Dibujo de personajes expresivos: cualquier estilo, cualquier nivel

1. Introducción: ¿ Alguna vez has querido dibujar personajes que se sientan vivos, personajes que simplemente están rebosantes de personalidad? Aprender a dibujar expresiones sólo podría ser la forma de hacerlo. Mi nombre es Andreas Provost, y en este curso, te estaré enseñando cómo hacer justamente eso. Vamos a pasar por un proyecto de dibujo juntos, donde aprenderás a dibujar personajes emocionales, y expresivos como nunca antes. Aprenderás a usar estas habilidades una manera que es liberadora, y emocionante, pero aún muy práctica, y aplicada. Además de eso, habrá algunos ejercicios extra en cada lección para ayudarte a seguir aprendiendo si quieres, todo lo que necesitas para este curso es algo con lo que dibujar, y algo para dibujar en. Estaré trabajando en Clip Studio Paint, pero absolutamente no necesitas conseguirlo si eso no es lo que tienes, cualquier cosa con la que puedas dibujar está bien. Si quieres dejar de dibujar personajes que sean estáticos, y sin vida, y quieres empezar a hacerlos sentir como personas reales, bueno, únete al curso, esta es la clase para ti. Espero verte por dentro. 2. La historia e idea: Bienvenido a la clase. Naturalmente, lo primero que tenemos que hacer, es que tenemos que decidir qué realmente vamos a dibujar. Hay cierta manera en la que me gustaría ir sobre eso, pero también me gustaría explicarles por qué estoy eligiendo la forma en que soy. Cuando la gente típicamente habla de dibujar emociones, hablaron de algo llamado las emociones base. Estos serán algo así como la ira, la alegría, la felicidad, la tristeza, la envidia y el asco. A veces hay seis, a veces hay cinco, a veces son siete. Pero lo más importante es que intentan tomar todo el complejo espectro de emociones, y reducirlas en unas cuantas casillas selectas. Ahora, realmente no me gusta mucho este sistema porque creo que los seres humanos son mucho más complejos que eso. Creo que como artistas, si reducimos toda la bella riqueza de emoción hasta las cajas selectas individuales, o tal vez empezamos a mezclarlas y emparejarlas. Estamos perdiendo lo más importante aquí, que es la historia. También creo que te hace enfocarte en las cosas equivocadas. Si estás tratando de luchar cada ceja en posición y asegurarte de que los labios se rizan bien. Pero no estás considerando cómo se siente realmente el personaje. Creo que estás perdiendo la trama y dando importancia a donde no debería ir. Si estás en sincronía con las emociones de tu personaje, eso se mostrará automáticamente a través de tu dibujo. El modo en que quiero que empieces a pensar en esto es una idea que voy a llamar mil sonrisas. Imagina como una tarea, te dije que dibujaras una sonrisa. ¿ Qué dibujarías? Si bien podrías dibujar algo increíblemente simple, como una cara sonriente real. O podrías simplemente dibujar a alguien que sea genéricamente feliz. Pero creo que una sonrisa puede decir mil cosas diferentes. Vamos a hacerlo en un ángulo diferente y pensar en la historia en su lugar. Digamos que tenemos un personaje llamado Alice. Alice lleva años entrenando para convertirse en la campeona de ajedrez de su país. Finalmente llega el día de los nacionales, y ella lo hace mucho más allá de lo que la gente había esperado. Está jugando bien y gana. Sigue ganando hasta que finalmente, está en la final después un partido que muerde uñas lleno de tensión, sorprendentemente, gana. ¿ Cómo sería Alice sonreír? Apuesto, podría parecer algo así. Una sonrisa apasionada, una sonrisa alegre, una sonrisa que se siente como una gran retribución por todos los problemas por los que ha pasado para llegar hasta aquí. Que ese día es la sonrisa de Alice? Pero también podemos ir a ello desde un ángulo diferente. Imagina a su oponente, ha estado entrenando igual de duro. Ahora que finalmente llega el día, ella ocupa el segundo lugar. Está devastada. A veces estar realmente cerca de ganar puede sentirse mucho peor que simplemente directamente arriba perdiendo. Por lo que se sale del podio, camina de regreso a la familia que llegó allí para apoyarla. Por suerte, su novio está ahí que siempre supo hacerla reír, a pesar de que está devastada con su pérdida, su novio se agrieta una broma estúpida y simplemente no puede evitar sonreír. Su sonrisa podría verse algo así. Es una sonrisa de emociones mixtas. Una sonrisa que claramente cuida la gente con la que está, pero también una sonrisa que llegó en un momento muy difícil. ¿ Qué tal éste? Alice, sobrecargada alegría también regresa a su familia. Es sólo su madre la que vino a ver, pero está intensamente orgullosa de su hija. Su sonrisa podría verse algo así. Es una tierna sonrisa, una amorosa y una muy orgullosa. Estas tres sonrisas cuentan una historia drásticamente diferente, pesar de que todas tuvieron lugar dentro de la misma situación. Ojalá se pueda ver ahora cómo tener una comprensión de la historia que estás a punto de contar es realmente importante para decidir cómo debe ser la presentación emocional de estos personajes. Para ayudarte a considerar la historia, puedes usar las siguientes preguntas. ¿ Qué acaba de pasar? ¿ Qué está pasando actualmente? ¿ Qué está por pasar? Intenta ponerte en los zapatos de tu personaje y piensa en lo que acaba de suceder a su alrededor. Si aún no tienes una idea de historia que quieras dibujar, podría valer la pena simplemente mirar un generador de palabras aleatorias. recorriendo estas palabras aleatorias y pensando durante unos segundos en cada una, viendo si alguna idea viene a la mente. A veces puedes chispear historias donde antes no tenías inspiración en absoluto. Ahora lo principal que miramos hasta ahora es la situación, ¿qué le está pasando al personaje? Pero por supuesto, la personalidad real de nuestro personaje también es súper importante. Aunque solo tomemos la posición de Alice de ganar el campeonato. Hay diferentes personas que podrían haber respondido de manera muy diferente en esa misma situación. Alice estaba alegre y exagerada, pero tal vez un personaje muy engreído y confiado, bueno, nunca habría dudado ni siquiera del resultado. mejor tienes un personaje tan malo bueno en el ajedrez que simplemente están completamente aburridos con él porque ya no hay más montañas que conquistar. Su victoria se siente un poco hueca. A lo mejor todo lo que hace tu personaje, es sólo respirar un suspiro de alivio sabiendo que todo el estrés ha terminado ahora. Para practicar este tipo de pensamiento, quería darte un ejercicio opcional llamado tres sonrisas. Y básicamente implica simplemente hacer lo que hicimos en la demo. Escoge una emoción y piensa una historia de momento que podría implicar esa emoción basada en las diferentes perspectivas y diferentes personalidades de los personajes en esa historia. Ve si puedes dibujar esa emoción tres veces diferentes, pero presentando de una manera diferente cada vez. Al igual que como en el ejemplo tuvimos una sonrisa de ganador. Teníamos una sonrisa orgullosa y tuvimos una sonrisa triste, llorosa, animadora. Puedes hacer lo mismo con cualquiera de esas otras emociones, ira, tristeza, miedo, y cuando se trata de dibujar realmente estas emociones, el consejo más grande que te puedo dar es simplemente actuarlo. Si actúas enojado ¿qué le pasa a tu cara? ¿ Qué le pasa a tus hombros, a tus manos? Mírate en un espejo y ve tu lenguaje corporal y tu expresión facial. También puede ayudar a Google la emoción y obtener las referencias apropiadas. Ve qué pasa en las caras de las personas, y cómo pequeños ajustes a eso pueden dar impresiones muy diferentes. Pero como dije, actuar tú mismo es una de las mejores maneras de hacerlo. Con eso dicho, ten un ir del ejercicio si quieres. Pero mientras tanto, vamos a empezar en la primera parte de nuestro proyecto. Muy bien, así que en primer lugar está la miniatura. Para éste, sólo voy a agarrar un poco de un pincel rayado, usar una textura de papel simple solo porque no me gusta tener un lienzo blanco puro y sólo voy a soportar eso es lo que quiero que lo hagas también. No quiero que pases demasiado tiempo pensando en la perspectiva exacta de las cosas. No quiero que construyas una figura realista. Solo quiero que empiece a poner algunas ideas en el periódico. De nuevo, tratar de considerar la historia pensando en la situación y pensando en cómo respondería el personaje que estás dibujando a esa situación? ¿ Qué expresión tendrían? ¿ Cómo es su lenguaje corporal? No te quedes con una sola cosa, sino explora diferentes opciones. Inclinar la cabeza de una manera u otra, ¿sus manos se tocan la cara o tal vez no? Este es tu patio de recreo. Aquí es donde se llega a simplemente explorar y probar lo que funciona y lo que no. No tengas miedo de ser desordenado, y estar dispuesto a tirar cualquier trabajo que estés haciendo aquí. No quieres ser precioso sobre lo que estás dibujando, pero solo quieres explorar cualquier cosa que te ayude a sentirte más libre para solo probar lo que quieres es algo que puedas usar. Aquí no hay reglas en absoluto. El cuento con el que voy es una trabajadora de call center que simplemente tiene demasiado en su plato. Me imaginaba que estaba en una llamada con un cliente particularmente frustrante ya haber estado en ese llamado por edades y solo con ganas de estar fuera de esa situación. Quería capturar esa mezcla de frustración y estrés y quería que su lenguaje corporal se sintiera de la misma manera. Nuevamente, no me preocupo por la proporción en absoluto, pero solo estoy explorando cómo podría verse la imagen final. Todo lo que dibujamos aquí, vamos a simplemente redibujar por completo de todos modos. No necesitas preocuparte por mantener todo limpio o preciso. Es un proceso de iteración. En un boceto es posible que tenga un aspecto que le guste, y otro aspecto que no lo hace. Quizás por ejemplo, los ángulos de cámara buenos pero la pose no funciona del todo. O tienes una buena expresión facial, pero el lenguaje corporal no coincide del todo. En estos casos, solo quieres pasar y ver qué opciones tienes. Recuerda, si no estás seguro de cómo capturar estas emociones, una de las mejores cosas que puedes hacer es realmente actuar tú mismo. ¿ Qué hace tu cuerpo naturalmente cuando intentas canalizar estas emociones? Si pones eso en tus personajes, naturalmente comenzarán unos cuantos más expresivos. Intenta obligarte a probar algunas ideas, aunque al principio sientas que probablemente no van a funcionar de todos modos. Me pueden ver probando algunos ángulos de cámara diferentes, algunas perspectivas diferentes y en la parte posterior de mi mente, estoy pensando que probablemente no voy a usar estos, pero al tratar de aplicarlos de todos modos, a veces te dan algunas ideas increíbles que de otra manera no habrías tenido. Estoy intentando un ángulo más cercano. Estoy probando algunas poses diferentes para los brazos. E incluso intento uno que esté más sobre el hombro, obteniendo una visión inversa completa de la situación. Entonces al final, puse todos los bocetos juntos en una sola página, solo para poder ver cuáles creo que funcionan mejor. Y de nuevo, está bien mezclar y combinar aquí. Si tienes piezas que funcionan y partes que no ven si puedes combinarlas para hacer algo que sea mejor que cualquiera de las opciones. Al final son estas dos miniaturas que creo que funcionan mejor. Voy a trabajar con alguna combinación de los dos. Ten un ir en esto tú mismo. Haz una página de miniaturas, prueba diferentes opciones, prueba diferentes ángulos y poses, y solo ve cuáles se ven mejor para ti. No te quedes atascado en los detalles técnicos y simplemente explora libremente. Entonces cuando hayas hecho eso, te veré en la siguiente lección donde vamos a ver cómo refinar esto. 3. Cómo desarrollar tu dibujo: Ahora es el momento de tomar ese boceto áspero y convertirlo en algo que se asemeja a un dibujo terminado. Vamos a ver cómo refinar tu boceto y cómo aplicar alguna estructura a tus métodos. Lo que diré sin embargo es no planeo enseñarte el método Loomis ni el método Asaro ni ningún tipo de método de construcción de cabezales. Creo que estos métodos tienen su lugar y pueden ser muy útiles, pero también creo que para lo que buscamos, son un poco demasiado restrictivos. Quiero animarte a explorar y a empujar las cosas un poco más allá de lo que crees que pueden ir. El uso de estos métodos de construcción a veces simplemente te desalienta de explorar. Aquí no hay reglas reales. Puedes trabajar en cualquier estilo y proporción que quieras. No es necesario copiar mi estilo ni el estilo de nadie más, pero hay algunos efectos que ayuda estar al tanto. Por ejemplo, no importa en qué estilo decidas trabajar, aún puedes empujar tu caracterizado diseñado para empujar ciertas características. Un ejemplo común aquí es la edad. Para diferenciar entre un joven y una persona mayor en tus dibujos, puede ayudar a estar al tanto de ideas como proporciones relativas. Las proporciones relativas del rostro nos dicen mucho sobre las edades de diferentes personajes. Las personas mayores suelen tener una nariz relativamente más grande, orejas más grandes y ojos más pequeños. La frente a veces también puede parecer más grande a medida que la línea del cabello retrocede, y por lo general habrá más detalles de la superficie a medida que la piel envejecida comienza a arrugarse. Una forma de potenciar tu capacidad de dibujar diferentes tipos de personajes es aprender a identificar características e infundir tus dibujos con esas características. La idea de mostrar la edad a través proporciones relativas es un buen ejemplo de esto. Si hay un retrato que hemos dibujado que queremos sentirnos más jóvenes, podemos descubrir cómo hacerlo mirando al tipo de humanos más joven. Bebés, una vez que tenemos nuestro boceto inicial, podemos mirar lo que hace que los bebés se vean diferentes de otros humanos, y luego todo lo que necesitamos hacer es infundir nuestro personaje algunas de esas características. Podemos modificar las formas para suavizarlas y hacerlas más redondas. Podemos agrandar los ojos para cambiar las proporciones de la cara. A medida que empujamos estas características hacia nuestro personaje, nuestro personaje comenzará a asumir algunas de las cualidades de lo que estamos haciendo referencia. Esto ni siquiera necesita limitarse a solo personas. Aunque la gente suele ser un buen punto de partida, sobre todo si estás dibujando personajes humanoides, puedes encontrar inspiración para esto en todo tipo de lugares. Aquí estoy dibujando un retrato de un hombre mayor que quería sentirme más rugoso. Entonces si bien encontré referencias de un hombre mayor y un hombre que solo miraba más de cerca a lo que quería, también incluí una referencia para un árbol, y unas referencias para algún heno. Quería ver si podía darle un poco más carácter a su rostro convirtiendo las líneas simples más lisas y redondas en algo un poco más parecido a las curvas gnarly que se encuentran en un árbol viejo. De igual manera, quería añadir un poco de Bristol a su barba imitando las formas que se encuentran en el heno seco. Para este tipo de caracterización, siéntete libre de hacer referencia a lo que quieras. Por ejemplo, tal vez puedas pensar el atuendo que lleva puesto tu personaje. ¿ Cómo se verían sus dientes? ¿ Se preocupan mucho por su apariencia o no? Si aún no estás seguro de qué tipo de cosas cambiar para empujar estas características, puede ayudar a mirar a tu alrededor en el mundo real. Mira actores que podrían parecer el personaje que has visto en tu cabeza, o tal vez puedas mirar fotos de personas que conoces en la vida real. Por supuesto, también puedes hacer referencia diseños de personajes existentes y otras obras de artistas para ver lo que han hecho para empujar a sus personajes a verse de cierta manera. Puedes aplicar todas estas ideas intentando dibujar dos retratos de diferentes personajes con la misma pose, el mismo ángulo, pero mira si puedes empujar las proporciones relativas y sus características físicas que todavía se sientan significativamente diferentes. Pero a pesar de que no voy a hablar ningún método específico de dibujo de cabeza, todavía quiero darte algunos consejos para tu estructura se resuelva. A menos que estés trabajando en una materia muy estilizada, todavía ayuda poder dibujar a tu personaje desde todos los ángulos. Entonces si bien no uso el método de cabeza Loomis full-on, sigo usando líneas cruzadas para ayudarme a llegar al ángulo que quiero. Si dibujamos dos líneas sobre una esfera que van todo el camino alrededor y son perpendiculares entre sí, la cruz que vemos en la parte delantera nos da una muy buena idea de en qué ángulo estamos viendo esa esfera. Esto funciona para casi cada forma de cabeza, agrega una nariz a esto, y siempre sabrás a qué manera se enfrentan las formas. Entonces esto es lo que te voy a recomendar que hagas también. Usa este método de líneas de cruce para averiguar exactamente dónde quieres que apunte tu cabeza, entonces cuando coloques la nariz donde necesita ir [RUIDO] habrás aclarado exactamente qué ángulo quieres. El ángulo sí importa mucho. Incluso si mantenemos el diseño de un personaje igual, pero los vemos en dos ángulos diferentes, todavía puede contar dos historias diferentes. Entonces con eso dicho, te mostraré ahora cómo estoy llevando mi miniatura a un boceto más refinado para que puedas hacer lo mismo. Siguiente paso es hora de refinar nuestro boceto. Creo que una de las mejores formas empezar con esto es antes de empezar a dibujar los detalles, en realidad tómate algún tiempo para encontrar algunas referencias relevantes. Hay un programa increíble llamado PureRef que en realidad puedes descargar gratis lo que te permitirá reunir y organizar referencias maravillosamente. Yo uso este programa en casi todos los proyectos que hago. Al abrir una ventana pureRef, posponerla a un lado y simplemente navegar a través de una fototeca de stock, puedo encontrar muchas referencias relevantes para casi todas las partes de la imagen. ¿ A qué tipo de cosas puedes referenciar? Bueno, puedes empezar con la emoción que quieres representar. Tal vez quieras hacer referencia a algunas personas que se parecen al personaje que estás tratando de dibujar. O tal vez haya objetos o detalles técnicos en la escena donde tener una referencia solo puede ayudarte a averiguar cómo se ven exactamente esas cosas. Generalmente, si tratamos de sacar todas estas cosas de nuestra cabeza, dejamos fuera muchas cositas que ayudan a que la cosa se sienta real. Entonces para evitar eso, tener referencias relevantes es realmente importante. Cuando tengas las referencias que quieras, simplemente puedes seleccionar las imágenes, hacer clic derecho e ir a organizar y luego a óptimo para tener instantáneamente una hermosa difusión de todas las referencias que que has recolectado. Ahora tenemos nuestras referencias y es el momento de dibujar realmente. Lo que tengo aquí es un lienzo simple, nuevo con esa textura de papel, y sólo voy a empezar a hacer unas marcas ásperas. La diferencia es que a diferencia de la miniatura, ahora, en realidad estoy empezando a pensar el ángulo exacto desde el que estamos viendo las cosas. No obstante, para mantener las cosas sintiéndose espontáneas, no me preocupa que todo esté bien primero intentarlo. Personalmente encuentro que a menudo es más fácil conseguir un dibujo de aspecto correcto simplemente poniendo algunas cosas en la página y viendo si puedes corregirlo en lugar de solo tratar de conjurar algo que ya es perfecto fuera del aire delgado. Sólo estoy haciendo un lío para que mi cerebro realmente tenga algo que agarrar, algo a lo que aferrarse. Me verás quitar partes, borrarlas y volver a dibujarlas. Al hacerlo, estoy tratando de conseguir la mejor opción para cada parte de la imagen. Quiero que todo funcione juntos. Quiero que las manos se sientan como si tuvieran alguna tensión, quiero que el rostro se sienta expresivo, quiero que el lenguaje corporal funcione, y quiero asegurarme de que lo estamos viendo desde un ángulo que tiene sentido y eleva aún más el estado de ánimo. Algunos artistas usan mucha más construcción que yo. El motivo por el que no estoy haciendo eso en este momento es porque quiero que el dibujo se sienta espontáneo. Pero si este tipo de bocetos de forma libre no te llega de forma natural, puedes usar un enfoque más construido o simplemente intentar ver lo que puedes aprender de él. Simplemente mantente abierto a la posibilidad de que esto a menudo te ayude a aflojar un poco, y aflojar es la clave para obtener una lectura emocional y expresiva agradable. Aquí puedes verme borrar y volver a dibujar la cara en un ángulo completamente diferente. Eso es porque realmente me gusta la sensación dinámica que la inclinación hacia arriba de la cabeza nos estaba dando la inclinación hacia arriba de la cabezade una de las miniaturas. A pesar de que no las puedes ver, tengo mis miniaturas abiertas en la otra pantalla y las miro regularmente para asegurarme de que nuestro boceto aún conserva esa misma energía. Idealmente, al final de esta etapa, quieres que tu dibujo se sienta mejor que el boceto áspero que hiciste. El modo en que voy a limpiar la perspectiva es subiendo a capa, golpeando “Regla/Frame” y luego haciendo clic en “Crear regla de perspectiva”. Esta es una increíble característica de CSP que esencialmente guía todas las líneas que estás dibujando hacia los puntos de fuga que creaste. Realmente hace que la creación de perspectiva sea mucho más fácil. Una vez que tenga mi pase rudo, voy a ir por encima de él, tratando de refinarlo y hacer que se vea un poco más como una imagen terminada. El miniatura es nuestra primera idea. Entonces el boceto rudo nos acerca un poco a cómo debería verse esa idea, y luego esta versión refinada es básicamente nuestro primer intento de crear realmente el trabajo final. Ahora creo que nuestro boceto está empezando a parecerse mucho más a una ilustración terminada. Pero podría estar notando lo mismo que yo estaba notando. Nuestro boceto en este momento ha perdido mucha de su energía. Este es un problema que veo a la gente experimentando todo el tiempo, es tan increíblemente difícil mantener esa energía a medida que haces tu pieza en algo más terminado. Pero no te preocupes porque en la siguiente lección vamos a ver exactamente lo que necesitas hacer para recuperar todo eso. Entonces te veré ahí. 4. Exageración: cómo hacer que tu personaje se sienta vivo: Bienvenido de nuevo. Como dije en la última demo, siento que perdimos parte de la energía en la parte de la estructura. Esto es algo que veo pasar todo el tiempo. Creo que la gente típicamente pierde la noción de lo que la intención de las piezas cuando todo en lo que se están enfocando es perspectiva y forma. Quiero ver si podemos recuperar eso. Creo que la clave aquí es la exageración. exageración no es lo mismo que la distorsión. La parte importante aquí es su intención. Por ejemplo, si queremos que este personaje se sienta más corpulento y robusto, simplemente mover las partes de la cara al azar no nos va a ayudar realmente con eso. Lo que queremos hacer en cambio es identificar las características que hacen que algo se sienta corpulento, y empujar las diferentes partes de nuestro retrato más cerca hacia eso. Algunas cosas en las que estaba pensando, por ejemplo eran un cuello grueso, una mandíbula cuadrada, y una línea de cejas muy fuerte. Piensa en la lección anterior donde hablábamos extraer características de diferentes tipos de imágenes. Lo que estábamos haciendo ahí es básicamente una forma de diseño exagerador. En este video, quiero ver cómo exagerar el movimiento y la emoción. Pero cuando pensamos específicamente qué partes queremos exagerar para un cierto efecto, realidad podemos hacer que el dibujo se sienta bien. Ahora esa es una idea importante. Mucho del tiempo los dibujos deben ser correctos y todas las piezas están en su lugar pero realmente no sentimos el impacto que pretendimos. Creo que eso es porque dentro del dibujo, por la falta de realismo, muchas veces necesitamos empujar las cosas un poco más allá. Si queremos dibujar dos personajes golpeándose unos a otros, solo rastrear encima de la fotografía a menudo no se va a sentir bien, pesar de que las formas son exactamente las mismas que serían en la vida real. Cuando estamos dibujando algo, típicamente necesitamos diseñarlo y necesitamos empujar las cosas un poco más lejos para que aún así se sientan de la misma manera. No sólo para mirar bien, sino para sentirse bien. Pero, ¿cómo sabes qué partes exagerar? Bueno, veamos las expresiones faciales. Puede ayudar empezar sabiendo qué partes de la cara pueden realmente mover más. Si yo simplificara en gran medida la anatomía de una cara, solo sería un cráneo con un montón de cosas en él y un montón de cosas dentro de él. Si miramos a dónde irían aquí los rasgos faciales reales , el globo ocular iría dentro, los labios se pondrían arriba aquí. Las cejas se pondrían arriba aquí, y la nariz en realidad se hornea en la cara. Esta parte es en realidad el inicio de la nariz y de aquí en adelante es mayormente cartílago. Si estamos buscando cosas que tengan sentido exagerar, queremos mirar las partes que mueven más fácilmente en la vida real. Eso significa que podemos obtener mucha exageración de los ojos y podemos obtener mucha exageración de la boca. Por supuesto, la nariz también puede cambiar, pero se ve afectada principalmente por el músculo que la rodea. la nariz misma no En realidad,la nariz misma nocausa tanta de esa acción. Ten en cuenta que todavía no hay reglas reales aquí. Muchos estilos rompen este tipo de cosas todo el tiempo. Si quieres hacer que todas las características de la cara solo se desvíen a un lado para un efecto cómico, puedes hacerlo totalmente. Dependiendo de lo estilizado que dibuje, es posible que tenga más o menos espacio para detalles. Pero no importa cuánto detalle decidas usar, todavía puede ayudar estar al tanto de cómo se forman las arrugas en la cara. Sobre todo durante emociones muy intensas, tener estos aumentos de arrugas aparecen realmente ayuda a conducir el punto a casa. pliegues y arrugas son causados por la piel siendo empujada entre sí. A medida que los músculos de la cara se contraen, se están uniendo diferentes partes de la piel . Pero por supuesto toda esa piel aún necesita ir a alguna parte por lo que se pliega y se agrupa. Una manera fácil de simplificar cómo se forman las arrugas en la cara es pensar en empujar un trozo de tela. Aquí puedes verme aplicar algo de presión a una camisa que se ve aguantada por un peso pesado. Se puede ver que al aplicar presión en una dirección, estas formas ondulantes empiezan a seguir mi dedo. Lo mismo sucede en la cara cuando las esquinas de la boca se mueven hacia una sonrisa, se ve lo mismo sucediendo ahí. De igual manera, cuando las cejas se mueven hacia un ceño fruncido, lo mismo está sucediendo en el centro de la cara. El ejercicio que te voy a recomendar que practiques esto se llama push, push, break. Empieza dibujando una cara neutral. Puede ser cualquier estilo con el que te sientas cómodo y cualquier tipo de personaje. Ahora elige la emoción que quieres que este personaje transmita. Este probablemente también sería un buen momento para obtener referencias. Simplemente intenta dibujar al mismo personaje expresando esa emoción. Simplemente dibuja esta emoción a lo mejor de tu habilidad, pero no pienses demasiado al respecto. Cuando haya terminado de dibujar, compare los dos dibujos y vea si puede analizar las diferencias. Qué es lo que hace que el segundo dibujo se sienta cierta manera donde el primer dibujo simplemente se siente muy neutral. Si quieres simplemente anotar algunas notas, realmente te puede ayudar a observar. Ahora que ya sabes qué cambios hacen que este retrato se sienta de cierta manera, quiero que exageres esas diferencias. Si las cejas se mueven hacia arriba, muévalas hacia arriba. Si las esquinas de la boca se están moviendo hacia fuera, muévalas más lejos. ver si exagerando esas diferencias, puedes crear una versión más intensa de esta emoción y luego cuando hayas completado ese boceto, hazlo de nuevo, e ir un poco más allá. Este ejercicio se termina cuando has llegado al punto de ruptura. El punto en el que sientes el dibujo simplemente ya no funciona cuando has ido demasiado lejos. Es por eso que se llama push, push break. Quiero que explores los límites de hasta dónde puedes empujar estas cosas. No tengas miedo de arruinar ese dibujo final y empujarlo mucho más allá de lo que crees que puede ir. De esta manera te ayudará a explorar tus límites. ¿ Hasta dónde quieres llevarte tu exageración. Si quieres, ten un ir ese ejercicio y mientras tanto, continuaremos nuestro proyecto de clase. Como acabamos de discutir, es en los ojos y la boca donde podemos ver mucha expresión. Esa es en realidad la zona donde voy a buscar primero. Estoy analizando lo que están haciendo sus ojos y boca y sólo voy a empujar eso un poco más lejos. Sus ojos están entrecerrando los ojos, así que voy a hacer que se entrecerren más. Su frente estaba frunciendo el ceño así que voy a hacer esa frente más fuerte. Para la boca voy a enfatizar la mueca moviendo más las comisuras de la boca y también voy a enfatizar las arrugas que se están formando alrededor de su nariz. También podemos exagerar las cosas de otras maneras. Cada parte de tu personaje es esencialmente una oportunidad para la exageración. Por ejemplo, si quiero hacerla sentir frazzled y frustrada, puedo hacerlo haciendo que su cabello sea más mezquino. A pesar de que no es una parte típica de la expresión, todavía ayuda a venderla. Otra parte realmente expresiva del cuerpo son las manos. Quiero asegurarme de que las manos realmente se sientan como si tuvieran alguna tensión. Voy a enfatizar las líneas para los tendones en el dorso de su mano solo para que sienta sus dedos les tienen más atención. Voy a tratar de usar formas afiladas y angulares para hacer esto por la misma razón. Con ese mismo pensamiento, sigo dando vueltas por la imagen. Sólo estoy buscando pequeñas cosas que pueda hacer para potenciar aún más la emoción. Pensé que tal vez agregar algunas gotas de sudor en su cara sería una buena adición. Pero este sentimiento de expresión no se limita solo al personaje mismo. Hasta ahora hemos mirado la expresión exagerando la expresión facial, exagerando las manos y también hemos mirado lo que podríamos hacerle a su cabello para enfatizar aún más ese sentimiento. Pero también podemos utilizar el medio ambiente para fortalecer ese sentimiento de estrés y abrumar. Pensé que podríamos agregar pilas de papel en admin para que realmente se sienta que hay mucho por hacer. Estamos haciendo leer más fuertemente su emoción no cambiando su emoción, sino cambiando la situación en la que la está expresando. Eso es en realidad un bonito teaser para la próxima lección. Ten una oportunidad en llevar tu propio proyecto a esta etapa, y luego discutiremos cómo lograr que todo el asunto llegue a un buen final. Te veré ahí. 5. Todo es importante: decir verdad, no estaba exactamente seguro de dónde poner esta lección, pero todavía quería hablar brevemente de ello. Como viste en la última demo, hablamos de cómo sumar algunos elementos ambientales realmente elevó la idea de la imagen. Esto es cierto con todo. La principal comida para llevar que te pongas es que exagerar y conjurar cierto sentimiento a menudo no es solo exagerar el lenguaje facial o corporal. Podemos hacer esto de todo tipo de formas. Es la composición, es el ángulo de la cámara, es la iluminación, el color. Hay tantos otros aspectos que entran en juego que pueden ayudarte a subir aún más un cierto sentimiento. El caso es que si quieres considerar todas estas cosas, tienes que considerarlas desde el inicio de la pieza. Pero debido a que estábamos tan fuertemente enfocados en el dibujo de personajes, no me pareció correcto colocar allí esta lección. Solo ten en cuenta que cada elección que hagas dentro de tu dibujo puede tener un cierto efecto y cada elección, por lo tanto, también puede ser diseñada para apoyar tu idea principal. Si piensas en la cinematografía, estos cineastas realmente están esforzándose por convencerte de que su historia es realmente emocional o que su cosa aterradora es aterradora. Están haciendo esto usando todas las herramientas de su arsenal. A veces van a tirar de la cámara realmente cerca, mientras que otras veces estará más lejos. La iluminación puede ser muy cruda para darle a algo una sensación incómoda o dramática, o puede sentirse muy suave y suave si las cosas necesitan sentirse románticas y tiernas. Realmente no hay límite a los factores que puedes considerar. ¿ Cómo es el clima en la escena? ¿ Está la cámara puntiaguda recta o está inclinada? ¿ Cuántas personas hay en la escena? ¿ En qué tipo de ambiente se lleva a cabo esa escena? Todas estas cosas pueden ayudar y puedes usarlas para dar forma a tu historia. Realmente no hay una parte que sea más o menos importante que las otras. Todos se unen para hacer un producto terminado. Solo debes saber que cada vez que te sientas atascado y siempre que quieras empujar tu historia y enfatizarla solo un poco más, sé que tienes opciones. Tienes muchas opciones de hecho: el ambiente, el clima, la iluminación, la composición, la cámara en tu dibujo, la pose del personaje, el diseño del personaje, tu trabajo de línea, tu real marcaje, el pincel que decidas usar. Todas estas cosas pueden enfatizar lo que se quiere enfatizar. Espero que esto no te asuste ni te abrume porque hay muchas opciones que tomar porque esto significa que hay tantas posibilidades para explorar y hay tantas cosas salvajemente increíbles que se puede hacer usando el arte. Espero que te lleves eso contigo. Hay tantas historias que puedes contar de tantas maneras diferentes de contar esas historias. Estoy muy emocionado de ver a dónde los llevas. Con eso dicho, intentemos aplicar ese pensamiento a nuestro trabajo y ver si podemos terminarlo bien. Lo principal que quería hacer en este video final es pensar cómo podemos usar el color y la luz para realmente terminar las cosas bien. Quería pensar en cómo podemos conseguir el espectador mire exactamente a dónde los queremos y cómo podemos hacer que el personaje destaque en su entorno. También quería pensar en cómo podemos usar elementos como el color y la luz para vender mejor su historia. Lo que quería hacer es que quería contrastar su frustración con la caída y el abrumador de su trabajo. Pensé que podría ser agradable hacer eso manteniendo su tono de piel y su color de pelo bastante caliente mientras mantenía su ambiente en un gris bastante apagado y fresco. Al darle un poco de color más cálido e intenso, se destacaría muy bien y el calor de su frustración contrastaría muy bien con el medio ambiente, haría fácil para el espectador saber a qué deberían estar prestando atención, y también la separaría muy bien del mundo que la rodea. Creo que la calidez de usar algunos rojos fuertes realmente ayudaría a que su frustración suene. La forma en que típicamente empiezo a colorear estas piezas es bloquear rápidamente en algún color para cada uno de los diferentes tonos que estoy viendo. Voy a usar uno para la piel, uno para su top, uno para su cabello, uno para la silla, etcétera Sólo estoy estimando lo que creo que van a ser estos colores. Me voy un poco más oscuro de lo que espero, porque típicamente cuando estás trabajando sobre un fondo claro como este documento, es realmente fácil subestimar cuán oscuro todo podría ir realmente. Porque estás trabajando en un fondo tan claro, todo se ve realmente oscuro en relación con eso. El primer color es que pones probablemente van a parecer demasiado oscuro, aunque en la pieza final podrían terminar luciendo muy bien. También agrego unas gotas rápidas de blanco para hacer que sus gotas de sudor se destaquen y también la contrastan muy bien contra el fondo. Pensé que el blanco se veía como la iluminación de oficina de arriba que se obtiene en muchos lugares. Creo que encaja bastante bien la escena. Solo para evitar que todo tuviera exactamente el mismo color, agregué algunos tipos rápidos de papel diferentes a las pilas mediante el uso de la regla de perspectiva para dibujar rápidamente algunas líneas. Eventualmente decidí que no quería ir con solo tonos planos puros. Usando algunos pinceles suaves, agregué un poco de sombreado al personaje. Quería mantenerlo bastante mínimo y aplicarle el sombreado principalmente solo a ella para que aún quede muy claro que ella es el punto focal. Los papeles y todo lo demás necesitan estar ahí para vestirse, pero no necesariamente quiero que el espectador preste atención solo a eso. También utilicé un pincel suave para agregar aún más un tono rojo a su rostro, enfatizando esa sensación de frustración. Recuerda que sea cual sea la etapa en la que estés, nunca es demasiado tarde para arreglar un error de dibujo. Hermosa coloración encima de una línea muy mala calidad trabajo generalmente todavía no se ve muy bien. No importa cuán lejos estés en tu pieza, si estás notando un error de dibujo, probablemente valga la pena corregirlo. Una de las últimas cosas que realmente puedes verme hacer en esta demo es transformar la cara solo para asegurarte de que se ajuste al resto del cuerpo. Después de recibir algunos comentarios útiles de amigos, decidí que, sí, lo prefería cuando la cara era un poco más grande en la cabeza. Simplemente lo transformé rápidamente y luego lo pinté de nuevo para que encajara a la perfección. Nunca es demasiado tarde para hacer cambios así. Normalmente trato de nunca solo terminar y dejar una pieza en la misma sesión. Mucho del tiempo, errores simples o pequeños cambios que hacen que la pieza sea mucho mejor, se encuentran sólo cuando te tomas un descanso. A pesar de que este es un dibujo bastante rápido y áspero, todavía lo dejé un poco solo para poder ver más tarde si había algo que quisiera cambiar. Cuando volví sentí que la pieza podía usar algunos elementos de fondo muy ligeros y tal vez solo un poco de sombreado extra para ayudar a que todo el asunto encajara. Una vez más, usando la regla de perspectiva, rápidamente bloqueé en algunas formas más oscuras en el fondo y luego redují la opacidad de la capa solo para que no llamen demasiada atención. Por último, usando un par de pinceles suaves, añadí un poco de brillo a la luz de llanta en nuestro personaje, y también añadí un poco de una luz suave que viene de arriba y una sombra suave proveniente de abajo. Creo que mucho tiempo la gente debate entre el sombreado celular puro usando solo dos tonos o pintura completa. Pero creo que puedes llegar muy lejos con solo estos ajustes de luz muy generales entrando con un cepillo grande y suave y simplemente haciendo rápidamente un par de golpes en la parte superior. Ahí lo tienes. Ese es nuestro bosquejo expresivo de carácter hecho. Ahora es el momento de que te vayas. Termina tu dibujo usando estas ideas. Piensa en la iluminación y el color, y si hay algo que puedas hacer para enfatizar los sentimientos que quieres que tu imagen tenga. Después entra y acaba terminarlo a lo mejor de tu habilidad. Buena suerte y por favor comparte tu trabajo con nosotros. Me encantaría verlo. 6. Más cerca: Ese es el final de la clase. Espero que lo hayan disfrutado. Espero que hayas aprendido cargas. Si quieres seguir lo que hago, voy por @andreasprovoost en mis redes sociales. Antes de que te vayas, tengo un par de peticiones. Si has hecho alguno de los ejercicios o has hecho el proyecto de clase, por favor compártelo con nosotros aquí en Skillshare o etiquetame en redes sociales porque realmente me encanta ver lo que todos ustedes han hecho y hace mi día. Si tienes algún comentario o sugerencia o tal vez cosas de las que solo quieres aprender más, puedes avisarme enviando un correo electrónico a la dirección de correo electrónico en pantalla en este momento. Con eso dicho, espero que hayas disfrutado esto y te veré la próxima vez.