Dibuja personajes 101 Introducción al dibujo de personajes

1. Introducción: Hola y bienvenidos al curso. Mi nombre es Scott Harris y pensé en hacer este video introductorio solo para presentarles a mí mismo, quién soy, y contarles sobre el curso, decirles cómo deben hacer el curso. Debería moverme por el curso. Y también que podamos, a pesar de que no los conozco muy bien chicos que me lleguen a conocer y que ojalá sea experiencia beneficiosa para ustedes moviéndose por este curso. Entonces lo primero es lo primero, realmente siento que este curso tiene mi obra maestra, probablemente de todo el contenido del curso que he hecho alguna vez. Tiene tantos elementos valiosos que tienen que ver con el diseño y dibujar personajes de manera integral, estoy dibujando personajes, personajes bien dibujados, atractivos. Entonces a medida que avanzas por el curso, creo que vas a encontrar que este no es un curso que tú, haces todo el curso y tal vez has tenido experiencia antes de hacer un curso y te sientes como, ya sabes, había una o dos buenas pepitas de información en ese curso. Espero que te sientas como, Guau, este curso realmente, realmente me tomó tal vez de alguien cuando no sabías dibujar personajes para que me gustaran ahora, ahora realmente siento que sé lo que estoy haciendo. O si has empezado a dibujar un poco o tu, tu, tu intermedio un dibujo, te sientes como, guau, esto está potenciando tanto mis habilidades. Y eso también que estos conceptos son conceptos muy chulos ya que se convierten en parte de cómo dibujas. Te sientes como, guau, este curso valió la pena para mí. Esa es mi esperanza. Y realmente espero que ustedes realmente se conviertan en grandes artistas de personajes y sean capaces de dibujar en multitud de estilos en cualquier tipo de personajes que quieran con atractivo, con sentimiento, con historia, con emoción, y lo que tienes. Entonces sí, así es como me siento con respecto al curso y cómo quiero presentarte el curso. Y también que la presentación del curso, mientras que las teorías y los conceptos van a ser bastante serios. A su vez, estoy, voy a estar presentando el curso de manera muy casual como si te estuviera enseñando en una clase. Entonces no creo que necesites estresarte por los agitados estudios teóricos ni nada por el estilo. Pero definitivamente haré todo lo posible para ser lo más claro y conciso posible para que estés captando las teorías rápidamente y que luego puedas proceder a practicarlas y hacer ejercicios a tipo de meterlos en tu sistema y acostumbrarte a ellos. Entonces, como os imagino chicos haciendo el curso es que veáis primero todos los videos. Una vez. Pasas por cada video, los viste, no haces ningún ejercicio, solo, solo miras, aprendes, intentas absorber, ¿verdad? Y luego en tu segunda carrera a través, pasas por el curso y haces todos los ejercicios. Es sumamente crucial que dediques el tiempo y la dedicación a dibujar todos los ejercicios, haciendo los dibujos requeridos en cada una de las secciones. Y la razón es, aunque extraño es definitivamente extremadamente más teórico lo que la gente piensa que es, me gustaría, y tal vez digamos tocar un instrumento musical, ya sabes todo lo que hay que saber sobre una guitarra o un instrumento en particular. Quizá conozcas toda la teoría, toda la teoría musical. Pero si no coges una guitarra y la tocas, la teoría es algo inútil al mismo tiempo, usando el mismo tipo de analogía. Te puedes dar cuenta de que mucha gente va a decir, bueno, ¿cómo mejoras en el arte? Y ellos responderán y habrá como, tú solo practicas, solo practicas más. Bueno, si pudieras imaginarte cogiendo una guitarra y solo piensas, bueno, cuanto más siga rasgueando, voy a aprender a convertirme en guitarras. Obviamente eso no va a pasar, ¿ verdad? Ese no es el caso. Vas a necesitar la teoría. Entonces no hay dualidad si lo deseas. Equilibrio entre teoría y práctica cuando se trata del arte. Y ojalá este curso te haga participar de manera integral en ambas cosas. Bien, supongo que eso es todo para la introducción al curso. Espero que lo disfrutes. Espero que la pases bien. Espero que definitivamente te mantengas en contacto conmigo, mantente en contacto conmigo, envíame tus obras de arte en tus ejercicios mientras haces el curso. Y te deseo todo lo mejor. Soy muy optimista y esperanzado de que este curso va a ser absolutamente increíble para ti. Entonces sí, comencemos lo suficiente como para charlar. Empecemos. 2. Conocer (teoría) vs hacer (práctica): Impresionante, bienvenido a la teoría versus a la práctica. El video en teoría versus práctico, entonces podrías estar pensando, bueno, amigo, acabas de hablar de esto en la intro. Usaste el ejemplo de guitarra, música de guitarra, instrumento, teoría musical. Bueno, realmente quiero reforzar cómo piensas de la teoría del arte y de la extraña práctica, hay un tipo grande, grande, grande de concepción en el arte que para ser mejor como honesto hay que poner en el tiempo y solo tienes que dibujar, dibujar, dibujar, dibujar papel en la práctica, practicar, practicar todos los días, y de alguna manera averiguar las cosas con el tiempo y vas a mejorar. Claro. Eso puede funcionar a lo largo de quizá diez o 15 años. ¿ Quieres pasar diez o 15 años aprendiendo a dibujar personajes? Yo no lo creía, ¿verdad? Entonces la razón por la que quería agregar este video al curso y realmente empujar el punto es cómo quiero que ustedes piensen en la teoría del arte y deberían ser prácticos, ¿verdad? Necesitas ambos. Ambos son muy importantes y ambos son igualmente importantes. Entonces eso es lo primero principal que ambos son igualmente importantes. Pero la forma en que quiero que lo pienses es que quieres llegar a un destino. Digamos que estás buscando un tesoro. Argumentos como tu parte. Estás buscando tesoro. ¿ Qué tenían los piratas para llegar a la Trisha? Tienen un mapa del tesoro, ¿verdad? Tienen direcciones que tienen direcciones que les muestran algo paso a paso, tienen algún tipo de cronología o flujo lógico de cómo van a llegar a esa búsqueda del tesoro, van a llegar a ese objetivo. Nuestra teoría es muy la misma cosa en cierto modo. Se necesita la teoría onthe, no sólo la teoría misma. Ya sabes, que solo están todas flotando pequeñas burbujas, ya sabes, anatomías suben sus perspectivas aquí y allá y todo está inundando niveles. No necesitas la teoría en el orden correcto con todo en su lugar correcto, que puedas seguir paso a paso y aprender paso a paso estructuralmente desde las bases hasta las cosas avanzadas. Para que una vez que hayas construido este tipo de Fundaciones, construyeras una especie de pirámide, en la que entraremos justo ahora. Que entiendas eso, que sabes, que tienes una dirección clara y que puedes llegar a tu objetivo fácilmente pensando en tu mapa. ¿ Cómo hago esto? ¿ Cuál es la estructura de estos diversos elementos del arte? Entonces solo quería hacer este video solo para reforzar ese punto. No pienses que no son la teoría es mínima y práctica es todo lo que realmente necesitas tanto. Realmente necesitas tener fluidez en ambos. Y definitivamente, definitivamente necesitas enfocarte en ingerir, absorber, aprender las teorías y ser muy fuerte en tu teoría. Entonces, cuando se trata de lo práctico, aunque tal vez tu habilidad práctica sea un poco débil, sabes que puedes confiar en la teoría. Mira lo que necesitas arreglar, marca las casillas de la teoría, y sal al final del día con un buen dibujo. Entonces, una vez más, la teoría del OT muy, muy importante, tan importante como nuestra práctica. 3. ¡Vamos a desordenarnos!: Bienvenido a, Vamos a ensuciarnos. Y qué es Vamos a ensuciarnos, ¿verdad? ¿ Por qué estoy agregando este video aleatorio a la sección de introducción? Y vamos a ensuciarnos es realmente un estímulo para que seas Macy, estar desordenado, estar suelto, ser rudo cuando estás dibujando, ¿verdad? He hecho este curso de una manera en que no quiero que te sientas como, Guau, nunca podría lograr los dibujos que estoy viendo en estos videos. No, no he hecho el curso de una manera en la que tengas estos ejemplos refinados, perfectamente dibujados, ejercicios perfectamente dibujados, cosas perfectamente dibujadas que te apetezca , Bueno, puedo lograr este nivel de perfección, ¿verdad? No, he hecho el curso de una manera que está suelta, que es desordenada, que es áspera, sin embargo los elementos de la teoría son correctos. Los elementos en la teoría del fuerte. Y te mostraré cómo pasar del trabajo rudo y desordenado, demasiado refinado y ordenado y hermoso y ordenado y limpio y profesional, ¿verdad? Pero quiero animarte a medida que estás iniciando el curso, empieza a dejar ir tratando de hacer dibujos perfectos, ¿verdad? Empieza a soltarlo. Sé rudo cuando estés haciendo ejercicios. Sé rudo cuando intentas resolver las cosas. Sé rudo, suelta, déjate ser salvaje y libre y rápido. Bien, vamos a ensuciarnos. Pongámonos muy desordenados. Piénsalo en esto. Un sitio de construcción es de tarifa completa, sin embargo, es construir casas, es construir edificios. Es desordenado. No es cosa llena, ¿no? Es solo que lo lleno es desordenado. Es el caos. Equipo de construcción en todas partes, trabajadores por todas partes, cosas en acabados pintados en puesta. Tienes que pensar así. Lo mismo con la cocina. Unbuen panadero, un buen cocinero. No operan en estas cocinas prístinas como se ve en los programas de televisión. Están desordenados y están arrojando sabores en la comida alrededor y se están desordenando y se están metiendo, y se están ensuciando las manos. Y cuando estás construyendo algo genial, tienes que ensuciarte las manos. Y luego puedes usar la etapa de refinamiento para hacer esas cosas ordenadas y claras y agradables y hermosas y profesionales. Porque el aspecto realmente profesional y la sensación profesional provienen de una construcción sólida y la construcción es desordenada. Entonces déjame animarte. Vamos a ensuciarnos. Vamosa ponernos rudos. Vayamos a las salas de audiencias del arte. Y luego, una vez que tenemos las cosas abajo y la piedra de cimentación sólida, entonces podemos enfocarnos en necesitarla, apretarla, pintar esos edificios, arquear esos pasteles para una metáfora. Bien, vamos a ensuciarnos. Vamos a seguir adelante. 4. Recuerda siempre una cosa: Antes de comenzar, hay algo muy crítico y de lo que hay que platicar. Y eso es esto. Cualquiera puede tomar un lápiz o un lápiz y hacer marcas. Pueden mover su brazo y pueden hacer líneas que pueden hacer trazos. Lo que pasa aquí es que el dominio y realmente lograr un alto nivel de profesionalismo tiene mucho más que ver con la teoría que con lo práctico. Porque claro, ¿ todos podemos hacer bien estas marcas? Y entonces lo que queremos hacer es entender la teoría a su alto nivel como sea posible para que podamos hacer efectiva cada marca que hagamos efectiva. Ahora estarás aprendiendo mucha teoría en el curso, pero sin embargo el costo también está lleno de actividades prácticas, demostraciones prácticas y luego mucho dibujo por hacer. Y puedes hacer este dibujo tradicionalmente usando lápices y papel, donde puedes usar Photoshop, puedes usar un iPad Pro con la app procreate o cualquier app de tu elección. El curso se ha formado en Photoshop solo por facilidad de grabación, pero esto no tiene relación con el medio que estás usando. Lo central es que comprendas cómo está dibujando la teoría crítica. Bueno, es un error común pensar que los artistas se sientan en cafeterías sacando la lengua con sus pieles de mole, libros de bocetos en un capuchino, solo el dibujo asombrosamente en este talento es fluyendofuera de ellos. Dibujar es una habilidad. No es un talento, es una habilidad aprendida, igual que leer y escribir. Y existimos hoy en una época en la que el grueso de la población carece de esta alfabetización visual. Y sí creo que unos 100 años, probablemente todos podrán dibujar bien. Pero en nuestra sociedad actual, tendemos a dar este santo honor o el sagrado honor de dibujar a dos personas que se consideraban talentosas. Quiero disipar ese mito ahora mismo. Es una habilidad aprendida. En esa nota, prepárese y humille para aprender algunas de las teorías clave del dibujo que necesita conocer. Y la belleza de esto es una vez que los conoces, los conoces, una vez que conoces la verdad, realmente no puedes mentirte a ti mismo mientras dibujas. Así que tómalo como un estímulo que poder dibujar bien se base en saber exactamente lo que estás haciendo. Y eso requiere mucha teoría. Y una vez más, como he dicho, a pesar de que hay mucha teoría, obviamente también hay un montón de prácticas. Entonces quiero que saques tus lápices, quiero que dibujes. Así que ten en cuenta estas cosas a medida que avanzas. Y vamos a llevarte totalmente a donde quieras estar en cuanto a tus habilidades de dibujo. 5. Estructura de arte básica: Hola chicos y bienvenidos al video de Art Basics. Este es el primer video del curso, y solo vamos a hablar de tres cosas básicas una manera muy sencilla al principio, y en el siguiente video realmente va a expandir tu pensamiento de estas cosas. Entonces, lo primero de lo que queremos hablar es la forma y lo que queremos decir cuando hablamos de forma. ¿Todo bien? Shape ready se refiere a 2D o I, tipo de formas gráficas, ¿verdad? Icono o gráfico, ¿verdad? Iconográfico. Realmente algo como esto, parte superior de círculo o un cuadrado. Cualquier cosa que sea un poco 2D, plana en la página, algo así, Eso es una forma. Todas estas cosas pueden ser formas. Estas son las formas, la forma de las cosas, la forma fundamental básica de algo, incluso algo que es 3D. Digamos por ejemplo, es simplemente hacer una especie de diseño más de 3D HD aquí. Es sólo una cabeza básica ruidosa. Incluso el diseño de este tiene una forma básica a la misma que el espectador verá. ¿ Bien? Entonces realmente solo esa forma básica, si la sombreabas, que era plana y ya no 3D. Tiene ese tipo de forma. Entonces eso es lo que la forma son las formas 2D o formas iconográficas. E incluso quizás 2D es demasiado. Son muy inundaciones casi como 1D porque realmente solo ves un lado de una forma. Como una forma es solo un tipo de cosa unilateral, ¿verdad? Lo siguiente que queremos mirar es la forma, ¿verdad? Y lo que queremos decir con formas. La forma es realmente tres formas 3D, múltiples lados. Así podemos ver múltiples lados del objeto. Entonces empezamos a usar palabras como esfera, ¿verdad? Entonces podemos imaginar que como bola es una esfera o un cubo. Entonces estas son formas y así sucesivamente en cualquier cosa. Podemos tratar de convertir cualquier cosa en una forma dándole múltiples lados. Así que ahora he añadido una elipse al final de esta cosa y tal vez se vea como especie de bocina, ¿verdad? Entonces es como que le ha dado más forma. Entonces podemos ver que hay múltiples lados y estos de hogares y cosas que generalmente forman parte de la Teoría de la Forma son cosas como perspectiva, lo que nos ayuda a entender un área espacial virtual, ¿verdad? Entonces nos da espacio para construir cosas en cosas como la iluminación, ¿verdad? Cuando añadimos luz y sombra a las cosas, como que indicamos la forma. Por ejemplo, si nos quedamos con los satélites y ponemos este lado y sombra, el espectador puede entonces proceder por, a través de estos dos planos, estos dos planos iluminados diferentes, que este es un lado y este es otro lado. Entonces esa es la forma. Entonces por último pero no menos importante, tenemos esta categoría llamada detalle. En detalle. En su mayor parte. Cosascomo texturas , texturas y tipos de materiales, que básicamente informaron las texturas. Tipos de materiales y cosas como el color, ¿verdad? Entonces estas cosas forman las texturas, los tipos de materiales, el color. Y por ejemplo, si esta fuera nuestra forma, y podemos ver que esta forma tiene esta forma a ella, que en realidad es algo así. Entonces podríamos decir, Bueno, hagamos de esto un bloque de piedra y le agregaré algunas texturas y tal vez estropeé un poco sus bordespara tal vez estropeé un poco sus bordes que se vea más pedregoso y parecido a la roca. Y obviamente si le agrego un color al gris o lo que tienes, esa sería la sección de detalles. Bien, así que en el siguiente video, vamos a discutir esto a fondo. Pero básicamente, esta es la estructura del arte. De muchas maneras. Tenemos forma en la parte inferior. Informan al detalle. Toma nota de cuánto espacio ocupa cada una de estas categorías en este tipo de pirámide teórica aquí. Y realmente te ayudará a entender cuáles son las partes más importantes de tu arte. Bien, profundicemos esto. En el siguiente video, te veré ahí. 6. ¿Qué es forma y detalle de forma?: Bien, al comenzar la sección de fundamentos del arte, vamos a echar un vistazo a la forma, la forma y los detalles. Y esto es realmente solo para solidificar la forma en que entiendes la estructura del arte. Y a una especie de supuesto que te dé algunas perspectivas sobre cómo ver el arte quizás de tres maneras diferentes, ¿verdad? Entonces lo primero que voy a ilustrar aquí es esto, este triángulo. Y el triángulo está hecho de tres partes. Es algo así como en orden de importancia. ¿Verdad? En la parte inferior, tenemos forma, en el medio nos hemos formado. Y en la parte superior tenemos detalles. ¿ Bien? Y cuando hablamos de cada una de estas categorías, lo que realmente queremos pensar es en toda la teoría del arte que relaciona con estas tres grandes categorías del arte. Formado, por ejemplo, se trata de composición. Se trata de tus formas iconográficas 2D. Se trata del dinamismo de tus formas. Se trata del lector de tus formas, siluetas y de todos esos diversos elementos, ¿verdad? Y por supuesto, la composición es sumamente fundamental, escribe sobre la forma de tus dorsales y así sucesivamente. forma básicamente se ocupa de la perspectiva, la luz y el dibujo en 3D en términos de ¿estás estableciendo formas sólidas que tengan sentido en un espacio? Y ese espacio está definido por la perspectiva, ¿verdad? Y en cuanto a la iluminación, iluminando objetos de una manera que se pueda ver su forma. Entonces la forma está relacionada con todo lo que nos da una percepción de tridimensionalidad. Y luego, por último, los detalles se refieren a tipo de tus texturas. Eres literal, detalles más pequeños de los objetos, así como el color, el color de las cosas. Bien, así que la forma en que quieres entender en teoría, la forma en que nuestra teoría es estructuralmente perno es en esta forma forma detalles tipo de modelo donde forma es la consideración más importante teóricamente, luego forma y luego detalles, ¿verdad? Pero solo tomemos esto, muévelo hacia un lado aquí, y agreguemos otro triángulo. Va a haber, vamos a tener tres triángulos, tres formas diferentes en las que ustedes deberían pensar sobre la estructura del arte, ¿verdad? Pongamos otro triángulo aquí. En realidad, vamos a hacer estos un poco más pequeños para que podamos encajar el tercero que veo. Bien, ahora, la segunda forma en la que quieres pensar sobre esto es la teórica, llamémoslo jerarquía. Bien, entonces cuando estás, cuando estás dibujando, quieres pensar, estar pensando primero en la forma, luego formado en detalles en términos de lo que es estructuralmente importante para la pieza. Sin embargo, su teoría de implementación. Teoría de la implementación. Así es como realmente vas a trabajar, ¿verdad? ¿Cómo estás? Oye, prácticamente vas a trabajar. Entonces podemos simplemente llamar a esto práctico también, ¿verdad? Y esto es básicamente forma y forma sucediendo simultáneamente. Te recuerdo, llamémoslo forma y forma. Eso es porque. Y luego, por último, esto sería detalles, ¿verdad? Y la razón por la que es forma de capataz es para el espectador y nosotros haremos el triángulo de los espectadores justo ahora. Pero básicamente necesitamos estar dibujando objetos 3D como realistas, ¿verdad? Entonces estamos haciendo realismo imaginativo o arte representacional como se le llama. Y así todo lo que hacemos necesita ser tridimensional, tiene sentido en el tiempo, en el espacio, en un lugar con iluminación y demás, ¿verdad? Y así siempre necesitamos formas. Pero podemos ver desde la jerarquía teórica que la forma es sumamente importante. Entonces necesitamos dibujar los formularios, pero luego dejar que la forma informe a las formas 2D de las formas. Entonces las siluetas de esas formas, ¿verdad? Sin embargo, vamos a profundizar un poco más adelante en términos de cuándo estamos haciendo dibujo práctico y cosas así. Pero es importante saber que queremos acercarnos a cómo dibujamos, como nuestro lado práctico del dibujo ya que tanto la forma como la forma suceden al mismo tiempo. Estamos pensando en estos al mismo tiempo. Y luego una vez que tenemos eso abajo, entonces hacemos detalles. Y los detalles en cuanto a dibujo realmente podrían ser el proceso de reembolso. Y eso sería como líneas limpias y todos los detalles y las lindas, hermosas líneas de cabello. Y este sería tu proceso rudo o tu plan. Aquí mismo puedes ver una pequeña imagen en el flujo de trabajo de cómo dibujaríamos. Hacemos un rudo y un plan que encarnaría la forma y la forma. Y luego el dibujo de reembolso en la parte superior se basaría en esas formas y formas que hemos hecho, agregándoles los detalles. Y entonces tendríamos un bonito dibujo terminado. Sólo una buena manera de pensar, ¿verdad? Esta es una jerarquía teórica. Esta es nuestra teoría de implementación y jerarquía de implementación si lo desea, comenzamos con la forma y la forma. Y luego hacemos detalles. Y en realidad permítanme aclarar realmente esto. Los detalles siempre son mucho más simples de hacer una vez que tienes una base sólida. Entonces creo que muchos artistas principiantes, sobre todo ahí, nos preocuparemos mucho por los detalles. Pero así es como queremos esperar a trabajar cuando se trata de hacer realmente el lado práctico del dibujo, ¿verdad? Mucho trabajo en las formas y las formas. Y entonces no necesitas tanto trabajo en los detalles para terminar. Aunque irónicamente, como nota al margen, esta, esta es la realmente la regla del 8020. Dicen que 80 por ciento de la obra toma 20% del tiempo para hacerlo, se puede ver 80% de la obra Sí, forma y forma. Sólo va a tomar 20% del tiempo hacerlo. Y a la inversa, los detalles, pesar de que son una especie de 20% del pensamiento y de la teoría, van a tomar el 80% del tiempo hacerlo porque terminarás gastando mucho más tiempo refinarel dibujo. Pero sólo se puede hacer eso sobre una base muy sólida, ¿ verdad? Que es forma y forma. ¿ Verdad? Entonces el último triángulo, que es agradable y terminado, sencillo de entender, es como ve el espectador. Entonces, digamos la perspectiva del espectador. Y esto es importante saber solo para que tengas una buena completa comprensión del tipo de estructura teórica de la teoría del arte o práctica y también cómo el espectador C60, el espectador realmente ve las cosas, yo diría de manera combinada. Pero en términos generales, verán las cosas como formas. Y esto se vería perjudicado así. Yo diría formularios y luego detalles. Y los espectadores, normalmente no están mirando la forma, la composición y la composición. Estoy hablando de tu típico espectador promedio. Incluso cuando tú mismo estás mirando obras de arte. Tienes este modo de apreciación del arte. Y ese modo es muy diferente al análisis de auditoría. Porque cuando estás mirando una pieza que realmente te gusta o tienes obras de arte, una pequeña carpeta de obras de arte o cualquier colección de algo. Bueno, a lo mejor es una carpeta grande. Quién sabe dónde tienes obras de arte coleccionadas. Cuando miras cosas que te gustaría, te enamoran dos de ustedes se venden. Se está logrando persuadirte de su verosimilitud. Y entonces realmente te das cuenta primero de los formularios y luego los detalles en segundo lugar. Y puedes ver aquí en este tercer triángulo, Vamos a etiquetar estos 123 Exit. Quizá no sea buena idea. Vamos a llamarlo a, b y c, ¿verdad? Te darás cuenta en este tercer triángulo, ¿por qué? Disculpe, ¿por qué los principiantes luchan tanto cuando empiezan a dibujar, verdad? Porque van en lo que han visto y lo que sólo han visto y creen que es cierto sobre el mundo son básicamente las formas y los detalles. Y generalmente tienen un peso igual. Así que intentarán dibujar algo que parezca una cabeza y luego la llenarán con ellos y luego los detalles. Ese es un problema común para principiantes. Pero sin embargo, cómo vemos las cosas es diferente de cómo hacemos las cosas. Y es diferente a la teoría de las cosas. Entonces otra forma de entender esto es una especie de receta de un pastel que es sustancialmente diferente de cómo realmente haces el pastel, ¿verdad? Y bastante sustancialmente diferente. Eso es demasiado alto. Degusta el pastel, ¿verdad? Entonces hay una ventaja ahí dentro y ojalá eso sea útil para ti. Entonces esta es esencialmente la estructura del arte. Y todas las obras de arte listas encajan en esto, no solo dibujos, dibujos , pinturas, paisajes, retratos, etc. Diseños de personajes, diseños de vehículos. Todo realmente cae en este tipo de estructura cuando estamos viendo cómo se hace ADH. Sin embargo, ese es más o menos el final de esta lección. Vamos a pasar a tecnicismos versus impacto emocional, que es una especie de tema de alto nivel en algunos sentidos. Pero ojalá esto te haya ayudado a entender las estructuras y realmente revisar constantemente este video y especialmente enfocarte en 0.2 en cuanto a cómo necesitábamos implementar una forma y una forma en el mismo tiempo, luego detalles. Y por favor sepa que vamos a entrar en detalles sobre los elementos de forma a medida que avanzamos por el curso. Entonces sabrás qué forma significa realmente, qué significan realmente las formas, qué significan realmente los detalles a medida que avanzamos por el curso. Fresco. Te veo en la siguiente lección. 7. Ver como un artista: Al aprender a ver como artista, queremos usar nuestro modelo teórico de forma, forma y detalle cuando estamos observando el mundo e intentamos ver las cosas que vemos en la realidad de esta manera, lo que nos ayudará a agarrar los detalles, agarrar la estructura, agarrar los diseños de lo que es lo que estamos buscando y metérnoslo en nuestras mentes y que realmente entendamos las cosas de una manera más compleja y menos simplista manera cuando estamos observando el mundo que nos rodea. Y la primera forma en que realmente queremos ver las cosas es mirar las cosas en pura forma de distancia. Estamos, estamos ignorando en los detalles e ignorando la iluminación y la tridimensionalidad. Y en realidad estamos mirando principalmente primero la silueta general de los objetos. Entonces voy a dibujar su silueta aquí. En un sentido general. Estamos viendo las formas formadas por la silueta y la asimetría de esa silueta. Y luego también entrando en las características y luego mirando las formas 2D planas básicas que se están haciendo sobre un objeto en particular que estamos observando. En especie de comenzar a reconocer solo estas formas planas y mirar las cosas de esta manera plana. Eso no quiere decir que quieras aprender las cosas de esta manera plana. Más bien, queremos usar lo que entendemos de estas formas planas para ayudarnos a entender muy bien las proporciones. Aquí solo estoy poniendo líneas alrededor de las grandes formas, las grandes formas internas, y simplemente sacando de ellas estos objetos bidimensionales muy planos, particularmente en la cara, y cubriremos proporcionesfaciales más adelante. Simplemente agarrando estas formas planas básicas que nos ayudan a posicionarlas, SaaS en el espacio ellas correctamente en la cara para que podamos tener caras atractivas y caras proporcionalmente agradables . Entonces realmente todas estas formas, por ejemplo, esta forma asimétrica realmente aleatoria aquí, la forma aquí, la forma aquí, esta forma roja en la parte superior. Esta es justamente la forma en que queremos ver los objetos. Una perspectiva o una lente si deseas que primero queremos mirar objetos en el mundo real, queremos mirar solo las formas generales que se están formando. Primero. A partir de eso, queremos entonces empezar a mirar los formularios. Las formas son realmente los elementos 3D definidos por la perspectiva y la iluminación. Y empezar realmente tratando de comprender cuáles son las formas básicas que están subyacentes a estos elementos. Entonces, por ejemplo, en la mano podríamos decir, bien, bueno, aquí hay una especie de forma esférica. Y estas formas vienen aquí abajo. Hay una especie de forma de mandíbula. Y ahí está la forma de las orejas. E imaginando cómo se verían los lados traseros de los objetos en los lados de los objetos y tener una idea del plano. Entonces por ejemplo, en su cabeza aquí, este es el plano frontal, este es el plano lateral. Tipo de rellenar los formularios aquí, aquí. Y tipo de imaginar cuál es la masa y el volumen de la estructura de solo la estructura básica de forma de ella, su espalda y su pecho aquí. Y dibujando a través de las cosas en tu mente e imaginando, por ejemplo, el brazo, tal vez el brazo es realmente solo un cilindro. ¿ Bien? Sólo un cilindro. Y entonces la propia mano puede ser algún tipo de bloque. Y mirando los objetos en la realidad e imaginando cuáles son sus formas básicas. Entonces aquí tenemos quizás otro cilindro otra vez, y el antebrazo también es otro cilindro. Y estoy dibujando por aquí para rellenar estas formas cilíndricas de los brazos. Entonces queremos tener una forma desde cuando estamos viendo las cosas en el mundo. Y finalmente, una vez que hemos observado las formas y las formas y estamos adquiriendo una idea de las formas y las formas tridimensionales, tridimensionalidad de los objetos. Nosotros entonces, entonces podemos echar un vistazo a los detalles, el color de la camisa, la textura de la piel, el color de los labios, el detalle de los dientes. Por ejemplo, los detalles en sus ojos, los detalles de su cabello, los mechones y todos los pequeños detalles finos. Realmente mirando cosas como la textura y cosas como el color y una especie de tener una idea de esas cosas. Y realmente son las últimas cosas de las que realmente queremos preocuparnos cuando estamos trabajando. Es así como queremos aprender a ver objetos. Queremos mirar las formas, luego las formas, y luego los detalles, y estar constantemente observando y estudiando las cosas de esta manera, descomponiendo estos elementos complejos en estos básicos categorías y ayudándonos a observar realmente el mundo más como artistas y realmente capturar e inspirarnos las cosas que vemos en la realidad. Sigamos adelante. 8. Habilidad técnica vs impacto emocional: En esta lección, vamos a ver los tecnicismos versus el impacto emocional. Ahora, de inmediato, impacto emocional, esa es una pieza que le tiene mucha emoción. Tiene un estado de ánimo y tiene una historia, y tiene sentimiento. Una pieza con estos elementos emocionales siempre ganará a una pieza que es más técnicamente correcta, pero carente de estos elementos emocionales. tecnicismos suelen ocurrir, por ejemplo, cuando alguien critica tu trabajo donde has visto con ser criticado, donde alguien dirá: Oye, ese brazo está dibujado incorrectamente o ese golpe está encendido sesgar o algo así. No obstante, si la pieza tiene suficiente de un elemento emotivo, suficiente sensación en ella. Muchas veces esto provoca ceguera en los espectadores, por así decirlo. Tal vez incluso una ceguera dispuesta que están dispuestos a desatender la corrección técnica solo por la alegría que están sintiendo o el ser emotivo, emotivo, o las emociones que están sintiendo por esa pieza en particular, ¿verdad? Los sentimientos que están recibiendo de la pieza. Ahora bien, eso no quiere decir que debamos abandonar todas las reglas técnicas y cosas así , sino más bien eso. Pero entendiendo cuán importantes son los elementos emotivos de una pieza, que podamos usar este conocimiento para aprovecharlo de una manera muy similar a la manera en que los poetas aprovechan las pérdidas poéticas, ¿verdad? Donde están inventando palabras y cosas que no existen. Las palabras no son técnicamente correctas pero el poeta la usa de tal manera que realmente solo se suma al poema. Y realmente no miramos, y a la gente no le fue bien, miren a este tonto inventando estas palabras aleatorias. Esto no existe como este tipo educó. No, vamos, guau, eso es bastante genial, palabra inventada y eso es increíble. Entonces, como que queremos aprovechar el impacto emocional de nuestras piezas. Y claro definitivamente inculcar tanta historia, sentimiento y emoción y trabajo como sea posible antes de liberarnos. En algunos aspectos, no es ser tan duro con nosotros mismos sobre los aspectos técnicos de una pieza en particular. Entonces, lo último que quiero decir también es que van a encontrar, como discutimos esto más adelante, que esto se relaciona mucho con la verosimilitud y realismo y la diferencia entre estas dos cosas y cuál es más importante en una obra de arte. Así que vayamos a la siguiente lección. 9. La historia es todo: En esta lección, vamos a estar hablando de que la historia lo es todo. Ahora sé que quizás en esta etapa del curso estás pensando como, guau hombre, aquí es donde ¿ alguna vez vas a hacer algún dibujo? Confía en mí, la mayor parte del curso está relacionado con el dibujo, pero esto es cosas es muy , muy importante saber, tener en tus mentes aprender, digerir. Así que realmente toma esto en serio y conservador, muy, muy importante. Bien, entonces la historia, ¿verdad? El primer gran punto es la visión. Si has hecho el curso de fundamentos del arte, o incluso si no lo has hecho, realmente no importa. La visión es tu preconcepción o estás conceptualizando el personaje que estás dibujando. Pensando en quién es el personaje. ¿ Dónde está el personaje, quizás en la escena carcelaria, en qué roles viven? ¿ Cuál es su personalidad? ¿ Cuál es la historia de la pieza que estás dibujando actualmente? ¿ Cuál es el sentimiento? ¿ Cuál es el estado de ánimo? ¿ Cuál es la expresión en su rostro? Cuál es la pieza que comunica la historia es extremadamente, extremadamente, extremadamente importante para crear una pieza que sea emotiva. Y como hemos aprendido en los tecnicismos versus impacto emocional, Mason, el impacto emocional es Rachel, en la creación de una pieza que resulta atractiva. En definitiva, realmente queremos crear obras que sean atractivas. Queremos que nuestro trabajo tenga atractivo. Esa es la capacidad de persuadir a alguien para que lo mire y que mantenga mirándolo y darle algo de alegría. O comunicarles completamente el mensaje de la pieza de una manera efectiva que financien satisfactoriamente. Ahora bien, una de las cosas más importantes que podría decirte sobre el arte, y voy a hacer todo lo posible para que esto sea lo más claro posible, es que te hayas dado cuenta de que la obra de arte en sí es solo el medio, ¿verdad? Parece obvio, ¿verdad? Pero déjame darte algunos ejemplos de libro es un medio, películas un medio y periódicos un medio y revista como medio, justo en es un medio. La música como medio, ¿verdad? Estos son solo médiums. La obra de arte con la que terminas de muchas maneras es solo el medio, ¿verdad? El mensaje, sin embargo, es esa cosa que estás comunicando a través del medio. Y el mensaje es muy, muy, muy importante. Como digo, los estudiantes constantemente, hacen algo genial. No hagas una obra genial, ¿verdad? No pienses en la obra de arte. Piensa en la cosa. ¿ Tienes pensamientos sobre la cosa en sí que estás creando? En nuestro caso, los personajes. Piensa profundamente en el personaje, quién es el personaje, qué lleva puesto el personaje, dónde están los personajes, cuál es su personalidad y así sucesivamente, ¿verdad? Hacer algo genial es mucho más importante que hacer una obra de arte genial, ¿verdad? El concepto en sí mismo debería ser bueno. Debe poder describirse con unas 100 palabras clave. Sabes, tienes un mal mensaje. Si sólo hay unas pocas palabras clave que podrían atribuirse a lo que se comunica a través del medio. Si haces una, si diseñas un gran personaje, debería poder ser comunicado manera efectiva y atrayéndome a través de cualquier medio. Sus argumentos dicen, digamos, digamos por el bien del argumento, un modelo 3D, o en un libro, o en un cómic, o en una pintura y una pintura hermosa, el concepto de personajes en sí debería mantener la mayor parte de la apelación y su implementación de eso debería ser suficiente para describir adecuadamente y hacer justicia al concepto que se le ha ocurrido. Entonces, una vez más, el arte es un medio. No es el mensaje, y el mensaje es extremadamente, sumamente importante. Y en nuestro caso, el mensaje es la historia y la historia lo es todo, ¿verdad? La historia lo es todo, sobre todo cuando hablamos de obras de arte de personajes. Espero que haya quedado muy claro. Sigamos adelante. 10. Believability vs realismo: En esta lección, vamos a estar hablando de dibujar para apelación. Ahora han mencionado la palabra apelación antes. He mencionado que trabajo tiene que ser atractivo. Pero de donde realmente viene esto es entre contrastar dos ideas diferentes. La primera idea es la verosimilitud. El segundo es el realismo. ¿ Tratamos de dibujar por el bien del realismo? O tratamos de dibujar por el bien de la verosimilitud y que es más importante. Si bien ojalá la respuesta sea obvia, algo puede ser muy real, muy realista, dibujarse con mucha precisión, muy técnicamente correcto. Pero si le falta verosimilitud, algo que está peor en esas categorías pero que es más creíble, siempre va a ganar. Queremos recordar esto cuando estamos creando a nuestros personajes esa verosimilitud en quizás su ropa, su pose, lo que están haciendo, quiénes son, es mucho más un factor significativo. Entonces Vim luciendo realista. La razón por la que quería hablar de esto ya que encuentro que muchos ya que encuentro que muchosestudiantes tienden a quedar atrapados en esta idea del realismo. Es esta cosa realista es lo que estoy dibujando realista. Estoy tratando de hacerlo tan realista o me cuesta hacerlo realista. Y ese no es realmente el problema. El problema es que necesitas averiguar cómo hacer que lo que estás dibujando sea creíble. Esto va de nuevo a la licencia poética en un sentido en el que podrías dibujar un poco la anatomía, pero si está un poco fuera pero creíble o completamente precisa, sería increíble. La gente siempre va a encontrar el dibujo más creíble más atractivo, ¿verdad? Entonces realmente piensa en esto, te contemplaste a ti mismo. Es solo una pequeña sección en la que quería entrar ahí, considerándose a ti mismo que las diferencias entre la verosimilitud y el realismo. Piénsalo, digiere un poco más. 11. Madurez como artista: En esta lección, me gustaría simplemente tocar algunos puntos sobre la madurez como artista que espero te sean alentadores y además solo te ayuden realmente en tu viaje de llegar a ser bastante caracterizado. El primero es que quiero animarte a que seas muy egoísta con respecto a tu otoño. Digo egoísta. No me refiero a no amar a los demás. Lo que quiero decir es realmente hacer el trabajo que quieres hacer y enfocarte en tu propio trabajo. No te preocupes por el trabajo de otras personas. No te preocupes por compararte con el arte ajeno. Nunca podrías ser ellos. Nunca podrías hacer lo que ellos hacen simplemente porque quieres que estén enfocados en tu propio trabajo, enfocados en tu propio estilo, enfocados en tus propios objetivos de auditoría. Eso es muy, muy importante. Cuando miras el trabajo de otra persona quizás, y las auditorías sientes que podría ser mejor de lo que lo miras en unos santos apreciativos y también ves lo que puedes aprender. Pero si hay algo contra lo que quiero advertirte , nunca, nunca, jamás , jamás compararte con otro honesto. Una vez más, no lo eres. Esa persona es muy probable que te sea imposible hacer el trabajo exactamente de la misma manera que ellos lo hacen. Simplemente no es posible. Tú no eres ellos. Quieres, te enfocas en tu propio trabajo y en tu propio yo en cierto sentido, en términos de cómo creas arte, crear arte que quieres hacer. Y al hacerlo, no le estás complaciendo a la tía que crees que la gente quiere ver. Bueno, eso podría impresionar a los demás, haz OT que te impresione. Creo que eso es principalmente de lo que quiero que obtengas de cuando digo, seas muy egoísta con tu propio trabajo, crea obras de arte que te impresione y que cumpla con los estándares que querrías de ti mismo. A continuación, me gustaría hablar del miedo. Ahora, no soy ajeno a temer a un arte, aunque tengo que decir en estos días, realidad no me preocupo tanto por ello. Por supuesto, todos experimentaremos miedo en el arte y la creación artística Hasta cierto punto. Lo primero que quiero decir es que si tienes la TM, si tienes la inclinación y si tienes los fondos para hacerlo, definitivamente compra un libro llamado injusto. Será muy, muy útil para ti y tu viaje artístico. Y definitivamente es una excelente lectura y cubre muchos de los temores que los riesgos de auditoría suelen sentir, bien. Así que definitivamente considerar comprar o inferior es un gran recurso, es un recurso muy valioso para ti. Lo segundo es que vas a tener que aprender a medida que estás dibujando y pintando que el fracaso no es algo a lo que temer. El fracaso es realmente maravilloso. Piensa en un chico que se quema en la estufa por primera vez, ¿verdad? En ese momento. Claro. Sí apesta. Es decir, se quemó y eso es horrible. Pero ha aprendido algo bastante valioso de esa experiencia. Y es poco probable que esto vuelva a cometer ese error, ¿verdad? Entonces lo que quiero animarles a que hagan es que comiencen a convertirse en amigos. Sé valiente, sé valiente. No mires una página en blanco y la inquietud. No te preocupes por dibujar. Lo pospongé por pospórtelo porque te preocupa que no sea bueno. ¿ A quién le importa el bien? ¿ Qué es bueno? O sea, ¿tenemos varios ideales y estándares de lo que nos sentimos bien es, puede variar de persona a persona. Siempre y cuando estés aprendiendo la teoría, practicando a diario, basado en la teoría, adquirirás habilidad en el arte. Así que no tienes que preocuparte por ser bueno o están creando una buena pieza. Simplemente crea el trabajo que deseas crear. Y horas extras, llegarás a un lugar donde te das cuenta que has llegado a donde querías estar en tu arte. En definitiva, a eso se va a bajar. Vas a querer estar en alguna parte y vas a tener que hacer un viaje para llegar allí. Así que suelta tu miedo. A lo mejor es demasiado fácil decirte eso para dejar ir tu miedo. Pero quiero animarte, tienes que ser valiente. Tienesque ser valiente. Y lo que es más importante, hay que estar dispuesto a fallar. Hay que estar dispuesto a fallar mucho. Si no estás dispuesto a fallar y no te gusta el sabor del fracaso, quizás extraño no sea para ti. Por último, quiero hablar de lo relacionado con el miedo a la capacidad técnica. Esa es tu capacidad para dibujar buenas líneas, para entender las espumas, para implementar la teoría correctamente. La habilidad técnica es mucho una cosa aprendida. Es una cosa muy aprendida. Aprendes la teoría, implementas ejercicios que te basaste en tu cerebro, y eventualmente se convierte en parte de ti. Cuando se convierte en parte de ti, empiezas a hacer dibujos. La gente mira tu trabajo y piensa que es magia salir de ese lápiz. Pero realmente es solo repetición de la teoría constantemente martillándola en tu cerebro que eventualmente eres capaz de convertirla en parte de ti. Entonces quiero que no tengas miedo de hacer arte porque te preocupa tu habilidad técnica. Realmente es una cosa técnica. Una vez más, recuerden, ADH es un médium. Entonces, cuando estás aprendiendo a implementar en este medio, realmente es solo un proceso de, bueno, esto es, esto funciona y esto no funciona. También quiero agregar eso cuando estamos hablando de dibujo de personajes o dos, cuando algo que sea un poco realista, ¿verdad? Nos estamos diferenciando sustancialmente de las personas que hacen arte abstracto, extraño y posmoderno y esos otros tipos de formas artísticas, realmente somos realistas. Y la belleza del realismo. El realismo es reglas. Se aprenden las reglas, se implementan las reglas. Te pones mejor en el arte. Así que realmente no temas dibujar y crear arte y tal vez incluso completar este curso porque te preocupa tu habilidad técnica, verás a menudo causas completas que vas tenerlas herramientas que necesitas, las herramientas teóricas que necesitas para comenzar a practicar y refinar la habilidad técnica en ella. Sólo un arma de arte bellamente elaborada , digamos, si lo deseas. Encontrarás que el curso te proporcionará muchas herramientas que puedes usar para refinar realmente tu habilidad técnica a algo realmente hermoso y enviándolo realmente trabaja para ti. 12. Estudios de arte y creación de arte: En esta lección, vamos a hablar nuestros estudios versus fuera de la creación, quizás ni siquiera versus cuál es la diferencia entre estas dos cosas. Ahora bien, en realidad es muy importante que tengamos una idea muy clara en nuestra mente qué son los estudios de arte y qué debe ser la creación. Porque esto en realidad va a relacionarse con nuestros niveles de miedo sobre el arte y no cometer errores. Hay mucho miedo en la creación de arte, ¿verdad? Los estudios de arte son todo trabajo que hacemos para aprender. Ejercicios, bocetos y nuestros cuadernos de bocetos, dibujos de gestos cuando estás en una cafetería. Bocetos conceptuales y rugas antes de hacer las hojas de diseño conceptual adecuadas para un personaje y así sucesivamente. eso se deben hacer los estudios, eso hecho por nosotros mismos. En términos generales, están hechos para aprender. Están hechos para observar cosas, para hacer notas visuales. Eso es lo que no son los estudios todos. Especialmente cuando estás haciendo en el escenario y haciendo ejercicio. Quiero animarte. Por favor, no tengas miedo de dibujar o preocuparte por cómo se ve. Realmente no importa cómo se vea. Lo que importa es que estés haciendo buenas notas observacionales y visuales sobre lo que estás haciendo. Entonces eso es lo que todos los estudios sobre creación en el otro extremo, por supuesto, es la creación de la obra principal, ¿verdad? Sin embargo, no está creado para el aprendizaje. Aprenderás cosas cuando estés creando cosas. Pero toda la creación es el proceso de crear una hermosa obra de arte, ojalá una pieza de arte atractiva con una historia buena y fuerte. Entonces solo una nota rápida, solo un video rápido sobre asegurarse en tu mente que lo tienes muy claramente dividido. Ot estudios es una cosa. La creación de arte es otra cosa. Y cuando estés trabajando, asegúrate de saber lo que estás haciendo. Estoy haciendo un estudio desde estoy haciendo arte. Haciendo arte. Quieres estar en un mes siéntate. Y si estás haciendo estudios, quieres estar en una mentalidad totalmente intrépida. 13. Arte imaginativo y observacional: Echemos un vistazo rápido arte observacional y al OT imaginativo, cuáles son las diferencias, y también cómo se vincularon. Entonces, el arte observacional es básicamente una obra de arte que se realiza observando algo, recreándolo en la página y luego posiblemente agregándole tu propio giro, dramatizándolo un poco. Pero principalmente la obra fue creada haciendo referencia a algo directamente. Imagina si por otro lado, se hace principalmente fuera de tu cabeza, ¿verdad? Estás imaginando cosas, ideas, lugares, personajes, etc., y luego tratando de implementarlos en la página. Ahora, imagina si extraño requiere mucha teoría, necesitas realmente tener un agarre firme sobre teoría para que sepas cómo implementar y también arreglar reimaginado de obras de arte que estás creando. Auditorías observacionales, extremadamente útiles para artistas imaginados. Y en este curso se trata realmente de arte imaginativo, arte imaginativo de personajes. Es decir, porque usamos observación en nuestros estudios cuando estudiamos ropa, cuando estudiamos posando, cuando estudiamos anatomía, estamos estudiando peinados, auditorías observacionales, un herramienta de estudio masivo para nosotros. Sin embargo, el arte observacional no es el arte real para nosotros. Y ese es un punto muy clave. En este curso. Somos artistas firmemente imaginativos, pero tanto artistas imaginativos como observacionales hacen uso de referencias, ya sean las referencias de información visual en tu mente o información visual frente a ti. Y claro, definitivamente hay artistas que utilizan ambos con una mezcla de elementos de la realidad, con elementos de imaginación. 14. Dibuja a los personajes 101: Hola chicos, y bienvenidos al video resumen para el módulo uno. Y era un módulo muy hablador, pero no tienes que preocuparte. El resto del curso se trata realmente dibujar cosas prácticas antiguas y no del tipo mental de cosas teóricas en las que hay que estar pensando. Pero sin embargo, vamos a resumir el módulo uno. Por favor, tome notas si aún no ha comenzado a tomar notas y entremos directamente en ello. Entonces, lo primero que queremos echar un vistazo rápido es SFD o detalle de forma conformada. Y resumir que en tres triángulos, estructura y forma siendo la sección más grande forma y luego detalle. Y este primer triángulo es una especie de OT, teoría, ¿verdad? Cómo queremos pensar sobre la teoría de la estructura de las imágenes o la teoría. Y también una buena manera de pensar sobre esto es como pensamos, ¿verdad? Y por nosotros, quiero decir artistas, cómo pensamos. El segundo triángulo es cómo creamos arte, ¿verdad? Entonces esta es la Teoría de la Implementación. Implementación de mi teoría de escritura a mano. Y realmente esto es lo que queremos dedicarnos a una especie de forma. Pongamos la forma aquí primero, forma y la forma pensando al mismo tiempo y luego haciendo los detalles después. Y así es básicamente como dibujamos. ¿ Bien? Y luego por último pero no menos importante, esta es la, cómo ve el espectador, cómo ve las piezas y cómo vemos el arte cuando estamos en nuestra mentalidad de apreciación, mentalidad cuando estamos mirando el arte que admiramos. Y es una especie de 5050 dividido entre detalle y forma. V0 realmente no nota la forma, ¿verdad? Y como sabemos, la forma es extremadamente, sumamente importante. Voy a volver a enfatizar y a medida que vayamos por el curso, te darás cuenta de por qué, Porque la forma tiene todo que ver con la composición. Y es una especie de razón oculta por la que las obras de arte se ven bien, se sienten bien y comunican ciertas cosas, ¿verdad? E incluso permea en la sección de forma en cuanto a paisajes y cosas así. Y así es realmente como ve la gente, ¿de acuerdo? Cómo la gente ve o ve el arte. ¿Bien? Probablemente las cosas también en la vida, pero no quiero meterme en eso. Entonces esa es realmente nuestra teoría de forma en detalle y realmente estructura todo también implica un flujo de trabajo que veremos más adelante. Entonces, eso es, eso es todo. Vamos a mover esto a un lado. Lo siguiente es la habilidad técnica versus el impacto emocional, ¿verdad? Entonces pongamos una burbuja aquí, y llamemos a esto impacto emocional. Y vamos a poner otra burbuja, un poco más pequeña aquí. Habilidad técnica. El resumen de esto realmente es que mientras estás en un mundo ideal, querrás tener un split 5050. El impacto emocional siempre será más pesado que la habilidad técnica. Y definitivamente ves esto en muchos libros infantiles y muchas caricaturas populares y cosas. Son muy planos, a menudo carentes, pero tienen un enorme impacto emocional en el atractivo de la estructura de la obra, que a menudo supera cualquier tipo de criterio técnico que no están cumpliendo. Así que recordemos siempre que el impacto emocional es muy importante. Queremos hacer un impacto emocional primero cuando estamos pensando en conceptualizar a nuestros personajes. Y luego queremos habilidad técnica para tratar comunicar eso al espectador de la manera más efectiva. Pero si 5050 sería ideal, eso o un 100100 incluso pero 5050 dividió eso. Estás obteniendo el impacto emocional y estás obteniendo la habilidad técnica. Y entonces deberías tener una pieza realmente genial, bien equilibrada en ese sentido. ¿ Verdad? Pasemos a la historia. Lo es todo, ¿verdad? Sólo voy a escribir esto muy grande aquí. La historia lo es todo. ¿ Bien? Entonces, una vez más, la historia siendo todo es realmente que la historia, el sentimiento y la emoción y la envidia, la cosa misma del arte, ¿verdad? El concepto de la historia de Arthur de ese concepto y cómo hace sentir a la gente cuando se comunica con la gente. El estado de ánimo, la expresión y todas esas cosas lo son todo cuando se trata de la obra de arte, esto obviamente sí que se relaciona con el impacto emocional. Y realmente la historia lo es todo. Si tienes una gran historia, pero tiene una mala implementación. Sigue siendo una gran historia. Sí, a lo mejor la implementación no es genial, pero la historia sigue siendo genial. Tienes una historia muy pobre. Mala alimentación, mal humor, mala emoción y gran implementación. Parece una pieza muerta. Parece una buena pieza de manera técnica, pero está muerta y no va a enaminar. Cualquiera los obligará a mirar más tiempo. Y simplemente no sería realmente un giro de cabeza o una pieza de trabajo popular. Lechs abarrotados apelan porque no tiene una historia atractiva. Bien, hablemos de creíbilidad versus realismo. Ahora bien, esto no quiere decir que no hagamos arte realista, o que estemos tratando de hacer que obras parezcan estar en el tiempo, en el espacio, en la tridimensionalidad. Sepa, realmente esta sección se trata solo de que entiendas que tener una obra de arte que sea creíble supera tener una obra de arte que es extremadamente realista. Realista no equivale al bien, la creíbilidad es igual al bien. Y cuanto más creíbles los trabajadores y más creíble es la historia en la parte de la historia es y el sentimiento y el impacto emocional. Todo esto ayuda en la verosimilitud de una obra de arte sea súper tolva real. Y probablemente hayas visto super hopper renderizó modelos 3D de algo, pero el modelo simplemente parece muerto. Se ve estático. Sí, se ve muy real, pero no se ve vivo. Y todo eso viene de la historia del sentimiento, la emoción, la verosimilitud que se ha puesto en la pieza de trabajo. Y así es realmente de lo que trata esa sección. ¿Verdad? Pasemos a los estudios de arte y a la creación de arte, ¿verdad? Entonces, una vez más, los estudios de arte son realmente solo dibujos con los que hacemos completamente, sin miedo, completamente con FEF para aprender. Nosotros hacemos estos no son estudios para aprender. Son los bocetos que podríamos hacer en una cafetería. Los dibujos observacionales que hacemos en el desarrollo de bibliotecas visuales, los cuales aprenderás a continuación. Pero cuando estamos tratando de expandir nuestra biblioteca visual, cuando tratamos de entender mejor el mundo, observar el mundo, tomar referencia del mundo y comprender mejor los diseños. Sus estudios de arte, creo que deletreé que los estudios equivocados. Y realmente, no quiero que ustedes se estresen por estudios impares. Simplemente hacer los estudios no importa cómo se vea. Todo lo que importa es que estés observando y que estés aprendiendo. Y luego extraña creación. Y la razón por la que estoy haciendo esta división muy particular entre los dos es que si sientes, si tienes todos estos sentimientos de miedo a los buenos dibujos y esas cosas cuando se trata de estudios de arte, vas a, va a entorpecer tu aprendizaje. No vas a aprender rápido porque te preocupa que se vea bien. Te preocupa que seas un buen artista, te estás aplastando a ti mismo. Si tienes alguna habilidad o talento en absoluto, si debería estar haciendo esto y así sucesivamente y así sucesivamente. No queremos que falte con nuestra velocidad de aprendizaje y nuestro progreso de aprendizaje ¿verdad? Ahora. Creación extraña, sí, hay miedo, pero la creación extraña realmente está haciendo buen arte, ¿verdad? Haciendo el Bien, el buen arte. Nosotros sí queremos que se vea bien. Nosotros sí queremos que tenga derechos de apelación, y queremos que tenga un acabado profesional. Entonces es diferente a los estudios de arte y quieres aprender a, gritos, estaba pensando en la palabra feria. Se quiere aprender a evitar tener miedo en esta etapa. Y una de las formas en que evitamos tener miedo en creación de arte es tener un flujo de trabajo sólido, ¿verdad? Tener un mapa sólido, saber qué hacer cuando estamos creando arte. Entonces cuando cometemos errores o estamos confundidos acerca de qué hacer a continuación, tenemos el mapa y nos damos cuenta, bien, necesito hacer esto, esto, esto, o esto se puede arreglar de esta manera, ¿verdad? Y entonces eso quita el miedo. Quiero decir, muchas veces el miedo viene de no saber, ¿verdad? Y así con una pregunta extraña, tenemos flujos de trabajo que te ayudan a saber exactamente lo que necesitas hacer. ¿ Bien? Y luego por último pero no menos importante, arte imaginativo y observacional. Así que voy a usar este pequeño espacio en la parte superior de aquí. Arte imaginativo o realismo imaginativo, ¿verdad? Llamémoslo realismo imaginativo es una obra de arte que hacemos desde nuestra imaginación. Y el arte observacional es prácticamente la mayor parte del tiempo. La obra de arte que ves chicos haciendo en tiendas callejeras en la calle, copiando fotos, gente copiando fotos de su familia, gente haciendo pinturas con una familia en niños pequeños y gente y cosas como eso. Y la gente simplemente pintando paisajes del planeta del mundo real como ellos los llaman, eso es observacional. El impar observacional es en muchos sentidos significativamente más fácil que el realismo imaginativo. Porque en el realismo imaginativo, necesitamos toneladas de teoría. Toneladas de teorías para que realmente podamos entender cómo pintar estas cosas simplemente sin ninguna referencia si necesitamos escribir. Y en términos generales, dependiendo de la autoauditoría que seas, podrías trabajar así. Y el artista observacional realmente puede, en gran medida, simplemente copiar lo que tiene frente a ellos. Y también que creo que la gente normal, digo que la gente normal y los no artistas no se dan cuenta que las auditorías observacionales en realidad son bastante sencillas. Todo lo que realmente tienes que hacer es observar y recrear exactamente lo que has observado, recrear las medidas, recrear los valores, recrear los colores, los tonos, o cualquiera que sea el caso. Todas las líneas son, los bordes, son las formas que estás viendo. Simplemente recrear en las medidas correctas entre sí, en las proporciones correctas entre sí. Y en general, cualquiera puede hacer esto con un poco de práctica de simplemente copiar cosas, ¿verdad? Y vamos a estar haciendo algunos desarrollos de promedio visual de auditoría observacional en el módulo dos para ayudarnos a aprender y hacer crecer las bibliotecas visuales. Sin embargo, también puedes obtener un híbrido de realismo imaginativo y modo observacional donde conoces toda la teoría del arte y todas las reglas. Y entonces usas n cosa observada como una persona o un paisaje. Y usas la teoría imaginativa para agregar drama para amplificar e impulsar el mundo observado. Y realmente vas a dramatizar lo que estás viendo. Sin embargo, este curso se encuentra sólidamente en el territorio del realismo imaginativo. Y obviamente cosas como arte para previsualización de animación, arte conceptual para personajes, diseños de personajes estilizados, arte manga, arte cómico y cosas así. Tan imaginativo, real ¿no está bien? Y vamos a estar aprendiendo esta tonelada de teoría, al menos en términos de diseño de personajes. Bien, eso es todo para el video de resumen, Pasemos al módulo dos. Espero que estés emocionado. Va a ser un módulo realmente increíble. Empecemos.