Transcripciones
1. Introducción: El arte como la chispa que
ilumina nuestra cultura. Así que ayúdame a celebrar una de las
chispas creativas más curiosas de la historia de la humanidad, el monstruo marino medieval En esta clase, comenzaremos
con la mirada de cerca a la cultura en la historia que rodea al
misterioso monstruo. Con eso como nuestra inspiración
trabajaremos para imaginar un monstruo marino propio
usando alguna lluvia de ideas conceptuales A continuación, llevaremos
todas nuestras nuevas ideas al tablero de dibujo y bosquejo, tinta y Color. Ilustración monstruosamente mítica. Bien, estás listo para explorar el mundo del
peligroso monstruo marino. Bien, vamos a sumergirnos justo en. Broma náutica de monstruo marino. Te veré en clase
2. Monstruos e imaginación: Imagina que eres cartógrafo italiano a principios de 1400, te sientas durante largas horas en tu mesa de redacción con tu regla deslizante, encorvada sobre tu mesa de dibujo masiva de madera creando cartas barebones para marineros tacaños. Llevas años haciendo esto y casi te has quedado ciego entrecerrando los ojos sobre los infinitos ángulos de las costas desiguales. Por supuesto que hay esos pequeños florecimientos. En ocasiones se llega a dibujar una rosa de brújula pero nadie quiere pagarte para decorar un mapa. Es una herramienta que dicen, ¿cuál es el punto? Cuando te fuiste a estudiar el arte de hacer mapas, siempre
te imaginaste que habría algo más en él que esto. Entonces un día, un rico comerciante entra a tu estudio. Te dice que quiere que le hagas un mapa pero no sólo la carta de otro marinero, quiere algo hermoso y llamativo para colgar en el gran salón de su castillo e impresionar a sus invitados. Tus ojos se ensanchan ante la oportunidad. Por último, una oportunidad para poner en uso tus habilidades artísticas. Cuéntale cómo ilustrarás las formas audaces de las ciudades que cabalgan
hasta la costa y la majestuosidad de las asombrosas montañas en medio del país. Incluirás la silvicultura, los ríos, las carreteras, y todo lo que se interponga. Llenarás los bosques de animales corriendo y océanos con veleros. Tu corazón corre con la oportunidad de expresar finalmente tu creatividad. El mercader bien vestido bosteza con aburrimiento. No está impresionado por tu propuesta. De hecho, se vuelve para irse, llevándose consigo su pesado bolso. Le suplicas que te dé otra oportunidad. Él asiente con la cabeza y
te plantea un reto : “Si bien has estado esclavizando detrás de tu mesa de redacción, he viajado varias veces por el mundo conocido. Ya he visto todo lo que hay para ser visto. Si quieres impresionarme, tendrás que mostrarme algo que nunca he visto. Tienes hasta mañana por la mañana”. Y con eso, el comerciante bien vestido sale de tu estudio. De vuelta en tu mesa de redacción, estás dibujando como loco, tu mesa llena de garabatos y notas sobre cómo puedes impresionar al comerciante. El sol comienza a ponerse y pronto te encuentras quedándote despierto toda la noche esbozando ideas que podrían impresionar al hombre bien viajado. Pronto te das cuenta, lo estás haciendo todo mal. El mapa habitual de pictogramas no va a ganar a este hombre. Necesitas mirar más allá de lo habitual. Al igual
que cualquier buen italiano del siglo XIV, miras el cuento épico de Homero del marinero Odiseo en busca de inspiración, hablas de un hombre que ha viajado por el mundo. Durante una de sus aventuras, Odiseo y su valiente tripulación pasaban por el Estrecho de Messina entre Sicilia y el sur de Italia cuando de repente, su nave fue atacada por el horrible monstruo conocido como Skyla. Homero describe a Skyla como un monstruo de lo profundo con una concha parecida a un cangrejo, seis largos cuellos, triples filas de dientes en cada cabeza y 12 pies colgando de su monstruoso cuerpo. Su voz como Homer escribe: “Suena como el grito de los perros”. Antes de que Odiseo pueda guiar a sus hombres por el canal, el Skyla ha quitado a seis de sus hombres, uno en cada una de sus mortíferas bocas. Incluso de niño pequeño escuchando esta historia, sabes que Skyla no era una criatura real pero eso no lo hizo menos real en tu imaginación. Y eso te dio una idea. A medida que sale el sol, te sientas agotado poniendo los toques finales en tu mapa. Justo entonces el comerciante entra a tu tienda. Bueno, dice, te sientas y presentas un hábil renderizado del Estrecho de Messina. Se inclina de cerca para estudiar tu diseño. Ve la costa siciliana e italiana enfrentándose entre sí. Líneas fuertes que representan las poderosas corrientes de marea fluyen por el medio y se forman en un poderoso remolino. En el centro de la alberca oscura, se encuentra el monstruo Scalia. El comerciante mira a la criatura y ves sus ojos llenos de la misma maravilla que conociste de niño. “ Nunca he visto algo así”, dice. Para mediados del siglo XV, monstruos
marinos eran toda la rabia entre los coleccionistas de mapas del mundo medieval. Si bien los diseños de las criaturas tempranas estaban arraigados en la mitología y metáforas de
cautela de los peligros reales del mar profundo,
los diseños cambiaron con el tiempo convirtiéndose en extrañas ilusiones más raras de lo que nadie hubiera imaginado antes. Dragones marinos parecidos a aves con alas parecidas a murciélagos, morsas
barbudas con cuerpos parecidos a cactus, serpientes con cabezas de perros, elefantes
puntiagudos y cosas chinchilla de cabeza gigantesca. El relato de la criatura marina es la historia de nuestra imaginación cultural. Los historiadores del arte dicen que estas extrañas y exóticas criaturas fueron diseñadas para involucrar al espectador del mapa en un nivel superior, evocando la imaginación con su apariencia sobrenatural. Incluso hasta este mismo día, con acceso a todo tipo de medios creativos, seguimos buscando ese compromiso en esos momentos de asombro e imaginación.
3. Mitología y geografía: Para mí, todo buen proceso creativo, fantastico que sea, comienza con un verdadero punto de referencia. Incluso las criaturas imaginarias tienen raíces en la realidad. El monstruo marino por toda su extrañeza, es en realidad un comentario sobre la cultura y la exploración. En la antigüedad, la aparición de un monstruo marino hablaba los retos de explorar aguas inexploradas. Los monstruos marinos medievales en los mapas europeos a menudo hacían
referencia a los animales exóticos de la región en la que aparecían, mostrando cómo el mundo era más grande y más peligroso de lo que nadie hubiera imaginado. A mediados del siglo XX, el monstruo marino volvió a subir, esta vez en las aguas frente a las costas de Japón. Esta versión de un monstruo marino es mucho más complicada ya que representa las preocupaciones de
Japón sobre la exploración de la energía nuclear
en la década de 1950 En ambos ejemplos, entender la ubicación geográfica del monstruo marino hace mucho ayudar a desempacar las preocupaciones culturales que el monstruo está tratando de evocar. Todo eso dicho, nuestro primer paso para diseñar un monstruo mítico es encontrar un hogar para ello en el mapa. ¿ Qué es esa cita del taller de escritores, “Escribe lo que sabes”? Bueno, voy a dibujar lo que sé. Un lugar que conozco bastante bien es un pequeño lugar en la costa este de Florida llamado Daytona Beach. Tenía alrededor de seis años cuando mi familia vivía ahí y teníamos un pequeño tráiler en un parque a unos 10 minutos del océano, en ríos de agua dulce y tierra pantanosa. En mi memoria, iba a nadar casi todos los días. Estar cerca del agua salada así como del agua dulce me
introdujo a muchas criaturas extrañas y peligrosas. Yo recuerdo, mi mamá fue picada por medusas y teniendo que mantenerse fuera
del agua porque hay una advertencia de tiburón y una barracuda nadando junto a mi pierna. Entonces, en el agua dulce, recuerdo haber visto manatíes que eran tan suaves pero un gigante, y un caimán arrastrándose por la playa. Todas estas criaturas harían grandes puntos de referencia para mi mito de monstruo marino pero voy a ir un poco menos convencional con mi punto de referencia. Para mí, la criatura más extraña, más esquiva de la costa de Florida fue el flamenco. En los años 1800, los humedales despoblados de Florida fueron el hogar de miles de flamencos que emigrarían allí durante los cálidos meses de invierno. Pero con el tiempo, los colonos europeos se trasladaron a la zona y comenzaron a cazar las aves por sus plumas frescas y sus grandes huevos, y eso alejó a las aves. Pero aún así, el flamenco siguió siendo parte de la cultura de Florida. Su aspecto icónico representaba la vibra tropical y lista vacacional del estado. Creciendo en Florida en la década de 1980, el mito del flamenco era muy real. En el siguiente capítulo, voy a tomar este mito y expandirme sobre él y diseñar una criatura única que es el descendiente largamente perdido del flamenco, impulsado a la oscuridad por el destino manifiesto, en el sueño de Estados Unidos de una retiro cómodo y un césped lleno de pájaros pegajosos.
4. Personalidad y habilidad: Las criaturas marinas más famosas, y reconocibles tienen descripciones memorables, e incluso a veces personalidades distintas. Entonces, para mí, es importante tener algo de sabor a mi monstruo marino, para que destaque de las otras criaturas del mar. Voy a tomar algunas notas aquí. hora de conceptualizar a una criatura, creo que es importante hacerte las preguntas correctas porque esas te guiarán a través de tu proceso de dibujo. Voy a empezar con esta pregunta. ¿ Cuál es la personalidad del monstruo? Después del éxodo de sus ancestros flamencos, la criatura ha perdido contacto con otros seres vivos. Es solitario, porque es único en su especie. Algo así como la historia del Monstruo del Lago Ness. No es un monstruo malvado empeñado en la venganza, pero es defensivo sobre todo si se siente amenazado. ¿ Cuáles son las habilidades del monstruo? La criatura puede estar inspirada por un flamenco, pero necesita permanecer en el agua porque es un monstruo marino. Haber sobrevivido tanto como lo ha hecho, probablemente
sea capaz de nadar rápidamente para eludir a los humanos. La velocidad suele implicar el lugar de un personaje en la cadena alimentaria. Entonces, me imagino que este monstruo tiene algunas otras defensas, como tal vez la capacidad de ocultarse a sí mismo. ¿ Puedo describir estas partes del monstruo? Alguna descripción visual puede ayudar a arrancar el dibujo. Entonces, veamos si puedo imaginar un poco de cómo va a ser
esta criatura en base a las ideas que he escrito. Mi monstruo necesita ser rápido, pero los pájaros no son nadadores rápidos así que voy a encontrar referencia en otro animal de Florida, digamos un cocodrilo. El fuerte cola de un cocodrilo realmente podría venir útil con mi diseño de personaje. Sus plumas van a cambiar de color también para mezclarse con su entorno, esa es su capacidad de encubrimiento. Eso nos lleva a la pregunta, ¿qué tan grande es el monstruo marino? Voy a decir que es un monstruo de tamaño medio, algo que se puede ver desde la línea de costa pero no es demasiado abrumador. Entonces, la escala sería la de un velero de tamaño medio. Está bien, seré honesto. En ocasiones, sí empiezo a dibujar antes de hacer una lluvia de ideas de este tipo de formas. Pero por el bien de la organización en esta clase, estoy poniendo en primer lugar toda la escritura en etapas conceptuales, antes de llegar al bosquejo y dibujo. El proceso creativo es un reflujo y flujo así que espero que sea la etapa que te guste hacer primero, vayas ahí. Pero no tengas miedo de visitar algunos de estos otros pasos antes de llegar a tu renderizado final de tu diseño.
5. Referencia y proporción: El que hace un diseño impactante monstruo marino es lo mismo que hace impactante cualquier arte visual, un equilibrio cohesivo de elementos fuertes y visuales. Si te imaginas una variedad de criaturas míticas, notas que vienen en diferentes niveles de complejidad. Entonces, voy a dividir la complejidad del diseño en tres tipos diferentes. El más sencillo es el enfoque de Moby Dick, donde eliges una anatomía base y añades un detalle físico icónico. Por lo que Moby Dick es una ballena gigante pero se hace mítico al agregar la única característica definitoria de la dura piel blanca. El segundo tipo es el enfoque de sirena donde comienzas con una anatomía base y luego la divides con otra anatomía base. Este no es un enfoque muy realista porque una sirena es solo medio humano cortado en la cintura y un pez cortado en la parte media del pez y ambos están atrapados juntos. No se siente como una evolución natural. El tercer estilo es la amalgamación. Toma la hermosa criatura de la Forma de Agua de Guillermo Del Toro. En este caso, su anatomía base es un humano pero sus puntos de referencia se abstraen tanto que la criatura se convierte en una cosa totalmente diferente propia. En el diseño de la criatura podría verse influencia de una anguila, un pez, una rana, una salamandra y un humano atlético. En nuestra clase, vamos a ir por el oro aquí y probar la amalgamación. Empiezas con una base. Esto va a ser alrededor del 60 por ciento del diseño de la criatura. La base debe ser práctica para que tu criatura parezca algo realista. Ya que mi criatura necesita saber nadar, voy a usar el caimán de Florida como base. Elegir una influencia secundaria. Esto va a ser alrededor del 30 por ciento del diseño de la criatura pero lo pienso como el aspecto principal de su personaje. Voy a usar el flamenco aquí y el flamenco tiene un estoicismo tropical y eso va a influir mucho en el diseño de mi personaje. Al elegir esa influencia secundaria, considera la personalidad de tu monstruo. ¿ Es agresivo? Prueba una influencia de tiburón. ¿ Es reservada? Prueba un animal nocturno como un búho como tu influencia. La tercera opción que necesitas hacer es el condimento del diseño. Esto representa el 10 por ciento del diseño de la criatura. Esta es la elección que lleva a la criatura al nivel de amalgamación. Este aspecto del diseño es casi invisible y básicamente une la base y la influencia secundaria al ser un agente unificador. Es la reacción química de todo el diseño. Voy a escoger algo puramente en su simpleza visual. Voy a ir con el payasos para mi tercer punto de referencia. Por lo que caimán, flamencos y payasos. A continuación, necesito encontrar algunas buenas referencias de estos tres animales distintos. Quiero unas tomas de cuerpo completo de toda la criatura desde diferentes ángulos, y también quiero unos primeros planos para poder entender las texturas y algunos de los detalles característicos de estos animales. Yo sólo voy a acelerar este proceso porque todos sabemos google imágenes. Una vez que tengamos una buena colección de referencias, podemos pasar a esbozar nuestro diseño.
6. Bocetos y siluetas: Nuestro objetivo ahora mismo en esta sección es sacar nuestras ideas que están flotando en nuestra cabeza en papel, ya sean buenas o malas. A esto se le llama la miniatura en etapa de bocetos. Son notas visuales que son solo para ti. Nadie más necesita poder leerlos, por lo que no hay que refinarlos de ninguna manera específica. Voy a llamar a estas miniaturas de silueta de miniaturas. En el diseño de personajes, algo que hace que un personaje memorable reconocible es tener una silueta fuerte. El truco aquí es ejercer menor energía posible para que no te arrepientas de ninguna de tus opciones, y no segundo adivinas la necesidad o necesidad de dibujar nada. Se quiere simplemente conseguir un montón de cosas abajo en el papel y ordenarlo más tarde. Entonces, voy a jugar con estas tres referencias visuales y simplemente remezclarlas de diferentes maneras y ver cómo me sienten los dibujos. Teniendo en cuenta algunas de las ideas conceptuales como : “Si este personaje es rápido, ¿tendría largas piernas delgadas y estrechas como un flamenco?” Probablemente no. Entonces, tal vez debería quedarme un poco más cerca con el cuerpo y la cola del caimán y darle unas piernas un poco tercas. Estoy tratando de encajar aquí al payasos de
poca manera pero como es sólo el 10 por ciento de mi diseño, no
creo que deba desperdiciar eso en la silueta. A lo mejor
entra en juego la textura o la piel del payasos cuando empiezo a agregar detalles al cuerpo. Me puedes ver probando algunas técnicas de plumas en la parte posterior de la criatura. Entonces, acabo de tener esta idea entre en mi cabeza de una cabeza de caimán enmarcada con plumas de flamenco, casi como un león, este marco por su melena. Entonces, voy a bosquejar eso. A mí me gusta esto, se pone un pequeño círculo a su alrededor. Ahora, quiero encontrar un cuerpo que complemente su tipo de cabeza. Voy a probar cuerpo caidor tal vez con un delgado, no. Yo quiero algo un poco más terco. Está bien, eso se está acercando un poco a lo que quiero. Voy a considerar más plumas de flamenco tal vez en lugar de unas piernas más delgadas, se
pone un ala, eso podría ser genial. Esta criatura me golpea como una criatura pesada, algo que realmente no se puede mover muy bien en tierra y tiene que permanecer en el agua la
mayor parte del tiempo sobre todo si está siendo perseguido por cualquier tipo de depredador. Entonces, voy a acumular el cuerpo de la criatura. Ahora, está empezando a parecerse más una
especie de cuerpo de manatí con una larga cabeza de caimán y un pico de estilo flamenco al final de la misma. De acuerdo, esto se está acercando mucho. Me gusta el peso de la criatura y me gustan algunos de estos detalles. No estoy seguro si voy a usarlos todos pero para una miniatura, es bastante genial. Está bien, creo que necesitamos un nombre para este animal para que pueda empezar a referirme más específicamente. Bueno, es un caimán y un flamenco mezclado entre sí. Entonces, estoy pensando en “allimingo”. Voy a trabajar en un boceto más refinado. Averigua las partes racionales del cuerpo, las formas que conforman su forma. Antes de hacer eso, me voy a recordar las influencias de su pose. Sé que esta criatura está sola. No es un monstruo malvado, es totalmente único. Es a la defensiva cuando necesita serlo. Está ligado al agua, no pasa mucho tiempo en tierra. Tiene una cola rápida, fuerte para nadar rápidamente, y es aproximadamente del tamaño de un velero mediano. Voy a empezar con estas formas básicas. El personaje se va a sentir pesado, y pesado, y casi un absurdo sentido de la proporción, pero todavía se siente lo suficientemente realista. Le estoy dando una cabeza masiva por la forma de su cuerpo, y una cola gigante, y pequeñas piernas perezosas. El cabezal es una combinación de la cabeza de un caimán y un pico de flamenco. Ahí está la melena de plumas de la que hablé antes. Casi parece que se tragó una bola gigante de boliche. Muy bien, empecé a captar un poco de este sentimiento solitario pero quiero empujarlo aún más. Una buena manera de hacerlo con un boceto es establecer lo que se llama una línea de acción. Es como una extensión de la columna vertebral. Si este personaje fuera tu actor, su lenguaje corporal haría un largo camino para expresar su estado emotivo. esto le estoy dando una línea de acción de caídas. Se puede ver justo al otro lado de la espalda. Entonces, todo lo que construyo fuera de eso va a tipo de referencia de vuelta a la línea de acción. Estoy recibiendo un tipo de sensación muy Eeyore de esta criatura. Es un poco flojo, casi deprimido, abrumado por la gravedad. De acuerdo, de nuevo, no voy a trabajar demasiado el boceto, pero necesito la información suficiente para pasar a mi dibujo final. Probemos un par de estilos de ojos. Ahora, ten en cuenta, llevo mucho tiempo dibujando. Tengo mucha resistencia para bosquejar. Si no tienes tanta energía, solo haz un boceto simple o si realmente necesitas pasar al diseño final, lo que sea necesario para hacerte pasar por todas las etapas de este proceso.
7. Pose a pose: Entonces voy a pasar por una etapa más de bocetos y realmente empujar la pose y conocer a este personaje antes de empezar a pintarlo. Empezaremos de nuevo con la línea de acción. De verdad estoy empujando la bajeza de esta línea. Y ahora las formas que voy a poner se van a doblar y curvar junto con ella. En lugar de un óvalo para el cuerpo, tengo una forma de frijol realmente doblada. Colas bonitas y caídas. Algunas formas básicas para las piernas. Estoy agregando más bajeza a la cabeza y consiguiendo una colocación general para la melena de plumas. Se quiere hacer una cáscara en formas. Formas que se sienten únicas y transmiten un sentido del tono. Ahora encima de esto, quiero agregar alguna perspectiva a mi dibujo. Estoy creando profundidad a esta forma bidimensional que tengo. Por lo que estas líneas rojas son mis guías para la redondez del personaje. Observe cómo todo está curvo. No tengo líneas rectas ni rígidas, todo está doblado. Encima de esto, voy a hacer un último boceto final y
a trabajar algunos de estos detalles empezando por los ojos, el pico, y la forma de la cabeza. La función de la cabeza de este personaje es estar mal humor y solitario, así que le voy a dar una ceja grande y pesada y una gran nariz de pico caído. Ahora, necesito descifrar la estructura de las plumas. Se superponen de la misma manera que lo hacen las escalas. Y quiero que se disparen desde la cabeza. Una última vez sobre la forma del cuerpo, realmente conociendo las curvas del cuerpo y la cola. Está bien. Tengo mucha confianza en este boceto. Siento que realmente conozco bien a este personaje. Entonces cuando me meto en el entintado va a ser mucho más sin esfuerzo. El entintado nervioso realmente puede arruinar un dibujo. Por lo que vale la pena tener realmente confianza en el diseño de tu personaje antes de empezar a escribir tinta.
8. Entintado y sombreado: Se puede ver en el lado izquierdo de la pantalla traje dos referencias para mi proceso de entintado. Estas son ambas ilustraciones de época renacentista, arte monstruo
marino y he destacado algunas de las diferentes técnicas de entintado que se hacen en estos dibujos. Se puede ver esa eclosión, que básicamente está utilizando líneas de grosor y densidad variables para representar la luz, se
puede ver cómo la eclosión puede mostrar la forma de la criatura, representar diferentes texturas como pelaje, o pluma, o piel o incluso agua en este caso. También te da una sensación de dónde está la fuente de luz. En general, la eclosión va a traer profundidad y forma a este dibujo. Quiero que este curso funcione tanto para ilustradores digitales como tradicionales. Entonces, mientras estoy dibujando en una tableta para mayor claridad, cualquiera de las cosas que estoy haciendo se puede hacer con bolígrafo y papel. Estoy usando un pincel predeterminado muy genérico que vendría con Photoshop, o Clip Studio Paint, o Procreate. No es un micrón que tenga más de un grosor consistente, es más equivalente a un bolígrafo de pincel o a un bolígrafo de caligrafía con punta. Entonces, cuando presionas más fuerte, obtienes un peso de línea más grueso y cuando dejas arriba, obtienes un peso de línea más delgado, cual puedes hacer con un micrón pero obtienes mucho más de una sensación dinámica con una punta o un pincel. Se puede ver mi primer paso aquí es simplemente conseguir el trabajo de línea principal de la ilustración, todos los contornos. Me voy en un montón de mis errores, así que puedes ver que en lugar de levantar mi pluma mientras trabajo, trato de crear la línea todo con un solo gesto. Da un flujo mucho más natural al diseño especialmente, a lo largo de formas más grandes como el arco de la espalda hacia abajo en la cola. Si puedo capturar eso todo con una sola línea, hace que la imagen sea mucho más fuerte y mucho más clara. Se revela mucho estilo a través del entintado y cuando solía trabajar en bolígrafo y papel, había un nivel de descuidado que me permitiría con mi trabajo. Me gustó un poco de salpicaduras de tinta y pequeñas cosas texturales como esa. Pero cuando trabajo digitalmente, todo parece que necesita ser bastante preciso. De lo contrario, parece un error y no el buen tipo de error. Entonces, mis dibujos digitales son mucho más nítidos y limpios. Realmente pienso en dónde interactúan las líneas, los tipos de tensión que estoy creando cuando las líneas chocan entre sí. Ahora que tengo mi contorno terminado, voy a traer otra imagen a referencia. Aquí te dejamos una foto de un cocodrilo musgo. Es así como puedo sugerir la redondez de la criatura. Voy a crear un par de guías básicas inspiradas en las texturas de un caimán. Tienen casi una forma de cuadrícula en sus cuerpos pero claro, estas líneas no pueden ser planas porque están sobre una superficie curva, así que tengo que asegurarme de que obtengo los ángulos para representar las partes correctas del cuerpo. Se puede ver a medida que construyo estas líneas arriba, empieza a hacer que mi personaje aparezca más redondo y cuanto más cerca junte las líneas, más se puede ver una técnica de eclosión. Con la eclosión tradicional, no
quieres que las líneas se superpongan a menos que estés haciendo eclosión cruzada, cual es algo diferente. Entonces, las líneas necesitan correr paralelas y la densidad crea una oscuridad. Se puede ver a medida que aumenta la densidad de las líneas, el tono de la imagen comienza a cambiar. Cuantos más detalles agregues, más cerca le acerca la imagen como tipo de realidad. No lo sé, para mí parte del humor empieza a caerse del dibujo, parte de la ligereza e incluso he probado algún otro tipo de texturas aquí. No creo que esto esté funcionando para mi estilo así que voy a sacar algunas de esas cosas y tomar un enfoque diferente a la eclosión. Menos líneas, lo que significa que las líneas que sí hago tienen más de un impacto. Echemos un vistazo a los tipos de líneas que estoy usando aquí. Con el principal, quiero que todas las plumas estén apuntando hacia el centro de la cara. Entonces, se puede ver la forma en que todos apuntan hacia un alfiler imaginario en algún lugar entre los ojos y justo detrás de la nariz. He añadido algunas marcas de roce en la nariz para darle al personaje un poco de historia. A lo mejor cava su pico en los peñascos rocosos de la costa. He añadido solo pedacitos de textura en el cuerpo. Tengo unas rayas al estilo de
un pez payaso la forma en que su cuerpo es algo segmentado con color. En la textura se hace referencia al cocodrilo pero no es tan
densa como un cocodrilo real. Está bien. Para el siguiente paso con mi eclosión, voy a construir las sombras dentro de las plumas. Ya puedes ver que tengo mis referencias de nuevo aquí arriba otra vez. Cuando las plumas se superponen, las del primer plano proyectan una sombra sobre las de atrás. Entonces, voy a moverme en las profundidades y las grietas entre estas plumas y construir las sombras lo que hace estallar un poco a las de frente. Nuevamente, las líneas se cruzan rayadas, todas
se están moviendo por las mismas líneas de referencia. No cambian de dirección, lo que significa que todos implican la misma fuente de luz. Hay una sensación unificada. Voy a volver alrededor de los ojos y añadir sólo un poco más de eclosión otra vez, y sólo dejar que el pico sea el principal punto de énfasis, lo que
significa que tiene más nivel de detalle en la cara. Probaré un enfoque diferente a la textura en la parte posterior, usaré pequeños guiones. Se puede ver, presiono más hacia abajo en ciertas líneas y aligerar sobre otras, crea un poco de variedad, una sensación más naturalista, algunas sombras detrás de la principal. Voy a tratar de llenar el bajo vientre de
la criatura pero creo que eso es demasiada profundidad en el valor de la luz así que voy a sacar eso hacia atrás y sólo mantener un poco de acento alrededor de las piernas. Volvamos aquí y eclosionemos parte de la textura en el agua. Entonces, esta versión del monstruo marino se mantiene bastante fiel a las técnicas utilizadas en las ilustraciones renacentistas. Técnicas básicas de eclosión, nada extravagante ni experimental, simplemente retransmitiendo la forma básica, un poco de fuente de luz, y algunas de las texturas exóticas de la criatura.
9. Color y teoría: Antes de que empecemos a colorear a nuestro monstruo marino, tomemos un pequeño curso acelerado en teoría del color para que conozcas tus opciones. El carácter de un solo color se puede descomponer de dos maneras. Una es la intensidad de saturación del color. Se trata de un tono de rojo al 100 por ciento de saturación. A medida que bajamos la saturación, el color se despoja hasta que nos queda con el blanco. En el mundo natural, se ve un color completamente saturado cuando está absorbiendo toda la luz. La segunda forma de categorizar el color es con valor o el brillo del color. Empezamos por valor completo del rojo y entre más negro agregamos, menos luz está interactuando con el color y lo esconde en sombra. Los ratios de saturación y valor son súper poderosos porque nuestros ojos son muy sensibles a ellos. Entonces realmente, puedes tomar un solo color y crear composiciones realmente interesantes y evocadoras. Incluso podrías pintar un cuadro entero usando diferentes niveles de saturación y valor. Por supuesto con un solo color, perderemos muchas de nuestras opciones de narración. Entonces veamos las armonías de color que es la teoría de combinar colores. Echemos un vistazo a tres enfoques diferentes para armonizar los colores. El primero es el enfoque monocromático que es básicamente de lo que hablamos. Está usando un solo color con diferentes niveles de saturación y brillo. coloración monocromática puede funcionar para una sola imagen de sujeto como un logotipo o una pieza de arte gráfico. Pero cuando te metes en las artes narrativas, se vuelve complicado trabajar con un solo color. Echemos un vistazo a la armonía de color análoga, lo que significa trabajar con colores que están adyacentes en la rueda de color o uno al lado del otro. Entonces si empiezo con esta base rosa, puedes ver que me muevo alrededor de mi rueda de color a la derecha y a la izquierda solo un poquito. Nunca se desvió demasiado lejos de ese color base original. En este contexto, puedo usar mis colores adyacentes para representar sombra, textura, reflejos. Por lo que restringirte a un cierto rincón de la rueda de color, en
realidad puede ser bastante liberador. Al eliminar muchas opciones, realidad
puedes tener más libertad con tu creatividad. Esquemas de color análogos pueden sentirse muy cómodos porque no están poniendo ningún contraste áspero en tu cara. El mundo natural está lleno de esquemas de color análogos en cuanto a animales, patrones, o simplemente el entorno natural que te rodea. Un tercer acercamiento a la armonía de color es el enfoque complementario, significa colores que están en lados opuestos de la rueda de color. Seguro que estás familiarizado con los colores de cortesía. Es algo que está cubierto en la educación artística elemental. Entonces agreguemos una variación a eso, los complementarios divididos. Eso significa escoger uno de tus dos complementos y elegir un color análogo para trabajar con él. Entonces si tengo una base de rosa y un complemento de verde, me
da la opción de usar un azul para crear
un poco más de variedad y una tonelada más de potencial compositivo. Está bien, ahí está tu curso acelerado en teoría del color. Volvamos a nuestra obra de arte. Voy a tomar mi ilustración totalmente entintada y trabajar con un esquema de color de cortesía split inspirado en el Flamingo, que es el naranja y
el verde del cocodrilo y mi color adyacente a mi cumplido va a ser azul. Voy a trabajar con el verde como base y solo pasaré y llenaré todo esto. Entonces voy a jugar con diferentes combinaciones de mi complemento y color análogo. Con colorear tienes que decidir dónde quieres dibujar el ojo. Entonces mi color base tiene que ser dominante, lo contrario el color de acento no va a sobresalir. Voy a guardar sólo la melena de plumas naranja y usar diferentes valores de verde a lo largo del cuerpo. De nuevo, esta es una clase creativa, así que tenemos nuestras reglas y a veces las reglas se rompen. Voy a revisar mi esquema de color. Probemos esto y voy a probar este amarillo en el pico. Este valor más oscuro del azul en realidad parece encajar mejor con el cuerpo de cocodrilo así que mantén eso y luego naranja en la melena, qué tal algunas rayas. Muy bien, de nuevo, incluso con esta paleta limitada, es muy fácil hacer un diseño excesivamente ocupado. Yo sólo voy a parar aquí por un segundo y reevaluar la situación. Cuando estaba eclosionando mi diseño, los aspectos del personaje estaban realmente funcionando. Pero como añado color ahora, el diseño se está poniendo demasiado fangoso y nada me sobresale realmente. Entonces voy a tomar un enfoque drástico y voy a
sacar toda la eclosión y sólo volver a mi contorno del diseño. Veamos si puedo encontrar una paleta de colores más satisfactoria. Este pequeñito solitario le tiene una ternura, así que voy a escoger una paleta de colores más alegre. Voy a empezar con un tipo de
verde azulado para el cuerpo de cocodrilo y voy a usar ese complemento adyacente de rosa para ser las plumas flamencas. Entonces voy a saltar de nuevo al verde, bajar el brillo y empezar a construir un patrón. El truco aquí es no complicar más las cosas. Entonces a medida que
construyo este patrón, tengo que decidir si realmente está funcionando al aspecto general
del diseño o si está quitando demasiado de la cara. Como pueden ver, estoy empezando a doblar algunas de las reglas de la teoría del color que discutí, hace
unos minutos, pero así funciona el proceso creativo. Si todos jugamos por las mismas reglas, acabamos con las mismas cosas una y otra vez. Entonces tenemos que ser un poco maleables y permitir que las reglas se ajusten a la situación. Aquí tienes un buen caso de eso. Voy a hacer un cambio dramático aquí. Empiezo a perder la intensidad del rostro en este patrón pero no voy a cambiar el patrón esta vez. Voy a entrar y cambiar el aspecto de la cara. Tomemos estos ojos y revisarlos. Ahora, estoy dibujando de nuevo en la cara que es donde quiero estar con el buen diseño de personajes. Voy a usar un poco de amarillo aquí para hacerlos pop o añadir un par de detalles más. Quiero unos valores más oscuros para que
destaquen las plumas y los ojos salten y después de un poco de prueba y error, tengo un diseño con el que estoy contento. Aquí está, señoras y señores. El elusivo alimingo, deambulando por las aguas de Daytona Beach, las
costas de Florida, Estados Unidos.
10. Cierre: Está bien, esa es la clase. Espero que lo pasaras bien y espero que te
inspirara para crear un monstruo marino propio. Aunque no pases por todos los pasos que di, puedes remezclarlos de diferentes maneras y siéntete libre de compartir cualquier etapa de tu proceso creativo en la sección de proyectos estudiantiles. Eso va un largo camino para construir una comunidad alrededor de la clase y dejar otros estudiantes sepan que la gente está activamente aquí
y participando, y realmente me inspira a crear nuevas clases para ustedes chicos. Me encanta el aspecto del aula así que espero que jueguen parte de eso. Si disfrutas de esta clase de hacer monstruos marinos, también
te podría gustar mis otros cursos de ilustración creativa sobre arte conceptual y construcción del mundo, entintado e ilustración en libros infantiles, dibujar personajes de dibujos animados, y haciendo cómics. Puedes encontrar todas esas cosas en mi página de Skillshare y asegúrate de seguirme para ver qué viene después. Está bien. Te atrapamos la próxima vez.
