguos, también el 169, que es el más común hoy en día en todos los televisores digitales, y el 23091, que parece la pantalla del cine Esto no tiene nada que ver con la resolución en sí, sino con la apariencia del video. El otro parámetro que vas a poder controlar en la cámara, es la velocidad de fotogramas. Quiero decir, los fotogramas por segundo. El cine generalmente tiene 24 fotogramas por segundo. Pero si quieres grabar algo y luego ponerlo en cámara lenta más adelante en la edición, recuerda que debe haber más fotogramas por segundo. Porque si no es una cámara lenta, tenemos que seguir viendo 24 fotogramas por segundo incluso cuando la imagen se mueve muy lentamente. Entonces necesitamos más cuadros por segundo. Por ejemplo, 60 cuadros por segundo, o 120, o incluso más. Y por último, es el formato de grabación. Las cámaras de película graban en formato comprimido. Uno de los formatos más comunes es el M X, pero generalmente también dan la posibilidad de grabar un formato comprimido de alta calidad llamado Progress. Todo lo que acabo de mostrarte es todo lo que necesitas saber como director de cine sobre los elementos técnicos de la cámara. Todo lo demás es irrelevante. Lo que te va a hacer un buen director de cine no tiene nada que ver con conocer la cámara. Afortunadamente, vamos a ver todo eso en este curso y me refiero a esto muy en serio, no te cuelgues de aspectos técnicos. Porque aunque quieras ser fotografía, por ejemplo, lo que realmente necesitas como artista es tener la capacidad de desarrollar buenas imágenes, buenas historias y un buen producto cinematográfico hasta la siguiente lección 3. Iluminación: Hola gente. Esta lección es muy importante porque todo se reduce a contar historias con luz. Mi propósito con este curso es darte las herramientas para que puedas contar historias haciendo películas. Para lograrlo, debemos ser conscientes de lo que significa la luz en seno. Una de las mejores fuentes de inspiración que podemos tener para entender el uso de la luz es la pintura de la época barroca. Mucha gente piensa que lo que hizo atractivas las pinturas de esos grandes maestros fue el realismo de los dramas, y este no es el caso. De hecho, hay pintores, hoy en día, dibujantes, que pueden hacer dibujos realistas que son mucho más reales en detalle que los de cualquier maestro barroco Lo primero que hay que entender es que no sólo hay una manera de iluminar las escenas. Sería como decir que sólo hay una manera de pintar. En este sentido, debes tomar en cuenta que lo que te voy a enseñar en este momento es mi punto de vista sobre mi experiencia, iluminando escenas. Soy pintor y dibujante. Estudié en la escuela de arte más prestigiosa de mi país. Pude aprender cuáles eran esos elementos que hicieron de los grandes pintores un referente artístico. Si hay un momento en la historia del arte donde la luz se convirtió en significante artístico, fue en la época barroca Uno de los mayores exponentes fue Carvallo, quien verdaderamente dedicó su vida a transmitir emociones Pero hubo muchos otros que se inspiraron en Carvallo para transmitir emociones también mientras pintaban Uno de los principales objetivos de iluminación en la época barroca fue preservar la tridimensionalidad de los rostros y el concepto de fondo de figura en las composiciones Los pintores encontraron que la mejor manera de lograrlo era utilizar una fuente de luz principal proveniente de un lado. Para que el contraste generado en el rostro mostrara estéticamente la profundidad de la cara y su lugar en el espacio Esta es una de las razones por las que, incluso al aire libre, las mejores horas del día para iluminar son al anochecer y al bajar Porque la luz viene del lado, generando esa tridimensionalidad que se utilizó en la boga en este sentido como directores Al iluminar un interior, puede usar una fuente de luz principal desde un lado, que puede ser artificial o natural. En el ejemplo que estás viendo, es natural, es decir, la luz natural que se filtra a través de la ventana. Pero presta atención a este pintor barroco llamado Johannes Beer Meer, quien hizo exactamente lo mismo que yo estoy haciendo aquí Su taller contaba con grandes ventanales a través de los cuales la luz se filtraba por un lado. Y creó escenas con gente de la misma manera que en una película. De hecho, hay una película sobre este pintor donde Scarlet Johansen es la actriz principal ger, con una Este es el principio que usé para crear iluminación en mis senos. Sin embargo, la fuente de luz principal no siempre fue la única. En ocasiones era necesario preservar el concepto de base de figura. En las pinturas, este concepto significa dos cosas. Por un lado que el personaje principal de una forma u otra, desprendió del fondo, aunque el fondo no tuviera sentido. Y por otro lado, que había una conexión entre el entorno y el personaje. Para lograrlo, los pintores agregaron una segunda fuente de luz de fondo que delineó al personaje principal para que se destacara del fondo. Esta luz podría ser de cualquier naturaleza, podría ser natural. Es decir, el reflejo generado por los espejos o alguna ropa blanca que se usaba comúnmente en ese momento. Hoy en día, existen herramientas más sofisticadas como los reboteadores que son mucho más eficientes Pero por otro lado, la luz también podría ser artificial. En ese momento, se usaban velas. Obviamente, hoy en día se utilizan lámparas, pero si es necesario para la escena, también podrías usar velas. Adicionalmente, esta segunda luz podría estar en diferentes posiciones. Primero, como mencioné, desde atrás, para desacoplar al personaje del fondo Pero también se utilizó para cambiar el color de la parte sombreada del rostro Quiero decir que la parte del ritmo que está sombreada tiene una luz suave que hace interesante su textura Por otro lado, esta luz suave nos habla del lugar, las cosas iluminadas que hay en el lugar, y eso es decir las cosas con luz. Veamos ahora un par de ejemplos en la pantalla. En esta escena de olores, utilizo este principio. La luz matutina ilumina una parte de la cara, pero la cueva oscurece la otra Generando esa sensación vocólica y pictórica natural en Ahora mira este otro ejemplo, que está dentro de una casa. La luz principal entra por las ventanas, iluminando una de las vistas, pero hay una luz extra producida por las velas Estos dos ejemplos son escenas en diferentes entornos, pero ambos comparten el mismo principio. Por supuesto, hay otros tipos de iluminación más comercial, pero mi propósito es enseñarte a contar historias con luz para que tus películas luzcan convincentes, artísticas e interesantes. Hay un detalle importante a tener en cuenta respecto a la cámara y las lentes. Es que la apertura de las lentes nunca debe distorsionar la luz natural del lugar y los objetos, porque cambia la naturaleza de la forma de las cosas Además, simplemente se ve terrible. Adicionalmente, debemos intentar establecer el ISO lo más bajo posible, para que el sensor de la cámara no haga ningún esfuerzo para capturar la luz. Y se supone que debes poner la abertura **** a un punto que la imagen realmente se parezca a lo que estamos viendo directamente con nuestros ojos. Cuando se trata de iluminación para cine, los directores de fotografía generalmente tratan difuminar los fondos para sacar al personaje principal del fondo Para lograr los filtros ND se utilizan. Podrían ser internas, es decir, vienen con la cámara por defecto, o externas, que se agregan con accesorios. Luego se utilizan los filtros para bajar la intensidad de la luz, lo que permite abrir la abertura del ****, por lo que más detalles ingresan al sensor sin quemar la imagen. Como consecuencia, logramos mejorar aún más la calidad cinematográfica de la imagen, porque podemos difuminar aún más los fondos y hacer que todo se vea más suave y Afortunadamente, esta no es la única lección en la que hablaremos de luz. Ya que es un tema intrínseco a todo lenguaje cinematográfico recomiendo que te sumerjas Te recomiendo que te sumerjas en el mundo del arte, de la pintura, que surja una verdadera sensibilidad a la emoción a través de la luz en que vayas a museos, vayas a exposiciones fotográficas, por ejemplo Algo muy importante. En lugar de pagar por Netflix, pagar por filmar o ser plataforma ahí encontrarás mejor número de películas de todas partes, alrededor del mundo, Muy bien calificadas en las que la luz se usa con verdadero talento. No importa si tu propósito en la vida es hacer películas comerciales o publicidad. No importa porque si logras tener mejores referencias artísticas, si lograste tener una mayor sensibilidad a la iluminación, todo lo que hagas sería el subproducto de todas esas referencias Y por lo tanto, alcanzarás un nivel artístico superior hasta la siguiente lección. 4. De una idea a la filmación: Hola gente. Donde empezamos a la hora de escribir guión, cada película, cada proyecto cinematográfico. Comienza a partir de una idea. Una idea que queremos contar y descomponer en el lenguaje cinematográfico Pero antes de comenzar a escribir la primera palabra, debemos ser plenamente conscientes de que esta idea debe contener en sí misma el concepto audiovisual creado del proyecto cinematográfico. Queremos hacer, el cortometraje que queremos hacer, o incluso la publicidad que queremos crear. Debes recordar que la publicidad también contiene ese lenguaje cinematográfico blanco Al igual que muchos otros tipos de proyectos audiovisuales en la actualidad, esta idea principal tiene que ser escrita y elaborada de alguna manera que cualquier equipo de producción pueda entender y desarrollar adecuadamente. En este contexto, existe una herramienta de trabajo que nos permite plasmar una idea en una página, el guión cinematográfico, o un guión, que no es más que una herramienta que nos permite comunicarnos con cada persona en un equipo de producción Es decir, diferentes equipos de producción deberían poder plasmar la idea principal del mismo proyecto cinematográfico en sus respectivos rodajes sin distorsionar demasiado un guión ni Pero se supone que las ideas parten de una fundación. Quiero decir, antes de crear un guión completo, debes echar un vistazo a tu proyecto, vislumbrar Por lo que hay dispositivos de escritura que nos permiten así surgir en las ideas antes de involucrarnos en el proyecto cinematográfico. En profundidad, hay dos piezas de información conceptual sobre nuestra historia o el propio proyecto cinematográfico. Podemos presentarlo de dos maneras. Por un lado está el concepto alto. Por otro lado está la línea Tac. Pero, ¿cuál es la diferencia entre estos dos? La línea Tach es una herramienta que nos permite resumir el contenido de la historia de una película con el fin de generar un entendimiento en el público, en los Este es el objetivo principal de la línea Tac. Además, la línea Tac no nos va a permitir dar ideas al equipo de producción para crear el propio proyecto cinematográfico. La línea de tachuelas es generalmente una frase, un enunciado, una frase que contiene el concepto, lo que va a ver el buró en el cine Teniendo esto en cuenta, no solo podemos usar la línea de etiqueta, sino también la línea de registro, la línea de tienda, y finalmente la sinopsis Este último sería el último paso. Recapitular la línea de etiqueta es una oración. La línea de registro sería una especie de párrafo, por ejemplo, que contiene toda la historia. Y por último, la historia, que sería casi la misma que la sinopsis Por lo general, la sinopsis ocupa una página completa y la historia, media página Voy a utilizar como ejemplo de la película Alien en el espacio. Nadie puede oírte gritar. Esta frase podría estar perfectamente en el póster de la película o en la landing page de una plataforma para invitarte a ver la película, por ejemplo. Este es un ejemplo perfecto de una línea de tachuelas porque en cuanto la veas, empiezas a preguntarte ¿por qué voy a gritar ¿Voy a sentir que quiero gritar en el cine, viendo la película? Esa es la pregunta. ¿Qué es tan aterrador que voy a gritar en el cine Entonces es una frase que nos invita a ver la película directamente. Sencillo, pero por otro lado, el concepto alto funciona de manera diferente. El alto concepto no está hecho para el público. Está hecho para dar una idea conceptual principal que los creativos escenógrafos, diseñadores personalizados, etcétera, escritores de pantalla y todo el equipo de producción tengan un concepto en sus mentes sobre el tipo de producto que van a Usemos como ejemplo la película Titanic. ¿Cuál es el alto concepto de esta película permanezca en Julieta en un barco No se puede meter esa frase en el póster de la película, antes que nada porque es casi el spoiler Y además, carece de emoción y narración. Este es el alto concepto de la película. Es decir, James Cameron acudió a la productora para presentar este proyecto. Él irrumpió en su oficina con un cuadro del barco que se hundía, el Titanic, y les dijo, Romeo y Julieta en este barco, obviamente un barco que se va a hundir, lo cual es lo cual es El espectador sabe de qué se trata el final, pero los personajes principales no. Esa es la ironía. Obviamente, podemos usar tanto la línea de tachuelas concepto de High Glen para conceptualizar nuestro trabajo con el fin de profundizar en cada etapa de desarrollo de un Pero supongamos que lo que queremos hacer es un proyecto cinematográfico. Un proyecto que queremos ver en el cine. Para establecer las primeras ideas del proyecto cinematográfico, debemos saber de qué se trata el objetivo de nuestro proyecto. ¿Será nuestra película un proyecto cuyo objetivo es llevar a la gente a los cines, por ejemplo? ¿O queremos que nuestra película entre en la selección oficial de algún festival europeo, por ejemplo? Hay dos objetivos diferentes. ¿Queremos captar completamente atención del espectador o queremos transgredir el lenguaje cinematográfico tradicional Estas son las preguntas que se supone que debes crear. Esas son dos opciones disponibles que tuvimos que establecer desde el principio. Debemos saber que para determinar el tipo de lenguaje que vamos a utilizar por escrito, por ejemplo, Estados Unidos. Están especializados en el lenguaje comercial globalizado O sea, porque controlan gran parte de la industria, esa es una opción. Pero por otro lado, está el mercado europeo e incluso el mercado Stern cuyo público objetivo es bastante diferente. Se trata de una especie de cine experimental y está dirigido a sobre todas las élites intelectuales, que son las que apoyan las críticas cinematográficas en los festivales más importantes Europa, por ejemplo Pero respecto a esto, hay algo muy importante a tener en cuenta. Debes dejar el prejuicio lejos de ti antes de abordar cualquier proyecto cinematográfico Debemos entender que no hay más lenguaje artístico que otros. Porque tanto los superhéroes como las películas sociales tienen posibilidades de caer en lugares comunes A pesar de que un proyecto cinematográfico es una creación artística, su desarrollo tiene prácticamente el proceso de una investigación académica. Porque debemos tener claros los objetivos y las herramientas que vamos a utilizar para cumplir con esos objetivos. El guión fue desarrollado a principios del siglo XX por un grupo de antropólogos, psicólogos, empresarios, etcétera, también productores que querían encontrar una forma industrializada de ganar dinero al traer a la mayor cantidad de gente posible a una la mayor cantidad de gente posible Como consecuencia, lograron elaborar una estructura de herramientas nerted basada en el proceso de atención en los seres humanos Un proceso de atención previamente estudiado por psicólogos. En ese resultado, la construcción de una estructura con diferente punto de atención para mantener al público conectado a la pantalla durante un periodo de tiempo específico. Pero además, esta estructura se sustenta en un tipo de atención en los seres humanos, involuntaria, una atención amable que los humanos no pueden controlar Este es el tipo de atención que la historia se utiliza para involucrar a la audiencia, para involucrar a la gente. Por ejemplo, la atención que tenemos cuando vemos un accidente de tránsito repentino en medio de la calle. No importa lo ocupado que estés, no puedes evitar recurrir al accidente para ver qué pasa. Entonces, partiendo de este principio, construyen una estructura de tres actos que se dividió por puntos de trama que captan la atención de la audiencia a lo largo de toda la historia hasta el final. Adicionalmente, esta estructura comienza con el primer acto y termina en el primer punto de la trama. Quiero decir, el primer acto, luego un segundo acto, luego hay un punto medio justo en el medio de la historia Y por último, un segundo punto de la trama que lleva al tercer acto. Todo este viaje de tres actos tuvo que ser vivido por el personaje que es el protagonista de la historia. Este viaje debe contener el arco dramático de nuestra historia. Esta dramática R nos va a permitir estar conectados con el personaje a lo largo de toda la historia. A lo largo de la película, nuestro personaje principal inicia este viaje con una especie de pensamientos o ideas y luego aprende una lección al experimentar este viaje, esta historia. Y finalmente, al final de la película, es otra persona por dentro o por fuera. Casi todas las películas exitosas a lo largo de la historia del cine tienen esta característica particular. Adicionalmente, es importante saber que dado que el cine comercial debe asegurar la conexión con el público para asegurar una taquilla, tienden a utilizar esta estructura mucho más porque es necesario que los empresarios tengan garantías En este sentido, tenemos mucho que aprender de películas comerciales, para el cine comercial, aunque también hay que tener en cuenta que vamos a encontrar más historias similares en películas comerciales por esta misma razón. De cierta manera, estas características deben estar presentes tanto en el cine como en las películas comerciales. Pero al mismo tiempo, debemos tratar de ser originales. Esta es la razón por la que en el cine tratan de romper las reglas. Pero romper las estructuras en sí mismo no significa que vayas a ser bueno. Tenemos que hacerlo creativamente. Para tener éxito. Pero esta no es la única característica importante del cine indi, experimental De hecho, este tipo de cine se puede encontrar en todas partes. No sólo en Europa, podemos encontrarla en Asia, América Latina y Estados Unidos en sí mismo. En este sentido, muchas veces este tipo de cine trata de retratar un momento, un contenido, un tiempo, un acontecimiento histórico de época que es más importante que la historia en sí misma De hecho, hay una ola creciente en los últimos años de estrenos de este tipo de películas. Un ejemplo perfecto de lo que estoy hablando es la película de Roma. En esta película, la protagonista, el personaje principal, la chica de la limpieza, no tiene un objetivo importante a pesar de que quedó embarazada sin planear en la historia. Ya sabes, ella está tratando de resolver ese problema, pero su objetivo no es tan importante porque lo importante es retratar el contexto en el que vive El contexto donde se desarrolla la historia en ese contexto es la famosa tragedia que ocurrió en los años 70 en México, la Masacre de Corpus Christie Para el director, fue necesario retratar a México en los años 70 para que el espectador se sintiera como si estuviera presenciando lo que sucedió en México en ese momento La historia misma, el personaje, es el pretexto para elaborar ese tipo de historias, ese tipo de películas Podríamos compararlos con las pinturas barrocas de pista, o donde había algunos personajes pequeños, pero simplemente había un pretexto para retratar un hermoso paisaje Por otro lado, en el cine comercial, esto no suele funcionar porque volviendo al caso de cuántas personas podrían ser generalmente tercet en el crimen masivo México Generalmente hay personas intelectuales, personas que vienen de un trasfondo diferente y que se interponen más que una estructura clásica de una película Pero revisemos esta estructura porque no es tan sencilla como parece. ¿Representa una estructura en el viaje del personaje? Nuestro personaje inicia una historia en un mundo donde hay una paz relativa. Este mundo se presenta en el primer acto, pero inmediatamente al inicio del primer acto, algo sucede en el mundo del personaje que sacude la vida del personaje Este personaje tiene que enfrentar esta situación para finalmente tomar una decisión que lo impulse hacia adelante. Esta decisión siempre será superar esa situación, ese conflicto que se le presentó al inicio de la historia. Una vez que toma esta decisión, el personaje entra en el segundo acto, donde parece que realmente la va a tomar. Esta es la primera parte del segundo acto se llama juegos finales, pero este segundo acto tiene un punto medio donde hay un obstáculo mayor e inesperado en ese momento. La fuerza antagonista de nuestra historia, que puede ser presentada y representada por otro personaje. Por ejemplo, tal vez un grupo de personajes, o un evento climático. Sea lo que sea, esa fuerza parece que logrará derrotar a nuestro personaje principal. Pero al final de este segundo acto, nuestro personaje vuelve a pensar profundamente y reúne las fortalezas para tomar otra decisión La decisión más importante en la historia que lo lleva al segundo punto de la trama de la estructura, toma esa decisión. Estamos en el tercer acto, que es esa resolución de la historia. Te recomiendo encarecidamente que veas películas de Alfonso Quaran porque logra crear tanto películas comerciales como indie Maneja ambos idiomas. Ya había comentado correr antes, pero también dirigió Gravity. Estas dos películas tenían idiomas completamente diferentes, pero representan exactamente lo que estoy tratando de explicarte. Además, es una prueba fiel de que puedes hacer películas extraordinarias usando cualquiera de estos dos idiomas. El ejemplo de la gravedad es el cine clásico de Hollywood. Perfecto porque el personaje principal es una chica astronauta inexperta que fue contratada por su capacidad para reparar satélites Cuando el cine protagoniza, todo parece normal. Parece que nada puede distorsionar esa tranquilidad de la misión El tipo de sensación de un buen primer acto, porque deberías sorprenderte mucho por cualquier cosa que ocurra después. Pero de pronto, una avalancha de escombros de un satélite ruso se dirige hacia su misión. Esto sacude por completo el mundo pacífico donde estaba. Ella lucha por sobrevivir con el capitán, pero llega el primer punto de la trama. Ella tiene que tomar la decisión de ir sola. A partir de ahí, podrá regresar. Ella no puede regresar. Sólo ella puede seguir adelante superando todos sus miedos por ser una astronauta inexperta En el punto medio, encuentra todo tipo de dificultades. Es algo más difícil, claro, hasta un momento en el que pierde la esperanza al final del segundo acto y resulta el módulo espacial, esto es justo antes del segundo punto de la trama, donde todo parece estar perdido, pero de repente vuelve a aparecer el tiempo de tapa, que es solo su imaginación, claro. Creo que también puedes ver la película, para ver esto. Pero este sueño la impulsa a tomar otra decisión, a apagar el modelo espacial Nuevamente, la sombra espacial. Esta decisión es el segundo punto de sangre de la historia que nos lleva a la resolución de la película. La forma en que te lo estoy diciendo, parece muy fácil. Pero lo que es realmente difícil es adaptar cualquier historia a la estructura para que nos sorprenda cada vez que vemos la película. También podrías combinar estos dos idiomas para moverte y sorprender al público. Ya sabes, es una forma muy creativa. Desde mi punto de vista, estos dos idiomas son ambos comerciales. Porque una vez que haces el contrato social de pedirle dinero a la gente por un boleto, me refiero a vender el boleto, viendo tu película, el público espera ver algo a cambio. Quieren sentir algo a cambio de esa cantidad de dinero. En el caso de películas más independientes y experimentales, es una especie de industria apoyada por la clase social media y alta que suele consumir este tipo de películas. Por supuesto, el cine tradicional y clásico tendrá mucha más audiencia pública porque es visto por todo tipo de personas. Es importante estar al tanto de estos dos mundos, sobre todo cuando estamos empezando a hacer películas para no perder tiempo y dinero. Esta capacidad de adaptación es lo que nos hará mucho más exitosos, cualquier aspecto de la vida misma. Como te dije antes, es necesario deshacernos de los prejuicios para ser más creativos, y sobre todo, convertirnos en productores desde el mismo momento en que estamos creando una idea. Estas son disertaciones de escuelas de cine muy comunes. Si planeas meterte en uno, necesitas conocer todo esto antes de abordar tu primer proyecto cinematográfico. Por otro lado, uno de los retos que solemos tomar cuando empezamos a hacer películas es el cortometraje. Todo lo que te había explicado anteriormente se basa en poder acercar el cortometraje de la manera correcta. De la manera adecuada. El cortometraje tiene varias funciones, varios objetivos. Por ejemplo, algo muy importante. Es imposible exprimir la futura historia cinematográfica en cortometraje de 15 minutos. Es imposible. Los seres humanos necesitan más tiempo para entender historias complejas. No obstante, puedes usar un cortometraje para ensayar con tu equipo de producción Por ejemplo, tu taco de producción. Es decir, todo lo necesario para llevar a cabo un rodaje profesional con mentiras y disfraces, y actores profesionales y todo el equipo técnico. Hay otra cosa muy importante que puedes probar con los cortometrajes. Uno que te ayudará a presumir realmente de tus futuros proyectos cinematográficos. Y esa es la construcción de un personaje. Porque el personaje va a ser el reflejo del público durante la historia. Para desarrollar este personaje y prepararlo para la escritura, debemos construir una hoja de trabajo del personaje donde vamos a escribir todas las creencias, características, rasgos, costumbres, miedos y secretos del personaje. Por otro lado, también hay una diferencia que dependerá del proyecto que vamos a hacer. Por ejemplo, si nuestro proyecto es una historia clásica y tradicional, cada una de las características de los personajes debe tener un propósito en la historia. Es decir, las posibles habilidades e incluso defectos que tiene nuestro personaje deben permitirle alcanzar los objetivos de la historia. Pero por otro lado, en una historia más experimental en la India, los rasgos de los personajes no están necesariamente conectados los objetivos de la historia porque forman parte del trasfondo de la historia. Por ejemplo, en la Roma romana las características, las creencias, seleccionan las características, las creencias, la etnia de la niña para representar su clase social, su contexto social. Y no están conectados en absoluto con su objetivo y la historia. Es decir, el personaje es parte del objetivo de retratar el entorno Escribir es un proceso muy largo de paciencia. Un director de cine no necesariamente tiene que ser guionista, sino que debe conocer el lenguaje para poder retratar adecuadamente lo que el guionista quiere Este es el final de esta lección, pero te esperaré en la siguiente, hasta la siguiente lección. 5. Página de guiones: En esta lección, vas a ver cómo se ve la página del guión Es importante tener en cuenta que cualquier página de cualquier guión, de cualquier producción audiovisual también se verá así. ¿Por dónde deberíamos empezar? Debemos comenzar entendiendo que una página de cualquier guión siempre representa 1 minuto de una película Este formato proviene originalmente del tiempo que suele tardar en leer una página de cualquier guión Pero no es una constante porque podría llevar más tiempo. Lo primero que hay que aprender al respecto son los encabezamientos de escena. Encabezados nos permite describir la revista en un lugar específico donde se desarrolla Acene Pero no sólo eso, sino también el momento en que está sucediendo la escena. El momento de un día es importante porque el equipo de producción sabe qué iluminación habrá en esa escena. El primer detalle que encontramos en el encabezado ASN comenzando de izquierda a derecha, será la información sobre la naturaleza del lugar donde se filmará la escena, en interiores o exteriores Con el agregado NT para interior y EXT para Lo siguiente sería un periodo justo después de ese periodo. Debes escribir la ubicación específica donde se lleva a cabo la escena. Después otro periodo justo después de ese periodo, debes escribir el lugar general. Luego otro periodo justo después de eso, debes escribir el momento del día. Puedes escribir de día o de noche, o amanecer o atardecer como desees. Son solo detalles de iluminación. Por otro lado, cuando se trata de escribir encabezados, si el personaje se mueve desde el espacio interior, exterior, debemos escribir la abreviatura INTS, ET, para indicar que nuestro personaje se mueve de esa manera, porque la escena tendrá tanto iluminaciones en porque la escena tendrá interiores Te digo esto porque hay localizaciones que tienen ambas iluminaciones. Como el cuadrilátero interior de un castillo, por ejemplo. Por otro lado, hay que recordar que un guión siempre está escrito en unidades de acción Cada oración representa una unidad de acción. Por ejemplo, Odio entra a la habitación, Odilia se sienta en el periodo de la silla Vodlio se come una manzana despacio, parada completa. Cada párrafo representa un conjunto de acciones que ocurren en un momento determinado. Es importante aprender a jugar con esas acciones, y lo que es más importante, se aprende a jugar con esos saltos de tiempo entre las acciones. Debido a que nos permite resumir un largo periodo de tiempo, se supone que debes resaltar y seleccionar las acciones más importantes de la historia Esta técnica se llama elipses. Al utilizar esta técnica correctamente, podrás resumir y filtrar una gran cantidad de información para que el público pueda entender mejor la historia Una base importante para conocer cómo funcionan las elipses es comprender la diferencia entre el tiempo diético y el tiempo no diético disis un narrativas espacio temporal Por ejemplo, si la historia trata sobre la biografía de una persona, un biopic por ejemplo, donde el personaje vive 50 años de vida El tiempo diético es de 50 años. Pero el tiempo no diético es el tiempo narrativo. Por ejemplo, las 2 horas que dura la película. Esta es la razón por la que usar elipses a la perfección nos va a permitir contar grandes historias en un corto periodo de tiempo Ejemplos de un excelente uso de esta técnica son las películas para escaneo, por ejemplo, Benjamin Button, escritas por Eric Growth. En ambas películas, se resume una gran cantidad de vida útil durante las dos o 3 horas que duran las películas Por otro lado, el nombre del personaje es demasiado importante. Intenta no cambiar el nombre del personaje mientras escribes. A veces cambiamos erróneamente el nombre de un personaje específico, que siempre debe ser el mismo a lo largo la historia desde el principio hasta el final A la hora de crear los diálogos, cada diálogo tiene un encabezado que es el nombre del personaje que está hablando Los nombres siempre están en mayúscula y centrados. Adicionalmente, justo debajo del nombre del personaje entre paréntesis, debemos escribir la moción en la que el personaje está diciendo ese diálogo Eso es muy importante, pero presta atención a esto. A veces la voz de nuestro personaje está presente. Pero no estamos viendo a un personaje. Es decir, estamos escuchando su voz. Pero vemos a otro personaje en ese momento, o las cámaras se enfocan en un objeto o alguna vista, o algún paisaje. Cuando esto sucede, debes escribir junto al carácter el periodo de abreviatura, que significa pantalla, para indicar que la voz está ahí, pero el personaje no es visible en la pantalla en ese momento específico. Por otro lado, si estamos escuchando una voz en off, es decir la voz que no viene de un personaje mismo en la escena. Quiero decir, es un narrador, por ejemplo, o un personaje que narra algo. Debemos escribir junto al carácter encabezando la abreviatura entre paréntesis V periodo, que significa voz en off Mapa mental, yo no ego Cuando nosotros pro yo. otro lado, es importante señalar que también las transiciones entre las escenas se representan en el guión No es un detalle muy significativo porque durante la edición, los editores y directores suelen jugar mejor con las transiciones para mejorar el ritmo de la historia. No obstante, debería haber una guía para que las transiciones más importantes estén presentes en el guión En primer lugar, cuando pasamos de ACN a otro, se entiende que hay una transición entre ellos. Pero a veces necesitamos indicar que hay un corte a negro. Por ejemplo, en esos casos se debe escribir al final de la escena en una línea a la derecha. También podríamos escribir, por ejemplo, desvanecer o disolver para que el resultado coincida con el resolver dos, etcétera Adicionalmente y no menos importante, por supuesto, si las transiciones están al inicio de la escena, por ejemplo, un fade in, etcétera, deberían escribirse a la izquierda En términos generales, estos serían los elementos más importantes que debería tener cualquier guión para que esté debidamente escrito Pero debo confesar que cada escritor tiene su propio estilo. Por ejemplo, a veces los escritores agregan más detalles, como movimientos de cámara por ejemplo. Pero esto sólo está permitido si eres el director de tu propio guión Lo que siempre debes recordar es que tu guión debe estar escrito en imágenes Debes describir las imágenes y evitar frases poéticas. El guión es una herramienta de trabajo para que un equipo de producción cuente con una guía para desarrollar la historia solo usando el lenguaje cinematográfico Te veo en la siguiente lección. 6. Semiótica: Hola gente. En esta lección, vamos a hablar de semiótica Si hay algo que tenga que ver con dirección cinematográfica, es la semiótica semiótica es la ciencia que estudia el significado de las imágenes Las ideas dentro de una imagen. Los cineastas tienen que interpretar el guión. Para ello, se supone que el director de cine reúna tantos conceptos como sea posible relacionados con la historia, el estilo y el tema. Los elementos conceptuales más importantes de la historia deben incluirse en las imágenes. Cada escena, cada imagen, cada secuencia debe contener el concepto de la película en nuestra historia. Pero, ¿por dónde deberíamos empezar para poder cumplir con eso en el lenguaje audiovisual? Debemos comenzar con el concepto que viene de la pintura en el Renacimiento. Durante el Renacimiento, cuando todos esos grandes pintores que hoy conocemos comenzaron a emerger, pensaron en dos elementos fundamentales, carácter y el fondo. El concepto de suelo de la figura. Se podría resumir que el personaje y los antecedentes en ese momento estaban relacionados con el personaje y el contexto Un personaje en escena es exactamente lo mismo. Hay un personaje en un lugar o momento específico donde este personaje está haciendo acciones. En las pinturas barrocas y las pinturas renacentistas, siempre hubo uno o varios personajes que destacaban de otras cosas. Esta característica estaba tratando de contarnos una historia. Pero no sólo el personaje está contando la historia, sino que todo lo que le rodea, esas historias contadas a través de pinturas, fueron entendidas por el espectador debido a la cantidad de tiempo que el espectador pasaba contemplando la pintura Cuando invertimos el tiempo suficiente para contemplar una imagen, podemos descubrir cosas Entérate de lo que el autor trata de decirnos en el cine es exactamente lo mismo. Si le damos un marco suficiente tiempo en el corte final, podemos permitir que el espectador perciba cosas que quizás no se puedan ver a simple vista. Como directores de cine, siempre y cuando tengas la capacidad transmitir la mayor cantidad de información y la mejor calidad de información a la mente del espectador, la calidad de tu lenguaje audiovisual será mejor. No estoy diciendo que debas hacer fluir al espectador con información, pero debes tratar de manera creativa y artística y astuta para darle al espectador la información suficiente para entender y sentir tu historia profundamente darle al espectador la información suficiente para entender y sentir La imagen misma tiene la capacidad de tocar nuestras mentes directamente. Porque de hecho, los seres humanos piensan en imágenes, debemos tomarlo en cuenta porque dependiendo del contexto en el que ocurran los eventos o acciones de nuestra historia, la escena podría tener un significado completamente diferente. Esto es fundamental para poder contar las historias y transmitir emociones. Pero, ¿cuál sería el elemento más importante para entender los smoticos de la imagen con respecto al guión La dramática ironía. Esta es una herramienta obscena. Esta es una herramienta que el autor utiliza mientras escribe para que los espectadores sientan que tienen más información sobre lo que está sucediendo en la escena que los mismos personajes de la escena. Ese proceso genera emociones en el espectador, porque como espectadores, queremos saber cuál será la reacción del personaje cuando se entere de lo que realmente está sucediendo en esa escena Por ejemplo, en las películas de terror donde vemos que el protagonista se acerca al lugar que sabemos que será un gran peligro para él o ella. Otro ejemplo sería cuando la protagonista se acerca a una habitación donde algún fantasma lo está esperando o un asesino la está esperando. ¿Qué tiene que ver esto con la semiótica? Funciona bastante similar porque debemos hacer una pregunta, ¿cuánto sabe el espectador sobre el tema que está entrando a nuestro marco anymatic de signo Es decir, debido al conocimiento general que pueda tener el público, nuestro marco puede incluir en sus símbolos y signos información que esta audiencia ya tiene en mente. Este proceso de comunicación es fundamental porque como cineasta, debemos saber interpretar cuáles son los significantes que codifica nuestra sociedad o nuestro posible público para comunicarnos efectiva y poderosamente En estos términos, incluso la distribución de color de nuestra toma dan gran impacto al significado de nuestra escena y secuencias. Entonces me atrevería a decir que mayoría de los problemas relacionados con escritura de guiones no tienen nada que ver con las habilidades artísticas, sino con la capacidad de comunicarse adecuadamente con el público Siempre debemos hacernos una pregunta. ¿Funciona bien el proceso de comunicación entre el autor y el espectador? Los cortometrajes son muy útiles en este término, porque cuando somos directores asesorados, sobre todo en las escuelas de cine, tendemos a culpar al público por no poder entender nuestras películas, cuando en realidad no estamos siendo capaces de transmitir la información que queremos. Porque no estamos agregando suficiente información a las tomas, al fondo, a la dimensión sonora, y sobre todo, no estamos dando suficiente tiempo a cada fotograma. En el corte final, todo este entendimiento debe ser una prioridad para nosotros. Tomemos, por ejemplo, la plataforma cinematográfica. La historia de esta película no es lo más importante. De hecho, me atrevería a decir que incluso su final es excesivamente conceptual y vago Pero lo más importante atractivo de esta película, la metáfora, representa la plataforma en relación con la lucha de clases Esta lucha de clases está presente en el mundo occidental. Todos conocemos esta lucha, y todos nosotros, de una forma u otra, estamos afectados por esta lucha de clases. Es imposible no sentirnos identificados cuando vemos una plataforma que es un elevador cuyas letras representan a cada una de las clases sociales. Adicionalmente, también en el mundo del cine, me refiero a la plataforma, podemos despertar en cualquiera de los niveles, dejando la realidad de las diferentes clases sociales. Otro ejemplo perfecto sería la película Rom drama. Todos los que iban a verla, al menos en México, sabían de la existencia de la masacre en los años 70 Una masacre cuando más de 100 estudiantes fueron asesinados en una plaza por fuerzas vinculadas al estado Este es un trasfondo de la película. Como te dije en una lección anterior, la historia de la niña no es tan importante. Es lo más importante. Es el contenido en el momento histórico en el que vivía. Una de las cosas que destaca en esta película es que estos trágicos acontecimientos de los que estamos conscientes en la película. La propia protagonista no es consciente de la magnitud de lo que está sucediendo. Y es algo que describe también al personaje. Es su mentalidad y nivel educativo lo que hace consciente del protagonismo social que la rodea. Se trata de una ironía dramática que hace que la película sea artísticamente atractiva Todo esto forma parte del poder de la semiótica en una película, y debemos aprender a usarla para adquirir esa sensibilidad Por otro lado, también hay que conocer y recordar una cita de un gran filósofo de la comunicación, Marshall Mclichhan El medio es el mensaje. Esto quiere decir que la forma en que comunicamos los contenidos, la forma en que este contenido llega a la audiencia, supera el propio mensaje El cine está lleno de esto. A veces no importa cuán profundo sea nuestro mensaje, pero la forma en que transmitimos ese mensaje puede generar una comprensión más profunda en el espectador. Por ejemplo, ¿cuántas películas hoy hablan del mismo tema? ¿Cuántas películas hoy en día hablan de amor o valentía, o odio, o pasión, o venganza Son los recursos narrativos, poéticos y seméticos los que permitirán al espectador sentirse más profundamente conectado con el mensaje Decían muchos profesores de cine de mi universidad, ya se habían contado todas las historias y no había nada nuevo. Es completamente cierto. Lo único que cambiará es la forma en que contamos esas historias, ese punto de vista y cómo usamos esos recursos audiovisuales para contar la historia. Por otro lado, no bajo calificar ningún largometraje de película. La mayoría de los directores de John subestiman los recursos sonoros y musicales en el cine Y eso diría que son una parte esencial y fundamental del contenido del sistema semético cinematográfico Significado de todos los elementos de una película. Y todo en una película es decir algo desde las costumbres hasta el último fotograma del mandaje El Revenant es un ejemplo perfecto de lo que te estoy diciendo Esta película es una simple historia de venganza. La clásica historia de un personaje que quiere vengarse de alguien que mató a uno de sus familiares. Cuántas películas has visto que nos cuenten esa historia. Hay toda una cita de lista larga de Gladiator a las películas más comerciales y simples Pero lo cierto es que en el Revenant, su marco está elaborado como una conexión entre los seres humanos y el mundo natural, el entorno humano Y a pesar de todo lo que está pasando el personaje, el personaje se detiene por un momento para contemplar lo que le rodea, porque la naturaleza siempre tiene la oportunidad de sorprendernos. Esto es profundamente ecológico. Ya sabes, nos habla la explotación y abuso de los indígenas americanos. Esto es mucho más significativo e importante que el propio acto de venganza. De hecho, al final de la película, el personaje antagonista. Le dice al personaje principal. ¿Has recorrido todo este largo camino aquí solo por venganza? Esa frase le da sentido a toda la película? Le da valor a la película porque decimos whoa. Valió la pena porque pudimos contemplar profundamente tantas cosas en este largo viaje, todo el camino Esa es la razón por Alejander González fue galardonado con el Oscar a Mejor Director, porque de hecho, su historia es sumamente básica Yo diría desde un punto de vista que incluso es una debilidad de la película. Pero a pesar de todo lo que el director logró demostrar con su película que tiene la capacidad de convertir esa historia básica en algo extraordinario. Yo diría que la clave, el secreto es estar al tanto de cómo piensa la gente hoy en día. Quiero decir, ¿de qué habla la gente hoy? ¿Qué sufre la gente hoy en día? Es decir, la forma en que podríamos variar el punto de vista de cualquier historia que tengamos, pero tendremos que encontrar una mejor manera de comunicarnos con el público. Otro ejemplo perfecto de este proceso es la película La historia de María. Esta película nos da un punto de vista diferente sobre el matrimonio. Es decir, tantos panaderos están hablando de matrimonios imposibles. Amores imposibles con finales trágicos y románticos. Pero esta película simplifica todo a un contexto tan común como un proceso de divorcio, una pareja común No es sólo el proceso de divorcio, sino el proceso emocional por el que atraviesa la pareja durante el divorcio. E incluso el final de la película sorprende, porque a pesar de que queremos que todo se resuelva, finalmente se consuma el divorcio Esa fue una película muy exitosa. Todas las personas que habían pasado por un divorcio se sintieron completamente identificadas. Cualquiera podría decir que se hizo intencionalmente deliberado con fines comerciales Pero la diferencia es que el Director quería que la gente se relacionara con él. Y eso resultó en un gran beneficio comercial. Hizo algo profundo que es bueno, y como es bueno, es comercial. Por otro lado, podríamos hacer algo sencillo, efímero y flasheante que también podría ser comercial que quizá no quede en el corazón de las personas Es la capacidad de permanecer en la historia del arte, en la historia del cine, y también en nuestras memorias. Eso le da gran valor a las películas. O sea, incluso hay películas premiadas que no quedan en el corazón de la gente porque fueron premiadas por las circunstancias del momento. O sea, porque no había mejor película, pero a veces hay películas fantásticas que no se premian en absoluto, sino que tuvieron un gran contenido artístico y permanecen en el corazón de la gente para siempre. Al igual que Andy, pasó ese descanso, cien a la sombra, esguinces pequeña sonrisa en su rostro También es importante recordar que una de las principales características del cine independiente y experimental es que sus directores le dan mucho más tiempo a las tomas. Es decir, que el espectador contemple cada detalle de las tomas como si fueran pinturas que traten de darle una lectura más profunda sobre el contenido de las tomas. Pero sin embargo, trata de ser consciente de que a veces los disparos no significan nada. Los directores sólo están tratando presumir de ser inteligentes, por ejemplo. Pero a veces los disparos sí tienen elementos semióticos profundos que deben leerse con atención para percibir sensaciones más profundas Por otro lado, los comerciales también juegan con semiótica porque pretenden que el espectador se enamore lo más rápido posible para vender un producto o una idea Los mejores productores comerciales son expertos en la narración de cuentos en semiótica porque el éxito del negocio audiovisual se traduce directamente en Creo que hoy en día, los comerciales intentan enamorarnos cada vez más rápido Debido a que hoy en las redes sociales hay que ser muy rápido. Porque la carrera para controlar las mentes es masiva y continua. Por otro lado, debemos entender que cuando estamos contemplando una imagen, un disparo, hay una parte inconsciente de nuestra observación Eso es recibir información cuando quizás nos estamos concentrando en el personaje principal que forma parte del concepto go grand Y es necesario estar al tanto de esto constantemente si van a ser cineastas Hay buenos ejemplos de esto en el cine. La película Parásitos es un ejemplo increíble porque hay varios elementos en el fondo de la película. Quiero decir, por ejemplo, en las locaciones, en las características de donde viven las familias. Esos detalles nos están contando sobre las clases sociales en la historia. Por ejemplo, la familia pobre vive bajo el nivel del suelo mientras que la familia rica vive en las colinas. Adicionalmente, al final de la historia, el padre de la familia pobre queda atrapado en los sótanos de las casas, por ejemplo Estas cosas nos están contando sobre el concepto de la historia así como hasta el clima lluvioso en las etapas más trágicas de la historia. Todo esto se trata de semiótica. Y es un proceso de aprendizaje lento que requiere cometer errores y preguntarnos sobre el contenido de nuestras películas, nuestros cortometrajes, y cada una de las piezas audivisales, sin importar el género que tengan Mi mayor consejo es que llenes tu mente con diferentes lenguajes artísticos. Pintura, teatro, música, poesía, literatura, porque de hecho, el cine y las películas incluyen todos estos recursos. El séptimo arte es básicamente la Unión Estética, casi todas las formas de arte conocidas antes del cine H El cine no es solo imágenes en movimiento, es mucho más que eso. Está lleno de conceptos muy profundos que van más allá de saber operar una cámara o cualquier elemento técnico de producción. Intenta poner todo esto en práctica. Intenta llenar tu vida de arte. De esta manera no tendrías que hacer un esfuerzo a la hora crear una toma con profundo significado para tu historia. Te veo en la siguiente lección. 7. La escena: Hola gente. En esta lección, vamos a hablar de la escena. ¿Qué es una escena? Una escena es un conjunto de acciones estéticamente ordenadas que tienen como objetivo narrar una parte específica de la Por lo tanto, desde el punto de vista de la producción y el punto de vista director es el evento central de producción en el que el guión es una estructura Pero a la hora de escribir guiones, esto es bastante diferente ¿Cuáles son los tipos de escenas hora de escribir guiones Hay tres tipos de escenas, principalmente las cuales pueden estar entre sí. Las escenas de acción, las escenas de reacción y los esenios descriptivos. Empecemos con las escenas de acción. Esto no tiene nada que ver con efectos especiales o complicadas coreografías de lucha Por ejemplo, estamos hablando del guion. Las escenas de acción son aquellas escenas en las que el personaje llega a un lugar, por ejemplo, con un objetivo en mente. Este personaje logra completar nuestro objetivo. O no tan simple como eso. Obviamente, esto va a generar una consecuencia, una secuela en la historia Por otro lado, las escenas descriptivas bastante diferentes. El único objetivo que tiene esta escena es representar el contexto en el que vive nuestro personaje O el entorno en el que vive, en el que suceden los acontecimientos de la historia. Pero siempre hay un objetivo directo o indirecto, ignorante a nuestro sentido Por ejemplo, a veces nuestro personaje está contemplando un evento o un hecho que la acción suele cambiar la mente del personaje para seguir avanzando en la historia Es decir, que siempre está generando una secuela que ayude a que la historia avance Por otro lado, las escenas de reacción son bastante similares a las escenas de acción. La única diferencia es que nuestro personaje va a llegar a un lugar y algo le sucede a él o ella, que va a producir una reacción en este personaje. Esto obviamente generará una secuela y cambiará la historia o la hará avanzar también Yo básicamente la diferencia entre las escenas de acción y el sentido de reacción es que en el caso de los pecados de reacción, los eventos de las escenas serán generados por un elemento externo al personaje. No obstante, todo esto tiene un borde delgado en el que se separan o mezclan los dos tipos de escenas. Por ejemplo, un personaje podría acercarse a un lugar con un objetivo en mente, pero le sucede algo totalmente inesperado que obviamente cambia el objetivo del, el objetivo de la escena. Intenta usar esto creativamente para revelar la historia, los eventos. Veamos otro ejemplo. Imagínese esta situación. Estás regresando a tu casa para que se ajuste a tu espalda, por ejemplo. Y lograste conseguirlo y continúas con tu día. Esa sería una escena de acción. Pero la reacción, un seno con estas escenas de acción sería que, por ejemplo, estás volviendo a tu casa a buscar tu bolsa Pero sucede que frente a tu casa, dos ladrones te asaltan y los luchas y te dan una Tus acciones surgirán de la acción generada por otra persona. Teniendo esto en cuenta todo lo que mencioné antes, es importante saber que podemos mezclar los tipos de sentido porque los elementos descriptivos también podrían mezclarse con otro tipo de sentido. Es decir, la reacción de los pecados y la acción de los pecados, mejorando así la cualidad semiótica de nuestro lenguaje cinematográfico Por ejemplo, al agregar algo descriptivo al principio cualquier escena, podemos resumir información que tal vez necesitaría para una escena extra en el rodaje Además, si hay algo que nos haga grandes cineastas y escritores, es tener la capacidad de describir cosas realmente profundas en el encuadre No basta con mostrar a un personaje haciendo una acción. Hay tantos detalles que pueden ser escena. Por eso hay escenas que son tan descriptivas y tan atractivas que olvidamos por completo lo que el personaje podría estar haciendo en ese lugar. Lo que está pasando es que el lugar y lo que estamos viendo es tan poderoso que nos sentimos completamente abrumados A veces hay momentos aislados en la historia, en las escenas, incluso en una sola toma, pero llevan nuestra historia al siguiente nivel. Por otro lado, hay otro elemento muy importante en la construcción de escenas, el movimiento. El movimiento es un principio que Kurosawa descubrió. Está estrechamente relacionado con el concepto de suelo fugal. Debido al fenómeno psicológico de los seres humanos previamente estudiados. A lo largo de la historia del cine, se demostró que cuando la gente está viendo una película, no puede soportar ver en una pantalla durante un largo periodo de tiempo. Personajes que están en el mismo estado de descanso en el que la gente está viendo una película, me refiero al proceso de contemplación necesita descansar Tranquilidad. Pero necesitamos que siempre haya movimiento en las imágenes. Esta es la razón por la que. Siempre en las buenas películas, aunque solo estén hablando dos personajes, siempre hay una coreografía de movimientos donde los actores están, por ejemplo, levantándose, Tal vez solo están caminando la calle fumando un cigarrillo o almorzando Los personajes están haciendo cualquier cosa para que el público se sienta cómodo mientras estaban viendo una escena real, un momento real. De hecho, un personaje fumando es tan común que es casi un lugar común en el caso de Ursa, creó la sensación a través del fondo en las escenas Por ejemplo, crearía una conversación donde hubiera lluvia al fondo o tal vez un río fluyendo de fondo. Los actores no tuvieron que hacer ninguna coreografía para agregar movimiento a las escenas Entonces es un principio muy básico. Esta es la razón por la que a las grandes audiencias les encantan las películas de acción y los efectos especiales. El movimiento es muy atractivo a los ojos del espectador. Esto no quiere decir que debamos deliberar, llevar a acciones innecesarias para respetar esa regla Es nuestra tarea que estas acciones estén completamente justificadas y naturales para que el espectador se sienta cómodo con ellas. Por otro lado, en reglas generales, ASN suele tener un clásico en estructura similar a la de una historia completa ya que muchos de ellos tenían objetivos claros Por lo tanto, tuvieron un comienzo, un enfrentamiento, y un final una resolución. Debe recordarlo en el guión. Las escenas se cuentan con energías que narran la acción siempre está en el presente Es importante prestar atención al punto de vista de la escena. Me refiero a hacer sentir al espectador que está viendo el punto de vista del personaje que está liderando la historia. Es decir, es un error común porque a veces un mal punto de vista lleva a un malentendido Porque no damos suficiente tiempo a las tomas de la cara del personaje en sobre todo cuando este personaje está contemplando los eventos de la escena Esto debe ser detallado en el guión para que no cause confusión o dispersión en el espectador Recapitular el guión es una cadena de eventos que son desde el punto de vista de alguien importante para la historia Por otro lado, cuando estés rodando las escenas, no olvides la importancia de iluminación en el aspecto visual. Los detalles visuales, debemos preguntarnos, ¿cuáles son los colores que evocan nuestro sentido ¿Nuestra escena es feliz? ¿Es trágico? ¿Es informativo? ¿Cuál es la sensación que quieres generar en el espectador? Debemos prestar mucha atención a esto porque podemos contradecir el objetivo de la escena con una iluminación inapropiada iluminación tiene la capacidad de estropear todo extraordinario trabajo de actuación. La iluminación generará una atmósfera que incluso mejorará el desempeño del actor. Es decir, actuar es un trabajo muy difícil. Requiere mucha concentración, y durante un tiroteo, hay demasiados elementos que distraen Tenemos que hacer todo lo posible para mejorar esa concentración. Pero no sólo eso, sino que mientras practicas y escribes las escenas y las capas, las disparas y haces el corte final, te darás cuenta que muchas veces las escenas no fueron malas sino la iluminación, porque desde mi punto de vista, iluminación es una herramienta que debe considerarse muy momento en que escribimos una historia. No obstante, recuerda que como directores de cine, podemos variar la iluminación de Sen para mejorar el poder narrativo. De la misma manera que la iluminación, los colores son importantes y están estrechamente relacionados con la iluminación. Por lo tanto, para las audiencias globales, hay una interpretación global sobre el significado de los colores. Por ejemplo, los semáforos son los mismos en todo el mundo. Los efectos de estos tres colores han sido analizados científicamente Lo que quiero decir es que debemos tratar de usar el color como un lenguaje universal que nos ayude a comunicarnos emocionalmente con el público. Por otro lado, también está el lenguaje sonoro que funciona como una cuarta dimensión para el espectador. Recuerda que las audiencias están percibiendo todo a través sus sentidos y todo se está procesando a través de sus mentes El diseño sonoro es una capa más de información. Debemos tratar de dominarlo para involucrar al espectador en el ambiente cinematográfico y las sensaciones que se van a experimentar durante la película. Esto no sólo es como directores de cine, sino también como escritores de cine. Debemos agregar el elemento sonoro como medio cinematográfico para contar las historias Te voy a dar un ejemplo. Supongamos que nuestro guión nos está diciendo esto. Un soldado muy cansado camina en medio del cuerpo. El soldado se encuentra con cadáveres de los otros soldados. Mientras camina, el soldado ve el cadáver de una mujer indígena y luego se da la vuelta y ve otra mujer indígena llorando a lo lejos Bien, esta podría ser nuestra escena, pero tenemos la opción de sustituir imágenes por sonidos, imágenes como la mujer llorando en la distancia, por ejemplo. Vamos a echarle un vistazo. ¿Te diste cuenta de cómo puedes ignorar una imagen visual en el guión y reemplazarla por una imagen sonora Este es el arte de hacer cine. El guión decía que había una mujer llorando a lo lejos De hecho, la mujer que llora está ahí. Pero no la vemos en la pantalla, pero la estamos escuchando a lo lejos, dándole aún más misterio y profundidad a la historia, a la escena. Este es tu trabajo como director de cine. Como cineasta, te recomiendo encarecidamente que no esperes un rodaje para llegar a ese tipo de ideas Obviamente, estas ideas podrían surgir en los días previos al rodaje, Pero realmente sugiero que empecemos a imaginar entonces, al momento de escribir el guión, o al momento de la lectura general del guión antes del rodaje, vamos a ver otra escena con el mismo personaje, toda una secuencia en la que este personaje el objetivo de revelarle a su padre la razón por la que salió de la casa. Es una escena bastante larga. Vamos a echarle un vistazo. Poco mira Dios los Paocai A almacena vitamina. Sí, soy pres ganar. puedes aterrizar Tao Me Papa Matt Yeboa Cuando juro E. Pedro Yo noto las diferentes sensaciones en la escena. la mayoría de las cosas que he mencionado hasta ahora que deberían estar muestran la mayoría de las cosas que he mencionado hasta ahora que deberían estar en escena. En ese ejemplo. Los personajes se mueven mientras están hablando de mesa. Uno de ellos se levanta de la silla, por ejemplo, y luego hay una voz que parece estar diciéndonos algo directamente a nosotros. Pero en realidad es decirle esto a su padre durante toda la escena. El sonido es muy importante en ese ejemplo, pero lo veremos más adelante en otra lección referente a las bandas sonoras. Intenta recordar el color, el movimiento, los objetivos de los personajes, los muy pocos buenos conceptos de terreno que viste anteriormente. Por ejemplo, hay películas que incluso tenían historias confusas, que no hay del todo un objetivo claro, una meta clara, pero hay escenas que son lo suficientemente consistentes como para dar atención a los espectadores y dejarnos pensando en cosas profundas. Escenas que nos invitan a hacernos preguntas sobre nuestras vidas, sobre nuestras situaciones cotidianas, ese tipo de escenas, incluso desde el punto de vista de otra época. Escenas que conectan cosas profundas a través de los elementos semióticos Por escrito, trata de hacer tus propias preguntas. ¿La micina es una escena de acción? ¿Mi seno es una reacción? ¿Una escena es descriptiva? Necesitarás estas preguntas. A la hora de escribir. Pon todo esto en práctica, y te veo en la siguiente lección. 8. El equipo de producción: El equipo de producción. El equipo de producción es el ejército que vamos a comandar para llevar a cabo nuestro proyecto cinematográfico. Para llevar a cabo cada etapa de un proyecto cinematográfico. Pero, ¿cuál es la base de este equipo? ¿Cuál es el eje? ¿La columna central de este equipo? Todo empieza con el productor. El productor es el encargado de nuestro proyecto cinematográfico. Un proyecto en sí no debe ser diferente de construir una casa, dirigir un negocio, iniciar una empresa, etcétera De hecho, la mayoría de los problemas relativos a la producción ocurren porque no somos conscientes de que la producción es bastante similar a esos ejemplos que mencioné antes. Pero, ¿quién es el productor? El productor es un administrador manager, quien supervisa todas las etapas de un proyecto cinematográfico con el objetivo de convertir la idea inicial en la película Eso significa que dependiendo de las necesidades de nuestro proyecto, el productor tiene que involucrarse incluso en las etapas iniciales de la investigación sobre el tema que tendrá nuestra película. También los castings, las ubicaciones que el guión necesita, toda la logística de los Es decir, todo lo que necesites para que el rodaje se lleve a cabo con éxito debe ser gestionado por el productor. Y sobre todo, la correcta administración del presupuesto cinematográfico para que se cumplan todas las etapas. Todas las etapas deben estar completas desde la idea inicial hasta el momento de la distribución cinematográfica. El éxito de un productor es terminar la película con los objetivos que se plantearon desde el principio. Por lo tanto, desde mi punto de vista, el productor no es lo más importante, es al menos uno de los gerentes más importantes en el proyecto cinematográfico. Muchas veces los directores son sus propios productores. Es importante asumir esta responsabilidad desde el principio, sobre esta responsabilidad desde el principio, todo porque el productor también está involucrado en cómo vender la historia del proyecto a un ejemplo de compañía cinematográfica. Por otro lado, las personas más ricas la industria cinematográfica son los productores Porque ellos son los que tienen la previsión de analizar qué película podría estar solicitando el público y luego desarrollar proyectos cinematográficos basados en eso Es importante saber que como directores de John, John cineastas que están iniciando su carrera cinematográfica Debemos aprender a tomar cada uno de los diferentes roles que conforman la construcción de una película por encima de Ble. Porque en el caso del cine independiente, generalmente se financia con dos fuentes principales. Primero, la autofinanciación. Recaudarás el dinero para tu primer cortometraje y por lo tanto tendrás que administrar tus Bud Jets para que el dinero pueda cubrir todos los objetivos del proyecto. Segundo, programa de financiamiento. Programas de financiamiento, que son un tipo de instituciones privadas o estatales que otorgan fondos para financiar productos cinematográficos no comerciales Por otro lado, los productores no trabajan solos. Cuentan con asistentes de producción que se encargan de realizar las diferentes tareas que pueda tener el productor. Teniendo en cuenta todo esto, el productor tiene muchas responsabilidades. Por lo tanto, necesitará completar muchas tareas que serán delegadas a esos productores. Significa que podemos tener tantos asistentes como queramos. Todo depende del presupuesto de nuestro proyecto cinematográfico. El siguiente en la lista es el subdirector. El asistente de dirección es la mano derecha del director de cine, pero no en el sentido creativo. Creo que casi todos, cuando empezamos a escuchar sobre los subdirectores, pensamos que esto debe ser bastante similar al trabajo del director. Pero de hecho no lo es. Por eso terminamos algo frustrados. Subdirector básicamente realizan tareas de facilitación, el director de cine no debe hacer eso. El director tiene su mente enfocada únicamente en la creación artística. Pero yo diría que la tarea principal del subdirector es administrar el tiempo durante el tiroteo. El AD debe tener una lista de todas las escenas que hay que filmar. Por ejemplo, en un día que sólo tiene 4 horas. El AD debe garantizar que todas esas escenas sean filmadas en ese tiempo. Para astillas eso, debe manejar el tiempo, incluido el tiempo que la tripulación pasará comiendo o tomando un refrigerio. Otro aspecto que está en manos del subdirector es la disciplina del equipo de filmación. No se puede imaginar lo importante que es porque los equipos de producción están formados por personas que tienen problemas de necesidades personales, personas que están compartiendo con otros, y que también pueden distraerse No quiero decir que el AD deba ser una especie de policía, pero ella o él debe tratar de que todos los equipos centren en la escena y supervisen que están llevando a cabo su tarea De hecho, quien dice acción en tiroteo es el AD. El resto de los subdirectores, que pueden ser uno o dos más, están realizando todas las tareas logísticas que facilitan el trabajo del director. El siguiente en la lista es el guión. Este es el que tiene la responsabilidad de hacer una lista. Y manteniendo un orden de todas las escenas que se han grabado durante el rodaje, destacando cualquier eventualidad que haya ocurrido durante el rodaje de la escena Por ejemplo, si la escena era realmente buena guión debería escribirla Si había algo mal en la escena, el guión también debería escribirlo. En general, las reglas mantienen el orden de cada escena para que durante la edición, ese sea el montaje de la película El editor puede identificar cada uno de los archivos que están en el disco de memoria, conociendo cada uno de ellos para usarlos o no, ¿cuáles fueron las tomas más importantes del rodaje? Básicamente, el guión está estrechamente relacionado con el trabajo del AD porque tiene que ver con el control del tiroteo. Es muy importante que el guión tome orden de todas las contingencias que puedan aparecer en el tiroteo Es decir, por ejemplo, si el director pasa a cambiar algo en el guión a última hora, por ejemplo, el guión debería escribirlo. Porque posiblemente ese cambio genere cambios en el futuro. Ya que, me refiero a un detalle que se ha cambiado en la historia o un guión debería, podría afectar el futuro de la historia El cargador de claquetas es el que lleva la tabla de chapeado El tablero de chapaleta es una herramienta que nos permite identificar la escena dentro del marco al inicio del hot En general, las demandas del tablero chapeado incluyen la siguiente información El nombre del disco de memoria, el número o nombre de la escena y el número de toma. Porque debes saber que la escena se puede repetir varias veces. Por muchas razones, el editor debe reconocer visualmente la información de toma en el software de edición. Obviamente, una de las principales razones por las la placa chapaleta es útil se debe a que hay que sincronizar el sonido con la imagen en los proyectos de fricción que el calor generado por el palo superior en la tablilla nos permite saber en qué punto sincronizar el audio y el video en el software de edición Es decir, desde el audio y el video, a menudo se graba en diferentes dispositivos. En cada departamento, existen otros roles cuya función es facilitar el trabajo del operador principal. En el caso de la iluminación, hay algunos especializados, como Gaffer y el técnico jefe de iluminación, quienes, por ejemplo, se encargan de medir exactamente la luz que se debe aplicar en la escena Conoce exactamente el poder de cada lámpara para generar cierta iluminación por parte básicamente de su asistente del director de fotografía, por ejemplo. En reglas generales, la diferencia entre una producción de bajo costo y alto costo es precisamente ese número de asistentes en el equipo. Porque la verdad es que mientras el director de cada departamento está más enfocado en la parte creativa que en la resolución de problemas operativos, el resultado en calidad será mejor. Hay casos como el Director Mexicano de Fotografía Emmanuel Luveski, quien está acostumbrado a operar en la cámara porque esto es prueba de que proviene de una formación donde aprende cada parte del proceso Así que no tengas miedo de asumir múltiples roles en un proyecto de bajo presupuesto. Por otro lado, la dirección de arte es ese departamento que asegura que todos los elementos que se encuentran dentro de la escena, por ejemplo, el escenografía, los disfraces, los apoyos, todos estos elementos deben estar conectados con la historia Todos esos elementos deberían decirnos tanto como el guión Aquellos elementos que están en escenografía deben tener cualidades en términos de una estructura de color, semiótica también Para que esas desesperadas escenas de V que mencioné antes cumplan con sus objetivos. Obviamente, es un esfuerzo conjunto entre el director de la película y el director de arte, y deben recorrer el mismo camino que lleva a contar las historias a través de imágenes. El departamento de arte está estrechamente conectado y el departamento de señas, porque lo que los elementos semióticos que agregamos a las escenas son más caros, sobre todo y complejos Esto implicará un mayor costo para la película, mayor compensación. Por otro lado, también son importantes los técnicos de sonido , lo que no debe olvidarse porque el sonido debe grabarse adecuadamente en el rodaje siguiendo al menos que el equipo de catering sea el encargado de los detalles del pie Y lo más importante, trata de no pensar que los productores son los encargados de resolver los problemas de los pies. Es un error amateur. Otro departamento importante que está conectado con el equipo de producción es el diseño de vestuario, el departamento de vestuario. Este departamento también está bastante conectado con el equipo de arte, ya que es el departamento de arte y el director y creativos visuales quienes eligen los colores que puedan tener los disfraces, pero el diseñador de vestuario es quien los hace. También hay un supervisor de caída de guerra que se encarga de cuidar los disfraces durante el tiroteo. Pero en la mayoría de los tiroteos, este supervisor de caída de barrio se encuentra entre los asistentes del equipo de maquillaje Es importante que siempre se deleguen suficientes personas para este tipo de trabajo. A veces son tareas muy sencillas, pero se delegan. Personas que están realizando trabajos creativos en el rodaje y eso es un problema. Esto es perjudicial para la calidad de la producción. Cuando se trata de administrar un equipo de producción, es necesario referenciar a las personas que harán el trabajo creativo y las que harán trabajo técnico Los primeros son los más importantes. El personal técnico debe asegurarse de que este trabajo creativo sea lo mejor posible. Si bien una sola persona puede estar cargo de varias tareas durante las etapas de producción, debes combinar bien esta tarea, por ejemplo, sabes que el proceso de producción tiene diferentes etapas. Por ejemplo, el director de arte puede estar trabajando con el departamento de arte antes del rodaje. El director de cine debe estar trabajando con todos los departamentos de la película, etcétera, Pero en el set funciona de manera diferente Por ejemplo, puedo dirigir y ser actor a la vez en el set. No encuentro ningún problema con eso, porque esas tareas son artísticas y creativas, pero están conectadas. Pero en realidad, no puedo ser director y gerente de producción al mismo tiempo. Porque la escalera va a tener que resolver muchos problemas en el set. Debes tener un gran productor al principio. Este mismo productor puede ser el jefe de una producción y también a esta persona le debe encantar ser y gerente. Es decir, un productor debe conocer sobre Excel Software Administration, y este productor debe tener habilidades de networking para interactuar con personas que puedan llevar a cabo nuestro proyecto cinematográfico. Yo diría que la parte artística de la producción es tener la capacidad visualizar una idea y saber si esta idea merece la pena. Por último, el director de cine. El director de cine es el manager creativo que va a llevar a cabo la parte creativa de hacer una película. Los directores deben conocer muy bien cada departamento del equipo de producción. Un buen director de cine debe saberlo todo. Música Cinematografía, historia, redacción de noticias. Cuantos más conocimientos tengas, más habilidad tendrás para comunicarte con los demás gestores creativos de tu proyecto. Además, podrás transmitir cualquier cosa al público a través del lenguaje cinematográfico Los directores también deben obtener la capacidad de tener una gran visión creativa de la película no es sólo la parte visual. Comento que la canción es muy importante, es el 50% del lenguaje cinematográfico Por otro lado, uno de mis mejores consejos es que los directores se involucren mayormente en el proceso de redacción. Guión, en la construcción de la historia. Es importante tener algo que decir como director, para generar en voz sobre estilo. Realmente vale la pena dirigir historias que están involucradas con nuestras vidas, porque solo así tendrás la capacidad de imaginar mejor una película. Aunque dirigir el guión de otra persona también puede ser extraordinario. Debemos tener nuestra propia voz hora de generar nuestro punto de vista. Es decir, los directores más grandes la historia del cine tienen la capacidad de escribir las historias porque conocen muy bien el idioma. Esa es la diferencia entre cine de autor y el cine tradicional, pero independientemente de si está hecho o Hollywood o no. Independientemente de si se trata una película de efectos especiales o no, o de una historia de superhéroes o no El director se involucra con el proceso de escritura y agrega una visión única de su narración Por otro lado, el conocimiento no debe ser limitante para los cineastas Siempre deben estar dispuestos a aprender día tras día. Intenta ver todo tipo de películas, podrás aprender de todas ellas. En todas ellas, puedes encontrar valiosas herramientas que te ayudan a construir tu propio lenguaje. Adicionalmente, tener conocimiento de diferentes departamentos te permitirá proteger el proyecto cinematográfico. Porque podrás saber si lo que el director de arte o está diciendo el director de arte o diseñador de sonido es cierto o no. Te voy a dar un ejemplo. Hace algún tiempo estaba trabajando en un rodaje como asistente de sonido, pero no era ese tiroteo profesional. Ya sabes, le estaba haciendo un favor a una amiga que estaba estudiando directora, Ella no sabía ni subestimaba el conocimiento que tenía sobre sonar tiroteos No la culpo en absoluto porque eso es parte del proceso de aprendizaje. Pero esto te puede pasar es probable que te suceda a ti. Lo que pasó fue que al insertar una escena, tuvimos que grabar el sonido de una conversación. Yo sostenía el micrófono con su respectivo palo de extensión, así de esta manera, pero ella nunca había visto eso. El caso es que lo estaba haciendo de esa manera porque estábamos usando un micro unidireccional Por lo tanto, yo sostenía el micro de abajo hacia arriba de esta manera para señalar a la boca del personaje. La voz se estaba grabando correctamente. En ese momento, lo sabía porque tenía experiencia con los micrófonos, porque había trabajado con ellos toda mi vida, no sólo en los estudios de filmación sino también de grabación musical, donde vi cómo el ingeniero de sonido los usaba para grabar el sonido de la batería Por ejemplo, cuando ibas a grabar ahí una batería, deberías colocar los micrófonos en diferentes posiciones para capturar el sonido de cada parte de la batería En el caso de los símbolos de tambor, debes colocarlos en la parte superior porque están en la parte superior. Pero de todos modos, en el rodaje, estaba posicionando este micrófono unidireccional hacia la boca del personaje, en esta posición de abajo hacia arriba Pero la directora se sintió completamente confundida porque sólo había visto en las fotos de los tiroteos que asistente de sonido le puso el micrófono de un bot Esto fue un gran problema para ella porque me obligó a cambiar mi posición solo para hacerla sentir segura en esa foto que estás viendo. En este momento, el asistente de sonido está utilizando un micrófono omnidireccional Es decir, que este micrófono tiene la capacidad de capturar generalmente el sonido del espacio tridimensional frente a ti. Esa es la única manera de colocar ese tipo de micrófonos lo más cerca de las caras y no aparecer en el encuadre Pero ese director no se dio cuenta. Ella cometió el error de darme las instrucciones equivocadas. El sonido fue, o se grabó manera inapropiada por la falta de conocimiento sobre este tema Por eso enfatizo que es mejor investigar, tener curiosidad por cada departamento para tomar las decisiones correctas durante el rodaje, durante todas las etapas del proyecto cinematográfico. Pero vamos a ver todo esto para que puedas tener un mapa de ruta a seguir en esta hermosa carrera de convertirte en directores de cine y poder llevar a cabo cualquier tipo de proyecto cinematográfico. Te veo en la siguiente lección. 9. Tomas y lentes: Los tipos de tomas de cámara y el uso de lentes. Este tema es realmente interesante porque comienza con una gran pregunta. Una pregunta que siempre me hago porque es una duda permanente a la hora de disparar. Es el director de cine el que elige los tipos de lentes y set, o el director de fotografía o director de fotografía, si es el director de cine encargado de enmarcar, especialmente el encuadre que dará como resultado el equilibrio de la imagen ¿Por qué se le otorga al director de fotografía el crédito completo por la fotografía de dirección Obviamente, el director de fotografía o director de fotografía tiene la responsabilidad de asegurar el encuadre final de una toma, pero las ideas para esas tomas provienen del director de la película La tarea principal del director de fotografía es la iluminación de la película Pero en todo caso, lo que nos preocupa a esta lección es conocer cuáles son los aspectos formales que deben tener los planos para estar bien creados y dirigidos profesionalmente. Es importante saber que esta lección no va a ser la única lección que va a hablar sobre los elementos de las tomas en las lecciones de movimientos de cámara y movimientos dentro de las tomas. También vamos a hablar de cosas concernientes al equilibrio y los elementos de la composición, así como de elementos semióticos que ayudan a contar las historias Te invito a tratar siempre sentirte libre y abierto a la experimentación, a romper las reglas y a tratar desarrollar tu manera equivocada de hacer las cosas. Empecemos con un tiro largo. El objetivo de esta toma es presentar al personaje en un contexto. Con el fin de identificar este carácter en un espacio geográfico específico. Recuerda que este espacio puede decirnos cosas. En este tipo de tomas, es crucial que usemos el concepto de suelo de figuras porque habrá capas estériles que nos darán información sobre la historia y ese tipo de tomas. También está el tiro extremadamente blanco que es una versión más distante. En general, reglas, a este tipo de tomas se les da suficiente tiempo en la edición, en el corte final para que puedan leerse correctamente en detalle en la pantalla ya que los detalles se verán en un tamaño menor. Adicionalmente, podríamos tener dos o tres frases en nuestro guión que están representadas en un solo plano blanco Por lo tanto, el espectador debe tener tiempo suficiente para hacer la lectura correcta de la imagen. Otro disparo importante es el tiro completo. Su objetivo es enfocarse más en que el personaje realice alguna actividad que implique el movimiento del cuerpo, ya sea peleando o empacando una maleta, o caminando por una calle. El trasfondo también es importante en estas tomas para saber dónde está ocurriendo esta acción. Este personaje puede ser un animal, puede ser un auto, una persona, lo que sea. Hacer una acción en cantar, ese es el tiro completo. A diferencia de las tomas anteriores, nuestro personaje ocupa mucho espacio en el encuadre. Esta toma también es importante para retratar los encuentros entre personas en conversación Por ejemplo, la conversación desde un punto de vista general. Generalmente en la edición después de una gran toma general, solemos pasar a los tiros amables. Sin embargo, no es una regla en absoluto, pero es una buena manera para que el espectador haga una lectura fresca y cómoda de las secuencias e imágenes que están representando nuestro guión Estos disparos suelen ser muy llamativos, sobre todo cuando jugamos con elementos de perspectiva que nos permiten sentir la profundidad de un gran espacio con diferentes elementos en la distancia. El siguiente es The Cowboy Shot, que fue hecho para películas de vaqueros, los westerns, para mostrar a los personajes armas Aquí es donde el disparo es apto para poco por encima de las rodillas. Es un tiro medio, pero más cercano. Aquí podemos ver un ejemplo. Nuestro personaje es bastante cercano y podemos ver la expresión a través de su rostro y cuerpo. Obviamente no es algo exclusivo de las películas de vaqueros. Lo curioso de esta toma es que a pesar de que fue inventada para vaqueros que se quedaron quietos, a la espera de disparar Hoy en día, estos disparos casi siempre se combinan con el movimiento donde el hombre acerca o se aleja del personaje. El siguiente es el tiro medio. En esta toma, vamos a ver al personaje mucho más cerca de la cabeza de las caderas. Es muy similar al tiro vaquero. De hecho, hay directores que lo utilizan para el mismo tipo de escenas. Conversaciones por ejemplo. Pero es mucho más común ver el tiro mediano en las conversaciones que los tiros de vaquero. Es una toma expresiva. Su objetivo es ver la expresión del personaje, aunque no está enfocado en el rostro siguiendo la lista, también está el tiro medio de cerca que está un poco más cerca. La elección de estas tomas en la escena dependerá, en general, la importancia de la atención que un personaje en escena le dé a algo. Por ejemplo, cuando un personaje está escuchando atentamente el discurso de alguien. Este sentido, hay un primer plano también, que es el punto máximo de atención de un personaje. El fondo pierde total importancia. Por lo general, está fuera de foco porque estamos enfocados sólo en la fase que está atendiendo a algo. Esa fase puede ser contemplar un objeto en detalle, por supuesto, una conversación importante o algún intercambio de miradas Estas tomas deben tener una iluminación muy cuidada porque estamos trabajando en los instrumentos más valiosos para el acto. El ritmo que la iluminación puede ser perjudicial para la expresión del actor para tener mucho cuidado y la iluminación es adecuada para las características del actor, por ejemplo. Por otro lado, también está el extremo de cerca, que se centra sólo en los ojos para mostrar aún más atención. Esta toma también puede ser utilizada para objetos, por ejemplo, o cosas contempladas por alguien con todo detalle. Esos elementos importantes dentro de la historia que deben ser detallados. Por su importancia, es importante tener en cuenta que cuando, por ejemplo, debemos leer algo escrito para entender la historia, una toma debe estar lo suficientemente cerca y también debe ser lo suficientemente larga para leer la información correctamente, sin ninguna duda. O sea, para no llegar a un punto de la historia donde necesitamos haber sabido que al leer esa información, información previa seguramente era esencial para entender la sangre de la historia. Todas estas tomas son elegidas para el director. De hecho, muchos de los directores hacen una obra de cuento que son dibujos referenciales del tipo de toma que se filmará Otro aspecto importante es en qué ángulo y en qué ubicación estará la cámara. Ese es el punto de vista del disparo. El primer tipo de disparo con respecto al ángulo es el mismo disparo de vista. Un plano superior es desde muy alto, despreciando al personaje y una buena cantidad de esencias lo rodean o rodean aquí También puedes combinar este ángulo con los disparos anteriores. Quiero decir que pueden estar cerca o lejos. Recuerda que todo el conjunto de tiros anteriores tuvo que ver con el equilibrio y la forma del marco. Pero estos son con respecto al ángulo. La creatividad que puedas tener te ayudará a tener mejores resultados. Estas dos características siempre estarán presentes en todas nuestras tomas, y serán prácticamente la caligrafía visual que usarás para representar la historia del guión El siguiente es el disparo de ángulo alto. La cámara apunta hacia abajo a tu personaje. Por lo general, crea un sentimiento de inferioridad o menospreciando tu tema Aquí un ejemplo de una toma de ángulo alto de uno de mis cortometrajes. Debes tener en cuenta que también puedes usar diferentes tipos de encuadre Es decir, el disparo puede estar más cerca o más lejos incluso teniendo este tipo de ángulo. Este ángulo es muy común cuando queremos retratar a tu personaje en su querida habilidad También puedes usarlo para retratar momentos íntimos donde el personaje está aislado sin preocuparse por nada a su alrededor o por aquí El siguiente es el plano de ángulo bajo en cinematografía. Un disparo de ángulo bajo es un disparo colocado cualquier lugar por debajo de la línea del ojo apuntando hacia arriba Incluso puede estar por debajo de los pies del personaje, que se llama el tiro de ángulo extremo bajo, la misma manera que has visto con los ángulos anteriores. Puede ser un disparo de ángulo bajo cercano y también puede ser un disparo de ángulo bajo distante. Siempre dependerá de lo que quieras retratar dentro del marco Creo que una referencia básica para realizar tanto tiro de ángulo alto como bajo es tomar en cuenta el nivel de tu sí, tu horizonte, si tus ojos están arriba es el disparo de ángulo alto. Si están por debajo, es un disparo de ángulo bajo. Desde ese punto de vista es bastante sencillo. No hay ningún grado específico de ángulo que deba tener. Siéntase libre de aplicar su creatividad. Pero en reglas generales, suele ser un ángulo de 45 grados, tal vez un poco más o un poco menos, sin importar qué ángulo sea, siempre y cuando el espectador no se sienta incómodo al mirar la imagen. El siguiente en la lista es el tiro sobre el hombro, un disparo popular donde un personaje es capturado detrás del hombro de otro personaje. Puedes capturar a los personajes en cualquier lugar para un primer plano medio, por ejemplo, donde puedas ver el hombro, el cuello o la parte posterior de la cabeza del otro personaje. Sabes que el tipo de tomas son útiles para mostrar la reacción facial durante las conversaciones. Se tiende a poner más y un énfasis en una conexión entre dos altavoces. Estas tomas son el clásico de la conversación, sobre todo cuando queremos que el espectador se sienta como si fuéramos la persona que escuchaba al otro personaje de la escena. Pero lo más interesante de este tipo disparo es que también podría combinarse con un disparo completo. Por ejemplo, cuando vemos al otro personaje en la distancia, un personaje en la distancia. Pero vemos el contorno de la espalda de otro personaje que está contemplando ese personaje en la distancia Se puede jugar con todos los fotogramas posibles, tanto cerca como lejos. Tan pronto como represente la interacción entre dos personajes. También está la toma trasera, es simplemente la reposición de la cámara, agrega justo detrás de nuestro personaje Se suele utilizar para ver el punto de vista que tiene el personaje, pero incluyendo al personaje dentro del marco. Como puedes ver en ejemplos en la pantalla, he usado varias veces en mi cinematografía, permitiéndome mostrar todo y Ari frente al personaje Estas tomas están hechas para ser testigos y protagonistas junto con el personaje que está contemplando un lugar Pero también podría ser un personaje que se enfrenta a algo que es mucho más grande que él. Un reto. Por ejemplo, el plano de encuadre de perfil. Esto nos permite ver al personaje desde un solo lado. Generalmente se utiliza para ver al personaje durante un momento de contemplación. Por ejemplo, en esta toma, el personaje está mirando a la chica muerta en la roca. Pero con mucha atención, el tiro holandés, el tiro holandés es simplemente un disparo inclinado que en general tiene el propósito de generar desequilibrio en retratar escenas de acción Pero lo cierto es que no siempre es así. En ocasiones los directores utilizan esto sólo con fines estéticos. Es decir, para darle un toque diferente a la cinematografía de la película Era muy común en los 80 y 90 utilizar esta toma para mejorar la estética de las escenas y secuencias, para darle un toque sofisticado a la Recuerda que entre los estudiosos del cine, a veces surgen especulaciones sobre el lenguaje cinematográfico De hecho, este es uno de los principales defectos del cine independiente. O sea, a veces tratan de volcar las escenas y filman con conceptos artísticos que no son reales en la película Tienden a especular con ese disparo. Eso pasa mucho, por lo tanto debemos tener mucho cuidado al usarlo y no tratar de engañarnos a nosotros mismos y a los demás con esto No obstante, te invito a usarlo libremente, pero no menos importante el disparo frontal, que sería la forma en que me ves en este momento, totalmente frontal. Te voy a mostrar algunos ejemplos de todas estas tomas para verlas por unos segundos. Pero, ¿qué importancia tienen las lentes de cine en la construcción de una imagen cinematográfica ¿Qué son tan importantes? La mayoría de ustedes que están viendo este curso son personas que quieren aprender lo que está comenzando en el mundo audiovisual desde mi punto de vista. Una de las cosas más importantes que puedes aprender en este curso, en que incluso te servirá como herramienta en tu carrera cinematográfica, es saber que todas las lentes de cine distorsionan la imagen Todos ellos, el 90% transformará la imagen que estamos tratando de capturar con la cámara. La lente es un dispositivo. Se trata de un cristal que interpretará la luz que está pasando por él para proyectar una imagen sobre un sensor digital de la cámara. Pero, ¿por qué las lentes son tan importantes para el director de cine? Porque el tipo de lentes será elegido por el director. El director de fotografía también puede sugerir bombas e incluso tomar una decisión Pero es el director debe tener la última palabra. Otro detalle importante es que me había topado muchos creadores de video que realmente no saben lo que realmente hace que una imagen se vea genial. Te digo esto porque no puedo imaginar que muchos de ustedes estén pensando quizás en hacer alguna inversión en equipos de audio diesel, por ejemplo. Por lo tanto, vas a intentar elegir qué equipo comprar para lograr la mejor calidad al menor costo posible. Te puedo decir con confianza que lo que hace la imagen se vea genial es la lente. En realidad, puedes usar una cámara de hace diez años, pero si esa cámara tiene una lente completamente profesional, y cuando digo profesional, me refiero a que tal vez 100.000 dólares obtengan lentes Te aseguro que la imagen que deberías quedará perfecta. ¿Te puedo decir esto? ¿En caso de que tengas algún objeto para llevar a cabo tu proyecto cinematográfico? Tienes un buc jet prestando más atención a la lente que a la cámara Por supuesto, no es suficiente tener lentes increíbles. Debes saber cómo usarlos y cómo usarlos correctamente. Para lograrlo, debemos aprender el lenguaje de la percepción en el espacio y la pintura. La pintura realista es una gran fuente de inspiración y aprendizaje porque estas personas no tenían más herramientas que sentarse y observar cuidadosamente cómo la imagen se distorsiona en la visión humana a observar cuidadosamente cómo la imagen se distorsiona en la visión humana medida que nos acercamos y alejamos de los objetos Por ejemplo, si vas a hacer una gran toma general de un escapado lineal, por ejemplo. Podrías hacerlo con cualquier lente, pero debes estar al tanto de lo que podrás capturar de esa línea scape con cada una de esas lentes. Por ejemplo, podrías usar una lente de 16 milímetros. Lo que va a hacer la lente es apretar la imagen para que aunque la distancia entre la cámara y el espacio que quieres retratar no sea tan larga, la cámara tendrá la capacidad capturar un espacio muy amplio Pero esta lente de 16 milímetros debe distorsionar la imagen para lograrlo Por lo tanto, se vería diferente. Pero por otro lado, si usamos una lente de 120 milímetros, si queremos capturar el mismo paisaje, debemos alejarnos lo suficiente como para encajar todo el paisaje en el marco Porque la lente no va a distorsionar el paisaje para encajarlo en la montura En conclusión, tendríamos dos paisajes con los mismos detalles dentro del marco pero con un aspecto completamente diferente. Se supone que todos esos detalles deben ser tomados en cuenta a la hora de usar lentes, pues en la medida en que distorsionemos la imagen con fines estéticos para generar una hermosa sensación de perspectiva en las tomas, tendremos una película más visualmente hermosa E incluso cambiar el significado de las imágenes, el sentido del sentido. Por otro lado, los Lensens también tendrán que ver con nuestro casting ya que dependiendo de los rasgos faciales de un actor, una lente será más apropiada o no para esa Y debemos respetar una cierta distancia entre la cámara y el actor para no distorsionar perniciosamente la apariencia del actor en términos de actores bodybuild o un rasgo facial de actriz Por ejemplo, a veces algunos directores tratan de encontrar actores principales con algún rastro similar para la misma película para lograr esto, lo que no es una ruta en absoluto porque se podrían trabajar las tomas de los actores principales de manera diferente. Y suele suceder profesionales de alta calidad. directores de fotografía son los que respiro, distorsionando No dañan la belleza del modelo del actor. Además, se enfocan en jugar con todos los elementos de la composición. Pero no se limitan a acercar la cámara a la fase del actor para generar la sensación. La mayor parte del problema es que distorsionar la fase de un actor es un significante visual y no podemos hacerlo así Por ejemplo, en cada dos en el remanente distorsiona la fase Capris para adentrarse dimensión psicológica del personaje Es un ejemplo perfecto de lo que te estoy diciendo. Me refiero a la piedra de una manera deliberada y reflexiva. Ese es un personaje que está contemplando todas las cosas a su alrededor desde su locura Se trata de una película cuyo tono en sí es sobre la conexión entre el ser humano y su entorno. A veces los directores sinóvidas usan lentes para distorsionar la imagen de manera aleatoria e inpensable, para presumir de que Pero no hay un significado cinematográfico detrás de la selección de lentes Eso es terrible, porque una selección aleatoria de lentes, solo para experimentación, por ejemplo, puede contradecir el mensaje detrás del guión La dirección cinematográfica se basa en el guión y el uso del Es una herramienta más para sacar lo mejor de la historia y llenar al espectador de emociones y sensaciones. Recuerda que uno de los problemas más frecuentes en realización cinematográfica es el proceso de comunicación entre el autor y el público Debe ser nuestra prioridad que cada proceso de comunicación sea lo suficientemente claro o al menos para ser claro, permitiéndonos capturar los detalles más pequeños en cualquiera de los objetos y pasar. Por otro lado, adicionalmente, las lentes de alto milímetro son las lentes más similares a visión humana porque no distorsionan demasiado la imagen. Podemos jugar con toda la gama de lentes para capturar más o menos detalles. Por otro lado, las lentes milimétricas inferiores se enfocan en capturar más espacio, a pesar de la distancia que tiene la cámara a ese espacio, puedes tener estas dos opciones para capturar más espacio o capturar detalles Siéntete libre de jugar con esto. Te mostré un ejemplo con el rostro humano. La imagen de un hombre retratado con diferentes lentes, jugando desde el rango de 60 milímetros hasta 135 milímetros Detén la lección si quieres y mira cada cambio, porque realmente cambia el aspecto de ese tipo. Hay otra cosa importante que debes decirte, particularmente las lentes de milímetros inferiores son mucho más caras que las más altas. No sé exactamente por qué. Pero supongo que esta capacidad de capturar una gran cantidad de espacio, aunque la cámara esté cerca de un espacio, implica que la lente tiene una clase con un diseño más complicado. Te recomiendo mucho que al principio, cuando no puedes permitirte una buena lente milimétrica baja Intenta dirigir tus películas, o cortometrajes, o lo que sea, con los más altos milímetros. Porque por ejemplo, usando una lente de 24 milímetros de baja calidad, podemos revelar el bajo presupuesto de nuestro proyecto cinematográfico Otro detalle importante es que las lentes con una mayor apertura permiten que entre más luz al sensor. Por lo tanto, la imagen se verá mucho mejor. De hecho, el problema con las lentes de bajo milímetro es que es más caro para ellos tener una mayor apertura Y creo que esa es la razón por la que las lentes de milímetros inferiores son más caras que las demás. El problema siempre es que como creadores, estamos motivados siempre a distorsionar la imagen porque evidentemente los mejores cineastas la hacen estética y bellamente Pero no podemos olvidar que el cine es muy caro y que incluso en muchas películas que parecen ser independientes en un objeto Lob, están usando lentes muy caras para hacer incluso tomas de mano, había que tener mucho cuidado con eso Otro factor importante que tiene que ver con las lentes es el tiempo que lleva cambiar las lentes. Cuando se trata de tiroteos, quiero decir, la cantidad de tiempo que los asistentes de cámara tardarán en cambiar de una lente a otra, es un tiempo valioso durante el rodaje, por lo que debes probarlo en la medida de lo posible para organizar tus tiroteos en base a O sea, a veces es más fácil cambiar la cámara de un lugar a otro que cambiar las lentes porque las lentes son extremadamente delicadas, deben ser tratadas con cuidado. Y también cada lente requiere diferentes configuraciones de ruptura de cámara Es importante saber que hoy en día hay una gran ventaja con la resolución de las cámaras, y te voy a dar un ejemplo. Supongamos que hay que disparar al pecado al atardecer. Solo duran 30 minutos para terminar. También en esta escena habrá una conversación, una conversación de rey. No tuviste tiempo de cambiar las lentes para poder grabar todas las tomas que necesitabas. Por ejemplo, necesitas crear dos planos largos que incluyan los dos personajes y varios primeros planos de la cara del personaje. Hablando, si tu cámara graba en cuatro teclas, hay una manera de filmar todo, sin perder el tiempo. Si usas, por ejemplo, una lente de 50 milímetros y colocas la cámara lo suficientemente lejos como para capturar a los dos personajes en la distancia, ya tienes la toma blanca, pero como has grabado en cuatro claves, podrías recortar el fotograma más adelante en el proceso de edición para tomar solo la cara del personaje Y créeme, tendrás el resultado bastante similar al de la lente de 80 milimeal o más Pero aunque escuchar con atención no es exactamente lo mismo, es importante enfatizar algo con respecto al uso de un steadicam o mentiras y lentes en Cuando se trata de usar una lente milimeal alta, el movimiento hacia adelante y hacia atrás del disparo es más difícil notar debido a que la lente está zumbando hacia adentro, en la No obstante, el movimiento lateral será más evidente no sólo en eso, sino en el temblor de la cámara debido a la fricción en el riel, por ejemplo, debido al movimiento del sistema de cámara. Todo eso será mucho más notorio con una lente milimétrica más alta Intenta ver buen cine para tener buena referencia a seguir a la hora de usar lentes de cine en Quentin Tarantino, James Cameron, o Good Enough en eso usar lentes de cine en Quentin Tarantino, James Cameron, o Good Enough en Pero también Tarkowski, el cineasta ruso, fue increíblemente bueno en Hizo de sus películas un legado de aprendizaje visual para las futuras generaciones de cineastas Toma todo esto en cuenta, pon todo esto en práctica, y te veo en la siguiente lección. 10. Movimientos de la cámara: El movimiento de la cámara. ¿Qué es lo más importante en esta lección? No tendría sentido desperdiciar esta lección enseñándote de qué se trata una muñeca dentro o fuera, o un viaje, o un viaje fuera. Creo que eso es algo que también puedes encontrar en ti, desde cualquier tutorial. Cualquier tutorial te los explicará fácilmente. No vale la pena desperdiciar esta lección en eso, básicamente, porque todos estos nombres de movimientos explican la dirección en la que se moverá la cámara, ya sea en la estática o en el riel o Aunque este movimiento sea realizado por un dron, funciona igual. Por otro lado, hay algunos estudiosos del cine anticuados que están atrapados en falsas teorías sobre los movimientos de las cámaras, bastante similares a lo que te expliqué sobre la toma holandesa. Y relacionan los movimientos de la cámara y los viajes con ciertas emociones en las escenas. Esto no tiene ningún sentido porque el cine ha ido evolucionando tomas. Es decir, hay tomas que inicialmente se utilizaron para películas de orden que hoy en día se utilizan para la comedia. Debido a que el lenguaje está cambiando, el lenguaje evoluciona. Entonces es como si te dijera que las pinturas sobre el amor siempre deben ser leídas o en un formato específico. No funciona así. El cine es evolución. Arquaron son prueba de ello. El único movimiento que desde mi toma todavía se usa de la misma manera y puede ser útil para ti es muñecar para representar interés y pensamiento. Cuando un personaje está mirando un objeto o a otra persona de una manera reflexiva, la cámara generalmente se moñará hacia la cara del personaje lentamente o hacia el objeto lentamente. En la pantalla se pueden ver varios ejemplos sale del Tic Dime cuándo, ¿cuándo va? No va de ninguna manera. La V, la única manera ver cómo usar el resto de los movimientos itinerantes es ver muchas películas. Para que puedas ver cómo se mueve la cámara hoy en día, cómo es el lenguaje hoy. Pero sobre todo, no pierdes las ganas de experimentar. De hecho, la lección de rodaje es mucho más valiosa en este sentido. Teniendo en cuenta todo esto, más importante en cuanto al movimiento de desplazamiento de la cámara, independientemente del tipo de dispositivo que estés usando con él es el ancla cinematográfica, porque es el error más común que se comete durante los tiroteos Muchos operadores de cámara y cineastas olvidan la calidad de las tomas y la composición durante el viaje de la cámara La característica principal de un buen viaje es que permite que la secuencia de movimiento se mantenga estéticamente equilibrada como sea posible durante el viaje Para lograrlo, necesitamos el ancla cinematográfica. Básicamente, esto consiste en establecer algunos puntos guía durante el viaje, durante el trayecto que nuestra cámara tendrá para preservar el equilibrio de la imagen y la calidad de la imagen durante el viaje. El encuadre creado por el operador de la cámara debe descansar sobre estos puntos guía para impulsar el movimiento hacia el siguiente punto de Estos puntos de anclaje nos permiten tener un mapa de la raíz de nuestro viaje en tomas continuas. Esto es imprescindible porque en términos de producción, uso de una leva estable requiere de varios operadores y asistentes para garantizar que las escenas se filmen correctamente. Por otro lado, debemos estudiar la naturaleza de la superficie donde vamos a caminar y vamos a trazar esa ruta. Es decir, el viaje tiene dos objetivos principales. En primer lugar, para darle al espectador la sensación de que está presente en el lugar de la escena está sucediendo. Y también, en muchos casos, para representar el punto de vista del personaje como si fuéramos el propio personaje. No importa cuál sea el objetivo semiótico, debemos entender que más importante es que debemos hacerlo técnicamente para que puedas usarlo en cualquier momento El punto de anclaje es una especie de constelación, una constelación que se compone de un conjunto de estrellas que forman una forma más grande. Por ejemplo, la constelación de Oriente se compone de puntos que forman toda la forma. Pero esta constelación puede tener cualquier forma. Caballo, un oso, por ejemplo, cualquier cosa. Tratemos de imaginar un camino de la cámara como las líneas de la constelación. El viaje funciona igual. Lo que necesitamos es ubicar los puntos en el camino que va a tomar la cámara para que estos puntos, el encuadre sea perfecto en términos de equilibrio, forma y profundidad Quiero decir que los términos de calidad de imagen y estética también deben ser perfectos. Obviamente, la idea principal es que la cámara pueda estar equilibrada a lo largo todo el recorrido. Pero dependiendo del viaje, esto no siempre será posible. Porque en el caso de una especie de viaje que es movimiento hacia adelante y hacia atrás es más fácil. Pero en el caso de viajes irregulares, cuando la leva estable significa viajar irregularmente por un lugar, es mucho más difícil En este sentido, debemos recordar siempre la regla de las Tierras. Esta regla propone que una imagen debe tener un equilibrio basado en la visión binocular del ser humano El medio es una teoría científicamente analizada que ha demostrado cómo la vista humana enfoca su interés por la percepción en los cuatro puntos de encuentro que dividen la imagen estás viendo en este momento Esto sucede porque el cerebro se enfoca en un ojo mientras que el otro complementa la visión. Esta técnica afirma que alinear un sujeto con estos puntos crea más tensión, energía e interés a la composición luego simplemente centrando al sujeto en el medio de la imagen Esta regla de teorías debe ser utilizada no sólo en los viajes de cámara, sino también en tomas de acero también. Es parte de la composición. Es algo importante a tener en cuenta para directores y cineastas Te voy a dejar un ejemplo de un ancla cinematográfica y una toma continua que hicimos en una de mis obras El personaje protagoniza detrás de una piedra y luego sigue caminando hasta encontrar muerto a su padre. Quiero saber qué es lo que eso sí ve. ¿Te diste cuenta, notaste que por el momento el personaje está detrás de la piedra a punto de levantarse? Hay un ancla cinematográfica perfectamente creado. El personaje se levanta y comienza a caminar, e inmediatamente la cámara se levanta con él. El disparo continúa en un plano estadounidense, el tiro vaquero que enmarca el ancla cinematográfica también está presente durante la caminata y está viendo a su padre Obviamente la cámara se mueve hacia atrás, pero también hay movimiento ascendente que se adapta a la posición del personaje Pero puedes notar que durante el viaje, esa regla esencial de la tercera siempre se respeta para que el espectador sienta placer al ver toda la secuencia. También debemos jugar con los elementos que se van a mover en la secuencia. Que se adapten de una forma u otra a la estética de la imagen. Es decir que a pesar la libertad que pueda tener el actor en las escenas, debe haber una especie de coreografía que nos permita respetar el balance de fotogramas Este es otro ejemplo donde el soldado anda caminando en medio del cuerpo. La secuencia también se equilibra a lo largo del viaje. Por el momento se ven los cadáveres en el suelo, se conserva la calidad cinematográfica Es importante recordar que el ancla cinematográfica también debe usarse con drones en muchas ocasiones. Es importante señalar que dependiendo de la cabeza del vuelo, será más fácil mantener la calidad, pero otras veces será más difícil debido a la naturaleza del vuelo y al viento. En esta secuencia filmada con la lata constante que estás viendo en este momento, la cámara está viajando a los lugares de interés, pero hay momentos en los que la cámara descansa fijamente En esos momentos, debemos tratar respetar el balance de cuadros. Este, otro ejemplo es un tiro dibujado de equilibrio perfecto seguido otro seno estético viajando por todos los árboles a simple vista. Todo el movimiento parece muy suave y delicado, pero en realidad, hay una gran dificultad debido a la naturaleza del terreno en el que están trabajando los camarógrafos y directores de fotografía. Lo cierto es que incluso con perfectas condiciones, los operadores de cámara y el director de fotografía no siempre tienen la capacidad de respetar la estética de los viajes. Esto es crucial para agregar una gran calidad cinematográfica a la película o a cualquier proyecto visual de Audi Hoy en día, existen herramientas automatizadas para realizar esto. Las productoras viajeras gastan mucho dinero para que sus secuencias se filmen a la perfección, ya que esta perfección provoca mayor placer visual para el espectador. Por otro lado, hay que recordar que la imperfección es también un lenguaje A veces el disparo constante y continuo puede estar temblando un poco, pero eso nos hace sentir al lado del personaje que está experimentando algo estresante, como en el caso de una batalla o una persecución, por ejemplo. Este movimiento imperfecto de la cámara tiene algún significado para el espectador Debemos aprender a usarlo también. En reglas generales, la cámara es el punto de vista del espectador. Si hubieras visto al renacido, donde prácticamente no hay cortes Todas estas tomas continuas están hechas para hacernos sentir testigos de la historia. Ese es el poder cinematográfico de las tomas largas y las secuencias continuas Intenta ensayar y practicar mucho para que desarrolles la capacidad de mover la cámara por cualquier espacio Como te dije antes, los movimientos son tantos como quieras en la dirección que quieras. Lo más importante es la calidad, la violencia, la estética visual en esa emoción que puedan tener tus tomas. Te veo en la siguiente lección. 11. Movimiento dentro de la toma: Hola gente. En una lección anterior, te mencioné sobre el movimiento que debería estar en los planos, a pesar de que las acciones que sucedieron entre los personajes no están en movimiento. Obviamente, esto es subjetivo también porque a veces se justifica el no movimiento dentro de un marco. Pero en todo caso, te mencioné anteriormente sobre el enfoque donde la imagen tenía que tener cierto movimiento para captar la atención del espectador. Te voy a mostrar un ejemplo de una escena de un cortometraje que hice antes, aunque este cortometraje fue de hecho mi primer cortometraje, obviamente lleno de imperfecciones por mi inexperiencia Pero había cosas buenas en ella. Y una de esas cosas fue ASN en particular, donde el personaje principal, que es un soldado, se encuentra con su amante que está muriendo junto a un río Y este río sigue moviéndose al fondo. A veces sucederán este tipo de cosas, sin planear en absoluto y durante los tiroteos Y debo confesar que es algo que surgió en estos momentos por la sencilla razón de que pensamos que el marco parece mejor tener ese río atrás Pero de lo que no estábamos conscientes en ese momento es que inconscientemente nuestra mente encontró esa imagen con el río fluyendo detrás Como más atraído por el principio Kurosawa. Veamos entonces la escena. Masa Masada se dio cuenta de lo que estaba tratando de explicarte Si bien hay cierto movimiento en los personajes porque, bueno, porque el soldado se mueve con fuerza. A pesar de que no hay en movimiento en el marco sino en el fondo, el agua sigue fluyendo. Kurosawa hizo esto mucho, sobre todo en el plató de cine y rayos de sol, toma esto en cuenta Intenta hacerlo desde el mismo guión. Desde el guión, hay un sentido cinematográfico que puede ser mejor representado por el director Y podrían ser algunas cosas moviéndose de fondo, algunos autos, o las olas del mar, por ejemplo. Pero trata de experimentar con eso, con la imagen de tu propia obra. No importa qué tipo de proyecto sea. También podría ser una publicidad. Pero esta herramienta cinematográfica ha sido un gran valor en la historia del cine hasta hoy Estas decisiones también están obviamente relacionadas con la composición de la era Shot Us. Cuando no había herramientas tan sofisticadas para viajar al cine, era útil. Viajar con cámara también ayuda a generar esta sensación en el espectador. Pero como no siempre tendremos este tipo de herramientas, debemos aprender a trabajar sin ellas para ser más creativos y artísticos sin un gran objeto. Te veo en la siguiente lección. 12. Visión creativa: Dirección cinematográfica y visión creativa. Esta es una de las lecciones más importantes de este curso. Hubo un gran consejo que solían decirnos en mi escuela de consejo que solían decirnos en cine que era que un gran director de cine no sólo es uno que hace una gran película, sino uno que logra hacer una gran película con un presupuesto limitado. Si eres productor de cine o director de cine, en la medida en que llegues a administrar esos pocos medios o presupuesto reducido de una manera muy creativa Quiero decir que has hecho tu proyecto audiovisual parezca más caro de lo que realmente era. De una forma u otra, tu proyecto cinematográfico será exitoso, por lo que destacarás como un buen cineasta La visión creativa no sólo tiene que ver con el presupuesto, sino también con los esfuerzos humanos que el proyecto cinematográfico muestra por parte del equipo de trabajo. Te voy a dar un ejemplo. Supongamos que nuestra película tendrá una escena de la fiesta en un piso, pero esa escena va a ser representada con una secuencia filmada de 20 segundos. No necesariamente tengo que producir una fiesta increíble con todos sus detalles, incrementando así el presupuesto de mi proyecto cinematográfico. Perfectamente podrías hacer una pequeña sección de esa fiesta y capturar ciertos detalles de la fiesta realmente están representando el guión Y toma ese tiempo preciso agregando elementos de sonido cinematográficos lo suficientemente potentes como para representar esa fiesta sin construir explícitamente todo el desorden en un departamento A menos que fuera realmente necesario para la historia, no hay que crear toda la fiesta. Todo lo que añadimos al guión tiene que estar relacionado para poder pasar por todas las etapas del proyecto Eso es desde la idea inicial hasta el estreno de la película. En esa obra histórica, ese corto histórico que te he estado mostrando en las lecciones, hay varias escenas que funcionan bajo este principio. Todas las escenas dentro de la casa son un ejemplo de ello. Porque la casa no se ve completamente así. La composición y el diseño de la toma se establecieron una manera que te hacen pensar que se trata de una casa antigua del siglo XVII. No necesitaba recrear todos los detalles de la casa a la perfección porque no iba a usar todos esos detalles Este factor es crucial para poder administrar mejor el proyecto cinematográfico Por otro lado, no podemos tomar como ejemplo las grandes producciones de Hollywood para hacer un proyecto independiente. No tiene sentido. Las condiciones no son las mismas. mejor en Hollywood, podrían darse el lujo de crear un pueblo entero junto a la casa porque tal vez sería necesario, como en el caso del Titanic, por ejemplo Es decir, había muchos lugares construidos en el barco que nunca se utilizaron, pero eso es porque no pueden darse el lujo de hacerlo. Pero la mayoría de los lugares y lugares aparecen en la película. Te recomiendo encarecidamente que siempre intentes ahorrar esfuerzos en este sentido. Por otro lado, hay otro factor importante llamado el minimalismo en una misma obra En muchas escenas vemos al mismo personaje caminando por hermosos paisajes. Por ejemplo, esas escenas en las que el personaje se mueve por el Valid, no necesitaba construir un castillo para que el espectador sintiera que están en el siglo XVII. Simplemente haciendo un excelente diseño de vestuario, puede proporcionar a la audiencia suficiente información sobre el momento de la historia. Lo que estoy tratando de decir es menos es a veces más. Porque si solo vemos a dos personajes vistiendo disfraces increíbles en una dirección de arte increíble, usando pocos elementos alrededor, no necesitamos embellecer nada más Todos estos elementos combinados con algunos hermosos paisajes que tienen miles de años de antigüedad, ahí al resto por completo, podemos usar este principio con todos los elementos de la película. Con todos los significantes aprendiendo a elegir los escenarios donde se filmarán las escenas , por ejemplo Además, es importante convertirse en una especie de explorador de escenario. scouting es el proceso en el que vamos a buscar esos lugares donde vamos a rodar nuestra película En ese preciso momento se establece el futuro de tu proyecto, no debemos subestimar esta tarea Otro gran ejemplo de esto es la película Terminator. El primero, el primero, Terminator, la película costó alrededor $1,000,000 Podemos suponer que para ese momento, los 80, $1 millón eran más dinero Pero en el contexto de Hollywood en Los Ángeles, donde las películas de acción cuestan entre tal vez 50 o 100 millones de dólares, lo que hizo James Cameron fue un verdadero ajuste, En primer lugar, es una gran historia con una narración extraordinaria Y en segundo lugar, el minimalismo. Por último, pero no menos importante, esta película se cuenta en gran parte a través de tres personajes. El casting es magnífico. Arnold Schwarzenegger realmente parece un cibernético, pero no solo eso, sino que el esqueleto interno del ciber solo se ve en unas pocas escenas, y el esqueleto metálico también es increíble James Cameron hizo el diseño cibernético dibujando muchas obras de arte y bocetos para que el equipo creativo del arte pudiera construirlo de la mejor manera posible El resto de la película es una película de persecución callejera. Como otra película en esa época en la que alguien está huyendo del asesino. Pero creo que Terminator es increíble. La historia detrás de ella es que presumen todos los elementos de la historia utilizando sólo tres personajes, sólo tres personas compartiendo una sola historia, una sola noche. Y es una película comercial extraordinaria, tan profunda como psicológica como el impacto de la tecnología en el destino de la humanidad James Cameron es un ejemplo extraordinario porque él mismo escribe su guión en Terminator One Lo hizo de tal manera que no tuvo que sumar demasiadas escenas del futuro. Lo que significaría aumentar ese 1 millón de jets buck. Una gran estrategia para hacer es estar al tanto de cuáles son esos elementos en nuestro entorno. O sea, supongamos que vivimos cerca de una playa donde están los restos de un naufragio Debemos preguntarnos, podría escribir una historia de ese paisaje que pueda usarla en una, en una historia. Debemos aprovechar esas cosas. A lo mejor iremos de viaje a un lugar interesante al que podamos llegar fácilmente. A lo mejor logramos conocer lugares interesantes que pueden funcionar para nuestra historia como directores independientes. Así que no se supone que empieces a escribir ideas antes de pensar en cómo dispararlas. Va a ser mucho más difícil porque vas a necesitar todo un equipo de producción que pueda llevar a cabo eso. Entonces al final, cuando eres director o productor independiente, eres tú quien tiene que dar los primeros pasos del equipo de producción del proyecto de producción. Es por ello que la visión creativa es tan importante, porque nos permite diseñar proyectos e historias con probabilidades reales de desarrollo. Por otro lado, la visión creativa de un director nos permite utilizar la metáfora para agregar sentido a los elementos dentro de la historia, potenciando el lenguaje poético de La poesía en las películas es muy importante. No pienses que la poesía es sólo para artistas y gente profunda. A todos los seres humanos les gusta la poesía. Los cineastas son gente profunda. La razón por la que quizás no veas tanta poesía en televisión comercial o en las películas comerciales, no es porque a los creadores superficiales no les guste la poesía, sino porque se necesita mucho esfuerzo de tiempo para crear poesía. Entonces tuviste que llenarte de arte. Había que sentarte en una silla y pensar mucho para crear ideas poéticas Por otro lado, la mayoría de los empresarios, productores de negocios, quieren respuestas rápidas, a pesar de que esas respuestas rápidas cuestan mucho dinero. Las respuestas rápidas son más fáciles que sentarse y escribir poesía. Son ideas muy poéticas que pueden representar activos muy caros A veces el problema en películas es que son muy explícitas, no dejan nada a la imaginación. La narración tiene que ver con esto. El arte de contar historias es precisamente hacer que la gente imagine cosas a partir de lo que estás contando Recuerda siempre esto para tus proyectos cinematográficos. Te veo en la siguiente lección. 13. Mejores actores: Cómo elegir a los mejores actores. Creo que este es uno de los temas más abstractos y profundos sobre todo porque estará relacionado no sólo la sensibilidad que todo lo que puedas tener, sino también con la percepción que puedas tener de películas en cómo percibes el comportamiento de las personas que te rodean. Los actores son esas caras que van a identificar nuestra película. El actor va a tomar el camino del personaje del guión también, este actor, de cierta manera, va a los eventos que vamos a construir escribiendo una historia usando el lenguaje cinematográfico No obstante, hay algo que debemos saber. La fase que vamos a elegir no se desconectará de la percepción que tienen los seres humanos en la aldea global. Es decir, los humanos tienen una idea establecida de lo que se puede esperar de una persona con características y comportamientos particulares. Te cuento todo esto porque una de las etapas iniciales de un proyecto cinematográfico es el casting. En el casting, tenemos el reto de elegir al actor que tenga el mayor número de características y cualidades que se ajusten al personaje de la historia. El proceso de selección detrás de las fundiciones comienza entendiendo lo que estamos viendo en la pantalla Lo que estamos viendo en la pantalla, estamos viendo al personaje, ¿estamos viendo al actor? ¿Estamos viendo a la persona que vino a la audición? Básicamente, lo que vemos en la pantalla una manera muy sencilla es la mezcla de tres cosas fundamentales. En el primero está el personaje, lo que está escrito en el guión, en la historia, quiero decir, todas las características que tiene nuestro personaje, quiero decir, qué tan desarrollado está el personaje y cuán verdaderas son sus características para convencer al público a lo largo de la historia Lo segundo que vemos en la pantalla es la habilidad de los actores. La habilidad que tiene o ella tiene para hacer una actuación convincente. Pero no te confundas con esto. No estoy hablando de interpretar al personaje, solo estoy hablando de la habilidad que tiene el actor o actriz para actuar de manera convincente Recapitulando naturalmente, tenemos el primero que es lo que está escrito en la historia, y el segundo la habilidad de la actriz Pero hay una tercera que es muy importante y la mayoría de la gente olvida quién es la persona que es el individuo, ¿quién es esa persona detrás del actor o actriz? Es decir, ¿ alguna vez te has preguntado quién es ese actor cuando no está actuando? Esa persona que acudió a la audición. Ese individuo también estará en la pantalla. Lo que ves en la pantalla es la unidad compuesta por tres elementos como si fuera el Espíritu Santo. Esta unidad obviamente tiene un objetivo común, que es representar al personaje y generar empatía Por otro lado, existe la idea comercial que los rostros que aparecen en la pantalla y que deberían aparecer en la pantalla deben ser caras hermosas. En la mayoría de los casos, esto está lejos de la realidad porque todo va a depender la producción audiovisual que vamos a hacer. De hecho, este error es uno de los más comunes en el mundo del cine. De hecho, el problema radica en que tenemos la percepción de que el cine funciona como un anuncio rápido. La publicidad rápida tiene otras reglas, porque de hecho, el público común ni siquiera tiene tiempo para ver el anuncio hasta el final. A pesar de que cuando sólo dura 20 segundos, el espectador acompañará al personaje por su apariencia física por muy poco tiempo. Creo que es algo muy básico y sencillo. publicidad necesita que te quedes mirando la pantalla unos 15 o 20 segundos viendo lo atractiva que se ve la persona. Adicionalmente, si te estoy vendiendo un producto o un servicio, posiblemente estés viendo la publicidad y verás el producto o servicio. O incluso en un caso más sencillo, si quiero comprar un champú, se supone que tengo que ver un pelo muy bonito en la pantalla. Si es una pasta de dientes, debo ver dientes hermosos. Todos los rostros que se muestran en publicidad también se basan en eso, un rápido impacto en la audiencia. El problema surge cuando publicidad comienza a construir las historias. Cuando lo intentan, cuando necesitan mantener al público conectado con las historias que se asemejan a la realidad, las reglas cambian automáticamente. Estas reglas cambian porque el espectador comienza a pensar mucho más. Y como consecuencia, surge una necesidad en esta empatía del espectador, una de las cualidades más difíciles de encontrar, ya que el espectador tiene que sentirse identificado con el personaje de la historia Este es uno de los detalles más importantes y debemos acertar en la construcción de la película, porque no importa qué tipo de proyecto sea si tuviéramos que contar la historia con un personaje. Debemos analizar en profundidad las características de ese personaje. Quiero decir, se supone que debes preguntarte honestamente cómo se ve realmente ese personaje en la vida real. Te voy a dar un ejemplo. Imaginemos que nuestro personaje es un científico, un científico que podría ser maduro, tal vez de 40 años o tal vez sea un científico de 30 años. El, no importa demasiado, pero es científico. A partir de ahí, tenemos que hacernos las preguntas correctas. ¿Cuál es el tipo de película que queremos hacer? ¿Es una película como Avengers, por ejemplo? A partir de eso, puedes preguntarte si un científico en Avengers realmente parece un verdadero científico o no ¿Cómo se ve un científico en la vida real? Esa es la primera pregunta que debemos hacernos. ¿Alguna vez hemos hablado con un científico? ¿Alguna vez hemos hablado con un investigador? ¿Cómo se ve un profesor de matemáticas? Así es como se ve realmente el personaje. O es que deliberadamente estamos tratando de hacer que el rostro que nos parece hermoso encaje en nuestro personaje solo porque pensamos que es un rostro hermoso que debería estar frente a la cámara. Esas son las preguntas. Por eso tenemos que ser honestos con nosotros mismos y sobre todo con nuestros personajes. Por otro lado, la inteligencia y la sexualidad son dos dimensiones muy complejas, y ambas se muestran en nuestras expresiones corporales. Por ejemplo, es casi imposible para un actor que no es una persona muy inteligente en la vida real. Es imposible para él o ella representar adecuadamente a un personaje inteligente, porque la inteligencia es esa dimensión que se muestra en nuestro cuerpo, en nuestra voz, en el ritmo de nuestra voz, en nuestra mirada, e incluso cómo se mueven los músculos del rostro. Una persona muy guapa físicamente no se comporta como una persona promedio. Y una de las razones es que en muchos casos, pero no es una regla en absoluto, no me juzgues, pero en muchos casos, el mundo es más fácil para ellos porque todos están dispuestos a sonreírles. Sé que no es algo fácil de entender. Pero no estoy hablando de actuar en realidad, sino cómo se comporta una persona inteligente y qué hace inteligente a una persona es una gran pregunta Por ejemplo, ¿por qué Merrill Strip es mejor actriz que Megan Fox Porque ella misma ha dicho, en entrevistas, en muchas entrevistas, que no era la actriz más guapa. Por lo tanto, sabía que debía esforzarse más. En consecuencia, es la mejor actriz. Por otro lado, Megan Fox, quien estaba tan guapa al principio Te aseguro que fue seleccionada entre todos los castings de spot publicitarios hasta el momento en que estuvo en una película sin haber hecho un esfuerzo El esfuerzo que hizo Mel Strip, Megan Fox no tuvo que hacerlo Es normal. El mundo funciona así inconscientemente Todos sabemos que funciona así. Podemos ver un ejemplo cuando hablamos de Avengers, porque es interesante cómo es el proceso de toma de selección detrás del casting Hagamos una comparación entre el actor que representa a Thor y el mayor que representa a Ironman Por qué el director de la película, junto con el equipo de casting, seleccionaron Cream Ham Worth para Thor y Robert Downing Junior para Irman A primera vista, parece que es sólo porque Robert es mayor, pero no es del todo así porque la primera película de Ironman en la que fue protagonista fue en 2008 y todavía mira, lo cierto es que Robert Downey Junior, al menos en términos físicos, términos externos, no es tan guapo como el ref Robert no parece un rompecorazones. De hecho, a medida que envejece, más se ve como un, alguien inteligente. Y prueba de ello son algunas de las películas en las que toca, siempre interpreta a alguien inteligente, como el caso de Sharlock Holmes Pero veamos otro ejemplo, la extraordinaria película, Shawshank Una de las cosas que hace fantástica a esta película es el destacado casting. Pero si no lo sabías, una de las opciones para iniciar esta película fue Brad Pitt Pero Tim Robbins representa a una persona mucho más inteligente. No sólo eso, sino que también se podría decir que Tim Robbins es una persona promedio en términos de belleza Por lo tanto, cuando vemos al personaje, no estamos admirando su apariencia física, sus características físicas como Perhad las haríamos si fuera Brad Pitt Por el contrario, solo vemos su mundo interior y sus cualidades internas que nos hacen percibir y sentir un tono completamente serio de la historia. No quiero decir que Brad Pitt sea un mal actor, para nada De hecho, es un excelente actor, pero la mayoría de sus personajes no suelen ser personas muy inteligentes. Están enojados, apasionados, valientes rompecorazones, y grandes soldados Veamos otro ejemplo, el caso de Anthony Hopkins Es otra persona que se parece a alguien inteligente. Pero lo cierto es que en realidad es una persona altamente educada e inteligente en la vida real. Y toda esa inteligencia se muestra en su expresión corporal a su expresión física. Vamos a notar que la inteligencia está en su voz y en la forma en que pronuncia cada palabra En la vida real, Anthony Hopkins es una persona muy inteligente. Es músico. Es artista, por lo que no tiene que hacer ningún esfuerzo para hablar bien. Y la razón es que no era tan guapo, por lo que tomó mucho más esfuerzo para conseguir el reparto en películas que Brad Pitt Entonces todos sabemos que Brad Pitt ha estado en la pantalla desde que era un adolescente Y a pesar de ser un excelente actor, tuvo que luchar contra este prejuicio a veces injusto pero universal. Entonces por eso tuvimos que tener claro las características de los personajes. Recuerda que independientemente de las habilidades de los actores, hay una persona individual detrás del actor. Esta persona individual es parte de lo que estamos viendo en la pantalla, lo que vamos a ver en nuestro personaje. Por supuesto, si quieres jugar con esto deliberadamente para engañar al espectador, Perfect se justifica que puedas jugar con lo que el espectador respete de una persona hermosa o no Un ejemplo de ello es la película American Beauty. Al final de la película, nos dimos cuenta de que la típica chica rubia guapa al estilo de los 90 era en realidad como sello como esperabas En primer lugar, ella realmente amaba su amiga y era una urgente, engañando a todos, tanto a sus amigos como a los espectadores, haciendo creer lo contrario a lo largo de la historia, haciendo creer lo contrario a lo largo de la historia, a través de sus discursos y a través de su apariencia física Por otro lado, otro aspecto importante en el casting es que debes tratar de deshacerte del punto de vista que tienes de la persona detrás del actor. A veces la selección que hacemos no tiene nada que ver con si el actor se parece al personaje o no, sino con el hecho de que realmente le gustamos a la persona real detrás del actor. Es típico, es un error muy común. Hay muy malos actores que son gente muy agradable que suele parecer muy auténtica en el casting, en las audiciones. Otro tema importante es la dimensión sexual del personaje. Este tema es delicado porque a veces la gente se alimenta aludida también. Pero lo cierto es que la dimensión sexual en nuestra mente se muestra en nuestras expresiones corporales y físicas. A veces hay personas heterosexuales que tratan de representar a las personas homosexuales y viceversa. No han entendido la dimensión corporal de la sexualidad porque podemos notar la orientación sexual en su cuerpo. Mucha gente se ha quejado esto porque muchos directores ponen a personas heterosexuales para representar a los homosexuales. Pero no es una regla. Pero lo cierto es que hay actores dotados que tienen una extraordinaria habilidad para representar cualquier género, independientemente de su orientación sexual en la vida real Porque son muy conscientes cómo se mueven y hablan los personajes para no hacer que el espectador se sienta sustraído de la historia Voy a recapitular este tema del casting, porque quiero que tengas en cuenta que el casting puede ser tanto una gran oportunidad un camino directo al fracaso en la selección de actores Y te digo esto, porque somos humanos que cometemos errores, no estamos exentos de cometer errores. Lo primero es entender que el casting es una entrevista de trabajo. Por lo tanto, todas las variables de la entrevista de trabajo estarán ahí. Sobre todas las cosas, el encanto de una persona puede jugar en contra. Te recomiendo encarecidamente que el proceso de selección pueda estar al menos 70% vinculado al video, real o videolibro del actor . Esta es la forma más justa de lograrlo al final, es el verdadero plan de estudios del actor En la costumbre, vamos a conocer a la persona y quizás verificar de una forma u otra ciertas habilidades del actor. Cassin es también conocer los antecedentes del actor, donde está aprendiendo, viene, etcétera Pero seguramente vas a hacer que los actores digan algunas líneas. Pero lo cierto es que muchas veces el casting en sí no nos proporciona suficiente información sobre los actores que se verán en la pantalla. Sólo el videolibro puede hacerlo seguridad porque en el casting, hay dos factores fundamentales que pueden ser perjudiciales para la elección final. Uno de ellos es el encanto de la persona. Y te voy a contar una historia que tiene que ver con esto. Una vez buscaba un actor, un personaje para interpretar a un viejo y experimentado capitán de infantería para un cortometraje, tenía dos opciones Una opción era un actor de teatro muy bueno, pero no muy conocido. Y tenía otra opción que era un actor de televisión muy conocido en mi país de origen. El problema era que la persona que hacía teatro no tenía un videolibro. Y como no había tocado en muchas otras cosas visuales, no tenía manera de mostrarme cómo se veía en la pantalla. De hecho, lo sabía cuando fue a la audición. Entonces se fue con una actitud más tímida y más cuidadosa que yo malinterpreté Porque de hecho, la persona se estaba preparando secretariamente para el papel, mejorando sus habilidades de equitación Por ejemplo, ensayando los posibles retos que incluso aprendiendo a dominar armas antiguas para adaptarse al personaje, estaba haciendo lo que fuera necesario para conseguir el papel Pero no encontró la manera de demostrar que estaba calificado para el papel. Y esto fue una lástima porque había una gran oportunidad escondida detrás de ellos. En realidad, cada proceso de creación de casting detrás de una película tiene que anticipar que esto suceda. Por otro lado, el segundo actor, al llegar al casting, a la audición, llegó con la actitud más confiable del mundo Es decir, cuando estaba escuchando su voz, lo encontré tan seguro de sí mismo. Al mismo tiempo, podríamos más o menos tener alguna idea de cómo se vería en la pantalla porque ya lo habíamos visto en televisión. Por lo tanto, lo más lógico era elegirlo. Y así sucedió, y lo elegimos porque pensamos que era el más apropiado. De hecho, nunca tuvimos ninguna duda al respecto. Pero luego después del tiroteo, me di cuenta de que la persona no estaba lista para el papel, y la respuesta siempre estuvo ahí y no sabíamos cómo verla. Lo cierto era que todas las referencias televisivas que teníamos eran de películas de comedia. No de un actor que pudiera hacer un drama de una manera seria y poderosa. No sólo eso, sino incluso el ego, la confianza de la persona fue perjudicial para su desempeño. Porque como era bien conocido y nuestra producción no era tan elegante, pensó que estaría preparado para cualquier reto. El resultado fue que tuvimos que reescribir la historia del cortometraje para tratar de deshacernos de todas las líneas de ese personaje Eso es lo que te digo. Eso sin duda lo más importante es el videolibro. De hecho, creo que las grandes producciones de Hollywood se hacen así, porque a pesar de que hacen una especie de casting, una especie de adición, los videolibros de los actores se analizan previamente en detalle. Por lo tanto, los directores ya cuentan con una selección previa. Sólo el videolibro puede proporcionarnos esa información. Pero no sólo eso, sino que hay una energía de actor que no se puede ver hasta el corte final de la película. Eso no es posible verlo en la audición. Por lo tanto, el videolibro del actor las mejores garantías tendrás de su éxito. Pero puede suceder que estés iniciando en el mundo del cine y varios actores que van a tu audición luego tengan un videolibro Ustedes como directores deben preparar el casting, la audición lo suficientemente bien con buenas cámaras y recrear un cierto tipo de ambientación lo mejor posible para estimular Y ustedes como directores tendrán una mejor referencia de cómo será el actor en la pantalla. Pero mi punto de vista es que si quieres tener un resultado confiable, debes mezclar todo, el videolibro con la audición Lo último que te digo es a la hora de comenzar y hacer cortometrajes, un actor que realmente quiere interpretar el papel es mucho más confiable y vale la pena que uno muy bueno que no se preocupa demasiado por tu proyecto cinematográfico. Realmente querer interpretar al personaje es algo que siempre valdrá la pena. Te veo en la siguiente lección. 14. Dirigir a los actores: Dirigir actores. Esta parte es muy importante porque nos permitirá abordar cómo la relación que debemos tener con el actor debe ser no sólo desde el punto de vista del director, sino desde el punto de vista de todo el equipo de producción. Esa relación comienza desde el mismo momento en que elegimos a los actores, desde la auditoría, desde el casting. En ese momento inicia un viaje que realizaremos con el actor lo largo de todo el proyecto cinematográfico. Nuestro trabajo con el actor tiene dos etapas. Uno en la etapa de reproducción y el otro en rodaje. En el rodaje, la parte de reproducción consiste en toda la preparación y construcción nuestro actor necesitará para interpretar a un personaje. Esto también divide en dos cosas, los aspectos físicos y las cualidades dramatúrgicas La preparación física se refiere a que a veces nuestro actor o actriz coincida con el personaje, pero carece ciertas condiciones físicas que hagan plausibles los rasgos de los personajes Esto debe tomarse en serio. Debemos platicar con los actores y actrices y debemos llegar a acuerdos Pero no sólo eso, sino la preparación del personaje, la preparación física tiene que ser incluida en el presupuesto. O sea, a veces no es una limitación de un actor, pero no está dentro de sus posibilidades pagar por esa preparación. A veces pensamos que es sólo la tarea de los actores prepararse para el personaje. Y si es un actor paciente y con ciertos medios económicos, quizá el mismo actor o actriz invierta en su preparación. Pero no podemos agregar esto como una variable al proyecto. En la mayoría de los casos, la actriz o actriz no tiene que invertir su dinero en eso. Por supuesto, te estoy hablando en el contexto en el que estás empezando a hacer proyectos cinematográficos. Pero lo que estoy tratando de decir es que si apartamos dinero del presupuesto, esa preparación del actor, vamos a ver la preparación del personaje exhibida en cámara. El actor debe ser el personaje. Recuerda que esta es básicamente la diferencia entre cine y teatro. El teatro es una representación, es decir, todos los elementos que están en el escenario e incluso los trajes y la apariencia de los actores son alegorías Son elementos metafóricos que funcionan muy bien en teatro porque somos conscientes de que estamos viendo Pero en el cine es diferente. El cine es como si estuvieras viendo la realidad. No va a funcionar igual. La cámara es como una escapada a la realidad. Entonces, si el personaje requiere una habilidad como saltar, correr, e incluso convencer al público de que son capaces físicamente preparados para hacer actividad Todas esas habilidades o cualidades físicas deben ser visibles en la pantalla. A veces se necesita mucha preparación para lograrlo, para hacerlo. Esta preparación no va a estar relacionada sólo con el aspecto físico, sino con las relaciones efectivas que, que habrá entre los personajes de la película. La verdad es que este es un reto que muchos directores no abordan de esa manera. Hay directores que son más conservadores. Pero creo que si vas a hacer una historia, por ejemplo, donde hay una pareja que va a ser amantes, o convertirse en amantes durante una historia, debe haber química entre los actores. Una chispa, una química que, aunque puede que no exista al principio, debe ser desarrollada. Este tipo de química debe aparecer, porque de lo contrario las molestias se verán en la cámara, lo que va a ser perjudicial para la película, por supuesto. Pero presta atención cuando digo que debería haber química. No quiero decir que el actor deba tener una aventura durante el rodaje o convertirse en amantes en la vida real. Pero ese tipo de química que impide no avergonzarse por tocarse Por lo tanto, debe haber algunos principios básicos en el casting y en el frío que son para que el actor sepa. Que son en términos generales y reglas generales, las acciones más desafiantes que va a hacer en el proyecto cinematográfico. Por ejemplo, hay personas que no se sienten cómodas haciendo escenas románticas en otra. Que no se sienten cómodos haciendo escenas eróticas con el actor específico, actrices con las que tuvieron que actuar Todos estos son factores perjudiciales para el proyecto. Por lo tanto, de cierta manera hubo que hacerle saber a la actriz actriz actriz en el casting que debe hacer todas estas cosas y desafíos porque este tipo de emociones no son fáciles de interpretar. Créeme, los Mets interpretativos realmente quieren hacerlo. Veamos un ejemplo. Por ejemplo, en la pantalla se puede ver un spot publicitario donde jugué. Y hay una chica que tiene el reto de representar a mi amigo Gul en la historia. Todo se ve genial. Pero ese sentimiento es porque hace años que es mi amigo y nos conocemos desde hace años. No somos amantes en absoluto, sino desde hace años que nos conocemos. Teníamos la confianza para hacer esa actuación. Es decir, había un camino avanzado, que era una ventaja para representar a los amantes. Pero si ese camino no se hace, debemos crear convivencia entre los actores para que los actores se sientan cómodos platicando entre sí, tocándose. Que no hay dificultad en filmar. Que no haya molestias en dicho, también podría darse el caso de que no conozcan y lo hagan perfectamente. Pero generalmente son ensayo de las escenas complicadas para poder resolver esos problemas antes del rodaje, durante el rodaje Estos problemas no se pueden resolver en triste porque cada segundo cuesta mucho dinero. Esto no es sólo para las emociones entre los amantes, sino las relaciones entre un padre y un hijo, Una madre y una hija abuelo, y cualquier tipo de parientes que impliquen un gran afecto En mi experiencia, la amistad entre actores es algo poderoso, incluso más que los romanos. Es mucho más ese tipo de confianza que puedes sentir con tus amigos. Como directores, hay que intentar crear el ambiente que permita a los actores construir esta amistad. Hay algunos ejemplos en la historia del cine, grandes películas donde el actor parece tener una gran conexión, Esa química que es tan buena que debes aprovecharla. La segunda etapa de la dirección del actor tiene que ver con los retos sobre la disciplina del set. Esto tiene que ver con las condiciones que deben existir en el set para que los actores puedan tocar de la mejor manera. O sea, lo más importante para los actores mientras tocan es la concentración y la relajación. Para garantizar esto, es necesario que el gerente de producción tenga la capacidad de generar eso en el set, para generar disciplina entre los tripulantes. Ese no es un trabajo tan fácil. Son muchas las ocasiones en las que los actores deben recurrir a la técnica de la memoria emocional, que consiste en una conexión con una memoria personal de cualquier naturaleza para evocar el movimiento que necesita la escena Este proceso es muy complejo y requiere un silencio absoluto en el set. Este silencio a veces es difícil de astillar en el set porque hay 20 o 30 personas trabajando en una tarea específica y es una situación común, gente hablando de problemas de producción, etcétera Pero a pesar de eso, los actores están tratando de enfocarse en emoción y recrear una realidad en sus mentes, y ese proceso es muy difícil Al mismo tiempo, sin mencionar que el actor o actriz tiene que tocar frente a todo un equipo de producción. Hay toda una serie de factores distractores, intimidantes que hay que tomar en cuenta Por otro lado, los directores, al tratar con actores, deben tomar en cuenta la respiración. Este proceso es importante para estimular las emociones. El proceso de respiración normal es esencial para los actores. Se debe prestar atención a que los nervios no están impidiendo que los actores respiren. En ocasiones los actores dejan respirar debido a la tensión generada, pero el ruido está en el set. Por eso te mencioné sobre disciplina. La disciplina es lo único que garantizará este inicio. Obviamente, el equipo creado no puede encargarse de esto. Debe haber un gerente de producción que lo haga. Por otro lado, hay otros aspectos que son importantes durante el rodaje. Cuando estamos rodando una escena donde una actriz está mirando en algún momento en la dirección de su mirada. No puede haber ningún tripulante cruzado porque el actor debe concentrarse en su mente y lo que está viendo puede distraerla. Es decir, no podemos esperar a que el actor nos diga, oye, perdón, ¿podrías mudarte a otro lugar? Porque está perdiendo concentración. Esto no puede suceder. Y dicho, debemos saber eso desde el principio porque hay momentos en la actuación que son irrepetables En el caso de la conversación, ya que esto es más fácil, porque solo el actor principal de la escena está en nuestro encuadre, pero el otro actor puede estar frente a la visión del actor principal para hacer campo en la conversación. Pero cuando estamos en una escena contemplativa, cuando nuestro personaje o actriz está mirando algún lado o algo en profundidad y pensamiento, no puede haber elementos que distraigan frente a su visión Ni siquiera el director debería estar frente al actor. A veces hay que limitar el número de personas en conjunto para que no se pierda la concentración. Por otro lado, lo mismo va a pasar con la cámara viajando. Ningún movimiento de cámara debería limitar la actuación del actor, ni el movimiento de la cámara, no la dirección de la fotografía. Por ejemplo, a veces el director o director fotografía está tan enfocado en la estética de la toma que obligan al actor a realizar un movimiento natural con el fin de ser perfecto equilibrio a la composición del cuadro Esto no tiene ningún sentido cuando esto sucede. Este es un problema subyacente en el tiroteo. Pero hay otro aspecto importante hora de dirigir actores, y es entender la diferencia entre lenguaje actuación teatral y cinematográfico En la mayoría de los casos, el mundo de los artistas tiende a pensar que los actores de teatro son mejores que los actores de cine. Esto es un gran error porque los dos idiomas son completamente diferentes. No podemos acercarnos a los actores cinematográficos desde el punto de vista de un director de teatro. El principal problema es que las obras se hacen en términos de producción para un público ubicado a una distancia mucho mayor que la distancia que vamos a tener con la pantalla. Por lo tanto, los actores tienen que gesticular, quiero decir, mover sus rostros y cuerpos de una manera con un lenguaje que la última persona en el teatro pueda ver a plenitud aquí, entender y llenar la historia En el cine, esto no sucede, la distancia entre los actores y la cámara es muy corta. El rendimiento debe ser completamente natural. Es un reto completamente diferente. En muchos casos, hay directores de teatro en los castings que no son capaces de entender esta diferencia Por otro lado, en cuanto a la actuación, teatro es representación y el cine es realidad. Por ejemplo, es posible que seas un gran actor de teatro por tus habilidades astrónicas, te adaptes a ese lenguaje, pero no puedas adaptar eso al lenguaje cinematográfico Es decir, esto es completamente normal en que el lenguaje astrónico puede representar perfectamente cualquier movimiento en el teatro Y esa es la razón por la que muchas veces hay directores que eligen actores de la vida cotidiana. Es decir, eligen a una persona que les parece interesante y luego los audicionan para ver si son capaces de comportarse de la misma manera frente a la cámara Actuar en películas es muy complejo, cruel y sincero. Porque en las películas es muy difícil mentir. Muy difícil. Quizás en el teatro, podrías estar engañando al público exagerando Por ejemplo, exagerar tu enojo en una obra de teatro. Podría funcionar porque todos son conscientes, eso es una obra de teatro. Pero cuando estás actuando emociones reales, actuar de manera completamente natural en una escena cinematográfica, mantener tu enfoque, no pensar que estás actuando, es una tarea muy difícil. Es decir, había que ser consciente de cómo cambia la voz de un ser humano en una conversación natural. Los diferentes tonos de voz, cómo nos movemos, cómo nos vemos. Por último, te recomiendo encarecidamente como directores observar a las personas que te rodean en la vida cotidiana. Aprende de la gravedad, de tus propios familiares, cuando están llorando, cuando están enojados, cuando están felices. Te veo en la siguiente lección. 15. diseño de sonido: El diseño de sonido. Esta lección es estratégica porque la idea es que tengas la capacidad de administrar el departamento de sonido y sobre todo las cosas que pierdes el miedo para lidiar con el diseño de sonido, hay edición de sonido y grabación de sonido. Empecemos con la grabación de sonido. El principio fundamental es registrar la interpretación del actor en términos acústicos. Es lo más importante a la hora de filmar, porque las acciones de los actores suelen ser irrepetibles Es el talento del actor en la naturaleza más pura. El sonido debe ser fiel a la actuación mostrada en el rodaje. Para que esto sea posible, es necesario utilizar micrófonos profesionales Con los condensadores, hay micrófonos unidireccionales y omnidireccionales, se supone que debemos aprenderlos a usarlos todos dependiendo de lo que vamos a hacer Eso dependerá también de lo que el diseñador de sonido vaya a hacer a continuación en la edición. En reglas generales, a la hora de grabar el sonido del pecado, habrá dos fuentes acústicas principales. Esas fuentes grabadas por Bomb, que es ese stick que sostiene el micrófono por encima del boom, en realidad pueden sostener unidireccionales u omnidireccionales Eso es muy sencillo. El micrófono omnidireccional nos permite capturar el sonido general del lugar en un área relativamente abierta cercana al micrófono Por otro lado, utilizamos unidireccional para capturar una fuente de sonido específica Es decir, tomamos el mismo boom stick señalando el micrófono hacia la boca de la persona, por ejemplo. Pero este micrófono unidireccional también puede ser utilizado para capturar el sonido de la acción de un actor Por ejemplo, los pasos del actor, la ropa, cualquier cosa. El micrófono aislará el sonido del ambiente en un gran porcentaje, dejando sólo el que queremos. Todos estos audios que capturemos serán utilizados por el editor de sonido más adelante Pero por otro lado, podemos usar este boom para complementar otro tipo de micrófonos Por ejemplo, podemos usar un micrófono de corbata, como el que estoy usando ahora mismo, para capturar lo más de cerca posible la voz del actor respirando o jadeando El problema con estos micrófonos es que estar escondidos dentro de la ropa, se pierde la riqueza de las frecuencias más altas Por supuesto, el tamaño del micrófono también limita un poco la calidad del sonido. Pero podemos mezclarnos perfectamente con este boom utilizando ya sea los dos tipos de micrófonos, omnidireccionales o unidireccionales Pero por otro lado, tenemos que ser conscientes del principio de dirección cinematográfica a la hora de utilizar cada una de estas combinaciones. Cuando estamos filmando pecado, por ejemplo, elegimos cómo o qué tan lejos está la cámara de los actores. Supongamos que elegimos un tiro de encuentro, o un tiro americano de vaquero que llegue a las rodillas. Y hay dos personajes teniendo una conversación. El sonido captado por el micrófono de tiempo no es el más apropiado porque existe una distancia entre la cámara y la cara del actor que no coincide con la distancia entre el micrófono de tiempo y la boca del actor abierta. En ese caso, lo más apropiado sería ocultar el boom con el micrófono direccional de tal manera que no se vea dentro del marco. Apunta hacia la boca del actor, capturando una buena voz sonora con suficiente distancia que coincida con el tiro medio. O ese tiro americano. He visto este error cometido incluso a nivel profesional. Pero presta atención. Esto no quiere decir que el, tu micrófono no pueda funcionar para este tipo de tomas. Pero si los usamos en la edición posterior, tendríamos que agregar Revert al sonido para que represente esa distancia entre la cámara y la boca del actor Si encontramos la manera de usar el boom, bueno, la calidad del sonido será mucho mejor y real. Sin embargo, el micrófono de tiempo puede ser muy útil y estético. En el siguiente caso, imaginemos que tenemos que hacer un tiro abierto. Este plano abierto con estos dos mismos personajes teniendo una conversación de fondo. El sonido del micrófono del tiempo recrea la intimidad que están teniendo, como si fuéramos testigos de esa conversación Pero verlas desde la distancia, verlas desde afuera, es cinematográfico, es artístico, y este es un caso especial Pero en reglas generales, debemos respetar la distancia. Obviamente. Cuanto más cerca está el disparo de la cara, más cerca es difícil de escuchar la voz. Incluso si necesitas capturar el susurro en el, Thy micrófono parece ser adecuado para eso El micrófono unidireccional sería mucho más útil y hermoso debido a la proximidad de la toma El técnico de sonido tendrá la posibilidad de moverse y acercarse durante la grabación para que el micrófono apunte hacia la boca. Y tendremos una grabación de alta calidad. Por supuesto, son muy caros nivel de oído o tus micrófonos son tan buenos como el micrófono unidireccional promedio Pero estoy hablando de un contexto en el que quieres rodar un cortometraje o una película jet de espalda baja. Es importante saber que el técnico de sonido está coordinado con el guión. Esa persona que toma el orden de la toma para que el editor pueda identificar los datos en el dispositivo de grabación más adelante. Recuerda lo que te dije sobre la tabla de chapaleta. El tablero de chapaleta, palo superior es grabado por el dispositivo y también la identificación de escena que grabará la identificación de escena que dice el cargador de chapaleta Por otro lado, cuando ya habíamos filmado pecado y hemos grabado la actuación de los actores, es necesario hacer una pista salvaje. Una pista salvaje no es más que la grabación de todos esos sonidos que los actores hacen en las escenas, la tela, los pasos del entorno. Estos sonidos serán utilizados por el sonido más adelante para hacer la edición sonora en capas, lo que permitirá crear una experiencia acústica más inmersiva Para recapitular, recuerda que hay micrófonos unidireccionales y omnidireccionales Unidireccional te permitirá grabar lo que tenemos frente a nosotros en el objetivo al que estamos apuntando con el boom Por otro lado, el omnidireccional te permitirá grabar todo lo que esté alrededor del micrófono En el espacio cercano de la pantalla, se puede ver una gráfica donde se representa cómo se comporta el micrófono La burbuja es el espacio desde el que está capturando el sonido. Cada micrófono tiene estos gráficos en sus instrucciones para saber exactamente cómo funciona. Recuerda también la distancia entre la boca del actor y el micrófono debe coincidir con el disparo. Eso es crítico, porque aportará un toque muy profesional a tu trabajo. Un ejemplo de esto podría ser una escena donde los actores están gritando. Por ejemplo, el micrófono no puede estar en la boca del actor. No puede ser un ti, micrófono. Porque para que el grito suene real, el sonido de ese grito debe rebotar por todo el espacio donde siempre está el actor Recuerda que los sonidos viajan por el aire. Todo eso forma parte del diseño de sonido para la edición de sonido. Desde mi punto de vista, lo más importante como director es tener pantalones en la mezcla. Como elemento narrativo, diseño sonoro se realiza en capas. Podemos jugar con cada elemento suene en la escena y también con las proporciones en cuanto a lo lejos y lo cerca que hay Por lo tanto, tuvimos la posibilidad de jugar con esto como una herramienta para construir puntos de vista, construir ambientes, y agregar elementos distantes en pecado que forman parte de la riqueza narrativa del guión cinematográfico Podemos crear ambientes muy complejos añadiendo elementos sonoros en la distancia. Bien igualado, como directores tenemos que poder darle estas instrucciones al sonido que él lo utilice como lenguaje Te voy a mostrar un ejemplo de esto. Es la misma escena que te mostré en las lecciones pasadas donde la mujer lloraba a lo lejos. Pero esta vez vas a poner atención a otra cosa. Intenta encontrar algunos buenos auriculares y presta atención a cómo los pasos de los personajes se movían de derecha a izquierda Ya sabes lo interesante que es esto. Es decir, nos expandimos para hacerte sentir que la presencia del personaje en el espacio es un gran dispositivo narrativo. De la misma manera que la mujer llorando a lo lejos. También es importante que desarrolles sensibilidad a la reverberación reverberación es ese efecto que permite agrandar el espacio donde se hace sonar un elemento Por ejemplo, es posible que en tu toma, la única fuente acústica que tienes sea el sonido del micrófono Time. Pero Racine está en un agujero de carga en la edición sonora. Deberías poder proporcionar las instrucciones precisas al editor de sonido para agregar estos efectos a las voces y tener una noción general cuánto rever se debe aplicar a esas voces Esto no es exclusivo del editor de sonido. También debes proporcionar tu punto de vista e instrucciones precisas. Pero no menos importante es que debemos tomar en cuenta el viento y el medio ambiente. Quiero decir, los detalles atmosféricos. Deben agregarse en capas a la edición de sonido. Todos ellos forman parte del diseño sonoro y funcionan como un dispositivo narrativo que genera una experiencia inmersiva para el público Pon todo esto en práctica y recuerda no tener miedo nunca de cometer errores. Te veo en la siguiente lección. 16. Fortaleza del director: La fuerza del director. Esta cualidad es el eje central del proyecto cinematográfico. Es lo que define la actitud del director y la conexión que pueda tener con su ejército. Ese pequeño ejército, que es el equipo de producción o el equipo de producción no es tan diferente de un director orquestal El director de cine es esa persona confianza creativa y artísticamente, es esa persona que debe transmitir calma y confianza al equipo de trabajo para delegar acciones basadas en la visión general que tiene del proyecto Un director de cine no puede ser una persona que sólo sepa operar la cámara o escribir un guión. Un director de cine tiene que saber todo lo que tiene que saber muchas cosas, muchas cosas cotidianas, conocimientos generales, historia del arte. Se supone que el director de cine debe saber muchas cosas para tener herramientas que le permitan o le permitan comunicarse con el equipo de producción creativa. Y claro, para elaborar su propio idioma. Para crear confianza en diferentes departamentos, es necesario hablar con un punto de vista claro. Debemos tener la capacidad de hablar en el idioma que habla el diseñador de sonido, ingeniero de sonido. El lenguaje del director de fotografía, habla el idioma del guionista Esa es la razón por directores necesitan saber cómo es un guión, cuáles son los dispositivos de escritura, y también los puntos de sangre cómo construir un Aracure Podemos tener una gran idea general, pero si no sabemos cómo explicarlo en el lenguaje técnico apropiado, el proceso de comunicación con el equipo creado se vuelve inútil en el sentido de que es importante. Una humildad interior es ese tipo de humildad que nadie observa, que nadie se da cuenta de que la tienes Pero esa humildad interior es lo que te permite seguir aprendiendo siempre Es decir, nunca sientas que sabes demasiado sobre algo en tu mente. Otro aspecto importante, sobre todo cuando se trata de liderar estrella y un pequeño equipo de filmación, es que debes ser un ejemplo de esfuerzo para tu equipo. Si hay algo común que sucede en alguna película, en los tiroteos, son las luchas de ego A veces parece que una persona trabaja más que otra. Y creo que el director en esta materia debería ser un ejemplo de disciplina y esfuerzo. A pesar de que el director de cine está involucrado en la parte creativa, debes hacer que el equipo sienta que estás trabajando tan duro como todos. Haz que sientan que estás tan ocupado como todos. He visto muchas veces durante todos estos años, especialmente en proyectos publicitarios, en contextos publicitarios donde el director se encuentra simplemente sentado en una silla, solo mirando el monitor, hablando desde una posición cómoda al final que se verá en el acabado final. Porque el director no está al tanto de esos pequeños detalles que son los que llevan tu película o proyecto cinematográfico al siguiente nivel. O sea, para lograrlo, siempre es necesario tener una visión artística general que de una forma u otra, el director esté constantemente cuidando. No importa si se trata de una publicidad, Siempre existe esta visión artística general que hay que cuidar en detalle. Lo más importante de esta visión es el conocimiento. El conocimiento es lo único que permite al director anotar o averiguar que las ideas de los diferentes equipos creados son posibles o no son plausibles o no, si valen para el proyecto cinematográfico o Por otro lado, es importante hablar de respeto. Es muy importante hablar de esto en este momento. Porque muchos de ustedes van a empezar a trabajar como asistentes de cualquier naturaleza en el cine y van a pasar a puestos más altos a medida que vayan avanzando en su carrera. Es importante respetar al director, las decisiones, el papel de liderazgo al momento del rodaje. A veces es común para actores experimentados, aquellos que ya llevan muchos años filmando, fingen darle pautas a John Directors, no estoy diciendo que no puedan hacer sugerencias, sino que deben respetar el liderazgo del director porque se supone que el equipo ha puesto su confianza en él o ella. Y esa actitud puede ser perjudicial para esa confianza, estropeando así el flujo de trabajo en el set El equipo de trabajo necesita sentirse seguro en lo que está haciendo el director, si eres actor o actriz, o un asistente, o técnico, y empezar a discutir con el director. A la hora de filmar sobre sus ideas. Es una falta de respeto total porque independientemente de que tengas razón o no, porque a lo mejor tienes razón, pero no es tu responsabilidad No es tu trabajo y dañarás la imagen de confianza y ambientación del director, y lo más importante, te van a odiar por hacer eso. Además, recuerda siempre que a veces el director tiene una idea en su mente y no somos capaces de verla. Por lo que debemos seguir a los directores tranquila y respetuosamente para aprender siempre y estar abiertos a ayudar Realmente te invito a convertirte en una especie de esponja de conocimiento, aprender sobre ciencia, sobre política, o cualquier cosa que se ajuste a tu creatividad. Por otro lado, debes involucrarte con las nuevas tecnologías audiovisuales que tienen que ver con las nuevas formas de comunicación y narración Hoy en día, cada vez es más difícil sorprender al público porque las formas de narrar se repiten una y otra vez Es necesario conocer nuevas narrativas y storytelling para mejorar nuestro lenguaje audiovisual Pero en todo caso, un ejemplo de ello es el arte. En sus últimas películas, lo que ha hecho es trasladar al cine el nuevo lenguaje de los videojuegos. Quiero decir que hay en los videojuegos llamados Mundo Abierto, donde el personaje que controlamos representa un avatar. Este personaje es interacción. Y vivir en un mundo como si fuéramos nosotros mismos en el arte para querer trasladar esas sensaciones y experiencias al cine. Especialmente en The Revenant y Bertman, esas películas nos hacen sentir como un Generalmente, estas en películas están llenas de secuencias continuas que nos permiten llenar el lugar. La ausencia de corte nos permite tener una experiencia inmersiva Y este tipo de experiencias son el tema de las nuevas tecnologías. Pero no sólo Nartu ha trabajado con esto, incluso en otra película llamada 1917 de Sean Méndez, también juega con Es importante tener en cuenta que eso no estaba en el guión. Era la mente del director porque habían estado en el contexto con las nuevas formas de contar historias. Debemos preguntarnos si estamos en contacto suficiente con los nuevos lenguajes y tecnologías. Por eso te digo que un director debe tener capacidad creativa para resolver creativa y artísticamente todos los retos del guión cinematográfico Recuerda que la dirección cinematográfica siempre está interpretando un guión cinematográfico Cuantas más herramientas tengas para hacerlo, mejor será. Esa es la razón por la que creo que la época contemporánea requiere que sepamos un poco de todo. Porque hoy en día, cada vez hay más acceso a la información en todas partes. Es decir, el acceso al conocimiento no está tan limitado como antes. Por otro lado, el director de cine también tiene que tener una red de responsabilidad con su entorno. No sólo el medio ambiente, sino también la sociedad a la que pertenece. Casi todos tenemos un mensaje que dar. A veces no somos conscientes de nuestro propio mensaje. Pero ese mensaje tiene que ver con lo que vivimos como seres humanos, lo que vimos a nuestro alrededor durante nuestra vida, y también con nuestras carencias. Ese es el verdadero combustible del director de cine, no importa lo que digan los demás. Lo que realmente lleva tu historia al siguiente nivel es la motivación que tienes al respecto. Cuantas ganas tienes de contar esa historia. Porque solo cuando amamos demasiado una historia, logramos hacer el esfuerzo necesario y ver los mínimos detalles que llevarían a tu proyecto al éxito. Sólo cuando damos mucha dedicación a un proyecto podemos inspirar a otras personas. Al principio, vamos a tener que reunir un equipo de trabajo. Y ese equipo de trabajo debe confiar en tu idea. Incluso confía en ti cuando estás cometiendo errores. Y para poder hacer eso, debes hacer que otros se enamoren tu proyecto, con tu motivación, tener una visión de que tu proyecto será exitoso para convencer a ese equipo de palabras de que vas a alcanzar las metas que ellos mismos se están marcando al principio. También debo confesar que no se puede esperar a que todas las respuestas se resuelvan desde el principio Hay un porcentaje que siempre está en riesgo. Así que arriesgar siempre es bueno. Si no te arriesgas, no ganas. Entonces al principio, no tengas miedo de hacer cosas de riesgo porque a partir de ahí te darás cuenta de que a veces es posible hacer una plausible, aunque tengas un También te invito a hacer un proceso científico llamado focus group. Una vez que haces tu película o los comerciales hacen un grupo focal, es mucho más confiable que preguntar a tus profesores de cine sobre tu película Lo que vas a hacer es reunir gente suficiente que creas que puede ser clara. Obviamente gente a la que le gusta el cine y les pregunta por tu película. Consigue un espacio de discusión para conocer cuál es su opinión sobre tu trabajo. Siempre tomarlos en cuenta. Y te veo en la siguiente lección. 17. Edición: El montaje, la edición. El momento más emocionante una vez que habíamos terminado nuestro rodaje. Una vez que habíamos grabado el sonido, bueno, una vez que tuvimos todos los elementos con los que ensamblaremos la película, es momento de editar. Pero hay una capacidad que el director de cine tiene que desarrollar a la hora de editar, ¿cuyos fundamentos provienen de la etapa de escritura de pantalla Obviamente, en este asunto, el guión. También es importante, quiero decir, el tripulante, él o ella tiene las pautas para mantener el orden de las escenas y también cuáles son las mejores tomas, las mejores secuencias y sonidos que se grabaron. Tener una idea confiable de lo que va a utilizar el editor en el montaje Pero lo cierto es que a la hora de hacer cine, no todo está completamente ambientado Eso significa que suceden cosas inesperadas. O sea, imprevistos que muchas veces son buenos y a veces no nos damos cuenta estos detalles al momento del tiroteo A veces no somos conscientes de algunos detalles que la cámara logró capturar durante tiroteos porque nos distraemos con tantas cosas que es posible que algunos elementos o detalles muy buenos se escapen No obstante, cuando hacemos la primera visualización del metraje, me refiero a los datos, teníamos que tener la capacidad de extraer cosas nuevas de él, cosas que encajaran en la película, que nutren la historia, que la hagan crecer Porque debemos tener significantes que nos ayuden a acompañar todas esas ideas que fueron rodadas a partir del guión Una vez visualizados los datos, la segunda tarea es averiguar cuáles son los mejores momentos de cada escena. Como directores, tal vez durante los tiroteos, le dijimos al guión que tomara nota de una escena específica que nos pareció buena, por ejemplo Pero tal vez más tarde cuando visualizamos la materia prima, nos dimos cuenta de que otro seno es más gordo y teníamos que ser capaces de detectar Los buenos editores suelen hacerlo, pero no podemos dejarles toda esa responsabilidad. Como directores, debemos hacer la selección de los mejores momentos de los tiros. Recuerda que por lo general se graban varias tomas de una misma actuación en varias tomas. Debemos tener la sensibilidad para usar lo mejor de lo mejor en términos de cinematografía, color, cámara y actuación de actores Sé que a lo mejor estás pensando ahora mismo, ¿qué hace el editor? Entonces, se supone que los editores deben hacer esto por sí mismos. El problema es que el que tiene la visión de la película eres tú. Si el editor es realmente bueno, hará el trabajo mejor que tú. Pero insisto en que empecemos a hacer películas. Eso no va a suceder en proyectos de objetos bajos, por ejemplo. Siempre hay limitaciones de toda la naturaleza. A veces la oportunidad de hacer un gran trabajo pierden editores que no son capaces de hacer ese trabajo. Bien, que no sabe elegir el mejor de los tiros y secuencias. Es una pena que tu proyecto en el que tanto has trabajado para hacerlo posible sea un desperdicio por ello. Pero, ¿qué es esencial en la edición? ¿Cuál es el principio más básico? La edición tiene que partir del guión. Como sabemos que la página del guión tiene 60 segundos de duración, deberíamos poder editar esa página para hacer los 60 segundos juntos en la edición decir, en los datos es probable que tengamos mucho metraje relacionado con una página del guión, pero el editor debe organizar ese metraje de tal manera que no supere esos 60 segundos El problema es que si superas ese tiempo en un momento específico de guión, puedes destruir el ritmo y la narrativa de la película Es decir, el tiempo no diético. Lo más interesante de este proceso es que nos permite descubrir cuánto duran realmente las acciones en una historia. Al editar, nos volveremos mejores escritores porque a veces tratamos exprimir un seno para exprimir una acción bastante larga en un solo párrafo, esa acción en realidad dura más de 1 minuto. El problema es que si escribimos esa acción en una parte narrativa del guión, eso en conjunto debería durar 35 minutos, estamos agregando minutos y minutos adicionales a esa parte del guión, y como consecuencia, destruyendo el ritmo y la ubicación de los puntos de la trama en la historia Todo esto está relacionado con la estructura que ya vimos en las lecciones anteriores. A lo mejor si lo hacemos en una o dos secuencias de un largometraje no es ese problema. Es decir, superamos 1 minuto o incluso dos en algún sentido específico. Pero a la hora de hacer un cortometraje de manera diferente, esto se ve afectado porque se supone que la mayoría de los cortometrajes duran 15 minutos o menos. Esta ecuación exponencial de sumar minutos a las secuencias realmente va a crear un problema para ti Todo este proceso va a cambiar opinión como director de cine porque vas a tener que desarrollar habilidades narrativas que te permitan resumir parte del guión O sea, sabiendo lo que es realmente importante o no para el guión, cierto es que como directores de cine, cuando estamos rodando una serie de escenas, tenemos que hacer un montaje en nuestra mente De hecho, creo que esto debería partir del mismo proceso de escritura, pero la única manera de convertirse en un mejor escritor es saber cuánto dura realmente una escena, o cualquier unidad, una fracción de la misma Un consejo que te doy es que mientras escribes, intentes usar piezas musicales para controlar el tiempo de las acciones. De esta manera, podrías ensayar con los actores con el ritmo y el tiempo de esas piezas musicales Sabrás exactamente cuánto duran las acciones y el guión Por otro lado, es necesario prestar mucha atención a la musicalidad y al ritmo de la escena emoción debe ser controlada en el avance de las escenas porque a veces debemos intercambiarlas para no causar molestias en el espectador. Es posible que una parte del guión tenga una carga emocional muy fuerte entre escenas emocionales consecutivas en el montaje, pero somos capaces de resolver O sea, de la misma manera que un hijo tiene varias partes que el público relaja y se emociona en ciertos momentos Nuestras películas también tendrán esa característica. Resumiendo, diría que los elementos más importantes son estos, la selección y filtrado los mejores momentos de las tomas y escenas Recuerda que el ritmo y los movimientos en las escenas se supone que son estéticos y agradables para el espectador Además, lo más importante es que si estamos trabajando con un guionista, siempre y cuando tengamos más habilidades de edición, podremos comunicarnos mejor con ese guionista también Porque sabremos si lo que están escribiendo tiene sentido o no. Quizás el guionista viene de la literatura y deberíamos llevarlos al ámbito del cine Todos estos detalles son importantes para hacer. Entender cuánto duran realmente las acciones en papel. Por otro lado, hay muchos programas a la hora de editar Premiere, Abbott, Da Vinci, todos ellos son perfectos Por otro lado, generalmente los editores también hacen corrección del color de la imagen. Pero un nivel realmente profesional, hay dos trabajos completamente diferentes. corrección de color realmente requiere una técnica de otra naturaleza, también un dispositivo específico, y pantallas especializadas para corregir correctamente el color de las imágenes. Lo más importante en la edición es saber que la película no está lista hasta finalice el proceso de realización de la edición. Además si hay alguien que puede convertirse en un gran escritor de cine, es un editor porque casi siempre tienen que reparar esos errores que anteriormente se cometían en el guión Los editores profesionales han visto tantas secuencias y escenas, teniendo con ello suficientes ideas sobre el ritmo y la estructura emocional de un mondage Por otro lado, en la edición, ocasiones se pueden reparar errores de dirección o corregir la cinematografía en cuanto a la cantidad de luz que debe tener AC Por ejemplo, hoy en día se acostumbra grabar con una resolución mucho mayor que el producto final. Podemos reencuadrar los disparos y crear un nuevo tiro con mejor equilibrio Por ejemplo, es una segunda oportunidad en términos visuales. En realidad, es algo muy sencillo que se puede hacer en cualquier software de edición que permite prácticamente hacer una nueva dirección de fotografía a partir de cualquier toma. Por otro lado, una pregunta que siempre me hacen, ¿debería el editor poder editar el sonido? Sí, él puede hacerlo. Pero un nivel no profesional, quiero decir, si quieres un resultado completamente profesional, debe ser realizado por un diseñador de sonido profesional en un software dedicado exclusivamente a eso. La edición de video es algo que cada vez es más accesible para todos. Es decir, hay muchos programas accesibles para ello profesionalmente. De hecho, los Youtubers o la mayoría de ellos son muy buenos en la edición de video, pero una cosa es editar un video para Youtube o Instagram, y otra completamente diferente es editar una película o un spot publicitario Las habilidades no son las mismas. La especialización en software no es la misma en realidad, y sobre todo, el conocimiento sobre el cine no es proporcionado por ningún software de edición. Para poder editar bien el cine, es necesario conocer todo lo que hemos estado hablando hasta ahora para tener las herramientas precisas para manejar muy bien cualquier software para cualquier proyecto cinematográfico. Te veo en la siguiente lección. 18. Bandas sonoras: Banda sonora y bandas sonoras. A lo mejor este es uno de los temas con los que debo conectarme en cuanto al sonido y la música. Porque la banda sonora es la música que estará en el fondo de nuestras escenas. Seleccionando dónde va la música al montaje donde debería comenzar a sonar Y parar es una tarea que requiere mucha práctica. Requiere ver muchas películas y desarrollar tanta sensibilidad para averiguar cuál es la música más apropiada que necesita nuestra historia. Básicamente, este conocimiento comienza por comprender la puntuación. Por otro lado, la música diética. La música diética es todas esas canciones o música producida por elementos en la historia, en las escenas Por ejemplo, en Titanic, la pequeña orquesta que toca en la fiesta e incluso mientras el barco se hunde, es una forma muy creativa de usar la música que pertenece a la banda sonora, claro De hecho, en el caso del Titanic, fue el propio compositor, James Horner, quien compuso la música de la orquesta Pero Quentin Tarantino también usa esto para cosas como dispositivos de música en salas como estéreos, etcétera Otro ejemplo es la película Braveheart. En esa película, en la escena donde vemos al escocés en el funeral del padre de Wallace tocando las gaitas, esa es una música diética extraordinaria porque permite conectar una música que el compositor ha creado, especialmente para la película, con la realidad de la historia Eso le da un valor agregado a la película porque no sólo el público está escuchando las melodías, sino que los personajes también la están escuchando Otro reto a la hora de tratar de pensar en cuál será la banda sonora es saber elegir el toque emocional exacto que pueda tener la música. Este tono emocional tiene que ver con el tiempo en el que estamos haciendo el proyecto cinematográfico. Cuando digo tiempo, me refiero al año. Lo que te estoy diciendo esto, porque por muy enamorados que estemos esas bandas sonoras de los 90 o incluso mayores, la música en las películas ha cambiado y sigue cambiando Como director de cine, debemos entender que la tecnología ha cambiado la música y tenemos que conocer esos cambios en términos de sonido y cómo la orquestación tradicional ha ido a la orquestación digital Por supuesto, todas las sensaciones generadas por la música dependen del gebre cinematográfico Pero con respecto a lo que te mencioné sobre la mezcla de la música con la tecnología, un ejemplo de ello son las manos. Hay una escena del Moving Interestler, donde a fuego lento a mano desata todo su poder compositivo a través de instrumentos sintetizados digitalmente para construir una música que represente el tamaño de esa gran ola marina de ese planeta lleno de Logró utilizar las bajas frecuencias de los instrumentos digitales para construir una experiencia inmersiva en esta ola gigante del mar que cruza el cielo Obviamente, ese era el deseo del director, Christopher Nolan, quien le dijo a Han, necesito la música que represente todo el poder de ese océano desconocido Por otro lado, como directores de cine, debemos estar conscientes del uso de las frecuencias bajas. Por ejemplo, esa música suena una frecuencia lo suficientemente baja para que no choque con el sonido de un seno con los diálogos, por ejemplo Eso no fue posible hace 20 años porque la tecnología no lo permitía, porque las orquestas tradicionales no pueden alcanzar tan baja frecuencia Pero hoy en día lo puedes hacer porque hoy los instrumentos digitales pueden llegar a casi cualquier frecuencia. Incluso para desencadenar a veces tan bajo como el búfer de sopa. Eso significa que los compositores están utilizando estos elementos para crear cosas que el compositor de los 90 no pudo crear Echa un vistazo a este ejemplo de una banda sonora que compuse para una de miosas usando bajas frecuencias. Sí también. Mira soy pres vino tu catalano a mi, papa Mata papa . Yago Pepa, Cuando te juro P. Pedro vaya, oh yo. ¿Cómo notas lo interesante que es esto Es una banda sonora hecha íntegramente con instrumentos digitales. También tiene arreglos tradicionales de orquestación utilizando tecnología de medios, pero tiene un sonido contemporáneo Es necesario entender este lenguaje, para poder también comunicarse adecuadamente con los compositores Para fomentar este proceso de comunicación, es necesario entender la anotación Notando es el proceso en el que agregamos piezas musicales de cualquier fuente al montaje, a la edición para armar las escenas con el posible ritmo y Eso es sumamente importante porque no hay forma de describir palabras exactamente qué tipo de música quieres para tu película. El compositor necesita tener referencias claras en términos de instrumentos, tono, melodías y ritmo Es muy común, incluso a nivel profesional. Te imaginas lo común que es hacer sencillo este error porque no tenías este conocimiento, haciendo con ello que un compositor hiciera música sin darle ninguna referencia. Es decir, solo hablando con él y tratando describir con palabras la música que quieres. Eso hará que el compositor pierda mucho tiempo y esfuerzo. Como director de cine, hay que poder darle al compositor suficientes referencias mediante el uso de la nota. El compositor te dice honestamente si es capaz o no de hacer esa música. Estas imágenes que estás viendo en este momento son de la película desechada, cual tiene una extraordinaria anotación, por supuesto, una gran banda sonora de Alan Silvestre. Ya sabes que el personaje deja gran parte de la película en la isla. No escuchamos ninguna música. Sólo el sonido del mar en el silencio que nos habla de la soledad que tiene el personaje. Pero no es hasta que deja la isla en la balsa y cruza esa gran ola para escapar ese momento donde sigue rodando hacia el océano. Y luego se da la vuelta y ve la isla desde el extremo derecho de ahí. La música en ese momento comienza a sonar. Esa música compuesta por Alan Silverstreet. ¿Por qué juega ahí mismo? Porque ahora estamos contemplando la isla de memoria. Entonces la música está representando todo lo que el personaje está sintiendo por dentro. Una vez que se va y se despide de la isla con los ojos, no necesitamos ver recuerdos de lo que hizo en la isla. Eso ya lo vimos. Y lo tenemos en nuestra memoria. De la misma manera que el personaje lo tiene ahora. Simplemente estamos sintiendo lo mismo que el personaje. Es decir, recordamos el amor, el grito, el esfuerzo, y el tiempo que vive en la isla. Esos son los momentos que nos enamoran del cine. Es una forma extraordinaria de hacer una anotación. Una muy buena nota de que el compositor no necesitaba crear demasiada música para la película porque solo se necesitaba la cantidad correcta para una escena específica. Hay películas que tienen mucha música y también son extraordinarias. Pero a pesar de intentar en la música bien, así que para no hacer lo que suelen hacer las películas malas, me refiero a escribir 2 horas de música y luego bajar y elevar el volm de la música a lo largo de la película Por último, te recomiendo que escuches mucha música. A todos nos gusta la música. Cuanta más música escuchemos, más herramientas tendremos para comunicarnos con el compositor y con los editores. Muchas gracias y te veo en la siguiente lección. 19. Efectos especiales y efectos visuales: Los efectos especiales y efectos visuales. Si hay algo que va a tener un impacto directo en el objeto de película es la cantidad de efectos especiales y visuales que nuestra película pueda tener. No obstante, debemos tratar de no ver unos efectos especiales o efectos visuales como algo que le dará un mordisco húmedo a tu objeto cinematográfico, limitando así las posibilidades de realizarlo. Debemos tratar de no ver esto como algo que es imposible de hacer con medios limitados. Por el contrario, teníamos que verlo como una posibilidad hacer cosas increíbles como directores independientes. Es decir, al utilizar correctamente los efectos especiales y visuales, tuvimos la oportunidad de hacer cosas que quizás, serían imposibles de hacerlo de la manera tradicional. En primer lugar, tuvimos que diferenciar los efectos especiales y visuales. Es algo muy sencillo. Los efectos especiales son efectos hechos físicamente establecidos, como heridas, explosiones reales, fuego de sangre Pero por otro lado, los efectos visuales pueden ser exactamente los mismos mediante el uso de un dispositivo informático, utilizando la adición de tecnología digital. Cuando se trata de crear efectos, siempre es mejor comenzar por comprender una base básica sobre los efectos cinematográficos, las capas de observación Cuando comencé a trabajar en películas históricas, entendí el tema sobre las capas de observación que se encuentran con proveedores que ofrecen servicios personalizados para cualquier tipo de proyecto cinematográfico. Entendí que dependiendo del tipo de toma y también de las características del proyecto cinematográfico, todos los detalles que aparezcan en la pantalla en cuanto a utilería de vestuario, serán elaborados con más o menos detalles Estaba preguntando por una cotización para algunos rifles de utilería en ese momento, para un gran número de soldados. Y lo primero que me preguntaron fue, ¿qué tan lejos está ese ejército en la escena? ¿Miran lejos? ¿ Miran cerca? Porque dependiendo de cuántos detalles de rifles se vieran en la cámara, iba a ser necesario poner más o menos detalles sobre los rifles, aumentando así el jet trasero que es fundamental a la hora de hacer una película back jet. Imagínese llevar esto exponencialmente a una gran producción. Podríamos gastar mucho dinero haciendo cosas inútiles, despilfarrando así el jet trasero. Este tema no es sólo para directores de cine, sino también para buenos productores de cine. Te voy a dar un ejemplo. Supongamos que esta es la toma. Mira qué tan lejos están estos audios a esa distancia. No es posible ver los pequeños detalles, los datos tenían que ser completamente reales. O sea, no es necesario que todas esas costumbres sean reales. Por lo tanto, tampoco es necesario que todos los efectos a esa distancia sean un efecto especial. Porque si mezclamos ese tiro general con un tiro más cercano donde tal vez aparecen seis o diez soldados, me refiero a pocos soldados que tengan rifles y ropa completamente reales. El espectador no dudaría de que los rifles y la ropa de ese disparo a distancia son exactamente los mismos. La misma ilusión visual ocurre con los efectos visuales. Entonces, cuando usemos efectos visuales para reemplazar cosas que no están en nuestras posibilidades de hacer, podremos jugar con este mismo principio para hacerlo. Por supuesto, estaremos usando efectos especiales de cerca y por otro lado, efectos visuales de lejos, lo que ahorraremos mucho dinero. En cuanto al proceso de atención humana, es importante conocer cómo funcionan los efectos visuales y también los efectos especiales. Cuando una persona está viendo una película, su psique aumenta en 20 puntos debido a la motivación En otras palabras, el espectador realmente puede decir cuándo un efecto visual es convincente o no Esto no puede subestimarse. Por lo tanto, para convencer al espectador con nuestros efectos, es necesario jugar con la duración de los disparos, especialmente cuando los efectos visuales no son de la más alta calidad. Entonces lo que estoy tratando de enseñarte es que desde el principio, tenías que saber cuáles son los disparos de tu rodaje, dónde van a estar los efectos visuales en esos disparos, y cuál es la duración de estos efectos visuales. Todos estos, para que los diseñadores de defectos tuvieran probabilidades reales de hacer esos efectos. Esto podría ser caballos de fuego, explosiones, clima, ejército digital es cualquier cosa Te voy a dar un ejemplo si quieres hacer un ejército de caballos. Quiero decir, quieres tener un ejército de caballos en tu seno, pero lo que tienes son cinco caballos en el set. Podrías combinar perfectamente tiros cercanos de esos cinco caballos con un tiro grande, con todo un ejército de caballos creado con tres de ellos. Modelado. Porque en el contexto de una película indie, es más fácil conseguir unos buenos caballos y luego contratar a un animador de tres D para que pueda diseñar el resto de los caballos lo suficientemente bien en una toma inteligente, sin mostrar demasiados detalles, consiguiendo así un aspecto completamente profesional No se puede imaginar cuántas películas ha visto en las que se utilizó esta estrategia. Y no lo has notado. Recuerda nuevamente que los efectos especiales son aquellos que se hacen físicamente en el set y los efectos visuales son los realizados digitalmente Por otro lado, a pesar de los avances tecnológicos, hay directores que prefieren utilizar efectos reales que los digitales. Había que aprender a mezclarlos lo mejor posible para provocar la sensación visual. Ambos tipos de efectos requieren recursos, requieren Bok Jet porque los efectos especiales exigen objetos, sustancias atrofian combustibles líquidos y cosas especializadas. Por otro lado, los efectos visuales requieren de un equipo especializado que tenga que pasar horas y horas frente a una computadora trabajando en ella. Entonces se supone que debes empezar a planear esto desde el principio, desde el guión El guionista, desde mi punto de vista, tiene que aprender a escribir un guión basado en un tipo específico de proyecto Es decir, si voy a escribir un movimiento independiente, al menos en términos de efectos visuales y especiales, las escenas deben escribirse en el contexto de una película independiente. No podemos escribir cosas imposibles de hacer. Echemos un vistazo a esto. En la pantalla, puedes ver un ejemplo de lo que te estoy diciendo. Vamos a ver caballos en la escena, y los primeros caballos que vemos son obviamente reales. Pero luego en la toma donde se quema la casa, ardiendo al fondo, los caballos están diseñados con efectos visuales. Cuando ves esta escena por primera vez, no la dudas. Porque si estás enfocado en la historia y antes ves los caballos de verdad, no dudarías que esos caballos verás después son falsos. Más tarde, incluso hay otra escena donde un ejército acerca a una montaña en ese punto de la historia. Si te estuvieras concentrando en la historia, no te vas a preguntar si los soldados son reales o no Y eso se debe al proceso de atención humana. Te voy a dejar la escena Santa, para que veas todo con mejor detalle. Él te diste cuenta tal vez viéndolo en este momento en aislamiento, eres capaz de notarlo. Pero lo cierto es que a estas alturas de la historia, ya has visto varias escenas reales con caballos y soldados reales. Por lo que no es probable que duden si son reales o no en un solo disparo. El disparo no es tan largo. A lo mejor como ya te dije que se hicieron digitalmente, estás listo predispuesto a verlas de esa manera Pero si estabas experimentando viendo la película por primera vez, es muy difícil notarlo. Por ejemplo, mira esta batalla al principio. De hecho, incluso en términos de producción, se puede decir si pudieron hacer esta batalla con caballos y utilería, etcétera No te estarás preguntando por qué ese pequeño grupo de soldados al final no sería real. Observe que hay soldados que visten uniformes azules. los soldados que vimos al final También eran azules los soldados que vimos al final acercándose a la montaña . Puedes agregar tantos factores referenciales que ayuden a hacer la lectura precisa si quieres la lectura precisa que deseas respecto a esta escena Por supuesto, James Cameron es un experto en hacer esto porque logró hacerlo de tal manera en Terminator y Titanic que aunque fueras un profesional, y notas que hay elementos digitales mezclados con tomas reales, no te vas a quejar de ello porque todo es tan poderoso que no te vas a enfocar demasiado efectos visuales. O sea, lo que estoy tratando decir es que la mejor estrategia para ocultar un efecto especial y visual es tener una buena historia cuando el espectador esté conectado a lo largo de toda la película. Así que se supone que no deben prestar atención a esos detalles a menos que sean realmente malos, claro. Pero en términos generales, como has visto hasta ahora, es una mezcla de diversos factores y elementos que distraen Lo que hace que los efectos especiales y visuales parezcan reales. Pero tal vez te preguntes qué puedes hacer para acceder a la tecnología digital para hacer los efectos visuales. Por supuesto, lo cierto es que hay cierto tipo de efectos visuales en los que no necesitas un gran experto profesional para que se vean reales y que se vean lo suficientemente bien para tu historia. Los efectos de bala y sangre que viste fueron hechos con una biblioteca que existe desde hace algunos años llamada Action Essentials Estas bibliotecas no son más que videos previamente cortos con todos esos elementos como chispas, explosiones, sangre, polvo, etcétera Y estos pequeños videos se graban con una pantalla verde o un fondo verde. Después con el proceso de chromakey, quitan el fondo Luego empacan un ap, estos pequeños videos como un producto llamado Action Essentials. Idealmente, deberías hacer estos videos tú mismo, pero esto requiere dinero. Por supuesto, si no tienes suficiente dinero para permitirte crear esos efectos visuales desde cero, te recomiendo encarecidamente que compres Action Essentials o cualquier video similar que puedas encontrar en línea. Porque lo equivocado sería tratar de hacer lo hizo la empresa que diseñó los elementos esenciales de acción, pero no tener suficiente dinero para lograrlo. Entonces te vas a mover va a parecer que de alguna manera estás tratando de lucir profesional y fallando. Lo más importante de este conocimiento es tener éxito, porque incluso tener todo el dinero del mundo. Recuerda que si no tienes una buena historia, es probable que un buen público del proyecto esté más conectado con los efectos especiales que con los personajes, y eso es absolutamente perjudicial para el proyecto cinematográfico. Te veo en la siguiente lección. 20. Termina el arte de la cinematografía: Bueno, este curso de cine llega a este fin. Lo más importante es que voy a actualizarlo eventualmente con más lecciones, sobre todo en lo que respecta a la comprensión del lenguaje cinematográfico Creo que esto es esencial para llegar a ser mejores, mejores cineastas, mejores camarógrafos también ponen todo en práctica Como te dije, consume arte de calidad, desarrolla tu propia sensibilidad a las imágenes en movimiento, y también la dimensión sonora. Bueno, si te gusta este curso, puedes dejarme una reseña porque me va a ayudar mucho para crear aún mejores cursos que este. Hasta la próxima vez.