Transcripciones
1. ¡Introducción a la clase! : Aquí te mostramos cómo crear tu primer proyecto de
diseño de movimiento
profesional en After Effects sin
años de prueba y
error y sin tutorial de
desplazamiento de doom La mayoría de los principiantes asumen que animación a nivel de
cliente será tan fácil
como seguir un tutorial. No se trata de tutoriales de herramientas de steach, no de pensamiento profesional Aprendí esto por las
malas. Yo aterricé el cli En la línea diez días. Tenía habilidades después de los efectos, pero no sistema, no
proceso, solo tutoriales. Entregé en 17 días, tarde, quemado,
y avergonzado. Sabía lo básico,
pero cuando llegó el momento de
crear por mi cuenta,
mi mente se quedó completamente en blanco. Entonces volví a los fundamentos. Estudié cómo los diseñadores de
movimiento reales planean, estructuran y ejecutan proyectos incluso
antes de que animen Y así es como creé el plano de
producción de animación, un sistema de 11 pasos que muestra qué hacer en cada etapa, por qué
se toma cada decisión y cómo
completar un proyecto de diseño de
movimiento completo sin conjeturas y nacido Al final de este curso, podrás
desarrollar
conceptos fuertes y una historia clara. Podrás
planificar y ejecutar proyectos
completos de diseño de movimiento. Podrás pensar
como un profesional, aunque seas un principiante
completo. Ahora bien, este curso no te
enseña tutoriales. Te enseña
a pensar y
tomar decisiones dentro y
fuera de los efectos posteriores. En este plano, podrás crear videos
explicativos, contenido de redes
sociales,
cortometrajes, películas animadas, animaciones
educativas
y trabajo con clientes Ahora bien, este plano es para ti si conoces
los conceptos básicos de After Effects, pero te cuesta
terminar el proyecto Los tutoriales no te han ayudado a crear trabajos de
aspecto profesional. Quieres un sistema claro, no una propina aleatoria. Te congelas en línea de tiempo en blanco y no sabes qué hacer primero. Quieres completar un verdadero proyecto de
diseño de movimiento pulido. Quieres confianza para comenzar y terminar proyectos por tu cuenta.
2. Elige tu montaña: Ly, ahí estaba este video
de un pingüino, ¿verdad? Se ha ido haciendo viral
y es una gran historia. Entonces un pingüino normalmente vive en el ary donde
todo es seguro, como que reciben suficiente comida y están con
otros pingüinos Pero este pingüino va
hacia esta montaña, que está a casi 70
kilómetros de donde se le dispara Y estas imágenes, no
sé por qué, pero es realmente
inspirador a Internet, y también me está inspirando a mí ¿Bien? Entonces tengo una
sugerencia para ti que tengas que elegir
tu montaña, ¿de acuerdo? Por ejemplo, la montaña
para mí en estos momentos está produciendo este curso lo antes
posible. Mountain for you
podría ser simplemente mantenerse consistente o montaña
para usted podría estar aprendiendo después de los efectos lo más
rápido posible para que pueda hacer o ganar dinero
haciendo lo que ama. Montaña, para algunas personas
podría estar manteniéndose saludable. Montaña para algunas personas
podría ser ir al gimnasio. Montaña para algunas personas
podría ser cualquier cosa. Sea cual sea tu montaña. Recígalo ahora mismo. Por ejemplo, podría estar terminando
este curso, o podría estar produciendo tu primer video explicativo
o primer video animado, o necesitas encontrar un
cliente lo cual no es fácil Y pase lo que pase, no
te
detienes hasta llegar a la cima de
la montaña, ¿de acuerdo? Eso es lo que este pequeño pingüino nos
inspira a hacer es
movernos hacia la montaña, aunque nadie esté con
nosotros o incluso si pudiéramos perecer en nuestro camino y
podríamos sentir que eso está ¿Bien? Entonces, si este pequeño
pingüino puede ir por una montaña, bueno, estoy bastante seguro de que
puedes hacer un maldito video Bien. Así que asegúrate de
apegarte a tus entrañas, asegúrate de
seguir tu dicha, asegúrate de perseguir y
avanzar hacia tu montaña
3. Proyecto de clase: informes a clientes: Proyecto de clase, te he dado
seis escritos ficticios de clientes Estos están diseñados para sentirse
como un trabajo de cliente del mundo real, y no son ideas de práctica
al azar. ¿Bien? Para que puedas
elegir cualquier breve y seguir junto con todo
el proceso. ¿Bien? Entonces tengo que decirte algo que
es realmente importante. Entonces no te voy a mostrar
la animación como lo hacemos normalmente de una manera
tutorial, bien, y pedirte
que sigas. No voy a hacer
eso para esta clase. Bien. En cambio, voy a desglosar el proyecto paso a paso, exactamente la forma en que el
profesional piensa y trabaja para que pueda
explicarlo con más detalle. ¿Bien? Y así
te mostraré cómo se toman las decisiones, por qué se elige un cierto enfoque y
cómo
se resuelven los problemas
durante la animación. ¿Bien? Entonces, si tomo ese enfoque más antiguo de impartir
curso como un tutorial, como si te dijera lo que estoy haciendo en la pantalla,
mientras hago eso, puedo olvidar incluir cómo podría pensar
un profesional, ¿de acuerdo? Y por eso me he llevado esto
4. Plan de producción de animación: Planos de producción de animación. Ahora, déjame
guiarte rápidamente a través los diez u 11 pasos
de la producción. Primero, tenemos preproducción, luego tenemos producción
y luego postproducción. Aunque a veces la edición
está en la postproducción, pero como no editamos tanto
como editor, cuando se trata de animación, he guardado en la
producción en lugar de postproducción es
donde empezamos. ¿Bien? Entonces primero,
entendemos el resumen del cliente. Una vez entendido el
brief del cliente, pasamos al segundo paso,
que es la conceptualización Aquí creamos conceptos
desde cero. Después pasamos al paso tres,
que es la visualización. Entonces, en las visualizaciones,
tratamos de visualizar el aspecto y la sensación
del producto final Entonces básicamente elegimos colores, vemos cómo se verán las cosas, qué va a sentir. Bien. Después pasamos al cuarto paso, que
es la exploración. Entonces en la exploración, básicamente
exploramos las referencias e inspiraciones que necesitamos para nuestro proyecto, luego pasamos al quinto paso Entonces, el quinto paso es diferente. Es estrategia, ¿de acuerdo? Entonces las estrategias son
realmente cruciales. Entonces aquí, básicamente hacemos estrategias que
nos ayudarán a terminar el
proyecto a tiempo. ¿Bien? Esto se ve aterrador y largo, pero no te preocupes, no
es tanto tiempo en el curso. Bien. Entonces una vez hecho esto, se termina la preproducción. Y no necesitamos la aprobación del
cliente, todo lo que tenga AA
necesitará una aprobación, ¿de acuerdo? Entonces, una vez hecho eso, pasamos
a sc story y voz en off ¿Bien? En este paso, escribimos el guión o
escribimos la historia. Usamos tres estructuras X o
las estructuras que
se darán en el curso y
grabamos la voz en off, Entonces, si estás haciendo
un video explicativo, necesitarías guión, ¿de acuerdo? Y luego obtienes la aprobación del
guión, y luego vas con la voz en off Si no estás haciendo
un video explicativo,
es solo un video impulsado por la historia Solo necesitarías una historia, y luego puedes obtener la aprobación y luego pasar
al siguiente paso, ¿de acuerdo? Entonces cada A aquí significa
que necesitas aprobación. Bien. Luego pasamos al
guión gráfico y al marco de estilo En el storyboard
y style frame, estaremos creando
storyboard y style Los storyboards son
imágenes ásperas de lo que sucederá. Bien. Básicamente es un
dibujo de lo que va a pasar. Style frame es básicamente una captura de pantalla de
tu video final, pero hacemos esto antes
de hacer el video real. Luego en la creación de activos, estaremos creando
activos para nuestra animación. Este paso es realmente crucial, pero aquí no necesitarás
aprobación. Por cierto, olvidé mencionar que en storyboard
y style frame, debes obtener la aprobación de tu
cliente porque si
no consigues aprobación, tendrás problemas aquí, ¿de acuerdo? Así que asegúrate de obtener la aprobación de
tu cliente, y una vez
hecho esto, puedes comenzar a crear los activos finales
para la animación. Edición. Bien, entonces en animación y edición, bueno, es obvio. Bien, aquí
animamos y editamos. Entonces tenemos
diseño de sonido y música. Escogemos efectos de sonido y
sea lo que sea que necesitemos, necesitamos música porque la música y el diseño sonoro
son realmente cruciales. En este curso, te
mostraré cómo elegir buena música también, y qué hacer al
respecto. Es muy sencillo. Bien. Entonces el
paso final es que entregamos, y si nuestros clientes quieren
revisión, proporcionamos revisión. Este es el
plano básico de este curso. ¿Bien? Entonces, si quieres
hacer una animación, bien, que es esto,
necesitarías esto. La mayoría de la gente, lo que
hacen es que están tanto
enfocados en esto que olvidan
las partes, ¿verdad? Pre no sé cómo
hacer pre producción. Y es por eso que crean
estos conceptos pobres, y estos conceptos pobres
terminan haciendo no solo una
mala animación, sino que no van a
tener ningún impacto en tus audiencias, ¿de acuerdo? Pero nos sumergimos
profundamente en nuestro concepto, en visualizar las cosas
en la exploración Este plano
se puede utilizar para películas. Se puede utilizar para la edición
de video. Se puede utilizar para casi
cualquier cosa relacionada con videos. ¿Bien? Entonces eso es todo para el plano de
producción de animación Te veo en
la próxima conferencia.
5. Paso 1: análisis del resumen del cliente: Entonces entendamos cómo analizar el informe del
cliente, ¿de acuerdo? Y así lo primero que
solía hacer era
revisar todo el informe del cliente. Se trata de un logotipo. Estas son las referencias visuales
que han enviado. ¿Bien? Y así una vez que
pase por todo el resumen, señalaría la parte más
importante, por ejemplo, mensaje
clave aquí es que la
contaminación daña la vida marina, pero con cuidado y acción, el océano puede sanar, ¿bien? Entonces este es el mensaje clave
que quieren compartir, ¿de acuerdo? Y así esto va a
ser realmente crucial cuando
escribamos historias y
diseñamos nuestras imágenes, bien. Entonces el público también
va a ser realmente crucial. Es para espectadores generales de
10 a 30 años , estudiantes familiares
y audiencias ecológicas, ¿de acuerdo? Gente que prefiere la narración gentil y amistosa
en lugar activismo
agresivo, Y así hay que tener
esto en mente también. Porque esto es lo que quieren
los clientes, ¿de acuerdo? Entonces estos clientes son
muy agradables
porque también nos han dado tono
y estilo. ¿Bien? Entonces aquí, quieren amigables, accesibles,
emocionales, pero no pesadas,
limpias, imágenes suaves,
amigables, accesibles,
emocionales, pero no pesadas,
limpias, ilustrativas, final
cálido y esperanzado, texto
mínimo, imágenes fuertes, Entonces los puntos, todos estos
son realmente, realmente cruciales. Entonces voy a
escribirlos o escribirlos en algún otro documento para
que pueda recordar cada vez que estamos creando
conceptos o algo así, ¿verdad? Entonces esto también es realmente
crucial, ¿de acuerdo? Porque aquí se te
dará el tiempo, ¿de acuerdo? Entonces, el tiempo en la animación es realmente crucial
porque cuando estás aprendiendo de un tutorial, realmente no
les
importa el tiempo, ¿verdad? Porque todo lo que están
enfocados es en enseñar cómo hacer esto o cómo hacer bien este efecto. Pero y si hay esta
vez crance tienes que
mostrar todo en
20 a 25 segundos. ¿Cómo vas a demostrar eso? Entonces, ¿esto o cómo
vas a mostrar esto
en 20 a 25 segundos? Si lo piensas,
es realmente desafiante. Es como contar una
historia entera en 25 segundos, y no es fácil, cierto, porque hay que
mostrarles los efectos de la contaminación, hay
que mostrarles los
problemas de escalar Hay que mostrar una operación de
rescate. Tienes que mostrarlos o
trasladarlos antes,
después del estado, ¿de acuerdo? Y cómo eliges mostrar
esto depende completamente de ti. Se pueden interpretar los
pasos de cualquier manera creativa, simbólica o literal, ¿verdad? Y también, nos han dado
estas limitaciones creativas. Por lo que debe incluir una ballena que debe mostrar
contaminación para limpiar, y debe terminar con sentimiento
positivo, sin ir realista o imágenes
perturbadoras ¿Bien? Y entonces este es
el nombre de la marca, que es, bueno, es IA
generada y es falsa. No te preocupes por eso.
Bien, entonces es un cielo azul
6. Paso 2: Conceptualización: El primer paso en cualquier
proceso creativo es la conceptualización. Esto sucede justo después de que te
rompes y
entiendes el resumen. Una vez que el resumen es claro, construyes el concepto
desde cero. En esta etapa, el concepto
no necesita ser perfecto. Solo necesita
darte una dirección clara, una idea aproximada de cuáles podrían ser
las imágenes Una regla crítica que hay
que recordar es estos conceptos deben provenir de
historias, no solo visuales. Como diseñadores de movimiento, a menudo
nos enfocamos demasiado en las imágenes y
olvidamos nuestro trabajo real Bueno, nuestro verdadero trabajo es
hacer sentir
algo a la gente si tu animación
no crea emoción, no
importa
lo bien que se vea. El objetivo no es
impresionar a otros animadores. Es para comunicarse con público
general
e inspirar el cambio. Concepto débil es igual a historia débil, y ninguna cantidad de
pulido visual puede arreglar eso. Para crear conceptos fuertes, sigo un sistema de cuatro pasos. Primero, te haces
las preguntas correctas. En segundo lugar, extraes
palabras clave, escuchas, creas historias ásperas, y cuatro, creas bocetos
a partir de tus ideas. ¿Bien? Entonces, el primer paso es hacer
las preguntas correctas. La mayor diferencia
entre principiantes y profesionales
es cómo piensan. Hacer las
preguntas correctas
cambia instantáneamente tu pensamiento hacia
una mentalidad profesional Entonces aquí están las preguntas. Primero, ¿qué
quiere el cliente y cuál es mi papel? Ahora bien, esto es para
ti, no para el cliente. ¿Bien? Entonces los errores están bien. En este caso, el cliente quiere una breve animación emocional
sobre la contaminación del océano, una historia clara de antes y después, un tono familiar, esperanzador, imágenes
limpias y suaves, y un video que sea utilizable
en todas las plataformas Ahora, tu papel es convertir
esto en una historia clara, diseño
claro y una animación idealmente sin ningún
diálogo ni voz en off Número dos, ¿qué concepto inspiran las
ideas ya existentes? Ahora, algunas ideas inmediatas son un personaje central como la ballena que muestra los efectos de la
contaminación y rescatan un fuerte sentido de transformación
en el personaje. Entonces una idea es la ballena
que sufre de contaminación y luego
ser rescatada, otra es madre y ballena
bebé separados y
reunidos al final, pero esto puede ser demasiado
complejo para un principiante y
un plazo de siete días
así que lo mantenemos simple La tercera pregunta es, ¿qué
es el mensaje central y la emoción? El mensaje se
definiría en una línea clara. Entonces, por ejemplo, la contaminación
daña la vida marina, pero con cuidado y acción, el océano puede curarse a sí mismo Y emocionalmente, el público
debe sentir preocupación, empatía, tristeza, alivio, esperanza Ahora bien, estas emociones están escritas
más o menos, ¿de acuerdo? Ahora bien, escribí estas
emociones teniendo el concepto que definimos mente
el concepto que definimos
en la última pregunta
, ¿de acuerdo? Entonces, si no puedes llegar a las emociones, eso está
completamente bien. Pero hay
que recordar que estas emociones guían el color, el ritmo
y la composición Entonces, si no puedes definir estas
emociones para cada escena, porque aún no hemos
definido escenas, pero puedo desde que estoy levantada, llevo siete años trabajando en este
campo. Y así si no puedes multar del
todo. Puedes comenzar con
dos o tres emociones que creas que tienen razón. ¿Bien? Número cuatro, ¿cuál es la metáfora visual
más simple
para este proyecto Ahora la solución más clara
es antes y después. Entonces, por ejemplo, antes
había contaminación, oscuridad, zumbido, después de que tengamos rescate,
claridad, y sanación Es realmente simple, es
legible y es efectivo. Una vez que definas todo esto, pasamos al paso dos, que
es extraer palabras clave. Así que las palabras clave te ayudan a visualizar diseño y la animación final. Entonces estas palabras clave
se extraen de las preguntas breves y ya
respondidas, ¿bien? Por ejemplo, ballena antes
y después, contaminación, curación, plástico oceánico limpio, oscuridad, rescate, etcétera ¿Bien? Por lo que serán nuestra guía para el bosquejo
y la narración de historias El tercer paso es
elaborar una historia aproximada. Bien, muy simple. Historia uno, una ballena atrapada en
la contaminación sufre. Y básicamente, en versión posterior, el cliente rescata y
limpia el océano y
la ballena Entonces he creado
otra historia. Entonces esto es emocional
pero complejo. ¿Bien? Entonces una madre y una ballena bebé
se separan por
la contaminación y se unen al final por el equipo
de rescate. Y para principiantes
y plazos ajustados, la
historia uno funciona mejor, ¿de acuerdo? Entonces pasamos a la parte final, que es el paso cuatro, y eso es sketch, ¿de acuerdo? Entonces usa palabras clave para bosquejar ideas
ásperas, ¿de acuerdo? No necesitan
verse bien. Simplemente claro. Este paso es para la claridad,
no para el perfeccionismo. ¿Bien? Y si dibujar
no es tu fortaleza, puedes usar referencias. Vamos a entrar en
referencias en los capítulos posteriores, o puedes usar IA para eso, especialmente en titulares cortos, creo que deberías confiar en la IA
La IA es realmente útil, ¿verdad? Pero aquí, el objetivo
no es el perfeccionismo. Es claridad y ganar ese
impulso lo que nos ayudará a ejecutar nuestro proyecto de una manera que sea útil y que se
pueda hacer a tiempo.
7. Paso 3: Visualización: Visualización,
imaginamos la apariencia de la animación final. Aquí es donde exploramos ideas
aproximadas que
luego guiarán el scripting
y la ejecución Aunque la gente suele
decir mirar y sentir, nosotros los definiremos en
el orden opuesto. Primero, la sensación
y después la mirada. La primera parte es sentir. Esta es la emoción que quieres que experimente
el público. La pregunta clave
que debes hacerte es qué emoción quiero que sienta el
público al final. Una vez que respondes a eso, tu dirección emocional
se vuelve clara. Para este proyecto, quiero que el
público se sienta esperanzado, suave, amable,
gentil y cálido Ahora, una vez que el sentimiento es claro, lo
traducimos en mirada. ¿Bien? Entonces pregúntate
qué colores ,
formas, elementos y texturas comunican
estas emociones. Porque nuestras emociones
son cálidas y esperanzadoras definir el look
se vuelve mucho más fácil Incluso puedes pegar
tu lista de emociones en ChagPD o Gemini y
preguntar qué color, qué formas, qué elementos y qué textura representa
estas emociones y sentimientos Cuando se trata de color, generalmente
obtendrás colores
cálidos como el
amarillo o el naranja, y ese se convierte en nuestro
color primario para el proyecto. Ahora, una vez que se elige el color, se mantiene consistente
durante todo el proyecto. Por ejemplo, si la e es naranja, permanece naranja
durante todo el proyecto. Solo el brillo o la oscuridad pueden cambiar
dependiendo del estado de ánimo. Aquí no voy a profundizar en la teoría
del color. Porque ya tenemos un curso
completo dedicado a ello. El punto es simplemente esto, necesitas una paleta de colores. Para crear una paleta de colores, primero
debes
elegir la sensación
esperanzadora,
suave, amigable,
gentil y cálida Entonces puedes preguntar a Gemini o Cha GPT qué
colores coinciden con eso Y toma el color
primario sugerido y ve a cualquier
sitio de armonía de color como adoptar más fresco y usar rueda de colores y
diferentes armonías alrededor del color primario para
construir tu paleta de colores Nuevamente, el color es un tema profundo, así que aquí lo mantendremos simple. Entonces las formas también llevan emoción. Como la emoción central
aquí es esperanzadora, utilizamos formas redondeadas Esto ya se
estableció en el boceto, por lo que no hay necesidad de
pensarlo demasiado Otra cosa que debes agregar aquí son tus
preferencias personales. Este es tu proyecto. Entonces tus preferencias importan. Para mi, eso incluye color
como el amarillo y el azul. Son mi textura de ruido de
color favorita, sombras de
color, medio tono, que es mi favorita personal, y la incluyo en cada
proyecto que pueda, ¿de acuerdo? Aunque estas elecciones
no sean perfectamente lógicas, reflejan quien soy. Y eso es importante para mí. Y quiero que
recuerdes lo mismo. Tu estilo importa,
tú importas, ¿de acuerdo? Ahora, hemos mantenido
referencias duramente intensas. Las referencias llegan
más tarde. No forzado. La mayoría de la gente empieza
con referencias, y ahí es donde se equivocan. Si confías en
las referencias demasiado pronto, terminarás copiando
en lugar de crear. Cuando tengas claro
las emociones, los colores, las formas, las texturas, sabrás exactamente qué referencias aceptar
y cuáles rechazar. Mantente fiel a ti mismo, aunque eso signifique
rechazar estilos que se vean geniales pero que no
coincidan con quien eres Finalmente, definimos los elementos. En este proyecto,
ya tenemos la ballena, botella, y la ola. También podemos agregar el sol, tablas, basura o botes. Los elementos provienen de la
simple pregunta qué objetos se relacionan con el
proyecto y el sujeto. ¿Bien?
Listarlos, y eso es todo. Entonces, la visualización se trata de definir
claramente las emociones, colores, formas,
texturas y elementos. Básicamente, estamos
visualizando cómo podría ser
nuestro proyecto final o
video final Una vez que estos están claros, todo lo demás se vuelve más fácil.
8. Paso 4: Exploración: El paso es la exploración.
En la exploración, buscaremos inspiración en
base a nuestras necesidades. Una vez que lo encontramos, lo
usamos para crear una estrategia que nos ayude a
terminar el proyecto a tiempo. Estas son las referencias
que he recopilado. Ahora bien, las referencias son importantes, pero hay que tener cuidado de no perderse en ellas
porque es realmente atractivo
mirar referencias y desplazarse en lugar de
trabajar en su proyecto. ¿Bien? La mayoría de la gente pasa demasiado tiempo
recopilando referencias, y al final, su trabajo comienza a verse
exactamente como lo que recogen. No usamos referencias para copiar, las
usamos como inspiración. Si simplemente vuelves a
crear referencias, estás engañando a los clientes, pero también te estás
engañando a ti mismo, y eso es algo que
debes evitar Encontrar referencias no necesita ser profundo o complicado. Por eso esta parte
es sumamente corta. La única regla a recordar es esta una referencia útil que debe
apoyar tu concepto. Un enfoque sencillo es tomar todo lo que
hemos hecho hasta el momento, el cliente breve
conceptualización y visualización
y luego
pegarlo en el chat GPT o
Gemini y pedirle que extraiga palabras clave útiles para sus referencias
para este proyecto Una vez que tienes palabras clave claras, encontrar las
referencias correctas se vuelve fácil. El mayor error que comete la
gente es pasar demasiado
tiempo en referencias. Se pierden luego
luchan durante la ejecución. Esto sucede porque
confían demasiado en las referencias y no en su propia capacidad y no en su propio pensamiento. Siempre confía primero en tu pensamiento
y en tu habilidad. Las referencias son solo referencias. Además, no esperes encontrar referencias que
coincidan perfectamente con tu animación final. Si tu proyecto tiene varias
escenas, eso no es realista. Y si encuentras
las coincidencias perfectas, bueno, estás afrontando,
y nosotros no queremos eso. El objetivo es crear algo honesto y verdadero para ti mismo. No necesita ser
completamente original, pero sí necesita
ser auténtico. Los principiantes suelen copiar referencias, y eso es
comprensible. Carecen de la orientación. Imitan a los profesionales para aprender pero ahora tienes una manera Entonces no hace falta que hagas eso. Tienes un
proceso claro para pensar. Ya sabes cómo pensar,
cómo planificar, y cómo decidir. Entonces, naturalmente, el tiempo que dediques a las referencias se reducirá, y así es exactamente como
9. Paso 5: estrategia: El siguiente paso es la estrategia. La mayoría de los animadores y la mayoría de los cursos no hablan de estrategia,
pero es esencial Entonces la estrategia es un plan claro para terminar el proyecto a
tiempo sin burnout. Sin estrategia, una de estas
tres cosas sucederá. Primero, podrías
quemarte o segundo, el cliente pide revisiones para las
que no estabas listo,
y tercero, no
cumpliste la fecha límite. Bueno, los tres perjudican tu
salud, confianza e ingresos. Sin estrategias, el
proyecto se siente abrumador. No sabes por dónde
empezar, así que te congelas. Con la estrategia, todo
se vuelve claro y manejable. estrategia es la
diferencia entre terminar un proyecto
y abandonarlo. Profesional que entrega y un principiante que nunca empieza. ¿Bien? Entonces la estrategia es crucial. Primero, definir el alcance, decidir la duración de la animación, número de escenas, lo que es esencial y qué se
puede simplificar. Aquí, puedes preguntarte cuánto durará la animación. ¿Cuántas escenas tendrá? Qué momentos son
cruciales y qué se
puede simplificar el modo. Ahora, recuerda, si
eres principiante, no
necesitas
responder a cada uno de ellos. Ahora bien, si te sientes
atrapado en alguna parte, puedes simplemente seguir adelante y
saltarte esa pregunta. ¿Bien? Aún no necesitas todas
las respuestas. Entonces para este proyecto, el video
va a ser de 20 a 25 segundos. Tendrá de cuatro
a cinco escenas, y esto evita que el proyecto
se salga de control. Número dos, decide el enfoque. Elige el estilo que
se ajuste a la fecha límite, ¿de acuerdo? Pregúntate qué estilo es realmente alcanzable
dentro de la fecha límite ¿Bien? Entonces aquí el
enfoque será plano, sencillo, redondeado, mínimo. Eso es realista y alcanzable. Número tres, decide las herramientas. Pregúntate qué
herramientas me ayudarán a
moverme rápido y qué herramientas
voy a necesitar para este proyecto. Entonces aquí voy a necesitar
after effects, Illustrator, AI, así que la IA reduce la fricción
y acelera las cosas. Si no quieres entrar en Illustrator y
separar las cosas, puedes usar IA, ¿de acuerdo? Realmente facilita las cosas. Número cuatro, decide los detalles de
la escena, ¿de acuerdo? Ahora bien, esto es reproducción. Estamos en fase de preproducción,
no perfeccionismo, ¿bien? Así que recuerda eso. Así que las escenas
serán sencillas y limpias. Solo detalle suficiente para
mostrar emociones y cambiar. Número cinco, elige técnica. Pregunta qué técnicas de animación son realistas para
mi nivel de habilidad. Si eres un principiante completo, esto se sentirá desafiante
y eso es normal. Una vez que mires
tu guión gráfico, entenderás lo que
hay que animar A partir de ahí, podrás
identificar qué habilidades y tutoriales necesitarás
para completar el proyecto. Puedes responder a esta
pregunta más adelante. Para este proyecto,
necesitaré animación shapier, posición
básica, animación
a escala y bucles de onda simples No quiero
olas normales, por cierto, quiero olas que se sientan ricas,
casi como acuarela. La animación en sí
es fácil para mí, pero hacer que se vea
bien es la parte difícil. Por lo que noto claramente que necesito
aprender o investigar looks de onda
estilo acuarela. Número seis, divídalo en escalones. Ahora descomponemos todo. Entonces aquí, pregúntate, qué pasos debo
dar para poder terminar
este proyecto a tiempo. ¿Bien? Entonces primero,
estaré creando assets, luego estaré preparando escenas en after effects o Illustrator. Después animaré primero los elementos
centrales. Por ejemplo, las olas, el
sol, el movimiento del agua. Estos elementos se mantienen consistentes en toda la animación. Entonces, si los animo una vez, puedo usarlos en todas partes. Solo cambiarán los colores o
expresiones. Después me enfoco en la animación de la
historia principal de la ballena. O botella es especialmente
importante aquí. Actúa como contenedor
para toda la historia. Después de eso, tenemos
transiciones puliendo, haciendo que las cosas se vean
bien, y sí, hacer que las cosas se vean
bien importa mucho. ¿Bien? Si la animación es
genial pero se ve mal, los clientes sienten
que falta algo. Si la animación es promedio, pero se ve increíble, los clientes
a menudo no se dan cuenta. No te estoy pidiendo que engañes
a los clientes. Te estoy diciendo que el
pulido visual es poderoso. ¿Bien? Y último paso es
renderizar y revisar. Ahora, a partir de este paso,
crearemos una línea de tiempo
para nuestro proyecto, ¿de acuerdo? Una línea de tiempo simple. Entonces el primer día va a ser la preproducción y la creación de sets. El día dos a cuatro
va a ser animación. día cinco va a ser
pulido o animación final, día seis es renderizado y revisión, y el día siete es entrega final. Ahora, la preproducción
es la base. Si te lo saltas,
todo colapsará. Es como la fundación
de la casa. Si tarde o temprano te saltas
los cimientos de la casa, los ladrillos caerán sobre tu cabeza. Entonces tenemos el número ocho, que es fijar sus
prioridades en orden. Pregúntate, ¿qué necesito priorizar para terminar a tiempo Bien, así que para terminar a tiempo, mantén la historia simple. Enfócate en escenas clave, reutiliza elementos y animación tanto
como puedas, termina
primero las animaciones aproximadas, evita el perfeccionismo Las emociones importan
más que los detalles. Entonces, si te
metes, asegúrate de que la emoción y asegúrate de que la emoción y
el corazón de la escena estén en el lugar correcto. Por último, las
animaciones que la gente recuerda no son las más
complejas, ¿de acuerdo? Ellos son los que les
hicieron sentir algo. Si tus audiencias
sienten algo, lo recordarán
aunque no sea perfecto. Pero para ejecutar eso,
se necesita una estrategia. ¿Bien?
10. Paso 6: historia, guion y VO: Entonces el guión o la historia, sea lo que sea que
estés haciendo, ya sea un video
animado o un video explante o incluso un regalo, Jiff como lo digas, el guión y la historia son
el corazón de tu Si quieres hacer algo memorable, tienes que
recordar esto. Los humanos son y
siempre serán impulsados por historias sin importar cuán avanzadas
sean las tecnologías, ¿de acuerdo? Aunque haya un tiempo en el que el
ser humano y la IA se
sincronizarán en un mismo cuerpo,
seguiremos inspirándonos en las historias Si no puedes contar
historias que muevan a gente tus
videos animados no tendrán impacto. Podrías crear algo
visualmente impresionante, pero la gente olvida videos visualmente
impresionantes todo el tiempo. Lo que no
olvidan son historias, historias que mueven sus corazones. Esto es algo que siempre
debes recordar cuando estás dentro
después de los efectos animando. Ahora bien, hay dos
tipos de scripts, y estos son los dos
componentes aquí. ¿Bien? Entonces, el primero es cuando estás creando un
segundo explicativo es cuando estás creando un video impulsado por la
historia como el que estamos
trabajando aquí. ¿Bien? Entonces, vamos a explicar primero los guiones de video
explicativos Por lo que un guion explicativo de video es componente
crítico
que determina el resultado final del video Es el plano que utilizan
los diseñadores para crear y animar
personajes y entornos Y los guiones explicativos están escritos
en su mayoría para
la voz en off ¿Bien? Entonces primero grabas
la voz en off y luego animas en
función del guión, y a partir del guión,
creas el guión gráfico Ahora, los videos impulsados por historias
también tienen narración, pero hay una diferencia clave En los videos explicativos,
tienes voz en off, lo que te da mucho control
sobre el ritmo, la claridad Videos impulsados por historias
como este, no
hay voz en off. Significa duplicar el reto. Eso significa que la historia
misma tiene que ser lo suficientemente
fuerte como para
comunicarlo todo seguramente. que ser mucho más intencional sobre
cómo fluye la historia, cómo las imágenes son lo que están haciendo los
personajes, ¿verdad Ahora, veamos cómo
escribir la historia, ¿de acuerdo? Entonces, para contar una historia, necesita una estructura es una estructura muy popular utilizada
en las películas más exitosas. Se llama la estructura
tres X. Entonces el acto uno muestra el problema. segundo acto muestra cómo se está
abordando o cuestionando el problema. El tercer acto muestra la resolución. Bien entonces por ejemplo,
en videos explicativos, acto uno introduce el conflicto, el personaje y la
situación en la que se encuentra el personaje. segundo acto muestra los
obstáculos, complicaciones, y también muestra los
productos de los clientes como una solución. Y el tercer acto entrega
la resolución sobre cómo los productos del cliente
resuelven su problema. Vamos a pasar por
eso en tan sólo un segundo. ¿Bien? Ahora bien, esta
estructura es sumamente útil a la hora de escribir
explantc Bien Aquí está cómo usarlo realmente. Literalmente comienzas por escribir Acto uno Acto
dos, Acto Tres. ¿Bien? En el primer acto,
¿cuál es el problema? El segundo acto es, ¿cómo resuelve
el problema el producto o
servicio del cliente? Acto tres, ¿por qué el espectador debería elegir al cliente sobre
cualquier otra persona? Eso es. ¿Bien? Ahora, vamos a aplicar esta estructura a
nuestro proyecto, ¿de acuerdo? Entonces empezamos con el antes en el antes
introducimos conflicto. Poco a poco aumentamos la
escala del conflicto de
una manera emocionalmente
dolorosa para el público. Primero, mostramos a la ballena
rodeada de plástico. Entonces mostramos a la ballena muerta
con aún más plástico, y el sol está triste. Ahora bien, este es el punto bajo
emocional. Aquí es donde
introducimos la solución. La solución es el
servicio del cliente limpiando el océano. Mostramos océano siendo limpiado. Y al final, la
ballena es feliz, el sol es feliz, el
pájaro se alza y el océano es
hermoso, está limpio ¿Bien? Y finalmente,
terminamos con el logo del cliente. Así que esa es la historia, ¿verdad? Ahora bien, aquí hay
algo importante. La estructura importa, sobre todo si eres
principiante. Síguela. Eso está completamente bien. Estructuras como estructura
tres X. Y hay muchas
estructuras de narración, no solo tres
estructuras X, ¿de acuerdo? Pero más importante que
la estructura es la intuición. No todas las grandes películas
siguen una estructura de transmisión. No tienes que
copiar una fórmula. ¿Qué importa es esto? Tus personajes deben
pasar por algo significativo. Debe haber una clara
transformación ya sea en el personaje
o en el mundo. Y la historia debe hacer que el
público sienta algo. No siempre necesita dejar una impresión profunda
y duradera, pero debe crear esa conexión
emocional, ¿verdad? Si el público siente algo, ya
has ganado si
sigues perfectamente la estructura TX o no. Eso es lo más
importante para recordar. ¿Correcto? Entonces, si estás trabajando
en un video explicativo, esta es la etapa en la que
escribes todo el guión Una vez escrito, lo
envías a tu cliente para recibir comentarios
después de la aprobación, grabas la voz en off y luego avanzas
en la producción. Por eso esta fase
es tan importante. Es por eso que el guion
y la narración se sientan en el centro
del proceso de producción Y eso es todo para
el storytelling y scripting y
11. Importancia del cuaderno de bocetos: Estamos en after effects, y lo primero
que quiero
explicar es la
importancia de los bocetos Déjame guiarte rápidamente a
través de mis bocetos, que no creo que sean los más grandes de todos,
y eso está bien ¿Bien? La razón por la
que bosquejamos no es para mostrarle a otras personas lo
grandes que somos porque, bueno, se
puede decir lo genial que soy, sino para superar este miedo crear
cosas malas, cosas feas. Cuando empiezas a dibujar y no
eres un experto, lo que va a pasar es que
probablemente te sientas incómodo. ¿Por qué? Porque el mundo
quiere que seamos perfectos. Y bueno,
no somos para nada perfectos. Y entonces lo que terminarás haciendo serán cosas
que no son perfectas. Y esto te disparará. Entonces, cuando esto te desencadena, lo
que necesitas hacer es sentarte con él, bien, y necesitas hacer un boceto aunque se sienta incómodo. Y así por ejemplo, éste
es de mi diario personal. Entonces, básicamente, quería
desarrollar el hábito de dormir a tiempo
y despertarme a tiempo Y así dibujo esto en
esa ocasión, bien. Y así puedes hacer
tantas cosas. Pero lo que hay
que recordar es que dibujar te
hará sentir incómodo Los hábitos que te
incomodan en estos momentos, pero sabes que algún día te serán útiles son los hábitos que debes
desarrollar lo más rápido posible ¿Bien? Y por
eso desarrollé este hábito de dormir a
tiempo y despertarme a tiempo Eso es lo primero,
y otro hábito que desarrollé fue dibujar, ¿de acuerdo? Y déjame mostrarte
algo más. ¿Bien? Esto está bien, estaba tratando de hacer uno de mis
personajes favoritos personales, bien. Pero desafortunadamente, bueno, estoy bastante seguro de que
puedes decir quién es este, pero si no puedes, bueno, entonces estaba aprendiendo de
un curso sobre bocetos Bien, esto ya ves se
llama línea de acción. No voy a profundizar
mucho en eso. Esta es otra entrada
de mi diario personal. Me gusta esbozar mis ideas sobre mí que esto es de
un diario mío más antiguo. Bien, entonces esto es
básicamente una tapadera, y como se puede decir
que aquí está oxidado, ¿ves Está oxidado y es muy
viejo, bueno, pero me gustó. Entonces esta es una nube. No sé por qué
es pequeño aquí, pero bueno es una nube y ahí está este
columpio y es lindo. Entonces tenemos este cactus, ¿de acuerdo? Este es mi favorito
personal. No he encontrado formas de
animar esto. Bueno, pero si
puedes, bueno, adelante. ¿Bien? Y luego finalmente éste. Entonces esto inspiró esto. ¿Bien? Y este boceto fue solo un pensamiento
aleatorio que tenía. Y antes de dibujar, encontré
inspiraciones en Pinterest, y luego pensé, ¿por qué no? Y así dibujé esto
probablemente hace años, y luego me vino útil
para este proyecto. ¿Bien? Así que este cuaderno de bocetos, mantener este cuaderno de bocetos
será
útil en momentos en los que ni siquiera
12. Paso 7: Storyboard, cuadros de estilo y animatics: Storyboard,
marcos de estilo y animación. Un storyboard es una
representación de lo que va a pasar,
pero es rudo Storyboard es el movimiento de
planeación. No se trata de dibujar arte. Entonces, ¿cómo dibujamos un storyboard? Entonces empezamos por romper el
guión en ritmos, ¿de acuerdo? Entonces un ritmo equivale a una
idea o acción clara en la historia, y dibujas los
ritmos más importantes, no todo. ¿Bien? Marcos de estilo.
Los marcos de estilo son una simple representación visual de cómo se verá la
animación final. ¿Bien? Piense en ello como una
captura de pantalla del video final, pero hacemos esta captura de pantalla
antes de animar. Entonces también una advertencia aquí. No utilices IA para generar marcos de
estilo porque si los clientes
lo aprueban y no puedes crear la misma apariencia en los efectos posteriores, tu cliente se sentirá engañado y te dejará una
mala reputación Bien así que eso es todo para
los marcos de estilo. Entonces tenemos animatic. ¿Bien? Entonces un animático es
tu guión gráfico más tu voz en off
convertidos en un video rudo, Por lo que muestra el tiempo, el ritmo y el flujo antes de la animación
final Entonces, la animación es crucial para los videos
explicativos, bien, porque te permite
arreglar el tiempo, el ritmo
y la claridad antes de que comience la costosa
animación, y la claridad antes de que comience la costosa
animación Animatic es el lugar o momento en el que te
darás cuenta de qué storyboard o qué beats necesita más tiempo y qué cuentas
pueden tener menos ¿Bien? Por lo que las animáticas se utilizan
principalmente para películas, pero también se pueden
usar para videos explantes La claridad para los videos explicativos es realmente, realmente crucial, ¿de acuerdo? Así que aquí están las cosas
que muestra animatic, ¿de acuerdo? Entonces animatic te mostrará si tu mensaje
está funcionando o no Te mostrará
si algunas escenas son demasiado rápidas, demasiado lentas, ¿bien? Y también te mostrará
que si tus imágenes realmente
están apoyando la voz en
off o no Entonces el objetivo de lo animático es probar antes de
que lo intentemos, ¿de acuerdo? Entonces, si lo animático se siente
aburrido o confuso, la animación final no lo
arreglará Sólo va a ser un problema
pulido, ¿de acuerdo? Entonces déjame darte
herramientas para esto. Bien, para que puedas dibujar
guiones gráficos en tu papel. ¿Bien? Para los marcos de estilo, lo que normalmente usamos
es adobillustrator ¿Bien? Pero si no te gusta
eso adobillustrator, puedes usar after effects Pero voy a repetir que
no uses IA para marcos de estilo porque te va a meter
en problemas porque posible que no seas capaz de
crear cosas, bien. Entonces, si estás seguro de que puedes crear todos esos efectos,
bueno, adelante. ¿Bien? Pero si no puedes y
si eres principiante, no
vayas a la AIA. ¿Bien? todo lo que tienes que hacer es solo
necesitas un editor de video, solo importa tu voz en off, luego importa tus guiones gráficos y alinea el storyboard con
tu voz en off y simplemente renderízalo y
solo míralo en pantalla completa y verás
si está funcionando Y para animatic,
todo lo que tienes que hacer es solo
necesitas un editor de video,
solo importa tu voz en off,
luego importa tus guiones gráficos y
alinea el storyboard con
tu voz en off y simplemente
renderízalo y
solo míralo en
pantalla completa y verás
si está funcionando o no. ¿Bien? Estos tres pasos son
realmente, realmente cruciales. Bien, no tienes que seguir los pasos animáticos todo el tiempo Pero si estás cobrando alto, y si tienes gente
contratada, bueno, creo que deberías hacer animatic
porque la mayoría de las
películas animadas usan eso ¿Bien? Muchos estudios grandes usan eso, y no dan
ni un solo paso hasta que obtienen la animación
13. Paso 8: creación de recursos: Nos lanzamos a la animación, la parte final de la producción que
necesitamos es que necesitamos algunos activos. ¿Bien? Entonces
la creación de activos es la fase en la
que creamos todo lo que se necesitará
en la animación. No sé por qué sigo señalando los
dedos en la pantalla. Soy consciente de que aquí no estoy
usando cámaras, pero he desarrollado
este extraño hábito. De todos modos. Bien, así que
pasemos a la creación de activos. Déjame cambiar esto
a pantalla completa, ¿de acuerdo? Entonces primero, esta ballena es
muy linda. A mí me gusta esto. ¿Bien? Entonces esta ballena
es generada por IA. Esta es la IA generada también. ¿Bien? Entonces vamos
a usar ambos, o entonces he usado este barco,
pero este barco no es generado por IA. Es un vector. Obtuve este vector de
Internet y voy a usar esto también porque intenté
usar bote generado por IA. Pero lo que quería es que también
quiero que esto se mueva. Y además, tienes que preguntar a tus clientes si
están bien con el contenido generado por IA
en sus videos o no. Debido a que muchos clientes
no lo son porque esto sea nuevo, gente ya se
siente incómoda con la IA, bien. Entonces preguntamos a los clientes de antemano que no vamos a
usar video generado por IA, vamos a
crear el video, pero podemos usar
contenido generado en el video. Por ejemplo,
se trata de IA generada, pero se animará
en After Effects. Esto es muy fácil. Imagina crear esto en Illustrator.
Tomará tiempo, ¿verdad? Y entonces hay que
preguntarles, hay que tener claro eso. ¿Bien? Y así es todo
para la creación de activos. El siguiente paso es
tu parte favorita, que es la animación.
14. Paso 9: animación B: Lección, quiero
mostrarte cómo romper una historia en ritmos claros antes de
comenzar la animación. ¿Bien? Y así este proyecto, aunque lo he mantenido
intencionalmente muy sencillo para que pueda explicarlo con más
detalle a los principiantes. Y así sólo hay
cuatro beats aquí. Uno, dos, tres y cuatro. Bien, estos son los cuatro
bits de este storyboard. ¿Bien? Ahora, simple no
siempre significa necesariamente fácil. La ejecución se vuelve fácil sólo
cuando estás pensando claro. Si no estás pensando con claridad, si tu pensamiento es desordenado, tu proyecto va a
reflejar ese desorden, Así que asegúrate de estar
pensando correctamente. Estás tranquilo contigo mismo. No estás ansioso por esto. Bien, es solo un
video estúpido. Esto se puede hacer. Bien. Y entonces entendamos los ritmos en el
diseño en movimiento muy rápido, ¿de acuerdo? Entonces como
ya mencioné en las conferencias anteriores que
una escena equivale a una idea, y eso equivale a un latido. ¿Bien? Así que un diseño beat in
motion es un momento importante
en la historia, ¿de acuerdo? Entonces un momento donde sucede algo
significativo. Si algo no es importante, no
hacemos eso, ¿de acuerdo? Entonces es por eso que cuando he
dibujado el storyboard, no
he incluido,
déjame volver ¿Bien? Entonces no he incluido
esto antes y después del texto, porque no son
importantes, ¿verdad? Y por eso no
están incluidos. Entonces es por eso que cuando
haces storyboard, debes dibujar solo los elementos
más importantes,
no todo Ahora bien, ¿por qué no
lo muestras todo en storyboard? Por ejemplo, si voy,
ya estoy en el
rando comp, ¿no? Y notarás que
algunos elementos aparecen más tarde. Por ejemplo, no
tenemos esto, el estrado. Bien, el estrado está aquí, bien, entonces tenemos el color o el
ruido en la parte inferior, ¿verdad? Entonces hay muchas cosas
que aparecen después. No se dibujan
en el storyboard, sino que aparecen después de que tomemos las
decisiones, ¿verdad? Y eso está completamente bien. Tienes que mantenerte
flexible para esto, pero hay
que recordar que mientras storyboard, no
son cruciales para
la historia en este momento Estás storyboarding
para mostrar una historia, el guión y el mensaje Entonces, si te saltas la preproducción, nunca
tendrás la claridad de que estoy
hablando ahora mismo Entonces la preproducción
es realmente crucial. La reproducción es
básicamente el corazón de tu diseño de movimiento
y animación. ¿Bien? Si no
haces preproducción, haces o no vas a
tener una historia clara,
y no vas a tener un storyboard
fuerte,
y no vas a tener una
gran animación cambio porque mientras
tu historia apesta,
tu concepto apesta , tu
video apesta a lo grande. ¿Bien? Y sin preproducción, la animación se convertirá en conjeturas Así que asegúrate de que
vuelvas a entender los capítulos de preproducción los capítulos de preproducción si no lo has hecho porque son
realmente, muy importantes. ¿Bien? Ahora,
mucha gente cree que solo porque
conoces después de los efectos, serás un buen diseñador de
movimiento. Bueno, déjame decirte algo
que es una dura verdad. Si no puedes llegar a conceptos
fuertes, grandes historias, tus habilidades de animación
no importarán, ¿de acuerdo? Porque no hay
historia que los apoye. ¿Bien? ¿Cómo harás que
tu público se ocupe del personaje si
no tienes un gran
personaje, verdad? Así que volvamos a los beats
y a nuestros storyboards. Entonces cada latido responde a una pregunta. Por ejemplo, déjame
ir a la escena uno. Y entonces la pregunta es, ¿cuál es el
estado emocional actual de este mundo, bien? Y cada latido o cada escena
aquí responde a esta pregunta. Por ejemplo, vea como
todo está tan claro. Por ejemplo, el sol se ve
triste, la oferta está volando, la ballena está
rodeada de plástico, no
es muy feliz. ¿Bien? Y así todo lo que tienes que hacer es
hacerte una pregunta. Cierto, por ejemplo, la
ballena está sufriendo, el cuerpo se está alimentando de ella. El plástico ha aumentado
enormemente el punto de dolor emocional ha ido a un
nivel diferente, si lo piensas bien El sol es más triste de
lo que solía ser, ¿ves? Aquí, es como, Bueno, está
bien, ¿verdad? Pero aquí, el sol entiende las consecuencias
de más plásticos, y el sol básicamente ha
perdido a su amigo aquí, ¿verdad? Y eso es lo que está
pasando aquí, ¿de acuerdo? Entonces tienes
que entender que tienes que
traducir tus emociones,
tu historia en ritmos y luego
traducirlas a la animación. Ahora, vayamos a la escena
uno. ¿Dónde está la escena uno? Entonces voy a
volver a la escena uno. Voy a esconder esto por ahora. Voy a esconder esto por ahora. Ya no los necesitamos. No voy a
explicar nada que esté relacionado con la animación. Ahora mismo, sólo te estoy
enseñando
a pensar como
profesional, ¿ verdad? Entonces aquí, pregunta, cuál es el estado emocional actual de este mundo se
responderá a través de los colores. A través de expresiones,
a través de la composición, a través de elementos,
diferentes elementos. Como, por ejemplo,
un elemento que
ves es el color de las olas aquí. Tiene esto como
textura aquí, ¿verdad? Ves, ¿de acuerdo? Y
básicamente refleja el estado de ánimo de lo que es lo que estamos tratando de decirle
a la audiencia, ¿verdad? Y entonces ahora comparemos la
escena uno con la escena dos, ¿de acuerdo? Así que bien la escena dos es extremadamente oscura y de ahí
que el color se oscurezca también, bien Ver aquí, esta es suave. Pero esta es extrema, ¿de acuerdo? Y reflexiona sobre el estado de ánimo. Esto crea un estado de ánimo. Ahora bien, tanto las escenas, si miras de cerca, escena uno
como la escena dos, ambas son
duplicadas, ¿bien? Pero el estado de ánimo, la emoción y los mensajes son completamente
diferentes. Bien. Y ese es el poder de los beats, ese es el poder del storyboard, ese es el poder del
color y la composición Ahora, no necesitas
nuevos activos cada vez. Solo necesitas una intención clara
y un pensamiento claro. Si no puedes pensar con claridad, tu producto
reflejará tu pensamiento. Todo refleja nuestro
pensamiento, desgraciadamente. Y entonces hay que tener claro con lo que sea que
esté pensando. Si no tienes claro, bueno,
tus clientes se enterarán. ¿Bien? Ahora bien, una de
las cosas con las que van a
sufrir la
mayoría de los principiantes o no sé, sufren, pero con las
que tendrán problemas es el problema de la
sobreanimación. No necesitas sobre animación
para contar grandes historias. Tú igual que no
necesitas animación loca, ¿de acuerdo? Por ejemplo, en estas escenas, en esta escena, la animación
o la emoción es mínima. Se controla la animación, nada se exagera,
excepto estas bolsas de plástico, pero se exageran
solo para mostrar la importancia y las consecuencias
de
las acciones humanas, Como el ritmo aquí es claro, animación se vuelve
solidaria, no distrae Ahora, todo lo que
tengo que hacer es solo mirar esto y tengo que averiguar cómo voy a animar esto Y esto viene de una gran historia, un gran concepto, en definitiva, de
una gran reproducción. ¿Bien? Ahora bien, la conclusión clave de este capítulo es
que hay que decidir primero
los beats, asegurarse de que cada beat
comunique una idea. Claramente, no tienes que
dar dos pasos a la vez, dar un solo paso a la vez. Bien, entonces empieza a animar. ¿Bien? Además, el pensamiento se
reflejará en tu composición. Si tu pensamiento es desordenado, se reflejará en
tu animación Voy a reflexionar en tu
composición, bien. Así que asegúrate de que tu
pensamiento sea agradable. Eres amable. ¿Bien? Te mereces cosas
buenas en tu vida. ¿Bien? Y así mereces
hacer buenas animaciones también. ¿Bien? Entonces eso es todo
para este capítulo. Y por cierto,
animación fuerte. Tengo que decir esto. ¿Bien? Así que la animación fuerte comienza incluso antes de que
abras después de los efectos. Comienza con claridad. ¿Bien? Y así asegúrate de que
recuerdes esta cita, y te veo
en la próxima conferencia.
15. Paso 9: animación C: En esta lección,
quiero mostrarte cómo decidir qué se debe mover y qué debe quedarse quieto dentro o visto porque
cuando lo piensas, podrías pensar, Bien,
entonces voy a hacer esas bolsas de plástico se muevan. También voy a
hacer flotar a la ballena. Voy a hacer que este
pájaro haga algo. Voy a animar el sol. Incluso podría animar
la botella como si estuviera
volteando con las olas,
y podría arruinar Y aquí es donde
los principiantes se equivocan. Ellos animan o
quieren animar todo ya que están
aprendiendo este increíble software, y ahora quieren usar
sus habilidades para simplemente mostrarle a la
gente lo geniales que son ¿Verdad? Y cuando todo se mueve, nada se siente importante. Bien, entonces tienes que ser
intencional con eso también. ¿Bien? Entonces antes de nada
en after effects, pregúntate o mientras
estás pasando por
tu storyboard, hazte una pregunta ¿Bien? Entonces, ¿qué trata de decir esta
escena? La respuesta decide qué se mueve, qué se queda quieto y
cuánto movimiento se necesita. Y también, tengo
que decirles esto que el movimiento no es una decoración. Motion tiene que
apoyar tu historia. Tiene que apoyar el ritmo
que intentas contar. Una vez terminada la escena, todo lo que tienes que hacer es
elegir un punto focal, ¿de acuerdo? Entonces cada escena debe
tener un foco principal. Por ejemplo, en
este segundo compás, voy a ir a la escena dos. Aquí, el punto focal de esta escena es un
personaje que está sufriendo y el pájaro que básicamente se está
comiendo a la ballena, aunque no es tan gory, pero bueno, está implícito, ¿verdad? Una vez que el punto focal está claro, todo lo demás
se vuelve secundario. Si múltiples cosas
compiten por la atención, la escena se siente ruidosa. Es por ello que la sobreanimación es algo malo para tu carrera. Movimiento primario versus movimiento
secundario. ¿Bien? Entonces, ¿qué es eso? Entonces, el movimiento principal
es el movimiento que apoya tu ritmo
directamente, ¿de acuerdo? Y el movimiento secundario apoya
el estado de ánimo de la escena. Por ejemplo, la ballena aquí
es el movimiento primario. Ahora, las olas aquí y tristes expresiones de
este sol
son el movimiento secundario. El movimiento secundario debe
apoyar la emoción primaria. Por ejemplo, si la ballena
está aquí como sufriendo y el sol sonreía y
el océano estaba despejado, bueno, el mensaje tendría
algo extremadamente diferente, y hubiera
sido
más perturbador que la gore, ¿verdad Y hubiera
sido una elección horrible. Y así el movimiento secundario
debe ser sutil. El trabajo es sumar vida, y su trabajo no es robar
la atención, ¿verdad? Por ejemplo, si el
pájaro no estaba aquí, ¿ves? ¿Bien? Si el ave no estuviera aquí, sol habría sido
el punto focal, pero no queremos eso. Y para crear a la ballena
como nuestro personaje principal, tuvimos que agregar Segel
o o este pájaro, y tuvimos que agregar eso para
que
nuestro público se concentre en eso
porque en la mayor parte de la escena, todo lo que ves es pájaro volando
en la misma posición, ¿bien? Y así cuando el
público ve eso, piensan que, bien, esta es una parte normal de
este mundo, ¿de acuerdo? Pero cuando ves el mismo
pájaro que alguna vez volaba, odiando el destello de
la ballena, te
quedas conmocionado por esto Y así se asegurarán que la ballena sea el
principal punto focal. Ahora, no necesitas animaciones
complejas. Las buenas escenas no necesitan animaciones
complejas. La mayoría de las veces,
pequeños cambios de posición, ligeros cambios de escala, compensaciones de
tiempo son
más que suficientes La animación más complicada, si me preguntas, son la
animación de las olas. Bien. Aparte de eso,
todo realmente sencillo. No he usado ningún
plug ins para esto porque este proyecto es
realmente, muy simple. Entonces, cuando sobreanimas
y cuando todo se mueve, la historia se vuelve poco clara ¿Bien? El espectador no
sabe dónde buscar, la animación se siente como
principiante, ¿verdad? Y así que aquí están las claves
para llevar de esto. Entonces decide primero el ritmo, elige un punto focal,
anima con intención ¿Bien? Un buen diseño de movimiento
no se trata de más movimiento, se trata del movimiento correcto.
16. Paso 9: animación D: Lección, quiero hablar sobre tiempo, el ritmo y la transición Aquí es donde la animación
comienza a sentirse profesional, aunque el movimiento en sí
sea ampliamente simple. Entonces entendamos
la diferencia
entre el tiempo y el ritmo. Entonces, el tiempo es cuánto tarda
algo en suceder,
y el ritmo es cómo se
arreglan los momentos a lo largo del tiempo, ¿de acuerdo? Para que puedas tener una buena
animación con mal ritmo. Y por eso es posible que hayas visto esas animaciones
que se sienten aburridas, pesar de que se
nota que están animadas muy,
muy bien, ¿de acuerdo? Entonces, el ritmo es realmente, realmente crucial si
quieres mantener a tus audiencias comprometidas a
lo largo del tiempo ¿Bien? Entonces, ¿cómo
decides el tiempo? Por lo que el tiempo no se
decide al azar. Aquí está el punto donde entra la
animación, ¿de acuerdo? Por lo que animatic se
utiliza principalmente para el cronometraje. Por ejemplo, si
has hecho y explicativo videos animáticos desde el storyboard, más
el voice over, el animatic te dirá
cuándo necesitas reducir la velocidad, cuándo necesitas acelerar y qué parte de la
animación necesita
ir y qué parte de la
animación necesita más tiempo, ¿de Si el momento es
importante, dale tiempo. Si solo se trata de conectar
ideas, o, que sea breve. Ese es todo el principio
detrás de esto, ¿verdad? Hablemos de
transiciones, ¿de acuerdo? Entonces las transiciones son
realmente cruciales. Bien. Las transiciones
tampoco son decoraciones. Por ejemplo, en algunos
de mis otros videos, lo que he hecho es que he creado algunas
transiciones avanzadas, por ejemplo, son match cut o podrían
ser otra cosa. Pero aquí, son
muy, muy simples. Y la razón por la que
son simples es porque la transición no
depende de mi habilidad. La transición
depende de la historia, ¿de acuerdo? Entonces, si la historia
necesita una transición, es compleja, se crea una
transición que es compleja. Si una historia exige una transición
simple, mantienes una transición simple. Lo que hacen la mayoría de los principiantes es que ven sus habilidades y luego crean
las animaciones. Esto no es algo
que debas hacer. Lo que debes hacer es
que veas la historia y preguntarte qué exige
esta historia, ¿de acuerdo? Entonces, si exige transiciones
avanzadas, y si no conoces las transiciones
avanzadas, debes aprenderla, y
luego debes ejecutarla. Pero si exige transiciones
simples porque la historia es simple, los clientes quieren
que sea simple, entonces tiene que ser simple, ¿de acuerdo? Así que no te concentres en tus habilidades porque las habilidades
se pueden construir con el tiempo. Enfócate en lo que demanda la historia. ¿Bien? Por lo que una buena transición
tiene tres cualidades principales. La primera es que
guiará los ojos de los espectadores. Preparará la
siguiente idea, ¿de acuerdo? Y mantendrá el ritmo sin
golpear al público. Al golpear a la
audiencia, quiero decir, a veces algunas transiciones
son tan de la nada que sacan
a la audiencia de todo este video. Y hacen que se
den cuenta de que, Bien, no
estoy viendo una historia, solo
estoy viendo un video. Y este es el puñetazo del
que estoy hablando, ¿de acuerdo? No debes hacer esto. No debes tener
las transiciones que no estén sincronizadas
con la historia. Si nos fijamos en estas capas, el trabajo principal que va en este video ha sido en
las transiciones, ¿bien? Y entonces déjame mostrarte, ¿de acuerdo? Entonces aquí, la transición ocurre 30 segundos o pocos fotogramas antes de que
ocurran las transiciones reales. ¿Bien? Entonces aquí es donde comienza
la transición, y aquí comienza la transición. Bien. Permítanme
llevar esto a la tercera. Bien. Y luego aparece la
siguiente escena. Entonces ambos son de la misma
composición, por cierto. Y la razón por la
que esto se hace es porque esto prepara al público
para la transición, Bien, y no tiene que
sentirse como un puñetazo. Tiene que sentirse natural, ¿de acuerdo? Entonces así es como se ve cuando
vas cuadro por cuadro, ¿de acuerdo? Entonces esto podría ser
un pequeño problema técnico. No es una falla, creo. Se llama
error de continuidad. ¿Bien? Entonces cada película tiene
este error de continuidad. Entonces lo que se supone que va
a pasar es cada vez que hay múltiples escenas
escenificadas, por ejemplo, digamos que el actor
está de pie a la derecha, pero de alguna manera el actor
ahora está haciendo otra cosa
en la escena diferente Y a esto se le llama error de
continuidad. Básicamente, no hay
continuidad en dos escenas. ¿Bien? Entonces esto podría llamarse
un poco de error de continuidad. Pero como esto es realmente rápido, audiencia en el primer
reloj puede que no se dé cuenta. ¿Bien? Entonces lo único que cambia aquí es la
ubicación de las sonrisas, ¿verdad? Bien. Entonces es por eso que las transiciones
son realmente, muy importantes. Deben sentirse
naturales para tu mundo. Bien, este es mi
mundo ahora mismo, y esta transición
se siente natural porque, A, el color coincide con
lo que estoy tratando de decir. Ejemplo, aquí el color de la
transición fue el rojo. Y fue porque, bueno, ya ves
lo que está pasando, ¿verdad? Pero aquí, la transición va a ser verde,
y
es verde porque, bueno, eso es lo que le estoy diciendo a
la audiencia, ¿verdad? Y así estas pequeñas cosas hacen
una gran diferencia, ¿verdad? Ahora bien, una de las cosas que ya
he dicho es
que no hay que
exagerar las transiciones Las transiciones son
realmente geniales desde una perspectiva de diseño de movimiento porque a veces es realmente
desafiante. Pero si la transición es más
fuerte que la escena, y si no agrega
nada a una historia, y sigue siendo
más fuerte que la escena,
bueno, entonces lo estás
haciendo mal, Entonces, la mayor parte del tiempo,
podría ser simple revelar. Podría ser un corte sencillo. Podría ser una simple toallita
o algo así. Bien, eso también es suficiente. Recuerda, la transición está
ahí para apoyar tu historia. No está ahí para
mostrar tu habilidad. Esta es realmente,
realmente crucial. Bien, ahora, el momento de las transiciones podría ser desordenado para algunas personas
porque si eres nuevo, vas a
tener un mal momento Y hemos cubierto la
transición en diferentes núcleos, así que no voy a
entrar en muchos detalles sobre esto, sino para tener una gran transición, hay algo
que hay que
entender y eso
se llama continuidad. Entonces, aquí están los puntos centrales o
claves de esto. ¿Bien? Así que anima con intención Segundo, es necesario controlar el ritmo y el timing
en la composición principal Ahora, otra cosa es que tus transiciones deben
apoyar la historia, ¿de acuerdo? No tus habilidades. Si no tienes una
habilidad, construye una habilidad, pero debe apoyar
tu historia, ¿de acuerdo? Entonces, la animación profesional se trata de ritmo. No se trata
de mostrar
17. Paso 10: diseño del sonido: El diseño es muy importante
porque involucra al público. Ayuda a entregar información,
aumenta el valor de producción, aunque tu video sea barato, diseño de
sonido puede ayudarte a
que se sienta premium y costoso. Evoca respuestas emocionales. Enfatiza lo que hay
en la pantalla, y se utiliza para
indicar el estado de ánimo. Bien. Y así hay cinco aspectos diferentes del diseño de sonido que
debes recordar. ¿Bien? Entonces, el primero es el ambiente. Entonces el ambiente es el
sonido que marca el tono y el ambiente
de la animación Por ejemplo, el sonido
del viento que sopla o los pájaros y tenemos locura. ¿Bien? Entonces el foli se usa para
representar lo que se está viendo Por ejemplo, los
pasos en el suelo,
el sonido de los arbustos se
va moviendo, ¿verdad? Entonces tenemos efectos de sonido. El efecto de sonido es un aspecto
del diseño de sonido, ¿verdad? Los efectos sonoros son
los efectos que potencian otros sonidos,
acciones o elementos. Por ejemplo, el sonido
del gruñido bajo detrás de los arbustos, sutil sonido del
personaje temblando miedo mientras se
acerca al ¿Verdad? Entonces tenemos voz en off Bueno, la voz en off es la voz en off,
pero por ejemplo, pero por ejemplo, el misterioso
narrador que te cuenta la historia, ¿verdad? Entonces tenemos música.
Entonces la música E de fondo trabaja junto con el ambiente y todos los demás aspectos para
marcar el tono de la historia ¿Bien? Ahora, el diseño de sonido no
solo nos cuenta la historia, sino que nos teletransporta
dentro de la historia Es este factor inmersivo que permite que una animación sea verdaderamente experimentada
y que
se entregue un mensaje con propósito, Ahora bien, no necesitas tener todo el aspecto del
diseño de sonido contigo, ¿verdad? Por ejemplo,
no necesitas insensatez. Si estás haciendo
un video explicativo, es posible que necesites
ambiente a veces, pero necesitarás efectos de sonido, voz en off y música ¿Bien? Entonces déjame decirte rápidamente cómo elegir efectos de sonido. Cómo escoger la música, ¿verdad? Entonces te voy a
decir rápidamente cómo hacer eso. ¿Bien? Entonces los efectos de sonido
son bastante simples. Todo lo que haces es
mirar la pantalla y ver qué está pasando
y solo preguntarte, ¿cómo suena esto? ¿Cómo suena este
visual? Y vas a tener un presentimiento
o vas a tener un pensamiento y sólo tienes que ir a Google o
Chat GBD y preguntarles. ¿Verdad? Esta es la primera forma. Y la segunda forma es
encontrar la música. Por ejemplo, en todos nuestros videos
explicativos, lo que hacemos es
desglosar todo el guión
en tres partes, el principio, el
medio y el final. Esto es básicamente una estructura de tres
actos, ¿verdad? Entonces Acto uno, Acto
Dos, y Acto Tres. Entonces cada acto tiene un sentimiento
diferente. Y en base a este
sentimiento, usa la música. Por ejemplo, el primer acto es triste, bien entonces tocaremos música triste. Acto dos, no es exactamente feliz. El personaje
no es exactamente feliz, pero va a algún lado, ¿verdad? Y así podríamos agregar algo de motivación, algo de música
motivacional Por cierto, sólo estoy dando un
ejemplo. Bien, entonces podría ser algo de música motivacional o algo que sea un poco
edificante, Entonces en el tercer acto,
vemos al personaje haciendo
un gran avance, ¿de acuerdo? Entonces aquí tendremos música completamente
diferente, ¿verdad? Así que divide tu historia en tres partes o lo que sea que
sientas como lo correcto. Y luego a partir de esas partes, pregúntate ¿
qué
sentimiento hace esto o qué sentimiento quiero evocar
en el público durante este acto? en el público durante este acto ¿Bien? Entonces, por ejemplo, el
primer acto es triste, ¿de acuerdo? Entonces vas a Chat
GPT y preguntas, hola,
ja GPT, ¿cuál es la
mejor música para la Y no vayas,
hay muchas
leyes de derechos de autor para la música, así que asegúrate de que también eres
consciente de eso. Así que no te metas ciegamente en eso y escojas
lo que te diga, ¿de acuerdo? Y la mejor plataforma
para hacerlo es YouTube. Bien. YouTube ya ha construido estudio que tiene muchos efectos
de sonido de forma
totalmente gratuita. Están libres de derechos de autor. Y si puedes, también puedes
comprar la música. Pero la mayoría de las veces
puedes hacer las cosas con YouTube y ahora también puedes
generar música AI. Entonces, si no encuentras una canción
que coincida con el sentimiento, bien, puedes crearla, ¿verdad? Y eso es todo para
el diseño de sonido, el diseño sonido es mi cosa
favorita personal, ¿de acuerdo? Porque paso mucho
tiempo en el diseño de sonido. No sé por qué, pero simplemente me encanta caminar sobre el
diseño de sonido personalmente, ¿de acuerdo? Y es muy divertido, ¿de acuerdo? Y así asegúrate de que
disfrutes también del proceso, o
18. Paso 11: entrega: Por último, entregamos el
video para la retroalimentación. Ahora bien, si a los clientes les gusta, se lo
enviamos
en diversas calidades y en ocasiones
los enviamos con factura. Por ejemplo, digamos
que algunos clientes pagan 50% antes de que
comience la producción y 50% después. Entonces exigimos el 50% restante una vez hecho el trato, ¿verdad? O si hay
algunos cambios menores, lo
cambiamos y
terminamos con ello, ¿verdad? Y lo más importante que
tienes que recordar es que
tienes que pedir a tus
clientes las referencias
porque
obtendrás la mayoría de los clientes a través del boca a boca
que solo del marketing. Y a decir verdad, nunca
tuvimos ningún sitio web o
manejador de redes sociales, nada. ¿Bien? Nunca tuvimos
eso, como lo hacemos ahora, pero en el pasado, no
teníamos nada
porque no podíamos
pagarlo, para ser sinceros. Y así está bien. Lo que hicimos es que salimos, conocimos clientes, nos rechazaron. Conocimos a otro cliente, nos rechazaron hasta que
conseguimos lo que queremos. ¿Bien? Así que tal vez
tengas que lidiar con mucho rechazo antes
de obtener una aceptación, y eso es parte de la vida,
y eso está completamente bien.
Animator's Oasis, Simplifying the complex!
