Cómo dibujar manos fabulosas - Una línea a la vez

1. Introducción a la clase: Desde los albores de la historia, la humanidad ha lucharado con preguntas difíciles. ¿ De dónde venimos? ¿ A dónde vamos? ¿ Qué significa vivir una buena vida? Pero una pregunta más que cualquier otra nos sigue plagando hasta el día de hoy. ¿ Cómo lo [inaudible] hago dibujar manos? Bueno, ya no. En este curso, te voy a enseñar todo lo que necesitas saber sobre dibujar manos. Vamos a ver cómo desgarrarlos, simplificarlos, y cómo agregarles un poco de vida y expresión. En muchas demostraciones paso a paso, te voy a mostrar exactamente lo que necesitas hacer para llevar tu juego de dibujo a mano y llevarlo al siguiente nivel. Entonces si estás listo, sumémonos y empecemos. Mi nombre es Shoot (fonético), soy instructor de arte e Illustrator, y llevo unos años enseñando arte en línea. El curso aquí a punto de tomar se ha dividido en cinco secciones diferentes. En el capítulo 1, vas a aprender la estructura de una mano. Vamos a separarlo para que podamos entender cómo se mueven las manos y luego vamos a simplificar esas formas en algo que podamos poner en diferentes perspectivas. En la lección 2, aprenderás a tomar ese boceto y convertirlo en un dibujo a mano terminado. Vamos a ver cómo las líneas que utilizamos afectan el resultado final del dibujo y vamos a ver si podemos usar eso a nuestra ventaja. En el capítulo 3, aprenderás a tomar las manos que ahora se ven terminadas y correctas e inyectarles algo de vida extra. En la lección 4, vamos a desplazar nuestra atención de dibujar a la pintura, mientras miramos qué opciones de color están involucradas en pintar las manos, así como lo que debes saber antes de abordarlas. En la lección 5, vamos a iniciar una ilustración que incorpora todo lo que hemos aprendido hasta ahora. Estoy muy emocionado de empezar en esto. Pero antes de eso, hay una cosa más a tener en cuenta. Seguir las lecciones está todo bien y bien, pero es importante que intentes aplicar estas ideas. Por lo que al final de cada capítulo, habrá una tarea corta. Puedes ver los videos a cualquier ritmo que quieras, pero trata de no pasar al siguiente video antes de que hayas tenido un go en hacer la tarea. Si todo lo que estás haciendo es amontonar nuevos conocimientos encima de conocimientos que no has hecho del todo el tuyo, las ideas en estas lecciones realmente no se van a pegar. Por lo tanto, intenta hacer los ejercicios de tarea antes de pasar a los siguientes capítulos. Dicho esto, creo que estamos listos para empezar. Entonces vamos a sumergirnos en la lección 1, que es todo sobre estructura. 2. Lección 1: estructura: Has llegado a la Lección 1. En este vamos a hablar de la estructura de una mano. Primero lo vamos a distinguir y ver si podemos entender sus diferentes partes y luego vamos a ver si podemos simplificarlas y hacerlas un poco más accesibles. Primero veamos los huesos. En este gráfico aquí, se pueden ver los diferentes huesos de la mano. El grupo de aquí abajo son en realidad parte del antebrazo. Estos dos se llaman el radio y el cúbito. Entonces a continuación tenemos el grupo de carpus. El grupo de carpus a primera vista podría parecer realmente complejo. Ahí están todos estos pequeños huesos que se cruzan de formas extrañas. Pero la buena noticia es que son en gran medida invisibles. Realmente no necesitas conocerlos. Verlas principalmente como parte de la base de la mano. Para nuestros propósitos, eso es todo lo que necesitamos. No dejes que todas esas pequeñas formas te abrumen porque no vamos a ponerle mucha atención. No obstante, es por supuesto, una parte importante de la articulación de la muñeca. Entonces a continuación tenemos los metacarpales. Los metacarpales son el principal grupo más grande en la palma de la mano. Se puede ver que hay una que lleva a todos y cada uno de los dedos incluyendo el pulgar. Todos ellos pueden pasar un poquito más allá el uno otro pero no se mueven mucho por sí mismos. Pero el metacarpiano del pulgar es un poco diferente por la articulación en su base. El metacarpiano pulgar es capaz de tener un rango de movimiento mucho mayor. Esto permite que el pulgar recorra todo el camino a través de la palma. Debido a esto, el pulgar es una parte realmente importante de agarrar cosas. Por último, están las falanges. Cada dedo tiene tres de ellos, excepto el pulgar que tiene dos. Pero debido a ese aumento rango de movimiento del que hablamos en la parte anterior muchas veces pensamos en el metacarpiano del pulgar como si fuera la tercera falange. Las falanges pueden moverse de un lado a otro, abriendo y cerrando los dedos. Pero por supuesto, su principal rango de movimiento es en flexionar y extender los dedos lo que permite a la mano agarrar cosas. Si esta parte fue un poco rápido o este es tu primer encuentro con la anatomía de la mano, no te preocupes. Vamos a estar viendo todos estos como formas simplificadas. En lugar de aprender cada hueso individual y todos sus pequeños detalles intenta simplemente agruparlos en estos sencillos conjuntos. Ahí están los huesos del antebrazo, la palma de la mano que consiste en el carpo y los cuatro metacarpios a través los dedos luego el pulgar metacarpiano lo vamos a tratar por separado porque se puede mover más. Después tenemos los dedos divididos por cada falanges. Mirar la anatomía de esta manera debería hacerla un poco más manejable. A continuación están los músculos en la mano. También son importantes los músculos a pesar los huesos constituyen la mayoría de la estructura de las manos. Mucha gente se sorprende en realidad al enterarse de que no hay músculos en los dedos. La mayoría de los músculos que mueven los dedos alrededor se encuentran en el antebrazo y si sostienes el tuyo así y mueves los dedos por ahí puedes sentir que cambian. Aún así, eso no significa que no podamos encontrar ningún músculo en las manos. Las formas más prominentes causadas por los músculos que encontrarás en las manos son estas tres. Hay uno en la base del meñique a lo largo de todo el costado de la palma. Hay uno en la base del pulgar. Este es el más grande. Por último, se puede encontrar uno entre los metacarpales del pulgar y el dedo índice en gran medida visible en la parte posterior de las manos. Cuando aprieto mi pulgar así puedes verlo claramente sobresalir. El músculo en la base del pulgar es el más grande y es el más importante a conocer. Pero todos ellos causan formas y ritmos y solapamientos de los que vamos a hablar en otros episodios. Por ahora, solo trata de tener en cuenta estos tres grupos musculares. No vamos a meternos en la tontería de cada pequeña parte de las manos pero con los huesos y estos músculos combinados ya podrás llegar muy lejos. Cubriremos muchos de los detalles en la Lección 2. Pero por ahora, trata de apegarte principalmente a estos. Ahora, tienes una comprensión decente de las partes más importantes de las manos. Pero conocer la anatomía está todo bien pero solo es tan útil como en realidad puedes ponerla en práctica. Si miras todas las pequeñas formas de los huesos sigue siendo bastante complejo. Hay un montón de pequeños solapamientos e irregularidades y si tenemos que bosquejar eso cada vez que queremos dibujar manos va a tomar años. Simplemente no es la solución más práctica. Lo que vamos a hacer en su lugar es que vamos a aprender a simplificarlo en algo que sea un poco más manejable. Queremos sacar todas esas complejidades y convertirla en un modelo que podamos convertir en el espacio y visualizar mucho más fácil. Hagamos eso. En la simplificación, no necesariamente hay una respuesta correcta y una equivocada Lo que tiene más sentido para ti es lo que debes usar. Pero te compartiré la forma en que me gusta pensar en las manos y si terminas cambiándolo en algún momento del camino eso está perfectamente bien. Simplemente trata de entender la lógica de las formas en las que estoy eligiendo para simplificar la mano, que puedas tomar esas ideas y usarlas para ti mismo. Esencialmente voy a romper la mano en tres partes diferentes. primera parte es la palma de mano principal. El segundo es un pequeño apego a esa palma para cubrir el metacarpiano del pulgar y por último, vamos a añadir las falanges para el pulgar y los dedos. Estas son las simplificaciones que me gusta usar. Pasaré por ellos uno por uno para explicar mis razones para escoger los formularios que hice. Creo que una forma rectangular plana describe mejor la palma de la mano. Voy a dibujar una caja sencilla para esa parte. Si bien cubrir la totalidad de la perspectiva está un poco fuera del alcance de este curso es útil poder dibujar cajas en cualquier tipo de ángulo. De esta forma, sabes que aunque cambies la cámara o la pose de las manos podrás dibujar la palma de la mano en cualquier perspectiva. No obstante, cuando vemos fotos de manos las cosas generalmente no están en perfecta alineación. Cuando vemos una mano desde la parte superior podemos ver que hay algo de arqueamiento a los nudillos y los dedos. Cuando vemos una mano desde el frente o desde el costado podemos ver muchas veces lo mismo. En mi experiencia, las manos tienden a lucir mejor cuando solo hay un poco de desnivel, un poco de curvatura y un poco de sensación orgánica a ella. En realidad voy a elegir usar una caja ligeramente más bendier. Así sería una caja si fuera perfectamente plana. Esta es la caja de bendy que voy a usar en su lugar. A continuación para el metacarpiano del pulgar voy a usar lo que se llama prisma triangular. Lo que suena elegante pero en realidad es solo un triángulo que luego le damos un poco de profundidad para darle forma. Utilizo una forma separada para el metacarpiano del pulgar por ese rango de movimiento del que hablamos antes. Si la mano es plana, podría decidir dibujarla prácticamente en línea con el resto de la caja. Pero cuando los ángulos del pulgar en es agradable tener esa forma extra ahí, así que no estamos atrapados usando una caja rectangular cuando realmente la forma es un poco más compleja. Debido a que el pulgar puede angularse en lo que queremos tener dos formas separadas para esto, lo que se siente un poco más natural. En cuanto a los dedos, traté de simplemente tomar esa piel hueso y grasa y todas esas pequeñas formas complejas y convertirlas en pequeños cilindros. No se pueden dibujar cilindros sin dibujar elipses. Básicamente, una elipse significa que vamos a tomar esa cara frontal circular y alejar el cilindro de nosotros lo que significa que, esa cara se va a conseguir más delgada y más delgada. Esta forma de tipo ovalado que conocemos representa un círculo en el espacio 3D se llama elipse. Ahora, para asegurarte de que tus cilindros sientan que están sentados en espacio 3D es importante que golpeen algunas características. Cada una de estas falanges comete un error diferente. A ver si podemos averiguar cuál es ese error y arreglarlo y ver qué diferencia hace eso. En la primera falange, lo que estamos viendo es que no se siente del todo como una elipse. Las esquinas aquí en realidad crean algunos bordes afilados donde realmente quisiéramos que fluyera directamente a la siguiente línea. Para evitar esto, asegúrate de que estás dibujando a través de tus puntos suspensivos, que estás fantasmeando el movimiento un par de veces antes de comprometerte a dibujarlo. Aquí la clave es enfocarse en aquellas esquinas donde el giro es más fuerte. Si no se presta atención a que esas esquinas se suavicen se va a sentir como una forma bidimensional en lugar de una forma tridimensional. En segundo lugar, siempre se quiere tratar de alinear las elipses en cualquiera de los extremos del cilindro con su eje. Si fuera a dibujar una línea que pase recto por el centro del cilindro a lo largo de su longitud esa línea debería cortar la elipse por la mitad y estas dos mitades deberían ser perfectamente simétricas. Esto significa que si la elipse se vuelve a inclinar, no se va a sentir como un cilindro. Trata de asegurarte de que si cortas tu cilindro por la mitad, esa elipse también se corta por la mitad y que se corta por la mitad simétricamente. Por último, a medida que la elipse gira hacia nosotros quieres asegurarte de que eres capaz de controlar el grado de la elipse. El grado de la elipse simplemente significa qué tan amplia o cuán estrecha es. Mucha del tiempo la gente no previene sus cilindros lo suficiente que cuando sacamos esos cilindros un poco más allá para asegurarnos de que se sienta adecuadamente previsualizada toda la ilusión 3D funciona mucho mejor. Si estás luchando para conseguir que esos cilindros encajen bien en perspectiva trata de mirar tres cosas. Las esquinas, el ángulo y el grado de la elipse. Si puedes revisar estas tres cosas todo se va a sentir súper tangible y tridimensional. Si aún estás luchando para que tus cilindros se sientan como si tuvieran forma, otra cosa buena a la que prestar atención es envolver líneas. Puedes agregar líneas al interior de tus cilindros siguiendo la forma e imitando las elipses de las caras delantera y trasera. Cuanto más se gire el cilindro hacia la cámara, redondeada y más exagerada, así como cuanto más cerca entre sí van a estar estas líneas. Si estás teniendo problemas para conseguir que tus cilindros sientan que en realidad tienen alguna forma para ellos esta puede ser una gran manera de visualizar y ayudarte a llegar allí. Ahora, un par de cosas buenas a tener en cuenta es que primero, incluso cuando estás construyendo manos aún puedes usar referencias. Hago esto todo el tiempo y prácticamente todos los artistas que conozco lo hacen. Aquí la idea es que se trata principalmente de entender estas formas, para que puedas hacer más de tus referencias y no te limites por no tener la pose exacta correcta o el ángulo recto exacto. En este lapso de tiempo rápido se puede ver cómo estoy construyendo una mano que tiene la pose desde una y el ángulo de otra. Este es un ejemplo relativamente sencillo pero muestra que al entender estas formas no estoy limitado por la referencia exacta que uso. A pesar de que las referencias que utilizo todavía me permiten tomar decisiones más informadas sobre lo que hago y no incluyo. No tengas miedo de usar referencias pero solo ve esto como una forma de complementarlas. Por último, no siempre es así como trabajo. Nuevamente, para la mayoría de los artistas realmente no construyen las manos completamente cada vez. Pero la clave principal aquí es que quiero que entiendas la estructura y cómo simplificar mentalmente estas formas, que puedas ponerlas en diferentes perspectivas. Aunque no uses este proceso exacto para dibujar tus manos, el conocimiento de este escorzo estos cilindros y las formas simplificadas todavía te va a ayudar mucho a visualizar qué manos se supone que deben parecen incluso si le agregas mucho estilo, mucho color, todos estos detalles y cualquier otra cosa que puedas pensar. Si debajo de eso tienes esta estructura sólida de roca, va a ser mucho más fácil convencer a tu espectador de que la mano que has dibujado se siente correcta. Se siente bien. Tratemos de resumir todo eso en pasos fáciles de seguir. A pesar de que vamos a estar construyendo, todavía me gusta empezar con un contorno muy áspero de la mano. A continuación, agregamos nuestra forma de caja curva para la palma y nos aseguramos de no incluir el pulgar todavía. También agrego una indicación boxy rápida para la muñeca solo para asegurarme de que la caja de la mano no esté completamente aislada. A continuación, agregamos ese prisma triangular para el pulgar asegurándose de que tenga el ángulo recto exacto. Entonces en lugar de moverme directamente a construir falanges individuales para los dedos hago algunas indicaciones ásperas de cómo espero que se vean. Entonces, por último, limpio los cilindros reales para las falanges asegurándome de prestar atención a la perspectiva. Tu tarea es utilizar este proceso para bosquejar tu mano no dibujante tres veces diferentes. Prueba algunas poses diferentes y algunos ángulos diferentes. Trata de mirarlo y sólo observa sus formas tridimensionales. Preste mucha atención al ángulo exacto de los dedos, la palma y el metacarpiano del pulgar. Intenta hacerlo tres veces y guarda tus dibujos porque los vamos a utilizar en la siguiente lección. En la Lección 2, vamos a tomar estos bocetos y convertirlos en dibujos más terminados. Buena suerte con eso. Nos vemos en la Lección 2. 3. Lección 2: dibujo de línea: Está bien, has llegado a la Lección 2 así que en la anterior, hablamos de cómo los huesos y los músculos son dos de las partes más importantes que componen una mano. Pero habrías notado que los bocetos que hicimos durante la última lección realmente no cubren mucho las diferencias estructurales entre el frente y el dorso de la mano. Si tomamos estos dos dibujos y ponemos el frente y el dorso de la mano uno al lado del otro más de las diferencias estructurales se convierten en apparents. Por supuesto, en la palma de la mano, podemos ver algunos pliegues. Podemos ver esos principales grupos musculares y podemos ver los tendones a medida que pasan por la muñeca. En el dorso de la mano, los tendones tienden a ser más definidos y visibles a lo largo. También podemos ver arrugas en las articulaciones de las falanges. El cincha en el dorso de la mano, las uñas. En ocasiones podemos ver un bulto para el hueso cúbito y dependiendo del tipo de mano, también podríamos ver arrugas o venas adicionales. Hay muchas diferencias estructurales entre el frente y el dorso de la mano y porque en muchas poses podrás ver partes de ambas ayuda a poder describir y separar estas dos partes. Una gran manera de empezar a hacer eso es controlando las líneas y las formas que usas. Una gran manera de empezar a pensar en el diseño de formas es considerar este gráfico que muchas personas usan como su introducción al lenguaje de formas. Básicamente lo que queremos hacer es comparar las características de un cuadrado, un círculo, y un triángulo. Empecemos con un círculo. El círculo es el único de estos tres que o bien tiene esquinas infinitas o sin esquinas dependiendo de cómo lo mires. Esto hace que el círculo se sienta bastante suave y redondeado. Por esta redondez y esta gradación, las cosas redondas tienden a sentirse menos amenazantes. En realidad puedes realizar ingeniería inversa de este proceso y usarlo por ti mismo. Esto significa que al introducir formas más redondeadas y circulares en tus diseños, puedes empujar esa sensación suave y accesible en los diseños que haces. Aquí puedes verme dibujando con un lenguaje de forma más circular y al hacerlo, estoy cambiando el carácter real de la mano. Podemos hacer algo parecido con la plaza. El cuadrado es incluso en todos los lados, por lo que se siente muy estable y robusto. Algunas personas lo han llamado orgulloso o confiable al introducir estas gruesas formas rectangulares en uno de nuestros dibujos de mano, podemos hacer que se sienta robusto y robusto. No se sentirá tan suave y fluida como la otra, y como tal, tendrá un carácter ligeramente diferente. Por último, está el triángulo. Los triángulos pueden sentirse dinámicos como si se estuvieran moviendo, o pueden sentirse impredecibles o peligrosos y al introducir más de esa triangleza en una de nuestras manos, podemos evocar algunos de esos sentimientos dinámicos. Ahora, fíjate que no estoy convirtiendo toda la mano en solo triángulos. Estoy tratando de simplemente incorporar esa sensación de estrechamiento del triángulo para asegurarme de que todos los dedos se sientan dinámicos. Tienes mucha libertad con cómo decides usar estas formas. Podrías construir una mano solo a partir de triángulos, y muy bien puedes hacer que se vea genial, pero es un enunciado de diseño muy fuerte y creo que por aquí quiero algo que sea un poco más gradual. Puedes ver cómo tu elección de línea y forma puede afectar el sentimiento y el carácter de una mano por lo que es bueno darse cuenta de que en realidad puedes usar múltiples aspectos de esto dentro de la misma mano. Puedes mezclarlo y emparejarlo según necesites. Pero una gran manera de empezar con esto es considerar el bonier versus las áreas de manos carnales. En este boceto rápido aquí, puedes ver cómo soy capaz de obtener una sensación estructural en lado y una sensación más suave en el otro simplemente usando más callejeros y líneas definidas en un lado y usando líneas curviadoras más suaves en el otro. El contraste entre esa nitidez y esa suavidad realmente va a ayudar a levantar las manos en otro nivel. Ahora para tomar nuestros bocetos de lecciones anteriores y convertirlos en dibujos terminados y la clave aquí es que queremos enfocarnos en conseguir esas formas medianas ahí dentro. En la primera lección, lo que hicimos fue hacer un bloque estructural muy fuerte en, pero ignora muchas de las masas musculares y muchos de los detalles que encontrarás en las manos. Empiezas a introducir un poco más de sutileza en tus bocetos iniciales de mano es realmente bueno tratar de considerar solapamientos por lo que una superposición solo significa que la forma va a estar frente a otra forma. Si dibujamos dos círculos que se cruzan y luego borramos esta parte. Ahora parece que un círculo está frente al otro. Especialmente por esta línea aquí, se puede decir exactamente cuál de estos círculos se supone que está más cerca del espectador. Pero los solapamientos no sólo ocurren entre diferentes formas. También pueden ocurrir entre diferentes partes de la misma forma, como partes de una mano. Mira esta foto aquí. ¿ Se puede ver cómo hay solapamientos entre los nudillos? En esta se puede ver cómo los dedos se superponen con partes de sí mismos? Aquí en esta foto de esta mano agrupada, podemos ver que los grupos musculares comprimidos se superponen con otras partes de la mano. Este es el proceso que vamos a utilizar a medida que desarrollemos aún más nuestros bocetos. En primer lugar, tomamos ese constructo inicial. Entonces empezamos a sumar esas formas medias como las masas musculares. Queremos trabajar desde nuestras formas más grandes primero e ir cada vez más pequeñas así que una vez que esas formas medianas estén ahí dentro, vamos a prestar cada vez más atención a las formas más pequeñas también. Vamos a prestar especial atención a esos solapamientos. Dondequiera que podamos ver masas frente a otras ahí es donde queremos prestar atención extra. En esencia, pequeños pliegues y arrugas también son solo solapamientos muy diminutos. El cincha que mencionamos todo el camino al inicio de este video es un ejemplo importante de ello. Mucha gente lo ignora. Pero en ciertas poses, sobre todo si los dedos están en ángulos muy contrastantes, la cincha puede ser muy, muy visible. El cincha se extiende un poco más en el lado de la palma que en la parte posterior de la mano, lo que significa en la parte posterior a veces podríamos querer sugerir un poco de superposición entre la forma del dedo principal y la cincha. En tanto que en el lado de la palma, realmente no vamos a conseguir esto. Dependiendo de la pose de la mano real la cincha a veces también puede tirar tensa y crear algunas solapamientos fuertes por sí mismas. A medida que definimos estos formularios aún más, no tengas miedo de hacer ningún cambio que necesites si ya estás trabajando en los formularios más pequeños, pero notas un problema con una forma más grande a veces puede valer la pena en realidad redibuja el dedo, igual que lo estoy haciendo aquí. Entonces solo limpiando la parte boquijada, deshaciéndome de las líneas que no quiero ahí dentro. Por último, estoy tratando de crear un poco de diferencia entre las áreas óseas y carnosas usando ese lenguaje de forma del que acabamos de hablar. Para tu tarea, intenta tomar dos de los bocetos que hiciste en la lección anterior y convertirlos en dibujos a mano terminados. Está bien si todavía están un poco sueltos o inadecuados, pero intenta realmente hacerles representaciones de una mano real y no sólo una abstracción esquemática de una. Cuando hayas tenido una oportunidad en eso, te veré en la Lección 3 donde vamos a intentar inyectar algo de energía en esos dibujos. Estoy muy emocionado de seguir adelante con eso tan buena suerte, y nos vemos en la Lección 3. 4. Lección 3: exageración: Ya has llegado a la Lección 3. En este, vamos a hablar de gesto y exageración. Esta siempre es una de las que me parece realmente interesante hablar porque es una de las cosas con las que comúnmente veo que la gente lucha. Una vez que tienen manos que se sienten estructuralmente correctas, aún sienten que hay algo que los hace sentir un poco rígidas o un poco muertas y creo que generalmente el gesto es la forma de arreglarlo. gesto siempre es un concepto un poco nebuloso. Los maestros a menudo te dirán que lo sientas y solo lo dibujes, pero mucha gente no entiende realmente qué es el gesto. Para esta lección, mi definición de gesto va a ser la sensación que evoca el flujo de energía a través de algo. Cuando la gente habla de dibujos de gestos, a menudo lo hacen en el contexto de figuras humanas completas. Podrían haber visto bocetos de gestos antes y podrían haberse visto un poco como esto; bocetos sueltos que fluyen del cuerpo humano sin mucho detalle en ellos. Pero el gesto no lo es todo y puedes hacer este tipo de bocetos para partes del cuerpo e incluso objetos inanimados. Todo lo visual puede tener gesto. Si agrego algunas flechas a este gráfico, se puede ver cómo el flujo de la línea funciona hace que el ojo viaje alrededor de él. En las flechas de gesto ignoran en gran medida el detalle y se enfocan principalmente en esas formas más grandes. Esas diferentes fuerzas que fluyen, a eso me refiero cuando hablo de gesto. Un ejemplo común que uso para describir cómo puedes usar diferentes gestos es una ilustración que compara dos tipos diferentes de ondas. Es una idea similar a las formas que utilizamos en la conferencia de dibujo de líneas. Esta primera ola se siente tranquila. El segundo se siente caótico y dinámico. Podrían incluso reconocer algunos de esos estrechos puntiagudos que usamos en la segunda conferencia cuando estábamos hablando de formas más triangulares. En la primera ola, el ritmo es suave, es gradual, es tranquilo. El segundo es mucho más errático, es más nítido, es impredecible. Incluso en una ilustración tan simple, podemos usar ese flujo del trabajo de línea para dar a estas dos ondas diferentes caracteres muy diferentes. Pero tener una comprensión suelta del gesto a menudo no puede ser suficiente para entender verdaderamente la exageración. Al hablar específicamente de manos, lo que recomendaría es tratar de comparar una mano relajada con una mano en una pose y ver cómo difieren las dos. Aquí tenemos una foto de una mano relajada. Se puede ver que la mano apenas está descansando y colgando de la muñeca y que los dedos tienen un poco de curvatura natural para ellos. Aquí tenemos una mano en una pose más distinta. Piensa en la emoción que te hace sentir. Si solo copiamos esto, entonces tendremos una mano que se sienta igual, ¿verdad? Bueno, no del todo. El arte a menudo necesita trabajar un poco más duro que la fotografía. Si solo rastreamos estas manos, bueno, se va a sentir un poco cojeada. ¿ Cómo exageramos nuestras manos? Bueno, un gran primer paso puede ser simplemente actuarlo. Si estás tratando de canalizar cierta emoción en una mano que estás dibujando, trata de actuar esa emoción y ve qué pasa con tus manos. ¿ Están tensos? ¿Están relajados? ¿ Se flexiona o extiende la muñeca? Una mano tensa y frustrada tiene muchos detalles muy visibles. Las líneas que elijas usar podrían ser mucho más angulares y afiladas. Una mano que está un poco cojeada y más suave tiene formas más redondeadas. El muñeco está colgado y relajado, y los propios dedos no tienen mucha fuerza aplicada sobre ellos. Aquí, usar algunas líneas curvas más suaves podría ser más natural. Alguien señalando con determinación puede parecer bastante diferente otra vez. Es posible que la muñeca se bloquee para ser lo más recta posible y también lo podría el dedo. Empieza sin actuar, actúa la emoción y luego nota lo que le pasa a tus manos. Lo principal que quiero que tengas cuidado es esta idea de aplastar y estirar. Al actuar estas emociones o al mirar una referencia, intenta observar el squash y el estiramiento. ¿ A qué me refiero exactamente con eso? Bueno, echa un vistazo a este saco de dibujos animados. Aquí solo está sentado en el suelo. Ahora imagina que yo esa esquina superior derecha y empecé a jalarla hacia arriba y hacia la izquierda. Se puede ver cómo un lado se alarga y para compensar el otro lado tiene que comprimir. Un lado se aplasta, y un lado se estira. Las líneas que terminas usando para describir estos dos lados se ven drásticamente diferentes. Por el lado del aplastamiento, tenemos mucho más de estas diminutas superposiciones y pliegues. En el lado opuesto, queremos usar largas líneas esbeltas para mostrar que ese lado se está estirando. Intentemos aplicar las cosas de calabaza y estirar a una mano nueva. Usando estas flechas verdes, voy a indicar algunas áreas donde veo estiramiento. Por ejemplo, aquí. Aquí puedes ver que los dedos se extienden y como tal, la palma de la mano se tira tensa. Aquí sin embargo, sucede lo contrario. A medida que los dedos se enrollan, el interior se comprime y el exterior se estira en su lugar. Para encontrar las áreas que squash, todo lo que necesitas hacer es mirar lo opuesto a las áreas que se estiran. Si el interior se está estirando, el exterior estará aplastando. Si el exterior se está estirando, el interior estará aplastando. Ahora lo que tenemos que hacer es, tenemos que tomar esa calabaza y estirar y simplemente exagerarla. Donde vemos el estiramiento, queremos estirarlo aún más. Podemos empujar ese movimiento hacia fuera para que el dedo se estire aún más y luego podemos usar nuestras líneas para describir ese sentimiento aún más fuertemente. Un dedo que en su mayoría era recto, podemos hacerlo completamente recto y podríamos elegir ignorar algunos detalles de ese lado para realmente empujar esa idea de largas líneas esbeltas. También es cierto lo contrario. Si algo se está aplastando podemos comprimirlo aún más y realmente enfatizar esas superposiciones. Intentemos volver a dibujar esa foto de mano, pero esta vez poniendo atención a la calabaza y estirarla y exagerarla donde la vemos. Todo lo que estoy haciendo es llevarme lo que estoy viendo en la fotografía y empujarlo un poco más allá. El último cambio que estoy haciendo es la muñeca en la referencia original. No hay mucho squash y estiramiento pasando ahí, pero porque quiero que esto se sienta lo más dinámico que pueda hacerlo, sólo voy a presentarlos yo mismo. Ahora, viendo estos dos lado a lado, espero que puedan estar de acuerdo en que uno de ellos se siente mucho más vivo que el otro. Incluso si el gesto no te está dando sentido, solo puedes usar este principio de squash y estirarte para agregar un poco de vida y emoción a tus manos. El mejor modo de practicar esto es solo hacerlo mucho. Trata de hacer algunos bocetos de mano más rápido. No te enfoques demasiado en la construcción 3D, y en su lugar presta más atención a las formas y a las curvas generales. Usa largas líneas fluidas y trata de mantener las cosas bastante sueltas y juguetonas. Si tienes problemas para conseguir que tus manos se sientan espontáneas y vivas, otra cosa buena que mirar son los ritmos. Al igual que comentamos en la Lección 2, agregar un poco de curvatura a tus manos puede hacerlas sentir más orgánicas y naturales. Esto se debe a que las cosas orgánicas suelen ser imperfectas. Están espaciados de manera desigual y les tienen un poco de flexión. Cuando comienzas a organizar líneas para fluir unas a otras y trabajar juntas, puedes empezar a formar lo que se llama ritmo. ritmos se utilizan a menudo como contraparte de la repetición. Ambas cosas se refieren a elementos repetitivos, pero mientras que el ritmo le tiene un campo natural, la repetición se siente más parecido a máquina. Básicamente en una repetición, solo estás usando exactamente el mismo espaciado una y otra vez, mientras que en los ritmos, hay un reflujo natural y fluye a toda la cosa. Quieres introducir un poco de eso en tus bocetos de mano. Tiene que haber un poco de desnivel. Si los dedos están espaciados perfectamente uniformemente, tal vez puedas ajustarlos un poco para hacerlos más interesantes. Si todos los dedos están en ángulo exactamente de la misma manera, tal vez podrías agregarle un poco de variedad para que se sienta más natural. Trata de quedarte suelto y divertirte con estos. No te preocupes demasiado por la construcción 3D. Es más importante que entiendas esas ideas que que que realmente trabajaste ese mismo proceso exacto. Trata de enfocarte en líneas y formas lúdicas y simplemente imagínate y ten en cuenta cómo exactamente esas formas giran en el espacio. De esa forma seguirán informando tu toma de decisiones, pero no estás encadenado a ellos. Por último, cuando haces estos bocetos, tengo tres consejos más para ti. El primero es empezar en bruto, empezar en bruto y permitirte explorar. Intenta seguir usando líneas más largas, pero siéntete libre de usar líneas ligeramente más ligeras que puedes borrar o que simplemente no se muestren tanto en el dibujo final. Pero necesitas permitirte la libertad de cometer errores y de empujar las cosas una manera u otra a medida que descubres cada vez más formas de exagerar las manos. En segundo lugar, si muchos de los dedos están agrupados juntos en la pose que estás tratando de dibujar, a veces dibujar una forma grande para la totalidad y solo entonces romper esa forma en trozos más pequeños puede ser más fácil que dibujar cada dedo por separado. Trabajar de esta manera te ayuda a mantener tus proporciones bajo control. Por último, si tienes el problema opuesto y todos los dedos están extendidos, a veces puede ayudar a indicar rápidamente el extremo del dedo primero y luego conectarlo de nuevo a la palma. No siempre necesitas empezar por la palma y luego construir tu salida. Puedes empezar por la punta y trabajar tu camino de regreso. En una pose más extrema y fuertemente precortada como esta, empezar por la punta de los dedos suele ser una forma más fácil de empezar. Para tu tarea, quiero que dibujes tres manos diferentes, cada una de ellas exagerada para tener un poco de personalidad para ellos. Trata de mantener tus líneas largas y fluidas y utiliza esos principios de calabaza y estiramiento, así como ritmos para que se sienta natural. Puedes usar tanta construcción como necesites, pero no necesitas trabajar exactamente el mismo proceso que hicimos en las Lección 1 y 2. Trata de divertirte con él y trata de mantenerte suelto, porque entre menos tensión que tengas en tus brazos, más fácil será conseguir esas lindas líneas fluidas. Tengan una oportunidad con eso y nos vemos en la Lección 4 donde vamos a hablar de color. Buena suerte. 5. Lección 4: color: Estamos en la lección de color. Para esta lección, he preparado algunas manifestaciones. Simplemente te pasaré por el proceso unas cuantas veces mientras cubro algunos aspectos diferentes en los que pensar y la lógica detrás del proceso paso a paso. Mi esperanza es que al final de esta lección, tengas una clara comprensión de cómo puede ser pintar una mano, así como algunas cosas buenas para cuidarte. Sin más preámbulos, empecemos. Entrémonos a la demo. Estoy aquí en Clip Studio y primero voy a empezar con un boceto de línea suelta. vas a ver centrándome en los arcos más grandes y en la forma en que las cosas se conectan. Porque tenemos una referencia tan buena, principalmente estoy mirando las formas bidimensionales en lugar de las formas 3D. me verás empezar con sólo unas grandes líneas generales de establecimiento y luego a medida que avanza el dibujo, voy a seguir cortando en ellas para definirlas cada vez más. Las líneas iniciales son apenas largas, grandes curvas C, muy generales y luego lentamente pero seguramente les vamos a agregar más definición. Eventualmente, también me verás agregar algunas líneas más delgadas, más oscuras e incluso un poco de indicación de sombreado. Aquí la idea es que realmente quiero obtener una estructura clara definida antes de agregar cualquier color. Porque al igual que agregar detalle, agregar color tampoco va a guardar tu dibujo. Tus líneas son como si fueras andamios para el resto de la imagen, así que quieres intentar conseguir esas líneas, esas formas y esas proporciones exactamente correctas. Es así como voy a empezar, estableciendo primero las formas más grandes y luego cortarlas para trabajar cada vez más pequeños. También agrego una rápida indicación de dónde iban a estar los parches y sí me aseguro de que aunque el boceto siga suelto y juguetón, sí trato de conseguir las sutilezas de las formas ahí dentro. Entonces cuando estoy contento con lo que he establecido, es hora de la fase 2 donde realmente empezamos a aplicar el color. Ya me verás empezar no con el tono de piel, sino con el fondo en su lugar. El motivo por el que empiezo con el fondo y no el tono de piel, es que el color siempre se ve en contexto. Mira estos dos parches. En medio de ambos, estoy agregando el mismo gris. Pero en el parche negro, se puede ver cómo ese gris aparece mucho más ligero que en el blanco. De igual manera, si tenemos un parche naranja y un parche azul y una vez más añadimos ese mismo gris ahí dentro. Podemos ver que en el naranja, el gris se siente un poco azulado, mientras que en el azul, el gris se siente naranja. Esto es lo que significa ver el color en contexto, los colores están moldeados y ajustados por el color que los rodea, lo que nunca se quiere trabajar de manera aislada. Si estás haciendo un estudio de color como este, intenta trabajar siempre estableciendo ese contexto tan pronto como puedas. Entonces solo consigue tu primera conjetura por ahí. Consigue un color de fondo ahí dentro. No trabajes en un lienzo de fotos blanco liso porque es tan difícil juzgar exactamente qué tan oscuro, qué tan brillante necesita ser todo. Entonces cuantos más colores agregues, más contexto tendrás. Los colores empiezan a hablarse de alguna manera y cada conjetura que hagas te acerca un poco al verdadero color. El color de fondo y los colores de piel que elijo son solo mis mejores conjeturas en cuanto a los promedios de estos colores. Estoy tratando de conseguir esencialmente el color ahí que requiere la menor cantidad de cambio para que funcione. No estoy buscando el color más oscuro o el más claro entre todos los colores en la mano, cambio, solo estoy tratando de conseguir un tono medio agradable que no necesite mucho trabajar para empezar a lucir realista. A continuación, agrego en alguna variación de color. Puedo ver por ejemplo, que los colores en la mano se desplazan hacia el rojo mientras nos acercamos las yemas de los dedos y en la base de la mano realmente veo un montón de verde. Añado estos colores ahí bastante groseramente y luego los tire hacia atrás cuando lo necesite. A partir de aquí, estoy aplicando esa misma lógica de hacer esos grandes cambios primero y los cambios más pequeños después. Estoy tratando de limitar mis pinceladas y estoy tratando de usar el cepillo más grande que pueda. Después tiro algunas indicaciones rápidas para las sombras principales que veo en las manos. Antes de empezar a pintar, utilizo un pequeño truco que me gusta hacer. este momento, las líneas que he usado son casi cosas 100 por ciento negras y orgánicas que a veces pueden tender a desaturar el color y hacer que sea poco menos vivo. Lo que quiero hacer es simplemente darle rápidamente a esas líneas un poco de color. En Clip Studio Paint, puedo hacer esto agregando una capa por encima de la línea art, haciendo clic en esta capa para recortarla a la capa abajo y ahora todo lo que pinte dentro de esa capa se va a mostrar sólo en los píxeles que se llenaron en el capa anterior lo que significa que cualquier cosa que pinte va a aparecer sólo en mi line art. En Photoshop, puedes hacer lo mismo haciendo otra capa, sosteniendo “Alt” y haciendo clic en la línea entre las dos capas. A continuación combino la capa line art con una capa de color para convertirlos en un solo agujero. Simplemente voy a seguir desarrollando las formas usando pinceles más pequeños, soy capaz de lograr más detalle y despacio, pero seguramente voy a trabajar cada vez más pequeño. Otro truco útil para usar aquí, es usar el bloqueo de transparencia para asegurarme de que al igual que el recorte, pueda pintar sólo dentro de los píxeles que ya se han llenado. Si uso esto en mi capa de mano, todas mis pinceladas estarán limitadas exclusivamente a la mano real que estoy pintando. Aquí estoy buscando muchas sutilezas, como cómo los reflejos de la mano tienden a inclinarse un poco hacia el azul y lentamente también estoy empezando a mirar más a formas generales más pequeñas. Trata de no pasar de un escenario a otro con demasiada rapidez. Al igual que el dibujo es el andamio que mantiene todo unido, estos trazos de pintura más grandes realmente se aseguran de que cuando añades tu detalle, todo se sienta como si fuera proporcional al resto. Si alguna vez no estás seguro de si estás listo para pasar a la siguiente etapa o no, intenta inclinarte un poco más para pasar algún tiempo extra en esas primeras etapas. Porque realmente son esas primeras etapas las que marcan la mayor diferencia. Cuanto mejor lo hagas aquí, más fácil será para ti agregar todos esos detalles y cosas más pequeñas y que todo funcione en conjunto. Los trazos más grandes primero, luego aquellos de forma media estableciendo trazos. Entonces sólo al final aquí, se puede ver que estoy empezando a cortar un poco en las cosas más pequeñas. Estoy usando unos pinceles más duros con bordes más afilados para darle a la mano un poco más de estructura. Sigo trabajando de esta manera, buscando pedacitos que pueda agregar, hasta que haya logrado el efecto deseado. No quiero hacer esto excesivamente renderizado, así que lo voy a dejar aquí mientras sigue ligeramente pictórico. Ese es realmente el proceso principal que sigo para estos estudios. Pero hay algunos otros casos en los que podría necesitar considerar cosas diferentes. En esta foto, tenemos dos manos interactuando entre sí así como un objeto, las flores. Las proporciones siempre son algo relativo. A pesar de que una mano pudiera parecer correcta por sí misma, eso no significa necesariamente que se vea correcta en contexto. Empiezo con un boceto muy suelto porque solo estoy tratando de medir cuál es el área general que al menos ocupan ambas manos. De nuevo, no me preocupo demasiado por usar ese proceso exacto de construcción 3D. En lugar de eso sólo se enfoca en conseguir que las formas sean del tamaño correcto. El meñuelo, por ejemplo, en esta foto, está tan oculto y previstoso que efectivamente soy capaz de capturarlo con sólo usar un círculo. Ahora admito, creo que me muevo un poco demasiado rápido desde el boceto. No es necesariamente que se vea completamente equivocado, pero todavía se ve un poco indefinido. Si estuviera viendo a un estudiante hacer esto, probablemente les diría que pasaran un poco más de tiempo en el dibujo real. Pero aún así se puede ver que el proceso es en gran medida el mismo. Empiezo con estas declaraciones muy ásperas, sueltas y generales, y luego usando unas líneas más oscuras, más definidas para tallarlas un poco. A continuación, al igual que en el anterior, empiezo bloqueando en algún contexto. Pero en esta foto, la mayoría del contexto que tenemos viene de las flores, pero también del color de piel porque estamos viendo tono de piel encima del mismo tono de piel, sé que aquí tenemos que poner atención extra para conseguir esas sombras exactamente correcto. Después de haber establecido los contextos iniciales, entonces empiezo a tallar en estos tonos generales con algunas marcas fuertes, delgadas y oscuras. Básicamente, estoy tratando de conseguir unos bordes de sombra crujientes que realmente me ayuden a ser más conscientes de dónde cambian los aviones. También agrego en mucho más variación de color local en las uñas y las palmas de la mano. En muchas personas con tonos de piel más oscuros, a menudo se puede ver un cambio de color que va desde el dorso de la mano hasta la palma de la mano, y aquí en esta figura también, puede ver cómo a veces ese cambio de color corre todo el camino a través y en realidad aparece en la punta de las uñas también. Todavía no están bien los colores, pero sólo estoy tratando de conseguir una vez más esas declaraciones promedio. Porque una vez más, quiero crear tanto contexto como sea posible entonces también bloqueo en algún verde para los tallos de la flor. Se puede ver cómo en el mundo de las manos hay muchas variaciones diferentes de color que se pueden obtener. En esta referencia, por ejemplo, se puede ver que la luz neutra más fría en realidad termina ocasionando muchas notas para los reflejos que son muy importantes para capturar la sensación de la mano de esta persona. Al igual que con los turnos de color locales, primero los bloqueo en muy notablemente, y luego los tiraré un poco más tarde. Una vez más, el proceso es, empezar con un dibujo, empezar a introducir algún contexto, y luego refinar y refinar. Si notas algo que podría simplemente ser mejor si tus colores en general simplemente no están funcionando del todo, a pesar de que ya estás trabajando en los detalles, o tal vez una parte de ello simplemente no se ve del todo bien. Sea cual sea el caso, no debes tener miedo de rehacerlo. Hay algunas áreas en esta mano donde juzgué color de la piel como un poco más claro de lo que era, o un poco menos o más saturado, y sea cual sea el caso, aunque ya empecé a poner detalle ahí dentro, el mejor curso de acción siempre es simplemente redibujarlo. Es práctica libre. Estás aprendiendo de tus errores dentro de la misma pintura. No tengas miedo de rehacer las cosas, es una parte natural del proceso. Al aplicar pintura al lienzo, vas a perder ciertas partes y vas a tener que recuperarlas. Si intentas preservar todo lo que has hecho, tu pintura se va a sentir muy apretada y excesivamente controlada. Entonces, por último, puedes ver aquí estoy pasando bastante tiempo solo pasando por todas las crestas y las yemas de los dedos y justo todos esos bordes donde puedes encontrar ese último poco de sutileza. Siempre siento realmente que mucha de esa sensación del giro de la forma depende del borde mismo de la forma. A mí me gusta ir por los bordes y simplemente realmente ahí poniendo algo de atención extra a la sutileza. Agregando sólo ese pequeño poquito de sombra extra para que se sienta como si todo se estuviera alejando. Por último, quería mostrarles un dibujo de unas manos más viejas. Los principales cambios ocurren a la hora de articular las líneas y bloquear en las formas iniciales. mí me preocupa un poco menos mantener las líneas lisas y que fluyan entre sí, y también me preocupa menos cuando realmente bloqueo en el color con mantener limpias todas las transiciones, está bien tienen un poco más de cuadrículas y un poco más de contraste cuando estás dibujando manos mayores, la textura extra y las formas superficiales más definidas te permiten salirte con mucho más contraste. Se puede ver más contraste de color entre la piel y la piel que tiene venas directamente debajo de ella. Las arrugas proyectan sombras más profundas y cualquier textura y formas más pequeñas son mucho más perceptibles. En estos, estoy mucho más dispuesto a simplemente arrojar un montón de contraste ahí dentro y ver qué pasa, pero realmente quiero enfatizar en particular en estas manos, cómo no debes preocuparte demasiado por las arrugas, justo desde el principio. Las arrugas no son realmente una parte integral de la estructura de la mano, pero son más los detalles finales de la superficie. No quieres bloquearlos demasiado pronto porque van a parecer demasiado importantes. Trata de imaginar la mano como si las arrugas no estuvieran ahí, pintarla de esa manera primero y luego solo cuando añades esas etapas finales realmente pones las arrugas. Podrás ver en el lapso de tiempo también, solo los agrego bastante tarde. medida que trabajas en estas formas sin embargo, intenta pensar en los materiales que componen tus manos. Parece una pregunta un poco extraña, pero ten en cuenta que los materiales tienen propiedades muy diferentes. Por este lado, en particular, porque la mano está usando algunas joyas y también las uñas están pintadas, tenemos algunos de repente materiales mucho más reflectantes donde anteriormente todo lo que teníamos era piel. Los materiales reflectantes suelen mostrar un mayor contraste, reflejan con mayor nitidez lo que realmente hay en su entorno, y también tienden a tener reflejos mucho más definidos. Las manos y las uñas están siendo afectadas por la misma luz, pero debido a que las uñas son mucho más lisas y reflexivas, se puede ver que sus reflejos son mucho más nítidos y definidos. Las manos tienden a tener más de un reflejo difuso. Significa que mientras los colores sí cambian, no se puede ver un claro reflejo del entorno en la propia mano real. Siempre que pintes las manos intenta pensar en las características de los materiales involucrados, las uñas en general van a ser un poco más reflexivas que la piel, pero claro, el esmalte de uñas va a hacer que esas uñas sean aún más reflectantes. Aparte de eso, las consideraciones son principalmente las mismas. Desde el boceto suelto, pasamos al bloque grande en luego a las pinceladas de forma media y terminamos con los detalles más pequeños y pequeños. Se puede ver que me detengo antes de incluir cada arruga de la foto. Me gusta hacer esto porque mantiene mi estilo un poco simplificado y un poco pictórico. Si no siento que el detalle se vaya a agregar a la pieza, entonces generalmente prefiero dejarla fuera. Pero ahí tienes, esa es nuestra demo de tercera mano completa. Tu tarea es tomar el proceso que acabo de mostrarte y paso a paso hacer un estudio de color propio. Simplemente encuentra una bonita fotografía de mano que te guste y haz lo mejor posible para replicarla. Preste atención a sus sutiles cambios de color, así como a cómo lo afectan el color de la iluminación y el entorno. Presta atención al tono de piel y cómo ese tono de piel puede variar a través de la mano. Si quieres mantener las cosas simples, busca una iluminación más suave y neutra. Si quieres desafiarte a ti mismo, intenta buscar poses con mucho escorzo o diferentes fuentes de iluminación de colores dinámicos. Trata de medir qué nivel de desafío es apropiado para ti en este momento, y solo tienes que ir a pasar por este proceso. Si lo has hecho, te veré en la Lección 5 donde vamos a tomar todo este conocimiento y combinarlo en una sola ilustración. Buena suerte con eso. Te veré en la lección final. 6. Lección 5: lo integra todo: Hola a todos. Ya lo has hecho a la Lección 5. Bien hecho. En esta lección, vamos a estar discutiendo cómo tomar cualquier idea que tengas y convertirlas todo el camino a ilustraciones terminadas. Estos pasos son generales y aplicables a todo. Te quiero dar una hoja de ruta muy práctica que puedes seguir para tomar cualquier idea de ilustración que tengas y tomarla todo el camino desde el principio hasta la meta. Voy a estar demostrando todo el proceso de hacer una ilustración digital, explicando cada paso a medida que avanzamos. Al final de la demostración, obtendrás una hoja paso a paso que podrás imprimir y utilizar para crear tus propios proyectos. Yo estoy muy emocionado de pasar por esto, espero que tú también lo estés. Empecemos. Primero lo primero, la miniatura. Creo que cuando mucha gente inicia estos tutoriales, el primer paso que generalmente incluirán es el boceto. Empiezas con un borrador en bruto y lo refinas hasta tener algo terminado. Pero a menudo hay una pequeña sección que siempre hago por separado antes que cualquier otra cosa. Se trata de un boceto en miniatura. Básicamente, en el boceto de miniaturas, estoy tratando de conseguir una referencia visual de cómo va a ser mi identificación. Básicamente, cada vez que me cuesta empezar con un dibujo, tiende a ser porque o estoy sin ideas o tengo ideas, pero las estoy descontando. Yo los empiezo pero me rindo con ellos muy rápido porque siento que no van a funcionar. A veces tengo una idea de lo que quiero dibujar, pero la perspectiva y todas las cosas que necesito para trabajar, me obstruye un poco el cerebro y termino nunca terminándolo. Introduce la miniatura. El thumbnail es ideal para solo sacar tu primera idea por ahí. Aquí la idea es crear más de una referencia visual para desarrollar tu idea sin realmente preocuparte demasiado por la perspectiva y conseguir que la composición sea la correcta. Solo estás queriendo sacar la primera idea de tu cabeza y a la página. Aquí está mi miniatura para la ilustración que vamos a estar haciendo. Como se puede ver, no es particularmente impresionante. No tiene por qué serlo. El miniaturas es solo para ti. Mientras entiendas a qué se trata de llegar, entonces la miniatura ha hecho su trabajo. No necesitas preocuparte demasiado por la iluminación. No necesitas preocuparte demasiado por la composición exacta, la anatomía, la estructura, todos estos detalles. Simplemente saca tu idea inicial por ahí y mira si funciona. Si lo deseas, la miniatura también es la mejor arista para experimentar. A ver si puedes cambiar el ángulo de la cámara, ver si puedes cambiar las poses de los personajes. Empezando por una miniatura como esta donde no tienes que preocuparte por dibujo correcto o todas estas pequeñas consideraciones técnicas, es una forma de estacas bajas tan agradable para empezar. Siempre que quieras abordar un proyecto de ilustración más largo, te recomiendo que empieces con algo realmente desmoronable como este. No te preocupes por la calidad de tu línea ni por lo bien que se ve, o si esto es algo que deberías estar haciendo, solo pregúntate, ¿es esto algo que quiero dibujar? Si lo es, entonces pasemos al boceto. Al dibujar una pequeña escena como esta, ayuda a entender cómo son los personajes, quiénes son y cuál es su relación entre sí? ¿ Cómo son sus rasgos de carácter y sus estados de ánimo actuales? ¿ Cómo van a afectar sus expresiones faciales y sus poses? Comience con bloqueos ásperos. No te preocupes por líneas limpias ni detalles ni nada por el estilo todavía. Trata de simplemente conseguir las cosas en la posición correcta en la página. Tan solo haz los grandes cambios que quieras hacer ahora. Simplemente muévete, hazte bosquejar y prepárate a redibujar las cosas. En cuanto empieces a sentirte feliz con la composición, la colocación general de las cosas, es hora de empezar a considerar un poco más la estructura de las cosas. Puedes empezar a pensar en el escorzo o en cualquier elemento anatómico que veas. Cuando se trata de cosas como manos y caras, quieres empezar a carnoslas un poco más. Quieres empezar a considerar la perspectiva, la estructura tridimensional de los elementos de tu página, ese tipo de cosas. Tuve muchos problemas para ajustar la sonrisa del personaje femenino. Terminé simplemente redibujándolo y a veces eso es lo que se necesita. Quieres seguir dibujando y redibujando hasta llegar a un punto en el que te sientas decentemente satisfecho con el boceto, entonces estás en un poco de encrucijada. Dependiendo del estilo que vayas por, podrías decidir encarnar mucho más el boceto, centrándote en el arte de línea y manteniendo todo realmente, realmente nítido y limpio. Si vas por más de un estilo pictórico como yo, podrías estar bien simplemente moviéndote un poco más rápido. Vas a estar pintando sobre las líneas tantas veces de todos modos que sólo conseguir la indicación general de todo será suficiente. Si no estás muy seguro de si quieres mantenerlo más definido o más escrúpido, diría inclinarte por pasar un poco más de tiempo en tu dibujo porque estoy bastante impaciente y ese hábito ha vuelto a morderme muchas veces. Tan pronto como te sientas satisfecho con tu bloqueo de línea, puedes empezar a introducir un poco de color rugoso. Personalmente, realmente no separo las cosas en diferentes capas porque me ayuda a mantener las cosas conectadas y unificadas. Mantener las cosas en capas separadas te da más control, pero también a veces puede hacer que las cosas se sientan un poco desconectadas de otra. Al igual que en lugar de un cuadro lleno de personajes, has creado un collage donde todo se siente un poco fuera de lugar. Al usar menos capas, terminas superponiendo bits y piezas que solo unen la pieza. Cuando vas a bloquear en el color áspero, no siempre necesitas considerar tus sombras, pero sí ayuda tener una idea de cómo va a ser la iluminación porque son fuentes de luz más suaves y grandes va a proyectar sombras más suaves y debido la principal fuente de luz en este cuadro va a ser la lámpara alrededor del borde del espejo, las sombras van a ser relativamente suaves. Voy a elegir no bloquear en un color de sombra aparte aquí. Otra razón por la que quizá quieras considerar las fuentes de luz es que si tu fuente de luz está coloreada, va a lanzar ese color a la escena. Los colores que sí terminas recogiendo van a ser radicalmente diferentes que si tu fuente de luz es más blanca, más neutra. A continuación, arrastre en una textura de azulejo rápida, que hago principalmente para trabajos muy repetitivos o texturados pesados. Si algo ya necesita verse muy perfecto y en perspectiva, bueno, podría tomar mucho tiempo dibujarlo con las manos, pero a veces usar una textura es un poco más rápido. También porque ya sé que quiero mantener enfocados a los personajes principales pero desenfocar el resto, estoy bien con usar una textura porque cualquier detalle que sea demasiado, eso es demasiado realista, realmente no va a aparecer porque voy a desdibujarlo todo. A continuación, voy a empezar a indicar poco a poco algo de luz. Recuerda de la lección de color que todo es contexto, por lo que quieres prestar atención a mantenerte alejado y mantener todo en marco. Cuando amplías demasiado, podrías renderizar una cara que se ve hermosa, pero simplemente hacer que todo el asunto sea demasiado contrastia o demasiado claro o demasiado oscuro. Mi conjetura inicial es, no tengo idea de si van a funcionar, pero solo introduciendo algo de color ahí dentro, lenta pero segura, me estoy dando más información con la que trabajar. Todos estos colores se están hablando entre sí y luego sólo puedo ajustarlos como necesito. Sigo trabajando en esto. Sigo adelante con ese principal grande a pequeño, empezando primero con los ajustes más grandes generales y luego lentamente trabajando en más detalle. A veces solo lanzo un color que creo que no va a funcionar, pero luego solo lo mezclo y lo desenfoco hasta el punto en que encaja bastante bien. Esta idea de introducir algo muy fuertemente y luego tirarlo hacia atrás en realidad me lleva a un principio en el que siempre pienso cuando estoy pintando. Esencialmente para toda esta sección media del cuadro, no estamos haciendo los detalles finales, pero tampoco estamos realmente haciendo ese establecimiento inicial, me gusta pensar en una rueda. En un lado de esta rueda está la estructura y en el otro lado de la rueda está la sutileza. Siempre me pregunto, ¿necesita esto más estructura o necesita más sutileza? Sigo yendo entre estos dos. A lo que me refiero por estructura son formas afiladas, bordes duros, líneas audaces, cualquier cosa que ayude a darle un poco más de solidez a tu pieza. Muchas veces cuando nos metemos en la pintura, y sobre todo cuando nos metemos en los detalles, las cosas empiezan a sentirse un poco demasiado suaves, un poco blandas. Siempre que noto un área en mi pintura que tiene eso pasando, trato de reintroducir alguna estructura. Me enfoco en trabajar con pinceles más duros, trazos más audaces, presionar un poco más fuerte en la tableta, solo para que estoy mezclando menos y simplemente introduciendo más definición. Por otro lado, si las cosas se sienten demasiado crujientes y las transiciones simplemente son demasiado agudas, tal vez haya algunas cosas que se supone que se sienten suaves u orgánicas, pero en cambio se sienten muy rígidas o afiladas. En ese caso, quiero introducir un poco más de sutileza. Palabras que pienso ahí son mezcla, bordes suaves, y color sutil. Básicamente, voy a estar usando pinceles más grandes, pinceles más suaves, e introduciendo color sutil para tratar suavizar cualquier cosa que se sienta un poco demasiado repentina, un poco demasiado afilada. De esta manera, soy capaz de encontrar un equilibrio entre las cosas no sentirme blanda, sin forma y débil, pero también no sentirme como máquina y rígida y antinatural. Después hay una adición a la rueda, que son los ajustes de escala más grandes. Ya que voy entre la sutileza y la estructura y pensando en ambos y mantenerlos en equilibrio, veces necesito volver a tirar hacia atrás y simplemente hacer algunos ajustes generales de tono general. Mucho del tiempo, estaré contento con cómo se está desarrollando la pintura, pero solo date cuenta de que todo el asunto necesita más contraste. Si este es el caso, podría entrar en mi configuración y simplemente subir un poco los niveles, o aumentar la saturación. A lo mejor quiero introducir un poco de viñeta alrededor de los rincones del cuadro. Durante toda la parte media del cuadro, este es el proceso que estoy siguiendo. Me estoy moviendo entre estructura y sutileza constantemente y ocasionalmente tirando hacia atrás para mirar el panorama más grande para ver si hay algún ajuste más grande que necesito hacer. Entonces cuando se establezca lo general, voy a empezar a pegarme un poco más en lugares individuales, pasando un poco más de tiempo en cada elemento individual, como una mano o una cara y simplemente empujándolo más allá. Está empezando a acercarse al punto de estar terminado. Voy a hacer un pase sobre el cuadro donde uno por uno, tomo estos elementos y los renderizo en una forma más terminada. Básicamente quiero que la pintura llegue al punto en el que podría no necesariamente parecer terminada, pero puedo decir exactamente cómo se va a ver cuando esté terminada. Ahora que sientes que tienes una idea clara de hacia dónde va tu pieza, la clave es intentar terminarla. Mucha gente se detiene justo antes de esa línea final y nunca terminan haciendo algo que se hace enteramente. Todo lo que hacen son bocetos o ilustraciones que siempre se sienten un poco a medias porque nunca se los llevaron hasta el final. Lo que me gustaría hacer es la próxima vez que estés en esa situación, solo haz una lista de los elementos individuales de tu pieza e intenta clasificarlos por prioridad. Después empezando por la parte más importante primero, intenta trabajar en ella. Esencialmente, tan pronto como termines esa zona y decides que está hecha, ya no tienes permitido tocarla. Al trabajar de esta manera, no se siente como si la etapa de acabado simplemente continuara y continuara para siempre. Esta es una de las principales cosas que está impidiendo a la gente terminar su trabajo regularmente. Siempre hay más que hacer. Intenta usar esta lista de comprobación para mostrarte lo que te queda por hacer, lo que ya has hecho, y qué partes no tienes permitido volver a tocar. Lo último que quieres hacer es solo dejar la pieza un poco. Tan solo aléjate y tal vez pasaste unos días sin mirarlo. Entonces, la próxima vez que lo abras de nuevo, intenta identificar si hay algo que salte fuera de ti que necesite arreglarse. Aquí la idea es que al refrescar tu percepción de la pieza simplemente no mirarla por un rato, puedes identificar con mayor claridad las cosas que están funcionando y las cosas que no lo están. Muchas de las veces en las que he hecho esto en el pasado, pude solo tomarme cinco minutos más o menos solo para arreglar algunas cositas cuando definitivamente funcionaba la pieza general, pero básicamente, me impidió que me frustrara ver esa pieza en línea y siempre notando esa cosita que sería tan fácil de cambiar, pero ahora ya está ahí fuera. Trata de tomarte un poco de descanso para que con una percepción fresca, puedas asegurarte de haber abordado cualquier tema importante que pudiera haber ahí. Mucho tiempo, puedes hacer que la pieza sea tan diminuta un poquito mejor con solo un minuto de trabajo extra. Tu tarea para esta lección es comenzar una ilustración con al menos una persona. Trata de mantener la estructura sólida y creíble y trata de pensar en lo que aprendiste durante las lecciones de Gesto y Color para agregar un poco de vida y destello a todo el asunto. No es necesario terminarlo hoy pero por supuesto, el proceso de miniaturas es perfecto para solo hacer un inicio. Para ello, puede utilizar el documento que proporcioné en las notas de clase. Si alguna vez no estás seguro de qué hacer a continuación, intenta simplemente seguir los pasos del documento. Si das esos pasos uno por uno, te puede llevar todo el camino desde el principio hasta la meta. Ahí lo tienes, tu tarea final de tarea. Buena suerte. 7. Outro: Está bien. Ya lo has hecho hasta el final del curso. Date una palmadita en la espalda, espero que te lo pasaras muy bien tomándolo, me lo pasé muy bien haciéndolo. Si hay algún comentario que tengas, alguna pregunta, comentario o cosas de las que te gustaría conocer más, puedes enviarlos al correo electrónico en pantalla en este momento. Me encanta escuchar de todos ustedes y me encanta ver lo que han hecho. En esa nota, puedes compartir lo que hayas hecho en los proyectos de clase para este curso. Pero de cualquier manera, muchas gracias por tomar este curso y espero poder verte en el siguiente. Por ahora, feliz dibujo.