Dibuja personajes 102 fundamentos de dibujo

1. Dibuja los personajes 102 Introducción: Hola chicos, bienvenidos a dibujar personajes, uno o dos, Fundamentos de Dibujo. En esta parte del curso, vamos a estar echando un vistazo a algunos fundamentos clave del dibujo que realmente necesitas conocer y aprender para poder dibujar bien desde el principio, mirando cosas como pesos terrestres, caligrafía, así como cómo utilizar imágenes de referencia y muchos otros temas clave. Como de costumbre, quiero que revises este contenido dos veces, lo veas por primera vez, y luego lo revises nuevamente y luego hagas las tareas. Creo que realmente vas a encontrar una enorme cantidad de valor. A pesar de que este módulo es bastante sencillo, algunos de los conceptos discutidos a menudo no están claros para los principiantes. Entonces creo que vas a pasar un buen rato haciendo esta parte del curso. Impresionante. Teveré en el curso. 2. Warmup y Penmanship: Bienvenido al Módulo dos. Y al inicio de este módulo vamos a estar haciendo entrenamiento de calentamiento y caligrafía. Te voy a enseñar un ejercicio de calentamiento que realmente está diseñado para ayudarte a mejorar tu caligrafía. Cómo básicamente dibujas líneas y cómo básicamente puedes obtener una buena manera de aflojarte, dibujar con el brazo. Y es un gran ejercicio. Puedes hacerlo digitalmente, puedes hacerlo tradicionalmente no importa realmente. Así que vamos a meternos directamente en ello. Entonces, la primera etapa de esto es simplemente dibujar una página de círculos. Y fíjense lo rápido que los estoy dibujando. Estoy manteniendo mi muñeca un poco bloqueada y usando mi brazo y mi codo para dibujar estos. Entonces todo lo que tienes que hacer es básicamente decir, bien, déjame dibujar círculos sin mover la muñeca. Y también quiero que le pongas mucha atención a lo suelto que estoy siendo. Se puede ver que aquí y aquí y aquí y todas estas áreas, los círculos no necesariamente cierran correctamente. Ahora, quieres esforzarte por tener círculos buenos y perfectos lo más perfectos posible, pero no a costa de dibujar despacio, ¿verdad? O algo así. Y no queremos dibujar despacio. No queremos hacer nada así, ¿verdad? Así que solo sé muy suelto. Ciérrate la muñeca y mueve el brazo y haz una página de círculos, ¿verdad? Voy a tratar de ser lo más perfecto que pueda aquí. Y lo que a menudo voy a hacer es simplemente poner círculos en los círculos, círculos más pequeños, no usar mi muñeca. Una vez más, no uses tu muñeca. Entonces eso es lo que queremos hacer como primer ejercicio en cualquier capa o conseguir una nueva página. Y lo que queremos hacer después de eso es dibujar algunos puntos suspensivos. Ahora bien, ¿qué significa una elipse? Una elipse es un círculo que si se gira ligeramente, ahora está en perspectiva, ¿verdad? Entonces básicamente sigue siendo el mismo círculo, es el mismo poco, pretendamos que es un platillo. Por ejemplo. Acabamos girar en perspectiva, Eso es lo que es una elipsis. Ya sabes, tus elipses son buenas. Si puedes cortarlos por el medio aquí. Y a esto se le llama el eje menor para tus nodos teóricos por ahí. Vaya, ¿a qué me refiero? Yo iba a tener el mío una teoría y un eje menor. Si lo cortas por el medio, justo en el eje menor, el eje mayor no es importante para nosotros. Eso sería cortarlo verticalmente y eres capaz de doblar un lado sobre el otro y ellos, coinciden bastante bien o perfectamente, ¿verdad? Este está bastante bien. También apunte a señalar, solo una nota al margen, el eje menor siempre apuntará a un punto de fuga en perspectiva. Si sabes mucho de perspectiva, ¿verdad? Sin embargo, lo que queremos hacer es una página de puntos suspensivos y simplemente obtener ese movimiento de dibujar elipsis. Y se puede variar el grado de la elipse, es decir, el espaciamiento entre medio un grado absurdo de rotación le está sucediendo al círculo. Entonces puedes hacer elipsis pequeñas muy delgadas donde puedes intentar hacer tu tipo de elipsis más grandes. Todo es asegurar que ambas partes realmente sean iguales entre sí. ¿ Correcto? Ahora, lo que puedes hacer después haber hecho una página de elipses es simplemente recorrerlas y revisarlas y simplemente poner una garrapata o una cruz si sentiste que era una elipse buena o una elipse mala, esa no es súper buena. Esta es razonable. Unos, razonables también. Malo. Esta está bien. Esa es mala. Y una vez más, quiero reforzar suelto, solo estar suelto, físicamente suelto por derecho propio. Ahora, menos que subir llamado flojedad y dinamismo realmente irá en profundidad en cuanto a lo que significa estar suelto en términos de físicamente flojo en tu brazo. Entonces eso se acerca. Pero sin embargo, quiero que ustedes ya comiencen a hacer los ejercicios de calentamiento. Bien, veamos si vamos a la EPS no es gran cosa. Es solo un ejercicio de calentamiento. Se levantará. Lo siguiente que ustedes deben hacer en el ejercicio de calentamiento y el entrenamiento de caligrafía es realmente dibujar líneas rectas tan rectas como puedan a mano alzada muy rápido, no lentamente en absoluto, e intentar mantenerlos lo más paralelos posible. Esto es especialmente útil cuando intentas hacer obviamente líneas rectas en tu trabajo. Si estás haciendo algún tipo de dibujo de diseño industrial. Yo solo haría esto generalmente un par de Tom de arriba a abajo, de abajo a arriba. Simplemente haciendo mi mejor esfuerzo, poniendo las tierras. Y muy rápidamente se puede ver lo rápido que estoy dibujando esto, bloqueando mi muñeca y tratando de conseguir una línea recta como sea posible. Se puede ver aquí tipo de giro las líneas no son perfectamente paralelas. Se ahusan un poco. Tapering, ahusado. Están un poco convergiendo, golpeando para convertir de alguna manera. Pero es un gran ejercicio. Y probablemente solo haría unas tres páginas, dos o tres páginas donde solo estoy constantemente entrenando mi brazo, moviéndome rápido. Y verás cuanto más te metas, más enfocas al postor obtendrás a medida que pasa el tiempo. Y suelo hacer uno de estos flujos de trabajo completos de ejercicio, ejercicios de calentamiento en unos cinco minutos justo antes de empezar a dibujar. Y ayuda a aflojar realmente el brazo porque conseguir líneas suaves bonitas realmente requiere la flojedad de la flojedad física. Y luego, por último, pero no menos importante, es el ejercicio punto a punto. El ejercicio punto a punto realmente es que pones unos 67 puntos en la página. Y lo que quieres probar y hacer es fantasma solo. Si tienes dos, déjame hacer el cursor un poco más grande aquí para que puedas ver el tipo de que quieres probar y tener un tiro recto es la línea más recta posible, uniendo estos dos puntos juntos. Y así voy a la línea. Básicamente no dibujo, solo coloco la mano para tratar de hacer el tiro. Intenta ir a por ello. Nole pegó del todo, pero la línea es bastante bonita y recta. Y luego voy a probar el siguiente. Ahora bien, si estás en papel, siéntete libre de rotar la página Photoshop puedes golpear R y luego puedes rotar la página así porque encuentro que dibujo líneas rectas razonablemente con precisión de abajo hacia arriba. Fantasma, tratando de pegarle. Aquí voy a ir a éste también. Bien. Le pegué pero me sobrepasaré un poquito. Pero los pulmones terminaron rayados. Y los rebasamientos en el fin del mundo, realidad solo estás tratando de entrenarte para dibujar líneas muy rectas, ¿de acuerdo? Y luego una vez bastante razonable, ¿verdad? Entonces, en resumen, el flujo de trabajo para el entrenamiento de calentamiento y caligrafía, y te recomiendo que hagas esto todos los días antes de empezar a dibujar, es hacer una página de círculos muy floja. Una página de elipses muy floja. No olvides medirlos por la mitad para verificar la precisión. Una página de líneas, líneas rectas, o dos o tres páginas si lo deseas, si eres bastante rápido en ello. Y luego una sola página de punto a punto donde desea conectar las líneas juntas con una línea lo más recta posible, conectar los puntos juntos con una línea recta como sea posible. Ese es el final de esta lección. Pasemos a la siguiente lección. 3. Dibujo en 3D y dibujo a través: En esta lección, vamos a ver el dibujo en 3D y el dibujo a través de formas. Y somos artistas realistas. Entonces estamos dibujando las cosas tal manera que se pueda creer que existen en un mundo 3D. Y como tal, necesitamos alejar nuestra mente de dibujar formas simples, ¿verdad? Y en cambio hacia formas de dibujo donde el espectador pueda percibir múltiples lados de un objeto, ¿verdad? Entonces en este ejemplo aquí hemos tomado esta forma cuadrada, cuadrada y le hemos agregado algunos lados. Entonces ahora tenemos una vista frontal y una vista inferior del objeto. Y es mucho más creíble verse tridimensional en cierto sentido, ¿verdad? Aunque sea muy simplista, 3D. Dibujar en 3D nos ayuda a convencer al espectador y persuadir la visión de la verosimilitud de lo que estamos dibujando. Ahora bien, este método que he hecho aquí es una especie de taquigrafía para conseguir que algo se vea 3D muy rápidamente. Puedes tomar cualquier forma simple y agregarle una línea adicional. Y le da la percepción de que tiene múltiples planos, múltiples lados. Entonces en el llamado, esto podría ser un botón. Hemos girado el botón Enter del círculo dándole una vista frontal y una vista lateral. También se puede utilizar este método para otros objetos, múltiples objetos, como una roca, nadie creería viablemente que se trata de una roca. No obstante, si tomamos esta forma particular y simplemente le damos una, otra línea, por ejemplo, por aquí. Ahora estamos indicando aviones adicionales, ¿verdad? Que el espectador pueda ver más lados del objeto. Dejemos que los argumentos lo guarden. Digamos que es el frente y el lateral. Y cuando luego detallas un poco más este tipo de formas, se vuelven bastante convincentes en su interpretación de lo que se supone que son. Así que estoy un poco levantando la línea un poco, poner un poco de forma ahí y puntos, algunos puntos, y tal vez darle otro avioncito. Y se convierte en una roca bastante convincente, aunque ligeramente caricaturesca. Entonces este es un método simplista donde simplemente te estás diciendo a ti mismo, no quiero formas en mi pieza. Quiero formularios. Estás tomando formas simples que puedes estar dibujando y simplemente agregándoles planos adicionales, llevándolos a un mundo 3D. Bien, entonces esa es la primera forma básica entender cómo pasar de alguien que tal vez se apega a un trabajo de aspecto plano muy 2D. Cómo puedes comenzar a traer ese trabajo al 3D mal. Pero yo quería que ustedes supieran esto, pero esta no es la forma primaria. Quiero que pensemos en dibujar en 3D. La forma primaria en la que quiero que pensemos sobre dibujar en 3D es lo que se llama dibujar a través, o dibujar a través de formas. En el mundo real, realmente no hay cosas como las formas planas 2D por decir, todo es 3D hasta cierto punto. Incluso las pegatinas, las pegatinas son completamente planas. Pero si los miras con un microscopio, verás que sí tienen un ancho, largo caliente y así sucesivamente. Y hay tridimensionales. Sin embargo, dibujar a través, dibujar a través de formas es realmente imaginar los otros lados del objeto a medida que intentas dibujarlo. Por aquí, me estoy imaginando los otros lados de esta caja. Y dibujar estos elementos en me ayuda a sentir todos los diferentes lados de la caja. Entonces aquí podemos ver los seis lados de la caja, 12345 y el frontal 16, ¿verdad? Entonces podemos imaginar los seis lados de la caja. Y de manera similar con esferas también. Esto es solo un círculo, pero dibujando una línea de contorno. Y esto se haría en su fase de construcción, ¿verdad? Nos ayuda como lo más extraño sentir la tridimensionalidad del objeto que estamos dibujando. Puedes agregar curvas de nivel en la superficie de los objetos, así como dibujar a través de las formas para ayudarte a calcular la métrica de volumen, tipo de masa del objeto o los campos de objeto en 3D, ¿ verdad? No la masa exacta. Obviamente. Una forma muy popular para dibujar y ayudarte, especialmente en carácter impar es el simple cilindro. Entonces, para dibujar un cilindro de manera efectiva, dibujo dos elipses, tipo de conectarlas. Y este sería el fondo dibujado una línea pasante. Y cuando haga el dibujo limpio final, sólo me quedaré con los lados que quería ver, ¿verdad? Entonces sería esa sección inferior y esa sección superior. Pero digamos que este es el fondo y es solo decir que esto está en la parte superior. Pero dibujar a través como me ayudó a establecer un borde exterior convincente aquí. Porque he usado una elipse para guiarme. Y así tengo una forma de cilindro 3D realmente atractiva. ¿ Bien? Cuando comencemos a sumar dinamismo a esto, que veremos en la siguiente lección. Entonces tomamos un cilindro y después le agregamos algo de dinamismo. Podemos empezar a conseguir formas mucho más complejas. Entonces aquí hay algunas líneas de contorno que nos ayudan a entender, y he dibujado a través de la forma. Entonces aquí básicamente podemos ver ambas entradas a la bocina. Parece una especie de bocina, ¿verdad? Y entonces eso posiblemente esté bajando. Pero en definitiva, estas curvas de nivel nos ayudan a imaginar la forma. Entonces esto es efectivamente lo que dibujar a través es tu dibujo a través de formas. Estás imaginando objetos en tres dimensiones. Ahora déjenme decir esto. Hay muy pocas cosas que realmente van a empujar tu cerebro tanto como esforzarte mucho, especialmente si eres principiante, alejarte de esta idea bidimensional de dibujar y forzar a ti mismo para pensar escultura realmente incienso y pensar en formas de objetos son formas básicas que quieres dibujar unas formas básicas en 3D. Y realmente tienes que entender esto. Y sí se necesita algo de práctica. Aunque no toma demasiado tiempo si estás haciendo los ejercicios de práctica, empezamos a acostumbrarnos a ello. Y lo genial es cuando puedes imaginar múltiples lados de un objeto, ¿verdad? Cuando empiezas a pensar en 3D y también a mirar el mundo que te rodea e imaginar todos los planos y todos los diferentes lados de los objetos, ¿verdad? Obtener una visión más profunda de la observación del mundo. Entonces puedes rotar fácilmente objetos en el espacio virtual de la página. Así que toma un cilindro por ejemplo. Asumamos que esto somos nosotros mirando directamente al Senador desde abajo, de frente a la vista. En esa nota, vistas frontales y vistas frontales directas. Las vistas laterales indirectas son cosas que no queremos un extraño permítanme reiterar que no queremos frente directo sobre las vistas. No queremos abuso de bebidas gaseosas, a menos que estén diseñados específicamente para fines de impresión azul o hojas de especificaciones de caracteres o algo así. Pero en términos generales, para una obra de arte atractiva, no quieres una vista frontal o lateral directa, especialmente en trabajos ilustrativos. Pero sin embargo, este es nuestro cilindro. No parece mucho cilindro en este momento. Giremos el cilindro ligeramente hacia la derecha. Sólo aplanando lo que estoy haciendo es que estoy dibujando por aquí. Y esto se está convirtiendo en los labios ya no pueden ser un círculo porque está rotando ligeramente en perspectiva. Y a través del dibujo, he girado el cilindro ligeramente hacia la derecha, ligeramente hacia el margen izquierdo. Entonces se gira de esa manera. Lohemos movido de esa manera. Hagamos más de una rotación extrema. Y voy a dibujar otra vez. Y aquí estoy yo girando el cilindro a aún más de una extinta izquierda o derecha. Y con el tiempo probablemente terminaremos con una vista lateral que se ve algo así. ¿ Verdad? Es como que eso sería un lado directo de ti. Y lo hemos rotado continuamente. Y entonces podemos llevar eso más lejos y básicamente hacer lo contrario del número dos aquí y girarlo aún más ascensor. Y eso nos va a tener, tener nuestro cilindro como que va hacia atrás ahora. Se levantará. Y eso no es tan redondeado como no debería ser, pero sin embargo, ha girado aún más en esa dirección. Y entonces podemos traerlo de vuelta a una rotación ligeramente, solo muy ligera. Se ve un poco extraño, pero sin embargo, y a medida que hacemos esto, estamos dibujando a través de las formas a excepción de la vista lateral. Quiero decir, en realidad no necesito dibujar a través de esa. La vista lateral directa, igual que la vista frontal. Y estamos teniendo una idea de las dimensiones del objeto, ¿verdad? Simplemente poniendo este punto en el costado para ayudarnos a sentir los planos que estamos viendo a medida que gira el cilindro, ¿verdad? Tan efectivamente eso es lo que es dibujar a través. El concepto es bastante sencillo, ¿verdad? El concepto es bastante sencillo. Para que se arraigue en tu cerebro va a tomar algo de práctica, sobre todo si nunca lo has hecho antes, ¿verdad? Voy a hacer un cubo aquí, un término más o una caja, es sólo sandbox. Y básicamente solo estoy dibujando a través, me estoy imaginando todos los lados y solo los estoy conectando entre sí. Otra cosa clave antes de que terminemos esta lección, otra cosa clave para darnos cuenta es que todas las formas complejas, te imaginas brazos, imaginabas piernas y manos y pies. Y estas cosas simplemente parecen inmensamente complejas. Y ahí está la anatomía y esta superficie de la piel y los músculos y sistemas esqueléticos a tener en cuenta y así sucesivamente. Pero realmente fundamentalmente, la mayoría de estas cosas están realmente hechas de cajas. Están hechos de cilindros y varios tipos de formas triangulares, pero formas triangulares muy básicas. No hacen nada súper complejo. Y lo que hacemos como artistas, como artistas realistas es que tenemos un flujo de trabajo que seguimos, un flujo de trabajo estructural que seguimos para construir las cosas de forma a forma, en detalles. Y así es como conseguimos nuestro rudo terminado, que luego podemos refinar hasta la pieza de trabajo terminada. Por lo que usamos este tipo de formas básicas, ya sea cualquier tipo de forma cuboide, cualquier tipo de formas cilíndricas. Por ejemplo, también podemos doblar el cilindropara obtener ciertas extremidades, bien, pero aún así para obtener ciertas extremidades, bien, dibujando para sentir esa forma, poniendo líneas de contorno encima de ella para sentir las formas fuera si es necesario. No lo estamos percibiendo lo suficientemente bien, ¿verdad? Usando esferas para conectar juntas y otras cosas y para dibujar cabezas, por ejemplo, mi cráneo Droide como esfera, luego adjuntar una sección de mandíbula a ella. ¿ Verdad? Así que constantemente estamos pensando en las formas y dibujando a través de las formas e imaginando el volumen y la masa de las formas, ¿verdad? Entonces eso es dibujar en 3D y dibujar a través de formas. Por favor, definitivamente participe hardcore en estos ejercicios particulares. Porque una vez que consigas esto, en ti las bases básicas y básicas del dibujo instalaránen ti las bases básicas y básicas del dibujoen 3D . Ese es el final de esta lección. 4. Looseness y dinamismo: En esta lección, vamos a echar un vistazo a flojedad y dinamismo en el dibujo de personajes. Y esta teoría realmente forma parte de las formas. Entonces quieres pensar en esto en términos de la categoría de forma. Bien, entonces es posible que hayas descubierto que cuando estás dibujando algo puede tender a verse muy rígido y puede carecer de dinamismo solo en su campo, ¿verdad? Y entonces hay dos tipos de categorías de las que quiero hablar y quiero enseñarte que la una sería flojedad y la otra es el dinamismo. Y ambos son, ambos se aplican de diferentes maneras. Entonces digamos cuando la flojedad primero. Bien. Entonces la flojedad es muy física. Es solo escribir algunas notas todavía y flojedad. Y voy a poner dinamismo al otro lado. Bien. La flojedad se trata de la fisicalidad. ¿ Bien? Y lo que quiero decir con eso es literalmente tu brazo. Físicalidad. Y el dinamismo se trata de movimiento y flujo en formas. Bien, entonces esa es la teoría básica de la misma. Sí, apegémonos al lado de la flojedad. Entonces, cuando dibujas líneas físicas, como cuando estás dibujando líneas físicamente, cuando dibujas líneas lentamente. Entonces, por ejemplo, voy a trazar una línea lentamente aquí. ¿ Bien? Versus cuando trazo una línea rápidamente, hay una diferencia fundamental entre las dos líneas. Ahora aparte de la rectitud, ¿verdad? Esa es la diferencia obvia. Una línea tiene direccionalidad y la otra lente no. Entonces, si nos fijamos en los extremos de esta línea por aquí, como que solo apunta primero que nada, y en segundo lugar, por su tipo de camino torcido. Porque lo he dibujado lentamente. Realmente no parece que vaya a ninguna parte. Parece muy estático, ¿verdad? Entonces esto sería malo, ¿verdad? Queremos líneas sueltas. Entonces, en términos de flojedad, lo que tenemos es un ahusamiento en cada extremo. ¿ Bien? Una especie de más OCT, apariencia de la tierra, ya sea más o menos recta, no importa. Simplemente es muy suave. Y lo que esto significa es que las líneas sueltas y que por lo tanto los pulmones dibujaron rápidamente. Tienen sentido de direccionalidad. Entonces los pulmones parecen estar moviéndose de esta manera y de esa manera aún más cuando empiezas a tener líneas curvas dibujadas sin apretar, ¿verdad? Versus líneas curvas dibujadas lentamente. Si bien ahora has logrado un sentido de direccionalidad en la línea más lenta debido a la curva, ¿verdad? Todavía pierdes la direccionalidad al final se estrecha. Y luego también esto, estos pequeños baches y mux y riscos en el camino, el tipo de perturbar la comprensión del espectador del flujo de la línea, ¿verdad? Versus obviamente este tipo de hermosos ahusamientos que tienes en fomentar líneas dibujadas. Y solo un flujo realmente suave y comunicación ininterrumpida. Entonces la flojedad se trata de dibujar sin apretar, físicamente no es posible que hayas escuchado consejos sobre la gente diciendo, dibuja con el brazo, no dibujes con la muñeca. Y este es un buen consejo, ¿verdad? Así que definitivamente intenta dibujar con tu brazo más para las formas más grandes, pero claro, las formas más pequeñas van a necesitar usar tu muñeca. Pero la idea es que no te complazcas las líneas de una manera en la que estés como hiper bosquejando así, lo que a esto se le llama líneas de rayado de pollo. No quieres dibujar así. Tampoco quieres dibujar muy despacio así. Porque estás perdiendo dinamismo, ¿verdad? Bueno, lo siento, estás perdiendo flojedad en los pulmones. Quieres realmente simplemente como ser lo más rápido que puedas. Estoy usando la tecla Mayús ahí, pero en realidad no importa. Y sí, mientras estás teniendo estas superposiciones, la forma se siente más dinámica en general, ¿verdad? Y más atractivo y también de aspecto más profesional. Y esa es una de las formas en que las personas obtienen un aspecto profesional en su trabajo es al tener trazos muy sueltos. Ahora bien, por cierto, esto también se aplica a la pintura, aunque dependiendo de cómo su pintura, no necesariamente la parte ahusada, sino simplemente estar floja físicamente pierda. Entonces, cuando hablamos de flojedad, estamos hablando de flojedad física en tu brazo. Y uno de los inquilinos clave de eso realmente está dibujando rápido, ¿de acuerdo? Así que sólo voy a escribirlo aquí abajo. Dibuja rápido o fomente, ¿verdad? Si no eres tan rápido, más rápido y realmente tipo de estar suelto. Puede ser difícil de entender, pero básicamente es estar físicamente suelto. Suelta, dibuja más rápido. ¿ Bien? Esa es básicamente la teoría de la flojedad. No es difícil de hacer, pero vas a necesitar practicar esto. Por lo que habrá ejercicios de práctica para la flojedad. El dinamismo, por otro lado, es un tema completamente diferente. No tiene que ver con la fisicalidad. Tiene que ver con la teoría y entender la diferencia entre algo que es estático y algo que se mueve, ¿ verdad? Sólo te lo quitas. Me está molestando. Bien. Entonces, cuando hablamos de dinamismo, ¿verdad? Te voy a dar un ejemplo. Dibujemos un triángulo. Vamos a fingir que esto es un triángulo perfectamente simétrico, ¿verdad? Si tuviera que preguntarte cuál es la direccionalidad en este triángulo, probablemente dirías, bueno, parece estar señalando en todas estas direcciones diferentes, ¿verdad? cual, ya sabes, técnicamente hablando, si ese es efectivamente el caso, no se mueve a ningún lado. Es algo así como quedarse aquí. Este es como su centro de movimiento, si se quiere. O es, ya sabes, es solo, realidad no se está moviendo hacia su estática. No obstante, tomamos el triángulo y le dimos una dirección definitiva, ¿no? Y fíjate como he curvado estos lados, ¿verdad? Pero más que eso, le hemos dado una dirección definitiva a este triángulo. Definitivamente se está moviendo de esa manera. Esa forma ha pasado de ser estática, ¿verdad? A una forma que tenga flujo o movimiento. Algunas personas usarán la palabra energía. O tiene que ser energía cinética, cinética. ¿ Verdad? Ahora bien, podrías estar pensando, bueno, esto no es decir, ¿cómo se aplica esto siquiera al personaje de Dory? Así que tengan paciencia conmigo aquí cuando se piensa en un personaje, personaje bien dibujado en digamos, un ángulo de tres cuartos para que no estén mirando hacia el lado frontal de la cámara ese tipo de ligeramente girado. Las formas que conforman ese personaje son en gran parte asimétricas. De hecho, la mayoría de las veces todos van a ser simétricos. Y asimétrico básicamente significa que aunque, si bien entendemos, digamos, los seres humanos son simétricos de izquierda a derecha, por ejemplo, que cuando se ponen en perspectiva y se rotan, no hay simetría en la forma. Entonces entender particularmente que queremos tener todas nuestras formas, nuestras formas básicas, para leer de esta manera que tienen flujo direccional es extremadamente importante. Entonces déjame darte un breve ejemplo. Usemos un cubo. Digamos que decidimos y lo haremos más en la sección de anatomía. Entonces me verás haciendo ahí. Digamos que decidimos, bien, queremos tener algunos bloques básicos de construcción para la forma de un ser humano, ¿verdad? Entonces hacemos circuito, vamos a hacer del pecho un bloque así, ¿verdad? Así que vamos a hacer que sea un cuadrado. Entonces, si puedes imaginarte conmigo, podríamos dibujar la cabeza y eso es un poco raro proporcionalmente, pero de todas formas, y entonces podríamos dibujar algunas articulaciones para los brazos y tener algunas esferas para los brazos y esas cosas. Pero de todos modos, tengan miedo conmigo. Vamos a hacerlo, esto es como todo el cuidado. Pero en fin, vamos a tener la plaza. Entonces decidimos, bien, vamos a usar este cubo, lo siento, como nuestra base para el cofre. Eso está todo bien y bien, porque estamos bajando las formas, podemos ver que hay tres lados este cubo y eso es genial. Pero el problema es que este ex ahora derecho, piernas direccionalidad en su forma. Entonces cuando miras sus formas, que serían sus diferentes hijos, no hay direccionalidad. Ahora, no me malinterpretes, no me malinterpretes aquí. No quiero que ustedes construyan las formas de una manera en la que estén tratando convertir cada lado en una forma direccional que sería extraña. Sepa, lo que quiere que haga Raúl es tomar esa forma y tipo de empezar a doblar la forma en general. Bien. Entonces como si estuvieras curvando los lados y estás agregando atadura a sus lados. Bien, aquí vamos a ver la parte inferior de la misma en lugar de la parte superior. Pero sin embargo, lo mismo aplica. Y estás obteniendo una especie de direccionalidad, un movimiento direccional a través la forma porque estás doblando los lados y le estás agregando movimiento, ¿verdad? Esto es lo que significa dinamismo y lo que significan las formas dinámicas en las que estás, estás ingiriendo vida en las formas. Ahora bien, podría decirse usted mismo, mientras que ¿dónde está el suministro, esto se aplica sólo a los seres vivos? En términos generales, en el mundo natural, diría de otra manera. Y cuando digo cosas vivas, no me refiero sólo a cosas que pueden moverse. Se aplica a árboles, plantas, todo lo que esté vivo ya tiene algún tipo de flujo direccional. Cosas como montañas y cosas. Sí quieres que tengan flujo direccional en ellos porque se formaron de alguna manera vía energía, ¿verdad? Sé que eso es algo así, pero como dije, esotérico y un poco por ahí. Pero sin embargo, la idea es que para un espectador, cuando está viendo formas estáticas, parece Dell y sin reír, cuando está viendo formas dinámicas, ¿verdad? Parece estar vivo. Parece que se mueve como si hubiera vida ahí, como este movimiento. ¿ Bien? Así que vamos a escribir aquí formas dinámicas y formas estáticas. Entonces la idea es que quieras asegurarte en tu arte, noventa y nueve por ciento del tiempo, estás trabajando con formas dinámicas todo el tiempo. Ahora obviamente esto diferirá si estás haciendo una vista frontal directa de un auto, por ejemplo, todavía querrás formas dinámicas, pero obviamente van a ser reflejadas de izquierda a derecha. Lo mismo con la vista lateral. Otorgar. Concedido, la vista lateral generalmente no tiene paralelismos, quiero decir, no hay reflejos en ella. Pero ojalá entiendas este concepto de dinamismo. Y vamos a estar hablando mucho de esto a medida que avanzamos y verás cómo define el dinamismo cómo vamos a dibujar todas nuestras formas, ¿verdad? Vamos a asegurarnos de que todo lo haya hecho todo el tiempo que obviamente este es un curso de diseño de personajes. Así que realmente vamos a estar centrándonos y doblando su dinamismo, aplausos, diseño de personajes. Y si piensas en tu típico ser humano, aparte de cuando estamos durmiendo, aunque incluso cuando estamos durmiendo, pero típicamente, siempre nos estamos moviendo. Siempre estamos equilibrando y contrapesando. Siempre estamos experimentando la fuerza de la gravedad y luchando contra la fuerza de la gravedad. Y eso luego permite dentro de nosotros, tenemos esta idea. ¿ A qué me refiero? Lo que eso significa es que tenemos energía y flujo direccional moviéndose en nosotros todo el tiempo, pero ha sido un poco rebotando. Y entonces necesitamos, como artistas, dibujar formas dinámicas todo el tiempo, ¿verdad? Así que una vez ustedes para pensar formas dinámicas y entender lo hace que la dinámica de la forma que tiene un flujo direccional a ella, ¿verdad? Entonces por ejemplo, solo un cuadrado, solo reiterando aquí, esto, esto no tiene flujo direccional. Pero si hubiéramos sido la plaza de una manera extraña, pronto pandillas flujo direccional es más interesante de ver. Bien, eso es todo por flojedad y dinamismo. Sigamosadelante. 5. Mostrando profundidad en tus dibujos: En esta lección, vamos a estar hablando tangentes y de lo que realmente son las tangentes. O cuando las líneas se tocan entre sí y evitan que el espectador distinga lo que está frente a lo que hay detrás. O les crea una forma de aspecto realmente extraño. Entonces voy a usar una forma muy familiar aquí. Quizás parezca una M o un logotipo de una popular franquicia de alimentos. Supongamos que se supone que estas son dos montañas. Por la forma en que las líneas tocan en el centro aquí, es muy difícil decir lo que hay al frente y lo que hay detrás, ¿verdad? No lo sabemos. Pero cuando usamos solapamiento de las líneas, tomar una línea y hacer que se superponga a otra. De pronto para el espectador, se vuelve bastante obvio que esto debe estar al frente y esto debe estar detrás. Entonces las tangentes son cualquier instancia en la que los objetos se tocan entre sí de tal manera que se cree una sola forma, o debería decir que somos líneas se tocan entre sí tal manera que se cree una sola forma y hacer que no quede claro para el espectador el posicionamiento espacial de elementos o líneas si lo desea, o bordes. Entonces en esta instancia, estos son dos trozos de papel. Y vamos a darles algún texto. Y tal vez sea un libro abierto visto directamente desde arriba o algo así. Pero supongamos que son dos trozos de papel y uno definitivamente está al frente y uno definitivamente está detrás. Para el espectador, su cerebro va a ver toda esta forma rectangular, ni siquiera los rectángulos más pequeños en su interior. Eventualmente llegarán allí. Pero ellos primero, el primer entendimiento de la forma es realmente este gran rectángulo. Y nuestro problema aquí son estas dos tangentes, ¿verdad? No podemos decir qué hay delante y qué hay detrás. Pero si empezamos a superponer ciertas líneas, podemos obtener un efecto muy convincente para agregar profundidad, incluso en 2D muy plano tipo de icono de diseños gráficos como estas páginas. Entonces ahora que he solapado algunas líneas, está muy claro qué páginas al frente y qué página está detrás. Las cosas con las que estamos tratando, todo lo que realmente las tangentes son malas. ¿ Bien? tangentes son malas y se superponen o buenas. Parece, creo, un concepto muy sencillo. Pero a menudo lo veo en el trabajo estudiantil. Realmente somos algo tan simple como no tener una superposición de líneas hace que las cosas se vean planas y que el espectador las malinterprete fácilmente. Ha cambiado nuestro titular aquí a tangentes y superposición. Bien, para que tengamos bastante claro de lo que estamos hablando. Lo genial con las superposiciones, déjame quitarme esto. Lo mejor de las superposiciones es que las superposiciones pueden implicar profundidad y crear una sensación de profundidad. Entonces por ejemplo, si estuviera dibujando una pierna con la rodilla en la parte inferior. Entonces esto es solo un diseño de pierna aquí. Al llegar a la bonita sección, me aseguro de que las líneas de la rodilla se superpongan a la parte posterior de la pierna. Y esto me da sentido de la forma. ¿ Verdad? Entonces, debido a estas líneas superpuestas que están ocurriendo aquí, puedo pasar de muchas maneras diferentes en formas simples. Si tengo una esfera y luego dibujo un cubo detrás de ella, y luego dibujo un cilindro detrás de eso. Mientras que M pensando en una forma, ya que también sé que estas superposiciones de estas líneas ayudan al espectador a distinguir lo que está al frente y lo que hay detrás. Y así aquí tenemos la línea de la esfera superpuesta, el cubo formado. Y las líneas del cubo se superponen claramente a la forma del cilindro. Y esto es en pocas palabras. Qué líneas superpuestas hay líneas, simplemente se superponen. Se extienden ligeramente más allá los otros objetos para mostrar que el objeto está al frente. Déjenme decir esto. Es algo sobre lo que queremos ser muy intencionales. ¿ Quieres preguntarte constantemente, tengo tangentes? Y si tienes tangentes, necesitas ser como un francotirador y eliminarlas. Tienen que ir porque las tangentes realmente no tienen cabida en nuestro arte. Esta es la lección sobre tangentes y superposiciones y la importancia de las superposiciones. Pasemos a la siguiente lección. 6. Evitar los paralelos: Bien, en esta lección, vamos a ver paralelismos. ¿ Y qué son los paralelismos? ¿ Por qué necesitamos conocer los paralelismos? ¿ Por qué necesitamos evitar paralelismos, etcétera, etcétera, verdad? Así que paraleliza de verdad, y creo que me gusta la doble L aquí. Es una buena herramienta de memoria. Estoy realmente son líneas paralelas cuando estás dibujando o en términos de la comunicación visual de una pieza, incluso la comunicación simbólica con paralelos de paz también pueden ser objetos paralelos. Por ejemplo, el pie de un personaje y la posición de su brazo. A pesar de que está en un ángulo de tres cuartos ahí en la posición es básicamente lo mismo en ambos lados. Entonces este es un paralelo visual. A veces esto se llama espejado. Y luego los paralelos son también números iguales de objetos en una pieza. Entonces, por ejemplo, tienes una escena y hay algunos árboles en el fondo. Si tienes dos árboles, eso se considera paralelo, y simplemente se siente demasiado equilibrado. Y equilibrado de mala manera. Se siente diseñado, ¿verdad? Así que hay una especie de dos árboles en el fondo. Y entonces lo que queremos estar constantemente haciendo en nuestro trabajo es asegurarnos de que estamos rompiendo los paralelismos, ¿verdad? Entonces, obviamente, ¿qué es lo contrario a un paralelo? Si bien sería algo que converja, ¿verdad? Y en esta instancia donde tenemos estas dos líneas una al lado de la otra bastante paralelas. La diferencia entre este paralelo y las líneas convergentes es que las líneas convergentes tienen sentido de direccionalidad, ¿verdad? Tienen sentido de direccionalidad. Ahora, eso es en términos de un paralelo literal donde tal vez hayas dibujado una pierna. Por ejemplo, imaginemos que aquí estoy dibujando la pierna. Y he hecho las líneas a ambos lados de la pierna, pesar de que hay direccionalidad en estas líneas. Este es un paralelo literal entre las formas reales, si lo deseas, o las líneas para que realmente se duelen entre sí y crean paralelos. Entonces esto encaja más en la categoría de espejado. Digamos aquí, uno es un literal, literal paralelo también es espejado. Y entonces tres es, yo diría que esto es más simbólico. En realidad se simboliza el paralelo simbólico. Esto es espejar. Mucho de esto no está tomando una crianza literal porque la duplicación literal sería entonces una vista frontal. Y tienes esta simetría realmente literal que estás viendo en la pieza. No obstante, en general, estoy seguro de que empezarás a hacerte la idea de lo que es un paralelo. No sólo en el arte de personajes, en todo tipo de arte, ya sabes, tienes dos montañas en el fondo de una pieza y dividiendo la página igualmente así. Algo así. Es muy, estoy distrayendo para equilibrar, incómodo de diseñado para el espectador. Por lo que queremos evitar paralelismos. En todo momento. Odiamos los paralelismos. Los paralelos no deben estar en nuestra pieza ya sean paralelos literales, ya sean paralelos simbólicos, por ejemplo. Otro ejemplo de paralelismos simbólicos es, digamos que estás dibujando un personaje y el personaje lleva camisa. Y podrías pensar, bueno, esto es una locura como ¿cómo puedes decir lo que está a punto de decir? Bueno, ya verás, digamos que está usando una camisa aquí a camisas con cuello y pregunta camisa de color y estás poniendo los botones en la camisa. Estoy diciendo definitivamente no pongas ocho botones. 345678. Bien. A lo mejor un poco agitado. Bajemos ese número a seis, ¿verdad? Yo diría que definitivamente no hagas seis botones, haz siete o cinco, ¿verdad? Porque los números impares son más interesantes y porque los números impares no se pueden dividir por igual, no están paralelos entre sí en cierto sentido, cierto, de manera simbólica. Y así la pieza se siente más natural. Hay un dicho, no sé de dónde viene el nombre, así que sí me disculpo. Hay un dicho que va con Dios no dibuja líneas rectas. Entonces las cosas que son naturales, solo están en huelga. No están equilibrados, que no son matemáticamente iguales a ellos en el mundo natural, realmente, todo estaba formado por lo natural, en formas naturales, en términos del mundo y así sucesivamente y así sucesivamente. Quiero decir, lo que quiero decir es que había energía detrás de la formación de estas cosas. Y así las cosas, miras montañas y montañas de muy al azar en cierto sentido, aunque tienen un sentido de direccionalidad hacia ellas y probablemente de la energía que las formó, pero son realmente tipode aleatorio. No hay nada como exactamente cuatro montañas. Ahora, claro, hay instancias en las que hay exactamente cuatro onzas o exactamente dos montañas y esos suelen ser destinos turísticos porque es inusual, ¿verdad? Es, no parece natural, parece inserciones antinaturales, hay un atractivo en ese tipo de cosas. Pero cuando estamos tratando de hacer una escena de aspecto natural o un personaje de aspecto natural, queremos evitar paralelos literales. Así que definitivamente no tenemos un one out. Los brazos son nuestras extremidades o ropa o cualquier cosa para tener paralelismos literales en ella así, ¿verdad? Y definitivamente queremos evitar el espejado. ¿ Por qué ambos personajes tienen los brazos hacia abajo en el mismo ángulo? Y tienen el mismo bolsillo en ambos lados de una camisa, etcétera, etcétera. Es decir, realmente puedes hacer eso si quieres. Pero hay que preguntarse, ¿se siente equilibrado, se siente diseñado o se siente natural? Fin genial, ¿verdad? Entonces queremos cambiar la dirección y en lugar de espejarla, tenemos un brazo de esa manera y tal vez los otros brazos extendiendo la mano por algo o en su, en la cadera o algo así. De esta manera logramos un bonito campo natural. Bien, entonces esto esencialmente, esto es esencialmente lo que hay paralelismos. literales paralelos, paralelos espejados, paralelos simbólicos, y lo contrario a los paralelos es realmente asimetría. Queremos asimetría en todo lo que estamos haciendo. Y volveremos a ver formas asimétricas más adelante hemos cubierto un poco, lo volveremos a ver más adelante, solo para llevar el punto a casa sobre cuánto necesitamos para evitar paralelos en nuestro trabajo . Bien, ese es el final de esta lección. 7. Grosor de las líneas: Bienvenido a la lección de pesos terrestres. En esta lección, vamos a aprender y entender más sobre por qué necesitamos aprender. Espera mientras debemos aprender, Espera, qué pesos de línea son y dónde espera tierra viene del concepto de tierra esperando. Lo primero de lo que quiero enseñarte es algo llamado perspectiva atmosférica. El concepto es bastante sencillo. Básicamente, en el mundo real, aire se acumula entre dos objetos, ¿verdad? Entonces solo hay un montón de aire entre los dos objetos. Y esto sucede en diversos grados. Obviamente cuando las cosas están muy cerca de nosotros, ahí hay aire, pero la acumulación no es mucho. Más atrás, las cosas van, las cosas tienden a acumularse un poco más. Cuando el aire construye sus equipos para aligerar los valores, ese es el brillo y la oscuridad del objeto a medida que va más atrás en la distancia. Y ves esto cuando estás mirando hacia fuera en lo alto de, cuando estás sentado en lo alto de una montaña, estás mirando hacia fuera en una ciudad. Y ves que cuanto más atrás van las cosas, puedes ver un poco esa atmósfera. Se puede ver ese aire. Y eso, esa percepción de esa acumulación de aire te ayuda a calibrar la distancia hacia atrás que están esos objetos. Porque cuanto más atrás vamos, estos últimos se ponen. Y a la inversa, cuanto más se acercan las cosas a nosotros, cuanto más oscuras se ponen, bien, más contrastantes se ponen. Y también se podría decir cuanto más detallados se ponen porque no están siendo difuminados por el aire entre los objetos, ¿verdad? En pocas palabras, esa es la perspectiva atmosférica. Llamemos a éste, cerca, este lejos. Y entonces sólo para empujar el punto, el objeto lejano sería algo más ligero. Bien, entonces el aire se acumula. Y eso es lo que es la perspectiva atmosférica. Ya veo, me olvidé la c aquí. Eso va a aparecer ahí dentro, ¿verdad? Perspectiva atmosférica. Los objetos más cercanos son más oscuros, más lejos, los objetos son más claros. Y vamos a usar la perspectiva atmosférica para informar cómo llegamos a entender la línea de espera. La espera de línea no es solo algo que queremos usar una etapa de entintado. Queremos intentar implementar línea esperando todo el tiempo. Entonces hablemos de pesos de línea. ¿ Bien? Pesos lan o espera de línea, ¿verdad? Entonces, hasta el momento hemos aprendido pocas técnicas para lograr un look 3D, extremo derecho. Una de esas técnicas es dibujar a través, ¿verdad? Queremos dibujar a través de objetos cuando imaginé el otro lado de ellos. Y la otra técnica que hemos aprendido es la superposición de líneas, ¿verdad? Así que incluso en formas 3D o formas 2D, cuando empezamos a superponer líneas, podemos lograr una sensación de profundidad. Y lo que hace la línea de espera en muchos aspectos es que realza las superposiciones e introduce perspectiva atmosférica en la pieza. Así que los pesos de línea realmente son grados de ponderación de las líneas. Las líneas más gruesas se adelantan y las líneas más delgadas reciben. Bien. Así que las líneas más gruesas se adelantan y las líneas más delgadas retroceden hacia atrás en la distancia. Concepto bastante sencillo, creo, ¿verdad? Y así cuando estamos dibujando algo en primer plano y tenemos un objeto en el fondo. Lo que podemos hacer parte de las superposiciones, aparte de dibujar a través de las formas para ayudarnos a imaginar las formas y las estructuras, es que podemos esperar las líneas donde se superponen en el objeto de primer plano hacerlos más gruesos y hacerlos más oscuros. Para reforzar que este objeto se encuentre frente al objeto detrás de él. Lo que podemos hacer es que incluso podemos oscurecer un poco el origen de la línea de puntos de fondo para dar una especie de pista a un poco de, un poco de sombra que está sucediendo ahí a partir de la superposición. ¿ Bien? Entonces la regla básica realmente es que si un objeto está al frente, debe tener líneas ligeramente más gruesas, entonces el objeto detrás de él. Entonces por ejemplo, un brazo cruzando el pecho, incluso en una vista áspera como esta, Aquí está el brazo cruzando sobre el pecho. Este brazo sería línea más gruesa y tendría una más gruesa esperándolo. En general. Entonces las líneas que está cubriendo, por ejemplo, hay algunas líneas cortas aquí serían más ligeras, etc. ahora otro consejo para esto también es mantener los detalles internos para las formas más pequeñas, los detalles cosas como camisas y botones y pliegues y pliegues y cosas en detalles generalmente los mantienen en líneas tenares y mantienen las formas más grandes, las formas más grandes tienen líneas más oscuras más gruesas. Pero sin embargo, los fundamentos de los pesos de línea realmente son que los objetos de primer plano tienen líneas más oscuras, más gruesas y los objetos de fondo tienen tierras últimas. Ahora bien, no sólo tengo esta teoría para ti, quiero mostrarte un ejemplo. Esta es una pieza de arco que he hecho. Aquí se puede ver una multitud de pesos terrestres variables en la pieza. Déjame conseguir un lápiz rojo aquí, y vamos a bucear profundamente. El peso de la línea un poco. Entonces aquí podemos ver detalles internos como esas pequeñas marcas de tatuaje, los pequeños pelos en su barbilla y sus líneas musculares del esternocleidomastoide ahí. Y muchos detalles interiores tienen líneas bastante delgadas y también líneas de muchacho tranquilas, ¿verdad? Y luego los objetos más grandes como su cabeza, por ejemplo, que está superponiendo su cuello, se puede ver que hay una línea más gruesa esperando aplicada. Apenas en general, como estos elementos se superponen, se superponen a los objetos detrás de ellos. Líneas más delgadas en los elementos de fondo, líneas más gruesas en los elementos de primer plano. Otro punto también es que los objetos de primer plano generalmente son más oscuros significa que puedes usar líneas más oscuras en los objetos de primer plano y puedes presionar ligeramente sobre tu lápiz para obtener líneas más delgadas y claras en los objetos de fondo. Entonces aquí se puede ver como aunque esta línea sea, entonces por aquí, se estrecha un poco y va bastante ligera ya que llega al borde aquí. Quiero decir, esa no es una regla general que las cosas se hagan más ruidosas a medida que avanzan, bien. Pero solo estoy reconociendo que aquí no hay más ligereza. Eso es básicamente también realmente solo implicando detalles al espectador. Este no es un punto focal principal de la pieza. Solo lo dejas ser, deja que sea delgado, un poco suelto, pero está bien. Aquí tenemos la mano entrando en primer plano que está sujetando la espada por aquí, que se enfatiza el peso de la línea a medida que nos movemos. Esta forma en particular, ¿verdad? Y así toda su edad se hace más gruesa y mucho más oscura para ayudar al espectador darse cuenta y entender que esto está al frente y los otros objetos están detrás. Para añadir profundidad. La espera de línea también agrega un muy agradable sentido de carácter. La pieza. Hace que la pieza se vea bastante profesional, hace que la pieza se vea bastante resbaladiza. Y entonces siempre quieres estar tratando de diseñar pesos de línea, apilando las teorías una encima de la otra. Segunda forma con solapamientos de líneas. Así que dibujando, asegurándose de que tiene superposiciones de línea y luego asegurarse sus grosores de línea estén leyendo que los objetos de primer plano tienen líneas más gruesas, que los objetos de fondo tienen líneas más delgadas. Y luego recordar siempre también dibujar holgadamente para que obtengas estos bonitos tipos está en los extremos de tus pulmones y que las tierras se vean naturales y tengan direccionalidad a ellas. Bien, ese es el final de la lección sobre pesos terrestres. 8. Dibujo delgado y ligeramente: Bienvenido a la lección sobre dibujar la rodilla y a la ligera. Ahora, por lo general cuando dibujamos, a veces podemos ser bastante duros, ¿verdad? Podemos usar unas líneas muy gruesas. Podemos presionar muy fuerte en la página y obtener líneas muy oscuras y lo que estamos haciendo. Y esta lección es realmente sobre animarte a inclinarte hacia dibujar líneas más delgadas y claras en general. En general, dibujo más delgado y más ligero. Por ejemplo, voy a presionar muy a la ligera aquí. Voy a dibujar una cabeza usando líneas finas y líneas lo más ligeras posible. Y lo que esto hace es que me da la libertad de hacer correcciones. En primer lugar, presionando más fuerte donde necesito. Entonces digamos que desalineé la oreja, No hay problema. Dibujaré otra oreja y presionaré más fuerte. Y por el aumento del contraste y la oscuridad, en cierto sentido, mi cerebro ya no reconoce estas últimas líneas y es como si realmente ya ni siquiera existieran. Y así dibujar finamente en ese sentido me ayuda a hacer correcciones y no tener que borrar tanto cuando estoy ocupado tratando de elaborar un boceto, ¿verdad? Entrena el rudo del boceto. En segundo lugar también, dibujar la rodilla me ayuda a controlar más los pesos de las líneas. Es muy difícil hacer una línea gruesa que hayas dibujado delgada. Entonces, si dibujé esta línea por aquí para el mentón, para su mandíbula muy gruesa, y luego decidí que en realidad quería un poco más delgada porque quería mejorar los pesos de las líneas. Es bastante problema conducir la goma de borrar. Asegúrate de que estoy en el tipo correcto de pincel y luego poco tratando de entrar aquí y diluir la línea y luego estoy arruinando mi flujo de línea y la agradable flojedad que tuve en el trazo. Y es solo, no es algo con lo que quieras tener que luchar. Vs. dibujarlo firmemente al principio me permite, vamos a borrar todo este largo, me permite controlar los pesos de línea. Mucho mejor. Así que vamos a dibujar esto de nuevo. Voy a usar una bonita línea delgada. Y ahora quiero controlar la espera y quiero decir, bien, bien aquí por el cuello donde se solapa, quiero que esta sea una línea más gruesa, más oscura y que deje que ese tipo de ahusamiento de ambos lados. Y entonces tal vez aquí donde la mandíbula viene y se curva alrededor sobre el cuello. Quiero que eso sea más grueso y puedas tener mucho más control sobre tus líneas cuando te inclinas más hacia dibujar delgado, delgado y dibujar a la ligera. Para que puedas modificar fácilmente tu construcción. Para que puedas controlar fácilmente los pesos terrestres y espesarlos donde necesites. Entonces, en pocas palabras, eso es lo que realmente se trata de dibujar fina y fuerte con líneas finas y ligeras y luego mejorar sus pesos de línea y tener más control sobre sus pesos de línea y ajustar fácilmente sin tener que borrar demasiado. Solo presionas un poco más fuerte. Bien, esa es la lección sobre dibujar fina y ligeramente. Así que realmente quiero que ustedes recuerden esto. Esta es una lección a menudo ignorada y luego terminamos con estos dibujos realmente agitados de los doc. Y simplemente se ven muy locos. E incluso yo mismo no siempre acuerdo de dibujar delgada y a la ligera, pero déjame animarte. Por favor inclínese hacia la rodilla, dibujando ligeramente. Obviamente estoy hablando demasiado. Esto es ligeramente por aquí, dibujando delgada y delgada articulación de rodilla la rodilla y ligeramente. Los veré en la siguiente lección. Dibuja delgado, me ilumine, por favor. Gracias. 9. M2La importancia del dibujo rápido: Bien, si eres principiante, probablemente tengas dificultades para dibujar rápidamente. Y eso podría estar relacionado con no estar suelto. Podría estar relacionado con el miedo y lucha con cómo dibujar primero y qué dibujar primero, querer pensar y así sucesivamente. Sin embargo, en esta lección, queremos hablar de la importancia de dibujar rápido. Y realmente solo te voy a dar algunos puntos clave que solo para ayudarte a motivarte y ayudarte a pensar por qué dibujar más rápido, más rápido es algo muy, muy bueno. Entonces antes que nada, cuando digo dibujar rápido, literalmente solo quiero decir, ve a por ello, suelta, ve a por ello. Vuélvete loco con tus roughs. Dibuja muy rápido. Simplemente dibuja lo más rápido que puedas y siempre trata de dibujar rápidamente, no a expensas de la precisión, sino para intentar ir lo más rápido que puedas y ser lo más preciso posible al mismo tiempo. Y cuando digo precisión, no me refiero a la precisión como en los pequeños detalles micro. Sabes, estás ocupado obteniendo detalles un poco precisos ahora solo me refiero a la precisión en términos de asegurarse de que las formas lean de una manera precisa. Pero trata de ser Foster al respecto, ¿verdad? Y esa solidez nos va a ser muy útil cuando estés dibujando rápidamente. Una de las grandes cosas es que velocidad suele ser igual a flojedad, ¿verdad? Si estás luchando por estar suelto, solo dibuja un poco más rápido y no puedes evitar estar suelto cuando estás dibujando a un ritmo algo más rápido. Entonces ese es el primero en acelerar equivale a flojedad. Y la holgadez es muy buena porque tiene un bonito aspecto natural a la pieza. Y como mirada profesional a la pieza, no hay miedo y lentas pequeñas líneas locas. Simplemente son líneas sueltas, hermosas. ¿ Bien? El segundo es que dibujar rápido es un activo. Y cuanto más rápido consigues un dibujo, el postor. Así que dibujar rápido es un activo. Y la razón por la que es un ácido es porque cuanto más rápido dibujas, cuantos más dibujos hagas, más rápido dibujas equivale a más dibujos. Y lo bueno de eso es que si estás haciendo más dibujos, Así es. Estás progresando rápidamente y estás avanzando tus habilidades y tu nivel de tía mucho más rápido. ¿ Bien? Así que el dibujo fomenta muchas cosas detrás de él, ¿verdad? Y cuanto más avances consigas, pronto alcanzarás tu objetivo. Y es una locura. ¿ Cuánto de esto está realmente relacionado con dibujar rápido o dibujar más rápido? Entonces quiero animarte a dibujar más rápido, ser más haz libre o suelto. Correcto. Y su etapa de refinamiento, y hablaremos de rudo y refinamiento en este momento. Pero realmente te animan a dibujar más rápido, dibujar rápido por estas razones, ¿ verdad? Nuevo dibujo rápido. Darte más dibujos. Y más dibujos significarán que progresarás más rápido y progresarás y más rápido significa que alcanzarás tus metas y el nivel que quieres alcanzar Foster, ¿de acuerdo? Y al final del día, entonces también obtienes muchos más dibujos. Entonces es realmente un ganar-ganar dibujar rápido. No te animo otra vez a dibujar más rápido, perforar rápido. No dibujes despacio. Vamos a seguir adelante. 10. El flujo de trabajo de dos etapas de áspero y refinado: En esta lección, vamos a ver lo se llama el flujo de trabajo de dos etapas. Y no es un flujo lo que vas a hacer de inmediato, sobre todo si eres un principiante. Pero es importante saber ahora mismo al inicio del curso, mientras que el flujo de trabajo de dos etapas es y cómo finalmente quieres finalmente quieres trabajar cuando estás creando tus dibujos. Entonces, antes que nada, ¿qué es un flujo de trabajo? flujo de trabajo realmente es solo el orden y los pasos que tomas para hacer el trabajo, bien. Así que el paso uno, el paso dos, el paso tres, el paso cuatro, hasta llegar al Paso diez tal vez, y ya está terminado. Ahora bien, este flujo de trabajo de dos etapas realmente involucra dos partes. La primera parte se llama la áspera y la segunda parte se llama la refinada. Y esto y esto es en lo que respecta al dibujo en bruto y al dibujo de devolución. Y el dibujo en bruto realmente es la fase en la que queremos asegurarnos de que los cimientos sean sólidos, ¿verdad? Los cimientos son sólidos. Que se está implementando la mayor parte de la teoría. Y tengo algunos ejemplos, así que vamos a ver algunos ejemplos justo ahora. Y es nuestra planeación o nuestra fase de planos, ¿verdad? Fase de planeación o plano. Bien, sólo una manera de pensar la fase aproximada de un dibujo. También está muy suelto y es muy despreocupado. Despreocupado. Permítanme decir también que la etapa ruda suele ser muy fea. Bien. Y eso es importante. Está bien que sea feo porque necesita marcar algunas casillas. Ese es su objetivo. No es su objetivo no es verse bonita, no es que parezca un buen boceto. Está destinado a ser feo. Está destinado a parecer un sitio de construcción, ¿verdad? Todo lo que sucede con el lado de la construcción es muy diferente a lo que le sucede al edificio. En este ejemplo, cuando la construcción está terminada y en los interioristas vienen y los dioses que diseñan la fachada vienen y hacen que se vea hermosa por fuera. Pero realmente no puedes hacer todas esas cosas que luego caerían en la etapa de reembolso, ¿verdad? No puedes hacer todas esas cosas a menos que tengas bases sólidas en la mayor parte de tus teorías ahí dentro, tienes la planificación y los planos. Está suelto, es despreocupado. Es feo, pero funciona, ¿verdad? Todo necesita para funcionar. Funciona. Entonces todo funciona. Solo mueve esta página un poco hacia arriba. Esta es la etapa ruda y como quiero que ustedes se sientan en sus corazones o en sus mentes o en ambos cuando están trabajando y haciendo la etapa ruda es realmente simplemente estar despreocupados. Por favor, no te preocupes por cómo se ve el trabajo. Ahora se podría decir, bueno eso es, eso es un poco loco. Como, ¿no es esto un dibujo? No se supone que quede bien. La parte guapa de ella sí viene en la etapa de reembolso, ¿verdad? Pero la etapa difícil es realmente planear, asegurándose de que todo esté en su perspectiva adecuada. Sí, voy a llegar a los ejemplos justo ahora y va a tener más sentido. Sin embargo, la etapa refinada es realmente sobre profesionalismo. La pulcritud, el profesionalismo, la pulcritud, la limpieza, supongo, ¿verdad? La pulcritud, la pulcritud y la limpieza. Buena presentación. Y realmente la, la belleza general de la misma. La belleza general. Aplicando filtros, alisando un poco las líneas, haciendo líneas limpias, haciendo tipo de líneas limpias entintadas y cosas. Ninguna de estas cosas se puede hacer sin lo rudo, así que eso siempre es primario. Pero realmente la etapa refinada es donde haces que la obra se vea bien, ¿verdad? Aquí es donde haces que el trabajo se vea bien. Pero más importante que hacer que la obra se vea bien es que esta es realmente la etapa que puedes ser el más creativo, ¿verdad? Para que puedas ser libre y ser el más creativo, eso puedes ser. Sé el más creativo. Y la razón es porque cuando has construido este sistema de reglas, si lo deseas, o la base sólida, o imaginas que estabas construyendo una casa, construías una estructura de la casa. Construíste la pared, construías el piso ya que pondrás las puertas y todo está adentro. Realmente puedes ser libre en tu decoración de esa casa. Elegir el color, elegir el dolor, elegir los muebles donde vas a colgar los cuadros. Ya no tienes que preocuparte por las cosas técnicas estructurales de Suffolk. Puedes preocuparte por cosas creativas, líneas geniales, probar cosas con los colores, probar cosas con la forma en que podrías pintarlas, o podrías hacer el césped esperando una manera diferente o probando algo nuevo cosas, ¿verdad? Y así las etapas de reembolso, nosotros realmente donde puedes ser libre y ser creativo. Y así así como hablé la postura de la etapa ruda donde no te preocupas por la belleza de la misma, ¿verdad? La etapa refinada es donde puedes preocuparte por la belleza de la misma y eres libre de hacer las cosas divertidas, creativas, decorativas a la pieza donde tú, donde sabes que estás construyendo esto en lo sólido, rudo Así que a medida que avanzamos por el curso, aprenderás a distinguir lo que lo hace áspero, bueno y correcto basado en la teoría. Y luego cómo refinar y refinar. Y de veras, quiero decir, si tenemos dos triángulos tan rudos y refinados, va a quedar algo así. Todo se hace en bruto, toda la teoría se hace en bruto. Todo se hace prácticamente en bruto. Y luego las refinerías, como simplemente rematarlo. Irónicamente, esto toma el 20% del tiempo y esto lleva 80 por ciento del tiempo hacerlo, ¿verdad? Entonces esa es la regla del 8020. En cuanto a rudo y reembolso. Ojalá seamos bastante claros en este flujo de trabajo de dos etapas de rudo y refinado. Entonces echemos un vistazo a algunos ejemplos. Y esto te va a conmocionar, creo. Entonces aquí hay una pieza que hice de un top de mage LTE de sangre. Y en el lado izquierdo se puede ver claramente mi súper hermoso rudo solo voy a marcarlo por ahí. Y luego mi súper hermosa versión refinada. ¿ Bien? Y se puede ver, bueno, probablemente pueda parecer una locura, sobre todo si estaría en el medio. Loco como ¿cómo pasé de esto a esto? Así simplemente no tiene ningún sentido en tu mente. ¿Cómo sucedió eso? Y cubriremos esto a través del curso. Pero en términos del flujo de trabajo de dos etapas, así es más o menos como se ve un flujo de trabajo de dos etapas. Tienes dibujo estructural rugoso donde todo está en su lugar. Por aquí estaba marcando el hechizo porque lo he pintado en. Esto terminó siendo una pintura, no tanto de una ilustración per se. Pero aquí todo es simplemente rudo, pero todo está en su lugar correcto. Como que he trabajado los detalles técnicos de las cosas, en el posicionamiento de las cosas y la estructura y las formas de las cosas sentidas. Y he aplicado todas las teorías para asegurarme de que esto se sienta bien en un derecho estructuralmente. Y sé que una vez hecho esto, en realidad es bastante fácil para mí llegar arriba y hacer qué tipo de? Mucha cena grande dejó de hacer. Algo así como agregar las lindas líneas, agregar los ojos detallados y los detalles y la nariz y esas cosas. Pero en general, si comienzas con una etapa de reembolso, es simplemente atornillar cimientos realmente débiles y es simplemente horrible, ¿verdad? Termina luciendo mal. Y entonces más extraño puede entender por qué el trabajo se ve pobre aún no está funcionando. Estás haciendo la cola esperando y todas las cosas geniales que ves hacer a tus artistas favoritos. Entonces ese es un ejemplo de reembolso referido. Aquí hay otro ejemplo. Es solo un retrato y básicamente es lo mismo, ¿verdad? Básicamente es lo mismo. Tenemos rudo en el lado izquierdo, reembolso a la derecha. Y vamos a pasar por lo que estoy a punto de decir con más detalle. Pero lo que en realidad es clave para recordar aquí es cuando pensamos en la forma, forma , detalle, estructura de cómo los artistas estructuraron teóricamente. Y va a modo Ejemplo en eso. Derecha. La estructura de cómo pensamos acerca de ares forma conformada en detalle, en realidad implica un flujo de trabajo, ¿verdad? Implica un flujo de trabajo en el que comenzaremos con la forma. Bueno, que tenemos forma y forma y detalle. Tipo de colocado estructuralmente. Y luego pasamos a refinar todos estos juntos, ¿verdad? En realidad un flujo de trabajo de refinamiento, estamos, seguimos pensando en todos estos elementos, pero nuestra mentalidad es diferente. Entonces lo que quiero decir con esto, si eso fue un poco confuso, es que nuestra categoría global o yo flujo de trabajo global es rudo y reembolso. Claro. Pero como principiante, no vas a poder hacer esto desde el principio porque en realidad hay una multitud de teorías que necesitaban volver a aplicar la etapa ruda. Y vamos a pasar por definitivamente grandes flujos de trabajo sólidos sobre esto en realidad se compone de unas pocas etapas en sí. Y estas etapas se descomponen en forma, forma y detalle. Y luego pasamos a la etapa de reembolso, que tiene sus propias teorías, pero no son nada locos como lo que se encuentra en la etapa ruda. Y luego aquí hablamos de cosas como gesto, que tenemos todo el módulo y gesto por recorrer. Y la forma implica la anatomía y la estructura de las cosas. Y el gesto volviendo a la forma también tiene que ver con la composición de los personajes. Eso es a la vez composición simbólica y rural. Y entonces los detalles son realmente detallando. Detallar cosas, empezar a estilizar las cosas, etc. aunque algunos de los elementos estilísticos también están en la etapa de forma. Entonces ojalá esto no sea demasiado confuso para ti en este momento. Pero solo debes saber que la etapa aproximada y la etapa refinada o el flujo de trabajo global. Una vez que hayas tenido un poco de práctica, podrás hacer todas las cosas teóricas en la etapa aproximada y luego trabajarlas y hacerlas hermosas en la etapa de reembolso, tal como vemos en este tipo de demos. Entonces, si bien puede parecer bastante rudo. Y aunque sabes que estructuralmente todo está en su lugar, hay mucha teoría sucediendo en el lado rudo de algo. Mucha teoría, de hecho, prácticamente toda la teoría. Y eso es mucho de lo que tiene el curso. Dios son todas estas teorías que te ayudan a construir un rudo bueno, sólido. Porque en términos generales, quiero, no quiero decir que hay una regla global, pero es bastante fácil terminar algo que es fundamentalmente fuerte, ¿verdad? No se puede terminar algo que es fundamentalmente débil porque entonces sigue siendo débil. ¿ Bien? Entonces ese es el rudo y los flujos de trabajo de reembolso. Y nos meteremos más en ello a medida que avance el curso. Pero yo quería presentártelo ahora para que empieces a pensar en la etapa del dibujo. Y también que como estás haciendo, como estás dibujando, que te esfuerces por trabajar en estas dos etapas. Y que todos ustedes nos sientan y locos y no se están reteniendo en lo rudo. Que una vez que estés contento con lo rudo, entonces y mantenerlo rudo no necesita ser locamente detallado. Entonces puedes entrar en el escenario de detalles y construir sobre él y hacer que se vea hermosa. Así que siempre trabajando en estas dos etapas. Sigamos adelante. 11. ¿Qué es el estilo?: En esta lección, vamos a responder a una pregunta milenaria. ¿ Qué es el estilo? Particularmente si eres principiante en Artes y bien puedes ser estilo, podría ser algo que te preocupa , tu estilo personal. Tienes un estilo, ¿cómo vas a conseguir un estilo? Y es, es una pregunta muy común. Es una pregunta muy común. ¿ Qué es el estilo? ¿ Cómo llego al estilo? Debería estar trabajando en mi estilo, etc. etc. y la verdad es que la respuesta a esa pregunta es realmente, ni te preocupes por ello. Vamos a verlo cuando hablemos de estilo. ¿ Qué es el estilo? Realmente obtienes dos tipos de estilos. Obtienes géneros estilísticos, ¿verdad? Géneros estilísticos. Y luego obtienes tu estilo personal. Tu estilo personal, o incluso el estilo personal de otra persona. Pero sin embargo, son sus cosas personales. Y estamos hablando de géneros estilísticos. Realmente estamos hablando unas reglas proporcionales y algunas reglas de diseño que hacen que las obras de arte en particular se vean de una manera particular. Entonces, por ejemplo, un ejemplo de un género estilístico sería Disney. El estilo Disney tiene un aspecto muy distintivo. Hay cierta proporción del tamaño de la cabeza, por lo que los ojos y las medidas que harían que algo pareciera Disney. Y sabemos que cuando vemos algo Disney, lo reconocemos como Disney por su estilo. ¿ Bien? Otro ejemplo de un género estilístico es el manga. Ahora, obviamente hay muchos subconjuntos del estilo manga. No es solo un estilo, no hay un solo estilo manga. Pero sí tenemos una sensación de una estética que parece muy auténtica, muy japoneses son muy parecidos al mango. Y nuevamente, se va a bajar a reglas proporcionales y opciones de diseño. Ahora no son todos iguales y tienes la capacidad de hacer tu propio estilo dentro de estos estilos. Pero sí reconocemos al manga como una especie de género estilístico. Hagamos otro ejemplo. Lo cual sería, digamos el cómic estadounidense, ser muy específico. Estilo cómico americano. Una vez más, es lo mismo, ¿verdad? Es, es un género estilístico. Y tiene ciertas reglas proporcionales y elecciones de diseño que hacen que se vea de una manera particular. Y mucho tiempo podríamos mirar un cómic de Marvel o un cómic de DC y decir, bueno, ese es el estilo del cómic estadounidense. Miramos algo de manga y decimos, bueno ese es el estilo manga japonés. Y mira algunas películas de Disney son algunas obras de arte de Disney en libros y cosas y decir, bueno mira, eso es mucho al estilo Disney. Entonces estos son una especie de géneros estilísticos. Y en un sentido general, realmente el estilo puede moverse a lo largo de esta línea de realismo. Al igual que el súper realismo , el realismo hasta lo que se llama una súper deformación. Sólo voy a ponerlo en TEA, sí, pero está súper deformado. Todos estos estilos tienden a encajar en algún lugar a lo largo de la línea. Y por ejemplo, algo así como Dexter's Lab, que es muy plano, está más en el lado súper deformado de un género estilístico. Y luego una especie de realismo fotográfico está justo en el lado realista o cuando estás haciendo dibujos y tal que son muy realistas. Se trata de géneros estilísticos. Entonces quieres pensar en estilo en cuanto a géneros estilísticos. Ahora en términos de estilo personal, esto es realmente algo que se desarrolla por sí solo, ¿verdad? Entonces se desarrolla por sí solo. Ni siquiera tienes que pensar se desarrolla por sí solo. Y realmente va a venir de cosas que te gustaría dibujar, cosas que te gustaría dibujar. Ahora, asumiendo que te gusta dibujar al estilo Disney o una celda de manga o un vendedor de cómics alguna vez vería lo que realmente te gusta. O incluso si quieres maquillar tu propio estilo. Lo que termina pasando es que empiezas a poner parte de ti mismo en cierto sentido en ese estilo. Que es inconfundiblemente un género estilístico. Y sin embargo inconfundiblemente tu propio estilo. O si has hecho tu propio género estilístico donde has definido ciertas reglas, conjuntos y cosas que quieres seguir, entonces es todo completamente tuyo y tienes tu propio género estilístico y tu células personales en ella. Pero asumiendo que realmente te gustó ni siquiera es realmente querer trabajar en la industria del cómic o la industria del cómic estadounidense, o realmente quieres ser un artista de manga, lo harás intrínsecamente inserta tu estilo personal en eso. Incluso si estás tomando prestado y tomando prestado y tomando cosas de diferentes artistas son diferentes estilos de arte, diferentes géneros o hibridando, terminan fusionando estilos juntos. Pero la clave principal aquí es que quiero que te des cuenta de que tu estilo personal realmente solo va a suceder. De todos modos, vas a hacer el arte que te gusta hacer, el arte que te agrada. Y tu estilo personal simplemente va a crecer naturalmente y venir de eso. Y comenzarás a formar hábitos de la forma que quizás tiendes a dibujar los ojos, la forma en que obtuviste para dibujar el cabello, la forma en que tiendes a dibujar las orejas. Y puede o no encajar en ese género estilístico o en un conjunto, particular el género estilístico de conjunto basado en lo que quieras hacer. Y así la clave aquí, realmente en muchos sentidos es, no te preocupes por tu estilo personal. Y en cuanto a géneros estilísticos, si quieres trabajar en esos géneros, hazlo. Si no quieres trabajar en esos géneros y maquillar tu propio estilo y forma de hacer las cosas. Pero sin embargo, no necesitas preocuparte por ello y preocuparte si tienes un estilo, inherentemente siempre tendrás un estilo. Las cosas que dibujas porque las has dibujado, tienen un pedazo de ti en cómo se implementan. Entonces, en última instancia, eso es lo que es estilo. Pero ahora, cuando pensamos en el estilo en términos de teoría, permítanme agregar un punto más a todo esto. Y eso realmente es, ese estilo es una pequeña capa muy delgada, ¿verdad? Una pequeña capa muy delgada del pastel masivo. Esa es la teoría fundamental, ¿verdad? Entonces, digamos que el estilo de teoría de partes fundamentales es realmente solo una pequeña capa delgada encima de los fundamentos. Porque cuando conoces la teoría fundamental del arte, puedes dibujar en cualquier estilo. Puedes adaptarte a cualquier estilo porque entiendes qué es realmente el estilo. Y realmente son algunos retoques. En pocas palabras. En realidad, es solo ajustes a proporciones y ciertas opciones de diseño con tendencias de diseño a las que se están adhiriendo. Entonces tiene mucho que ver con proporciones y tendencias de diseño. Por ejemplo, cómo la ley no tal vez se haga, cómo la línea esperando tal vez hacia abajo, líneas más gruesas, líneas más delgadas, etc, etc, etc. Y eso es realmente lo que es el estilo. Pero por favor sepan que es esta capa delgada, delgada, delgada. No es una locura masivamente importante. Los fundamentos son muy, muy importantes. Entonces eso es realmente un resumen de lo que es un estilo. Espero que te haya sido útil y sigamos adelante. 12. M2Cómo usar la referencia correctamente: En esta lección, vamos a tratar y hablar sobre cómo usar la referencia, ¿verdad? Es muy polémico, algunas personas sienten que es trampa. Vamos a hablar de estos temas y también realmente cubrir en profundidad lo que significa usar referencia. Y vamos a hablar de ello de dos maneras. Y platicar de ello en cuanto a diseño. Y voy a hablar de ello en términos de estudio o aprendizaje. Hablemos primero de estudiar y aprender primero, ¿verdad? Cuando hablamos de usar referencia en términos de estudiar o aprender, generalmente eso implica copiar y observar. Copiando y observando. Lo que estamos haciendo es que veremos la referencia. Y aquí tengo esta imagen de referencia de esta chica en clase. Y realmente solo tal vez, digamos que queremos aprender sobre los valores y queremos aprender sobre la iluminación. Queremos aprender apenas sobre la estructura de la composición de la toma. Entonces copiaríamos toda la pieza exactamente como está. Y como saben, esto va a formar entonces que caiga en el arte observacional. Y lo que podemos hacer copiando es que aprenderemos ciertos elementos de la estructura, ciertos elementos de la anatomía. Podemos mirar la anatomía, copiar las formas de la anatomía y comprometernos con la memoria estas cosas que estamos aprendiendo copiando y observando cuando podemos usar referencia para estudiar y aprender, ¿verdad? Pero no queremos usar referencia, ¿verdad? Definitivamente no queremos usar referencia para ser la obra de arte, ¿verdad? La obra de arte o la base de la obra. Donde alguien puede decir que usamos, que realmente acabamos de pintar sobre foto dibujados se trazan o algo así. Estas son cosas que no queremos hacer. No es así como usamos el rastreo de referencia también. No es así como usamos la referencia. Entonces estas son cosas que no queremos hacer. Ese no es un buen uso de la referencia. Entonces, cuando estamos usando la referencia en términos de estudiar y aprender, la estamos usando. Lo estamos usando para copiarlo, para aprender algo sobre la referencia o el objeto en la imagen de referencia. Y también lo estamos usando para aprender a ver, ver mejor, a observar, mejor a tomar notas para aprender. Entonces copiar está bien cuando lo estás usando para estudiar y aprender. Pero no está bien también presentado como obra de arte, la base de una obra de arte o incluso un trazado de la misma, ¿verdad? Que es básicamente la base de una obra de arte o utilizarla como obra de arte. Pero de todos modos, así que cuando estamos usando referencia para estudiar y aprender, podemos observar estas diversas cosas, ¿verdad? Y particularmente usarás mucha referencia en términos de dibujo por gestos, en términos de dibujar anatomía y aprender a dibujar elementos anatómicos, musculatura, sistema esquelético, etc. Y literalmente simplemente copiaremos la referencia y haremos un millón de versiones diferentes de referencias similares y diferentes ángulos de cámara para que podamos aprender la estructura de esa cosa anatómica. Pero la forma principal en que realmente usamos la referencia es para el diseño. Cuando estás haciendo referencia al diseño, es una forma completamente diferente de ver la referencia. Ya no nos preocupa copiar lo que vemos, sino que estamos viendo las cosas manera fundamental y estructural. Por ejemplo, si la parte superior de mi cabeza podríamos hacer referencia a partir de esta imagen los colores. Son muy pastel y ligeros. Vamos a un poco de semi color aquí del libro tipo de partidos muy bien con este tipo de color verde menta latino. Entonces podríamos hacer referencia a los colores y decir, bueno, ya sabes, en esa imagen de referencia, me gusta mucho el color. Quiero hacer referencia al color. Podríamos hacer referencia a su expresión, por ejemplo. Y así no vamos a copiar esta expresión exacta en nuestro dibujo en esta pose exacta. Podemos simplemente hacer una especie de referencia a su expresión y decir: Bien, ella tiene una sonrisa feliz y sonrisa interesada y quien ganó las cejas hacia abajo y otras arriba. Y podemos replicar esas cosas en nuestro trabajo. Pero no estamos copiando, estamos haciendo referencia, ¿verdad? Estamos pidiendo prestado si lo desea, de la pieza. Sin duda podrías hacer referencia a la pose, ¿verdad? Hacer referencia a la pose. Y al hacer referencia a la pose, tal vez tu personaje esté cansado después un duro día en la universidad o en la universidad o en la escuela. Y realmente solo tomas prestado y la estructura de la mano debajo de la barbilla y el brazo, el torso en este ángulo y tal vez el otro brazo en el escritorio. Podrías hacer referencia a la pose, podrías hacer referencia a la composición. Puede que no te guste toda la composición de esta dama de fondo y otra dama ahí y luego el personaje principal aquí, y solo toda la composición general de todo. Para que puedas hacer referencia a la composición. Y dependiendo de lo que estés dibujando, si estás dibujando objetos mecánicos son objetos hechos por el hombre. Podría hacer referencia a la operación mecánica, podría hacer referencia a la elección de diseño. Podrías hacer referencia a tantos elementos, tantos elementos teóricos a los que podría decirse que podrías hacer referencia cuando estás pintando y esas cosas. Se pueden hacer referencia a valores, es decir, los valores brillantes y oscuros en la pieza. Podrías hacer referencia a la lente de la cámara si lo deseas. Lente de cámara. Así que aquí están usando una lente f-stop muy baja para obtener ese bonito desenfoque de fondo y un primer plano nítido. Entonces esto es lo que realmente, cuando hablamos de referencia, la mayor parte del tiempo, es de lo que estamos hablando cuando estamos haciendo trabajo creativo o trabajo imaginativo. Y así, la referencia para el diseño cae sólidamente en el trabajo imaginativo y creativo. Y hacer referencia al estudio y al aprendizaje está realmente en ese OT observacional, lado de las cosas. Dónde estábamos observando, aprender, estudiar, crecer en nuestra comprensión del mundo y de cómo funciona la luz y cómo funciona la anatomía y así sucesivamente y así sucesivamente. Pero cuando estamos haciendo referencia al diseño, estamos tomando prestados elementos que apreciamos que nos gustan y podemos mezclarnos con otros elementos y desechar diseños propios. Y cuando estás haciendo referencia para el diseño en términos generales, y ojalá este sea el caso. 9.99 veces de cada diez. Si no diez de cada diez veces, tu trabajo no se parece en nada al trabajo del que has referenciado o a las piezas que estás usando como referencia las múltiples fotos u objetos o árboles o antecedentes o lo que tienes. Debido a que estás haciendo referencia a elementos de diseño, no estás haciendo referencia a la imagen real en sí. Y así eso realmente resume esta lección sobre cómo usar la referencia. Y creo que eso es todo. Vamos a seguir adelante. 13. Desarrollo de biblioteca visual: Bienvenido a la demostración de desarrollo de bibliotecas visuales. El desarrollo de bibliotecas visuales es un ejercicio que hacemos para hacer crecer nuestra biblioteca visual. Ayudándonos a no necesitar referencias cuando estamos dibujando, sino que fueron capaces de sacar de nuestras mentes la información visual que necesitamos. Es algo que se debe hacer con bastante regularidad, sobre todo si no has hecho mucho dibujo o eres súper nuevo en el dibujo. Y esencialmente visual cada dibujo de desarrollo implica dos estudios de dibujo observacional a partir de referencia, seguidos de un dibujo imaginativo sin ninguna referencia utilizando sus nuevos conocimientos sobre el objeto. Todos los dibujos se realizan con un flujo de trabajo de dos etapas de rugosidad y refinado. Después se colocan en la página y se numeran 123. Generalmente, el número tres siempre se refiere al dibujo imaginativo, que es el dibujo de tu cabeza. En esta demo, he tomado fotos de Top Hat, las cuales empiezo a dibujarlas bruscamente, luego hacerlas rugosas antes de pasar a un tercer dibujo de mi imaginación. desarrollo de bibliotecas visuales, o vl di, es una excelente manera de hacer crecer tu biblioteca visual y también obtener una buena sesión de dibujo de calentamiento y ver hasta el final del video para obtener la esencia del dibujo VLT y luego siéntase libre de participar en una determinada asignación de VLDL. Por lo que en este punto de inició la etapa refinada de este primer dibujo de Top Hat. Y estoy ocupado sumando pesos terrestres y mostrando las superposiciones. Antes de eso, cuando estaba haciendo lo rudo, estaba dibujando solo tratando de agarrar las formas grandes, tanto las formas tridimensionales tratando de conseguir que las formas bidimensionales funcionaran. Aquí, estoy haciendo mi segundo desarrollo de biblioteca visual, dibujando sobre el sombrero de copa y tratando de ser lo más preciso posible. Estoy bastante desordenado personalmente cuando dibujo. A veces rompo totalmente la regla delgada y ligera. Pero definitivamente siempre es mejor tratar de esforzarnos por atraernos que yo y a la ligera como sea posible porque hace que ajustar las cosas sea mucho más fácil. Sin embargo, ahí logré obtener más o menos bajar el formulario. Y entonces empiezo a hacer el refinamiento en la parte superior. Al hacer esto en papel, es posible que desee usar una caja de luz o una goma de borrar amasada para aclarar sus líneas ásperas. Una vez que estés contento con tu rudo digitalmente, puedes simplemente poner una capa encima, bajar la opacidad de la capa inferior. Y luego, literalmente, solo pon tus líneas superiores y limpiarás las líneas encima del rudo. Por supuesto, una de las grandes ventajas de digital es cuando se estropea un trazo realmente largo o una línea suave muy larga, simplemente puede deshacerlo. Entonces con los medios tradicionales como lápiz y papel y así sucesivamente, lo que ya quieres hacer es asegurarte de que tu rudo más a un nivel de reembolso antes de hacer las líneas finales para que tus líneas finales realmente están casi trazando tu dibujo original, por así decirlo. Entonces aquí una vez más, termino la segunda imagen. Y tal vez noten que realmente no he puesto mucho sombreado o sombras en estos dibujos colaborativos y. Y hay una razón para eso, particularmente una porque este es un curso de dibujo quiero que volvamos a enfocarnos en el dibujo, no en la pintura y el renderizado. Y luego, en segundo lugar, también es porque eso lleva tiempo adicional cuando estás haciendo dibujos de redesarrollo de laboratorio visual para luego convertir tu cerebro en modo de valor y comenzar a entender conceptos de renderizado. Entonces aquí entro en solo hacer mi propia pieza imaginativa. Relativamente imaginativo. Estoy seguro de que has visto un diseño similar de Sombrero de copa de alguna manera antes. Sin embargo, solo sigue adelante y solo usa lo que he aprendido al dibujar la parte superior en los dos sombreros de copa antes y solo dedicarme a hacer mi propia versión. Y luego una vez más, entraré en la etapa de refinamiento usando dos capas y algo así como haciendo algunos pesos de línea, asegurándome de que las superposiciones lean y terminándolo. Y luego básicamente termino colocándolos fuera de la página, etiquetándolos. Y eso sería un ejercicio de desarrollo de bibliotecas visuales terminado . 14. Apilamiento de teoría: Bienvenidos a la última lección del módulo dos. Y en esta lección quiero hablar algo llamado apilamiento de teoría, o al menos así es como lo llamo. Y como su nombre lo indica, tiene que ver con apilar e implementar múltiples teorías, particularmente en el orden correcto. Ahora la forma en que se ha estructurado el curso, se está estructurando de manera que el tipo de teorías fundamentales se construyan primero. Y todas las pequeñas teorías se apilan juntas en la base y las implementas todas en tu dibujo al mismo tiempo o lo que sea pieza por pieza. Y a medida que aprendes teorías más avanzadas, empiezas a apilar esas teorías así como te mueves por el triángulo de la teoría del arte, si quieres. Y así sucesivamente y así sucesivamente hasta que realmente estés construyendo una pieza terminada, que realmente está construida de muchas teorías diferentes, ¿verdad? Entonces un ejemplo de apilamiento teórico basado en lo que hemos aprendido en el módulo dos, es que si tuviera que dibujar algo muy simple como una caja, tomaría mi primer acercamiento después de haber calentado para realmente tipo de conseguir algunos 3D pasando por el dibujo. Voy a dibujar caja de empaque como de empresa de mudanzas o algo así. Entonces aquí está mi caja. Y estoy dibujando y estoy pensando en trabajo también o en el flujo de trabajo rudo y reembolso. Y entonces estoy bien para ser desordenado, no me preocupa nada. Y luego pensando bien, ¿cuáles son las cajas? ¿ Necesito verificar? Sí. Oh, sí. La flojedad y el dinamismo. Creo que voy a tener que estar bastante suelto en mi etapa refinada para tener estas líneas muy bonitas y limpias que tienen direccionalidad masiva hacia ellas versus líneas estáticas lentas que no tienen direccionalidad. Entonces eso es algo en lo que estoy pensando mientras hago esto, pensando en paralelismos tangentes. Bueno, una caja realmente es en su mayor parte, bastante paralela. Entonces el paralelo va a tener que pegarse en este caso. Pero si quisiera llamar atún para la caja, podría decidir, bueno, agreguemos algo de direccionalidad a los lados de la caja y hagamos que la caja se vea un poco más dinámica. Eso lo podemos hacer. También quiero pensar pesos de línea mientras estoy dibujando esta caja, dibujando la rodilla poco probable, lo que claramente no estoy haciendo aquí. Estoy dibujando a la ligera y luego un poco más oscuro encima de ella. Entonces claro, dibujando rápido. He empezado a dibujar rápido y también a pensar en ese flujo de trabajo de dos etapas. Y entonces lo que estoy haciendo es como estoy dibujando esta caja y luego hacemos lo rudo, estoy apilando teorías a medida que me muevo por ella. A lo mejor hay una solapa aquí, otra solapa aquí. Pero no quiero que lo hagan, Marisol los dibuja en diferentes ángulos. Y estoy pensando en esos paralelismos y ha sido también con estas tierras. Hará que se vea un poco más caricaturesco. No tienes que ir por la caricatura Look. Puedes tener paralelismos en objetos hechos por el hombre. Y realmente hacer mi flujo de trabajo de dos etapas. Esto podría ser lo rudo. Y luego encima haré el reembolso. Sólo voy a hacer mucho borrado de esto y luego trabajar en todas estas teorías. Así que aquí voy a tratar de ser realmente agradable y suelto. Y definitivamente viste algo de esto también en el video demo de desarrollo del lenguaje visual. Y aquí estoy solo un poco estando muy flojo con los movimientos de mis brazos. Y estoy jugando la teoría de estar suelto ante esto. ¿ Bien? Y no voy a necesitar dibujar a través de la caja porque la caja no es transparente. ¿ Bien? Y obviamente si esto estuviera en una capa separada, tendría una caja limpia muy bonita en lugar de la áspera en el fondo. Sin embargo, este concepto de teoría apilamiento es en gran medida una, y por falta de un platino Lo siento por eso, es realmente una cosa de marcar la casilla. A medida que estás dibujando, quieres asegurarte que estás marcando las distintas casillas. Por ejemplo, haciéndose la pregunta, ¿ estoy dibujando vagamente? ¿ Tengo formas dinámicas? Y todas estas cosas son cosas difíciles para el escenario, ¿verdad? ¿ Tengo formas dinámicas? ¿ Estoy haciendo el flujo de trabajo de dos etapas? ¿En cómo estoy trabajando? ¿ Y qué pasa con, por ejemplo, los paralelismos? ¿ Estoy comprobando paralelos? Y así sucesivamente y así sucesivamente. Y te aseguras de que mientras haces tus dibujos, toda la teoría que has aprendido, que es realmente una teoría fundamental en el módulo dos, te aseguras de que estás marcando las casillas como dicen, ¿verdad? Marcando las casillas. Bien, estoy haciendo el flujo de trabajo de dos etapas. Genial. Bien, tengo formas dinámicas. Impresionante. Definitivamente me estoy soltando con el brazo. Estoy dibujando fina y ligeramente, ya sabes, todos los elementos que hemos aprendido en esto. Entonces, a medida que avanzamos por el curso, asegúrate de que cada teoría que estás aprendiendo se integre en el trabajo que estás haciendo. No trabajes y dejes de lado las teorías. Y así puede ser muy útil para ti también construir tus propias cajas para verificar si sientes que necesitas algo que sea muy granular y muy específico así para asegurarte de que mientras estás dibujando, te aseguras, Bien, Estas teorías en estas teorías y las teorías en esto, no hay. Déjame guardar esto como R. En esta lección, puedes confiar en la teoría del arte realista, realmente puedes. Las reglas realmente permiten que tu creatividad sea libre y que se implemente bien? Así que realmente asegúrate de que estás implementando la teoría. Apilar la teoría. Y a medida que aprendemos más teoría y tipos de teoría de nivel superior, simplemente seguirá apilando continuamente la teoría y seguirá implementándola de manera continua de una vez casi. Y a medida que vas mejorando en el arte, empiezas a hacer las cosas de forma natural. No haces las cosas más por deseo que por necesidad porque se está convirtiendo en parte de ti. Ese es el final de esta lección. Y si estás listo para pasar al módulo tres, te veré ahí.